Nel 1934, al Congresso di All-Union degli scrittori sovietici, Maxim Gorky formulato i principi di base del socialismo come metodo della letteratura e dell'arte sovietica. Questo momento l'inizio della nuova era dell'arte sovietica è datazione, con un controllo ideologico più rigoroso e schemi di propaganda.

Principi di base:

• - Natura. Di norma, gli eroi delle opere socialmente realistiche divennero lavoratori della città e dei villaggi, dei lavoratori e dei contadini, dei rappresentanti dell'Intelligia tecnica e del personale militare, dei bolscevichi e del non-partigiano.
• - idea. Mostra una vita tranquilla del popolo, cerca modi per una nuova, migliore vita, azioni eroiche per ottenere una vita felice per tutte le persone.
• - Concretezza. Nell'immagine della realtà, mostra il processo di sviluppo storico, che a sua volta deve essere conforme alla comprensione materialistica della storia (nel processo di modifica delle condizioni del loro essere, le persone cambiano la loro coscienza, atteggiamento verso la realtà circostante).

Negli anni, seguita dalla presente decisione del Comitato Centrale del PCC (B) sulla ristrutturazione delle organizzazioni letterarie e d'arte, sono stati tenuti un certo numero di eventi importanti volti allo sviluppo dell'arte nella robusta necessaria per lo Stato. La pratica degli ordini di stato, i viaggi di lavoro creativi, la disposizione delle mostre tematiche e degli anniversari su larga scala si stanno espandendo. Gli artisti sovietici creano molte opere (pannelli, monumentali, decorativi) per il futuro di VDNH. Ciò significava una fase importante della rinascita dell'arte monumentale come indipendente. In questi lavori, è diventato ovvio che la spinta dell'arte sovietica alla monumentalità non è casuale, ma riflette le "grandi prospettive per lo sviluppo di una società socialista".

Nel 1918, Lenin in una conversazione con K. Zetkin ha identificato i compiti dell'arte nella società sovietica: "L'arte appartiene alla gente. Dovrebbe andare alle sue radici più profonde nei più grandi lavoratori di massa. Dovrebbe essere chiaro queste masse e amate da loro. Dovrebbe combinare il sentimento, il pensiero e la volontà di queste masse, sollevali. Dovrebbe risvegliare gli artisti in loro e svilupparli. "

Nel periodo in esame, insieme alle aree dell'arte già esistenti, diverse fondamentalmente nuove nuove, ad esempio, è apparsa all'avanguardia.

Come parte dello stile monumentale, la scultura è il più grande interesse. Come tutte le altre direzioni in Arte Sovietica, la scultura del periodo ha avuto l'orientamento della campagna e il contenuto patriottico delle trame. Piccola importanza per lo sviluppo della scultura è stata svolta dal piano Leninsky della propaganda monumentale, adottata nel 1918. In conformità con questo piano, i monumenti che si propagano di propagare nuovi valori rivoluzionari sono stati stabiliti in tutto il paese. Per il lavoro, gli scultori prominenti sono stati attratti: n.a. Andreev (che successivamente è diventato il creatore dei leniniani scultorei). Un altro scultore prominente di questo periodo è Ivan Shadd. Nel 1922, ha creato le statue "lavoratore", "fogna", "contadina", "armiera rossa". L'originalità del suo metodo è una generalizzazione dell'immagine basata su una stringa di genere specifica, una potente modellazione di volumi, espressività del movimento, pathos romantico. Il lavoro più brillante è "un ciottolo - l'arma del proletariato. 1905 Anno "(1927). Nello stesso anno, il monumento a Lenin è installato sul territorio della centrale idroelettrica nel Caucaso, il monumento a Lenin è "uno dei migliori". La fede Mukhina è formata anche come maestro nel 20 °. Durante questo periodo, crea un progetto di un monumento "il lavoro liberato" (1920, non conservato), "contadino" (1927). Da maestri più matti, il lavoro di Sarry Lebedeva, che ha creato ritratti. Nella sua comprensione della forma, tiene conto delle tradizioni e dell'esperienza dell'impressionismo. Alexander Matveyev è caratterizzato da chiarezza classica nella comprensione del quadro strutturale di materie plastiche, armonia delle masse scultoree e il rapporto tra volumi nello spazio ("donna spogliata", "donna che mette su una scarpa"), così come il famoso "ottobre" (1927), dove la composizione di 3 uomini nudi comprendeva nelle figure della composizione - una combinazione di tradizioni classiche e l'ideale del "uomo dell'epoca della rivoluzione" (attributi - falce, martello, budenovka).

Tipi di arte capaci di vivere per le strade, nei primi anni dopo la rivoluzione, ha svolto un ruolo cruciale nella "formazione della coscienza sociale ed estetica della gente rivoluzionaria". Pertanto, insieme a una scultura monumentale, lo sviluppo più attivo ha ricevuto un poster politico. Si è rivelato l'arte più mobile e operativa. Durante il periodo della guerra civile, questo genere era caratterizzato dalle seguenti qualità: "La nitidezza del deposito del materiale, una reazione istantanea per cambiare rapidamente eventi, l'orientamento della campagna, che ha sviluppato le caratteristiche principali del linguaggio di plastica di il poster. Si sono rivelati laconici, la convenzionalità dell'immagine, la chiarezza della silhouette e del gesto. I poster erano estremamente comuni, stampati con grandi circolle e sono stati di stanza ovunque. Un posto speciale nello sviluppo del poster è le finestre della satira di crescita, in cui il ruolo eccezionale è stato giocato da Cheremny, Mikhail Mikhailovich e Vladimir Mayakovsky. Questi sono poster realizzati da stencil dipinti a mano e con iscrizioni poetiche nel giorno del male. Hanno svolto un ruolo enorme nella propaganda politica e divenne una nuova forma figurativa. La decorazione dei festeggiamenti è un altro nuovo fenomeno dell'arte sovietica che non aveva la tradizione. Le vacanze includevano l'anniversario della rivoluzione di ottobre, 1 maggio, 8 marzo e altre vacanze sovietiche. Ha creato un nuovo tipo di arte non tradizionale, grazie alla quale la pittura ha acquisito un nuovo spazio e funzioni. Per le vacanze, sono stati creati pannelli monumentali, che erano caratterizzati da un enorme pathos monumentale-agitazionale. Gli artisti hanno creato schizzi di spazio e strade.

Nel design di queste vacanze, Petrov-Vodkin, Kustodiev, E. Lancere, S. V. Gerasimov.

Arte sovietica e riconoscimento dello maestri del pittura sovietica di questo periodo in due gruppi:

• - Artisti che hanno cercato di catturare le trame con il solito raffinato linguaggio di visualizzazione fattuale;
• - Artisti che hanno usato una percezione della modernità più complessa e figurativa.

Hanno creato i simboli delle immagini in cui hanno cercato di esprimere la loro percezione "poetica e ispiratrice" dell'era nel suo nuovo stato. Konstantin Jun ha creato una delle prime opere dedicate all'immagine della rivoluzione ("Nuova pianeta", 1920, GTG), dove l'evento è interpretato in una scala esterna universale. Petrov-Vodkin nel 1920 ha creato l'immagine "1918 a Petrogrado (Petrograd Madonna)", risolvendo problemi etici e filosofici in esso. Arkady Flylov, come credeva nel suo paesaggio "nel blu spazioso" (1918), pensa anche simbolicamente, esprimendo il "forte respiro dell'umanità, fuggito in immense distese del mondo, alle scoperte romantiche, alle esperienze libere e alle forti esperienze. "

Nuove immagini sono anche tracciate nel grafico. Nikolai Kreyanov "In una tecnica complessa, incisioni in legno cerca di esprimere le loro impressioni della rivoluzione" ("Armoroviki", 1918; "Vollean Aurora", 1920). Negli anni '30, la pittura monumentale è diventata il legame obbligatorio dell'intera cultura artistica. Dipende dallo sviluppo dell'architettura e con fermezza è stato collegato con esso. Le tradizioni pre-rivoluzionarie sono continuate in questo momento, l'ex Miriskusnik Evgeny Lancere - il dipinto della Sala dei ristoranti della stazione di Kazan (1933) dimostra la sua brama per la forma mobile barocca. Rompe il piano aereo, espandendo lo spazio all'esterno. Deineka, che contribuisce anche un grande contributo alla pittura monumentale, funziona in modo diverso. Le sue stazioni a mosaico "Mayakovskaya" (1938) sono create utilizzando uno stile moderno: la nitidezza del ritmo, la dinamica dei punti colorati locali, dell'energia angolare, della convenzionalità delle figure e degli oggetti. Argomenti per lo sport. Il programma favorsistico e famoso, ha anche contribuito alla pittura monumentale: ha applicato il suo sistema per costruire una forma sviluppata in un'illustrazione di libri, a nuovi compiti. I suoi murales del museo e del museo degli infanzia (1933, insieme a Lvom Bruni) e le case dei modelli (1935) mostrano una comprensione del ruolo dell'aereo, il collegamento dell'affresco con l'architettura con un sostegno per l'esperienza dell'antico Pittura russa. (Entrambe le opere non sono conservate).

Lo stile dominante nell'architettura dei 20 anni è stato costruttivismo.

I costruttivisti hanno provato a utilizzare nuove funzionalità tecniche per creare moduli semplici e logici, funzionalmente acquisiti, opportune strutture. Un esempio dell'architettura del costruttivismo sovietico può servire come i progetti dei fratelli della primavera. Il più ambizioso di loro è il palazzo del lavoro e non è stato incarnato nella vita, ma ha avuto un impatto significativo sullo sviluppo dell'architettura domestica. Sfortunatamente, i monumenti architettonici sono stati anche distrutti: solo negli anni '30. La Torre di Sukhareva, la Chiesa di Cristo Salvatore, i camini del monastero nel Cremlino, il cancello rosso e centinaia di chiese urbane e rurali senza riserve, furono distrutte a Mosca, e molti dei quali erano un valore storico e artistico.

In connessione con la natura politica dell'arte sovietica, vengono create molte associazioni e gruppi artistici con le loro piattaforme e i loro manifesti. L'arte era nella ricerca ed era diversa. I gruppi principali erano AHRR, OST, così come "4 arti". L'Associazione degli artisti della Russia rivoluzionaria è stata fondata nel 1922. Il suo kernel era l'ex telefono cellulare, il cui modo ha avuto una grande influenza sull'approccio del Gruppo - una lingua realistica che amichevole di movimento della vita, "camminando verso il popolo" e le esposizioni tematiche. Oltre a quelle immagini (dettate dalla rivoluzione) per AHRR, il dispositivo è stato caratterizzato da un dispositivo di mostre tematiche come "vita e vita dei lavoratori", "vita e vita dell'esercito rosso".

Master Masters and Lavori di raggruppamento: Isaac Brodsky ("Performance di Lenin su Pensilovsky Plant", "Lenin a Smolny"), Georgy Ryazhsky ("Delegate", 1927; "Presidente", 1928), ritrattista Sergey Malyutin ("Ritratto di Furmanova" , 1922), Abram Arkupov, Abram Arkupov, Efim Chererts ("Meeting delle celebrazioni", 1924), Vasily Yakovlev ("Trasporto è costituito", 1923), Mitrofan Greco ("Tachaca", 1925, dopo "su Kuban" e "Kubachi First Equestrian" , 1934). La Società di Stankvisti, fondata nel 1925, comprendeva artisti con meno conservatore dal punto di vista della pittura vista, principalmente studenti in vhowemas. Questi erano: Williams "Amburgo rivolta"), Deineka ("presso il cantiere di nuovi workshop", 1925; "Prima di scendere nella miniera", 1924; "Difesa Pietrogrado", 1928), Labas Luchishkin ("La palla volava via "," I Love Life "), Pimenov (" Industria pesante "), Tyshler, Sterleberg e così via. Hanno sostenuto lo slogan della rinascita e dello sviluppo del dipinto della macchina, ma non sono stati focalizzati sul realismo, ma l'esperienza dei moderni espressionisti. Da quelli erano vicini all'industrializzazione, alla vita della città e dello sport. La società "Four Arts" fu fondata da artisti che in precedenza erano nel mondo dell'arte e una rosa blu, che si prendeva cura della cultura e della pittura del linguaggio. I membri più importanti dell'Associazione: Pavel Kuznetsov, Petrov-Vodkin, Saryan, Favorsky e molti altri maestri eccezionali. Per la società, uno sfondo filosofico con un'espressione plastica adeguata è stata caratterizzata. La società degli artisti di Mosca comprendeva ex membri delle associazioni "Pittori di Mosca", "Makovets" e "Genesis", così come membri del "Bubnoy Valt". Gli artisti più attivi: Peter Konchalovsky, ilya Mashkov, Lentulov, Alexander Kuprin, Robert Falk, Vasily Christmas, Osmertkin, Sergey Gerasimov, Nikolai Chernyshev, Igor Grabar. Gli artisti hanno creato dipinti "tematici" usando il travagliato "bubnovo-valtovsky" e così via. Tendenze della scuola d'avanguardia. Il lavoro di questi gruppi era il sintomo che la coscienza dei maestri della vecchia generazione stava cercando di ristrutturare sotto nuove realtà. Negli anni '20, si sono svolte due mostre su larga scala, che hanno assicurato le tendenze - al decimo anniversario di ottobre e l'esercito rosso, così come la "mostra d'arte dei popoli dell'URSS" (1927).

La principale sfera dello sviluppo della letteratura negli anni '20. Indubbiamente, c'è poesia. Nella forma di una vita letteraria in molti modi è rimasta la stessa cosa. Come all'inizio del secolo, il tono è stato chiesto da cerchi letterari, molti dei quali sono sopravvissuti al bloodstand e continuarono a operare nei 20 anni: simboistici, futuristi, acmeyst, ecc. Ci sono nuovi cerchi e associazioni, ma la rivalità tra loro ora andare oltre le sfere artistiche e spesso acquisisce la colorazione politica. Il più importante per lo sviluppo della letteratura era l'associazione di RAPP, "Pass", "Serapionov Brothers" e Lef.

Rappa (Associazione russa degli scrittori proletari) è stata presentata presso la Conferenza di Io All-Union degli scrittori proletari nel 1925. Comprendeva scrittori (dal più famoso A. Fadeev e D. Furmanov) e critici letterari. Il predecessore della RAPP è stato "Prelicht" - una delle organizzazioni più popolari, fondata nel 1917. Sono state trattate come "nemici di classe" di quasi tutti gli scrittori che non erano inclusi nella loro organizzazione. Tra gli autori che sono stati sottoposti a attacchi da Rappovs non erano solo A. Akhmatov, Z. Hippius, I. Bunin, ma anche così riconosciuto "cantanti della rivoluzione", come M. Gorky e V. Mayakovsky. L'opposizione ideologica dei paps era il gruppo letterario "Pass".

Il gruppo di "Serapiones Brothers" è stato fondato nel 1921 nella Casa d'arte di Petrogradsky. Il Gruppo includeva così noti scrittori ben noti come V. Ivanov, M. Zoshchenko, K. Fedin, e altri.

Lef - Sinistra anteriore delle arti. Le posizioni dei membri di questa organizzazione (v.makovsky, N. ASEEEV, S. Eisenstein, ecc.) Sono molto contraddittori. Combinando il futurismo con un'innovazione nello spirito del Prostrolet, hanno agito con un'idea molto fantastica di creare una certa arte di "produzione", che avrebbe dovuto essere effettuata nella società la funzione utilitaristica di fornire un'atmosfera favorevole per la produzione di materiali. L'arte è stata vista come elemento di costruzione tecnica, senza alcun sottotesto, la finzione del psicologo, ecc.

Di grande importanza per lo sviluppo della letteratura russa XX in. Creatività poetica V. Ya. Bolsova, E. G. Bagritsky, O. E. Mandelstam, B. L. Pasternak, D. Poveri, poveri, poveri, i poveri, il rappresentante più luminoso del quale Enesenina N. A. Klyuev era. Una pagina speciale nella storia della letteratura interna è il lavoro di poeti e scrittori che non hanno accettato la rivoluzione e costretti a lasciare il paese. Tra questi ci sono tali nomi come M. I. Tsvevavaeva, z.n. Hippius, I. A. Bunin, A. N. Tolstoy, V. V. Nabokov. Alcuni di loro, realizzando l'incapacità di vivere per se stessi lontano dalla loro patria, tornò successivamente (Tsvetaeva, Tolstoy). Le tendenze moderniste nella letteratura si sono manifestate nel lavoro di E. I. Zamyatina, l'autore del fantastico romanzo-anti-notturno "noi" (1924). Letteratura satyriana 20s. rappresentato dalle storie di M. Zoshchenko; Rumeni dei coautori I. ILF (I. A. FineZilberg) ed E. Petrov (E. P. Kataeva) "Dodici sedie" (1928), "vitello d'oro" (1931), ecc.

Negli anni '30. Ci sono diverse opere principali che entrano nella storia della cultura russa. Sholokhov crea romanzi "Tranquillo Don", "Virgin rialzato". La creatività Sholokhov ha ricevuto riconoscimento mondiale: per scrivere merito, ha ricevuto il premio Nobel. Negli anni Trenta completa la sua ultima "vita di Klim Samgin" Epic-Epic. Gorky Gorky. Creatività N. A. A. Ostrovsky ha avuto un'enorme popolarità, l'autore del romanzo "come acciaio temprato" (1934). A. N. Tolstoy (Peter I 1929-1945) divenne il classico del romanzo storico sovietico). Il ventesimo e gli anni Trenta sono il periodo di massimo splendore della letteratura dei bambini. Diverse generazioni di persone sovietiche crebbero i libri di K. I. Chukovsky, S. Ya. Marshak, A. P. Gaidar, S. V. Mikhalkov, A. L. Barto, V. A. Kaverina, L. A. Kassille, in. P. Kataeva.

Nel 1928, M. Bulgakov, che è stato identificato dalle critiche sovietiche, senza speranza di pubblicare, inizia a scrivere il suo nuovo romanzo "Maestro e Margarita". Lavorare sul romanzo continuò fino alla morte dello scrittore nel 1940. Questo è stato pubblicato solo nel 1966. Alla fine degli anni '80, il lavoro di A. P. Platonotova (Clementov) "Cheving", "Kotlovan", "Sea giovanile". "Nel tavolo" i poeti A. A. Akhmatova, B. L. Pasternak ha lavorato. Tragico destino di Mandelstam (1891-1938). Il poeta di forza straordinaria e una grande precisione visiva è stata tra gli scrittori che, avendo accettato la rivoluzione di ottobre a tempo debito, non poteva andare d'accordo nella società di Stalin. Nel 1938 fu represso.

Negli anni '30. L'Unione Sovietica inizia gradualmente a essere corretta dal resto del mondo. Molti scrittori russi rimasero dietro la tenda di ferro, che, nonostante non continuino a lavorare. Lo scrittore della prima grandezza era il poeta e la prosa di Ivan Alekseevich Bunin (1870-1953). Bunin non ha accettato la rivoluzione fin dall'inizio e emigrato in Francia (la storia "Mitin Love", il romanzo "The Life of Arsenyev", una collezione di storie "Dark Liyys"). Nel 1933, ha ricevuto il premio Nobel.

All'inizio degli anni '30. Una fine era l'esistenza di cerchi e gruppi creativi gratuiti. Nel 1934, il "Congresso All'Unione degli scrittori sovietici è stato organizzato dal" Unione degli scrittori ", che furono costretti a unirsi a tutte le persone impegnate nel manodopera letteraria. L'Unione degli scrittori è diventata uno strumento per il controllo totale del potere sul processo creativo. Era impossibile non essere un membro dell'Unione, poiché in tal caso lo scrittore è stato privato dell'opportunità di pubblicare le sue opere e, inoltre, potrebbe essere portato a responsabilità criminale per il "Tuneshi". Alle origini di questa organizzazione rimase M. Gorky, ma la sua presidenza in esso continuò non a lungo. Dopo la sua morte nel 1936, A. A. Fadeev divenne il presidente. Oltre al "Unione degli scrittori", sono stati organizzati altri sindacati "creativi": "Unione degli artisti", "Unione degli architetti", "Unione dei compositori". Nell'arte sovietica c'era un periodo di uniformità.

La rivoluzione ha rilasciato potenti forze creative. Ha anche influenzato lo sviluppo dell'arte teatrale domestica. Ci sono molte squadre teatrali. Un grande ruolo nella formazione dell'arte teatrale è stato interpretato da un grande teatro drammatico a Leningrado, il primo direttore artistico di cui era A. Block, teatro. V. Meyerhold, teatro. E. Vakhtangov, teatro di Mosca. Mossovet.

A metà degli anni '20, l'aspetto della drammaturgia sovietica, che ha avuto un enorme impatto sullo sviluppo dell'arte teatrale. I più grandi eventi delle stagioni teatrali del 1925-1927. Acciaio "Storm" V. Bill-Belotserkovsky nel teatro. MGSPS, "Love Yarovaya" K. Treneva nel piccolo teatro, "Rift" B. Lavrenev nel teatro. E. Vakhtangov e nel Great Drama Theatre, "Blind Train 14-69" V. Ivanova a Mkate. Il classico occupava un posto solido nel repertorio dei teatri. I tentativi delle sue nuove letture sono state realizzate da entrambi i teatri accademici ("Hot Heart" A. Ostrovsky in Mkhate) e "Sinistra" ("Foresta" A. Ostrovsky e "Auditor" N. Gogol nel teatro. V. Meyerhold).

Se i teatri drammatici entro la fine del primo decade sovietico ricostruivano il loro repertorio, allora il posto principale nelle attività delle squadre dell'opera e del balletto era ancora classica. L'unico grande successo nel riflesso del tema moderno è stata la formulazione del balletto R. glyover "Red Mac" ("fiore rosso"). Nei paesi dell'Europa occidentale e dell'America ha fatto L.V. Sobinov, A.V. Nezhdanova, N.S. GOLOVANOV, TROUPA MKHatoV, Teatro da camera, Studio. E. Vakhtangova, Vintage Strumento russo Quartetto

La vita musicale del paese in quegli anni è associata ai nomi di S. Prokofiev, D. Shostakovich, A. Khachaturiano, T. Khrennikova, D. Kabalevsky, I. Dunaevsky, ecc. I giovani conduttori di E. Mravinky, B . È stato spinto Haykin. Sono stati creati ensemble musicali, nella conseguenza della cultura musicale domestica più famosa: il quartetto. Beethoven, la grande stato Symphony Orchestra, l'orchestra dello stato Philharmonic e altri. Nel 1932 fu formata l'unione dei compositori dell'URSS.

Insieme ai vecchi attori di generazione (M. N. Yermolova, A. M. Yazzhin, A. A. Ostyzhev, V. I. Kachalv, O. L. Kripperzekov), sorge un nuovo teatro rivoluzionario. La ricerca di nuove forme di espressività scenica è caratteristica del teatro lavorato sotto la guida di V. E. Meyerhold (ora teatro Meyerhold). Sul palco di questo teatro, i pezzi di V. Mayakovsky "MisCelion-Buff" (1921), "Klop" (1929) e altri sono stati messi. Un importante contributo allo sviluppo del teatro è stato realizzato dal direttore del 3 ° Studio mcat eb vakhtangov; L'organizzatore e il capo del teatro da camera, il riformatore del palcoscenico A. Ya. Tairov.

Uno dei fenomeni più importanti e interessanti nella storia della cultura del 20 ° GG. Era l'inizio dello sviluppo del cinema sovietico. Sviluppa il cinequimalismo, che è diventato uno degli strumenti più efficaci della lotta ideologica e dell'ibitazione insieme a un poster. Un'importante pietra miliare nello sviluppo del gioco artistico Cinema era il film Sergey Mikhailovich Eisenstein (1898 - 1948) "Bramenos Potemkin" (1925), che divenne uno dei capolavori del mondo. Sotto lo squallo di critici, simboli, futuristi, impressionisti, immaginatori, ecc. Sono stati accusati di "estensioni formalistiche", nel fatto che la loro arte non ha bisogno per il popolo sovietico, che è ostile al socialismo. Compositore D. Shostakovich, Direttore S. Eisenstein, scrittori B. Pasternak, Yu. Molte figure d'arte sono state represse.

ideologia totalitarismo della cultura politica

Artisti degli anni '30

Artisti Deineka, Pimenov, Williams, S.Gerasimov, Kubrin, Konchalovsky, Lentolov, Mashkov, Ulyanov, Mukhina, Kuznetsov, Andostano

Con Daenekoy, ho incontrato per la prima volta a Leningrado. È venuto quando la mostra era già scossa, nei giorni più recenti davanti alla scoperta, rimosso tutto il suo lavoro dal muro e li appese - al suo stesso, tagliando molto forte: alcuni piccoli gufi furono portati, e li ha rimossi. Alla fine, c'era "Difesa Petrograd", "Ragazzo addormentato con fiordalisi", un certo numero di cose di prima classe. Allora Deineka mi ha colpito strano e piuttosto negativo. Era tagliato, un po 'maleducato. La maggior parte delle persone lo percepì e percepita - cosa? Allora atleta, giocatore di calcio o pugile. Ma io, fortunatamente, ha capito rapidamente il suo vero personaggio. Non conteneva nulla di simile, era un modo da tenersi con gli estranei, con estranei. Mi sono avvicinato a lui a metà degli anni '30, quando ho iniziato a lavorare nei bambini, la conversazione sarebbe stata la prossima. E passò il tempo più lungo, il tempo divennero più vicino e più vicino. L'ultima data della nostra corrispondenza due giorni prima della sua morte era lo scambio delle parole più delicate al telefono su entrambi i lati.

Con un'altra coastle - Yuri Ivanovich Pimenov, non mi sono incontrato a Leningrado. A Leningrado, c'erano pochissimi lavori, e l'ho visto per la prima volta a Mosca, quando il vicedirettore del museo russo, lo straordinario arrivato a pagare con artisti per il loro lavoro acquisito a Leningrado. Tutti sono stati raccolti sulla Volkhonka, in una di quelle case piccole che si trovano tra Frunze Street e il museo. Tutti gli artisti erano seduti nel corridoio e chiacchieravano, e furono invitati a loro volta in cui? Poi la stanza. E qui ho visto la prima volta e ricordava Pimenova. Ha mostrato come tre artisti fanno in vendita i tre paesaggi: si stabilisce un sacco di tele identiche e li riempie con la vernice blu raffigurante il mare, il secondo passa e spende la vernice nera quali imbarcazioni e quest'ultimo mette in una singola striscia. Lo ha ritratto insolitamente temperamentalmente e molto espressivo.

Abbiamo una relazione molto rapida con lui, ma non sul terreno del museo, perché non ha fatto una grafica - né incisione, e uno schema? Non era molto, era il pittore più puro. Già nel 1932, abbiamo avuto un'amicizia delicata. È solo durante questo divario, tra il 1930 e il 1932, ha sofferto una malattia cerebrale molto pesante, che è collegata con una commozione cerebrale, o anche con quello? Poi la malattia del sincerino, e finalmente si è liberata di lei, ha completamente cambiato tutto il suo personaggio. Tanto che ha distrutto la maggior parte dei suoi primi lavori, troppo aggravato, espressivo, schematico, sopportato anche nei musei che ha avuto il tempo di comprare. E è diventato completamente diverso, come è rimasto per la vita: splendente, leggero, soleggiato, pieno di cosa? Poi la più grande avidità a una vera vita vivente. Ogni anno, ogni anno più e più rapporti amichevoli sempre più approfonditi, e alla fine divenne dai miei pari il più vicini a me come Schmarinov. In realtà, i loro due dovrebbero essere chiamati prima di tutto tra i suoi amici più più stretti della mia generazione. Ero un anno e mezzo di Pennova più giovane e un anno e mezzo anziano Schmarinov.

Con Williams, sono diventato anche amici nei primi anni '30. Poi era un pittore, e un pittore molto forte e buono. Aveva un lavoro eccellente: un ritratto di Meyerhold, un ritratto del regista Barnet, un grande quadro "marinai con Aurora, che è stato inviato a cosa? Poi la mostra di Venezia e lì hanno dato l'organizzazione comunista locale lì. Lì è rimasta lì. Ma ho davvero la sua riproduzione. Questa è una cosa molto buona, lo ricordo perfettamente. Ma poi, lui, già a metà degli anni '30, si è interessato al teatro, ha avuto un successo straordinario, fatto, ad esempio, il design al Pickwick Club a Mosca, con decorazioni insolitamente bizzarri, in cui sono stati introdotti le figure umane. E poi è diventato l'artista più alla moda del teatro Bolshoi e ha persino iniziato il vestito, come una figura del teatro di successo: alcuni straordinari cappotto di pelliccia è quasi a terra con una pelliccia dal cancello allo stesso Niza, un cappello di pelliccia come una macina La testa, che era il soggetto del più grande bullismo di me e Pennova in funzionalità. Ha sorriso solo confuso. In generale, è entrato nell'ambiente teatrale, nella vita teatrale.

Con Williams, ho un ricordo molto gentile. A metà degli anni '30, Natasha ed io siamo andati al Caucaso a Teheenekli - questo è il posto sul fiume Baksan ai piedi di Elbrus. C'era una casa vacanze, appartenente a chiunque - non lo so, ma destinato alla creativa intelligentia. In ogni caso, i buoni dovevano ricevere nella Fondazione d'arte dell'Unione di Mosca, e quando sono venuto lì, mi è stato detto che ero appena stato Williams e andavamo anche lì.

C'erano molti amici a Teheenekli. C'era il nostro amico con un amico intimo di Natasha - uno scienziato - geografo Lazar Gordovich Gordonov, con il quale noi, infatti, e abbiamo accettato di andare lì. C'era un regista Alexandrov con l'amore di sua moglie Orlova. C'era un poeta Nikolai Tikhonov. C'era un traduttore annoiato - si presumeva che ci sarebbero stati stranieri, ma non lo erano, e lei era tristemente vagava senza nulla. In una delle serate, ha rianimato: Infine, l'inglese Il signor Williams finalmente arriva! Versò, dipinse le sue labbra, in generale, è stata preparata. Ma quando è apparso questo signor Williams, si è scoperto che questo è il mio amico Peter Vladimirovich Williams, che non conosceva affatto una sola parola in inglese. Suo padre era, in effetti, origine inglese, a mio parere, cosa? Allora un importante scienziato agricolo, ma lui stesso non aveva alcuna relazione, quindi il traduttore è rimasto deluso.

Ricordo come siamo andati a Elbrus una volta, non di più, naturalmente, naturalmente, e all'orizzonte, è da qualche parte da mezzo soffiatore, già sopra le nuvole - un parco giochi e un piccolo hotel. Siamo saliti attraverso la nuvola su un sentiero ripido e usciamo da questa nuvola, è arrivato completamente bagnato. Le signore sono andate all'hotel per cambiare vestiti, si mettono in ordine, e ho pareggiato con Williams attorno al tribunale. E improvvisamente chi? Allora gridò: "Apre Elbrus!" Era tutto stretto con nuvole, e improvvisamente le nuvole sono nate, e contro lo sfondo di un cielo completamente verde, un cono bianco della neve della cima di Elbrus è nato. Williams si precipitò in una casa dietro la carta e una matita - non ha catturato nient'altro con lui - e iniziò sotto la pioggia, che in questo momento ha mentito in cima, per lanciare tutti i contorni, registrando ciò che vernici. L'ho ricordato con i lobs attaccati alla fronte, disegnando e registrando convulsamente e registrare queste pitture più. Ma, sfortunatamente, nulla è uscito da questo: quando mi ha mostrato un etudio a Mosca, fatto su questo schizzo, tutto si è rivelato completamente a differenza. Sì, e lui stesso lo sapeva perfettamente. Ricordo che le nostre signore scalevano in Elbrus erano completamente in salamoia. Il "fenomeno di Elbrus" era uno spettacolo fugace, ci è stato concesso a tutti i due minuti - tre minuti.

Williams era una persona semplice, gentile, buona, leggermente divertente con i suoi hobby teatrali alla moda.

Ho anche avuto buoni rapporti con altri refrigeratori - entrambi con labas, sia con Sifrin, ma non erano così vicini. Shifrin era un'adorabile persona, un ottimo artista teatrale, un brillante maestro del teatro. Labas era sempre una piccola figura pazza e bassa. Ma chi, ovviamente, era una persona completamente meravigliosa e un artista meraviglioso, questo è un Tyshler. Ma con lui conoscenza e amicizia appartengono alle ultime orari, il dopoguerra. Come è uscito che a Leningrado non è stato presentato, e poi non dovevo incontrarmi. Prima della guerra avevo familiarità con lui, ma è stato pubblicato. Solo dopo la guerra c'era un'amicizia molto tenera, che era appena approfondita e migliorata. È una delle creature più adorabili che ho incontrato nella mia vita.

Dopo OST, è necessario, naturalmente, chiamare, se parliamo di gruppi artistici degli anni '20, due, che mi hanno portato amici molto stretti. Prima di tutto, queste sono "4 arti", in cui il Favorsky, e Ulyanov, e Paul Kuznetsov, e Saryan, e ancora un certo numero di persone più vicine a me. E il secondo è la società degli artisti di Mosca - "Omx", che mi ha portato una delle più costose amicizia - con Sergey Vasilyevich Gerasimov, così come con Rodionov, con Ormerkin e altri.

Ho incontrato Sergey Vasilyevich per la prima volta a Leningrado, era uno degli organizzatori della mostra, era tra i brigaters e vide i dipinti dei suoi artisti e degli artisti stretti. Sebbene abbia insegnato a Vhutein un disegno, ma con il suo programma ho incontrato molto più tardi e non ho dovuto comprarlo per il museo. Ma a Leningrado abbiamo dovuto incontrare ogni giorno, incontrarci ad un lavoro comune, e soprattutto, siamo andati a cenare la compagnia: lui, io, Obreyanov e Istomin. Era così spesso che ho riconosciuto molto rapidamente il suo personaggio, il suo arguzia, le sue battute e il ridicolo, che erano solo la difesa degli altri. Già poi ho apprezzato il suo incredibile personaggio e la sua arte meravigliosa. Sebbene fosse ancora un periodo molto precoce, il lavoro era solo gli anni '20, l'inizio degli anni '30, erano già molto buoni. E poi questa conoscenza si è gradualmente passata in aumento e più intimità, e nel periodo postbellico era, naturalmente, una delle persone più vicine a me. E devo dire con un grande piacere che, apparentemente, ed ero una delle persone più vicine, l'ho usato con un procuratore completo dell'avvocato, ha eseguito tutti i suoi incarichi, specialmente quando è diventato a capo dell'Unione degli artisti dell'URSS . In realtà, lui e prima è stato percepito come tale, da tutti i risconosi, anche se assolutamente informale di arte sovietica. Ma quando nel 1957 si è verificato il primo congresso di artisti di All-Union dell'Unione, era abbastanza naturale che Sergey Vasilyevich fosse a capo dell'Unione.

Forse più esterne, ma relazioni molto amichevoli sono stato notato e conoscente e conoscenza con Osmertkin, uno dei principali partecipanti alla volta di Bubnovoy, che degli anni '30 divenne un paesaggio lirico molto semplice, sottile e gentile. E lui stesso era un uomo meraviglioso, attraente, sottile. Ma l'ho incontrato meno spesso, ed era tutto? Amicizia periferica Taki, e non il principale, radicato.

Parlando degli ex partecipanti al gruppo "The Bubnovaya Valet", devi ricordare un'altra persona delicata, Miley e attraente, Alexander Vasilyevich Kurrin. Il Kubrin era basso, con una piccola barba, una persona molto silenziosa e timida, molto modestamente vestita, senza effetti esterni, occupati da quanto riguarda le loro riflessioni e il loro lavoro. Ormerkin e Kubrin sono forse i due artisti più sottili in tutto il Gruppo.

Con cucina, ho, così come Ormerkin, erano i più amichevoli e, possiamo dire, relazioni sinceri. Non come con Konchalovsky, a cui ho avuto un profondo rispetto, che mi ha favorito, ma tutto? C'era una grande distanza tra noi.

La mia relazione con Peter Petrovich Konchalovsky era molto amichevole, ho scritto su di lui, e gli piaceva come ho scritto. Ma la vicinanza dello speciale non potrebbe accadere, era molto diverso. Era principalmente un barin, uno stile leggermente mercantile, che viveva su una gamba larga, un insolitamente temperamentale, con un'enorme "economia artistica". Una volta, quando ero nel suo laboratorio, ha detto: "Ho già un migliaiottocento numeri". Questo applicato solo ai suoi dipinti; Acquerelli e disegni, non pensava nemmeno. In ogni caso, abbiamo avuto una relazione amichevole, che era poi molto raffreddata dalla grazia di sua figlia e dal genero - Natalia Petrovna Konchalovskaya, Poetess, e il suo coniuge Mikhalkov. Ma Peter Petrovich non aveva niente a che fare con questo, proprio come era almeno in una certa misura e al barskaya snob della sua casa - fu imposto al suo coniuge, una signora con un personaggio difficile, che, essendo una figlia surikova, intesa Molto su se stesso e estremamente la dignità di Konchalovsky. Quando ho scritto un articolo, su sua richiesta, per la sua ultima fiera della vita nel 1956, quindi una confusione si è rivolta con questo articolo. Le ho dato di leggere Peter Petrovich. La ha approvato calorosamente, è piaciuto davvero lei. E poi Nikolai Georgievich Mashkovtsev è venuto da me, il vecchio storico delle Arti e il lavoratore del museo che lavoravano in questo momento all'Accademia delle Arti e l'ex membro - il corrispondente di questa Accademia, con un aspetto confuso, che ora? De Olga Vasilyevna ha messo il "Veto" al mio articolo, perché sono Konchalovsky lì per alcune cose critiche. Peter Petrovich non ha prestato attenzione a questo, e sua moglie non ha permesso a questa critica di stampare. Ho detto che lo riprenderò, non lo darò al catalogo, come ti è piaciuto in una forma difettosa. Quando ho incontrato Peter Petrovich, camminava la testa, si è rammaricato quanto si è scoperto male. Ma lo rassicurato, confortato, disse che l'avevo già dato alla rivista "Art" e sarà stampato in questa forma, in quello che l'ho scritto. Ma durante questa mostra è morto, quindi non ho visto il mio articolo stampato. E si è rivelata così tanto che lei senza la mia conoscenza è stata ristampata, in particolare, nell'enorme tomo di "Art Heritage Konchalovsky" e persino collocato, non chiedendomi come un articolo introduttivo. Ovviamente, ha risposto alla sua destinazione. Ma tutto? Quindi queste relazioni non erano vicine, anche se buone, amichevoli.

Favorsky mi ha detto un buon episodio associato al suo lavoro sul design del poema della figlia di Peter Petrovich, Natalia Petrovna Konchalovskaya, "la nostra antica capitale". Doveva andare alla casa di Konchalovsky per un lungo periodo di tempo: "La nostra antica capitale" consisteva in interi tre libri, ha dovuto fare molte illustrazioni. Natalia Petrovna nei suoi versetti spesso si riferiva a lui: l'artista ti mostrerà tutto il resto.

Mentre lavoravano con Natalia Petrovnoy, Peter Petrovich entrò nella stanza, guardava i fogli e disse: "Non avrei mai pensato che dal mio pazzo - Nataski si rivelisse?

Da allora, rimase "Foolish - Natashka" nella nostra casa. Questo nome è stato avvolto con fermezza e senza speranza. Per quanto riguarda Mikhalkov, la conversazione sarà nel suo turno di lui quando si tratta del bambino, dove è apparso per la prima volta e dove negli occhi è aumentato e sviluppato come un poeta ufficiale di successo del culto della personalità.

Altri "bubnovoletti" erano molto diversi. Lentolov - è stata una personalità remota; Quindi è stato possibile immaginare come vola su un likhache - un escremento in perfetto budget di raggio rossato fino al mattino in cosa? Vs "Yar". Forse era una mosca, ma si è guidata - l'anima di un giro, una natura larga. Essenzialmente, era molto serio e un vero maestro, anche se ha iniziato a vedere come poteva essere visto alla mostra "Mosca - Parigi" con cose molto violente, dove il cubismo a metà e con il futurismo, e con il patrimonio del dipinto russo di il XIX secolo. E tutto in forma estremamente violenta su enorme tela. In effetti, con tutto questo è stato un artista molto sottile. Lentulov è stato molto amichevole con Pimenov, e, infatti, la mia relazione con lui era per lo più attraverso Pimenov. L'uomo era piacevole, buono.

Con Mashkov, la mia buona relazione non ha funzionato. Era molto talentuoso. Ma dal primo incontro con lui ho iniziato a dividere come il Signore potesse mettere il talento in un centinaio di un centinaio di un poker, in un uomo così disperatamente stupido. Ha colpito estremamente chiaramente quando ha cercato di disegnare figure umane. Entrò a Ahr e dipinse quali pionieri con legami sulla riva del Mar Nero - era qualcosa di completamente impossibile, avendo leggermente schivato, le specie volgare e stupere. E ancora la vita, tuttavia, ha scritto grande tutta la sua vita. Non potevo lavorare con lui con lui. E quando devo donare in uno dei miei articoli, il suo principale "ritratto di un partigiano", dove i partigiani con Drakel, con fucili, con cartucce e nastri di mitragliatrici erano raffigurati attorno a un ficus magnifico, grande, lussuoso, come se fosse acceso La fotografia del torace del fotografo provinciale - come se fossero depose i loro volti nei buchi del ritorno, - Mashkov, naturalmente, era completamente solfato e la nostra relazione è stata completamente fermata.

Non avevo una relazione con un altro ex "bubnovotets", Falc. Ma parlerò di lui più tardi quando si tratta degli anni della guerra - solo allora l'ho incontrato, in evacuazione, a Samarcanda. Era un incontro molto spiacevole, e lo trattavo abbastanza fresco - e alla sua arte e, in particolare, alla sua stessa persona. Molto elegante, molto arrogante, uomo ed estremamente sfavorevole in relazione alle persone.

Per quanto riguarda la società "4 arts", ho trovato buoni amici lì. Questo non è solo Favorsky, ma dopo di lui e Ulyanov. Ho incontrato per la prima volta con Nikolai Pavlovich Ulyanov, quando ho organizzato la fiera grafica già a Mosca. C'era il suo stand, su cui sono stati scelti gli ottimi disegni, per lo più ritratti. Ricordo che c'era un ritratto di Mashkovtseva, un ritratto di Epros. Da allora, siamo diventati allestiti sempre più stretti che sono passati alla fine in un'amicizia molto importante per me. Ho costantemente camminato da lui, mi ha scritto lettere, anche se entrambi abbiamo vissuto a Mosca. E a Samarcanda, dove entrambi eravamo in evacuazione, l'ho visto quasi ogni giorno. Il suo all'inizio della guerra è stato inviato a Nalchik, poi a Tbilisi, insieme a un intero gruppo di eminenti scrittori, artisti, artisti. (Insieme, a proposito, con Alexander Borisovich Goldenyeyor.) Nell'autunno del 1942, erano tutti trasportati in Asia centrale, ma la maggior parte di loro ha guidato a Tashkent, e rimase a Samarcanda.

Sono ogni giorno, venendo al registro, dove si trovava il Moscow Art Institute, è venuto a consultarlo, perché la sua vita a Samarcanda era molto pesante. Gli è stato dato un khuchra completamente brutto, a disagio, dilapidato nel cortile di Shir - Dora, senza mobili. E portò la moglie morente dal Caucaso, sdraiata senza movimento. Morì lì a Samarcanda.

Nikolai Pavlovich Ulyanov, e dopo la sua morte, la sua seconda moglie Vera Evgenievna ha dato a mio padre un sacco di opere di Ulyanovsk di prima classe: Ritratto di Vyacheslav Ivanova, Acquerello "Didro a Catherine", uno dei suoi migliori disegni di Pushkin, - schizzi di costumi a "Molver" e un numero di altri. Noi e rari lavori sono conservati - il paesaggio del suo defunto a Samarcandio della prima moglie dell'artista Glagoleva. Con una cosa grande Ulyanov "modello e cavallo silele" è associato a un'intera storia. Questo elemento di Young Ulyanov scrisse nel benimizzare il suo assistente sierov alla scuola di pittura, sculture e architettura, - è stata una "produzione" di allenamento, che Serov suggerì ai suoi studenti. Tornando dall'evacuazione a Mosca, Ulyanov ha scoperto che questo ha rimosso la tela rimossa dal sottoframe dei vicini usati, avendo vinto il loro cestello di stoccaggio di patate. La foto era una com incrinata nera, su cui difficilmente potrebbe essere questo? Quindi distinguere. Ulyanov gli ha dato suo padre, dicendo gravemente: se puoi salvare, lasciati. Padre ha dato la tela con un meraviglioso restauratore Gm Ii Stepan Churakov, e ha salvato? Quindi lavoro! Duplicato su una nuova tela, estinta - Tracce di restauro non è quasi visibile, e il "modello e cavallo è forte", splendente con tutta la sua vera pittura "Serovskaya", ora la costellazione si blocca sul divano del Padre nel suo ufficio.

Dallo stesso gruppo di "4 arti", c'erano altre persone vicine a me, come Vera Ignatievna Mukhin, un meraviglioso scultore e un uomo di meravigliosa, straordinaria forza, potere ed energia, indipendenza assoluta, con un mondo sincero insolitamente grande e una grande mente sincero. È stato riversato nella grande plastica monumentale, e nelle cose lirico - il famoso gruppo, fatto per la mostra a Parigi nel 1937, fu accompagnata da opere come "pane", una delle sculture più poetiche e delicate, che in generale Arte sovietica. Era un ritratto meraviglioso.

Dalla stessa società, in realtà, era Sarah Dmitrievna Lebedev, quando? Poi l'ex moglie di Vladimir Vasilyevich Lebedev, uno degli scultori più sottili, quello che avevamo, e la persona adorabile, molto sobria, molto silenziosa, molto calma e con cosa ? Poi un senso di carattere e movimento sorprendente e aggravato nella loro arte. Qualunque cosa faccia, se è una grande statua di "ragazza con una farfalla", una delle sue migliori opere, sia ritratti, come, ad esempio, un ritratto in piena crescita, anche se una dimensione in miniatura, Tatlin, con le sue gambe cotte , la fisionomia di Horseppie lunga - è stata insolitamente significativa e rara di talento. Incontro con Sarah Lebedeva e buona relazione con lei è anche uno dei ricordi molto costosi per me.

Ottima relazione, anche se la vicinanza di uno speciale mentale non è mai accaduto, mi sono formato con Pavel Bartholomeyevich Kuznetsov, una persona è molto compiacente, un po 'abitante. Tuttavia, forse era una forma di comportamento per il quale stava nascondendo cosa? Poi di più. Pokreyanov lui, tuttavia, chiamato parole molto buone: "un sigillo che sta cercando di fingere di essere leone". Forse questo corrispondeva al suo carattere.

Era molto semplice, e si è manifestato in una varietà di forme. Ad esempio, un giorno alla sala, dove ho visto incisioni e le incisioni di Nivinky, Kravchenko e l'Etambri di altri grafici, improvvisamente è il Kuznetsov, la tela di trascinamento di uno dei suoi studenti - Amorfa, sciolto, completamente pittoresco. E quando dico con sorpresa: "Bene, dove sono Denu?", Pavel Varfolomeevich risponde: "Ma questo è un programma perfetto!" Niente di meno simile al programma non potrebbe essere inventato. Era molto attento ai suoi discepoli. Questa tela era, a proposito, Davidovich, che morì nella milizia durante la guerra. Ma non avevo quasi familiarità con lui.

Mentre lavorava a Leningrado, abbiamo dovuto cenare da Pavl Barfolomeyevich, a volte nel museo russo. Si nutrono di disgustosi, ma nulla potrebbe essere fatto - non è sempre stato possibile ritirarsi in hotel "europeo" o alla casa degli scienziati. Ricordo, solo ci siamo seduti con Pavel Bartholomeyevich, e lui dalla zuppa, che ha presentato, tirò fuori una lunga coda di pesce. Ha invitato una cameriera e le ha chiesto molto tranquillamente: "Che cosa hai fatto, orecchio o zuppa"? Ha detto: "Zuppa". Poi la mostrò una coda di pesca, al suo grande imbarazzo. Mi è piaciuto molto il suo serio interesse a scoprire cosa, infatti, lo ha presentato.

È stato molto piacevole per me. Il nostro incontro con lui a Gurzuf nei primi anni '50, quando ha iniziato a scrivere il mio ritratto. Mi ha suggerito diverse volte a Mosca diverse volte, ma a Mosca non avevo il tempo di posare, e a Gurzuf non avrei potuto rifiutare qualsiasi previsione. Si sedette in cima al cottage Korovinsky sullo sfondo del mare e scrisse un'enorme testa rossa brillante, simile alle grandi dimensioni del pomodoro sullo sfondo di un mare blu abbagliante. Ha scritto questo ritratto con un grande piacere, e sto spiacendo terribilmente ciò che è dove? Poi gettò. Recentemente, tuttavia, mi è stato detto che dopo la morte di Kuznetsov e sua moglie (non avevano figli) tutto ciò che rimase nel laboratorio, andò a Saratov, al Museo Ravishvsky. Potrebbe molto che il mio ritratto è arrivato lì. Somiglianze lì, forse, non era troppo, ma il ricordo stesso è semplicemente piacevole. Lo vedo anche, mentre si siede e con un grande piacere scrive questo più contrasto di colore brillante con blu brillante. Ma la verità è dire che era difficile sedersi, perché sua moglie Bebutov, anche un artista, ha deciso di intrattenermi per intrattenere gli scienziati. Conversazioni, con tutti i suoi tentativi sulla borsa di studio, c'erano che a malapena tenevo a malapena dalle risate. Anche lei era una persona in buona e innocente.

Con Kuznetsov, una stretta amicizia potrebbe difficilmente funzionare - eravamo davvero persone diverse. Ma lo ricordo con grande rispetto. E l'artista è molto buono, che mostrava la sua recente fiera insieme a Matveyev.

Ma Matveyev, la conoscenza con lui, che è passata in ottimi rapporti, è stata una delle mie più importanti "risultati". L'uomo era molto severo, molto silenzioso, molto discreto, chiuso, lentamente e poco lavorato, che ha guidato il suo lavoro per molti anni. Dopo di lui, non ci sono così tante cose, ma sono meravigliose.

A circa questa volta, entro e non oltre la metà degli anni '30, ho incontrato Andaryan. Questo è uno degli eventi molto importanti della mia biografia artistica. Quando e dove l'ho incontrato, non ricordo affatto, perché nel museo non è venuto da me, perché nessuna grafica non ha fatto, e nelle mostre che ho organizzato, non ha partecipato. E a Leningrado nel 1932 lui stesso non lo era. C'era il suo muro, piuttosto casuale nella sua composizione, generalmente non risponde al suo livello e nel suo significato, anche se bello. Ma rispetto agli altri tre, le mura brillanti della stessa sala - Petrova - Vodkina, Shevchenko e Kuznetsov, sembrava più modesta, anche se nei risultati del suo percorso creativo ha superato tutti e tre su molte teste. Ho scritto su di lui molto laudatorio, solo un articolo entusiasta nel 1936, già conoscelo, e questo articolo ha segnato l'inizio di una solida amicizia, che è stata conservata fino alla fine della vita di Saryan. A proposito, questo articolo nel "quotidiano letterario" del 1936 ha causato un grande dispiacere dei kemmen, che poi, anche come io, appeso nel "quotidiano letterario" come critica. Siamo stati stampati con lui quasi a loro volta, in piedi su posizioni diametralmente opposte e non approvi l'uno dell'altro.

Dopo la guerra, ho visto spesso Andaryan - ogni volta che era a Mosca. L'ho scritto più volte dopo, già negli anni '60 e successivamente. Saryan non è niente da descrivere - tutti lo conosce, ma mi sono sempre stupito di quale tipo di infanzia di quest'uomo, la sua ammirazione aperta e innocente per la bellezza del mondo reale, il suo infinito atteggiamento di buona natura nei confronti delle persone, sebbene fosse superbamente versato, chi si riferisce a lui. Nel 1952, Boris Weimarn ha agito sulla discussione della fiera dell'anniversario con le tirade insolitamente distrutte, molto indignata alla giuria non sorpresa, che ha preso i dipinti orribili di Andaryan alla mostra. Poi, in cinque anni, in soli cinque anni furono consegnati a Premio Saryan Leninsky, quindi WayMorn ha guadagnato solo il fatto che Saryan non è stato espresso alla fine dei suoi giorni altrimenti, come "questo Merzavets Weimarn". E questo è con tutta la sua gentilezza e il sole, che non era solo nel dipinto di Saryan, ma in tutto il suo comportamento, in tutta la sua apparizione - la personificazione del sole e il sole dell'Armenia. Questo è un sole molto speciale. Uno dei paesi più belli, che è sulla Terra, - Armenia. L'ho imparato negli anni postbellici quando ci fu due volte.

Ricordo bene come mio padre ed io fossi a Saryan nel suo laboratorio a Yerevan su Saryan Street, mentre ci ha mostrato il suo lavoro - e presto, e molto recentemente fatto disegni di macchina molto tragici e forti. Dal calore del padre, iniziò il sanguinamento nasale più forte, "Saryan era terribilmente logorato, posò suo padre sul divano, curato per lui con cura commovente. Era già molto vecchio e anche se era ancora luminoso, molto triste, - poco prima, in un incidente d'auto, suo figlio è morto .

Gogol e artisti sono felici con uno scrittore che oltre i personaggi del noioso, brutto, colpendo la sua realtà, si avvicina ai personaggi, che è l'alta dignità della persona ... Gogol, "anime morte" per la prole della connessione di Gogol con Ivanov ha conservato

Artisti e scultori sono artisti, le cui opere sono entusiasta ora, ma da molte opere di artisti ho imparato ad ammirare la giovinezza. La maggior parte di tutto amo gli impressionisti. Cezann Dio per me. Lascia sempre l'esposizione dell'immaginazione. Lui è abbastanza

Artisti per la prima volta con gli artisti della "World Art" incontrati nel 1904. Uno dei dipendenti del "nuovo modo" e un amico intimo di A. N. Benua mi ha portato al giornalismo a questo leader e a Apologist Petersburg Masters. Successivamente, ho imparato che gli artisti mi guardarono in quei giorni

Gli artisti pennellano il pennello ovunque trovi sentieri. E, alla seduzione del posmen dei posti, artisti sconosciuti in Europa scrivono pitture sugli cupo ponti. Sotto le suole dell'era passeggiata, i dipinti dormono, sorridenti e digeriti. Ma quelli che sono buoni, e quelli che male, scompaiono dopo il primo

Artisti di Yakov Vinovetsky, essendo l'artista stesso, anche se non un professionista, mi ha presentato con altri due - non solo con professionisti, ma campioni, eroi del suo caso, che, nonostante il suo supermercato e il suo campionato, e non è diventato successo, né

Artisti a Parigi vive Konstantin Korovin. Quanti pensieri sulla pittura nazionale russa è associata a questo nome. Molti sono stati ricordati come il nome del magnifico decoratore, il compimento di un'ampia varietà di compiti teatrali. Ma questa è solo parte dell'entità della mucca.

Gli artisti messicani nella vita intellettuale del Messico erano dominati da artisti. Questi artisti hanno dipinto l'intera città di Città del Messico con storie di storia e geografia, immagini su argomenti civili, in cui suonò controversie di metallo. Clemone: quegli Orostko, magro

Artisti nel museo Inizio della datazione con artisti - visitatori del cabinet incisione. Rodionov, Favorsky, Sterberg, Goncharov, Kreyhanov, Shevchenko, Bruni, Tatley L'inizio dell'emergere di questi collegamenti sempre più ampi radicati nel Museo dell'arte - Da allora

Gli artisti di mio padre Vladimir nel tempio erano un'altra riparazione, lavato dipinto e soffitti dipinti. La chiesa di Losinka non è antica, costruita nel 1918. Prima della rivoluzione, le sue pareti non hanno avuto il tempo, e poi non era la bellezza. Quindi mio padre, diventando l'abate, deciso

ARTISTI "Anti-SOVESISTI" Pratica più del 70enne (1917-1991) Pratica del cosiddetto "crudele, intransigente" combattere contro un avversario politico, antieverti, dissidenti che abbondano non cento di cospira segreta o segreta di Funzionari del partito con questa categoria

Artisti Caro Oleg Leonidovich! Un critico artistico locale ha una corsa mi chiede, come vivono gli artisti a Mosca e quali sono i loro guadagni effettivi? Non ho questi dati. Abbiamo sentito che gli scrittori guadagnano bene, e le spese annuali di Tolstoy e Sholokhov

Artisti come bei Madmen oggi diamo un tributo a Sergey Schukin e Ivan Morozov non solo per il loro raduno, ma anche per un gusto valido, per la capacità di indovinare la prossima ondata del processo artistico. Ed era lontano da facile. Come notato

Gli artisti interesse per l'arte vicino a Gogol con la colonia di artisti russi a Roma. Hanno mantenuto una società amichevole, interrompendo le modeste sovvenzioni rilasciate dall'Accademia delle Arti. Tra questi erano talenti eccezionali che sono diventati orgogliosi dell'arte russa. Gogol N.

Artisti Irina Grasca, Artista (Estonia) "Questo ritratto ha posto sulla copertina del record" Riproduzione dei dipinti di Irina Faces dal record di Anna Hermann, 1977 Il cablaggio del lavoro di questo artista di Tallinn conosce molti: decora la copertura di uno dei record più famosi

Negli anni '20 Un numero di direzioni artistiche trattenute continuità con l'arte del russo

moderna e avanguardia - in gran parte dovuta al fatto che i maestri dell'inizio del secolo hanno continuato a lavorare. D'altra parte, le funzioni dell'arte nella società sono diventate più diverse. C'erano nuovi tipi di attività artistiche: cinema, pubblicità, design.

Controversie attive condotte "Stankovisti" (sostenitori di forme di arte della macchina) e "produzione" o costruttivisti, le cui attività erano finalizzate a migliorare l'ambiente obiettivo. L'inizio del movimento costruttivista è associato alla società di Mosca di giovani artisti (Obamuh), che è stato organizzato nel 1919. Konstantin (Kazimir Konstantinovich) Medussky (1899-1935) e fratelli Stenbergi - Vladimir Augustusich (1899-1982) e Georgy Augustovich (1900-1933). Alle mostre, gli artisti hanno dimostrato principalmente disegni tridimensionali - nello spazio e sull'aereo. Se nelle composizioni suprematiche di Kazimir Malevich, il maggior valore è stata la sensazione più pittoresca, allora le opere di Obamuchi appartenevano all'area del design. Sono stati facilmente applicati nella progettazione delle prestazioni o del libro, nel poster e quando la fotografia.

El Lisitsky (nome reale Lazar Markovich Lisitsky, 1890-1941) ha definito le sue opere "Poduna" - "Approvazione dei progetti del nuovo". Secondo l'autore, rappresentavano una "stazione di trapianto dalla pittura all'architettura". Alexander Mikhailovich Rodchenko (1891 -1956) Libri "progettati" ha creato poster pubblicitari, mobili e vestiti progettati, impegnati nella fotografia.

Per preparare artisti - ingegneri e designer in grado di progettare prodotti industriali, nel 1920, i laboratori artistici più alti (VHutemas) sono stati creati a Mosca. I workshop hanno unito diverse facoltà: architettonica, grafica (stampa e grafica stampata), lavorazione dei metalli, legno, scenico, ceramica, scultoreo e tessile. Per i primi due anni, gli studenti hanno dovuto comprendere le leggi della formazione comune all'arte, e quindi la specializzazione è stata assunta in qualsiasi facoltà.

Nel 1926, Moscow Vhutemas è stata trasformata in Vhutein - l'arte suprema e l'istituto tecnico. (Dal 1922, Vhutein esisteva già a Leningrado invece dell'Accademia delle Arti.) Nel 1930, Vhutein è stato chiuso, le sue facoltà sono diventate istituzioni separate - stampa, tessile, ecc.

Per quanto riguarda la pittura, già negli anni '20. I critici hanno celebrato il suo "turno al realismo". Sotto il realismo, intendevano interesse principalmente per la pittoriale (rispetto all'estrazione), a una classica tradizione pittoresca. Appello ai classici può essere spiegato dai requisiti dell'ideologia: l'arte dello Stato sovietico è stata chiamata a utilizzare i migliori risultati della cultura mondiale. Ha determinato la ricerca di forme chiare e chiare di "Big Style".

L'Associazione degli artisti della rivoluzionaria Russia (AHRR), fondata nel 1922 (dal 1928 - l'Associazione degli artisti della rivoluzione, Ahr), parzialmente accettata il bastone al film. La stessa partnership delle mostre d'arte mobile ha cessato un anno dopo, e molti film - tra loro, in particolare, erano Abram Efremovich Arkpov, Nikolai Alekseevich Kasatkin - divenne membri di Ahrra. A tempi diversi, Sergei Vasilyevich Malyutin (1859-1937), Alexander Mikhailovich Gerasimov (1881 - 1963), Boris Vladimirovich Johanson (1893-1973), Mitrofan Borisovich Greco (1882-1934), Isaac, Israelich Brodsky (1883-1939) e Altri artisti.

Questi Maestri hanno unito l'orientamento ideologico complessivo. Hanno insistito sulla creazione della narrativa dell'arte, del genere, che sarebbe chiaro per le persone e la realtà riflessa sinceramente. L'Associazione ha pubblicato la rivista "Art in Massay" e ha guidato attività espositive attive.

I nomi delle mostre parlano del tema delle opere di artisti di Ahrra: "Vita e vita dei lavoratori" (1922), "Army Red" (1923), "Rivoluzione, vita e lavoro" (1925), ecc. La sua creatività hanno definito i concetti di "documentario artistico" e "realismo eroico", considerando di dipingere come prove storiche come la cronaca dell'era.

In questo spirito, la tela di Grekov sui temi della guerra civile, i dipinti "Vladimir Iyich Lenin a Smolny" (1930) di Brodsky, "Ritratto di D. A. Furmanova" (1922) Malyutina. L'Associazione esisteva fino al 1932.

Nel 1925, laureati del laboratorio di David Petrovich Sterönberg (1881 - 1948) in Vhutemas formava la Società di Stankovisti (OST). Si univano come sostenitori della macchina della macchina - al contrario di "produzione". Tuttavia, il lavoro dei più raffreddati non può essere considerato con macchine nel senso stretto della parola. I membri di OST erano impegnati in pittura monumentale e un poster, libri decorati, produzioni teatrali.

Alexander Aleksandrovich Daenek (1899-1969) inizialmente ha lavorato come programma di caffè, V. A. A. Favorsky è stato tenuto, e successivamente è riuscito a "distribuire" i principi del design di una pagina del libro (Journal) per il design del muro. Nei quadri decorativi monumentali del 1928. "Al cantiere di nuovi workshop" e "difesa di Petrograd", l'artista distribuisce, "monta" punti luce e scuri, sembrano essere tagliati e incollati l'uno sull'altro. Lo sfondo bianco della difesa di Petrogrado nella sala della Galleria di Tretyakov dello stato si fonde con il muro, va da lei, e solo il backbone "metallo" rimane.

La composizione di Yuri Ivanovich Pimenova (1903-1977) "Diamo un'industria pesante!" (1927) Esiste in due versioni: un'immagine e un poster, e in quest'ultimo caso è più organico.

Gli artisti rimangono partecipati a mostre internazionali, comprese quelle tenute in Germania. L'influenza dell'arte tedesca - espressionismo e "nuova sostanza" - le opere grafiche e pittoresche di Alexander Grigorievich Tyshler (1898-1980), Alexander Arkadyevich Labasa (1900-1983) e altri artisti.

Nel 1931, la Società dei Stankovisti si divideva in due associazioni - l'Ost e "Isoorbard", e nel 1932 fermarono la loro esistenza.

Nei 20-30. La grafica è diventata sempre più importante: illustrazione del libro, disegno, incisione - arte progettata per la replicazione, masse convenienti di fronte all'uomo. Eccezionali artisti-illustratori Alexey Iyich

Kravchenko (1889-1940) e Vladimir Andreevich Favorsky (1886-1964) ha lavorato principalmente nella tecnica della xilografia - incisioni sull'albero. Favorsky era un insegnante di Vhutemas-Vhutein, e dal 1930 - Moscow Printing Institute. Ha cercato di progettare sintetico del libro, quando tutti gli elementi artistici sono illustrazioni di stampa, screensaver e caratteri - costituiscono un singolo ensemble figurativo-stilistico. Illustrando il libro dei bambini dedicato alla loro creatività Vladimir Mikhailovich Konashevich (1888-1963) e Vladimir Vasilyevich Lebedev (1891 - 1967). Nel 1932, un decreto è stato pubblicato per distruggere tutti i gruppi artistici e la creazione di un'unica sindacata di artisti dell'URSS. Ora solo lo stato potrebbe effettuare ordini, organizzare mostre tematiche su larga scala dedicata all'industria socialismo; Ha inviato artisti a scrivere la costruzione di un sindacato e ritratti di batteristi di produzione.

I critici e i ricercatori considerano l'arte degli anni '30. Come un periodo di neoclassico. Classico sostenuto, è stato utilizzato attivamente. Hobbitare gli esempi d'arte dei tempi passati fiorì, mentre lo studio indipendente della natura si è spostato sullo sfondo.

I maestri più famosi del realismo socialista degli anni '30. Ex Akhrovtsy A. M. Gerasimov e B. V. Johanson. Gerasimov nei loro ritratti di parata del 1938 "I. V. Stalin e K. E. Voroshilov nel Cremlino, "" Ritratto di una ballerina O. V. Lepheshinsky "raggiunge quasi un effetto fotografico. Il lavoro di Johanson "interrogatorio dei comunisti" (1933) e "Alla vecchia pianta Ural" (1937) continua la tradizione del cellulare. L'artista a volte "cita" loro in alcune foto.

"Per te", cioè, non molti artisti hanno lavorato fuori dalle regole del realismo socialista. Tra questi, Alexander Davydovich Tree (Trevets, 1889-1938) e Mikhail Xenofontovich Sokolov (1885-1947), che in intimo, le opere da camera si limitano a se stesse con un certo cerchio di argomenti pregiati. Entrambi i maestri durante gli anni del terrore di Stalin furono repressi.

All'inizio degli anni '40. Pressione sugli artisti dall'Autorità intensificata. Il Museo della New Western Art è stato chiuso, dove furono esposte le opere degli impressionisti - i campi di Cesanna, Henri Matisse, altri maestri della seconda metà del XIX - primitivo XX secolo.

Durante la grande guerra patriottica del 1941 - 1945. Grafica replicabile massalmente ha ricevuto il più grande sviluppo e soprattutto poster.

S. Gerasimov "Agriturismo collettivo"

Conoscere le opere di Arti Soviet Belle Arti, notare immediatamente che è molto diverso dal periodo precedente nella storia dell'art. Questa differenza è che tutta la tecnica sovietica permeata con l'ideologia sovietica e doveva essere una guida di tutte le idee e soluzioni dello stato sovietico e del partito comunista, come la leadership per la società sovietica. Se nell'arte del 19 ° - inizio del XX secolo, gli artisti sono stati seriamente criticati dalla validità esistente, quindi nel periodo sovietico tali opere erano inaccettabili. Il filo rosso attraverso tutta l'arte sovietica era attaccata da Paphos alla costruzione di uno stato socialista. Ora, 25 anni dopo il crollo dell'URSS, l'interesse del pubblico è elevato all'arte sovietica, in particolare diventa interessante per i giovani. Sì, e più vecchie generare molto ripensano nella storia passata del nostro paese ed è anche interessata a opere apparentemente familiari di pittura sovietica, sculture, architettura.

L'arte del periodo della rivoluzione di ottobre, della guerra civile e degli anni '20 - 30s.

Nei primi anni dopo la rivoluzione e durante la guerra civile, è stato giocato un ruolo enorme battle Poster Politico. I classici dell'arte di un poster sono considerati D.S. Motor e V.n.deni. Moore's Poster "Hai registrato i volontari?" E ora conquista espressività dell'immagine.

Oltre al poster stampato durante la guerra civile, i poster sono sorti, disegnati a mano e riproducendo con uno stencil. Questa è la "finestre di crescita", dove il poeta V. Mayakovsky ha accettato la partecipazione attiva.

Durante la guerra civile, un piano di propaganda monumentale, compilato da V.I. Lenin, stava lavorando, il cui significato è stato costruito in tutto il paese di monumenti verso persone famose che potrebbero in qualche modo contribuire alla preparazione e alla realizzazione della rivoluzione socialista. Gli artisti di questo programma includono principalmente scultori n.a. Andreev I.D. Shadr.

Negli anni '20, è stata formata un'associazione, che ha svolto un ruolo significativo nella costruzione di una nuova società sovietica -rosia "(Ahrr)" Associazione "Associazione di artisti della Russia rivoluzionaria (AHRR).

Negli anni '30, l'Unione unificata degli artisti dell'URSS è stata creata, unendo tutti gli artisti che nel loro lavoro avrebbero dovuto seguire il metodo del realismo socialista. Artisti della vecchia generazione (B. Kustodiev, K.juon, ecc.) E il più giovane cercato di riflettere il nuovo della realtà sovietica.

Nella creatività I.I. Brodsky riflette l'argomento storico e rivoluzionario. Lo stesso argomento nelle opere di M.Grekova e K. Petrov-Vodkina indossa una natura elevata-romantica.

Negli stessi anni, l'inizio dell'epico "Leniniano", che ha creato il numero di opere dedicate a v.i. Lenin innumerevoli nel periodo sovietico.

Il genere (maestri del genere domestico) e ritratti dei 20 anni degli anni '20 dovrebbe prima essere chiamato M. Enersterov, P. Konchalovsky, S.Gerasimov, A.Dazhsky, Y. Pimenova, Mazhsky e altri artisti.

Nell'area del paesaggio, degli artisti, come K.juon, A. Rylov, V. Baksheev, e altri lavoravano.

Dopo la rivoluzione e la guerra civile, la costruzione tempestosa delle città, in cui molti monumenti sono stati creati da figure prominenti di rivoluzione, festa e stato. I famosi scultori erano A. Matsev, M. Manizer, N.tomsky, S. Lebedeva e altri.

Soviet Bine Arts 1941 -1945 e primi anni postbellici

Durante la grande guerra patriottica, l'arte sovietica negava risolutamente il detto che "quando le pistole, le muse sono silenziose". No, nel periodo delle guerre più crudele e terribili nella storia dell'umanità, le muse non erano silenziose. Immediatamente, dopo un attacco infido dei fascisti tedeschi all'Unione Sovietica, una matita e un cutter di artisti divennero un'arma formidabile nella lotta contro il nemico.

L'eroico sollevamento del popolo, la sua unità morale era la base su cui l'arte sovietica della guerra del tempo è aumentata. Era permeato dalle idee del patriottismo. Queste idee sono state ispirate da artisti di plastica, i pittori ispirati a creare dipinti che raccontano gli exploit delle persone sovietiche, determinavano il contenuto di opere in tutti i tipi di arte.

Un ruolo enorme in questo momento, come negli anni della guerra civile, ha giocato un poster politico, dove gli artisti lavoravano come V.S.IVANOV, V.B. KORITSKY E ALTRI. Le loro opere sono inerenti al Pathos Angry, nelle immagini, hanno creato, ha rivelato una volontà inflessibile di persone, pettita dalla difesa della patria.

Il revival genuino sta vivendo un poster disegnato a mano. Secondo l'esempio dei "venti di crescita" nel 1941-1945, sono stati creati numerosi fogli di "tass finestre". Hanno ridicorato gli invasori, ha esposto la vera essenza del fascismo, chiamato le persone a proteggere la loro patria. Tra gli artisti che lavorano nelle "finestre del tass", prima di tutto, i kukryniks (kupriyanov, ali, sokolov) dovrebbero essere chiamati.

Parlare in modo convincente delle esperienze dei popoli sovietici durante gli anni della guerra della serie grafica di questo tempo. Il dolore cardiaco ha segnato la magnifica serie di disegni d.a.Shmarinov "non dimenticherò, non perdonerò!" La gravità della vita di un blocco Leningrado è stata catturata nel ciclo dei disegni a.f. Pakhomov "Leningrado nei giorni del blocco".

È stato difficile lavorare negli anni dei pittori della guerra: perché ci vuole tempo e condizioni correlate per la creazione di un'immagine completa. Tuttavia, un sacco di panni apparvero nella fondazione dorata dell'arte Sovietica. Ai difficili giorni della settimana della guerra, i pittori dei monolocali degli artisti militari che prendono il nome dopo Ab Grekova ci parla dei guerrieri dei guerrieri. Viaggiati sui fronti, hanno preso parte alle ostilità.

Artisti militari catturati sulle loro tele tutto ciò che hanno visto e sopravvissero. Tra questi, P.a. Krivonogov, autore della pittura "vittoria", B.M.Nensensky e la sua foto "madre", una donna contadina che entrò nei suoi soldati, sopravvissuti a un sacco di Dio per la madrepatria.

La tela di un grande valore artistico creato in questi anni A.A. Didinek, A.A. Plastov, KUKRYNIKSI. I loro dipinti dedicati alle imprese eroiche del popolo sovietico di persone sovietiche nella parte anteriore e nella parte posteriore sono intrise di eccitazione sinceri. Gli artisti approvano la superiorità morale dei popoli sovietici sopra la forza lorda del fascismo. Questo manifesta l'umanesimo del popolo, la sua fede negli ideali della giustizia e del bene. Il coraggio del popolo russo parla le tele storiche create durante la guerra, incluso come il ciclo di dipinti di E.E. Anlanser "trofeo dell'arma russa" (1942), trittico P.D.Kurina "Alexander Nevsky", tela a.P. Babnova "mattina in il campo di kulik. "

Le persone del porto militare ci hanno detto molto e verniciatura del ritratto. Questo genere ha creato un sacco di opere contrassegnate da eccezionali vantaggi artistici.

La Galleria ritratto del periodo della guerra patriottica è stata rifornita con molte opere scultoree. Le persone di volontà inflessibile, i personaggi coraggiosi segnati da luminosi differenze individuali sono presentati nei ritratti scultorei di S.D. Lebedeva, n.v.tomsky, v.i.mukhina, v.e.vuchtech.

Durante gli anni della guerra patriottica, l'arte sovietica con onore ha soddisfatto il suo debito patriottico. Gli artisti sono venuti alla vittoria, passando attraverso esperienze profonde, che hanno permesso ai primi anni postbellici di creare opere con contenuti complessi e sfaccettati.

Nella seconda metà degli anni '40 - '50, l'arte è arricchita con nuovi argomenti e immagini. I suoi compiti principali durante questo periodo - la riflessione del successo della costruzione del dopoguerra, l'educazione della moralità, gli ideali comunisti.

Il colore dell'arte negli anni postbellici, le attività dell'Accademia delle Arti dell'URSS sono considerevolmente, che include i maestri più significativi.

L'arte degli anni postbellici è caratterizzata da altre caratteristiche che riguardano principalmente i suoi contenuti. In questi anni, l'interesse degli artisti al mondo interiore dell'uomo è in aumento. Da qui l'attenzione che i pittori, gli scultori, i grafici ritratto e il genere composizioni, consentendo alle persone in una grande varietà di situazioni di vita e mostrano l'originalità dei loro personaggi ed esperienze. Da qui la speciale umanità e il calore di molte opere dedicate alla vita e alla vita dei popoli sovietici.

Naturalmente, in questo momento, gli artisti continuano ad eccitare gli eventi della recente guerra. Ancora e ancora si rivolgono alle imprese del popolo, alle gravi esperienze di persone sovietiche nel duro dio. Conosciuto tali tele di quegli anni come "Masha B. Neminsky", lettera dalla parte anteriore "A.lactionov," riposa dopo la lotta "di y.nenensky "Restituisce" V. Kostetsky e molti altri.

La tela di questi artisti è interessante in quanto il tema della guerra è risolto in loro nel genere domestico: disegnano scene dalla vita dei popoli sovietici in guerra e nella parte posteriore, parla della loro sofferenza, coraggio, eroismo.

È interessante notare che anche i dipinti dei contenuti storici sono spesso risolti durante questo periodo nel genere domestico. A poco a poco, la vita tranquilla del popolo sovietico, che è venuto a sostituire i test duri degli anni militari, trova una forma di realizzazione sempre più completa e matura nel lavoro di molti artisti. Un gran numero di dipinti di genere sono abbinati (cioè dal genere domestico), che colpisce la varietà di argomenti e grafici. Questa è una vita della famiglia sovietica, con le sue semplici gioie e lamentele ("di nuovo, due!" F. Odesshatnikova), è un lavoro caldo alle fabbriche e alle fabbriche, nelle fattorie collettive e nelle fattorie di stato ("pane" T. Yaslikova " sui civili "). Questa è la vita della giovinezza sovietica, mastering vergine e così via. Il contributo particolarmente importante al dipinto del genere è stato realizzato durante questo periodo artisti A. Plastov, S. Chuikov, Tsalakhov e altri.

Continuata con successo a svilupparsi in questi anni di pittura ritratto - questo è P.korin, V. Effan e altri artisti. Nel campo del pittura del paesaggio durante questo periodo, oltre agli artisti più antichi, tra cui M. Saryan, R.nysky, N.Romadin e altri lavoravano.

Negli anni successivi, le arti visive del periodo sovietico hanno continuato a svilupparsi nella stessa direzione.

D. S. Moor.

D. S. Moor.

K.petrov-vodkin "1918 a Petrograd" (1920)

I. D. Shadd "Cobblestone-Weapon del proletariato"

Gerasimov - Azienda agricola collettiva 1937

S. Gerasimov "Madre Partizana"

D. S. Moor.

P. Konchalovsky "Lilla in un cestino" (1933)

N. A. Andreev "V.I. Lenin"

M. Greco "Znamenchman e Trubach" (1934)

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Ministero dell'Istruzione della Federazione Russa

Magnitogorsk State University.

Test

Artisti dei 20-30

Eseguito: Timeeva Alena

Magnitogorsk 2001.

introduzione

L'ottobre 1917 ha aperto una nuova era non solo nella vita sociale, ma anche nella vita dell'arte. Qualsiasi rivoluzione distrugge qualcosa, e poi inizia la creazione di uno nuovo. Non esiste uno sviluppo semplice, ma una ri-attrezzatura decisiva delle fondamenta degli antiche strutture sociali, politiche, ideologiche e di altro tipo, compresa l'arte.

La rivoluzione ha proposto almeno due problemi. Il primo problema è di classe d'arte. Tentare strettamente per indurmentarlo con una lotta di classe ha portato a distorcere la sua natura multifunzionale. La comprensione particolarmente semplificata dall'azionalità dell'arte si è manifestata nelle attività di una sonda non richiesta. L'elemento della lotta ha portato alla distruzione dei monumenti culturali causati non solo da azioni militari durante la guerra civile e l'intervento straniero, ma anche una politica finalizzata alla frantumazione della cultura borghese. Quindi, molti monumenti scultorei sono stati demoliti o distrutti, opere di antica architettura associata al culto religioso.

Il secondo problema è il problema della politica di classe nell'art. Per risolverlo, tutte le forze sono state coinvolte: "borghese" e "proletaria", distruttiva e creativa, sovietica e non monetaria, "sinistra" e "giusta", culturale e ignorante, professionale e dilettante.

I principi dello sviluppo sociale proclamato dallo stato in gran parte determinato il movimento graduale dell'arte. C'era una specie di stratificazione delle forze, dall'aggiunta di cui è stato formato il vettore del vero stato dell'arte. Da un lato, questo è il potere dell'auto-sviluppo, in cui i modelli del movimento di forme si sono conclusi nella natura della creatività artistica colpita; D'altra parte, l'influenza delle forze sociali, le istituzioni pubbliche interessate e non in qualsiasi altro movimento di arte, nelle sue forme definite. Con il terzo - dettate della politica statale, che, affidandosi alle forze sociali o senza affidarsi a loro, aveva un impatto incondizionato sulla struttura dell'arte, sulla sua essenza, sulla sua potenza evolutiva e rivoluzionaria. Dalla fine degli anni '20, la politica è esplicitamente distorcendo il normale processo di sviluppo dell'arte, per fornire una certa pressione su di esso proibendo o condannando quelle o altre manifestazioni "non fertili".

Artisti e associazioni artistiche degli anni '20.

I 20 anni erano un tempo rapido per l'arte. C'erano molti gruppi diversi. Ognuno di loro propone la piattaforma, ciascuno eseguito con il suo manifesto. L'arte, l'idea di ricerca ossessionata, era diversa; Si è bollito e bollito, cercando di tenere il passo con l'era e guardare nel futuro.

I gruppi più significativi, nelle dichiarazioni e nella pratica creativa di cui si riflettevano i principali processi creativi del tempo, erano Agr, OST e "4 arti" (8, pag 87).

Il gruppo AHRR (l'Associazione degli artisti della Russia rivoluzionaria) è nata nel 1922 (nel 1928 fu ribattezzato Ahr - l'Associazione degli artisti della rivoluzione). Il kernel AHRR ha sviluppato principalmente dagli ex partecipanti al partenariato della fiera mobile. La Dichiarazione AHRR è stata esposta nel catalogo della mostra del 1922: "Il nostro dovere civico all'umanità è l'artistico e il documentario che cattura il più grande momento della storia nella sua corsa rivoluzionaria. Mostreremo oggi: la vita dell'esercito rosso, la vita di I lavoratori, i contadini, i leader della rivoluzione e gli eroi del lavoro ".

Gli artisti Agrhr cercarono di rendere il loro dipinto un visualizzatore di massa accessibile del poro. Nel suo lavoro, spesso usavano meccanicamente il linguaggio a lunga durata del movimento tardivo. AGRH ha organizzato un certo numero di mostre d'arte tematiche, i cui nomi stessi: "vita e vita dei lavoratori" (1922), "vita e genetica dell'esercito rosso" (1923), "rivoluzione, vita e manodopera" (1924 - 1925), "Vita e vita dei popoli URSSR" (1926) - Parla dei compiti della mappatura diretta della realtà moderna.

La peculiarità della pratica di "Akhrovtsev" era che erano in fabbrica e fabbriche, nelle caserme dell'esercito rosso, per osservare la vita e la vita dei loro eroi lì. Durante la preparazione della mostra "Vita e vita dei popoli dell'URSS", i suoi partecipanti hanno visitato gli angoli più remoti del paese sovietico e portato da lì un numero significativo di schizzi, la base per le loro opere. Artisti di AHRR hanno svolto un ruolo importante nello sviluppo di nuovi argomenti, avendo un impatto sui rappresentanti di diversi gruppi d'arte di quel tempo.

La creatività è assegnata tra gli artisti AHRR I.I.Brodsky. (1883 - 1939), che imposta il suo compito accurato, riproduzione documentale di eventi ed eroi della rivoluzione. Una vasta fama ha acquisito il suo web dedicato alle attività di V.I. Lenin. La base dei pittoreschi lenini si basa sulla pittura "Performance di Lenin su Possilovsky Plant", e una delle opere più famose "Lenin a Smolny" (1930), raffigurante Lenin nel suo ufficio al lavoro. Brodsky ha visto Lenin molte volte e ha fatto schizzi da lui (12, pag. 92).

Le opere di Brodsky hanno una qualità importante - affidabilità con un grande significato storicamente informativo. Tuttavia, il desiderio di documentare ha portato all'interpretazione empirica e naturalistica dell'evento. L'importanza artistica dei dipinti di Brodsky ha anche ridotto il naturalismo secco, un sapore dietetico, che è peculiare di una parte significativa delle sue opere.

Picture Master. G.G.Ryazhsky. (1895 - 1952) Le sue opere di "Delegate" (1927) e "Presidente" (1928) (1927) e "Presidente" (1928) (1928) e "Presidente" (1928), nel 1923, unito Ahrr (1928) , in cui l'artista identifica le tipiche caratteristiche sociali e psicologiche di una nuova società.. Il suo "presidente" è un lavoratore attivisto. Nella sua posizione, il gesto rileva una sensazione di autostima, scarica come prova della situazione di una donna in una nuova società di lavoro.

Tra le portriette agh, è stato giocato un ruolo di primo piano S.v.Malyutin. (1859 - 1937). Affidata a loro prima della rivoluzione, la Galleria ritratto è stata completata in tempi sovietici dal ritratto V.K. Bialynitsky-Biluli, A.V. Lunacharsky e molti altri. Tra questi, il ritratto di Dmitry Furmanov, che è stato scritto nel 1922, rivelando in modo convincente l'immagine di uno scrittore di guerriero, un rappresentante della nuova e intelligentia sovietica.

Il partecipante attivo delle mostre AHRR è stato un grande pittore russo del turno dei secoli XIX - XX. A.e. ARCHUPS. Negli anni '20 degli ARCHUPS crea immagini dei contadini - "Donna con una brocca", "il contadino nel grembiule verde", "il contadino con un fazzoletto rosa in mano" e altri. Queste immagini sono scritte in un ampio pennello, temperamentalmente e colorato.

La creatività di E.M. è contrassegnata da una stretta osservazione e attenzione ai nuovi fenomeni della vita. Cheptsova (1874 - 1943), che ha continuato le sue tradizioni di movimento nel campo del genere domestico. La sua immagine della "riunione dell'Agral" (1924), che descrive gli attivisti del villaggio dei primi anni di rivoluzione sono raffigurati. L'osservazione e la sincerità dell'autore, la semplicità dell'aspetto dei suoi eroi, l'ozio degli accessori circostanti ha fatto una piccola pittura modesta dal lavoro di Chepzov uno dei campioni più interessanti dell'arte AHRR.

Lo stesso si può dire su una delle opere del sistema del paesaggio B.N. Yakovleva (1880 - 1972). Il suo "trasporto è stabilito" (1923) - modesto e allo stesso tempo una profonda narrativa della difficile era della rivoluzione, sul lavoro quotidiano delle persone. Tranquillo e appena scritto, questa immagine è uno dei primi esempi di un paesaggio industriale nel dipinto sovietico.

Posto speciale nella pittura AHRR occupa la creatività M.B. Grekova (1882-1934) è il fondatore del genere di battaglia nell'arte sovietica. Per un periodo di un anno e mezzo - fino alla fine della vita - era impegnato a creare un ciclo di dipinti dedicati al primo esercito equestre, in escursioni e battaglie di cui l'artista ha partecipato. Nel suo lavoro, specialmente nel primo periodo, è chiaro conoscere le tradizioni di VeriSchagin. L'eroe principale di Grekova è la gente che ha assunto tutte le difficoltà della guerra. Le opere di Grekova Live Affairs. In tali immagini della metà degli anni '20, come "Tacanka" (1925), la precisione del movimento dell'immagine è combinata con il romanzo romantico. Più tardi, continuando la peculiaia cronaca pittoresca del primo esercito equestre, i Greci crea un web epico, tra cui i dipinti "per Kuban" e "si distinguono i dipinti del primo esercito equestriano" (entrambi - 1934).

Insieme a AHRR, in cui gli artisti della generazione più anziana e mediana, che hanno avuto il tempo di rivoluzione, sono già stati un'esperienza molto creativa, il Gruppo OST (Società di Stankvisti), organizzato nel 1925 ha svolto un ruolo attivo nella vita artistica di Quegli anni, organizzati nel 1925. Ha unito la gioventù artistica della prima Università Artistica Sovietica - Vhu-Tepes. (3)

Il compito principale di unire artisti OST, come "Akhrovtsy", considerato la lotta per la rinascita e l'ulteriore sviluppo della pittura della macchina su un argomento moderno o con contenuti moderni. Tuttavia, aspirazioni creative e metodi di artisti rimanenti differenze caratteristiche. Hanno cercato di riflettere in fatti separati nuove qualità della moderna epoca in relazione all'era del precedente. Il tema principale della Russia, l'industrializzazione della Russia, recentemente ancora ancora agraria e arretrata, il desiderio di mostrare le dinamiche della relazione tra produzione moderna e uomo.

Uno dei rappresentanti più talentuosi del gruppo OST era AA.Daineka.. Le dichiarazioni più vicine sono gli OST sono i suoi dipinti: "Al sito di costruzione di nuovi workshop" (1925), "Prima di scendere alla miniera" (1924), "Giocatori di calcio" (1924), "Tessili" (1926). Pathos sagomato di Daineki ha trovato un'uscita in un grafico giornalistico, in cui l'artista ha eseguito come illustratore in riviste per la lettura ampia - come "Alla macchina", "un avvincere alla macchina", "Spotlight", "Gioventù" e altro Lavori centrali Deileki del periodo Oskesky è diventato il dipinto "difesa di Pietrogrado", scritto nel 1928 per la mostra tematica "10 anni di rkkka". Questo lavoro rivela il Pathos principale e il significato delle tradizioni innovative dell'Ost della maggior parte della vita e di coloro che hanno trovato il loro sviluppo nell'arte sovietica dei periodi successivi. Daeken ha incorporato in questa immagine tutta la peculiarità del suo stile, ridotto al minimo i mezzi di espressività, ma li ha resi molto attivi ed efficaci (8, pag 94).

Dai tra i membri rimanenti, i rimanenti vicini a Deinek nella natura dei loro lavori sui segni di stile Yu.I. PIMENOV, P.V. Williams, S.A. Luchishkin. Creato nello stesso periodo del lavoro del "settore pesante" Pimenova, "Amburgo rivolta" Williams, "La palla volò" e "I Love Life" Luchishkina ha rivelato e innovativo rifletteva qualità importanti della realtà moderna,

In contrasto con il raffreddamento, i giovani, nella sua composizione, il gruppo di due altri, che occupavano un posto importante nella vita artistica di quei anni gruppi creativi - "4 arti" e Omx. (Società degli artisti di Mosca), - United in se stessi i maestri della vecchia generazione, che sono stati sviluppati in modo creativo in un momento pre-rivoluzionario, con un aspetto speciale relativo ai problemi di preservare la cultura pittorica e considerato una parte molto importante del lavoro la sua lingua stessa, forma di plastica. La società "4 arte" originata nel 1925 dai membri più importanti di questo raggruppamento erano P.V. Kuznetsov, K.S. Petrov-Vodkin, M.S. Sa anno, n.p. Ulyanov, k.n. Istomin, v.a. Favorsky.

Le opere di Petrov-Vodkina sono come "Dopo la lotta" (1923), "la finestra della finestra" (1928), "ansia" (1934), il più pienamente espresso il significato etico di vari periodi - pietre miliari nel Sviluppo della società sovietica. La sua immagine "morte del Commissario" (1928), come la "difesa di Pietrogrado" Deneki, scritta in relazione alla mostra "10 anni dell'esercito rosso", al contrario di un pubblico specifico - la base delle decisioni Deineki - dà il suo Soluzione filosofica al compito: attraverso i fatti generalizzando le idee sugli eventi che si svolgono su tutta la Terra del pianeta attraverso l'identificazione dell'essenza etica di questi eventi. Il Commissario è una persona, e nella vita, e nella morte della propria faida nel nome dell'umanità. La sua immagine è un'espressione delle molestie delle idee leggere che vincerà in futuro, indipendentemente e contrarie alla morte dei portatori più attivi di queste idee. Una vista addio del commissario morente come addio all'istruzione di combattenti prima di attaccare - è pieno di fede nella vittoria.

Idee filosofiche Petrov-Vodkin trovano un'espressione plastica adeguata. Lo spazio immacolato si estende sulla superficie sferica del pianeta. La combinazione di prospettiva diretta e inversa è in modo convincente e bruscamente trasferisce il panorama "planetario" di ciò che sta accadendo. Risolvere chiaramente problemi figurativi nel sistema di colori. Nel suo dipinto, l'artista aderisce al principio di una tre-famiglia, come se personifichi i colori principali della Terra: aria fredda blu, acqua blu; terra rossa marrone; Verde del mondo della pianta.

Gli artisti del gruppo OMX sono rimasti nella storia del dipinto sovietico sono stati lasciati nel 1927. Molti di loro si sono vicini l'uno all'altro negli anni pre-rivoluzionari nella "Bubnovy Valen". Il più attivo in OHKH era P.P. Konchalovsky, I.I. Mashkov, A.V. Lentolov, A.V. KUBURIN, R.R. Falk, V.V. Natale, A.A. Osmertkin. Arte ritratto Art.

Nella sua dichiarazione, gli artisti Omha hanno detto: "Chiediamo dall'artista della più grande efficacia ed espressività degli aspetti formali della sua creatività, formando l'inseparabile con il lato ideologico di quest'ultimo". Questo programma ha sentito la vicinanza del gruppo "4 arti".

Uno dei più sorprendenti espressioni di questo programma nell'arte sovietica dei primi anni è stato P.P. Konchalovsky. Ha cercato di combinare le tendenze "bubnovovet" con l'eredità degli artisti realistici russi, che ampliano in gran parte la sua gamma creativa, ha aiutato più organico nell'arte sovietica degli anni '20. La totalità colouristica con l'intensità dei singoli colori è distinta da tali lavori del mago come "autoritratto con sua moglie" (1922), "ritratto O.V. Konchalovskaya" (1925), "ritratto della figlia di Natasha" (1925). Negli stessi anni, P.P. Konchalovsky tenta di creare dipinti tematici, tra cui i migliori sono "Novgorod" (1921) e "dalla fiera" (1926). L'artista è interessato alle immagini tradizionali dei "uomini russi" - potente, cara, vivere circondati dai soliti soggetti, secondo le leggi delle vecchie dogane e, insieme ai loro componenti medi, qualcosa di solito nazionali.

Artisti e associazioni artistiche degli anni '30.

Gli anni '30 nella storia dell'arte sovietica è un periodo difficile che riflette le contraddizioni della realtà stessa. Avendo percepito notevoli turni che hanno avuto luogo nella società, il Pathos dell'industrializzazione, i maestri d'arte allo stesso tempo quasi non hanno quasi notato le principali contraddizioni pubbliche, non esprimono conflitti sociali relativi al rafforzamento del culto della personalità di Stalin (1) .

Il 23 aprile 1932, il Comitato centrale del Partito ha adottato una risoluzione "sulla ristrutturazione delle organizzazioni letterarie e d'arte". Questa risoluzione è stata eliminata da tutti i raggruppamenti precedentemente artistici e i percorsi generali e le forme di stabilizzazione e lo sviluppo di tutte le forze creative dell'arte sovietica sono indicate. La decisione ha indebolito tale confronto tra le singole associazioni, che era così aggravata al turno degli anni '20 - '30. Ma d'altra parte, le tendenze dell'unificazione si sono intensificate nella vita decidua. Gli esperimenti d'avanguardia, che si sono da sapere negli anni '20, sono stati interrotti. La lotta con il cosiddetto formalismo si è rivelato, come risultato della quale molti artisti furono costretti ad abbandonare le loro precedenti conquiste.

La creazione di un'unione unificata ha coinciso con l'approvazione del principio del realismo socialista, formulato da A.M. Gorky al primo congresso mondiale degli scrittori sovietici. Il realismo socialista assunse l'eredità delle tradizioni dell'arte realistica del XIX secolo. E mirare agli artisti sull'immagine della realtà nel suo sviluppo rivoluzionario. Tuttavia, come mostrato l'ulteriore pratica dell'arte Sovietica, il termine "realismo socialista" non era abbastanza e adeguata tendenza complessa e multistrato in una nuova cultura. La sua domanda formale per la pratica artistica è spesso collegata a lui il ruolo dello sviluppo del freno dogmatico dell'art. Nelle condizioni di ricostruzione sociale degli anni '80, il termine "realismo socialista" è stato sottoposto a una discussione di discussione nei circoli professionali a diversi livelli.

Molte tendenze progressiste apparse negli anni '20 continuano a svilupparsi nel 30. Questo vale per, ad esempio, interazione fruttuosa di varie scuole nazionali.

Nelle grandi mostre d'arte organizzate negli anni '30, sono coinvolti artisti di tutte le repubbliche dell'Unione Sovietica. Allo stesso tempo, le mostre repubblicane sono organizzate a Mosca in relazione a decenni di arte nazionale. Le questioni nazionali dell'arte sono particolarmente preoccupate da artisti di repubbliche fraterne.

Negli anni '30, la pratica degli ordini di stato e dei viaggi d'affari creativi si stanno espandendo. Le più grandi mostre sono organizzate: "15 anni di Rkkka", "20 anni dell'esercito rosso", "20 anni del Vlksm", "l'industria del socialismo", "mostra delle migliori opere di pittura sovietica" e altri. Gli artisti sovietici partecipano a mostre internazionali a Parigi e a New York, svolgono lavori per la fiera agricola di All-Union a Mosca, in relazione alla preparazione di cui è stato creato un numero significativo di opere monumentali e decorative, che, in sostanza, significava un importante Stadio della rinascita della pittura monumentale come indipendente, con i propri obiettivi e modelli d'arte. In questi lavori, c'era un'espressione per l'arte sovietica al monumentalismo.

Un artista diventa uno dei rappresentanti più significativi della pittura macchina di questo periodo. Boris Vladimirovich Johanson. (1893 - 1973), che ha trasformato il suo lavoro alle più alte tradizioni del dipinto russo XIX secolo. Interpreta il patrimonio e il repin di Suikov, portando un nuovo contenuto rivoluzionario nelle sue opere un nuovo contenuto rivoluzionario. Da questo punto di vista, i dipinti di Johanson "interrogatorio dei comunisti" (1933) e "sulla vecchia pianta Ural" (1937) sono particolarmente importanti.

L'immagine "Interrogazione dei comunisti" è stata presentata per la prima volta alla mostra "15 anni di rkkka". In esso, l'artista mostrò i comunisti che stavano mettendo in scena sulla difesa della rivoluzionaria patria, e dei loro avversari - guardie bianche, che stavano cercando di strangolare lo stato sovietico durante la guerra civile. L'artista conduce la sua generalizzazione storica nelle tradizioni di Repin, attraverso lo spettacolo di un'azione particolare in un ambiente specifico. Non sappiamo che i nomi delle persone rappresentavano qui, più storicamente universale è percepito da noi l'immagine nel suo complesso. I comunisti nella foto di Johanson sono destinati a morte. Ma l'artista mostra la loro calma, coraggio, forza e resistenza, che contrasta con ansia, nervosismo, disanzeta psicologica, regnando nel gruppo di guardie bianche, impotenza non solo in questa situazione, ma come era, di fronte alla storia.

Nel quadro "sulla vecchia pianta urrale", scritta per la mostra "L'industria socialismo", Johanson si oppone alle immagini dell'allevatore e del lavoratore, in cui rivela la sensazione della classe emergente autocoscienza e superiorità interna sul sfruttatore. Questa foto, l'artista ha mostrato un conflitto storico tra vecchio e nuovo, reazionario e progressivo, e ha approvato il potere vittorioso di rivoluzionario e progressista. Queste sono le nuove funzionalità del genere storico e rivoluzionario sovietico sull'esempio del dipinto di Johanson.

Un posto speciale prende in questo periodo un'immagine, argomenti e generi sfaccettati Sergey Vasilyevich Gerasimov.. Il lavoro più sorprendente del genere storico nel suo lavoro è l'immagine del "giuramento del Partizan siberiano" (1933), che è incredibile con la sua espressività aperta, rilevata da espressività coloristica, modello tagliente, composizione dinamica. Lavorare nel genere della famiglia, S.V. Gerasimov si è concentrato sul tema contadino. Con la sua decisione, l'artista attraversò il ritratto creando un certo numero di immagini contadine convincenti. Durante la costruzione di un villaggio collettivo di fattoria, ha scritto uno dei ritratti più brillanti del "Watchman collettivo della fattoria" (1933). Le opere più significative del dipinto di genere degli anni '30 sono entrate nella "Agriturismo collettivo" (1937), che è stato esposto alla mostra "L'industria socialismo". Esattamente e Emko caratterizza questa immagine il più grande accademico storico dell'arte sovietica I.e. Grabar: "Quando è apparso una meravigliosa tela" Agriturismo collettiva ", uno dei migliori dipinti della mostra" L'industria socialismo ", la nuova crescita straordinaria del Maestro divenne ovvio. Non è quasi nessuno degli artisti sovietici, ad eccezione di Sergey Gerasimov, avrebbe dovuto affrontare una tale sfida composita, leggera e di colore, e persino con strumenti e tecniche così semplici. Era l'immagine solare del dipinto russo durante la rivoluzione, nonostante il fatto che fosse soddisfatto nel piano contenuto "(1 , p. 189).

"Cantante" del contadino sovietico era Arkady Alexandrovich DevStor. (1893 - 1983), associato al villaggio russo con la sua origine. Ha avuto una grande influenza su di lui, le impressioni dell'infanzia trascorse in stretta comunicazione con la natura, con terra, con contadini che vivono su questa terra.

Dopo la nuova rivoluzione socialista di ottobre dei pavimenti, che è stato guidato dal lavoro nel suo villaggio natale, dando un tempo libero di pittura, etudi e impressioni accumulati per le sue opere future dedicate alla vita contadina. Una delle prime opere significative di Plastov - full Air and Light Painting "Bathing Horse" - è stata eseguita da loro per la mostra "20 anni dell'esercito rosso". Per la mostra "L'industria socialismo" dei livelli ha scritto un grande tessuto "Agriturismo collettivo". Un altro brillante prodotto del Plastov del poro è il "mandria collettiva della fattoria" (1938). In tutte le immagini elencate, alcune funzioni comuni si manifestano. I serbatoi non pensano che la scena del genere fuori dal paesaggio, al di fuori della natura russa, sia sempre stata formata in un piano lirico, rivelando la sua bellezza nelle più semplici manifestazioni. Un'altra caratteristica dei lavori di genere di Plastov è l'assenza di qualsiasi conflitto o un momento speciale nell'artista eletto della trama. A volte nei suoi dipinti, come nel "collettivo della fattoria", non ci sono eventi affatto, non succede nulla. Ma allo stesso tempo l'artista raggiunge sempre l'espressività poetica dell'immagine.

Si è sviluppato nel talento degli anni '30 AA.Daeneki.. Ha continuato ad aderire ai suoi precedenti argomenti, trame, immagini preferite, colore e sistema composito. Vero, il suo modo pittoresco è in qualche modo ammorbidito, esempi di quali sono le migliori opere degli anni '30 - "Madre" (1932), "Pranzo Break a Donbass" (1935), "futuri piloti" (1938). Sport, aviazione, corpo formato nudo, laconismo e semplicità del linguaggio pittoresco, le combinazioni di squillo di marrone-arancio e blu sono ammorbidenti in alcuni casi Lyristic, il momento della contemplazione. Daenek ha spinto il quadro tematico del suo lavoro, comprese le storie della vita dei paesi stranieri, che apparve come risultato di viaggiare negli Stati Uniti, in Francia, Germania e Italia.

Un altro ex membro ost - Yu.i.Pimenov. (1903--1977) ha creato uno dei migliori dipinti degli anni '30 "New Moscow" (1937). Il paesaggio del centro di Mosca (Pl. Sverdlova), come se fosse visto dalla macchina da corsa, dietro la ruota della quale una giovane donna si siede allo spettatore. Nuovi edifici edilizzati, funzionamento rapido dell'auto, vernici leggere, un'abbondanza di aria, l'ampiezza dello spazio e il reclutamento della composizione - tutto è imbevuto di globalismo ottimista.

Negli anni '30, creatività paesaggistica G.G. NIS (1903 - 1987), un seguace dei più raffreddati che prese il laconismo da loro, la nitidezza delle soluzioni composite e ritmiche. Questi sono il suo dipinto "autunno" (1932) e "sui sentieri" (1933). Nei paesaggi della Nissky, l'attività di conversione dell'uomo è sempre visibile.

Dei proprietari del paesaggio della vecchia generazione mi chiedo la creatività di n.p. Crimea (1884 - 1958), che ha creato nel 1937 una famosa immagine "mattina nel parco centrale della cultura e il resto del nome da Gorky a Mosca". Una vasta vista panoramica del parco, che lasciò caduta dietro di lui, è stata data, una linea liscia dell'orizzonte, prendendo l'occhio dello spettatore fuori dalla tela, - tutto respira con freschezza ed esposizione.

A. Flylov, il cui lavoro è stato formato all'inizio del XX secolo, nella foto "Lenin nel versamento" (1934) collega il paesaggio con il genere storico, raggiungendo la sensazione della distesa della natura, dei pensieri, dei sentimenti, della sostenuta storica ottimismo.

Paesaggio panoramico è stato manifestato nelle opere di molti pittori di varie repubbliche. Questo onere era associato alla forte sensazione della madrepatria, la terra nativa, che negli anni '30 rafforzò e crebbe. D.n. Kakabadze (1889 - 1952) nel suo "Paesaggio di Imereti" (1934) dà un ampio giro delle montagne caucasiche, lasciando la distanza, - la cresta dietro la cresta, il pendio dietro il pendio. Nel lavoro di M.S. Saryan 30s sono stati segnati anche da interessi nel paesaggio nazionale, alle viste panoramiche sull'Armenia.

Lo sviluppo fruttuoso durante questo periodo riceve anche un genere ritratto in cui artisti della vecchia generazione P.P. Konchalovsky, cioè Grabar, M.V. Nesterov e altri.

P.P. Konchalovsky, noto per le sue opere nei generi più diversi di pittura, negli anni '30 - 40s crea un'intera serie di ritratti di studenti di scienza e arte sovietica. Tra i migliori ritratti v.V. Sofronitsky per pianoforte (1932), S.S. Prokofiev (1934), v.e. Meyerhold (1937). In questi lavori, Konchalovsky contribuisce alla sua eccellente capacità di esprimere la vita attraverso un sistema di plastica-floreale. Collega le migliori tradizioni della vecchia arte con un'innovativa nitidezza della visione del colore, dall'affermazione della vita, dalla principale immagine emotiva e potente dell'immagine.

La vera picco dello sviluppo del verniciatura ritratto di quel periodo era le opere di M.V. Nesterova. Durante il suo lavoro, che unito i secoli XIX e XX., Nesterov ha trattenuto il sostentamento con la vita. Negli anni '30, è sopravvissuto a un brillante ascensore, riaprendo il suo talento del ritratto. Un significato figurativo nei ritratti di Nesterov - approvazione dello spirito creativo del tempo attraverso l'identificazione di pasti creativi di un'ampia varietà di persone che rappresentano questa volta. La Circle of Heroes Nesterov è rappresentante dell'Intelligentia sovietica della vecchia generazione, persone di professioni creative. Quindi, tra le opere più significative di Nesterov, ritratti di artisti - Brothers Cory (1930), scultore I.D. Shadra (1934), Accademico I.P. Pavlova (1935), Chirurgo S.S. Yudina (1935), scultore v.i. Mukhina (1940). Nesterov agisce come una tradizione ritratto continua di V.A. Sierov. Sottolinea le caratteristiche, enfatizza i gesti, le caratteristiche pose dei loro eroi. Accademico Pavlov pugni serpenti serpenti disposti sul tavolo e questa postura rivela il potere dello spirito, contrastando con una vecchiaia chiara. Il chirurgo Yudin è raffigurato anche in un profilo seduto al tavolo. Ma l'espressività di questa immagine è costruita su un caratteristico gesto "volante", sollevato verso l'alto. Estratte le dita dello Yudin - tipici chirurghi, deft e forti, pronti ad adempiere la sua volontà. Mukhina è raffigurata al momento della creatività. Scorri la scultura - focalizzata, non prestando attenzione all'artista, obbedendo interamente al suo impulso.

È dato in modo conciso in questi accessori ritratti. Sono pieni e attivamente inclusi nelle caratteristiche del popolo raffigurato dal loro colore, illuminazione, silhouette. Il sapore dei ritratti è drammaticamente attivo, saturo di suoni, toni extra finemente convocati. Quindi, colore complesso nel ritratto di Pavlova, costruito su una combinazione delle migliori sfumature di toni freddi e caldi, caratterizza la chiarezza spirituale e l'integrità del mondo interiore dello scienziato. E nel ritratto dei fratelli marroni, è addensato al blu profondo, nero, marrone saturo, che esprime la drammatica del loro stato creativo. Ritratti Nesterov è entrato nell'arte del fondamentalmente nuovo, ha iniziato la vita, la combustione creativa come le manifestazioni più tipiche e luminose delle persone nell'era dell'alto entusiasmo del lavoro.

Artista più vicino a Nesterov Pavel Dmitrievich Korin. (1892 - 1967). Avviato nei pittori Palekh, ha iniziato il suo modo creativo con le Scritture delle Icone, e nel 1911, al Consiglio Nesterov entrò nella Scuola di Mosca di Pittura, spaventosa e architettura. Surgo-esigente a se stessi e alle persone, Corin ha portato questa qualità attraverso tutta la sua creatività. Nello sviluppo creativo, e in effetti nella vita dell'artista, A.M. ha giocato un ruolo significativo Gorky, con il quale ha incontrato nel 1931 Gorky ha aiutato Corina a viaggiare all'estero per esplorare i migliori monumenti dell'arte mondiale.

Potrebbe essere quello per cui la Galleria ritratto di scienziati, artisti, scrittori del nostro tempo, quale Corin crea nel corso degli anni, ha iniziato la via A.M. Gorky (1932). In sostanza, in questo lavoro vengono rivelate le caratteristiche principali di Corin-Portraist. Il ritratto di Gorky è un prodotto veramente monumentale, dove una silhouette chiaramente rilevata, uno sfondo di contrasto, un ampio riempimento con il colore delle grandi aree di tela, una figura espressiva affilata esprime la generalizzazione storica della personalità dello scrittore. Per questo, come per altri ritratti di Corina, è caratterizzato da un duro gamma con un'abbondanza di grigio scuro, blu scuro, oleoso, a volte a nero, toni. Questa gamma, così come una forma chiaramente incollata della testa e delle figure ritratte, esprime le qualità emotive dell'artista stesso (6).

Negli anni '30, Corin crea ritratti di attori L.m. Leonidova e v.i. KACHALOVA, Artista M.V. Nesterova, scrittore A.n. Tolstoy, scienziato n.f. Gamalei. Ovviamente, per lui, così come per il suo insegnante spirituale M.V. Nesterova, interesse per la personalità creativa è tutt'altro che occasione.

I successi della pittura degli anni '30 non significano che il percorso del suo sviluppo fosse semplice e privato delle contraddizioni. In molte opere, quegli anni hanno mostrato e stabilizzato le caratteristiche generate dal culto di I.V. Stalin. È un falso pathos di un atteggiamento pseudoo-eteroico, pseudoromantico, pseudooptimistico nei confronti della vita che determina l'essenza e il significato dell'arte "Parade". C'era una competizione tra artisti nella lotta per gli inconfondibili "superpersini", associati all'immagine I.V. Stalin, il successo dell'industrializzazione, il successo dei contadini e della collettivizzazione. C'era un numero di artisti, "specializzati" su questo argomento. Il più tendenzioso in questo senso è stato Alexander Gerasimov ("Stalin e K.e. Voroshilov nel Cremlino" e le sue altre opere).

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