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Gli artisti europei hanno iniziato a utilizzare la vernice a olio nel XV secolo, e dal momento in cui è stato il suo aiuto i dipinti più famosi di tutti i tempi sono stati creati. Ma nei nostri giorni high-tech, l'olio conserva ancora il fascino e un indovinello, e gli artisti continuano a inventare nuove tecniche, rompendo modelli nei brandelli e spingere i confini dell'arte moderna.

sito web Scegli le opere che ci deliziano e ci hanno costretto a ricordare che il meraviglioso può essere nato in qualsiasi epoca.

Il proprietario di un'incredibile abilità dell'artista polacco Justina Kopania (Justyna Kopania) nelle sue opere di spazzatura espressiva è stata in grado di preservare la nebbia trasparenza, la facilità della vela, l'agitazione liscia della nave sulle onde.
I suoi dipinti sono influenzati dalla loro profondità, volume, saturazione e la trama è tale che è impossibile strappare da loro.

Amico di Primtivista di Minsk Valentin Gubarev. Non insegue la gloria e fa solo ciò che ama. La sua creatività è follemente popolare all'estero, ma quasi non familiare con i suoi compatrioti. A metà degli anni '90, i francesi si sono innamorati dei suoi schizzi domestici e hanno concluso un contratto con l'artista per 16 anni. I dipinti che sembrano essere comprensibili solo a noi, i portatori del "fascino modesto del socialismo non sviluppato", è piaciuto il pubblico europeo, e ha iniziato mostre in Svizzera, Germania, Gran Bretagna e altri paesi.

Sergey Marshnikov 41 anni. Vive a San Pietroburgo e crea nelle migliori tradizioni della classica scuola russa di pittura ritratto realistico. Gli eroi delle sue tele diventano delicati e indifesi nella loro semi-infermiera. In molti dei dipinti più famosi raffigurati Muse e la moglie dell'artista - Natalia.

Nell'epoca moderna delle immagini di alta risoluzione e di riepitto della creatività dell'iperealismo Philip Barlow (Philip Barlow) attira immediatamente l'attenzione. Tuttavia, lo spettatore richiede un certo sforzo per costringersi a guardare le sagome sfocate e macchie luminose sulle tele autore. Probabilmente, quindi vedi il mondo senza occhiali e le lenti a contatto che soffrono di miopia.

Pittura Laurent Parceliel è un mondo straordinario in cui non c'è tristezza o sconforto. Non incontrerà dipinti accigliato e piovosi. C'è un sacco di colori leggeri, aria e luminosi sulla sua tela, che l'artista infligge caratteristici colpi riconoscibili. Crea una sensazione che i dipinti siano tessuti da un migliaio di coniglietti soleggiati.

Olio su pannelli in legno Artista americano Jeremy Mann (Jeremy Mann) scrive ritratti dinamici della metropoli moderna. "Forme astratte, linee, contrasto di punti luminosi e scuri - tutto crea un'immagine che provoca la sensazione che una persona stia vivendo tra la folla e il tumulto della città, ma può anche esprimere la tranquillità, che è acquisita nel contemplare silenzioso Bellezza, "dice l'artista.

Nei quadri dell'artista britannico Nilo Simon (Neil Simone), tutto non sembra a prima vista. "Per me, il mondo in giro è una serie di forme, ombre e confini fragili e costantemente cambianti", afferma Simon. E nei suoi dipinti, tutto è davvero illusorio e interconnesso. I confini vengono lavati via, e le trame si fluiscono l'una nell'altra.

Italiano per origine è un moderno artista americano Joseph Laratso (

L'arte è in costante sviluppo, così come il mondo intero che ci circonda. Artisti moderni del XXI secolo e dei loro dipinti non sono affatto come quelli che esistevano nel Medioevo, l'epoca del Rinascimento. Appariranno nuovi nomi, materiali, generi, metodi delle espressioni di talenti. In questa valutazione, faremo conoscere dieci artisti-innovatori del nostro tempo.

10. Pedro Campos.Nel decimo posto, spagnolo, il cui pennello può facilmente lasciare la fotocamera, così la tela realistica che scrive. Per la maggior parte, crea ancora la vita, ma nella sorprendente ammirazione porta non è così tanto il tema dei suoi dipinti come il workshop è incarnazione. Textures, abbagliamento, profondità, prospettiva, volume, - Tutti questi campose Pedro subordinati al suo pennello in modo che dalla tela sullo spettatore osservò la realtà e non la finzione. Senza abbellimento, senza romanticismo, solo la realtà, questo è il significato del genere del fotorealismo. L'artista, a proposito, ha acquisito la sua attenzione ai dettagli e scrupuliness.

9. Richard Estes.Un altro fan del genere del fotorealismo - Richard Estes - ha iniziato con la pittura ordinaria, ma in seguito andò nel disegno dei paesaggi urbani. Gli artisti di oggi e le loro creazioni non hanno bisogno di adattarsi a nessuno, ed è bello, tutti possono esprimersi come vuole ciò che vuole. Come nel caso di Pedro Campos, il lavoro di questo master può essere facilmente confuso con le foto, così simile alla città da loro a quella reale. Le immagini di Estes incontrano raramente persone, ma quasi sempre ci saranno riflessi, abbagliamento, linee parallele e perfette, la composizione perfetta. Quindi, non si syvens solo il paesaggio della città, ma trova la perfezione e cerca di dimostrarlo.

8. Sloan Kevin.Artisti moderni del XXI secolo e dei loro dipinti sono incredibilmente molti, ma non ognuno vale la pena attenzione. L'American Kevin Sloan ne vale la pena, perché il suo lavoro sembra spostare lo spettatore in un'altra dimensione, pace, piena di allegoria, significati nascosti, misteri metaforici. L'artista ama scrivere animali, perché, a suo avviso, scopre più libertà in modo tale che con le persone di segnalare la storia. Ha creato una "realtà con trucco" per quasi 40 anni. Molto spesso ci sono ore sulle tele: Guardano l'elefante, il polpo, questa immagine può essere interpretata come il tempo uscente o come una durata limitata. Ogni immagine di Sliana stupisce l'immaginazione, voglio svelare che l'autore volesse portarla.

7. Laurent Parshelery.Questo pittore appartiene a quegli artisti contemporanei del XXI secolo, i cui dipinti hanno ricevuto il riconoscimento in anticipo, mentre imparando. Il talento di Laurent si è manifestato negli album pubblicati sotto il nome generale "Strange World". Scrive il petrolio, la sua maniera è facile, al realismo. Una caratteristica caratteristica delle opere dell'artista è l'abbondanza di luce, che viene versata con le tele. Di norma, raffigura i paesaggi, alcuni luoghi riconoscibili. Tutte le opere sono estremamente leggere e aria, piene di sole, freschezza, respirazione.

6. Jeremy Mann.Il nativo San Francisco amava la sua città, molto spesso ero nelle foto di esso. Artisti moderni del XXI secolo possono trarre ispirazione per i loro dipinti ovunque: sotto la pioggia, marciapiede bagnato, segni al neon, lampade urbane. Jeremy Mann riempie lo scenario ordinario di umore, storia, sperimentare con elettrodomestici e selezione dei colori. Manna materiale principale - olio.

5. Hans Rudolf Higer.Nel quinto posto è unico, unico, Hans Higer, il creatore del film di qualcun altro. Gli attuali artisti e le loro opere sono diversi, ma ognuno a modo suo è geniale. Questo cupo svizzero non scrive natura e animali, è più simile alla pittura "biomeccanica" in cui è riuscito. Alcuni confrontano l'artista con un bosum sulla cupa, la fantasticità delle sue tele. Sebbene dalle immagini dell'angolo e soffia qualcosa di altro, pericoloso, nella tecnica, l'abilità non lo rifiuterà: è attento ai dettagli, raccoglie le sfumature con competenza, pensa a tutto il più piccolo dettaglio.

4. Barnet.Questo artista ha il suo unico stile di copyright unico, perché il suo lavoro sarà accettato volentieri dai grandi musei del mondo: il Metropolitan-Museum, la National Art Gallery, il British Museum, il Museo di Eshmolov, il Museo Vaticano. Artisti moderni del XXI secolo e dei loro lavori da riconoscere, devono distinguersi qualcosa contro lo sfondo del resto delle masse. E Barnett sa come. Le sue opere sono grafiche e contrasti, raffigura spesso gatti, uccelli, donne. A prima vista, i dipinti di Barnet sono semplici, ma con ulteriore considerazione lo capisci che in questa semplicità il loro genio è giusto.

3. Neil Simon.Questo è uno dei moderni artisti del XXI secolo, le cui opere non sono così semplici, come sembrano a prima vista. Tra le trame e le opere del Nilo Simon, i confini sono rotti, fluiscono da uno all'altro, comportano lo spettatore, stringendo nel mondo dell'Illuruzor dell'artista. Le creazioni di Simon sono caratterizzate da colori luminosi e saturi, che danno loro energia e potere, provoca una risposta emotiva. Il Maestro ama giocare con la prospettiva, dimensioni degli oggetti, con combinazioni insolite e forme impreviste. Nelle opere dell'artista, molta geometria, che è combinata con paesaggi naturali, come se si rompesse, ma non distruggendo, ma complementare armoniosamente.

2. Igor Mariska.L'artista di oggi del XXI secolo e dei suoi dipinti si confrontano spesso con il grande genio Salvador Dali. Il lavoro del master polacco è imprevedibile, misterioso, onde, causano una luminosa risposta emotiva, in luoghi folle. Come qualsiasi altro surrealista, non cerca di mostrare la realtà che è, ma mostra i volti che non vedremo mai nella vita. Molto spesso, il personaggio principale delle opere del mare è un uomo con tutte le sue paure, passioni, svantaggi. Inoltre, le metafore di questo surrealista riguardano spesso il potere. Naturalmente, questo non è l'artista, il cui lavoro si blocca sul letto, ma ha bisogno di andare alla cui mostra.

1. Yoya Kusama.. Quindi, in primo luogo della nostra valutazione, un artista giapponese che ha raggiunto un incredibile successo in tutto il mondo, nonostante il fatto che abbia qualche malattia mentale. L'artista principale "chip" è piselli. Copre tazze di varie forme e dimensioni, tutto ciò che vede, chiamando tutte queste reti non a infiniti. Le mostre interattive e l'installazione di Kusama hanno successo, perché a volte tutti desiderano (anche se non è riconosciuto) per essere all'interno del mondo psichedelico delle allucinazioni, l'immediatezza dei bambini, le fantasie e i cerchi multicolori. Tra i moderni artisti del XXI secolo e dei loro dipinti, Yoya Kusama - il più venduto.

"Giocatori in carte"

Autore

Paul Cesanne.

Nazione Francia
Anni di vita 1839–1906
Stile Pospressionismo.

L'artista è nato nel sud della Francia in una piccola città di ex-en-Provence, ma la pittura cominciò a impegnarsi a Parigi. Questo successo è venuto da lui dopo la mostra personale organizzata dal collezionista Ambruz Vollar. Nel 1886, 20 anni prima della sua cura, si trasferì alla periferia della sua città natale. I giovani artisti lo hanno chiamato chiamato "pellegrinaggio in ex".

130x97 cm
1895 anni
Costo
$ 250 milioni.
venduto nel 2012
sul commercio privato

La creatività Cezanna è facile da capire. L'unica regola dell'artista era la trasmissione diretta del soggetto o della trama sulla tela, quindi i suoi dipinti non causano la perplessità del Viewer. Cezanne ha collegato due principali tradizioni francesi nella sua arte: classicismo e romanticismo. Con l'aiuto di una trama colorata, ha allegato una fantastica plasticità di oggetti.

Una serie di cinque dipinti "giocatori in mappe" è stato scritto nel 1890-1895. La loro trama è la stessa - diverse persone giocano con entusiasticamente il poker. Disponibile solo dal numero di giocatori e dimensioni tela.

Quattro dipinti sono conservati nei musei dell'Europa e dell'America (Museo di D'Orce, Museo Metropolitano, Barnes Foundation e dell'Istituto Kurto), e la quinta volta fino a poco tempo fa la decorazione della collezione privata di Greco Billionaire-showner Georg Embyricos. Poco prima della sua morte, in inverno del 2011, ha deciso di metterlo in vendita. Dealer Art William Akvavella e un nome glimpico di Larry Gagosyan, che lo ha offerto circa $ 220 milioni, che offrivano circa $ 220 milioni di dollari per i potenziali acquirenti di lavoro "libero". Di conseguenza, l'immagine è andata alla famiglia reale dello stato arabo del Qatar per 250 milioni. Il più grande accordo d'arte nella storia della pittura è stato chiuso a febbraio 2012. Questo in Vanity Fair ha riportato un giornalista Alexander Pierce. Ha scoperto il costo dell'immagine e il nome del nuovo proprietario, e quindi le informazioni penetrarono i media in tutto il mondo.

Nel 2010, il Museo Arabo dell'arte contemporanea e il Museo Nazionale del Qatari sono stati aperti in Qatar. Ora le loro collezioni sono rifornite. Forse la quinta versione dei "giocatori nella carta" è stata acquisita da Sheikh per questo scopo.

Sami.gentile pitturanel mondo

Proprietario
Sheikha Hamad.
bin califfo al-tanya

La dinastia Al-Tanya governa il Qatar oltre i 130 anni. Circa mezzo secolo fa, enormi riserve di petrolio e gas sono state trovate qui che il Vmig ha reso il Qatar una delle regioni più ricche del mondo. Grazie all'esportazione di idrocarburi in questo piccolo paese, è registrato il più grande PIL pro capite. Sheikh Hamad Bin Califa Al-Tanya nel 1995, mentre suo padre era in Svizzera, con il sostegno dei membri della famiglia sequestrati. Il merito del righello attuale, secondo gli esperti, in una chiara strategia per lo sviluppo del paese, creando un'immagine di stato di successo. Ora la Costituzione e il Primo Ministro sono apparsi in Qatar e le donne hanno ricevuto il diritto di votare nelle elezioni parlamentari. A proposito, è stato l'Emir del Qatar che fondò il canale di notizie di Al-Jazeera. Enorme attenzione delle autorità dello stato arabo pagano la cultura.

2

"Numero 5"

Autore

Jackson Pollock.

Nazione Stati Uniti d'America
Anni di vita 1912–1956
Stile Espressionismo astratto

Jack Sproyer - Un tale soprannome è stato dato al pubblico americano per la tecnica speciale della pittura. L'artista ha rifiutato il pennello e il cavalletto, e la vernice si riversava sulla superficie della tela o della fibrolite durante il movimento continuo intorno e dentro di loro. Dalla tenera età, è stato appassionato di filosofia Jedda Krishnamurti, la promessa principale di cui - la verità si apre durante la "effusione" libera.

122x244 cm
1948.
costo
$ 140 milioni.
venduto nel 2006
sull'asta Sotheby's.

Il valore del lavoro del centrocampo non è un risultato, ma nel processo. L'autore non ha accidentalmente chiama la sua arte di pittura azione. Con la sua mano leggera è diventato il dominio principale dell'America. Jackson Pollock Vernice miscelata con sabbia, vetro rotto, e ha scritto un pezzo di cartone, mastice, coltello, scoop. L'artista era così popolare che negli anni '50, gli imitatori furono trovati anche nell'URSS. L'immagine "numero 5" è riconosciuta come uno dei più strani e costosi nel mondo. Uno dei creatori di Dreamworks David Hepfen lo ha acquisito per una collezione privata, e nel 2006 venduto all'asta di Sotheby per 140 milioni di dollari al messicano David Martinez. Tuttavia, presto uno studio legale per conto del suo cliente ha rilasciato un comunicato stampa, che ha riferito che David Martinez non è il proprietario del dipinto. Apparentemente solo una cosa è nota: il finanziere messicano ha effettivamente raccogliere di recente opere d'arte contemporanea. È improbabile che avrebbe perso un "grande pesce" come "numero 5" del centrocampo.

3

"Donna III"

Autore

Villem de Kuning.

Nazione Stati Uniti d'America
Anni di vita 1904–1997
Stile Espressionismo astratto

L'partenza dai Paesi Bassi, emigrò negli Stati Uniti nel 1926. Nel 1948, si è svolta una mostra personale dell'artista. I critici d'arte apprezzavano complesse complesse, nervose composizioni in bianco e nero, riconoscendo nel loro autore del Grand Artist-Modernist. Ha sofferto la maggior parte della sua vita con l'alcolismo, ma la gioia di creare una nuova arte è sentita in ogni lavoro. De Kuning si distingue per l'impulsività della pittura, gli ampi tratti, che a volte l'immagine non si adatta ai confini della tela.

121x171 cm
1953.
Costo
$ 137 milioni.
venduto nel 2006
sul commercio privato

Negli anni '50, donne con occhi vuoti, petti massicci, brutte caratteristiche del viso appaiono nei dipinti di De Kuning. "Donna III" è diventata l'ultimo lavoro di questa serie che partecipa all'asta.

Dagli anni '70, la foto è stata conservata nel Museo di Teheran dell'arte contemporanea, ma dopo l'introduzione di dure regole di moralità nel paese, cercarono di liberarsene. Nel 1994, il lavoro è stato portato fuori dall'Iran, e dopo 12 anni il suo proprietario David Hepfen (il maggior produttore che ha venduto il Jackson Pollock "numero 5" canale) ha dato l'immagine a Milliona Stephen Cohen per $ 137,5 milioni. È interessante notare che Hepfhen ha iniziato a vendere la sua collezione di pittura in un anno. Ha dato origine a un peso di voci: ad esempio, quel produttore ha deciso di acquistare il quotidiano di Los Angeles Times.

In uno dei forum d'arte, è stata espressa un'opinione sulla somiglianza delle "donne III" con l'immagine di Leonardo da Vinci "Lady con Mornosta". Per un sorriso a trenta denti e una figura informe dell'eroina, lo intenditore della pittura vide la grazia del sangue reale. Questo è evidenziato dalla corona scarsamente dipinta, la testa di nozze di una donna.

4

"Ritratto di ADELIBloch-Bauer I »

Autore

Gustav Klimt.

Nazione Austria
Anni di vita 1862–1918
Stile Moderno

Gustav Klimt è nato nella famiglia di una famiglia Engraver ed era il secondo di sette figli. Tre figli di Ernest Klimt divennero artisti, e solo Gustav era diventato famoso per il mondo intero. La maggior parte dell'infanzia ha trascorso nella povertà. Dopo la morte di suo padre, era responsabile per tutta la famiglia. È in questo momento che clost sviluppa il suo stile. Di fronte ai suoi dipinti, qualsiasi spettatore si blocca: sotto le sottili striscio d'oro è chiaramente visibile all'erotismo franco.

138x136 cm
1907 anni
Costo
$ 135 milioni.
venduto nel 2006
sull'asta Sotheby's.

Il destino dell'immagine, che si chiama "Austrian Mona Liza", può facilmente diventare la base per il bestseller. Il lavoro dell'artista era la causa del conflitto di un intero stato e una signora anziana.

Quindi, sul "ritratto di Adeli Bloch-Bauer I" raffigurato un aristocratico, la moglie di Ferdinand Bloch. La sua ultima volontà era di trasferire l'immagine della Galleria Statale Austriaca. Tuttavia, le pulci nella sua volontà annullarono la donazione e la tela espropriarà i nazisti. Più tardi, la Galleria ha appena comprato il "Golden Adel", ma qui apparvero gli eredi - Maria Altman, la nipote di Ferdinand Bloch.

Nel 2005, è iniziato il forte processo di "Maria Altman contro la Repubblica austriaca", seguendo il quale la foto "lasciò" con lei a Los Angeles. L'Austria ha adottato misure senza precedenti: c'erano negoziati sui prestiti, la popolazione ha sacrificato i soldi per comprare un ritratto. Buono e non ha vinto il male: il prezzo di Altman ha raccolto fino a $ 300 milioni. Al momento del procedimento, aveva 79 anni, ed è entrata nella storia come una persona che aveva cambiato la volontà di Bloch Bauer a favore degli interessi personali. La foto è stata acquisita da Ronald Laoupere, il proprietario della "nuova galleria" a New York, dove è ancora in questo giorno. Non per l'Austria, per lui Altman ha abbassato il prezzo fino a $ 135 milioni.

5

"Torrente"

Autore

Edward Munk.

Nazione Norvegia
Anni di vita 1863–1944
Stile espressionismo

La prima immagine del fango, che è diventata famosa in tutto il mondo, - "ragazza malata" (esiste in cinque copie) - dedicata alla sorella dell'artista che ha deceduto dalla tubercolosi di 15 anni. Minka è sempre stata interessata al tema della morte e della solitudine. In Germania, la sua pittura pesante e maniacale ha persino provocato uno scandalo. Tuttavia, nonostante le trame depressive, i suoi dipinti hanno un magnetismo speciale. Prendi almeno il torrente.

73,5х91 cm
1895 anni
Costo
$ 119,992 milioni.
venduto B. 2012.
sull'asta Sotheby's.

Il nome completo dell'immagine è der Schrei der Natur (tradotto dal tedesco - "torrente della natura"). La persona è se la persona è, o gli alieni che esprimono la disperazione e il panico - la stessa emozione sta vivendo uno spettatore quando guardi l'immagine. Una delle opere chiave dell'espressionismo avverte i temi che sono diventati acuti nell'arte del XX secolo. Secondo una delle versioni, l'artista lo ha creato sotto l'influenza del disturbo mentale, che ha sofferto per tutta la sua vita.

L'immagine due volte è stata rubata da diversi musei, ma è stato restituito. I piccoli danni risultanti dopo il furto "Creek" è stato rinnovato, ed è stato di nuovo pronto a mostrare al Mill Museum nel 2008. Per i rappresentanti della cultura pop, il lavoro è diventato fonte di ispirazione: Andy Warhol ha creato una serie delle sue copie di stampa, e la maschera del film "Creek" è stata fatta nell'immagine e la somiglianza dell'eroe dell'immagine.

Per una trama, la munk ha scritto quattro versioni del lavoro: quella è nella collezione privata, vengono eseguiti pastelli. Il miliardario norvegese Petter Olsen lo ha messo all'asta il 2 maggio 2012. L'acquirente era Leon Black, che non ha acquisito il "grido" dell'importo del record. Fondatore di Aziende Apollo Advisors, L.P. e consulenti Lion, L.P. Conosciuto dal suo amore dell'art. Black è un patrono del college Dartmouth, Museo di arte contemporanea, Art Center Lincoln, Metropolitan Museum of Arts. Ha la più grande collezione di dipinti di artisti moderni e maestri classici dei secoli passati.

6

"Nudo sullo sfondo di foglie di busto e verde"

Autore

Pablo Picasso

Nazione Spagna, Francia
Anni di vita 1881–1973
Stile cubismo

Per origine, è uno spagnolo, e in spirito e luogo di residenza - un vero francese. Lo studio d'arte di Picasso è stato aperto a Barcellona quando aveva solo 16 anni. Poi è andato a Parigi e ha trascorso la maggior parte della vita lì. Ecco perché nel suo cognome doppio enfasi. Nel cuore dello stile, inventato Picasso, c'è una negazione di opinioni che l'oggetto raffigurato sulla tela può essere considerato solo sotto una vista.

130x162 cm.
1932 anni
Costo
$ 106,482 milioni.
venduto nel 2010 anno
sull'asta Christie's.

Durante il suo lavoro a Roma, l'artista ha incontrato il ballerino di Olga Khokhlov, che presto divenne sua moglie. Ha finito con vagabondo, si muoveva con lei in un lussuoso appartamento. A quel tempo, il riconoscimento ha trovato un eroe, ma il matrimonio è stato distrutto. Uno dei dipinti più costosi del mondo è stato creato quasi per caso - in grande amore, che, come sempre, Picasso era breve. Nel 1927, fu portato via dal giovane Marie Terez Walter (aveva 17 anni, aveva 45 anni). In segreto, lasciò sua moglie con la sua amante della città vicino a Parigi, dove ha scritto un ritratto, raffigurante Marie Terez nell'immagine di Daphne. La tela ha acquisito il rivenditore di New York Paul Rosenberg, e nel 1951 lo ha venduto Sydney F. Brouda. I coniugi Brody hanno mostrato una foto del mondo solo un giorno e solo perché l'artista aveva 80 anni. Dopo la morte di suo marito, la signora Brody, nel marzo 2010, metti un'opera d'asta nella casa di Christie's. Per sei decenni, il prezzo è cresciuto più di 5.000 volte! Un collezionista sconosciuto la ha acquisito per $ 106,5 milioni. Nel 2011, "Esposizione di un modello" ha avuto luogo in Gran Bretagna, dove vide la luce della seconda volta, ma il nome del proprietario è ancora sconosciuto.

7

"Otto Elvis"

Autore

Andy Warhole

Nazione Stati Uniti d'America
Anni di vita 1928-1987
Stile
pop Art

"Sesso e feste sono gli unici luoghi in cui devi apparire con la tua persona", ha detto il culto Pop Art Art, direttore, uno dei fondatori della rivista Interview, Designer Andy Warhol. Ha lavorato con Vogue e Bazar Harper Bazar, che redige la copertina dei record, è venuta con le scarpe per I.miller. Negli anni '60 è apparso immagini di simboli america: zuppa di Campbell e Coca-Cola, Presley e Monroe - la fece legenda.

358x208 cm
1963 anni
Costo
$ 100 milioni.
venduto nel 2008
sul commercio privato

Warholovsky 60s - la cosiddetta epoca di Pop Art in America. Nel 1962, ha lavorato a Manhattan nella "fabbrica" \u200b\u200bdello studio, dove tutta la Boemia New York si è riunita. I suoi brillanti rappresentanti: Mick Jagger, Bob Dylan, Cappuccio Trueman e altre persone conosciute nel mondo. Allo stesso tempo, Warhol ha provato la tecnologia Silkographic: una ripetizione multipla di un'immagine. Ha usato questo metodo e quando si crea "Otto Elvis": lo spettatore sembra vedere i telai dal film, dove la stella prende vita. C'è tutto ciò che l'artista amava così tanto: l'immagine pubblica win-win, il colore d'argento e la premonizione della morte come promessa principale.

Ci sono due rivenditori d'arte che promuovono il lavoro di Warhol sul mercato mondiale oggi: Larry Gagosyan e Alberto Morbai. Il primo nel 2008 ha trascorso 200 milioni di dollari per acquisire più di 15 opere di Warhol. Il secondo acquista e vende i suoi dipinti come cartoline di Natale, solo più costosi. Ma non loro, e il modesto consulente d'arte francese Philip Segalo ha aiutato l'intenditore romano dell'arte di Annibal Berlinghiri a vendere l'acquirente sconosciuto "Otto Elvis" per un record per Warhol - $ 100 milioni.

8

"Arancia,rosso Giallo"

Autore

Mark Rotko.

Nazione Stati Uniti d'America
Anni di vita 1903–1970
Stile Espressionismo astratto

Uno dei creatori di dipingere il campo del colore è nato a Dvinsk, in Russia (ora - Daugavpils, Lettonia), in una grande famiglia del farmacista ebraico. Nel 1911, emigrarono negli Stati Uniti. Rotko studiato presso la Facoltà d'arte di Yale University, ha raggiunto borse di studio, ma i sentimenti antisemiti lo hanno costretto a lasciare i suoi studi. Nonostante tutto, l'arte critica dell'artista è stata custodita e i musei hanno perseguito tutta la sua vita.

206x236 cm
1961 anni
costo
$ 86,882 milioni.
venduto nel 2012
sull'asta Christie's.

I primi esperimenti artistici di Rotko erano un orientamento surreale, ma nel tempo semplificato la trama per colorare i punti privandoli di qualsiasi oggetto. All'inizio avevano sfumature luminose, e negli anni '60 versarono marrone, viola, ispessimento del nero al tempo della morte dell'artista. Mark Rotko ha avvertito contro la ricerca di qualsiasi significato nei suoi dipinti. L'autore voleva dire esattamente cosa ha detto: solo un colore che si dissolve nell'aria e nient'altro. Consigliato guardando il lavoro da una distanza di 45 cm in modo che lo spettatore "ritardava" di colore, come in un imbuto. Attenzione: alla ricerca di tutte le regole può portare all'effetto della meditazione, cioè gradualmente arriva alla consapevolezza dell'infinito, completa immersione in sé stesso, relax, purificante. Il colore dei suoi dipinti vive, respira e ha un impatto emotivo più forte (dicono, a volte guarigione). L'artista ha dichiarato: "Lo spettatore dovrebbe piangere, guardandoli" e tali casi erano davvero. Sulla teoria del Rotko, in questo momento le persone vivono la stessa esperienza spirituale di lui nel processo di lavoro sulla foto. Se sei riuscito a capirlo su un livello così sottile, allora non sarai sorpreso che queste opere di critiche di astrazione siano spesso confrontate con le icone.

Il lavoro "arancione, rosso, giallo" esprime l'intera essenza del marchio di pittura Rothko. Il suo costo iniziale presso l'asta di Christie a New York 35-45 milioni di dollari. Un acquirente sconosciuto ha offerto un prezzo due volte più alto sopra il preventivo. Il nome del felice proprietario della pittura, come accade spesso, non divulgato.

9

"Trittico"

Autore

Francesco Bacone

Nazione
Gran Bretagna
Anni di vita 1909–1992
Stile espressionismo

Le avventure di Francis Beckon, un omonimo completo e oltre a un lungo discendente del grande filosofo, iniziò quando il Padre lo ha rinunciato, incapace di accettare le tendenze omosessuali del figlio. La pancetta è andata prima a Berlino, poi a Parigi, e poi le sue tracce sono confuse in tutta Europa. Durante la sua vita, il suo lavoro è stato esposto nei principali centri culturali del mondo, tra cui il Museo Guggenheim e la Galleria Tretyakov.

147,5х198 cm (ciascuno)
1976.
Costo
$ 86,2 milioni.
venduto nel 2008
sull'asta Sotheby's.

I prestigiosi musei hanno cercato di possedere dipinti di Bekon, ma il pubblico principale inglese non ha fretta di sopravvivere su tale arte. Il leggendario primo ministro del British Margaret Thatcher ha parlato di lui: "Una persona che disegna questi orribili dipinti".

Il periodo di partenza nel suo lavoro, l'artista stesso considerava il tempo di dopoguerra. Tornando dal servizio, si è ancora impegnato nella pittura e ha creato i principali capolavori. Prima della partecipazione del trittico, il 1976 nell'asta del lavoro più costoso della pancetta era "etudio per il ritratto di Papa Innokentia X" ($ 52,7 milioni). In Trittykh, 1976, l'artista ha raffigurato un mitico appezzamento della persecuzione della furia di Oresta. Naturalmente, Oest è il bacon stesso, e Furi è il suo tormento. Per più di 30 anni, l'immagine era nella collezione privata e non ha partecipato alle mostre. Questo fatto gli conferisce un valore speciale e, di conseguenza, aumenta i costi. Ma ciò che sono alcuni milioni per un intenditore d'arte, e anche in russo generoso? Roman Abramovich ha iniziato a creare la sua collezione negli anni '90, la fidanzata Dasha Zhukov lo aveva colpita in modo significativo, il che è diventato una galleria alla moda nella Russia moderna. Secondo i dati non ufficiali, nella proprietà personale dell'uomo d'affari, ci sono opere di Alberto Dzhacometti e Pablo Picasso, acquistate per importi superiori a $ 100 milioni. Nel 2008 è diventato il proprietario del trittico. A proposito, nel 2011 è stato acquisito un altro prezioso lavoro di Bekon - "Tre schizzi al ritratto di Lucien Freud". Le fonti nascoste dicono che l'Arkadyevich romano è diventato di nuovo l'acquirente.

10

"Stagno con ninfea"

Autore

Claude Monet

Nazione Francia
Anni di vita 1840–1926
Stile impressionismo

L'artista è riconosciuto dall'antentato dell'impressionismo, "brevettato" questo metodo nelle sue tele. Il primo lavoro significativo era la pittura "colazione sull'erba" (la versione originale del lavoro di Edward Mane). Nella sua giovinezza, ha dipinto le caricature, e un vero dipinto prese durante i suoi viaggi lungo la costa e all'aperto. A Parigi, ha guidato lo stile di vita bohémien e non lo ha lasciato anche dopo il servizio nell'esercito.

210x100 cm
1919 anni
Costo
$ 80,5 milioni.
venduto nel 2008
sull'asta Christie's.

Oltre al fatto che Monet era un grande artista, ha anche impegnato con entusiasmo nel giardinaggio, la natura vivente adorata e i fiori. Nei suoi paesaggi, lo stato della natura è leggermente, gli articoli come se fossero sfocati dal movimento dell'aria. L'impressione è migliorata da grandi macchie, da una certa distanza diventano impercettibili e si fondono in un'immagine tridimensionale strutturata. Nel verniciatura del tardo monet, il tema dell'acqua e della vita in esso occupa un posto speciale. Nella città di Gerni, l'artista era il suo stagno, dove coltivava Pita dai semi, appositamente portati dal Giappone. Quando i loro fiori fioriscono, cercò di disegnare. Una serie di "dolci" è composta da 60 opere che l'artista ha scritto per quasi 30 anni a morte. La sua visione si è deteriorata con l'età, ma non si è fermato. A seconda del vento, del tempo dell'anno e del tempo, il laghetto è cambiato costantemente, questi cambiamenti volevano catturare il monito. Attraverso il lavoro accurato verso di lui, è venuta una comprensione dell'essenza della natura. Alcune delle conchiglie della serie sono conservate nelle principali gallerie del mondo: il Museo Nazionale dell'Arte occidentale (Tokyo), Orangery (Parigi). La versione del prossimo "laghetto con il giglio d'acqua" è entrato nelle mani di un acquirente sconosciuto per un importo del record.

11

False stella t.

Autore

Jasper Jones.

Nazione Stati Uniti d'America
Anno di nascita 1930
Stile pop Art

Nel 1949, Jones entrò nella scuola di design a New York. Insieme a Jackson Pollock, Willem de Cunning e altri, è riconosciuto come uno dei principali artisti del 20 ° secolo. Nel 2012, ha ricevuto la "Medaglia presidenziale della libertà" - il premio civile più alto degli Stati Uniti.

137.2х170,8 cm
1959.
Costo
$ 80 milioni.
venduto nel 2006
sul commercio privato

Come Marseille Dushan, Jones ha lavorato con oggetti reali, raffigurante loro su tela e nella scultura in piena conformità con l'originale. Per il loro lavoro, ha usato oggetti semplici e comprensibili: una bottiglia di birra, una bandiera o una carta. L'immagine falsa di avvio non ha una chiara composizione. L'artista come se gioca con il pubblico, spesso "sbagliato" firmando i colori nella foto, trasformando il concetto di colore stesso: "Volevo trovare un modo per ritrarre il colore in modo che possa essere determinato da un altro metodo." Il suo più esplosivo e "resistente in sé", secondo i critici, la foto è stata acquisita da un acquirente sconosciuto.

12

"Sedutanudo sul divano"

Autore

Amedeo Modiganiani.

Nazione Italia, Francia
Anni di vita 1884–1920
Stile espressionismo

Moodigaliani spesso malati fin dall'infanzia, durante un'assurdità febbrile, ha riconosciuto il suo designer dell'artista. Ha studiato la pittura a Livorno, Firenze, Venezia, e nel 1906 andò a Parigi, dove la sua arte fiorì.

65x100 cm
1917 anni
Costo
$ 68.962 milioni.
venduto nel 2010 anno
sull'asta Sotheby's.

Nel 1917, Modigliani incontrò il 19enne Jeanne Ebutern, che divenne la sua modella, e poi sua moglie. Nel 2004, uno dei suoi ritratti è stato venduto per $ 31,3 milioni, che è diventato l'ultimo disco prima di vendere "seduto nudo sul divano" nel 2010. L'immagine ha acquisito un acquirente sconosciuto per il massimo per modigliani al momento il prezzo. Le vendite attive di lavoro sono iniziate solo dopo la morte dell'artista. Morì in una povertà, tubercolosi malata, e il giorno successivo ha commesso con lui e Zhanna Ebutern, che è rimasto al nono mese di gravidanza.

13

"Aquila sul pino"

Autore

Qi Bayshi.

Nazione Cina
Anni di vita 1864–1957
Stile Gokhua.

L'interesse per la calligrafia ha guidato il qi baisha alla pittura. All'età di 28 anni, è diventato uno studente dell'artista Hu Zinyuan. Il Ministero della cultura della Cina lo ha stanziato il titolo di "Grande artista del popolo cinese", nel 1956 ha ricevuto un premio internazionale del mondo.

10x26 cm
1946.
Costo
$ 65,4 milioni.
venduto nel 2011
sull'asta Cina Guardian.

Qi Bayshi era interessato a quelle manifestazioni del mondo circostante, che molti non danno valori, e in questa sua grandezza. Un uomo senza educazione è diventato professore e un creatore eccezionale nella storia. Pablo Picasso ha parlato di lui: "Ho paura di andare nel tuo paese, perché in Cina ci sono qi baisha". La composizione "aquila su un pino" è riconosciuta come il più grande lavoro dell'artista. Oltre alla tela, include due rotoli geroglifici. Per la Cina, l'importo per il quale il lavoro è stato acquistato, rappresenta un record - 425,5 milioni di yuan. Solo un rotolo di un antico calligrafo Juan Tinjiang è stato venduto per 436,8 milioni.

14

"1949-A-№1"

Autore

Clifford Still.

Nazione Stati Uniti d'America
Anni di vita 1904–1980
Stile Espressionismo astratto

All'età di 20 anni, ho visitato il Museo Metropolitan di New York ed è rimasto deluso. Più tardi, è stato iscritto per il corso della Lega Studente delle Arti, ma ha lasciato 45 minuti dopo l'inizio delle lezioni - si è rivelato essere "no". La prima mostra personale ha causato una risonanza, l'artista si è trovato, e con questo riconoscimento

79x93 cm
1949 anni
Costo
$ 61,7 milioni.
venduto nel 2011
sull'asta Sotheby's.

Tutte le loro opere, e questa è più di 800 tele e 1600 opere su carta, lo stilista ha vinto la città americana, dove verrà aperto il Museo del suo nome. Denver divenne una città del genere, ma solo la costruzione era costosa per le autorità, e per il suo completamento, quattro opere sono state poste all'asta. È improbabile che le opere di Stille partecipino all'asta ancora, che avanzavano il loro prezzo in anticipo. Il dipinto "1949-A-n. 1" è stato venduto per un record per l'artista, anche se gli esperti hanno previsto la vendita di 25-35 milioni di dollari.

15

"Composizione suprematica"

Autore

Kazimir Malevich.

Nazione Russia
Anni di vita 1878–1935
Stile suprematismo

Malevich ha imparato a pittura nella scuola d'arte di Kiev, poi alla Mosca Academy of Arts. Nel 1913, iniziò a scrivere dipinti geometrici astratti in stile, che chiamava il suprematismo (dal lat. "Dominance").

71x 88,5 cm
1916.
Costo
$ 60 milioni.
venduto nel 2008
sull'asta Sotheby's.

Nel Museo Urbano Amsterdam, la foto è stata tenuta a circa 50 anni, ma dopo una disputa di 17 anni con i parenti di Malevich, il museo le ha dato. L'artista ha scritto questo lavoro in un anno con il "manifesto del suprematismo", quindi Sotheby è stato annunciato prima dell'offerta, non sarebbe andato alla collezione privata in una collezione privata. Quindi è successo. È meglio guardarlo: le forme sulla tela assomigliano alla vista della terra dall'aria. A proposito, alcuni anni prima, gli stessi parenti espropri dal Muse Museo un'altra "composizione suprematica" per venderla all'asta di Phillips per $ 17 milioni.

16

"Fibbie"

Autore

Paul Gajen.

Nazione Francia
Anni di vita 1848–1903
Stile Pospressionismo.

Fino a sette anni, l'artista visse in Perù, poi con la sua famiglia tornò in Francia, ma i ricordi dei bambini lo spinse costantemente per viaggiare. In Francia, ha iniziato a scrivere pitture, era amico di Van Gogh. Ha persino trascorso diversi mesi con sé ad Arles, fino a quando Van Gogh durante una lite ha tagliato l'orecchio.

93,4х60,4 cm
1902 anni
costo
$ 55 milioni.
venduto nel 2005
sull'asta Sotheby's.

Nel 1891, Gauguen ha organizzato per vendere i suoi dipinti per andare in profondità nell'isola di Tahiti ai soldi invertiti. Lì ha creato il lavoro in cui viene sentito il raffinato rapporto della natura e dell'uomo. Gogen viveva in una capanna di paglia, e un paradiso tropicale fiorì sulle sue tele. Sua moglie è diventata il Taitiankah Tehra di 13 anni, che non ha impedito all'artista di unirsi a disordine. Syphilis di malattia, se ne andò per la Francia. Tuttavia, Mogen era da vicino, e tornò a Tahiti. Questo periodo è chiamato "Second Taitian" - è stato allora che l'immagine dei "nuotatori" è stata scritta, uno dei più lussuosi del suo lavoro.

17

"Narciso e una tovaglia in toni blu e rosa"

Autore

Henri Matisse.

Nazione Francia
Anni di vita 1869–1954
Stile Fovisov.

Nel 1889, Henri Matisse aveva un attacco di appendicite. Quando è stato recuperato dall'operazione, la madre gli comprò dipinge. All'inizio, Matisse di Boedom copiava cartoline a colori copiati, quindi - Le opere di grandi pittori, che hanno visto nel Louvre, e all'inizio del XX secolo si sono innamorati di uno stile - formism.

65.2х81 cm
1911.
Costo
$ 46,4 milioni.
venduto nel 2009
sull'asta Christie's.

L'immagine "Narciso e una tovaglia nei toni blu e rosa" per molto tempo appartenevano all'Ida Saint-Laurent. Dopo la morte di Kuurier, tutta la sua collezione di arte si è trasferita nelle mani del suo amico e nell'amante Pierre Berez, che ha deciso di metterlo all'asta di Christie. La perla della collezione venduta era il dipinto "Narciso e una tovaglia nei toni blu e rosa", scritti su una normale tovaglia invece di tela. Come campione di foxism, è pieno di energia del colore, le vernici sembrano esplodere e urlare. Dalla famosa serie di dipinti scritti sulla tovaglia, oggi questo lavoro è l'unico, che è nella collezione privata.

18

"Ragazza addormentata"

Autore

Roy.Menzogna

khtenstein.

Nazione Stati Uniti d'America
Anni di vita 1923–1997
Stile pop Art

L'artista è nato a New York, e laureato da scuola, è andato all'Ohio, dove è andato a corsi d'arte. Nel 1949, Liechtenstein ha conseguito un master in eleganti arti. Interesse per i fumetti e la capacità di stirare l'artista del culto del secolo scorso.

91x91 cm
1964.
Costo
$ 44.882 milioni.
venduto nel 2012
sull'asta Sotheby's.

Un giorno una gomma da masticare ha colpito il Liechtenstein. Ha rinviato l'immagine dal fodera sulla tela e divenne famoso. In questa trama dalla sua biografia, l'intera missione Pop Art è conclusa: il consumo è un nuovo Dio, e nella caramella da Zhwachka non meno la bellezza che a Mont Lisa. I suoi dipinti assomigliano a fumetti e cartoni animati: Liechtenstein ha semplicemente aumentato l'immagine rifinita, disegnando i rastatori, la stampa stencil usata e lo schermo di seta. L'immagine "ragazza addormentata" apparteneva per quasi 50 anni ai collezionisti di Beatris e Philip Pearrs, i cui eredi lo hanno venduto all'asta.

19

"Vittoria. Boogie Woogie"

Autore

Pete Mondrian.

Nazione Olanda
Anni di vita 1872–1944
Stile Neolasticismo

Il suo vero cognome - Cornelis - L'artista è cambiato in Mondrian, quando nel 1912 si trasferì a Parigi. Insieme all'artista Teo Vann Dusburg fondò il movimento "Nexousticism". In onore di Mondrian, il linguaggio di programmazione PIET è nominato.

27x127 cm.
1944.
costo
$ 40 milioni.
venduto nel 1998.
sull'asta Sotheby's.

Il più "musicale" degli artisti del 20 ° secolo ha guadagnato un vivo da vivendoli, anche se divenne famoso per un artista neoplastico. Negli Stati Uniti, si è trasferito negli anni '40 e ha trascorso lì il resto della vita. Jazz e New York - Questo è ciò che lo ha ispirato di più! Immagine "vittoria. Bogi-Vuy "è il miglior esempio di questo. I quadrati ordinati "marchiera" sono stati ottenuti a causa dell'uso del nastro adesivo - materiale preferito di Mondrian. In America, fu chiamato il "più famoso immigrato". Negli anni Sessanta, Yves Saint Laurent ha rilasciato i vestiti Mondrian noti a tutto il mondo con una stampa in una grande cella a colori.

20

"Numero composizione 5"

Autore

BasilicoKandinsky.

Nazione Russia
Anni di vita 1866–1944
Stile avanguardia

L'artista è nato a Mosca, e suo padre era dalla Siberia. Dopo la rivoluzione, ha cercato di collaborare con il potere sovietico, ma presto si rese conto che le leggi del proletariato non sono state create per lui, e non è stato emigrato in Germania senza difficoltà.

275x190 cm
1911.
costo
$ 40 milioni.
venduto nel 2007.
sull'asta Sotheby's.

Kandinsky Uno dei primi ha completamente rifiutato il dipinto soggetto, per il quale ha ricevuto il titolo di genio. Durante il nazismo in Germania, i suoi dipinti sono stati attribuiti a "Arte degenerativa" e non sono state esposte da nessuna parte. Nel 1939, Kandinsky ha adottato la cittadinanza francese, ha partecipato al processo artistico a Parigi. I suoi dipinti "Sound", come se la fuga, così tanti fossero chiamati "composizioni" (il primo è stato scritto nel 1910, quest'ultimo - nel 1939). "Composizione numero 5" è uno dei lavori chiave in questo genere: "La parola" composizione "suonava per me come preghiera", ha detto l'artista. A differenza di molti follower, ha pianificato ciò che avrebbe rappresentato su un'enorme tela, come se scrivesse note.

21

"Le donne etude in blu"

Autore

Fernian Leo.

Nazione Francia
Anni di vita 1881–1955
Stile cubismo-postopressioneismo

Leseway ha ricevuto l'educazione architettonica, e poi è stato ascoltatore della scuola di eleganti arti a Parigi. L'artista si considerava il seguace di Cezanna, era un apologedo del cubismo, e nel XX secolo ha avuto anche successo come scultore.

96,5х129,5 cm
1912-1913 anni
Costo
$ 39,2 milioni.
venduto nel 2008
sull'asta Sotheby's.

David Norman, Presidente del Dipartimento Internazionale dell'impressionismo e del Modernismo Sotheby, considera un importo enorme pagato per la "Lady in Blue", abbastanza giustificata. L'immagine appartiene alla famosa collezione Lesion (l'artista ha scritto tre immagini su una trama, in mani private oggi - l'ultimo. - Ed. Ed.), E la superficie della tela è conservata in incontaminata. Lo stesso autore ha dato a questo lavoro alla Galleria di Der Sturm, poi cadde nella collezione Hermann Lang, i raccoglitori tedeschi del modernismo e ora appartengono a un acquirente sconosciuto.

22

"Scena di strada. Berlino"

Autore

Ernst Ludwig.Kirchner.

Nazione Germania
Anni di vita 1880–1938
Stile espressionismo

Per l'espressionismo tedesco, Kirchner è diventato una persona del segno. Tuttavia, le autorità locali lo hanno accusato di impegno per "arte degenerativa", che ha influenzato tragicamente il destino dei suoi dipinti e nella vita dell'artista che si è suicidato nel 1938.

95x121 cm
1913 anni
costo
$ 38,096 milioni.
venduto nel 2006
sull'asta Christie's.

Dopo aver trasferito a Berlino, Kirchner ha creato 11 schizzi di scene di strada. Era ispirato dal tumulto e dal nervosismo di una grande città. Nel film venduto nel 2006 a New York, uno stato allarmante dell'artista è particolarmente acuto: le persone a Berlino Street assomigliano agli uccelli - elegante e pericoloso. È diventata l'ultimo lavoro della famosa serie venduta all'asta, il resto è conservato nei musei. Nel 1937, i nazisti erano crudelmente trattati con Kirchner: 639 delle sue opere sono state ritirate dalle gallerie tedesche, distrutte o vendute all'estero. L'artista non poteva sopravvivere a questo.

23

"Ricreazioneballerino"

Autore

Edgar Degas.

Nazione Francia
Anni di vita 1834–1917
Stile impressionismo

La storia di DEGI come artista ha iniziato con il fatto che ha lavorato come copywriter in Louvre. Sognava di diventare "famosi e sconosciuti" e alla fine era possibile. Alla fine della vita, i Degas sordi e lottanti di 80 anni hanno continuato a partecipare a mostre e aste.

64x59 cm
1879 anni
costo
$ 37.043 milioni.
venduto nel 2008
sull'asta Sotheby's.

"La ballerina è sempre stata per me solo un pretesto per ritrarre tessuti e afferrare il movimento", ha detto Degas. Trame dalla vita dei ballerini come se fidata: le ragazze non sono pubblicate da un artista, ma diventano solo parte dell'atmosfera catturata da degas. Il "ballerino di riposa" è stato venduto per $ 28 milioni nel 1999, e in meno di 10 anni lo hanno acquistato per 37 milioni - oggi è il lavoro più costoso dell'artista, mai sopportato all'asta. È stata prestata molta attenzione al Ramam, lui stesso li ha progettati e li ha banditi. Mi chiedo che tipo di frame è installato su un'immagine venduta?

24

"Pittura"

Autore

Juan Miro.

Nazione Spagna
Anni di vita 1893–1983
Stile arte astratta

Durante la guerra civile in Spagna, l'artista era dalla parte dei repubblicani. Nel 1937, corse dal potere fascista a Parigi, dove viveva in una povertà con la sua famiglia. Durante questo periodo, Miro scrive l'immagine "Aiuta la Spagna!", Prestando attenzione a tutto il mondo sul dominio del fascismo.

89x115 cm
1927 anni
Costo
$ 36,824 milioni.
venduto nel 2012
sull'asta Sotheby's.

Il secondo nome dell'immagine è la "Blue Star". L'artista lo ha scritto nello stesso anno in cui ha annunciato: "Voglio uccidere la pittura" e meritosamente deriso la tela, grattando la vernice con le unghie, incollando verso la tela di piume, coprendo il lavoro con la spazzatura. Il suo obiettivo era quello di debuniare i miti del sacramento della pittura, ma, a far fronte a questo, Miro ha creato il suo mito - astrazione surreale. La sua "pittura" si riferisce al ciclo di "snowstice". All'asta, quattro acquirenti combattevano per lei, ma una telefonata in incognito ha risolto la disputa, e "la pittura" divenne l'immagine più costosa dell'artista.

25

"Rosa blu"

Autore

Yves Klein.

Nazione Francia
Anni di vita 1928–1962
Stile Pittura monocromatica

L'artista è nato nella famiglia dei pittori, ma ha studiato orientale, marittimi di mare, artigianato della RAM dorata, Zen-Buddhism e molto. La sua personalità e i suoi trucchi sfacciato erano a volte più interessanti nei dipinti monocromatici.

153x199x16 cm
1960.
Costo
$ 36.779 milioni.
venduto nel 2012.
All'Asta di Christie

La prima mostra di lavoro giallo monofonico, arancione, rosa non ha causato interesse tra il pubblico. Klein è stata offesa e la prossima volta che ho presentato 11 identiche tela macchiate con ultramarine interspersed con una speciale resina sintetica. Ha anche brevettato questo metodo. Nella storia, il colore è entrato come il "colore blu internazionale di Klein". Un altro artista ha venduto il vuoto, creato foto, sostituendo la carta per la pioggia, ambientare sul cartone, facendo la tela dell'impronta del corpo umano. In una parola, sperimentato come poteva. Per creare una "rosa blu" usata pigmenti secchi, resine, ciottoli e una spugna naturale.

26

"Alla ricerca di Mosè"

Autore

SIR Lawrence Alma Tadema

Nazione Gran Bretagna
Anni di vita 1836–1912
Stile Neoclassicismo

Il prefisso "Alma" al suo cognome Sir Lawrence si è aggiunto per essere il primo nelle directory artistiche. Nell'Inghilterra vittoriana, i suoi dipinti erano così affermati che l'artista è stato assegnato il rango knightly.

213,4х136,7 cm
1902 anni
Costo
$ 35,922 milioni.
venduto nel 2011
sull'asta Sotheby's.

Il tema principale della creatività del Tadema Alma era antichità. Nelle foto, ha provato nei più piccoli dettagli per ritrarre l'epoca dell'impero romano, per questo persino impegnato negli scavi archeologici sulla penisola dell'Apenninsky, e nella sua casa di Londra riproduceva gli interni storici di quegli anni. I grafici mitologici sono diventati un'altra fonte di ispirazione per lui. L'artista era estremamente richiesto durante la sua vita, ma dopo la morte ha dimenticato rapidamente. Ora l'interesse è rinato, come il costo dell'immagine "Alla ricerca di Mosè", sette volte, superando il preventivo pre-vendita.

27

"Ritratto del funzionario nudo addormentato"

Autore

Lucien Freud.

Nazione Germania,
Gran Bretagna
Anni di vita 1922–2011
Stile Pittura figurativa

L'artista è il nipote Sigmund Freud, padre della psicoanalisi. Dopo aver stabilito il fascismo in Germania, la sua famiglia emigrò nel Regno Unito. Le opere di Freud si trovano nel Museo di Londra "Meeting of Wallace", dove nessun artista moderno è stato precedentemente esposto.

219.1х151,4 cm
1995.
Costo
$ 33,6 milioni.
venduto nel 2008
sull'asta Christie's.

Mentre gli artisti della moda del 20 ° secolo hanno creato "macchie di colore positive del muro" e vendetteli per milioni, Freud ha scritto dipinti estremamente naturalistici e li vendette ancora più costosi. "Catturarò le grida dell'anima e soffrendo la carne di sbiadimento", ha detto. I critici ritengono che tutta questa "ereditarietà" Sigmund Freud. I dipinti erano così attivamente esposti e venduti con successo che gli specialisti avevano una questione di dubbio: hanno avuto proprietà ipnotiche? Il "ritratto dell'Asta del Dormire Nude Official", secondo l'edizione del sole, ha acquisito un conoscitore del bellissimo e miliardario romano Abramovich.

28

"Violino e chitarra"

Autore

H.uAN Gras.

Nazione Spagna
Anni di vita 1887–1927
Stile cubismo

Nato a Madrid, dove si è laureato in arte scolastica e artigianato. Nel 1906 si trasferì a Parigi ed entrò nel cerchio degli artisti più influenti dell'era: Picasso, Modigliani, Matrimonio, Matisse, Lyzh, ha anche lavorato con Sergey Dyagilev e la sua troupe.

5x100 cm
1913 anni
Costo
$ 28.642 milioni.
venduto nel 2010 anno
sull'asta Christie's.

GRI, secondo le sue stesse parole, era impegnata in "Aereo, architettura a colori". I suoi dipinti sono pensati con precisione: non ha lasciato una singola striscia casuale, che racconta la creatività con la geometria. L'artista ha creato la sua versione del cubismo, anche se Pablo Picasso, il fondatore della direzione molto rispettato. Il successore è stato anche dedicato a lui il suo primo lavoro nello stile del cubismo "tributo a Picasso". Il dipinto "violino e chitarra" è riconosciuto come eccezionale nel lavoro dell'artista. Durante la vita, Gras era noto, clinicamente critici e storici dell'arte. Le sue opere sono esposte nei più grandi musei del mondo, immagazzinati in collezioni private.

29

"RitrattoCampi Elouar »

Autore

Salvador Dalì

Nazione Spagna
Anni di vita 1904–1989
Stile surrealismo

"Il surrealismo è io," disse Dali, quando fu escluso dal gruppo di surrealisti. Nel corso del tempo, è diventato l'artista surrealista più famoso. La creatività è stata data ovunque, e non solo nelle gallerie. Ad esempio, è venuta con un imballaggio per Chupa-Chupa.

25x33 cm
1929 anni
Costo
$ 20,6 milioni.
venduto nel 2011
sull'asta Sotheby's.

Nel 1929, visita il grande provocatore e lo scandalista Dali arrivò il poeta Paul Eluro con la sua moglie russa Galo. L'incontro è stato l'inizio della storia dell'amore che è durato più di mezzo secolo. L'immagine "Ritratto del campo Eloire" è scritto solo durante questa visita storica. "Ho sentito di essere stato accusato di un dovere di catturare il viso del poeta, con l'OlyMP di cui ho rapito una delle musiche", ha detto l'artista. Prima della conoscenza con Galo, era una vergine e sperimentato disgusto con il pensiero sul sesso con una donna. Il triangolo dell'amore esisteva davanti alla morte di Eluar, dopo di che è diventato un Duet Dali Gala.

30

"Anniversario"

Autore

Mark Shagal.

Nazione Russia, Francia
Anni di vita 1887–1985
Stile Avangard.

Moisha Segal è nato a Vitebsk, ma nel 1910 emigrò a Parigi, ha sostituito il nome, è diventato vicino ai principali avanguardi dell'era. Negli anni '30, quando catturano le autorità, i fascisti sono andati negli Stati Uniti con l'aiuto del console americano. Restituito in Francia solo nel 1948.

80x103 cm
1923.
Costo
$ 14,85 milioni.
venduto nel 1990.
All'asta di Sotheby

L'immagine "anniversario" è riconosciuta come una delle migliori opere dell'artista. Ha tutte le caratteristiche della sua creatività: le leggi fisiche del mondo hanno cancellato, rimane la sensazione di fiabe nello scenario della vita di Mashchansky, e nel centro della trama - amore. Chagall non ha disegnato persone dalla natura, ma solo in memoria o fantasticizzare. Nel quadro "anniversario" catturato dall'artista con sua moglie Bel. L'immagine è stata venduta nel 1990 e da allora non ha partecipato all'asta. È interessante notare che nel New York MoMA Museum MOMA è assolutamente lo stesso, chiamato solo "compleanno". A proposito, è stata scritta prima - nel 1915.

progetto preparato
Tatyana Palaceov.
valutazione composta
elenco www.art-spb.ru.
rivista tmn №13. (Maggio-giugno 2013)

Molti credono che nel 21 ° secolo, gli artisti non sono affatto lasciati. Tuttavia, infatti, non lo è. E nel nostro tempo ci sono molti artisti di talento e famosi, le cui opere sono mostrate alle mostre che guadagnano grandi soldi. Di seguito verrà presentato un elenco di 20 artisti più noti e ben guadagnati che conducono attività creative attive non solo in Russia.

L'artista russo Alexander Ivanov, nato nel 1962, è più famoso per il lavoro intitolato "Love", che è stato riscontrato nel 1996 e venduto per quasi 100.000 rubli. Il suo stile è l'astrazione. Ha anche un uomo d'affari, impegnato nelle attività di raccolta, ha aperto il Museo Faberge in Germania, a Baden-Baden.

Olga Bulgakova è uno dei pochi artisti di talento e noti in Russia, nati nel 1951, e, che fa parte dell'Accademia russa come membro corrispondente. Un rappresentante di tale movimento del dipinto dell'era Brezhnev, che si chiama "Carnevale". Il suo lavoro più famoso è "Sleep of Red Bird", scritto nel 1988.

Artista russo Mikhail Brusilovsky, Lavorare sotto lo pseudonimo Misha Shavich, entra in questa valutazione e classifica il 18 °. Questo artista famoso in tutto il mondo

Talento Artist Russian Lev Tabenkin è nato nel 1952 nella capitale russa - Mosca. Questo pittore vede un'immagine come uno scultore. La sensazione che i suoi personaggi scritti siano senza argilla. Uno dei dipinti più famosi di Leo è la "jazz orchestra" scritta nel 2004. Ontrodana per 11.7650 rubli.

Il progetto AES + F è composto da quattro persone, infatti, il nome e consiste nelle lettere iniziali dei nomi dei partecipanti: Tatyana Arzamasov, Lev Evzovich, EvGeny Svyatsky, Vladimir Friednes. Il lavoro di questa azienda è caratteristico di un'ottima sottomissione negli anni Novanta e ha trovato una stima solo in due millesimi. Ora per la maggior parte creano grandi affreschi animati che vengono trasmessi su dozzine di schermi. Una delle opere più famose di questa azienda: "Warrior 4".

L'artista russo Sergey Volkov è nato a Petrozavodsk nel 1956. Le sue opere sono caratteristiche di ciò che ha lavorato nel periodo dell'arte Peresroika. Le immagini sono scritte abbastanza espressamente, dove vengono visti dichiarazioni e ideologia molto profondamente scoperte. La sua immagine più famosa è "doppia visione". Trittico".

Artisti Alexander Vinogradov e Vladimir Dubosar Boe sono nati a Mosca nel 1963 e nel 1964. Hanno iniziato a lavorare insieme dal 1994, conosciuto presso il festival, creando un progetto insolito e grande. Il progetto originale ha guadagnato rispetto da molti collezionisti. I loro dipinti si bloccano in luoghi così famosi come la Galleria Tretyakov, il museo russo e persino il Centro Pompidou. Essi stessi sono i creatori della Galleria Art Arrow e degli organizzatori del festival dell'Art-Klyazma.

L'artista russo Vladimir Yankelevsky ha anche colpito la lista degli artisti più altamente pagati e famosi. È nato a Mosca nel 1938. Il padre di Vladimir era anche un artista, e il figlio ha ereditato la sua professione. Vladimir opera nello stile del surrealismo - creatività con combinazioni paradossali. Nel 1970, ha scritto uno dei dipinti più famosi chiamati "trittico 10. Anatomia dell'anima II".

L'artista Vladimir Nemhin è nato nel 1925 nel piccolo villaggio di Priluki, situato nella regione di Mosca. Era un membro di molte mostre straniere in Europa. Negli anni Novanta, viveva e tenuto attivo in Germania, ma nel 2005 pervertito in Russia. La sua creatività è caratteristica di una composizione tridimensionale, la presenza di controinfissioni e diversi motivi, ad esempio, un mazzo di carte.

L'artista con un nome insolito, il figlio degli immigrati politici spagnoli, è nato in un piccolo villaggio Vasilyevka nella regione di Samara nel 1943. Era l'organizzatore del gruppo Argo Artists, entra nell'unione di Artisti di Mosca. Francisco è stato inoltre dotato di un premio statale per i risultati nel campo dell'arte visiva. L'artista conduce attività creativa attiva sia in Russia che all'estero.

L'artista Alexander Melamed era uno dei partecipanti un Duetto creativo molto famoso Komarov-Melamed, ma si è rotto nel 2003, poi cominciarono a lavorare separatamente. Il luogo di residenza dal 1978 è New York. Ha scritto la maggior parte delle famose opere insieme a Vitaly Komar, anche insieme hanno creato il movimento dell'arte sociale ed erano gli organizzatori della mostra Bulldozer.

Questo artista russo, conosciuto come uno dei fondatori del concettualismo di Moscow, è nato a Mosca nel 1937, dove si è laureata all'Istituto di stampa. Secondo Viktor Pivovarova stesso, il suo primo lavoro è stato scritto in cinque anni. È anche un rappresentante dell'arte "non ufficiale". I suoi dipinti si trovano in alcuni dei più famosi e grandi centri fieristici: nel museo russo, Galleria Tretyakov, GMII. A. S. Pushkin.

Questo artista è nato nel 1934 a Tbilisi. È uno dei più luminosi rappresentanti della pittura monumentale. Zurab è noto per il suo lavoro sotto forma di un monumento a Pietro I, che si trova a Mosca, così come un monumento che si trova di fronte all'edificio delle Nazioni Unite a New York. Zurab è il presidente dell'Accademia Russa, in cui funziona il proprio museo della galleria. Le creazioni di questo artista sono conosciute non solo in Russia, ma anche a tutto il mondo.

L'artista russo Oscar Rabin è noto per il fatto che era l'organizzatore della mostra Boulder nel 1974 e dopo quattro anni fu privato della cittadinanza sovietica. È diventato anche popolare come uno dei primi artisti impegnati in vendite private di dipinti nell'Unione Sovietica. Al momento, il suo luogo di residenza e il suo lavoro permanente è Parigi. I suoi dipinti sono nei più grandi musei e centri fieristici: Museo di Mosca di arte contemporanea, Galleria di Tretyakov, Museo russo e altri.

L'artista russo Oleg Tkamkov è noto come artista che ha iniziato il principale movimento creativo negli anni Sessanta del XX secolo, mostrando caratteristiche molto ruvide e acute nei suoi dipinti, anche nell'immagine delle persone che hanno la comparsa di figure di argilla. Dal 1977, Oleg continua il percorso creativo a Parigi. I suoi dipinti si trovano in tali centri espositivi: Museo russo, Galleria Tretyakov, Eremo. Uno dei dipinti più famosi è il "ragazzo con palloncini", scritto nel 1954.

Nato a Mosca nel 1934, l'artista russo Grigory Bruskin, o Grisha, è uno dei membri dell'Unione degli artisti dal 1969. Ha acquisito la più grande fama, grazie alla grande asta "Sotby", che ha venduto il suo lavoro chiamato "Lexicon fondamentale" per il prezzo più alto, che è diventato un record. Al momento vive e lavora a New York, e a Mosca, perché è anche chiamato artista americano.

Questo artista russo si distingue per il fatto che mostra estremamente cose realistiche. La sua vera attività creativa è iniziata dal momento nel 1985, esposto al piccolo georgiano, ha vinto attenzione e riconoscimento dai collezionisti di New York. Da allora, il suo lavoro è esposto in molti paesi europei, si trovano nei centri espositivi dell'America, in Germania e nella Polonia. Ora vive e conduce attività creative a Mosca.

Questo duetto, Ahimè, esisteva fino al 2003, ma ha avuto un enorme successo. Due artisti russi divennero noti, grazie a creare un movimento del genere come arte sociale, che è una filiale dell'arte non ufficiale. È stato una specie di risposta alla creazione di pop art in ovest. La tela con le opere di questi artisti è nei più grandi musei, anche nel Louvre.

L'artista russo è noto per essere in grado di connettersi nel suo lavoro e della sua pittura, e il testo, in seguito ha iniziato a chiamare l'arte sociale. Nel periodo sovietico era popolare come illustratore nei libri dei bambini. Per qualche tempo viveva a New York, poi a Parigi. Era il primo artista che ha organizzato la mostra nel centro di Pompidou. I suoi lavori creativi sono nella Galleria Tretyakov, il museo russo, il centro di Pompidou.

Questo talento artista russo che lavora in una coppia con sua moglie Emily può essere considerato l'artista principale del paese, il fondatore di Mosca Concettualismo. È nato a Dnepropetrovsk nel 1933, ma New York dal 1988 divenne il suo luogo di residenza. Il suo lavoro può essere visto nell'eremo, la Galleria Tretyakov e il Museo russo. Illya ha ricevuto un premio dell'imperatore giapponese, e le sue due opere chiamate "Beetle" e "Suite Room" sono i dipinti più costosi.

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Uno degli artisti della modernità più popolari è America Jeff Kuns. Stile preferito del Creatore - Kitch. Colori brillanti, materiali e idee disordinati, insoliti e idee - questo è esattamente ciò che Kunsu è stato ampiamente popolare negli anni '80 del 20 ° secolo. Oggi l'artista è il presidente della sua stessa Jeff Koons Corporation, creando sculture insolite. Lavoro più popolare: "Figurine" nella piena crescita di Michael Jackson con la sua scimmia, coperta di oro (venduto per $ 5,6 milioni); "Cuore" (acquistato nel 2007 per $ 23,6 milioni) e "Tulipani" (ha anche lasciato il martello per $ 23,6 milioni).

Una delle serie più fantastiche dell'autore è gigantesca sculture create da palloncini allungati. Cani brillanti, fiore di palloncino 3, "tulipani" guardano facilmente. Tuttavia, il peso di tale scultura può raggiungere diversi tonnellate.

Uno dei più costosi artisti del pittore è Jasper Jones, che vive in Connecticut, USA. Nelle loro opere, il Creatore utilizza vernici prevalentemente luminose, succose e immagini semplici:, obiettivi, bandiere, numeri, carte. Per quanto riguarda lo stile dello stile scelto da Jasper Jones, i ricercatori non hanno ancora consensus. Qualcuno a pop art, altri - al neo-dadaismo.

East non è DREMLET

Vale la pena notare che i creatori dei paesi asiatici sono dominati in arte mondiale oggi. La posizione di guida in questo aspetto è occupata dalla Cina. Diversi artisti del regno del middle sono tra i primi dieci di più.

Il leader tra i suoi compatrioti era Zen Fangzhi. Oggi l'artista è partito dalla sua caratteristica espressione precedentemente e focalizzata sul simbolismo. Colori tenui, la calma complessiva e il rilassamento dei dipinti hanno reso Fanji uno degli artisti asiatici più ricercati del mondo.

Le prime mostre degli articoli di Zen Fanbali al di fuori della Cina si sono svolte nel 1993. Ma l'artista ha iniziato a ricevere importi registrati per il loro lavoro relativamente di recente: nel 2008, la serie Mask Series No. 6 Canvas ha portato $ 9,7 milioni.

Il secondo artista più popolare in Cina è Zhou Chuna. La popolarità del mondo del Master ha portato il lavoro dei lavori del "Green Dog". Animali di diverse razze scarsamente identificabili sono impresse in una varietà di pose emotive. Secondo l'autore, questo "cane" è un simbolo di solitudine e una posizione indefinita di una persona nella società moderna. L'utile totale del lavoro venduto ammonta a 23,9 milioni di euro.

Parlando da est, è impossibile non parlare del creatore giapponese Takasi Murakami. Pittore, designer e scultore crea un lavoro molto espressivo, positivo, collegando i presenti opposti in essi: ovest ed est, passato e presente, caste e volgare. A ovest, Fame Murakami ha portato la cooperazione con Marc Jacobs - Giapponese ha lavorato sul design dei prodotti Louis Vuitton.

Suggerimento 2: Artisti del nostro tempo: genio o pazzo?

Chi sono, artisti della modernità? Qualcuno dirà che sono pazzi, e qualcuno vedrà il genio nelle loro opere. Guarda e pensa a "il loro" mondo.

Istruzione

Le opere dell'artista Vasily Shulzhenko sono diventate in tutto il mondo, specialmente erano amate dagli americani che vogliono vedere esattamente la Russia. Mostra la vita del russo senza "maschere". Blinting, dissolutezza, fondo e vizi umani. Qualcuno rispetta il suo lavoro e qualcuno disprezza. Ogni immagine porta un significato profondo. Se guardi, puoi vedere la storia di ogni personaggio. Molte persone pensano che Vasily odia, ma forse vuole che quello di vedere su tela - è cambiato?! La sua creatività può essere descritta come "cupo, ma sincero".

L'artista polacco surrealista Yateck Jerque ha il suo speciale, disegnando ogni dettaglio. Nei suoi dipinti, prevalgono colori piacevoli piacevoli. Guardo loro avvolge la sensazione di magia, le possenti forze della natura e il mondo su cui potremmo non sapere nulla. Le immagini danno la volontà della nostra fantasia e cambiano la percezione della realtà. Sicuramente, Yateck Yerka è uno straordinario artista creativo e i suoi dipinti sono degni della nostra attenzione.

Il lavoro dell'artista tedesco e illustratore di Quinta Buchholts dà il nostro "cibo" del cervello per i palazzi. Voglio tornare ai suoi dipinti e guardare ancora e ancora. Ognuno ha la sua storia. La tavolozza è piacevole, delicata e senza peso. Considerando i suoi dipinti involontariamente calma e prendi la sensazione di leggerezza. L'artista ha condotto più di 70 mostre e i suoi dipinti sono stati premiati numerosi e internazionali. Tra le sue opere tutti troveranno qualcosa di simile.