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Ministero dell'Istruzione della Federazione Russa

Magnitogorsk State University.

Test

Artisti dei 20-30

Eseguito: Timeeva Alena

Magnitogorsk 2001.

introduzione

L'ottobre 1917 ha aperto una nuova era non solo nella vita sociale, ma anche nella vita dell'arte. Qualsiasi rivoluzione distrugge qualcosa, e poi inizia la creazione di uno nuovo. Non esiste uno sviluppo semplice, ma una ri-attrezzatura decisiva delle fondamenta degli antiche strutture sociali, politiche, ideologiche e di altro tipo, compresa l'arte.

La rivoluzione ha proposto almeno due problemi. Il primo problema è di classe d'arte. Tentare strettamente per indurmentarlo con una lotta di classe ha portato a distorcere la sua natura multifunzionale. La comprensione particolarmente semplificata dall'azionalità dell'arte si è manifestata nelle attività di una sonda non richiesta. L'elemento della lotta ha portato alla distruzione dei monumenti culturali causati non solo da azioni militari durante la guerra civile e l'intervento straniero, ma anche una politica finalizzata alla frantumazione della cultura borghese. Quindi, molti monumenti scultorei sono stati demoliti o distrutti, opere di antica architettura associata al culto religioso.

Il secondo problema è il problema della politica di classe nell'art. Per risolverlo, tutte le forze sono state coinvolte: "borghese" e "proletaria", distruttiva e creativa, sovietica e non monetaria, "sinistra" e "giusta", culturale e ignorante, professionale e dilettante.

I principi dello sviluppo sociale proclamato dallo stato in gran parte determinato il movimento graduale dell'arte. C'era una specie di stratificazione delle forze, dall'aggiunta di cui è stato formato il vettore del vero stato dell'arte. Da un lato, questo è il potere dell'auto-sviluppo, in cui i modelli del movimento di forme si sono conclusi nella natura della creatività artistica interessata; D'altra parte, l'influenza delle forze sociali, le istituzioni pubbliche interessate e non in qualsiasi altro movimento di arte, nelle sue forme definite. Con il terzo - dettate della politica statale, che, affidandosi alle forze sociali o senza affidarsi a loro, aveva un impatto incondizionato sulla struttura dell'arte, sulla sua essenza, sulla sua potenza evolutiva e rivoluzionaria. Dalla fine degli anni '20, la politica è esplicitamente distorcendo il normale processo di sviluppo dell'arte, per fornire una certa pressione su di esso proibendo o condannando quelle o altre manifestazioni "non fertili".

Artisti e associazioni artistiche degli anni '20.

I 20 anni erano un tempo rapido per l'arte. C'erano molti gruppi diversi. Ognuno di loro propone la piattaforma, ciascuno eseguito con il suo manifesto. L'arte, l'idea di ricerca ossessionata, era diversa; Si è bollito e bollito, cercando di tenere il passo con l'era e guardare nel futuro.

I gruppi più significativi, nelle dichiarazioni e nella pratica creativa di cui si riflettevano i principali processi creativi del tempo, erano Agr, OST e "4 arti" (8, pag 87).

Il gruppo AHRR (l'Associazione degli artisti della Russia rivoluzionaria) è nata nel 1922 (nel 1928 fu ribattezzato Ahr - l'Associazione degli artisti della rivoluzione). Il kernel AHRR ha sviluppato principalmente dagli ex partecipanti al partenariato della fiera mobile. La Dichiarazione AHRR è stata esposta nel catalogo della mostra del 1922: "Il nostro dovere civico all'umanità è l'artistico e il documentario che cattura il più grande momento della storia nella sua corsa rivoluzionaria. Mostreremo oggi: la vita dell'esercito rosso, la vita di I lavoratori, i contadini, i leader della rivoluzione e gli eroi del lavoro ".

Gli artisti Agrhr cercarono di rendere il loro dipinto un visualizzatore di massa accessibile del poro. Nel suo lavoro, spesso usavano meccanicamente il linguaggio a lunga durata del movimento tardivo. AGRH ha organizzato un certo numero di mostre d'arte tematiche, i cui nomi stessi: "vita e vita dei lavoratori" (1922), "vita e genetica dell'esercito rosso" (1923), "rivoluzione, vita e manodopera" (1924 - 1925), "Vita e vita dei popoli URSSR" (1926) - Parla dei compiti della mappatura diretta della realtà moderna.

La peculiarità della pratica di "Akhrovtsev" era che erano in fabbrica e fabbriche, nelle caserme dell'esercito rosso, per osservare la vita e la vita dei loro eroi lì. Durante la preparazione della mostra "Vita e vita dei popoli dell'URSS", i suoi partecipanti hanno visitato gli angoli più remoti del paese sovietico e portato da lì un numero significativo di schizzi, la base per le loro opere. Artisti di AHRR hanno svolto un ruolo importante nello sviluppo di nuovi argomenti, avendo un impatto sui rappresentanti di diversi gruppi d'arte di quel tempo.

La creatività è assegnata tra gli artisti AHRR I.I.Brodsky. (1883 - 1939), che imposta il suo compito accurato, riproduzione documentale di eventi ed eroi della rivoluzione. Una vasta fama ha acquisito il suo web dedicato alle attività di V.I. Lenin. La base dei pittoreschi lenini si basa sulla pittura "Performance di Lenin su Possilovsky Plant", e una delle opere più famose "Lenin a Smolny" (1930), raffigurante Lenin nel suo ufficio al lavoro. Brodsky ha visto Lenin molte volte e ha fatto schizzi da lui (12, pag. 92).

Le opere di Brodsky hanno una qualità importante - affidabilità con un grande significato storicamente informativo. Tuttavia, il desiderio di documentare ha portato all'interpretazione empirica e naturalistica dell'evento. L'importanza artistica dei dipinti di Brodsky ha anche ridotto il naturalismo secco, un sapore dietetico, che è peculiare di una parte significativa delle sue opere.

Picture Master. G.G.Ryazhsky. (1895 - 1952) Le sue opere di "Delegate" (1927) e "Presidente" (1928) (1927) e "Presidente" (1928) (1928) e "Presidente" (1928), nel 1923, unito Ahrr (1928) , in cui l'artista identifica le tipiche caratteristiche sociali e psicologiche di una nuova società.. Il suo "presidente" è un lavoratore attivisto. Nella sua posizione, il gesto rileva una sensazione di autostima, scarica come prova della situazione di una donna in una nuova società di lavoro.

Tra le portriette agh, è stato giocato un ruolo di primo piano S.v.Malyutin. (1859 - 1937). Affidata a loro prima della rivoluzione, la Galleria ritratto è stata completata in tempi sovietici dal ritratto V.K. Bialynitsky-Biluli, A.V. Lunacharsky e molti altri. Tra questi, il ritratto di Dmitry Furmanov, che è stato scritto nel 1922, rivelando in modo convincente l'immagine di uno scrittore di guerriero, un rappresentante della nuova e intelligentia sovietica.

Il partecipante attivo delle mostre AHRR è stato un grande pittore russo del turno dei secoli XIX - XX. A.e. ARCHUPS. Negli anni '20 degli ARCHUPS crea immagini dei contadini - "Donna con una brocca", "il contadino nel grembiule verde", "il contadino con un fazzoletto rosa in mano" e altri. Queste immagini sono scritte in un ampio pennello, temperamentalmente e colorato.

La creatività di E.M. è contrassegnata da una stretta osservazione e attenzione ai nuovi fenomeni della vita. Cheptsova (1874 - 1943), che ha continuato le sue tradizioni di movimento nel campo del genere domestico. La sua immagine della "riunione dell'Agral" (1924), che descrive gli attivisti del villaggio dei primi anni di rivoluzione sono raffigurati. L'osservazione e la sincerità dell'autore, la semplicità dell'aspetto dei suoi eroi, l'ozio degli accessori circostanti ha fatto una piccola pittura modesta dal lavoro di Chepzov uno dei campioni più interessanti dell'arte AHRR.

Lo stesso si può dire su una delle opere del sistema del paesaggio B.N. Yakovleva (1880 - 1972). Il suo "trasporto è stabilito" (1923) - modesto e allo stesso tempo una profonda narrativa della difficile era della rivoluzione, sul lavoro quotidiano delle persone. Tranquillo e appena scritto, questa immagine è uno dei primi esempi di un paesaggio industriale nel dipinto sovietico.

Posto speciale nella pittura AHRR occupa la creatività M.B. Grekova (1882-1934) è il fondatore del genere di battaglia nell'arte sovietica. Per un periodo di un anno e mezzo - fino alla fine della vita - era impegnato a creare un ciclo di dipinti dedicati al primo esercito equestre, in escursioni e battaglie di cui l'artista ha partecipato. Nel suo lavoro, specialmente nel primo periodo, è chiaro conoscere le tradizioni di VeriSchagin. L'eroe principale di Grekova è la gente che ha assunto tutte le difficoltà della guerra. Le opere di Grekova Live Affairs. In tali immagini della metà degli anni '20, come "Tacanka" (1925), la precisione del movimento dell'immagine è combinata con il romanzo romantico. Più tardi, continuando la peculiaia cronaca pittoresca del primo esercito equestre, i Greci crea un web epico, tra cui i dipinti "per Kuban" e "si distinguono i dipinti del primo esercito equestriano" (entrambi - 1934).

Insieme a AHRR, in cui gli artisti della generazione più anziana e mediana, che hanno avuto il tempo di rivoluzione, sono già stati un'esperienza molto creativa, il Gruppo OST (Società di Stankvisti), organizzato nel 1925 ha svolto un ruolo attivo nella vita artistica di Quegli anni, organizzati nel 1925. Ha unito la gioventù artistica della prima Università Artistica Sovietica - Vhu-Tepes. (3)

Il compito principale di unire artisti OST, come "Akhrovtsy", considerato la lotta per la rinascita e l'ulteriore sviluppo della pittura della macchina su un argomento moderno o con contenuti moderni. Tuttavia, aspirazioni creative e metodi di artisti rimanenti differenze caratteristiche. Hanno cercato di riflettere in fatti separati nuove qualità della moderna epoca in relazione all'era del precedente. Il tema principale della Russia, l'industrializzazione della Russia, recentemente ancora ancora agraria e arretrata, il desiderio di mostrare le dinamiche della relazione tra produzione moderna e uomo.

Uno dei rappresentanti più talentuosi del gruppo OST era AA.Daineka.. Le dichiarazioni più vicine sono gli OST sono i suoi dipinti: "Al sito di costruzione di nuovi workshop" (1925), "Prima di scendere alla miniera" (1924), "Giocatori di calcio" (1924), "Tessili" (1926). Pathos sagomato di Daineki ha trovato un'uscita in un grafico giornalistico, in cui l'artista ha eseguito come illustratore in riviste per la lettura ampia - come "Alla macchina", "un avvincere alla macchina", "Spotlight", "Gioventù" e altro Lavori centrali Deileki del periodo Oskesky è diventato il dipinto "difesa di Pietrogrado", scritto nel 1928 per la mostra tematica "10 anni di rkkka". Questo lavoro rivela il Pathos principale e il significato delle tradizioni innovative dell'Ost della maggior parte della vita e di coloro che hanno trovato il loro sviluppo nell'arte sovietica dei periodi successivi. Daeken ha incorporato in questa immagine tutta la peculiarità del suo stile, ridotto al minimo i mezzi di espressività, ma li ha resi molto attivi ed efficaci (8, pag 94).

Dai tra i membri rimanenti, i rimanenti vicini a Deinek nella natura dei loro lavori sui segni di stile Yu.I. PIMENOV, P.V. Williams, S.A. Luchishkin. Creato nello stesso periodo del lavoro del "settore pesante" Pimenova, "Amburgo rivolta" Williams, "La palla volò" e "I Love Life" Luchishkina ha rivelato e innovativo rifletteva qualità importanti della realtà moderna,

In contrasto con il raffreddamento, i giovani, nella sua composizione, il gruppo di due altri, che occupavano un posto importante nella vita artistica di quei anni gruppi creativi - "4 arti" e Omx. (Società degli artisti di Mosca), - United in se stessi i maestri della vecchia generazione, che sono stati sviluppati in modo creativo in un momento pre-rivoluzionario, con un aspetto speciale relativo ai problemi di preservare la cultura pittorica e considerato una parte molto importante del lavoro la sua lingua stessa, forma di plastica. La società "4 arte" originata nel 1925 dai membri più importanti di questo raggruppamento erano P.V. Kuznetsov, K.S. Petrov-Vodkin, M.S. Sa anno, n.p. Ulyanov, k.n. Istomin, v.a. Favorsky.

Le opere di Petrov-Vodkina sono come "Dopo la lotta" (1923), "la finestra della finestra" (1928), "ansia" (1934), il più pienamente espresso il significato etico di vari periodi - pietre miliari nel Sviluppo della società sovietica. La sua immagine "morte del Commissario" (1928), come la "difesa di Pietrogrado" Deneki, scritta in relazione alla mostra "10 anni dell'esercito rosso", al contrario di un pubblico specifico - la base delle decisioni Deineki - dà il suo Soluzione filosofica al compito: attraverso i fatti generalizzando le idee sugli eventi che si svolgono su tutta la Terra del pianeta attraverso l'identificazione dell'essenza etica di questi eventi. Il Commissario è una persona, e nella vita, e nella morte della propria faida nel nome dell'umanità. La sua immagine è un'espressione delle molestie delle idee leggere che vincerà in futuro, indipendentemente e contrarie alla morte dei portatori più attivi di queste idee. Una vista addio del commissario morente come addio all'istruzione di combattenti prima di attaccare - è pieno di fede nella vittoria.

Idee filosofiche Petrov-Vodkin trovano un'espressione plastica adeguata. Lo spazio immacolato si estende sulla superficie sferica del pianeta. La combinazione di prospettiva diretta e inversa è in modo convincente e bruscamente trasferisce il panorama "planetario" di ciò che sta accadendo. Risolvere chiaramente problemi figurativi nel sistema di colori. Nel suo dipinto, l'artista aderisce al principio di una tre-famiglia, come se personifichi i colori principali della Terra: aria fredda blu, acqua blu; terra rossa marrone; Verde del mondo della pianta.

Gli artisti del gruppo OMX sono rimasti nella storia del dipinto sovietico sono stati lasciati nel 1927. Molti di loro si sono vicini l'uno all'altro negli anni pre-rivoluzionari nella "Bubnovy Valen". Il più attivo in OHKH era P.P. Konchalovsky, I.I. Mashkov, A.V. Lentolov, A.V. KUBURIN, R.R. Falk, V.V. Natale, A.A. Osmertkin. Arte ritratto Art.

Nella sua dichiarazione, gli artisti Omha hanno detto: "Chiediamo dall'artista della più grande efficacia ed espressività degli aspetti formali della sua creatività, formando l'inseparabile con il lato ideologico di quest'ultimo". Questo programma ha sentito la vicinanza del gruppo "4 arti".

Uno dei più sorprendenti espressioni di questo programma nell'arte sovietica dei primi anni è stato P.P. Konchalovsky. Ha cercato di combinare le tendenze "bubnovovet" con l'eredità degli artisti realistici russi, che ampliano in gran parte la sua gamma creativa, ha aiutato più organico nell'arte sovietica degli anni '20. La totalità colouristica con l'intensità dei singoli colori è distinta da tali lavori del mago come "autoritratto con sua moglie" (1922), "ritratto O.V. Konchalovskaya" (1925), "ritratto della figlia di Natasha" (1925). Negli stessi anni, P.P. Konchalovsky tenta di creare dipinti tematici, tra cui i migliori sono "Novgorod" (1921) e "dalla fiera" (1926). L'artista è interessato alle immagini tradizionali dei "uomini russi" - potente, cara, vivere circondati dai soliti soggetti, secondo le leggi delle vecchie dogane e, insieme ai loro componenti medi, qualcosa di solito nazionali.

Artisti e associazioni artistiche degli anni '30.

Gli anni '30 nella storia dell'arte sovietica è un periodo difficile che riflette le contraddizioni della realtà stessa. Avendo percepito notevoli turni che hanno avuto luogo nella società, il Pathos dell'industrializzazione, i maestri d'arte allo stesso tempo quasi non hanno quasi notato le principali contraddizioni pubbliche, non esprimono conflitti sociali relativi al rafforzamento del culto della personalità di Stalin (1) .

Il 23 aprile 1932, il Comitato centrale del Partito ha adottato una risoluzione "sulla ristrutturazione delle organizzazioni letterarie e d'arte". Questa risoluzione è stata eliminata da tutti i raggruppamenti precedentemente artistici e i percorsi generali e le forme di stabilizzazione e lo sviluppo di tutte le forze creative dell'arte sovietica sono indicate. La decisione ha indebolito tale confronto tra le singole associazioni, che era così aggravata al turno degli anni '20 - '30. Ma d'altra parte, le tendenze dell'unificazione si sono intensificate nella vita decidua. Gli esperimenti d'avanguardia, che si sono da sapere negli anni '20, sono stati interrotti. La lotta con il cosiddetto formalismo si è rivelato, come risultato della quale molti artisti furono costretti ad abbandonare le loro precedenti conquiste.

La creazione di un'unione unificata ha coinciso con l'approvazione del principio del realismo socialista, formulato da A.M. Gorky al primo congresso mondiale degli scrittori sovietici. Il realismo socialista assunse l'eredità delle tradizioni dell'arte realistica del XIX secolo. E mirare agli artisti sull'immagine della realtà nel suo sviluppo rivoluzionario. Tuttavia, come mostrato l'ulteriore pratica dell'arte Sovietica, il termine "realismo socialista" non era abbastanza e adeguata tendenza complessa e multistrato in una nuova cultura. La sua domanda formale per la pratica artistica è spesso collegata a lui il ruolo dello sviluppo del freno dogmatico dell'art. Nelle condizioni di ricostruzione sociale degli anni '80, il termine "realismo socialista" è stato sottoposto a una discussione di discussione nei circoli professionali a diversi livelli.

Molte tendenze progressiste apparse negli anni '20 continuano a svilupparsi nel 30. Questo vale per, ad esempio, interazione fruttuosa di varie scuole nazionali.

Nelle grandi mostre d'arte organizzate negli anni '30, sono coinvolti artisti di tutte le repubbliche dell'Unione Sovietica. Allo stesso tempo, le mostre repubblicane sono organizzate a Mosca in relazione a decenni di arte nazionale. Le questioni nazionali dell'arte sono particolarmente preoccupate da artisti di repubbliche fraterne.

Negli anni '30, la pratica degli ordini di stato e dei viaggi d'affari creativi si stanno espandendo. Le più grandi mostre sono organizzate: "15 anni di Rkkka", "20 anni dell'esercito rosso", "20 anni del Vlksm", "l'industria del socialismo", "mostra delle migliori opere di pittura sovietica" e altri. Gli artisti sovietici partecipano a mostre internazionali a Parigi e a New York, svolgono lavori per la fiera agricola di All-Union a Mosca, in relazione alla preparazione di cui è stato creato un numero significativo di opere monumentali e decorative, che, in sostanza, significava un importante Stadio della rinascita della pittura monumentale come indipendente, con i propri obiettivi e modelli d'arte. In questi lavori, c'era un'espressione per l'arte sovietica al monumentalismo.

Un artista diventa uno dei rappresentanti più significativi della pittura macchina di questo periodo. Boris Vladimirovich Johanson. (1893 - 1973), che ha trasformato il suo lavoro alle più alte tradizioni del dipinto russo XIX secolo. Interpreta il patrimonio e il repin di Suikov, portando un nuovo contenuto rivoluzionario nelle sue opere un nuovo contenuto rivoluzionario. Da questo punto di vista, i dipinti di Johanson "interrogatorio dei comunisti" (1933) e "sulla vecchia pianta Ural" (1937) sono particolarmente importanti.

L'immagine "Interrogazione dei comunisti" è stata presentata per la prima volta alla mostra "15 anni di rkkka". In esso, l'artista mostrò i comunisti che stavano mettendo in scena sulla difesa della rivoluzionaria patria, e dei loro avversari - guardie bianche, che stavano cercando di strangolare lo stato sovietico durante la guerra civile. L'artista conduce la sua generalizzazione storica nelle tradizioni di Repin, attraverso lo spettacolo di un'azione particolare in un ambiente specifico. Non sappiamo che i nomi delle persone rappresentavano qui, più storicamente universale è percepito da noi l'immagine nel suo complesso. I comunisti nella foto di Johanson sono destinati a morte. Ma l'artista mostra la loro calma, coraggio, forza e resistenza, che contrasta con ansia, nervosismo, disanzeta psicologica, regnando nel gruppo di guardie bianche, impotenza non solo in questa situazione, ma come era, di fronte alla storia.

Nel quadro "sulla vecchia pianta urrale", scritta per la mostra "L'industria socialismo", Johanson si oppone alle immagini dell'allevatore e del lavoratore, in cui rivela la sensazione della classe emergente autocoscienza e superiorità interna sul sfruttatore. Questa foto, l'artista ha mostrato un conflitto storico tra vecchio e nuovo, reazionario e progressivo, e ha approvato il potere vittorioso di rivoluzionario e progressista. Queste sono le nuove funzionalità del genere storico e rivoluzionario sovietico sull'esempio del dipinto di Johanson.

Un posto speciale prende in questo periodo un'immagine, argomenti e generi sfaccettati Sergey Vasilyevich Gerasimov.. Il lavoro più sorprendente del genere storico nel suo lavoro è l'immagine del "giuramento del Partizan siberiano" (1933), che è incredibile con la sua espressività aperta, rilevata da espressività coloristica, modello tagliente, composizione dinamica. Lavorare nel genere della famiglia, S.V. Gerasimov si è concentrato sul tema contadino. Con la sua decisione, l'artista attraversò il ritratto creando un certo numero di immagini contadine convincenti. Durante la costruzione di un villaggio collettivo di fattoria, ha scritto uno dei ritratti più brillanti del "Watchman collettivo della fattoria" (1933). Le opere più significative del dipinto di genere degli anni '30 sono entrate nella "Agriturismo collettivo" (1937), che è stato esposto alla mostra "L'industria socialismo". Esattamente e Emko caratterizza questa immagine il più grande accademico storico dell'arte sovietica I.e. Grabar: "Quando è apparso una meravigliosa tela" Agriturismo collettiva ", uno dei migliori dipinti della mostra" L'industria socialismo ", la nuova crescita straordinaria del Maestro divenne ovvio. Non è quasi nessuno degli artisti sovietici, ad eccezione di Sergey Gerasimov, avrebbe dovuto affrontare una tale sfida composita, leggera e di colore, e persino con strumenti e tecniche così semplici. Era l'immagine solare del dipinto russo durante la rivoluzione, nonostante il fatto che fosse soddisfatto nel piano contenuto "(1 , p. 189).

"Cantante" del contadino sovietico era Arkady Alexandrovich DevStor. (1893 - 1983), associato al villaggio russo con la sua origine. Ha avuto una grande influenza su di lui, le impressioni dell'infanzia trascorse in stretta comunicazione con la natura, con terra, con contadini che vivono su questa terra.

Dopo la nuova rivoluzione socialista di ottobre dei pavimenti, che è stato guidato dal lavoro nel suo villaggio natale, dando un tempo libero di pittura, etudi e impressioni accumulati per le sue opere future dedicate alla vita contadina. Una delle prime opere significative di Plastov - full Air and Light Painting "Bathing Horse" - è stata eseguita da loro per la mostra "20 anni dell'esercito rosso". Per la mostra "L'industria socialismo" dei livelli ha scritto un grande tessuto "Agriturismo collettivo". Un altro brillante prodotto del Plastov del poro è il "mandria collettiva della fattoria" (1938). In tutte le immagini elencate, alcune funzioni comuni si manifestano. I serbatoi non pensano che la scena del genere fuori dal paesaggio, al di fuori della natura russa, sia sempre stata formata in un piano lirico, rivelando la sua bellezza nelle più semplici manifestazioni. Un'altra caratteristica dei lavori di genere di Plastov è l'assenza di qualsiasi conflitto o un momento speciale nell'artista eletto della trama. A volte nei suoi dipinti, come nel "collettivo della fattoria", non ci sono eventi affatto, non succede nulla. Ma allo stesso tempo l'artista raggiunge sempre l'espressività poetica dell'immagine.

Si è sviluppato nel talento degli anni '30 AA.Daeneki.. Ha continuato ad aderire ai suoi precedenti argomenti, trame, immagini preferite, colore e sistema composito. Vero, il suo modo pittoresco è in qualche modo ammorbidito, esempi di quali sono le migliori opere degli anni '30 - "Madre" (1932), "Pranzo Break a Donbass" (1935), "futuri piloti" (1938). Sport, aviazione, corpo formato nudo, laconismo e semplicità del linguaggio pittoresco, le combinazioni di squillo di marrone-arancio e blu sono ammorbidenti in alcuni casi Lyristic, il momento della contemplazione. Daenek ha spinto il quadro tematico del suo lavoro, comprese le storie della vita dei paesi stranieri, che apparve come risultato di viaggiare negli Stati Uniti, in Francia, Germania e Italia.

Un altro ex membro ost - Yu.i.Pimenov. (1903--1977) ha creato uno dei migliori dipinti degli anni '30 "New Moscow" (1937). Il paesaggio del centro di Mosca (Pl. Sverdlova), come se fosse visto dalla macchina da corsa, dietro la ruota della quale una giovane donna si siede allo spettatore. Nuovi edifici edilizzati, funzionamento rapido dell'auto, vernici leggere, un'abbondanza di aria, l'ampiezza dello spazio e il reclutamento della composizione - tutto è imbevuto di globalismo ottimista.

Negli anni '30, creatività paesaggistica G.G. NIS (1903 - 1987), un seguace dei più raffreddati che prese il laconismo da loro, la nitidezza delle soluzioni composite e ritmiche. Questi sono il suo dipinto "autunno" (1932) e "sui sentieri" (1933). Nei paesaggi della Nissky, l'attività di conversione dell'uomo è sempre visibile.

Dei proprietari del paesaggio della vecchia generazione mi chiedo la creatività di n.p. Crimea (1884 - 1958), che ha creato nel 1937 una famosa immagine "mattina nel parco centrale della cultura e il resto del nome da Gorky a Mosca". Una vasta vista panoramica del parco, che lasciò caduta dietro di lui, è stata data, una linea liscia dell'orizzonte, prendendo l'occhio dello spettatore fuori dalla tela, - tutto respira con freschezza ed esposizione.

A. Flylov, il cui lavoro è stato formato all'inizio del XX secolo, nella foto "Lenin nel versamento" (1934) collega il paesaggio con il genere storico, raggiungendo la sensazione della distesa della natura, dei pensieri, dei sentimenti, della sostenuta storica ottimismo.

Paesaggio panoramico è stato manifestato nelle opere di molti pittori di varie repubbliche. Questo onere era associato alla forte sensazione della madrepatria, la terra nativa, che negli anni '30 rafforzò e crebbe. D.n. Kakabadze (1889 - 1952) nel suo "Paesaggio di Imereti" (1934) dà un ampio giro delle montagne caucasiche, lasciando la distanza, - la cresta dietro la cresta, il pendio dietro il pendio. Nel lavoro di M.S. Saryan 30s sono stati segnati anche da interessi nel paesaggio nazionale, alle viste panoramiche sull'Armenia.

Lo sviluppo fruttuoso durante questo periodo riceve anche un genere ritratto in cui artisti della vecchia generazione P.P. Konchalovsky, cioè Grabar, M.V. Nesterov e altri.

P.P. Konchalovsky, noto per le sue opere nei generi più diversi di pittura, negli anni '30 - 40s crea un'intera serie di ritratti di studenti di scienza e arte sovietica. Tra i migliori ritratti v.V. Sofronitsky per pianoforte (1932), S.S. Prokofiev (1934), v.e. Meyerhold (1937). In questi lavori, Konchalovsky contribuisce alla sua eccellente capacità di esprimere la vita attraverso un sistema di plastica-floreale. Collega le migliori tradizioni della vecchia arte con un'innovativa nitidezza della visione del colore, dall'affermazione della vita, dalla principale immagine emotiva e potente dell'immagine.

La vera picco dello sviluppo del verniciatura ritratto di quel periodo era le opere di M.V. Nesterova. Durante il suo lavoro, che unito i secoli XIX e XX., Nesterov ha trattenuto il sostentamento con la vita. Negli anni '30, è sopravvissuto a un brillante ascensore, riaprendo il suo talento del ritratto. Un significato figurativo nei ritratti di Nesterov - approvazione dello spirito creativo del tempo attraverso l'identificazione di pasti creativi di un'ampia varietà di persone che rappresentano questa volta. La Circle of Heroes Nesterov è rappresentante dell'Intelligentia sovietica della vecchia generazione, persone di professioni creative. Quindi, tra le opere più significative di Nesterov, ritratti di artisti - Brothers Cory (1930), scultore I.D. Shadra (1934), Accademico I.P. Pavlova (1935), Chirurgo S.S. Yudina (1935), scultore v.i. Mukhina (1940). Nesterov agisce come una tradizione ritratto continua di V.A. Sierov. Sottolinea le caratteristiche, enfatizza i gesti, le caratteristiche pose dei loro eroi. Accademico Pavlov pugni serpenti serpenti disposti sul tavolo e questa postura rivela il potere dello spirito, contrastando con una vecchiaia chiara. Il chirurgo Yudin è raffigurato anche in un profilo seduto al tavolo. Ma l'espressività di questa immagine è costruita su un caratteristico gesto "volante", sollevato verso l'alto. Estratte le dita dello Yudin - tipici chirurghi, deft e forti, pronti ad adempiere la sua volontà. Mukhina è raffigurata al momento della creatività. Scorri la scultura - focalizzata, non prestando attenzione all'artista, obbedendo interamente al suo impulso.

È dato in modo conciso in questi accessori ritratti. Sono pieni e attivamente inclusi nelle caratteristiche del popolo raffigurato dal loro colore, illuminazione, silhouette. Il sapore dei ritratti è drammaticamente attivo, saturo di suoni, toni extra finemente convocati. Quindi, colore complesso nel ritratto di Pavlova, costruito su una combinazione delle migliori sfumature di toni freddi e caldi, caratterizza la chiarezza spirituale e l'integrità del mondo interiore dello scienziato. E nel ritratto dei fratelli marroni, è addensato al blu profondo, nero, marrone saturo, che esprime la drammatica del loro stato creativo. Ritratti Nesterov è entrato nell'arte del fondamentalmente nuovo, ha iniziato la vita, la combustione creativa come le manifestazioni più tipiche e luminose delle persone nell'era dell'alto entusiasmo del lavoro.

Artista più vicino a Nesterov Pavel Dmitrievich Korin. (1892 - 1967). Avviato nei pittori Palekh, ha iniziato il suo modo creativo con le Scritture delle Icone, e nel 1911, al Consiglio Nesterov entrò nella Scuola di Mosca di Pittura, spaventosa e architettura. Surgo-esigente a se stessi e alle persone, Corin ha portato questa qualità attraverso tutta la sua creatività. Nello sviluppo creativo, e in effetti nella vita dell'artista, A.M. ha giocato un ruolo significativo Gorky, con il quale ha incontrato nel 1931 Gorky ha aiutato Corina a viaggiare all'estero per esplorare i migliori monumenti dell'arte mondiale.

Potrebbe essere quello per cui la Galleria ritratto di scienziati, artisti, scrittori del nostro tempo, quale Corin crea nel corso degli anni, ha iniziato la via A.M. Gorky (1932). In sostanza, in questo lavoro vengono rivelate le caratteristiche principali di Corin-Portraist. Il ritratto di Gorky è un prodotto veramente monumentale, dove una silhouette chiaramente rilevata, uno sfondo di contrasto, un ampio riempimento con il colore delle grandi aree di tela, una figura espressiva affilata esprime la generalizzazione storica della personalità dello scrittore. Per questo, come per altri ritratti di Corina, è caratterizzato da un duro gamma con un'abbondanza di grigio scuro, blu scuro, oleoso, a volte a nero, toni. Questa gamma, così come una forma chiaramente incollata della testa e delle figure ritratte, esprime le qualità emotive dell'artista stesso (6).

Negli anni '30, Corin crea ritratti di attori L.m. Leonidova e v.i. KACHALOVA, Artista M.V. Nesterova, scrittore A.n. Tolstoy, scienziato n.f. Gamalei. Ovviamente, per lui, così come per il suo insegnante spirituale M.V. Nesterova, interesse per la personalità creativa è tutt'altro che occasione.

I successi della pittura degli anni '30 non significano che il percorso del suo sviluppo fosse semplice e privato delle contraddizioni. In molte opere, quegli anni hanno mostrato e stabilizzato le caratteristiche generate dal culto di I.V. Stalin. È un falso pathos di un atteggiamento pseudoo-eteroico, pseudoromantico, pseudooptimistico nei confronti della vita che determina l'essenza e il significato dell'arte "Parade". C'era una competizione tra artisti nella lotta per gli inconfondibili "superpersini", associati all'immagine I.V. Stalin, il successo dell'industrializzazione, il successo dei contadini e della collettivizzazione. C'era un numero di artisti, "specializzati" su questo argomento. Il più tendenzioso in questo senso è stato Alexander Gerasimov ("Stalin e K.e. Voroshilov nel Cremlino" e le sue altre opere).

Bibliografia

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Dettagli Categoria: Belle Arti e Architettura del Periodo Sovietico Pubblicato 14/09/2018 13:37 Visualizzazioni: 1845

Dal 1930 del XX secolo. L'arte ufficiale in Russia ha sviluppato in linea con il realismo socialista. La varietà di stili artistici è stata fine.

La nuova era dell'arte sovietica si è distinta per un duro controllo ideologico e elementi di propaganda.
Nel 1934, al Congresso di All-Union degli scrittori sovietici, Maxim Gorky formulato i principi di base del realismo socialista come metodo della letteratura e dell'arte sovietica:

Natività.
Idea.
Concretezza.

I principi del realismo socialista non solo furono dichiarati, ma sostenuti anche dallo Stato: gli ordini di stato, i viaggi di lavoro creativi di artisti, mostre tematiche e di anniversario, revival sull'arte monumentale come indipendente, perché Rifletteva le "grandi prospettive per lo sviluppo della società socialista".
I rappresentanti più significativi della pittura del cavalletto di questo periodo erano Boris Johanson, Sergei Gerasimov, Arkady Plaks, Alexander Deineka, Yuri Pimenov, Nikolai Krymov, Arkady Flylov, Peter Konchalovsky, Igor Grabar, Mikhail Nesterov, Pavel Corin, e altri. Alcuni artisti Dedicheremo i singoli articoli.

Boris Vladimirovich Johanson (1893-1973)

B. Johanson. Auto ritratto

Uno dei principali rappresentanti del realismo socialista nella pittura. Ha lavorato nelle tradizioni della pittura russa del XIX secolo., Ma fatto nelle sue opere "Nuovo contenuto rivoluzionario, Era consonante".
Era anche un insegnante di pittura, direttore della Galleria Stato Tretyakov nel 1951-1954, il primo segretario dell'Unione degli artisti dell'URSS, il capo editore dell'enciclopedia "L'arte dei paesi e dei popoli del mondo", aveva Molti premi e titoli di stato.
Le due immagini sono particolarmente note: "Interrogazione dei comunisti" e "Alla vecchia pianta Ural" (1937).

B. Johanson "Interrogazione dei comunisti" (1933). Tela, olio. 211 x 279 Guarda la Galleria di Stato Tretyakov (Mosca)
La storia della creazione del dipinto in questo caso è necessaria per la consapevolezza della sua idea. "Ho perseguita personalmente l'idea di confrontare le classi, il desiderio di esprimere nel dipingere contraddizioni di classe inconciliabili.
Guardismo della BOOG è una coscia speciale della storia, questa è una zattera dove i resti dei vecchi ufficiali e gli speculatori in uniforme militare e dei gangster di Frank, e i pregiati della guerra furono mescolati. Che contrasto luminoso con questa banda era il nostro commissari militari, i comunisti, che erano leader ideologici e difensori delle loro particelle socialiste e del popolo del lavoro. Esprimi questo contrasto, confrontato è stato il mio compito creativo "(B. Johanson).
Un ufficiale delle foglie bianche si trova in una sedia dorata verso lo spettatore. I restanti ufficiali bianchi stanno affrontando il viso. Per migliorare l'effetto drammatico, l'artista dà illuminazione notturna artificiale. La figura del convoglio è posizionata nel bordo superiore scuro dell'angolo sinistro ed è una silhouette leggermente evidente. Nell'angolo destro - una finestra con una sigaretta, una luce notturna aggiuntiva è versata attraverso di essa.
I comunisti sono come sull'elevazione rispetto alle guardie bianche.
Comunisti - ragazza e lavoratore. Si alzano vicino e guardano tranquillamente sul volto dei loro nemici, la loro eccitazione interiore è nascosta. I giovani comunisti simboleggiano un nuovo tipo di persone sovietiche.

Sergey Vasilyevich Gerasimov (1885-1964)

S. Gerasimov. Autoritratto (1923). Tela, olio. 88 x 66 Vedi Kharkiv Art Museum (Kharkov, Ucraina)
Artista russo, un rappresentante dell'impressionismo russo, soprattutto manifestato nei suoi paesaggi. Ha anche creato un numero di dipinti socialmente di riferimento.

S. Gerasimov "Primavera. Marzo". Tela, olio
Nel genere storico, il suo lavoro più famoso è il "giuramento dei partigiani siberiani".

S. Gerasimov "giuramento del partizan siberiano" (1933). Tela, olio. 173 x 257 Vedi Museo di stato russo (Pietroburgo)
Pittura Surov nel contenuto, ma espressivo ed espressivo. C'è una chiara composizione e orientamento ideologico.
Genere Pittura S. Gerasimov "Agriturismo collettivo" (1937) è considerato una delle opere più significative dell'arte sovietica degli anni '30 del XX secolo.

S. Gerasimov "Agriturismo collettivo" (1937). Tela, olio. 234 x 372 Vedi Galleria di Tretyakov stato (Mosca)
Una delle più famose bellezze pittoresche della guerra è stata l'immagine di S. Gerasimov "madre partigiana".

S. Gerasimov "Madre Partizan" (1943-1950). Tela, olio. Stato Tretyakov Gallery (Mosca)
L'artista stesso ha parlato dell'idea del dipinto come questo: "Volevo mostrare nella sua forma di tutte le madri che mandarono i loro figli alla guerra".
La donna è ferma nella sua giustezza, personifica il grande potere dell'ira popolare. Soffre, ma è la sofferenza di una persona orgogliosa e forte, quindi la sua faccia sembra calma in questo tragico momento.

Arkady Alexandrovich Devy (1893-1972)

P. Bendel. Ritratto dell'artista Plastov

L'artista A. Plastov è chiamato "cantante dei contadini sovietici". Tutti i suoi dipinti di genere sono creati contro lo sfondo del paesaggio. La natura russa dell'artista è sempre lirica e animata. I suoi dipinti si distinguono per espressività poetica e praticamente inconfliss.

A. PLaks "First Snow" (1946)
L'artista ha ritratto un piccolo frammento dalla vita rustica. Sulla soglia di una casa di legno, due bambini contadini, molto probabilmente, sorella e fratello. Svegliarsi al mattino, hanno visto le precipitazioni nevose e corse fuori sotto il portico. La ragazza non ha nemmeno avuto il tempo di legare uno scialle caldo giallo, abbozzato solo su un vestito leggermente fatto in casa, e mise i piedi negli stivali. I bambini con sorpresa e delizia guardano la prima neve. E questa gioia, questa gioia per bambini della bellezza della natura è trasmessa al pubblico.
I serbatoi sono un realista convinto. Cerca qualcosa di completamente nuovo e senza precedenti erano alieni a lui. Viveva nel mondo e ammirava la sua bellezza. I livelli considerati: la cosa principale per l'artista è vedere questa bellezza e passarla sulla tela. Non c'è bisogno di scrivere magnificamente, è necessario scrivere la verità, e sarà più bello di tutte le fantasie.

A. Plaks "Gold Out" (1952). Tela, olio. 57 x 76 Vedi Museo di stato-riserva "Rostov Kremlin"

A. Plaks "Senokos" (1945). Tela, olio. 193 x 232 Vedi la Galleria Tretyakov State (Mosca)
L'artista ha creato una serie di dipinti sulla grande guerra patriottica. La tela "Fascista Fly" è piena di una tragedia, è considerata un capolavoro dell'arte sovietica del periodo militare e del dopoguerra.

A. PLaks "Fascista Flying" (1942). Tela, olio. 138 x 185 Vedi Galleria Tretyakov di stato (Mosca)
L'artista A. Deineka continua a lavorare sui suoi temi preferiti.

Yuri Ivanovich Pimenov (1903-1977)

Conosciuto come pittore, un artista teatrale, una scena e un programma, un posterista, un insegnante.
La sua immagine più famosa è "Nuova Mosca".

Yu. Pimenov "New Mosca" (1937). Tela, olio. 140 × 170 cm. Galleria di Tretyakov stato (Mosca)
Pubblicato in mezzo alla ricostruzione della capitale. Una donna dietro la ruota è un fenomeno piuttosto raro per quegli anni. Questo è un simbolo di una nuova vita. Soluzione insolitamente e composita: l'immagine è simile al telaio della fotocamera. La donna è mostrata dalla parte posteriore, e questo angolo come se invita lo spettatore a guardare la città del mattino con i suoi occhi. Crea una sensazione di gioia, freschezza e umore primaverile. Questo è promosso dal modo impressionante di scrivere l'artista e un colore colorato delicato. L'immagine è intrisa con una caratteristica di una gentilezza ottimistica di quel tempo.
Questo tecnologo ha utilizzato questa tecnica quando scrivi una foto "front road". Il contenuto emotivo del dipinto è costruito sul contrasto tra il modo di sereno, cambiando Mosca e saccheggiato e distrutto come risultato dell'invasione fascista della città mostrata nella foto "front road".

Y. Pimenov "Front Road" (1944)
Nel periodo precoce, la creatività di Pimenov ha sperimentato l'influenza dell'espressionismo tedesco, che spiega in gran parte la drammatica nitidezza delle sue migliori foto di questi anni: "War Disabilita", "Dai il pesante industria!" (1927), "i soldati passano verso la direzione della rivoluzione" (1932). A poco a poco, si è trasferito in impressionismo, aderire al principio creativo del "momento eccellente".

Y. Pimenov "War War" (1926). Stato Museo russo (Pietroburgo)

Georgy Grigorievich Nissky (1903-1987)

George Nissky durante questo periodo è attivamente impegnato nella creatività del paesaggio. I suoi dipinti sono caratterizzati da pittoreschi laconismo, dinamica, luminose soluzioni composite e ritmiche. La natura dell'artista è sempre trasformata da mani umane.

Nissky "Autunno. Sepafori »(1932)

Nissky "Regione di Mosca. Febbraio "(1957). Tela, olio. Stato Tretyakov Gallery (Mosca)
I vecchi paesaggi generazionali includono Nikolai Krymov.

Nikolai Petrovich Krymov (1884-1958)

Nikolai Krymov (1921)
N.p. La Crimea è nata nella famiglia di un artista-mobile, quindi la direzione iniziale della sua creatività era la stessa. Durante gli anni di studio (1905-1910), si appoggiava a un'impressione impressionistica della natura, dei delicati toni pastello e dei colpi luminosi gli diede all'aspetto spiritualizzato e senza peso della tela. Nei 20 anni è diventato un impegno per la pittura realistica russa.

N.p. Crimea "mattina nel parco centrale della cultura e del riposo. M. Gorky a Mosca "(1937). Tela, olio. 81 x 135 cm. Galleria Tretyakov stato (Mosca)
L'ultimo periodo del lavoro del pittore è collegato al fiume Oka e una piccola città di Tarusa, dove la Crimea arrivò per comprare. Era affascinato dai paesaggi locali e dal fiume Okoy, che "respirava in libertà".

N. Crimea "Street a Tarus" (1952)
Riflessione dell'amore per i dipinti in acciaio del tarus "prima del crepuscolo", "Polenovo. Fiume Oka "e un numero di altri. L'artista ha molti paesaggi invernali.

N. Krymm "Inverno. Tetti "(1934)

Arkady Alexandrovich Rylov (1870-1939)

A. RYLOV. Autoritratto con proteine \u200b\u200b(1931). Carta, mascara, matita italiana. Stato Tretyakov Gallery (Mosca)

Giocatore del pittore russo e sovietico-paesaggio, programma e insegnante.
La sua immagine più famosa è "Lenin in versamento".

A. RYLOV "V.I. Lenin nel versamento nel 1917. (1934). Tela, olio. 126,5 × 212 cm. Museo di stato russo (Petersburg)
Questa è una delle migliori opere dell'artista nel suo tardo periodo di creatività. In questa immagine, l'artista collega il paesaggio con il genere storico. Il soggiorno di Lenin a rovesciarsi nell'estate del 1917 è uno dei principali trame del tema di Lenin nelle belle arti sovietiche. Nel paesaggio e in una figura dinamica, il leader sente l'eccitazione e la tensione del momento. Le nuvole, il vento inizia i potenti alberi, nella lotta contro queste forze naturali, la figura di Lenin si precipita verso il vento con una dura determinazione a vincere nel nome del futuro.
Lago tempestoso e cielo allarmante simboleggiano una tempesta. Twilight discendono sulla Terra. Lenin, non notando questo, in lontananza in lontananza. Tale interpretazione dell'immagine del leader è l'ordine ideologico dell'era sovietica.
Il genere del ritratto sovietico si sta sviluppando attivamente in questo momento, in cui Peter Konchalovsky, Igor Grabar, Mikhail Nesterov, sono più luminosi di tutti.

P. Konchalovsky. Ritratto di un compositore Sergey Sergeyevich ProkoFiev (1934). Tela, olio. 181 x 140,5 cm. Galleria di Tretyakov di stato (Mosca)

P. Konchalovsky. Ritratto di V.E. Meyerhold (1938). Tela, olio. 211 x 233 Vedi Galleria Tretyakov State (Mosca)
Durante il periodo di repressione di massa, poco prima dell'arresto e della morte di Meyerhold, P. Konchalovsky ha creato un ritratto di questa straordinaria figura teatrale. Il 7 gennaio 1938, la commissione per le arti ha adottato una risoluzione sulla liquidazione del teatro statale denominato Meyerhold.
Il conflitto della personalità con la realtà circostante è l'artista trasmesso attraverso una decisione complessa composita. Sulla tela è raffigurata non un sognatore e una persona il cui destino si blocca sui peli, e lo sa. Attraverso il confronto del tappeto luminoso, un ornamento coperto di spessore, e la figura monocromatica del regista Konchalovsky rivela l'immagine tragica del reformer del regista.

I. Grabar. Ritratto di Accademico n.d. Zelinsky (1935). Tela, olio. 95 x 87 Vedi Galleria di Tretyakov di stato (Mosca)

I. Grabar. Ritratto di Vladimir Ivanovich Vernadsky (1935)

Pavel Dmitrievich Korin (1892-1967)

Pavel Corin (1933)
Pittore russo e sovietico, monumentalista, ritratto master, restauratore e insegnante, professore.
Allevato in paleh e ha iniziato con gli scritti delle icone. Ha studiato alla Scuola di Scienza e dell'architettura di Mosca, nel tempo divenne uno dei maestri più importanti del primo ritratto sovietico, creato un'intera galleria di ritratti di intellettuali del suo tempo.
Per lavori di questo artista, monumentalità, gamma dura, chiaramente le forme appiattite.
Le opere più famose di P. Corina: Trittico "Alexander Nevsky", ritratti George Zhukov e Maxim Gorky.

P. Corin. Trittico "Alexander Nevsky"
Trittico è stato ordinato dall'artista dell'anno della grande guerra patriottica, quando il tema dell'opposizione all'invasore era centrale nell'art.
Nel lato sinistro e destro del trittico, i soldati stanno andando in guerra. Le donne li scorrono: la madre anziana, una moglie che tiene un bambino piccolo sulle mani. Loro, così come la terra nativa, ha bisogno di protezione.

Nel mezzo - l'immagine di un guerriero. Alexander Nevsky in tempi lontani fermò i cavalieri tedeschi, quindi può ispirare i difensori alla guerra con invasori fascisti. La sua figura è monumentale - questa è la memoria degli eroi russi. Il volto con il volto di Cristo assomiglia alla santità della terra russa. Si erge, appoggiata a una spada, - i nemici devono morire da quella spada con cui sono venuti.
Per la sua schiena - terra nativa che deve essere protetta.
I dipinti tematici e i ritratti nell'esecuzione del Wizard sono caratterizzati da spiritualità e collezioni di immagini, il rigore della composizione e del modello.
L'interesse per le personalità creative è caratteristico dell'atmosfera di questo periodo.

Artisti degli anni '30

Artisti Deineka, Pimenov, Williams, S.Gerasimov, Kubrin, Konchalovsky, Lentolov, Mashkov, Ulyanov, Mukhina, Kuznetsov, Andostano

Con Daenekoy, ho incontrato per la prima volta a Leningrado. È venuto quando la mostra era già scossa, nei giorni più recenti davanti alla scoperta, rimosso tutto il suo lavoro dal muro e li appese - al suo stesso, tagliando molto forte: alcuni piccoli gufi furono portati, e li ha rimossi. Alla fine, c'era "Difesa Petrograd", "Ragazzo addormentato con fiordalisi", un certo numero di cose di prima classe. Allora Deineka mi ha colpito strano e piuttosto negativo. Era tagliato, un po 'maleducato. La maggior parte delle persone lo percepì e percepita - cosa? Allora atleta, giocatore di calcio o pugile. Ma io, fortunatamente, ha capito rapidamente il suo vero personaggio. Non conteneva nulla di simile, era un modo da tenersi con gli estranei, con estranei. Mi sono avvicinato a lui a metà degli anni '30, quando ho iniziato a lavorare nei bambini, la conversazione sarebbe stata la prossima. E passò il tempo più lungo, il tempo divennero più vicino e più vicino. L'ultima data della nostra corrispondenza due giorni prima della sua morte era lo scambio delle parole più delicate al telefono su entrambi i lati.

Con un'altra coastle - Yuri Ivanovich Pimenov, non mi sono incontrato a Leningrado. A Leningrado, c'erano pochissimi lavori, e l'ho visto per la prima volta a Mosca, quando il vicedirettore del museo russo, lo straordinario arrivato a pagare con artisti per il loro lavoro acquisito a Leningrado. Tutti sono stati raccolti sulla Volkhonka, in una di quelle case piccole che si trovano tra Frunze Street e il museo. Tutti gli artisti erano seduti nel corridoio e chiacchieravano, e furono invitati a loro volta in cui? Poi la stanza. E qui ho visto la prima volta e ricordava Pimenova. Ha mostrato come tre artisti fanno in vendita i tre paesaggi: si stabilisce un sacco di tele identiche e li riempie con la vernice blu raffigurante il mare, il secondo passa e spende la vernice nera quali imbarcazioni e quest'ultimo mette in una singola striscia. Lo ha ritratto insolitamente temperamentalmente e molto espressivo.

Abbiamo una relazione molto rapida con lui, ma non sul terreno del museo, perché non ha fatto una grafica - né incisione, e uno schema? Non era molto, era il pittore più puro. Già nel 1932, abbiamo avuto un'amicizia delicata. È solo durante questo divario, tra il 1930 e il 1932, ha sofferto una malattia cerebrale molto pesante, che è collegata con una commozione cerebrale, o anche con quello? Poi la malattia del sincerino, e finalmente si è liberata di lei, ha completamente cambiato tutto il suo personaggio. Tanto che ha distrutto la maggior parte dei suoi primi lavori, troppo aggravato, espressivo, schematico, sopportato anche nei musei che ha avuto il tempo di comprare. E è diventato completamente diverso, come è rimasto per la vita: splendente, leggero, soleggiato, pieno di cosa? Poi la più grande avidità a una vera vita vivente. Ogni anno, ogni anno più e più rapporti amichevoli sempre più approfonditi, e alla fine divenne dai miei pari il più vicini a me come Schmarinov. In realtà, i loro due dovrebbero essere chiamati prima di tutto tra i suoi amici più più stretti della mia generazione. Ero un anno e mezzo di Pennova più giovane e un anno e mezzo anziano Schmarinov.

Con Williams, sono diventato anche amici nei primi anni '30. Poi era un pittore, e un pittore molto forte e buono. Aveva un lavoro eccellente: un ritratto di Meyerhold, un ritratto del regista Barnet, un grande quadro "marinai con Aurora, che è stato inviato a cosa? Poi la mostra di Venezia e lì hanno dato l'organizzazione comunista locale lì. Lì è rimasta lì. Ma ho davvero la sua riproduzione. Questa è una cosa molto buona, lo ricordo perfettamente. Ma poi, lui, già a metà degli anni '30, si è interessato al teatro, ha avuto un successo straordinario, fatto, ad esempio, il design al Pickwick Club a Mosca, con decorazioni insolitamente bizzarri, in cui sono stati introdotti le figure umane. E poi è diventato l'artista più alla moda del teatro Bolshoi e ha persino iniziato il vestito, come una figura del teatro di successo: alcuni straordinari cappotto di pelliccia è quasi a terra con una pelliccia dal cancello allo stesso Niza, un cappello di pelliccia come una macina La testa, che era il soggetto del più grande bullismo di me e Pennova in funzionalità. Ha sorriso solo confuso. In generale, è entrato nell'ambiente teatrale, nella vita teatrale.

Con Williams, ho un ricordo molto gentile. A metà degli anni '30, Natasha ed io siamo andati al Caucaso a Teheenekli - questo è il posto sul fiume Baksan ai piedi di Elbrus. C'era una casa vacanze, appartenente a chiunque - non lo so, ma destinato alla creativa intelligentia. In ogni caso, i buoni dovevano ricevere nella Fondazione d'arte dell'Unione di Mosca, e quando sono venuto lì, mi è stato detto che ero appena stato Williams e andavamo anche lì.

C'erano molti amici a Teheenekli. C'era il nostro amico con un amico intimo di Natasha - uno scienziato - geografo Lazar Gordovich Gordonov, con il quale noi, infatti, e abbiamo accettato di andare lì. C'era un regista Alexandrov con l'amore di sua moglie Orlova. C'era un poeta Nikolai Tikhonov. C'era un traduttore annoiato - si presumeva che ci sarebbero stati stranieri, ma non lo erano, e lei era tristemente vagava senza nulla. In una delle serate, ha rianimato: Infine, l'inglese Il signor Williams finalmente arriva! Versò, dipinse le sue labbra, in generale, è stata preparata. Ma quando è apparso questo signor Williams, si è scoperto che questo è il mio amico Peter Vladimirovich Williams, che non conosceva affatto una sola parola in inglese. Suo padre era, in effetti, origine inglese, a mio parere, cosa? Allora un importante scienziato agricolo, ma lui stesso non aveva alcuna relazione, quindi il traduttore è rimasto deluso.

Ricordo come siamo andati a Elbrus una volta, non di più, naturalmente, naturalmente, e all'orizzonte, è da qualche parte da mezzo soffiatore, già sopra le nuvole - un parco giochi e un piccolo hotel. Siamo saliti attraverso la nuvola su un sentiero ripido e usciamo da questa nuvola, è arrivato completamente bagnato. Le signore sono andate all'hotel per cambiare vestiti, si mettono in ordine, e ho pareggiato con Williams attorno al tribunale. E improvvisamente chi? Allora gridò: "Apre Elbrus!" Era tutto stretto con nuvole, e improvvisamente le nuvole sono nate, e contro lo sfondo di un cielo completamente verde, un cono bianco della neve della cima di Elbrus è nato. Williams si precipitò in una casa dietro la carta e una matita - non ha catturato nient'altro con lui - e iniziò sotto la pioggia, che in questo momento ha mentito in cima, per lanciare tutti i contorni, registrando ciò che vernici. L'ho ricordato con i lobs attaccati alla fronte, disegnando e registrando convulsamente e registrare queste pitture più. Ma, sfortunatamente, nulla è uscito da questo: quando mi ha mostrato un etudio a Mosca, fatto su questo schizzo, tutto si è rivelato completamente a differenza. Sì, e lui stesso lo sapeva perfettamente. Ricordo che le nostre signore scalevano in Elbrus erano completamente in salamoia. Il "fenomeno di Elbrus" era uno spettacolo fugace, ci è stato concesso a tutti i due minuti - tre minuti.

Williams era una persona semplice, gentile, buona, leggermente divertente con i suoi hobby teatrali alla moda.

Ho anche avuto buoni rapporti con altri refrigeratori - entrambi con labas, sia con Sifrin, ma non erano così vicini. Shifrin era un'adorabile persona, un ottimo artista teatrale, un brillante maestro del teatro. Labas era sempre una piccola figura pazza e bassa. Ma chi, ovviamente, era una persona completamente meravigliosa e un artista meraviglioso, questo è un Tyshler. Ma con lui conoscenza e amicizia appartengono alle ultime orari, il dopoguerra. Come è uscito che a Leningrado non è stato presentato, e poi non dovevo incontrarmi. Prima della guerra avevo familiarità con lui, ma è stato pubblicato. Solo dopo la guerra c'era un'amicizia molto tenera, che era appena approfondita e migliorata. È una delle creature più adorabili che ho incontrato nella mia vita.

Dopo OST, è necessario, naturalmente, chiamare, se parliamo di gruppi artistici degli anni '20, due, che mi hanno portato amici molto stretti. Prima di tutto, queste sono "4 arti", in cui il Favorsky, e Ulyanov, e Paul Kuznetsov, e Saryan, e ancora un certo numero di persone più vicine a me. E il secondo è la società degli artisti di Mosca - "Omx", che mi ha portato una delle più costose amicizia - con Sergey Vasilyevich Gerasimov, così come con Rodionov, con Ormerkin e altri.

Ho incontrato Sergey Vasilyevich per la prima volta a Leningrado, era uno degli organizzatori della mostra, era tra i brigaters e vide i dipinti dei suoi artisti e degli artisti stretti. Sebbene abbia insegnato a Vhutein un disegno, ma con il suo programma ho incontrato molto più tardi e non ho dovuto comprarlo per il museo. Ma a Leningrado abbiamo dovuto incontrare ogni giorno, incontrarci ad un lavoro comune, e soprattutto, siamo andati a cenare la compagnia: lui, io, Obreyanov e Istomin. Era così spesso che ho riconosciuto molto rapidamente il suo personaggio, il suo arguzia, le sue battute e il ridicolo, che erano solo la difesa degli altri. Già poi ho apprezzato il suo incredibile personaggio e la sua arte meravigliosa. Sebbene fosse ancora un periodo molto precoce, il lavoro era solo gli anni '20, l'inizio degli anni '30, erano già molto buoni. E poi questa conoscenza si è gradualmente passata in aumento e più intimità, e nel periodo postbellico era, naturalmente, una delle persone più vicine a me. E devo dire con un grande piacere che, apparentemente, ed ero una delle persone più vicine, l'ho usato con un procuratore completo dell'avvocato, ha eseguito tutti i suoi incarichi, specialmente quando è diventato a capo dell'Unione degli artisti dell'URSS . In realtà, lui e prima è stato percepito come tale, da tutti i risconosi, anche se assolutamente informale di arte sovietica. Ma quando nel 1957 si è verificato il primo congresso di artisti di All-Union dell'Unione, era abbastanza naturale che Sergey Vasilyevich fosse a capo dell'Unione.

Forse più esterne, ma relazioni molto amichevoli sono stato notato e conoscente e conoscenza con Osmertkin, uno dei principali partecipanti alla volta di Bubnovoy, che degli anni '30 divenne un paesaggio lirico molto semplice, sottile e gentile. E lui stesso era un uomo meraviglioso, attraente, sottile. Ma l'ho incontrato meno spesso, ed era tutto? Amicizia periferica Taki, e non il principale, radicato.

Parlando degli ex partecipanti al gruppo "The Bubnovaya Valet", devi ricordare un'altra persona delicata, Miley e attraente, Alexander Vasilyevich Kurrin. Il Kubrin era basso, con una piccola barba, una persona molto silenziosa e timida, molto modestamente vestita, senza effetti esterni, occupati da quanto riguarda le loro riflessioni e il loro lavoro. Ormerkin e Kubrin sono forse i due artisti più sottili in tutto il Gruppo.

Con cucina, ho, così come Ormerkin, erano i più amichevoli e, possiamo dire, relazioni sinceri. Non come con Konchalovsky, a cui ho avuto un profondo rispetto, che mi ha favorito, ma tutto? C'era una grande distanza tra noi.

La mia relazione con Peter Petrovich Konchalovsky era molto amichevole, ho scritto su di lui, e gli piaceva come ho scritto. Ma la vicinanza dello speciale non potrebbe accadere, era molto diverso. Era principalmente un barin, uno stile leggermente mercantile, che viveva su una gamba larga, un insolitamente temperamentale, con un'enorme "economia artistica". Una volta, quando ero nel suo laboratorio, ha detto: "Ho già un migliaiottocento numeri". Questo applicato solo ai suoi dipinti; Acquerelli e disegni, non pensava nemmeno. In ogni caso, abbiamo avuto una relazione amichevole, che era poi molto raffreddata dalla grazia di sua figlia e dal genero - Natalia Petrovna Konchalovskaya, Poetess, e il suo coniuge Mikhalkov. Ma Peter Petrovich non aveva niente a che fare con questo, proprio come era almeno in una certa misura e al barskaya snob della sua casa - fu imposto al suo coniuge, una signora con un personaggio difficile, che, essendo una figlia surikova, intesa Molto su se stesso e estremamente la dignità di Konchalovsky. Quando ho scritto un articolo, su sua richiesta, per la sua ultima fiera della vita nel 1956, quindi una confusione si è rivolta con questo articolo. Le ho dato di leggere Peter Petrovich. La ha approvato calorosamente, è piaciuto davvero lei. E poi Nikolai Georgievich Mashkovtsev è venuto da me, il vecchio storico delle Arti e il lavoratore del museo che lavoravano in questo momento all'Accademia delle Arti e l'ex membro - il corrispondente di questa Accademia, con un aspetto confuso, che ora? De Olga Vasilyevna ha messo il "Veto" al mio articolo, perché sono Konchalovsky lì per alcune cose critiche. Peter Petrovich non ha prestato attenzione a questo, e sua moglie non ha permesso a questa critica di stampare. Ho detto che lo riprenderò, non lo darò al catalogo, come ti è piaciuto in una forma difettosa. Quando ho incontrato Peter Petrovich, camminava la testa, si è rammaricato quanto si è scoperto male. Ma lo rassicurato, confortato, disse che l'avevo già dato alla rivista "Art" e sarà stampato in questa forma, in quello che l'ho scritto. Ma durante questa mostra è morto, quindi non ho visto il mio articolo stampato. E si è rivelata così tanto che lei senza la mia conoscenza è stata ristampata, in particolare, nell'enorme tomo di "Art Heritage Konchalovsky" e persino collocato, non chiedendomi come un articolo introduttivo. Ovviamente, ha risposto alla sua destinazione. Ma tutto? Quindi queste relazioni non erano vicine, anche se buone, amichevoli.

Favorsky mi ha detto un buon episodio associato al suo lavoro sul design del poema della figlia di Peter Petrovich, Natalia Petrovna Konchalovskaya, "la nostra antica capitale". Doveva andare alla casa di Konchalovsky per un lungo periodo di tempo: "La nostra antica capitale" consisteva in interi tre libri, ha dovuto fare molte illustrazioni. Natalia Petrovna nei suoi versetti spesso si riferiva a lui: l'artista ti mostrerà tutto il resto.

Mentre lavoravano con Natalia Petrovnoy, Peter Petrovich entrò nella stanza, guardava i fogli e disse: "Non avrei mai pensato che dal mio pazzo - Nataski si rivelisse?

Da allora, rimase "Foolish - Natashka" nella nostra casa. Questo nome è stato avvolto con fermezza e senza speranza. Per quanto riguarda Mikhalkov, la conversazione sarà nel suo turno di lui quando si tratta del bambino, dove è apparso per la prima volta e dove negli occhi è aumentato e sviluppato come un poeta ufficiale di successo del culto della personalità.

Altri "bubnovoletti" erano molto diversi. Lentolov - è stata una personalità remota; Quindi è stato possibile immaginare come vola su un likhache - un escremento in perfetto budget di raggio rossato fino al mattino in cosa? Vs "Yar". Forse era una mosca, ma si è guidata - l'anima di un giro, una natura larga. Essenzialmente, era molto serio e un vero maestro, anche se ha iniziato a vedere come poteva essere visto alla mostra "Mosca - Parigi" con cose molto violente, dove il cubismo a metà e con il futurismo, e con il patrimonio del dipinto russo di il XIX secolo. E tutto in forma estremamente violenta su enorme tela. In effetti, con tutto questo è stato un artista molto sottile. Lentulov è stato molto amichevole con Pimenov, e, infatti, la mia relazione con lui era per lo più attraverso Pimenov. L'uomo era piacevole, buono.

Con Mashkov, la mia buona relazione non ha funzionato. Era molto talentuoso. Ma dal primo incontro con lui ho iniziato a dividere come il Signore potesse mettere il talento in un centinaio di un centinaio di un poker, in un uomo così disperatamente stupido. Ha colpito estremamente chiaramente quando ha cercato di disegnare figure umane. Entrò a Ahr e dipinse quali pionieri con legami sulla riva del Mar Nero - era qualcosa di completamente impossibile, avendo leggermente schivato, le specie volgare e stupere. E ancora la vita, tuttavia, ha scritto grande tutta la sua vita. Non potevo lavorare con lui con lui. E quando devo donare in uno dei miei articoli, il suo principale "ritratto di un partigiano", dove i partigiani con Drakel, con fucili, con cartucce e nastri di mitragliatrici erano raffigurati attorno a un ficus magnifico, grande, lussuoso, come se fosse acceso La fotografia del torace del fotografo provinciale - come se fossero depose i loro volti nei buchi del ritorno, - Mashkov, naturalmente, era completamente solfato e la nostra relazione è stata completamente fermata.

Non avevo una relazione con un altro ex "bubnovotets", Falc. Ma parlerò di lui più tardi quando si tratta degli anni della guerra - solo allora l'ho incontrato, in evacuazione, a Samarcanda. Era un incontro molto spiacevole, e lo trattavo abbastanza fresco - e alla sua arte e, in particolare, alla sua stessa persona. Molto elegante, molto arrogante, uomo ed estremamente sfavorevole in relazione alle persone.

Per quanto riguarda la società "4 arts", ho trovato buoni amici lì. Questo non è solo Favorsky, ma dopo di lui e Ulyanov. Ho incontrato per la prima volta con Nikolai Pavlovich Ulyanov, quando ho organizzato la fiera grafica già a Mosca. C'era il suo stand, su cui sono stati scelti gli ottimi disegni, per lo più ritratti. Ricordo che c'era un ritratto di Mashkovtseva, un ritratto di Epros. Da allora, siamo diventati allestiti sempre più stretti che sono passati alla fine in un'amicizia molto importante per me. Ho costantemente camminato da lui, mi ha scritto lettere, anche se entrambi abbiamo vissuto a Mosca. E a Samarcanda, dove entrambi eravamo in evacuazione, l'ho visto quasi ogni giorno. Il suo all'inizio della guerra è stato inviato a Nalchik, poi a Tbilisi, insieme a un intero gruppo di eminenti scrittori, artisti, artisti. (Insieme, a proposito, con Alexander Borisovich Goldenyeyor.) Nell'autunno del 1942, erano tutti trasportati in Asia centrale, ma la maggior parte di loro ha guidato a Tashkent, e rimase a Samarcanda.

Sono ogni giorno, venendo al registro, dove si trovava il Moscow Art Institute, è venuto a consultarlo, perché la sua vita a Samarcanda era molto pesante. Gli è stato dato un khuchra completamente brutto, a disagio, dilapidato nel cortile di Shir - Dora, senza mobili. E portò la moglie morente dal Caucaso, sdraiata senza movimento. Morì lì a Samarcanda.

Nikolai Pavlovich Ulyanov, e dopo la sua morte, la sua seconda moglie Vera Evgenievna ha dato a mio padre un sacco di opere di Ulyanovsk di prima classe: Ritratto di Vyacheslav Ivanova, Acquerello "Didro a Catherine", uno dei suoi migliori disegni di Pushkin, - schizzi di costumi a "Molver" e un numero di altri. Noi e rari lavori sono conservati - il paesaggio del suo defunto a Samarcandio della prima moglie dell'artista Glagoleva. Con una cosa grande Ulyanov "modello e cavallo silele" è associato a un'intera storia. Questo elemento di Young Ulyanov scrisse nel benimizzare il suo assistente sierov alla scuola di pittura, sculture e architettura, - è stata una "produzione" di allenamento, che Serov suggerì ai suoi studenti. Tornando dall'evacuazione a Mosca, Ulyanov ha scoperto che questo ha rimosso la tela rimossa dal telaiobrame. La foto era una com incrinata nera, su cui difficilmente potrebbe essere questo? Quindi distinguere. Ulyanov gli ha dato suo padre, dicendo gravemente: se puoi salvare, lasciati. Padre ha dato la tela con un meraviglioso restauratore Gm Ii Stepan Churakov, e ha salvato? Quindi lavoro! Duplicato su una nuova tela, estinta - Tracce di restauro non è quasi visibile, e il "modello e cavallo è forte", splendente con tutta la sua vera pittura "Serovskaya", ora la costellazione si blocca sul divano del Padre nel suo ufficio.

Dallo stesso gruppo di "4 arti", c'erano altre persone vicine a me, come Vera Ignatievna Mukhin, un meraviglioso scultore e un uomo di meravigliosa, straordinaria forza, potere ed energia, indipendenza assoluta, con un mondo sincero insolitamente grande e una grande mente sincero. È stato riversato nella grande plastica monumentale, e nelle cose lirico - il famoso gruppo, fatto per la mostra a Parigi nel 1937, fu accompagnata da opere come "pane", una delle sculture più poetiche e delicate, che in generale Arte sovietica. Era un ritratto meraviglioso.

Dalla stessa società, in realtà, era Sarah Dmitrievna Lebedev, quando? Poi l'ex moglie di Vladimir Vasilyevich Lebedev, uno degli scultori più sottili, quello che avevamo, e la persona adorabile, molto sobria, molto silenziosa, molto calma e con cosa ? Poi un senso di carattere e movimento sorprendente e aggravato nella loro arte. Qualunque cosa faccia, se è una grande statua di "ragazza con una farfalla", una delle sue migliori opere, sia ritratti, come, ad esempio, un ritratto in piena crescita, anche se una dimensione in miniatura, Tatlin, con le sue gambe cotte , la fisionomia di Horseppie lunga - è stata insolitamente significativa e rara di talento. Incontro con Sarah Lebedeva e buona relazione con lei è anche uno dei ricordi molto costosi per me.

Ottima relazione, anche se la vicinanza di uno speciale mentale non è mai accaduto, mi sono formato con Pavel Bartholomeyevich Kuznetsov, una persona è molto compiacente, un po 'abitante. Tuttavia, forse era una forma di comportamento per il quale stava nascondendo cosa? Poi di più. Pokreyanov lui, tuttavia, chiamato parole molto buone: "un sigillo che sta cercando di fingere di essere leone". Forse questo corrispondeva al suo carattere.

Era molto semplice, e si è manifestato in una varietà di forme. Ad esempio, un giorno alla sala, dove ho visto incisioni e le incisioni di Nivinky, Kravchenko e l'Etambri di altri grafici, improvvisamente è il Kuznetsov, la tela di trascinamento di uno dei suoi studenti - Amorfa, sciolto, completamente pittoresco. E quando dico con sorpresa: "Bene, dove sono Denu?", Pavel Varfolomeevich risponde: "Ma questo è un programma perfetto!" Niente di meno simile al programma non potrebbe essere inventato. Era molto attento ai suoi discepoli. Questa tela era, a proposito, Davidovich, che morì nella milizia durante la guerra. Ma non avevo quasi familiarità con lui.

Mentre lavorava a Leningrado, abbiamo dovuto cenare da Pavl Barfolomeyevich, a volte nel museo russo. Si nutrono di disgustosi, ma nulla potrebbe essere fatto - non è sempre stato possibile ritirarsi in hotel "europeo" o alla casa degli scienziati. Ricordo, solo ci siamo seduti con Pavel Bartholomeyevich, e lui dalla zuppa, che ha presentato, tirò fuori una lunga coda di pesce. Ha invitato una cameriera e le ha chiesto molto tranquillamente: "Che cosa hai fatto, orecchio o zuppa"? Ha detto: "Zuppa". Poi la mostrò una coda di pesca, al suo grande imbarazzo. Mi è piaciuto molto il suo serio interesse a scoprire cosa, infatti, lo ha presentato.

È stato molto piacevole per me. Il nostro incontro con lui a Gurzuf nei primi anni '50, quando ha iniziato a scrivere il mio ritratto. Mi ha suggerito diverse volte a Mosca diverse volte, ma a Mosca non avevo il tempo di posare, e a Gurzuf non avrei potuto rifiutare qualsiasi previsione. Si sedette in cima al cottage Korovinsky sullo sfondo del mare e scrisse un'enorme testa rossa brillante, simile alle grandi dimensioni del pomodoro sullo sfondo di un mare blu abbagliante. Ha scritto questo ritratto con un grande piacere, e sto spiacendo terribilmente ciò che è dove? Poi gettò. Recentemente, tuttavia, mi è stato detto che dopo la morte di Kuznetsov e sua moglie (non avevano figli) tutto ciò che rimase nel laboratorio, andò a Saratov, al Museo Ravishvsky. Potrebbe molto che il mio ritratto è arrivato lì. Somiglianze lì, forse, non era troppo, ma il ricordo stesso è semplicemente piacevole. Lo vedo anche, mentre si siede e con un grande piacere scrive questo più contrasto di colore brillante con blu brillante. Ma la verità è dire che era difficile sedersi, perché sua moglie Bebutov, anche un artista, ha deciso di intrattenermi per intrattenere gli scienziati. Conversazioni, con tutti i suoi tentativi sulla borsa di studio, c'erano che a malapena tenevo a malapena dalle risate. Anche lei era una persona in buona e innocente.

Con Kuznetsov, una stretta amicizia potrebbe difficilmente funzionare - eravamo davvero persone diverse. Ma lo ricordo con grande rispetto. E l'artista è molto buono, che mostrava la sua recente fiera insieme a Matveyev.

Ma Matveyev, la conoscenza con lui, che è passata in ottimi rapporti, è stata una delle mie più importanti "risultati". L'uomo era molto severo, molto silenzioso, molto discreto, chiuso, lentamente e poco lavorato, che ha guidato il suo lavoro per molti anni. Dopo di lui, non ci sono così tante cose, ma sono meravigliose.

A circa questa volta, entro e non oltre la metà degli anni '30, ho incontrato Andaryan. Questo è uno degli eventi molto importanti della mia biografia artistica. Quando e dove l'ho incontrato, non ricordo affatto, perché nel museo non è venuto da me, perché nessuna grafica non ha fatto, e nelle mostre che ho organizzato, non ha partecipato. E a Leningrado nel 1932 lui stesso non lo era. C'era il suo muro, piuttosto casuale nella sua composizione, generalmente non risponde al suo livello e nel suo significato, anche se bello. Ma rispetto agli altri tre, le mura brillanti della stessa sala - Petrova - Vodkina, Shevchenko e Kuznetsov, sembrava più modesta, anche se nei risultati del suo percorso creativo ha superato tutti e tre su molte teste. Ho scritto su di lui molto laudatorio, solo un articolo entusiasta nel 1936, già conoscelo, e questo articolo ha segnato l'inizio di una solida amicizia, che è stata conservata fino alla fine della vita di Saryan. A proposito, questo articolo nel "quotidiano letterario" del 1936 ha causato un grande dispiacere dei kemmen, che poi, anche come io, appeso nel "quotidiano letterario" come critica. Siamo stati stampati con lui quasi a loro volta, in piedi su posizioni diametralmente opposte e non approvi l'uno dell'altro.

Dopo la guerra, ho visto spesso Andaryan - ogni volta che era a Mosca. L'ho scritto più volte dopo, già negli anni '60 e successivamente. Saryan non è niente da descrivere - tutti lo conosce, ma mi sono sempre stupito di quale tipo di infanzia di quest'uomo, la sua ammirazione aperta e innocente per la bellezza del mondo reale, il suo infinito atteggiamento di buona natura nei confronti delle persone, sebbene fosse superbamente versato, chi si riferisce a lui. Nel 1952, Boris Weimarn ha agito sulla discussione della fiera dell'anniversario con le tirade insolitamente distrutte, molto indignata alla giuria non sorpresa, che ha preso i dipinti orribili di Andaryan alla mostra. Poi, in cinque anni, in soli cinque anni furono consegnati a Premio Saryan Leninsky, quindi WayMorn ha guadagnato solo il fatto che Saryan non è stato espresso alla fine dei suoi giorni altrimenti, come "questo Merzavets Weimarn". E questo è con tutta la sua gentilezza e il sole, che non era solo nel dipinto di Saryan, ma in tutto il suo comportamento, in tutta la sua apparizione - la personificazione del sole e il sole dell'Armenia. Questo è un sole molto speciale. Uno dei paesi più belli, che è sulla Terra, - Armenia. L'ho imparato negli anni postbellici quando ci fu due volte.

Ricordo bene come mio padre ed io fossi a Saryan nel suo laboratorio a Yerevan su Saryan Street, mentre ci ha mostrato il suo lavoro - e presto, e molto recentemente fatto disegni di macchina molto tragici e forti. Dal calore del padre, iniziò il sanguinamento nasale più forte, "Saryan era terribilmente logorato, posò suo padre sul divano, curato per lui con cura commovente. Era già molto vecchio e anche se era ancora luminoso, molto triste, - poco prima, in un incidente d'auto, suo figlio è morto .

Gogol e artisti sono felici con uno scrittore che oltre i personaggi del noioso, brutto, colpendo la sua realtà, si avvicina ai personaggi, che è l'alta dignità della persona ... Gogol, "anime morte" per la prole della connessione di Gogol con Ivanov ha conservato

Artisti e scultori sono artisti, le cui opere sono entusiasta ora, ma da molte opere di artisti ho imparato ad ammirare la giovinezza. La maggior parte di tutto amo gli impressionisti. Cezann Dio per me. Lascia sempre l'esposizione dell'immaginazione. Lui è abbastanza

Artisti per la prima volta con gli artisti della "World Art" incontrati nel 1904. Uno dei dipendenti del "nuovo modo" e un amico intimo di A. N. Benua mi ha portato al giornalismo a questo leader e a Apologist Petersburg Masters. Successivamente, ho imparato che gli artisti mi guardarono in quei giorni

Gli artisti pennellano il pennello ovunque trovi sentieri. E, alla seduzione del posmen dei posti, artisti sconosciuti in Europa scrivono pitture sugli cupo ponti. Sotto le suole dell'era passeggiata, i dipinti dormono, sorridenti e digeriti. Ma quelli che sono buoni, e quelli che male, scompaiono dopo il primo

Artisti di Yakov Vinovetsky, essendo l'artista stesso, anche se non un professionista, mi ha presentato con altri due - non solo con professionisti, ma campioni, eroi del suo caso, che, nonostante il suo supermercato e il suo campionato, e non è diventato successo, né

Artisti a Parigi vive Konstantin Korovin. Quanti pensieri sulla pittura nazionale russa è associata a questo nome. Molti sono stati ricordati come il nome del magnifico decoratore, il compimento di un'ampia varietà di compiti teatrali. Ma questa è solo parte dell'entità della mucca.

Gli artisti messicani nella vita intellettuale del Messico erano dominati da artisti. Questi artisti hanno dipinto l'intera città di Città del Messico con storie di storia e geografia, immagini su argomenti civili, in cui suonò controversie di metallo. Clemone: quegli Orostko, magro

Artisti nel museo Inizio della datazione con artisti - visitatori del cabinet incisione. Rodionov, Favorsky, Sterberg, Goncharov, Kreyhanov, Shevchenko, Bruni, Tatley L'inizio dell'emergere di questi collegamenti sempre più ampi radicati nel Museo dell'arte - Da allora

Gli artisti di mio padre Vladimir nel tempio erano un'altra riparazione, lavato dipinto e soffitti dipinti. La chiesa di Losinka non è antica, costruita nel 1918. Prima della rivoluzione, le sue pareti non hanno avuto il tempo, e poi non era la bellezza. Quindi mio padre, diventando l'abate, deciso

ARTISTI "Anti-SOVESISTI" Pratica più del 70enne (1917-1991) Pratica del cosiddetto "crudele, intransigente" combattere contro un avversario politico, antieverti, dissidenti che abbondano non cento di cospira segreta o segreta di Funzionari del partito con questa categoria

Artisti Caro Oleg Leonidovich! Un critico artistico locale ha una corsa mi chiede, come vivono gli artisti a Mosca e quali sono i loro guadagni effettivi? Non ho questi dati. Abbiamo sentito che gli scrittori guadagnano bene, e le spese annuali di Tolstoy e Sholokhov

Artisti come bei Madmen oggi diamo un tributo a Sergey Schukin e Ivan Morozov non solo per il loro raduno, ma anche per un gusto valido, per la capacità di indovinare la prossima ondata del processo artistico. Ed era lontano da facile. Come notato

Gli artisti interesse per l'arte vicino a Gogol con la colonia di artisti russi a Roma. Hanno mantenuto una società amichevole, interrompendo le modeste sovvenzioni rilasciate dall'Accademia delle Arti. Tra questi erano talenti eccezionali che sono diventati orgogliosi dell'arte russa. Gogol N.

Artisti Irina Grasca, Artista (Estonia) "Questo ritratto ha posto sulla copertina del record" Riproduzione dei dipinti di Irina Faces dal record di Anna Hermann, 1977 Il cablaggio del lavoro di questo artista di Tallinn conosce molti: decora la copertura di uno dei record più famosi

Negli anni '20 Un numero di direzioni artistiche trattenute continuità con l'arte del russo

moderna e avanguardia - in gran parte dovuta al fatto che i maestri dell'inizio del secolo hanno continuato a lavorare. D'altra parte, le funzioni dell'arte nella società sono diventate più diverse. C'erano nuovi tipi di attività artistiche: cinema, pubblicità, design.

Controversie attive condotte "Stankovisti" (sostenitori di forme di arte della macchina) e "produzione" o costruttivisti, le cui attività erano finalizzate a migliorare l'ambiente obiettivo. L'inizio del movimento costruttivista è associato alla società di Mosca di giovani artisti (Obamuh), che è stato organizzato nel 1919. Konstantin (Kazimir Konstantinovich) Medussky (1899-1935) e fratelli Stenbergi - Vladimir Augustusich (1899-1982) e Georgy Augustovich (1900-1933). Alle mostre, gli artisti hanno dimostrato principalmente disegni tridimensionali - nello spazio e sull'aereo. Se nelle composizioni suprematiche di Kazimir Malevich, il maggior valore è stata la sensazione più pittoresca, allora le opere di Obamuchi appartenevano all'area del design. Sono stati facilmente applicati nella progettazione delle prestazioni o del libro, nel poster e quando la fotografia.

El Lisitsky (nome reale Lazar Markovich Lisitsky, 1890-1941) ha definito le sue opere "Poduna" - "Approvazione dei progetti del nuovo". Secondo l'autore, rappresentavano una "stazione di trapianto dalla pittura all'architettura". Alexander Mikhailovich Rodchenko (1891 -1956) Libri "progettati" ha creato poster pubblicitari, mobili e vestiti progettati, impegnati nella fotografia.

Per preparare artisti - ingegneri e designer in grado di progettare prodotti industriali, nel 1920, i laboratori artistici più alti (VHutemas) sono stati creati a Mosca. I workshop hanno unito diverse facoltà: architettonica, grafica (stampa e grafica stampata), lavorazione dei metalli, legno, scenico, ceramica, scultoreo e tessile. Per i primi due anni, gli studenti hanno dovuto comprendere le leggi della formazione comune all'arte, e quindi la specializzazione è stata assunta in qualsiasi facoltà.

Nel 1926, Moscow Vhutemas è stata trasformata in Vhutein - l'arte suprema e l'istituto tecnico. (Dal 1922, Vhutein esisteva già a Leningrado invece dell'Accademia delle Arti.) Nel 1930, Vhutein è stato chiuso, le sue facoltà sono diventate istituzioni separate - stampa, tessile, ecc.

Per quanto riguarda la pittura, già negli anni '20. I critici hanno celebrato il suo "turno al realismo". Sotto il realismo, intendevano interesse principalmente per la pittoriale (rispetto all'estrazione), a una classica tradizione pittoresca. Appello ai classici può essere spiegato dai requisiti dell'ideologia: l'arte dello Stato sovietico è stata chiamata a utilizzare i migliori risultati della cultura mondiale. Ha determinato la ricerca di forme chiare e chiare di "Big Style".

L'Associazione degli artisti della rivoluzionaria Russia (AHRR), fondata nel 1922 (dal 1928 - l'Associazione degli artisti della rivoluzione, Ahr), parzialmente accettata il bastone al film. La stessa partnership delle mostre d'arte mobile ha cessato un anno dopo, e molti film - tra loro, in particolare, erano Abram Efremovich Arkpov, Nikolai Alekseevich Kasatkin - divenne membri di Ahrra. A tempi diversi, Sergei Vasilyevich Malyutin (1859-1937), Alexander Mikhailovich Gerasimov (1881 - 1963), Boris Vladimirovich Johanson (1893-1973), Mitrofan Borisovich Greco (1882-1934), Isaac, Israelich Brodsky (1883-1939) e Altri artisti.

Questi Maestri hanno unito l'orientamento ideologico complessivo. Hanno insistito sulla creazione della narrativa dell'arte, del genere, che sarebbe chiaro per le persone e la realtà riflessa sinceramente. L'Associazione ha pubblicato la rivista "Art in Massay" e ha guidato attività espositive attive.

I nomi delle mostre parlano del tema delle opere di artisti di Ahrra: "Vita e vita dei lavoratori" (1922), "Army Red" (1923), "Rivoluzione, vita e lavoro" (1925), ecc. La sua creatività hanno definito i concetti di "documentario artistico" e "realismo eroico", considerando di dipingere come prove storiche come la cronaca dell'era.

In questo spirito, la tela di Grekov sui temi della guerra civile, i dipinti "Vladimir Iyich Lenin a Smolny" (1930) di Brodsky, "Ritratto di D. A. Furmanova" (1922) Malyutina. L'Associazione esisteva fino al 1932.

Nel 1925, laureati del laboratorio di David Petrovich Sterönberg (1881 - 1948) in Vhutemas formava la Società di Stankovisti (OST). Si univano come sostenitori della macchina della macchina - al contrario di "produzione". Tuttavia, il lavoro dei più raffreddati non può essere considerato con macchine nel senso stretto della parola. I membri di OST erano impegnati in pittura monumentale e un poster, libri decorati, produzioni teatrali.

Alexander Aleksandrovich Daenek (1899-1969) inizialmente ha lavorato come programma di caffè, V. A. A. Favorsky è stato tenuto, e successivamente è riuscito a "distribuire" i principi del design di una pagina del libro (Journal) per il design del muro. Nei quadri decorativi monumentali del 1928. "Al cantiere di nuovi workshop" e "difesa di Petrograd", l'artista distribuisce, "monta" punti luce e scuri, sembrano essere tagliati e incollati l'uno sull'altro. Lo sfondo bianco della difesa di Petrogrado nella sala della Galleria di Tretyakov dello stato si fonde con il muro, va da lei, e solo il backbone "metallo" rimane.

La composizione di Yuri Ivanovich Pimenova (1903-1977) "Diamo un'industria pesante!" (1927) Esiste in due versioni: un'immagine e un poster, e in quest'ultimo caso è più organico.

Gli artisti rimangono partecipati a mostre internazionali, comprese quelle tenute in Germania. L'influenza dell'arte tedesca - espressionismo e "nuova sostanza" - le opere grafiche e pittoresche di Alexander Grigorievich Tyshler (1898-1980), Alexander Arkadyevich Labasa (1900-1983) e altri artisti.

Nel 1931, la Società dei Stankovisti si divideva in due associazioni - l'Ost e "Isoorbard", e nel 1932 fermarono la loro esistenza.

Nei 20-30. La grafica è diventata sempre più importante: illustrazione del libro, disegno, incisione - arte progettata per la replicazione, masse convenienti di fronte all'uomo. Eccezionali artisti-illustratori Alexey Iyich

Kravchenko (1889-1940) e Vladimir Andreevich Favorsky (1886-1964) ha lavorato principalmente nella tecnica della xilografia - incisioni sull'albero. Favorsky era un insegnante di Vhutemas-Vhutein, e dal 1930 - Moscow Printing Institute. Ha cercato di progettare sintetico del libro, quando tutti gli elementi artistici sono illustrazioni di stampa, screensaver e caratteri - costituiscono un singolo ensemble figurativo-stilistico. Illustrando il libro dei bambini dedicato alla loro creatività Vladimir Mikhailovich Konashevich (1888-1963) e Vladimir Vasilyevich Lebedev (1891 - 1967). Nel 1932, un decreto è stato pubblicato per distruggere tutti i gruppi artistici e la creazione di un'unica sindacata di artisti dell'URSS. Ora solo lo stato potrebbe effettuare ordini, organizzare mostre tematiche su larga scala dedicata all'industria socialismo; Ha inviato artisti a scrivere la costruzione di un sindacato e ritratti di batteristi di produzione.

I critici e i ricercatori considerano l'arte degli anni '30. Come un periodo di neoclassico. Classico sostenuto, è stato utilizzato attivamente. Hobbitare gli esempi d'arte dei tempi passati fiorì, mentre lo studio indipendente della natura si è spostato sullo sfondo.

I maestri più famosi del realismo socialista degli anni '30. Ex Akhrovtsy A. M. Gerasimov e B. V. Johanson. Gerasimov nei loro ritratti di parata del 1938 "I. V. Stalin e K. E. Voroshilov nel Cremlino, "" Ritratto di una ballerina O. V. Lepheshinsky "raggiunge quasi un effetto fotografico. Il lavoro di Johanson "interrogatorio dei comunisti" (1933) e "Alla vecchia pianta Ural" (1937) continua la tradizione del cellulare. L'artista a volte "cita" loro in alcune foto.

"Per te", cioè, non molti artisti hanno lavorato fuori dalle regole del realismo socialista. Tra questi, Alexander Davydovich Tree (Trevets, 1889-1938) e Mikhail Xenofontovich Sokolov (1885-1947), che in intimo, le opere da camera si limitano a se stesse con un certo cerchio di argomenti pregiati. Entrambi i maestri durante gli anni del terrore di Stalin furono repressi.

All'inizio degli anni '40. Pressione sugli artisti dall'Autorità intensificata. Il Museo della New Western Art è stato chiuso, dove furono esposte le opere degli impressionisti - i campi di Cesanna, Henri Matisse, altri maestri della seconda metà del XIX - primitivo XX secolo.

Durante la grande guerra patriottica del 1941 - 1945. Grafica replicabile massalmente ha ricevuto il più grande sviluppo e soprattutto poster.

INTRODUZIONE C.3.
1. Artisti e associazioni artistiche degli anni '20 S.5
2. Artisti e associazioni artistiche degli anni '30 p.11
Riferimenti C.20.

introduzione

L'ottobre 1917 ha aperto una nuova era non solo nella vita sociale, ma anche nella vita dell'arte. Qualsiasi rivoluzione distrugge qualcosa, e poi inizia la creazione di uno nuovo. Non esiste uno sviluppo semplice, ma una ri-attrezzatura decisiva delle fondamenta degli antiche strutture sociali, politiche, ideologiche e di altro tipo, compresa l'arte.
La rivoluzione ha avanzato almeno due problemi. Il primo problema è di classe d'arte. Tentare strettamente per indurmentarlo con una lotta di classe ha portato a distorcere la sua natura multifunzionale. La comprensione particolarmente semplificata dall'azionalità dell'arte si è manifestata nelle attività di una sonda non richiesta. L'elemento della lotta ha portato alla distruzione dei monumenti culturali causati non solo da azioni militari durante la guerra civile e l'intervento straniero, ma anche una politica finalizzata alla frantumazione della cultura borghese. Quindi, molti monumenti scultorei sono stati demoliti o distrutti, opere di antica architettura associata al culto religioso.
Il secondo problema è il problema della politica di classe nell'art. Tutte le forze sono state coinvolte nel risolvere la sua: "borghese" e "proletaria", distruttiva e creativa, sovietica e non monetaria, "sinistra" e "giusta", culturale e ignorante, professionale e dilettanico.
I principi dello sviluppo sociale proclamato dallo stato in gran parte determinato il movimento graduale dell'arte. C'era una specie di stratificazione delle forze, dall'aggiunta di cui è stato formato il vettore del vero stato dell'arte. Da un lato, questo è il potere dell'auto-sviluppo, in cui i modelli del movimento di forme si sono conclusi nella natura della creatività artistica interessata; D'altra parte, l'influenza delle forze sociali, le istituzioni pubbliche interessate e non in qualsiasi altro movimento di arte, nelle sue forme definite. Con il terzo - dettate della politica statale, che, affidandosi alle forze sociali o senza affidarsi a loro, aveva un impatto incondizionato sulla struttura dell'arte, sulla sua essenza, sulla sua potenza evolutiva e rivoluzionaria. Dalla fine degli anni '20, la politica ha esplicitamente distorcendo il normale processo di sviluppo dell'arte, per avere una certa pressione su di esso proibendo o condannando quelle o altre manifestazioni "impoletarie".

1. Artisti e associazioni artistiche dei 20s.

I 20 anni erano un tempo rapido per l'arte. C'erano molti gruppi diversi. Ognuno di loro propone la piattaforma, ciascuno eseguito con il suo manifesto. L'arte, l'idea di ricerca ossessionata, era diversa; Si è bollito e bollito, cercando di tenere il passo con l'era e guardare nel futuro.
I gruppi più significativi, nelle dichiarazioni e nella pratica creativa di cui si riflettevano i principali processi creativi del tempo, erano Agr, OST e "4 arti" (8, pag. 87).
Il gruppo AHRR (l'Associazione degli artisti della Russia rivoluzionaria) è nata nel 1922 (nel 1928 fu ribattezzato Ahr - l'Associazione degli artisti della rivoluzione). Il kernel AHRR ha sviluppato principalmente dagli ex partecipanti al partenariato della fiera mobile. La dichiarazione AHRR è stata esposta nel catalogo della mostra 1922: "Il nostro debito civile all'umanità è l'artistico e il documentario che cattura il più grande momento della storia nella sua corsa rivoluzionaria. Mostreremo oggi: la vita dell'esercito rosso, la vita dei lavoratori, i contadini, i rivoluzionari e gli eroi dei personaggi ".
Gli artisti Agrhr cercarono di rendere il loro dipinto un visualizzatore di massa accessibile del poro. Nel suo lavoro, spesso usavano meccanicamente il linguaggio a lunga durata del movimento tardivo. AGRH ha organizzato una serie di mostre d'arte tematiche, i cui stessi nomi sono: "Vita e vita dei lavoratori" (1922), "Vita e vita dell'esercito rosso" (1923), "Rivoluzione, vita e lavoro" (1924 - 1925) , "Life and Life of Peoples URSSR" (1926) - Parla dei compiti di esposizione diretta della realtà moderna.
La peculiarità della pratica di Akhrovtsev era che erano in fabbrica e piante, nelle caserme Krasnoarmeysian, per guardare la vita e la vita dei loro eroi. Durante la preparazione della mostra "Vita e vita dei popoli dell'URSSR", i partecipanti hanno visitato gli angoli più remoti del paese sovietico e portato da lì un numero significativo di schizzi, il più importante delle loro opere. Artisti di AHRR hanno svolto un ruolo importante nello sviluppo di nuovi argomenti, avendo un impatto sui rappresentanti di diversi gruppi d'arte di quel tempo.
Tra gli artisti Ahrr, la creatività di I. I. Brodsky è assegnata (1883 - 1939), che ha messo una riproduzione accurata e documentaria di eventi ed eroi della rivoluzione. La sua tela dedicata alle attività di V. I. Lenin ha acquisito una grande fama. La base dei pittoreschi lenini era basata e scritta da Brodsky nel 1929. La pittura "Performance di Lenin in Possilovsky Plant", e una delle opere più famose "Lenin a Smolny" (1930), raffigurante Lenin nel suo ufficio al lavoro. Brodsky ha visto Lenin molte volte e ha fatto schizzi da lui (12, pag. 92).
Le opere di Brodsky hanno una qualità importante - affidabilità con un grande significato storicamente informativo. Tuttavia, il desiderio di documentare ha portato all'interpretazione empirica e naturalistica dell'evento. L'importanza artistica dei dipinti di Brodsky ha anche ridotto il naturalismo secco, un sapore dietetico, che è peculiare di una parte significativa delle sue opere.
Il maestro ritratto-pittura di G. Ryazhsky (1895 - 1952) si è unito a Agrh nel 1923. Le sue opere di "delegate" (1927) e "presidente" (1928), in cui l'artista identifica le tipiche caratteristiche sociali e psicologiche di un nuovo Società di donna, un partecipante attivo nella vita industriale e pubblica del paese. Il suo "presidente" è un lavoratore attivisto. Nella sua posizione, il gesto rileva una sensazione di autostima, scarica come prova della situazione di una donna in una nuova società di lavoro.
Tra i Portrets AHRR, S. Malyutin è stato un ruolo di prominino (1859 - 1937). Iniziato da lui prima della rivoluzione, la Galleria ritratto è stata completata in tempi sovietici con ritratti V.K. Bialynitsky-Biluli, A. V. Lunacharsky e molti altri. Tra questi, il ritratto di Dmitry Furmanov, che è stato scritto nel 1922, rivelando in modo convincente l'immagine di uno scrittore di guerriero, un rappresentante della nuova e intelligentia sovietica.
Il partecipante attivo delle mostre AHRR è stato un grande pittore russo del turno dei secoli XIX - XX. A. E. ARKHOVOV. Negli anni '20 degli ARCHUPS, crea le immagini dei contadini - "una donna con una brocca", "il contadino nel grembiule verde", "il contadino con un fazzoletto rosa in mano" e altri. Queste immagini sono scritte in un ampio pennello, temperamentalmente e colourfully.
Il lavoro e l'attenzione ai nuovi fenomeni della vita è la creatività di E. M. Chepetova (1874 - 1943), che ha continuato le sue tradizioni di movimento nella zona del genere domestico. La sua immagine del "incontro del villaggio" (1924) è ampiamente conosciuta, che raffigura attivisti rustici dei primi anni di rivoluzione. L'osservazione e la sincerità dell'autore, la semplicità dell'aspetto dei suoi eroi, l'ozio degli accessori circostanti ha fatto una piccola pittura modesta dal lavoro di Chepzov uno dei campioni più interessanti dell'arte AHRR.
Lo stesso si può dire su una delle opere del sistema del paesaggio B. N. Yakovlev (1880 - 1972). Il suo "trasporto è stabilito" (1923) - modesto e allo stesso tempo una profonda narrativa della difficile era dei primi anni di rivoluzione, sul lavoro quotidiano delle persone. Tranquillo e appena scritto, questa immagine è uno dei primi esempi di un paesaggio industriale nel dipinto sovietico.
Il posto speciale di AKHRR è occupato dalla creatività M. B. Grekova (1882-1934) - il fondatore del genere di battaglia nell'arte sovietica. Per un periodo di un anno e mezzo - fino alla fine della vita - era impegnato a creare un ciclo di dipinti dedicati al primo esercito equestre, in escursioni e battaglie di cui l'artista ha partecipato. Nel suo lavoro, specialmente nel primo periodo, è chiaro conoscere le tradizioni di VeriSchagin. L'eroe principale di Grekova è la gente che ha assunto tutte le difficoltà della guerra. Le opere di Grekova Live Affairs. In tali immagini della metà degli anni '20, come "Tacank" (1925), la precisione del movimento dell'immagine è combinata con il romanzo romantico. Più tardi, continuando la peculiaia cronaca pittoresca del primo esercito equestre, i Greci crea un web epico, tra cui i dipinti "per Kuban" e "si distinguono i dipinti del primo esercito equestriano" (entrambi - 1934).
Insieme a AHRR, in cui gli artisti della generazione più anziana e mediana, che hanno avuto il tempo di rivoluzione, sono già stati un'esperienza molto creativa, il Gruppo OST (Società di Stankvisti), organizzato nel 1925 ha svolto un ruolo attivo nella vita artistica di Quegli anni, organizzati nel 1925. Ha unito la gioventù artistica della prima Università Artistica Sovietica - Vhu-Tepes. (3)
Il compito principale dell'unificazione degli artisti OST, come "Akhrovtsy", considerava la lotta per il risveglio e l'ulteriore sviluppo della pittura della macchina su un argomento moderno o con contenuto moderno. Tuttavia, aspirazioni creative e metodi di artisti rimanenti differenze caratteristiche. Hanno cercato di riflettere in fatti separati nuove qualità della moderna epoca in relazione all'era del precedente. Il tema principale della Russia, l'industrializzazione della Russia, recentemente ancora ancora agraria e arretrata, il desiderio di mostrare le dinamiche della relazione tra produzione moderna e uomo.
Uno dei rappresentanti più talentuosi del gruppo OST era A. A. Deineka. Le dichiarazioni più vicine degli OST sono i suoi dipinti: "Al cantiere di nuovi workshop" (1925), "Prima di scendere alla miniera" (1924), "Giocatori di calcio" (1924), "Tessili" (1926). Pathos sagomato di Daeneki ha trovato un'uscita in un programma giornalistico, in cui l'artista è eseguito come illustratore in riviste per la lettura ampia - come "Alla macchina", "senza biancheria della macchina", "Searchlight", "Gioventù" e altro centro Lavori Deileki del periodo Oskesky è diventato il dipinto "difesa di Petrogrado", scritto nel 1928 per la mostra tematica "10 anni dell'esercito rosso". Questo lavoro rivela il Pathos principale e il significato delle tradizioni innovative dell'Ost della maggior parte della vita e di coloro che hanno trovato il loro sviluppo nell'arte sovietica dei periodi successivi. Daeken ha incorporato in questa immagine tutta la peculiarità del suo stile, ridotto al minimo i mezzi di espressività, ma li ha resi molto attivi ed efficaci (8, pag 94).
Dal resto dei membri, i rimanenti vicini a Daenek nella natura delle loro opere sullo stile dello stile di Yu. I. Pimenov, P. V. Williams, S.A. Luchishkin. Le opere del "settore pesante" di Pimenova, la "rivolta di Amburgo" di Williams, creata nello stesso periodo del "Amburgo Rise" e "I Love Love" Luchishkina rivelava e innovativa rifletteva qualità importanti della realtà moderna,
In contrasto con la gioventù più fresca, nella sua composizione, il gruppo di due altri che occupavano un posto importante nella vita artistica di quei anni gruppi creativi - "4 arti" e Omx. (Società degli artisti di Mosca), - United in se stessi i maestri della vecchia generazione, che sono stati sviluppati in modo creativo in un momento pre-rivoluzionario, con un aspetto speciale relativo ai problemi di preservare la cultura pittorica e considerato una parte molto importante del lavoro la sua lingua stessa, forma di plastica. La società "4 arte" è emersa nel 1925 dai membri più importanti di questo raggruppamento erano P. V. Kuznetsov, K. S. Petrov-Vodkin, M. S. S. S. S. S. K. P. Ulyanov, K. N. Istomin, V. A. Favorsky.
Le opere di Petrov-Vodkina sono come "dopo il combattimento" (1923), "la finestra della finestra" (1928), "ansia" (1934), più pienamente espressa il significato etico dei vari periodi - pietre miliari nello sviluppo della società sovietica. La sua immagine "Morte del Commissario" (1928), come la "Difesa dei Denti Petrograd", scritta in relazione alla mostra "10 anni dell'esercito rosso", al contrario di un pubblico specifico - la base delle decisioni figurative di Deneki - Dà la sua soluzione filosofica al compito: attraverso i fatti che generalizzano le idee sugli eventi che si svolgono su tutta la terra del pianeta attraverso l'identificazione dell'essenza etica di questi eventi. Il Commissario è una persona, e nella vita, e nella morte della propria faida nel nome dell'umanità. La sua immagine è un'espressione delle molestie delle idee leggere che vincerà in futuro, indipendentemente e contrarie alla morte dei portatori più attivi di queste idee. Una vista addio del commissario morente come addio all'istruzione di combattenti prima di attaccare - è pieno di fede nella vittoria.
Idee filosofiche Petrov-Vodkin trovano un'espressione plastica adeguata. Lo spazio immacolato si estende sulla superficie sferica del pianeta. La combinazione di prospettiva diretta e inversa in modo convincente e acutamente trasferisce il panorama "planetario" di ciò che sta accadendo. Risolvere chiaramente problemi figurativi nel sistema di colori. Nel suo dipinto, l'artista aderisce al principio di una tre-famiglia, come se personifichi i colori principali della Terra: aria fredda blu, acqua blu; terra rossa marrone; Verde del mondo della pianta.
La traccia significativa nella storia del pittura sovietica è stata lasciata da artisti del gruppo OMX, organizzato nel 1927, molti di loro sono diventati vicini l'uno all'altro negli anni pre-rivoluzionari nella "Bubnovaya Valet" di unione. Il più attivo in Ohkhi era P. P. Konchalovsky, I. I. I. Mashkov, A. V. Lentolov, A. V. Kubrin, R. R. Falk, V. V. Natale, A. A. Osmertkin.
Nella sua dichiarazione, gli artisti Omha hanno detto: "Chiediamo dall'artista della più grande efficacia ed espressività degli aspetti formali della sua creatività, formando l'inseparabile con il lato ideologico di quest'ultimo". Questo programma ha sentito la vicinanza del gruppo "4 arti".
Uno dei più sorprendenti espressioni di questo programma nell'arte sovietica dei primi anni è stata P. P. Konchalovsky. Ha cercato di combinare le tendenze "bubnovovet" con l'eredità degli artisti realistici russi, che ampliano in gran parte la sua gamma creativa, ha aiutato organicitamente nell'arte sovietica degli anni '20. La totalità colouristica con l'intensità dei singoli colori si distingue da tali opere del Wizard come "autoritratto con sua moglie" (1922), "Ritratto di O. V. Konchalovskaya" (1925), "Ritratto della figlia Natasha" (1925). Negli stessi anni, P. P. Konchalovsky tenta di creare dipinti tematici, tra cui i migliori sono "Novgorod" (1921) e "dalla fiera" (1926). L'artista è interessato alle immagini tradizionali di "uomini russi" - possenti, vestiti, viventi circondati dai soliti articoli, secondo le leggi delle vecchie usanze e, insieme al loro mezzo, qualcosa di solito nazionali nazionali.

2. Artisti e associazioni artistiche degli anni '30.

Gli anni '30 nella storia dell'arte sovietica è un periodo difficile che riflette le contraddizioni della realtà stessa. Avendo percepito notevoli turni che hanno avuto luogo nella società, il Pathos dell'industrializzazione, i maestri d'arte allo stesso tempo quasi non hanno quasi notato le principali contraddizioni pubbliche, non esprimono conflitti sociali relativi al rafforzamento del culto della personalità di Stalin (1) .
Il 23 aprile 1932, il Partito Comunista del Partito ha adottato una risoluzione "sulla ristrutturazione delle organizzazioni letterarie e d'arte". Questa risoluzione è stata eliminata da tutti i raggruppamenti precedentemente artistici e i percorsi generali e le forme di stabilizzazione e lo sviluppo di tutte le forze creative dell'arte sovietica sono indicate. La decisione ha indebolito tale confronto tra le singole associazioni, che era così aggravata al turno degli anni '20 - '30. Ma d'altra parte, le tendenze dell'unificazione si sono intensificate nella vita decidua. Gli esperimenti d'avanguardia, che si sono da sapere negli anni '20, sono stati interrotti. La lotta con il cosiddetto formalismo si è rivelato, come risultato della quale molti artisti furono costretti ad abbandonare le loro precedenti conquiste.
La creazione di un'unione unificata ha coinciso con l'approvazione del principio del realismo socialista, formulato da A.M. Gorky al primo congresso mondiale degli scrittori sovietici. Il realismo socialista assunse l'eredità delle tradizioni dell'arte realistica del XIX secolo. E mirare agli artisti sull'immagine della realtà nel suo sviluppo rivoluzionario. Tuttavia, come dimostrato dall'ulteriore pratica dell'arte sovietica, il termine "realismo socialista" non era abbastanza e adeguato tendenza complessa e multistrato della nuova cultura. La sua domanda formale per la pratica artistica è spesso collegata a lui il ruolo dello sviluppo del freno dogmatico dell'art. Nelle condizioni di ricostruzione sociale degli anni '80, il termine "realismo socialista" è stato sottoposto a una discussione di discussione nei circoli professionali a diversi livelli.
Molte tendenze progressiste apparse negli anni '20 continuano a svilupparsi nel 30. Questo vale per, ad esempio, interazione fruttuosa di varie scuole nazionali.
Nelle grandi mostre d'arte organizzate negli anni '30, sono coinvolti artisti di tutte le repubbliche dell'Unione Sovietica. Allo stesso tempo, le mostre repubblicane sono organizzate a Mosca in relazione a decenni di arte nazionale. Le questioni nazionali dell'arte sono particolarmente preoccupate da artisti di repubbliche fraterne.
Negli anni '30, la pratica degli ordini di stato e dei viaggi d'affari creativi si stanno espandendo. Le più grandi mostre sono organizzate: "15 anni di rkkka", "20 anni dell'esercito rosso", "20 anni del Vlksm", "l'industria del socialismo", "mostra delle migliori opere di pittura sovietica", ecc. Gli artisti sovietici partecipano a mostre internazionali a Parigi e a New York, svolgono lavori per la fiera agricola di All-Union a Mosca, in relazione alla preparazione di cui è stato creato un numero significativo di opere monumentali e decorative, che, in sostanza, significava un importante Stadio della rinascita della pittura monumentale come indipendente, con i propri obiettivi e modelli d'arte. In questi lavori, c'era un'espressione per l'arte sovietica al monumentalismo.
Un artista Boris Vladimirovich Johanson (1893 - 1973), che ha applicato nel suo lavoro alle tradizioni più alte della pittura russa XIX nelle più alte tradizioni della pittura russa XIX secolo, è uno dei rappresentanti più significativi del dipinto della macchina di questo periodo. Interpreta il patrimonio e il repin di Suikov, portando un nuovo contenuto rivoluzionario nelle sue opere un nuovo contenuto rivoluzionario. Da questo punto di vista, i dipinti di Johanson "Interrogazione dei comunisti" (1933) e "nella vecchia pianta urrale" (1937) sono particolarmente importanti.
Il dipinto "interrogatorio dei comunisti" è stato presentato per la prima volta alla mostra "15 anni dell'esercito rosso". In esso, l'artista mostrò i comunisti che stavano mettendo in scena sulla difesa della rivoluzionaria patria, e dei loro avversari - guardie bianche, che stavano cercando di strangolare lo stato sovietico durante la guerra civile. L'artista conduce la sua generalizzazione storica nelle tradizioni di Repin, attraverso lo spettacolo di un'azione particolare in un ambiente specifico. Non sappiamo che i nomi delle persone rappresentavano qui, più storicamente universale è percepito da noi l'immagine nel suo complesso. I comunisti nella foto di Johanson sono destinati a morte. Ma l'artista mostra la loro calma, coraggio, forza e resistenza, che contrasta con ansia, nervosismo, disanzeta psicologica, regnando nel gruppo di guardie bianche, impotenza non solo in questa situazione, ma come era, di fronte alla storia.
Nel dipinto "sulla vecchia pianta Ural", scritta per la mostra "L'industria socialismo", Johanson si oppone alle immagini dell'allevatore e del lavoratore, in cui rivela la sensazione della classe emergente autocoscienza e superiorità interna sul sfruttatore. Questa foto, l'artista ha mostrato un conflitto storico tra vecchio e nuovo, reazionario e progressivo, e ha approvato il potere vittorioso di rivoluzionario e progressista. Queste sono le nuove funzionalità del genere storico e rivoluzionario sovietico sull'esempio del dipinto di Johanson.
Un posto speciale occupa un'immagine sfaccettata, gli argomenti e i generi del lavoro di Sergey Vasilyevich Gerasimov. Il lavoro più sorprendente del genere storico nel suo lavoro è l'immagine del "giuramento del Partizan siberiano" (1933), che è incredibile con la sua espressività aperta, rilevata da espressività coloristica, modello tagliente, composizione dinamica. Lavorare nel genere domestico, S. V. Gerasimov si è concentrato sul tema contadino. Con la sua decisione, l'artista attraversò il ritratto creando un certo numero di immagini contadine convincenti. Durante la costruzione di un villaggio collettivo, ha scritto uno dei ritratti più sorprendenti del "Watchman collettivo della fattoria" (1933). Le opere più significative del dipinto di genere degli anni '30 sono entrate nella "Agriturismo collettivo" (1937), che è stato esposto alla mostra "L'industria socialismo". Esattamente e Emko caratterizza questa immagine Il più grande accademico storico dell'arte sovietica cioè Grabar: "Quando è apparsa una meravigliosa tela" Holiday Holiday ", uno dei migliori dipinti della mostra" L'industria socialismo ", la nuova crescita straordinaria del Maestro è diventata ovvia . Quasi nessuno degli artisti sovietici, ad eccezione di Sergey Gerasimov, avrebbe dovuto affrontare una sfida così composita, leggera e di colore, e anche con mezzi e tecniche così semplici. Quella era l'immagine solare nel dipinto russo durante la rivoluzione, nonostante il fatto che fosse stato completato nel piano contenuto "(1, p 189).
Il "cantante" dei contadini sovietici era Arkady Alexandrovich DevStor (1893 - 1983), associata al villaggio russo con la sua origine. Ha avuto una grande influenza su di lui, le impressioni dell'infanzia trascorse in stretta comunicazione con la natura, con terra, con contadini che vivono su questa terra.
Dopo la nuova rivoluzione socialista di ottobre dei pavimenti, che è stato guidato dal lavoro nel suo villaggio natale, dando un tempo libero di pittura, etudi e impressioni accumulati per le sue opere future dedicate alla vita contadina. Una delle prime opere significative di Plastov - full Air and Light Painting "Bathing Horse" - è stata eseguita da loro per la mostra "20 anni dell'esercito rosso". Per la mostra "L'industria socialismo" dei livelli ha scritto un grande tessuto "Agriturismo collettivo". Un altro luminoso lavoro del Plastov del poro è la "mandria collettiva della fattoria" (1938). In tutte le immagini elencate, alcune funzioni comuni si manifestano. I serbatoi non pensano che la scena del genere fuori dal paesaggio, al di fuori della natura russa, sia sempre stata formata in un piano lirico, rivelando la sua bellezza nelle più semplici manifestazioni. Un'altra caratteristica dei lavori di genere di Plastov è l'assenza di qualsiasi conflitto o un momento speciale nell'artista eletto della trama. A volte non ci sono eventi nei suoi dipinti, come nel "collettivo farm gregge", non succede nulla. Ma allo stesso tempo l'artista raggiunge sempre l'espressività poetica dell'immagine.
Negli anni '30, A. A. Deneki si sviluppò negli anni '30. Ha continuato ad aderire ai suoi precedenti argomenti, trame, immagini preferite, colore e sistema composito. Vero, il suo modo pittoresco è in qualche modo ammorbidito, esempi di quali sono le migliori opere degli anni '30 - "Madre" (1932), "Pranzo a Donbasse" (1935), "futuri piloti" (1938). Sport, aviazione, corpo formato nudo, laconismo e semplicità del linguaggio pittoresco, le combinazioni di squillo di marrone-arancio e blu sono ammorbidenti in alcuni casi Lyristic, il momento della contemplazione. Daenek ha spinto il quadro tematico del suo lavoro, comprese le storie della vita dei paesi stranieri, che apparve come risultato di viaggiare negli Stati Uniti, in Francia, Germania e Italia.
Un altro ex membro Ost - Yu. I. PIMENOV (1903-1977) ha creato uno dei migliori dipinti degli anni '30 "Nuova Mosca" (1937). Il paesaggio del centro di Mosca (Pl. Sverdlova), come se fosse visto dalla macchina da corsa, dietro la ruota della quale una giovane donna si siede allo spettatore. Nuovi edifici edilizzati, funzionamento rapido dell'auto, vernici leggere, un'abbondanza di aria, l'ampiezza dello spazio e il reclutamento della composizione - tutto è imbevuto di globalismo ottimista.
Negli anni '30, la creatività del paesaggio della città di Nissky (1903 - 1987), il seguace dei refrigeratori, che ha percepito laconismo, la nitidezza delle soluzioni composite e ritmiche da loro è stata lanciata. Questi sono il suo dipinto "autunno" (1932) e "sui modi" (1933). Nei paesaggi della Nissky, l'attività di conversione dell'uomo è sempre visibile.
I giocatori del paesaggio di generazione senior sono interessanti. Una vasta vista panoramica del parco, che lasciò caduta dietro di lui, è stata data, una linea liscia dell'orizzonte, prendendo l'occhio dello spettatore fuori dalla tela, - tutto respira con freschezza ed esposizione.
A. Rylov, il cui lavoro è stato formato all'inizio del XX secolo, nella foto "Lenin nel versamento" (1934) collega il paesaggio con il genere storico, raggiungendo la sensazione della distesa della natura, dei pensieri, dei sentimenti, sostenendo storici ottimismo.
Paesaggio panoramico è stato manifestato nelle opere di molti pittori di varie repubbliche. Questo onere era associato alla forte sensazione della madrepatria, la terra nativa, che negli anni '30 rafforzò e crebbe. D. N. Kakabadze (1889 - 1952) nel suo "paesaggio imeretico" (1934) dà un'ampia svolta delle montagne caucasiche, andare via, è la cresta dietro la cresta, il pendio dietro il pendio. Nel lavoro di M. S. sa anno, gli anni '30 sono stati osservati anche da interessi nel paesaggio nazionale, alle viste panoramiche dell'Armenia.
Sviluppo fruttuoso durante questo periodo riceve un genere ritratto in cui gli artisti della vecchia generazione P. P. Konchalovsky, I. E. Grabar, M. V. Nesterov e alcuni altri rilevano se stessi.
P. P. Konchalovsky, noto per le sue opere nei generi più diversi della pittura, negli anni '30 - 40s crea un'intera serie di ritratti di studenti di scienza e arte sovietica. Tra i migliori ritratti di V. V. Sofronitsky per Royal (1932), S. S. Prokofiev (1934), V. E. Meyerhold (1937). In questi lavori, Konchalovsky contribuisce alla sua eccellente capacità di esprimere la vita attraverso un sistema di plastica-floreale. Collega le migliori tradizioni della vecchia arte con un'innovativa nitidezza della visione del colore, dall'affermazione della vita, dalla principale immagine emotiva e potente dell'immagine.
Il vento picco dello sviluppo del dipinto ritratto di quel periodo era le opere di M. V. Nesterov. Durante il suo lavoro, che unito i secoli XIX e XX., Nesterov ha trattenuto il sostentamento con la vita. Negli anni '30, è sopravvissuto a un brillante ascensore, riaprendo il suo talento del ritratto. Un significato figurativo nei ritratti di Nesterov - approvazione dello spirito creativo del tempo attraverso l'identificazione di pasti creativi di un'ampia varietà di persone che rappresentano questa volta. La Circle of Heroes Nesterov è rappresentante dell'Intelligentia sovietica della vecchia generazione, persone di professioni creative. Quindi, tra le opere più significative di Nesterov, ritratti di artisti - Brothers Cory (1930), Scultore I. D. Shadra (1934), Accademico I. P. Pavlova (1935), Chirurgo S. S. Yudina (1935), Scultore V. I. Mukhina (1940) . Nesterov agisce come un seguace delle tradizioni ritratti V. A. Serov. Sottolinea le caratteristiche, enfatizza i gesti, le caratteristiche pose dei loro eroi. Accademico Pavlov pugni serpenti serpenti disposti sul tavolo e questa postura rivela il potere dello spirito, contrastando con una vecchiaia chiara. Il chirurgo Yudin è raffigurato anche in un profilo seduto al tavolo. Ma l'espressività di questa immagine è costruita su una caratteristica, "volante" gesto delle braccia alzate. Estratte le dita dello Yudin - tipici chirurghi, deft e forti, pronti ad adempiere la sua volontà. Mukhina è raffigurata al momento della creatività. Scorri la scultura - focalizzata, non prestando attenzione all'artista, obbedendo interamente al suo impulso.
È dato in modo conciso in questi accessori ritratti. Sono pieni e attivamente inclusi nelle caratteristiche del popolo raffigurato dal loro colore, illuminazione, silhouette. Il sapore dei ritratti è drammaticamente attivo, saturo di suoni, toni extra finemente convocati. Quindi, colore complesso nel ritratto di Pavlova, costruito su una combinazione delle migliori sfumature di toni freddi e caldi, caratterizza la chiarezza spirituale e l'integrità del mondo interiore dello scienziato. E nel ritratto dei fratelli marroni, è addensato al blu profondo, nero, marrone saturo, che esprime la drammatica del loro stato creativo. Ritratti Nesterov è entrato nell'arte del fondamentalmente nuovo, ha iniziato la vita, la combustione creativa come le manifestazioni più tipiche e luminose delle persone nell'era dell'alto entusiasmo del lavoro.
Il più vicino all'artista Nesterov Pavel Dmitrievich Korin (1892 - 1967). Avviato nei pittori Palekh, ha iniziato il suo modo creativo con le Scritture delle Icone, e nel 1911, al Consiglio Nesterov entrò nella Scuola di Mosca di Pittura, spaventosa e architettura. Surgo-esigente a se stessi e alle persone, Corin ha portato questa qualità attraverso tutta la sua creatività. Nello sviluppo creativo, e in generale, A. M. Gorky ha svolto un ruolo significativo nella vita dell'artista, con il quale ha incontrato nel 1931. Gorky ha aiutato Corina a viaggiare all'estero per studiare i migliori monumenti dell'arte mondiale.
Potrebbe essere questo per cui la Galleria ritratto di scienziati, artisti, gli scrittori del nostro tempo, che Corin crea nel corso degli anni, ha iniziato la via A. M. Gorky (1932). In sostanza, in questo lavoro vengono rivelate le caratteristiche principali di Corin-Portraist. Il ritratto di Gorky è un prodotto veramente monumentale, dove una silhouette chiaramente rilevata, uno sfondo di contrasto, un ampio riempimento con il colore delle grandi aree di tela, una figura espressiva affilata esprime la generalizzazione storica della personalità dello scrittore. Per questo, come per altri ritratti di Corina, è caratterizzato da un duro gamma con un'abbondanza di grigio scuro, blu scuro, oleoso, a volte a nero, toni. Questa gamma, così come una forma chiaramente incollata della testa e delle figure ritratte, esprime le qualità emotive dell'artista stesso (6).
Negli anni '30, Corin crea ritratti di attori L. M. Leonidov e V. I. Kachalova, artista M. V. Nesterova, scrittore A. N. Tolstoy, scienziato N. F. Gamley. Ovviamente, per lui, così come per il suo insegnante spirituale, M. V. Nesterov, l'interesse per la persona creativa è lontano dall'emergenza.
I successi della pittura degli anni '30 non significano che il percorso del suo sviluppo fosse semplice e privato delle contraddizioni. In molte opere di quegli anni, i tratti generati dal culto di I. V. Stalin sono apparsi e stabilizzati. È un falso pathos di un atteggiamento pseudo-eteroico, pseudo-monomantico, pseudooptimistico nei confronti della vita, determinando l'essenza e il significato dell'arte "parata". C'era una competizione tra artisti nella lotta per inconfondibili "superpersini", associati all'immagine di I. V. Stalin, il successo dell'industrializzazione, il successo dei contadini e della collettivizzazione. C'era un numero di artisti, "specializzati" su questo argomento. Il più tendenzioso a questo proposito è stato Alexander Gerasimov ("Stalin e K. E. Voroshilov nel Cremlino" e le sue altre opere).

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