Gli artisti americani sono molto diversi. Qualcuno era un ovvio cosmopolita come Sarjent. Per origine, l'americano, ma quasi tutta la vita cosciente ha vissuto a Londra e a Parigi.

Ci sono tra loro e autentici americani che ritraggono la vita dei loro compatrioti come Rockwell.

E ci sono anche artisti non dal mondo di questo, come un Pollock. O quelli la cui arte è diventata un prodotto della società dei consumatori. Questo, ovviamente, su Warhole.

Tuttavia, tutti sono americani. La libertà amante, audace, luminosa. Leggi circa sette di loro sotto.

1. James Whistler (1834-1903)

James Whistler. Auto ritratto. 1872 Istituto di Arti a Detroit, USA.

Whistler è difficile chiamare un vero americano. Modellato, viveva in Europa. E ha trascorso l'infanzia ... in Russia. Suo padre ha costruito una ferrovia a San Pietroburgo.

Era lì che il ragazzo James e amava l'arte, visitando l'eremo e Peterhof grazie alle relazioni del Padre (poi erano chiusi ai palazzi pubblici).

Qual è il famoso whistler? In qualsiasi stile, scrisse dal realismo al tonalismo *, può quasi immediatamente scoprire su due segni. Colori insoliti e nomi musicali.

Parte dei suoi ritratti è l'imitazione dei vecchi maestri. Come, ad esempio, il suo famoso ritratto della "Madre dell'artista".

James Whistler. Artista madre. Disposizione in grigio e nero. 1871.

L'artista ha creato un fantastico lavoro usando i colori da grigio chiaro a grigio scuro. E un piccolo giallo.

Ma questo non significa che Whistler amasse questi colori. Era un uomo straordinario. Potrebbe facilmente apparire nella società in calzini gialli e con un ombrello luminoso. E poi, quando gli uomini si sono vestiti esclusivamente in nero e grigio.

Ha un lavoro molto più luminoso della "madre". Ad esempio, "Symphony in White". Quindi l'immagine ha definito uno dei giornalisti alla mostra. Whistler è piaciuta questa idea. Da allora, quasi tutto il suo lavoro ha chiamato la musica.

James Whistler. Symphony in White # 1. 1862 Galleria nazionale di Washington, USA

Ma poi, nel 1862, la "sinfonia" non piaceva il pubblico. Di nuovo a causa di colori peculiari del whistler. La gente sembrava strana scrivere una donna in bianco su uno sfondo bianco.

Nell'immagine vediamo la padrona dai capelli rossi del whistler. Completare nello spirito dei pre-faeliti. Dopo tutto, allora l'artista era amico di uno dei principali procuratori del pre-faelismo, Gabriel Rossetti. Bellezza, gigli, elementi insoliti (pelle lupo). Tutto come dovrebbe essere.

Ma Whistler si allontanò rapidamente dal pre-faelismo. Dal momento che non era una bellezza esterna, ma umore ed emozione. E ha creato una nuova direzione - Tonalismo.

I suoi paesaggi - Nocturons nello stile del tonalismo e molto come la musica. Monocromatico, Drig.

Se stesso Wistler ha detto che i nomi musicali aiutano a concentrarsi sulla pittura, sulle linee e sul colore. Allo stesso tempo senza pensare al posto e alle persone che sono raffigurate.

James Whistler. Nocturne in blu e argento: Chelsea. 1871 Galleria Tate, Londra
Mary Cassat. Bambino addormentato. Pastello, carta. 1910 Museo delle Arti a Dallas, USA

Ma è rimasta fedele al suo stile fino alla fine. Impressionismo. Pastello morbido Madre con bambini.

Per il bene della pittura Cassat ha rifiutato la maternità. Ma il suo femminile è iniziato sempre più manifestato in tali teneri opere come un "bambino addormentato". È un peccato che la società conservatrice lo possa una volta una volta una scelta.

3. John Sarjent (1856-1925)

John Sargen. Auto ritratto. 1892 Museo Metropolitan, New York

John Sargen era fiducioso che tutta la sua vita sarebbe un ritratto. La carriera ha avuto successo. Aristocratici allineati per renderlo un ordine.

Ma un giorno l'artista, secondo la compagnia, ha calpestato la linea. Ora è difficile per noi capire cosa è così inaccettabile nella pittura Madame X.

Vero, nella versione iniziale dell'eroina, è stata omessa una delle britanniche. Sarjent il suo "sollevato", ma questo non ha aiutato. Gli ordini sono andati avanti.

John Sargen. Madame H. 1878 Museo metropolitano, New York

Che osceno ha visto il pubblico? E il fatto che Sargen raffigurasse un modello in una posa troppo sicura di sé. Sì, pelle più traslucida e orecchio rosa di estremamente eloquente.

L'immagine sembra dire che questa donna con la sessualità elevata non è avverso a prendersi cura degli altri uomini. Inoltre, sposarsi.

Sfortunatamente, i contemporanei non hanno visto il capolavoro per questo scandalo. Abito scuro, pelle leggera, posa dinamica - una semplice combinazione che viene data solo ai maestri più talentuosi.

Ma non c'è forte senza bene. Sarjent ha ricevuto la libertà in cambio. Ho iniziato a sperimentare di più con l'impressionismo. Scrivi bambini in situazioni dirette. Quindi è apparso il lavoro di "Garofano, Lily, Lily, Rosa".

Sarjent voleva catturare un certo momento di crepuscolo. Pertanto, solo 2 minuti al giorno lavoravano quando l'illuminazione era adatta. Ha lavorato in estate e in autunno. E quando i fiori sono stati portati, li sostituirono con artificiale.

John Sargen. Garofano, giglio, giglio, rosa. 1885-1886. Tate Gallery, Londra

Negli ultimi decenni, Sarjent è entrato nel gusto della libertà, che è affatto cominciato a rinunciare ai ritratti. Anche se la sua reputazione è già stata restaurata. Si imbarazzava persino un cliente approssimativo, dicendo che avrebbe scritto il suo wicket con grande piacere del suo viso.

John Sargen. Navi bianche 1908 Brooklyn Museum, Stati Uniti

I contemporanei appartenevano alla Sardezente con ironia. Considerandolo obsoleto nel modernismo. Ma il tempo passò tutto al suo posto.

Ora il suo lavoro non è meno del lavoro dei modernisti più famosi. Bene, sull'amore del pubblico e non c'è nulla da dire. Alle mostre con le sue opere è sempre anchlag.

4. Norman Rockwell (1894-1978)

Norman Rockwell. Auto ritratto. Illustrazione per il rilascio della rivista "Il sabato sera post" il 13 febbraio 1960

È difficile presentare un artista più popolare nella vita di Norman Rockwell. Diverse generazioni di americani sono aumentate sulle sue illustrazioni. Amandoli con tutte le anime.

Dopotutto, Rockwell rappresentava normali americani. Ma allo stesso tempo mostrando le loro vite dal lato più positivo. Rockwell non voleva mostrare ai padri malvagi né le madri indifferenti. E non incontrerai bambini infelici.

Norman Rockwell. Con tutta la famiglia in vacanza e riposarsi. Illustrazione nel registro del sabato sera pubblici il 30 agosto 1947. Museo di Norman Rockwell in Stockbrier, Massachusetts, USA

Le sue opere sono piene di umorismo, colori succosi e molto abilmente catturati dalla vita di espressioni di individui.

Ma questa è l'illusione che Rockwell sia facile da lavorare. Per creare un'immagine, potrebbe prima fare fino a centinaia di foto con i suoi modelli per catturare gesti fedeli.

Le opere di Rockwell hanno avuto un impatto tremendo sulle menti di milioni di americani. Dopotutto, ha spesso parlato con l'aiuto dei suoi dipinti.

Durante la seconda guerra mondiale, decise di dimostrare che i soldati del suo paese stanno combattendo. Creando l'immagine "Libertà dalla necessità". Come un giorno di ringraziamento, sulla quale tutti i familiari, pieni e soddisfatti, stanno gioendo una vacanza in famiglia.

Norman Rockwell. Libertà dai bisogni. 1943 Museo di Norman Rockwell in Stockbrier, Massachusetts, USA

Dopo 50 anni di lavoro al sabato sera post Rockwell è andato a una rivista più democratica "look", dove è stato in grado di esprimere la sua posizione sui problemi sociali.

Il lavoro più luminoso di quegli anni è "il problema con il quale viviamo".

Norman Rockwell. Il problema con cui viviamo. 1964 Museo di Norman Rockwell, Stockbridge, USA

Questa è la vera storia di una ragazza nera che è andata a scuola per il bianco. Poiché la legge è stata adottata che le persone (e quindi le istituzioni educative) non dovrebbero più essere divise in una base razziale.

Ma la rabbia delle medie non era il limite. Sulla strada per andare a scuola, la ragazza custodeva la polizia. Ecco un momento "di routine" e ha mostrato Rockwell.

Se vuoi conoscere la vita degli americani un po 'nella luce impreziosizione (quello che loro stessi volevano vederla), assicurati di vedere le foto di Rockwell.

Forse i pittori presentati in questo articolo, Rockwell - l'artista più americano.

5. Andrew Bianco (1917-2009)

Andrew Bianco. Auto ritratto. 1945 National Academy of Design, New York

A differenza di Rockwell, Wyat non era così positivo. Realirancer nel personaggio, non ha cercato nulla per gentilezza. Al contrario, ho ritratto i paesaggi più ordinari e nessuna cosa evidente. Solo un campo di grano, solo una casa di legno. Ma non era nemmeno ferito con qualcosa di magico in loro.

Il suo lavoro più famoso è "Mir of Christina". Buita ha mostrato il destino di una donna, il suo vicino. Essendo paralizzato dall'infanzia, si muoveva attorno nei dintorni intorno alla loro fattoria chiara.

Quindi non c'è niente di romantico in questa immagine, come potrebbe sembrare prima. Se guardi da vicino, la donna ha una magrezza dolorosa. E sapendo che l'eroina è paralizzata dalle loro gambe, capisci di tristezza, per quanto è ancora lontano da casa.

A prima vista, Wyat ha scritto il più ordinario. Ecco la vecchia finestra della vecchia casa. Vecchia tenda, che ha già iniziato a trasformarsi in brandelli. Fuori dalla finestra scuria la foresta.

Ma c'è qualche misteriosità in tutto questo. Una specie di sguardo diverso.

Andrew Bianco. Vento dal mare. 1947 Galleria nazionale di Washington, USA

Quindi i bambini sanno come guardare il mondo in un aspetto mai fede. Quindi guarda e mentre. E noi siamo con lui.

Tutti gli affari di bianco erano impegnati nel suo coniuge. Era un buon organizzatore. Era in contatto con musei e collezionisti.

Il romanticismo nella loro relazione era poco. Muse era obbligata ad apparire. E è diventata semplice, ma con una straordinaria apparizione di Helga. Siamo noi che ci incontriamo su numerose opere.

Andrew Bianco. Sputare (dalla serie "Helga"). 1979 Collezione privata

Sembrerebbe, vediamo solo un'immagine fotografica di una donna. Ma per qualche ragione è difficile da strappare da esso. È troppo complicato con i suoi occhi, le spalle tese. Noi, insieme con la sua tensione internamente. Ho intenzione di trovare una spiegazione di questa tensione.

Le immagini della realtà in tutti i dettagli, molite magicamente lo dorsero con emozioni che non potevano lasciare indifferenti.

L'artista non ha riconosciuto per molto tempo. Con il suo realismo, anche se magico, non si adattava alle tendenze moderniste del 20 ° secolo.

Quando i lavoratori del museo hanno comprato il suo lavoro, hanno cercato di farlo tranquillamente, non attirando l'attenzione. Le mostre sono state organizzate raramente. Ma hanno sempre avuto un successo assordante sull'invidia dei modernisti. La gente è venuta folla. E ancora venire.

6. Jackson Pollock (1912-1956)

Jackson Pollock. 1950 foto di Hans Namutu

Jackson Pollock non può essere bypass. Ha spostato una linea definita nell'arte, dopo di che il dipinto non potrebbe essere lo stesso. Ha dimostrato che nell'arte che puoi fare senza confini. Quando metti la tela sul pavimento e sleeva la sua vernice.

Ma questo artista americano iniziò con l'astrazione, in quale figurativa tracciata. Nel suo lavoro degli anni '40, la "figura stenografica" vediamo i contorni e il viso e le mani. E persino simboli comprensibili sotto forma di croci e zeali.

Jackson Pollock. Figura stenografica. 1942 Museo dell'arte contemporanea a New York (MOMA)

Le sue opere sono state elogi, ma non si fecero fretta di comprare. Era povero come un topo della chiesa. E bevuto bevuto. Nonostante il felice matrimonio. Sua moglie si sporse sul suo talento e ha fatto tutto per il successo di suo marito.

Ma Pollock era in origine un personale rotto. Dalla sua giovinezza alle sue azioni, era chiaro che la morte precoce era il suo lotto.

Questa adorazione è di conseguenza e lo porterà a morte a 44 anni. Ma avrà il tempo di fare una rivoluzione nell'arte e diventare famoso.

Jackson Pollock. Ritmo autunnale (numero 30). 1950 Museo metropolitano a New York, USA

E si è scoperto da lui durante il periodo di sobrietà di due anni. È stato in grado di lavorare fruttuosamente nel 1950-1952. Sperimentata sperimentalmente finché non è venuto a Drip Technology.

Cantando un'enorme tela sul pavimento del suo fienile, camminò intorno a lui, essendo come se nella foto stessa. E spruzzato o appena mentito vernice.

Queste immagini insolite hanno iniziato ad essere desiderose di comprare per incredibili originalità e novità.

Jackson Pollock. Pali blu. 1952 Galleria nazionale dell'Australia, Canberra

La Polock è stata sbalordita dalla gloria e cadde nella depressione, senza capire dove andare avanti. Il mix mortale di alcol e depressione non gli ha lasciato una possibilità di sopravvivenza. Una volta seduto dietro il volante pesantemente ubriaco. Ultima volta.

7. Andy Warhol (1928-1987)

Andy Warhole. 1979 Foto Arthur Tresse

Solo in un paese con un tale culto di consumo, come in America, potrebbe nascere Pop Art. E il suo principale procuratore era, naturalmente, Andy Warhol.

È diventato famoso per il fatto che ha preso le cose più ordinarie e li ha trasformati in un'opera d'arte. È successo alla Bank of Soup Campbell.

La scelta non era casuale. La madre di Warhol è stata uccisa suo figlio ogni giorno una zuppa così per più di 20 anni. Anche quando si è trasferito a New York e ha preso sua madre con lui.

Andy Warhole. Zuppa delle banche "Campbell". Polimero, stampa manuale. 32 immagini 50x40 ciascuna. 1962 Museo dell'arte contemporanea a New York (MOMA)

Dopo questo esperimento, Warhol scopata dalla serigrafia. Da allora, ha preso le immagini di pop stars e dipingele in diversi colori.

Quindi sembrava che il suo famoso ha degradato Marilyn Monroe.

Tali acidi marini di colori acidi sono stati rilasciati una quantità ragionevole. L'arte di Warhol ha messo il flusso. Come affidamento nella società di consumo.

Andy Warhole. Marilyn Monroe. Silkography, carta. 1967 Museo dell'arte contemporanea a New York (MOMA)

I volti dipinti sono inventati da Warhol non da zero. E di nuovo non era senza l'influenza della madre. Nell'infanzia, durante il figlio del figlio prolungato, lo trascinò con pacchetti di colorazione.

Questo hobby per bambini è cresciuto in ciò che è diventato il suo biglietto da visita e lo rendeva favolosamente ricco.

Dipinse non solo pop star, ma anche i capolavori predecessore. Ottenuto e.

"Venere", come Marilyn è stato fatto parecchio. L'esclusività dell'opera dell'arte del "Starmet" Warhol in polvere. Perché l'artista lo ha fatto?

Per divulgare i vecchi capolavori? O, al contrario, prova a svalutare? Pop Stars indicizzate? O percepire la morte dell'ironia?

Andy Warhole. Venere Botticelli. Silkography, acrilico, tela. 122x183 See 1982 Museum of E. Warhol a Pittsburgh, USA

Le sue opere dipinte di Madonna, Elvis Presley o Lenin a volte più riconoscibile delle foto iniziali.

Ma i capolavori difficilmente sono riusciti a oscurare. Tutto lo stesso, il "Venere" incontaminato rimane inestimabile.

Warhol era una festa avida, attirando un sacco di marginali a se stesso. Tossicodipendenti, attori falliti o semplicemente personals sbilanciato. Uno dei quali una volta lo ha sparato.

Warhol è sopravvissuto. Ma dopo 20 anni, a causa delle conseguenze della ferita subita, è morta da sola nel suo appartamento.

Caldaia di fusione degli Stati Uniti

Nonostante la breve storia dell'arte americana, la gamma si è rivelata ampia. Tra artisti americani ci sono impressionisti (Sarjent) e realisti magici (bianco) e espressionisti astratti (Pollock) e Pop Art Naval (Warhol).

Bene, gli americani amano la libertà di scelta in tutto. Centinaia di denominazioni. Centinaia di nazioni. Centinaia di direzioni d'arte. Che lui e la caldaia di fusione degli Stati Uniti d'America.

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Pittura americana. Dealismo alla fine del XIX e XX secolo.

Alla fine del XIX e XX secolo, quando due indicazioni commerciali e rispettate hanno dominato nel dipinto degli Stati Uniti - impressionismo e realismo accademico, sta emergendo e cresce il desiderio di alcuni artisti di riflettere la vera vita moderna della città Con i suoi momenti a volte crudeli, raffigurano la vita non accusata dell'aria urbana, figli di strade, prostitute, alcolizzati, vita di condomini. Credevano che la pittura potesse essere simile al giornalismo, anche se molti di questi artisti erano apolitici e non erano limitati al riflesso delle ulcere e della povertà della vita urbana.

"... Ho amato moltissimo le città, ho adorato il grande e veloce fiume,
Tutte le donne, tutti gli uomini che ho riconosciuto, erano vicini a me ...
... E ho vissuto nel mondo, amavo Brooklyn - abbondanti colline, era mio,
E ho vagato attraverso Manhattan, e io stavo nuotando nell'isola di lavaggio delle acque salate ... "
(Walt Whitman. Foglie di erba. Sul trasporto Brooklyn).

L'ideologo di questo movimento Robert Henry, il ventilatore di poesia di Walt Whitman, chiese che fossero reali come la sporcizia, come una merda di cavalieri e neve in inverno a Broadway ". Per la dipendenza da tali grafici, questa direzione ha ricevuto il soprannome "scuola del secchio della spazzatura" o "Scuola di urne per spazzatura", che esitò dietro di esso ed è usato nella letteratura storica dell'arte. Per molti critici, questo movimento è stato incontrato nelle baionette, dopo la prima mostra, uno dei quali sotto lo pseudonimo "Jeweler" ha scritto: "La volgarità batte negli occhi in questa mostra ... potrebbe essere bella arte che mostra le nostre ferite?" A volte la "Garbage Bucket School" è identificata con il gruppo "otto", anche se non tutti (solo 5) dei suoi membri ne fossero parte, e tre artisti, Davis, Lawson e prefiato sono stati eseguiti in uno stile completamente diverso.

Robert Henry. (Cozad), (1865-1929), artista, insegnante, ispiratore "scuola del secchio della spazzatura e dell'organizzatore del gruppo" Otto ",

Nato a Cincinnati nello sviluppatore e nella famiglia del giocatore. Negli Skirmis sulla proprietà della terra, il padre ha sparato all'avversario e corse a Denver, dove tutta la famiglia si muoveva più tardi, cambiando i nomi e il cognome. Avendo studiato due anni presso l'Accademia delle Belle Arti di Philadelphia, il giovane Robert va a Parigi fino a Julien Academy per imparare dai realisti accademici.

Dopo il viaggio in Italia, ritorna a Philadelphia e inizia a insegnare una scuola di design per le donne, era considerato un insegnante nato. A trent'anni, Henry arriva all'idea della necessità di sviluppare una tale direzione nella pittura, che comporterebbe il realismo e gli elementi dell'impressionismo e lo ha definito "nuovo accademismo".

I suoi amici e seguaci non si considerano un unico gruppo organizzato, ma la mostra nella Galleria "Macbeth" di New York nel 1908 ha attirato l'attenzione agli artisti della nuova direzione e ha portato loro la fama. Nel 1910, Henry, con l'aiuto di Slana, organizza una mostra di artisti indipendenti, a cui furono venduti solo pochi dipinti, la nuova arte moderna era già di cambiare gli artisti, e Robert Henry potrebbe essere sostituito dagli artisti.

Gli anni seguenti hanno portato la popolarità di Henry, ha trascorso molto tempo in Irlanda e Santa Fe, insegnata nella lega degli studenti di New York, ha avuto una grande influenza sullo sviluppo della destinazione modernista ai suoi studenti -Huzhniki. Nel 1929, è stato nominato dal Consiglio delle Arti di New York in uno dei tre migliori artisti viventi americani. Gli elementi classici del suo stile nel ritratto - il modo di scrivere di scrittura, colore intenso e effetti di luce, riflesso dell'individualità e della qualità mentale di una persona.

John Frenc Sloan. (1871-1951), uno dei fondatori della "scuola del secchio della spazzatura", membro del gruppo "otto", artista e incisore.

Suo padre aveva abilità artistiche e incoraggiato i suoi figli dalla prima infanzia a disegnare. Cominciò presto a lavorare a causa della malattia del padre, il lavoro del venditore nella libreria lo ha lasciato un sacco di tempo libero per leggere, disegnare e copiare le opere di Duer e Rembrandt, che ammirava. Cominciò anche a fare incissione e vendendoli nel negozio, e le sue cartoline e i suoi calendari hanno goduto di successo. Lavorando più tardi da un illustratore per artista, ha iniziato a prendere lezioni serali presso l'Accademia di Belle Arti di Philadelphia, ha incontrato Robert Henry, che è stato convinto di lui per attrarre la pittura.

La storia difficile della sua vita familiare (alcolismo e instabilità mentale di sua moglie, l'ex prostituta, con cui ha incontrato a Bardell), ha impedito il suo lavoro, e sebbene abbia scritto quasi 60 dipinti del 1903, ma ancora non aveva un nome in il mondo dell'arte e venduto pochi le sue opere. Dopo aver trasferito a New York, ha lavorato in riviste, ha dipinto cartoni animati politici, libri illustrati, ha partecipato alla mostra nella Galleria Macbeth e ha organizzato una mostra mobile dopo che è arrivata a lui.

L'intera vita successiva di Sloan era fedele alle idee socialiste, che certamente si rifletteva nel suo lavoro, ma ha obiettato categoricamente alle affermazioni dei critici sull'orientamento sociale cosciente del suo dipinto.

Alla fine degli anni '20, Sloan cambiò non solo la tecnica, ma anche le trame dei suoi dipinti a favore di nudo e ritratti, spesso usando il Podmuelku e la schiusa, e non hanno mai raggiunto la popolarità che il suo primo lavoro aveva.

William J. Helakkens. (1870-1938), inoltre, uno dei fondatori della Scuola di Dustbump, è nato a Philadelphia, dove vivevano molte generazioni della sua famiglia. Anche suo fratello e sorella sono diventati artisti. William stesso, mostrando le capacità dell'artista anche a scuola, ha lavorato dopo la laurea dall'università dall'artista nei giornali, ha visitato il corso serale presso l'Accademia di Belle Arti, dove ha incontrato un giovane sloan, e lo presentò a Robert Henry.

Nel 1895, Glakkens viaggia con un gruppo di artisti in Europa, ammira le foto del grande "olandese", e a Parigi, incontra per la prima volta l'arte degli impressionisti, quindi, per tutta la sua vita, stava andando a disegnare a Parigi ea sud della Francia. Dopo essere tornato negli Stati Uniti, Glakkens si stabilisce a New York, partecipa attivamente alle attività espositive della Scuola di Dustbacker e dall'otto Gruppo.

Nel suo lavoro, la direzione impressionistica è sempre più manifestata, è persino chiamata "American Renoir", e a differenza di Slaoan, non era un "cronista sociale", ma un artista "pulito", per il quale la forma artistica, il sapore e la sensualità era di fondamentale importanza. La sua tavolozza è illuminata nel corso degli anni, le trame cambiano il significato, i paesaggi prevalgono, le scene di spiaggia e alla fine della vita - ancora vita e ritratti.

La sua arte non riflette i problemi sociali del giorno, il tempo della Grande Depressione, piuttosto, al contrario, "i suoi dipinti sono pieni di un fantasma di felicità, è ossessionato dalla contemplazione della gioia" (Leslie Kate, "costanza di William Glakkens, 1966).

George Benjamin Lax. (1867-1933) nato a Williamsport nella famiglia farmacista, la madre era un artista amatoriale e un musicista. Dopo essere trasferito in una piccola città nel sud della Pennsylvania, situato vicino ai depositi di carbone, George ha visto la povertà presto e ha ricevuto le lezioni di Compassione dai genitori che hanno aiutato le famiglie dei minatori.

Ha iniziato la sua vita di carriera nell'adolescenza, lavorando con suo fratello nel corso d'acqua, ma ho capito molto presto che voleva essere un artista. Dopo un breve studio presso l'Accademia di Belle Arti, è andato in Europa, ha studiato diverse scuole d'arte, divenne un fan dello spagnolo e della pittura olandese (in particolare di Velasquez e França Hals) e della tecnologia manuale. Tornando a Philadelphia, lassy lavora illustratore nel giornale, conoscendo Glakkens, Sloan e Tinn, partecipa a riunioni intellettuali di Robert Henry, e dopo aver trasferito a New York e lavorare, l'artista del Journal of Pulitzer inizia a pagare dipinti più tempo .

Partecipa alle attività della Scuola di Dustbump e del Gruppo G8, promuove dibattiti sul nuovo realismo, attira molto, passando la vita degli immigrati, la loro diversità etnica, disegnando materiale nella parte inferiore orientale e Brooklyn. Oltre alle immagini sulla vita di New York, il lax disegna paesaggi e ritratti, era considerato un maestro di colori forti e effetti di luce.

Lassy è stata una persona distintiva, innato Buntarem, era orgogliosa che i dintorni lo considerassero il "ragazzo cattivo" dell'arte americana, ha creato un mito di se stesso, spesso spinto verso l'incoscienza, era un alcolizzato, e alla fine è stato trovato nell'ingresso ucciso come risultato di una rissa familiare.

Eversett Shinn. (1876-1953), è nato a Woodstuna nella Comunità dei Quacker nella famiglia degli agricoltori.

Le prime abilità manifesive gli hanno permesso per 15 anni per iniziare a studiare seriamente le fondamenta del disegno, un anno dopo, prendere lezioni all'Accademia delle Belle Arti, e all'età di 17 anni, inizia a lavorare come artista del personale nei giornali. Nel 1897, essendo trasferito a New York, il giovane Shinn ha presto guadagnato la fama come uno dei Talenti Realisti raffiguranti la vita urbana, la violenza di strada, gli incidenti e gli incendi.

Dopo aver viaggiato con sua moglie in Europa, c'erano nuovi trame (teatro, balletto) e elementi impressionisti nella pittura. È l'unico della "scuola del secchio della spazzatura" e del gruppo "Otto", che ha un sacco di lavoro pastello, così come gli affreschi non solo negli appartamenti dell'élite di Manhattan, ma anche 18 affreschi per il famoso Broadway Belashera. Shinn credeva che "fosse un membro casuale di otto anni, che non aveva una posizione politica e impegnata alla vita secolare, ma riflettendo un pezzo di realtà americana dell'inizio del ventesimo secolo in uno spirito realistico e romantico.

C'è un presupposto che Everett Shinn fungesse come prototipo dell'artista Yujina Vitals nel romanzo del triazer "Genius".

Ernest Lawson.(1873-1939), nato a Halifax, essendo arrivato negli Stati Uniti, ha vissuto prima nella città di Kansas, e poi a New York, ha studiato nella Lega degli artisti a Tuoktman, che lo ha presentato ad impressionismo.

In Francia, mentre studiava all'Accademia di Julien, è diventato interessato a una pittura prigioniera, incontrata con Sispel e Somerset Moem. Tornando agli Stati Uniti, Lawson sviluppa il proprio stile estetico, sull'orlo dell'impressionismo e del realismo, si chiama "l'ultimo impressionista dell'America".

Viaggia molto nel paese, scrive paesaggi deserti, converge con gli artisti della Scuola di Dustbacker e diventa membro del gruppo "Otto", ma a differenza del dramma nell'immagine della vita urbana e dopo aver partecipato alla mostra del contemporaneo Arte "Armatura", non rifiutando di tendenze realistiche e impressionistiche, mostra interessi per la postmellismo, in particolare a Cezanne.

Il lavoro del Louuson non è noto come gli altri contemporanei, ma Robert Henry lo considerava "il più grande ufficiale del paesaggio dopo Winslow Hommer". Annegata con circostanze misteriose, galleggiante sulla spiaggia di Miami.

George Wesley Belluss. (1882-1925), era un bambino tardi e solo nella famiglia della figlia della nave balena del capitano. Alla Università dell'Ohio, ha studiato e ha giocato con successo il baseball e il basket, a condizione che il vecchi anno universitario illustrasse, sognato di diventare un giocatore di baseball professionista lavorato come illustratore in riviste. Nel 1904, senza finire l'università, i Belluss si spostano a New York, entra nella Scuola di Arti, si unisce agli artisti "Scuola del Bennet della spazzatura e un gruppo" Otto ", rimuove il proprio studio su Broadway.

Partecipazione a mostre Insieme a studenti di Robert Henry e insegnamento in campionato, gli artisti lo portano fama, anche se molti critici consideravano il suo lavoro con "ruvido" non solo sulle trame, ma anche stilisticamente.

Continuando i temi della vita urbana e dello sport nel suo lavoro, i Bellus iniziano anche a ricevere ordini per ritratti dalla ricca elite, e in estate scrive paesaggi marini nel Maine.

Era molto politicizzato, aderito a panorami socialisti e persino anarchici, ha lavorato come illustratore in un diario socialista. Nel 1918, ha creato una serie di incisioni e dipinti raffiguranti atrocità eseguite da soldati tedeschi nell'invasione del Belgio.

Beloso ha dato un contributo significativo alla litografia, illustrato molti libri, tra cui diverse edizioni Herbert Wells. Morì all'età di 42 anni dalla Perionita dopo un'operazione infruttuosa, lasciando dietro sua moglie, due figlie e un gran numero di dipinti e incisioni oggi in molti grandi musei americani.

I seguenti due artisti non possono essere pienamente attribuiti alla "scuola del secchio della spazzatura", né al gruppo "otto", sono più probabili più vicini alla direzione modernista, sono più aperti agli esperimenti, la loro creatività può essere considerata transitoria palco per la postizia.

Arthur Bowen Davis. (1853-1928), già all'età di 15 anni ha preso parte a una mostra mobile nella sua città, organizzata dai membri della Hudson River School. Dopo aver spostato la famiglia a Chicago, studiata all'Accademia di design, e si è trasferita a New York, ha studiato in campionato degli artisti e ha lavorato come illustratore nel diario.

Circostanze familiari sofisticate (l'infedeltà di Davis, la presenza di una seconda moglie illegale e un bambino extramaritale) ha imposto un segno sul suo comportamento e il carattere segreto, ma nel primo anno dopo il suo pittorino matrimoniale Davis cominciò a essere venduti con successo e gite regolari Per l'Europa e il lavoro di Coro e il mulino lo hanno aiutato a sperare la tua sensazione di colore e risolvere il tuo modo pittoresco.

Negli anni venti, è stato riconosciuto come uno degli artisti americani più rispettati e di buon successo. Come membro del gruppo "Otto", è stato il principale organizzatore dell'esercito, più informato nell'arte contemporanea dei suoi compagni, eseguita come consigliere per molti ricchi residenti di New York quando fanno acquisti per le loro collezioni, aiutato molti giovani Artista con il Consiglio e il denaro.

Arthur B. Davis è un fenomeno anormale nella pittura americana: il suo stile lirico può essere descritto come un conservatore sobrio, ma i suoi gusti e interessi erano completamente all'avanguardia.

Maurice Brasile Prestilngast. (1858-1924) E il suo fratello gemello è nato nella famiglia del mercante della fabbrica nella colonia britannica del Nord America. Dopo aver trasferito a Boston, suo padre ha dato il disegno di Maurice al disegno dell'artista commerciale, che spiega la luminosità e "aereo" del suo lavoro.

Formazione a Parigi presso l'Accademia di Collasrasi, e poi all'Accademia di Julien, la conoscenza con le opere di artisti d'avanguardia francesi e francesi, lo studio delle opere di Van Gogh e dello zolfo lo portò in realtà alla posatezza. Perendergast è stato uno dei primi americani che hanno riconosciuto Cezanne, che ha capito il suo lavoro e ha usato i suoi metodi espressivi per trasmettere forma e colore. Tornando nel 1895 a Boston, funziona principalmente nella tecnica dell'acquerello

E Monotypia, e dopo il viaggio in Italia, ha ricevuto fama e riconoscimento delle critiche per le loro opere dedicate a Venezia.

Soddisfa gli artisti del gruppo "Otto", partecipa con loro nella famosa mostra di Macbeth Gallery nel 1908 e Glakkens diventa il suo amico per la vita. Le sette opere presentate loro sul "show dell'esercito" hanno mostrato la sua stilistica maturità e l'impegno finale per il posttrilismo, il suo stile è stato formato ed era giustamente caratterizzato da critici come "arazzo" o "mosaico".

Perendergast rimase un laurea per tutta la vita, forse a causa della timidezza naturale, della sanità debole e della forte sordità nei tardo anni della vita.
È interessante notare che negli anni seguenti, la direzione realistica della pittura americana non ha perso la sua rilevanza e si è riflessa e sviluppata in postmellismo, "realismo magico" e "regionalismo". Ma a riguardo la prossima volta.
E, come sempre, la presentazione sull'argomento in cui sono rappresentate molte più riproduzioni.

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Macchie luminose, spruzzi di luce, aria scintillante - questi artisti vedono il mondo commoventemente bello e sorprendentemente colorato.
sito web Offerte Guarda il mondo attraverso gli occhi di questi maghi. Alla vostra attenzione una selezione di dipinti di impressionisti moderni, risolvendo magistralmente il colore e la luce.

Il lavoro dell'artista bulgaro Tsviavko Kinchev nello stile dell'impressionismo è un dipinto digitale: sono eseguiti sul computer, in Photoshop. Le creature incredibilmente succose dell'artista enfatizzano la bellezza e la luminosità del mondo circostante.

Artista olandese William Henrites funziona Acquerello, acrilico e pastello. Le sue creazioni sono una straordinaria tenerezza, squillando aria che respira le sue vernici, le sue linee eleganti. William Works è conosciuto in tutto il mondo sotto forma di poster e litografie di alta qualità.

Yuri Petrenko è nato a Sochi. Professionalmente impegnato in pittura per circa 20 anni. Case succose, carine, navi e mare. Dai suoi dipinti soffia il sole caldo e la brezza salata. Le opere sono in collezioni private in quasi tutti i paesi del mondo.

L'artista armeno Ovik Zograbyan è apparso nella famiglia di un famoso artista e scultore Nicokos Zograbyan. Lo stile unico dell'artista stesso appare quella caratteristica dell'impressionismo con i tratti. Le sue accoglienti città colorate, case luminose piene di sole e felicità.

Linda Wilder - Artista canadese. Linda ama scrivere paesaggi e Mastikhin è uno dei suoi strumenti preferiti. Struscoli luminosi e precisi, sfumature e linee finemente dentellate - I dipinti Linda sono in collezioni aziendali e private in Canada e in tutto il mondo.

L'artista sinoamericano Ken Hong polmone si sente finemente il colore e sa come trasmettere la magia della pace. I suoi villaggi di pescatori e paesaggi della costa sono diventati una sensazione nei circoli artistici di Hong Kong. Ken è considerato uno dei migliori artisti del mondo dei neo-semplici. Si chiama il proprietario di paesaggi incantati, stati d'animo da sogno e riflessi magici di luce e colore.

Johan vive e lavora in Belgio. I suoi dipinti riflettono l'accogliente mondo dei cortili provinciali ombreggianti, guerre vintage e buoni venti. Johan sa come trasmettere cura e felicità silenziosa con tratti negligenti. Lavori artisti olio e pastelli.

Jill Charrook è un moderno artista canadese. Venti anni lavoravano nell'abbigliamento e nell'industria degli interni. Ama esagerare i colori, rafforzare i contrasti. I suoi dipinti luminosi hanno ricevuto riconoscimenti internazionali, sono nelle collezioni dell'arte contemporanea in Nord America, in Messico e in Europa. Jill scrive principalmente petrolio e acrilico.

Pittura americana
La prima delle opere di pittura americana arrivò al nostro 16 c.; Questi sono schizzi fatti dalle spedizioni di ricerca. Tuttavia, gli artisti professionisti sono apparsi in America solo all'inizio del XVIII secolo; L'unica fonte stabile di reddito per loro era un ritratto; Questo genere ha continuato a tenere una posizione di guida nella pittura americana fino all'inizio di 19 V.
Periodo coloniale. Il primo gruppo di ritratti eseguito nella tecnica di pittura ad olio risale alla seconda metà del 17 ° secolo; In questo momento, la vita degli immigrati è proseguita relativamente calma, la vita stabilizzata e le opportunità per la pratica dell'arte sono apparse. Da queste opere, il ritratto più famoso della signora Fritz con sua figlia Maria (1671-1674, Massachusetts, Museo dell'arte a Wastaster), scritto da un artista inglese sconosciuto. Dalle 17:30 nelle città della costa orientale c'erano già diversi artisti che lavoravano in modo più moderno e realistico: Henrietta Johnston a Charleston (1705), Justus Englhardt Kün ad Annapolis (1708), Gustavi Hesselius a Philadelphia (1712) , John Watson in Perth Emboy in New Jersey (1714), Peter Pelm (1726) e John Smiber (1728) a Boston. Il dipinto degli ultimi due ha avuto un impatto significativo sul lavoro di John Singleton Copli (1738-1815), che è considerato il primo artista americano principale. Secondo le stampe della collezione Pelam, il giovane Kopli ha ricevuto un'idea del ritratto dell'inglese della parata e della pittura di Godfrey Neller, il principale maestro inglese che ha lavorato in questo genere all'inizio del XVIII secolo. Nel dipinto, un ragazzo con una proteina (1765, Boston, il Museo delle Belle Arti) Copli ha creato un meraviglioso ritratto realistico, delicato e incredibilmente accurato nella trasmissione di oggetti di articoli. Quando nel 1765 Kopli ha inviato questo lavoro a Londra, Joshua Reynolds gli ha consigliato di continuare i suoi studi in Inghilterra. Tuttavia, Kopli è rimasto in America fino al 1774 e ha continuato a scrivere ritratti, elaborare attentamente tutti i dettagli e le sfumature in loro. Poi ha preso un viaggio in Europa e si è stabilito a Londra nel 1775; Nel suo stile, i modi e le caratteristiche di idealizzazione, caratteristica del dipinto inglese di questo tempo apparvero. Tra le migliori opere create da Copli in Inghilterra, sono grandi ritratti anteriori, che ricordano le opere di Benjamin West, incluso il dipinto Brooke Watson e lo squalo (1778, Boston, Museo delle Belle Arti). Benjamin West (1738-1820) è nato in Pennsylvania; Avendo scritto diversi ritratti degli abitanti di Philadelphia, si trasferì a Londra nel 1763. Qui ha guadagnato fama come pittore storico. Un campione del suo lavoro in questo genere può essere l'immagine della morte del generale Wulf (1770, Ottawa, della Galleria nazionale del Canada). Nel 1792, West ha sostituito Reynolds come presidente della British Royal Academy of Arts.
Guerra per l'indipendenza e all'inizio del 19 ° secolo. A differenza di Copli e ovest, che erano per sempre a Londra, Portreet Gilbert Stewart (1755-1828) nel 1792 tornò in America, facendo una carriera a Londra e Dublino. Presto divenne il principale maestro di questo genere nella giovane repubblica; Stewart ha scritto ritratti di quasi tutte le eccezionali figure politiche e pubbliche dell'America. Le sue opere sono piene di un modo vivace, libero, schizzo, molto diverso dallo stile delle opere americane di Copley. Benjamin West ha agito volontariamente nel suo laboratorio di Londra di giovani artisti americani; Tra i suoi discepoli c'erano Charles Wilson Pil (1741-1827) e Samuel Fb Morza (1791-1872). Pyl è diventato il fondatore della dinastia dei pittori e dell'impresa artistica di famiglia a Philadelphia. Scrisse i ritratti, impegnati nella ricerca e aprì il museo della storia naturale e della pittura a Philadelphia (1786). Dai suoi diciassette figli, molti sono diventati artisti e naturalisti. Morse, il più famoso come l'inventore del telegrafo, ha scritto diversi bellissimi ritratti e uno dei dipinti più ambiziosi di tutta la pittura americana - la Galleria del Louvre. A questo lavoro con una precisione mozzafiato, circa 37 tele sono riprodotte in miniatura. Questo lavoro, come Morse, era quello di introdurre una giovane nazione con una grande cultura europea. Washington Olxton (1779-1843) è stato uno dei primi artisti americani che hanno dato omaggio al romanismo; Durante i loro viaggi a lungo termine intorno all'Europa, scrisse tempeste del mare, schizzi italiani poetici e ritratti sentimentali. All'inizio del XIX secolo. La prima American Academy of Arts è stata aperta, che ha dato agli studenti alla formazione professionale e alla partecipazione più diretta all'organizzazione delle mostre: l'Accademia delle Arti della Pennsylvaniana di Philadelphia (1805) e l'Accademia Nazionale di Figure a New York (1825), il cui primo Il presidente era Sr Morze. Nel 1820-1830, John Tramball (1756-1843) e John Vanderlin (1775-1852) scrissero enormi composizioni sulle trame della storia americana, decidendo le pareti del Capitol Rotond a Washington. Nel 1830, il paesaggio divenne il genere dominante della pittura americana. Thomas Cole (1801-1848) ha scritto la natura vergine del Nord (PCS. New York). Sosteneva che le montagne stagionate e la foresta luminosa autunnale sono più appropriate trame per artisti americani rispetto alle pittoresche rovine europee. Cole ha anche scritto diversi paesaggi imbevuti di significato etico e religioso; Tra questi ci sono quattro grandi foto del percorso della vita (1842, Washington, la Galleria nazionale) - le composizioni allegoriche, che raffigurano la barca che scende lungo il fiume, in cui il ragazzo si siede, poi il giovane, poi l'uomo e finalmente il giovane vecchio uomo. Molti giocatori di paesaggi hanno seguito l'esempio di fresco e raffigurato nelle loro opere i tipi di natura americana; Sono spesso uniti in un gruppo chiamato "School of the Hudson River" (che non è vero, come hanno lavorato in tutto il paese e ha scritto in diverse stilistiche). Dall'American Greenss, il più famoso per William Sydney Mount (1807-1868), scrivendo scene da agricoltori di Long Island, e George Caleb Binham (1811-1879), i cui dipinti sono dedicati alla vita dei pescatori dalle rive del Missouri e elezioni in piccole città provinciali. Prima della guerra civile, l'artista più popolare era Frederico Edwin Cherch (1826-1900), pupilla Cole. Ha scritto opere per lo più grande formato e usato a volte motivi troppo naturali per attirare e stordire il pubblico. Cherge ha viaggiato attraverso i luoghi più esotici e pericolosi, raccogliendo materiale per l'immagine dei vulcani sudamericani e gli iceberg dei mari settentrionali; Una delle sue opere più famose è l'immagine di Niagara Falls (1857, Washington, Corcoran Gallery). Nel 1860, gli enormi vestiti dell'Albert Birtadt (1830-1902) hanno causato l'ammirazione universale per la bellezza delle montagne rocciose raffigurate su di loro, con i loro laghi puliti, le foreste e le sue cime simili a Torre.

Periodo di dopoguerra e nato da secoli. Dopo la guerra civile, era alla moda imparare i dipinti in Europa. A Düsseldorf, Monaco di Baviera e specialmente a Parigi, è stato possibile ottenere un'istruzione molto più fondamentale che in America. James McNeill Whistler (1834-1903), Mary Cassat (1845-1926) e John Singer Sarjent (1856-1925) ha studiato a Parigi, vissuto e lavorato in Francia e in Inghilterra. Whistler era vicino agli impressionisti francesi; Nei suoi dipinti, ha prestato particolare attenzione alle combinazioni di colori e una composizione espressiva e concisa. Mary Kassat presso l'invito di Edgar Degi ha partecipato alle mostre di impressionisti dal 1879 al 1886. Sarjent ha scritto ritratti delle persone più importanti di vecchia e nuova luce in modo audace, gustoso, maniera di saggio. L'opposto impressionismo del lato dello spettro stilistico nell'arte della fine del XIX secolo. Abbiamo occupato gli artisti realistici che hanno scritto i lampioni illusionistici: William Michael Harnett (1848-1892), John Friederik Peto (1854-1907) e John Haber (1856-1933). Due grandi artisti della fine del 19 ° - inizio del XX secolo, Winslow Homer (1836-1910) e Thomas Ikins (1844-1916) non appartenevano a nessuna delle direzioni alla moda in quel momento. Homer ha iniziato la sua attività creativa nel 1860 con illustrare le riviste di New York; Già nel 1890, ha avuto una reputazione come un famoso artista. I suoi primi dipinti sono ricchi della scena luminosa del sole di una vita rustica. Più tardi, Homer cominciò a riferirsi a immagini e argomenti più complessi e drammatici: nel flusso di golf immagine (1899, la metropolitana) raffigurava la disperazione di un marinaio nero sdraiato sul ponte della barca in un tempestoso, laborioso dagli squali marini. Thomas Ikins durante la sua vita è stato brutalmente criticato per obiettività eccessiva e diretto. Ora le sue opere sono molto apprezzate per un disegno rigoroso e chiaro; I suoi spazzole appartengono a immagini di atleti e sinceri, intrisa di immagini ritratto di simpatia.

Il ventesimo secolo. All'inizio del secolo, l'imitazione dell'impressionismo francese è stata valutata. Il gusto pubblico ha sfidato un gruppo di otto artisti: Robert Henry (1865-1929), V.J. Glakens (1870-1938), John Slone (1871-1951), J.B.Laks (1867-1933), Eversett Shinn (1876-1953), AB Davis (1862-1928), Maurice Predandergast (1859-1924) ed Ernest Lawson (1873-1939). I critici sono stati criticati dalla loro scuola "Beach Beach" per la dipendenza dalla rappresentazione di baraccopoli e altri oggetti prosaici. Nel 1913 sul cosiddetto. "ARMORI SHOW" è stato messo le opere dei Maestri appartenenti a varie direzioni di postizia. Artisti americani divisi: alcuni di loro si sono rivolti allo studio delle possibilità di colore e astrazione formale, altri rimasero nella tradizione realistica del Lona. Il secondo gruppo comprendeva Charles Berchfield (1893-1967), Reginald Marsh (1898-1954), Edward Tramoger (1882-1967), Fairfield Porter (1907-1975), Andrew White (R. 1917) e altri. Immagini di Avesha Albright (1897-1983), George Tuker (R. 1920) e Peter Bloom (1906-1992) sono scritti nello stile del "realismo magico" (la somiglianza con gentilezza nelle loro opere è esagerata e la realtà è piuttosto ricorda il sonno o l'allucinazione). Altri artisti, come Charles Schieler (1883-1965), Charles Demouge (1883-1935), Lionel Feyninger (1871-1956) e Georgia su "Kiff (1887-1986), elementi combinati di realismo, cubismo, espressionismo nelle loro opere e altre tendenze dell'arte europea. Le specie di mare di John Maryna (1870-1953) e Marsden Hartley (1877-1943) sono vicine all'espressionismo. Immagini di uccelli e animali nelle immagini di Maurice Graves (r. 1910) continua a mantenere una connessione Con un mondo visibile, anche se le forme nelle sue opere sono molto distorte e portate a designazioni simboliche quasi estreme. Dopo la seconda guerra mondiale, la direzione principale dell'arte americana era la pittura giusta. L'attenzione principale è stata prestata alla superficie pittoresca di se stesso; era considerato come un'arena di interazione di linee, masse e punti di colore. Il posto più significativo espressionismo astratto ha preso quest'anni. È diventato il primo corso di pittura, che è nato negli Stati Uniti e ha avuto importanza internazionale. I leader di Questo movimento era Arsshail Gorki (1904-1948), Villem de Coning (astuzia) (1904-1997), Jackson Pollock (1912-1956), Mark Rotko (1903-1970) e Franz Kleline (1910-1962). Una delle scoperte più interessanti dell'espressionismo astratto era il metodo artistico di Jackson Pollock, essiccato con vernici su tela o li ha visti per ottenere un complesso labirinto di forme lineari dinamiche. Altri artisti di questa zona - Hans Hofmann (1880-1966), Klaford Ancora (1904-1980), Robert Mazerwell (1915-1991) e Helen Frankenteler (r. 1928) - Praticate tecniche di pittura a canvasua. Un'altra opzione di arte imprendita rappresenta la pittura Joseph Albers (1888-1976) ed Ed Rainharta (1913-1967); Le loro immagini sono costituite da forme geometriche calde e calcolate con precisione. Tra gli altri artisti che hanno lavorato in questo stile: Elsworth Kelly (R. 1923), Barnett Newman (1905-1970), Kenneth Noland (r. 1924), Frank Stella (r. 1936) ed El tenuto (r. 1928); Più tardi, hanno diretto la direzione di opt-art. Alla fine degli anni '50, Robert Raushenberg (R. 1925), Jasper Jones (r. 1930) e Larry Rivers (R. 1923) e Larry Rivers sono stati eseguiti contro il - 1930) e Larry Rivers (r. 1923), incluso il Tecnica di assemblaggio. Incluso nei loro "dipinti" frammenti di fotografie, giornali, poster e altri articoli. Nei primi anni '60, l'assemblaggio ha generato un nuovo movimento, il cosiddetto. Pop art, i cui rappresentanti sono riprodotti molto attentamente e accuratamente nelle loro opere una varietà di oggetti e immagini della cultura pop americana: banche di coca-cola e in scatola, confezioni di sigarette, fumetti. Artisti principali di quest'area - Andy Warhol (1928-1987), James Rosenkuist (r. 1933), Jim Dyan (r. 1935) e Roy Lakhtenstin (R. 1923). Seguendo Pop Art, è apparso un'opt-art, in base ai principi dell'ottica e dell'illusione ottica. Negli anni '70, varie scuole di espressionismo hanno continuato a esistere in America, Geometrica Hard-EJ, Pop art, sempre più nella moda fotorealismo e altri stili di stile stile.

LETTERATURA
Chegodaev A.D. L'arte degli Stati Uniti d'America dalla guerra dell'indipendenza ad oggi. M., 1960 Chegodaev A.D. Arte degli Stati Uniti d'America. 1675-1975. Pittura, architettura, scultura, grafica. M., 1975.

L'enciclopedia del colley. - Aprire la società. 2000 .

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Libri

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"Giocatori in carte"

Autore

Paul Cesanne.

Nazione Francia
Anni di vita 1839–1906
Stile Pospressionismo.

L'artista è nato nel sud della Francia in una piccola città di ex-en-Provence, ma la pittura cominciò a impegnarsi a Parigi. Questo successo è venuto da lui dopo la mostra personale organizzata dal collezionista Ambruz Vollar. Nel 1886, 20 anni prima della sua cura, si trasferì alla periferia della sua città natale. I giovani artisti lo hanno chiamato chiamato "pellegrinaggio in ex".

130x97 cm
1895 anni
Costo
$ 250 milioni.
venduto nel 2012
sul commercio privato

La creatività Cezanne è facile da capire. L'unica regola dell'artista era la trasmissione diretta del soggetto o della trama sulla tela, quindi i suoi dipinti non causano la perplessità del Viewer. Cezanne ha collegato due principali tradizioni francesi nella sua arte: classicismo e romanticismo. Con l'aiuto di una trama colorata, ha allegato una fantastica plasticità di oggetti.

Una serie di cinque dipinti "giocatori in mappe" è stato scritto nel 1890-1895. La loro trama è la stessa - diverse persone giocano con entusiasticamente il poker. Disponibile solo dal numero di giocatori e dimensioni tela.

Quattro dipinti sono conservati nei musei dell'Europa e dell'America (Museo di D'Orce, Museo Metropolitano, Barnes Foundation e dell'Istituto Kurto), e la quinta volta fino a poco tempo fa la decorazione della collezione privata di Greco Billionaire-showner Georg Embyricos. Poco prima della sua morte, in inverno del 2011, ha deciso di metterlo in vendita. Dealer Art William Akvavella e un nome glimpico di Larry Gagosyan, che lo ha offerto circa $ 220 milioni, che offrivano circa $ 220 milioni di dollari per i potenziali acquirenti di lavoro "libero". Di conseguenza, l'immagine è andata alla famiglia reale dello stato arabo del Qatar per 250 milioni. Il più grande accordo d'arte nella storia della pittura è stato chiuso a febbraio 2012. Questo in Vanity Fair ha riportato un giornalista Alexander Pierce. Ha scoperto il costo dell'immagine e il nome del nuovo proprietario, e quindi le informazioni penetrarono i media in tutto il mondo.

Nel 2010, il Museo Arabo dell'arte contemporanea e il Museo Nazionale del Qatari sono stati aperti in Qatar. Ora le loro collezioni sono rifornite. Forse la quinta versione dei "giocatori nella carta" è stata acquisita da Sheikh per questo scopo.

Sami.gentile pitturanel mondo

Proprietario
Sheikha Hamad.
bin califfo al-tanya

La dinastia Al-Tanya governa il Qatar oltre i 130 anni. Circa mezzo secolo fa, enormi riserve di petrolio e gas sono state trovate qui che il Vmig ha reso il Qatar una delle regioni più ricche del mondo. Grazie all'esportazione di idrocarburi in questo piccolo paese, è registrato il più grande PIL pro capite. Sheikh Hamad Bin Califa Al-Tanya nel 1995, mentre suo padre era in Svizzera, con il sostegno dei membri della famiglia sequestrati. Il merito del righello attuale, secondo gli esperti, in una chiara strategia per lo sviluppo del paese, creando un'immagine di stato di successo. Ora la Costituzione e il Primo Ministro sono apparsi in Qatar e le donne hanno ricevuto il diritto di votare nelle elezioni parlamentari. A proposito, è stato l'Emir del Qatar che fondò il canale di notizie di Al-Jazeera. Enorme attenzione delle autorità dello stato arabo pagano la cultura.

2

"Numero 5"

Autore

Jackson Pollock.

Nazione Stati Uniti d'America
Anni di vita 1912–1956
Stile Espressionismo astratto

Jack Sproyer - Un tale soprannome è stato dato al pubblico americano per la tecnica speciale della pittura. L'artista ha rifiutato il pennello e il cavalletto, e la vernice si riversava sulla superficie della tela o della fibrolite durante il movimento continuo intorno e dentro di loro. Dalla tenera età, è stato appassionato di filosofia Jedda Krishnamurti, la promessa principale di cui - la verità si apre durante la "effusione" libera.

122x244 cm
1948.
costo
$ 140 milioni.
venduto nel 2006
sull'asta Sotheby's.

Il valore del lavoro del centrocampo non è un risultato, ma nel processo. L'autore non ha accidentalmente chiama la sua arte di pittura azione. Con la sua mano leggera è diventato il dominio principale dell'America. Jackson Pollock Vernice miscelata con sabbia, vetro rotto, e ha scritto un pezzo di cartone, mastice, coltello, scoop. L'artista era così popolare che negli anni '50, gli imitatori furono trovati anche nell'URSS. L'immagine "numero 5" è riconosciuta come uno dei più strani e costosi nel mondo. Uno dei creatori di Dreamworks David Hepfen lo ha acquisito per una collezione privata, e nel 2006 venduto all'asta di Sotheby per 140 milioni di dollari al messicano David Martinez. Tuttavia, presto uno studio legale per conto del suo cliente ha rilasciato un comunicato stampa, che ha riferito che David Martinez non è il proprietario del dipinto. Apparentemente solo una cosa è nota: il finanziere messicano ha effettivamente raccogliere di recente opere d'arte contemporanea. È improbabile che avrebbe perso un "grande pesce" come "numero 5" del centrocampo.

3

"Donna III"

Autore

Villem de Kuning.

Nazione Stati Uniti d'America
Anni di vita 1904–1997
Stile Espressionismo astratto

L'partenza dai Paesi Bassi, emigrò negli Stati Uniti nel 1926. Nel 1948, si è svolta una mostra personale dell'artista. I critici d'arte apprezzavano complesse complesse, nervose composizioni in bianco e nero, riconoscendo nel loro autore del Grand Artist-Modernist. Ha sofferto la maggior parte della sua vita con l'alcolismo, ma la gioia di creare una nuova arte è sentita in ogni lavoro. De Kuning si distingue per l'impulsività della pittura, gli ampi tratti, che a volte l'immagine non si adatta ai confini della tela.

121x171 cm
1953.
Costo
$ 137 milioni.
venduto nel 2006
sul commercio privato

Negli anni '50, donne con occhi vuoti, petti massicci, brutte caratteristiche del viso appaiono nei dipinti di De Kuning. "Donna III" è diventata l'ultimo lavoro di questa serie che partecipa all'asta.

Dagli anni '70, la foto è stata conservata nel Museo di Teheran dell'arte contemporanea, ma dopo l'introduzione di dure regole di moralità nel paese, cercarono di liberarsene. Nel 1994, il lavoro è stato portato fuori dall'Iran, e dopo 12 anni il suo proprietario David Hepfen (il maggior produttore che ha venduto il Jackson Pollock "numero 5" canale) ha dato l'immagine a Milliona Stephen Cohen per $ 137,5 milioni. È interessante notare che Hepfhen ha iniziato a vendere la sua collezione di pittura in un anno. Ha dato origine a un peso di voci: ad esempio, quel produttore ha deciso di acquistare il quotidiano di Los Angeles Times.

In uno dei forum d'arte, è stata espressa un'opinione sulla somiglianza delle "donne III" con l'immagine di Leonardo da Vinci "Lady con Mornosta". Per un sorriso a trenta denti e una figura informe dell'eroina, lo intenditore della pittura vide la grazia del sangue reale. Questo è evidenziato dalla corona scarsamente dipinta, la testa di nozze di una donna.

4

"Ritratto di ADELIBloch-Bauer I »

Autore

Gustav Klimt.

Nazione Austria
Anni di vita 1862–1918
Stile Moderno

Gustav Klimt è nato nella famiglia di una famiglia Engraver ed era il secondo di sette figli. Tre figli di Ernest Klimt divennero artisti, e solo Gustav era diventato famoso per il mondo intero. La maggior parte dell'infanzia ha trascorso nella povertà. Dopo la morte di suo padre, era responsabile per tutta la famiglia. È in questo momento che clost sviluppa il suo stile. Di fronte ai suoi dipinti, qualsiasi spettatore si blocca: sotto le sottili striscio d'oro è chiaramente visibile all'erotismo franco.

138x136 cm
1907 anni
Costo
$ 135 milioni.
venduto nel 2006
sull'asta Sotheby's.

Il destino dell'immagine, che si chiama "Austrian Mona Liza", può facilmente diventare la base per il bestseller. Il lavoro dell'artista era la causa del conflitto di un intero stato e una signora anziana.

Quindi, sul "ritratto di Adeli Bloch-Bauer I" raffigurato un aristocratico, la moglie di Ferdinand Bloch. La sua ultima volontà era di trasferire l'immagine della Galleria Statale Austriaca. Tuttavia, le pulci nella sua volontà annullarono la donazione e la tela espropriarà i nazisti. Più tardi, la Galleria ha appena comprato il "Golden Adel", ma qui apparvero gli eredi - Maria Altman, la nipote di Ferdinando Bloch.

Nel 2005, è iniziato il forte processo di "Maria Altman contro la Repubblica austriaca", seguendo il quale la foto "lasciò" con lei a Los Angeles. L'Austria ha adottato misure senza precedenti: c'erano negoziati sui prestiti, la popolazione ha sacrificato i soldi per comprare un ritratto. Buono e non ha vinto il male: il prezzo di Altman ha raccolto fino a $ 300 milioni. Al momento del procedimento, aveva 79 anni, ed è entrata nella storia come una persona che aveva cambiato la volontà di Bloch Bauer a favore degli interessi personali. La foto è stata acquisita da Ronald Laoupere, il proprietario della "nuova galleria" a New York, dove è ancora in questo giorno. Non per l'Austria, per lui Altman ha abbassato il prezzo fino a $ 135 milioni.

5

"Torrente"

Autore

Edward Munk.

Nazione Norvegia
Anni di vita 1863–1944
Stile espressionismo

La prima immagine del fango, che è diventata famosa in tutto il mondo, - "ragazza malata" (esiste in cinque copie) - dedicata alla sorella dell'artista che ha deceduto dalla tubercolosi di 15 anni. Minka è sempre stata interessata al tema della morte e della solitudine. In Germania, la sua pittura pesante e maniacale ha persino provocato uno scandalo. Tuttavia, nonostante le trame depressive, i suoi dipinti hanno un magnetismo speciale. Prendi almeno il torrente.

73,5х91 cm
1895 anni
Costo
$ 119,992 milioni.
venduto B. 2012.
sull'asta Sotheby's.

Il nome completo dell'immagine è der Schrei der Natur (tradotto dal tedesco - "torrente della natura"). La persona è se la persona è, o gli alieni che esprimono la disperazione e il panico - la stessa emozione sta vivendo uno spettatore quando guardi l'immagine. Una delle opere chiave dell'espressionismo avverte i temi che sono diventati acuti nell'arte del XX secolo. Secondo una delle versioni, l'artista lo ha creato sotto l'influenza del disturbo mentale, che ha sofferto per tutta la sua vita.

L'immagine due volte è stata rubata da diversi musei, ma è stato restituito. I piccoli danni risultanti dopo il furto "Creek" è stato rinnovato, ed è stato di nuovo pronto a mostrare al Mill Museum nel 2008. Per i rappresentanti della cultura pop, il lavoro è diventato fonte di ispirazione: Andy Warhol ha creato una serie delle sue copie di stampa, e la maschera del film "Creek" è stata fatta nell'immagine e la somiglianza dell'eroe dell'immagine.

Per una trama, la munk ha scritto quattro versioni del lavoro: quella è nella collezione privata, vengono eseguiti pastelli. Il miliardario norvegese Petter Olsen lo ha messo all'asta il 2 maggio 2012. L'acquirente era Leon Black, che non ha acquisito il "grido" dell'importo del record. Fondatore di Aziende Apollo Advisors, L.P. e consulenti Lion, L.P. Conosciuto dal suo amore dell'art. Black è un patrono del college Dartmouth, Museo di arte contemporanea, Art Center Lincoln, Metropolitan Museum of Arts. Ha la più grande collezione di dipinti di artisti moderni e maestri classici dei secoli passati.

6

"Nudo sullo sfondo di foglie di busto e verde"

Autore

Pablo Picasso

Nazione Spagna, Francia
Anni di vita 1881–1973
Stile cubismo

Per origine, è uno spagnolo, e in spirito e luogo di residenza - un vero francese. Lo studio d'arte di Picasso è stato aperto a Barcellona quando aveva solo 16 anni. Poi è andato a Parigi e ha trascorso la maggior parte della vita lì. Ecco perché nel suo cognome doppio enfasi. Nel cuore dello stile, inventato Picasso, c'è una negazione di opinioni che l'oggetto raffigurato sulla tela può essere considerato solo sotto una vista.

130x162 cm
1932 anni
Costo
$ 106,482 milioni.
venduto nel 2010 anno
sull'asta Christie's.

Durante il suo lavoro a Roma, l'artista ha incontrato il ballerino di Olga Khokhlov, che presto divenne sua moglie. Ha finito con vagabondo, si muoveva con lei in un lussuoso appartamento. A quel tempo, il riconoscimento ha trovato un eroe, ma il matrimonio è stato distrutto. Uno dei dipinti più costosi del mondo è stato creato quasi per caso - in grande amore, che, come sempre, Picasso era breve. Nel 1927, fu portato via dal giovane Marie Terez Walter (aveva 17 anni, aveva 45 anni). In segreto, lasciò sua moglie con la sua amante della città vicino a Parigi, dove ha scritto un ritratto, raffigurante Marie Terez nell'immagine di Daphne. La tela ha acquisito il rivenditore di New York Paul Rosenberg, e nel 1951 lo ha venduto Sydney F. Brouda. I coniugi Brody hanno mostrato una foto del mondo solo un giorno e solo perché l'artista aveva 80 anni. Dopo la morte di suo marito, la signora Brody, nel marzo 2010, metti un'opera d'asta nella casa di Christie's. Per sei decenni, il prezzo è cresciuto più di 5.000 volte! Un collezionista sconosciuto la ha acquisito per $ 106,5 milioni. Nel 2011, "Esposizione di un modello" ha avuto luogo in Gran Bretagna, dove vide la luce della seconda volta, ma il nome del proprietario è ancora sconosciuto.

7

"Otto Elvis"

Autore

Andy Warhole

Nazione Stati Uniti d'America
Anni di vita 1928-1987
Stile
pop Art

"Sesso e feste sono gli unici luoghi in cui devi apparire con la tua persona", ha detto il culto Pop Art Art, direttore, uno dei fondatori della rivista Interview, Designer Andy Warhol. Ha lavorato con Vogue e Bazar Harper Bazar, che redige la copertina dei record, è venuta con le scarpe per I.miller. Negli anni '60 è apparso immagini di simboli america: zuppa di Campbell e Coca-Cola, Presley e Monroe - la fece legenda.

358x208 cm
1963 anni
Costo
$ 100 milioni.
venduto nel 2008
sul commercio privato

Warholovsky 60s - la cosiddetta epoca di Pop Art in America. Nel 1962, ha lavorato a Manhattan nella "fabbrica" \u200b\u200bdello studio, dove tutta la Boemia New York si è riunita. I suoi brillanti rappresentanti: Mick Jagger, Bob Dylan, Cappuccio Trueman e altre persone conosciute nel mondo. Allo stesso tempo, Warhol ha provato la tecnologia Silkographic: una ripetizione multipla di un'immagine. Ha usato questo metodo e quando si crea "Otto Elvis": lo spettatore sembra vedere i telai dal film, dove la stella prende vita. C'è tutto ciò che l'artista amava così tanto: l'immagine pubblica win-win, il colore d'argento e la premonizione della morte come promessa principale.

Ci sono due rivenditori d'arte che promuovono il lavoro di Warhol sul mercato mondiale oggi: Larry Gagosyan e Alberto Morbai. Il primo nel 2008 ha trascorso 200 milioni di dollari per acquisire più di 15 opere di Warhol. Il secondo acquista e vende i suoi dipinti come cartoline di Natale, solo più costosi. Ma non loro, e il modesto consulente d'arte francese Philip Segalo ha aiutato l'intenditore romano dell'arte di Annibal Berlinghiri a vendere l'acquirente sconosciuto "Otto Elvis" per un record per Warhol - $ 100 milioni.

8

"Arancia,rosso Giallo"

Autore

Mark Rotko.

Nazione Stati Uniti d'America
Anni di vita 1903–1970
Stile Espressionismo astratto

Uno dei creatori di dipingere il campo del colore è nato a Dvinsk, in Russia (ora - Daugavpils, Lettonia), in una grande famiglia del farmacista ebraico. Nel 1911, emigrarono negli Stati Uniti. Rotko studiato presso la Facoltà d'arte di Yale University, ha raggiunto borse di studio, ma i sentimenti antisemiti lo hanno costretto a lasciare i suoi studi. Nonostante tutto, l'arte critica dell'artista è stata custodita e i musei hanno perseguito tutta la sua vita.

206x236 cm
1961 anni
costo
$ 86,882 milioni.
venduto nel 2012
sull'asta Christie's.

I primi esperimenti artistici di Rotko erano un orientamento surreale, ma nel tempo semplificato la trama per colorare i punti privandoli di qualsiasi oggetto. All'inizio avevano sfumature luminose, e negli anni '60 versarono marrone, viola, ispessimento del nero al tempo della morte dell'artista. Mark Rotko ha avvertito contro la ricerca di qualsiasi significato nei suoi dipinti. L'autore voleva dire esattamente cosa ha detto: solo un colore che si dissolve nell'aria e nient'altro. Consigliato guardando il lavoro da una distanza di 45 cm in modo che lo spettatore "ritardava" di colore, come in un imbuto. Attenzione: alla ricerca di tutte le regole può portare all'effetto della meditazione, cioè gradualmente arriva alla consapevolezza dell'infinito, completa immersione in sé stesso, relax, purificante. Il colore dei suoi dipinti vive, respira e ha un impatto emotivo più forte (dicono, a volte guarigione). L'artista ha dichiarato: "Lo spettatore dovrebbe piangere, guardandoli" e tali casi erano davvero. Sulla teoria del Rotko, in questo momento le persone vivono la stessa esperienza spirituale di lui nel processo di lavoro sulla foto. Se sei riuscito a capirlo su un livello così sottile, allora non sarai sorpreso che queste opere di critiche di astrazione siano spesso confrontate con le icone.

Il lavoro "arancione, rosso, giallo" esprime l'intera essenza del marchio di pittura Rothko. Il suo costo iniziale presso l'asta di Christie a New York 35-45 milioni di dollari. Un acquirente sconosciuto ha offerto un prezzo due volte più alto sopra il preventivo. Il nome del felice proprietario della pittura, come accade spesso, non divulgato.

9

"Trittico"

Autore

Francesco Bacone

Nazione
Gran Bretagna
Anni di vita 1909–1992
Stile espressionismo

Le avventure di Francis Beckon, un omonimo completo e oltre a un lungo discendente del grande filosofo, iniziò quando il Padre lo ha rinunciato, incapace di accettare le tendenze omosessuali del figlio. La pancetta è andata prima a Berlino, poi a Parigi, e poi le sue tracce sono confuse in tutta Europa. Durante la sua vita, il suo lavoro è stato esposto nei principali centri culturali del mondo, tra cui il Museo Guggenheim e la Galleria Tretyakov.

147,5х198 cm (ciascuno)
1976.
Costo
$ 86,2 milioni.
venduto nel 2008
sull'asta Sotheby's.

I prestigiosi musei hanno cercato di possedere dipinti di Bekon, ma il pubblico principale inglese non ha fretta di sopravvivere su tale arte. Il leggendario primo ministro del British Margaret Thatcher ha parlato di lui: "Una persona che disegna questi orribili dipinti".

Il periodo di partenza nel suo lavoro, l'artista stesso considerava il tempo di dopoguerra. Tornando dal servizio, si è ancora impegnato nella pittura e ha creato i principali capolavori. Prima della partecipazione del trittico, il 1976 nell'asta del lavoro più costoso della pancetta era "etudio per il ritratto di Papa Innokentia X" ($ 52,7 milioni). In Trittykh, 1976, l'artista ha raffigurato un mitico appezzamento della persecuzione della furia di Oresta. Naturalmente, Oest è il bacon stesso, e Furi è il suo tormento. Per più di 30 anni, l'immagine era nella collezione privata e non ha partecipato alle mostre. Questo fatto gli conferisce un valore speciale e, di conseguenza, aumenta i costi. Ma ciò che sono alcuni milioni per un intenditore d'arte, e anche in russo generoso? Roman Abramovich ha iniziato a creare la sua collezione negli anni '90, la fidanzata Dasha Zhukov lo aveva colpita in modo significativo, il che è diventato una galleria alla moda nella Russia moderna. Secondo i dati non ufficiali, nella proprietà personale dell'uomo d'affari, ci sono opere di Alberto Dzhacometti e Pablo Picasso, acquistate per importi superiori a $ 100 milioni. Nel 2008 è diventato il proprietario del trittico. A proposito, nel 2011 è stato acquisito un altro prezioso lavoro di Bekon - "Tre schizzi al ritratto di Lucien Freud". Le fonti nascoste dicono che l'Arkadyevich romano è diventato di nuovo l'acquirente.

10

"Stagno con ninfea"

Autore

Claude Monet

Nazione Francia
Anni di vita 1840–1926
Stile impressionismo

L'artista è riconosciuto dall'antentato dell'impressionismo, "brevettato" questo metodo nelle sue tele. Il primo lavoro significativo era la pittura "colazione sull'erba" (la versione originale del lavoro di Edward Mane). Nella sua giovinezza, ha dipinto le caricature, e un vero dipinto prese durante i suoi viaggi lungo la costa e all'aperto. A Parigi, ha guidato lo stile di vita bohémien e non lo ha lasciato anche dopo il servizio nell'esercito.

210x100 cm
1919 anni
Costo
$ 80,5 milioni.
venduto nel 2008
sull'asta Christie's.

Oltre al fatto che Monet era un grande artista, ha anche impegnato con entusiasmo nel giardinaggio, la natura vivente adorata e i fiori. Nei suoi paesaggi, lo stato della natura è leggermente, gli articoli come se fossero sfocati dal movimento dell'aria. L'impressione è migliorata da grandi macchie, da una certa distanza diventano impercettibili e si fondono in un'immagine tridimensionale strutturata. Nel verniciatura del tardo monet, il tema dell'acqua e della vita in esso occupa un posto speciale. Nella città di Gerni, l'artista era il suo stagno, dove coltivava Pita dai semi, appositamente portati dal Giappone. Quando i loro fiori fioriscono, cercò di disegnare. Una serie di "dolci" è composta da 60 opere che l'artista ha scritto per quasi 30 anni a morte. La sua visione si è deteriorata con l'età, ma non si è fermato. A seconda del vento, del tempo dell'anno e del tempo, il laghetto è cambiato costantemente, questi cambiamenti volevano catturare il monito. Attraverso il lavoro accurato verso di lui, è venuta una comprensione dell'essenza della natura. Alcune delle conchiglie della serie sono conservate nelle principali gallerie del mondo: il Museo Nazionale dell'Arte occidentale (Tokyo), Orangery (Parigi). La versione del prossimo "laghetto con il giglio d'acqua" è entrato nelle mani di un acquirente sconosciuto per un importo del record.

11

False stella t.

Autore

Jasper Jones.

Nazione Stati Uniti d'America
Anno di nascita 1930
Stile pop Art

Nel 1949, Jones entrò nella scuola di design a New York. Insieme a Jackson Pollock, Willem de Cunning e altri, è riconosciuto come uno dei principali artisti del 20 ° secolo. Nel 2012, ha ricevuto la "Medaglia presidenziale della libertà" - il premio civile più alto degli Stati Uniti.

137.2х170,8 cm
1959.
Costo
$ 80 milioni.
venduto nel 2006
sul commercio privato

Come Marseille Dushan, Jones ha lavorato con oggetti reali, raffigurante loro su tela e nella scultura in piena conformità con l'originale. Per il loro lavoro, ha usato oggetti semplici e comprensibili: una bottiglia di birra, una bandiera o una carta. L'immagine falsa di avvio non ha una chiara composizione. L'artista come se gioca con il pubblico, spesso "sbagliato" firmando i colori nella foto, trasformando il concetto di colore stesso: "Volevo trovare un modo per ritrarre il colore in modo che possa essere determinato da un altro metodo." Il suo più esplosivo e "resistente in sé", secondo i critici, la foto è stata acquisita da un acquirente sconosciuto.

12

"Sedutanudo sul divano"

Autore

Amedeo Modiganiani.

Nazione Italia, Francia
Anni di vita 1884–1920
Stile espressionismo

Moodigaliani spesso malati fin dall'infanzia, durante un'assurdità febbrile, ha riconosciuto il suo designer dell'artista. Ha studiato la pittura a Livorno, Firenze, Venezia, e nel 1906 andò a Parigi, dove la sua arte fiorì.

65x100 cm
1917 anni
Costo
$ 68.962 milioni.
venduto nel 2010 anno
sull'asta Sotheby's.

Nel 1917, Modigliani incontrò il 19enne Jeanne Ebutern, che divenne la sua modella, e poi sua moglie. Nel 2004, uno dei suoi ritratti è stato venduto per $ 31,3 milioni, che è diventato l'ultimo disco prima di vendere "seduto nudo sul divano" nel 2010. L'immagine ha acquisito un acquirente sconosciuto per il massimo per modigliani al momento il prezzo. Le vendite attive di lavoro sono iniziate solo dopo la morte dell'artista. Morì in una povertà, tubercolosi malata, e il giorno successivo ha commesso con lui e Zhanna Ebutern, che è rimasto al nono mese di gravidanza.

13

"Aquila sul pino"

Autore

Qi Bayshi.

Nazione Cina
Anni di vita 1864–1957
Stile Gokhua.

L'interesse per la calligrafia ha guidato il qi baisha alla pittura. All'età di 28 anni, è diventato uno studente dell'artista Hu Zinyuan. Il Ministero della cultura della Cina lo ha stanziato il titolo di "Grande artista del popolo cinese", nel 1956 ha ricevuto un premio internazionale del mondo.

10x26 cm
1946.
Costo
$ 65,4 milioni.
venduto nel 2011
sull'asta Cina Guardian.

Qi Bayshi era interessato a quelle manifestazioni del mondo circostante, che molti non danno valori, e in questa sua grandezza. Un uomo senza educazione è diventato professore e un creatore eccezionale nella storia. Pablo Picasso ha parlato di lui: "Ho paura di andare nel tuo paese, perché in Cina ci sono qi baisha". La composizione "aquila su un pino" è riconosciuta come il più grande lavoro dell'artista. Oltre alla tela, include due rotoli geroglifici. Per la Cina, l'importo per il quale il lavoro è stato acquistato, rappresenta un record - 425,5 milioni di yuan. Solo un rotolo di un antico calligrafo Juan Tinjiang è stato venduto per 436,8 milioni.

14

"1949-A-№1"

Autore

Clifford Still.

Nazione Stati Uniti d'America
Anni di vita 1904–1980
Stile Espressionismo astratto

All'età di 20 anni, ho visitato il Museo Metropolitan di New York ed è rimasto deluso. Più tardi, è stato iscritto per il corso della Lega Studente delle Arti, ma ha lasciato 45 minuti dopo l'inizio delle lezioni - si è rivelato essere "no". La prima mostra personale ha causato una risonanza, l'artista si è trovato, e con questo riconoscimento

79x93 cm
1949 anni
Costo
$ 61,7 milioni.
venduto nel 2011
sull'asta Sotheby's.

Tutte le loro opere, e questa è più di 800 tele e 1600 opere su carta, lo stilista ha vinto la città americana, dove verrà aperto il Museo del suo nome. Denver divenne una città del genere, ma solo la costruzione era costosa per le autorità, e per il suo completamento, quattro opere sono state poste all'asta. È improbabile che le opere di Stille partecipino all'asta ancora, che avanzavano il loro prezzo in anticipo. Il dipinto "1949-A-n. 1" è stato venduto per un record per l'artista, anche se gli esperti hanno previsto la vendita di 25-35 milioni di dollari.

15

"Composizione suprematica"

Autore

Kazimir Malevich.

Nazione Russia
Anni di vita 1878–1935
Stile suprematismo

Malevich ha imparato a pittura nella scuola d'arte di Kiev, poi alla Mosca Academy of Arts. Nel 1913, iniziò a scrivere dipinti geometrici astratti in stile, che chiamava il suprematismo (dal lat. "Dominance").

71x 88,5 cm
1916.
Costo
$ 60 milioni.
venduto nel 2008
sull'asta Sotheby's.

Nel Museo Urbano Amsterdam, la foto è stata tenuta a circa 50 anni, ma dopo una disputa di 17 anni con i parenti di Malevich, il museo le ha dato. L'artista ha scritto questo lavoro in un anno con il "manifesto del suprematismo", quindi Sotheby è stato annunciato prima dell'offerta, non sarebbe andato alla collezione privata in una collezione privata. Quindi è successo. È meglio guardarlo: le forme sulla tela assomigliano alla vista della terra dall'aria. A proposito, alcuni anni prima, gli stessi parenti espropri dal Muse Museo un'altra "composizione suprematica" per venderla all'asta di Phillips per $ 17 milioni.

16

"Fibbie"

Autore

Paul Gajen.

Nazione Francia
Anni di vita 1848–1903
Stile Pospressionismo.

Fino a sette anni, l'artista visse in Perù, poi con la sua famiglia tornò in Francia, ma i ricordi dei bambini lo spinse costantemente per viaggiare. In Francia, ha iniziato a scrivere pitture, era amico di Van Gogh. Ha persino trascorso diversi mesi con sé ad Arles, fino a quando Van Gogh durante una lite ha tagliato l'orecchio.

93,4х60,4 cm
1902 anni
costo
$ 55 milioni.
venduto nel 2005
sull'asta Sotheby's.

Nel 1891, Gauguen ha organizzato per vendere i suoi dipinti per andare in profondità nell'isola di Tahiti ai soldi invertiti. Lì ha creato il lavoro in cui viene sentito il raffinato rapporto della natura e dell'uomo. Gogen viveva in una capanna di paglia, e un paradiso tropicale fiorì sulle sue tele. Sua moglie è diventata il Taitiankah Tehra di 13 anni, che non ha impedito all'artista di unirsi a disordine. Syphilis di malattia, se ne andò per la Francia. Tuttavia, Mogen era da vicino, e tornò a Tahiti. Questo periodo è chiamato "Second Taitian" - è stato allora che l'immagine dei "nuotatori" è stata scritta, uno dei più lussuosi nel suo lavoro.

17

"Narciso e una tovaglia in toni blu e rosa"

Autore

Henri Matisse.

Nazione Francia
Anni di vita 1869–1954
Stile Fovisov.

Nel 1889, Henri Matisse aveva un attacco di appendicite. Quando è stato recuperato dall'operazione, la madre gli comprò dipinge. All'inizio, Matisse di Boedom copiava cartoline a colori copiati, quindi - Le opere di grandi pittori, che hanno visto nel Louvre, e all'inizio del XX secolo si sono innamorati di uno stile - formism.

65.2х81 cm
1911.
Costo
$ 46,4 milioni.
venduto nel 2009
sull'asta Christie's.

L'immagine "Narciso e una tovaglia nei toni blu e rosa" per molto tempo appartenevano all'Ida Saint-Laurent. Dopo la morte di Kuurier, tutta la sua collezione di arte si è trasferita nelle mani del suo amico e nell'amante Pierre Berez, che ha deciso di metterlo all'asta di Christie. La perla della collezione venduta era il dipinto "Narciso e una tovaglia nei toni blu e rosa", scritti su una normale tovaglia invece di tela. Come campione di foxism, è pieno di energia del colore, le vernici sembrano esplodere e urlare. Dalla famosa serie di dipinti scritti sulla tovaglia, oggi questo lavoro è l'unico, che è nella collezione privata.

18

"Ragazza addormentata"

Autore

Roy.Menzogna

khtenstein.

Nazione Stati Uniti d'America
Anni di vita 1923–1997
Stile pop Art

L'artista è nato a New York, e laureato da scuola, è andato all'Ohio, dove è andato a corsi d'arte. Nel 1949, Liechtenstein ha conseguito un master in eleganti arti. Interesse per i fumetti e la capacità di stirare l'artista del culto del secolo scorso.

91x91 cm
1964.
Costo
$ 44.882 milioni.
venduto nel 2012
sull'asta Sotheby's.

Un giorno una gomma da masticare ha colpito il Liechtenstein. Ha rinviato l'immagine dal fodera sulla tela e divenne famoso. In questa trama dalla sua biografia, l'intera missione Pop Art è conclusa: il consumo è un nuovo Dio, e nella caramella da Zhwachka non meno la bellezza che a Mont Lisa. I suoi dipinti assomigliano a fumetti e cartoni animati: Liechtenstein ha semplicemente aumentato l'immagine rifinita, disegnando i rastatori, la stampa stencil usata e lo schermo di seta. L'immagine "ragazza addormentata" apparteneva per quasi 50 anni ai collezionisti di Beatris e Philip Pearrs, i cui eredi lo hanno venduto all'asta.

19

"Vittoria. Boogie Woogie"

Autore

Pete Mondrian.

Nazione Olanda
Anni di vita 1872–1944
Stile Neolasticismo

Il suo vero cognome - Cornelis - L'artista è cambiato in Mondrian, quando nel 1912 si trasferì a Parigi. Insieme all'artista Teo Vann Dusburg fondò il movimento "Nexousticism". In onore di Mondrian, il linguaggio di programmazione PIET è nominato.

27x127 cm.
1944.
costo
$ 40 milioni.
venduto nel 1998.
sull'asta Sotheby's.

Il più "musicale" degli artisti del 20 ° secolo ha guadagnato un vivo da vivendoli, anche se divenne famoso per un artista neoplastico. Negli Stati Uniti, si è trasferito negli anni '40 e ha trascorso lì il resto della vita. Jazz e New York - Questo è ciò che lo ha ispirato di più! Immagine "vittoria. Bogi-Vuy "è il miglior esempio di questo. I quadrati ordinati "marchiera" sono stati ottenuti a causa dell'uso del nastro adesivo - materiale preferito di Mondrian. In America, fu chiamato il "più famoso immigrato". Negli anni Sessanta, Yves Saint Laurent ha rilasciato i vestiti Mondrian noti a tutto il mondo con una stampa in una grande cella a colori.

20

"Numero composizione 5"

Autore

BasilicoKandinsky.

Nazione Russia
Anni di vita 1866–1944
Stile avanguardia

L'artista è nato a Mosca, e suo padre era dalla Siberia. Dopo la rivoluzione, ha cercato di collaborare con il potere sovietico, ma presto si rese conto che le leggi del proletariato non sono state create per lui, e non è stato emigrato in Germania senza difficoltà.

275x190 cm
1911.
costo
$ 40 milioni.
venduto nel 2007.
sull'asta Sotheby's.

Kandinsky Uno dei primi ha completamente rifiutato il dipinto soggetto, per il quale ha ricevuto il titolo di genio. Durante il nazismo in Germania, i suoi dipinti sono stati attribuiti a "Arte degenerativa" e non sono state esposte da nessuna parte. Nel 1939, Kandinsky ha adottato la cittadinanza francese, ha partecipato al processo artistico a Parigi. I suoi dipinti "Sound", come se la fuga, così tanti fossero chiamati "composizioni" (il primo è stato scritto nel 1910, quest'ultimo - nel 1939). "Composizione numero 5" è uno dei lavori chiave in questo genere: "La parola" composizione "suonava per me come preghiera", ha detto l'artista. A differenza di molti follower, ha pianificato ciò che avrebbe rappresentato su un'enorme tela, come se scrivesse note.

21

"Le donne etude in blu"

Autore

Fernian Leo.

Nazione Francia
Anni di vita 1881–1955
Stile cubismo-postopressioneismo

Leseway ha ricevuto l'educazione architettonica, e poi è stato ascoltatore della scuola di eleganti arti a Parigi. L'artista si considerava il seguace di Cezanna, era un apologedo del cubismo, e nel XX secolo ha avuto anche successo come scultore.

96,5x129,5 cm
1912-1913 anni
Costo
$ 39,2 milioni.
venduto nel 2008
sull'asta Sotheby's.

David Norman, Presidente del Dipartimento Internazionale dell'impressionismo e del Modernismo Sotheby, considera un importo enorme pagato per la "Lady in Blue", abbastanza giustificata. L'immagine appartiene alla famosa collezione Lesion (l'artista ha scritto tre immagini su una trama, in mani private oggi - l'ultimo. - Ed. Ed.), E la superficie della tela è conservata in incontaminata. Lo stesso autore ha dato a questo lavoro alla Galleria di Der Sturm, poi cadde nella collezione Hermann Lang, i raccoglitori tedeschi del modernismo e ora appartengono a un acquirente sconosciuto.

22

"Scena di strada. Berlino"

Autore

Ernst Ludwig.Kirchner.

Nazione Germania
Anni di vita 1880–1938
Stile espressionismo

Per l'espressionismo tedesco, Kirchner è diventato una persona del segno. Tuttavia, le autorità locali lo hanno accusato di impegno per "arte degenerativa", che ha influenzato tragicamente il destino dei suoi dipinti e nella vita dell'artista che si è suicidato nel 1938.

95x121 cm
1913 anni
costo
$ 38,096 milioni.
venduto nel 2006
sull'asta Christie's.

Dopo aver trasferito a Berlino, Kirchner ha creato 11 schizzi di scene di strada. Era ispirato dal tumulto e dal nervosismo di una grande città. Nel film venduto nel 2006 a New York, uno stato allarmante dell'artista è particolarmente acuto: le persone a Berlino Street assomigliano agli uccelli - elegante e pericoloso. È diventata l'ultimo lavoro della famosa serie venduta all'asta, il resto è conservato nei musei. Nel 1937, i nazisti erano crudelmente trattati con Kirchner: 639 delle sue opere sono state ritirate dalle gallerie tedesche, distrutte o vendute all'estero. L'artista non poteva sopravvivere a questo.

23

"Ricreazioneballerino"

Autore

Edgar Degas.

Nazione Francia
Anni di vita 1834–1917
Stile impressionismo

La storia di DEGI come artista ha iniziato con il fatto che ha lavorato come copywriter in Louvre. Sognava di diventare "famosi e sconosciuti" e alla fine era possibile. Alla fine della vita, i Degas sordi e lottanti di 80 anni hanno continuato a partecipare a mostre e aste.

64x59 cm
1879 anni
costo
$ 37.043 milioni.
venduto nel 2008
sull'asta Sotheby's.

"La ballerina è sempre stata per me solo un pretesto per ritrarre tessuti e afferrare il movimento", ha detto Degas. Trame dalla vita dei ballerini come se fidata: le ragazze non sono pubblicate da un artista, ma diventano solo parte dell'atmosfera catturata da degas. Il "ballerino di riposa" è stato venduto per $ 28 milioni nel 1999, e in meno di 10 anni lo hanno acquistato per 37 milioni - oggi è il lavoro più costoso dell'artista, mai sopportato all'asta. È stata prestata molta attenzione al Ramam, lui stesso li ha progettati e li ha banditi. Mi chiedo che tipo di frame è installato su un'immagine venduta?

24

"Pittura"

Autore

Juan Miro.

Nazione Spagna
Anni di vita 1893–1983
Stile arte astratta

Durante la guerra civile in Spagna, l'artista era dalla parte dei repubblicani. Nel 1937, corse dal potere fascista a Parigi, dove viveva in una povertà con la sua famiglia. Durante questo periodo, Miro scrive l'immagine "Aiuta la Spagna!", Prestando attenzione a tutto il mondo sul dominio del fascismo.

89x115 cm
1927 anni
Costo
$ 36,824 milioni.
venduto nel 2012
sull'asta Sotheby's.

Il secondo nome dell'immagine è la "Blue Star". L'artista lo ha scritto nello stesso anno in cui ha annunciato: "Voglio uccidere la pittura" e meritosamente deriso la tela, grattando la vernice con le unghie, incollando verso la tela di piume, coprendo il lavoro con la spazzatura. Il suo obiettivo era quello di debuniare i miti del sacramento della pittura, ma, a far fronte a questo, Miro ha creato il suo mito - astrazione surreale. La sua "pittura" si riferisce al ciclo di "snowstice". All'asta, quattro acquirenti combattevano per lei, ma una telefonata in incognito ha risolto la disputa, e "la pittura" divenne l'immagine più costosa dell'artista.

25

"Rosa blu"

Autore

Yves Klein.

Nazione Francia
Anni di vita 1928–1962
Stile Pittura monocromatica

L'artista è nato nella famiglia dei pittori, ma ha studiato orientale, marittimi di mare, artigianato della RAM dorata, Zen-Buddhism e molto. La sua personalità e i suoi trucchi sfacciato erano a volte più interessanti nei dipinti monocromatici.

153x199x16 cm
1960.
Costo
$ 36.779 milioni.
venduto nel 2012.
All'Asta di Christie

La prima mostra di lavoro giallo monofonico, arancione, rosa non ha causato interesse tra il pubblico. Klein è stata offesa e la prossima volta che ho presentato 11 identiche tela macchiate con ultramarine interspersed con una speciale resina sintetica. Ha anche brevettato questo metodo. Nella storia, il colore è entrato come il "colore blu internazionale di Klein". Un altro artista ha venduto il vuoto, creato foto, sostituendo la carta per la pioggia, ambientare sul cartone, facendo la tela dell'impronta del corpo umano. In una parola, sperimentato come poteva. Per creare una "rosa blu" usata pigmenti secchi, resine, ciottoli e una spugna naturale.

26

"Alla ricerca di Mosè"

Autore

SIR Lawrence Alma Tadema

Nazione Gran Bretagna
Anni di vita 1836–1912
Stile Neoclassicismo

Il prefisso "Alma" al suo cognome Sir Lawrence si è aggiunto per essere il primo nelle directory artistiche. Nell'Inghilterra vittoriana, i suoi dipinti erano così affermati che l'artista è stato assegnato il rango knightly.

213,4х136,7 cm
1902 anni
Costo
$ 35,922 milioni.
venduto nel 2011
sull'asta Sotheby's.

Il tema principale della creatività del Tadema Alma era antichità. Nelle foto, ha provato nei più piccoli dettagli per ritrarre l'epoca dell'impero romano, per questo persino impegnato negli scavi archeologici sulla penisola dell'Apenninsky, e nella sua casa di Londra riproduceva gli interni storici di quegli anni. I grafici mitologici sono diventati un'altra fonte di ispirazione per lui. L'artista era estremamente richiesto durante la sua vita, ma dopo la morte ha dimenticato rapidamente. Ora l'interesse è rinato, come il costo dell'immagine "Alla ricerca di Mosè", sette volte, superando il preventivo pre-vendita.

27

"Ritratto del funzionario nudo addormentato"

Autore

Lucien Freud.

Nazione Germania,
Gran Bretagna
Anni di vita 1922–2011
Stile Pittura figurativa

L'artista è il nipote Sigmund Freud, padre della psicoanalisi. Dopo aver stabilito il fascismo in Germania, la sua famiglia emigrò nel Regno Unito. Le opere di Freud si trovano nel Museo di Londra "Meeting of Wallace", dove nessun artista moderno è stato precedentemente esposto.

219.1х151,4 cm
1995.
Costo
$ 33,6 milioni.
venduto nel 2008
sull'asta Christie's.

Mentre gli artisti della moda del 20 ° secolo hanno creato "macchie di colore positive del muro" e vendetteli per milioni, Freud ha scritto dipinti estremamente naturalistici e li vendette ancora più costosi. "Catturarò le grida dell'anima e soffrendo la carne di sbiadimento", ha detto. I critici ritengono che tutta questa "ereditarietà" Sigmund Freud. I dipinti erano così attivamente esposti e venduti con successo che gli specialisti avevano una questione di dubbio: hanno avuto proprietà ipnotiche? Il "ritratto dell'Asta del Dormire Nude Official", secondo l'edizione del sole, ha acquisito un conoscitore del bellissimo e miliardario romano Abramovich.

28

"Violino e chitarra"

Autore

H.uAN Gras.

Nazione Spagna
Anni di vita 1887–1927
Stile cubismo

Nato a Madrid, dove si è laureato in arte scolastica e artigianato. Nel 1906 si trasferì a Parigi ed entrò nel cerchio degli artisti più influenti dell'era: Picasso, Modigliani, Matrimonio, Matisse, Lyzh, ha anche lavorato con Sergey Dyagilev e la sua troupe.

5x100 cm
1913 anni
Costo
$ 28.642 milioni.
venduto nel 2010 anno
sull'asta Christie's.

GRI, secondo le sue stesse parole, era impegnata in "Aereo, architettura a colori". I suoi dipinti sono pensati con precisione: non ha lasciato una singola striscia casuale, che racconta la creatività con la geometria. L'artista ha creato la sua versione del cubismo, anche se Pablo Picasso, il fondatore della direzione molto rispettato. Il successore è stato anche dedicato a lui il suo primo lavoro nello stile del cubismo "tributo a Picasso". Il dipinto "violino e chitarra" è riconosciuto come eccezionale nel lavoro dell'artista. Durante la vita, Gras era noto, clinicamente critici e storici dell'arte. Le sue opere sono esposte nei più grandi musei del mondo, immagazzinati in collezioni private.

29

"RitrattoCampi Elouar »

Autore

Salvador Dalì

Nazione Spagna
Anni di vita 1904–1989
Stile surrealismo

"Il surrealismo è io," disse Dali, quando fu escluso dal gruppo di surrealisti. Nel corso del tempo, è diventato l'artista surrealista più famoso. La creatività è stata data ovunque, e non solo nelle gallerie. Ad esempio, è venuta con un imballaggio per Chupa-Chupa.

25x33 cm
1929 anni
Costo
$ 20,6 milioni.
venduto nel 2011
sull'asta Sotheby's.

Nel 1929, visita il grande provocatore e lo scandalista Dali arrivò il poeta Paul Eluro con la sua moglie russa Galo. L'incontro è stato l'inizio della storia dell'amore che è durato più di mezzo secolo. L'immagine "Ritratto del campo Eloire" è scritto solo durante questa visita storica. "Ho sentito di essere stato accusato di un dovere di catturare il viso del poeta, con l'OlyMP di cui ho rapito una delle musiche", ha detto l'artista. Prima della conoscenza con Galo, era una vergine e sperimentato disgusto con il pensiero sul sesso con una donna. Il triangolo dell'amore esisteva davanti alla morte di Eluar, dopo di che è diventato un Duet Dali Gala.

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"Anniversario"

Autore

Mark Shagal.

Nazione Russia, Francia
Anni di vita 1887–1985
Stile Avangard.

Moisha Segal è nato a Vitebsk, ma nel 1910 emigrò a Parigi, ha sostituito il nome, è diventato vicino ai principali avanguardi dell'era. Negli anni '30, quando catturano le autorità, i fascisti sono andati negli Stati Uniti con l'aiuto del console americano. Restituito in Francia solo nel 1948.

80x103 cm.
1923.
Costo
$ 14,85 milioni.
venduto nel 1990.
All'asta di Sotheby

L'immagine "anniversario" è riconosciuta come una delle migliori opere dell'artista. Ha tutte le caratteristiche della sua creatività: le leggi fisiche del mondo hanno cancellato, rimane la sensazione di fiabe nello scenario della vita di Mashchansky, e nel centro della trama - amore. Chagall non ha disegnato persone dalla natura, ma solo in memoria o fantasticizzare. Nel quadro "anniversario" catturato dall'artista con sua moglie Bel. L'immagine è stata venduta nel 1990 e da allora non ha partecipato all'asta. È interessante notare che nel New York MoMA Museum MOMA è assolutamente lo stesso, chiamato solo "compleanno". A proposito, è stata scritta prima - nel 1915.

progetto preparato
Tatyana Palaceov.
valutazione composta
elenco www.art-spb.ru.
rivista tmn №13. (Maggio-giugno 2013)