Sandro Botticelli (1445-1510) è uno dei più importanti artisti fiorentini che operarono nel primo Rinascimento. Il soprannome Botticelli, che tradotto in russo significa botte, apparteneva in origine al fratello maggiore dell'artista Giovanni, che aveva un fisico imponente. Il vero nome del pittore è Alessandro Filipepi.

Infanzia, gioventù e formazione professionale

Botticelli nasce nella famiglia di un conciatore. La prima menzione di lui fu scoperta 13 anni dopo la nascita del ragazzo, nel 1458. Il giovane Botticelli era un bambino estremamente malaticcio, ma fece ogni sforzo per imparare a leggere. Intorno allo stesso periodo, Sandro iniziò a guadagnare soldi extra nella bottega dell'altro fratello Antonio.

Il mestiere di Botticelli non era destinato ad essere impegnato, e se ne accorse dopo un po' di lavoro come apprendista. Nei primi anni '60 del XV secolo, Sandro iniziò a studiare con uno dei più grandi artisti dell'epoca, Fra Filippo Lippi. Lo stile del maestro colpì il giovane Botticelli, che si manifestò poi nelle prime opere dell'artista.

Già nel 1467 il giovane artista fiorentino aprì una bottega, e tra le sue prime opere vi sono "Madonna con bambini e due angeli", "Madonna dell'Eucaristia" e alcuni altri dipinti.

L'inizio di un percorso creativo indipendente

Sandro completò il suo primo progetto già nel 1470, e il suo lavoro era destinato all'aula del tribunale. Gli affari di Botticelli andarono nel miglior modo possibile, e ben presto divenne un ricercato maestro, la cui fama iniziò gradualmente a raggiungere la reggia.

Botticelli creò il suo primo capolavoro nel 1475. Divennero il dipinto, intitolato "L'Adorazione dei Magi". Il cliente era un banchiere abbastanza ricco e influente con legami con gli allora governanti della città, con i quali presentò un ragazzo di talento. Da allora, il creatore fu vicino alla famiglia regnante dei Medici ed eseguiva ordini appositamente per loro. Le opere principali di questo periodo possono essere chiamate il dipinto "La primavera" e "La nascita di Venere".

Invito a Roma e al culmine della gloria

Le voci su un artista giovane ma di grande talento si diffusero rapidamente fino a Roma, dove papa Sisto IV lo chiamò all'inizio degli anni '80. Botticelli fu incaricato, in collaborazione con altri personaggi famosi del suo tempo, di realizzare il progetto della struttura di nuova costruzione, conosciuta fino ad oggi - la Cappella Sistina. Sandro ha partecipato alla realizzazione di numerosi affreschi famosi, tra cui La giovinezza di Mosè e La tentazione di Cristo.

L'anno successivo Botticelli tornò nella natia Firenze, la cui probabile causa fu la morte del padre. Anche se allo stesso tempo era letteralmente sovraccarico di ordini nella sua città natale.

A metà degli anni '80 del XV secolo, Botticelli era all'apice della sua fama: c'erano così tanti ordini che l'artista semplicemente non aveva il tempo di dipingere da solo tutti i quadri. La maggior parte del lavoro è stata eseguita dagli studenti dell'eccezionale creatore e lo stesso Botticelli è stato impegnato solo nella creazione degli elementi più complessi delle composizioni. Tra le opere più famose dell'artista, da lui create negli anni '80, ci sono "Annunciazione", "Venere e Marte" e "Madonna Magnificat".

Creatività tardiva

Gravi prove nella vita sono accadute al creatore negli anni '90, quando ha perso il suo amato fratello, dal quale ha ottenuto un soprannome così divertente. Poco dopo, l'artista iniziò a dubitare che tutte le sue attività fossero giustificate.

Il tutto coincise con eventi estremamente importanti che portarono al rovesciamento della dinastia dei Medici. Savonarola salì al potere, criticando ferocemente lo spreco e la venalità degli ex governanti. Era anche insoddisfatto del papato. Il potere di questo sovrano era assicurato dall'appoggio popolare, al suo fianco passò anche Botticelli, ma Savonarola non governò a lungo: solo pochi anni dopo fu deposto dal trono e arso vivo sul rogo.

Gli eventi tristi feriscono profondamente il pittore. Molti a quel tempo dicevano che Botticelli fosse uno dei "convertiti", che si poteva giudicare dalle ultime opere del creatore. Fu questo decennio che divenne decisivo nella vita dell'artista.

Ultimi anni di vita e di morte

Negli ultimi 10-12 anni della sua vita, la gloria del grande pittore iniziò gradualmente a svanire e Botticelli poté solo ricordare la sua precedente popolarità. I contemporanei che lo trovarono negli ultimi anni della sua vita scrissero di lui che era completamente povero, si muoveva con le stampelle e nessuno si preoccupava minimamente di lui. Le ultime opere di Botticelli, tra cui il "Presepe mistico" del 1500, non furono apprezzate e nessuno si rivolse a lui per commissionare nuovi dipinti. Indicativo fu il caso in cui l'allora regina, nella scelta degli artisti per adempiere al suo ordine, respinse in ogni modo le proposte di Botticelli.

Il pittore un tempo famoso morì nel 1510, tutto solo e povero. Fu sepolto in un cimitero vicino a una delle chiese fiorentine. Insieme allo stesso creatore, la sua fama morì completamente, che fu ripresa solo negli ultimi decenni del XIX secolo.

Ci sono diversi dipinti che le persone associano al Rinascimento. Questi dipinti sono famosi in tutto il mondo e sono diventati veri e propri simboli di quel tempo. Per scrivere la maggior parte dei dipinti, gli artisti hanno invitato persone i cui nomi non sono pervenuti a noi come soggetti. Sembravano proprio i personaggi che l'artista voleva, tutto qui. E quindi, non importa quanto siamo interessati al loro destino, ora non si sa quasi nulla di loro.

Sandro Botticelli e la sua "Venere" di Simonetta Vespucci

Un esempio di ciò è il famoso dipinto di Michelangelo, che adorna il soffitto della Cappella Sistina, "La creazione di Adamo", o la creazione dello stesso autore - la statua del David. Ora non si sa più chi sia servito da modello per la creazione di queste opere.

Lo stesso vale per il famoso dipinto di Leonardo da Vinci "La Gioconda". Ora ci sono molte voci che Lisa Gerardini fosse il tipo da scrivere, ma in questa versione c'è più dubbio che certezza. E il mistero stesso del quadro è più probabilmente connesso alla personalità stessa di Leonardo da Vinci che al suo modello.

Tuttavia, sullo sfondo di tutta questa incertezza, la storia della creazione del famoso dipinto di Sandro Botticelli "La nascita di Venere" e del modello che servì da prototipo di Venere è abbastanza chiara. Era Simonetta Vespucci, una bellezza riconosciuta di quell'epoca. Purtroppo il quadro non è stato dipinto dalla natura, perché ormai la musa di Botticelli era già morta.

Botticelli nacque a Firenze e per tutta la vita fu patrocinato dalla famiglia più influente della città di quel tempo: i Medici. Nella stessa città abitava anche Simonetta, di nome da nubile Cattaneo, figlia di un nobile genovese. Simonetta all'età di sedici anni sposò Marco Vespucci, che se ne innamorò senza memoria e fu ben accolto dai suoi genitori.

Tutti gli uomini della città impazzirono per la bellezza e la gentilezza di Simonetta, anche i fratelli Giuliano e Lorenzo Medici caddero sotto il suo fascino. Come modello per l'artista Sandro Botticelli, Simonetta è stata offerta dalla stessa famiglia Vespucci. Per Botticelli questo è stato un incontro fatale, si è innamorato a prima vista della sua modella, è diventata la sua musa ispiratrice. Contemporaneamente, al torneo di giostre del 1475, Giuliano de Medici si esibì con una bandiera, che raffigurava anche un ritratto di Simonetta di mano di Botticelli con una scritta in francese che significa "Incomparabile". Dopo la vittoria in questo torneo, Simonetta fu dichiarata "Regina della Bellezza", e la fama di lei come la donna più bella di Firenze si diffuse in tutta Europa.

E come detto sopra, purtroppo Simonetta morì poco dopo, nel 1476 a soli 23 anni, presumibilmente di tubercolosi. Botticelli non poté mai dimenticarla e visse da solo tutta la vita, morì nel 1510.

Senza dubbio, l'artista ha rispettato il matrimonio di Simonetta e non ha mostrato il suo amore in alcun modo, se non scrivendo molti dipinti con la sua immagine. Quindi sulla famosa tela "Venere e Marte" ha raffigurato eroi la cui somiglianza con Simonetta e lo stesso autore nel ruolo di Marte non è messa in discussione da nessuno.

E nel 1485 Botticelli dipinse il famoso dipinto “La nascita di Venere”, che dedicò alla memoria della sua amata, nove anni dopo la sua morte. L'amore di Botticelli fu così grande che chiese di essere sepolto nella tomba dove fu sepolta Simonetta Vespucci, "ai piedi" della sua sepoltura.

È noto che Botticelli scrisse più di 150 opere, ma la maggior parte di esse furono distrutte da rappresentanti della Chiesa cattolica, che accusarono l'opera di paganesimo e secolarismo. La Nascita di Venere si salvò miracolosamente, si dice che fosse stata protetta da Lorenzo de' Medici in memoria del fratello e dell'amore per Simonetta.

Non esiste pittura più poetica della pittura di Sandro Botticelli (Botticelli, Sandro). L'artista è stato riconosciuto per la sottigliezza e l'espressività del suo stile. Lo stile brillantemente individuale dell'artista è caratterizzato dalla musicalità della luce, dalle linee tremolanti, dalla trasparenza dei colori freddi e raffinati, dall'animazione del paesaggio e dal gioco stravagante di ritmi lineari. Ha sempre cercato di infondere l'anima in nuove forme pittoriche.

Alessandro di Mariano Filipepi nasce il 1 marzo 1445 da Mariano e Smeralda Filipepi. Come molte persone della zona, suo padre era un conciatore. La prima menzione di Alessandro, oltre che di altri artisti fiorentini, la troviamo nelle cosiddette "portate al Catasto", cioè il catasto, dove venivano redatte le dichiarazioni dei redditi per le imposte, che, ai sensi del decreto del Repubblica del 1427, il capo di ogni fiorentino era obbligato a fare famiglie. Nel 1458 Mariano Filipepi indicò di avere quattro figli: Giovanni, Antonio, Simone e il tredicenne Sandro, e aggiunse che Sandro "imparava a leggere, è un ragazzo malaticcio". Alessandro ha ricevuto il suo nome e soprannome Botticelli ("botte") dal fratello maggiore. Il padre voleva che il figlio più giovane seguisse le orme di Antonio, che lavorava come orafo almeno dal 1457, il che segnerà l'inizio di una piccola ma affidabile azienda familiare.

Secondo il Vasari, c'era allora un legame così stretto tra gioiellieri e pittori che entrare nella bottega di uno significava avere accesso diretto al mestiere di altri, e Sandro, che era piuttosto abile nel disegno - l'arte necessaria per un'accurata e fiducioso "annerimento", presto si interessò alla pittura e decise di dedicarsi ad essa, senza dimenticare le lezioni più preziose dell'arte della gioielleria, in particolare la chiarezza nel disegno dei contorni. Intorno al 1464 Sandro entrò nella bottega di fra Filippo Lippi dal monastero del Carmine, il più eccellente pittore dell'epoca, che lasciò nel 1467 all'età di ventidue anni.

Primo periodo di creatività

Lo stile di Filippo Lippi ebbe una grande influenza su Botticelli, manifestandosi principalmente in alcuni tipi di volti, dettagli ornamentali e colorazioni. Nelle sue opere della fine degli anni Sessanta del Quattrocento, la fragile, planare linearità e grazia, adottata da Filippo Lippi, sono sostituite da una più potente interpretazione delle figure e da una nuova comprensione della plasticità dei volumi. Più o meno nello stesso periodo, Botticelli iniziò a utilizzare energiche ombre ocra per trasmettere il colore della carne, una tecnica che divenne una caratteristica del suo stile. Questi cambiamenti sono mostrati in pieno vigore nel primo dipinto documentato per la corte dei mercanti, Allegoria del potere. (1470 ca, Firenze, Galleria degli Uffizi) e in forma meno pronunciata in due prime Madonne (Napoli, Galleria Capodimonte; Boston, Isabella Stewart Gardner Museum). Due celebri composizioni in coppia La Storia di Giuditta (Firenze, Uffizi), anch'esse tra le prime opere del maestro (1470 ca.), illustrano un altro aspetto importante della pittura di Botticelli: una narrazione vivace e capiente, in cui si fondono espressione e azione, rivelando l'essenza drammatica con completa chiarezza della trama. Rivelano anche un già iniziato cambiamento di colore, che diventa più luminoso e più saturo, in contrasto con la tavolozza pallida di Filippo Lippi, che prevale nel primo dipinto di Botticelli, l'Adorazione dei Magi (Londra, National Gallery).

Probabilmente già nel 1469 Botticelli può essere considerato un artista indipendente, poiché nel catasto dello stesso anno Mariano dichiarava che suo figlio lavorava in casa. Al momento della morte di suo padre, i Filipepis possedevano notevoli proprietà. Morì nell'ottobre del 1469 e l'anno successivo Sandro aprì la sua bottega.

Nel 1472 Sandro entrò nella Corporazione di San Luca. Botticelli riceve ordini principalmente a Firenze.

L'ascesa del maestro

Nel 1469 il potere a Firenze passò al nipote di Cosimo il Vecchio - Lorenzo Medici, soprannominato il Magnifico. La sua corte diventa il centro della cultura fiorentina. Lorenzo, amico di artisti e poeti, raffinato poeta e pensatore egli stesso, diventa mecenate e cliente di Botticelli.

Tra le opere di Botticelli, solo poche hanno date attendibili; molti dei suoi dipinti sono stati datati sulla base di analisi stilistiche. Alcune delle opere più famose risalgono agli anni Settanta del Quattrocento: il dipinto di San Sebastiano (1473), la prima raffigurazione di un corpo nudo nell'opera del maestro; Adorazione dei Magi (1475 ca, Uffizi). Due ritratti - un giovane (Firenze, Galleria Pitti) e una dama fiorentina (Londra, Victoria and Albert Museum) - risalgono ai primi anni '70 del Quattrocento. Qualche tempo dopo, forse nel 1476, fu realizzato un ritratto di Giuliano de' Medici, fratello di Lorenzo (Washington, National Gallery). Le opere di questo decennio dimostrano la graduale crescita della capacità artistica di Botticelli. Utilizzò le tecniche ei principi esposti nel primo eccezionale trattato teorico sulla pittura rinascimentale di Leon Battista Alberti (Sulla pittura, 1435-1436) e sperimentò la prospettiva. Alla fine degli anni Settanta del Quattrocento, nelle opere di Botticelli scomparvero le fluttuazioni stilistiche e i prestiti diretti da altri artisti insiti nelle sue prime opere. A questo punto, padroneggiava già con sicurezza uno stile completamente individuale: le figure dei personaggi acquisiscono una struttura forte e i loro contorni combinano sorprendentemente chiarezza ed eleganza con energia; l'espressività drammatica si ottiene combinando azione attiva e profonda esperienza interiore. Tutte queste qualità sono presenti nell'affresco di S. Agostino (Firenze, Chiesa di Ognisanti), scritto nel 1480 in coppia con l'affresco del Ghirlandaio S. Girolamo. Articoli intorno a S. Agostino, - un leggio, libri, strumenti scientifici - dimostrano l'abilità di Botticelli nel genere della natura morta: sono rappresentati con accuratezza e chiarezza, rivelando la capacità dell'artista di cogliere l'essenza della forma, ma allo stesso tempo non sono eclatanti e non distrarre dalla cosa principale. Forse questo interesse per la natura morta è associato all'influenza della pittura olandese, che fu ammirata dai fiorentini del XV secolo. Naturalmente, l'arte olandese ha influenzato l'interpretazione del paesaggio di Botticelli. Scriveva Leonardo da Vinci che il "nostro Botticelli" mostrava poco interesse per il paesaggio: "... dice che questo è un esercizio a vuoto, perché basta gettare sul muro una spugna imbevuta di colori, e lascerà un luogo in cui si può scorgere un bel paesaggio". Botticelli generalmente si accontentava di utilizzare motivi convenzionali per gli sfondi dei suoi dipinti, variandoli incorporando motivi pittorici olandesi come chiese gotiche, castelli e mura per ottenere un effetto romantico-pittoresco.

L'artista scrive molto su ordine di Lorenzo de' Medici e dei suoi parenti. Nel 1475, in occasione del torneo, dipinge uno stendardo per Giuliano Medici. E una volta ha persino catturato i suoi clienti sotto forma di Magi nel dipinto "L'Adorazione dei Magi" (1475-1478) Qui puoi trovare anche il primo autoritratto dell'artista. Inizia il periodo più fecondo dell'opera di Botticelli. A giudicare dal numero dei suoi allievi e collaboratori iscritti al catasto, nel 1480 la bottega di Botticelli fu ampiamente riconosciuta.

Nel 1481 Botticelli fu invitato da papa Sisto IV a Roma, insieme a Cosimo Rosselli e al Ghirlandaio, per affrescare le pareti laterali della Cappella Sistina, appena ricostruita. Ha completato tre di questi affreschi: scene della vita di Mosè, la guarigione di un lebbroso e la tentazione di Cristo e la punizione di Korah, Datan e Abiron. In tutti e tre gli affreschi viene magistralmente risolto il problema di presentare un complesso programma teologico in scene drammatiche chiare, leggere e vivaci; sfruttando appieno gli effetti compositivi.

Dopo il ritorno a Firenze, forse alla fine del 1481 o all'inizio del 1482, Botticelli dipinse i suoi famosi dipinti su temi mitologici: la Primavera, Pallade e il centauro, la Nascita di Venere (tutti agli Uffizi) e Venere e Marte (Londra, National Gallery), appartenenti al numero delle opere più famose del Rinascimento e che rappresentano i veri capolavori dell'arte dell'Europa occidentale. I personaggi e le trame di questi dipinti sono ispirati alle opere di poeti antichi, principalmente Lucrezio e Ovidio, oltre che alla mitologia. Sente l'influenza dell'arte antica, una buona conoscenza della scultura classica o dei suoi schizzi, diffusi nel Rinascimento. Quindi, le grazie della primavera risalgono al gruppo classico delle tre grazie e alla posa di Venere dalla nascita di Venere - al tipo Venere pudica (Venere timida).

Alcuni studiosi vedono in questi dipinti un'incarnazione visiva delle principali idee dei neoplatonici fiorentini, in particolare Marsilio Ficino (1433-1499). Tuttavia, i sostenitori di questa ipotesi ignorano il principio sensuale nei tre dipinti raffiguranti Venere e la glorificazione della purezza e della purezza, che è senza dubbio il tema di Pallade e del Centauro. L'ipotesi più plausibile è che tutti e quattro i dipinti siano stati dipinti in occasione del matrimonio. Sono le opere sopravvissute più straordinarie di questo genere di pittura, che celebra il matrimonio e le virtù associate alla nascita dell'amore nell'anima di una sposa pura e bella. Le stesse idee sono le principali in quattro composizioni che illustrano la storia di Boccaccio Nastagio degli Onesti (che si trovano in collezioni diverse), e due affreschi (Louvre), eseguiti intorno al 1486 in occasione del matrimonio del figlio di uno dei più stretti collaboratori dei Medici.

Crisi dell'Anima Crisi della Creatività

Negli anni Novanta del Quattrocento Firenze conobbe sconvolgimenti politici e sociali: l'espulsione dei Medici, il governo a breve termine di Savonarola con i suoi sermoni accusatori religiosi e mistici diretti contro il prestigio papale e il ricco patriziato fiorentino.

Dilaniata dalle contraddizioni, l'anima di Botticelli, che sentiva la bellezza del mondo scoperta dal Rinascimento, ma temeva la sua peccaminosità, non la sopportava. Note mistiche iniziano a risuonare nella sua arte, compaiono nervosismo e dramma. Nell'Annunciazione di Cestello (1484-1490, Uffizi) compaiono già i primi segni di manierismo, che progressivamente si accrescono nelle opere successive di Botticelli, portandolo lontano dalla pienezza e ricchezza della natura del periodo maturo della creatività verso uno stile in cui l'artista ammira le peculiarità del proprio modo. Le proporzioni delle figure sono violate per aumentare l'espressività psicologica. Questo stile, in una forma o nell'altra, è caratteristico delle opere di Botticelli del 1490 e dei primi del 1500, anche per il dipinto allegorico Calunnia (Uffizi), in cui il maestro esalta la propria opera, associandola alla creazione di Apelle, il più grande degli antichi pittori greci.

Nel dipinto "Le nozze della Madre di Dio" (1490), nei volti degli angeli e nella rapidità delle loro posizioni e gesti è visibile un'ossessione severa e intensa, quasi un oblio di sé bacchico.

Dopo la morte del maestro mecenate Lorenzo Medici (1492) e l'esecuzione del Savonarola (1498), il suo carattere cambiò definitivamente. L'artista ha rifiutato non solo l'interpretazione di temi umanistici, ma anche il linguaggio plastico che gli era stato caratteristico in precedenza. I suoi ultimi dipinti si distinguono per l'ascesi e la concisione della combinazione di colori. Le sue opere sono intrise di pessimismo e disperazione. Uno dei famosi dipinti di questo periodo, "Abbandonato" (1495-1500), raffigura una donna piangente seduta sui gradini contro un muro di pietra con cancelli ben chiusi.

"La crescente esaltazione religiosa raggiunge vette tragiche nei suoi due monumentali Compianti su Cristo", scrive N.A. Belousova, "dove le immagini dei cari di Cristo, che circondano il suo corpo senza vita, sono piene di un dolore straziante. Invece di fragile incorporeità - volumi chiari e generalizzati , invece di squisite combinazioni di sfumature sbiadite - potenti armonie colorate, dove, in contrasto con i toni scuri e aspri, i punti luminosi del cinabro e il colore rosso carminio suonano particolarmente patetici. "

Nel 1495 l'artista completò l'ultima delle opere per i Medici, scrivendo in una villa del Trebbio diverse opere per un ramo laterale di questa famiglia.

Nel 1498 la famiglia Botticelli, come risulta dagli atti catastali, possedeva notevoli proprietà: aveva una casa nel quartiere di Santa Maria Novella e, inoltre, riceveva rendita dalla villa Belsguardo, situata fuori città, fuori le porte di San Frediano.

Dopo il 1500, l'artista raccolse raramente un pennello. La sua unica opera caratteristica dell'inizio del XVI secolo è The Mystical Nativity (1500, Londra, National Gallery). L'attenzione del maestro è ora concentrata sull'immagine di una visione meravigliosa, mentre lo spazio svolge una funzione ausiliaria. Questa nuova tendenza nel rapporto tra figure e spazio è caratteristica anche delle illustrazioni per la Divina Commedia di Dante, realizzate a penna in un magnifico manoscritto.

Nel 1502 l'artista ricevette l'invito a mettersi al servizio di Isabella d'Este, duchessa di Mantova, ma per ragioni ignote questo viaggio non ebbe luogo.

Sebbene fosse già un uomo anziano e avesse lasciato la pittura, la sua opinione continuava a essere presa in considerazione. Nel 1504, insieme a Giuliano da Sangallo, Cosimo Rosselli, Leonardo da Vinci e Filippino Lippi, Botticelli partecipò alla commissione che avrebbe dovuto scegliere un luogo per l'installazione del David, appena scolpito dal giovane Michelangelo. La decisione di Filippino Lippi fu considerata la più fortunata, e il gigante marmoreo fu posto sul plinto davanti al Palazzo della Signoria. Nelle memorie dei contemporanei, Botticelli appare come una persona allegra e gentile. Teneva aperte le porte di casa e vi riceveva volentieri i suoi amici. L'artista non ha nascosto a nessuno i segreti della sua abilità e non ha avuto fine ai suoi studenti. Anche il suo maestro Lippi gli portò il figlio Filippino.

Analisi di alcune opere

"Giuditta", 1470 ca

È un'opera che è chiaramente correlata all'ultimo lavoro di Lipley. È una specie di riflessione su cosa sia un sentimento. L'eroina è raffigurata nella luce tremante dell'alba dopo aver compiuto la sua impresa. La brezza tira il suo vestito, l'eccitazione delle pieghe nasconde il movimento del corpo, non è chiaro come mantenga l'equilibrio e mantenga una postura uniforme. L'artista trasmette la tristezza che attanaglia la ragazza, quella sensazione di vuoto che ha sostituito l'azione attiva. Davanti a noi non c'è un sentimento definito, ma uno stato d'animo, una ricerca di qualcosa di oscuro, sia in previsione del futuro, sia per rimpianto per ciò che è stato fatto, una coscienza della futilità, futilità della storia e della malinconica dissoluzione di sentire nella natura, che non ha storia, dove tutto avviene senza l'aiuto della volontà.

"San Sebastiano" 1473

La figura del santo è priva di stabilità, l'artista ne alleggerisce e allunga le proporzioni, tanto che la bella forma del corpo del santo può essere paragonata solo all'azzurro del cielo vuoto, che sembra ancora più inaccessibile per la lontananza del paesaggio. La forma chiara del corpo non è piena di luce, la luce circonda la materia, come dissolvendola, e la linea crea certe ombre e luci contro il cielo. L'artista non esalta l'eroe, ma piange solo la bellezza profanata o sconfitta, che il mondo non comprende, perché la sua fonte è al di là delle idee mondane, oltre lo spazio naturale, così come il tempo storico.

"Molla" c.1478

Il suo significato simbolico è vario e complesso, la sua idea può essere intesa in diversi modi. Il suo significato concettuale è pienamente accessibile solo ai filosofi specialisti, inoltre, agli iniziati, ma è chiaro a chiunque sia in grado di sentire la bellezza di un boschetto e di un prato fiorito, il ritmo delle figure, l'attrattiva dei corpi e dei volti, il levigatezza delle linee, la più sottile. accostamenti cromatici. Se il significato dei segni convenzionali non si riduce più a fissare e spiegare la realtà, ma serve a superarla e criptarla, allora a che serve tutto il patrimonio di conoscenze positive che è stato accumulato dalla pittura fiorentina nella prima metà del secolo e chi ha portato a grandiose costruzioni teoriche di Pierrot? E quindi la prospettiva come modo di rappresentare lo spazio perde il suo significato, la luce come realtà fisica non ha senso, non vale la pena affrontare il trasferimento di densità e volume come manifestazioni specifiche della materialità e dello spazio. L'alternanza di tronchi paralleli o il disegno delle foglie sullo sfondo di "Primavera" non hanno nulla a che vedere con la prospettiva, ma è proprio in confronto a questo sfondo, privo di profondità, che lo sviluppo regolare dei ritmi lineari delle figure, in contrasto con il parallelismo dei tronchi, acquista un significato speciale, proprio come sottili transizioni di colore ottengono un suono speciale in combinazione con tronchi d'albero scuri che si stagliano nettamente contro il foyer del cielo.

Affreschi della Cappella Sistina 1481- 1482

Gli affreschi di Botticelli sono scritti su soggetti biblici e evangelici, ma non sono interpretati secondo un piano "storico". Ad esempio, le scene della vita di Mosè vogliono essere un tipo della vita di Cristo. I temi di altri dipinti hanno anche un significato figurativo: "La purificazione di un lebbroso" e "La tentazione di Cristo" contengono un accenno della fedeltà di Cristo alla legge di Mosè e, di conseguenza, la continuità dell'Antico e del Nuovo Testamento. "Punizione di Corea, Datan e Aviron" allude anche alla continuità della legge di Dio (che è simbolicamente espressa dall'arco di Costantino sullo sfondo) e all'inevitabilità della punizione per chi la trasgredisce, che è inequivocabilmente legata nella mente di lo spettatore con insegnamenti eretici. In alcune cose si può vedere un accenno di volti contemporanei e circostanze dell'artista. Ma collegando tra loro eventi storicamente diversi, Botticelli distrugge l'unità spazio-temporale e persino il significato della narrazione stessa. Episodi separati, nonostante il tempo e lo spazio li separano, sono saldati tra loro da tempestose slanci di ritmo lineare che si verificano dopo lunghe pause, e questo ritmo, che ha perso il suo carattere melodico, morbido, pieno di improvvisi slanci e dissonanze, è ora affidato il ruolo di portatore di un dramma che non può essere più espresso attraverso le azioni o i gesti dei singoli personaggi.

"Nascita di Venere" c.1485

Non si tratta affatto di un canto pagano della bellezza femminile: tra i significati ad esso inerenti, compare anche l'idea cristiana della nascita dell'anima dall'acqua durante il battesimo. La bellezza che l'artista cerca di glorificare è, in ogni caso, bellezza spirituale, non bellezza fisica: il corpo nudo della dea significa naturalezza e purezza, l'inutilità dei gioielli. La natura è rappresentata dai suoi elementi (aria, acqua, terra). Il mare, agitato dalla brezza sospinta da Eolo e Borea, appare come una superficie verde-azzurrognola, sulla quale le onde sono raffigurate negli stessi segni schematici. Anche la shell è simbolica. Sullo sfondo di un ampio orizzonte marino, si sviluppano tre episodi ritmici con diversa intensità: i venti, Venere che emerge da una conchiglia, una fanciulla che la accoglie con un velo ornato di fiori (un accenno al manto verde della natura). Per tre volte il ritmo nasce, raggiunge la sua massima tensione e si spegne.

"Annunciazione"1489-1490

l'artista introduce in scena, di solito una tale confusione idilliaca e insolita, l'Angelo irrompe nella stanza e cade rapidamente in ginocchio, e dietro di lui, come getti d'aria sezionati durante il volo, i suoi vestiti, trasparenti come vetro, appena visibili, alzati. La sua mano destra con una mano grande e lunghe dita nervose è tesa verso Maria, e Maria, come cieca, come nell'oblio, allunga la mano verso di lui. Sembra che correnti interiori, invisibili ma chiaramente tangibili, fluiscano dalla sua mano alla mano di Maria e facciano tremare e piegare tutto il suo corpo.

"Natale mistico" 1500 g

Forse il più ascetico, ma allo stesso tempo il più acuto e polemico di tutte le opere del suo ultimo periodo. E lo accompagna con un'iscrizione apocalittica in cui sono previsti grandi guai per l'età a venire. Dipinge uno spazio impensabile in cui le figure in primo piano sono più piccole di quelle più lontane, perché i "primitivi" facevano così, le linee non convergono in un punto, ma zigzagano attraverso il paesaggio, come in una miniatura gotica abitata dagli angeli.

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Questo accade spesso nella vita di un dilettante: appena scoperto l'America, ho appena iniziato a gioire ed essere orgoglioso, e poi bam - si scopre che è stato scoperto molto prima di te! Bene, prima le cose.

Ogni città ha un posto da non perdere. A Parigi, questo è, ovviamente, il Louvre, a Roma - il Colosseo, a San Pietroburgo - l'Ermitage ea Firenze - la Galleria degli Uffizi.

Certo, c'è molto da vedere a Firenze e, oltre alla galleria, vedere David da solo!

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Il fatto che la Galleria degli Uffizi sia una tappa obbligata di qualsiasi itinerario turistico a Firenze crea alcune difficoltà per accedervi. Il nostro consiglio: prenotate i biglietti online in anticipo quihttp://www.florence-museum.com/booking-tickets.php . La prenotazione stampata deve essere cambiata con i biglietti presso l'ufficio della galleria di fronte all'ingresso principale. Bene, allora devi difendere una minuscola coda di turisti avanzati come te (rispetto all'enorme coda vicina di non avanzati).

Finalmente sei dentro. Non tutte le persone normali possono provare a girare l'intera galleria in una volta, quindi devi prima guardare al meglio! Per noi le tele del grande pittore dell'epoca fiorentina sono diventate tali “il più”RinascimentoSandro Botticelli.

Il suo vero nome è Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi. Botticelli o in una traduzione grossolana “dalla specie delle botti” è piuttosto un soprannome che il magro Sandro “ereditò” dal fratello maggiore, un uomo grasso e un vero e proprio “botte” (questa è la speciale logica fiorentina).

Nella Galleria degli Uffizi diverse sale sono dedicate alle sue opere. "La Nascita di Venere", "La Primavera", ritratti di Dante e Giuliano Medici - queste opere di Botticelli sono conosciute quasi dalla scuola.

Ma una cosa è la riproduzione su un libro di testo, ed ecco gli originali, eccoli qui, a debita distanza. Impressione indimenticabile! Guardando i dipinti, giungo a una conclusione del tutto inaspettata per me stesso che tutti i "ruoli femminili principali" nella maggior parte dei dipinti di Botticelli presentati alla Galleria degli Uffizi sono attribuiti alla stessa "attrice"! Sembra che la maggior parte dei suoi dipinti rappresentino davvero la stessa donna! Alla stessa conclusione arriva la moglie in piedi accanto a lui. Non può essere? Giudica tu stesso

Come abbiamo scoperto in seguito, il segreto dello sconosciuto nei dipinti di Botticelli è stato scoperto nel XVI secolo dal pittore italiano Giorgio Vasari.

Vasari visse a Firenze quasi trent'anni dopo la morte di Botticelli. Come artista, il Vasari non ci riuscì, sebbene un tempo fosse allievo dello stesso Michelangelo. Ma in realtà divenne il fondatore della storia dell'arte moderna, scrivendo l'opera principale della sua vita: la collezione 178Biografie di artisti del Rinascimento italiano Vite dei più famosi pittori, scultori e architetti». Fu in quest'opera, pubblicata nel 1568, che Giorgio Vasari ipotizzò il nome della donna che Sandro Botticelli cantò in quasi tutte le sue opere. Questa donna, secondo il Vasari, è Simonetta Vespucci, la prima bellezza di Firenze nella seconda metà del XV secolo.

I contemporanei consideravano la sua bellezza un dono divino, l'incarnazione di un piano perfetto, e per la sua bellezza la ragazza ricevette il soprannome dell'Incomparabile e Bella Simonetta.

In Aprile 1469Simonetta, 16 anni, ha sposato il suo coetaneo Marco Vespucci, lontano parente nel futuro del famoso navigatore fiorentinoAmerigo Vespucci e,da cui prenderà il nome il nuovo continente scoperto da Colombo (altro esempio di logica peculiare). Non ho trovato un ritratto di Marco Vespucci, ma Amerigo - eccolo qui

Ovviamente Simonetta Vespucci era indisponibile per Botticelli:

- Ma cosa le importa di me - era a Parigi,

- Marcel Marceau stesso le ha detto qualcosa!

In fondo lui è un pittore semplice, anche se alla moda, ma lei è la moglie di uno dei banchieri della famiglia Medici regnanti a Firenze, quello la cui sede era ambita da tutti i nobili fiorentini, compreso il sovrano della città, Lorenzo il Magnifico (ecco il suo busto dalla collezione degli Uffizi)

oltre al fratello minore Giuliano (ecco il suo ritratto di Botticelli):

Con tutto questo Sandro, se lo desiderava, poteva ammirare ogni giorno Simonetta Vespucci: la loro casa era attigua a Palazzo Vespucci. Simonetta sapeva dell'esistenza di Sandro? Se lo sapeva, molto probabilmente non attribuiva alcun significato a questa conoscenza. Ma per Botticelli era la donna perfetta. Ciò è almeno confermato dal fatto che la "Nascita di Venere", e la "Primavera", e "Venere e Marte", nonché il "Ritratto di giovane donna" furono scritti dall'artista dopo la morte di Simonetta, che morì improvvisamente il 26 aprile 1476 all'età di 23 anni al culmine dell'epidemia di tubercolosi a Firenze. Così, Botticelli torna ancora e ancora all'immagine di Simonetta anche 9 anni dopo la sua morte. Anche se a sua immagine? Dopotutto, non ci sono fotografie a vita di Simonetta per ragioni note e non sono stati conservati ritratti chiaramente attribuiti. Molto probabilmente Sandro ne dipinse alcuni, nelle parole del poeta Mikhail Kuzmin, “simbolo di fugace giovinezza per l'eternità”, incarnato per lui in Simonetta.

Sandro Botticelli non si sposò mai, avendo vissuto una lunga vita, morì all'età di 65 anni e, secondo il suo testamento, fu sepolto a Firenze nella Chiesa di Ognissanti (Chiesa di Ognissanti), in cui era stata precedentemente sepolta Simonetta Vespucci. Abbiamo trovato questa chiesa, anche se poco prima della sua chiusura.

Un mini tour della chiesa è stato condotto per noi da un monaco francescano nero (!).

Questa è una tale storia d'amore.

Ma alla fine, vorrei raccontarvi un'altra storia non meno romantica, ma anche istruttiva sull'amore.

Nel dipinto di Botticelli "La nascita di Venere" nell'angolo in alto a sinistra, possiamo vedere una coppia così strana: un giovane fluttuante con le guance gonfie e una ragazza che avvolse il suo cavaliere non solo con le braccia, ma anche con lei gambe!

Questo giovane è Zefiro, il dio del vento primaverile occidentale, nella foto guida a riva la conchiglia con la neonata Venere. E la ragazza è la moglie legale di Zefiro, la dea greca dei fiori, Clori, che i romani chiamavano Flora.

Chlorida in un primo momento evitò il corteggiamento persistente di Zefiro e lo ignorò in ogni modo possibile. Eccola scappare dallo Zefiro innamorato nell'angolo destro del dipinto di Botticelli "La Primavera".

Alla fine, una passione così selvaggia prese Zephyr che, dopo aver battuto il record olimpico per aver raggiunto le ragazze, superò Chloris e la sequestrò con la forza. Oh come! Il risultato fu che la ragazza sorse non meno, ma più forte, una passione così selvaggia, selvaggia, reciproca per Zefiro, che si aggrappò a lui con tutto il corpo e non si separò mai più da lui, avvolgendo strettamente suo marito già con tutte le sue membra esistenti . .

E da allora, Zephyr è sempre stato con sua moglie Chlorida-Flora. E giorno e notte, in vacanza, al lavoro, a un concerto, a un banchetto, a calcio e in uno stabilimento balneare a un incontro con i compagni di classe!

Come si suol dire, ciò per cui hanno combattuto, si sono imbattuti! Quindi impara la STORIA!

Molto probabilmente, non tutti conoscono il nome di Sandro Botticelli, il grande artista italiano, rappresentante del primo Rinascimento, ma quasi tutti conoscono la sua opera La nascita di Venere. È segnato dalla poesia spiritualizzata, ammirando la bellezza del viso e del corpo femminile, che regna nel tempo e nello spazio.

Per molto tempo il suo lavoro è stato ingiustamente dimenticato, ma già nel XIX secolo gli artisti francesi hanno imitato in molti modi il mistico italiano e hanno creato una nuova immagine, verso la quale proviamo ancora ammirazione e ammirazione per il meraviglioso dono dell'artista.

Biografia del pittore

Alessandro di Mariano Filipepi è nato a metà del XV secolo a Firenze, culla del Rinascimento meridionale, nella famiglia di un artigiano - un conciatore. Poco dopo la morte del padre, l'attività passò al fratello maggiore della piccola Alessandra, soprannominata "Il Barile" (Botticelli) per via della sua pancia da birra o forte inclinazione a bere vino.

Tutti e quattro i più piccoli hanno ricevuto un soprannome divertente dal fratello maggiore. Grazie agli sforzi dei suoi fratelli maggiori, il futuro artista famoso fu educato in un monastero domenicano.

Una delle prime professioni ricevute da Sandro fu quella di un gioielliere dell'epoca rispettato e molto richiesto. Insegnò all'artista la corretta applicazione delle sfumature dorate e argentate ai paesaggi dei suoi dipinti. A proposito, alcuni ricercatori dell'arte rinascimentale ritengono che il nome "Botticelli" significhi un argentiere.

Il fratello di mezzo Antonio divenne un famoso gioielliere e Alessandro decise di dedicare la sua vita alla pittura. Nel 1470 il giovane artista riceve la sua prima commissione dal monastero di San Domenico: gli viene commissionata un'allegoria del Potere per una galleria delle virtù cristiane. Il dipinto è stato collocato nell'aula del tribunale della Camera di Commercio. Un anno dopo, del giovane pittore si parlava in tutta Italia.

Il suo San Sebastiano, scritto per la chiesa di Santa Maria Margiore, è veramente virtuoso, attraverso i bei lineamenti del volto del giovane Cristiano Sandro ha mostrato la sua anima, pura e innocente. Tutte le opere dell'artista sono permeate di fede ardente e amore non ostentato per Dio. Combinano maestria insuperabile e pienezza e facilità spirituali.

Nello stesso anno si dimostrò abile restauratore, restaurando un affresco completamente perduto nella Cappella dell'Incoronazione della Madre di Dio.

Nel 1470 il pittore si avvicinò alla nobile famiglia dei Medici, che si circondò di famosi poeti, musicisti, filosofi e pittori. Il cosiddetto "circolo medico" predicava la filosofia di Platone, cioè idealismo soggettivo.

Credevano in un'anima immortale, dotata di talenti e abilità che l'anima può conservare anche dopo la morte e trasferirsi a un nuovo proprietario. Questo spiega l'emergere di brillanti opere d'arte, così come la conoscenza intuitiva.

Le migliori opere dell'artista

Una delle migliori opere di Sandro Botticelli è l'Adorazione dei Magi, realizzata dopo il 1470. È dedicato alla festa più importante dei cristiani: la nascita di Gesù Cristo.

Nelle immagini dei Magi orientali che vennero a inchinarsi al Messia, il pittore ritraeva membri della famiglia Medici, oltre a se stesso, in piedi nell'angolo in basso a destra dell'opera. I toni chiari e luminosi dell'immagine sembrano pieni di aria e ispirano stupore e gioia divina.

Una delle opere più misteriose dell'artista è il dipinto "Primavera", datato 1475-1480. Il dipinto è stato realizzato per Lorenzo de' Medici, caro amico e filantropo di Sandro Botticelli.

L'immagine è stata dipinta in uno stile completamente nuovo per quel tempo, combinando con successo antichità, cristianesimo e nuove caratteristiche del Rinascimento.

Lo stile antico è mostrato dai rappresentanti dei miti e delle leggende dell'antica Grecia: il dio Zefiro, un vento leggero, rapisce una ninfa - l'amante dei campi e dei prati Clori. Tre graziose grazie sotto forma di ninfe o naiadi ricordano le tre virtù cristiane: castità, umiltà e piacere, nonché amore eterno.

Mercurio, dio del commercio, delle strade e della frode, coglie una mela da un albero e involontariamente ricorda Paride, che donò la mela alla dea della bellezza e dell'amore, Afrodite. E la stessa dea sembra volare, senza toccare terra con i piedi, la sua immagine è leggera e ariosa, e allo stesso tempo seducente e accattivante, che ricorda l'amore appassionato e la passione carnale.

Al centro della tela è la Madonna - la Regina del Cielo, la Madre di Dio, elevata al rango di Dei, e splendente con la sua virtù e bellezza in tutto l'Universo. Per tutti, la Vergine Maria è considerata il modello di tutte le donne, l'ideale di tutti i cavalieri, la "Bella Signora", che ispira tutte le persone d'arte a creare la sua immagine.

Con questa miscela di miti ed epoche, il pittore ci mostra che le persone in tutte le epoche amano e sognano, soffrono e lottano per la felicità allo stesso modo in tutte le epoche. Sia gli standard dell'arte che le norme della bellezza non cambiano, perché la bellezza eterna attrae sempre tutti i cuori.

Un lavoro meraviglioso pieno di luce, gioia e serenità. Guardandolo, senti che i piccoli amorini in realtà inviano le loro frecce d'amore a tutti i cuori. Per molto tempo non puoi distogliere lo sguardo dalle figure sulla tela, congelate per volontà dell'artista, così vive e come congelate per un momento in pose aggraziate.

Gemma della Creazione

Il famoso dipinto "La Nascita di Venere" è stato dipinto nel 1484 ed è attualmente alla Galleria degli Uffizi di Firenze.

Tra la sconfinata distesa del cielo azzurro e del mare turchese, una bella Venere apparve dalla schiuma del mare, in piedi su una conchiglia di madreperla. Il dio del vento d'occidente, Zefiro, con il suo soffio aiuta la dea eternamente giovane ad atterrare sulla riva, e la dea Ora le concede un inestimabile mantello ricamato di fiori ed erbe aromatiche.

Tutta la natura terrena attende l'apparizione della dea dell'Amore e della Bellezza, rose bianche volano ai suoi piedi e l'immagine è illuminata dai raggi del sole nascente. L'associazione del primo mattino e della nascita della dea indica che l'amore e la tenerezza sono sempre giovani e richiesti dalle persone.

Non si sa chi fosse il modello dell'artista, ma il volto della dea dai lineamenti straordinariamente belli è mite, un po' triste e umile. Lunghi riccioli dorati che svolazzano nel vento. E la posa della donna ricorda la posa della famosa scultura di Venere il Vergognoso, creata nel V secolo a.C.

ultimi anni di vita

Alla fine degli anni Novanta del Quattrocento morì Luigi Medici e il regno di questa dinastia terminò. Salì al potere il nemico giurato di questa famiglia, il monaco domenicano Girolamo Sovanarola, che in precedenza aveva rimproverato rabbiosamente alla dinastia regnante il lusso e la dissolutezza.

Alcuni ricercatori dell'arte rinascimentale ritengono che Sandro Botticelli sia diventato un "convertito" perché lo stile del suo lavoro sta cambiando radicalmente.

Ma il potere del monaco Sovanarola era fugace, nel 1498 fu accusato di eresia e giustiziato sul rogo. Ma ormai la gloria del grande pittore svanisce. I contemporanei scrivono che "era povero e avvizzito", non poteva camminare e stare dritto, quindi lavorava pochissimo. Le opere realizzate negli ultimi anni della sua vita sono “Presepe mistico”, “Abbandonato”, affreschi dedicati alle sante romane, le prime cristiane Lucrezia e Virginia.

Dopo il 1504, l'artista smise completamente di toccare il pennello e, se non fosse stato per l'aiuto dei suoi amici e parenti, sarebbe semplicemente morto di fame.

Riassunto sull'argomento

La vita e l'opera di Sandro Botticelli

San Pietroburgo 2008

L'inizio del percorso creativo. 3

Studio nella bottega di Fra Filippo Lippi, l'influenza di Andrea Verrocchio e le prime opere.. 4

Firenze. La fioritura della creatività. 6

Madonne.. 12

Dipinti tardivi. Sermoni di Savanarola. Tramonto dell'artista 13

Riferimenti.. 17

Sandro Botticelli (1444 o 1445 - 1510) appartiene agli artisti più significativi del primo Rinascimento a Firenze.

Non esiste pittura più poetica della pittura di Sandro Botticelli. "Com'è bella la giovinezza, ma passa" - queste le parole dello stesso Lorenzo Medici, il cui artista preferito era Botticelli, parole in cui l'ultima triste riserva è importantissima.

Il lavoro di questo artista si distingue nell'arte del Rinascimento italiano. Botticelli fu coetaneo di Leonardo da Vinci, che lo definì affettuosamente "il nostro Botticelli". Ma è difficile collocarlo tra i maestri tipici sia del Primo che dell'Alto Rinascimento. Nel mondo dell'arte non fu né un orgoglioso conquistatore, come il primo, né un onnipotente Maestro della vita, come il secondo.

L'inizio del percorso creativo

Sandro Botticelli (vero nome dell'artista - Alessandro Filipepi) nasce a Firenze nel 1445. Il padre di Mariano Filipepi era un conciatore di professione e abitava con la famiglia (di cui Alessandro era il figlio minore) nel quartiere Santa Maria Novella di Via Nuova, dove affittò un appartamento in una casa di Rucellai. Aveva una sua bottega vicino al ponte di Santa Trinita in Oltrarno, l'attività portava una rendita molto modesta, e il vecchio Filipepi sognava di aggregare rapidamente i suoi figli e di poter finalmente abbandonare il laborioso mestiere.

I quattro fratelli Filipepi portarono alla famiglia un reddito e una posizione nella società importanti. Sandro studiò con il secondo fratello, Antonio, che era gioielliere, e lo aiutò nei suoi affari. L'arte orafa ebbe un ruolo importante nello sviluppo del giovane Botticelli. Al gioielliere ("un certo Botticello", come scrive il Vasari, uomo la cui identità non è ancora stata accertata), Alessandro fu mandato dal padre, stanco della sua "mente stravagante", dotato e capace di imparare, ma irrequieto e ancora non trovando le vere vocazioni; forse Mariano voleva che il figlio più giovane seguisse le orme di Antonio, che lavorava come orafo almeno dal 1457, il che segnerà l'inizio di una piccola ma affidabile azienda familiare.

Secondo il Vasari, allora c'era un legame così stretto tra gioiellieri e pittori che entrare nella bottega di uno significava avere accesso diretto al mestiere di altri, e Sandro, che era piuttosto abile nel disegno - l'arte necessaria per un'accurata e fiducioso "annerimento", si interessò presto alla pittura e decise di dedicarsi ad essa, senza dimenticare le lezioni più preziose dell'arte orafa, in particolare la chiarezza nel tracciare i contorni e il sapiente uso dell'oro, che in seguito fu spesso utilizzato dall'artista come additivo alle pitture o nella sua forma pura per lo sfondo.

Studio nella bottega di Fra Filippo Lippi, l'influenza di Andrea Verrocchio e le prime opere

Intorno al 1464 Sandro entrò nella bottega del monaco carmelitano Fra Filippo Lippi del monastero del Carmine, il più eccellente pittore dell'epoca. Fra Filippo Lippi creò immagini allegre, improntate alla naturalezza, pur non sottraendosi alle principali conquiste del Rinascimento.

Dedito interamente alla pittura, divenne seguace del suo maestro e lo imitò, tanto che fra Filippo se ne innamorò e con la sua formazione lo innalzò presto ad un grado che nessuno avrebbe potuto immaginare.

Anche i primi lavori di Sandro sono caratterizzati da un'atmosfera di spiritualità speciale, quasi sfuggente, una sorta di velo poetico delle immagini.

La sua prima opera potrebbe essere stata l'affresco realizzato dal suo maestro con i suoi allievi nel duomo di Prato. Ma già nel 1469 Botticelli era un artista indipendente, perché nel catasto dello stesso anno Marano, suo padre, affermava che "Sandro lavora in casa".

Dopo la morte di Fra Filippo nel 1467, Botticelli, ancora desideroso di soddisfare la sua sete di conoscenza, iniziò a cercare un'altra fonte tra le più alte realizzazioni artistiche dell'epoca. Per un certo periodo ha frequentato lo studio di Andrea Verrocchio, poliedrico artigiano, scultore, pittore e gioielliere che guidava un team di artisti emergenti poliedrici; qui in quel momento regnava il clima di ricerca creativa "avanzata", non a caso il giovane Leonardo studiò con Verrocchio.

Andrea Verrocchio si avvicinava alla pittura in modo analitico, amava la resa anatomicamente accurata della figura umana in forte movimento; a Firenze diresse una famosa bottega.

Sandro Botticelli padroneggiò bene le principali conquiste della pittura del primo Rinascimento. E i contemporanei vedevano nella sua arte le qualità più apprezzate in quel momento: "un modo di scrivere coraggioso, una stretta aderenza alle regole e la perfezione delle proporzioni". Ciò fu facilitato dal suo soggiorno dopo aver studiato con Filippo Lippi nella bottega del Verrocchio nel 1467-1468. L'iniziazione all'abilità del pittore e scultore qui è stata effettuata su base scientifica, grande importanza è stata attribuita all'esperimento.

Sandro Botticelli ha imparato da questi due grandi maestri e si è formato come artista indipendente, ereditando alcune qualità dai suoi maestri, ma allo stesso tempo diventando un maestro del tutto originale e forte. Nei suoi primi lavori somiglia in qualche modo a Fra Philippe Lippi con l'abbondanza di ritratti e la ricchezza di dettagli.

Tale, ad esempio, è il suo dipinto "L'Adorazione dei Magi" (1475 circa, Londra, National Gallery), in cui i membri della famiglia Medici e il loro seguito sono rappresentati sotto forma di Magi. Tuttavia, già in questa immagine, l'attenzione è attirata dalla straordinaria espressività e spiritualità delle immagini, che superano di gran lunga tutto ciò che è stato creato dal suo maestro. Il desiderio di realismo è evidente nell'immagine: si riflette non solo nell'abbondanza di ritratti dei contemporanei di Botticelli (con tutta la loro magnificenza, partecipano alla scena raffigurata in modo molto relativo, solo come motivi collaterali), ma anche nel fatto che la composizione è costruita più in profondità che in piano (nella disposizione delle figure si avverte un'artificiosità, soprattutto nella scena a destra). L'esecuzione di ogni immagine è un miracolo di grazia e di nobiltà, ma tutto nel suo insieme è troppo limitato e compresso nello spazio; non c'è movimento fisico, e con esso un impulso spirituale.

Firenze. Il periodo d'oro della creatività

Nell'ultimo terzo del XV secolo si completa a Firenze il processo di graduale trasformazione della repubblica in tirannia.

Se Cosimo Medici cercò ancora di mascherare il suo potere con l'apparenza di libertà repubblicane, allora sotto il nipote Lorenzo (1449-1492), che governò a Firenze dal 1469, le tendenze monarchiche della casa Medici sono già molto chiare.

Lorenzo Medici, soprannominato "Il Magnifico", fu una figura brillante e molto tipica del suo tempo. Nel XV secolo molti piccoli stati italiani erano guidati da tiranni, spesso terrificanti con la loro sfrenata crudeltà e, allo stesso tempo, che si sforzavano di ricoprire il ruolo di sovrani illuminati, mecenati e conoscitori delle arti e delle scienze. Lorenzo fu uno di questi "tiranni illuminati". Persona brillantemente istruita, eccezionale politico e diplomatico, poeta, conoscitore e amante della letteratura e dell'arte, riuscì ad attrarre molti grandi poeti, umanisti, artisti e scienziati. Feste continue, carnevali, tornei, gare di poeti creavano l'aspetto di un governo brillante, dietro la magnifica facciata del quale, tuttavia, non tutto andava bene. A Firenze e nei suoi possedimenti vi furono più volte proteste contro la tirannia, sostenute da numerosi nemici dei Medici fuori Firenze, guidati da papa Sisto IV. Tutte queste cospirazioni e sommosse furono represse da Lorenzo con estrema crudeltà, in particolare la cosiddetta congiura dei Pazzi del 1478, durante la quale fu ucciso il fratello minore di Lorenzo, Giuliano Medici. Ma, nonostante Lorenzo riuscì a mantenere il potere, la situazione in città rimase tesa. Era teso in tutto il paese. L'avvicinarsi della crisi si faceva sentire ovunque. La caduta di Costantinopoli (1453) e il crollo del commercio levantino, la perdita delle posizioni di vertice dell'Italia e il graduale ritorno ai sistemi feudali, la frammentazione politica e la contesa sempre crescente tra singole città e stati indebolirono l'Italia e ne fecero una preda attraente e facile per gli Stati vicini rafforzati. Tutto ciò ha dato origine a quel clima di ansia e incertezza per il futuro, che ha segnato l'intera cultura di fine Quattrocento, compresa quella fiorentina. Firenze visse in quegli anni una specie di vita frenetica, ma anche nel divertimento più violento, a quanto pareva, si annidavano ansia e presentimenti di disastri imminenti. Lo stesso Lorenzo Medici ha espresso perfettamente lo stato d'animo generale nel suo "Canto di Carnevale", ogni strofa si conclude con le parole: "Chi vuole essere allegro - divertiti, nessuno sa cosa accadrà domani!"

Tutta la complessità e l'inconsistenza della vita di questo tempo trovano espressione nelle opere di Sandro Botticelli. Le immagini di questo periodo lasciano una doppia impressione. Colorati ed eleganti, creati per compiacere l'occhio, allo stesso tempo sono sempre pieni di una sorta di bruciore interno doloroso. E le sue Madonne, e Venere, e la Primavera sono coperte di tristezza, i loro occhi tradiscono dolore nascosto. È su questo stato interiore e stato d'animo che Botticelli concentra la sua attenzione. Non mostra molto interesse per lo sviluppo della trama, per la rappresentazione dei dettagli quotidiani, così cari al cuore del suo maestro. È anche lontano dal trasmettere collisioni drammatiche o azioni eroiche. Anche in una trama come quella dell'eroina biblica Giuditta, che, per salvare la sua città natale, penetrò nell'accampamento nemico e decapitò il capo delle truppe nemiche, il re Oloferne, Botticelli evita di rappresentare la scena stessa di l'omicidio, come fece una volta Donatello, ad esempio, nel gruppo scultoreo "Giuditta e Oloferne". Nel suo primo dipinto La morte di Oloferne (1470, Firenze, Uffizi), Botticelli raffigura il momento in cui tutto era già accaduto e Giuditta lasciò la tenda, portando con sé la testa mozzata del re. Nel freddo crepuscolo dell'alba, i compagni di Oloferne restano storditi davanti al cadavere senza testa del loro capo.