Realismo (dal lat. "Realis" - reale, reale) è una direzione dell'arte, è nata alla fine del XVIII secolo, ha raggiunto il picco del suo periodo di massimo 19 anni, continua a svilupparsi all'inizio del XX secolo ed esiste finora. Il suo scopo è la riproduzione reale e obiettiva di oggetti e oggetti del mondo circostante, pur mantenendo le loro caratteristiche e caratteristiche tipiche. Nel processo dello sviluppo storico dell'intera arte nel suo insieme, il realismo ha acquisito forme e metodi specifici, a seguito di quali tre delle sue fasi si distinguono: l'educazione (epoca dell'illuminazione, la fine del XVIII secolo), critico (XIX secolo) e realismo socialista (inizio del 20 ° secolo).

Per la prima volta, il termine "realismo" è stato utilizzato dal critico letterario francese Zhelem Zhanfily, che nel suo libro "realismo" (1857) ha interpretato questo concetto come un'arte creata per affrontare tali alberi come romanticismo e accademismo. Si è esibito come una forma di risposta all'idealizzazione, che è caratteristica del romanticismo e dei principi classici dell'accademismo. Avere un orientamento sociale acuto, è stato chiamato critico. Quest'area rifletteva problemi sociali acuti nel mondo dell'arte, ha dato una valutazione di vari fenomeni nella vita della società di quel tempo. I suoi principali principi erano obiettivamente visualizzare le parti essenziali alla vita, che contemporaneamente contenevano l'altezza e la verità degli ideali del copyright, nella riproduzione di situazioni caratteristiche e dei caratteri tipici, pur mantenendo la completezza della loro individualità artistica.

(Boris Kustodiev "Ritratto di D.F. Bogoslovsky")

Il realismo dell'inizio del ventesimo secolo era finalizzato a trovare nuove relazioni umane con la sua realtà, nuovi modi e metodi creativi, mezzi originali di espressività artistica. Spesso non era nella sua pura forma, è caratterizzato da una stretta relazione con tali direzioni dell'arte del ventesimo secolo come simbolismo, misticismo religioso, modernismo.

Realismo nella pittura

L'emergere di questa direzione nella pittura francese è principalmente dovuta al nome dell'artista Gustava Kurbie. Dopo diversi dipinti, in particolare molti significativi per l'autore, sono stati respinti come mostre della mostra mondiale a Parigi, nel 1855 aprì il suo "padiglione del realismo". I principi di una nuova direzione della pittura sono stati proclamati nella Dichiarazione dell'artista, lo scopo della quale era la creazione di arte dal vivo, che ha superato la morale, le dogane, le idee e l'aspetto dei suoi contemporanei. Il "realismo di Kurbie" ha causato immediatamente una risposta acuta della società e della critica, che ha affermato che lui, "nascosto dietro il realismo, calunnoso alla natura", ha chiamato il suo artigiano nella pittura, ha reso la parodia del teatro su di lui in ogni modo.

(Gustina Kurbie "autoritratto con un cane nero")

La base dell'arte realistica è la sua, un look speciale della realtà circostante, che critico e analizza molti aspetti della società. Da qui il nome del realismo del XIX secolo "critico", perché ha criticato principalmente l'essenza anti-umana di un sistema di esplosione crudele, ha mostrato la sfacciata povertà e la sofferenza di un popolo semplice offeso, ingiustizia e permissività del potere del potere del potere del potere del potere del potere del potere del potere del potere del potere del potere del potere del potere proprietà. Quando ha criticato le basi della società borghese esistente, gli artisti realistici erano nobili umanisti che credevano in buono, la giustizia più alta, l'uguaglianza universale e la felicità per tutti senza eccezioni. Più tardi (1870), il realismo decade in due rami: naturalismo e impressionismo.

(Julien dupre "ritorno dai campi")

I principali argomenti di artisti che hanno scritto la loro tela in stile realismo erano scene di genere della vita urbana e rurale della gente comune (contadini, lavoratori), scene di eventi e incidenti di strada, ritratti di clienti abituali di caffè, ristoranti e locali notturni. Per gli artisti realistici, era importante trasmettere i momenti della vita nelle sue dinamiche, come può essere plausibile per enfatizzare le singole caratteristiche dei personaggi di recitazione, per mostrare realisticamente i loro sentimenti, emozioni ed esperienze. La caratteristica principale delle tele raffigurante i corpi umani è la loro sensualità, emotività e naturalistica.

Il realismo come direzione nella pittura è stato sviluppato in molti paesi del mondo come la Francia (Scuola Barbizonskaya), Italia (è stata conosciuta come Verizh), Regno Unito (School figurativo), USA (Scuola di Benne della spazzatura "Edward Tramper, Scuola d'arte di Thomas Ikins), Australia (Heidelberg School, Tom Roberts, Frederick McKabin), in Russia, era conosciuto come il movimento degli artisti cinematografici.

(Julienne Dupere "Cowel")

I dipinti francesi scritti nello spirito del realismo spesso appartenevano al genere del paesaggio, in loro gli autori hanno cercato di trasmettere la natura intorno a loro, la bellezza della provincia francese, dei paesaggi rurali, che, secondo loro avvertenza, non dovrebbe essere meglio dimostrato "Reale" in Francia in tutta la sua magnificenza. Le immagini degli artisti realistici francesi non hanno rappresentato i tipi idealizzati, c'erano persone reali, situazioni ordinarie senza abbellimento, non c'era nessuna solita estetica e imponente verità universali.

(ONOR House "Terza classe")

I rappresentanti più importanti del realismo francese nella pittura erano artisti Gustav Kurbie ("Workshop dell'artista", "Frantumatrici di pietra", "Knittar"), Case Onor ("Wagon" di terza classe "," sulla strada "," Brochka "), Francois Mulino ("Sower", "Collezionisti di Kohliyev", "Angela", "Death and Woodrovosk").

(Francois Mill "Collezionisti di Kohlis")

In Russia, lo sviluppo del realismo in arte visiva è strettamente correlato al risveglio della coscienza pubblica e allo sviluppo di idee democratiche. I cittadini avanzati della società hanno negato il sistema statale esistente, ha mostrato una profonda simpatia per il tragico destino di un semplice popolo russo.

(Alexey Savrasov "Graci flew")

Al gruppo di artisti-mobili, formato dalla fine del XIX secolo, tali grandi maestri russi di spazzole appartenevano come giocatori di artisti-paesaggisti Ivan Shishkin ("mattina nella pineta", "Rye", "Sosnovy Bor") e Alexey Savrasov ("Graci volò", "Vista rurale", "Rainbow"), Master of Genere e Dipinti storici di Vasily Pereov ("Troika", "Cacciatori privilegi", "Processione rurale a Pasqua") e Ivan Kramskaya ("Sconosciuto "," Sconosciuto Woe "," Cristo nel deserto "), un pittore eccezionale Ilya Repin (" Burlaki on the Volga "," non ha aspettato "," la processione nella provincia di Kursk "), un maestro dell'immagine di Eventi storici su larga scala di Vasily Surikov ("Mattina Streletskaya Execution", "Tex Morozova", "Transition Suvorov attraverso le Alpi") e molti altri (Vasnetsov, Polenov, Levitan),

(Valentin Serov "ragazza con pesche")

All'inizio del XX secolo, la tradizione del realismo era fermamente radicata nell'arte visiva del tempo, così artisti come Valentin Serov ("ragazza con pesche" "Peter I"), Konstantin Korovin ("Inverno", "Tavolo della città "," Boris Godunov ". Coronazione"), Sergey Ivanov ("famiglia", "arrivo del governatore", "morte del migrante").

Realismo nell'arte del XIX secolo

Il realismo critico è apparso in Francia e ha raggiunto il suo periodo di massimo splendore in molti paesi europei entro la metà del XIX secolo, sorto in opposizione alle tradizioni delle aree precedentemente nell'arte, come il romanticismo e l'accademismo. Il suo compito principale è stata la mappatura oggettiva e veritiera della "verità della vita" con l'aiuto di arti specifiche.

L'emergere di nuove tecnologie, lo sviluppo della medicina, la scienza, le varie industrie di produzione industriale, la crescita delle città, il rafforzamento della pressione di sfruttamento sui contadini e dei lavoratori, tutto ciò non poteva influire sulla sfera culturale del tempo mentre ha portato a Lo sviluppo di un nuovo movimento nell'arte - realismo progettato per riflettere la vita di una nuova società senza abbellimento e distorsione.

(Daniel defoe)

Il fondatore del realismo europeo nella letteratura è lo scrittore inglese e il pubblicitario Daniel Devo. Nelle sue opere "il diario dell'anno di peste", "Roxan", "Gioia e scusa flenhres", "Vita e avventure incredibili di Robinson Cruzo" Visualizza varie contraddizioni pubbliche di quel tempo, si basano sull'approvazione del Buon inizio di ogni persona, che può cambiare sotto pressione da circostanze esterne.

Il fondatore del realismo letterario e del romanzo psicologico in Francia - scrittore di Frederick. I suoi famosi romanzi "rossi e neri", "rossi e bianchi" hanno mostrato ai lettori che la descrizione delle scene ordinarie della vita e delle esperienze umane quotidiane e le emozioni sono possibili per soddisfare con la massima abilità e costruirlo nel rango dell'art. Inoltre, i rappresentanti francesi del XIX secolo includono il Guytal Flaubert francese (Madame Borovan), Gi de Madame ("carino amico", "fortemente come morte"), Onor de Balzac (una serie di romanzi "Commedia umana"), Englishman Charles Dickens ("Oliver Twist", "David Copperfield"), Americans William Falkner e Mark Twain.

Le fonti del realismo russo hanno rimasto un maestro eccezionale della penna come il drammaturgo Alexander Gribodov, il poeta e lo scrittore Alexander Pushkin, il basinista Ivan Krylov, i loro successori Mikhail Lermontov, Nikolai Gogol, Anton Chekhov, Lion Tolstoy, Fedor Dostoevsky.

Per la pittura del periodo del realismo del XIX secolo, un'immagine oggettiva della vita reale è caratteristica. Artisti francesi, sotto la guida di Theodore Rousseau, pittura paesaggi rurali e scene della vita di strada, dimostrando che la natura ordinaria senza bastoncini può anche essere un materiale unico per creare capolavori di belle arti.

Uno degli artisti più scandalosi dei realisti del tempo, che ha causato una tempesta di critica e condanna era Gustav Kurbie. Le sue naturali ancora, i dipinti del paesaggio ("cervi all'Aqua"), scene di genere ("funerale a Ornan", "frantoi di pietra").

(Pavel Fedotov "Guarda importante")

Il realismo russo è un artista Pavel Fedotov, i suoi famosi dipinti "Major's Major", "fresco cavaliere", nelle sue opere esporrà la diffusione della società nelle loro opere ed esprime la sua simpatia per le persone povere e oppresse. I continui delle sue tradizioni possono essere definiti il \u200b\u200bmovimento degli artisti cinematografici, fondati nel 1870 dai quattordici artisti laureati dell'Accademia di Arti Imperial St. Petersburg insieme ad altri pittori. La prima della loro mostra, aperta nel 1871, ha avuto un enorme successo tra il pubblico, ha dimostrato il display della vita reale di una semplice gente russa, che è in condizioni terribili di povertà e oppressione. Questi sono i famosi dipinti di Repina, Surikov, Perov, Levitan, Kramsky, Vasnetsova, Polenov, Ge, Vasilyeva, Queenji e altri eccezionali artisti russo-realisti.

(Konstantin Minor "Industry")

Nel 19 ° secolo, l'architettura, l'architettura e le arti applicate associate erano in uno stato di una profonda crisi e declino, che predeterminavano condizioni sfavorevoli per lo sviluppo della scultura e della pittura monumentale. Il sistema capitalista predominante era ostile alla specie di arte che erano direttamente correlate alla vita sociale della squadra (edifici pubblici, ensemble di vasto valore civile), il realismo come direzione dell'arte è stato pienamente in grado di girarsi in arte visiva e in parte nella scultura. Scultori eccezionali: realisti del XIX secolo: Konstantin Meno ("caricatore", "industria", "Pudlinger", "Molotoboez") e Auguste Roden ("Pensatore", "Step", "Cittadini Kale").

Realismo nell'arte del XX secolo

Nel tempo post-rivoluzionario e durante la creazione e il periodo di massimo splendore dell'URSS, il realismo socialista è diventato la direzione dominante nell'arte russa (1932 - l'emergere di questo termine, il suo autore scrittore sovietico I.Gronsky), che era la riflessione estetica del Concetto socialista della società sovietica.

(K. Jun "New Planet")

I principali principi del socialismo rivolti all'immagine sinceria e realistica del mondo nel suo sviluppo rivoluzionario erano principi:

• Nathodics. Utilizzare giri interrugili comuni, proverbi, in modo che la letteratura sia chiara alle persone;
• Idea. Identificare le azioni eroiche, le nuove idee e i percorsi necessari per la felicità della gente comune;
• Concretezza. Immagina la realtà circostante nel processo di sviluppo storico corrispondente alla sua comprensione materialistica.

Nella letteratura, i principali rappresentanti del realismo sociale erano scrittori Maxim Gorky ("Madre", "Foma Gordeev", "Vita di Klim Samgin", "In fondo", "Canzone della Petrel"), Mikhail Sholokhov ("sollevato Vergine ", Roman-Epic" Don "), Nikolai Ostrovsky (romano" Come acciaio temprato "), Alexander Serafimovich (racconto" flusso di ferro "), poeta Alexander Tvardovsky (poesia" Vasily terkin "), Alexander Fadeev (Romans" "," Giovane guardia ") e il Dr.

(M. L. Zvyagin "al lavoro")

Anche nell'URSS, il lavoro creativo di tali autori stranieri come scrittore di scrittore-pacifista Henri Barbus (romano "fuoco"), poeta e prosa Louis Aragon, tedesco drammaturgo Berrtrtolt Brecht, scrittore tedesco e comunicazioni Anna Zhegers (romana "settima croce") , Poeta cileno e politico Pablo Neruda, scrittore brasiliano George Amada ("Capitani di sabbia", "Donna Flor e due di suo marito").

Rappresentanti luminosi della fonte del socialismo nel dipinto sovietico: Alexander Deineka ("difesa di Sebastopoli", "Madre", "Piloti futuri", "cultura fisica"), V. Favorsky, Kukryniksy, A. Gerasimov ("Lenin sulla Tribuna "," Dopo la pioggia "," Ritratto di una Ballerina Ov Lepheshinskaya "), A. PLaks (" Bathing Horses "," Cena dei conducenti del trattore "," Collective Farm Flock "), A. Laction (" Lettera del fronte " ), P. Konchalovsky ("Lilac"), K. Juon ("Komsomolskaya", "Persone", "Nuovo pianeta"), P. Vasilyev (ritratti e francobolli con l'immagine di Lenin e Stalin), V. Svarog (" Eroi esecutivi nel Cremlino prima di volare "," Primo maggio - pionieri "), N. Baskakov (" Lenin e Stalin a Smolny ") F. Reshetnikov (" Ancora doppia "," arrivato alle vacanze "), K. Maksimov, eccetera.

(Faith Mukhina Monument "lavoratore e contadini collettivi")

Gli eccezionali scultori sovietici-monumentalisti dell'era del realismo sociale erano Vera Mukhina (il monumento "lavoratore e contadino collettivo"), Nikolai Tomsky (bassorilievo da 56 figure "difesa, lavoro, riposo" sulla casa dei sovietici sul viale di Mosca A Leningrado), Evgenia Vuchetich (Monumento "Warrior Liberator" a Berlino, la scultura "La madre della madrepatria chiama" a Volgograd), Sergey Konenkova. Di norma, per le sculture monumentali su larga scala, sono stati scelti materiali particolarmente durevoli, come granito, acciaio o bronzo, li hanno installati su spazi aperti per perpetuare eventi storici particolarmente importanti o exploit epici eroici.

Il posto più significativo nello sviluppo del realismo dell'Europa occidentale appartiene all'arte francese. E non è per caso. Dalla fine del XVIII secolo, la Francia ha svolto un ruolo di primo piano nella vita socio-politica dell'Europa, e la lotta di classe tra la nobiltà, la borghesia e il proletariato hanno preso chiavi forme classiche. Nascondersi per il manto reale e imperiale o sostenendo il suo potere in una forma non complicata, la borghesia trionfò la vittoria. "L'industria e il commercio erano sbriciolati in ingenti taglie", ha scritto K. Marx sulla Francia 50-60, - la speculazione di scambio ha celebrato le sue orge cosmopolite; La povertà delle masse ha scarsato bruscamente accanto allo splendore incompleto di un rapido lusso, un attacco di feltro e un crimine ".
Il movimento democratico e proletario a metà del 19 ° secolo prende una vasta gamma in Francia. La rivoluzione del 1830 segue la rivoluzione del 1848; Sull'arena politica, il proletariato, dirigendosi le ampie masse, sta diventando sempre più forte. Nel giugno del 1848, sorge apertamente contro la borghesia, e nel 1871 proclamando il Comune di Parigi, rende il primo tentativo eroico di prendere il potere politico nelle sue mani.
L'aggravamento di contraddizioni pubbliche, grandiose battaglie di classe, nuovi problemi sociali, le questioni di una riorganizzazione democratica della società non potevano preoccuparti delle migliori menti, costringendo l'analisi dei fenomeni della realtà, per cercare nuovi modi nell'art. In Francia, che conferisce l'immagine più distinta della formazione e dello sviluppo delle principali correnti del XIX secolo, l'aumento del realismo è osservato prima che in altri paesi, la direzione realistica risulta essere la più strettamente legata al sociale e Vita politica, propone i maggiori rappresentanti dell'arte del XIX secolo.
La rivoluzione del luglio 19930 è stata una pietra miliare sostanziale verso lo sviluppo dell'arte francese. Sotto la sua influenza, le illusioni romantiche si svolgono, l'interesse per il tema sociale è aumentato, viene prodotto un programma teorico indipendente di realismo. I requisiti di base per la nuova arte sono stati formulati da Lavirion e Galbacho nel "salone del 1833". Hanno ricevuto il loro ulteriore sviluppo nelle opere di grandi teorici-Difensori del realismo: inizio Torah, Charflerry, Duranti, Kastanyari e altri. Tutti questi critici - rappresentanti della generazione del 1848 - nominarono la questione del ruolo educativo dell'arte alla ribalta. Arte, hanno approvato, dovrebbero contribuire allo sviluppo della società lungo il percorso del progresso, dovrebbe essere un "insegnante di vita", e per questo deve essere pertinente, persone socialmente saturate, comprensibili. L'arte dovrebbe aiutare le persone a conoscere il mondo intorno a loro, risolvere le sue contraddizioni. Sarà in grado di farlo buttando via tutti i tipi di idealizzazione, l'intensificazione della vita. La veridicità dell'immagine viene proposta come una delle necessarie condizioni di creatività - l'artista scrive ciò che sa cosa vede davanti a se stesso. Il call per l'abbandono dei campioni generalmente accettati e all'approvazione della verità vitale nell'arte ha aiutato artisti avanzati nello sviluppo di nuovi metodi e mezzi di espressività artistica, aperta ampie prospettive per la ricerca creativa. Allo stesso tempo, alcuni critici della metà del XIX secolo a volte hanno ridotto il concetto di realismo all'affidabilità esterna dell'immagine, l'illusione del mondo apparente, che è decisamente disorientato dagli artisti.
Philip Genon. Tra i predecessori di grandi artisti realisti meritano di menzionare alcuni maestri meno significativi. Senza possedere il donazione dei suoi seguaci, hanno preparato il terreno per loro. Includono Philip Genon (1809-1877). Era un membro delle rivoluzioni del 1830 e del 1848, spesso agito in stampa con la protezione dei principi realistici. Già nel primo lavoro dei "bambini su Barricade" (1831, Museo in Cana), il Genon si rivolse all'immagine immediata degli eventi rivoluzionari. Nei lavori successivi, ha dato un'analisi sociale della realtà, si oppone a vicenda rappresentanti di varie classi della società moderna: nobiltà, borghesia e proletariato. Durante il raffigurante lavoratori, l'artista ha sottolineato la loro povertà e la loro sofferenza, senza evitare un sentimentalismo. Il genere è noto così come un ritrattista. Ha lasciato ritratti espressivi di persone avanzate del suo tempo - rappresentanti dell'Intelligia repubblicana.

Realismo in Francia e in Inghilterra (letteratura e arte nel XIX secolo)

A metà del secolo, il realismo diventa una direzione dominante nella cultura europea.

Il realismo è sorto in Francia e in Inghilterra nel contesto delle relazioni capitaliste stabilite. Le contraddizioni sociali e gli svantaggi del sistema capitalista hanno identificato un atteggiamento bruscamente critico nei confronti degli scrittori dei realisti. Erano negato la comprensione, la sfacciata disuguaglianza, l'egoismo, l'ipocrisia. Secondo la sua attenzione ideologica, diventa realismo critico. Allo stesso tempo, la creatività dei grandi scrittori realisti è permeato con le idee dell'umanesimo e della giustizia sociale.

Letteratura Francia. Un campione di poesia realistica della Francia nel 19 ° secolo fu il poeta Pierre Jean de Berance (1780-1857), si è ritratto durante la monarchia napoleonica e nel 1813 nella canzone "King Yveto" condannò le avventure militari di Napoleone e il suo Politica fiscale. Durante il periodo di restauro, è diventato un vero poeta da combattimento. Le sue canzoni vivace durante questo periodo ridicolizzano i borghesi ricchi e prosperi. La canzone politica Beranta è saturata dalla democrazia, segnato con il sigillo dell'umorismo nazionale vivente.

Era un brillante rappresentante del realismo critico era Sindaggio (Assicurarsi. Henri Bale, 1783-1842). L'adorazione dello scrittore ha causato persone con un carattere attivo e forte. Vide tali eroi tra le figure rinascimentali ("cronache italiane"), Shakespeare, tra i contemporanei.

Uno dei meravigliosi romanzi Sindaggio- "rosso e nero" (1830). Eroe del romano - Julien Sorel, un appassionato fan dell'aera napoleonica, un uomo con un'anima elevata e sensibile, lo sforzo di sconfiggere l'ambiente sociale obliquo. Tuttavia, non ci riesce, poiché le classi dominanti non gli hanno accettato - Plebey per origine. Nel romanzo scrittore "PARM residente" condanna l'era reazionaria, predeterminata la tragedia di persone intelligenti, di talento, sentendosi profondamente.

Top, il punto più alto dello sviluppo del realismo dell'Europa occidentale - il lavoro di quelli Balzaca. (1799 -1850). Secondo Balzak, il suo lavoro principale - la "commedia umana" epica dovrebbe consistere in 143 libri che riflettono tutte le parti della vita della società francese. Questo lavoro titanico Balzac ha dato a tutta la sua forza, ha creato 90 romanzi e il romanzo.

In questo epico, i romanzi sono associati a un'idea comune e a molti personaggi. Include nuovi romanzi come il "capolavoro sconosciuto", "Shagreen Skin", "Eugene Grande", "Padre Gorio", "Caesar Baroto", "Lost Illusions", "Cousin Betta" e molti altri. L'epica - la copertura più importante dell'immagine realistica, che riflette la morale e le contraddizioni della vita pubblica della Francia. Balzac dà ai suoi eroi a mente, talento, carattere forte. Le sue opere sono profondamente drammatiche, sono raffigurate nel potere del "principio di denaro", decomponendo vecchi legami patriarcali e legami familiari, incitando fiamme di passioni egoistiche.

Maestro Novella è stato prosperare Merima. (1803-1870), uno scrittore eccezionale-realista. I suoi romanzi sono concisi, rigidi, eleganti. Agiscono in personaggi forti e luminosi, una natura solida capace di sentimenti forti - "carmen" (servito come base per il bizet dell'opera dello stesso nome), "Colomba", "Falc". Anche in quei romanzi in cui lo scrittore descrive eroi romantici e situazioni romantiche, l'azione è tradotta non nel piano romantico, ma viene data la motivazione realistica.

Scritto Merima. e gioca. Una delle opere eccezionali dello scrittore è una "Jacceria" di Play-Chronicle, che riflette il movimento contadino del XIV secolo. Sono stati scritti dall'unica grande novità "Chronicle of the Times of Charles IX", raccontando della lotta dei cattolici e dei protestanti ed degli eventi della notte bartolomeviana. L'autore debutta intolleranza fanatica.

In connessione con il cambiamento nella posizione politica della borghesia dopo la rivoluzione del 1848 e il rifiuto di esso dalla cooperazione con la classe operaia nella letteratura della Francia, c'è un nuovo tipo di realismo critico - gli scrittori si rifiutano di creare immagini possenti, E il concetto di tipico è ridotto al più comune, ordinario. In generale, l'arte è ancora più che si avvicina la vita.

Il più grande rappresentante della nuova fase del realismo era Gustave Flaubert. (1821-1880). Il rapporto tra lo scrittore ai segmenti sociali della popolazione è stato controverso: odiava la borghesia, era sprezzante alle masse folk, l'attività politica era considerata priva di significato. Pertanto, Flaubert chiama l'artista "Vai alla Torre di Avorio", serve la bellezza. Nonostante l'inconvenzione di tale posizione, Flaubert ha dato una meravigliosa immagine critica della volgarità borghese, senza rimanere da parte dalla lotta pubblica. Uno dei lavori eccezionali Flaubert.- Roman "Madame Bovarie". Nel centro del romanzo - l'immagine di una donna dal mezzo borghese. Romanizzato dalla letteratura romantica, muore in una collisione con una realtà beneditiva. Nel romanzo, la "educazione del sovrano" raffigurato morale della provincia e Parigi, una nobiltà morale del borghese. Questo romanzo ha sviluppato il tema di un giovane uomo, pigro, inerte, non capace di attività attiva. I romanzi "Salambo", "Legend of Holy Juliana Milosive" e "Irodiada", in cui la situazione delle epoche remote restaurata con obiettività scientifica. Lo scrittore ha raggiunto una scrupolosa accuratezza della riproduzione di parti realistiche, la profondità dell'analisi psicologica rivelata dal monologo interno.

Inghilterra:

Letteratura dell'Inghilterra. Scrittore scozzese Walter Scott (1771-1832) ha portato interesse per il Medioevo con i romantici. All'inizio del suo percorso creativo, era impegnato a raccogliere folcloristico scozzese, ha scritto poesie romantiche. La fama mondiale gli ha portato una prosa realistica.

Walter Skol è il creatore del genere di un romanzo storico che combina tendenze romantiche e realistiche. La morte del clan generico scozzese viene visualizzata dallo scrittore nei romanzi "Veverley", "Rob Roy". Romanzi "Ivanho", "Quentin Dorvard" dipinge l'immagine del Medievale Inghilterra e della Francia. I romanzi "Puritan", "Legend of Monroceery" illuminano la lotta di classe che si è svolta in Inghilterra nei secoli XVII-XVIII.

La creatività di V. Scott è caratterizzata da una speciale composizione dei romanzi, predeterminata dalla nomina della descrizione della vita, della vita e della morale del popolo stesso, e non dei re, del comandante, dei nobili. Allo stesso tempo, raffigurante la privacy, lo scrittore riproduce l'immagine degli eventi storici.

Uno dei grandi artisti della letteratura mondiale - Charles Dickens. (1812-1870), è il fondatore e leader del realismo critico della letteratura inglese, un eccezionale satirico e umorista. Nelle prime opere di "note del Pykvik Club", il Patriarchal Inghilterra è raffigurato. Cadendo sopra la splendidatezza, la creduloni, l'ingenua del suo eroe, Dickens lo simpatizza, avendo condiviso il suo sfortunatamente, l'onestà, la fede nel bene.

Già nel prossimo romanzo, le "avventure di Oliver Twist" raffigurano una città capitalista con i suoi bassifondi e la vita dei poveri. Lo scrittore, credendo nella celebrazione della giustizia, il suo eroe rende superano tutti gli ostacoli e raggiungono la felicità personale.

Tuttavia, lavori Dickens. pieno di dramma profondo. Lo scrittore ha dato un'intera galleria di portatori del male pubblico, che sono rappresentanti della classe borghese. Questo è un Raalph Ralph Niklby, un insegnante crudele Okvirs, un ipocrita Perekkssnif, Randge Mansman, capitalista Baunderby. Il più grande raggiungimento di Dickens - l'immagine del signor Domby (Roman "Dombei e del figlio") - Una persona che è morta per tutti i sentimenti, e il suo compiacimento, stupidità, egoismo, sono rivelati ai proprietari del mondo.

Qualità di qualità di Dickens come ottimismo indistruttibile, umorismo luminoso e molto nazionale, aspetto sobrio, realistico alla vita, - tutto ciò lo rende il più grande dopo Shakespeare lo scrittore popolare dell'Inghilterra.

Dickens contemporaneo - William Tekkerei. (1811-1863) Nel miglior romanzo, la "fiera Vanità" espone vivamente e figurativamente i vizi della società borghese. In questa società, ognuno svolge un ruolo progettato per lui. Tekkerei non vede eroi positivi, ha solo due categorie di attori - ingannatori o ingannati. Ma lo scrittore è impegnato in verità psicologica, evita la caratteristica grottesca ed esagerata dei Dickens. Tekkerei con il disprezzo si riferisce al top della società borghese-nobile, ma è indifferente alla vita del fondo. È pessimista, scettico.

Alla fine del XIX secolo. La direzione realistica della letteratura inglese è stata rappresentata dalla creatività principalmente tre scrittori che hanno vinto il famoso mondo: John Golsuürussi (1867-1933), George Bernarda Show (1856-1950), Herbert George Wells (1866-1946).

Quindi, D. Golsuvourcia nella trilogia "Saga su Forsyites" e "Commedia moderna" ha dato l'immagine epica della morale del borghese dell'Inghilterra dei secoli XIX-primitivi XIX. Ottenere un ruolo deludente di proprietà sia della vita pubblica e privata. Sono scritti drammi. Era impegnato nel giornalismo, dove ha difeso i principi del realismo. Ma nella trilogia, la fine del capitolo ha mostrato tendenze prudenti.

DB Show è uno dei fondatori e i primi membri della "Società Fabian" socialista, il creatore delle discussioni del tamburo, nel centro dei quali - una collisione di ideologie ostili, una soluzione intransigente per problemi socio-etici ("Casa della vedova "," La professione di Mrs. Warren "," AppleCart "). Per il metodo creativo dello spettacolo, un paradosso è caratterizzato come un mezzo di dogmatismo e pregiudizio non indicato ("Andrkl e Lev", "Pygmalion"), il tradizionale delle idee (giochi storici "Caesar e Cleopatra", "Santo John") .

D. Wells - Classic Sci-Fiction Letteratura. Nei romanzi "macchina del tempo", "NIVIDIMKA", "War of the Worlds" scrittore si basava sui più recenti concetti scientifici. Problemi derivanti dalle persone in relazione ai progressi scientifici e tecnici, lo scrittore associa con previsioni sociali e morali dello sviluppo della società: "La storia dell'umanità sta diventando sempre più un concorso tra istruzione e disastri".

Arte musicale In e T e L e nel XIX secolo. Nelle condizioni di reazione politica, l'opera si è mostrata come il genere più massiccio e democratico dell'arte teatrale. La parte superiore del realismo nell'opera musicale del XIX secolo. - Creatività del grande compositore italiano Juset Verdi (1813-1901), strettamente connesso con il movimento della liberazione italiana ("Nabucco", "Lombard nella prima crociata"). In tali opera opere, come "Ernani", "Macbeth", "Battaglia di Lenyano", protestava contro qualsiasi violenza e oppressione. Le rappresentazioni delle opere di Verdi, imbevute delle idee della lotta per la liberazione e l'unificazione dell'Italia, sono state accompagnate da manifestazioni patriottiche tempestose.

Capolavori del realismo dell'opera - Opera Verdi "Ida", "Othello" e "Falstaf". Questi sono drammi musicali con uno sviluppo continuo di azione. Le scene sono costruite liberamente, con una transizione flessibile da una cleattee a un monologo, da solo all'ensemble. Un posto importante è assegnato all'orchestra. Verda ha una fusione completa di musica con un'azione drammatica. Democratico, la profonda umanità della creatività di Verdi lo ha portato una grande popolarità. Le sue opere sono costantemente nel repertorio dei teatri dell'opera del mondo.

Le opere italiane hanno causato vita a nuovi principi di esecuzione vocale e stadio: la drammatica espressività del canto, capacità di recitazione del cantante, la precisione storica di scenari e costumi. Vocalisti meravigliosi, rappresentanti del Belkanto con la gloria del mondo erano cantanti A. Pat, J. Pasta, I. Kolbran, e altri cantanti M. Battistini, F. Goldi, ecc.

Nello stesso periodo, una nuova direzione appare nell'opera - corretta (NT. Verismo, da Vero - TRUE, VERO). I suoi rappresentanti - Compositori R. Leonkallo (1857-1919), P. Maskanya (1863-1945), Mente. JORDANA (1867 -1948), J. PUCCHINI (1858-1924). Nel cuore delle opere di questi maestri - grafici vitali; Mappatura sincero del mondo spirituale della gente comune; Musica emotivamente espressiva, mancanza di un'elevata idea pubblica. C'era un certo stile di performing - espressione esagerata, supervisione sentimentale, dramma acuto. Le migliori opere di questa zona sono l'onore rurale di Maskagany, "paga" Leonkallo. Grazie alla profondità psicologica, la creatività di J. Pochini, che ha scritto al "Dio", "desideroso" "Chio-Chio-san", supera il quadro del Verismo.

In F R A N C e, lo sviluppo di un'opera lirica, che differisce da una grande opera tema più intima e grafici presi in prestito dalla letteratura classica. Questa è l'opera "Manon" e "Werker" J. Massne, "Faust" e "Romeo e Giulietta" Sh. Guno, Amleto A. Tom e altri. Le opere lirico sono state create su scene orientali esotiche. Questa è "Lakme" L. Elibe, "Pearl Cercaters" e "Jamile" J. Bize, Samson e Dalila K. Saint-Sansa. Nelle operazioni liriche, le esperienze umane sono in modo sincero e sottilmente incorporate. Per l'esito della vita è caratterizzato da poesia. Il linguaggio musicale di queste opere è democratico, vicino al folclore urbano.

Il vertice del realismo nell'opera d'arte della Francia è riconosciuto come Opera J. Biza "Carmen". Per la creatività, il Bise è caratterizzato dal deposito delle forme, la chiarezza della presentazione. Gli eroi dell'Opera sono persone normali con personaggi forti e contraddittori. In questa opera incarnava il sapore musicale nazionale spagnolo. È un corso stressante di eventi drammatici, una varietà di scene folk. Questa è una delle opere più popolari del mondo. PI. Tchaikovsky lo ha riconosciuto "nel senso pieno della parola come capolavoro".

Metà del secolo XIX. Divenne il tempo di nascita di un nuovo genere musicale - Operetta - Opera leggera, compresa la danza e il dialogo (si è verificato dall'opera comica). Motherland Operetta - f R A N C E I, E gli eroi - Compositori F. Erve e J. Offenbach.

Dentro e dentro con T e e all'inizio del XIX secolo. Insieme ai centri musicali della vena, Salisburgo, Zeizenstadt, Esterhaza, ecc. Vienna Court Opera è stato inaugurato nel 1869, questo teatro è diventato il principale teatro musicale del paese. Nel suo repertorio, prevalse opere francesi e italiane. Nell'ultimo terzo del XIX secolo. Ricevuto lo sviluppo di Venet "Operetta. I suoi fondatori: F. Zupe (1819-1895), che ha scritto un "Beautiful Galati", "Bokcchcho" e una delle sue migliori operette - Donna Juanita; I. Strauss (figlio) (1825 -1849) - le migliori creazioni del "Gypsy Baron", "BAT MOUSE", ecc. Il principale compositore di questo genere - K. Miakeker (1842-1899) - L'autore della Operatta "Studente mendicante", "Gasparon", "Poor Ionafan".

Nel lavoro di questi compositori, le melodie folk sono ampiamente utilizzate, il ritmo di danza, la funetta è melodiosa.

La fama mondiale I. Straus ha anche portato Walts viennese ("Blue Danubio", "Tales della foresta di Vienna", ecc.), Grazie a cui ha ricevuto il nome "King Waltz".

Nonostante il fatto che per la creatività dei compositori inglesi del XIX secolo. In generale, l'assenza di una natura nazionale pronunciata è caratterizzata, la cultura dell'opera è in una H G e e cresciuta intensamente. Il teatro "Covent Garden" è stato il più grande in Inghilterra, c'erano spettacoli dell'opera reale italiana. Nel 1856 fu formata la Royal English Opera. Alla fine del XIX secolo. Il periodo è disponibile nella storia sotto il nome del revival musicale inglese - l'interesse dei compositori aumenta il soggetto nazionale.

Arte. In questa forma di arte, il segno principale del realismo è la comprensione del carattere sociale dell'uomo. Tuttavia, nella pittura, il realismo è più vicino che in letteratura, è associato a mezzi visivi che creano un'illusione di affidabilità visiva.

La direzione realistica della pittura f r a N C e ha anche rafforzato la sua posizione nel mezzo del XIX secolo. Dopo la rivoluzione del 1848 nella storia dell'arte francese, il combattimento di due campi, due culture artistiche fondamentalmente opposte non erano così acute come durante questo periodo. Le migliori caratteristiche del popolo francese e della sua arte avanzata incarnate da artisti come il mulino, Kourbe, Mana, carpa. Non sono stati concessi mostre, avvelenati in quotidiani e riviste. Erano contrari dalla massa di Deltsov dell'arte, i fan di Napoleone III e l'intera borghesia di reazione del secondo impero.

J. F. MIME (1814-1875) Nella sua verità vitale monumentale e completa epica, i contadini francesi hanno mostrato dipinti, il suo lavoro, la sua forza morale ("collezionisti di Kohlis", "Angela").

Mulino e Kourbe divennero predecessori dell'impressionismo. Le opere di Eduard Mana (1832-1883) sono dedicate a Parigi. È uno dei brillanti colori dell'arte mondiale. Nei suoi dipinti, la caratteristica veritiera di tutti i tipi di abitanti di Parigi è stata trasmessa nei suoi dipinti ("colazione nel workshop", "Lettura", "nella barca", "Dana"), che è inflitta a questo giorno l'aspetto dell'allora Francia. Sebbene Mana nei primi dipinti abbia cercato di ripensare le immagini e le trame dei vecchi maestri nello spirito della modernità ("colazione sull'erba", "Olympia"), poi ha iniziato a creare dipinti su argomenti domestici, storici, rivoluzionari. La pagina più forte della storia del realismo critico francese è il suo ultimo dipinto "Bar a Foli-Berger" - sulla solitudine dell'esistenza umana. Anticipando l'impressionismo, si rivolse alla leggera pittura di Plenuar ("Argent") (Plenuer (Fran. Plein Air, lettere. - Aria esterna) - in pittura, riproduzione dei cambiamenti del flusso d'aria causati dalla luce del sole e dallo stato dell'atmosfera).

Fioritura a n g l e y con la pittura di k o b cade nel XIX secolo. Il primo terzo secolo. È collegato con lo sviluppo del brillante pittura del paesaggio.

Uno degli artisti più distintivi del suo tempo è stato William Term (1775-1851). Ha viaggiato molto in Europa, ei suoi paesaggi hanno acquisito un orientamento romantico ("naufragio"). Grassetto su ricerche colorate e luminose, con una scala distorta di oggetti, i suoi dipinti sono come provenienti dai predecessori dell'impressionismo ("pioggia, vapore e velocità"). È diventato anche famoso come pittore storico che ha creato paesaggi con scene mitologiche o storiche ("Garden-Garden", "Didona, Cartagine, ecc.)

Creatività F. Goya. Dopo la morte di Velasquez nel 1660, oltre cento anni, l'arte spagnola è rimasta in uno stato di profondo declino. E solo alla fine dei XVIII - primi piani XIX. La Spagna all'indietro ha improvvisamente nominato un brillante artista che divenne non solo uno dei più grandi pittori e charter della Spagna, ma ha anche avuto un impatto profondo su tutte le arti europee dei secoli XIX e XX. - Francisco Goyuy (1746 - 1828). Hanno creato un numero enorme di bellissimi affreschi, dipinti, incisioni, litografie, disegni. (Incisione (da Franz. ACIDO azoto) è la forma di incisione, dove la figura è cosparsa da un ago di incisione in uno strato di vernice resistente agli acidi che copre la piastra metallica. I luoghi graffiati si stanno precipitando con acido, e il risultante in-profondità L'immagine è piena di vernice e scongelata sulla carta.)

Teatro. Nella vita teatrale politicamente frammentata, focalizzata in piccole città, in cui i teatri della corte hanno svolto un repertorio classico.

La cancellazione nel 1869 i monopoli dei teatri della corte hanno portato all'emergere di molti teatri commerciali e una diminuzione del livello artistico del repertorio. La lotta per la creazione di performance come un lavoro a scena singolo ha iniziato il Teatro Mainingen nel 1871 dal teatro della città. I più grandi attori in Germania della metà e la fine del XIX secolo. Essere B. Davison, A. Mashkovsky, E. Possarca.

Nel gioco, Gaptman, Great Tragica I. Caina Shone, e A. Zorm.

Alla fine dei secoli, Berlino divenne il centro teatrale della Germania. Nel 1883, è stato aperto un teatro tedesco, nel 1889 - un teatro libero, promuovendo il Playwrith di Ibsen, Hauptman, E. Zol, L. Tolstoy.

All'inizio del XIX secolo. La vita teatrale A in C T R ed è segnato da un grande fiorente fiorente dei teatri. Indidabile, che era associato alle attività del drammaturgo F. Ramunda e dell'attore I. N. Pestray. Tuttavia, dopo la rivoluzione del 1848, questi teatri perdono la natura democratica, i giochi di intrattenimento predominano nel loro repertorio.

Nella seconda metà del XIX secolo. Il posto principale nella vita del teatro dell'Austria è stato tenuto da Burg-Theatre. La sua testa di Laube ha approvato i classici sul palco. In 70-8Q-E GG. Il teatro è stato guidato da F. Dilgenstedt, che ha messo il ciclo delle tragedie di Shakespeare, le commedie di Ibsen, Gogol, Turgenev, L. Tolstoy.

Balletto. Il luogo di nascita del moderno balletto europeo - e t a l e me. Il balletto italiano era basato sulle tradizioni di antico pantomima e danza e la cultura più ricca della danza nazionale. Alla fine dei secoli XVIII-XIX. Nello sviluppo del balletto italiano, è iniziato un nuovo palcoscenico, che ha coinciso con il periodo della lotta di liberazione del popolo italiano. Le esibizioni sono state create in base al principio del balletto efficace, saturo di dramma, dinamica, espressione. I balletti di John e S. Shepit furono messi, hanno eseguito ballerini pantomimisti.

Il teatro del teatro "La Rock" è stato considerato il più grande Balletto Art Center in Europa, nel 1813 è stata creata una scuola di balletto a teatro.

Nella seconda metà del XIX secolo. In Italia, come in altri paesi dell'Europa occidentale, c'era un declino dell'arte del balletto. In questo momento, lo stile di esecuzione virtuoso è approvato. L'attenzione si concentra sulla superamento delle difficoltà tecniche e la drammatica espressività si muove sullo sfondo. Negli anni '80 del XIX secolo. Fatto panoramiche prevalentemente incantevoli, caratterizzate da ingombranti e, di regola, prive di contenuti ideologici.

Bajler Charles. - Poeta francese. B. L'attività poetica ha coinciso con la fioritura in trend-re lucct-re francese e le tendenze del Parnas. Dopo la tempesta della rivoluzione francese e l'epica, le guerre napoleoniche in Francia hanno stabilito una procedura borghese che non soddisfaceva le aspirazioni delle ampie masse, ma anche le aspirazioni di strati di medie dimensioni, la piccola borghesia, che ha dato il massimo Numero di artisti in particolare in particolare scrittori e poeti.

Va notato ancora che nell'era del 1848, quando una forte crampi rivoluzionaria scosse il mondo borghese, Baudelaire si svegliò. A questo punto, le sue opere sono "Twilight", "Dawn" e "Pirushka di Ragokov". Note democratiche e leggermente rivoluzionarie cominciarono a manifestarsi nella poesia B., ma presto svaniscono in una delusione ancora più cupa.

La cosa principale è il suo lavoro è "fiori del male" (Les Fleurs du Mal, 1857; Ci sono russi. Traslant. Yakubovich-Melshina ed Ellis; Tradotto e molti altri poeti: Sologub, Vyacheslav Ivanov, ecc.). "Flowers Evil" - La quintessenza di quei sentimenti, abbiamo parlato di To-Ryy sopra. Parnassiani contemporanei che hanno chiesto una straordinaria poesia in filigrana, la durezza della struttura, il risparmio di parole, il ritmo rigoroso e la scelta delle immagini e la profonda osservanza delle espressioni, B. non solo presentate a tutte queste condizioni, ma si è rivelato essere uno dei più grandi maestri simili, classici a modo suo, formano il verso. B. appartiene alla razza di poeti-scultori. Porta le sue poesie o una frusta. Le sue opere sono difficili, ogni parola è sicuramente al suo posto. La padronanza qui è coraggiosa.

Il realismo come una direzione indipendente è stata fondata negli anni '40 del 19 ° secolo., Successivamente, il realismo critico si è trasformato in forma di realismo critico (il punto più alto del realismo è il capo dei vizi della società). Lo sviluppo del realismo è stato accompagnato dallo sviluppo del metodo di produzione capitalista, e, di conseguenza, le crescenti contraddizioni sociali, che si riflettevano nell'arte di questo periodo.

Realismo nell'arte 19 V. Unisce con il romanticismo

Delusione nei risultati delle rivoluzioni

Atteggiamento negativo alla realtà borghese

Reversibile per il mondo spirituale dell'uomo

Lotta per l'autoaffermazione dell'individuo

Chiudi tema della nazione

Tuttavia, in contrasto con i romantici che corrono dalla realtà, alle situazioni di emergenza, agli individui straordinari, alle situazioni eroiche, alle passioni turbolenti della vita, il realismo penetra profondamente in realtà nella vita pubblica.

Nuovi approcci degli artisti realistici 19 in. Per riflettere ciò che è veramente fatto "qui e ora".Gli artisti erano convinti della possibilità di conoscenza del mondo oggettivamente esistente per mezzo dell'art. Hanno fatto appello alle quinte della vita borghese, copriva la vita dei contadini, nei giorni feriali del lavoro delle basi urbane.

Uno dei primi realisti nel dipinto della Francia era Gustave Kourbe.Chi ha applicato al tema del lavoro ("frantoi di pietra"), ha scritto le tele social basate su motivi reali ("funerali di Ornan"). "Procisenità" di Kourbe è una critica ufficiale della sfida aperta.

Francois Mill. - Il genere contadino, senza sfumature melodrammatiche ed etnografiche, ma attraverso il trasferimento di pose, gesti, i movimenti dei corpi hanno rivelato la natura del processo del lavoro, la forza e la destrezza dei contadini ("contadini con un ramoscello", "Collezionisti del comando ") - Canvesie emicamente monumentali, vitalità e verità completa.

Case Onor - Un artista di realismo critico, creato, come O. Balzac, ha creato la "commedia umana" dell'era in migliaia di litografie, disegni e dipinti - caricature sul re Luigi-Philippe nelle riviste satyric "Karicatur" e "Sharivari "(" Bassa la tenda "), il genere principale è Satira Nravov: il mondo filisteo dei truffatori, degli sciocchi, dei provinciali nella capitale (" figure della giustizia "). "Broke" non è un ritratto, ma un'immagine collettiva di tutta la lavanderia parigina; Un ritratto in cui l'autore ha espresso tutto il suo popolo. Una serie di illustrazioni per Don Quixhot, dove, nell'immagine del personaggio principale, l'artista ha cercato di riflettere la propria posizione nelle società, il soggetto della sofferenza dell'uomo. Atmosfera sociale delle sue trame - Contrappeso Censura proibita.

Paesaggio nazionale francese:

Jean Batist Camille Coro - spiritualità poetica della natura; Motivo preferito - "Dopo la pioggia", cioè. uno stato di natura mutevole; Tualità d'argento del suo dipinto "Grey Chimka Coro".

Scuola Barbizonskaya. - Obiettivo domestico: un'immagine dell'originalità del paesaggio nazionale, il trasferimento di stati variabili della natura, il rifiuto dei canoni compositi. Theodore Rousseau. - "Paesaggio con un ponte" - Paesaggio dalla natura, particolare attenzione alla forma, tutti gli alberi sono individuali, la modellazione pittoresca li rende volumetrica e quasi scultorea, la loro monumentalità è enfatizzata da un basso orizzonte.

Jules Dupre. - "Paesaggio autunnale" - L'effetto del sole al tramonto sottolinea il contrasto dei colori del paesaggio autunnale dopo la pioggia, soprattutto solenne gli alberi dominanti nella composizione.

Charles Kotovy. - Paesaggi del fiume ("Banche del fiume UAZ"), il desiderio di catturare i minimi cambiamenti nello stato della natura, una sottile trasmissione pittoresca di oggetti leggeri, avvolgenti.

Dalla fine del XVIII secolo. La Francia ha svolto un ruolo importante nella vita socio-politica dell'Europa occidentale. XIX secolo. Era segnato da un ampio movimento democratico che copriva quasi tutte le sezioni della società francese. Per la rivoluzione del 1830, la rivoluzione è stata seguita dalla rivoluzione del 1848. Nel 1871, il popolo ha proclamato il Comune di Parigi, ha fatto il primo nella storia della Francia e dell'intera Europa occidentale, un tentativo di prendere il potere politico nel stato.

La situazione critica che stabilita nel paese non ha potuto influenzare il peso mondiale delle persone. In questa epoca, l'Intelligentia francese avanzata cerca di trovare nuovi modi nell'arte e nuove forme di espressione artistica. Ecco perché nella pittura della Francia, le tendenze realistiche sono state scoperte molto prima che in altri paesi dell'Europa occidentale.

La rivoluzione del 1830 ha portato nella vita della Francia, libertà democratiche che gli artisti-grafica non sono stati configurati. Le taglienti cartoni animati politiche volte ai circoli dominanti, così come i vizi che regnano nella società, hanno riempito le pagine delle riviste di Sharivari, "Karikatur". Le illustrazioni per periodici sono state eseguite in tecniche di litografia. Nel genere dei cartoni animati, tali artisti lavoravano come A. Monie, N. Charle, J. I. Granville, così come un meraviglioso programma francese di O. Domia.

Un ruolo importante nell'arte della Francia nel periodo tra i rivoluzioni del 1830 e del 1848 è stata interpretata da una direzione realistica nel pittura del paesaggio - T. N. Scuola Barbizonskaya. Questo termine deriva dal nome di un piccolo pittoresco villaggio barbizon vicino a Parigi, dove nel 1830-1840. Molti artisti francesi sono venuti a esplorare la natura. Non soddisfatto delle tradizioni dell'arte accademica, priva di concretezza vivente e originalità nazionale, cercavano di Barbizon, dove, esaminando attentamente tutti i cambiamenti che si verificano in natura, ha scritto immagini con l'immagine degli angoli modesti della natura francese.

Sebbene le opere dei Maestri della Scuola Barbizon siano distinte per veridicità e obiettività, sentono sempre l'umore dell'autore, le sue emozioni ed esperienze. La natura nei paesaggi dei barbizoni non sembra maestosa e rimossa, è vicina e comprensibile per l'uomo.

Spesso gli artisti hanno scritto lo stesso posto (foresta, fiume, laghetto) in diversi momenti della giornata e in condizioni meteorologiche diverse. Sono stati elaborati nell'aria aperta di Etudi nel laboratorio, creando un'intera immagine su una costruzione composita. Molto spesso nel lavoro pittorico finito scomparve la freschezza delle vernici inerenti agli etudi, quindi la tela di molti barboni si distingueva da un colore scuro.

Theodore Rousseau era il più grande rappresentante della Scuola Barbizon, che, essendo un già famoso ufficiale del paesaggio, si è allontanato dal dipinto accademico e arrivò a Barbizon. Testato contro la deforestazione barbarica delle foreste, Rousseau dà alla natura delle qualità umane. Ha detto lui stesso che sente le voci degli alberi e li capisce. Bellissimo intenditore della foresta, l'artista trasmette molto accuratamente la struttura, la razza, la scala di ogni albero ("Foresta Fontainebleau", 1848-1850; "Oaks ad Agramon", 1852). Allo stesso tempo, le opere di Rousseau dimostrano che l'artista, il cui artista è stato formato sotto l'influenza dell'arte accademica e della pittura dei vecchi maestri, non avrebbe potuto, non importa come ha provato, risolvere il problema del trasferimento di una leggera aria ambiente. Pertanto, la luce e il sapore nei suoi paesaggi sono più spesso osservati.

L'arte di Rousseau ha avuto una grande influenza sui giovani artisti francesi. Rappresentanti dell'Accademia, che erano impegnati nella selezione dei dipinti nei saloni, hanno cercato di impedire il lavoro di Rousseau alla mostra.

I famosi maestri della Scuola Barbizon erano Jules Dupra, nei paesaggi dei quali ci sono caratteristiche di arte romantica ("Grande quercia", 1844-1855; "Paesaggio con mucche", 1850), e Naris Diaz, Foresta abitata Fontaineblo figure nude Ninfa e antiche dee ("Venere con Amur", 1851).

Il rappresentante della Generazione più giovane di Barbizontsev era il Carlo di Konovi, che ha iniziato il suo modo creativo con illustrazioni, ma nel 1840. Paesaggio mortale. I suoi paesaggi lirici dedicati a angoli senza pretese della natura sono pieni di luce solare e aria. Molto spesso, Konovi ha scritto dalla natura non solo gli etudi, ma anche le foto finite. Ha costruito un laboratorio di barca, che navigò sul fiume, fermandosi nei luoghi più attraenti.

Il più grande artista francese XIX secolo era vicino ai barbizoni. K. Coro.

La rivoluzione del 1848 ha portato ad un insolito aumento della vita pubblica della Francia, nella sua cultura e dell'arte. In questo momento, due principali rappresentanti di pittura realistica sono stati lavorati nel paese - J.-F. Mulino e Kurba.

Il realismo francese è principalmente collegato ai nomi della Sindale e Balzak, ed è storicamente giusto. Tuttavia, non dobbiamo dimenticare che avevano talento predecessori, nelle opere di cui i principi realistici delle lettere sono stati notati abbastanza sicuramente. Stiamo parlando del poeta di Pierre Jean Berance, che ha guadagnato un'ampia fama con le sue canzoni e il corriere di Prosaika-Louis, la famosa Pamfleist, che è tornata in francese, secondo la "ex semplicità". I brani della barrante e il corriere dei polpetti hanno contribuito allo sviluppo di poetiche realistiche. Lo stesso obiettivo è stato perseguito da saggi domestici, moralopsichiatrici e "fisiologici" che erano una scuola di massa del realismo francese.

Nella prima metà del XIX secolo, i grandi scrittori che hanno portato il suo mondo la gloria appaiono sulla fase letteraria della Francia: Frederick Standal (Alias \u200b\u200bdi Henri-Marie Beil, 1783- 1842), Onor de Balzac (cognome reale - Bals; 1799 - 1850) e prosperono Merim (1803 -1870).

STANDAL (NOVEL "Armana", "Rosso e nero", "PARM residente", "Lucien Levena", "Lamel", la storia dei "ricordi dell'egoisti", il romanzo "Vanina Vanini", il libro "La vita di Gaidna , Mozart e Metastaspio "," Storia della pittura in Italia "," Roma, Napoli e Firenze "," Amore "," La vita di Rossini "," Rsin e Shakespeare "e altri scritti) era il creatore di un romanzo psicologico realistico. Questo era il suo principale merito, che non era il movimento letterario mondiale.

Sindale era un democratico che cercava le ragioni dei fenomeni nella realtà circostante. Cadde eccezionale interesse per la mente umana e la sua relazione con i sentimenti. Sindale è stato utilizzato per pensare che la base di tutte le azioni di una persona si trova personale e egoista desiderio, che, tuttavia, dovrebbe essere subordinato alla sensazione morale. Ha allegato grande importanza per la volontà e la considerava una delle principali forze della persona.

Nelle opere d'arte, in autonomi, a differenza di altri realisti, in particolare da Balzak, rende un'enfasi più forte sul mondo interiore dell'uomo che nella società e all'ambiente esterno dell'eroe. Una persona lo attrae non tanto quanto un prodotto sociale, quanto la vita della sua coscienza. Ma ancora indigeno non rifiuta il determinismo sociale e storico. Quindi, circondando il Pietro, l'eroe del romanzo "Vanina Vanini", un romantico alone, la sua passione della sua passione della nazionalità (italiana), un ruolo speciale della religione nella sua coscienza (dopo aver sconfitto lui, patriota, si sente punito e ricorre a L'aiuto della religione), sensazione sociale, lo comandando preferisco l'amore di una donna amore per la sua patria. Avendo sistemato i principi della creatività, il Sindale gode della sua esperienza e attira i personaggi raffigurati in loro tra loro tra le persone che gli hanno familiarità: "Prendo una delle persone che conoscevo, e dirmi: questa persona ha acquisito certe abitudini, andando Ogni mattina per cacciare la felicità, e poi gli darò un po 'di mente. " Sindale riteneva che l'uomo (e in molti modi e società) gestisca la passione. Quello principale di loro è l'amore che è diventato il centro del suo interesse artistico.

Sindale assegna quattro passioni d'amore ("on love"): "passione-amore", "passione-ambizione", "attrazione passione", "passione fisica". L'attenzione preferenziale è pagata al primo in primo luogo, di cui "Passion-Love" è vero ed eterno, e "Ambizione di passione" è un ipocrita e nata nel XIX secolo.

La psicologia dello stand è costruita al contrasto di "passioni d'amore" e "passione-ambizione", da un lato, e sul contrasto della passione e della mente - dall'altra. Eroe della Sindale, in seguito Pechorin a Lermontov, rileva che in lui in una faccia cercherebbe due: uno vive e agisce, e l'altro lo sta guardando. Dall'esperienza della contemplazione, lo scrittore costituisce una conclusione importante: "L'anima ha solo stati, non ha proprietà sostenibili". Il modo più profondo per identificare il mondo interiore, la vita dell'anima è un monologo interno, che è peculiare a tutti i principali eroi dello scrittore - Julienus, Lucien Levien, Fabrizio del Dongo, ecc.

Nella vita mentale della Sinduzione, il movimento del pensiero, poiché le passioni sono permeate dal principio razionale. Lo scrittore si ferma davanti allo studio degli stati mentali, indicandoli solo a loro. Tuttavia, le azioni degli eroi sono sempre rappresentate da loro in aggregati con reazioni su di loro, e questo dà un'idea dell'infinita individualità dell'esperienza intelligente e sensuale delle persone.

Il realismo francese del XIX secolo si svolge nei suoi due stadi di sviluppo. Il primo stadio è la formazione e l'approvazione del realismo come direzione dirigente nella letteratura (la fine degli anni '20 - '40) - rappresentata dalla creatività di Beranta, Merim, Sindale, Balzac. Il secondo (50-70s) è associato al nome di Flaubert - l'erede al realismo del tipo di Balzakovsky-Standlevsky e il predecessore del "realismo naturalistico" della scuola di scuola.

La storia del realismo in Francia inizia con la Bancora di creatività della canzone, che è abbastanza naturale e naturale. La canzone è piccola e quindi il genere più mobile della letteratura, reagendo istantaneamente a tutti i fenomeni notevoli della modernità. Durante la formazione del realismo, la canzone è inferiore al campionato del social romano. È questo genere, in virtù della sua specificità, apre la scrittrice ricca opportunità per un'ampia immagine e un'analisi approfondita della realtà, consentendo a Balzak e stare a risolvere il loro compito creativo principale - catturare l'aspetto vivente della Francia moderna in Le sue creazioni in tutta la sua completezza e unicità storica. Un posto più modesto, ma anche molto significativo nella gerarchia generale dei generi realistici occupa il romanzo, il maestro insuperabile di cui in quegli anni è giustamente considerato un Merim.

La formazione del realismo come metodo avviene nella seconda metà degli anni '20, cioè, nel periodo in cui il romanticismo svolge un ruolo di primo piano nel processo letterario. Accanto a loro in linea con il romanticismo inizia il percorso del loro scrittore per il Merim, Sindale, Balzac. Tutti sono vicini alle associazioni creative dei romantici e sono attivamente coinvolti nella lotta contro i classicisti. Sono i classicisti dei primi decenni del XIX secolo che insegnarono il governo monarchico di Borbone, e in questi anni i principali avversari dell'arte emergente dell'arte realistica. Quasi simultaneamente pubblicato dal Manifesto dei Romantici francesi - la prefazione per il dramma Kromwell del Hugo e il Trattato estetico della "Rasin e Shakespeare" di Estetic hanno un orientamento critico comune, essendo due colpi decisivi della classica arte delle leggi dell'arte classica . In questi più importanti documenti storici e letterari e HUGO e STANDAL, respingendo l'estetica del classicismo, gustoso per l'espansione dell'immagine dell'immagine dell'arte, per l'abolizione delle scene proibite e quelle per l'esecuzione della vita nella sua interezza e contraddizioni. Allo stesso tempo, sia per il più alto esempio, a cui il grande maestro del Rinascimento Shakespeare è il grande maestro dell'era del revival di Shakespeare. Infine, i primi realisti della Francia con i romantici degli anni '20 riuniscono la comunità di orientamento socio-politico, che rilevato non solo nell'opposizione alla monarchia della Bourbon, ma anche nella progressiva percezione delle relazioni borghese che approvamo nei loro occhi.

Dopo la rivoluzione del 1830, che è stata una pietra miliare significativa nella storia della Francia, i sentieri dei realisti e dei romantici si disperderanno che, in particolare, si rifletterà nella loro controversia dell'inizio degli anni '30. Il suo campionato nel Processo letterario Il romanticismo sarà costretto a cedere al realismo come direzione che soddisfa meglio le esigenze del nuovo tempo. Tuttavia, dopo il 1830, i contatti degli alleati di ieri per combattere i classicisti continueranno. Rimanendo fedeli ai principi fondamentali della sua estetica, il romanticismo esplorà con successo l'esperienza delle scoperte artistiche dei realisti, sostenendoli in quasi tutti gli sforzi creativi più importanti

Rient della seconda metà del XIX secolo. Rimproverino i loro predecessori nel "romanticismo residuo", rilevato in Merim, ad esempio, nel suo culto exotics (i cosiddetti romanzi esotici del tipo "Mateo Falcon", "Colomba" o "Carmen"). STATISALE - Nella dipendenza all'immagine di individualità luminose e passioni eccezionali per la sua forza ("Monastero del PARM", "Chronicles italiano"), Balzac - in un taiga a trame d'avventura ("storia di tredici") e l'uso di tecniche di fiction Nelle norme filosofiche e in un romanzo "Shagreen Pelle". I rimproveri non sono privi di terreni. Il fatto è che tra il realismo francese del primo periodo - e in questa delle sue caratteristiche specifiche - e il romanticismo c'è una relazione complessa "relativa", rilevata, in particolare, caratteristica di ereditarietà della romantica arte dei ricevimenti e persino individui e Motivi (il tema delle illusioni perse, del disappunto delusione, ecc.).

Si noti che in quel momento, i termini "romanticismo" e il "realismo" ancora non si sono verificati. Durante la prima metà del XIX secolo. I realisti erano quasi invariabilmente chiamati romantici. Solo negli anni '50 - dopo la morte dello Stendal e Balzak, gli scrittori francesi di Chafflery e Duranti in dichiarazioni speciali sono stati offerti il \u200b\u200btermine "realismo". Tuttavia, è importante sottolineare che il metodo, la sostanza teorica di cui ha dedicato molte opere, è già stato significativamente diverso dal metodo di livello autonomo, Balzak, Merim, portando l'impronta della loro origine storica e causata da loro connessione dialettica con l'arte del romanticismo.

Il significato del romanticismo come precursore dell'arte realistica in Francia è difficile da sovrastimare. Il romanticismo è stato il primo critico della società borghese. Possiede anche il merito dell'apertura di un nuovo tipo di eroe che entra in confronto con questa società. Una critica coerente e intransigente di relazioni borghesi con elevate posizioni dell'umanismismo sarà il lato più forte dei realisti francesi che ampliano chi ha arricchito i loro predecessori in questa direzione e, la cosa principale - il nuovo personaggio sociale che ha allegato critiche anticurie.

Uno dei risultati più significativi dei romantici per legge è visto nella loro arte dell'analisi psicologica, nell'apertura di loro di una profondità inesauribile e multiformità di una persona individuale. Questo risultato del romanticismo ha servito un notevole servizio di realisti, avendo pavimentato la strada per nuove altitudini nella conoscenza del mondo interiore dell'uomo. Le scoperte speciali in questa direzione dovevano essere fermate, che, affidandosi all'esperienza della medicina moderna (in particolare, psichiatria), chiariscono significativamente la conoscenza della letteratura sul lato spirituale della vita umana e collega la psicologia individuale con il suo sociale Essere, e il mondo interiore di una persona presenterà in dinamica, in evoluzione causata dall'impatto attivo sull'identità di un ambiente multi-line in cui questa personalità è.

Di particolare importanza in relazione al problema della continuità letteraria acquisisce il più importante dai principi dell'estetica romantica - il principio dello storicismo. È noto che questo principio comporta la considerazione dell'umanità dell'umanità come processo continuo, in cui tutte le sue fasi sono dialetticamente correlate, ognuna delle quali ha le sue specifiche. È, nominato dal sapore storico romantico, e furono chiamati a rivelare gli artisti delle parole nelle loro opere. Tuttavia, il principio dello storicismo tra i romantici formati nelle feroci controversie con i classicisti ha avuto una fondazione idealistica. È fondamentalmente diverso riempire i realisti. Sulla base dell'apertura della Scuola di storici moderni (Tierry, Misha, Gizo), ha dimostrato che il principale motore della storia è la lotta delle classi, e la forza, il risultato decisivo di questa lotta, il popolo, i ricavi hanno offerto un nuovo, materialistico Lettura della storia. Era precisamente ciò che ha stimolato il loro interesse speciale sia per le strutture economiche della società che alla psicologia sociale dei grandi maestri. Infine, parlando della complessa trasformazione dei principi romantici aperti dello storicismo in arte realistica, è necessario sottolineare che questo principio è attuato da realisti nell'immagine degli epoche recentemente passate (che è tipica per i romantici), e la moderna realtà borghese mostrato nelle loro opere come una certa tappa dello sviluppo storico della Francia.

Il fiorente del realismo francese, rappresentato dall'opera di Balzak, in autonoma e del Merim, cade il 1830-1840. Era il periodo della cosiddetta monarchia di luglio, quando la Francia, finendo con feudalesimo, fondato, secondo Engels, "il puro dominio della borghesia con una chiarezza così classica, come nessun altro paese europeo. E la lotta del capo del proletariato contro la borghesia dominante agisce anche qui in una forma così acuta, che è sconosciuta ad altri paesi ". "Chiarezza classica" delle relazioni borghese, in particolare la "forma acuta" delle contraddizioni antagoniste rivelate in loro e preparano l'eccezionale accuratezza e profondità di analisi sociale nelle opere di grandi realisti. Visualizza la sobrietà sulla moderna Francia è una caratteristica caratteristica di Balzac, standal, Merim.

I grandi realisti vedono il loro compito principale nella riproduzione artistica della realtà in quanto è, nella conoscenza delle leggi interne di questa realtà, determinando la sua dialettica e una varietà di forme. "Lo stesso storico doveva essere la società francese, rimase solo per essere il suo segretario", afferma Balzac nella prefazione alla "commedia umana", proclamando il principio di obiettività nell'approccio all'immagine della realtà al principio più importante di arte realistica Ma la riflessione oggettiva del mondo come è - nella comprensione dei realisti della prima metà del XIX secolo. - Non una riflessione passiva dello specchio di questo mondo. A volte, me ne accorgo la vita, "la natura è insolita spettacoli, contrasti sublimi; Possono rimanere incomprensibili per uno specchio che li riproduce inconsciamente. " E, come se raccogliesse il pensiero della Sindale, Balzac continua: "Il compito dell'arte non è quello di copiare la natura, ma per esprimerlo!" Un rifiuto categorico dell'empirismo piano (che seminterà alcuni realisti della seconda metà del XIX secolo) è una delle notevoli caratteristiche del realismo classico del 1830-1840. Ecco perché il più importante degli impianti è quello di ricreare la vita nelle forme della vita stessa - non esclude per Balzak, in autorità autonoma, merito di tali tecniche romantiche, come fantasia, grottesco, simbolo, allegoria, subordinati, tuttavia, la base realistica dei loro lavori.

Il realismo della seconda metà del XIX secolo, presentato dal lavoro di Flaubert, differisce dal realismo della prima tappa. C'è un divario finale con una tradizione romantica, dichiarata ufficialmente nel romanzo "Madame Bovari" (1856). E anche se l'oggetto principale dell'immagine dell'arte è ancora la realtà borghese, la scala e i principi della sua immagine stanno cambiando. Sulla sostituzione delle luminose individualità degli eroi del romanzo realistico dei 30-40 arrivano ordinarie, poche persone degna di nota. Il mondo multicolore è veramente la passione shakespeare, combattimenti crudeli, drammi strazianti, catturati nella "commedia umana" Balzak, lavori di standing e merima, è inferiore al "mondo del colore dello stampo", l'evento più degno di nota in cui coniugale Il tradimento sta diventando un adulter volgare.

I principali cambiamenti sono annotati, rispetto al realismo della prima fase e alla relazione tra l'artista con il mondo in cui vive e che è l'oggetto della sua immagine. Se Balzac, autonomamente, Merima ha mostrato un interesse caldo per il destino di questo mondo e costantemente, secondo Balzak, "disse al polso della sua epoca, sentivano le sue malattie, osservava la sua fisionomia", cioè. Mi sono sentito con artisti profondamente coinvolti nella vita della modernità, il Flaubert dichiara il distacco da principi dalla realtà borghese inaccettabile per lui. Tuttavia, un ossessionato da un sogno di rompere tutti i fili che lo legava con il "mondo del colore dello stampo", e nascondendosi nella "Torre d'Avorio", per dedicarsi a servire l'arte alta, Flaubert è quasi fatalmente incatenata alla propria modernità, Rimanere il suo rigoroso analista e un giudice obiettivo. Tariffe con i realisti della prima metà del XIX secolo. E l'orientamento anti-borghese della creatività.

Era la profonda critica del Beactico dei fondamentali antinamani e socialmente sleali del sistema borghese, che approvamo sul relitto della monarchia feudale, ed è la forza principale del realismo del XIX secolo.

Arte francese del XVIII secolo. Direzione realistica nella pittura.

Contro l'arte sofisticata di Rokail, l'arte dei saloni e del Budov, "La fantasia subordinata e le capricci delle persone ricche, annoiate, celebrando, il cui sapore è viziato, come le loro proprie", parlò nei 60-70, rappresentanti della critica borghese guidata da Denis Drop. L'arte del piercing dell'aristocrazia per la sua convention e la mancanza di naturalezza, hanno chiesto la creazione dell'arte, una vita sinceramente riflessiva, libera da maniere, non temendo ordinaria. In contrasto con l'arte di Rocail, il compito principale di consegnare il piacere della festa viziata delle persone, DRORO e i suoi sostenitori hanno chiesto la creazione di un'arte efficace che posa il loro compito non solo per riprodurre la realtà, ma anche l'educazione di una nuova persona. Secondo loro, oltre alla verità, l'arte dovrebbe avere un contenuto profondo che ha un'importanza pubblica dovrebbe avere un effetto benefico sulla società, per aiutare una persona nel risolvere i principali problemi vitali.

Queste viste con la più grande completezza sono state sviluppate da Drop nei suoi "saloni" - da 1759 recensioni di mostre d'arte a Louvre.

Jean Batist Simeon Charden. Il contrasto luminoso della linea aristocratica dominante dell'arte dell'arte è il lavoro dei più grandi maestri del realismo del XVIII secolo Jean Batista Simeon Sharden (1699-1779). Il figlio del artigiano parigino-carpenteria, ha attraversato un apprendimento dai pittori accademici, ma molto presto rotto con il loro metodo di lavoro - secondo i campioni di altri maestri e immaginazione. Con questo metodo, si opponeva al lavoro dalla natura e il suo studio stretto è il principio a cui è rimasto fedele per tutta la sua vita. Nel 1728, Charden ha attirato l'attenzione sulle due livelli ancora, indossata la piazza dauphin all'aperto, dove i giovani artisti potevano mostrare i loro dipinti. Il successo della sua quota gli ha permesso di presentare il suo lavoro all'Accademia. Qui, la sua natura morta ha ricevuto una confessione unanime, e Charden è stato eletto accademico.

Natubort era un genere preferito di Sharden. Questo genere è entrato nella moda nel XVIII secolo sotto l'influenza dell'olandese, che aveva fatto riempito con la letteratura raddrizzata alla semplicità e alla naturalezza. Ma nelle sue nazioni ancora, i maestri francesi solitamente respinti non dalle fondamentali fondali dell'arte olandese, ma dai suoi elementi decorativi. A questa natura morta decorativa, Chadin ha contrastato il suo semplice, senza pretese, privo di effetti esterni dell'immagine. Ha scritto brulchi di argilla, bottiglie, bicchieri, stoviglie semplici, circondati da frutta e verdura, a volte pesce o fossato bitu. Ma in questi oggetti ordinari, aprì la straordinaria ricchezza di sfumature colorate, che gli ha permesso con una forza straordinaria per esprimere le qualità materiali delle cose. Questi vantaggi della pittura Sharden apprezzavano immediatamente l'Didro, che lo considerava il "primo colorista" del salone e, forse uno dei primi colorful della pittura ". "... come l'aria si sta muovendo intorno a questi oggetti," esclama Didro, "questo è chi capisce l'armonia delle pitture e dei riflessi". E in effetti, Charden è uno dei più grandi coloristi dell'arte occidentale.

La grande pittura occupa il posto più importante nel lavoro di Sharden. È dedicato all'immagine di semplici scene di vita della terza classe francese - piccola borghesia e manodopera. Da questo ambiente, si è nutrito e la connessione con lei non si rompeva fino alla fine dei suoi giorni. Per la prima volta all'arte del XVIII secolo, la vita della terza classe è al centro dell'attenzione dell'artista, che lo trasmette con una sensazione profonda. Le trame dei dipinti di genere di Sharden sono ordinarie e semplici, sono privati \u200b\u200bdel dramma o della narrazione. Nella maggior parte dei casi, questa è un'immagine di una tranquilla vita fatta in casa: una madre con bambini che leggono una preghiera davanti a un pasto modesto ("preghiera prima di pranzo", 1744, eremitage); Bundlochka, lavanderia e bolle simili a bolle ("Booka", ok. 1737, Eremo), un ragazzo, una casa di carte pieghevole diligente ("Casa di carta", Louvre), sono trame tipiche di dipinti da parte del mago. Tutto in loro naturalmente e semplicemente e allo stesso tempo viene eseguita la grande poesia. I lavori di genere di Sharden sono completamente privi di tendenze letterarie e didattiche, così come sentimentalismo e l'anecotity inerente a opere simili della maggior parte dei suoi contemporanei. Ma proprio come Sharden nelle sue sollevamenti ancora aperti la bellezza di semplici utensili da cucina, riuscì a rilevare un intero mondo dei sentimenti umani sotto una modesta apparizione delle scene domestiche quotidiane, che acquisire un significato morale genuino nei suoi dipinti. La sincerità e la profonda veridicità sono combinate in queste opere di Sharden con l'arte inerente all'artista, il gusto e la squisita abilità pittorica. Oltre alle retille, sono scritte dolcemente e generalizzate, e il loro privo di colori di luminosità è costruito sulle sfumature più sottili dei toni computati.

Nell'arte francese del XVIII secolo Charden era anche uno dei creatori di un ritratto realistico. I ritratti più belli dell'artista appartengono al suo autoritratto e un ritratto di sua moglie, realizzato da Pastello (Louvre, 1770).

L'arte realistica di Sharden ha immediatamente ricevuto il sostegno per critiche artistiche avanzate. Sharden Drop ha apprezzato particolarmente altamente, nei suoi "saloni" ha ripetutamente elogiato ripetutamente i suoi dipinti per la veridicità vitale e gli alti vantaggi pittoreschi. Tuttavia, non sotto tutti gli aspetti L'arte di Sharden ha soddisfatto nuove critiche. Ora, quando le arti hanno chiesto di diventare, nell'espressione di Dro, la "Scuola di Morals, un stupido altoparlante, raccontandoci nelle virtù e azioni sublime", quegli artisti hanno iniziato a utilizzare un successo speciale nelle cui caratteristiche didattiche del lavoro.

Jean Batist Dream. Il capo del flusso moralizzante sentimentale in arte francese nella seconda metà del XVIII secolo ha iniziato il sogno di Jean Batist (1725-1805). Il lavoro degli ospiti, dedicato all'immagine principale della vita della piccola borghesia, è stata segnata da forti tendenze idealizzate e sono intrise di sensibilità sentimentale. Sono vicini alla natura al dramma sentimentale che sorgono durante questo periodo - il genere letterario in cui Didro ha scritto.

Dream Prima tra gli artisti francesi divenne una moralità borghese di predicatrice che un in gran parte spiegato il successo di tali opere, come "Padre della famiglia, spiegando la Bibbia ai suoi figli", apparve nel salone del 1755 (Parigi, Assemblea privata) o il "Rustic Bride" (Salon 1761, attualmente situato in Louvre). In questi dipinti, i contemporanei degli ospiti erano attratti e grafici sensibili e lodi sentimentali delle virtù della famiglia.

Molto apprezzato il lavoro dell'ospite e dell'idendro. "Qui è davvero il mio artista è un sogno", ha scritto Didro, analizzando l'immagine dell'ospite "Paliartik" (Eremo) nel suo "salone" del 1763. Didro ammira questa foto, poiché è "pittura morale", che è al pari con una poesia drammatica, "possiamo toccare, insegnare, correggere e incoraggiare in virtù".

Tuttavia, secondo i suoi vantaggi artistici, il lavoro degli ospiti è inferiore alle opere di Sharden. Le composizioni dei suoi dipinti sono spesso artificiali e teatrali, il tipo è uniformemente idealizzato e privato della genuina espressività, i gesti delle figure sono apparsi e ripetuti con situazioni simili, le pose sono spettacolari e deliberate. Spesso condizionato e colore dei dipinti degli ospiti. Ma i suoi numerosi disegni hanno grandi vantaggi. Questo schizzo composito o gli etudi di figure sono solitamente realizzati da una matita italiana o di un valore sanguigno, gratuito per modo, da solo e trasmettendo direttamente il modello.

Insieme alle quinte della vita di piccola borghesia, i sogni hanno scritto ritratti (ritratto di un giovane uomo, 1750s, eremitage), oltre a immagini idealizzate di belle ragazze, in cui il sentimentalismo dell'espressione sta spesso diventando spiacevole. Tuttavia, è proprio queste cosiddette "teste" dell'ospite una volta goduto molta popolarità.

Tuttavia, l'arte dell'ospite aveva solo un successo temporaneo. Più il momento del momento di unire il momento di unire la borghesia nel periodo di battaglie di classe è stato preso, meno tempo hanno potuto soddisfare i dipinti sentimentali di stoppino con i loro problemi limitati della vita familiare, soprattutto dal momento che il sentimentalismo dell'ospite di solito sarebbe stato imbevuto di erutiche.

Alla vigilia della rivoluzione del 1789, il classicismo viene al cambiamento dell'arte domestica didattica.

Jean supporta Fragonar. Nell'arte francese, la seconda metà del XVIII secolo continua a vivere e le tradizioni dello stile rococò, in cui, tuttavia, ora penetrano nella ricerca realistica. Il più grande rappresentante di questa direzione era Jean Onor Fragonar (1732-1806), un brillante maestro del pittore e un colorante sottile. Fama espensivata utilizzata dalle scene di fragonar galrant e dalle immagini dei parchi.

Pur essendo un pensionato a Roma, Fragonar, insieme al paesaggio di Gubert Robert, era appassionato di disegnare da ville romane. Insieme allo stesso Robert, Fragonar vive nella Saint Nona Ville D concesso da lui, Este in Tevere, circondato da una pittoresca flotta, situata nel fantastico nella sua bellezza del terreno. Qui, Fragonar e Robert scrivono un certo numero di etudi e partecipano all'edizione non indirizzata a Nonata dedicata a Napoli e Sicilia, eseguendo disegni per l'incisione.

Nell'immagine delle scene d'amore, il Fragonar si sviluppa anche più audace del cespuglio, degli elementi sensuali ed erotici. Queste note sembrano particolarmente fortemente in tali opere come la "camicia rubata" (Louvre), "swing" (Londra, Assemblea di Wallace), "Kiss Snoop" (Hermitage) e altri. Fantasia ricca, facilità di scrittura, striscio audace, brillante artigianato è caratteristica della creatività di Fragonard. Fragonar e lavori raffiguranti scene ogni giorno, a volte e la vita popolare, come "figli d'agricoltore" (eremo) e altri. Sono intrisi di una sensazione calorosa e differiscono nella vitalità delle immagini, grande abilità nella trasmissione della luce, la finezza del sapore e il libero modo della lettera. Sentono lo studio delle opere dei pittori olandesi del XVII secolo. L'influenza di quest'ultimo colpisce la caratteristica brillantemente trasmessa delle cose, interesse per l'immagine degli animali. Come tutti gli artisti del suo tempo, Fragonar si distingueva da una grande versatilità, ha scritto ritratti, dipinti religiosi, pannelli decorativi, libri illustrati, fecero miniature.

L'arte della Francia, un paese molto politicizzato, ha risposto invariabilmente agli eventi che influenzano le profondità dell'ordine mondiale. Pertanto, il paese nel XIX secolo. La caduta sopravvissuta dell'Impero, il restauro di Bourbon, le due rivoluzioni che partecipano a molte guerre hanno cessato di aver bisogno di una presentazione artistica del potere. Le persone volevano vedere, ei Maestri creano una tela abitata dai contemporanei che operano in circostanze reali. La creatività del grande artista Onor House (1808 - 1879) rifletteva l'era del XIX secolo, ricco di shock sociali. La fama diffusa, diventando una specie di cronache di vita e morale dell'era, ha ricevuto case grafiche, maestri di caricatura politica, implaciando la monarchia, l'ingiustizia sociale, il militarismo. Le pittoresche case di talento rivelate nel 1840. L'artista stesso non ha cercato di mettere i suoi dipinti. Le sue tele hanno visto solo poche persone vicine - Delacroix e Baudelaire, Coro e Korotovy, Balzac e Misha. Erano loro che erano i primi a molto apprezzati il \u200b\u200bpittoresco talento della casa, che è spesso chiamato "scultoreo". Nel tentativo di portare le tue creazioni alla perfezione, l'artista spesso scolpiò le figure di argilla, rafforzando caratteristiche caratteristiche o esagerando proporzioni naturali. Poi ha preso un pennello e, usando questo "tipo di natura", ha creato immagini pittoresche. Nella pittura, le case di solito allocano Grottesko-satirico, lirico, eroico, epiche linee epiche.