Piano di analisi dell'immagine per l'arte. Analisi della pittura composita

Analisi del lavoro pittorico nelle lezioni di classe. Dall'esperienza lavorativa

Gaponenko Natalia Vladimirovna, capo degli insegnanti PMM da e MHC Novoylinsky District, Belle Art Teacher Mbnu "Gymnasum No. 59", G. Novokuznetsk.

"Le coperture d'arte e allo stesso tempo consacrano la vita umana. Ma per capire le opere d'arte è tutt'altro che facile. È necessario imparare questo - impara a lungo, tutta la mia vita ... sempre, per capire le opere d'arte, devi conoscere le condizioni di creatività, gli obiettivi della creatività, la personalità dell'artista e dell'era. Spettatore, listener, lettore deve essere armato di conoscenza, informazioni ... e soprattutto voler sottolineare il significato dei dettagli. A volte un po 'ci permette di penetrare nella cosa principale. Quanto è importante sapere cosa è stata scritta una o un'altra cosa per o dipinta! "

D.S. Likhachev.

L'arte è uno dei fattori importanti per la formazione della personalità di una persona, la base per la formazione dell'atteggiamento di una persona nei fenomeni del mondo circostante, quindi lo sviluppo delle capacità di percezione dell'arte diventa uno dei compiti essenziali dell'istruzione artistica.

Uno degli obiettivi di studiare il soggetto "Fine Art" è lo sviluppo di un'immagine artistica, cioè la capacità di comprendere la cosa principale nell'opera d'arte, distinguere i mezzi di espressività che l'artista utilizza per caratterizzare questa immagine. C'è un compito importante dello sviluppo delle qualità morali ed estetiche della persona attraverso la percezione delle opere di arte visiva.
Proviamo a considerare la metodologia della percezione dell'apprendimento e dell'analisi dei dipinti

Metodi di apprendimento Percezione e analisi dei dipinti

I metodi utilizzati negli scolari familiarizzanti con la pittura sono suddivisi in verbale, visivo e pratico.

Metodi verbali

1. Domande:

a) per capire il contenuto dell'immagine;

b) identificare l'umore;

c) Identificare mezzi espressivi.

In generale, le domande incoraggiano il bambino a scrutare nella foto, vedere i suoi dettagli, ma non perdere la sensazione olistica del lavoro artistico.

2. Conversazione:

a) come entrata nella lezione;

b) conversazione nell'immagine;

c) Conversazione finale.

In generale, il metodo di conversazione è finalizzato a sviluppare l'abilità degli studenti per esprimere il loro pensiero, per garantire che il bambino possa ottenere campioni di discorso per questo in una conversazione.

3. Storia dell'insegnante.

Visivo:

Escursioni (escursione virtuale);

Visualizzazione delle riproduzioni, album con immagini di artisti famosi;

Confronto (immagine dell'umore, mezzi espressivi).

Pratico:

Esecuzione di opere scritte nella foto;

Preparazione di rapporti, abstract;

Nelle lezioni dell'arte visiva, è consigliabile combinare diversi metodi di lavoro con opere d'arte, fare enfasi su questo o quel metodo considerando la preparazione degli studenti

Lavorare con l'immagine

A. A. Lublinskaya ritiene che la percezione dell'immagine del bambino dovrebbe essere insegnata, conducendo gradualmente per capire cosa è raffigurato su di esso. Ciò richiede il riconoscimento di singoli oggetti (persone, animali); Evidenziando le posizioni e le posizioni della posizione di ciascuna figura nel piano generale dell'immagine; stabilire collegamenti tra i personaggi principali; Selezione dei dettagli: illuminazione, sfondo, espressioni di persone.

S. L. Rubinstein, T. Ovsepyan, che ha studiato la percezione dell'immagine, credo che la natura delle risposte dei bambini nel suo contenuto dipenda da una serie di fattori. Prima di tutto, dal contenuto del dipinto, della prossimità e della disponibilità della sua trama, dall'esperienza dei bambini, dalla loro capacità di considerare il disegno.

Lavorare con l'immagine coinvolge diverse direzioni:

1) Esplorando le fondamenta della lettera visiva.

Nelle lezioni, gli studenti hanno familiarità con la specie di belle arti, generi, con mezzi di espressività dell'art. Gli studenti ricevono competenze per utilizzare la terminologia dell'arte: ombra, metà, contrasto, riflesso, ecc. Attraverso il vocabolario, vengono introdotti i termini degli studi storici dell'arte, vengono studiate le leggi della composizione.

2) Riconoscimento sulla vita, il lavoro dell'artista.

La preparazione degli studenti per percepire attivamente l'immagine è più spesso eseguita nel processo di conversazione. Il contenuto di conversazione è solitamente informazioni sull'artista, la storia del dipinto. Tracciando la vita dell'artista, è consigliabile soffermarsi su tali episodi che hanno influenzato la formazione delle sue convinzioni, ha dato la direzione al suo lavoro.

Forme di informazioni sulla vita e il lavoro dell'artista diversificato : La storia dell'insegnante, il film scientifico, a volte le esibizioni con i rapporti sono affidati agli studenti.

3) utilizzando ulteriori informazioni.

La percezione dell'immagine contribuisce all'appello a lavori letterari, il cui oggetto è vicino al contenuto dell'immagine. L'uso di opere letterarie prepara il terreno per una percezione più profonda e comprensione da parte dei bambini della tela pittorica della conoscenza con la trama del mito.

Grande importanza per la comprensione dei giochi di pittura della trama situazione storica Nel paese studiato, in una specifica sezione temporale, caratteristiche stilistiche dell'art.

4) Visualizzazione dell'immagine.

La capacità di considerare l'immagine è una delle condizioni necessarie per lo sviluppo della percezione, l'osservazione. Nel processo di visualizzazione dell'immagine, una persona vede prima di tutto questo consonant con lui, i suoi pensieri e sentimenti. Lo studente che considera l'immagine, attira l'attenzione su ciò che le preoccupa, occupa questo è per lui nuovo, inaspettato. A questo punto è determinato l'atteggiamento degli studenti all'immagine, è formata la sua comprensione individuale dell'immagine artistica.

5) Analisi della pittoresca tela.

Lo scopo dell'analisi dell'immagine è quello di approfondire la percezione originale, aiutare gli studenti a comprendere il linguaggio dell'arte figurativa.

Nelle prime fasi, l'analisi del lavoro viene effettuata nel corso della conversazione o nella storia dell'insegnante, gradualmente gli studenti conducono un'analisi in modo indipendente. La conversazione aiuta i bambini più sottili, più profondi da vedere, sentire e comprendere l'opera d'arte.

Metodi di analisi del lavoro pittorico

Metodi A. Melik-Pashayeva. (Fonte: Journal "Art at School" No. 6 1993 G.A. Melik-Perezaev "Festive Day" o "vacanza terribile" (per il problema della comprensione del piano dell'autore)

Domande per l'immagine:

1. Come chiameresti questa immagine?

2. Ti piace una foto o no?

3. Parlami di questa immagine in modo che la persona che non la sa che lei potesse avesse idea di farlo.

4. Quali sentimenti, umore ti fa questa foto?

7. Vuoi aggiungere o modificare qualcosa nella tua risposta alla prima domanda?

8. Passa alla risposta alla seconda domanda. La tua stima è rimasta per il precedente o modificato? Perché stai valutando la foto?

2 . Esempi di domande per l'analisi di opere d'arte

Livello emotivo:

Quale impressione fa un lavoro?

Quale stato d'animo sta cercando di trasmettere l'autore?

Quali sensazioni possono lo spettatore?

Qual è il carattere del lavoro?

Come aiutare un'impressione emotiva del lavoro della sua scala, formato, posizione orizzontale, verticale o diagonale delle parti, l'uso di determinati colori nella foto?

Soggetto:

Cosa (o chi) è rappresentato nella foto?

Evidenzia la cosa principale da ciò che hai visto.

Cerca di spiegare perché ti sembra la cosa principale?

Cosa significa che l'artista evidenzia la cosa principale?

In che modo gli articoli (composizione del soggetto) sono contemplati nel lavoro?

Come sono state eseguite le linee principali (composizione lineare)?

Livello della scena:

Prova a raccogliere la trama dei dipinti ..

Cosa può fare (o dire) l'eroe, l'eroina del lavoro pittorico, se verrà a sapere?

Livello simbolico:

C'è qualche oggetto nel lavoro che qualcosa simboleggia?

Se il carattere simbolico è la composizione del lavoro e dei suoi elementi principali: orizzontale, verticale, diagonale, cerchio, ovale, colore, cubo, cupola, arco, arco, muro, torre, guglia, gesto, posa, vestiti, ritmo, timbro , ecc.?

Qual è il nome del lavoro? Come si riferisce alla sua trama e simbolismo?

Cosa pensi che volesse dare alla gente l'autore del lavoro?

Piano per l'analisi del lavoro pittorico. Saggio - sentimento.

1.vutore, immagine del titolo
2. Stile / direzione artistico (realismo, impressionismo, ecc.)
3. Pittura Stankovaya (pittura) o monumentale (affresco, mosaico), materiale (per la pittura a macchina): vernici ad olio, gouache, ecc.
4. Genere d'arte (ritratto, natura morta, storico, famiglia, marina, mitologico, paesaggio, ecc.)
5. Trama della libreria (che è raffigurata). Storia.
6. Misure espressive (colore, contrasto, composizione, centro visivo)

7. L'impressione (sentimenti, emozioni) - la reception del "tuffo" nella trama dei dipinti.

8. L'idea principale della trama dell'immagine. Che l'autore "voleva dire", perché ha scritto una foto.
9. Il nome dell'immagine.

Esempi di lavori per bambini sulla percezione e analisi delle opere pittoresche.

La scrittura è la sensazione del dipinto I. E. Repin "alla madrepatria. L'eroe della guerra del passato "

I. E. Repin ha scritto un'immagine "nella sua patria. L'eroe della guerra del passato "Molto probabilmente nel tempo di dopoguerra, più precisamente dopo la prima guerra mondiale.
La direzione artistica in cui è scritta l'immagine, realismo. Pietra pittura, per il lavoro L'artista ha usato vernici ad olio. Genere-ritratto.
Il film di Repin mostra un giovane che aveva molto. Ritorna a casa dei suoi cari e dei suoi parenti, sul viso si può vedere un'espressione seria, leggermente triste. Gli occhi sono pieni di triste tristezza. Viaggia intorno al campo, che sembra infinito, che ricorda i colpi delle armi e tutti quelli che cadde su di lui. Va insapevolezza che molti dei quali amato, non di più. E solo corvi, come i fantasmi, ti ricordano gli amici morti.

Ripensa come il mezzo di espressivo ha scelto i colori freddi dei toni attenuati, una pluralità di ombre nell'immagine trasmette volumi di oggetti e spazio. La composizione è statica, la persona stesso è un centro visivo della composizione, la sua occhiata diretta a noi attrae la visione dello spettatore.

Quando guardo l'immagine, c'è tristezza e consapevolezza del fatto che la vita attuale è diversa da quella che era prima. Sento una sensazione di gelo sul corpo, una sensazione di tempo cadente senza vento.

Credo che l'autore volesse mostrare cosa siano le persone che hanno superato la guerra. No, ovviamente, non sono cambiati in outland irriconoscibile: il corpo, le proporzioni sono rimaste le stesse, coloro che sono stati fortunati, non hanno iniezioni esterne. Ma sui volti non ci saranno precedenti emozioni, un sorriso sereno. Gli orrori della guerra che questo grazioso giovane sopravvissero, impresso per sempre nella sua anima.

Chiamerei il quadro "soldato solitario" o "casa stradale" ... ma dove va? Chi lo sta aspettando?

Produzione: Quindi, la percezione del lavoro artistico è un processo mentale complesso che coinvolge l'abilità scopri di capire il raffigurato, esprimere con competenza il mio pensiero usando termini artistici professionali. Ma questo è solo un atto cognitivo. Un prerequisito per la percezione artistica è pittura emotiva percepito, espressione di atteggiamento nei suoi confronti. Saggio - La sensazione ti permette di vedere i giudizi dei bambini che testimoniano la capacità non solo di sentirsi belli, ma anche per valutare.

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Principi per l'analisi di opere di belle arti

Principi di base per analizzare e descrivere lavori di belle arti

Volume approssimativo di ciò che devi sapere è

• – Introduzione allo studio della disciplina "Descrizione e analisi dell'opera d'arte".

Concetti chiave della disciplina: arte, immagine artistica; Morfologia dell'arte; specie, genere d'arte; plastica temporanee, arti sintetiche; Tettonico e visivo; stile, "lingua" dell'arte; Semiotica, ermeneutica, testo artistico; metodo formale, analisi stilistica, iconografia, iconalogia; Attribuzione, impressionante; Stima estetica, revisione, metodi quantitativi nello storico dell'arte.

• - Teoria dell'arte estetica: immagine artistica - una forma universale di arte e pensiero artistico; la struttura dell'opera d'arte; spazio e tempo nell'arte; dinamica storica dei tipi di arte; Sintesi delle arti nel processo storico e culturale.
• - Morfologia dell'arte: classificazione dei tipi di arte; Genere come una categoria di morfologia d'arte.
• - Caratteristiche specifiche delle arti plastiche come specie: architettura, scultura, grafica, pittura.
• - Semiotica e Hermenevics of Art nel contesto della descrizione e dell'analisi dell'opera d'arte: lingue d'arte, un approccio dei segni allo studio dell'arte, dell'opera d'arte come testo, comprensione ermeneutica del testo.
• - Fondazioni metodologiche dell'analisi del testo artistico: formale-stilistica, iconografica, iconologia.

Come qualsiasi scienza, la teoria dell'arte ha i suoi metodi. Chiameremo il metodo principale: iconografico, metodo di fluido o un metodo di analisi stilistica formale, il metodo iconologico, il metodo dell'ermeneutica.

I fondatori del metodo iconografico erano scienziati russi n.p. Kondakov e Frenchman E. Mal. Entrambi gli scienziati erano impegnati nell'arte del Medioevo (Kondakov - Bizantist, mal studiato il Medioevo occidentale). Nel cuore di questo metodo giace "la storia dell'immagine", lo studio della trama. Il significato e il contenuto dei lavori possono essere compresi esaminando ciò che è rappresentato. Puoi capire l'antica icona russa solo profondamente ricercata dalla storia dell'aspetto e dello sviluppo delle immagini.

Il problema non è mostrato, ma come è stato dimostrato il famoso scienziato tedesco G. Velflin. Nella storia dell'arte, Velflin è entrato come "formalist", per i quali la comprensione dell'arte è ridotta allo studio della sua struttura formale. Ha proposto di condurre un'analisi formale-stilistica, avvicinandosi allo studio di un lavoro artistico come "fatto oggettivo", che dovrebbe essere compreso principalmente da lui.

Il metodo iconologico per analizzare l'opera d'arte ha sviluppato uno storico americano e l'arte teorica di E. Panofsky (1892-1968). La base di questo metodo è l'approccio "culturale" per rivelare il significato del lavoro. Per comprendere l'immagine, secondo lo scienziato, è necessario non solo utilizzare i metodi iconografici e stilistici formali, creando sintesi di loro, ma anche per avere familiarità con le tendenze essenziali della vita spirituale di una persona, cioè. La visione del mondo dell'era e della personalità, della filosofia, della religione, della situazione sociale - tutto ciò che si chiama "simboli tempo". Qui, gli storici dell'arte richiedono un'enorme conoscenza nel campo della cultura. Questa non è così tanto la possibilità di analizzare quanto il requisito di sintetizzante intuizione, per un'opera d'arte, come lo era, un'epoca intera è sintetizzata. Così, il Panofsky ha rivelato brillantemente il significato di alcune incisioni francesi, le opere di Tiziano, ecc. Tutti questi tre metodi con tutti i vantaggi e i minusi possono essere utilizzati per comprendere l'arte classica.

È difficile capire l'arte del XX secolo. E soprattutto la seconda metà del XX secolo, l'arte del postmodernismo, che a priori non è progettata per la nostra comprensione: in esso la mancanza di significato e ha senso del lavoro. La base dell'arte del postmodernismo è il principio totale di gioco, in cui lo spettatore funge da un certo coa autore del processo di creazione di un lavoro. L'ermeneutica è una comprensione attraverso l'interpretazione. Ma anche I. Kant ha detto che qualsiasi interpretazione è una spiegazione di ciò che non è ovvio, e che l'atto violento è basato su di esso. Sì. Per capire l'arte contemporanea, siamo costretti a unirsi a questo "gioco senza regole", e i teorici dell'arte moderna creano immagini parallele, interpretando l'interpretazione.

Pertanto, considerando questi quattro metodi di comprensione dell'arte, va notato che ogni scienziato che si occupa di questo o di quel periodo della storia dell'arte cerca sempre di trovare il suo approccio alla divulgazione del significato e del contenuto del lavoro. E questa è la caratteristica principale della teoria dell'arte.

• - studio factografico dell'art. Attribuzione dell'opera d'arte: attribuzione e imponente, teoria dell'attribuzione e storia della sua formazione, principi e metodi di lavoro di attribuzione.

La storia del protocus è luminosa e descritta in dettaglio da scienziati storici dell'arte domestica. V.n. Lazarev. (1897-1976) ("Storia dell'impegno del Comer"), B.R. Vipper. (1888-1967) ("al problema dell'attribuzione"). Nel mezzo del XIX secolo. Viene visualizzato un nuovo tipo di "costrutto" dell'arte, lo scopo di cui è l'attribuzione, cioè Stabilire l'autenticazione del lavoro, del tempo, del luogo di creazione e del copyright. L'intenditore ha memoria e conoscenza fenomenale, gusto impeccabile. Ha visto molte collezioni museali e, di norma, ha il proprio metodo di attribuzione del lavoro. Il ruolo di primo piano nello sviluppo del protocutale come il metodo apparteneva all'italiano Giovanni Morellaley. (1816-1891), per la prima volta, ha tentato di tirare fuori alcuni modelli di costruire un pezzo di pittura, creare "grammatica del linguaggio artistico", che avrebbe dovuto diventare (ed è diventato) la base del metodo di attribuzione. Morelli ha fatto una serie di scoperte più preziose nella storia dell'arte italiana. Il follower di Morelli era Bernard Bernson. (1865-1959), che sosteneva che l'unica autentica fonte di giudizi è il lavoro stesso. Bernson ha vissuto una vita lunga e luminosa. V.n. Lazarev in Pubblicazione sulla storia del Comitato Comer ha descritto entusiasticamente l'intero percorso creativo dello scienziato. Non meno interessante nella storia dello scienziato tedesco della Comunità Max Friedlander. (1867-1958). La base del metodo attributo del Fritlegner ha considerato la prima impressione ricevuta dall'arte dell'arte. Solo dopo è possibile procedere all'analisi scientifica in cui la minima parte può essere importante. Ha permesso a qualsiasi ricerca può confermare e aggiungere la prima impressione o, al contrario, rifiutarlo. Ma non lo sostituirà mai. Lo intenditore, su Friedland, dovrebbe avere allarme artistico e intuizione, che "come una freccia di una bussola, nonostante le fluttuazioni, ci indicano la strada". Nell'artigianato domestico, molti scienziati e lavoratori museali erano impegnati nel lavoro di attribuzione, erano considerati conoscitivi. B.R. Vipper ha distinto tre casi principali di attribuzione: un percorso intuitivo, casuale e terzo - il percorso principale nell'attribuzione - quando il ricercatore si sta avvicinando da diverse tecniche per stabilire l'autore del lavoro. Il criterio determinante del metodo VIPPER è la trama e il ritmo emotivo dell'immagine. Sotto la fattura significa vernice, il carattere della macchia, ecc. Il ritmo emotivo è la dinamica dell'espressione sensuale e spirituale nella foto o qualsiasi altra forma di arte visiva. La capacità di comprendere il ritmo e la consistenza dell'essenza della giusta comprensione e valutazione della qualità artistica. Pertanto, numerosi attributi e scoperte fatte da conoscitori, lavoratori del museo, hanno dato un contributo indiscutibile alla storia dell'arte: senza le loro scoperte, non riconosceremmo i veri autori del lavoro, prendendo falsi per l'originale. C'erano sempre pochi di questi esperti, sapevano di loro nel mondo dell'arte e le loro attività erano molto apprezzate. Il ruolo di un esperto esperto nel XX secolo è stato particolarmente aumentato, quando il mercato artistico dovuto alla straordinaria domanda per le opere di arte è stata piena di falsi. Nessun museo, il collezionista non comprerà un lavoro senza un attento esame. Se i primi esperti hanno reso la loro conclusione sulla base della conoscenza e della percezione soggettiva, il moderno esperto si basa sui dati obiettivi dell'analisi tecnica e tecnologica, vale a dire: trasmissione dell'immagine dei raggi X, determinando la composizione chimica della vernice, determinando il Età di tela, legno, suolo. Gestisce così a evitare errori. Pertanto, la scoperta dei musei e delle attività degli esperti erano di grande importanza per la formazione della storia dell'arte come una scienza umanitaria indipendente.

• - Valutazione emotiva ed estetica dell'opera d'arte. Forme di genere, metodi di ricerca storica dell'arte.

Algoritmo di analisi primitivo:

Algoritmo per analizzare la pittura

1. Il significato del titolo dell'immagine.
2. Affiliazione di genere.
3. Caratteristiche della trama di dipinti. Cause di scrittura dell'immagine. Cerca una risposta alla domanda: ha fatto l'autore della sua idea allo spettatore?
4. Caratteristiche della composizione dell'immagine.
5. Attività fisse di immagine artistica: colore, disegno, texture, luce, modo di scrivere.
6. Quale impressione era questa opera d'arte sui tuoi sentimenti e umore?
7. Dove è questa opera d'arte?

Algoritmo per analizzare lavori di architettura

1. Cosa si sa sulla storia della creazione di strutture architettoniche e del suo autore?
2. Specificare l'appartenenza di questo prodotto all'era culturale e storica, stile artistico, direzione.
3. Quale forma di realizzazione trovata in questo lavoro la formula Vitruvia: forza, beneficio, bellezza?
4. Specificare su mezzi e tecniche artistiche per la creazione di un'immagine architettonica (simmetria, ritmo, proporzione, modellazione nera e colore, scala), su sistemi tettonici (soffitto, raggio del soffitto, ad arco di silicio, Arous-dome).
5. Specificare appartenere al tipo di architettura: strutture sfuse (pubblico: residenziale, industriale); paesaggio (giardino-parco o piccole forme); urbanistica.
6. Specificare il collegamento tra l'aspetto esterno e interno della struttura architettonica, la connessione tra la costruzione e il sollievo, il carattere del paesaggio.
7. Come usare altre arti nella progettazione del suo aspetto architettonico?
8. Che impressione ha fatto il lavoro?
9. Quali associazioni è un'immagine artistica e perché?
10. Dov'è la struttura architettonica?

Algoritmo per analizzare lavori di scultura

1. La storia della creazione di un lavoro.
2. Circa l'autore. In quale posto funziona questo lavoro nel suo lavoro?
3. Affiliato all'era d'arte.
4. Il significato del nome del lavoro.
5. Appartenente ai tipi di scultura (monumentale, memoriale, acciaio).
6. Uso di macchinari materiali e lavorazione.
7. Dimensioni della scultura (se è importante sapere).
8. Forma e piedistallo di dimensioni.
9. Dov'è questa scultura?
10. Che impressione è stato questo lavoro su di te?
11. Quali associazioni è un'immagine artistica e perché?

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Esempi di domande per l'analisi di opere d'arte

Livello emotivo:

• Quale impressione fa un lavoro?
• Quale stato d'animo sta cercando di trasmettere l'autore?
• Quali sensazioni possono lo spettatore?
• Qual è il carattere del lavoro?
• Come aiutare un'impressione emotiva del lavoro della sua scala, formato, orizzontale, verticale o diagonale Posizione delle parti, l'uso di determinate forme architettoniche, l'uso di determinati colori nell'immagine e la distribuzione della luce nel monumento architettonico?

Soggetto:

• Cosa (o chi) è rappresentato nella foto?
• Cosa vede lo spettatore, in piedi davanti alla facciata? Negli interni?
• Chi vedi nella scultura?
• Evidenzia la cosa principale da ciò che hai visto.
• Cerca di spiegare perché ti sembra la cosa principale?
• Cosa significa che l'artista (architetto, compositore) sottolinea la cosa principale?
• In che modo gli articoli (composizione del soggetto) sono contemplati nel lavoro?
• Come sono state eseguite le linee principali (composizione lineare)?
• In che modo la struttura architettonica confronta volumi e spazi (composizione architettonica)?
• Livello della scena:
• Prova a raccontare la trama dei dipinti.
• Prova a presentare quali eventi possono succedere più spesso in questa struttura architettonica.
• Cosa può fare questa scultura (o dire) se è costosa?

Livello simbolico:

• C'è qualche oggetto nel lavoro che qualcosa simboleggia?
• Se il carattere simbolico è la composizione del lavoro e dei suoi elementi principali: orizzontale, verticale, diagonale, cerchio, ovale, colore, cubo, cupola, arco, arco, muro, torre, guglia, gesto, posa, vestiti, ritmo, timbro , ecc.?
• Qual è il nome del lavoro? Come si riferisce alla sua trama e simbolismo?
• Cosa pensi che volesse dare alla gente l'autore del lavoro?

Piano di analisi per il lavoro pittorico

1. 1. L'autore, il nome del lavoro, il tempo e il luogo della creazione, la storia del piano e la sua forma di realizzazione. Seleziona il modello.
2. 2. Stile, direzione.
3. 3. Vidid Pittura: acciaio, monumentale (affresco, tempera, mosaico).
4. 4. Selezione del materiale (per la pittura a macchina): vernici ad olio, acquerello, gouache, pastello. La natura dell'uso di questo materiale per l'artista.
5. 5. Pittura (ritratto, paesaggio, natura morta, pittura storica, panorama, diorama, iconografia, marina, genere mitologico, genere della famiglia). La caratteristica del genere per le opere dell'artista.
6. 6. Plot dal vivo. Contenuto simbolico (se presente).
7. 7. Caratteristiche dal vivo del lavoro:

• colore;
• brillare;
• volume;
• piattezza;
• gusto;
• spazio artistico (spazio trasformato dall'artista);
• linea.

9. L'impressione ottenuta durante la visualizzazione del lavoro.

Specifiche tecniche:

• Diagramma composita e la sua funzione
  • la dimensione
  • formato (rapporto in verticale e orizzontalmente e allungata, quadrato, ovale, rotondo, immagine e formato)
  • schemi geometrici
  • principali linee composite
  • equilibrio, il rapporto tra le parti dell'immagine l'una con l'altra e con il tutto,
  • sequenza Visualizzazione della sequenza
• Spazio e le sue funzioni.
  • Prospettiva, punti di raccolta
  • piacere e profondità
  • piani spaziali
  • distanza tra lo spettatore e il lavoro, il posto del visualizzatore nello spazio dell'immagine o fuori di esso
  • punto di vista e presenza di angoli, linea di orizzonte
• Luce, volume e il loro ruolo.
  • volume e piano
  • linea, silhouette.
  • fonti di luce, ora del giorno, effetti di illuminazione
  • effetti emotivi di luce e ombra
• Colore, colore e le sue funzioni
  • la predominanza di un sapore tonale o locale
  • colore caldo o freddo
  • linearità o pittura
  • le principali macchie di colore, la loro relazione e il loro ruolo nella composizione
  • tono, Valera
  • riflessi
  • effetti emotivi del colore
• Struttura della superficie (striscio).
  • carattere di striscio (texture aperta, consistenza liscia)
  • il focus di Mazkov
  • dimensioni Smear.
  • lessentia.

Descrizione e analisi dei monumenti architettonici

Argomento 1. Architettura dell'arte del linguaggio.

Architettura come tipo di arte. Il concetto di "architettura d'arte". Immagine artistica in architettura. Linguaggio artistico dell'architettura: il concetto di tali agenti di espressività artistica come linea, aereo, spazio, massa, ritmo (aritmia), simmetria (asimmetria). Elementi canonici e simbolici in architettura. Concetto di piano edificio, esterno, interno. Stile in architettura.

Argomento 2. I principali tipi di strutture architettoniche

Monumenti di pianificazione urbana Art: città storiche, loro parti, trame di pianificazione antica; Complessi architettonici, ensemble. Monumenti di architettura residenziale (favori mercantili, nobili, contadini, case redditizi, ecc.) Monumenti di società civile Architettura: teatri, biblioteche, ospedali, edifici educativi, edifici amministrativi, stazioni, ecc. Monumenti: templi, cappelle, monasteri. Architettura della difesa: ostrot, torri, serb, ecc. Monumenti di architettura industriale: complessi di fabbrica, scafi, forgia, ecc.

Giardino e promozione di parcheggio, giardinaggio e arte paesaggistica: giardini e parchi.

Argomento 3. Descrizione e analisi del monumento architettonico

Piano di costruzione, materiale da costruzione, composizione del volume esterno. Descrizione della facciata della via e della facciata del cortile, della porta e delle finestre, balconi, decorazione decorativa dell'esterno ed interno. La conclusione sullo stile e vantaggi artistici del monumento architettonico, il suo posto nel patrimonio storico e architettonico della città, del villaggio, della regione.

Metodi di analisi monografica del monumento architettonico

1. L'analisi dei sistemi costruttivi e tettonici coinvolge:

a) Rilevamento grafico sulle proiezioni promettente o ortogonali del monumento della sua base costruttiva (ad esempio l'applicazione dei contorni degli archi e delle cupole, "Manifestazione" sulla facciata della struttura interna, un tipo, "combinazione" del Facciata con un taglio, schiusa di superfici su tagli per chiarire la struttura dell'interno ecc.)

b) Chiarire il grado di prossimità e interconnessione degli elementi strutturali e delle corrispondenti forme architettoniche tettoniche (ad esempio la selezione sui tagli degli archi, degli archi e della definizione, la loro influenza sulle forme di Bump, Kokoshnikov, tre- archi di lama, ecc.)

c) la preparazione di determinati schemi tettonici del monumento (ad esempio, il diagramma del rivestimento a volta della cattedrale gotica o dello schema, il "cast" dello spazio interno di un tempio di crogiolo - in assonometria, ecc.);

2. L'analisi delle proporzioni e delle proporzioni è svolta, di regola, in proiezioni ortogonali ed è composta da due punti:

a) La ricerca di più relazioni (ad esempio, 2: 3, 4: 5, ecc.) Tra i principali parametri dimensionali del monumento, tenendo conto del fatto che queste proporzionalità in una volta potrebbero essere utilizzate durante la costruzione per il posticipo in natura i valori necessari. Allo stesso tempo, i valori dimensionali (moduli) si trovano ripetutamente nel monumento per confrontare con lunghezze storiche di lunghezza (piedi, piantine, ecc.);

b) cerca una connessione geometrica più o meno permanente delle dimensioni delle forme di base e dei membri del monumento sulla base delle relazioni naturali di elementi delle figure geometriche più semplici (quadrato, quadrato quadrato, triangolo equilatero, ecc.) E loro derivati. I rapporti proporzionali identificati non devono contraddire la logica di costruire forme tettoniche del monumento e la sequenza evidente della costruzione delle sue singole parti. Un'analisi può terminare con il collegamento delle dimensioni della forma geometrica originale (ad esempio un quadrato) con un modulo e lunghezze storiche di lunghezza.

Nell'esercizio educativo non dovrebbe sforzarsi di identificare troppi rapporti, è molto più importante prestare attenzione alla qualità delle proporzioni e delle proporzioni assegnate, cioè il loro significato compositivo, sulla loro connessione con le relazioni dimensionali dei principali volumi tettonici di Volumi e possibilità del loro uso nella costruzione del processo del monumento.

3. L'analisi dei modelli metro-ritmici può essere eseguita sia su disegni ortogonali che su immagini promettenti del monumento (disegni, fotografie, diapositive, ecc.). L'essenza del metodo è ridotta al grafico di sottolineatura (linea, tono, schiusa o colore) su qualsiasi immagine del monumento delle righe metriche e ritiche di forme sia verticalmente che orizzontalmente. Le file metriche isolate in questo modo (ad esempio, colonnato, aperture della finestra, grondaie, ecc.) E aste ritmiche (ad esempio, riducendo i livelli, gli archi cambianti, ecc.) Consentono di identificare la composizione architettonica "statica" o "dinamica" di questo monumento. Allo stesso tempo, la definizione dei modelli di cambiamenti nei membri della forma ritmica di forme è strettamente in contatto con l'analisi delle proporzioni. Come risultato dello studio, vengono elaborati schemi convenzionali, riflettendo le caratteristiche della costruzione di file metro-ritmiche di forme di questo monumento architettonico.

4. La ricostruzione grafica consente di ricreare l'aspetto perduto del monumento in qualsiasi fase della sua esistenza storica. La ricostruzione viene eseguita come un disegno ortogonale (piano, facciata), quando c'è una forgiatura appropriata, o sotto forma di un'immagine promettente fatta nel disegno dalla natura o da una fotografia (diapositiva). Come fonte di ricostruzione, utilizzare immagini vintage pubblicate del monumento, vari tipi di descrizioni storiche, nonché materiali su monumenti simili della stessa epoca.

Uno studente per scopi di formazione è proposto per fare solo una ricostruzione disegnata, solo in termini generali, il carattere dell'aspetto iniziale o modificato del monumento.

In alcuni casi, uno studente può conferire le opzioni per la ricostruzione dello stesso monumento realizzato da vari ricercatori. Ma quindi è necessario dare a queste opzioni una valutazione ragionevole e allocare il più probabile di loro. Lo studente dovrebbe giustificare graficamente l'immagine di monumenti simili o dei loro frammenti.

Il tipo speciale di ricostruzione è quello di ricreare il colore iniziale e successivamente perso del monumento - viene eseguito sulla base delle facciate ortogonali o delle immagini promette con la possibile inclusione di un ambiente storico della pianificazione della città.

Quando si esegue un'attività sulla ricostruzione grafica, un metodo di disegno e fotomontaggio può essere ampiamente utilizzato.

5. Costruire dipinti architettonici - Accettazione di monumenti di monumenti con una composizione volumetrica sviluppata progettata per la percezione graduale nel tempo, come un'ereheacteion ad Atene o la cattedrale Pokrovsky a Mosca. Quando bypassando un tale monumento, lo spettatore, a causa della chiusura di alcuni volumi, percepisce molti che fluiscono uno nelle altre immagini promettenti, che sono chiamate dipinti architettonici.

Il compito dello studente è quello di assegnare gruppi di alta qualità di dipinti architettonici, designare la zona di percezione di questi gruppi di dipinti e illustrare ciascun gruppo di una caratteristica, sotto forma di un'immagine promettente o una fotografia (diapositiva).

Il numero di dipinti diversi di alta qualità di solito non supera i cinque-sei.

6. L'analisi della scala e della scala consiste nell'individuare il ruolo su larga scala dei membri del volume architettonico e l'assegnazione grafica su immagini ortogonali o promettenti del monumento dei dettagli caratteristici - "Indicatori di scala", come gradini, balaustra , ecc. Attenzione particolare dovrebbe essere prestata al ruolo dell'ordine come strumento universale. Scala architettonica.

Metodi di analisi comparativa dei monumenti architettonici

1. È effettuato un confronto della composizione del volume di due monumenti confrontando piani, facciate o tagli forniti a una scala generale. Le applicazioni o l'allineamento di piani, facciate e tagli sono molto efficaci; A volte, quando si combinano le proiezioni di due monumenti, è utile portarli a qualsiasi dimensione generale, ad esempio, alla stessa altezza o alla stessa larghezza (in questo caso, sono confrontate le proporzioni dei monumenti).

È anche possibile confrontare per confrontare le immagini promettente di monumenti sotto forma di disegni dalla natura o dalle fotografie. In questo caso, i disegni o le istantanee devono essere effettuati in angoli simili e da punti tali in cui sono rivelate le caratteristiche del volume e della composizione spaziale dei monumenti. Dovrebbe essere rintracciato secondo le sue dimensioni relative, le immagini dei monumenti approssimativamente corrispondevano dai rapporti delle loro dimensioni in natura.

Per tutti i casi di confronti comparativi, la differenza nei monumenti di solito agisce più chiara dei momenti della loro somiglianza. Pertanto, è necessario sottolineare graficamente ciò che l'identità delle tecniche composite, un'analogia in combinazione di volumi, simile alla natura dei membri, la posizione delle aperture, ecc.

Descrizione e analisi di monumenti di scultura

Scultura in lingua d'arte

Quando analizzano le opere di scultura, è necessario tenere conto dei propri parametri della scultura come tipo di arte. La scultura è un tipo di arte in cui il vero volume tridimensionale interagisce con il suo spazio tridimensionale circostante. La cosa principale nell'analisi della scultura è il volume, lo spazio e il modo in cui interagiscono. Scultura dei materiali. Tipi di scultura. Generi di scultura.

Descrizione e analisi del lavoro della scultura.

Piano di esempio:

1. Qual è la dimensione di questa scultura? La scultura è monumentale, vetro, in miniatura. La dimensione influisce su come interagisce con lo spazio.

2. In quale spazio era il prodotto analizzato (nel tempio, nella piazza, nella casa, ecc.)? Quale punto di vista è stato calcolato (da lontano, dal basso, vicino)? Fa parte di un ensemble architettonico o scultoreo o è un lavoro indipendente?

3. quanto il lavoro in esame copre lo spazio tridimensionale (scultura rotonda e scultura associata all'architettura; forma architettonica e scultorea, bruciatore; sollievo; bassorilievo; sollievo pittoresco; controinfilievo)

4. In che materiale è fatto? Quali sono le caratteristiche di questo materiale? Anche se analizzi il cast, è importante ricordare, da quale materiale è stato fatto l'originale. Vai alle sale dell'originale, vedi come la scultura eseguita nel materiale a cui sei interessato. Quali caratteristiche della scultura sono dettate dal suo materiale (perché questo materiale è stato scelto per questo lavoro)?

5. La scultura è calcolata su un punto di vista fisso, o è completamente divulgato con una circonferenza circolare? Quante sagome espressive completate da questa scultura? Quali sono queste sagome (chiuse, compatte, geometricamente corrette o pittoresche, aperte)? Come sono le sagome legate tra loro?

6. Quali sono le proporzioni (rapporti di parti e un tutto) in questa scultura o gruppo scultoreo? Quali sono le proporzioni della figura umana?

7. Qual è il disegno della scultura (sviluppo e complicazione delle relazioni tra grandi blocchi compositi, il ritmo dei membri domestici e la natura dello sviluppo della superficie)? Se stiamo parlando del sollievo - come è il numero intero quando si cambia l'angolo di vista? Come viene costruita la profondità di rilievo e i piani spaziali sono costruiti, quanti di loro?

8. Qual è la trama della superficie scultorea? Uniforme o diverso in parti diverse? Liscio o "schizzo" sono tracce visibili di utensili commoventi, schizzi simili, condizionali. In che modo questa struttura è correlata alle proprietà del materiale? In che modo la consistenza influisce sulla percezione della silhouette e il volume della forma scultorea?

9. Qual è il ruolo del colore nella scultura? In che modo il volume e il colore interagiscono, come si influenzano l'un l'altro?

10. Che genere è questa scultura? Per cosa intendeva?

11. Qual è l'interpretazione del motivo (naturalistico, condizionale, dettato dal canone, dettata dal luogo occupato dalla scultura nel suo ambiente architettonico o in qualche altro).

12. Senti nel lavoro di qualsiasi altro tipo di arte: architettura, pittura?

Descrizione e analisi della pittura

Pittura di lingua d'arte

Il concetto di pittura. Strumenti di espressività artistica: spazio artistico, composizione, sapore, ritmo, carattere colorato striscio. Materiali e tecniche di pittura: olio, tempera, gouache, acquerello, elettrodomestici misti, ecc. Pittura Stankovaya e monumentale. Varietà di pittura monumentale: affresco, mosaico, vetro colorato e altri. Generi di pittura: ritratto, paesaggio, genere domestico, still life, animalism, storico, ecc.

Descrizione dei lavori di verniciatura

Determinazione dei parametri di base del lavoro: l'autore, la data della creazione, la dimensione dell'immagine, il formato dell'immagine: l'orizzontale o la verticale del rettangolo (possibilmente con una conclusione arrotondata), il quadrato, il cerchio (Tdado), ovale. Tecnica (temperatura, olio, acquerello, ecc.) E su quali basi (legno, tela, ecc.) Un'immagine e il dott.

Analisi delle opere di pittura

Piano di analisi del campione:

1. C'è una trama nella foto? Cosa è raffigurato? In quale ambiente sono i personaggi raffigurati, gli articoli?
2. Sulla base dell'analisi delle immagini, è possibile concludere sul genere. Quale genere: ritratto, paesaggio, natura morta, nudo, famiglia, mitologico, religioso, storico, animalista, - appartiene alla foto?
3. Come pensi, che tipo di compito è l'artista - Visual? espressivo? Qual è il grado di convention o naturalismo dell'immagine? La condizionalità è l'idealizzazione o la distorsione espressiva? Di norma, la composizione della composizione della pittura è associata al genere.
4. Quali componenti costituiscono la composizione? Qual è il rapporto tra un oggetto dell'immagine e dello sfondo / spazio sul modello dell'immagine?
5. Quanto vicino al piano dell'immagine sono posizionati gli oggetti dell'immagine?
6. Quale angolo di visione ha scelto un artista - dall'alto, in basso, a filo con gli oggetti mostrati?
7. Come è determinata la posizione del visualizzatore - è coinvolto nell'interazione con l'immagine mostrata nella foto, o ha dato il ruolo di un contemplatore sospeso?
8. È possibile chiamare la composizione equilibrata, statica o dinamica? Se c'è una mossa, come è diretto?
9. Come è costruito lo spazio immagine (piatto, vagamente, uno strato spaziale è silenzioso, viene creato uno spazio profondo)? A causa di ciò che è ottenuto dall'illusione della profondità spaziale (la differenza nella dimensione delle figure raffigurate, lo spettacolo del volume di oggetti o architettura, utilizzando le gradazioni del colore)? La composizione è sviluppata per mezzo di disegno.
10. Quanto è pronunciato nell'inizio lineare di pittura?
11. Contorni stressati o scratzen, esclusi gli elementi individuali? Cosa significa questo effetto raggiunto?
12. Che misura è espresso il volume di oggetti? Quali tecniche sono create dall'illusione del volume?
13. Che ruolo gioca la luce nella foto? Cos'è (liscio, neutro, contrasto, spingendo volume; mistico). La fonte / direzione della luce ha letto?
14. Le sagome di figure raffigurate leggono? Quanto loro espressivi sono preziosi in se stessi?
15. Quanto dettagliato (o è l'immagine del genere opposta)?
16. La varietà di trame di superfici raffigurate (pelle, tessuto, metallo, ecc.) Trasmesso? Colorazione.
17. Che ruolo svolge il colore del sapore (subordinato il disegno e il volume o il viceversa subordina il disegno e costruisce la composizione stessa).
18. Il colore è solo un volume di pittura o qualcosa di grande? È otticamente affidabile o espressivo?
19. I colori locali o il sapore tonale sono dominati nella foto?
20. I confini dei punti di colore sono distinguibili? Abbinano i bordi dei volumi e degli oggetti?
21. L'artista opera con grandi masse di colore o piccole macchie?
22. Come scritti i colori caldi e freddi, l'artista usa la combinazione di colori aggiuntivi? Perché lo fa? Come vengono trasmessi i luoghi più illuminati e nascosti?
23. Ci sono abbaglianti, riflessi? Come sono le ombre (sordiche o trasparenti, sono colorate)?
24. È possibile evidenziare le ripetizioni ritmiche nell'uso di qualsiasi colore o combinazione di sfumature, è possibile rintracciare lo sviluppo di qualsiasi colore? C'è un colore dominante / combinazione di colori?
25. Qual è la trama di una superficie pittoresca - liscia o vecchio? I singoli tratti sono distinguibili? Se è così, cosa sono stati applicati piccoli o lunghi, liquidi, spessi o quasi asciutti?

Descrizione e analisi dei lavori grafici

Grafica in lingua d'arte.

Grafica come tipo di arte visiva. Mezzi fissi di grafica espressiva artistica: linea, barra, macchia, ecc. Figura lineare e in bianco e nero. Incisione, Tipi di incisioni: xilografia, litografia, linografia, incisione, monotypia, acquatinte, ecc. Grafica Stanka. Libro grafico. Poster d'arte, poster. Grafica applicata.

Descrizione di lavori di grafica

Determinazione dei parametri di base del lavoro: Autore, data di creazione, dimensioni del foglio, formato, tecnica.

Analisi delle opere di grafica

Piano di analisi del campione:

1. La definizione generale della situazione spaziale, le caratteristiche dello spazio raffigurato. Lo spazio è profondo o no, chiuso o aperto, in quali accenti focalizzati del piano. I mezzi prevalenti (lavori più essenziali per questo) mezzi per la profondità di costruzione e il loro uso. Ad esempio: la natura del punto di vista lineare o dell'aria (se usato). Caratteristiche dello spazio raffigurato. L'integrità / lo smembramento dello spazio. Decisione relativa ai piani, allocazione dell'attenzione (assegnazione di determinati piani o uniformità della percezione). Punto di vista. L'interazione dello spettatore e dello spazio raffigurato (questo articolo è necessario, anche se non c'è immagine dello spazio profondo).
2. Posizione, rapporto, interconnessione di elementi sull'aereo e nello spazio.

Determinazione del tipo di composizione - se possibile. In ulteriore raffinatezza: esattamente questo tipo di composizione è incorporato in questo lavoro grafico, quali sono le sfumature del suo uso. Caratteristiche del formato (dimensioni della proporzione). Il rapporto tra il formato e la composizione: l'immagine e i suoi confini. Distribuzione di massa all'interno del foglio. Accento completo e la sua posizione; il suo rapporto con altri elementi; Direzioni dominanti: dinamica e statica. L'interazione degli elementi principali della composizione con una struttura spaziale, allineamento di accenti.

1. Analisi della tecnologia grafica.
2. Il risultato dell'analisi è identificare i principi di formazione della forma, le sue qualità espressive e gli impatti. Sulla base delle qualità formali ed espressive del lavoro, è possibile aumentare la questione del suo senso (contenuto, idea) I.e. Vai alla sua interpretazione. Allo stesso tempo, è necessario tenere conto della trama (come la storia è interpretata in questo lavoro?), La specificità delle caratteristiche dei personaggi (nella trama immagine e ritratto - pose, gesti, espressioni facciali), Simbolismo (se presente), ecc., Ma allo stesso tempo - mezzi di immagine e quindi, l'impatto dell'immagine. È anche possibile correlare le caratteristiche individuali identificate del lavoro con i requisiti della specie e del genere, a cui appartiene, con un contesto artistico più ampio (il lavoro dell'arte nel suo insieme: l'arte dell'era, della scuola, ecc. ). Da ciò può seguire la conclusione del valore e del valore del lavoro, il suo posto nella storia dell'art.

Descrizione e analisi di opere di arte decorativa e applicata e folk

Tipi di arte decorativa e applicata e folk

Pittura su legno, metallo, ecc. Ricamo. Tappeti. Arte dei gioielli. Scultura del legno, osso. Ceramica. Lampade ad arte e altri.

Descrizione di monumenti di arte decorativa e applicata e folk

Tipo di arte decorativa e applicata. Materiale. Caratteristiche della sua lavorazione. Dimensioni. Scopo. Colore caratteristico, trama. Il rapporto tra le funzioni utililitarie e artistiche - estetiche del soggetto.

Analisi dei monumenti di arte decorativa e applicata e folk

Esempio di analisi del piano

1. Per cosa è progettato questo argomento?
2. Che tipo di dimensioni?
3. Come è lo scenario del soggetto? Dove sono le zone delle decorazioni figurative e ornamentali? Come è il posizionamento delle immagini con la forma del soggetto?
4. Quali tipi di ornamenti sono usati? Su quali parti del soggetto si trovano?
5. Dove sono le immagini figurative? Prendono più spazio di ornamentale o sono solo uno dei registri ornamentali?
6. Come è il registro con immagini figurative? È possibile dire che ci sono assunti di composizione gratuita o utilizzare il principio degli indirizzi (forme nelle stesse pose, il movimento minimo, si ripetono a vicenda)?
7. Come si raffigurano le figure? Sono mobili, congelati, stilizzati?
8. Come sono i dettagli delle figure? Sembrano più naturali o ornamentali? Quali tecniche sono utilizzate per trasmettere figure?
9. Guarda, se possibile, all'interno del soggetto. C'è un'immagine e ornamenti lì? Descrivili sopra lo schema di cui sopra.
10. Quali sono i colori principali e opzionali utilizzati negli ornamenti e nelle figure della costruzione? Qual è il tono dell'argilla stessa? Come influisce sul carattere dell'immagine - rende più ornamentale o, al contrario, più naturale?

Testi:

L'analisi del lavoro è un lavoro complesso di intelligence che richiede molte conoscenze e abilità.

Ci sono molti approcci, tecniche, metodi di analisi, ma si adattano tutti in diverse azioni complesse:

1. 1) Le informazioni di decodifica si sono concluse nel tessuto del lavoro stesso,
2. 2) Studio analitico del processo e delle circostanze di creare un'opera d'arte che aiuta ad approfondire e arricchire la sua comprensione,
3. 3) Studiando le dinamiche storiche dell'immagine artistica del lavoro nella percezione individuale e collettiva.

Nel primo caso, il lavoro è in corso con il lavoro delle rivendicazioni - "Testo"; Nel secondo, consideriamo il testo nel contesto, rilevando nelle tracce artistiche dell'effetto degli impulsi esterni nel terzo - studiamo i cambiamenti nell'immagine artistica, a seconda di come la sua percezione cambia in varie epoche.

Ogni opera d'arte in virtù dell'originalità detta la sua strada, la sua logica, le sue tecniche di analisi.

Tuttavia, diversi principi generali del lavoro analitico pratico con l'opera d'arte vorrebbero attirare la vostra attenzione e dare alcuni suggerimenti.

"Eureka!" (Analisi intrigo). La prima e più importante cosa: l'opera d'arte si propone, su quali percorsi possono essere penetrati nelle profondità del significato dell'immagine artistica. C'è una specie di "gancio", che cattura la coscienza che sorge improvvisamente la domanda. Cerca una risposta a PA - nel monologo interno, nel comunicare se con dipendenti o studenti - spesso porta a intuizione (EUREKA!). Pertanto, conversazioni di questo tipo - devi imparare a guidarli con un gruppo - sono chiamati euristici. I lavori analitici nel museo o nell'ambiente architettonico di solito iniziano con tali problemi: le informazioni "decodifica" deposte nell'arte "Testo".

Fai una domanda spesso molto più difficile che trovare la risposta ad esso.

- Perché il "ragazzo nudo" di Alexander Ivanova una faccia così tragica?

"Perché la figura di un giovane uomo è rilassato nel dipinto" fenomeni "dello stesso Ivanov, vestito con i vestiti di Cristo?

- Perché vuoto Kyot nella foto K.S. Petrova-vodkina "madre" nel 1915?

- Perché Pd. Fedotov nella seconda versione del dipinto "Maior Whevenness" rimuove Lastra - l'oggetto che stava cercando così tanto tempo?

- Perché nel busto scultoreo di S.I. Il marmo di Maelson Schubin è lucidato per una lucentezza grassa, mentre nella maggior parte dei casi le persone "pelle" sui suoi ritratti sembra opaca?

Tali domande possono essere ricordate, tutte - evidenza di una visione unica e personale inerente a ciascuna persona. Io intenzionalmente non do risposte qui - prova a trovarli da solo.

Nel lavoro analitico con l'opera d'arte, ti aiuterà non solo alla capacità di vederlo con un occhio fresco, percepire direttamente, il software e la capacità di astratto, silenzioso quelli o altri momenti di percezione e elemento della forma e dei contenuti .

Se stiamo parlando di arti di plastica, è composito, schemi, schizzi analitici, colori "layouts", analisi della costruzione spaziale, degli accessori "Playing", ecc. Tutti questi e altri mezzi possono essere utilizzati in funzione. Ma una cosa dovrebbe essere ricordata: qualsiasi ricezione analitica è, prima di tutto, un modo per interferire con gli elementi del modulo, la loro comprensione. Misurare, stendere, disegnare i diagrammi, ma non per il bene di questi schemi stessi, e in nome della comprensione del loro significato, perché nella vera immagine artistica non c'è "vuoto" - e il materiale stesso e le dimensioni e il formato fino alla fattura, cioè la superficie delle arti del soggetto sono fatti di significato. In altre parole, stiamo parlando della lingua dell'art.

Nonostante la sua unicità, unicità, le opere d'arte sono suscettibili di tipologia, possono essere raggruppate, naturalmente, soprattutto dall'arte dell'art.

Il problema della tipologia di tipografia sarà oggetto di studiare per te nel corso della teoria dell'arte e dell'estetica, e all'inizio della formazione vorremmo prestare attenzione a quelli dei suoi aspetti che svolgono un ruolo importante nell'analisi, specialmente l'interpretazione dell'art. Inoltre, otteniamo l'opportunità di specificare il significato dei concetti fondamentali (il significato di questo lavoro sopra menzionato).

Così, l'opera d'arte può appartenere a una delle specieche sono suddivisi in: manutenzione singola (monostruttura), sintetica e tecnica.

• Single-line - pittura, grafica, scultura, architettura, letteratura, musica, arte decorativa e applicata.
• Arti sintetiche - teatrali e spettacolari.
• Tecnico - Film, televisione, computer grafica.

Le singole arti sono divise, a loro volta, su:

• spaziale (architettura, pittura, grafica, arte decorativa e applicata)
• temporaneo (letteratura, musica),

così come pittorico (pittura, grafica, scultura) e assurdità (architettura, decorativi e applicati, letteratura, musica).

Poiché ci sono vari punti di vista nella classificazione delle arti e poiché tutte queste definizioni non sono assolute, ma relative in natura, e prima fermiamo - molto corto sul problema dello spazio e del tempo nell'arte, perché non è così semplice Può sembrare al primo sguardo e molto significativo durante l'analisi del lavoro.

Prima di tutto, notiamo che la separazione delle arti in spaziale e temporanea è molto condizionale e affida alle caratteristiche dell'esistenza del lavoro: i portatori materiali delle arti spaziali sono davvero soggetti, occupano un posto nello spazio e nel tempo Sono solo invecchiati e distrutti. Ma poiché i portatori materiali di opere musicali e letterarie occupano anche un posto nello spazio (note, piatti, cassette, infine, artisti e i loro strumenti; manoscritti, libri, riviste). Se parliamo di immagini artistiche, "occupano" un certo spazio spirituale e si sviluppano nel tempo in tutte le arti.

Pertanto, ci proveremo, notando l'esistenza di queste categorie come classificazioni, per parlarne dal punto di vista dell'analitico, per noi - in questo caso - più importante.

Sopra, abbiamo notato che qualsiasi prodotto dell'arte come un fenomeno materiale e ideale esiste nello spazio e nel tempo, e la sua base materiale è in qualche modo collegata principalmente allo spazio, ma un ideale, nel tempo.

Tuttavia, l'opera d'arte concorda con lo spazio e altri aspetti. Lo spazio naturale e la sua esperienza di una persona hanno un'influenza enorme sull'immagine artistica, generando, ad esempio, in pittura e grafica, vari sistemi di costruzioni spaziali, determinando le caratteristiche di risolvere compiti spaziali in architettura, immagine dello spazio in letteratura. In tutte le arti, lo "spazio delle cose", "spazio umano", "Socyur space", naturale - terreno terrestre e cosmico, e infine, lo spazio della più alta realtà spirituale è l'assoluto, Dio.

La visione del mondo sta cambiando, dietro di lui - un sistema di pensiero artistico; Questo movimento dal vecchio sistema al nuovo è segnato con cambiamenti nel concetto spaziale. Quindi, il trasferimento del centro dell'attenzione dalla massima realtà spirituale - Dio, il mondo della montagna nel XVII secolo a persona nell'arte russa del XVII secolo come se fosse ridotto l'orizzonte dell'artista, e l'infinito della prospettiva inversa è stato sostituito dalla linea retta limitata.

Anche il tempo in movimento e sfaccettato.

Questo è il momento in tempo reale del corriere materiale, quando le note sono ingiallimenti, i film vengono migrati, le tavole sporche sono la lavagna e il tempo dell'immagine artistica, uno sviluppo infinitamente, quasi immortale. Questo e il tempo è il illusorio, esistente all'interno dell'immagine artistica, il tempo in cui la cosa raffigurata e la persona vivono, la società, l'umanità nel suo complesso. Questo è il momento di creare un lavoro, un'epoca storica e un periodo di vita, infine, l'età dell'autore è, questa volta è la durata dell'azione e il tempo "pausa" - interruzioni tra gli episodi rappresentati. Infine, questo è il momento della preparazione per la percezione, le percezioni a contatto con il lavoro, l'esperienza e la comprensione di un'immagine artistica percepita.

In ciascuna delle arti, lo spazio e il tempo vengono visualizzati in diversi modi, e su di esso - in successivi capitoli, ognuno dei quali è dedicato a un tipo speciale di arte con l'immagine artistica inerente ad essa.

Non è affatto per caso che ho scritto "visualizzato" e non "raffigurato" perché abbiamo bisogno di allevare e questi concetti.

Visualizzazione - Significa trovare l'equivalente figurativo al fenomeno della realtà, è quello di averlo nel tessuto artistico dell'immagine, per ritrarre - creare un visual - visibile, verbale - verbale o suono - un analogo udibile della cosa. Le arti sono divise, come menzionato sopra, sul visual e intenso, non perché nella musica è impossibile ritrarre, ad esempio il rumore del treno o di un grido di Gallo (e del cortile di uccelli intero), e nella letteratura - a Descrivi quasi qualsiasi oggetto visibile o udibile. E nella musica e nella letteratura è possibile: nel primo caso, abbiamo a che fare con una resistenza sana, nel secondo - con una descrizione. Inoltre, un autore di talento, il contatto profondamente sopravvissuto con il lavoro di pittura, sculture, musica, può trovare tali parole che la sua descrizione sarà un analogico verbale (verbale) a pieno titolo e altamente artistico (verbale) del lavoro di arte visiva o musicale.

Opere architettoniche (non parlando delle loro parti: le colonne del loto dei templi egiziani, le cortecce, l'atlante, il sollievo e altri elementi scultorei decorativi), possono essere l'immagine: così, negli anni '30, nell'Unione Sovietica, esso era alla moda per costruire case sotto forma di auto o altri oggetti. A Leningrado, una scuola sotto forma di falce e un martello è stata persino costruita, anche se è possibile vederlo solo dalla vista oculare di un uccello. E varie navi a forma di uccelli, pesci, figure umane, ecc. Nell'arte intensa - decorativa e applicata!

E al contrario, le opere dell'arte visiva spesso "non raffigurano nulla", come pittura astratta e scultura.

Quindi questa funzione di classificazione è relativa. Eppure esiste: esiste visivamente, cioè la visione delle "belle arti" percepite, che si basa sull'immagine dei fenomeni del mondo, e inattivo, verbale e musicale.

L'arte è sempre condizionatamente e non può (per non parlare di cosa non dovrebbe) creare una completa somiglianza di questo o quel fenomeno della vita vivente. L'artista non raddoppia la realtà esistente, crea modelli artistici e figurativi del mondo o dei suoi elementi, semplificando e trasformandoli. Anche la pittura, il più illusoria delle arti sembrerebbe essere in grado di catturare e trasferire tutta la ricchezza dei multi-bugie nel mondo sulla tela, ha un modo estremamente limitato per imitare la razza.

Amo molto Ks. Petrova-vodkina. In una delle sue mostre, "la Madonna - l'attacco dei cuori malvagi" - la luminosità del puro scarlatto, blu e oro - è stato collocato nella sala del museo russo sul muro accanto alla finestra.

Per molti anni, la foto era nascosta nel piano, e ora, quando era nella sala, era possibile sedersi e guardarla, sembrava essere infinito. La luce cosmosa profonda e pienamente pulita delle profondità celeste brillano sfondo, modellando con il maforo scarlatto bella facce mite della Madonna ...

Ho passato molto tempo, per gli stemmi di strada, la sera d'inverno è andata nella finestra - e che scossa per me era un bagliore tranquillo del modesto inverno St. Petersburg Twilight della finestra - sembravano accanto al blu su Petrova- Vodkina Painting, come uno zaffiro brillante accanto a un pezzo blu di scatole di carta. Ecco quando hai avuto la possibilità non sapevi, ma vedi e sentitevi davvero limitato alle possibilità dell'arte nell'imitare la vita, se lo giudichi, in base al criterio preferito dello spettatore ingenuo: sembra o non sembra un immagine sull'originale. E non affatto la sua forza di riprodurre i fenomeni della vita il più possibile, estremamente mimeticamente.

L'immagine artistica non è una semplice ripetizione della vita e la sua plausibilità - verbale o visivo - non in tutta qualità importante. L'arte è uno dei modi per padroneggiare il mondo: la sua conoscenza, la valutazione, la trasformazione da parte dell'uomo. E ogni volta in un'immagine artistica - in modo diverso in diversi tipi di arte e in diversi sistemi artistici - il fenomeno (ciò che è percepito dai sentimenti di una persona, lo rivelò) e l'essenza (essenza del fenomeno, la totalità del suo Proprietà essenziali), per riflettere l'arte.

Ogni sistema di pensiero artistico costituisce il suo metodo di conoscenza dell'entità - il metodo creativo. A scuola, hai già incontrato tali metodi creativi europei concreti come barocco, classicità, sentimentalismo, romanticismo, realismo, simbolismo, modernismo, realismo socialista, surrealismo, ecc. Tu, naturalmente, ricorda che ogni metodo è stato creato nel nome della comprensione , Valutazione, trasformazione della persona e del mondo nel suo insieme e le loro qualità individuali. Ricorda quanto costava costantemente la conoscenza di una persona: studi barocchi e mostra il mondo dei sensi tempestosi e sfrenati dell'uomo; Il classicismo è tutta la sua mente equilibrata di misurazione; Sentimentalismo approva il diritto umano alla privacy e al sublime, ma sentimenti puramente personali; Il romanticismo è la bellezza dello sviluppo libero della persona "in un partito buono o cattivo", le sue manifestazioni nei "momenti fatali" del mondo; Il realismo mostra le fondamenta sociali per la formazione e la vita di una persona; Il simbolismo si precipita di nuovo nelle misteriose profondità dell'anima umana e il surrealismo sta cercando di penetrare nel profondo della profondità, ecc. Quindi ciascuno dei sistemi creativi denominati ha il proprio soggetto dell'immagine che viene reintegrato in un unico oggetto - A persona. E le loro funzioni: approvazione dello studio, dello studio, dell'esposizione, ecc.

Conformemente a questo, un metodo per trasformare un oggetto, consentendo di identificare il suo contenuto attuale: questa è l'idealizzazione dell'oggetto - la trasformazione, la liberazione artistica della "realtà imperfetta dalla sua imperfezione", la somiglianza del suo ideale (breve filosofico Enciclopedia. M., 1994) In tali metodi come barocco, classicismo, romanticismo, che si basano sul fatto che l'ideale stesso è inteso in modi diversi; Questa è la tastificazione, caratteristica del realismo e simboleggiatura che ha usato l'umanità in diverse fasi dello sviluppo artistico del mondo.

Guardando la storia dello sviluppo dell'arte ad un livello molto alto di generalizzazione, si può dire che si sviluppa tra i due poli della modellizzazione artistica e figurativa del mondo: dal desiderio di crearlo estremamente, all'illusione, Riproduzione plausibile per il limite di generalizzazione. Questi due metodi possono essere correlati con il lavoro di due emisferi del cervello: l'analitico sinistro, smembrato il fenomeno da parte del nome della sua conoscenza, e il destrimano, generalizzando, immaginario, creando immagini olistiche (non necessariamente artistiche ) con lo stesso scopo.

Sulla terra ci sono zone in cui prevalgono le persone con un notevole vantaggio nello sviluppo di uno degli emisferi. Può essere anche, ovviamente, è molto condizionale, dire che i concetti di "East", il "uomo dell'est" - sono associati al pensiero rilassante - immudy (figurativo), mentre il "ovest", " Uomo occidentale "con i capelli fogliari, analitici, scientifici.

E qui ci troviamo di fronte a un paradosso visibile.

Richiamare: l'emisfero sinistro sorveglia il pensiero logico, verbale e analitico astratto; Giusto - calcestruzzo, figurativo, non verbale, generalizzante.

A prima vista, è facile determinare che più specificamente: un ritratto che trasmette l'aspetto e il carattere di una certa persona o, ad esempio, un piccolo uomo sulla lanterna luminosa è una designazione estremamente generalizzata di una persona, un cluster di uva , scritto in una natura morta olandese, o un vitigno senza fine in un ornamento orientale, costituito da serie di condizionali, portata al livello di elementi dell'ornamento di foglie e coperture.

La risposta è ovvia: le immagini mimetiche sono un ritratto, ancora la vita, le generalizzazioni ornamentali sono più astratte. Nel primo caso, sono necessari i concetti di "questa persona", "questo mazzo", il secondo è sufficiente - "uomo", "mazzo".

È un po 'più difficile capire che il ritratto e la natura morta, essendo immagini artistiche, allo stesso tempo più analitica - "metà metà-metà" rispetto agli elementi dell'ornamento. Infatti, immagina quante parole dovranno descrivere il ritratto - la "traduzione" verbale di questa immagine sarà sufficientemente lunga e più o meno noiosa, mentre la vite nell'ornamento è determinata da una, in casi estremi, tre parole: Ornamento della vite da arrampicata. Ma, avendo disegnato molto dalla natura, l'autore dell'ornamento ha ripetuto questa immagine più di una volta, cercando una generalizzazione limite che consente se il livello del simbolo contenente non è uno, ma molti valori.

Se vuoi saperne di più su western - analitico (mimetico, imitativo) e orientalizzato (ornamentale) e orientale (ornamentale) per creare un'immagine visiva, leggi il bellissimo libro L.a. Lelekova "Art dell'antica Russia e East" (M., 1978). Correzione di due sistemi di pensiero artistico, l'autore si oppone a due file di dichiarazioni.

Il primo appartiene a Socrates: "La pittura è un'immagine di ciò che vediamo."

Il secondo - Buddha: "L'artista ha preparato pitture per creare un'immagine che non può essere vista a colori".

In una leggenda antica, sulla concorrenza di due abili pittori - Zeewaxis e Parracia - racconta come uno di loro ha scritto un ramo dell'uva e come gli uccelli volarono a questa immagine per spingere le bacche mostrate su di esso - così grande era l'illusione di una vita di riempimento. Il secondo ingannò l'occhio del suo compagno, raffigurante il sipario sulla tela, che la foto era presumibilmente coperta con un'arte del genere che ha chiesto di riprenderla presto. Creare un'illusione - Imitating visibile - per ciascuno degli avversari è stato un obiettivo più alto.

Un obiettivo completamente diverso dice Buddha: un'immagine visibile scritta dalle vernici è solo un corriere di un'immagine che nasce nell'anima dell'uomo. Buddha termina il filosofo cristiano John Damaskin: "Ogni immagine è una rivelazione e test del nascosto."

Infatti, la vite che adorna i pilastri di Iconostasi è un simbolo della vita e della fertilità, un giardino paradiso (Vertograd Christ), un simbolo dell'eternità.

Questo è come l.a. I cellet su un altro ornamento: l'intreccio del feto alternato e il fiore, molto comune negli ornamenti dell'est, denota "i concetti di unità della condizionalità causale e l'eternità di essere, i temi della creazione e il rinnovamento incessante della vita, La relazione del passato e del futuro, collisione degli opposti "(Ibid. S. 39).

Ma sia tra i relativamente pochi gruppi di "livelli" pronunciati - scienziati e "rettificati" - artisti, c'è un più grande tipo di transizione nel numero di tipi di transizione e tra naturalistico - uguale a se stesso, allutorio auto-concreto e non odiato, illusorio Immagine della visibilità (fenomeni) e pulire l'ornamento contenente molti significati è un vasto spazio occupato dalle immagini di un tipo misto, - su di esse abbiamo detto sopra.

Forse il più armonioso tra loro - l'immagine è realistica quando l'artista si sforza per l'incarnazione dell'entità del fenomeno, alla simbolizzazione del visibile. Quindi, al. Ivanov, aprendo le leggi del Plenéer e sviluppando il metodo di incorporare le proprietà interne e le qualità personali nel suo aspetto, ha riempito le sue creazioni in un significato simbolico profondo.

Artisti-astratti del 20 ° secolo, diffondendo, distribuendo i loro dipinti, abbandonando la creazione del "secondo", la realtà illusoria sulla tela, rivolta alla sfera della superconscio umano, ha cercato di catturare l'immagine nel suo primato, nel profondo di anima umana o, al contrario, lo ha progettato.

Pertanto, nell'analisi dovrai seguire l'intrigo che è sorto il primo a pensare a quale "continuum spaziale-temporoporable" dell'immagine artistica del lavoro, oggetto dell'immagine, del metodo e dei mezzi per convertire un oggetto . E una domanda più importante sorge di fronte a te: qual è la composizione e la comunicazione elementare - la struttura dell'immagine artistica.

L'immagine artistica del lavoro è l'integrità, e come qualsiasi integrità può essere presentata, descritta come un sistema costituito da elementi (ciascuno dei quali, a sua volta, è anche inteso e può essere rappresentato come un sistema) e i loro collegamenti tra loro. La struttura e il numero sufficiente di elementi assicurano il funzionamento di un'immagine artistica come integrità è simile a come la presenza delle parti necessarie e del loro fedele assemblea - comunicazione, struttura, forniscono una mossa e squillo tempestivo dell'allarme.

Cosa può essere etichettato come elementi di un'immagine artistica? Rhyme, armonia, colore, volume, ecc.? Questi sono elementi di forma. Soggetto immagine, oggetto, essenza, fenomeno? Questi sono gli elementi del contenuto. Discussione logicamente, dovrebbe essere ovviamente riconosciuto che anche gli elementi dell'immagine artistica del lavoro sono immagini: una persona nell'intero intervallo dall'immagine iconica più semplice di petroglifi a un ritratto psicologico; Mondo correlato nell'innumerevole collettore delle cose fatte dall'uomo, la cui totalità è spesso indicata come civiltà o "seconda natura"; legami sociali, a partire dalla famiglia e dalla fine con universale; Natura di non-creaceless in tutte le sue manifestazioni e forme: animazione mondiale di animali, mondo inanimato - medio, planetario e cosmico; Infine, il più alto ordine spirituale che è presente in tutti i sistemi artistici e quali saggi di diverse epoche sono chiamati in modo diverso: la mente più alta, assoluta, Dio.

Ciascuna delle immagini nominate è in modi diversi è realizzato in diverse arti e ha un carattere supervisionato e generico.

La concretezza combinata all'interno dell'opera d'arte, tale immagine può essere inclusa come componente in un sistema di tutto complesso (ad esempio, le immagini della natura occupano un luogo importante nei Romani di Turgenev, e nelle operazioni romane-Korsakov, e nei dipinti di Repin) . Una delle immagini può prendere un posto centrale, sottovalutare il resto (quei generi monostruttituri di belle arti sono ritratti, paesaggio, ecc.) E possono anche formare un ampio serbatoio di opere artistiche - dalla serie nel lavoro di un master ( Ad esempio, Petréda in. E Serov) I a tali giganti formazioni come leninia nell'arte sovietica.

Quindi, nel processo di analisi del lavoro, è possibile selezionare elementi figurativi e stabilire collegamenti tra di loro. Spesso, tale lavoro aiuta a capire più profondamente l'idea dell'autore e concederti una relazione nel comunicare con il lavoro dei sentimenti, è meglio capire e interpretare l'immagine artistica.

Riassumere questa piccola sezione dedicata a analisi dell'opera d'arte come integrità autosufficiente di "testo", Nota la cosa più importante:

1. 1) Un'analisi è solo una delle operazioni incluse nel sistema di lavoro con il lavoro dell'art. Una delle questioni più importanti a cui è necessario rispondere nel processo di suoni di lavoro analitico come segue: Come, come e cosa significa che l'artista è stato in grado di ottenere esattamente queste impressioni che hai sperimentato e realizzato nella comunicazione del DO-Name con un artistico modo?
2. 2) Analisi come operazione generale per parte (sebbene gli elementi impositivi della sintesi) non siano terminati in sé, ma un metodo di penetrazione più profonda nel nucleo semantico di un'immagine artistica;
3. 3) Ogni opera d'arte è unica, unica, unica, quindi metodicamente correttamente - e per l'insegnante è molto importante trovare "analisi intrigante" - una domanda chiave che comporterà, specialmente quando il lavoro collettivo, la catena, o meglio, un sistema di domande, risposte a cui e crollare in un'immagine olistica dell'analisi;
4. 4) Qualsiasi opera d'arte è un modello artistico e figurativo del mondo, che riflette i volti reali, le parti, gli aspetti
   Il mondo e i suoi elementi principali: uomo, società, civiltà, natura, Dio. Queste sfaccettature, parti, aspetti di costituire le basi sostanziali - il soggetto dell'immagine, che, da un lato, già oggettiva realtà, perché è solo parte di esso, e dall'inizio è inizialmente più ricco, perché Porta l'atteggiamento dell'autore, il processo arricchito e creativo l'incremento della conoscenza del mondo in forma di oggetto, nell'opera d'arte, e infine, viene aggiornato nel processo di creatività. Nel lavoro analitico, devi rispondere alle domande: qual è l'oggetto dell'immagine in questo lavoro? Qual è il soggetto dell'immagine? Cosa c'è di nuovo che impariamo del mondo assimilando l'immagine artistica del lavoro?
5. 5) Ogni lavoro artistico appartiene a uno dei tipi di arte, in conformità con il quale un metodo per convertire un'immagine di un'immagine di un'immagine, formazione di un'immagine artistica, viene formata una specifica lingua d'arte.
6. 6) L'arte nel suo insieme e un lavoro separato come fenomeno del mondo materiale esistono nello spazio e nel tempo. Ogni epoca, ogni sistema estetico sviluppa rispettivamente il suo concetto artistico di tempo e spazio, nella sua comprensione di queste realtà e dei suoi obiettivi. Pertanto, l'analisi delle caratteristiche della forma di realizzazione dello spazio e del tempo nel lavoro è un'operazione analitica necessaria;
7. 7) Il modello artistico e figurativo del mondo può essere visivo (visivo) o inattivo (udibile, verbale o visivo-strutturale). Imitazione della vita (fino al desiderio di creare un'illusione - "ingannare") o, al contrario, la piena "distribuzione" dell'immagine, nonché tutte le forme intermedie, non esiste in sé, è sempre significativo, Serve come forma di realizzazione dell'impostazione dell'obiettivo, aperta nell'analisi. Allo stesso tempo, la relazione tra fenomeno e l'essenza, la comprensione e lo sviluppo della cui in definitiva è una delle principali funzioni dell'art. Quindi, nel processo di analisi, è necessario capire quale fenomeno è alla base dell'immagine artistica (oggetto oggetto), quali proprietà, qualità, aspetti dell'oggetto erano interessati all'artista (oggetto dell'immagine), come il metodo era il metodo Conversione del soggetto e cos'è la struttura: la composizione elementare e la struttura - è apparsa come risultato di un'immagine artistica. Rispondendo a queste domande, è possibile capire abbastanza bene nel senso dell'opera d'arte, nel fatto che l'essenza, traslucida attraverso il tessuto dell'immagine artistica.

Prima di completare la conversazione sull'analisi e il suo posto nel lavorare con l'opera d'arte, ti permettono di darti due consigli.

Il primo riguarda il significato dell'analisi. Indipendentemente da quale, chiuso o internamente alien per te, questo o quel lavoro d'arte, analisi - interpretazione ti aiuterà a capire l'autore e in una conversazione sul lavoro giustifica la tua valutazione. Nelle relazioni con l'arte "come - non mi piace" sostituire meglio con altre formucce:

"Capisco e accetto" o "Capisco, ma non accetto!" E allo stesso tempo sempre pronto a giustificare la tua opinione.

La seconda tavola è particolarmente utile per te se devi lavorare alla mostra dell'arte contemporanea o visitare l'artista - nel suo laboratorio.

Per qualsiasi persona normale, la presenza dell'autore è un fattore di rilevamento, quindi, presso la mostra dell'arte contemporanea, lavora sempre come se l'autore si trova nelle vicinanze, è una vera opportunità.

Ma la cosa principale: una volta e per sempre, scarica dall'idea che c'è "giusto" e arte "sbagliata", "buone" e "cattivi". L'opera d'arte è valutata: dopo tutto, il suo creatore può essere un maestro, e può essere un dilettante di gambe di dilettatura, una congiunzione super adattiva, un speculatore.

Ma nella sala della mostra, non dovresti sbrigarti ad agire come un procuratore, è meglio cercare di capire perché il lavoro ti ha causato invece della gioia prevista di tali irritazioni: in quella materia, che ti sentiva intuitivamente la disarmonia di L'immagine, il suo potere distruttivo generale, l'energia negativa, che va da lui, o nel fatto che, a causa delle caratteristiche della sua personalità, non si è caduta nella "risonanza" con quelle che esprimono figurativamente, le vibrazioni che hanno causato un Immagine artistica.

Per quanto ne stiamo percependo l'arte in diversi modi - e nei suoi elementi, e in generale - mi sono sentito completamente inaspettatamente vicino allo schermo TV. ... Adoro Kolomenskoye - Con la sua calma Chiesa bianca della Kazan Madre di Dio, saleva rapidamente sopra la Mosca-River Snender Shatter of the Church of the Ascension of Christ, i machoves dorati della Cattedrale di Giovanni il precursore in Dyakov La montagna del Rhossom, con fiori di alberi, pilastri vintage e pietre amate in erba verde spessa. Per molti anni, un membro della storia dell'arte, dico agli studenti di queste meravigliose creazioni dei secoli XVI-XVII. Ma una piccola trama nel "Traveraned Club" in televisione è stata rivelata per me. Il clero - il Master ha mostrato e ha dimostrato che l'insieme metrico e architettonico incorporato in forme naturali e architettoniche dell'icona di Sofia - la saggezza di Dio. Non ho mai, una persona con la consapevolezza razionale stabilita, non sarebbe riuscita a vedere questo miracolo. Ma ora, ovviamente, con riferimento alla fonte originale, offriremo agli studenti gli altri e questa interpretazione.

Letteratura:

Völdlin.

Yantson kh.v., yantson e.f. Nozioni di base sulla storia dell'arte - trovare. Trovato. Posare. E anche hombrich.

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Analisi della casa di lavoro architettonica Pashkov

"Il compito dell'artista con l'aiuto della forma per distruggere il materiale", - f. Schiller, da B.R. Book Vipper "Introduzione allo studio storico dell'art." E infatti, il compito più importante dell'architettura è di reincarnare il materiale, modificarlo e soggiogato ai suoi obiettivi artistici. E, di conseguenza, creare una singola composizione basata su una combinazione espressiva di volume e spazio. Gli architetti sono anche chiamati a collegare tre lati in una composizione armoniosa dell'edificio: da un lato - convenienza e benefici (compito funzionale); D'altra parte, forza ed efficienza (costruttiva e fattibilità del compito economico); Con il terzo - la bellezza dei moduli (compito estetico). E alla fine, lo scopo della composizione diventa - il raggiungimento dell'unità della forma e dei contenuti. E non è così facile da raggiungere. Considera una delle case più importanti di Mosca. Quali proprietà, quali tecniche architettoniche hanno determinato l'alta valutazione di questo edificio?

pashkov House

La casa di Pashkov è stata costruita nel 1784-1786. Nella seconda metà del XVIII secolo. Vasilya Bazhenovo commissionato dal ricco proprietario terriero Pashkov. Era un momento in cui la nobile semplicità e la moderazione del classicismo si precipitarono con la generosità succosa del barocco. Un maestro riconosciuto di quel tempo, Vasily Bazhenov - è riuscito a creare uno stile di classicismo di Mosca, combinando biologicamente i principi del barocco e del classicismo qui. Questo è confermato dai metodi preferiti di questi stili. Ad esempio, una lunga facciata con vista sulla strada Moss è realizzata in uno stile classico, che è caratterizzato da uniformità, coerenza e ha sottolineato il giusto ordine. La sua composizione si svolge chiaramente simmetricamente relativa all'asse dell'edificio centrale. Due gallerie a un piano singolo sono deposte a destra ea sinistra, che sono completate da filtri identiche a due piani. Alla casa di Pashkov, due facciate principali - si guarda sulla carreggiata e ha un palazzo, un personaggio solenne, l'altro - orientato al cortile e ha una tenuta più accogliente. Il Belvedere cilindrico sale (Bazhenov, è stato fatto come Attraverso Rounda, circondato da colonne accoppiate con una cupola, condita con una scultura della dea greca Minerva), in combinazione con due fondi, formava un triangolo chiaro antenato. Queste sono le tecniche di stile classicismo, che in latino significa letteralmente "esemplare". Le tonalità barocche sono chiaramente visibili nel design dell'arredamento architettonico, in particolare il mandato del centro dell'edificio centrale, da un lato, il rigoroso classico, d'altra parte, realizzato nei suoi dettagli (vasi su balaustra, sculture , Dettagli dello stucco dell'arredamento) con una maggiore libertà e originalità rispetto ai normali canonici classici.

La casa non è stata conservata fino ai giorni nostri nella sua forma originale, è stato ripetutamente ricostruito. In particolare, nel 1812 la casa fu distrutta dal fuoco. Gli architetti hanno cercato di ripristinare la casa sulle immagini del XVIII secolo, come è stato creato inizialmente.

Vista della tipologia architettonica dell'edificio

La casa di Pashkov è un tipo di architettura del palazzo, il tipo che enfatizza una determinata immagine (tipo) della vita. In questo caso, Bazhenov sviluppa il tipo di abito da cucina urbana russo e costruisce la casa di Pashkov come complesso architettonico, costituito da un edificio principale a tre piani in movimento con un roundda-belvedere e flibi a due piani collegati alle gallerie di un piano.

All'inizio, guardando l'edificio, sembra che la casa sia piccola. Ma sembra più di quanto non sia, grazie al teso lungo la strada su una galleria retta e ferie adiacenti all'edificio principale. Loro, come se completi lungo i bordi, una composizione architettonica comune. Tale composizione in tre parti costituita da un edificio centrale, gallerie di transizione e fluenkels, non un capriccio - è giustificato dall'allora vita. La casa principale ospitava camere residenziali e le anteriori dei proprietari. Negli sconcerti c'era una cucina, un servitore vissuto e gli ospiti sono stati. Le transizioni delle gallerie hanno permesso di andare dall'outbel alla casa senza uscire, il che era particolarmente importante nel tempo piovoso o in inverno.

Posto nello spazio

Lo spazio architettonico della composizione della casa è organizzato. La sua posizione è chiaramente pensata. E non solo nell'ensemble della città, ma anche all'interno della composizione stessa. L'impressionante vista dell'edificio è dovuta al luogo della sua costruzione. La casa di Pashkov si erge su un'alta collina Vagankan, come se continuasse la linea del suo sollevamento, sull'angolo aperto di due strade discendenti.

L'ensemble architettonico urbano della casa può essere descritto come panoramico. La posizione sublime del sito e la sua prevedibilità da tutte le parti ha contribuito alla migliore identificazione del volume e della natura di alta quota della composizione della struttura, è entrata in modo organico nell'ensemble dell'ambiente del Cremlino.

La massa dell'edificio in percezione visiva dipende dalla valutazione visiva della quantità di materiale della forma architettonica complessiva. La messa qui è smembrata con una posizione abbastanza libera. Snella piramide Sainting Pashkov's House, sottolineata da friestie laterali, il desiderio della cima del suo corpo medio, così come il suo sollievo grazie a Rotunde-Belveder - tutto questo, piuttosto, risale alle tradizioni dell'architettura popolare dell'antica Russia. La cosiddetta crescita organica nella massa dell'edificio di Bazhenov raggiunge qui un'elevata forza di espressione.

Tipo di costruzione

Design - Fascio di piume. L'edificio si distingue per un layout chiaro e una scala tettonica organizzata.

Decorazioni architettoniche

In generale, l'arredamento architettonico della casa può essere chiamato - plastica. Ma è così ricco che deve essere fermato in modo più dettagliato.

a) il principio dell'arco. Dekora

La posizione dell'arredamento architettonico presso la casa di Pashkov sul principio di aggiunta, tale principio è solo caratteristico dell'architettura del palazzo. Gli ordini e gli elementi dell'arredamento architettonico si alternano e seguono le righe snelle.

La galleria del piano terra, così com'era, bilancia l'edificio principale con le Fluegle e, seguendo la legge del bersaglio, si estende all'intera lunghezza della facciata.

La posizione dell'arredamento architettonico - determina la composizione dell'edificio.

b) Composizione

La solenne e ricca composizione della casa di Pashkov è un meraviglioso esempio di abilità composita Bazhenova e il suo ampio approccio alla pianificazione della città a un edificio separato come parte del complesso della città.

L'intero complesso architettonico può essere descritto come lo stesso aspetto spaziale della composizione, poiché comprende la casa principale, l'epidemia, l'accessorio anteriore, il giardino e una varietà di edifici di servizio. Ciò che richiede il traffico in profondità nell'ingresso. Ma se consideri la casa di Pashkov separatamente, la sua lunghezza e predominanza di dimensioni in altezza rispetto alle dimensioni della profondità - ci dice che la composizione della casa è chiaramente frontale. La costruzione è risolta principalmente negli aerei della facciata, ecco il senso principale e il carico architettonico estetico. Inoltre, sul volto del dominio della simmetria. I fluidi a due piani, come lo erano, equilibrano l'edificio relativo all'asse centrale della facciata principale. C'è anche una versione che la facciata del Cremlino non è affatto la parata, e il parco e sul retro è un ampio cortile, concepito da Bazhenov, proprio come una parata.

c) sistema di garanzia

I sistemi hardware a casa sono molto ricchi, si presume che conosca il suo design. Nel contrasto con il piano terra corretto orizzontale ci sono due piani principali dell'edificio della facciata centrale. L'ordine composito di Corinto è utilizzato in un portica portica, che combina entrambi i pavimenti e aumentando visivamente la scala dell'edificio. Lo stesso ordine decora i pilastri sulle pareti del corpo centrale.

Ai lati delle portiche a quattro colonne sono le statue impostate sulle colonne di base. Un complesso ordine ionico con capitelli diagonali a quattro lati è stato utilizzato nelle colonne e ai pilastri dei flibi. Sottolineano l'autonomia artistica e il ruolo dei flibel nella composizione della facciata.

Balaustra, incorniciando il tetto del corpo centrale, porta un vaso lussureggiante sui pilastri, ammorbidendo la transizione da fregio e grondaia alla rotonda, finalizzando il volume centrale. Utilizza un'ordine ionica fattura (ripristinata in seguito come sostituto per lo stesso Corinthian). Pertanto, gli architetti sembrerebbero aver perso la casa dalla formulazione di un ordine più pesante durante più facile. Ma il Rotunda Belvedere non è generalmente una forma così statica e sottolinea l'aspirazione del monte dell'intera composizione, facilitando l'impressione generale dell'edificio.

Come in altri tipi di arte, il ritmo svolge un ruolo cruciale nell'architettura. È il suo primato che ti permette di parlare di architettura come l'arte di uno spazio accuratamente ritmico. Ecco perché è spesso chiamato l'architettura della "musica congelata". Dopotutto, in arte musicale, il ritmo è anche il principale agente compositivo

Gli elementi del ritmo della casa Pashkov possono essere chiamati: sia il colonnato, che il portico, e la ruggine del piano terra e il fregio e i numerosi elementi della decorazione ripetuti ritmicamente.

Tuttavia, il ritmo di qualsiasi opera d'arte non è una semplice alternanza. Questa è una certa unità in cui molte righe ritmiche sono fuse. Quindi qui e qui l'increspatura ritmica del colonnato raggruppata in tre è completamente la stessa delle sue dimensioni e il numero delle colonne portico, ritmo accuratamente verificato delle parti della colonna verticale (la differenza solo nell'ordine), ritmi stravaganti del Design di fregio, Dynamic Rustry, Pilastri - Tutto questo è attentamente pensato e fuso con l'architetto in un'unica armonia.

Con l'aiuto del ritmo architettonico di Bazhenov linee la percezione dello spettatore sia nello spazio che nel tempo. Il ritmo è molto importante. Infatti, per quanto riguarda la struttura, lo spettatore può rimanere immobile e quindi il ruolo principale nella sua percezione è giocato da ritmi spaziali. Ma dal momento che lo spettatore inizia presto a bypassare l'edificio o, specialmente, inseriscilo, vive il ritmo nel tempo. Quindi la percezione degli ensemble architettonici ricorda il carattere della percezione di un lavoro musicale o letterario, dove la forma è implementata in modo coerente, frammento per frammento. Inoltre, l'architettura oggi è consuetudine per determinare come l'arte di costruire lo spazio dell'esistenza umana. E architetto, costruendo lo spazio stesso, lo rende pulsato ritmicamente nella percezione dello spettatore

Destinazione fondamentale dell'edificio

La destinazione fondamentale dell'edificio è amministrativa. Avendo concepito inizialmente come l'illusione dell'armonia e la razionalità della monarchia, i politici delluminato delluminato, si trasforma nella costruzione di appuntamenti pubblici.

Oggi la casa di Pashkov è uno degli edifici della Biblioteca Stato russa che prende il nome in I. Lenin. È sorvegliato dallo stato e rimane uno degli edifici più belli di Mosca. Sfortunatamente, di recente, è quasi chiuso dall'occhio dei visitatori casuali, possiamo solo ammirarlo dalla strada di Mokhovaya.

Conclusione

Dal punto di vista della fantasia di formospring, la superiorità dell'architettura rispetto ad altre aree dell'arte è ovvia. Cos'è questo fenomeno? E nel fatto che le forme architettoniche non hanno analogie dirette in natura, non si riproducono e non imita la lingua di qualcun altro, ma parla il suo. Pertanto, possiamo ancora una volta dire che l'architettura è una certa sintesi delle arti incarnate nello spazio. Monumentalità, arte decorativa, applicata, così peculiare e scultura e pittura, e ha ottenuto il nome - Architettura.

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Domande utili analizzando il lavoro pittoresco
Per riassumere dalla tracciatura della percezione, ricorda che l'immagine non è una finestra nel mondo e l'aereo su cui può essere creata l'illusione dello spazio con mezzi pittoreschi. Pertanto, analizza prima i parametri di base del lavoro:

1) Qual è la dimensione dell'immagine (monumentale, macchina, miniatura?

2) Qual è il formato dell'immagine: un rettangolo allungato orizzontalmente o verticale (possibilmente con una fine arrotondata), un quadrato, un cerchio (Tido), ovale?

3) In quale tecnica (temperatura, olio, acquerello, ecc.) E su quali basi (legno, tela, ecc.) È l'immagine?

4) Da quale distanza è meglio percepito?

I. Analisi delle immagini.

4. C'è una trama nella foto? Cosa è raffigurato? In quale ambiente sono i personaggi raffigurati, gli articoli?

5. Sulla base dell'analisi delle immagini, è possibile concludere sul genere. Quale genere: ritratto, paesaggio, natura morta, nudo, famiglia, mitologico, religioso, storico, animalista, - appartiene alla foto?

6. Come pensi, quale compito l'artista è decorato - bene? espressivo? Qual è il grado di convention o naturalismo dell'immagine? La condizionalità è l'idealizzazione o la distorsione espressiva? Di norma, la composizione della composizione della pittura è associata al genere.

7) Quali componenti costituiscono la composizione? Qual è il rapporto tra un oggetto dell'immagine e dello sfondo / spazio sul modello dell'immagine?

8) Quanto sono vicini al piano dell'immagine sono posizionati gli oggetti dell'immagine?

9) Quale angolo di vista ha scelto un artista - dall'alto, dal basso, in breve con gli oggetti raffigurati?

10) Come è determinata la posizione del visualizzatore - è coinvolto nell'interazione con l'immagine mostrata nell'immagine, o ha dato il ruolo di un contemplatore sospeso?
11) È possibile chiamare la composizione bilanciata, statica o dinamica? Se c'è una mossa, come è diretto?

12) Come è costruito lo spazio dell'immagine (piatto, vagamente, lo strato spaziale è silenzioso, viene creato uno spazio profondo)? A causa di ciò che è ottenuto dall'illusione della profondità spaziale (la differenza nella dimensione delle figure raffigurate, lo spettacolo del volume di oggetti o architettura, utilizzando le gradazioni del colore)? La composizione è sviluppata per mezzo di disegno.

13) Per quanto riguarda espresso nell'inizio lineare di pittura?

14) Contorni sottolineati o Scratzen, esclusi i singoli articoli? Cosa significa questo effetto raggiunto?

15) Che misura è espresso il volume di oggetti? Quali tecniche sono create dall'illusione del volume?

16) Che ruolo gioca la luce nella foto? Cos'è (liscio, neutro, contrasto, spingendo volume; mistico). La fonte / direzione della luce ha letto?

17) Le sagome di figure raffigurate leggono? Quanto loro espressivi sono preziosi in se stessi?

18) Quanto immagine dettagliata (o è generalizzata)?

19) La varietà di trame di superfici raffigurate (pelle, tessuto, metallo, ecc.) Vengono trasmesse? Colorazione.

20) Quale ruolo svolge il colore del sapore (subordinato alla figura e al volume o viceversa sottomette il suo disegno e costruisce la composizione stessa).

21) è il colore solo un volume di pittura o qualcosa di grande? È otticamente affidabile o espressivo?

22) I colori locali prevalgono nell'immagine o nel sapore tonale?

23) I confini dei punti di colore sono distinguibili? Abbinano i bordi dei volumi e degli oggetti?

24) L'artista opera in grandi masse di colore o piccole macchie?

25) Come sono scritti i colori caldi e freddi, l'artista usa la combinazione di colori aggiuntivi? Perché lo fa? Come vengono trasmessi i luoghi più illuminati e nascosti?

26) Ci sono abbagliamenti, riflessi? Come sono le ombre (sordiche o trasparenti, sono colorate)?

27) È possibile evidenziare le ragioni ritmiche nell'uso di qualsiasi colore o combinazione di sfumature, è possibile rintracciare lo sviluppo di qualsiasi colore? C'è un colore dominante / combinazione di colori?

28) Qual è la trama di una superficie pittoresca - liscia o vecchio? I singoli tratti sono distinguibili? Se è così, cosa sono stati applicati piccoli o lunghi, liquidi, spessi o quasi asciutti?

06.08.2013

Ministero dei trasporti della Federazione Russa

Educativo di bilancio dello Stato federale
Istituzione di un reclutamento superiore
"Università di trasporto russa"
Ruth (Miit)
Accademia di trasporto russa

Facoltà di "veicoli"

Dipartimento "Filosofia, sociologia e storia"

Lavoro pratico

dalla disciplina

"Culturalologia"

Ho fatto il lavoro

studente del 1 ° corso

gruppi ZSA-192

Nikin a.a.

CIFR 1710-C / SDS-0674

Mosca 2017-2018 G.

Lezione pratica numero 1

Compito: dare un'analisi significativa da parte dell'opera dell'architettura della tua città (villaggio, distretto)

Monumento ai lavoratori ferroviari, 2006 Scultore I. Dikunov.

Vengo dalla città della regione di Lisky Voronezh. La mia città è il più grande nodo ferroviario. A partire dal 1871, la storia della città è intrecciata con lo sviluppo della ferrovia. Nella nostra città, ogni sesto residente è strettamente connesso con la professione ferroviaria, quindi quando è nata la domanda sul luogo di installazione del monumento in onore del 140 ° anniversario della ferrovia sud-orientale, la scelta cadde sulla nostra città. L'apertura del monumento ai lavoratori ferroviari era nel 2006

Questo è uno dei pochi diritti d'autore della città, realizzati dal famoso scultore Voronezh Ivan Dikunov in co-paternità con sua moglie Elsa Pak e figli Maxim e Alexei. Sono gli autori dei busti degli eroi dell'Unione Sovietica e della Russia sul vicolo della gloria, oltre a personaggi di fiaba che adorano il parco della città nella nostra città.

Dikunov Ivan Pavlovich - Artista onorato della Federazione Russa, Operaio d'arte onorato, Laureate del premio Stato 1990. Membro attivo dell'Accademia di Scienza e Arte di Petrovskaya, Professore.

Ivan Pavlovich è nata nel 1941 nel villaggio del distretto di Petrovka Pavlovsky della regione di Voronezh. La sua infanzia ha rappresentato gli anni postbellici difficili. Nonostante le difficoltà, ha trovato tempo per la creatività, gli piaceva disegnare, e ancora più scolpire. Già allora il suo talento era visibile. Ivan Dikunov si è laureato alla scuola d'arte di Leningrado dal nome Serov nel 1964, quindi l'Istituto di pittura, scultura e architettura. Cioè Repin nel 1970. Nel 1985. Arrivò a Voronezh e andò a lavorare nel Voronezh State Architectural And Construction Institute, dove ha insegnato 20 anni. Dal 1988 al 1995, Dikunov Pedagogue of the Voronezh Art School.

Nelle città delle regioni di Voronezh e Lipetsk nel Commonwealth con colleghi VGasu, Ivan Pavlovich ha creato una serie di monumenti significativi, che sono immagini uniche della formazione del mezzo architettonico e sono una combinazione di sculture e architettura monumentale. Ha parlato dall'autore dei progetti e dal capo dei gruppi creativi sulla creazione di monumenti di Voronezh con una straordinaria personalità russa - M.E. Pyatnitsky (1987), A.S. Pushkin (1999), A.P. Platonotov (1999) e altri. Ivan Pavlovich partecipa costantemente a mostre regionali, zonali, repubblicane, all-unin, tutte russali e straniere.

Dikunov ha detto che il lavoro sul monumento ai lavoratori ferroviari ha avuto luogo per tre anni e il suo pensiero principale era quello di mostrare l'idea della ferrovia in movimento. C'è un monumento all'ingresso della città di Liski ed è un biglietto da visita della nostra città.

Il monumento ai lavoratori ferroviari è un monumento che ci influenza una composizione complessa, un profondo significato e simbolismo. Nel piano iniziale, il monumento era un'immagine di divergenza dalla colonna in diverse direzioni dei lavoratori ferroviari. Ma successivamente, gli scultori arrivarono alla composizione in cui entrambe le figure camminano lungo la piattaforma in una direzione. Questo è stato chiesto come l'aspirazione in avanti e l'unità della comunicazione inseparabile delle generazioni di ferrovie.

Creare un monumento usato in pietra e metallo. Ci sono molti dettagli simbolici in esso che, con una considerazione attenta, piega nella caposa immagine solida della ferrovia. Al centro, la composizione è un'alta colonna di una forma elegante su un piedistallo quadrato decorato con immagini di strumenti di lavoro sullo sfondo dei raggi divergenti. Ha incoronato l'emblema della ferrovia e l'iscrizione "" Liski ". Le figure di 3,5 metri di altezza sono due generazioni di lavoratori ferroviari - un sentiero con una lanterna e un lungo martello, un'immagine del XIX secolo e un moderno autista in un abito sagomato con un portfolio in mano. Sembrano intorno al treno intorno alla piattaforma.

Dettagli di abbigliamento e inventario sono stati scelti con cura speciale: forma mantenuta, subtleties ricreati su dipinti e mostre museali. In una specie di scultori serviti dagli operai del sito ferroviario di Liskinsky. Ai margini della lastra passa l'iscrizione: "" è dedicato ai lavoratori ferroviari verso i guerrieri-eroi 140 anni Yev Railway

Ho un senso di orgoglio nella mia città, per la gente comune dei lavoratori, la cui professione difficile e responsabile è immortalata nel monumento. E due figure di generazioni diverse suggeriscono che la ferrovia nel suo sviluppo si muove in avanti, migliora ogni anno.

Compito pratico numero 2

Compito: dare un'analisi significativa del dipinto dell'artista dalla tua città (villaggio, distretto)

Il mio Countryman è stato il famoso artista russo Kramskaya Ivan Nikolaevich (27 maggio 1837. - 24 marzo 1887). È nato nella città della provincia di Ostrogozhsk Voronezh (questo si trova a 30 km dalla mia città natale di Liski) nella famiglia di un piccolo funzionario.

Ha studiato alla St. Petersburg Academy of Arts (1863-1868) nel 1863. Ha ricevuto una piccola medaglia d'oro per l'immagine "Mosè trasuda l'acqua dalla scogliera". Kramskaya era l'iniziatore della "Bunta of Fourteen", che si è conclusa con accesso dall'accademia delle Arti dei suoi laureati che organizzò Art Art Artists. Inoltre, uno dei creatori nel 1870 "Associazione delle mostre d'arte mobile". Influenzato dalle idee dei democratici russi-rivoluzionari, Kramskaya ha difeso la sua opinione sull'elevato ruolo pubblico dell'artista, i principi fondamentali del realismo, l'essenza morale dell'arte e la sua affiliazione nazionale. Nel 1869 insegnava in una scuola di disegno della promozione pubblica degli artisti. Nel 1869, Kramskaya ha ricevuto il titolo di Accademico.

I 1970-80 anni del XIX secolo erano per Ivan Nikolayevich dal periodo in cui è stata scritta una delle opere più famose, questo è il "Hollowman", "Mina Moiseeva", "contadino con una briglia" e altri. Sempre unito l'artista nei suoi lavori ritratto e argomenti domestici ("Stranger", "Rezazynaya Mount").

Molte tela di Kramsky sono riconosciute come un classico della pittura russa, era un maestro di scene di ritratto, storico e genere.

Vorrei soffermarmi sull'analisi dei suoi dipinti "Cristo nel deserto", che occupa un posto molto speciale nella biografia creativa di I. Kramsky.

Cristo nel deserto.

Tela, olio.

180 x 210 cm.

L'idea principale dei tre anni di Kramsky, che ha fortemente impegnato in lui è la tragedia della vita di quelle alte natura che si rifiutarono volontariamente tutta la felicità personale, il meglio, il più puramente, che l'artista poteva trovare per esprimere la sua idea, era Gesù Cristo.

Kramskaya è stato pensato alla sua tela per un decennio. Nei primi anni del 1860, ancora all'Accademia delle Arti, fa il primo schizzo, nel 1867. - La prima versione dell'immagine che non lo ha soddisfatto. La prima opzione di immagine era un formato di tela verticale e l'artista ha deciso di scrivere una foto su tela orizzontale e seduta sulle pietre di un uomo più grande. Il formato orizzontale ha permesso di presentare il panorama del deserto roccioso infinito, secondo il quale c'è un uomo solitario nel suo silenzio e notte. Solo sotto la mattinata era stanco ed esausto sulla pietra, non ha ancora visto nulla davanti a lui. Le impronte di esperienze dolorose e profonde sono visibili sul suo stanco, una faccia flosa, la gravità dello spirito come se fossero sdraiarsi sulle spalle e si inchinò la testa.

La trama dei dipinti è associata a descritti nel Nuovo Testamento del post di quaranta giorni di Gesù Cristo nel deserto, dove si è ritirato dopo il suo battesimo, e con la tentazione di Cristo Devil, che è successo durante questo post. Secondo l'artista, voleva catturare la drammatica situazione delle scelte morali, inevitabili nella vita di ogni persona.

Nella foto raffigurata Cristo seduto su una pietra grigia situata sulla collina nello stesso deserto grigio roccioso. Kramskaya usa i colori freddi per ritrarre il mattino presto - Dawn è appena iniziato. La linea dell'orizzonte passa piuttosto bassa, dividendo la foto all'incirca a metà. In fondo c'è un freddo deserto roccioso, e nella parte superiore - il cielo predestrooso, il simbolo della luce, della speranza e della trasformazione futura. Di conseguenza, la figura di Cristo, vestita in Hiton rosso e il capo blu scuro domina il quadro della foto, ma si sofferma in armonia con il paesaggio duro circostante. In una cifra solitaria raffigurata tra pietre fredde, non solo pensosità dolorosa e affaticamento, ma anche "disponibilità a prendere il primo passo su un sentiero roccioso che porta al Calvario".

Mani di Cristo (pittura del frammento)

La moderazione nell'immagine dell'abbigliamento consente all'artista di dare il valore principale al viso e alle mani di Cristo, che creano persuasività psicologica e umanità dell'immagine. I pennelli a mano compressa fermamente compressi sono praticamente nel centro della tela. Insieme al volto di Cristo, sono un centro semantico ed emotivo della composizione, attirando l'attenzione dello spettatore. Mani accoppiate, situate a livello della linea dell'orizzonte, "in una tensione convulsive volitional, sembra essere cercata di legare, come una pietra del castello, il mondo intero è il cielo e la terra - insieme." Piedi biasidi di Cristo incuneti da lunghi camminare lungo pietre affilate. Ma nel frattempo, il volto di Cristo esprime l'incredibile potere della volontà.

Non c'è alcuna azione in questo lavoro, ma la vita dello Spirito è mostrata visibilmente mostrata. Cristo nella foto è più simile a una persona, con le sue sofferenze, dubbi che in Dio, t questo rende la sua immagine di un visualizzatore chiaro e vicino. Questa persona fa un passo importante nella vita, e il destino delle persone che credono in lui dipende dalla sua soluzione, vediamo l'onere di questa responsabilità sul volto dell'eroe.

Guardando questa immagine, ti rendi conto che la tentazione fa parte della vita di una persona. Spesso le persone stanno di fronte alla scelta: venire onestamente, giustamente o, al contrario, per fare qualcosa di illegale, riprovevole. Assolutamente tutti passano attraverso questo test. Questa immagine mi dice che non importa quanto fosse grande tentazione, è necessario trovare forza per combatterlo.

Oggi questa immagine si trova nella Galleria Tretyakov di Mosca.

Bibliografia:

1. (risorsa elettronica) Monumento ai lavoratori ferroviari in foglie. - Modalità di accesso: https: // yandex.ru / search /? Testo \u003d Monumento ai lavoratori ferroviari nelle foglie (data di gestione 23.11.2017)

2. (risorsa elettronica): Dikunov Ivan Pavlovich Scultore VRNSH.RU\u003e? Page_ID \u003d 1186 (data di gestione 23.11.2017)

3. La vita delle persone eccezionali. 70 artisti famosi. Destino e creatività. A. Ladvinskaya Donetsk - 2006. 448 pp.

4. 100 grandi dipinti. Mosca. Casa editrice "Veche" - 2003, 510 pp.