Paesaggi di artisti famosi con nomi. Artisti russi - giocatori del paesaggio

23.06.2020

Calda semplicità Valentina Gubareva

Amico di Primtivista di Minsk Valentin Gubarev. Non insegue la gloria e fa solo ciò che ama. La sua creatività è follemente popolare all'estero, ma quasi non familiare con i suoi compatrioti. A metà degli anni '90, i francesi si sono innamorati dei suoi schizzi domestici e hanno concluso un contratto con l'artista per 16 anni. I dipinti che sembrano essere comprensibili solo a noi, i portatori del "fascino modesto del socialismo non sviluppato", è piaciuto il pubblico europeo, e ha iniziato mostre in Svizzera, Germania, Gran Bretagna e altri paesi.

Realismo sensuale di Sergey Marrannikov

Sergey Marshnikov 41 anni. Vive a San Pietroburgo e crea nelle migliori tradizioni della classica scuola russa di pittura ritratto realistico. Gli eroi delle sue tele diventano delicati e indifesi nella loro semi-infermiera. In molti dei dipinti più famosi raffigurati Muse e la moglie dell'artista - Natalia.

Mosti Mosti Philip Barlow

Nell'epoca moderna delle immagini di alta risoluzione e di riepitto della creatività dell'iperealismo Philip Barlow (Philip Barlow) attira immediatamente l'attenzione. Tuttavia, lo spettatore richiede un certo sforzo per costringersi a guardare le sagome sfocate e macchie luminose sulle tele autore. Probabilmente, quindi vedi il mondo senza occhiali e le lenti a contatto che soffrono di miopia.

Sunny Bunnies Laurent Park

Pittura Laurent Parceliel è un mondo straordinario in cui non c'è tristezza o sconforto. Non incontrerà dipinti accigliato e piovosi. C'è un sacco di colori leggeri, aria e luminosi sulla sua tela, che l'artista infligge caratteristici colpi riconoscibili. Crea una sensazione che i dipinti siano tessuti da un migliaio di coniglietti soleggiati.

Dinamica della città nelle opere di Jeremy Manna

Olio su pannelli in legno Artista americano Jeremy Mann (Jeremy Mann) scrive ritratti dinamici della metropoli moderna. "Forme astratte, linee, contrasto di punti luminosi e scuri - tutto crea un'immagine che provoca la sensazione che una persona stia vivendo tra la folla e il tumulto della città, ma può anche esprimere la tranquillità, che è acquisita nel contemplare silenzioso Bellezza, "dice l'artista.

Mondo illusorio del Nilo Simon

Nei quadri dell'artista britannico Nilo Simon (Neil Simone), tutto non sembra a prima vista. "Per me, il mondo in giro è una serie di forme, ombre e confini fragili e costantemente cambianti", afferma Simon. E nei suoi dipinti, tutto è davvero illusorio e interconnesso. I confini vengono lavati via, e le trame si fluiscono l'una nell'altra.

Love Drama Joseph Laratso

Italiano sull'origine del moderno artista americano Joseph Lorasso (Joseph Lorusso) porta le trame sulla tela che li ha piegati nella vita quotidiana della gente comune. Abbracci e baci, impulsi appassionati, minuti di tenerezza e desideri riempiono i suoi dipinti emotivi.

Vita rustica Dmitry Lywin

Dmitry Levin - Un maestro riconosciuto del paesaggio russo, che si è dimostrato come un rappresentante di talento della scuola realistica russa. La fonte più importante della sua arte è affetto per la natura, che ama delicatamente e appassionatamente e parte del quale si sente.

Brillante Est Valery Blokhina

M. K. KLODT. Sulla terra arabile. 1871.

Pittura del paesaggio degli artisti russi del XIX secolo

Nei primi anni 1820, Venetsiani divennero problemi illuminanti nella pittura. L'artista ha spinto a risolvere questi problemi dell'artista nel 1820 con l'immagine F. Grain "La vista interiore del monastero di Kapuchinsky a Roma". Più di un mese ogni giorno, l'artista era seduto di fronte a lei nell'eremo, compilato, come l'effetto di illusione è stato raggiunto nella foto. Successivamente, Venetsian è stato ricordato che tutti hanno poi colpito la sensazione di materialità di oggetti.

Nel villaggio di Venetsanov, due incredibili dipinti hanno scritto - "Khumno" (1821 - 1823) e il "mattino dei proprietari terrieri" (1823). Per la prima volta in pittura russa, le immagini e la vita dei contadini sono state trasferite con un'impressionante affidabilità. Per la prima volta, l'artista ha cercato di ricreare l'atmosfera dell'ambiente in cui le persone agiscono. Venetcianov, forse, uno dei primi ha realizzato l'immagine come sintesi dei generi. In futuro, una tale combinazione di diversi generi in un complesso diventerà la conquista più importante della pittura del XIX secolo.
In "Humne", come nella "mattinata dei proprietari terrieri", la luce aiuta non solo a identificare il sollievo degli oggetti - "animato" e "reale", come parlato dai veneziani, e, agendo in vera interazione con loro, serve come mezzo di incarnazione di contenuti figurativi. Nella "mattinata del proprietario terriero", l'artista ha sentito la complessità del rapporto di luce e colore, ma finora si sentiva solo. L'atteggiamento di questo al colore è ancora non oltre il quadro delle idee tradizionali, in ogni caso in ragionamento teorico. Vorobev ha aderito a tali punti di vista. Ha spiegato ai suoi studenti: "Per vedere meglio la superiorità dell'idealista sul naturalista, è necessario vedere incisioni con Poussa e Ryesdal, quando lui e l'altro sono davanti a noi senza pitture".

Un atteggiamento simile nei confronti del colore era tradizionale e ha portato alla loro origine dai Maestri del Rinascimento. Nella loro presentazione, il colore occupava un posto intermedio tra la luce e l'ombra. Leonardo da Vinci ha sostenuto che la bellezza delle vernici senza ombre porta fama agli artisti solo dal mobile ignorante. Queste sentenze non sono affatto che gli artisti del Rinascimento fossero brutti colorfisi o persone non osservanti. Per la presenza di riflessi indicati L.-b. Alberti, Leonardo appartiene al noto teorema riflesso. Ma la cosa principale per loro era identificare qualità permanenti della realtà. Un atteggiamento simile al mondo corrispondeva alle opinioni di quel tempo.
Nello stesso 1827, A. V. Tyranov ha scritto un paesaggio estivo "la vista del fiume Tosno vicino al villaggio di Nikolsky". Il dipinto è stato creato come in un paio di inverno russo. La vista si apre con una costa alta e copre ampia data. Proprio come nella foto di Krylov, le persone non comportano il ruolo di Staffeava, ma formano un gruppo di genere. Entrambi i dipinti sono quelli che vengono chiamati paesaggi puliti.
Il destino di Tyranchov è in gran parte vicino al destino di Krylov. Si è anche impegnato in pittura, aiutando il suo pittore di icone di fratello maggiore. Nel 1824, grazie ai problemi del Venetsian, venne a San Pietroburgo, e un anno dopo ha ricevuto aiuto dalla società per la promozione degli artisti. Il dipinto "La vista del fiume Tosno vicino al villaggio di Nikolsky" è stata creata dai diciannove anni giovani che hanno fatto i primi passi nella padronanza di tecniche di pittura professionale. Sfortunatamente, nel lavoro di entrambi gli artisti, non è stata sviluppata l'esperienza di ricorso al paesaggio. Le ali sono morte quattro anni dopo durante l'epidemia di colera, e il Tyroanov si diede un genere "nelle stanze", promettente pittura, scritto con successo ritratti personalizzati e ha vinto la fama in questo percorso.
Nella seconda metà del 1820, il talento di Sylvester Shchedrin ha guadagnato forza. Dopo il ciclo "Nuova Roma", scrisse pienamente vite di paesaggi, in cui è riuscito a trasferire l'essere naturale della natura su terrazze e verande. In questi paesaggi, ShchedRin ha finalmente rifiutato la tradizione della distribuzione inossidabile delle figure. Le persone vivono in un'unità inseparabile con la natura, dandole un nuovo significato. Sviluppare erroneamente i risultati dei risultati dei suoi predecessori, Shchedrin ha opatova la vita quotidiana del popolo italiano.
La forma di realizzazione del nuovo contenuto dell'arte, la novità dei compiti figurativi coinvolge inevitabilmente l'artista nell'area di ricerca di fondi artistici pertinenti. Nella prima metà degli anni 1820, Shchedrin supera la convenzionalità del colorante "Museo" e si rifiuta di costruire spazio. Si sposta su un sapore freddo e costruisce lo spazio con uno sviluppo graduale nella profondità, respingendo i reputatori e i piani. Come un'immagine di spazi di grandi dimensioni, Shchedrin preferisce un'atmosfera così simile, quando i piani a lunga distanza sono scritti "con la nebbia". È stato un passo significativo nell'avvicinarsi ai problemi di pittura plenaria, ma il dipinto al Pleainer doveva passare attraverso un modo significativo.
Molto è scritto molto sulla pittura sul Pleachein. Molto spesso, il planciatore è associato all'immagine dell'ambiente dell'aria luminosa, ma questo è solo uno dei suoi elementi. A. A. Fedorov Davydov, analizzando il ciclo "New Rome", ha scritto: "Shchedrin non è interessato alla volatilità dell'illuminazione, ma il problema della luce e dell'aria apre il problema della luce e dell'aria. Non trasmette i suoi sentimenti, ma una realtà oggettiva e sta cercando la sua fedeltà e trasmissione dell'aria. " Il lavoro di Shchedrin e Levitan riunisce una certa democrazia dei punti di vista, ma divide il periodo di sviluppo dell'arte secento. Durante questo periodo, c'è stata una significativa espansione delle opportunità di pittura. Oltre a risolvere i problemi dell'ambiente di luce dell'aria, il valore di plastica del colore degli elementi degli articoli stessi è approvato.
Sulla base di ciò, VS Turchin correggi giustamente il pittura del paesaggio del romanticismo con il Plennier: "Romanticismo, che si avvicina all'aria in cattività, voleva trovare ed esprimere un pittoresco colore dell'aria, ma questo è solo parte del PLENEER, se lo stesso Plenuer comprende come a Alcuni sistemi, dove e il problema dell'ambiente "ottico", dove tutto si riflette e penetra l'un l'altro. "

C'erano osservazioni, ma non c'era conoscenza. F. Engels ha scritto in "Dialettica della natura": "Non ci sono solo altri sentimenti, ma anche le attività del nostro pensiero per i nostri occhi. Newton ha pubblicato "ottica" nel 1704. Riassumendo i molti anni di ricerca, ha concluso che il fenomeno dei colori si verifica quando la luce bianca convenzionale (solare) è lasciù. Un po 'in precedenza, nel 1667, Robert Boyle, un famoso fisico, ha cercato di applicare l'insegnamento ottico sulla luce della teoria delle vernici, pubblicazione a Londra il libro "Esperimenti e ragionamenti riguardanti le vernici, scritta originariamente per caso tra le altre esperienze ad un amico , e poi rilasciato come inizio della storia sperimentale delle vernici. "
Prima di tutto, i giocatori del paesaggio hanno attirato l'attenzione sui problemi dello spazio edilizio. Nel 1820-1830, molti artisti sono impegnati a studiare le prospettive, tra cui Vorobyov e Venetsanova dovrebbero essere chiamati. L'impressione della naturalezza durante la trasmissione dello spazio nelle loro opere acquisisce il valore dominante. Prima di lasciare Vorobyov in Medio Oriente, il presidente dell'Accademia delle Arti A. N. Enenin lo ha presentato con una lunga "istruzione" datata 1420 marzo. Tra le altre proprietà, puoi leggere quanto segue: "Avrai giustamente a corto di tutto ciò che Mediocre Talent è costretto a volte inventare per dare più opere d'arte di forza. Dico questo sui repussuoirs che esistono tokmo nell'immaginazione, e non in natura, e usati dai pittori che non sanno come ritrarre la natura, così com'è, con quella sperimentazione verità, che, a mio avviso, rende adorabili opere d'arte . Elenin ha ripetutamente sostenuto l'idea di riavvicinamento di opere d'arte e natura. Nel 1831, ad esempio, ha scritto: "Se la scelta di un oggetto in natura è fatta con un gusto (la sensazione che sia anche difficile da determinare come l'arte più elegante), allora dico, il soggetto sarà nel suo gentile per essere fedele alla giusta espressione natura stessa. " Gusto: la categoria è romantica e trovando elegante in natura stessa, senza portarlo dall'esterno, - il pensiero contenente critiche del classico concetto di imitazione.

Nel 1820-1830, nelle mura dell'Accademia delle Arti, l'atteggiamento di lavorare con la natura era piuttosto positivo del negativo. Durante il 1824, la classe ritratto F. G. Solntsev ha ricordato che il Salvatore sulla Croce era solitamente dipinto dal simulatore: "Dopo 5 minuti, il centro cost iniziò pallido e poi rimosso già esausto". Dopo il 1830, il capo della classe del paesaggio di Vorobiev è stato equalizzato con professori di pittura storica, e gli studenti paesaggistici sono stati autorizzati a sostituire le classi di classe nel disegno del lavoro sulla natura.
Tutto ciò indica determinati processi nel sistema di insegnamento dell'Accademia delle Arti.
Ad esempio, V. I. Grigorovich ha scritto nell'articolo "Scienza e arte" (1823): "Il segno distintivo delle arti graziose consiste nell'immagine di tutti gli eleganti e piacevoli". E inoltre: "Un ritratto di un uomo scritto dalla natura, c'è un'immagine e l'immagine storica, situata ed eseguita secondo le regole del gusto, è imitata". Se assumiamo che il paesaggio "debba essere un ritratto", il paesaggio dovrebbe anche essere considerato come un'immagine e non imitazione. Questa disposizione formulata da Grigorovich per quanto riguarda il ritratto non diverge con i riflessi di se Urvanova sul paesaggio esposto nel trattato "una breve guida alla conoscenza del disegno e della pittura di un tipo storico, basato sulla creazione e degli esperimenti" (1793) : "L'abbellimento dell'arte consiste nella capacità di copulare in una specie diverse elementi di un posto e disegnarli correttamente per portare piacere e che coloro che guardano un tale occhio immaginano, lo vedono in natura." Quindi, la teoria classica russa in un certo senso ha richiesto il paesaggio e il ritratto di somiglianze con la natura. Questo spiega in parte il quartiere senza conflitto del classicismo con ricerche romantiche nei generi del paesaggio e dei ritratti. Nell'arte romantica, solo più acutamente è stata la questione di come raggiungere questa somiglianza. La sensazione della natura, dipinta da una relazione umana, si è manifestata nel lavoro del Namuator della specie russa dei semi del paesaggio di Shchedrin. Sebbene i tipi di Gatchina, Pavlovsk, Peterhof, scritti da loro, portano le caratteristiche di alcuni Esshi, sono intrise di una sensazione di un atteggiamento completamente definito nei confronti della natura.

Nei semi di Necrologist Shchedrin Ia Akimov ha scritto: "Il primo sottomarino dei suoi dipinti, in particolare l'aria e la distanza, dipinse con grande abilità e con successo, che era desiderabile per niente e quando era mantenuto, la stessa durezza e arte era conservato. " Più tardi, Sylvester Shchedrin nei dipinti del Maestro del Classico Paesaggio F. M. Matveyeva ha notato la "principale dignità più importante", che "è nell'arte scrivere piani a lungo raggio".
Alla fine del 1820, Shchedrin si rivolse all'immagine dei paesaggi con la luna. A prima vista, questo può sembrare attrarre i motivi romantici tradizionali. Il romanticismo amava la "notte tomnosa".
A metà dei 1820, molti accessori romantici nella poesia si sono trasformati in un modello, nella pittura, sono stati scoperti anche le qualità emotive dell'immagine del paesaggio, e in particolare la poetica della notte e delle nebbie, furono scoperte.
Shchedrin ha scritto paesaggi notturni, non lasciando il lavoro su altre specie italiane. Durante questi anni, hanno creato meravigliosi dipinti: "Terrazza in riva al mare" e "Argankment di Mergellina a Napoli" (1827), vista di Vico e Sorrento. I paesaggi alla luce lunare sono apparsi contemporaneamente con le famose terrazze non per caso. Sono diventati una naturale continuazione della ricerca di un'immagine approfondita della natura, i suoi legami a molti lati con una persona. Questa connessione è sentita non solo grazie alle persone che colpino spesso e includono volentieri nei loro paesaggi, ma anche arricchiti con i sentimenti dell'artista stesso che animavano ogni tela.

Molto spesso nei paesaggi notturni Generin utilizza il doppio illuminazione. Famoso in diverse forme di realizzazione, l'immagine "Napoli sulla notte lunare" (1829) ha anche due sorgenti luminose - la luna e un incendio. In questi casi, la luce stessa porta diverse possibilità colorate - la luce più fredda dalla luna e calda dal fuoco, e il colore locale è significativamente indebolito, perché si svolge di notte. L'immagine di due fonti luminose ha attirato molti artisti. Questo motivo è stato sviluppato da A. A. Ivanov in acquerelli "Ave Maria" (1839), I. K. Aivazovsky nella foto "Moonlit Night" (1849), K. I. Rabus nella pittura "Cancello Spasskit a Mosca" (1854). Per risolvere i compiti pittoreschi, il motivo della doppia illuminazione messo davanti all'artista il problema della relazione immediata della luce e del mondo oggettivo.
Tuttavia, al fine di incarnare completamente tutta la ricchezza della pittura a colori del mondo, la sua immediata bellezza, i giocatori del paesaggio dovevano uscire dai laboratori per il Plenuer. Dopo il Venetoov in pittura russa, uno dei primi tale tentativo è stato fatto dalle ali, lavorando sul quadro "Paesaggio invernale" (inverno russo "). Tuttavia, quasi il giovane artista ha realizzato pienamente il compito di fronte a lui.
Le scoperte più importanti del genere del paesaggio erano contrassegnate dal 1830. Gli artisti sono sempre più appellati ai motivi di tutti i giorni. Così, nel 1832, Mi Lebedev e ID Skorikov ha ricevuto dalla medaglia d'argento Academy of Arts per i dipinti delle isole Petrovsky, il prossimo anno Lebedev per la pittura "Vista nelle vicinanze del Lago Ladoga", e Skorikov per il lavoro "Vista in Pargolov da Shuvalovsky Park "Ho medaglie d'oro. Nel 1834 A. Ya. Kukhevsky per il dipinto "aspetto pargolov" e L. K. Plakhov per la pittura "Vista nelle vicinanze di Oranienbaum" ha anche ricevuto medaglie d'oro. Nel 1838, K. V. Kroovykhin è stato assegnato la medaglia d'argento per la foto "Notte". Gli alunni Vorobyov scrivono Pargolovo (dove si trovava il cottage di Vorobyeva), i dintorni di Oranienbaum e lago Lago, isola di Petrovsky. I programmi di scrittura non sono più offerti ai concorrenti. Gli argomenti sono eletti da soli. I campioni per la copia sono stati inclusi foto di Sylvester Shchedrin.

Vorobev, che ha condotto una classe di pittura del paesaggio presso l'Accademia delle Arti, continua anche a lavorare sulla divulgazione di contenuti e natura emotivi. Sceglie le trame nello spirito della poetica romantica associata a un certo stato dell'atmosfera o dell'illuminazione, ma rimane alieno portare al paesaggio le caratteristiche della meditazione filosofica. L'umore del paesaggio "Tramonto nelle vicinanze di San Pietroburgo" (1832) è creato dall'opposizione allo spazio uniforme del cielo settentrionale e il suo riflesso nell'acqua. Una chiara sagoma di un barcas tirato a terra sottolinea la distanza illimitata, in cui l'elemento acquoso è impercettibilmente chiuso con "aria". Il paesaggio con l'immagine in piedi sulle rive della barca porta l'intonazione poetica - separata dall'elemento acqua, la barca diventa una metafora e-mail di nuoto interrotto, un simbolo di alcune speranze e intenzioni insoddisfatte. Questo motivo era diffuso nel dipinto della romantica epoca.
Il paesaggio, che l'obiettivo, studiando la natura dello stato dell'atmosfera, ha sempre attratto Vorobyev. Per molti anni, ha condotto un diario di osservazioni meteorologiche. A metà degli anni 1830, crea un ciclo significativo del nuovo molo nei suoi vantaggi artistici di fronte all'Accademia delle Arti, che è stata decorata con sfingi portate dall'antica Puris. Vorobyov lo ha rappresentato in momenti diversi del giorno e dell'anno.
L'immagine "Embankment Neva presso The Academy of Arts" (1835) Gambe all'inizio dell'estate mattina. La notte bianca è foglie poco appariscenti, e la luce di un sole basso, come se in contatto con l'aria sopra la Neva, dice all'umore dell'umore. Sulle dighe dei Pellers hanno lavanderia. Il quartiere delle antiche sfingezioni con questa scena della prosa indica la freschezza della vista dell'artista sui fenomeni della vita. Passero rimuove deliberatamente la rappresentatività nel carattere dell'immagine, enfatizzando il fascino della naturalezza dell'essere. Pertanto, l'attenzione principale è focalizzata sulla soluzione illusistica del paesaggio, sull'espressione di un umore unico, ma completamente definito.

A metà degli anni 1830, Vorobyov era nello zenit della sua fama e tuttavia dopo il ciclo della specie del molo con le sfingi, ha quasi lasciato il lavoro sui paesaggi di San Pietroburgo - ha scritto principalmente lavori personalizzati, fissando le fasi della costruzione della cattedrale di Santa Isacco, vista di Costantinopoli e per se stesso. Nella notte estiva. Dal 1838 al 1842, ad eccezione dell'ordine ufficiale "Aumentare le colonne sulla cattedrale di Sant'isaac", Vorobyov ha scritto esclusivamente a Pargolov. Questo suggerisce che un albero artista ha sentito la necessità di approfondire la sua conoscenza del lavoro sulla natura. Sfortunatamente, i risultati di queste osservazioni non hanno trovato riflessioni nel suo lavoro. Nel 1842, sotto l'impressione della morte di sua moglie, Vorobyov ha scritto un quadro simbolico di "rovere, fulmine rotto". Questa foto è rimasta l'unico esempio di romanticismo simbolico nel suo lavoro.
Medaglie d'oro M. I. Lebedev, I. K. K. Aivazovsky ha giocato un ruolo significativo tra i laureati nello sviluppo della pittura russa, I. Sternberg, i defunti ventisette anni - sei anni dopo la fine dell'Accademia delle Arti.
Lebebev ha indubbiamente necessario diventare uno dei giocatori del paesaggio eccezionale del suo tempo. Iscritto all'Accademia delle Arti dei diciotto anni, ha già ricevuto una piccola medaglia d'oro in sei mesi e il prossimo anno e grande. Già durante questo periodo, Lebeev osserva attentamente la natura e le persone. Paesaggio "Vasilkovo" (1833) contiene un certo umore della natura, la sensazione di spazio. Una piccola tela "in windy weather" (1830) è dotata di tali qualità che saranno successivamente fondamentali nel lavoro dell'artista. Lebedev non è interessato all'immagine di un certo tipo, ma il trasferimento della sensazione di maltempo, l'impulso del vento piovoso. Raffigura le pause cloud, una razza di uccelli disturbati. La massa generalizzata viene fornita alberi flessibili dal vento. Il primo piano è scritto da pascozen, tratti energetici.

In Italia, Lebebev si è presentato come un colorante eccezionale e un attento ricercatore della natura. Dall'Italia, ha scritto: "Quanto potrebbe provare a copiare la natura, prestando attenzione a me ha sempre fatto commenti: distanza, cielo leggero, sollievo - resetta piacevole maniere stupide. Claude Lorren, Reydal, rimarrà i campioni eterni.
Sicuramente Lebedev è stato orientato a lavorare con la natura non solo nella fase di Etudes, ma anche nel processo di creazione di dipinti stessi. Nel 1830, la pittura del paesaggio si espande il cerchio delle sue trame, gli artisti approfondiscono la sensazione della natura. Non solo eventi nel mondo della natura: tramonto, alba, vento, tempesta e simili, ma gli Stati quotidiani stanno sempre più attirando l'attenzione dei giocatori del paesaggio.
Nel campo dato dalla lettera è chiaramente sentita inerente allo sguardo di Lebedev in natura, l'immediatezza della sua percezione. I suoi paesaggi sono significativamente vicini allo spettatore e raramente coprono grandi spazi. L'artista vede il suo compito creativo nel scoprire la struttura dello spazio, lo stato di illuminazione, i loro collegamenti con il volume del soggetto - "distanza, luce del cielo, sollievo". Questo giudizio di Lebedev appartiene all'autunno del 1835, quando sono stati scritti da Aricha.
Mentre l'artista Lebedev si è sviluppato molto rapidamente, ed è difficile assumere quale successo potesse raggiungere, ogni volta che la sua morte prematura. Nei suoi dipinti, camminava lungo il sentiero di complicazione di compiti colorati, armonia del colore della natura e non ha evitato di scrivere trame sul "Open Sun". Lebedev ha scritto liberamente, Bolder Vorobyov, apparteneva già alla nuova generazione di pittori.

Un altro famoso studente di Vorobyva Aivazovsky anche dal momento del suo apprendistato ha cercato di scrivere dalla natura. Il campione per se stesso ha considerato Sylvester Shchedrin. Come studente dell'Accademia, ha eseguito una copia dalla foto di Shchedrin "Una vista di Amalfi nei pressi di Napoli" e arrivò in Italia, è stato preso due volte per scrivere con la natura a Sorrento e nei motivi di Amalfiti conosciuti nei dipinti di Shchedrin, Ma senza molto successo.
Il suo atteggiamento verso la natura Aivazovsky proviene dalla poetica di un paesaggio romantico. Ma dovrebbe essere notato che Aivazovsky possedeva memoria colouristica acuta e reintegrò costantemente il suo margine di osservazioni della natura. Il famoso marino, forse, più di altri alunni Vorobyov era vicino alla sua insegnante. Ma i tempi sono cambiati, e se le opere di Vorobyov in tutte le recensioni meritavano lode invariate, quindi Aivazovsky, insieme a lode, ricevuto e rimproveri.
Asportando gli effetti nella pittura, Gogol assolutamente non accettandoli in letteratura. Ma nella pittura, il processo di movimento da effetti esterni ha già iniziato all'immagine degli stati giornalieri della natura.
Contemporaneamente con Lebedev, V. I. Sternberg ha funzionato. Si è laureato alla classe paesaggistica dell'Accademia delle Arti nel 1838 con una grande medaglia d'oro per il dipinto "Illuminazione di PASK nel villaggio di Malorosiysk", non ha funzionato, e scritto dalla natura. Sebbene Sternberg abbia scritto un certo numero di paesaggi interessanti, nel suo lavoro sentiva una forte desiderio per il dipinto di genere. Già nel lavoro competitivo, si unì al paesaggio con il dipinto di genere. Tale sincretismo lo porta più vicino con la tradizione veneziana, e con problemi risolti in pittura domestica nella seconda metà del XIX secolo.

Una piccola immagine estremamente attraente, etude appartenente al pennello di Sternberg "a Kachanovka", la tenuta di S. Tarnovsky ". Raffigura il compositore M. I. Glinka, storico N. A. Markevich, proprietario Kachanovka G. S. Tarnovsky e l'artista stesso per un cavalletto. Questa composizione del genere "nelle stanze" è scritta liberamente e vivo, la luce e i colori vengono trasmessi acuti e convincenti. Fuori dalla finestra apre uno spazio enorme. Nei lavori finiti di Sternberg più trattenuti, indovina solo l'inerente all'artista un dono della visione generalizzata e del talento del colorante.
Tra i molti problemi che erano al centro dell'attenzione di Alexander Ivanov, un luogo importante è stato occupato dal rapporto tra generi, nuove scoperte delle colorate possibilità della pittura, infine, il metodo di lavoro sull'immagine. Gli schizzi del paesaggio di Alexander Ivanov sono diventati per la pittura russa dall'apertura della cattura. Intorno al 1840 Ivanov è consapevole della dipendenza del colore degli oggetti e dello spazio dall'illuminazione solare. Gli acquerelli paesaggistici di questo tempo e l'etudio olio ai "messiah fenomeni" testimoniano la stretta attenzione dell'artista al colore. Ivanov molto e copiati diligentemente vecchi maestri e, deve essere assunto, allo stesso tempo sentiva più chiaramente la differenza tra l'istitunza mondiale dell'era rinascimentale e il XIX secolo. La naturale conseguenza di tale produzione potrebbe essere solo un accurato study della natura. Il lavoro di Alessandro Ivanov ha ricevuto un completamento pratico dell'evoluzione, che si è tenuta la pittura russa dal sistema classico alla promozione della promozione. Ivanov ha esplorato il rapporto dialettico della luce e dei colori in numerosi etudi realizzati dalla natura, ogni volta che si concentra su un compito specifico. Nella prima metà del XIX secolo, tale lavoro richiesto dall'artista degli sforzi di Titanic. Tuttavia, Alexander Ivanov ha deciso quasi tutta la gamma di compiti legati alla pittura all'Aller in Etudes dei 1840. Con una tale sequenza, tali compiti non hanno risolto nessuno dei suoi contemporanei. Ivanov esplorò i rapporti di colore della terra, pietre e acqua, un corpo nudo contro lo sfondo della terra, e in altri etudi - contro lo sfondo del cielo e lo spazio di una grande lunghezza, il rapporto tra il verde del Vicino e piani distanti e simili. Il tempo negli Etudes del paesaggio di Ivanov acquisisce un significato specifico: questo non è affatto il momento, ma un certo tempo caratterizzato da queste illuminazione.

Il metodo di lavoro Ivanov è stato compreso da lontano da tutti i contemporanei. Anche nel 1876, Giordania, che ha scritto i suoi ricordi, probabilmente, non ha capito appieno che Ivanov fosse impegnato nell'apprendimento di un nuovo metodo di riproduzione della realtà e che il problema urgente di questo metodo fosse il lavoro al prigioniero. La natura negli occhi di Ivanov ha avuto un valore estetico oggettivo, che è una fonte di immagini più profonde delle associazioni laterali e un'allegoria controllata.
Artisti romantici, di norma, non erano finalizzati a riprodurre la natura nell'intera collezione del suo essere obiettivo. Come vediamo sull'esempio della creatività di Vorobyeva, il materiale preparatorio di Numerhea era limitato ai disegni a matita, all'acquerello nero o al sepery, in cui è stata data solo la caratteristica tonale del paesaggio. A volte la paglia etudio era un disegno, un acquerello leggermente pettinato per determinare la relazione di avvolgimento termico. La caratteristica del colore del paesaggio negli occhi dei romantici, e questo corrispondeva alla classica tradizione della pittura, avrebbe dovuto decidere come conseguenza di ricerche di colori comuni. Prima di tutto i romantici ristretti, il fatto che il centro della loro attenzione rimase una relazione di contaminazione della luce. Quindi ho visto la natura Vrobiev, così ha insegnato a vedere la natura e i suoi animali domestici. Per la prima metà del diciannovesimo secolo, un aspetto simile era piuttosto naturale, perché era consacrato dalla tradizione.
A metà degli anni 1850, il giovane A. K. Savrasov si concentra sulla sua ricerca di un metodo di lavoro simile. Era vicino a scuola Vorobyva grazie al suo insegnante Rabus, che ha studiato a Vorobyva. Nel 1848, Savrasov copiato Aivazovsky, era interessato alle opere di Lebedev e Sternberg. La direzione nella pittura del paesaggio, iniziata da Sylvester, generosa e continua Lebedev, è stata diffusa dal centro del XIX secolo. In questo momento, teoricamente completa, ma praticamente limitato il romanticismo non avrebbe potuto mantenere il ruolo della direzione dirigente dell'art.

La fondazione lanciata da romantici era resistente, ma l'atteggiamento dei romantici alla natura richiedeva una certa evoluzione. Uno degli artisti che ha sviluppato le idee di Venetoov sul ruolo principale della natura era G. V. Soroka. Nel paesaggio invernale "Flygel nelle isole" (prima metà degli anni 1840). Soroka scrive confidamente le ombre colorate sulla neve. Questo artista di talento si è distinto dall'amore del colore bianco, spesso includeva persone nei paesaggi di persone in abiti bianchi, vide la capacità del colore ahromatico da verniciare a seconda dell'illuminazione. Il fatto che quaranta messi deliberatamente i compiti colorati di fronte a loro, guardò attentamente i cambiamenti del colore, testimoniano i paesaggi raffiguranti il \u200b\u200btempo diverso del giorno. Ad esempio, l'immagine "Il tipo di Lago Moldino" (entro il 1847) rappresenta lo stato della natura nell'illuminazione del mattino. L'artista osserva ombre colorate e un complesso gioco colorato di luce sui vestiti bianchi dei contadini. Nel quadro "pescatori" (la seconda metà del 1840). Quaranta trasfereno molto correttamente il doppio illuminazione - luce calda dal sole della regolazione e della luce fredda dal cielo blu.
La sincerità dell'artista, un sottile senso di bellezza delle manifestazioni quotidiane della natura, dai lavori del fascino e della poesia di Soroki.
Creativity Sylvester Shchedrin, M. I. Lebedeva, G. B. Soroki indica che l'appello A. A. Ivanov a lavorare al Plenuel non era un'impresa eccezionale di un singolo, ma una fase regolare nello sviluppo della pittura domestica.
A St. Pietroburgo, Ivanov ha mostrato l'immagine insieme agli etudi preparatori. È stato un momento in cui I Ivanov i molti anni di lavoro, che hanno creato, come ha detto lo stesso Artista, "scuola", non ha ancora deciso di apprezzare appieno. L'esempio di Ivanov era difficile soprattutto dopo i "cupo sette anni", quando le persecuzioni sono state sottoposte a tutto un po 'che lasciavano il bordo del sistema generalmente accettato. La pittura del paesaggio non ha fatto eccezioni. Secondo B. F. Egorova, la censura ha interrogato questo passaggio, "la paura di una complessa comprensione teorica della natura e della società - non è possibile interpretare una tale dialettica!".

Alla fine del 1840 e nel 1850, l'Accademia delle Arti, che era sotto la giurisdizione del Ministero della Corte Imperiale e con i presidenti dei membri del Royal cognome, in ogni caso trasformato in un'organizzazione burocratica. L'Accademia ha avuto una legge monopolistica sul premio agli artisti delle medaglie d'argento e dell'oro per la performance dei programmi competitivi. I tentativi di superare un tale diritto per la scuola di Mosca di pittura e Babania deviati saldamente. Le tradizioni dell'arte accademica sorvegliarono con zelante il genere storico in cui sono stati proposti i grafici della storia dei concorrenti molto meno frequentemente rispetto ai grafici della mitologia o della Sacra Scrittura. Inoltre, i dipinti sono stati proposti per soddisfare secondo determinati standard: la trama è stata incarnata su una regole predeterminata di composizione, espressione facciale e gesti di esercizi di recitazione si distinguisse per espressione deliberata, la capacità di scrivere spettacolarmente drappeggi e tessuti.
Nel frattempo, nel mezzo del 1840, la "scuola naturale" era chiaramente affermata in letteratura, che stava lottando per l'onore e la dignità della persona. In questi anni, Belinsky sviluppa uno sguardo alla nazionalità dell'arte e si sta avvicinando alla comprensione della nazionalità come fenomeno che si collega a un intero folk, nazionale e universale. Chiedi idee che si nutrono della convinzione della necessità di trasformazioni sociali indigene in Russia. La frontiera del 1850-1860 gli ha aperto uno nuovo, la fase di assegnazione della storia dell'Intelligentia domestica.
Sotto la sua influenza, è stato sviluppato un certo programma estetico dell'arte russa. Le sue basi hanno gettato Belinsky, ulteriore sviluppo è stato ottenuto nelle opere di N. G. Chernyshevsky e N. A. Dobrolyubov. La lotta è stata effettuata per l'arte ideologica, per tali contenuti estetici, che sarebbero inseparabili da "ideali morali e politici democratici. Belinsky ha visto il compito principale della letteratura sul display della vita. Sviluppo della revisione del Belinsky, Chernyshevsky nella sua famosa dissertazione determina le principali caratteristiche dell'arte democratica un po 'più ampia: riproduzione della vita, spiegazione della vita, frase sulla vita. "Verdetto" chiesto dall'autore non solo una certa posizione civile, la conoscenza della vita, ma anche un senso di prospettiva storica.
Nel destino del pittura del paesaggio russo, la seconda metà del secolo Savrasov appartiene a un ruolo speciale: non era solo un artista di talento, ma anche un insegnante. Dal 1857, Savrasov, per venticinque anni, ha guidato la classe di pittura del paesaggio nella scuola di Mosca. Ha persistentemente focalizzato i suoi discepoli a lavorare dalla natura, richiesti da loro di scrivere Etudi con olio, insegnati a cercare la bellezza nel motivo più imperioso.
Un nuovo atteggiamento verso il paesaggio è incarnato nel dipinto V. G. Schwartz "Treno primaverile Tsaritsa a Bogomol con Tsar Aleksa Mikhailovic" (1868). L'artista si adatta alla scena storica del genere in un vasto paesaggio. Una soluzione simile dell'immagine storica è arrivata nel 1848, Aivazovsky nel Brig Mercury Cannut dopo la vittoria sui due campi turchi avviene con lo squadrone russo. " La trama della foto non è caduta un'immagine della battaglia, ma seguita dalle azioni che si svolgono nel secondo piano. Il paesaggio e l'evento raffigurato si esibiscono in un'unità non storica, che prima dell'immagine storica non lo sapeva.

Il paesaggio in pittura russo sta gradualmente diventando sempre più importante, e le persone più perspicaci indovinano i percorsi del suo ulteriore sviluppo.
Nel 1870, i processi interni che si verificano nella pittura sono stati intensificati. Una delle più importanti manifestazioni di nuove tendenze è stata la formazione di una partnership delle mostre d'arte mobile.
Le opere portate dalla Repin e dal Vasilyev dalla Volga, hanno fatto un'impressione forte su di lui, e Polenov scrive i parenti: "Abbiamo bisogno di più per scrivere Etudes dalla natura, dai paesaggi".
Durante il viaggio di pensione in Italia, Polenov note in particolare: "Le montagne nella foto e le fotografie non sono impressionate come impressionabili come nell'aria attuale." Informazioni sulla pittura Guido Reni Scrive: "Pittura Guido Reni sembra solo noi solo la selezione grezza delle vernici, che non hanno nulla a che fare con la luce o l'aria, o in materia." Questi commenti non si aggiungono ancora un programma specifico, ma sentono la consapevolezza dei nuovi percorsi della pittura. Il giovane artista li ha visti nell'infrontino delle pittoresche opportunità, nel dialogo sincero con la realtà.
All'inizio del 1874, che è entrato nella storia dell'arte, l'apertura della prima mostra di impressionisti nell'atelier di Nadar sul Boulevard Kapuchin, un più perspicace Kramskaya, che riflette sul destino della pittura russa, sui suoi compiti più stretti, scrive un giovane Repinne: "Quanto lontano dovremmo farlo, secondo l'espressione formale evangelica," pietre per parlare ". Per REPIN, l'ultima frase è importante, perché il ruolo tradizionale del disegno in pittura russo era sempre alto. E l'artista è stato convinto che quando si guida alla prigionia, era impossibile perdere di vista la foto.
Tornando dal viaggio del pensionato, il Polenov si stabilisce a Mosca, dove crea eccellenti setuti preziosi-principianti in un'immagine insoddisfatta della "prendendo la principessa sgranata" e l'immagine "Moskovsky Dvorik" (1878). La pittura del Giardino di Pushkin (1878) è adiacente alla pubblicazione completa e pittoresca di Moscow. Essa, oltre a due opere, "Fotivirini" e "Estate" (sia del 1878), il Polenov ha esposto la fiera VII del partenariato mobile nel 1879.
Alla fine del 1881, Polenov si trova in Medio Oriente per raccogliere materiale per il dipinto. I suoi etudi orientali e mediterranei si distinguono per colorato coraggio e abilità.
Dal 1882, Polenov ha sostituito Savarasov sul lavoro di insegnamento presso la Scuola di Mosca di pittura, articoli e architettura. Polenov è stato in gran parte influenzato sul lavoro dei loro contemporanei, principalmente sui giocatori del paesaggio I. I. Levitan, I. S. Ostrukhova, S. I. Svetoslavsky, altri.

Nei primi anni '70, Shishkin continua a lavorare. Dopo aver padroneggiato abilità pittoresche, lui, senza risparmiare, scrive molto dalla natura, da due a tre etude al giorno. Molto apprezzato la conoscenza della foresta dello Shishkin Kramskaya.
Un'immagine di una mattinata nebbiosa, quando i raggi del sole con difficoltà si fa strada attraverso il fogliame degli alberi, divennero il motivo di uno dei dipinti più famosi di Shishkin "mattina in una pineta" (1889). La foresta occupa l'intero spazio dell'immagine. Gli alberi sono scritti in grande scala. Tra loro, gli orsi erano sistemati sul pino accatastato. In un approccio simile, qualcosa di romantico è indovinato all'immagine del paesaggio, ma questa non è una ripetizione del passato Ypokob non un sottolineatura artificiale
Il colore degli stati insoliti della natura, e uno sguardo esacerbato ai soliti fenomeni della natura. Tutte queste leggende indicano come queenji di pittura insolita fosse per il loro tempo.
La creatività Quinji si è evoluta rapidamente. In una certa misura, si riflette in se stessi le fasi dello sviluppo che è passato il moderno pittura del paesaggio. Queenji possedeva una visione colouristica affilata: contrasti di relazioni colorate e il raffinato senso di gradazione del tono di colore gli diede una certa espressività ai suoi dipinti. I dipinti dell'artista sono pieni di un senso di natura della vita, aria, luce. Non è un caso che la Repin abbia chiamato il Queenji dall'artista della luce. Non ci sono motivi notevoli non sono nulla - la infinita steppa del deserto, il famoso villaggio ucraino, illuminato dal sole o dalla luna, improvvisamente divenne sotto il suo pennello di bellezza.
Molti studenti di Queenji hanno fatto un contributo significativo allo sviluppo dell'arte domestica. K. F. Bogaevsky, A. A. Rylov, V. Yu. Purvit, N. K. Roerich e altri artisti, i primi passi nell'arte eseguiti sotto la guida del Maestro.
Al momento in cui Gloria Quinji ha raggiunto Apogee, il dipinto "Autumn Day. Sokolniki "(1879) ha debuttato I. I. Levitan. È stato acquistato da P. M. Tretyakov per la Galleria. Levitan ha iniziato a scrivere il suo primo lavoro del paesaggio sotto la direzione di Savrasov nella scuola di Mosca di pittura, scorezza e architettura. Era inerente al dono della generalizzazione, che è indovinato in una piccola etigna "giorno d'autunno. Sokolniki. " Attrae principalmente con la sua decisione colorata. Ma non solo i motivi autunnali che hanno dato l'opportunità di trasmettere la sensazione di aria cruda, interessati il \u200b\u200bgiovane artista. Negli anni successivi, scrive un numero di paesaggi solari - "Oak" (1880), "Bridge" (1884), "L'ultima neve" (1884). Levitan estrae le capacità del colore, corrispondenti agli stati della natura in diversi momenti dell'anno e in diversi momenti della giornata. L'attenzione dell'artista per la decisione dei compiti plenarie è stata attraccata da Polenov, il cui Levitan ha studiato per quasi due anni. Ricordando le lezioni di Polenov nella scuola di Mosca, Korovin ha scritto: "Cominciò a parlare di pittura pura, come scritto, ha parlato della diversità delle vernici". Senza un senso di colore sviluppato, era impossibile trasferire l'umore e la bellezza del motivo del paesaggio. La conoscenza dei progressi di una pittura prigioniera, la sua esperienza nell'uso delle opportunità di colore, era difficile trasmettere il senso immediato della natura.

Nel 1886, Levitan ha viaggiato verso la Crimea. Altra natura, l'altra illuminazione ha permesso all'artista di sentirsi più chiaramente per sentire la peculiarità della natura della regione di Mosca, dove spesso ha scritto dalla natura, ha approfondito le sue idee sulle possibilità di luce e colore. Levitan si muoveva sempre da lui che aveva il desiderio di trasmettere il suo amore al mondo invidioso alle persone. In una delle lettere, ha cercato di trasmettere la bellezza infinita dei dintorni, segreti nascosti della natura nell'impotenza.
Ha continuato a scrivere l'elemento del mare e il vecchio Aivazovsky. Nel 1881, ha creato una delle migliori opere del "Mar Nero", che ha colpito il pubblico dall'immagine concentrata dell'immagine. Questa foto è stata progettata per la prima volta di rappresentare l'inizio della tempesta sul Mar Nero, ma durante il lavoro di Aivazovsky ha cambiato la decisione tematica, creando un "ritratto" del mare della ribellione, su cui vengono giocate le tempeste della forza di schiacciamento.
Un posto speciale è occupato dai dipinti di Aivazovsky, scritti durante la guerra russa-turca del 1877-1878. Aivazovsky diventa il cronista degli eventi moderni che si sono svolti nelle distese marittime. Ma se prima ha scritto gli atti gloriosi delle navi a vela, ora le immagini dei piroscafi arrivò a sostituirle.
Erano basati su determinati eventi storici. E anche se questi lavori sono essenzialmente paesaggi, potrebbero essere scritti solo dall'artista, perfettamente per la propria arte di Marina. Polenov anche nel 1877-1878 era sul teatro delle ostilità, ma non ha scritto dipinti di battaglia, limitati agli schizzi di incenso con l'immagine dell'esercito e l'appartamento principale. Alla mostra della partnership del film, tenutasi nel 1878 a Mosca, è stato esposto solo il lavoro del paesaggio.
Forte tendenze romantiche persistevano nel lavoro del lettore del paesaggio L. F. Lagorio. Come Aivazovsky, ha scritto il mare, ma nelle sue opere c'è meno passione. L'artista della generazione più anziana, Lagorio non poteva rifiutare le competenze e i ricevimenti acquisiti durante gli anni di studio presso l'Accademia delle Arti di M. N. Vorobyev e B. P. Villevold. I suoi dipinti spesso peccano con un'abbondanza di dettagli, privati \u200b\u200bdell'integrità artistica. La colorazione non è così tanto associata all'identificazione delle relazioni di colore reale, quanto è decorativo. Questi erano gli echi degli effetti romantici della prima metà del XIX secolo. Le immagini di Lagorio sono fatte con abilità. Nei dipinti "Batum" (1881), "Alushta" (1889), in buona fede raffigura i porti del Mar Nero. Sfortunatamente, l'artista non ha sviluppato quelle pittoresche qualità che sono evidenti nelle opere del 1850. Nel 1891, Lagorio scrive un certo numero di dipinti sugli eventi della guerra russa-turca del 1877-1878, ma queste opere sono completamente lontane dai problemi del moderno pittura del paesaggio.

L'ultimo decennio del XIX secolo è notato nella pittura con nuove tendenze. Conquers il riconoscimento della gioventù di ieri. Nelle concorsi della Società degli amanti dell'arte VA Serov ha ricevuto il primo premio per il ritratto della "ragazza con le pesche" (1887), nella prossima competizione per il ritratto del gruppo genoma "The Tea Table" (1888), il secondo "premio Ho ricevuto Ka Korovin (prima il premio non è stato premiato), allora I. I. I. Levitan ha ricevuto il primo premio per il paesaggio "sera", e il secondo - di nuovo K. A. Korovin per il paesaggio "Golden Autunno". Polenov era caratteristico del senso del colore aggravato, che ha usato non solo come elemento decorativo, ma prima di tutto, come mezzo di impatto emotivo sullo spettatore.
Nel 1896, la fiera artistica e industriale tutta russa è stata organizzata in Nizhny Novgorod. La giuria dell'esposizione ha respinto i pannelli ordinati da Mammoth Vrubel. Il Vrubel sconvolto ha rifiutato di continuare a lavorare sui pannelli Mikula Selyaninovich e nella principessa Gosza. Mammuthi che amavano portare le cose alla fine, trovò una via d'uscita. Decise di costruire un padiglione speciale e postare il pannello come esibizioni: in questo caso, la decorazione della giuria dell'arte non era richiesta. Ma qualcuno ha dovuto porre fine ai pannelli, e divenne qualcuno, nella richiesta insistente di Mamontov, Polenov. "Sono (Panel. - V. P.) Così talentuoso e interessante che non potevo resistere", ha scritto Polenov. Con il consenso di Vrubel, il lavoro sui pannelli Polenov completati insieme a Konstantin Korovin. Nella stessa mostra, Korovin e Serov hanno mostrato un sacco di splendidi schizzi scritti dalla natura sconosciuta della natura settentrionale della natura settentrionale della regione di Murmansk, dove sono andati su richiesta di Mamontov. Dai paesaggi settentrionali del Korovin assegnati "Creek of St. Trifon in Pecheneg "(1894)," Gammerfest. Luci del Nord "(1894 - 1895). Il tema del Nord non è rimasto un episodio nel lavoro di Korovin. In Nizhny Novgorod, furono esposti pannelli decorativi fatti dalle impressioni del viaggio. Di nuovo all'argomento del Nord Korovin è tornato al grande ciclo di pannelli decorativi creati per la mostra mondiale del 1900 a Parigi. Per questi pannelli, compresi i motivi asiatici centrali, Korovin ha ricevuto una medaglia d'argento. Il paesaggio nel lavoro di Korovin ha svolto un ruolo significativo. La massima percezione del colore, l'ottimismo delleview del mondo era caratteristico dell'artista. Korovin ha sempre cercato nuovi argomenti, amati scriverli come nessun altro ha scritto. Nel 1894, crea due paesaggi: "Inverno in Lapponia" e il paesaggio invernale russo "inverno". Nel primo paesaggio, sentiamo la gravità della natura del territorio polare, la neve sconfinata composta dal freddo. Nel secondo - il cavallo è raffigurato, privilegiato in Sani. Sedoks ha lasciato da qualche parte, e questo Korovin enfatizza la mancanza dell'evento, la sua brevità. Dopo i paesaggi invernali, l'artista appella l'estate raggiunge.
Nei giovani anni, Korovin e Serov, diametralmente diversi nei personaggi, erano inseparabili, per i quali chiamarono "mucche e sierovin" nel circolo artistico Abrahants. Quando * Serov ha scritto una "ragazza con pesche", aveva ventidue anni, ma aveva già passato le lezioni di pittura da Repin, impegnata nell'accademia delle arti del laboratorio di Chistyakov. Come un sottile colorazione di Serov, non poteva avere un interesse speciale per il genere del paesaggio, che era in qualche modo presente in molte delle sue opere. Repin, ricordando le lezioni con tonnellate di nove anni (come il nome di Serov) a Parigi, ha scritto: "Ho ammirato il nascente Ercole e l'arte. Sì, era una natura! "
Secondo questi, è chiaro che gli anni Novanta erano il momento di trovare nuovi percorsi nello sviluppo della pittura. Non è stato per caso all'incirca allo stesso tempo creato i loro migliori paesaggi di Levitan e Shishkin, dichiarati nell'arte e dei giovani artisti di talento.

Nel novembre 1891, due mostre personali delle opere di Repin e Shishkin si sono aperte nelle sale dell'Accademia delle Arti. Il giocatore di paesaggio Shishkin incluso nell'esposizione oltre a dipinti vicino ai seicento disegni, rappresentando il suo lavoro per quarant'anni. Inoltre, insieme con i dipinti, gli etudi e i disegni diffin sono stati esposti. Le mostre come se offrivano allo spettatore di esaminare il laboratorio degli artisti, per capire e sentirsi di solito nascosti dallo spettatore il lavoro del pensiero creativo dell'artista. Nell'autunno del 1892, Shishkin ha messo fuori gli etuti estivi. Questo ha confermato ancora una volta il ruolo artistico speciale degli Etudi. C'era un periodo in cui l'etudio e la foto si avvicinarono - l'etude fu passata alla foto, e la foto a volte ha scritto come etudio al Plenier. Scontormento attento della natura, uscita al Plennier per trasferire la sensazione immediata di un momento transitorio di natura dalla natura era una fase importante nello sviluppo della pittura.
La soluzione a questo problema non era tutto sotto il potere. All'inizio del 1892, la mostra Yu. Yu. Il trifoglio si è tenuto a Mosca - l'artista evidente in una volta, indimenticabile ora. La sala espositiva era decorata con frese di alberi, uccelli ripieni. Sembrava l'impressione che l'intera foresta non sia adattata alle immagini e continua ad apparire. È possibile immaginare i paesaggi di Levitan, Queenji, Polenova o Shishkin circondati da questa foresta panoptic? Questi artisti hanno impostato l'obiettivo per trasmettere le proprietà invisibili degli oggetti. Percepivano il paesaggio nell'interazione di sensazioni sensoriali e riflessi generalizzati sulla natura. B. Astafiev lo ha chiamato "Smart Vision".
Un'altra immagine, altre relazioni dell'uomo e della natura sono presentate nella foto "Vladimirk" (1892). Il modo doloroso per l'artista della Siberia ha scritto non solo sotto l'impressione della strada Vladimir. Ha ricordato canzoni sulla dura vita a Katorga, ascoltato in questi luoghi. Colorare i dipinti di rigidi e tristi. Inviando alla volontà creativa dell'artista, non è solo un saddal, ma causa la sensazione di forza interiore, che è nascosta nella terra ampiamente diffusa. Paesaggio "Vladimirka" con tutti i suoi edifici artistici incoraggia lo spettatore alle riflessioni sul destino del popolo, sul suo futuro, diventa un paesaggio, che racchiude la generalizzazione storica.
"Over the Eternal Peace" non è solo un'immagine del paesaggio filosofico. In esso, Levitan voleva esprimere tutti i suoi contenuti interni, il mondo allarmante dell'artista. Questa intenzione ha influenzato la composizione del dipinto, e in una decisione colorata - tutto è molto frenato e conciso. Un ampio panorama del paesaggio dà un'immagine del suono ad alta dramma. Non è stato per caso che il design del dipinto fosse associato a Levitan con l'eroica sinfonia di Beethoven. Il temporale imminente passerà e trasparerà orizzonti lontani. Questa idea è legge nella composizione del dipinto. Il confronto dello schizzo e della versione finale dell'immagine consente una certa misura di presentare il corso dei pensieri dell'artista. La posizione della cappella e del tempo è stata trovata immediatamente nell'angolo in basso a sinistra della tela - l'elemento iniziale della composizione. Inoltre, sottomettendo al movimento stravagante della costa, che nello schizzo chiude lo spazio del lago all'interno della tela, il nostro look viene inviato all'orizzonte distante. Un'altra caratteristica si distingue da uno schizzo: gli alberi vicino alla cappella sono proiettati dai loro vertici alla riva opposta, e questo attacca un certo valore dell'intera composizione - c'è un confronto equivalente del cimitero abbandonato e della costa chiusa del lago . Ma Levitan non voleva, a quanto pare, di questo pari confronto. Nella versione finale, separa la cappella e il cimitero dal Panorama Generale del Paesaggio, mettendoli sul Capo, entra nel lago: ora il motivo del cimitero diventa solo il punto di partenza della composizione, l'inizio del Riflessione, quindi la nostra attenzione passa alla contemplazione della fuoriuscita del lago, la spiaggia lontana e il rapido movimento delle nuvole con loro.
In generale, la composizione non è una specie di immagine. È nata dalla finzione dell'artista. Ma questa non è una costruzione astratta di una splendida vista, e la ricerca dell'immagine artistica più accurata. In questo lavoro, Levitan ha usato la sua profonda conoscenza del paesaggio, gli Etudes eseguiti direttamente dalla natura. L'artista ha creato un paesaggio sintetico proprio come è stato accettato nella pittura classica. Ma questo non è un rimborso: Levitan ha messo davanti a lui compiti completamente diversi, risolvendoli su altri principi pittoreschi. Famoso critico d'arte sovietica A. A. Fedorov-Davydov ha scritto su questo paesaggio: "In tal modo, la sua universalità sintetica è rappresentata come essere naturale della natura, e il contenuto" filosofico "non viene da un sistema di paesaggio, come se fosse stato dato dallo spettatore stesso. Qui, come in "Vladimirka", Levitan evita qualsiasi idea precedente con una percezione figurativa, cioè qualsiasi "illustrativo". La riflessione filosofica agisce in una forma puramente emotiva, come una vita naturale, come lo "stato della natura", come lo "paesaggio dell'umore". Una volta, Levitan, dal 1898, ha insegnato nella Scuola di Pittura, Dreanies e Architettura di Mosca, ha offerto uno dei discepoli per rimuovere Bright Green Bush da Etud. Alla domanda: "Quindi puoi correggere la natura?" - Rispose Levitan che la natura non dovrebbe essere corretta, ma a pensare.
Il confronto del grande spazio del cielo e del grande spazio acquatico ha dato all'artista l'opportunità di utilizzare una vasta gamma di relazioni color e tonali. Spesso anche con soddisfazione ritratta una superficie dell'acqua.
Il lavoro dell'artista sul paesaggio dell'opera M. P. Musorgsky "Hovhanshchanina" per il teatro S. I. Mamontov è stato svolto un ruolo importante nella tonalità a forma epica di questi paesaggi. "Vecchia Mosca. Strada nella città della Cina del primo XVII secolo, "" all'alba al cancello della risurrezione "(sia del 1900) che molte altre opere si distinguono per l'immagine veritiera del paesaggio, che non è sorprendente, perché il loro autore è un giocatore di paesaggio . Molti anni Vasnetsov ha insegnato la pittura del paesaggio nella scuola di Mosca di pittura, scorezza e architettura.

Nato a Yoshkar-Ola nel 1964. Si è laureato al Kazan Aviation Institute, mentre studiava in cui ha continuato a essere coinvolto nella pittura - la sua amata fin dall'infanzia.

Senza diplomi ufficiali sull'educazione artistica, Sergey ha lucidato la sua abilità in modo indipendente. Ora le opere di Basova - gli ospiti desiderati nella famosa Galleria metropolitana Valentina Ryabov, e i partecipanti indispensabili per i negozi d'arte internazionali nella Central House of Artist and Art Manoza. L'artista continua la tradizione della pittura russa del paesaggio classica del XIX secolo. Gli storici dell'arte chiamano Sergey Basov uno dei migliori rappresentanti del moderno realismo russo, notando il suo gusto impeccabile, la straordinaria percezione poetica del mondo e la tecnica pittoresca perfetta. È membro del Fondo d'arte internazionale e dell'Unione professionale degli artisti.

Le sue opere non ci sono delizie impressionistiche di flusso e avanguardia. C'è solo una semplicità affascinante, comprensibile e preziosa in ogni momento. Le critiche considerano Basov uno dei migliori rappresentanti del moderno realismo russo.

I suoi paesaggi sono chiamati "pittoreschi elementi". Nei terreni più ordinari e ingegnosi - scala nelle foreste del lago, un fiume senza nome, un boschetto ai margini del campo - è in grado di aprire un mondo intero, ricco di emozioni e sensazioni sensoriali. Sergey Basov, tuttavia, molto tempo fa, un pittore maturo, che possiede un individuo, lettera originale di scrittura e attento, preoccupato per il mondo, osservazioni oltre le quali è generosamente condiviso con gli altri.

"... uno dei migliori rappresentanti del moderno realismo russo, Sergey Basov lavora attivamente dall'inizio degli anni '90 del secolo scorso. Possedere perfettamente tecnica pittoresca, in possesso di un gusto impeccabile e un senso di stile, crea opere sorprendentemente poetiche, invariabilmente che si sentono la risposta nei cuori degli spettatori grati, sono persone di vari gusti e punti di vista, molto diversi l'uno dall'altro nella loro globalità e Magazzino del personaggio. Il mondo pittorico che crea l'artista e in cui vive, principalmente la natura che ci circonda. I motivi probintativi e anche quotidiani, eletti dall'artista, in qualche modo laghi forestali e vesti, burroni, sentieri forestali e cappucci, vengono trasformati in opere molto sottili, trepidate, peculiari elementi pittoreschi. A numerose mostre d'arte in città metropolitane e provinciali, puoi vedere un lavoro eccellente in modo realistico e accademico. E, naturalmente, c'è una profonda relazione interiore tra fenomeni positivi nella moderna arte russa e la rinascita del paese. L'artista Sergey Basov entra in questo nobile caso il suo degno lept. I paesaggi del Master sono preziosi mostre di molte collezioni private e aziendali in Russia e all'estero ... "Molti dei nostri compatrioti per un lungo periodo di partenza all'estero, decollo come dono per gli amici stranieri o solo la propria parte della Russia, catturati nei paesaggi di Basov . Fascino inspiegabile degli angoli della natura russa della nave medio, l'artista trasmette sulle sue tele in modo sottile, lirico, con incredibile calore e amore.

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Ci sono luoghi e sensazioni che non descrivono le parole. Ma questi luoghi possono essere disegnati. Con tutta la penetrazione, colori vivaci, i sentimenti più squilli. sito web Pick up per voi foto sulla foresta. A proposito del sole attraverso il fogliame, sui percorsi ricoperti. La grandezza e la tenerezza, la bellezza e la pace. La tua attenzione è di 10 artisti - cantanti di natura magica, capace di immergere lo spettatore in una fragranza densa e una buona freschezza della foresta. Godere!

Victor Aleksandrovich Bykov è un famoso sistema di paesaggio russo, affascinante la bellezza e i testi della natura russa. I suoi dipinti sono realistici e allo stesso tempo favolosamente aria. Colori puliti, aria trasparente, leggerezza e freschezza - I dipinti di Victor Bykov sono molto popolari con collezionisti privati \u200b\u200bdella Russia e lontano dall'estero.

Peter Mörk Mönsted è un artista realista danese, un paesaggio principale riconosciuto. Nonostante numerosi viaggi al mondo, P. Mönsteda Cannuts sono scritti principalmente in Danimarca e raffigurano i paesaggi settentrionali incontaminati. Il lavoro dell'artista decora le collezioni dei musei di Aalborg, Bautzen, Randers e numerose collezioni private.

Michael O''''''''''oull viene da Vancouver, la costa occidentale del Canada. Cresciuto nell'atmosfera della creatività, perché sua madre Nancy O'Toule era un artista piuttosto famoso. Vernici brillanti, contrasto e toni puri nei paesaggi di Michael o'ule poche persone lasciano indifferenti. Michael lavora per lo più acrilico, è un uso potente, con fiducia e succosa, gioca i contrasti.

Roland Palmerts è nato in Belgio, a Bruxelles. Ha lavorato come designer e illustratore e in parallelo partecipato a mostre. Le mostre si sono rivelate straordinarie che Palmerts dedicati completamente a dipingere e alle attività di insegnamento. È autore di diversi tutorial sulla pittura. È membro della società canadese di pitture acquerelli, l'Istituto europeo dell'acquerello ed è stato presidente dell'Istituto di arte figurativa per cinque anni.

Ilya è nato a Mosca. È membro dell'Unione degli artisti della Russia. Conosciuto come ceramista artista, propone anche meravigliosamente l'acquerello. Le sue creazioni aeree, delicate, sottili. Nelle sue foreste appese una nebbia calda, imbevuta di Soft Sun. Molte delle sue opere sono nei musei russi.

Petras Lukosio - Artista lituano. La sua pittura multistrato è permeata dalla luce, i flussi del sole si riversano abbondantemente sulle sue foreste mistiche, la luce avvolge delicatamente ogni ramoscello. I dipinti di Petras possono essere trovati in tutto il mondo, tra cui Germania, Inghilterra, Spagna e Svezia.

Tra gli artisti russi ci sono molte personalità di talento. La loro creatività è molto apprezzata in tutto il mondo e fa una degna concorrenza a tali maestri mondiali come Rubens, Michelangelo, Van Gogh e Picasso. In questo articolo abbiamo raccolto 10 degli artisti russi più famosi.

1. Ivan Aivazovsky.

Ivan Aivazovsky è uno dei più famosi artisti russi. È nato a Feodosia. Dall'infanzia, Aivazovsky ha mostrato le sue incredibili abilità creative: adorava di disegnare e ha imparato il gioco sul violino.

All'età di 12 anni, il giovane talento ha iniziato a studiare a Simferopol presso l'Accademia della pittura. Qui ha imparato a copiare incisioni e scrivere foto dalla natura. Un anno dopo, riuscì ad entrare nella St. Petersburg Imperial Academy, anche se non ha raggiunto l'età di 14 anni.

Per molto tempo l'artista ha viaggiato in Europa e viveva in Italia, dove furono anche riconosciuti i suoi dipinti nella dignità. Quindi un giovane artista di Feodosia divenne un uomo piuttosto famoso e ricco.

Più tardi, Aivazovsky tornò nella sua patria, dove ricevette l'uniforme del ministero marittimo e il titolo di Accademico. Inoltre, l'artista ha visitato l'Egitto e ha partecipato quando è stato aperto il nuovo canale Suez. L'artista ha descritto tutte le sue impressioni nei dipinti. A quel tempo aveva già sviluppato il suo stile unico e la capacità di scrivere in memoria. Elementi sofisticati Aivazovsky abbozzati in un notebook per spostarli più tardi sulla tela. In tutto il mondo, ha portato dipinti "Odessa", "The Ninth Val" e "Mar Nero".

Gli ultimi anni di vita, l'artista trascorso a Feodosia, dove ha costruito una casa in stile italiano. Un po 'più tardi, Aivazovsky ha attaccato una piccola galleria verso di lui, in modo che tutti potessero godere liberamente dei suoi fantastici dipinti e affogare nell'oceano delle vernici. Oggi, questa villa, tutto serve anche come museo e molti visitatori arrivano ogni giorno qui, per vedere la padronanza del marinista che ha vissuto una lunga e felice vita.

2. Victor Vasnetsov.

Continua la lista dei più famosi artisti russi Viktor Vasnetsov. È nato nella primavera del 1848 nella famiglia del sacerdote nel piccolo villaggio di Lotopal. La spinta per la pittura si è svegliata verso di lui in tenera età, ma i genitori non potevano dargli un'istruzione adeguata a causa della mancanza di denaro. Pertanto, all'età di 10 anni, Victor ha iniziato a studiare in un seminario spirituale gratuito.

Nel 1866, quasi senza soldi, è andato a San Pietroburgo. Vasnetsov ha facilmente affrontato l'esame di ammissione ed è entrato nell'Accademia delle Arti. Qui la sua amicizia iniziò con il famoso artista di repin, con il quale in seguito è andato a Parigi. Dopo essere tornato a San Pietroburgo, Vasnetsov comincia a scrivere i suoi dipinti più famosi: "Tre Eroi", "Snow Maiden" e "Dio Savaf".

L'artista è stato in grado di rivelare pienamente il suo talento solo dopo aver trasferito a Mosca. Qui è accogliente e confortevole, e ogni immagine successiva è migliore del precedente. Era a Mosca che Vasnetsov ha scritto tali dipinti come "Alyonushka", "Ivan Tsarevich e un lupo grigio" e "Nestor Chronistal".

3. Karl Brullov.

Questo famoso artista russo è nato nel 1799. Padre Carl era un famoso pittore e professore della St. Petersburg Academy of Arts. Pertanto, il destino del ragazzo era predeterminato in anticipo. Fortunatamente, Carlo Bhorryov è riuscito ad ereditare dal padre del talento dell'artista.

Lo studio è stato dato al giovane artista molto facile. Ha molte volte superiori al resto degli studenti della sua classe e si è laureato all'Accademia delle Arti con gli onori. Dopodiché, Karl andò a viaggiare in Europa, si fermò solo in Italia per molto tempo. Era qui che ha creato il suo capolavoro - "Ultimo giorno Pompei", spendendo per la sua scrittura per circa sei anni.

Al ritorno a San Pietroburgo, Charles Bryullov stava aspettando fama e gloria. Era felice di vedere ovunque e certamente ammirato con nuove foto. Durante questo periodo, l'artista crea molti dei suoi panni immortali: "cavaliere", "Osad Pskov", "Narciso" e altri.

4. Ivan Shishkin.

Ivan Shishkin è uno dei più famosi artisti russi del paesaggio russo che potevano presentare qualsiasi paesaggio poco appariscente nei suoi dipinti. Sembra che la natura stessa gioca sulle tele di questo artista con vernici dal vivo.

Ivan Shishkin è nato nel 1832 a Elabuga, che oggi si applica a Tatarstan. Padre voleva che il figlio prendesse il posto del funzionario urbano con il tempo, ma Ivan è stato dipinto. All'età di 20 anni, andò a Mosca per studiare la pittura. Dopo il successo della fine della Scuola di Arti di Mosca, Shishkin entrò nell'Accademia Imperiale di San Pietroburgo.

Più tardi ha viaggiato per molto tempo in Europa, abbozzando paesaggi incredibili. A quel tempo, ha creato una foto della "vista nelle vicinanze di Düsseldorf", che gli ha portato un'enorme gloria. Dopo essere tornato in Russia, Shishkin continua a fare con doppia energia. Secondo lui, la natura russa è di poche centinaia di volte superiore ai paesaggi europei.

Ivan Shishkin per la sua vita ha scritto molti dipinti sbalorditivi: "Mattina in una pineta", "First Snow", "Pine Forest" e altri. Anche la morte dello scoppio di questo pittore proprio dietro il cavalletto.

5. Isaac Levitan.

Questo grande maestro russo di paesaggi è nato in Lituania, ma tutta la sua vita viveva in Russia. Ripetutamente, la sua origine ebraica gli ha causato molta umiliazione, ma non ha fatto offendere questo paese, che ha idolato e lodato nei suoi dipinti.

Già i primi paesaggi di Levitan hanno ricevuto elevate stime di Perov e Savrasov, e Tretyakov stesso comprò persino la sua foto della "Giornata autunnale di Sokolniki". Ma nel 1879, Isaac Levitan, insieme a tutti gli ebrei, mostra da Mosca. Solo enormi sforzi di amici e insegnanti è riuscito a tornare in città.

Nel 1880, l'artista ha scritto un sacco di dipinti sbalorditivi che lo hanno reso molto famoso. Questi erano "pini", "autunno" e "prima neve". Ma la prossima umiliazione ha costretto l'autore a lasciare di nuovo Mosca e andare in Crimea. Sulla penisola, l'artista scrive un numero di opere incredibili e migliora significativamente le sue condizioni finanziarie. Questo gli consente di viaggiare in Europa e conoscere il lavoro dei Maestri mondiali. Il vertice della creatività di Levitan è diventato la sua foto "oltre la regione eterna".

6. Vasily Tropinin.

Il destino incredibile era tra il grande tedesco russo-ritrattista vasily Tropinin. È nato nella famiglia della Fortezza Conta Markov nel 1780 e solo all'età di 47 anni ha ricevuto il diritto di essere una persona libera. Da bambino, una tendenza al disegno è stata osservata per poco vasamente, ma il conte lo ha dato per studiarlo. Più tardi, è ancora dato all'Accademia Imperiale, dove manifesta il suo talento in tutta la sua bellezza. Per i suoi ritratti, la "vista la vista" e "mendicante vecchio" Vasily Tropinin è stato assegnato il titolo di Accademico.

7. Petrov-Vodkin Kuzma

Il ricco patrimonio della pittura mondiale è riuscito a lasciare il famoso artista russo Petrov-Vodkin. È nato nel 1878 in Hurlask, e ai suoi giovani anni sarebbe diventato un ferroviere. Tuttavia, il destino ha fatto un pittore famoso in tutto il mondo.

8. Alexey Savrasov.

I dipinti di questo artista russo erano già ben venduti, difficilmente aveva 12 anni. Un po 'più tardi, entrò nella scuola di pittura di Mosca e divenne istantaneamente uno dei migliori discepoli. Un viaggio in Ucraina ha aiutato Savrasov in vista del programma per completare la scuola e ottenere il titolo dell'artista.

Immagini "Pietra nella foresta" e "Moscow Kremlin" fatto da questo accademico pittore a 24 anni! Il giovane talento è interessato alla famiglia reale, e Tretyakov stesso compra molte delle sue opere per mostre internazionali. Tra questi c'erano "inverno", "Graci flew", "rasolota" e altri.

La morte di due figlie e il successivo divorzio influisce fortemente Savarasov. Beve molto e presto muore in ospedale per i poveri.

9. Andrei Rublev.

Andrei Rublev è il pittore di icone russo più famoso. È nato nel XV secolo e lasciato dietro un grande patrimonio sotto forma di un'icona "Trinità", "Annunciazione", "Battesimo del Signore". Andrei Rublev insieme con Daniel Black decorato con affreschi Molti templi e ha scritto icone per iconostasi.

10. Mikhail Vrubel.

Completa la nostra lista dei più famosi artisti russi Mikhail Vrubel, che per la sua vita ha creato molti capolavori in vari argomenti. Era impegnato nel dipinto del tempio di Kiev, e più tardi a Mosca cominciò a creare la sua famosa serie di dipinti "demonici". Il lancio creativo di questo artista non ha trovato una corretta comprensione dei suoi contemporanei. Solo pochi decenni dopo la morte di Mikhail Vrubel, gli storici dell'arte gli hanno dato dovuto, e la Chiesa ha concordato con le sue interpretazioni di eventi biblici.

Sfortunatamente, la vita personale dell'artista era la causa di sviluppare una grave forma di disturbi mentali. Il grado di Accademico lo ha superato in una casa per pazzi, da dove non era più giudicato. Tuttavia, Mikhail Vrubel è riuscita a creare molte straordinarie opere d'arte che sono degne di ammirazione genuina. Tra questi, vale soprattutto la pena evidenziare le immagini "demone seduto", "Tsarevna-Swan" e "Faust".