Natura morta con grafica in bianco e nero. Natura morta decorativa
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Elena Alekseevna Nadeyenskaya, insegnante di belle arti, MOU "Arsenyevskaya Secondary School", villaggio di Arsenevo, regione di Tula.Descrizione: il materiale sarà di interesse per insegnanti di belle arti, educatori, insegnanti di istruzione aggiuntiva, bambini creativi di 10-12 anni.
Appuntamento: utilizzare nelle lezioni di belle arti, l'opera può servire come decorazione d'interni, un grande regalo o un oggetto da esposizione.
Obbiettivo: eseguire una natura morta usando la divisione dell'immagine in parti (celle)
Compiti:
- familiarizzare con una varietà di tecniche di immagini decorative di natura morta;
- sviluppare un senso di composizione, immaginazione, sviluppare la creatività;
- migliorare le capacità di lavorare con la tempera; esercitare la capacità di lavorare con un pennello di varie dimensioni in base al compito,
- favorire l'interesse per le basi dell'alfabetizzazione visiva.
-coltivare la precisione, l'amore per l'arte.
Materiali:
-guazzo nero (si può usare il mascara)
-spazzole n. 2, n. 5
-matita
-governate
-gomma
-foglio A3
Natura mortaè un genere di belle arti dedicato alla rappresentazione di oggetti per la casa, frutta, verdura, fiori, ecc.
Come genere indipendente, la natura morta si sviluppò nel XVII secolo. nelle opere di artisti olandesi. E al giorno d'oggi il genere è ampiamente utilizzato da artisti e designer contemporanei. Insieme a un'immagine realistica, puoi spesso imbatterti nel concetto di "natura morta decorativa".
Per una natura morta decorativa è caratterizzata da un'immagine convenzionale e semplificata di forme, stilizzazione.
Grande attenzione è rivolta alla combinazione di colori, colore - la combinazione di colori utilizzata nella composizione. Spesso vengono utilizzati colori contrastanti. La combinazione contrastante più armoniosa è il rapporto tra bianco e nero. Questa combinazione viene utilizzata attivamente nella grafica, nell'abbigliamento, negli interni, ecc.
Cercheremo di eseguire la nostra composizione odierna di una natura morta usando una combinazione di bianco e nero, ma al colore aggiungeremo anche il concetto di dividere il piano in parti - celle. Ricordiamo la disposizione delle celle-campi colore sulla scacchiera, si noti che i campi dello stesso colore non sono mai uniti da un lato comune, si toccano solo in un punto. Cercheremo di utilizzare questa caratteristica nel lavoro sulla composizione della natura morta.
Progresso
1. Dopo aver riflettuto sulla composizione, scegliamo la disposizione del foglio. Descriviamo la posizione degli oggetti. Se stai lavorando con questa tecnica per la prima volta, cerca di non complicare la composizione sovrapponendo la forma di un oggetto a un altro.
2. Descriviamo la costruzione di oggetti con linee spezzate. Poiché la natura morta sarà decorativa, non è necessario sforzarsi di trasmettere volume, sarà sufficiente una costruzione piana.
3. Chiariamo i contorni della forma degli oggetti. Delineamo i contorni del vaso, delle tazze, disegniamo gli steli dei fiori, i frutti con linee più morbide. Rimozione linee di costruzione.
4. Delinea le ombre che cadono. Dividi il piano del foglio in celle della stessa dimensione usando un righello. La dimensione ottimale della gabbia per un foglio orizzontale (A4) è di 3 cm, se il foglio è più grande (A3), la lunghezza del lato della gabbia può essere aumentata a 5 cm.Se non c'è esperienza in una tale natura morta immagine, cerca di non complicare il compito riducendo la dimensione delle celle.
5. Inizia a dipingere le celle con la tempera nera. Cerchiamo di prendere una vernice spessa in modo che lo strato di vernice sia sufficientemente denso e uniforme. Se la forma degli oggetti cade all'interno della cella, la lasciamo non dipinta. È meglio iniziare a lavorare dalle celle esterne, spostandosi gradualmente verso il centro della composizione.
6. Passa a dipingere le celle al centro della composizione, senza andare oltre i contorni degli oggetti.
7. Dopo aver completato la colorazione dello sfondo, iniziamo a elaborare il colore delle parti degli oggetti che sono cadute sui globuli bianchi.
8. Continuando a lavorare sulla colorazione dei singoli elementi, arriviamo alla fine del lavoro. Chiariamo le linee della forma degli oggetti, correggiamo le imprecisioni e i contorni sciatti delle cellule.
Il lavoro è pronto.
Grazie per l'attenzione! Vi auguro tutto il successo creativo!
Come qualsiasi altro genere di fotografia, lo still life è impossibile senza composizione. Inoltre, lo still life è proprio il genere in cui la composizione gioca un ruolo primario e richiede la massima attenzione da parte del fotografo. Dopotutto, una cornice di reportage può essere perdonata molto se l'autore ha colto un momento davvero buono. E le foto di casa: hai notato come si toccano le mummie quando vedono il loro bambino nella fotografia, anche se mediocre? È improbabile che aspetteremo la stessa indulgenza dal pubblico, dopo aver fotografato un'arancia con una bottiglia. Per avere un effetto positivo, dovrai provare. E, naturalmente, si dovrebbe iniziare con la composizione della cornice prevista.
Relativamente parlando, la composizione in una natura morta è un'armoniosa combinazione e interazione di oggetti nella cornice. Attraverso la composizione, puoi mostrare costantemente allo spettatore tutto ciò che desideri, creare un'atmosfera, trasmettere un'idea e persino raccontare una storia.
La composizione nella natura morta può essere suddivisa condizionatamente in diversi tipi:
- geometrico
- spaziale
- colore
Composizione geometrica
Non è un segreto che tutti gli oggetti abbiano una forma geometrica (o simile a quella geometrica). Inoltre, non è un segreto che sia naturale per una persona associare ogni figura a qualcosa di caratteristico. Ad esempio, gli angoli sono inconsciamente associati ai puntatori. Quando guardi a lungo un quadrato o un rettangolo, c'è una sensazione di stabilità (forse perché il nostro subconscio disegna un edificio stabile). E il cerchio crea una sensazione di intimità e calma. Vale la pena ricordare che le linee orizzontali (una persona sdraiata) sono molto più calme di quelle verticali (una persona in piedi). Per quanto riguarda le diagonali, le linee ascendenti - che portano dall'angolo in basso a sinistra a quello in alto a destra - sembrano più strette di quelle discendenti: leggiamo ancora da sinistra a destra, e il nostro sguardo deve "scalare" l'immagine per arrivare al molto in alto. Ma in questo si nasconde un certo senso di vittoria, no?! Le linee discendenti che vanno da in alto a sinistra a in basso a destra, al contrario, sono tradizionalmente associate a rilassamento, tristezza o addirittura declino.
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Tutti questi piccoli trucchi possono e devono essere usati per i propri scopi - al fine di trasmettere il concetto, l'idea dell'immagine.
Allocazione con spazio
Se c'è la necessità di mettere in risalto un determinato oggetto in una natura morta, assegnandogli il ruolo di protagonista, qui si può giocare su una composizione spaziale. Ad esempio, metti il soggetto principale davanti, davanti a tutti gli altri. Oppure regola la luce in modo che l'elemento principale sia il più luminoso e gli oggetti che si trovano dietro e davanti ad esso siano scarsamente illuminati. E puoi farlo in modo più astuto: accendi un bastoncino d'incenso o rilascia il fumo di sigaretta, disegnando così una prospettiva aerea nell'inquadratura: l'attenzione principale sarà focalizzata sugli oggetti frontali, poiché quelli distanti annegheranno in una foschia romantica.
Puoi anche giocare sugli aspetti tecnici della fotocamera: se vuoi mostrare ogni oggetto nel dettaglio, incluso lo sfondo oi tendaggi, allora le riprese dovrebbero essere eseguite con il diaframma chiuso. Ma se è importante evidenziare un oggetto, allora il diaframma dovrebbe essere aperto il più possibile. Anche le possibilità dell'ottica non dovrebbero essere ignorate: negli scatti effettuati con obiettivi grandangolari, gli oggetti sono altamente distorti e più l'oggetto è vicino alla fotocamera, più grande apparirà rispetto a quelli distanti. Al contrario, le lunghe lunghezze focali "raccolgono" la prospettiva, lo spazio è reso molto più piatto.
Composizione del colore
Se la fotografia viene eseguita in b/n, la conoscenza delle proprietà dell'esposizione del colore non ci sarà utile. Ma se il lavoro fotografico è pianificato a colori, quest'area di ricerca non dovrebbe essere ignorata. Volgendo lo sguardo alla psicologia del colore, vedremo che ciascuno dei colori ha, oltre al suo colore originale, un proprio carico semantico. I colori caldi (arancione, giallo, rosso, terracotta) ricordano l'estate, il sole, il calore. Questa è la prima associazione che nasce guardando una fotografia, risolta in questi toni. Inoltre, dal corso di pittura, puoi imparare che tali oggetti sembrano visivamente più vicini. Cosa non si può dire dei colori freddi: blu, verde, rosa, viola: questi colori allontanano leggermente l'oggetto dallo spettatore e sono solitamente associati all'inverno, al freddo, all'acqua.
È importante ricordare il contrasto, a volte puoi giocarci sopra, ma spesso combinazioni di colori mal concepite respingono o distorcono il significato dell'intera produzione. Se decidi di fotografare un cetriolo su uno sfondo arancione, pensa se lo sfondo attirerà l'attenzione su se stesso? Ed era davvero quello che volevi ottenere? Devi anche ricordare che qualsiasi oggetto ha la capacità di riflettere o assorbire le sfumature di colore degli oggetti vicini, e anche due oggetti dello stesso colore sullo stesso sfondo possono apparire diversi proprio a causa della differenza nelle loro trame.
La saturazione del colore colpisce anche lo spettatore: le composizioni in tenui colori pastello creeranno una sensazione di pace e nostalgia, e i colori luminosi e appariscenti, al contrario, sono adatti per attirare l'attenzione, trasmettere espressione, assertività. Ecco perché i colori vivaci sono così amati dai fotografi pubblicitari, mentre la fotografia artistica tende spesso a un tono tenue e calmo.
Naturalmente, qualsiasi composizione deve obbedire pienamente al colore generale, alla legge all'interno dell'immagine, altrimenti cadrà a pezzi. Ecco perché dovresti stare attento con i contrasti di colore, possono avere un impatto serio, sia per rendere il lavoro più interessante, sia per distruggerlo inserendo accenti non necessari.
Bianco e nero
Nonostante l'assenza di colore, la natura morta in bianco e nero ha le sue leggi e anche qui il contrasto gioca un ruolo importante. Lo stesso colore in questo caso è sostituito dal tono: un altro gioco, ma ha anche delle regole!
Probabilmente avrai notato che le donne in sovrappeso indossano molto raramente il bianco. Il fatto è che il bianco sembra essere più voluminoso del nero. In una fotografia in bianco e nero, l'occhio coglie prima di tutto i punti più chiari e solo dopo si sposta su quelli scuri. Questo effetto viene utilizzato per costruire molte immagini di inganno visivo: se guardi un foglio con una striscia uniforme in bianco e nero, sembrerà sicuramente che le strisce bianche siano più larghe. Devi sempre tenere in considerazione questa regola quando metti in scena una composizione, e anche prendere in considerazione che un oggetto bianco brillante, che sia in primo piano o sullo sfondo, sembrerà sicuramente essere la cosa principale in questa composizione e lo sguardo cadrà principalmente su di esso.
Contrasti
Come già accennato, i contrasti giocano un ruolo speciale. Esistendo nell'ambito di una composizione nell'immagine, possono sia evidenziare gli oggetti che, al contrario, nasconderli. L'opera, costruita su fluttuazioni di luce e ombra appena percettibili, senza punti che accentuino l'attenzione dello spettatore, appare monotona, monotona, inespressiva. Contrasti netti creano tensione, dinamica.
Regole di terzi
Naturalmente, quando si parla di composizione, non si può non menzionare la regola dei terzi. Disegnando quattro linee nella tua mente attraverso la cornice - due dividendola in tre parti uguali orizzontalmente e due disegnate verticalmente - puoi calcolare le aree più efficaci della cornice: si trovano nei punti di intersezione di quattro linee tra loro. Queste sono le aree in cui il soggetto principale della composizione è meglio posizionato.
In realtà, la regola dei terzi è una regola semplificata della sezione aurea, che è un po' più difficile da ottenere. Per fare ciò, la cornice deve essere divisa in otto parti orizzontalmente e verticalmente. E poi disegna a destra e a sinistra, così come sotto e sopra, linee a una distanza di 3/8. I punti della sezione aurea si troveranno all'intersezione di queste linee. Ma dividere in tre parti è molto più conveniente che in otto parti, quindi è usato più spesso nella composizione: la differenza non è così evidente per lo spettatore e l'armonia nella cornice, se si osserva una di queste regole, è ovvio.
Ritmo
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Il ritmo, cioè la ripetizione di linee uguali o simili, è uno strumento compositivo molto potente che permette di manipolare lo sguardo dello spettatore. Lungo il "percorso" di oggetti alternati, puoi andare molto lontano. Ma non esagerare: il ritmo può uccidere l'intera composizione, privandola della dinamica e rendendola monotona.
Comunicazioni interne
Quando si crea un'impostazione per la fotografia, è necessario assicurarsi che vi sia una connessione tra gli oggetti nell'inquadratura. Gli oggetti possono essere correlati per forma (uovo e cipolla), colore (pomodoro e peperoncino), significato (mela e bastoncini di cannella). Gli oggetti devono necessariamente comunicare, affascinare lo spettatore, guardando da un soggetto in una natura morta all'altro. Questo approccio conferisce integrità alla composizione, la rende interessante, comprensibile e allo stesso tempo misteriosa: non è affatto necessario rivelare tutte le connessioni interne contemporaneamente, le più interessanti possono essere nascoste all'interno della composizione o nascoste allo spettatore per un breve tempo, ad esempio, con la luce.
Puoi parlare di composizione all'infinito, ma la cosa principale su cui è costruita una natura morta (come, del resto, la fotografia in qualsiasi altro genere) è l'idea, la trama e l'anima dell'immagine. E la composizione è uno strumento nelle mani di un fotografo tanto quanto la fotocamera stessa. Ricorda cosa vuoi trasmettere allo spettatore! E usa tutte le tecniche compositive disponibili per i tuoi scopi.
La parola "natura morta" deriva dalla frase francese "nature morte" e significa natura mortificata o morta. Ma mi sembra che l'essenza di questo tipo di arte sia meglio trasmessa dall'espressione inglese "natura morta" - "vita immobile, congelata". In effetti, nella sua essenza, la natura morta non è altro che un pezzo di vita catturato.
Durante la raccolta del materiale per questo articolo, ho incontrato alcune difficoltà. A prima vista, scattare una natura morta è facile come sgusciare le pere. Ho messo una tazza sul tavolo, ho aggiunto alcuni dettagli, ho impostato la luce e ho fatto scattare l'otturatore. I modelli fotografici sono sempre a portata di mano, tempo illimitato per le riprese. Costi convenienti e minimi. Ecco perché i fotografi alle prime armi amano così tanto questo genere. E alcuni ottengono risultati molto interessanti. Vai su qualsiasi sito di fotografia, seleziona la sezione appropriata e ammira le immagini davvero stupende. Ma il tempo passa e molte persone hanno domande: "Perché sparare a questo? Chi ne ha bisogno? Cosa otterrò da questo?" Non trovando risposte a queste domande, molti passano alla fotografia di matrimoni, bambini o animali, che generano un certo reddito. Anche la natura morta non è molto rispettata dai maestri della fotografia. Questo non è un business redditizio. Se qualcosa può farlo, è solo soddisfazione estetica. E di tanto in tanto scattano nature morte, per così dire, per affinare le loro abilità.
Ma rimangono solo pochi che vedono in una natura morta, qualcosa di più di una bella immagine. È a questi maestri della natura morta che dedico il mio articolo.
Confesso che all'inizio volevo fare una selezione di lavori di fotografi che mi piacciono e che giustamente occupano i primi posti nelle valutazioni su vari siti di foto. E poi è sorta la domanda: "perché?" Tutti sanno come usare Internet, la maggior parte di loro non ha mai studiato siti di foto, conoscono i migliori lavori e le informazioni sul fotografo che li ha interessati possono sempre essere trovate utilizzando un motore di ricerca. Ho deciso di parlare di Fotografi Speciali, quelli il cui lavoro capovolge i canoni riconosciuti, che hanno portato davvero qualcosa di nuovo nella fotografia di still life, che sono riusciti a vedere qualcosa di straordinario nelle cose di tutti i giorni. Puoi relazionarti con il loro lavoro in diversi modi: ammirare o, al contrario, non accettare. Ma, sicuramente, le loro opere non possono lasciare nessuno indifferente.
1. Cara Barer
Kara Barer (1956), una fotografa degli Stati Uniti, ha scelto un soggetto per le riprese: un libro. Trasformandola, crea incredibili sculture di libri, che fotografa. Puoi vedere le sue foto all'infinito. Dopotutto, ciascuna di queste sculture di libri ha un certo significato e uno ambiguo.
2. Guido Mocafico
Il fotografo svizzero Guido Mokafiko (1962) non si limita a un solo soggetto nel suo lavoro. È interessato a vari oggetti.
Ma anche prendendo un singolo oggetto, ottiene un lavoro straordinario. Famoso per la sua serie "Movimento" ("Movimento"). Sembra che i meccanismi dell'orologio siano semplicemente presi, ma dopotutto, se guardi da vicino, ognuno ha il suo carattere.
Nelle nature morte, come sai, la "natura inanimata" viene rimossa. Nella sua serie "Serpenti" Guido Mokafiko ha violato questa regola e ha preso una creatura vivente per l'oggetto di una natura morta. I serpenti arrotolati in una palla creano un'immagine sorprendente, luminosa e unica.
Ma il fotografo crea anche nature morte tradizionali, riprendendole in stile olandese e utilizzando come oggetti di scena veramente "oggetti inanimati".
3. Carl Kleiner
Il fotografo svedese Karl Kleiner (1983) utilizza gli oggetti più comuni per le sue nature morte, componendoli in immagini stravaganti. Le fotografie di Karl Kleiner sono colorate, grafiche e sperimentali. La sua fantasia è sconfinata, usa materiali completamente diversi, dalla carta alle uova. Tutto, come si suol dire, entra in azione.
4. Carlo Grogg
Le nature morte dell'americano Charles Grogg sono realizzate in bianco e nero. Il fotografo utilizza anche oggetti domestici comuni che si trovano in ogni casa per le riprese. Ma sperimentando il loro posizionamento e combinando in combinazioni insolite, il fotografo crea immagini davvero fantastiche.
5. Chema Madoz
Sono sicuro che il lavoro di Chem Madoz (1958), fotografo spagnolo, sia familiare a molti. Le sue nature morte in bianco e nero, eseguite in uno stile surreale, non lasciano nessuno indifferente. La prospettiva unica del fotografo sulle cose ordinarie è affascinante. Le opere di Madosa sono piene non solo di umorismo, ma anche di profondo significato filosofico.
Il fotografo stesso afferma che le sue fotografie sono state scattate senza alcuna elaborazione digitale.
6. Martin Klimas
Anche nelle opere di Martin Klimas (1971), fotografo tedesco, non c'è Photoshop. Solo una breve, o meglio, brevissima esposizione. La sua tecnica appositamente sviluppata ti consente di catturare un momento unico che l'occhio umano non può nemmeno vedere. Martin Klimas riprende le sue nature morte nella completa oscurità. Con l'aiuto di un dispositivo speciale, al momento di rompere l'oggetto per una frazione di secondo, il flash si accende. E la telecamera cattura il Miracolo. Alla faccia di un vaso con fiori!
7. John Chervinsky
L'americano John Chervinski (1961) è uno scienziato che lavora nel campo della fisica applicata. E le sue nature morte sono una sorta di miscuglio di scienza e arte. Qui non capirai: o una natura morta o un libro di testo di fisica. Quando crea le sue nature morte, John Cherwinsky usa le leggi della fisica, ottenendo un risultato incredibilmente interessante.
8. Daniel Gordon
Daniel Gordon (1980), fotografo americano, non si occupa di questioni scientifiche. Quando fotografava nature morte, ha scelto una strada diversa. Stampa immagini a colori scaricate da Internet su una stampante, accartoccia questi pezzi di carta e poi vi avvolge vari oggetti. Si scopre qualcosa come sculture di carta. Luminoso, bello, originale.
9. Andrew B. Myers
Le nature morte di Andrew Myers (1987), un fotografo canadese, non possono essere confuse con altre: sono sempre riconoscibili. Uno sfondo semplice, gentile e calmo, molto spazio vuoto, che crea la sensazione che l'immagine sia piena di luce e aria. Molto spesso, usa oggetti degli anni '70 e '80 per creare nature morte. Le sue opere sono grafiche, eleganti ed evocano una certa nostalgia.
10. Regina De Luise
Regina DeLuis (1959), fotografa degli Stati Uniti, non usa la fotografia reflex per creare le sue opere. Ha scelto un altro metodo: stampa negativi da pellicola fotografica su carta speciale di stracci. Il suo immaginario poetico contiene una vasta gamma di toni e molte trame. Le nature morte sono molto gentili e poetiche. Incredibile gioco di luci e ombre.
11. Bohnchang Koo
Bohchang Ku (1953), fotografo sudcoreano, preferisce il bianco. Le nature morte che ha creato - bianco su bianco - sono semplicemente fantastiche. Non sono solo belli, ma hanno anche un certo significato: la conservazione dell'antica cultura coreana. Dopotutto, il fotografo viaggia appositamente per il mondo, alla ricerca di oggetti del patrimonio culturale del suo paese nei musei.
12. Chen Wei
Al contrario, Chen Wei (1980), un fotografo cinese, trova ispirazione per il suo lavoro vicino a casa. Mostrando strani spazi, scene e oggetti, usa oggetti di scena gettati da altri nelle discariche.
13. Alejandra Laviada
Alejandra Laviada, una fotografa messicana, utilizza edifici distrutti e abbandonati per le sue riprese, creando nature morte dagli oggetti trovati lì. Le sue nature morte raccontano storie vere di persone che vivevano in questi edifici e usavano cose che erano rimaste inutili.
Le fotografie di natura morta sono note per essere abbastanza comuni. Spesso, molti fotografi amano presentare le loro nature morte in bianco e nero. Per fare ciò, devi trovare oggetti, confrontare oggetti di uso quotidiano nel tuo ambiente e anche migliorare la differenza di trame e toni. La conversione in bianco e nero offre molte opzioni durante la visualizzazione della foto stessa.
La natura morta in bianco e nero ti consente di concentrarti sulle linee della foto, sulle trame e sulle forme. In questo caso, è molto più facile concentrarsi su questi elementi, poiché non è necessario essere distratti dai colori. Un buon uso di questa tecnica consentirà non solo di ottenere un'immagine più obiettiva in termini di integrità, ma anche di aumentare la tensione tra oggetti e materiali diversi. Tali combinazioni possono essere trovate ovunque, ad esempio nel parco, sulla riva, ecc. Puoi scattare fotografie di qualsiasi oggetto. Inoltre, puoi fotografare oggetti in coppia o in quantità maggiori. Va notato che non è consigliabile utilizzare gli stessi metodi per convertire una foto in bianco e nero.
Per creare una natura morta in bianco e nero, devi avere:
Gli studenti eseguono una natura morta decorativa in una scuola d'arte secondo il seguente metodo:
1. Disposizione degli elementi nel foglio.
2. Trasformazione (stilizzazione della forma).
3. Sovrapposizione o intreccio di sagome tra loro.
4. Riempire le sagome con texture e soluzioni decorative.
Come sai, la natura morta è una produzione di oggetti inanimati. Nella pittura da cavalletto, le nature morte sono tradizionalmente dipinte: modellano il volume degli oggetti, trasmettono il chiaroscuro, la prospettiva lineare e aerea, lo spazio ... Ma nella natura morta decorativa diventa irrilevante. La forma degli oggetti raffigurati diventa piatta e convenzionale. Non c'è chiaroscuro. Invece, ogni silhouette è elaborata in modo decorativo.
Dobbiamo soffermarci sulla trasformazione della forma separatamente. La sua essenza risiede nella trasformazione della forma originale dell'oggetto in una condizionale. Cioè, il disegno è semplificato, perde dettagli inutili. La forma è ridotta a condizionatamente geometrica, cioè si basa su semplici forme geometriche (cerchio, rettangolo, triangolo ...). Ad esempio, una brocca può essere composta da un cerchio e da un cilindro e completata con cerchi o ellissi in alto e in basso. Quindi, rimane solo la natura dell'oggetto. Deve essere riconoscibile. E i contorni saranno già trasformati e portati allo stile generale.
Sagome sovrapposte o intrecciateÈ una tecnica nelle arti decorative e nel design. La sovrapposizione di sagome l'una sull'altra è comprensibile per definizione: questo è quando gli oggetti si oscurano a vicenda e l'immagine diventa, per così dire, multistrato. Ma intrecciare è più difficile. Ad esempio, quando una parte di una brocca è oscurata da una mela, le parti intersecanti della brocca e della mela possono essere visualizzate dall'artista in un colore completamente diverso. Gli oggetti diventano, per così dire, "trasparenti" e le loro parti intersecanti sono visibili allo spettatore. Le sagome degli oggetti si intrecciano in un modo così intricato che alla fine a volte è difficile distinguerle. E questo conferisce al lavoro decorativo un fascino speciale.
Riempimento di contorni di oggetti con texture- non è particolarmente difficile. Puoi spruzzare la vernice, puoi stendere la vernice con tratti caotici, ecc. Ma riempire la silhouette con una soluzione decorativa è più difficile. L'artista esce con una sorta di "ornamento", anche se questa parola non si adatta perfettamente qui. Riempie la silhouette con questo "ornamento". Questo "ornamento" viene creato sulla base della linea generatrice. Una linea generatrice è una linea che forma il contorno di un oggetto. Ad esempio, il contorno di un'anfora greca sarà graziosamente curvo. Pertanto, la decorazione interna della silhouette si baserà su linee curve simili. Le singole parti di tale decorazione di oggetti, così come gli oggetti stessi, possono essere intrecciate. Inoltre, puoi saltare un ornamento letterale tra di loro. Pertanto, questo tipo di decorazione non si limita a riempire sagome con solo trama o colorazione. Questo è un processo più complesso. Ma anche più efficace, su cui si basa l'essenza della natura morta decorativa.