Musica simboists: musica simbolica? "Casus wagner" Se è difficile da accettare senza prove il fatto dell'esistenza della musica simbolica, è impossibile negare che alcuni compositori hanno causato una speciale ammirazione di rappresentanti del simbolismo letterario. Più grande

La nuova musica è un'altra musica che dubitavo che questi tre conoscono il mio repertorio o quello che dicono loro come nomi come ADS, Turnerge, Tremmenery, Kurtag, Lindberg o Müller-Vilanland. Ma li ho ancora elencati, compositori del XX e XXI secolo, scrivendo musica moderna. Sul

Dal Medioevo fino ad oggi "Farmacista: Getta questa polvere in qualsiasi liquido e bevi tutto. Hai più forza di venti persone - muoiono all'istante. " V. Shakespeare. "Romeo e Giulietta". La base della Polonia e la ciotola di veleno il leggendario re polacco del VIII secolo Lhesek ereditò dopo

Dal Medioevo a questo giorno Balezin S. tra i grandi laghi africani. - M.: Scienza, 1989. -208 S. Bogdanov A. Omensire su Joachim // Scienza e Religione. -1995. - № 7. Great Enciclopedia sovietica: T. 40. - m.: Gosnachizdat, 1955. - 760 S. Borisov Y. Louis di Louis XIV. - m.: International.

Cultura musicale dell'antichità, Medioevo e della musica rinascimentale Musica Terea Teor La fase storica dello sviluppo della cultura musicale europea È consuetudine essere musica antica, la cui tradizione ha origine nelle culture più antiche del centro

Music Art Medioevo. Riempimento figo-semantico. Personalità.

Medioevo - a lungo, coprendo più di mille anni di sviluppo dell'umanità.

Se rivolgiamo all'ambiente figurativo ed emotivo del periodo di "cupo medievale", poiché spesso vengono chiamati, vedremo che era pieno di un'intensa vita spirituale, estasi creativa e la ricerca della verità. La Chiesa cristiana aveva un potente impatto sulla mente e sulle cuori. I fili, le storie e le immagini delle Sacre Scritture hanno capito come la storia che si svolge dalla creazione del mondo attraverso la venuta di Cristo e fino al giorno del terribile tribunale. La vita terrena è stata percepita come la lotta continua di forze scure e leggere, e l'anima di un uomo era la sospensione di questa lotta. Il restauro della fine del mondo è permeato dalla globlibilità del popolo medievale, dipinge l'arte di questo periodo in toni drammatici. In queste condizioni, la cultura musicale ha sviluppato due potenti formazioni. Da un lato, la musica della Chiesa professionale, che è passata in tutto il periodo medievale, un enorme modo di sviluppo; D'altra parte, la creatività musicale popolare, perseguitata dai rappresentanti della chiesa "ufficiale" e della musica secolare, esistenti come amatoriali, per quasi l'intero periodo medievale. Nonostante l'antagonismo di queste due direzioni, hanno subito un'influenza reciproca, e entro la fine di questo periodo i risultati dell'interpenetrazione della musica laica e della Chiesa sono diventati particolarmente tangibili. Dal lato del contenuto emotivo-semantico, il più caratteristico per la musica medievale è la predominanza del principio perfetto, spirituale e didattico - sia nei generi secolari e della Chiesa.

Il contenuto emotivo e semantico della musica della chiesa cristiana era diretta alla lode della divinità, la negazione dei beni terreni per il bene della ricompensa dopo la morte, la predicazione dell'ascetismo. La musica si concentra di per sé ciò che era associato all'espressione del "puro", privo di qualsiasi "corpo", la forma materiale del desiderio per l'ideale. L'impatto della musica si è intensificato da acustica delle chiese con le loro elevate volte che riflettono il suono e creando l'effetto della presenza divina. Particolarmente focalizzando la musica con l'architettura manifestata con l'emergere dello stile gotico. La musica multi-vocale creata da questo tempo ha creato il gonfiore aspirato, la pulizia gratuita dei voti, ripetendo le linee architettoniche del tempio gotico, creando una sensazione dell'infinito dello spazio. I campioni più vivi del gotico musicale hanno creato compositori della cattedrale di Notre Dame - Magister Leonin e Magister Arafoths, chiamato Great.

Music Art Medioevo. Generi. Caratteristiche del linguaggio musicale.

La formazione dei generi secolari durante questo periodo è stata preparata dal lavoro dei musicisti randagi - giocoliere, minstrelles e spieQuali erano cantanti, attori, circo e strumentisti in una sola persona. Anche a manipoli, guglie e menestrelli uniti vagante e Goliada. - Studenti sfortunati e monaci sfuggiti aventi diritto all'alfabetizzazione media "artistica" e una certa erudizione. Le canzoni di persone sembravano non solo sulle lingue nazionali emergenti (francese, tedesco, inglese e altre), ma anche in latino. Gli studenti erranti e Scholas (Vagatants) hanno spesso avuto grandi abilità nel risentimento latino, che ha attaccato una particolare nitidezza alle loro canzoni accusatorie dirette contro i feudalisti secolari e la Chiesa cattolica. A poco a poco, gli artisti randagi cominciarono a formare obiettivi, stabilirsi nelle città.

Nello stesso periodo, un peculiare intercalatore "intelligente" è nominato - cavalleria, nel cui ambiente (in periodi di tregua) si affascina anche l'interesse per l'arte. I castelli si trasformano in centri di cultura knightly. L'arco delle regole del comportamento knightly ha richiesto il comportamento "Courti" (squisito, educato). Nel 12 ° secolo in Provenza con i tribunali di segni feudali, nasce l'arte troubadurov., Rappresentando la caratteristica espressione della nuova cultura di Sivo Knightly proclamando il culto dell'amore terreno, godendo della natura, gioia terrena. Nel cerchio delle immagini, l'arte musicale e poetica di Trubadurov conosceva alcune specie associate principalmente con testi d'amore o militari, canzoni ufficiali, che riflettono l'atteggiamento del vassallo al suo suzero. Spesso, il testo dell'amore di Trubadurov è stato scelto sotto forma di ministero feudale: il cantante si è riconosciuto con il vassallo delle signore, che di solito era la moglie del suo senario. Ha inseguito la sua dignità, la bellezza e la nobiltà, hanno glorificato la sua dominazione e "languita" ad un obiettivo sfavorevole. Naturalmente, questo è stato un sacco di condizionati dettati dal tornio della corte del tempo. Tuttavia, spesso dietro le forme condizionali del ministero del cavaliere è stata posata una sensazione genuina, luminosa e impressionante nelle immagini poetiche e musicali. L'arte del Trubadurov è stata in gran parte avanzata per il loro tempo. Attenzione alle esperienze personali dell'artista, l'enfasi sul mondo interiore di una personalità amorevole e sofferente suggerisce che i pipetel si oppongono apertamente stessi tendenze delle attività dell'ideologia medievale. Troubadour glorifica il vero amore terreno. Vede la "fonte e origine di tutti i benefici".

Sotto l'influenza della poesia di Troubadur, creatività troverEra più democratico (la maggior parte dei conducenti provengono da cittadini) Qui gli stessi argomenti sono stati sviluppati qui, e lo stile artistico delle canzoni è stato sviluppato. In Germania, un secolo dopo (XIII secolo) è stato formato minnezingerIn cui le canzoni del contenuto morale e di edificazione sono state sviluppate più spesso di quelle dei pipetel e dei tubi, i motivi d'amore sono stati spesso acquisiti dal dipinto religioso, erano associati al culto della Vergine Maria. Le canzoni del sistema emotivo si distinguono per una maggiore serietà, scanalature. Minneseringer per la maggior parte serviva come cortili, dove soddisfano i loro concorsi. Nomi noti di Tungsten von Eshenbach, walter background der foelweid, tangayizer - eroe della famosa leggenda. A Wagner Opera basata su questa leggenda, l'immagine centrale è la scena della concorrenza dei cantanti, dove l'eroe verso l'indignazione universale glorifica sentimenti e piaceri terreni. Libretto "Tangayizer" Wagner scritto da Wagner - Un campione di notevole penetrazione nella visione del mondo dell'era, cantando ideali morali, amore spettrale e in costante lotta drammatica con passioni peccaminose.

Generi della Chiesa

CORAL GRIGORIA. C'erano molte opzioni per le canzoni della chiesa e i testi latini nella chiesa paleocristiana. C'era bisogno di creare un singolo rituale di culto e la corrispondente musica liturgica. Questo processo è stato completato da 6 e 7 VV. Papa Gregory I. Tunes della chiesa, selezionati, canonizzati, distribuiti all'interno dell'anno della Chiesa, ammontava all'arco ufficiale - Antifoneary. Le melodie corali incluse divennero la base del canto liturgico della Chiesa cattolica e ottenuto il nome del corale gregoriano. È stato eseguito da un coro dai capelli con un lato o da un ensemble di voci maschili. Lo sviluppo dell'umorismo è tranquillo e si basa su variando l'altoparlante iniziale. Il ritmo libero della melodia è subordinato al ritmo delle parole. Testi - Prosaic in latino, il cui suono stesso ha creato estensione da tutto il mondo. Movimento melodico liscio Se appaiono piccoli salti, compensano immediatamente il movimento nella direzione opposta. Le melodie dei canti gregoriani vengono disintegrati in tre gruppi: una recitazione, dove ogni sillama del testo corrisponde a un suono della fossa, salmodia, dove sono permesse alcune sillabe e l'anniversario, quando le sillabe sono state versanti in complessi schemi melodici, più spesso "alleluia" ("lode a Dio"). Di grande importanza, come in altri tipi di arte, ha un simbolismo spaziale (in questo caso, "Top" e "Bottom"). L'intero stile di questo canto con un lato, l'assenza di un "secondo piano" in esso, la "prospettiva del suono" ricorda il principio di un'immagine piana nella pittura medievale.
Inno . La palestra che fiorisce è 6 V. Gli inni, distinti per maggiore immediatezza emotiva, portò lo spirito dell'arte mondana. Erano basati sulle melodie di un magazzino del brano vicino a folk. Alla fine del V secolo, furono espulsi dalla Chiesa, ma per secoli esistono come musica extra-lavorata. Il ritorno di loro alla fonte della chiesa (9b.) Era una specie di concessione ai sentimenti mondani dei credenti. A differenza di Choralov, gli inni si basarono sui testi poetici e appositamente composti (e non presi in prestito dai libri sacri). Ciò ha determinato la struttura più chiara dei brani, oltre a una maggiore libertà della melodia, non subordinata a ciascuna parola del testo.
Mesa.. La massa rituale è stata piegata per molti secoli. La sequenza delle sue parti nelle caratteristiche principali è stata determinata da 9 V., l'aspetto finale del Mesa acquisito solo dal XI secolo. Durevole è stato il processo di formare la sua musica. Il tipo più antico di canto liturgico - Psalmody; Direttamente associato all'azione liturgica stessa, suonava in tutto il servizio ed è stata eseguita da sacerdoti e cantanti della Chiesa. L'introduzione di inni ha arricchito la massa di musica musicale. Evidenziato Haymaker sembrava in alcuni momenti del rituale, esprimendo i sentimenti collettivi dei credenti. All'inizio hanno cantato i loro parrocchiani stessi, in seguito - un coro della Chiesa professionista. L'impatto emotivo degli inni era così forte che gradualmente cominciarono a sopportare il Salmody, prendendo il posto nella musica della Mascia. Era sotto forma di inni, cinque parti principali della massa (il cosiddetto ordinario) ha preso forma.
I. "Kyrie Eleison"("Signore, Pomemui") - Molver per il perdono e il perdono;
II. "Gloria"("Gloria") - l'inno grato del creatore;
III. "Credo"("Io credo") - la parte centrale della liturgia, che stabilisce i principali dogmi del credo cristiano;
IV. "Sanctus" ("Santo") - una solenne esclamazione solenne ripetuta di tre anni, che sostituita dall'accogliente esclamazione di "Osanna", che incorniciata l'episodio centrale "Benedictus" ("beato che sta arrivando");
V. "Agnus dei" ("Agnello di Dio") - un altro ampio scio, fedele al sacrificio di Cristo; L'ultima parte è completata con le parole: "Dona Nobis Pacem" ("Dacci il mondo").
Generi silenziosi

Musica vocale
L'arte medievale musicale e poetica era per lo più amatoriale. Ha assunto un sufficiente universalismo: lo stesso uomo era sia un compositore, un poeta e un cantante, e un strumentista, dal momento che la canzone fu spesso eseguita accompagnata da liuto o viola. I testi poetici delle canzoni, in particolare i campioni di Cavaliere, sono di grande interesse. Per quanto riguarda la musica, ha sperimentato l'influenza dei canti Grigoriani, la musica dei musicisti randagi, così come la musica dei popoli orientali. Spesso dagli artisti, e talvolta gli autori della musica delle canzoni dei Troubadur erano giochi che erano guardati con cavalieri, accompagnando il loro canto e l'esecuzione delle funzioni di servitori e assistenti. Grazie a questa cooperazione, i confini stavano cancellando tra le persone e la creatività musicale cavaliere.
Musica dance L'area in cui l'importanza della musica strumentale si è manifestata particolarmente fortemente era la musica musicale. Dalla fine del XII secolo sorgono un certo numero di generi musicali e di danza, progettati esclusivamente per l'esecuzione sugli strumenti. Nessuna vacanza di raccolta, nessun matrimonio o altro costo di celebrazione della famiglia senza danze. Le danze spesso eseguivano sotto cantando da sé danzando o sotto il corno, in alcuni paesi - sotto l'orchestra composta da un tubo, un tamburo, una chiamata, piatti.
Brano. Danza popolare francese. Nel Medioevo è stato il più popolare nelle città e nei villaggi. Poco dopo la sua apparizione, l'attenzione dell'aristocrazia e divenne una danza da ballo. Grazie ai movimenti semplici, Branley potrebbe ballare tutto. I suoi partecipanti si tengono per mano, formando un cerchio chiuso che può essere suddiviso sulla linea, girando in mosse di zigzag. C'erano molti tipi di brano: semplice, doppio, divertente, cavallo, branle Prachk, brano con torce, ecc. Sulla base dei movimenti di Beran, gavot, paspie e burre sono stati costruiti, da Branles gradualmente sorge.
Stella. La danza ha eseguito pellegrini che sono venuti al monastero per adorare la statua della Vergine Maria. Si fermò sulla cima della montagna illuminata dal sole, e sembrava che la luce ultraterra lo scorre da lei. Da qui il nome della danza (Stella - dal lat. Star). Le persone ballavano in un unico impulso, scioccato dalla magnificenza e dalla purezza della madre di Dio.
Karol. Era popolare in 12 V. Karol - Cerchio aperto. Durante l'esecuzione di Karol Dancing ha cantato, si tengono per mano. Davanti alla danza è stato camminato. Chorus ha eseguito tutti i partecipanti. Il ritmo della danza era liscia e lento, poi diminuito e passò a correre.
Dancing Death. Nel periodo del tardo Medioevo nella cultura europea il tema della morte è diventato piuttosto popolare. L'epidemia di peste, portando un enorme numero di vite ha colpito l'atteggiamento nei confronti della morte. Se prima fu consegnata dalla sofferenza terrena, poi nel XIII secolo. Era percepita con l'orrore. La morte è stata raffigurata in disegni e incisioni sotto forma di immagini spaventose, discusse nei testi delle canzoni. La danza viene eseguita in un cerchio. La danza inizia a muoversi, come se la loro forza sconosciuta li implichi. A poco a poco, padroneggiano la musica che la morte della morte sta giocando, iniziano a ballare e cadere alla fine.
Basan deve Promenade Dancing Marches. Indossavano un personaggio solenne ed erano tecnicamente senza complicazioni. Avendo raccolto sul cantante nei loro migliori abiti passati davanti al proprietario, come se fosse dimostrato se stessi e il loro costume - questo era il significato della danza. Le processioni di danza sono fermamente entrate nella vita della corte, senza di loro non c'era un festival.
Estamp. (ethammidi) danze accoppiate, accompagnate da musica strumentale. A volte il "Ethambi" è stato completato da tre: un uomo ha guidato due donne. La musica ha interpretato un ruolo importante. Consisteva in diverse parti e ha causato la natura dei movimenti e il numero di orologi su ciascuna parte.

Trubadras:

Giraut Richier 1254-1292.

Guiraut Riquier - Poeta provenzale, che viene spesso chiamato "Ultimo tubo". Il maestro prolifico e abile (48 delle sue melodie conservate), ma non alieno a tema spirituale e significativamente complicato la sua lettera vocale, rimuovendo dalla canzone. Per molti anni fu al tribunale di Barcellona. Partecipato a una campagna incrociata. Di interesse è anche la sua posizione in relazione all'art. La sua corrispondenza con il famoso patrono delle arti di Alphonse Saggio, re Castiglia e Leon. In esso, si è lamentato che le persone disoneste, il "degradante titolo di giocoliere", spesso mescolato con i conosciuti troubadras. È "vergognosamente e dannoso" per i rappresentanti della "Alta arte della poesia e della musica che possono comporre poesie e creare opere istruttive e incredit". Sotto la spinta della risposta, il re Richier ha suggerito la sua sistematizzazione: 1) "Medici di arte poetica" - il meglio del Trubadurov, "coprendo la strada per la società", gli autori di "versi esemplari e canson, graziosi romanzi e works didattici "Nella lingua parlata; 2) Trubadras che compongono canzoni e musica per loro creare melodie di danza, ballatori, alba e sirvents; 3) I giocolieri si rivolgono al degustazione del nobile: giocano strumenti diversi, raccontano la storia e le fiabe, hanno poesie e cansoni di altre persone; 4) Buffons (Jesters) "La sua bassa arte per le strade e le piazze mostra e si comportano indegne." Rimuovono scimmie qualificate, cani e capre, dimostrano i burattini, imitano la pene degli uccelli. Buffon sta giocando per piccoli aggiudicatori sugli strumenti o whines prima della fortuna ... Viaggiando dal cortile alla corte, senza vergogna, trasferisce pazientemente tutti i tipi di umiliazione e disprezzano le classi piacevoli e nobili.

Rikiera, come molti Troubadurov, ha disturbato la questione delle virtù cavaliere. Ha considerato il massimo vantaggio. "In nessun modo non dico, sono male per il valore e la mente, ma la generosità è tutto eccedente."

I sentimenti di amarezza e fastidio sono bruscamente arricchiti dalla fine del XIII secolo, quando il crollo delle crociate si è trasformato in una realtà ingescana, con la quale era impossibile non essere considerata in cui era impossibile non pensare. "È ora che io finisca!" - in questi versetti (hanno già 1292) hanno espresso la sua delusione da parte della delusione delle imprese di crociata Giraut Richier:
"È venuto a noi un'ora - rovinare la rovina - per lasciare la terra santa!" Il poema "È il momento per me con le canzoni del genere" (1292) è considerata l'ultima canzone Troubadur.

Compositori, musicisti

Guillaume de Masho ok. 1300 - 1377.

Machaut è un poeta francese, un musicista e compositore. Ha servito alla corte del re ceco, con il 1337 fu il Canonon della Cattedrale dei Reimeri. Uno dei musicisti più importanti del tardo Medioevo, la più grande figura dei francesi Ars Nova. Conosciuto come compositore multi-intestato: ha raggiunto i suoi motori, ballads, viros, le, rondo, canoni e altre forme di canzoni (canzoni-dance). La sua musica si distingue per una sofisticata espressività, raffinata sensualità. Inoltre, Masha ha creato il primo della storia della Messa dell'autore (per la Coronazione del re Charles V in Reims in 1364G .. è la prima nella storia della musica da parte della Mesca dell'autore - il pezzo unico e completato il lavoro del Compositore famoso. Nella sua arte, così com'erano, le linee importanti che passano, con un lato, dalla cultura musicale e poetica dei tubi dei condutture e dei tubi nella sua vecchia data, la base, dall'altra, dalle scuole francesi di A Polyphony di 12-13 secoli.

Leonin (metà del XII secolo)

Leonin è un compositore eccezionale, insieme a un peroth appartenente alla scuola di Notre-Lady. La storia ci ha tenuti il \u200b\u200bnome di questo famoso creatore del "Big Book of Orgens", progettato per il cerchio annuale della Chiesa cantando. Leonin Organum ha sostituito il carello cantando all'unisono con solisti di canto a due vocali. I suoi organi a due vocali si sono distinti da uno sviluppo così approfondito, una "coerenza" armoniosa del suono, che era impossibile senza pensieri e registrazione precedenti: nell'arte di Leonin, non era un cantante-improvvisatore, ma un compositore. La principale innovazione di Leonin era un record ritmico, che ha permesso di stabilire un ritmo chiaro principalmente dalla voce in movimento. La natura stessa dei voti principali si è distinta dalla generosità melodica.

Peroten.

Perotina, perotinus - Compositore francese della fine del 12 - 1 ° terzo di 13 secoli. Nei trattati moderni, "Master Peroth Great" (che era destinato, è decisamente sconosciuto, perché c'erano diversi musicisti a cui questo nome può essere attribuito). Arabhs ha sviluppato il genere di un canto multi-voce, che ha stabilito nel lavoro del suo predecessore Leonin, apparteneva anche al cosiddetto parigino, o notre Dame, scuola. I perti hanno creato elevati campioni di un organico melmamatico. Scrisse non solo 2 voti (come Leonin), ma anche 3, saggi a 4 occhi, e apparentemente complicati e arricchiti in ritmo multifrucy e strutturati. I suoi 4 organi vozionali non hanno ancora obbedito alle leggi esistenti della polifonia (imitazione, canone, ecc.). Nell'opera di perothsum c'era una tradizione di canti multi-voce della Chiesa cattolica.

Zokene de Ok. 1440-1524.

Compositore fiammingo Franco. Dalla chiesa della giovane età che canta. Ha prestato servizio in varie città d'Italia (nel 1486-99 Cappelle Papali cantante a Roma) e Francia (Cambone, Parigi). Era un musicista da giudiziario di Luigi XII; Ha ricevuto riconoscimento come maestro di non solo musica di culto, ma anche canzoni secolari, anticipando Chanson francese. Gli ultimi anni di vita è l'abate della cattedrale di Konde-sur-Esco. Zoskien rugiada - uno dei più grandi compositori del Rinascimento, che ha avuto un'influenza versatile sul successivo sviluppo dell'arte dell'Europa occidentale. Riassumendo in modo creativo il raggiungimento della scuola olandese, ha creato gli innovativi saggi di generi spirituali e secolari (massa, motette, salmi, frottols), subordinando un'elevata tecnica polifonica con nuovi compiti artistici. La melodia delle sue opere associate alle fonti di genere è più ricca e sfaccettata rispetto ai precedenti maestri olandesi. "Clearing" in stile polifonico Zoshen rugiada, libero dalla complicazione contropunzionale, era un punto di svolta nella storia della scrittura corale.

Generi vocali

Per l'intera era, in generale, l'ovvia predominanza dei generi vocali e in particolare vocale polifoni. L'abilità insolitamente complessa della rigida polifonia di stile, autentica borsa di studio, la tecnica virtuoso era adiacente all'arte luminosa e fresca della distribuzione domestica. La musica strumentale acquisisce una certa indipendenza, ma la sua dipendenza immediata dalle forme vocali e dalle fonti nazionali (danza, canzone) sarà superata solo leggermente in seguito. I grandi generi musicali rimangono associati al testo verbale. L'essenza dell'umanesimo rinascimentale si rifletteva nella composizione delle canzoni del Chorus nello stile di Fottol e Vilall.
Generi di danza

Nell'era del revival della danza delle famiglie acquisisce grande importanza. In Italia, Francia, Inghilterra, in Italia, ci sono molte nuove forme di danza. Vari strati della società hanno le loro danze, producono la loro esecuzione, regole per il comportamento durante le palle, le serate, le festività. La danza del Rinascimento è più complessa dei brani spaiati del tardo Medioevo. Dance (Duet) Dances, costruita su movimenti complessi e figure vengono a sostituire la danza con la danza e la composizione lineare cornuta.
Volta. - Accoppia la danza dell'origine italiana. Il suo nome deriva dalla parola italiana Voltare, il che significa "ruotare". La dimensione è tre tonica, il tempo moderatamente veloce. Il disegno principale della danza è che il cavalier è prontamente e bruscamente trasforma la signora in aria. Questo aumento è solitamente fatto molto alto. Richiede una grande forza e dextercy dal cavaliere, poiché, nonostante la nitidezza e qualche impurità di movimenti, l'aumento deve essere eseguito in modo chiaro e magnificamente.
Gallarda. - Ballo antico di origine italiana, comune in Italia, Inghilterra, Francia, Spagna, Germania. Il tempo del primo Gallurgard è moderatamente veloce, la dimensione del tre tonno. Galjard fu spesso eseguito dopo il compagno, con il quale a volte è stato correlato tematicamente. Gallard 16 V. È sostenuto in una trama melodica-armonica con una melodia nella voce superiore. Le melodie di Gallard erano popolari in ampi strati della società francese. Durante l'esecuzione, gli studenti Serenad Orleans giocano melodie del frammento a lutes e chitarre. Come i carilloni, Galharda indossava il personaggio di un tipo di dialogo di danza. Kavaler si è trasferito intorno alla sala con la sua signora. Quando un uomo si è esibito da solo, la signora rimase in atto. L'assolo maschio consisteva in una varietà di movimenti complessi. Dopo di ciò, si avvicinò di nuovo alla signora e continuò la danza.
Pavana. - Allegare la danza dei 16-17 secoli. Il ritmo è moderatamente lento, dimensioni 4/4 o 2/4. In diverse fonti non c'è consenso sulla sua origine (Italia, Spagna, Francia). La versione più popolare è una danza spagnola che imita i movimenti della marcatura del pavone con una coda splendidamente arrossata. Era vicino a Babdança. Varie marche cerimoniali hanno avuto luogo per la musica del Pavana: gli ingressi delle autorità della città, le spose visibili nella Chiesa. In Francia e in Italia, Pavan è approvato come ballo da corte. Il carattere solenne del Pavana ha permesso alla società della Corte di risplendere alla grazia e alla grazia dei suoi modi e dei suoi movimenti. Persone e borghesia Questa danza non ha funzionato. Pavana, come il menu, è stato rigorosamente nei ranghi. La danza del re e della regina iniziò, poi il Dofin è stato introdotto in esso con una signora notevole, poi i principi, ecc. I cavalieri eseguiti con una parrucca nella spada e in pelletteria. Le signore erano negli abiti anteriori con pesanti TPS lunga, che dovevano essere abilmente proprio durante i movimenti, senza sollevarli dal pavimento. Il movimento della trincea ha fatto le mosse belle, dando al PAWAN una pompa e solennità. Per la regina delle signore approssimative portavano il ciclo. Prima dell'inizio della danza, si presumeva di bypassare la sala. Alla fine della danza, la coppia con fiocchi e inversioni è andata in giro per la sala. Ma prima di indossare un cappello, il cavalier avrebbe dovuto mettere la mano destra sulla spalla della signora, la sinistra (tenendo il cappello) - sulla sua vita e baciarla sulla guancia. Durante la danza, la signora è stata abbassata; Solo di volta in volta guardava il suo cavaliere. Il pavalano più lungo è stato conservato in Inghilterra, dove era molto popolare.
Allemanda. - Danza lenta di origine tedesca in una dimensione di 4 dollari. Appartiene alla massiccia danza "bassa", nepral. Gli artisti divennero coppie l'una con l'altra. Il numero di vapore non è limitato. Kavaler ha tenuto una signora dalle sue braccia. La colonna si muoveva intorno alla sala, e quando raggiunse la fine, i partecipanti hanno fatto un giro sul posto (non separando le mani) e continuò la danza nella direzione opposta.
Kuranta. - Ballo del tribunale di origine italiana. Il quarant era semplice e complicato. Il primo consisteva in gradini semplici e brillanti che si sono esibiti principalmente in anticipo. Il complesso chimes era un personaggio pantomimico: tre cavalieri sono stati invitati a tre signore per partecipare alla danza. Le signore furono assegnate all'angolo opposto della sala e chiese di ballare. Le signore hanno rifiutato. I cavalieri, avendo ricevuto un rifiuto, andarono, ma poi tornarono di nuovo e divennero davanti alle donne in ginocchio. Solo dopo la scena Pantomimen iniziò la danza. I campioni dei tipi italiani e francesi differiscono. Quartante italiano - Una danza rianimata di 3/4 o 3/8 con un semplice ritmo in una trama armonica di melodia. Francese - Danza solenne ("Dance of Manners"), lagolazione predominale liscia. Dimensione 3/2, ritmo moderato, struttura polifonica abbastanza sviluppata.
Sarabanda. - Danza popolare 16 - 17 secoli. È successo dalla danza femminile spagnola con i kastagneti. Originariamente accompagnato dal canto. Il famoso Balletmaster e l'insegnante Karlo Blazis in una delle loro opere danno una breve descrizione di Sarabanda: "In questa danza, tutti sceglie una signora a cui non è indifferente. La musica dà un segnale, e due amanti eseguono il ballo, nobile, misurato , Tuttavia, l'importanza di questo ballo non interferisce con piacere, e la modestia gli dà ancora più graziosità; le opinioni di tutti sono felici di essere seguite dalla danza che svolgono varie figure, esprimono tutte le fasi dell'amore con il loro movimento. " Inizialmente, il ritmo di Sarabanda era moderatamente veloce, in seguito (dal 17 ° secolo) c'era un sarabando francese lento con un caratteristico motivo ritmico: ...... nella sua patria Sarabanda è entrata nella categoria di danze oscene e nel 1630. È stato bandito dal Consiglio Castigliano.
Zhiga. - Dance of English Origine, il più veloce, tre tel, trasformandosi in triolity. Inizialmente, l'album era una danza del paio, tra i marinai si diffonde come una danza solista molto rapida di una natura comica. Più tardi è nella musica strumentale come parte finale dell'antica suite di danza.

Generi vocali

Le caratteristiche barocche più ovvie si sono manifestate in quei generi in cui la musica si intreccia con altre arti. Questi erano, prima di tutto, Opera, Oratoria e tali generi di musica spirituale, come Passonese e Cantata. Musica in congiunzione con la parola, e nell'opera - con costumi e decorazioni, cioè con elementi di pittura, arte applicata e architettura, sono stati chiamati ad esprimere il complesso mondo spirituale dell'uomo, vissuto dai complessi e diversi eventi . Quartiere di eroi, divinità, azione reale e irrembale, tutti i tipi di magia erano naturali per il gusto barocco, erano la più alta espressione di variabilità, dinamismo, trasformazione, miracoli non erano elementi esterni, puramente decorativi, ma erano una parte indispensabile dell'articolo sistema.

Musica lirica.

Opera Genere ha ricevuto la più grande popolarità in Italia. Un gran numero di teatri d'opera sono stati aperti, che era un fenomeno straordinario e unico. Innumerevoli, drappeggiati da pesanti logge di velluto, recintato con una barriera di Parterter (dove in quel momento è rimasto, e non si sedette) che hanno raccolto durante le 3 operazioni di seasons quasi tutta la popolazione della città. Le logge sono state acquistate per l'intera stagione dei cognomi patriziani, una persona semplice era affollata nella parter, a volte viscata gratuitamente - ma tutti si sentivano a proprio agio, nell'atmosfera di un festival continuo. C'erano buffet, divani, tavoli solitari per giocare a "Pharaoh"; Ognuno di loro è collegato con locali speciali, dove il cibo si stava preparando. Il pubblico è andato alle casette vicine come una visita; Incontri, gli intrighi di amore sono iniziati qui, le ultime notizie sono state scambiate, un gioco di carte è stato scambiato per grandi soldi, ecc. E sul palco, un lussuoso spettacolo extranarario è stato schierato, progettato per influenzare la mente e i sentimenti del pubblico, a cantare vista e udito. Il coraggio e il valore degli eroi dell'antichità, le favolose avventure di personaggi mitologici sono apparse prima di ammirare gli ascoltatori in tutta la magnificenza del design musicale e decorativo, ottenuto per quasi un'esistenza di controversia del teatro dell'opera.

Arrivando sul risultato del XVI secolo a Firenze, nel cerchio ("Camerata") di umanisti, poeti e compositori, Opera diventa presto il principale genere musicale d'Italia. Un ruolo particolarmente importante nello sviluppo dell'opera svolto da K. Monteverdi, che ha lavorato a Mantu e Venezia. I due dei suoi più famosi lavori di palcoscenico, "Orpheus" e "Coronazione di Poppai" sono segnati dalla sorprendente perfezione della drammaturgia musicale. Nella vita di Monteverdi a Venezia c'era una nuova scuola di opera guidata da F. Kawalli e M. onore. Con l'apertura nel 1637 a Venezia del primo teatro pubblico di San Cassiano, c'è stata un'opportunità per raggiungere l'Opera chiunque abbia comprato un biglietto. A poco a poco, il significato dei momenti spettacolari, esternamente spettacolari aumenta a scapito degli ideali antichi di semplicità e naturalezza, ispirati ai ritardanti aperti del genere dell'opera. Enorme sviluppo riceve una tecnica di produttore, che consente le più fantastiche avventure di eroi in scena - fino ai naufragi, i voli per via aerea, ecc. Grande, scenario colorato, creando l'illusione delle prospettive (la scena dei teatri italiani era una forma ovale), Trasferito lo spettatore in palazzi favolosi e sulle distese marittime, in misteriosi dungeon e giardini magici.

Allo stesso tempo, nell'opera musicale, una crescente enfasi è stata fatta presso l'inizio da parte della voce solista, presentata a se stesso i restanti elementi di espressività; Questo nel futuro ha inevitabilmente portato all'entusiasmo di virtuosismo vocale autosufficiente e una diminuzione degli effetti drammatici, che spesso divennero solo una ragione per la dimostrazione di dati vocali fenomenali dei cantanti. In conformità con gli abitudini, i cantanti-castrati eseguiti come salti che si sono esibiti e dalle parti da uomo e dalle donne. La loro esecuzione ha combinato il potere e glitter delle voci degli uomini con facilità e mobilità delle donne. Questo uso di voti elevati nelle parti del magazzino coraggioso-eroico era tradizionale e non percepito come innaturale; È diffuso non solo nella Roma papale, dove le donne ufficialmente vietate a esibirsi nell'opera, ma anche in altre città d'Italia.

Dalla seconda metà del 17 ° secolo Il ruolo guida nella storia del teatro musicale italiano procede all'opera napoletana. I principi sviluppati dai compositori napoletani sono i principi dei drampture dell'opera diventa universale, e l'opera napoletana è identificata con il tipo nazionale dell'opera italiana Seria. Un ruolo enorme nello sviluppo della scuola opera napoletana è stata interpretata dal giardino d'inverno, è cresciuto da rifugi per gli orfani a speciali istituzioni educative musicali. Hanno prestato particolare attenzione alle classi con cantanti, che includevano la formazione in aria, sull'acqua, in luoghi rumorosi affollati e dove l'eco, come lo era, controllato il cantante. La lunga striscia di brillanti vocalisti virtuoso - gli animali domestici del conservatorio - diffondono la fama della musica italiana e "eccellente canto" per il mondo intero (bel canto). Per l'opera napoletana, il Conservatorio ha costituito una costante riserva di personale professionale, erano la chiave per il suo aggiornamento creativo. Tra i numerosi compositori dell'opera italiana dell'era barocca, il fenomeno più eccezionale era Claudio Monteverdi. Nei suoi lavori successivi, i principi di base del lavoro di opera dell'opera e varie forme di canto da solista dell'opera, che avrebbero dovuto seguire la maggior parte dei compositori italiani del XVII secolo.

Genry Pörswell era genuino e l'unico creatore dell'opera national britannica. Ha guidato un gran numero di opere teatrali, inclusa l'unica opera - Didona e Eney. "Didona e Eney" - quasi l'unica opera inglese senza inserti e dialoghi pronunciati, in cui un'azione drammatica dall'inizio della fine è messa sulla musica. Tutte le altre produzioni musicali e teatrali di Peresella contengono dialoghi conversazionali (nel nostro tempo tali opere sono chiamate "musical").

"L'opera - la sua deliziosa posizione è un paese di trasformazioni; in un batter d'occhio, le persone diventano dei, e gli dei diventano persone. Non c'è modo di viaggiare nei paesi, perché il paese sta viaggiando di fronte a lui . Sei annoiato in un terribile deserto? Istantaneamente solido fischietto ti tollera nei giardini idylli; l'altro di voi dall'inferno nella dimora degli dei conducono: un altro altro - e tu sei nel villaggio di Fay, le fate dell'Opera sono affascinate Come i volti delle nostre fiabe, ma la loro arte è più naturale ... "(Dufrena).

"Opera - La performance è strana, che magnificamente, dove gli occhi e le orecchie sono più soddisfatti della mente; dove la sopravvivenza della musica è divertente assurdità, dove, quando la città è distrutta, gli Arias cantano, e intorno alla tomba danzante ; dove si vede il plutone e i palazzi del sole, così come dei, dei demoni, dei maghi, delle mandali, della stregoneria, i palazzi sono costruiti e distrutti in un batter d'occhio. Queste stranezze soffrono e addirittura ammirano, per l'opera - Paese Fay " (Voltaire, 1712).

Oratorio

Ocaker, incluso spirituale, i contemporanei erano spesso percepiti come un'opera senza costumi e paesaggi. Tuttavia, gli oratori di culto e la passione sembravano nei templi, dove il tempio stesso e le versioni dei sacerdoti servivano e paesaggi e vestiti.

Oratoria ed era principalmente un genere spirituale. La parola Oratoria stessa (It. Oratorio) proviene dall'oratorio Latelatinsky - "Mellery", e latino-wow - "Dico, prega." Oratorion nacque allo stesso tempo di Opera e Canta, ma nel tempio. Il suo predecessore era il dramma liturgico. Lo sviluppo di questa azione della Chiesa è andata in due direzioni. Da un lato, un acquisto sempre più è comune, si è gradualmente trasformato in una rappresentazione comica. D'altra parte, il desiderio di preservare la gravità della comunicazione di preghiera con Dio tutto il tempo spinto alla statica della performance, anche con la trama più sviluppata e drammatica. Questo ha portato, in definitiva, all'emergere di un Oratorio come un primo tempio indipendente, primo tempio, e poi un genere di concerti.

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Conservatorio dello stato Petrozavodsk (Accademia). A.k. Glazunov.

astratto

Sull'argomento: "Musica del Medioevo"

Eseguito: Studente Iyina Julia

Docente: A.I. Tokunov.

introduzione

Musica del Medioevo - il periodo di sviluppo della cultura musicale, che copre un periodo di tempo da circa V al XIV secolo d.C.

Il Medioevo è una grande era della storia umana, il tempo del dominio del sistema feudale.

Periodo di cultura:

Inizio medievale - V - secoli.

Medioevo maturo - XI - XIV secoli.

Nel 395, l'Impero Romano ha rotto due parti: Western e orientale. Nella parte occidentale delle rovine di Roma nei secoli V-IX, c'erano stati barbari: affilatori, modalità, franchi, ecc. Nel IX secolo, tre stati sono stati formati nel decadimento dell'Impero Karl Great qui: Francia, Germania, Italia. Costantinopoli divenne la capitale, fondata dall'imperatore Konstantin sul sito della colonia greca di Byzantium - da qui e il nome dello stato.

Nell'era del Medioevo in Europa c'è una nuova cultura musicale di tipo - un feudale, combinando arte professionale, musica amatoriale e folklore. Dal momento che la Chiesa prevale in tutte le aree della vita spirituale, la base dell'arte musicale professionale è le attività dei musicisti nei templi e nei monasteri. L'arte professionale secolare è stata presentata in primo luogo solo cantanti che creano ed eseguono leggende epiche al cortile, nelle case di conoscenza, tra i guerrieri, ecc. (Barcs, scottature, ecc.). Nel tempo, le forme amatoriali e semi-professionali di malitalizzazione della cavalleria si stanno sviluppando: in Francia - l'arte del Trubadurov e dei trover (Adam de la, il XIII secolo), in Germania - Minnesinger (Tungsten von Eschenbach, Walter von der Foelweid, Xi- XIII secolo) e anche artigiani urbani. Nelle serrature feudali e nelle città vengono coltivate ogni sorta di parto, generi e forme di canzoni (epope, "Dawn", Rondo, Le, Velel, ballatori, chancies, terre, ecc.).

Nuovi strumenti musicali sono inclusi nella vita, compresi quelli che provenivano da est (viola, liuto, ecc.), Ensembles (composizioni instabili) sorgono. Folklores fiorisce nel mezzo contadino. "I professionisti delle persone" operano: l'osservanza degli artisti sintetici erranti (juggle, mimi, menestrelli, spipens, briciole). La musica ribadisce principalmente le funzioni applicate e spirituali e pratiche. La creatività si esibisce nell'unità con l'esecuzione (come regola in una sola persona).

A poco a poco, anche se lentamente, il contenuto della musica, i suoi generi, le forme, i mezzi di espressività sono arricchiti. Nell'Europa occidentale dai secoli VI-VII. C'è un sistema rigorosamente regolato di musica chiesa mono-voce (monodica) sulla base di terre diatoniche (canto grorior), che combina la recitazione (salmodia) e cantando (inni). Alla fine del 1 ° e 2 ° millennia sono nati multi-raggi. I nuovi generi vocali (coro) e vocali-strumentali (coro e organo) sono formati: organi, Mott, condotta, poi mesia. In Francia nel XII secolo, la prima scuola compositore (creativa) è formata con la cattedrale della Madre di Dio di Parigi (Leonin, Arati). Alla fine del Rinascimento (stile Ars Nova in Francia e in Italia, il XIV secolo) Nella musica professionale di un multi-viaggio con i capelli con i capelli, la musica inizia a essere liberata dalle funzioni puramente pratiche (manutenzione di riti della Chiesa), aumenta l'importanza di generi secolari, comprese canzoni (Gille de Masha).

La base materiale del Medioevo è stata una relazione feudale. La cultura medievale è formata nelle condizioni di una tenuta rurale. In futuro, la base sociale della cultura diventa l'ambiente urbano - Burgemi. Con la formazione degli stati, la domanda principale è formata: clero, nobiltà, persone.

L'arte del Medioevo è strettamente connessa con la Chiesa. Christian Creed è la base della filosofia, dell'etica, dell'estetica, dell'intera vita spirituale di questo periodo. Pieno di simboli religiosi, l'arte è diretta da terreni, transitori a spirituali, eterni.

Insieme alla cultura ufficiale della Chiesa (alta), c'era una cultura laica (inferiore) - folk (strati pubblici inferiori) e knightly (Courti).

I fuochi principali della musica professionale del primo medioevo - cattedrali, cantando scuole in loro, i monasteri sono gli unici centri per la formazione di quel tempo. Hanno studiato greco e latino, aritmetico e musica.

Il centro principale della musica della Chiesa nell'Europa occidentale nell'epoca del Medioevo era Roma. Alla fine del VI - primo secolo VII. La principale varietà della musica occidentale della Chiesa europea è formata - corale gregoriana, chiamato così chiamato Papa Gregory I, che ha effettuato la riforma della chiesa che canta, raccogliendo insieme e snellando vari canti della chiesa. Grigorian Choral è un canto cattolico dai capelli singoli, che ha fuso le tradizioni di canto secolari di vari popoli mediorientali ed europei (siriani, ebrei, greci, romani, ecc.). Era il liscio implementazione dai capelli singoli di una singola melodia che era destinata a personificare la volontà unita, al focus dell'attenzione dei parrocchiani in conformità con i dogmi del cattolicesimo. Il carattere della musica è severo, straordinario. È stato eseguito da coro coro (da qui il nome), alcune sezioni - solista. Prevale ad adulto sulla base di tasti diatonici. Il canto gregoriano ha permesso a molte gradazioni, che vanno dalla dura-slow slow Psalmody e finendo con gli anniversari (sillaba della sillaba di fusione) che richiedono abilità vocali virtuose per le sue prestazioni.

Il canto Grigoriano dà un ascoltatore dalla realtà, causa l'umiltà, conduce alla contemplazione, all'estensione mistica. Tale impatto contribuisce al testo in massa latina, incomprensibile dei parrocchiani. Il ritmo del canto è stato determinato dal testo. È vago, indefinito, a causa del carattere degli accenti di registrazione del testo.

I diversi tipi di canto gregoriano sono stati riassunti nel culto principale della Chiesa cattolica - Messe, in cui sono state stabilite cinque parti stabili:

Kyrie Eleison (Signore, Pomelia)

Gloria (gloria)

Credo (credi)

Sanctus (santo)

Agnus dei (Agnello di Dio).

Nel corso del tempo, gli elementi della musica folk attraverso gli inthems, le sequenze e i sentieri iniziano a perdite nel corale gregoriano. Se la Psalmodia è stata eseguita da un coro professionale di cantanti e clero, allora gli inni all'inizio sono parrocchiani. Erano inserimenti in culto ufficiale (erano inerenti alle caratteristiche della musica folk). Ma presto i grammi della massa cominciarono a spingere il salmodico, che ha portato all'aspetto della massa polifonica.

Le prime sequenze erano a valle sotto la melodia dell'anniversario in modo che un suono della melodia avrebbe una sillaba separata. La sequenza diventa un genere comune (il più popolare "Veni, Santa Spiritus", "Dies Irae", "Stabat Mater"). "Dies Irae" usato Berlioz, foglia, Tchaikovsky, Rachmaninov (molto spesso come simbolo della morte).

I primi campioni di polifonia si sono verificati dai monasteri - organi (movimento di quinta o quarti paralleli), Gimel, Fogrammasdon (parallelo sestaccord), condotta. Compositori: Leonin e Arabhs (12-13 secoli - Cattedrale della madre parigina di Dio).

I portatori della musica folk secolare nel Medioevo erano mimi, juggle, menstrelli in Francia, guglie - nei paesi della cultura tedesca e Chogres - in Spagna, Scomerculos - in Russia. Questi artisti erranti erano master universali: hanno combinato canto, danza, gioco su vari strumenti con focus, arte del circo, teatro dei burattini.

L'altro lato della cultura laica era una cultura knightly (corteriosa) (cultura del feudale secolare). I cavalieri erano quasi tutte le persone nobili - dai poveri guerrieri ai re. Un codice speciale del cavaliere è formato, secondo il quale il cavaliere, insieme al coraggio e al valoro, avrebbe dovuto possedere maniere squisite, per essere educati, generosi, generosi, per servire come una signora eccellente. Tutti i lati della vita cavalziosa si riflettono nell'arte musicale e poetica del Trubadov (Provenza - Southern France), conducenti (Francia del Nord), Minners (Germania). L'arte di Trubadurov è principalmente connessa con i testi di amore. I testi del genoma of love più popolari è stato Chancend (a Minnesinger - "Morning Songs" - Alba).

Trombe, ampiamente utilizzando la ricerca di Troubadur, ha creato i loro generi originali: "Songs tessive", "May Songs". L'area importante dei generi musicali di Troubadurov, drovers e Minneseringer era il canto e i generi di danza: Rondo, Ballad, VISELLE (forme riunioni), così come Eroic EPos (Francese Epos "Song di Roland", Tedesco - "Canzone di Nibelunga "). I Minnesiani avevano le canzoni dei crociati.

Caratteristiche caratteristiche dell'arte del Troubadurov, Drovers e Minnezinger:

Unidirezionale - è una conseguenza della comunicazione inseparabile della voce con il testo poetico, che segue la stessa essenza dell'arte poetica della musica. Una singola banda corrispondeva all'installazione su un'espressione individualizzata delle proprie esperienze, alla valutazione personale del contenuto della dichiarazione (spesso l'espressione delle esperienze personali è stata incorniciata dallo delineando i dipinti naturali).

Per lo più esecuzione vocale. Il ruolo degli strumenti non è stato significativo: è stato ridotto all'adempimento dell'entrata, dell'intermedia e dell'intermedia e degli inganni vocali incorniciati.

Informazioni sull'arte del cavaliere non può essere speso sia per il professionista, ma per la prima volta nel contesto della musiization secolare, una potente direzione musicale e poetica è stata creata con un complesso sviluppato di mezzi espressivi e una scrittura musicale relativamente eseguita.

Uno degli importanti risultati del Medioevo Maturo, a partire dai secoli X-XI, lo sviluppo delle città (Cultura Burgher) era lo sviluppo delle città. Le caratteristiche principali della cultura urbana erano anti-carcal, liberazione di orientamento, connessione con folclore, le sue risate e carattere di carnevale. Sviluppa stile architettonico gotico. Nuova forma di generi di polifonia: da 13-14 a 16 secoli. - Motet (da Franz. - "Word". Per il Mott. Tipicamente vivaio melodico dei voti che ha intonificato diversi testi - spesso anche in lingue diverse), Madrigal (da Ital. - "Canzone nella lingua madre", I.e. Italiano. Italiano. Italiano Lyubovoy-lirical, pastorale), Kachche (da Ital. - "Caccia" è un gioco vocale sul testo, la caccia alla pittura).

I musicisti vagabondiolosi folk si stanno muovendo da uno stile di vita nomade per un sistema sistemato, popolando interi blocchi di città e aggiungere i peculiari "negozi musicisti". A partire dal XII secolo, i Vagatants e Goliada sono stati uniti ai musicisti popolari - dichiarati immigrati da diverse classi (Scholas-studenti, runchays, clerici erranti). A differenza delle juggle analfabete - i rappresentanti tipici dell'arte della tradizione orale - vaganti e Goliada erano competenti: possedevano il linguaggio latino e le regole delle poesie classiche, la musica composta - canzoni (il cerchio delle immagini è associato alla scienza scolastica e alla vita studentesca) e persino Composizioni complesse di tipo di condotti e moti.

Le università sono diventate un significativo focus della cultura musicale. Musica, più precisamente - acustica musicale - insieme ad astronomia, matematica, fisico è entrato nel quadio, cioè. Il ciclo di quattro discipline ha studiato presso le università.

Così, nella città medievale c'erano vari fuochi di cultura musicale nella natura e nell'orientamento sociale: associazione di musicisti popolari, musica da giudiziaria, musica di monasteri e cattedrali, pratica musicale universitaria.

La teoria della musica del Medioevo era strettamente collegata alla teologia. In pochi trattati musicali e teorici, la musica era considerata come un "servo della Chiesa". Tra i trattati prominenti del primo medioevo, 6 libri "sulla musica" Augustine, 5 libri "sugli insediamenti musicali" e altri sono stati evidenziati. Un posto grande in questi trattati è stato pagato alle questioni scolastiche astratte, agli insegnamenti sul ruolo spaziale di musica, ecc.

Il sistema medievale del piede è stato sviluppato da rappresentanti dell'arte musicale professionale della Chiesa - quindi, il nome "Church Staks" era radicato per tasti medievali. Ionian ed Eolic ed Eolista sono stabiliti come i tasti principali.

La teoria della musica del Medioevo ha proposto la dottrina di Hexahorda. In ogni Lada, sono stati utilizzati 6 passi in pratica (ad esempio: A, RE, MI, FA, Sale, LA). Xi poi evitato, perché Cibo insieme con la mossa della FA sull'aumento del litro, che era considerato molto intatto e figurativamente chiamato il "diavolo nella musica".

La registrazione incorporabile è stata ampiamente utilizzata. Guido Aretinsky ha migliorato un sistema di registrazione del serbatoio. L'essenza della sua riforma era la seguente: la presenza di quattro linee, la relazione territrice tra le singole linee, il segno chiave (inizialmente alfabeto) o la colorazione delle linee. Ha anche introdotto la notazione dei fanghi per i primi sei livelli di Lada: UT, RE, MI, Fa, Sale, La.

La notazione menzular è stata introdotta, dove una determinata misura ritmica è stata fissata per ogni notevole (lat. Mensura - misura, misurazione). Nome delle Durazioni: Maxim, Long, Brevis, ecc.

Il XIV secolo è il periodo di transizione tra il medievale e l'era della rinascita. L'arte della Francia e dell'Italia del XIV secolo ricevette il nome "Ars Nova" (dal Lat. - Nuova arte), e in Italia, ha tutte le proprietà del revival precoce. Caratteristiche di base: rifiuto di utilizzare esclusivamente generi di musica della Chiesa e appello ai generi da camera strumentale da vocali secolari (Ballad, Kachche, Madrigal), riavvicinamento con suole domestiche, l'uso di vari strumenti musicali. Ars Nova è opposto al cosiddetto. Ars Antikva (Lat. Ars Antiqua è la vecchia arte), implicando l'arte musicale prima dell'inizio del XIV secolo. I maggiori rappresentanti dell'Ars Nova erano Guillaume de Masho (14 ° secolo, Francia) e Francesco Landino (XIV secolo, Italia).

Così, la cultura musicale del Medioevo, nonostante la relativa limitazione dei fondi, è un livello più alto rispetto alla musica del mondo antico e contiene i prerequisiti per la magnifica fiorente dell'arte musicale nell'era rinascimentale.

museo musicale Grigorian Troubadur

1. Nozioni di base

Troubadura. (Trobadours francesi, da OKS. Trobar - per lanciare poesie) o, poiché spesso vengono chiamati, i minerstri sono poeti e cantanti del Medioevo, il cui lavoro copre un periodo di tempo dall'undicesimo al tredicesimo secolo, e inizia la sua fiorente fiorente nel dodicesimo, e finisce all'inizio del XIII secolo. L'arte del Trubadurov è nata nella parte meridionale della Francia, il suo centro principale era la regione della Provenza. I Trubadras hanno composto le loro poesie sull'addor del linguaggio OK - romanico, che è stato distribuito in Francia a sud della Loira, così come nel quartiere con regioni in Francia d'Italia e Spagna. I troubadours erano partecipanti attivi nella vita sociale, religiosa e politica della società. Sono stati perseguiti per aver criticato la Chiesa. La fine della loro arte è stata messa sulla crociata albigoiana nel 1209-1229. L'arte del Trubadov era relativamente creatività dei tubi. Comprendendo nelle regioni meridionali della Francia sotto le stesse condizioni storiche della musica del Troubadurov, le opere lirico dei dreso hanno avuto molto in comune con lei. Inoltre, i tubi erano situati sotto la destra e una forte influenza della poesia del Troubadur, che è stato determinato da intenso scambio letterario.

Minnezinger - Poeti liricini tedeschi, cantanti, cantando il cavallerizzo, amore per la signora, servendo Dio e suzer, crociate. I testi di Minnesinger sono sopravvissuti finora, per esempio, nel manoscritto Heidelbergian. La parola "minnezang" è usata in diversi valori. In senso lato, il concetto di Minnezang unisce diversi generi: testi secolari cavalziosi, amore (in latino e tedesco) poesia di Vagatants e Spielmanov, così come la poesia più tardi "tribunale (tribunale) poesia del villaggio" (Htcfische Dorfpoesie). In senso stretto, sotto Minnezang, è inteso uno stile completamente concreto del testicolo tedesco Knightly, la letteratura della Corte derivante sotto l'influenza della Provenza Troubadur, Francia e Flemishi.

musica folk(o folklore, inglese folklore) - musica e creatività poetica della gente. È parte integrante del folclore e allo stesso tempo si accende nel processo storico della formazione e dello sviluppo della cultura musicale iconica e laica, professionale e di massa. Alla conferenza del Consiglio internazionale della musica popolare (inizio degli anni '50), la musica folk è stata definita come un prodotto di una tradizione musicale, formata nel processo di trasmissione orale da tre fattori - continuità (continuità), opzionale (variabilità) e Selettivo (selezione del supporto). Deliziose tradizioni musicali orali e scritte. Dal momento che lo sviluppo di tradizioni musicali scritte, si verifica un'influenza reciproca costante delle culture. Così, la musica folk esiste in un certo territorio e in un particolare momento storico, cioè, è limitato allo spazio e al tempo, che crea un sistema di dialetti musicali e foltari in ogni cultura musicale popolare.

Canto groriano. (Lat. Cantus Gregorianus; inglese. Cancello gregoriano, fr. Chant Grigorien, It. Gregorianischer Gesang, Ital. Canto Gregoriano), coro gregoriano [Cantus Planus - il tradizionale canto liturgico della Chiesa cattolica romana. Termino "Grigorian Singing" si accende. Behalf Gregory I Great (Papa nel 590-04), che la tradizione medievale attribuiva alla paternità della maggior parte dei canti di liturgia romana. Il ruolo di Gregory è stato davvero limitato, a quanto pare, solo la preparazione dell'uso liturgico, possibilmente antifoneary. La parola Khoral in russo è usata espressamente (spesso nel senso di elaborazione di quattro voci di canzoni della chiesa luterano, anche nei magazzini musicali - nella frase "magazzino corale" [significato, multi-versante]), quindi è consigliabile Utilizzare l'autentico termine medievale sul canto Planus per riferirsi alla alternanza liturgica dei cattolici (cosa può essere tradotto in russo come "Bias liscio", "Bulling liscio", ecc.).

Secondo il grado di disintegrazione (liturgico) il testo dei canti è diviso in sillabico (1 tono sulla sillaba del testo), la mancanza di vita (2-3 toni per sillaba) e il melimmatico (numero illimitato di toni sulla sillaba) . Il primo tipo include esclamazioni ricultivative, Psalms e la maggior parte degli uffici antifloidi, al secondo - per lo più introiti, i comuni (coinvolti antifone) e alcuni canti ordinari di massa, al terzo - grandi intervistati di devilazione e massa (cioè graduals), percorsi Aliluya e altri.

Musica spirituale bizantina. L'Apostolo Paolo testimonia che i primi cristiani hanno sfidato Dio in Psalms, inni e canti spirituali (EF. 5, 19). Quindi, la musica è stata usata sempre nella Chiesa. Lo storico della Chiesa di Eusevia scrive che i Psalms e i canti sono stati creati dai credenti "fin dall'inizio per glorificare il Signore". Insieme con l'antico linguaggio greco per la compilazione di inni, i poeti cristiani usavano l'antica musica greca, che è stata distribuita poi in tutto il mondo illuminato. I grandi padri dei tre primi secoli, come St. Ignatius Goderproof, St. Justin Philosopher, St. Irene, St. Grigory Bishop Neokeesmansky, The Wonderworker, ha mostrato un interesse speciale per il Salmo. Un posto speciale nella tradizione di canto è occupato da St. John DamaSkin (676-756), che, oltre a ciò che hanno scritto i bellissimi canti, la musica della Chiesa sistematizzata. Divideva la musica per otto bicchieri: il primo, il secondo, il terzo, il quarto, il primo plaid, il secondo plaid, il terzo plaidale (o Varisa) e il quarto plaidale, e fissano la strada per registrare musica usando segni speciali. Saint John DamaSkin ha limitato il saggio di musica non autorizzato, mondano della musica e ha difeso la sua semplicità e pietà.

2. Strumenti musicali dell'Europa medievale

Shalmey è apparso nel XIII secolo, sul dispositivo è vicino a Crochgorn. Per comodità nella parte superiore del tronco, una piegatura speciale chiamata "Pirouette" (c'è qualcosa di simile al sassofono moderno). Da otto fori per le dita, la valvola ha chiuso una chiusa, che ha anche facilitato il processo di gioco. Successivamente, le valvole hanno iniziato ad usare in tutti i venti di legno. Il suono di Shalmeya Sharp e squillante e persino basso verso il registro dello strumento sembra vedere il moderno ascoltatore rumoroso e acuto.

Vari flauti di carburante erano molto popolari. Sono chiamati longitudinali perché, a differenza del flauto trasversale moderno, l'esecutore li tiene in verticale e non orizzontalmente. In flauti, le canne non usano, quindi suonano più silenziose di altre ottoni, ma il loro timbro è sorprendentemente delicato e ricco di sfumature. String Bow Tools Medioevo - Rebec e Fidel. Hanno da due a cinque corde, ma Fidel ha un corpo più arrotondato, ricordando una pera ricordando una pera, e il Rebeind (vicino a Tembre) è più oblunga. Dal XI secolo Trumshit utensile originale conosciuto sul dispositivo. Il nome deriva da due parole tedesche: Trumme - "tubo" e Scheit - "chiamato". Il Trumshite ha un corpo lungo, a forma di cuneo e una stringa. Nel XVII secolo All'interno dell'alloggiamento cominciò a tirare ulteriori stringhe risonanti. Non hanno preso un fiocco su di loro, ma quando si gioca sulla stringa principale, viberarono e ha fatto ulteriori sfumature al timbro della voce. Per la corda c'era un supporto speciale, in cui una gamba era più breve dell'altro, e quindi lo stand era liberamente adiacente al caso. Durante il gioco, sotto l'influenza della vibrazione, ha colpito il corpo, e quindi è stato creato l'effetto originale del "supporto shock".

Oltre all'arco nel gruppo stringa c'erano anche pizzico - arpa e citrato. L'arpa medievale sulla forma è simile alla dimensione moderna, ma molto più piccola. Cryt è un po 'ricorda a Husli, ma funziona più difficile. Da un lato dell'alloggiamento in legno (sotto forma di una scatola rettangolare), è stata fatta una piccola sporgenza rotonda. Grief (da esso. Griff - "Maniglia") - Un piatto di legno per tirare le stringhe - separate da speciali sporgenze di metallo - tasti. Grazie a loro, l'esecutore ottiene accuratamente il dito sulla nota desiderata. Citra da trenta a quaranta corde, di cui quattro o cinque metalli, il resto è custodia. Per il gioco su corde metalliche, usano glassato (indossato il dito), e il residenziale è coperto di dita. (Cryt è apparso al turno dei secoli XII-XIII, ma è diventato particolarmente popolare nei secoli XV-XVI.

3. Musica nella Russia antica

Arte del Medioevo. Con tutta la sua diversità, ha avuto alcuni segni generali, che sono stati determinati dal suo posto nella vita, nel sistema di forme di coscienza pubblica, lo scopo pratico specifico e la natura delle funzioni ideologiche eseguite. L'arte, come la scienza medievale, la moralità, la filosofia, è stata consegnata al servizio della religione e ha dovuto contribuire a rafforzare la sua autorità e il potere sulla coscienza delle persone, chiarire e promuovere i dogmi del credo cristiano. Si è rivelato essere il ruolo di applicato e subordinato, è stato considerato solo come uno dei componenti della rigogliosa azione rituale dettagliata, che è l'adorazione della Chiesa cristiana. Al di fuori del rituale liturgico, l'arte è stata riconosciuta come peccaminosa e dannosa per le anime umane.

Cantatura della chiesa. Era associato a un culto più vicino di tutte le altre arti. L'adorazione potrebbe anche essere eseguita senza icone, al di fuori dei locali del tempio di lusso, in un ambiente semplice e rigoroso. I sacerdoti non potevano indossare scopi lussureggianti e riccamente decorati. Ma il canto era parte integrante del rituale della preghiera già nelle antiche comunità cristiane che hanno respinto tutto il lusso e la decorazione.

Il ruolo dominante nel canto apparteneva al testo, la melodia aveva solo per facilitare la percezione delle "parole divine". Questo requisito è stato determinato dal carattere del canto della chiesa. Avrebbe dovuto essere eseguita da sola, all'unisono e strumenti non accompagnati. Assunzione di strumenti musicali per partecipare ad adorazione, così come lo sviluppo della polifonia corale nella musica della Chiesa cattolica del periodo medioevo tardo , è stata una violazione delle rigide norme ascetiche dell'arte cristiana, che è stata costretta ad adattarsi alle nuove richieste di tempo per determinate concessioni e compromessi. È noto che le autorità cattoliche hanno ripetutamente sollevato la questione di tornare alla casta semplicità del canto Gregorianok Planus. La Chiesa cristiana orientale ha mantenuto le tradizioni dell'unisono cantando una cappella fino a metà del XVII secolo, e in alcuni paesi e più a lungo, l'uso di strumenti musicali rimane proibiti e così via. Ha realizzato i canti della chiesa è stato affidamento semplicemente e trattenuto, senza espressione eccessiva, poiché solo un tale canto porta a Dio con Dio.

La Chiesa, che apparteneva al monopolio della metà del secolo nel campo dell'illuminazione e dell'istruzione, era l'unico proprietario della scrittura musicale e dei mezzi per l'apprendimento della musica. Una lettera medievale-andient, un tipo di bandiere russe, era inteso solo per il record dei canti della chiesa. Il canto della chiesa, sviluppato all'interno di una tradizione vocale, rimasta in Russia fino alla seconda metà del XVII secolo, l'unico tipo di arte musicale scritta basata su prerequisiti teorici e una certa quantità di regole tecniche composte.

Arte del Medioevo. Caratterizzato dalla grande resistenza delle tradizioni. Una delle conseguenze di questa è una severità debole di inizio individuale personale. Dall'esterno, questo si manifesta nel fatto che la maggior parte delle opere d'arte è rimasta anonima. I creatori di queste opere, di regola, non hanno messo le firme sotto di loro o hanno denotato la loro paternità con un modo nascosto e crittografato. Pronto, il testo finito non è stato lasciato. Agenzia. Quando la corrispondenza, potrebbe essere soggetta a modifiche, abbreviazioni o, al contrario, espansione da parte di inserti presi in prestito da un'altra fonte. La corrispondenza non era una fotocopiatrice meccanica, e in una certa misura un co-autore, che ha attaccato la sua interpretazione scritta, che ha reso i suoi commenti, collegati liberamente diversi pezzi di testo. Di conseguenza, il lavoro è diventato essenzialmente un prodotto della creatività collettiva, e per aprire sotto la moltitudine di strati successivi la sua base iniziale, è spesso necessaria per gli sforzi molto grandi.

Il compositore medievale ha a che fare con la quantità stabilita di formule melodiche, che è collegata e combinata, seguendo determinate regole e regolamenti compositivi. La formula potrebbe essere l'intera entrata completa. Il cosiddetto "canto è simile", soprattutto diffuso nei primi secoli dell'arte di canto russo, era che alcuni dei nemici adottati in uso della chiesa sono diventati campioni per l'affondamento di vari testi liturgici. Formula melodica, che funge da principale unità strutturale del modo di vietare, ha ricevuto il nome dell'altoparlante e il maggior numero di metodi per creare una melodia basata sull'adesione e la ripetizione modificata dei singoli diffusori è solitamente determinata come fase variabile.

Nonostante le rigorose regole che l'artista medievale avrebbe dovuto essere obbedito, e la necessità di rigorosi seguiti da campioni canonizzati, la possibilità di manifestare un principio creativo personale non era completamente escluso. Ma non è stato espresso non nella negazione delle tradizioni dominanti e dell'approvazione dei nuovi principi estetici, ma nell'abilità dell'ammenda, dettagliata Nuanxion, la libertà e la flessibilità dell'uso dei regimi tipici generali. Nella musica, un tale ripensamento di formule melodiche permanenti è stato raggiunto per mezzo di Nuanxion intonazionale. Sostituire alcuni intervalli da parte di altri, piccoli cambiamenti nella curva della linea melodica, le permutazioni e lo spostamento degli accenti ritmici hanno cambiato il magazzino espressivo del picco senza disturbare la sua struttura principale. Alcuni di questi cambiamenti sono stati sanciti in pratica e hanno acquisito un carattere tradizionale. Gradualmente accumulando, hanno portato alla formazione di versioni locali, scuole e singoli modi che avevano le proprie caratteristiche distintive speciali.

4. Folk e professionale eciotole

La Chiesa cristiana sia in ovest che in Oriente, si sforza di monopolizzare tutti i mezzi per influenzare la psiche umana e metterli per il servizio con i loro obiettivi, trattati un nettamente ostile ai giochi folk tradizionali, canzoni e danze, ha annunciato il loro peccaminoso, disgustato da vera fede e pietà. I sermoni religiosi medievali e gli insegnamenti sono pieni di dure decisioni di coloro che tradiscono questo intrattenimento dannoso per l'anima, e minacciandoli a maledire e farina eterna su quella luce. Una delle ragioni di un atteggiamento così intollerabile all'arte folk era il suo rapporto con le credenze e i riti pagani, che hanno continuato a vivere tra la massa della popolazione per molto tempo dopo l'adozione del cristianesimo. Nella letteratura religiosa russa, cantando canzoni, danze e il gioco sugli strumenti sono solitamente confrontati con "servizio idolo", "vittime di idolo" e preghiere, portando il "maledetto Dio" paganesimo .

Ma tutte queste craps e proibizioni non potevano sradicare il popolo dell'amore per la loro arte nativa. I tipi tradizionali di arte popolare hanno continuato a vivere e sviluppare, ampiamente ogni giorno in vari strati della società. Il folclore nelle sue diverse forme e manifestazioni catturarono una sfera di vita più ampia e la sua proporzione in artistico cultura del Medioevo Era più significativo che nel sistema dell'arte del nuovo tempo. Folcloro si è unito al vuoto che è stato creato dalla mancanza di forme scritte di creatività musicale laica. La canzone folk, l'arte dei "Goodsov" delle persone - gli artisti sugli strumenti musicali - sono stati distribuiti non solo tra i lavoratori del fondo, ma anche nei livelli più alti della società fino al cortile principesco.

Influenzato dalla canzone popolare, c'era un caratteristico sistema intonificativo della chiesa russa che canta, che nel tempo fu dato ai campioni bizantici, producendo le loro forme melodiche nazionali-peculose. D'altra parte, nella canzone popolare russa russa poletica e poetica e musicale, tracce dell'impatto delle viste cristiane religiose e la stilistica dell'arte della Chiesa può essere scoperta, che ha ripetutamente indicato i ricercatori folcloristici.

Uno dei principali segni del folklore è la collettività. Di norma, le opere dell'arte folk non sono associate all'identità di un autore di un autore e sono considerate la proprietà. Se non tutte le persone, allora un certo gruppo sociale, una società (ad esempio, EPO ufficiale militare) o comunità territoriale . Questo non esclude la partecipazione di un inizio personale creativo nella loro creazione ed esecuzione.

Nella musica Antica Russia Non c'erano figure che potrebbero essere confrontate con Palestrina, Orlando Lasso o Schuyz. Non potevano navigare nelle condizioni di quel tempo con lo stile di vita dominante e la visione del mondo. Il valore dell'antico patrimonio musicale russo è determinato da sporgere non grassetto di personalità individuali eccezionali, ma una natura comune e olistica in cui è stato determinato l'aspetto coraggioso, aspro e discreto di una parodia, creato, è stato determinato. Maestri del Medioevo russo, che non viola gli standard difficili prescritti dal Canon e dalle restrizioni, raggiunsero nel loro lavoro una meravigliosa perfezione estetica, ricchezza e luminosità delle vernici in un composto con la profondità e il potere dell'espressione. Molti campioni di questa arte con la sua elevata e particolare bellezza appartengono alle più grandi manifestazioni del genio nazionale artistico.

Fonti

https://ru.wikipedia.org/wiki/musica_sednevka.

http://medmus.ru/

http://www.webkursovik.ru/kartgotrab.asp?id\u003d-49105.

http://arsl.ru/?page\u003d27.

http://www.letopis.info/themes/music/rannjaja_muziyka ..

http://ivanikov.narod.ru/page/page7.html.

http://www.medieval-ege.ru/peacelife/art/myzykanarusi.html.

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Il termine "musica precoce" riguarda il periodo da 457 G.n. (Data di caduta del grande impero romano) e fino alla metà del XVIII secolo (il completamento dell'era barocca). Si riferisce esclusivamente alla tradizione musicale europea.

Questa era è caratterizzata da una varietà di: culturale ed etnica e socio-politica. L'Europa è un sacco di popoli individuali con il loro patrimonio musicale. Tutti gli aspetti della vita pubblica conducono la chiesa. E la musica non fa eccezione: i primi 10 secoli dello sviluppo della "musica antica" sono caratterizzati dall'influenza più ampia e dalla partecipazione del clero cattolico romano. Le opere di musica di Pagan e qualsiasi orientamento non cristiano sono soppresse da tutti i modi possibili.

Canti religiosi

Nell'era del Medioevo, si distinguono diversi periodi separati. Musica del primo medioevo, da 457 G.n. Fino a 800 anni. N., indossa il più spesso esclusivamente questi canti liturgici o corano grorior. Prendono il nome da Papa Gregory I, che, secondo le leggende conservate fino ad oggi, era l'autore dei primi lavori di questo tipo. Il corale di Grigoriano era originariamente dai capelli a un pelo e non era altro che qualsiasi tipo di testi di preghiera sul latino (meno spesso greco o staroslavlyansky). La paternità della maggior parte dei lavori degli storici non è stata ancora stabilita. Il canto gregoriano ha ricevuto diffuso le palpebre più tardi e rimase la forma musicale più popolare all'era del Karl il grande.

Sviluppo polifonico

Karl Ho scalato il trono francese in 768 G.n., segnando l'inizio di una nuova pietra miliare nella storia europea in generale e nella musica in particolare. La Chiesa cristiana ha assunto l'unificazione delle direzioni esistenti del canto gregoriano esistente in quel momento e la creazione di regole uniformi di liturgia.

In parallelo, è stato origine il fenomeno della musica polifonica, in cui due voci erano già suonate invece di uno e più. Se l'antica forma di polifonia ha assunto solo uno stress di ottava, cioè il suono parallelo di due voti, allora la polifonia medievale è il suono dei voti degli intervalli inutilizzati al litro. E gli esempi luminosi di tale musica sono stati organici del IX secolo e dei diampormi di 10-12 secoli.

Notazione musicale

Le caratteristiche più importanti della musica di Medioevo sono i primi tentativi consapevoli di registrare un testo del serbatoio. I punteggi iniziano a registrare con l'aiuto delle lettere latine, acquisiscono una forma lineare. Alla fine ha rilasciato un sistema di lettera e una folle notazione di Guido Aretinsky, che viveva alla svolta del 10 e dell'11 ° secolo e considerava il fondatore della notazione musicale.

Guido Aretinsky.

Scuole di musica medievale

A partire dal XII secolo, si formano le singole scuole di musica. Così, la musica della Saint Marzial School della città francese di Limoges è stata caratterizzata da un argomento principale in combinazione con un rapido organico a due occhi. La scuola della Cattedrale della Madonna Parigina, fondata dai monaci Leonin e Peroth, era famosa per opere polifoniche eccezionali. La scuola spagnola di Santiago de Compostela è diventata rifugio per i pellegrini che si dedicarono alla musica e ai famosi compositori medievali. Lavori della scuola inglese, in particolare "Worcesters of framments", rimasero grazie al "manoscritto della vecchia sala" - la collezione più completa della musica medievale inglese.

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Libri

• Storia dell'arte illustrata. Architettura, scultura, pittura, musica, simpatia in .. Lifting Edition. San Pietroburgo, 1884. Edizione A. S. Suvorin. Edizione con 134 disegni. Legatura di proprietà con radice di cuoio e angoli. Pelliccia Bintovaya. La conservazione è buona ...
• Storia dell'arte illustrata. Architettura, scultura, pittura, musica (per scuole, auto-studio e riferimenti), Lyubka. Lifting Edition. San Pietroburgo, 1884. Edizione A. S. Suvorin. Prenota con 134 disegni. Copertina tipografica. La sicurezza è buona. Piccoli fori sulla copertina. Ornato illustrato ...