I migliori artisti francesi. Grandi artisti stranieri famosi cassetti francesi linee circolari del XX secolo

10.07.2019

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Sono più che belle foto, questo è un riflesso della realtà. Nelle opere di grandi artisti, puoi vedere come è cambiato il mondo e la coscienza delle persone.

L'arte è anche un tentativo di creare una realtà alternativa in cui puoi nascondersi dagli orrori del tuo tempo, o il desiderio di cambiare il mondo. L'arte del XX secolo occupa giustamente un posto speciale nella storia. Le persone che vivevano e lavorate in quei giorni sono sopravvissute agli shock sociali, alla guerra, allo sviluppo scientifico senza precedenti; E tutto ciò ha trovato un'impronta digitale sulle loro tele. Gli artisti del 20 ° secolo hanno preso parte a creare una visione moderna del mondo.

I nomi di qualcuno sono ancora pronunciati con una nuotata, e qualcuno ha dimenticato ingiustamente. Qualcuno aveva un modo creativo così controverso che non potevamo ancora dargli una valutazione inequivocabile. Questa recensione è dedicata ai più grandi artisti del 20 ° secolo. Camille Pisarro.- Pittore francese. Un rappresentante eccezionale di impressionismo. Il lavoro dell'artista è stato influenzato da John Consshebla, Camille Coro, Jean Francois Mill.
Nato il 10 luglio 1830 nella città di Saint-Thomas, morì il 13 novembre 1903 a Parigi.

Eremo in Pontoise, 1868

Passaggio operabile a Parigi, 1898

Tramonto a Varenzhville, 1899

Edgar Degas -french Homeward, uno dei più grandi impressionisti. Al lavoro del DEGI, l'influenza della grafica giapponese è nata il 19 luglio 1834 a Parigi, morì il 27 settembre 1917 a Parigi.

Assunzione, 1876.

STAR, 1877.

Donna traspirante, 1885

Paul Cezanne -artista francese, uno dei maggiori rappresentanti del postionismo. Nel suo lavoro, si stava sforzando per la divulgazione di armonia ed equilibrio della natura. La sua creatività aveva un'enorme influenza sulla vista mondiale degli artisti del 20 ° secolo.
Nato il 19 gennaio 1839 nella città di ex-en-Provence, in Francia, morì il 22 ottobre 1906 in ex-en-Provence.

Giochi, 1893.

Olympia moderna, 1873

Natura morta con le tartarughe, 1900

Claude Monet - Un eccezionale pittore francese. Uno dei fondatori dell'impressionismo. Nelle sue opere, Monet stava sforzando di trasmettere la ricchezza e la saturazione del mondo. Per il suo ritardo, la decorazione e
Per il periodo tardo della creatività di Mone, la decorazione è caratterizzata, aumentando la dissoluzione dei moduli soggetti in combinazioni sofisticate di punti di colore.
Nato il 14 novembre 1840 a Parigi, morto il 5 dicembre 1926 nella pancia.

Rock Welk a Purville, 1882

Dopo pranzo, 1873-1876

Erthet, tramonto, 1883

Archka Queenji -famoso artista russo, padrone di pittura del paesaggio. Perduto presto i suoi genitori. Da una tenera età, l'amore per la pittura cominciò a manifestare. Il lavoro dell'ArcProun è una grande influenza su Nikolai Roerich.
Nato il 15 gennaio 1841 a Mariupol, morto l'11 luglio 1910 a San Pietroburgo.

VOLGA, 1890-1895.

"Nord", 1879

"Vista del Cremlino da Zamoskvorechye", 1882

Pierre Auguste Renoir -artista francese, programma, scultore, uno dei rappresentanti importanti dell'impressionismo. Conosciuto anche come maestro di un ritratto secolare. Auguste Roden divenne il primo impressionista che divenne popolare tra i ricchi parigini.
Nato il 25 febbraio 1841 a Limoges Francia, morto il 2 dicembre 1919 a Parigi.

Ponte d'arte a Parigi, 1867

Palla in Moulin de la Gatte, 1876

Zhanna Samari, 1877

Paul Gajen. - Artista francese, ceramista scultore, programma. In una pari con un campo di Cesan e Vincent van Goghom è uno dei rappresentanti più importanti della posturment. L'artista viveva in povertà, perché i suoi dipinti non erano richiesti.
Nato il 7 giugno 1848 a Parigi, morto il 8 maggio 1903 sull'isola di Hiva-Oa, Polinesia francese.

Paesaggio Breton, 1894

Breton Village nella neve, 1888

Sei geloso? 1892.

Santi Giorno, 1894

Vasily Kandinsky -artista russo e tedesco, poeta, teorico d'arte. È considerato uno dei leader dell'avanguardia della 1 metà del 20 ° secolo. È tra i fondatori dell'arte astratta.
Nato il 22 novembre 1866 a Mosca, morto il 13 dicembre 1944 nella città di Neu-sur-Sene, in Francia.

Coppia che viaggia cavalcando a cavallo, 1918

Pest Life, 1907

Mosca 1, 1916

In Grigio, 1919

Henri Matisse -uno dei più grandi artisti e scultori francesi. Uno dei fondatori del flusso di camminatori. Nel suo lavoro, si stava sforzando per il trasferimento di emozioni attraverso il colore. Nel suo lavoro ha sperimentato l'impatto della cultura islamica del Maghreb occidentale. Nato il 31 dicembre 1869 nella città di Le Kato, morì il 3 novembre 1954 nella città di Symode.

Quadrato a Saint-Tropez, 1904

Delinea Notre-Lads di notte, 1902

Donna in cappello, 1905

Danza, 1909.

Italiano, 1919.

Ritratto di Deleign, 1934

Nikolai Roerich. - Artista russo, scrittore, scienziato, mistico. Per la tua vita, ha scritto più di 7000 dipinti. Una delle eccezionali figure culturali del XX secolo, il fondatore del movimento "mondiale attraverso la cultura".
Nato il 27 ottobre 1874 a San Pietroburgo, morto il 13 dicembre 1947 nella città di Kulu, Himachal Pradesh, India.

Operture ospiti, 1901

Great Spirit Himalayev, 1923

Messaggio Shambhala, 1933

Kuzma Petrov-Vodkin -artista russo, programma, teorico, scrittore, insegnante. Era uno degli ideologi per riorganizzare l'educazione artistica nell'URSS.
Nato il 5 novembre 1878 nella città della provincia di Sharnsk Saratov, morto il 15 febbraio 1939 a Leningrado.

"1918 a Petrograd", 1920

"Giocare ai ragazzi", 1911

Nuoto rosso Kony, 1912

Ritratto di Anna Ahmatova.

Kazimir Malevich. - Artista russo, fondatore di suprematismo - Indicazioni in arte astratta, insegnante, teorico d'arte e filosofo
Nato il 23 febbraio 1879 a Kiev, morto il 15 maggio 1935 a Mosca.

Attività ricreative (società nei cilindri), 1908

"Contadini con secchi", 1912-1913

Piazza Suprematica nera, 1915

Pittura suprematica, 1916

Su Boulevard, 1903

Pablo Picasso - Artista spagnolo, scultore, scultore, ceramista del designer. Uno dei fondatori del cubismo. La creatività Pablo Picasso ha avuto un impatto significativo sullo sviluppo della pittura del 20 ° secolo. Secondo i risultati del sondaggio dei lettori della rivista Time
Nato il 25 ottobre 1881 nella città di Malaga Spagna, è morto l'8 aprile 1973 nella musica, in Francia.

Ragazza su una ciotola, 1905

Ritratto di Ambruz Vallora, 1910

Tre gracelles.

Ritratto di Olga.

Danza, 1919.

Donna con fiore, 1930

Amadeo Modiganiani. - Artista italiano, scultore. Uno dei più brillanti rappresentanti dell'espressionismo. Durante la sua vita, aveva solo una mostra nel dicembre del 1917 a Parigi. Nato il 12 luglio 1884 nella città di Livorno, in Italia, morì il 24 gennaio 1920 dalla tubercolosi. Il riconoscimento mondiale ha ricevuto un riconoscimento imbarazzato in modo postumato ricevuto postumamente.

Violoncellista, 1909.

Coniugi, 1917.

Joan Ebutern, 1918

Paesaggio mediterraneo, 1918

Diego Rivera. - Pittore messicano, murale, politico. Era un coniuge Frida Calo. Nella loro casa, ho trovato un rifugio per un breve tempo Lion Trotsky.
Nato l'8 dicembre 1886 a Guanajuato, morì il 21 dicembre 1957 a Città del Messico.

Notre Dame de Beta sotto la pioggia, 1909

Donna al pozzo, 1913

Unione di contadina e lavoratore, 1924

Detroit Industry, 1932

Mark Shagal. - Pittore russo e francese, programma, illustratore, artista del teatro. Uno dei più grandi rappresentanti di Avangonds.
Nato il 24 giugno 1887 nella città di Lionezino, provincia di Mogilev, morto il 28 marzo 1985 a Saint-Paul-de-Provence.

Annie (ritratto di sorella), 1910

Sposa con fan, 1911

Io e il villaggio, 1911

Adamo ed Eva, 1912

Mark Rotko. (NAST. Mark Rotkovich) è un artista americano, uno dei fondatori dell'espressionismo astratto e del fondatore di dipingere il campo del colore.
Le prime opere dell'artista sono state create in spirito realistico, tuttavia, poi a metà dei 40s Mark Rotko fa appello al surrealismo. Nel 1947, la frattura più importante nel lavoro di Mark Rotko avviene, crea il proprio stile - espressionismo astratto, che parte dagli elementi soggetti.
Nato il 25 settembre 1903 nella città di Dvinsk (ora Daugavpils), morì il 25 febbraio 1970 a New York.

Senza titolo

Numero 7 o 11

Arancione e giallo

Salvador Dalì - Pittore, programma, scultore, scrittore, designer, regista. Forse il rappresentante più famoso del surrealismo e uno dei più grandi artisti del 20 ° secolo.
L'autore del design di Chupa Chups.
Nato l'11 maggio 1904 nella città di Figueras, in Spagna, morto il 23 gennaio 1989 in Spagna.

Tentazione di Sant'Antonio, 1946

Ultima cena, 1955

Donna con teste da rose, 1935

Mia moglie gala, nuda, guarda il suo corpo, 1945

Frida Kalo -artista e programma messicani, uno dei più brillanti rappresentanti del surrealismo.
Frida Kalo cominciò a disegnare dopo l'incidente d'auto, che era il risultato di un anno incatenato al letto per un anno.
Era sposato con il famoso fiume Diego Artist-Communist Mexican. Non hanno trovato un leone Trotsky in casa per molto tempo.
Nato il 6 luglio 1907 nella città di Koyoacan, in Messico, morto il 13 luglio 1954 a Koyoacan.

Abbracci dell'amore universale, della Terra, I, Diego e Cathl, 1949

Mosè (nucleo della creazione), 1945

Due Frida, 1939

Andy Warhole (Nasty. Andrei Varchol) - American Artist, Designer, Director, Producer, Publisher, Writer, Collector. Il fondatore di Pop Art, è di una delle personalità più antigultivatiche nella storia della cultura. Nella vita dell'artista, diversi film sono stati sparati.
Nato il 6 agosto 1928 a Pittsburgh, in Pennsylvania, morì nel 1963 a New York.

La Scuola d'arte francese Alla fine del XVII e XVIII secolo può essere definita una scuola europea leader, era in Francia che tali stili d'arte come rococò, romanticismo, classicità, realismo, impressionismo e postopressionismo sono stati originati in quel momento.

Rococò (Franz. Rococò, da Rocaille è un motivo decorativo a forma di lavandino) - stile nell'arte europea della 1 metà del XVIII secolo. Per Rococo, l'edonismo è caratterizzato, cura del mondo del gioco idilliaco del teatro, la dipendenza a grafici pastorali e sensuali sensuali. Il carattere dell'arredamento Rococò ha acquisito ha sottolineato forme complicate eleganti e sofisticate.

Nello stile di Rococò, Francois Bush, Antoine Watto, Jean Onor Fragonar.

Classicismo - Stile nell'arte europea 17 - inizio del XIX secolo, la cui caratteristica caratteristica era di appello alle forme dell'arte antica, come uno standard estetico ed etico ideale.

Jean Baptiste Greem, Nikola Poussin, Jean Batist Shaden, Jean Dominic, Jacques-Louis, Jean David, ha lavorato in stile classicismo.

Romanticismo - Lo stile dell'arte europea nel 18-19 secolo, le cui caratteristiche caratteristiche dell'auto-soddisfazione della vita spirituale e creativa della personalità, dell'immagine di passioni e personaggi forti e spesso ribelle.

Francisco de Goya, Eugene Delacroa, Theodore Zheriko, William Blake ha lavorato nello stile del romanticismo.

Eduar Man. Colazione nel laboratorio. 1868.

Realismo - Stile artistico, il cui compito è come una fissazione accurata e obiettiva della realtà. Lo stilistico realismo è multipart e multivariato. I vari lati del realismo della pittura sono un illusionismo barocco di Caravaggio e Velasquez, impressionismo Mana e Degas, il lavoro di Nyune Van Gogh.

La nascita del realismo nella pittura è più spesso associata al lavoro dell'artista francese Gustava Kourba, che ha aperto la sua mostra personale "Pavilion Realism" a Parigi, anche se ancora in modo realistico di Artisti lavorato Artisti Barbizonskaya School Theodore Rousseau, Jean-Francois Mill, Jules Bretone Negli anni '80. Il realismo era diviso in due direzioni principali - naturalismo e impressionismo.

La pittura realistica è diventata una grande distribuzione in tutto il mondo. Nello stile del realismo del testimone in Russia, il XIX secolo ha funzionato mobile.

Impressionismo (da FR. Impressione è l'impressione) - Stile dell'arte dell'ultimo terzo del 19 ° - inizio del XX secolo, una caratteristica caratteristica del quale era il desiderio di catturare naturalmente il mondo reale nella sua mobilità e variabilità, trasferirsi il loro borbottante impressioni. L'impressionismo non ha sollevato i problemi filosofici e focalizzati sugli effetti di rendimento dei momenti, dell'umore e dell'illuminazione. La vita stessa diventa appezzamento di impressionisti, come una fila di piccole vacanze, feste, picnic piacevoli in natura in un ambiente amichevole. Impressionisti Alcuni dei primi hanno iniziato a disegnare al Plenier, senza modificare il loro lavoro in studio.

Lo stile dell'impressionismo ha lavorato Edgar Degas, Edward Mana, Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Georges Syra, Alfred Sisley e altri.

Pospressionismo. - Stile d'arte che sorge alla fine del 19 ° secolo. PostPlayer ricercati liberamente e generalizzati per trasferire la materialità del mondo, ricorrendo alla stilizzazione decorativa.

Il Pospressionismo ha dato origine a tali direzioni d'arte come espressionismo, simbolismo e moderno.

Vincent van Gogh, Paul Gajan, Paul Cezanne, ha lavorato nello stile del Pospressionismo.

Considerare più impressionismo e postmentalismo sull'esempio di creatività dei singoli maestri della Francia del XIX secolo.

Edgar Degas. Auto ritratto. 1854-1855.

Edgar Degas. (Anni di vita 1834-1917) - Pittore francese, programma e scultore.

Iniziando con rigoroso sulla composizione dei dipinti storici e dei ritratti, il DEGI negli anni '70 si avvicinò ai rappresentanti dell'impressionismo e si rivolse all'immagine della moderna vita urbana - strade, caffè, idee teatrali.

Nelle immagini della composizione dinamica DEGI, spesso asimmetrica, modello flessibile accurato, angoli inaspettati, l'attività dell'interazione della figura e dello spazio è attentamente pensata e recuperata.

E. DEGI. Bagno. 1885.

In molte opere, Edgar Dega mostra la caratteristica del comportamento e l'aspetto delle persone generate dalle caratteristiche della loro vita, rivela il meccanismo di un gesto professionale, posa, movimento umano, la sua bellezza di plastica. L'arte di Degas è inerente al composto di eccellente e prosaico; L'artista, come un osservatore sobrio e sottile, allo stesso tempo fissa il tedio lavoro del libretto che si nasconde dietro l'intrattenimento elettorale.

La tecnica preferita del pastello ha permesso a Edgar Degi di mostrare il suo talento del disegnatore. I toni saturi e i colpi pastello "tremolante" hanno aiutato l'artista di creare l'atmosfera colorata speciale, che traboccante Airiness, che è così distinguere tutto il suo lavoro.

Negli anni maturi, Degas spesso si riferisce al tema del balletto. Figure fragili e senza peso di ballerine appaiono davanti allo spettatore nel crepuscolo delle lezioni di danza, quindi alla luce dei sofismi sul palco, poi in breve momenti di riposo. L'apparente casuale della composizione e la posizione imparziale dell'autore creano l'impressione di una vita aliena spogliata, l'artista ci mostra il mondo della grazia e della bellezza, senza cadere in eccesso di sentimentalità.

Edgar Degi può essere definito un sottile colorante, i suoi pastelli sono incredibilmente armoniosi, poi delicati e luminosi, quindi costruiti su contrasti di colore taglienti. Il modo Daga si è distinto dalla straordinaria libertà, ha imposto pastello grassetto, colpi rotti, a volte lasciando un tono di carta che appare attraverso i pastelli o aggiungendo macchie con burro o acquerello. Il colore nei dipinti di DEGI deriva da una radiosità trasfusionale, dal flusso scorrevole delle linee arcobaleno che nasce.

I lavori tardivi di Degas si distinguono per l'intensità e la ricchezza del colore, che sono integrati dagli effetti dell'illuminazione artificiale, ingranditi, quasi piatti, il vincolo dello spazio che gli conferisce un carattere drammatico. In ciò

il periodo di Degas ha scritto uno dei suoi migliori lavori - "Blue Dancers". L'artista lavora qui in grandi macchie di colore, dando l'importanza fondamentale per l'organizzazione decorativa della superficie dell'immagine. Secondo la bellezza dell'armonia dei colori e una soluzione composita, il dipinto "Blue Dancers" può essere considerato la migliore incarnazione del tema del balletto di Degas, che ha raggiunto l'ultima ricchezza di texture e combinazioni di colori in questa immagine.

P. O. Renoir. Auto ritratto. 1875.

Pierre Auguste Renoir. (Anni della vita 1841-1919) - Pittore francese, programma e scultore, uno dei principali rappresentanti dell'impressionismo. Renoir è noto, prima di tutto, come maestro di un ritratto secolare, non privo di sentimentalità. A metà degli anni 1880. Infatti, rotto con l'impressionismo, ritornando alla linearità del classicismo nel periodo di incronaggio della creatività. Meraviglioso colorista, Renoir cerca spesso l'impressione di pittura monocromicità con le combinazioni più sottili di Valerov, vicino al colore dei toni.

P.o.renuar. Piscina per bambini. 1869.

Come la maggior parte degli impressionisti, i trame di Renoir dei loro dipinti sceglie gli episodi mimoletici della vita, dando preferenza alle scene urbane festeggianti - Balam, ballo, passeggiate ("New Bridge", "Piano", "Moulin da La La Gatte" e altri). Su queste tele, non vedremo neri o marrone scuro. Solo gamma di colori chiari e luminosi che si fondono insieme, se guardi le immagini da una certa distanza. Le figure delle persone in questi dipinti sono scritte nella stessa tecnica impressionistica del paesaggio circostante con cui spesso si fondono.

P. O. Renoir.

Ritratto di un'attrice Zhanna Samari. 1877.

Le immagini femminili poetiche e affascinanti sono specializzate nel lavoro di Renuara: internamente diverso, ma esteriormente leggermente simile tra loro, sono come se fosse contrassegnati con il sigillo comune dell'era. I pennelli di Renoire appartengono a tre diversi ritratti di Jeanne Samari. A uno di loro, l'attrice è raffigurata in un sofisticato vestito verde e blu su uno sfondo rosa. In questo ritratto, Renoir è riuscito a sottolineare le migliori caratteristiche del suo modello: Bellezza, una mente vivente, uno sguardo aperto, un sorriso radioso. Lo stile del lavoro dell'artista è molto libero, luoghi alla negligenza, tuttavia, crea un'atmosfera di straordinaria freschezza, maggiore chiarezza e serenità. Nell'immagine della natura nuda, Renoir raggiunge una rara raffinatezza dei garofani (dipingendo i colori di Pelle umana), costruita su una combinazione di toni caldi corporei con riflessi luminosi a luce scorrevole e grigio -golube che danno la levigatezza e la mattina della superficie della tela. L'immagine "Nude alla luce del sole" Renoir utilizza principalmente colori di base e altri colori, esclusi completamente il nero. I punti di colore ottenuti da piccole macchie colorate danno un caratteristico effetto unione alla distanza dello spettatore dall'immagine.

Va notato che l'uso di toni verdi, gialli, ocra, rosa e rossi per l'immagine della pelle ha colpito il pubblico di quel tempo impreparato alla percezione del fatto che le ombre dovrebbero essere colorate, piene di luce.

Nel 1880, il cosiddetto "periodo incombo" inizia nelle opere di Renuara. Il lavoro più famoso di questo periodo è "Big Swysters". Per la costruzione della composizione del renoir, per la prima volta ha iniziato a utilizzare schizzi e schizzi, le linee di disegno sono diventate nere e definite, le vernici hanno perso la loro precedente luminosità e saturazione, la pittura nel suo complesso ha iniziato a sembrare moderato e più freddo.

All'inizio del 1890, si verificano nuove modifiche nell'arte Renoarovsk. Nel modo pittoresco, è apparso il colore, motivo per cui questo periodo è a volte chiamato "perla", allora questo periodo è inferiore al posto "rosso", chiamato così a causa della preferenza delle sfumature di colori rossastri e rosa.

Eugene Henri Paul Gaugen (Anni della vita 1848-1903) - Pittore francese, scultore e programma. Insieme a Cezanne e Van Gogh, era il più grande rappresentante del postopressione. La pittura ha iniziato a impegnarsi in età adulta, il primo periodo di creatività è associato all'impressionismo. Le migliori opere di Gogen sono scritte sulle isole di Tahiti e Khiva-Oa in Oceania, dove Gaen ha lasciato la "civiltà viziosa". Le caratteristiche dello stile dell'Hogen includono la creazione di composizioni statiche e contrastanti sul colore delle composizioni, profondamente emotive e contemporaneamente decorative.

Nel quadro "Giallo Cristo", Gogen ha ritratto un crocifisso sullo sfondo di un tipico paesaggio rurale francese, la sofferenza Gesù è circondata da tre contadini bretoni. La pace viene versata nell'aria, la calma posa sottomessa di donne, saturi di paesaggio di colore giallo giallo soleggiato con gli alberi nel fogliame autunnale rosso, il contadino occupato nella propria attività, non può non entrare nel conflitto con ciò che accade sulla croce . L'ambiente contrasta bruscamente con Gesù, sulla persona di cui viene visualizzato il palcoscenico della sofferenza, che confina con l'apatia, l'indifferenza per i suoi dintorni. La contraddizione della farina infinita presa da Cristo e della "impercettibilità" di questa vittima da parte della gente è il tema principale di questo prodotto di Gogen.

P. Gogen. Sei geloso? 1892.

Immagine "A, sei geloso?" Si riferisce alla creatività dell'artista polinesiano. Il dipinto è basato sulla scena dalla vita, spiato dall'artista:

sulla riva, due sorelle - hanno appena combattuto, e ora i loro corpi si sono sparsi sulla sabbia in pose voluttuose casual - parlano dell'amore, un molo provoca discordia: "Come? Sei geloso!".

Nel dipinto di succosa bellezza a sangue pieno della natura tropicale, persone naturali, incontaminate nella civiltà, Gogen ritrae il sogno utopico del paradiso terrestre, sulla vita umana in armonia con la natura. Le tele polinesiane geogette assomigliano a un pannello sulla decoratività del colore, della piattezza e della monumentalità della composizione, della generalizzazione del modello stilizzato.

P. Gogen. Da dove veniamo? Chi siamo noi? Dove stiamo andando? 1897-1898.

Immagine "Da dove vogliamo? Chi siamo noi? Dove stiamo andando?" Gaen ha considerato il suo riflesso il culminazione sublime. Secondo il piano dell'artista, è necessario leggere l'immagine a destra: i tre principali gruppi di figure illustrano le domande impostate nel titolo. Un gruppo di donne con un bambino nel lato destro dell'immagine rappresenta l'inizio della vita; Il gruppo medio simboleggia l'esistenza quotidiana della scadenza; Nel gruppo estremo a sinistra, Gaen raffigurato la vecchiaia umana, che si avvicina alla morte; L'idolo blu sul piano molto simboleggia il mondo dell'altro mondo. Questa immagine è un vertice nello stile innovativo post del permossizionista di Hojn; Il suo stile nel suo stile ha combinato un chiaro uso chiaro di vernici, colori decorativi e soluzioni composite, piattezza e monumentalità di un'immagine con espressività emotiva.

La creatività di Gogen ha anticipato le numerose caratteristiche dello stile moderno dello stile di Modura e ha avuto un impatto sulla formazione di maestri del gruppo NABI e altri pittori dell'inizio del XX secolo.

Van Gogh. Auto ritratto. 1889.

Vincent van Gogh. (Anni della vita 1853-1890) - L'artista laureato francese e Paesi Bassi, ha iniziato a impegnarsi nella pittura, oltre a Paul Gajan, già in età adulta, nel 1880. Fino a questa volta, Van Gogh ha lavorato con successo come rivenditore, poi un insegnante nel collegio, in seguito ha superato la formazione nella scuola missionaria protestante e ha lavorato a metà anno da un missionario nel povero quartiere minerario in Belgio. Nei primi anni del 1880, Van Gogh si è trasformato all'arte, ha visitato l'Accademia delle Arti a Bruxelles (1880-1881) e Antwerp (1885-1886). Nel primo periodo della sua creatività, Van Gogh ha scritto Etudi e dipinti nella gamma oscura pittoresca, scegliendo scene scene dalla vita delle miniere, dei contadini, degli artigiani. Il lavoro di questo periodo van Gogh ("Eterie di patate", "La vecchia torre della Chiesa a Nyune", "Shoekers") ha notato la percezione dolorosa-acuta della sofferenza umana e dei sentimenti della depressione, l'atmosfera oppressiva della tensione psicologica. Nelle sue lettere, il fratello Theo Artist ha scritto una delle foto di questo periodo "Eterie di patate" dopo: "In esso, ho cercato di sottolineare che queste persone che mangiavano le loro patate alla luce della lampada, le stesse mani che si allungano al piatto, scavato il terreno; Pertanto, la tela parla di un lavoro serio e che i personaggi guadagnano onestamente il loro cibo. ". Nel 1886-1888. Van Gogh visse a Parigi, ha visitato il prestigioso studio d'arte privata dell'insegnante P. Kormon famoso per tutta l'Europa, ha studiato il dipinto dell'impressionismo, incisione giapponese, lavori sintetici del campo di Gaugaen. Durante questo periodo, la palette di Wan Gogh divenne luce, l'ombra del terracotta è scomparsa, puro blu, giallo dorato, toni rossi, caratteristici di lui, dinamici, come se fluttuanti colpi ("Agazata di Sagitin in un caffè" Tamburin "," Ponte Sulla Senna "," Daddy Tangi "," Vista di Parigi dall'appartamento Teo su Lepik Street ").

Nel 1888, Van Gogh si è trasferito ad Arles, dove fu definitivamente determinato dall'originalità del suo modo creativo. Temperamento artistico della fiamma, doloroso incandescente per armonia, bellezza e felicità e, allo stesso tempo, la paura dell'ostile alle persone, trovano l'incarnazione dei paesaggi del sud che brillano da pitture solari ("Casa gialla", "Vendemmia. Valley of la Cro "), poi in minaccioso che ricorda le immagini da incubo (" notte della terrazza caffetteria); Dinamica di colore e striscio

Van Gogh. Caffè della terrazza notturna. 1888.

riempie la vita spiritualizzata e il movimento non solo la natura e abitando la sua gente ("vigneti rossi in Arle"), ma anche oggetti inanimati ("camera da letto van Gogh in Arles").

Negli ultimi anni, Van Gogh negli ultimi anni è stato accompagnato dagli attacchi della malattia mentale, che lo portò all'ospedale per malati di mente ad Arles, poi a Saint-Remy (1889-1890) e in Over-sur-Uaz (1890) , dove si è suicidato. Il lavoro degli ultimi due anni di vita dell'artista è stato caratterizzato da un'ossessione estatica, espressione estremamente aggravata di combinazioni di colori, bruschi cambiamenti dell'umore - da ammorbidire la disperazione e cupo visionario visionario ("strada con cipressi e stelle") prima del riverente Sensazione di illuminazione e pace ("paesaggio in overaved dopo la pioggia").

Van Gogh. Iris. 1889.

Durante il periodo di trattamento nella clinica Saint-Remy Van Gogh scrive il ciclo dei dipinti "Iris". Nella sua pittura, i colori non c'è tensione elevata e l'influenza delle incisioni giapponesi Ukyo-E è tracciata. Questa somiglianza si manifesta nell'assegnazione di contorni di oggetti, angoli insoliti, la presenza di aree e regioni dettagliate inondate da un colore continuo, non corrispondenti alla realtà.

Van Gogh. Campo di grano con corona. 1890.

"Campo di grano con corone" - Pittura Van Gogh, scritto da un artista nel luglio del 1890 ed è una delle sue opere più famose. L'immagine è stata completata presunta il 10 luglio 1890, 19 giorni prima della sua morte in Over-sur-Uaz. C'è una versione che Van Gogh ha suicidato suicidato nel processo di scrittura di questa immagine (venendo a un plenier con materiali di disegno, sparati da una pistola acquisita per spaventare gli stormi di uccelli nel cuore del cuore, poi ha raggiunto in modo indipendente l'ospedale, dove È morto per la perdita di sangue).

Sono più che belle foto, questo è un riflesso della realtà. Nelle opere di grandi artisti, puoi vedere come è cambiato il mondo e la coscienza delle persone.

Eremo in Pontoise, 1868

Passaggio operabile a Parigi, 1898

Tramonto a Varenzhville, 1899

Edgar Degas -french Homeward, uno dei più grandi impressionisti. Al lavoro del DEGI, l'influenza della grafica giapponese è nata il 19 luglio 1834 a Parigi, morì il 27 settembre 1917 a Parigi.

Assunzione, 1876.

STAR, 1877.

Donna traspirante, 1885

Giochi, 1893.

Olympia moderna, 1873

Natura morta con le tartarughe, 1900

Rock Welk a Purville, 1882

Dopo pranzo, 1873-1876

Erthet, tramonto, 1883

VOLGA, 1890-1895.

"Nord", 1879

"Vista del Cremlino da Zamoskvorechye", 1882

Ponte d'arte a Parigi, 1867

Palla in Moulin de la Gatte, 1876

Zhanna Samari, 1877

Paesaggio Breton, 1894

Breton Village nella neve, 1888

Sei geloso? 1892.

Santi Giorno, 1894

Coppia che viaggia cavalcando a cavallo, 1918

Pest Life, 1907

Mosca 1, 1916

In Grigio, 1919

Quadrato a Saint-Tropez, 1904

Delinea Notre-Lads di notte, 1902

Donna in cappello, 1905

Danza, 1909.

Italiano, 1919.

Ritratto di Deleign, 1934

Operture ospiti, 1901

Great Spirit Himalayev, 1923

Messaggio Shambhala, 1933

"1918 a Petrograd", 1920

"Giocare ai ragazzi", 1911

Nuoto rosso Kony, 1912

Ritratto di Anna Ahmatova.

Attività ricreative (società nei cilindri), 1908

"Contadini con secchi", 1912-1913

Piazza Suprematica nera, 1915

Pittura suprematica, 1916

Su Boulevard, 1903

Ragazza su una ciotola, 1905

Ritratto di Ambruz Vallora, 1910

Tre gracelles.

Ritratto di Olga.

Danza, 1919.

Donna con fiore, 1930

Violoncellista, 1909.

Coniugi, 1917.

Joan Ebutern, 1918

Paesaggio mediterraneo, 1918

Notre Dame de Beta sotto la pioggia, 1909

Donna al pozzo, 1913

Unione di contadina e lavoratore, 1924

Detroit Industry, 1932

Annie (ritratto di sorella), 1910

Sposa con fan, 1911

Io e il villaggio, 1911

Adamo ed Eva, 1912

Senza titolo

Numero 7 o 11

Arancione e giallo

Tentazione di Sant'Antonio, 1946

Ultima cena, 1955

Donna con teste da rose, 1935

Mia moglie gala, nuda, guarda il suo corpo, 1945

Abbracci dell'amore universale, della Terra, I, Diego e Cathl, 1949

Mosè (nucleo della creazione), 1945

Due Frida, 1939

Dai tempi antichi, la pittura, come altri tipi di arte, è stata la prerogativa degli uomini. Tutto su sentire i nomi dei grandi artisti dell'era rinascimentale a famosi modernisti e abstract del 20 ° secolo, che ha iscritto i loro nomi nella storia dell'arte mondiale in grandi lettere. Cosa non si può dire di non meno talentuoso artisti delle donne. Non molti sanno di loro. Così ha funzionato storicamente che le donne di talento dei secoli hanno dovuto smantellare il posto sotto il sole negli uomini.

Per la prima volta, la tela firmata da nomi femminili ha iniziato ad apparire solo nell'epoca rinascimentale. Ma per raggiungere la completa uguaglianza e il riconoscimento nelle arti visive necessarie altri cinquecento anni. Solo all'inizio del XIX secolo, le donne di Molbert hanno preso la loro pagina decente nella storia dell'arte mondiale.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/000molbert-0005.jpg "alt \u003d" (! Lang: autoritratto.

Sofonisba Angista (1532-1625)

Sofonisba Anguissola è un'artista spagnola che era il pittore della corte del re della Spagna. Le sue spazzole appartengono a molti ritratti di membri della famiglia reale e aristocratici. Anche le sue due sorelle erano artisti.

https://static.kulturalologia.ru/files/u21941/000molbert-0039.jpg." alt="Autoritratto con spinet.

Artemisia Gezheliski (1593-1653)

Il nome di Artemisia Gentileschi è un simbolo della lotta da donna per il diritto di essere un artista in Italia. Nel 17 ° secolo riuscì a diventare la prima donna, che è stata accettata nella più antica accademia delle arti eleganti a Firenze.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/000molbert-0022.jpg." alt="Auto ritratto. (1671). Autore: Maria van Osterweik." title="Auto ritratto. (1671).

Anna Vasser (1678-1714)

Anna Waser è un artista e un incisore svizzero.

https://static.kulturalologia.ru/files/u21941/219415937.jpg." alt="Autoritratto con un ritratto della sorella. (1715) Autore: Rosalba Carrera." title="Autoritratto con un ritratto della sorella. (1715)

Angelika Kaufman (1741-1807)

Artista tedesco, la figlia del pittore Angelica Katharina Kauffmann è stata tra i fondatori della British Royal Academy of Arts e nei prossimi anni e mezzo, lei e Mary Moser - un artista della Svizzera, erano le uniche donne che hanno ricevuto l'adesione.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/000molbert-0014.jpg." alt="Angelika Kaufmann - Autoritratto della Galleria del 1787 dell'ufficio occidentale." title="Angelika Kaufmann - Autoritratto della Galleria del 1787 dell'ufficio occidentale." border="0" vspace="5">!}

Elizabeth Vijle Lebrene (1755-1842)

Ulisabeth-Louise Vigee-Le Brun è un artista francese, un maestro di genere ritratto, un rappresentante della destinazione sentimentale nel classicismo.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/000molbert-0009.jpg "alt \u003d" (! Lang: autoritratto del 1790. Pubblicato da Elizabeth Vijle-Lebrene." title="Autoritratto 1790 anni.

Il genere sentimentale ha permesso all'artista di ritrarre ritratti in pose molto favorevoli e vestiti eleganti, quindi Louise Vijle-Lebyin ha goduto dell'amore tra l'aristocrazia francese e i membri del monarca del monarca.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/000molbert-0006.jpg." alt="Artista, scrivendo un ritratto di un musicista. (1803). Autore: Margarita Gerard." title="Artista, scrivendo un ritratto di un musicista. (1803).

Maria Bashkirtseva (1858-1884)

Bashkirtseva Maria Konstantinovna - un nativo del villaggio di Gavroni nella provincia di Poltava, la maggior parte di coloro che vivevano in Francia, considerarsi uno scrittore e un artista russo. Morto in 26 anni dalla tubercolosi.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/000molbert-0012.jpg." alt="Auto ritratto.

Marie Gabriel Kappeps (1761-1818)

Marie-Gabrielle Capeta si è laureato presso la Royal Academy of Arts di Parigi in quel momento in cui la scuola fu permesso di studiare solo quattro donne allo stesso tempo. Era uno stile di ritratto di talento, scrivendo magistralmente ad acquerelli, burro e pastello. Partecipato alle fiere e ai saloni d'arte.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/000molbert-0015.jpg." alt=" Autoritratto con due modelli. (1785) Autore: Adelaide Labil-Giar." title=" Autoritratto con due modelli. (1785)

Anna Wallaire Bonfire (1744-1818).

Anna Wallaira Bonfire è un artista francese, la figlia del gioielliere reale, il preferito della regina Maria-Antoinette.

Auto ritratto.

Questo elenco può continuare a continuare a elencare i nomi e i risultati degli artisti con i nomi del mondo vissuti e lavorati nel 20 ° secolo. Questo è Tamara de Lempicks con le sue opere spettacolari, Frida Calo con dipinti acuille. E anche ispirato, avendo esperto reale delizia, alla vista delle opere degli artisti russi Zinaida Serebryakova e Alexandra Exter.

Tuttavia, gli artisti si sforzano ancora di portare il ruolo delle donne nella storia dell'arte e sostenere il mito che sono cattivi artisti: "Даже если в занятиях живописью в художественной академии более 90 процентов составляют женщины, это факт, что очень немногим из них удастся стать по-настоящему мощными художниками",- !} Ha detto Georg Baselitz - un famoso artista tedesco.

Le donne illuminate di talento in qualsiasi momento hanno rappresentato difficoltà. Molti hanno dovuto rinunciare ai bob della famiglia per la loro creatività, pur rimanendo

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