introduzione
	"Avignone Girls" come l'inizio del cubismo
	Sviluppo del cubismo come una delle indicazioni nell'arte
	I principali principi artistici del cubismo
	Periodi di sviluppo del cubismo e le loro caratteristiche
	Influenza del cubismo sull'arteXX secolo
	Conclusione
	applicazione

introduzione

Il ventesimo secolo fu segnato da una moltitudine di innovazioni nell'arte e nella letteratura legate a cambiamenti catastrofici nella coscienza pubblica durante la rivoluzione e le guerre mondiali. Le nuove condizioni della realtà sociale hanno avuto un impatto su tutta la cultura artistica nel suo complesso, da un lato, dando un nuovo respiro di una tradizione classica, e d'altra parte, allevare nuove arte - avanguardia o modernismo, la faccia del tempo più pienamente riflessiva.

Essenzialmente, il termine "modernismo" è indicato dalle tendenze artistiche, dalle correnti, dalle scuole e dalle attività dei singoli maestri del XX secolo., Ha rifiutato di avere l'ex forma visiva che si è rotto con il concetto di stile come integrità della forma, spazio, aereo, colori e proclamare la libertà di espressione sulla base del loro metodo creativo.

La cultura artistica ha vissuto un grandeeee senza precedenti su movimenti bruscamente diversi. C'erano forme assenti in natura e inerente all'arte. Belle arti partite da "Copia della natura": il focus è stato fatto per creare una forma che riflette il lato spirituale della natura, invisibile e, quindi, e risolta. In questi turbolenti e numerosi movimenti artistici, si possono distinguere diverse cose principali: formism, espressionismo, astettore, futurismo, cubismo, surrealismo, purismo, orfamico, costruttivismo e altri.

Una delle tendenze del modernismo - cubismo, formato Nel primo decennioXX secolo. I cubisti hanno proceduto alla convinzione che tutti gli oggetti e i fenomeni, compresa una persona, possono essere raffigurati sotto forma della quantità di forme geometriche. Come espressionisti, hanno abbandonato lo spazio illusorio, mettendo la stretta costruzione del soggetto presentato sull'aereo da diversi punti di vista nel lavoro del capitolo. I suoi rappresentanti - Pablo Picasso, George Matrimonio, Fernan Leo, Robert Delone - Professed Una vera passione per l'esperimento, cerca nuovi mezzi e tecniche espressive. Hanno cercato di aggiornare radicalmente il linguaggio artistico. Arte per loro eseguita come creatività di forme plastiche dotate di essere indipendenti e significato.

Si ritiene che la comparsa del cubismo fosse il risultato dell'impatto sulla vista mondiale dei suoi fondatori di Picasso e del matrimonio della scultura africana portati in Europa. Con esso, è stato preso in prestito dall'idea di semplificare gli oggetti alle forme geometriche della palla, cilindro, prisma, cubo. Pertanto, la loro creatività nella beffa chiamata "arte dei cubi". Il mondo che hanno creato nelle loro opere è stato sfaccettato e angolare.

Pertinenza dell'argomento.Il cubismo è una delle significative correnti artistiche del modernismo che ha influenzato l'arte dell'intero ventesimo secolo. I suoi mezzi specifici si basano sull'imitazione obbligatoria della natura. Il mondo esterno è solo un impulso per l'espressione dell'individualità del Creatore. Il rifiuto dell'imitazione plausibile del mondo circostante ha aperto opportunità incredibilmente ampie di fronte all'artista. L'arte ha avuto l'opportunità di rimanere in vita e pertinente nel mondo, dove le immagini visive stanno diventando sempre più convenienti e non richiedono determinati canoni.

Una persona moderna è molto importante capire la creatività dei cubisti non solo perché ha determinato la natura dell'arte europea del XX secolo, ma anche perché, sviluppando per sette decenni, dall'inizio del secolo e quasi prima del suo completamento, Era un catalizzatore e un riflettore della sua filosofica e delle sue idee filosofiche ed estetiche, una riflessione di un artista geniale sulle fresche e le contraddizioni di questo secolo disumano.

Bello, ma difficile da capire che l'artista tiene tutto il visualizzatore in tensione intellettuale e spirituale tutto il tempo. Per incontrare i dipinti del cubismo nel museo, lo spettatore deve avere un certo stock di conoscenza estetica e filosofica, in modo che nel museo continui non solo l'apertura del mondo dei dipinti cubistici, ma anche la creazione del proprio mondo interiore. Durante l'incontro con il cubismo, come in generale, con opere di pittura occidentale, lo spettatore crea articoli virtuali, ideali, espandendo così il campo della sua coscienza e di alta qualità lo arricchiscono. Questo fenomeno dei culturati chiamava la "nuova sensazione estetica".

L'obiettivo del lavoro del corso è quello di studiare il cubismo, le cause della sua occorrenza.

Sulla base dell'obiettivo, i seguenti compiti devono essere risolti nel corso del corso:

Rivelare P. redspon dell'emergere del cubismo e della sua influenza socio-psicologica sulla società;

Rivelare il ruolo dei padri del cubismo;

Esplorare i principali principi artistici del cubismo;

Considera i periodi di cubismo e dare loro una caratteristica;

Esplora l'esperienza della nuova percezione del mondo

Rivelare i segni dell'influenza del cubismo sull'arteXX secolo.

Quando si scrive un corso di corso, la letteratura educativa e scientifica sulla storia dell'arte e degli studi culturali sono stati utilizzati.

Il grado di studio dell'argomento: l'analisi scientifica delle tecniche pittoresche e tecniche del cubismo è considerata nel libro "su CUBIZM" (Autori - Jean Metzenznza, Albert Glez).

La struttura del lavoro del corso consiste nell'introduzione, 2 capitoli, conclusione e letteratura della letteratura usata. Il primo capitolo caratterizza L'emergere del cubismo come direzione artistica nell'arte. Il secondo capitolo discuteazvitia Cubism come una delle principali correnti nell'arte Pittura dell'Europa occidentaleXX secolo.

1 L'emergere del cubismo come direzione artistica nell'arte

1.1 Prerequisiti per l'emergere del cubismo e la sua influenza socio-psicologica sulla società

Dalla metà del XIX secolo, la partenza dal dominante in questo momento in Visuall'arte della tradizione naturalistica è bruscamente accelerata. Pittura, grafica,la scultura si rivolge a ciò che non è disponibile per dirigere ("Letterale")riproduzione. Sviluppo di nuovi fondi visivi, lottare pertiporizzazione, maggiore espressione, creazione di simboli universali, formule di plastica compresse dirette, da un lato, da visualizzareil mondo interiore di una persona, il suo stato (mentale, emotivo), conun altro - sul rafforzamento dell'espressività, dell'informatività della struttura "corporea"cose, aggiornamento della vista visiva del mondo fino al compito di creareDesign "Fatto pittorico indipendente""Nuova realtà".

L'ultima mostra di impressionisti nel 1886 segna la fine del classicoil periodo dell'arte europea. A partire da quel momento in Europadipingere uno dopo l'altro sorgere numerose correnti esistenti di piùo meno tempo: Yuggendistil, espressionismo, neo-simulazione,punto di vista, simbolismo, cubismo, fusismo.

"In anarchia dei valori emotivi alla fine del secolo scorso, - ha scritto austriacopittore Wolfgang Paren, - persone che hanno attratto l'arte come l'ultimorifugherò, inizia a capire che anche la natura interiore delle cosesignificativo, come uno esterno. Ecco perché Siera, Cezanne, van Gogh e Gaugumeapri una nuova era nella pittura: Syra - con il suo desiderio di strutturaleunità, al metodo obiettivo, Van Gogh - il suo colore che cessagioca un ruolo descrittivo, Goguene - un modo audace oltre l'estetica occidentale esoprattutto Sesanne - risolvendo compiti spaziali. " Palayen compressocaratterizzato le fasi più importanti del processo artistico, direttamenteprecedendo la scoperta dell'arte primitiva e della frattura cheprogrammato in Arte europea verso il 1907

Il 1907 è considerato girevole in relazione al tradizionale, prima di tuttoafrican Art, allo stesso tempo, questa linea da cui ha originele ultime indicazioni artistiche. 1906 - L'anno della morte Cezanna -segna l'inizio di un impatto particolarmente profondo su tutta la generazioneartisti. Più tardi questo periodo è stato nominato storici dell'arte"Cesannovsky" o "negro".

Analizzando la creatività Cezanna e soprattutto i suoi ultimi lavori in cuiÈ il più vicino a risolvere i compiti spaziali,confrontandoli con i campioni più caratteristici delle materie plastiche africane,essendo a volte esempi ideali della forma di realizzazione di queste soluzioni spaziali,È sicuro dire che è stata la creatività di Cebzanna che è diventata l'ultimae, forse, decisivo in una serie di fattori che hanno costretto un nuovo lookarte primitiva

Peso tangibile delle immagini, che ha cercato di raggiungere Cezanne, cercando attraverso il rilevamento di strutture ritmiche e geometriche per penetrare nell'essenza di cose e fenomeni e mostrare questa essenza, è, secondoriconoscimento, la qualità di base delle materie plastiche africane. Quindi la creativitàCezanna, l'ex risultato logico di tutto lo sviluppo precedentepittura europea, in un famoso senso vicino al lavoro di Van Gogh,Gogen e Syra, ha svolto un ruolo decisivo nella creazione di condizioni oggettive,quale arte africana è stata inclusa nel processo artistico globale.

Arriva il momentocompatibilità: un sistema estetico alieno non è solo riconosciuto, ma anche "adottato" pratica artistica. Inoltre, la stessa arte primitiva è diventata uno strumento di scoperta, e questa è la profonda essenza del processo in esame. Aprì gli occhi agli artisti che hanno scoperto dove erano meno aspettati di essere un nuovo sistema di valori artistici, fondamentalmente diversi da quello che i millenni seguirono l'arte europea.

Pertanto, la base del concetto di cubismo era la cultura "pagana", che in una volta ha causato l'arte dell'antichità, e in seguito ha dato nuovi germogli nell'era rinascita. Ha liberato la creatività artistica dalla leggerezza del salone, lo restituì per rivelare l'essenza delle cose e dei fenomeni, facendo arte in conformità con il trend of time lo strumento di conoscenza. Nelle sue manifestazioni consecutive, il nuovo corso, ha ricevuto condizionatamente il nome "cubismo", era il pubblico della struttura, come se esponga scheletri di oggetti.

I sentimenti dello spettatore, che era alla mostra di fronte ai clutters dei cubisti, può essere paragonato alle sensazioni di una persona che si è riunita per fare un piacevole viaggio, e invece, ha ricevuto un invito a partecipare alla posa di nuovi percorsi .

La reazione del pubblico ha dimostrato che la transizione alla nuova direzione si è verificata saltando, nonostante il lungo periodo preparatorio, durante il quale lo spettatore europeo della capitale dovrebbe espandere significativamente i suoi orizzonti. Dopo che il riconoscimento di Van Gogh non poteva più essere considerato la levigatezza e il colore naturalistico del colore con una condizione indispensabile per "buon pittura"; La vita e il lavoro di Gauguen hanno attirato l'attenzione sulle colture "primitive" e hanno insegnato a vedere non tanto la loro immaturità, tanto quanto il loro stato della loro condizione, che aveva un sacco di prezioso e istruttivo; Il lavoro di Ciro è stato un esempio della possibilità di utilizzare metodi scientifici per risolvere problemi artistici; Infine, il metodo creativo di Cezanne, in particolare la tecnica delle sue ultime opere, così vicino alla tecnica dei piccioni precoci del matrimonio, sembrava essere promosso se non una comprensione, quindi almeno il riconoscimento del diritto all'esistenza di questo esperimento , che è chiamato il più coraggioso nella storia dell'arte. Eppure le opere del matrimonio, poiché le successive opere dei cubisti sono state respinte dalla giuria e sono diventate molto tempo per le critiche e il soggetto dello scandalo per il pubblico in generale.

Una nuova direzione nell'arte e nella letteratura pittorica, nata nell'epoca di apertura di "L'arte negre" (l'arte dei neri) e strettamente connessa con lui, ovviamente, non era l'unico orizzonte, dove la lega di un nuovo artistico La cultura è stata creata.

La connessione del cubismo con l'apertura della scultura africana è ovvia. Sebbene la domanda di chi sia precisamente l'apertura della scultura africana rimane controversa, nessuno è in dubbio che la sua lezione è stata per la prima volta percepita da giovani, ma già ben nota al momento dal pittore spagnolo Pablo Picasso.

Il cubismo è considerato il movimento più potente dell'arte sin dal Rinascimento italiano. Questo movimento d'avanguardia ha fatto un colpo di stato rivoluzionario nella pittura e nella scultura europea all'inizioXx. secolo. La grande tentazione per gli artisti è stata la scienza, come un'area non colpita dalla crisi. Come gli scienziati che lavorano nei loro laboratori, gli artisti si approfondirono nei loro laboratori, immersi nel mondo delle parole, dei suoni, delle forme. Forse si è rivelato essere un modo più efficace per partecipare alla vita circostante rispetto alla sua riflessione realistica. Pertanto, tale grande importanza acquisisce l'ossessione degli artisti-cubisti in cerca di forme.

Un altro stimolo per il verificarsi del cubismo era l'interesse degli artisti all'arte, non influenzati dalla crisi della civiltà, in cui c'è qualcosa di "corretto". In tale arte, ha trovato l'integrità, il biologico della coscienza artistica, la naturale immediatezza del atto creativo. Il desiderio degli artisti di toccare le "fonti" è stata nutrita e scoperte moderne nel campo del subconscio, e un pregiudizio di intuitività nella filosofia.

L'emergere del cubismo era una reazione naturale al naturalismo dell'impressionismo e dalla fase naturale dello sviluppo delle tendenze analitiche del postmipressionismo. La mostra di dipinti di Cezanne nel "salone autunnale" è servito nello sviluppo del metodo di Visual Cubism a Parigi. Ciò che ha fatto con pittura impressionisti, sostituendo la forma e la composizione del gioco di luce, colori e riflessi, non ha soddisfatto molti. Cezanne ha prima sentito che questo percorso conduce a un vicolo cieco di Freeness e soggettivismo. Ecco perché ha scritto le parole che hanno reso i suoi motti giovani artisti kubist: "Prendi la natura vicino al cilindro, palla, cono ...".

La prima mostra di camminatori nel 1905 nel 1907, la prima mostra di Feups nel 1905 è stata promossa per formare cubismo come un certo flusso nell'arte. Nel 1907, Young Picasso ha scritto la sua famosa immagine, uno dei programmi opere di cubismo "Avignone Girls" , che ha causato lo scandalo forte dei critici lo chiamato "cartello per un bordello". Parlando in senso figurato, se l'edificio è stato precedentemente costruito con l'aiuto delle foreste, poi P. Picasso e la sua gente che la pensieri come ha iniziato a dimostrare che l'artista può lasciare le foreste e rimuovere l'edificio in modo che l'intera architettura continuerà nel foreste.

Le opere dei cubisti sono state presentate per la prima volta alla mostra nel 1908 nel salone indipendente. La mostra del gruppo di cubisti ha avuto luogo nel 1911. Primo, nel gruppo, entra in Pablo Picasso, Georges Matrimonio, Jean Metzenznaya, Albert Glez, Fernan Leo, Robert Delone, Marsiglia Dushan e altri. Nel 1911-1912, Picasso e il matrimonio hanno scritto una serie di composizioni preferibilmente ovali piene di incredibile spessore delle forme di frantumazione che si penetrano a vicenda, traslucido, fusione di scivolamento. Tra questi, uno sguardo cattura i bordi di bicchieri di vetro, esplosioni di fan, fusioni di conchiglie, numeri, lettere, note. Qualche miniatura universale. Gli ovali Picasso e il matrimonio conferiscono allo spettatore il sentimento che nella foto è infinitamente "succede qualcosa".

La prima mostra collettiva dei cubisti si è svolta nel 1911 nel salone di indipendente, dove la 41a sala dei cubisti ha fatto una sensazione. Soprattutto ha evidenziato il lavoro di Metzenza, Gleza, "Giovane ragazza" Marie Laurent, "Torre" Robert Delone, "Abbondanza" Le Foconier. I risultati del cubismo sono stati stimolati dalla collaborazione del matrimonio e del Picasso, che per sette anni lavoravano in stretta comunione tra loro. Tale dialogo li ha aiutati a comprendere ed esplorare la tecnica dell'immagine illusionistica.

1.2 Pablo Ruiz Picasso e George Matrimonio come padri cubismo

Creatività Pablo Picasso (1881-1973) permea il tuttoXX secolo.

Pablo Ruis, successivamente, ha sostituito il nome di suo padre troppo comune in Spagna in una rara name della madre - Picasso, è nato il 25 ottobre 1881 a Malaga. Suo padre, José Rusa Blosko, un insegnante di disegno presso la scuola d'arte locale e l'artigianato, è diventato il primo insegnante Pablo.. Gli anni trascorsi all'Accademia di Belle Arti San Fernando a Madrid (1897-1898) sono stati segnati da una partenza dall'accademismo e appello a dipingere i vecchi maestri, le cui opere ha studiato a Prado. Nel 1900, arrivò per la prima volta a Parigi. È stata una fase decisiva nel lavoro di Picasso, che divenne un impulso a ulteriori ricerche. . Durante il 1900-1902 G. Picasso è venuto a Parigi tre volte, e nell'aprile del 1904 fu finalmente trasferito lì.

Nell'autunno del 1901, Picasso entra in un nuovo percorso chiamato "Blue Period" (1901-1904). Le immagini di Pickasso sono ripetutamente varie immagini di mendicanti, i ladri che portano la loro disgrazia come elezione. A metà del 1901, un desiderio sempre più distinto per la tavolozza surreale fu aggiunta agli esperimenti compositivi, nella sua moderazione lasciando per la monotonia sfumata. Picasso riproduce il primo impressionismo colorato e strutturato.

Moravia ritiene che i mesi sia il passo più decisivo di Picasso al "modo", a "indifferenza sperimentale verso la ricchezza e la complessità della visione autentica del mondo". A un colore significato semplificazione, stilizzazione, unificazione, indica un'idea puramente formale del mondo - "idea dipinta". E non si tratta della predominanza di un colore, proprio come si è svolto con il verde nel lavoro di El Greco. Stiamo parlando della "immersione" del mondo in una singola tonalità, sulla comparsa tra l'occhio dell'artista e il mondo degli occhiali illusori. In effetti, il mondo non è blu, - il mondo è povero, oppresso, affamato, mendicante, sfortunato, come lo stesso Picasso riconosce nei suoi dipinti di questo periodo. Ma è precisamente il blu nega la povertà e la fame nel momento stesso, in cui l'artista li rappresenta. Inoltre, questo colore approva la volontà e il desiderio di Picasso di presentare la sua vitalità complessiva con un colore totalitario e demyurgico.

"La ragazza sulla palla" è l'immagine più simbolica del "periodo blu" e uno dei suoi dipinti più attraenti. Il contrasto è attratto dal contrasto tra la graziosa fragilità di Acrobatki, bilanciando sulla palla, e le enormi spalle e le massicce gambe atleta seduti a Cuba. Picasso è interessato alla relazione tra queste due figure, che attribuisce un misterioso, simbolico, molto particolarmente importante, lontano da qualsiasi generalizzazione sensuale. Questa è una relazione tra il tipo d'aria di vitalità di Acrobatki e vitalità completamente terrestre dell'atleta.

Il prossimo periodo di ricerche di Picasso è consuetudine denominata "periodo rosa" (1905-1906). Nel Twilight Bluish Gamut penetrare nei delicati toni di Heyday. A questo punto, le immagini degli amanti, le madri con bambini appaiono. Le forme sono gradualmente sempre più congelate sull'aereo e acquistano i bordi diritta, il Picasso si avvicinò a una certa schematizzazione.

Nelle prime opere, la capacità di Picasso alla percezione vivente dell'influenza degli impressionisti, van Gogh, Tolosa-Lotrek, artisti del gruppo Nabi. Continua l'immagine di una triste commedia di vita nelle immagini del circo e dell'uncinetto.

Nel 1907, c'è una frattura nel lavoro di Picasso. Si riferisce al cubismo. Il compito principale della sua arte diventa la progettazione di volumi geometrici o la decomposizione analitica speculativa di questi volumi mediante la quantità di componenti e piani complati. "Avignone Girls" (1907) è una delle più famose, ma non la migliore delle sue tele. Sente il divario con le tradizioni, ma non c'è integrità interna. Tracce di influenze: rilievi assiri, maschere africane. E sulle figure a destra con le loro teste a prova di morte piantate sui corpi rosa in terracotta, soffia già l'orrore dei rituali di Dicar. Qui Picasso rifiuta l'effetto illusorio della pittura creata dalla prospettiva, l'illuminazione, le trame e fa un tentativo di trasferire tre misurazioni sull'aereo senza disturbare la sensazione visiva dell'aereo. Questo è il principio del mosaico o del vetro colorato. Qui le fondamenta del concetto di cubismo sono già posate. Fattanti di forme angolari, contrasti di colore sordo, il crepuscolo generale del colore in molte cose Picasso trasmette la preoccupazione e la eccitazione dell'artista.

Nel "ritratto di Vollaro" (1910), tutte le linee principali conducono al viso. E lo sfondo e il personaggio non differisce come una consistenza o spazialmente. C'è un focus magico in questo ritratto: se guardi la famosa distanza, poi tutti gli aerei, gli angoli, i bordi sono chiusi, il viso appare potentemente incollato plasticamente e vivo.

Dal 1914, Picasso appare più opere sempre più realistiche. Questa è ancora la vita: un comotore con banane e mele, arlecchino. In questo momento, Picasso crea abiti alle innovative produzioni della TOUPE DYAGILE BALLET, incluso la parata Ballet per la musica di Sati. Nell'Europa del dopoguerra, il desiderio di fare affidamento su qualcosa eterno, incrollabile. Picasso rileva elementi del neoclassicismo. Nelle sue tele, squat, le donne di cortocircuito con caratteristiche corrette appaiono di individui. ("Tre donne alla fontana", "sorgente"). Nel 1918, Picasso sposa la Ballerina russa Olga Khokhlova, nasce il loro figlio. Naturalmente, nel lavoro dell'artista negli anni '20, il tema della maternità.

1920-1930 è caratteristico della transizione verso composizioni surrealistiche. Rifiutare le strutture cubistiche, crea immagini basate sulla deformazione espressiva del corpo umano, distorce fortemente l'aspetto umano. Può scrivere la stessa donna perfetta, angelo simile, infinitamente attraente e un giorno o un mese dopo - mostruoso. Un sorprendente nella combinazione di acquerello incompatibile "nudo sullo sfondo del paesaggio" (1933). Mare, fiori, tempio e incubo, frammentazione. La mano è nuda che si muove dal pennello nella somiglianza della zampa shaggy. ("Donna sulla sedia", 1927, "Artista e il suo modello", 1927, "Piscina in piedi", 1929).

Nel 1930, l'artista ha creato 30 incisioni a "Metamorfosam" ovido nello stile classico, negli anni '30 G.G. Una serie di 100 incisioni chiamate "Suite Vollar", in cui una delle immagini principali è Minotavr - Semi-semi-semi-semi-semi-semi-semi-semi-semi-semi-seduti, quindi giocoso, poi feroce e crudele.

Dopo aver appreso la distruzione della piccola città basca di Gernik Aviation Frankist, Picasso comincia a lavorare sulla Web Gernik, che era destinata al padiglione spagnolo alla mostra mondiale del 1937 a Parigi. Panella simboleggia nuovi tempi, la morte di massa, incarna la tragedia e la rabbia. La gravità dell'impatto emotivo è raggiunto da un ritmo irrequieto della composizione, delle forti deformazioni, della drammatica espressività della disperazione completa e dell'orrore dei volti umani. Il dipinto realizzato in olio in nero, bianco e grigio, divenne un capolavoro riconosciuto e un simbolo di una distruzione senza senso di guerra. L'artista ha scritto: "L'arte è una bugia, che aiuta a capire la verità".

In tali lavori come "macellazione" del 1948, "Guerra in Corea" del 1952 è espressa dalla posizione civile di Picasso. Dal 1947, Picasso lavora nel centro della produzione di ceramiche di Francia Valoris su sculture di ceramiche, dipinge piatti di argilla. Nel 1946, Picasso esegue una serie di pannelli e dipinti per il museo di Antibes, oltre il Museo Picasso.

Negli ultimi 30 anni, la creatività di Picasso si rivolge al patrimonio di grandi maestri di pittura, reincarnando le loro immagini nei loro dipinti. Quindi, nel 1950-1960. Ha creato tre cicli dedicati alle "donne algerine" Delacroix, "colazione sull'erba" Mana e "Meninam" Velasquez (44 versioni). .

Ispirato all'immagine di Velasquez, Picasso crea una serie di analisi artistiche della composizione, che mostra la ricchezza dell'immaginazione. Si decompone il lavoro, trasformando i suoi eroi per "nuovi" personaggi senza perdere l'atmosfera maestosa. La serie di "mensini" può essere considerato come repertorio dei ricevimenti visivi di Picasso, combinando in contrasto con immagini planare con innumerevoli deformazioni naturali.

L'arte di Picasso è nata con un'epoca, quando tutto è stato spostato dai soliti luoghi, tutti i valori hanno subito i rivalutazioni. La sua arte è un sistema aperto, una catena di metafora senza fine.

Georges Matrimonio (1992-1963) è nato in Argente 13 maggio 1882. Quando il ragazzo aveva otto anni, la sua famiglia si trasferì a Gavr. Ha ricevuto le prime lezioni di abilità professionali da suo padre e nonno, che erano artisti professionisti del decoratore. Nel 1900, arriva a Parigi e nella cerchia dei suoi colleghi spesso non ha dichiarato orgoglio, che è "auto-insegnato senza educazione accademica".Per un po 'studia alla Scuola di Belle Arti e assorbe le ultime tendenze artistiche. Massiminato dall'arte del Matisse, lui confina nel 1906 a "Fovisisti" e crea una serie di paesaggi, che sembra assorbire il potere del sole meridionale e la luminosità dei colori della Provenza. In questi paesaggi, viene mantenuta un'immagine tradizionale di un motivo naturale, ma la cazzata del colore e dell'espressione plastica danno alle immagini quasi cosmiche. Una caratteristica distintiva del lavoro del matrimonio di questo periodo non era solo una speciale bellezza decorativa, ma anche una grande, di altre volte, il design della composizione.

Due eventi del 1907 hanno radicalmente cambiato il destino creativo del matrimonio: la mostra Cezanne e un incontro con Picasso.L'effetto dei lavori di Cezanne e Picasso porta a un cambiamento radicale in stile matrimoniale. Una delle opere più famose di questo periodo è l'immagine "Case in ESTA". Il motivo concreto qui è ancora più risolutamente trasformato in una specie di modello del Universum - non c'è molta vista della città come l'immagine della creazione del mondo. Ma invece delle precedenti forme fluenti, i potenti volumi geometrizzati, appaiono la rivolta delle pitture, la combustione festiva del colore viene sostituita dalla gamma ascetica "cesannovskaya" di tonalità giallastra-ocra, verde e grigio-blu, e il dinamismo è ora combinato con statico incrollabile. Si tratta delle "case in auto" Matisse, e dopo di lui, uno dei critici usava l'espressione "Cuba", che ha causato il nome della nuova direzione, che era destinata a giocare un ruolo così significativo nell'arte del XX secolo.

Dalla fine del 1909, il matrimonio lavora a stretto contatto con Picasso eseguendolo, entrando nel periodo "cubismo analitico". Scrive in questo momento principalmente livelli ancora, in cui "Cuba" "case nell'estea" iniziano a fluire in piccole sfaccettature che riempiono l'intera superficie della tela. Questi versi hanno la propria colorazione e direzione, sembrano sporgenti, profondità, luminosi o oscurati; Le morbide macchie pittoresche sono combinate con contorni affilati. Dalle forme astratte ci sono dettagli di oggetti, ma, in conformità con la dottrina del cubismo, l'artista non raffigura un oggetto, ma cerca di trasferire la quantità di sensazioni di plastica e idee su di lui. È stato dichiarato - per la prima volta con il Rinascimento, il diritto alla pittura mostra ciò che non può essere visto da un punto di vista e che non può essere visto affatto. Tuttavia, il rifiuto dell'immagine concreta con l'inevitabilità ha portato all'esaurimento del contenuto figurativo del lavoro pittorico. Di fronte allo spettatore furono conclusa in cornici rettangolari o ovali, superfici colorate e ritmicamente organizzate, trasmettendo la stessa "formazione" astratta di una sostanza materiale in movimento.

Il matrimonio ha raffigurato oggetti da diversi angoli, rifiutando così dalla prospettiva centrale presi prima dell'art. Inoltre, l'artista ha trasferito oggetti e cifre in forma estremamente semplificata: quindi, non conoscendo il nome dell'immagine, è stato difficile indovinare ciò che è stato rappresentato su di esso.

All'inizio del 1912, il matrimonio crea sculture cubistiche - strutture di carta. Primavera Picasso, ispirata da loro, crea un collage.

Nell'estate del prossimo anno, il matrimonio continua le loro ricerche e di conseguenza arriva alla scoperta di un nuovo argomento - Applicazioni cartacee ("papiers Colles. "-" Padier Coll "), che consente al matrimonio di tornare a dipingere il colore e" separare chiaramente il colore dal modulo e vedere la sua completa indipendenza in relazione al modulo ". Questo, a sua volta, segna la transizione verso il cubismo "sintetico".

Nel periodo di "cubismo sintetico", matrimonio, come Picasso, infine rumma con il tradizionale "tipo di natura". L'immagine non è ora non un "analogico" del soggetto, ma una specie di "nuova realtà". Sulla superficie pulita della tela, il gioco gratuito degli aerei a colori dipinti in vernici locali luminose, disegni di contorno realistici di elementi, iscrizioni ed elementi "montati" nella composizione della natura "vivente" - sotto forma di un collage o un'imitazione pittoresca di Pezzi di giornali, carta da parati, etichette, ecc. Con l'aiuto di queste tecniche, sono stati rimossi nuovi effetti decorativi, ma è stato creato il senso generale della vita della città moderna, con i suoi ritmi e i suoi segni documentali - e talvolta una simile somiglianza del musical Immagini ("Aria Baha").

Dopo la prima guerra mondiale, il cubismo si fa gradualmente. La sua metamorfosi ha mostrato il degrado dell'esilio dal dipinto del principio visivo. A partire dai 20 anni, il matrimonio utilizza solo elementi di stile individuali e trucchi di cubismo e rifiuta le sue tendenze astratte. Ma, come Picasso e la maggior parte degli altri maestri moderni, si affida alla libertà acquisita nelle ricerche precedenti, non solo "visibile", ma anche "pensiero". La sua arte d'ora in poi, come sarebbe equilibrata tra la natura e il mondo interiore dell'artista ed è, in molti modi, la poesia "definita". La lingua pittoresca utilizza "sentieri" poetici, penetrati con spiritualità speciale, cerca di passare in forme visibili non tanto l'aspetto come l'essenza interiore dei fenomeni.

Nel 1914, il matrimonio è stato mobilitato e l'anno prossimo fu gravemente ferito nella parte anteriore e della commissione. Non appena è stata concessa la salute, vale a dire, nel 1917, è di nuovo accettato per il lavoro e immediatamente alla fine della guerra crea diverse livelli ancora, che dimostrano che la visione del Maestro rimane cubistica - decompone gli oggetti sugli elementi e piani, ricomposti e come se compressi con rigidi ritmi di plastica e decorativi.

Insieme ai livelli immobili, il matrimonio scrive ritratti negli anni '20 e una serie di nudi, eccitanti dalla loro potente plastica, la latitudine del ritmo e la bellezza del sapore. Contemporaneamente con queste immagini femminili nella sua arte, i personaggi antichi appaiono per la prima volta - "Canafors", ragazze con regali sacri sotto forma di frutta e colori. A differenza delle immagini neoclassiche di Picasso, il matrimonio "Canahors" non contiene Groutasca e combinare la monumentalità con quasi la facilità limitata. I personaggi mitologiti vivono liberamente nello spazio dei dipinti dell'artista; La loro stessa apparizione non è casuale, è dovuta all'intera poetica del matrimonio. In futuro, è tornato ripetutamente agli argomenti antichi (ciclo di illustrazioni per Haziod, numerosi litografie, incisione e plastica opere con immagini di divinità greche, ecc.). Nel più stilista della pittura un matrimonio con la sua gamma di toni dorati, marroni e neri e linearità squisita c'è un comune con un vasopipo arcaico.

Nei primi anni '30, il matrimonio ha sperimentato una breve influenza del surrealismo (una serie di livelli ancora con immagini planare lineari generalizzate di oggetti e forme irrazionali molluschi). In futuro, il suo dipinto acquisisce una nuova latitudine poetica e spaziale, nonché una speciale raffinatezza colouristica e lineare; Pieno di luce. Nei primi anni '30, crea un certo numero di specie marine in Normandia, allora gli interni sono scritti in cui ci sono tavoli con livelli ancora o donne premurose con volti e profili combinati, delineato dallo contorno di "barocco" di avvolgimento. Un numero di lavori sono dedicati all'argomento "Artista e modello". La sua interpretazione è privata del matrimonio del dramma e della ricchezza degli aspetti inerenti all'opera di Picasso, in conformità con tutto il suo magazzino, il matrimonio sottolinea, prima di tutto, il misterioso e contemplativo inizio lirico della creatività. Lo stesso ciclo comprende una serie di "workshop" (1949-1956), nella complessa stratificazione delle immagini di cui l'uccello volante spesso domina - il Leitmotiv dell'intero tardo artistico dell'artista. esso Si sforza di combinare tutti i suoi ricordi, tutte le ricerche e tutti i temi della loro creatività.
L'eternità del movimento dell'arte nell'immagine degli uccelli volanti incarnati brillantemente nel suo megliolavoro monumentale - Pittura della Hall of Etriscov nel Louvre. La creatività del matrimonio non è limitata alla pittura e alla grafica. Ha creato una sofisticata ed espressiva scultura energizzante con arcaico greco. I più elevati risultati dell'arte applicata francese appartengono al suo vetro colorato, gioielli. L'acciaio classico e le sue opere teatrali sono prodotti da DyAgileev Ballets a Parigi negli anni '20.
La lavorazione del matrimonio George è l'unicità della sua visione della pace e dell'arte, il processo di sviluppo rapido e veramente rivoluzionario dell'arte del ventesimo secolo.

1.3 "Avignone Girls" come l'inizio del cubismo

Nel 1905, Picasso crea la sua famosa serie "Acrobats", "Girl on A Ball", "Acrobatov Family" e altre composizioni Periodo "rosa", pieno di testi morbidi, ancora più dettagliati, vicini alla natura rispetto alle opere precedenti. Non prefigurano quella frattura nel lavoro dell'artista che viene improvvisamente e con tutta la nitidezza si manifesta per la prima volta nella grande composizione di Avignon Maidens. Questa immagine è stata iniziata nel 1906 in un modo, piuttosto vicino a quella precedente: Ritratto di Gertruda Stein, "Due donne nude" (entrambi i dipinti sono stati scritti nel 1906). Ma quando è stato completato, nel 1907, non c'era nulla in esso, che assomigliava al periodo figa del Pink precedente. Cinque figure femminili nude raffigurate in diversi angoli riempiendo quasi l'intera superficie della tela, come se fossi brudamente in legno massello o pietra. I corpi sono massimalmente generalizzati, i volti sono privati \u200b\u200bdelle espressioni. Le pieghe delle tende che costituiscono il modello dei dipinti, creano una sensazione di decadimento e disarmonia.

L'immagine ha fatto un'impressione profonda deprimente sugli amici dell'artista. Alcuni hanno trovato con il mio gonfiore, altri hanno parlato della malattia mentale dell'autore. J. Brac, che ha visto "Avignone Devitz" uno dei primi, indignato indicato che Picasso vuole farlo "avere un passaggio e bevi il cherosene". Secondo Gertruda Stein, il famoso collezionista russo S.I. Bichkin, un grande fan della pittura Picasso, essendo con lei dopo aver visitato il laboratorio dell'artista, quasi esclamò con lacrime nei suoi occhi: "Che perdita per la pittura francese!". Marshans, prima che le noiose tutte le opere di Picasso, si rifiutarono di acquisire questa foto, la cui importanza nel 1907 comprendeva, sembra, solo due persone - Guillaume Apolliner e Daniel Henri KanySeyer. È questa immagine che il restante non riconosciuto, segna l'inizio di un nuovo periodo negro Picasso nel lavoro di Picasso e una nuova direzione nel mondo dell'arte - cubismo.

"Il dipinto" Avignone Girls "non è nel loro senso dell'immagine cubista, - scrive il più grande ricercatore inglese John Golding. - Il cubismo è realistico ... In un certo senso, è un'arte classica. "Le ragazze" impressionano anche l'impressione di tensioni estreme ... allo stesso tempo, questa tela, indubbiamente nota una frattura nel lavoro di Picasso e, inoltre, l'inizio di una nuova era nella storia dell'arte. È un punto di partenza logico nella storia del cubismo. L'analisi della pittura mostra chiaramente che la maggior parte dei problemi che in seguito collaboreranno insieme nel processo di creazione dello stile del matrimonio e del Picasso, qui sono già impostati, forse anche incessantemente, ma per la prima volta abbastanza chiari. "

Secondo la testimonianza della città della macchia (il ritratto di cui nella caduta del 1906 ha concluso Picasso), fu durante il lavoro sulle "ragazze di Avignone" l'artista grazie a Matisseu ha incontrato la scultura africana. M. Szhorzh-Michel nel libro "Pittori e scultori, che sapevo" ricorda la visita di Picasso insieme all'APolliner dell'esposizione di Negro Art nel Museo dell'etnografia Trocadero. Secondo Georges Michel, Picasso "all'inizio è stato frivolo, ma è diventato appassionato appassionato di forme barbariche inattive." Può essere aggiunto che nel 1906 Picasso incontrò il Dend, che era poi sotto una forte impressione della scultura africana, aperta a loro nel British Museum.

Poeta e critico Andre Salmon, ha sostenuto pienamente una nuova direzione dell'arte, è stato il primo a riflettere la connessione tra la creazione del famoso dipinto e una scultura africana. Il salmone scrive che nel 1906 Picasso sta vivendo una crisi significativa. "Sta segretamente lavorando per la foto e la notte, cercando di tradurre le sue nuove idee in esso. A questo punto l'artista ha già affascinato dall'arte dei neri, considerandolo più perfetto rispetto all'egizio. E soprattutto ha apprezzato la sua strutturalità, credendo che le immagini di Dagomoe o Polynesiane hanno trasmesso estremamente conciso l'essenza plastica del soggetto. "

Secondo la testimonianza di Cebzanna, Picasso ha chiaramente dato se stesso un rapporto che nella scultura africana ha attirato la plasticità scomoda, immediatezza. A questo proposito, dovrebbe anche essere menzionato il commento della critica russa di ToralDhold nell'articolo sulla collezione
S.i. ishukina. "Quando ero nel laboratorio di Picasso," scrisse TOUGYAnDhold, "vidi gli idoli neri del Congo lì, ricordai le parole di un Benua circa ... l'analogia di avvertimento tra l'arte di Picasso e l'arte religiosa dei selvaggi africani e ha chiesto il Artista Se il suo lato mistico è interessato a queste sculture ... per niente, mi ha risposto, mi prende la loro semplicità geometrica. "

Semplicità geometrica delle figure - esattamente ciò che si sta precipitando principalmente alle "ragazze di Avignone". Inoltre, i volti delle due figure giuste sono direttamente associati a maschere rituali africani. Nel disegno e nel colore, queste teste sono nettamente diverse dal resto, e la composizione nel suo complesso produce un'impressione di incompletezza. La radiografia dell'immagine ha mostrato che entrambe queste figure, il più innovativo e allo stesso tempo il più "negritanese" sono stati scritti prima nello stesso modo del resto, ma presto riscritto di nuovo. Si presume che fossero rielaborati dopo aver visitato l'artista del Museo etnografico, quando è "con passione con una scultura africana.

"Ho preso la metà della foto," spiegò Picasso, "sentivo che non era quello!" Altrimenti ho fatto. Mi sono chiesto: dovrei rifare tutto interamente. Poi disse: No, capirai cosa volevo dire. "

2 Sviluppo del cubismo come corso di guida nell'arte

2.1 I principali principi artistici del cubismo

Cubismo, come un corso di diffuso nei primi decenniXx. Secolo in tutto il mondo - un esempio dell'Alleanza "Magic and Mathematics". Gli artisti cubisti sono stati ispirati dal famoso postulato di Cesanna - "interpretare le forme della natura come una forma di un cilindro, sfera, cono". Artisti kubist, teorici di questa direzione Alber Glez e Jean Metsence ha scritto nel libro "su CUBIZM" (1946): "Ognuna delle parti che la superata della tela shamining ha un carattere indipendente della forma, ma tutto il coniugato ritmicamente. La stanza è eliminata da un numero di parti, la stessa di forma, lunghezza, leggerezza. L'artista si ottiene la più grande intensità di tutte queste relazioni all'interno della tela, allora la tela crea l'impressione di una vita dinamica e difficile - la saturazione limite del più grande spazio nella foto. I cubisti hanno scoperto che l'imitazione della natura interferisce solo, senza di essa, le leggi specifiche degli spazi di rinascita possono svolgere nella loro purezza e assolutezza. Non obbedire al dettato della natura, il più visto da un punto di vista, l'artista si è mantenuto a saturare la tela delle forme di gioco più testate, rilievi e linee, vernici, ombre e luci nel loro contatto, contrasti, converge e discrepanze ".

Il cubismo era un tentativo di approfondire la pittura, aprire il suo contenuto profondo, e tali, secondo gli artisti, c'erano idee. I cubisti hanno capito idee come realtà che esiste nella coscienza dell'artista. A differenza delle sensazioni che gli impressionisti erano focalizzati, idee, il loro contenuto è irrilente, e talvolta incredibile.

Il cubismo ha schiacciato una delle varietà di astrazione. Ha liberato il contenuto del prodotto da immagini sostanziali e li ha sostituiti con astrazioni geometriche. Per Kubist, un vero evento sta pensando che accade nel creatore o nello spettatore, il cilindro dello stesso stile stesso è un oggetto irrilente. Idee per cubisti, Gasset notato, queste sono "realtà soggettiva contenenti oggetti virtuali, un mondo intero, con misteriosamente parlando dal sottosuolo della psiche e diverso dal visual". Le forme del corpo nelle opere dei cubisti sono sostituite da immagini geometriche e immaginarie associate a validità solo metaforicamente.

A partire da Cesanna, gli artisti raffigurano idee. Questa è la caratteristica più importante della nuova arte.Xx. secolo. Le idee sono anche oggetti, ma intrasubiettivi. Pablo Picasso già nei suoi primi lavori corpi arrotondati con forme volumetriche sporgenti esorbitanti ("Due donne nel bar", "tetti di Barcellona", "coppia", "Gladaller"). Allo stesso tempo, in altri lavori, ha distrutto la forma chiusa di un oggetto e in pura euklidal aereo ha avuto dettagli disparati (naso, sopracciglia, baffi), il cui scopo è quello di essere il codice simbolico delle idee. Nel suo lavoro su Picasso, un eccezionale scrittore italiano A. Moravia ha spiegato l'essenza dell'arte dell'Europa occidentaleXx. Secolo: creatori di nuova arte, a differenza dei loro predecessori, come Van Gogh, non volevano dire nulla di se stessi. Se Van Gogh nei suoi dipinti, in un modo o nell'altro ha parlato di se stesso, e su di loro abbiamo bisogno di pubblicarlo "crescere la follia", poi Picasso, per diversi anni della sua creatività ", brucia una carriera di un artista tradizionale relativo alla presentazione di realtà "," spostando le sue opere dalla vita alla cultura ". I lavori sono ora creati come risposta alla domanda del mercato, ma come risposta alle esigenze della cultura. E Picasso la sua "Autobiografia si trasforma rapidamente nell'approvazione della vitalità". E i mezzi che Picasso si è goduto di sciogliere la propria visione del mondo e trasformarlo in "vitalismo puro", era il ritorno della forma. Picasso percepì la forma come priva di qualsiasi valore, per le eccezioni del valore biologico. Ha rifiutato ogni storico nel nome del "impulso di vita" non storico ". Questo termine "Ellin Vitital" è il principale concetto di "filosofia della vita", sotto l'influenza di cui tutte le arti europee si sono sviluppate, in particolare il primo semestreXX secolo.

Un'altra caratteristica distintiva del cubismo era la creazione di un nuovo concetto di bellezza. "Non c'è niente di speranza che correre con la bellezza allo spicchio o in ritardo dietro di esso. È necessario rompere avanti e concederlo, fare il lato. Questa affaticamento dà nuova bellezza una bella follia della testa di Medusa Gorgon, "scriverà nelle sue memorie su Picasso J. Kokto. "Studia" la bellezza in modo che non sia la perfezione, per la quale è possibile dormire per sempre, non è mai stato raggiunto - tale era il principio estetico dei cubisti. La nuova bellezza proclamata da loro è priva di armonia e chiarezza. È il risultato di una connessione non compensata: alta e bassa.

Atteggiamento nei confronti della creatività artistica come atto creativo, il cui risultato è una nuova realtà, uno dei postulati dei cubi principali. La maschera e la figurina sono sempre state una realtà vivente, poiché incarnero spiriti abbastanza specifici e antenati deceduti (non raffigurati e non riflettono, vale a direincorporato, rappresentatoloro, cioè Erano e in questo senso erano parte della realtà circostante, una specie di varietà di quella "realtà aggiuntiva", che A. Jarry parlò e in una forma un po 'diversa - Apolliner, matrimonio, inversioni, divertimento e altre pratiche e teoriche di cubismo).

Quindi, lo scopo della creatività artistica per i cubisti, nonché per artisti primitivi e tradizionali, non è una riflessione o una mappatura, ma la creazione di una nuova realtà - fenomeni in piedi in una fila con i fenomeni della realtà, e non derivati da loro. "L'obiettivo", dice il matrimonio, "non nel riprodurre un fatto narrativo, ma nel lavoro di un atto di pittoresco. La trama non è un oggetto, è una nuova unità. "

Tuttavia, quale sarebbe un atteggiamento soggettivo alla creatività in artisti primitivi e tradizionali, qualunque sia l'obiettivo che perseguitano, riducendo una statuetta di antenato o applicare la parete della caverna della figura animale, di conseguenza, un'immagine più o meno condizionale di a È stata ottenuta persona o un animale, cioè, in definitiva mostra oggetti del mondo circostante.

La comunicazione con simulatoria conserva i cubetti più condizionali del matrimonio, del fungo, del Picasso, della Lesy. A volte vengono acquistati gli oggetti rappresentati nelle loro vita ancoradi pesi di peso, materialità della natura stessa, e ritratti costituiti da forme geometriche conservono anche la somiglianza esterna con l'originale.

Inoltre, maschere e figurine africane: costruite, sembrerebbe, da pura volumi geometrici, comunque trasmettono sorprendentemente una peculiarità etnica, caratteristiche del viso, caratteristiche del fisico. Il focus dell'artista-Kubist non è soggetto ad aspetto, e il design, l'architettura dell'argomento, non la consistenza, ma struttura. Lavorare sulla strada, cerca di massimizzare l'intero transitorio, volatile, non permanente, rivela la sua vera essenza. Se, come esempio, prendere la figura umana, e l'essenza genuina è considerata un inizio etnico, allora l'esempio ideale dell'incarnazione dei requisiti del cubismo sarà riconosciuta come una scultura africana.

2.2 Periodi per lo sviluppo del cubismo e delle loro caratteristiche

In una fase iniziale del cubismo, che ha sperimentato l'influenza di Cezanne ("Cesanovskybism", 1907-1909), la geometrica delle forme ha sottolineato la stabilità, l'inviolabilità degli elementi principali del mondo. I bordi del volume di scioglimento sul piano che formano la somiglianza del sollievo. Nei quadri di questo periodo, i volumi massicci sono simili alle forme di negro plastica (Picasso "tre donne", 1909; matrimonio "Estak", 1908).

Nella fase successiva, chiamato "analitico" (1909-1912), forma, gli oggetti vengono disintegrati in una pluralità di facce e convergono agli angoli piane; Viene utilizzato un set limitato di vernici. Un esempio di un cubismo analitico è il ritratto di Ambroza Vollar (1910), la cui faccia è divisa sul punto, il colore è quasi assente. Una delle migliori opere di cubismo analitico era un ritratto di un canvante, in cui ogni faccia dell'immagine è mostrata ad angolo, immagine della frazione. Il pericolo della conversione dell'immagine in un crittogramma, inaccessibile alla percezione, ha reso i creatori del cubismo cercano di stabilire una connessione con una realtà cheluding con l'aiuto di elementi della realtà stessa - così, nei dipinti del matrimonio apparve Lettere scolpite, parti del testo.

Durante questo periodo, Picasso e il matrimonio hanno collaborato così da vicino che era difficile distinguere le loro opere. Il loro obiettivo è creare un modulo oggetto nell'immagine, che ha implicito e una funzione specifica.

Gli articoli in Picasso e dipinti matrimoniali sono immediatamente riconoscibili per forme: piatti, occhiali, frutta, strumenti musicali, in seguito carte da gioco, lettere dell'alfabeto, numeri. Cioè, gli artisti lavorano con materiale appreso mentalmente che non richiede la riconciliazione con la realtà. L'impatto dell'immagine è più forte degli elementi meno riconoscibili e più lo spettatore non preparato sarà scioccato, che vogliono insegnare la forma come parte integrante del soggetto. A volte gli oggetti, le linee, le forme che entrano a vicenda, sono difficili da distinguabili. A volte gli artisti danno alle chiavi di leggere l'immagine, lasciare un oggetto fisso, come un portatile per identificare una persona fumatori. Nel 1910, il matrimonio e il Picasso creò paesaggi quasi monocromatici, finemente sfumati, ritratti, con composizioni piramidali e la decomposizione del soggetto a elementi armoniosi equivalenti.

Nell'ultima preferenza del periodo "sintetica" è data all'inizio decorativo. L'immagine si trasforma in un aereo colorato principiante (Picasso "chitarra e violino", 1918; donna matrimonio "con una chitarra", 1913). Nel 1912-1914. Era Picasso e il matrimonio ha fatto una rivoluzione nell'arte, comprese le citazioni verbali negli assemblaggi e nei collage. Cominciarono a usare vernici vernici in alcune immagini di vernici laccate al posto della vernice ad olio, incollata sui pezzi di tela di petrolio, disegni applicati su pezzi di carta da parati incollati, andando oltre i loro limiti. Quindi nella "Natura morta con una sedia di paglia" Picasso applica la tecnica del collage utilizzando pezzi di tessuto, pagine di giornali, matrimonio sotto forma di "papier-call" utilizza la carta incollata su tela. Quindi la tecnica del collage è stata inventata. Il collage è la composizione, i cui materiali iniziali possono appartenere a diverse aree artistiche (testo di giornali, fotografia, adesivi, pezzi di carta da parati, ecc.) Quindi, gli articoli di vari gradi di realtà sono collegati in uno spazio.

2.3 Influenza del cubismo sull'arteXX secolo

Il cubismo non avrebbe una tale influenza sullo sviluppo dell'arte mondiale se rimase il caso di uno o due pittori. Ammucchiati a dozzine e centinaia di artisti in tutti i paesi del mondo, questo caso si è rivelato essere così significativo perché ha ampliato l'orizzonte artistico, diffondendo i confini dell'estetica europea.

Ventiquanta anni dopo, quando gli ultimi flussi periferici di questo movimento furono gradualmente trasformati e scomparsi, divenne evidente che le nuove direzioni che erano sorte al suo posto conservano le caratteristiche generiche, anche se non hanno sempre condotto il loro pedigree ufficiale da lui. Il cubismo del pedigree ufficiale inizia con "Avignone Devitz", con l'ingresso di Picasso al Negro, dall'inizio del lavoro congiunto di un gruppo di artisti e poeti francesi, nel centro di cui - Pablo Picasso, George Matrimonio, Huang Gras , Fernan, Garyom Apolliner, Mano Jacob Altro.

Una delle prime esperienze l'influenza dell'arte africana a.deren. Nella sua foto dei "nuotatori" (1906), è possibile rilevare le caratteristiche che la legano, da un lato, con una scultura africana, dall'altro - con il lavoro di Cezanna. Molti ricercatori, in particolare, un John Golding molto autorevole, credo che l'immagine abbia avuto un'influenza ben nota su Picasso durante la creazione della fanciulla Avignone.

Sono stati i dipinti del Picasso degli anni '10 e gli schizzi preparatori consentono di vedere come e quali sono stati effettuati i parametri di base della nuova direzione, come sotto l'influenza del quale è stata eseguita la frattura, e su questo esempio (che non era accidentalmente infettivo) per capire i cambiamenti che sono accaduti in questo momento in arte francese. Creatività P. Picasso, J.Brack, H.Gris, F. Lezh, J. Nozenge, A. Gleza, e altri. È diventato definendo la fase iniziale del cubismo e il periodo rilevante nella storia dell'arte francese e del mondo .

Critica ufficiale per molto tempo, più precisamente, l'intero cosiddetto il periodo dell'eroico cubismo correlatobruscamente ostile a una nuova direzione. Tra gli storici dell'arte francese di quel tempo, forse, solo Maurice Reynal ha difeso costantemente il cubismo. Tuttavia, dai primi passi, il cubismo ha apprezzato il supporto attivo dei poeti francesi. Oltre all'APolliner, la nuova direzione è calmata sostenuta da Andre Salmon, Max Jacob, Pierre Reversesis, Blaze Sandrar, Jean Cockt e il Dr. Picasso ha detto che era tempo, "quando pittori e poeti si influenzarono reciprocamente a vicenda. Infatti, già nel corso degli anni, precedendo direttamente il cubismo, nei laboratori sul Montmartre c'era una comunità che ha portato alla fruttuosa collaborazione in futuro. "Picasso," ha scritto Apolliner, che ha inventato un nuovo dipinto e, oltre ogni dubbio, è una figura meravigliosa del nostro tempo, conduce tutte le sue giornate esclusivamente nella società dei poeti a cui ho l'onore di appartenere. "

Dai poeti anziani che hanno influenzato la formazione dei concetti di cubismo, chiamano Stephen Mallarm e Alfred Zharry. A loro volta, il lavoro degli artisti dei cubisti ha avuto un impatto indiscutibile sull'ambiente poetico più vicino. Questo si è manifestato nel ruolo fondamentale, che è stato dato all'immaginazione poetica e nel desiderio di creare immagini capienti e persino nel prestito diretto dei grafici. "Ovviamente, l'esempio dei pittori ha colpito le moderne opere poetiche - da" alcoli "a" kornet a de "e" chitarra addormentata ", scrive Pierre Jose.

La collezione poetica di Apolliner "alcol", pubblicata nel 1913 allo stesso tempo con il suo libro "Artisti cubisti", si apre con una famosa "zona" poesia, che in alcuni aspetti è così com'era, la proiezione poetica di quei problemi che hanno dipinto pittori-cubisti. Il poeta e il mondo intorno a lui appaiono qui in un'ampia varietà di angoli inaspettati e inaspettati. È improbabile che questa poesia possa essere considerata casuale che questa poesia, particolarmente apprezzata dall'apolliner stesso e dal primo posto per loro nella collezione, finisce con le file, che si riferisce ai "feticci dell'Oceania e della Guinea" come gli dei di "Sperizioni scure".

Pierre Reversi è il più grande poeta di cubismo, nel cui lavoro la nuova estetica trova una forma di realizzazione ancora più organica rispetto all'APolliner - credeva che, creando un "lavoro estetico", "emozione speciale", il poeta si avvicina alla comprensione di certi "profondi e universale "verità umane. I pensieri di invertenze sulla nomina della poesia riecheggia la definizione di nuove arti, gli obiettivi stabiliti dagli artisti del Kubistami. "Dall'antico cubismo dipinto distingue il fatto che non è un'arte basata sull'imitazione, ma - sul concetto e cerca di salire alla creazione", ha scritto l'Apolliner. "Non dovresti imitare ciò che creerete," Leggiamo in "Pensieri e riflessioni del matrimonio".

Gli inversioni all'epoca erano uno dei pochi che hanno capito il significato storico del cubismo. Credeva che nulla di così significativo poiché l'apertura delle prospettive della pittura non è stata creata al cubismo nell'arte. "Noi", ha scritto l'inversione, "presente con la trasformazione fondamentale dell'art. Questo non riguarda il cambiamento delle sensazioni, ma su una nuova struttura e, quindi, su un obiettivo completamente nuovo. " Credeva che il concetto riunisca la poesia con arte visiva e nel senso che il lavoro poetico diventa lo stesso argomento, autonomo, quasi materiale come immagine o scultura. Non è così tanto riflesso o che mostra la realtà, quanta realtà stessa, altra realtà. "Il lavoro che è solo uno specchio d'epoca accurato scompare nel tempo più velocemente come questa era."

Apparentemente, non è a caso che l'idea di un linguaggio universale (esperanto) sia la generazione della stessa epoca. Approfondimento sotto l'influenza dei fattori economici e socio-politici, la coscienza della comunione di tutta la vita, il rapido sviluppo delle idee di internazionalismo è stato radicalmente modificato le condizioni e il carattere di tutti i tipi di attività umana. Shifts giganti Nel campo della scienza e della tecnologia, il rendimento di massa in prima linea nella storia ha causato profondi cambiamenti nel campo dell'arte, fino alla creazione di nuove forme (stampa, registrazione del suono, fotografia, cinema, design).

All'inizio della XIX, l'inizio del XX secolo. Situazioni Nessuno dei tipi esistenti di creatività artistica (pittura, scultura, poesia, ecc.) Non poteva preservare il suo significato, rimanendo nel quadro del precedente processo evolutivo, l'inizio di cui sorge all'era del Rinascimento. Il cubismo rifletteva nuove tendenze in tutta la loro complessità e contraddizioni: un desiderio inconscio di democratizzazione della creatività artistica - riconoscimento dei primitivisti, i cosiddetti pittori della domenica e il rifiuto di privati, individuali, della camera nell'arte; Fede nella Scienza - La ricerca di metodi oggettivi, il rifiuto della creatività intuitiva, il desiderio di creare "grammatica artistica".

La tendenza espressa nel rifiuto di imitazione, nella comprensione della creatività come creazione di una "nuova unità", come progettare nuove forme, ha risposto ai requisiti dell'estetica industriale emergente e successivamente ha ricevuto l'espressione finale nel design e altri tipi di moderni Le arti applicate, che non hanno raggiunto accidentalmente un livello particolarmente alto per i paesi in cui nuovi flussi artistici che portano il loro pedigree dal cubismo, sono riusciti a prendere un posto solido nel processo artistico.

Contrariamente alla continua resistenza al pubblico in generale, la nuova corrente del 1912-1914. Si applica a tutte le aree della creatività artistica. Inizialmente, Picasso, allora Henri Laurence e Jacques Lipschitz creano le prime sculture cubiste; Le pitture-cubi scrivono scenari teatrali, illustrano libri e riviste. Sonia Delon, l'artista, la moglie del famoso pittore e il teorico del cubismo R.Delone, crea disegni per tessuti e modelli di abbigliamento; Nella musica, a partire da Bartok, Ravel, Debussy, Prokofiev a Poilka e Stravinsky, ha anche pianificato la tendenza ad aggiornare sulla base del folklore. "Parata" Jean Cocteau (1917) eseguita dal balletto di Dyagilev con la musica di Eric Sati e lo scenario di Picasso entrò nella storia come trionfo di nuova arte.

Nuovi metodi sviluppati da Francese Kubistami attirano l'attenzione dei principali artisti in tutti i paesi. Tens e centinaia dei nomi dei pittori, scultori che hanno dato il cubismo tributo nel loro tempo potrebbero condurre.

Conclusione

Nonostante tutte le contraddizioni, le avversità e le cataclismi storiche, la cultura inXx. Un secolo si è sviluppato con successo. Questo secolo arriva molti grandi risultati in pittura, architettura, scultura, musica, filosofia. Pertanto, parlando di fenomeni di crisi del secolo, è necessario tenere presente che il concetto di "crisi" si riferisce a non la cultura come tale, ma a quelle contraddizioni che sorgono nella società e generano gravi problemi di esistenza e esistenza umana, sfida cultura.

Rispondendo a questa sfida, la cultura crea le nuove forme corrispondenti, che in termini di tradizione sono insolite e percepite come "crisi", quindi la reazione della cultura su numerosi eventi storici era l'emergere di un gran numero di nuovi modi per riflettere il mondo . Mai prima di creare una serie di nuove direzioni del suo sviluppo e non ha mai cambiato i suoi valori così rapidamente e i principi di speranza di ottenere una nuova immagine del mondo dai fenomeni storici dinamici.

La cultura del mondo moderna non è un fenomeno olistico. Consiste di un numero di correnti che differiscono nei loro obiettivi e mezzi espressivi e sono spesso direttamente opposti l'uno all'altro. Ma con tutto il movimento della cultura moderna, i componenti dei suoi flussi e degli stili hanno una caratteristica comune - cercano tutti di respingere il mondo sotto forma di esprimere i sentimenti e gli umori dell'artista. L'inizio di questa direzione nel lavoro è stato posticipato da ancora post-accettanti, e in seguito è stato nominato modernismo.

Quindi nel primo decennioXx. Un secolo nella cultura europea è stato formato una delle tendenze del modernismo - cubismo.

Il cubismo, che è sorto nell'epoca di reazione per l'impressionismo e l'AR Nouveau, contro la coltivazione degli elementi della variabilità, i trasferimenti di arte, secondo Huan Grey, l'obiettivo di trovare elementi negli articoli raffigurati oggetti, il meno instabile .

È difficile concordare con coloro che considerano la conquista più importante della "libertà illimitata" del cubismo. Il cubismo non ha nulla a che fare con infinita libertà, con la libertà da qualsiasi regole e restrizioni. È significativo che la ben nota formula "progredire nell'arte non sia in discarico, ma nella conoscenza dei suoi confini" appartiene non a nessun altro, come un J.Bank. La scoperta del cubismo era la scoperta di altre restrizioni, altre discipline - in un certo senso ancora più rigido del primo. Se fosse la liberazione, allora il rilascio delle regole obsolete nel nome dell'approvazione di nuovi, più universali. Già l'arte della Siera, subordinata al rigoroso sistema colouristico, e sesane, raccomandato "per interpretare la natura per cilindro, palla, cono, ecc., Può essere considerata come la ricerca di metodi universali obiettivi di creatività.

N. BerdyAev vide l'orrore del decadimento, la morte, "wind space invernale" nel cubismo, "wind space invernale", mangia la vecchia arte ed essere. Eppure, la "fusione" dell'ex cosmo armonico, costruito per la prima volta dall'elità, non era solo una negazione nell'arte, solo il segno della fine. Come non un semplice volo nel passato, l'interesse appassionato dei cubisti per l'arcaico, "barbarie", una maschera africana, Idol primitivo. Vettore di questo movimento: attraverso il futuro - in passato.

Qual era il cubismo, che è stato deceduto come un gruppo di artisti con l'inizio della prima guerra mondiale, e perché e oggi la sua influenza è sentita nell'arte contemporanea? Ora, qualsiasi uomo imparziale, guardando il lavoro degli impressionisti, vede chiaramente la convenzionalità dei soliti colori per noi. E una volta diventato una rivoluzione nell'arte. È cubismo, basato sulla libertà acquisita dalle posticiprioni, la libertà di ritrarre non solo vista, ma anche di pensare, espone tutte le componenti della pittura, approva la condizionalità del modulo, del colore e della prospettiva lineare, dei volumi.

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9 culturalologia. La storia della cultura mondiale: un libro di testo per le università / Ed. prof. A. N. Markova. - 2nd ed., Pererab. e aggiungi. - M.: Initi-Dana, 2006. - 600 p.

10 Borzov E. P. La storia della cultura mondiale. - San Pietroburgo: editore "LAN", 2001. - 672 p.

11 "alle fonti di cubismo". Vil Marimanov, dottore della storia dell'arte. //http://eng.1settember.ru/article.php?id\u003d200100701.

Appendice A.

Immagine "Avignon Girls"

Appendice B.

Foto "ragazza sulla ciotola"

Appendice C.

Appendice C.

Immagine "ritratto di vollar"

L'origine del cubismo è in gran parte dovuta al fatto che l'arte classica ha sperimentato una crisi. Cerca un nuovo modulo per visualizzare sentimenti ed emozioni ha dato l'opportunità di trovare un nuovo metodo e metodo nella pittura e ha permesso un nuovo sguardo alla creatività.

L'emergere del cubismo, insieme all'impressionismo e al surrealismo, è diventato un tentativo di guardare la pittura sotto un nuovo angolo e rivedere il creato prima.

Le origini del cubismo

Le origini del cubismo Strettamente correlato al nome del famoso Pablo Picasso.

Il cubismo Picasso è causato dall'interesse dell'artista alla scultura africana primitivista. È diventato interessato a lei a cavallo del 1907-1908. Le forme schiacciate di arte africana hanno fissato il desiderio di Picasso per la generalizzazione astratta delle immagini, sulla base di ciò, può essere considerato un precursore cubo come uno stile. La prima immagine nello stile del cubismo era "Avignon Girls", scritta nel 1907.

Questo lavoro è stata la prima personificazione del principio di base del cubismo. Picasso, creando questo lavoro, fermato con "convenzioni del realismo ottico" e ha scartato la natura e ha rifiutato di prospettive e illuminazione.

Birthdaybism. In arte, considerano l'incontro di Picasso e il giovane artista George Matrimonio.

È successo con la partecipazione del poeta di Guillae Apoliner, che invitò il matrimonio con il workshop a Picasso. Picasso e il matrimonio divennero il cubismo della prima guerra mondiale, lavoravano attivamente l'uno con l'altro, mentre creano la storia del cubismo.

Nel tempo, molti altri giovani poeti e pittori si sono uniti a loro con Montmartra. A proposito di quel periodo, che è entrato a far parte di Picasso e del matrimonio, un gruppo, che è noto come "BATO LAVAR", proclamato sulla nascita di una nuova direzione dell'arte, presto ha acquisito il suo nome.

Il termine "cubismo" stesso ha fornito il critico francese Louis Bill.

Presto passò.

Rodonarcorsbism. La base della sua creatività ha fatto decomposizione di oggetti sull'aereo, oltre a una varietà di combinazione di questi piani nello spazio. Si sono rifiutati di trasferire la realtà con l'aiuto di una prospettiva lineare standard e mezzo di fiore-aria. Si ritiene che potessero raggiungere un interessante effetto artistico, un piano alternante e ha confessato il principio secondo cui il modo analitico per comprendere la realtà lo rende più profondo rivelare l'essenza di alcuni fenomeni. Molti rappresentanti del cubismo hanno applicato un approccio interessante durante la creazione di dipinti da parte del cubizm, che è stato lo stesso argomento è rappresentato in una volta da diversi punti di vista - questo ha permesso di ottenere un'analisi versatile quando si considera il soggetto.

Artisti cubismo

Alexander Arkhivenko, Gino Severini, George Matrimonio, Lyubov Popova, Marevna, Nathan Altman, Omip Thadkin, Pablo Picasso, Rafael Bowl, Richard Linder, Roger de la Franz, Fernan Leo, Juan Gras, Yuri Annenkov, Yannis Moralis.

Artisti cubizm destinati a limitare l'uso della tavolozza dei colori. Le tele Cube sembrano veramente limitate a colori, poiché la tonalità dei modelli di cubismo si riduce a un tono grigio, nero, così come marrone. Escludendo il sistema a colori, il cubismo nell'arte differisce anche nel fatto che i modelli di cubisti sono confrontati con diversi piani e superfici geometrati con una somiglianza molto remota con l'originale. I generatori di cubismo non consideravano la forma artistica completamente correlata con reale, sulla base di questi oggetti sulle tele del cubismo sembra più astratta.

Il cubismo nella pittura non è solo un'immagine del soggetto, questa è un'immagine del soggetto che distrutto mentalmente e viene ri-creata nella mente dell'artista.

Molto spesso, gli oggetti sulle tele cubismici sono persi il contatto con i loro prototipi validi e si trasformano in simboli astratti che sono percepiti, si rivela essere disponibile solo su un autore.

Se parliamo del cubismo di Pablo Picasso, va notato che la tela di Picassobism non era l'unica direzione nel suo lavoro. Il cubismo Picasso ha sostituito l'interesse per l'impressionismo nel suo lavoro e successivamente trasformato in una visione surreale del mondo.

Lo stile Cubizm ha espresso un enorme impatto sullo sviluppo della pittura, ha cambiato la presentazione di artisti sui modi di trasmissione della trama e del volume e dello spazio.

Se parliamo del cubismo russo, dovrebbe essere compreso che lo sviluppo di quest'area in questo paese è andato in qualche modo in modo diverso rispetto ai paesi europei. Il cubismo russo comprende spesso il lavoro di Chagal, Malevich, Archipenko, Altman e Lentolov, tuttavia, il loro lavoro può anche essere preso come esempio di altre tendenze dell'art.

Indubbiamente, il cubismo nella pittura ha fatto un enorme shock. Era colui che ha aperto la strada creatività astratta, ha dato al pubblico l'opportunità di interpretare i simboli che sono rappresentati sulle opere dei cubisti. Il cubismo della pittura ha preparato la massiccia coscienza di spettatori e artisti, che serve la base per lo sviluppo di tali flussi di arte astratta, come il futurismo, il costruttivismo e molto altro ancora.

In arte d'avanguardia, uno dei principali flussi artistici dell'inizio del ventesimo secolo è cubismo (da p. "Cubo" - metro cubico). Questa direzione dell'arte prevede l'uso di forme geometriche sottolineate per l'immagine di oggetti e oggetti reali. Questa è un'arte primitiva che percepisce il mondo che lo circonda da forme geometriche e lo sforzo di "schiacciarlo" in elementi separati di stereoter.

Come nuovo corso nella pittura, il cubismo è sorto nel 1905-1907 e il suo aspetto è associato ai nomi di tali artisti francesi come Pablo Picasso e George Matrimonio, sono i fondatori del cubismo e dei suoi rappresentanti più noti. Il termine "cubismo" è nato dopo la reazione del matrimonio di George con l'articolo critico del critico artistico Louis Voxel, che ha chiamato una serie di dipinti da parte dell'artista "Faders cubici".

Cubismo nella pittura

(Paul Cezanne "La Montagne Sainte Victoire Cezanne")

Si ritiene che le origini del cubismo siano state posate dall'artista francese di Sezanne, che in una lettera al giovane artista Pablo Picasso raccomandarono considerando il mondo intorno a lui come una certa combinazione di varie forme geometriche - cilindri, piazze, coni, sfere . A seguito del consiglio di Cezanna, e anche sotto l'impressione dell'arte dell'immagine delle maschere africane, nel 1907, Picasso crea la sua prima immagine scritta nello stile di cubismo delle ragazze di Avignone (audace, linee tritate, angoli a punta, mancanza di ombre pratiche, Tono neutro, vicino al naturale).

(Pablo Picasso "Pane e piatti di frutta sul tavolo")

La tela in stile cubismo distingue le loro specie bidimensionali, piatte, sono piene di un gran numero di varie forme geometriche, varie linee, angoli acuti e lo schema di colori allo stesso tempo è realizzato in toni modesti e neutrali. L'artista della vernice non considera un oggetto o un oggetto con un singolo singolo angolo, e cerca di schiacciarlo in singoli elementi e le parti ottenute in seguito aggiungono un singolo numero intero.

(Pablo Picasso "ragazza su una ciotola")

Si distinguono tre fasi della formazione del cubismo come direzione separata nelle arti d'avanguardia.

• Cesannovskaya.. La fase iniziale della formazione, gli oggetti hanno una forma astratta e semplificata. Picasso ha un enorme impatto del lavoro di Cezanna, crea le sue "ragazze di Avignone" e incontra il matrimonio di George;
• Analitico. A poco a poco scompaiono le immagini degli oggetti, le differenze tra la forma e lo spazio vengono cancellate, appaiono vernici irregolari, che non sono la posizione distinta, la ricostruzione per i piani traslucidi. Questo è evidente nelle opere di George Matrimonio e Pablo Picasso nel 1910;
• Sintetico. La terza fase della formazione, il Kubistam è adattato da nuovi follower artist spagnolo Juan Gras, poeta francese Guillaium Apoliner e scrittore americano Gertrude Stein. I dipinti del grigio respingono la terza dimensione nelle arti visive e la messa a fuoco sulla struttura della superficie è fatta, con cui è costruito il nuovo oggetto.

(Paul Cezanne "Piero e Arlecchino", immagine in combinazione con l'impressionismo)

I dipinti più famosi scritti nello stile del cubismo sono i campi dei campi di Cezanna "Pierro e Arlekin", Pablo Picasso "Avignone Girls", "Tre musicisti in Maskakh", George Matrimonio "Mandor", "Casa in Esta", Juan Gras Phantomas, Fernana Lesion "Lady in Blue", "costruttori".

Cubismo in architettura

I primi edifici degli architetti dei cubisti sono stati costruiti principalmente non a Parigi (lì nel 1912 in una delle mostre mostravano anche un layout di una casa eseguita in questo stile), e a Praga, la capitale della Repubblica ceca, che divenne All'inizio del ventesimo secolo uno dei più grandi centri divulgazione del cubismo. Qui puoi trovare le opere di tali architetti eccezionali-cubisti come Pavel Yanak, Josef Gonchar, Golba Gofman, Emil Coalichek, Yosef Khokhol.

(Home-Cube Architect Pit Blob)

I più importanti edifici per gli edifici del cubismo si trovano a Rotterdam (Paesi Bassi), qui negli anni '80 sul progetto del sito di Piet Bloma, è stato costruito un intero complesso residenziale, costituito da case domestiche, la loro principale caratteristica distintiva - tutte le pareti (eccetto il centro) si trovano sotto angolo. Le case hanno tre piani, il primo - una stanza per ricevere ospiti e una cucina, una seconda camera da letto e un bagno, al terzo (in cima a un tetto in vetro), di solito collocando una serra, una stanza per bambini o un ufficio .

Cubismo - stile riconoscibile, insolito, fare natura, persone, oggetti inanimati senza ricorrere all'imitazione. Il cubismo della pittura è nato nel primo trimestre del XX secolo e divenne una delle direzioni di sviluppo della cultura modernista.

Caratteristiche Stile

La caratteristica principale è un rifiuto di un'immagine surround della realtà. Immagini nello stile cubismo riconoscibile, grazie a una forma piatta senza illuminazione e prospettiva. Le immagini sono deformate, illogiche, irrazionali, sono suddivise in parti separate - natura morta, il ritratto è simile a un insieme di forme geometriche interagenti.

Questa direzione dell'arte è diventata una forma speciale di avanguardia, dove gli angoli affilati giocano un ruolo dominante, linee rette, linee di colore neutro. Immagini - Natura morta, un ritratto - non dovrebbe sembrare realistico, vanno al puzzle, che dovrà raccogliere mentalmente lo spettatore. Il cubismo appartiene a diverse direzioni di pittura - astrazione, primitivismo, avanguardia.

La fondazione del flusso e dei primi creatori

I primi lavori sono associati al lavoro di Pablo Picasso e George Matrimonio. Il tempo dell'aspetto della direzione è considerato il 1907. Uno dei primi lavori luminosi e rappresentativi è il dipinto "Avignon Girls". La creazione di Picasso si è distinta da linee tritate, rude, angoli taglienti, mancanza di ombre e prospettive. L'immagine non realistica delle donne nude è tipica per il cubismo.

Sangina che disegna con poco profondo

L'artista ha usato colori neutri e naturali. Le maschere africane, secondo gli storici dell'arte, sono un simbolo della nascita di un nuovo flusso di pittura.

Il fondatore del cubismo ha dato l'immagine il nome "filosofico Bordel", e lei è stata ribattezzata Andre Salmon - uno scrittore, un amico dell'artista. Nella tela, gli effetti del modello di Cezanna "Batters" sono tracciati.

Secondo lo storico dell'arte Ernst Gombrich, il fondatore del cubismo - Paul Cesann, e Pablo Picasso era il suo studente. Era Cezann in una lettera a Picasso delineata il Consiglio Applicare semplici forme geometriche: sfere, cilindri, coni. L'autore della lettera ha significato la fondazione, una base per creare un'immagine, ma Pablo Picasso ha interpretato letteralmente questo consiglio.

Dal momento del Rinascimento, gli artisti hanno cercato di massimizzare il realismo dell'immagine trasmessa. Il cubismo è completamente scoppiato dal realismo, la naturalezza, l'armonia della trasmissione della luce e dell'ombra. Il desiderio di creare un'immagine piatta in natura morta, ritratto, invece del volume - la caratteristica principale della creatività dei primi cubisti. Hanno usato forme geometriche per la trasmissione astratta di immagini di persone, natura, oggetti. Forme trasferite nelle immagini - tangibile, senza complicazioni semplici. Natura morta e ritratti mostrano l'essenza, le emozioni, ma non un'immagine vera e realistica.
Il termine "cubismo" è apparso nel 1908, grazie alla critica di Louis Voxel. Lasciando l'opinione dei dipinti del matrimonio, li chiamò "stranni cubici".

Punto di testa come stile nella pittura

Il luogo di nascita del cubismo è la Francia, ma la direzione della pittura si è sviluppata attivamente e oltre i suoi confini - in Russia (sotto forma di caduta cubale), Cecoslovacchia. Il cubismo moderno tocca l'astrazione, il futurismo.

Il cubismo non è arrivato immediatamente nel mondo dell'arte - spesso divenne oggetto di ridicoli e critiche difficili. Questo è un radicale per la pittura che il corso che è venuto a sostituire il realismo era oggetto di feedback non utile. Inoltre, i rappresentanti dello stile lavorato in questo stile sono diventati oggetto della stampa. La natura morta cubica e altri generi erano un audace esperimento creativo. I fan di un nuovo stile insolito, era un po ', ma tra loro c'erano critici e clienti.

Sviluppo della direzione

Nel processo di evoluzione di stile, tre periodi si distinguono:

Cesan.

Giorno di sviluppo anticipato o "Cesannovskybism" - la formazione di una nuova direzione nella pittura sotto l'influenza di opere di Cezanne e composizioni scultoree africane. Piccolo periodo dal 1907 al 1909. Nelle opere degli artisti, il volume viene trasmesso utilizzando le immagini potenti del colore non sono ancora montate nel telaio di un'immagine piatta.

Impressionismo come uno stile nella pittura

Analytics.

Periodo analitico (1910 - 1912) - Stadio di ripensamento del cubismo. Il colore nella foto è praticamente assente, le forme sono vaghe, sfocate, ogni oggetto è diviso in una piccola faccia. Una delle opere più rappresentative del secondo periodo - "in onore di I.S. Bach "J. Matrimonio. Generi - Natura morta, ritratto.

Gli oggetti dei file degli artisti sono più dettagliati, in base alla propria visione. Gli articoli sono suddivisi in blocchi, dettagli di forme geometriche. A volte la visione dell'artista viola lo spazio e il tempo. Schiacciando il tutto sulle forme geometriche, gli artisti cercarono di penetrare nell'essenza delle cose.

I lavori caratteristici del periodo analitico sono considerati i più significativi per il cubismo - in molti precisamente con tali tele sono associati a tutta la direzione. Gli esempi più famosi del cubismo analitico - lavoro Pablo Picasso "bottiglia e libri", "tavolo da architetto", "uomo con clarinetto", "uomo con un violino".

Sviluppo

Il periodo sintetico (1913 - 1914) è un periodo di cubismo sviluppato. Le immagini stanno diventando più espressive, luminose, decorative. Il fondatore di questa direzione è considerato Juan Gras. Il momento dell'aspetto è il 1912, ma lo stile più completamente rivelato nel 1913. I creatori hanno cercato di trasferire l'oggetto autosufficiente e non l'oggetto illusorio nella foto. Il genere più sviluppato è ancora la vita.

Concettualismo come stile nella pittura

L'immagine è piatta, combinata con adesivi, iscrizioni. Collage popolari da forme geometriche non sparse, carta colorata o giornali, alcuni artisti li hanno pienamente dipinti senza usare materiali aggiuntivi. Rappresentanti del cubismo sintetico - Pablo Picasso, Georges Matrimonio.

I colori e il volume hanno perso il loro valore abituale. Con lo sviluppo del cubismo, le sfumature sono diventate schematiche: trasferire oggetti sporgenti in natura morta o altro genere, raffigurato in primo piano, luce usata, toni caldi per oggetti remoti - sfumature scure.

Dopo la seconda guerra mondiale, il matrimonio e Picasso, che hanno lavorato insieme, ha cessato la cooperazione. Il lavoro di ciascuno di loro aveva un'influenza notevole sul futurismo, il purismo, il vorticismo.

Famosa tela

"Mandor", J. Matrimonio

Un esempio di cubismo della prima fase analitica, natura morta, presentato in colori neutri e scuri. L'immagine mostra lo strumento musicale - Mandor. Gli specialisti chiamano un'immagine del lavoro di rottura con i toni cupi. L'artista ha deciso di abbandonare colori vivaci, fermando attenzione alle composizioni, ai dettagli.

"Tre musicisti nelle maschere", P. Picasso

Il lavoro rappresenta il cubismo sintetico, scritto poco prima di riorientare il pittore sul surrealismo. I colori brillanti sono usati, chiare forme geometriche. I caratteri centrali della tela sono simili alla applique della carta colorata incollata su tela.

Minimalismo come stile nella pittura

"Phantom", h.gries

L'arte è richiesta per lo sviluppo di tecniche per creare collage. Le immagini astratte sono intrecciate con tagli di giornali e riviste. Fantomas è un vivido esempio di cubismo sintetico. Fu Gries chi è stato il primo a iniziare a usare toni brillanti nelle opere - ha avuto un impatto sul lavoro di Pablo Picasso e George Matrimonio.

"Uomo in un caffè", h.gries

Il pittore utilizza con successo colori e trame luminosi. L'immagine può essere chiamata un campione rappresentativo di cubismo sintetico: viene utilizzata la tecnica di creare un collage.

"Lady in Blue", F. Leszh

L'immagine è fatta utilizzando colori vivaci. La tela appartiene sia a un cubismo sintetico che all'estrazione precoce. L'idea principale è il leshing - per trasmettere il personaggio, il mondo interiore di una donna, senza fermarsi al dettaglio del suo aspetto.

1. Introduzione.

2. L'emergere del cubismo.

3. Innoforma dei cubisti.

4. Creatività George Matrimonio.

5. Pablo Ruiz Picasso.

5.1. Formazione scolastica. Barcellona.

5.2. Primi viaggi a Parigi. "Blue" e periodi "rosa".

5.3. Alla vigilia del cubismo.

5.4. Cubismo.

5.5. Ulteriore vita e creatività.

5.6. "Ragazze di Avignone."

6. Poeti del cubismo.

7. Influenza del cubismo sull'art.

8. Cubismo in Russia.

9. Artista Kazimir Malevich.

10. CONCLUSIONE.

11. Elenco di letteratura usata.

"Dobbiamo essere in grado di scegliere. Uno

e la stessa cosa non può essere

e veritiero e plausibile. "

Georges Matrimonio.

1. Introduzione.

Kybismo. - (fpanc. Cubisme, da cubo - kyb) direzione nell'arte del primo XX Vek. Le calze linguistiche di placticheck erano basate sulla deformazione e la decomposizione degli elementi dei piani geometrici, i fops del turno di plastica.

Il cubismo nega l'immagine degli oggetti mentre li rappresentiamo. Cerca di trovare un modo per esprimere la loro essenza. Il cubismo riduce il modulo ai principali schemi geometrici, depone gli elementi sulle parti del componente e li combina in un'immagine decorativa piatta intera astratta.

Pablo Picasso, uno dei primi artisti cubisti, appartiene alle seguenti parole: "Sto scrivendo oggetti con come penso, e non come li vedo." Dopotutto, in realtà, quando guardiamo la faccia umana nel profilo, vediamo solo un occhio, un sopracciglio. E percepisce l'oggetto in tutta l'integrità, che riguardava che, ovviamente, ha un secondo occhio. Sul ritratto cubista, se è un FAS o un profilo, l'oggetto appare prima che abbiamo visto immediatamente dall'autore da diversi punti. L'autore li combina allo stesso modo. Gli artisti dei cubisti hanno fatto i primi passi nei generi del ritratto, della natura morta, del paesaggio. Di regola, queste erano tela monocromatiche.

Molti artisti russi hanno attraversato la passione del cubismo, spesso collegando i suoi principi con le tecniche di altre direzioni artistiche moderne - futurismo e il primitivismo. Una specifica forma di realizzazione dell'interpretazione del cubismo nel terreno russo era il kybofytypismo.

L'influenza del cubismo nelle arti visive continuò fino agli anni '60. K. Malevich può essere attribuito a cubaceurristi russi con la sua famosa immagine "Black Square"

Nel mio lavoro, parlerò delle origini di questa direzione dell'arte, sui prominenti artisti del cubismo, che si fermarono in dettaglio sul lavoro di George Matrimonio e Pablo Picasso, così come l'artista russo Casimir Malevich; Molta attenzione è pagata al dipinto delle "Ragazze Avignone" di Picasso, così come cercherò di vedere il mondo attraverso gli occhi di questi maestri misteriosi e attraenti della sua arte misteriosa e attraente.

2. L'emergere del cubismo.

Dalla metà del XIX secolo, i rifiuti dal dominante in questo momento nell'arte visiva della tradizione naturalistica è bruscamente accelerata. Pittura, grafica, scultura Appello a ciò che non è disponibile per la riproduzione diretta ("Letterale"). Test di nuovi fondi visivi, sforzandosi per la digitazione, l'espressione aumentata, creando simboli universali,

le formule di plastica compresse sono dirette, da un lato, per visualizzare il mondo interiore di una persona, le sue condizioni (mentale, emotive), dall'altro - sul rafforzamento dell'espressività, dell'informatività della struttura del "corpo" delle cose, aggiornando il Visual Vision del mondo, fino al compito di creare "Fact Pictorial (Fine) indipendente", costruendo la "nuova realtà".

Figura in piedi delle donne. P. Pikasso. 1907 anni

L'ultima mostra di impressionisti nel 1886 segna la fine del periodo classico dell'arte europea. Da quel momento, nella pittura europea, sorgono numerose correnti nella pittura europea, esistenti più o meno lunghi: Yuggendistil, ex pressatura, neo-imagressionismo, attribuzione, simbolismo, cubismo, fusismo.
"In anarchia dei valori emotivi alla fine del secolo scorso", ha scritto il pittore austriaco Wolfgang Paren, "le persone che attrae l'arte come l'ultimo sottofondo, iniziano a capire che la natura interiore delle cose è significativa come il esterno. Ecco perché Syur, Cezanne, Van Gogh e Gaugen aprono una nuova era in pittura: Syra - il suo desiderio di unità strutturale, al metodo oggettivo, Van Gogh - il suo colore che cessa di svolgere un ruolo descrittivo, Gauguen - un modo audace Oltre l'estetica occidentale e in particolare Cezanne - risolvendo compiti spaziali. " Palayen compresso ha caratterizzato le fasi più importanti del processo artistico, che precede direttamente la scoperta dell'arte primitiva e della frattura, che è prevista nell'arte europea verso il 1907.

L'anno 1907 è considerato girevole in relazione all'arte tradizionale, principalmente africana, allo stesso tempo questa linea proviene da cui originano le ultime indicazioni artistiche. 1906 - L'anno della morte Cezanna - segna l'inizio di un'influenza particolarmente profonda su tutta la generazione di artisti. Più tardi, questo periodo è stato nominato dagli storici dell'arte "Cesannovsky", o "Negritansky".

Analizzando la creatività Cezanne e in particolare i suoi ultimi lavori in cui è il più vicino a risolvere i compiti spaziali, confrontandoli con i campioni più caratteristici delle materie plastiche africane, che sono talvolta esempi ideali dell'attuazione di queste decisioni spaziali. Cezann è diventato quest'ultimo e, forse, decisivo in una serie di fattori che hanno costretto un nuovo sguardo all'arte primitiva.

Peso tangibile delle immagini, che ha cercato di raggiungere Cezanne, cercando attraverso l'identificazione di strutture ritmiche geometriche per penetrare nell'essenza di cose e fenomeni e riflettere questa essenza, è, secondo il riconoscimento generale, la principale qualità delle materie plastiche africane. Così, la creatività di Cezanna, l'ex risultato logico dell'intero precedente sviluppo della pittura europea, in un certo senso vicino al lavoro di Van Gogh, Gaugugen e Syra, ha svolto un ruolo decisivo nella creazione di condizioni oggettive in base al quale l'arte africana era inclusa nel Processo artistico globale.

Arriva il momento compatibilità: Un sistema estetico alieno non è solo riconosciuto, ma anche "adottato" pratica artistica. Inoltre, la stessa arte primitiva è diventata uno strumento di scoperta, e questa è la profonda essenza del processo in esame. Aprì gli occhi agli artisti che hanno scoperto dove erano meno aspettati di essere un nuovo sistema di valori artistici, fondamentalmente diversi da quello che i millenni seguirono l'arte europea.

Pertanto, la base del concetto di cubismo era la cultura "pagana", che in una volta ha causato l'arte dell'antichità, e in seguito ha dato nuovi germogli nell'era rinascita. Ha liberato la creatività artistica dalla leggerezza del salone, lo restituì per rivelare l'essenza delle cose e dei fenomeni, facendo arte in conformità con il trend of time lo strumento di conoscenza. Nelle sue manifestazioni consecutive, il nuovo corso, ha ricevuto condizionatamente il nome "cubismo", era il pubblico della struttura, come se esponga scheletri di oggetti.

I sentimenti dello spettatore, che era alla mostra di fronte ai clutters dei cubisti, può essere paragonato alle sensazioni di una persona che si è riunita per fare un piacevole viaggio, e invece, ha ricevuto un invito a partecipare alla posa di nuovi percorsi .

La reazione del pubblico ha dimostrato che la transizione alla nuova direzione si è verificata saltando, nonostante il lungo periodo preparatorio, durante il quale lo spettatore europeo della capitale dovrebbe espandere significativamente i suoi orizzonti. Dopo che il riconoscimento di Van Gogh non poteva più essere considerato la levigatezza e il colore naturalistico del colore con una condizione indispensabile per "buon pittura"; La vita e il lavoro di Gauguen hanno attirato l'attenzione sulle colture "primitive" e hanno insegnato a vedere non tanto la loro immaturità, tanto quanto il loro stato della loro condizione, che aveva un sacco di prezioso e istruttivo; Il lavoro di Ciro è stato un esempio della possibilità di utilizzare metodi scientifici per risolvere problemi artistici; Infine, il metodo creativo di Cezanne, in particolare la tecnica delle sue ultime opere, così vicino alla tecnica dei piccioni precoci del matrimonio, sembrava essere promosso se non una comprensione, quindi almeno il riconoscimento del diritto all'esistenza di questo esperimento , che è chiamato il più coraggioso nella storia dell'arte. Eppure le opere del matrimonio, poiché le successive opere dei cubisti sono state respinte dalla giuria e sono diventate molto tempo per le critiche e il soggetto dello scandalo per il pubblico in generale.

Una nuova direzione nell'arte e nella letteratura pittorica, nata nell'epoca di apertura di "L'arte negre" (l'arte dei neri) e strettamente connessa con lui, ovviamente, non era l'unico orizzonte, dove la lega di un nuovo artistico La cultura è stata creata.

La connessione del cubismo con l'apertura della scultura africana è ovvia. Sebbene la domanda di chi sia precisamente l'apertura della scultura africana rimane controversa, nessuno è in dubbio che la sua lezione è stata per la prima volta percepita da giovani, ma già ben nota al momento dal pittore spagnolo Pablo Picasso.

3. Innoforma dei cubisti.

Se il dipinto degli impressionisti ha proclamato la natura condizionale del colore, allora i cubisti hanno espresso un nuovo approccio alla realtà attraverso la natura condizionale dello spazio. J. Marriage ha scritto: "Non provare nemmeno a provare

imitare le cose che transitano e cambiano costantemente, e che accettiamo per errore per qualcosa di invariato. " L'American Art Historian J. Holding ha scritto che il cubismo è "la rivoluzione artistica più completa e radicale dal Rinascimento".

Juan Gras. Vaso di frutta e decanter. 1914.

Questo corso, uno dei primi incarna le principali tendenze dell'ulteriore sviluppo dell'arte del ventesimo secolo. Una di queste tendenze era il dominio del concetto sopra l'intrinseca artistica del dipinto. Shegel (1770-1831) è stato notato che l'arte del nuovo tempo è sempre più penetrata dai riflessi, il pensiero figurativo è sfollato dall'astrato, in modo che la linea tra la storica dell'arte e la creatività pratica diventino troppo sottili. Se questa tendenza nel cubismo era presente nell'infanzia, quindi nell'arte del postmodernismo, diventa incollaggio.