"Giocatori in carte"

Autore

Paul Cesanne.

Nazione Francia
Anni di vita 1839–1906
Stile Pospressionismo.

L'artista è nato nel sud della Francia in una piccola città di ex-en-Provence, ma la pittura cominciò a impegnarsi a Parigi. Questo successo è venuto da lui dopo la mostra personale organizzata dal collezionista Ambruz Vollar. Nel 1886, 20 anni prima della sua cura, si trasferì alla periferia della sua città natale. I giovani artisti lo hanno chiamato chiamato "pellegrinaggio in ex".

130x97 cm
1895 anni
Costo
$ 250 milioni.
venduto nel 2012
sul commercio privato

La creatività Cezanna è facile da capire. L'unica regola dell'artista era la trasmissione diretta del soggetto o della trama sulla tela, quindi i suoi dipinti non causano la perplessità del Viewer. Cezanne ha collegato due principali tradizioni francesi nella sua arte: classicismo e romanticismo. Con l'aiuto di una trama colorata, ha allegato una fantastica plasticità di oggetti.

Una serie di cinque dipinti "giocatori in mappe" è stato scritto nel 1890-1895. La loro trama è la stessa - diverse persone giocano con entusiasticamente il poker. Disponibile solo dal numero di giocatori e dimensioni tela.

Quattro dipinti sono conservati nei musei dell'Europa e dell'America (Museo di D'Orce, Museo Metropolitano, Barnes Foundation e dell'Istituto Kurto), e la quinta volta fino a poco tempo fa la decorazione della collezione privata di Greco Billionaire-showner Georg Embyricos. Poco prima della sua morte, in inverno del 2011, ha deciso di metterlo in vendita. Dealer Art William Akvavella e un nome glimpico di Larry Gagosyan, che lo ha offerto circa $ 220 milioni, che offrivano circa $ 220 milioni di dollari per i potenziali acquirenti di lavoro "libero". Di conseguenza, l'immagine è andata alla famiglia reale dello stato arabo del Qatar per 250 milioni. Il più grande accordo d'arte nella storia della pittura è stato chiuso a febbraio 2012. Questo in Vanity Fair ha riportato un giornalista Alexander Pierce. Ha scoperto il costo dell'immagine e il nome del nuovo proprietario, e quindi le informazioni penetrarono i media in tutto il mondo.

Nel 2010, il Museo Arabo dell'arte contemporanea e il Museo Nazionale del Qatari sono stati aperti in Qatar. Ora le loro collezioni sono rifornite. Forse la quinta versione dei "giocatori nella carta" è stata acquisita da Sheikh per questo scopo.

Sami.gentile pitturanel mondo

Proprietario
Sheikha Hamad.
bin califfo al-tanya

La dinastia Al-Tanya governa il Qatar oltre i 130 anni. Circa mezzo secolo fa, enormi riserve di petrolio e gas sono state trovate qui che il Vmig ha reso il Qatar una delle regioni più ricche del mondo. Grazie all'esportazione di idrocarburi in questo piccolo paese, è registrato il più grande PIL pro capite. Sheikh Hamad Bin Califa Al-Tanya nel 1995, mentre suo padre era in Svizzera, con il sostegno dei membri della famiglia sequestrati. Il merito del righello attuale, secondo gli esperti, in una chiara strategia per lo sviluppo del paese, creando un'immagine di stato di successo. Ora la Costituzione e il Primo Ministro sono apparsi in Qatar e le donne hanno ricevuto il diritto di votare nelle elezioni parlamentari. A proposito, è stato l'Emir del Qatar che fondò il canale di notizie di Al-Jazeera. Enorme attenzione delle autorità dello stato arabo pagano la cultura.

2

"Numero 5"

Autore

Jackson Pollock.

Nazione Stati Uniti d'America
Anni di vita 1912–1956
Stile Espressionismo astratto

Jack Sproyer - Un tale soprannome è stato dato al pubblico americano per la tecnica speciale della pittura. L'artista ha rifiutato il pennello e il cavalletto, e la vernice si riversava sulla superficie della tela o della fibrolite durante il movimento continuo intorno e dentro di loro. Dalla tenera età, è stato appassionato di filosofia Jedda Krishnamurti, la promessa principale di cui - la verità si apre durante la "effusione" libera.

122x244 cm
1948.
costo
$ 140 milioni.
venduto nel 2006
sull'asta Sotheby's.

Il valore del lavoro del centrocampo non è un risultato, ma nel processo. L'autore non ha accidentalmente chiama la sua arte di pittura azione. Con la sua mano leggera è diventato il dominio principale dell'America. Jackson Pollock Vernice miscelata con sabbia, vetro rotto, e ha scritto un pezzo di cartone, mastice, coltello, scoop. L'artista era così popolare che negli anni '50, gli imitatori furono trovati anche nell'URSS. L'immagine "numero 5" è riconosciuta come uno dei più strani e costosi nel mondo. Uno dei creatori di Dreamworks David Hepfen lo ha acquisito per una collezione privata, e nel 2006 venduto all'asta di Sotheby per 140 milioni di dollari al messicano David Martinez. Tuttavia, presto uno studio legale per conto del suo cliente ha rilasciato un comunicato stampa, che ha riferito che David Martinez non è il proprietario del dipinto. Apparentemente solo una cosa è nota: il finanziere messicano ha effettivamente raccogliere di recente opere d'arte contemporanea. È improbabile che avrebbe perso un "grande pesce" come "numero 5" del centrocampo.

3

"Donna III"

Autore

Villem de Kuning.

Nazione Stati Uniti d'America
Anni di vita 1904–1997
Stile Espressionismo astratto

L'partenza dai Paesi Bassi, emigrò negli Stati Uniti nel 1926. Nel 1948, si è svolta una mostra personale dell'artista. I critici d'arte apprezzavano complesse complesse, nervose composizioni in bianco e nero, riconoscendo nel loro autore del Grand Artist-Modernist. Ha sofferto la maggior parte della sua vita con l'alcolismo, ma la gioia di creare una nuova arte è sentita in ogni lavoro. De Kuning si distingue per l'impulsività della pittura, gli ampi tratti, che a volte l'immagine non si adatta ai confini della tela.

121x171 cm
1953.
Costo
$ 137 milioni.
venduto nel 2006
sul commercio privato

Negli anni '50, donne con occhi vuoti, petti massicci, brutte caratteristiche del viso appaiono nei dipinti di De Kuning. "Donna III" è diventata l'ultimo lavoro di questa serie che partecipa all'asta.

Dagli anni '70, la foto è stata conservata nel Museo di Teheran dell'arte contemporanea, ma dopo l'introduzione di dure regole di moralità nel paese, cercarono di liberarsene. Nel 1994, il lavoro è stato portato fuori dall'Iran, e dopo 12 anni il suo proprietario David Hepfen (il maggior produttore che ha venduto il Jackson Pollock "numero 5" canale) ha dato l'immagine a Milliona Stephen Cohen per $ 137,5 milioni. È interessante notare che Hepfhen ha iniziato a vendere la sua collezione di pittura in un anno. Ha dato origine a un peso di voci: ad esempio, quel produttore ha deciso di acquistare il quotidiano di Los Angeles Times.

In uno dei forum d'arte, è stata espressa un'opinione sulla somiglianza delle "donne III" con l'immagine di Leonardo da Vinci "Lady con Mornosta". Per un sorriso a trenta denti e una figura informe dell'eroina, lo intenditore della pittura vide la grazia del sangue reale. Questo è evidenziato dalla corona scarsamente dipinta, la testa di nozze di una donna.

4

"Ritratto di ADELIBloch-Bauer I »

Autore

Gustav Klimt.

Nazione Austria
Anni di vita 1862–1918
Stile Moderno

Gustav Klimt è nato nella famiglia di una famiglia Engraver ed era il secondo di sette figli. Tre figli di Ernest Klimt divennero artisti, e solo Gustav era diventato famoso per il mondo intero. La maggior parte dell'infanzia ha trascorso in povertà. Dopo la morte di suo padre, era responsabile per tutta la famiglia. È in questo momento che clost sviluppa il suo stile. Di fronte ai suoi dipinti, qualsiasi spettatore si blocca: sotto le sottili striscio d'oro è chiaramente visibile all'erotismo franco.

138x136 cm
1907 anni
Costo
$ 135 milioni.
venduto nel 2006
sull'asta Sotheby's.

Il destino dell'immagine, che si chiama "Austrian Mona Liza", può facilmente diventare la base per il bestseller. Il lavoro dell'artista era la causa del conflitto di un intero stato e una signora anziana.

Quindi, sul "ritratto di Adeli Bloch-Bauer I" raffigurato un aristocratico, la moglie di Ferdinand Bloch. La sua ultima volontà era di trasferire l'immagine della Galleria Statale Austriaca. Tuttavia, le pulci nella sua volontà annullarono la donazione e la tela espropriarà i nazisti. Più tardi, la Galleria ha appena comprato il "Golden Adel", ma qui apparvero gli eredi - Maria Altman, la nipote di Ferdinando Bloch.

Nel 2005, è iniziato il forte processo di "Maria Altman contro la Repubblica austriaca", seguendo il quale la foto "lasciò" con lei a Los Angeles. L'Austria ha adottato misure senza precedenti: c'erano negoziati sui prestiti, la popolazione ha sacrificato i soldi per comprare un ritratto. Buono e non ha vinto il male: il prezzo di Altman ha raccolto fino a $ 300 milioni. Al momento del procedimento, aveva 79 anni, ed è entrata nella storia come una persona che aveva cambiato la volontà di Bloch Bauer a favore degli interessi personali. La foto è stata acquisita da Ronald Laoupere, il proprietario della "nuova galleria" a New York, dove è ancora in questo giorno. Non per l'Austria, per lui Altman ha abbassato il prezzo fino a $ 135 milioni.

5

"Torrente"

Autore

Edward Munk.

Nazione Norvegia
Anni di vita 1863–1944
Stile espressionismo

La prima immagine del fango, che è diventata famosa in tutto il mondo, - "ragazza malata" (esiste in cinque copie) - dedicata alla sorella dell'artista che ha deceduto dalla tubercolosi di 15 anni. Minka è sempre stata interessata al tema della morte e della solitudine. In Germania, la sua pittura pesante e maniacale ha persino provocato uno scandalo. Tuttavia, nonostante le trame depressive, i suoi dipinti hanno un magnetismo speciale. Prendi almeno il torrente.

73,5х91 cm
1895 anni
Costo
$ 119,992 milioni.
venduto B. 2012.
sull'asta Sotheby's.

Il nome completo dell'immagine è der Schrei der Natur (tradotto dal tedesco - "torrente della natura"). La persona è se la persona è, o gli alieni che esprimono la disperazione e il panico - la stessa emozione sta vivendo uno spettatore quando guardi l'immagine. Una delle opere chiave dell'espressionismo avverte i temi che sono diventati acuti nell'arte del XX secolo. Secondo una delle versioni, l'artista lo ha creato sotto l'influenza del disturbo mentale, che ha sofferto per tutta la sua vita.

L'immagine due volte è stata rubata da diversi musei, ma è stato restituito. I piccoli danni risultanti dopo il furto "Creek" è stato rinnovato, ed è stato di nuovo pronto a mostrare al Mill Museum nel 2008. Per i rappresentanti della cultura pop, il lavoro è diventato fonte di ispirazione: Andy Warhol ha creato una serie delle sue copie di stampa, e la maschera del film "Creek" è stata fatta nell'immagine e la somiglianza dell'eroe dell'immagine.

Per una trama, la munk ha scritto quattro versioni del lavoro: quella è nella collezione privata, vengono eseguiti pastelli. Il miliardario norvegese Petter Olsen lo ha messo all'asta il 2 maggio 2012. L'acquirente era Leon Black, che non ha acquisito il "grido" dell'importo del record. Fondatore di Aziende Apollo Advisors, L.P. e consulenti Lion, L.P. Conosciuto dal suo amore dell'art. Black è un patrono del college Dartmouth, Museo di arte contemporanea, Art Center Lincoln, Metropolitan Museum of Arts. Ha la più grande collezione di dipinti di artisti moderni e maestri classici dei secoli passati.

6

"Nudo sullo sfondo di foglie di busto e verde"

Autore

Pablo Picasso

Nazione Spagna, Francia
Anni di vita 1881–1973
Stile cubismo

Per origine, è uno spagnolo, e in spirito e luogo di residenza - un vero francese. Lo studio d'arte di Picasso è stato aperto a Barcellona quando aveva solo 16 anni. Poi è andato a Parigi e ha trascorso la maggior parte della vita lì. Ecco perché nel suo cognome doppio enfasi. Nel cuore dello stile, inventato Picasso, c'è una negazione di opinioni che l'oggetto raffigurato sulla tela può essere considerato solo sotto una vista.

130x162 cm
1932 anni
Costo
$ 106,482 milioni.
venduto nel 2010 anno
sull'asta Christie's.

Durante il suo lavoro a Roma, l'artista ha incontrato il ballerino di Olga Khokhlov, che presto divenne sua moglie. Ha finito con vagabondo, si muoveva con lei in un lussuoso appartamento. A quel tempo, il riconoscimento ha trovato un eroe, ma il matrimonio è stato distrutto. Uno dei dipinti più costosi del mondo è stato creato quasi per caso - in grande amore, che, come sempre, Picasso era breve. Nel 1927, fu portato via dal giovane Marie Terez Walter (aveva 17 anni, aveva 45 anni). In segreto, lasciò sua moglie con la sua amante della città vicino a Parigi, dove ha scritto un ritratto, raffigurante Marie Terez nell'immagine di Daphne. La tela ha acquisito il rivenditore di New York Paul Rosenberg, e nel 1951 lo ha venduto Sydney F. Brouda. I coniugi Brody hanno mostrato una foto del mondo solo un giorno e solo perché l'artista aveva 80 anni. Dopo la morte di suo marito, la signora Brody, nel marzo 2010, metti un'opera d'asta nella casa di Christie's. Per sei decenni, il prezzo è cresciuto più di 5.000 volte! Un collezionista sconosciuto la ha acquisito per $ 106,5 milioni. Nel 2011, "Esposizione di un modello" ha avuto luogo in Gran Bretagna, dove vide la luce della seconda volta, ma il nome del proprietario è ancora sconosciuto.

7

"Otto Elvis"

Autore

Andy Warhole

Nazione Stati Uniti d'America
Anni di vita 1928-1987
Stile
pop Art

"Sesso e feste sono gli unici luoghi in cui devi apparire con la tua persona", ha detto il culto Pop Art Art, direttore, uno dei fondatori della rivista Interview, Designer Andy Warhol. Ha lavorato con Vogue e Bazar Harper Bazar, che redige la copertina dei record, è venuta con le scarpe per I.miller. Negli anni '60 è apparso immagini di simboli america: zuppa di Campbell e Coca-Cola, Presley e Monroe - la fece legenda.

358x208 cm
1963 anni
Costo
$ 100 milioni.
venduto nel 2008
sul commercio privato

Warholovsky 60s - la cosiddetta epoca di Pop Art in America. Nel 1962, ha lavorato a Manhattan nella "fabbrica" \u200b\u200bdello studio, dove tutta la Boemia New York si è riunita. I suoi brillanti rappresentanti: Mick Jagger, Bob Dylan, Cappuccio Trueman e altre persone conosciute nel mondo. Allo stesso tempo, Warhol ha provato la tecnologia Silkographic: una ripetizione multipla di un'immagine. Ha usato questo metodo e quando si crea "Otto Elvis": lo spettatore sembra vedere i telai dal film, dove la stella prende vita. C'è tutto ciò che l'artista amava così tanto: l'immagine pubblica win-win, il colore d'argento e la premonizione della morte come promessa principale.

Ci sono due rivenditori d'arte che promuovono il lavoro di Warhol sul mercato mondiale oggi: Larry Gagosyan e Alberto Morbai. Il primo nel 2008 ha trascorso 200 milioni di dollari per acquisire più di 15 opere di Warhol. Il secondo acquista e vende i suoi dipinti come cartoline di Natale, solo più costosi. Ma non loro, e il modesto consulente d'arte francese Philip Segalo ha aiutato l'intenditore romano dell'arte di Annibal Berlinghiri a vendere l'acquirente sconosciuto "Otto Elvis" per un record per Warhol - $ 100 milioni.

8

"Arancia,rosso Giallo"

Autore

Mark Rotko.

Nazione Stati Uniti d'America
Anni di vita 1903–1970
Stile Espressionismo astratto

Uno dei creatori di dipingere il campo del colore è nato a Dvinsk, in Russia (ora - Daugavpils, Lettonia), in una grande famiglia del farmacista ebraico. Nel 1911, emigrarono negli Stati Uniti. Rotko studiato presso la Facoltà d'arte di Yale University, ha raggiunto borse di studio, ma i sentimenti antisemiti lo hanno costretto a lasciare i suoi studi. Nonostante tutto, l'arte critica dell'artista è stata custodita e i musei hanno perseguito tutta la sua vita.

206x236 cm
1961 anni
costo
$ 86,882 milioni.
venduto nel 2012
sull'asta Christie's.

I primi esperimenti artistici di Rotko erano un orientamento surreale, ma nel tempo semplificato la trama per colorare i punti privandoli di qualsiasi oggetto. All'inizio avevano sfumature luminose, e negli anni '60 versarono marrone, viola, ispessimento del nero al tempo della morte dell'artista. Mark Rotko ha avvertito contro la ricerca di qualsiasi significato nei suoi dipinti. L'autore voleva dire esattamente cosa ha detto: solo un colore che si dissolve nell'aria e nient'altro. Consigliato guardando il lavoro da una distanza di 45 cm in modo che lo spettatore "ritardava" di colore, come in un imbuto. Attenzione: alla ricerca di tutte le regole può portare all'effetto della meditazione, cioè gradualmente arriva alla consapevolezza dell'infinito, completa immersione in sé stesso, relax, purificante. Il colore dei suoi dipinti vive, respira e ha un impatto emotivo più forte (dicono, a volte guarigione). L'artista ha dichiarato: "Lo spettatore dovrebbe piangere, guardandoli" e tali casi erano davvero. Sulla teoria del Rotko, in questo momento le persone vivono la stessa esperienza spirituale di lui nel processo di lavoro sulla foto. Se sei riuscito a capirlo su un livello così sottile, allora non sarai sorpreso che queste opere di critiche di astrazione siano spesso confrontate con le icone.

Il lavoro "arancione, rosso, giallo" esprime l'intera essenza del marchio di pittura Rothko. Il suo costo iniziale presso l'asta di Christie a New York 35-45 milioni di dollari. Un acquirente sconosciuto ha offerto un prezzo due volte più alto sopra il preventivo. Il nome del felice proprietario della pittura, come accade spesso, non divulgato.

9

"Trittico"

Autore

Francesco Bacone

Nazione
Gran Bretagna
Anni di vita 1909–1992
Stile espressionismo

Le avventure di Francis Beckon, un omonimo completo e oltre a un lungo discendente del grande filosofo, iniziò quando il Padre lo ha rinunciato, incapace di accettare le tendenze omosessuali del figlio. La pancetta è andata prima a Berlino, poi a Parigi, e poi le sue tracce sono confuse in tutta Europa. Durante la sua vita, il suo lavoro è stato esposto nei principali centri culturali del mondo, tra cui il Museo Guggenheim e la Galleria Tretyakov.

147,5х198 cm (ciascuno)
1976.
Costo
$ 86,2 milioni.
venduto nel 2008
sull'asta Sotheby's.

I prestigiosi musei hanno cercato di possedere dipinti di Bekon, ma il pubblico principale inglese non ha fretta di sopravvivere su tale arte. Il leggendario primo ministro del British Margaret Thatcher ha parlato di lui: "Una persona che disegna questi orribili dipinti".

Il periodo di partenza nel suo lavoro, l'artista stesso considerava il tempo di dopoguerra. Tornando dal servizio, si è ancora impegnato nella pittura e ha creato i principali capolavori. Prima della partecipazione del trittico, il 1976 nell'asta del lavoro più costoso della pancetta era "etudio per il ritratto di Papa Innokentia X" ($ 52,7 milioni). In Trittykh, 1976, l'artista ha raffigurato un mitico appezzamento della persecuzione della furia di Oresta. Naturalmente, Oest è il bacon stesso, e Furi è il suo tormento. Per più di 30 anni, l'immagine era nella collezione privata e non ha partecipato alle mostre. Questo fatto gli conferisce un valore speciale e, di conseguenza, aumenta i costi. Ma ciò che sono alcuni milioni per un intenditore d'arte, e anche in russo generoso? Roman Abramovich ha iniziato a creare la sua collezione negli anni '90, la fidanzata Dasha Zhukov lo aveva colpita in modo significativo, il che è diventato una galleria alla moda nella Russia moderna. Secondo i dati non ufficiali, nella proprietà personale dell'uomo d'affari, ci sono opere di Alberto Dzhacometti e Pablo Picasso, acquistate per importi superiori a $ 100 milioni. Nel 2008 è diventato il proprietario del trittico. A proposito, nel 2011 è stato acquisito un altro prezioso lavoro di Bekon - "Tre schizzi al ritratto di Lucien Freud". Le fonti nascoste dicono che l'Arkadyevich romano è diventato di nuovo l'acquirente.

10

"Stagno con ninfea"

Autore

Claude Monet

Nazione Francia
Anni di vita 1840–1926
Stile impressionismo

L'artista è riconosciuto dall'antentato dell'impressionismo, "brevettato" questo metodo nelle sue tele. Il primo lavoro significativo era la pittura "colazione sull'erba" (la versione originale del lavoro di Edward Mane). Nella sua giovinezza, ha dipinto le caricature, e un vero dipinto prese durante i suoi viaggi lungo la costa e all'aperto. A Parigi, ha guidato lo stile di vita bohémien e non lo ha lasciato anche dopo il servizio nell'esercito.

210x100 cm
1919 anni
Costo
$ 80,5 milioni.
venduto nel 2008
sull'asta Christie's.

Oltre al fatto che Monet era un grande artista, ha anche impegnato con entusiasmo nel giardinaggio, la natura vivente adorata e i fiori. Nei suoi paesaggi, lo stato della natura è leggermente, gli articoli come se fossero sfocati dal movimento dell'aria. L'impressione è migliorata da grandi macchie, da una certa distanza diventano impercettibili e si fondono in un'immagine tridimensionale strutturata. Nel verniciatura del tardo monet, il tema dell'acqua e della vita in esso occupa un posto speciale. Nella città di Gerni, l'artista era il suo stagno, dove coltivava Pita dai semi, appositamente portati dal Giappone. Quando i loro fiori fioriscono, cercò di disegnare. Una serie di "dolci" è composta da 60 opere che l'artista ha scritto per quasi 30 anni a morte. La sua visione si è deteriorata con l'età, ma non si è fermato. A seconda del vento, del tempo dell'anno e del tempo, il laghetto è cambiato costantemente, questi cambiamenti volevano catturare il monito. Attraverso il lavoro accurato verso di lui, è venuta una comprensione dell'essenza della natura. Alcune delle conchiglie della serie sono conservate nelle principali gallerie del mondo: il Museo Nazionale dell'Arte occidentale (Tokyo), Orangery (Parigi). La versione del prossimo "laghetto con il giglio d'acqua" è entrato nelle mani di un acquirente sconosciuto per un importo del record.

11

False stella t.

Autore

Jasper Jones.

Nazione Stati Uniti d'America
Anno di nascita 1930
Stile pop Art

Nel 1949, Jones entrò nella scuola di design a New York. Insieme a Jackson Pollock, Willem de Cunning e altri, è riconosciuto come uno dei principali artisti del 20 ° secolo. Nel 2012, ha ricevuto la "Medaglia presidenziale della libertà" - il premio civile più alto degli Stati Uniti.

137.2х170,8 cm
1959.
Costo
$ 80 milioni.
venduto nel 2006
sul commercio privato

Come Marseille Dushan, Jones ha lavorato con oggetti reali, raffigurante loro su tela e nella scultura in piena conformità con l'originale. Per il loro lavoro, ha usato oggetti semplici e comprensibili: una bottiglia di birra, una bandiera o una carta. L'immagine falsa di avvio non ha una chiara composizione. L'artista come se gioca con il pubblico, spesso "sbagliato" firmando i colori nella foto, trasformando il concetto di colore stesso: "Volevo trovare un modo per ritrarre il colore in modo che possa essere determinato da un altro metodo." Il suo più esplosivo e "resistente in sé", secondo i critici, la foto è stata acquisita da un acquirente sconosciuto.

12

"Sedutanudo sul divano"

Autore

Amedeo Modiganiani.

Nazione Italia, Francia
Anni di vita 1884–1920
Stile espressionismo

Moodigaliani spesso malati fin dall'infanzia, durante un'assurdità febbrile, ha riconosciuto il suo designer dell'artista. Ha studiato la pittura a Livorno, Firenze, Venezia, e nel 1906 andò a Parigi, dove la sua arte fiorì.

65x100 cm
1917 anni
Costo
$ 68.962 milioni.
venduto nel 2010 anno
sull'asta Sotheby's.

Nel 1917, Modigliani incontrò il 19enne Jeanne Ebutern, che divenne la sua modella, e poi sua moglie. Nel 2004, uno dei suoi ritratti è stato venduto per $ 31,3 milioni, che è diventato l'ultimo disco prima di vendere "seduto nudo sul divano" nel 2010. L'immagine ha acquisito un acquirente sconosciuto per il massimo per modigliani al momento il prezzo. Le vendite attive di lavoro sono iniziate solo dopo la morte dell'artista. Morì in una povertà, tubercolosi malata, e il giorno successivo ha commesso con lui e Zhanna Ebutern, che è rimasto al nono mese di gravidanza.

13

"Aquila sul pino"

Autore

Qi Bayshi.

Nazione Cina
Anni di vita 1864–1957
Stile Gokhua.

L'interesse per la calligrafia ha guidato il qi baisha alla pittura. All'età di 28 anni, è diventato uno studente dell'artista Hu Zinyuan. Il Ministero della cultura della Cina lo ha stanziato il titolo di "Grande artista del popolo cinese", nel 1956 ha ricevuto un premio internazionale del mondo.

10x26 cm
1946.
Costo
$ 65,4 milioni.
venduto nel 2011
sull'asta Cina Guardian.

Qi Bayshi era interessato a quelle manifestazioni del mondo circostante, che molti non danno valori, e in questa sua grandezza. Un uomo senza educazione è diventato professore e un creatore eccezionale nella storia. Pablo Picasso ha parlato di lui: "Ho paura di andare nel tuo paese, perché in Cina ci sono qi baisha". La composizione "aquila su un pino" è riconosciuta come il più grande lavoro dell'artista. Oltre alla tela, include due rotoli geroglifici. Per la Cina, l'importo per il quale il lavoro è stato acquistato, rappresenta un record - 425,5 milioni di yuan. Solo un rotolo di un antico calligrafo Juan Tinjiang è stato venduto per 436,8 milioni.

14

"1949-A-№1"

Autore

Clifford Still.

Nazione Stati Uniti d'America
Anni di vita 1904–1980
Stile Espressionismo astratto

All'età di 20 anni, ho visitato il Museo Metropolitan di New York ed è rimasto deluso. Più tardi, è stato iscritto per il corso della Lega Studente delle Arti, ma ha lasciato 45 minuti dopo l'inizio delle lezioni - si è rivelato essere "no". La prima mostra personale ha causato una risonanza, l'artista si è trovato, e con questo riconoscimento

79x93 cm
1949 anni
Costo
$ 61,7 milioni.
venduto nel 2011
sull'asta Sotheby's.

Tutte le loro opere, e questa è più di 800 tele e 1600 opere su carta, lo stilista ha vinto la città americana, dove verrà aperto il Museo del suo nome. Denver divenne una città del genere, ma solo la costruzione era costosa per le autorità, e per il suo completamento, quattro opere sono state poste all'asta. È improbabile che le opere di Stille partecipino all'asta ancora, che avanzavano il loro prezzo in anticipo. Il dipinto "1949-A-n. 1" è stato venduto per un record per l'artista, anche se gli esperti hanno previsto la vendita di 25-35 milioni di dollari.

15

"Composizione suprematica"

Autore

Kazimir Malevich.

Nazione Russia
Anni di vita 1878–1935
Stile suprematismo

Malevich ha imparato a pittura nella scuola d'arte di Kiev, poi alla Mosca Academy of Arts. Nel 1913, iniziò a scrivere dipinti geometrici astratti in stile, che chiamava il suprematismo (dal lat. "Dominance").

71x 88,5 cm
1916.
Costo
$ 60 milioni.
venduto nel 2008
sull'asta Sotheby's.

Nel Museo Urbano Amsterdam, la foto è stata tenuta a circa 50 anni, ma dopo una disputa di 17 anni con i parenti di Malevich, il museo le ha dato. L'artista ha scritto questo lavoro in un anno con il "manifesto del suprematismo", quindi Sotheby è stato annunciato prima dell'offerta, non sarebbe andato alla collezione privata in una collezione privata. Quindi è successo. È meglio guardarlo: le forme sulla tela assomigliano alla vista della terra dall'aria. A proposito, alcuni anni prima, gli stessi parenti espropri dal Muse Museo un'altra "composizione suprematica" per venderla all'asta di Phillips per $ 17 milioni.

16

"Fibbie"

Autore

Paul Gajen.

Nazione Francia
Anni di vita 1848–1903
Stile Pospressionismo.

Fino a sette anni, l'artista visse in Perù, poi con la sua famiglia tornò in Francia, ma i ricordi dei bambini lo spinse costantemente per viaggiare. In Francia, ha iniziato a scrivere pitture, era amico di Van Gogh. Ha persino trascorso diversi mesi con sé ad Arles, fino a quando Van Gogh durante una lite ha tagliato l'orecchio.

93,4х60,4 cm
1902 anni
costo
$ 55 milioni.
venduto nel 2005
sull'asta Sotheby's.

Nel 1891, Gauguen ha organizzato per vendere i suoi dipinti per andare in profondità nell'isola di Tahiti ai soldi invertiti. Lì ha creato il lavoro in cui viene sentito il raffinato rapporto della natura e dell'uomo. Gogen viveva in una capanna di paglia, e un paradiso tropicale fiorì sulle sue tele. Sua moglie è diventata il Taitiankah Tehra di 13 anni, che non ha impedito all'artista di unirsi a disordine. Syphilis di malattia, se ne andò per la Francia. Tuttavia, Mogen era da vicino, e tornò a Tahiti. Questo periodo è chiamato "Second Taitian" - è stato allora che l'immagine dei "nuotatori" è stata scritta, uno dei più lussuosi nel suo lavoro.

17

"Narciso e una tovaglia in toni blu e rosa"

Autore

Henri Matisse.

Nazione Francia
Anni di vita 1869–1954
Stile Fovisov.

Nel 1889, Henri Matisse aveva un attacco di appendicite. Quando è stato recuperato dall'operazione, la madre gli comprò dipinge. All'inizio, Matisse di Boedom copiava cartoline a colori copiati, quindi - Le opere di grandi pittori, che hanno visto nel Louvre, e all'inizio del XX secolo si sono innamorati di uno stile - formism.

65.2х81 cm
1911.
Costo
$ 46,4 milioni.
venduto nel 2009
sull'asta Christie's.

L'immagine "Narciso e una tovaglia nei toni blu e rosa" per molto tempo appartenevano all'Ida Saint-Laurent. Dopo la morte di Kuurier, tutta la sua collezione di arte si è trasferita nelle mani del suo amico e nell'amante Pierre Berez, che ha deciso di metterlo all'asta di Christie. La perla della collezione venduta era il dipinto "Narciso e una tovaglia nei toni blu e rosa", scritti su una normale tovaglia invece di tela. Come campione di foxism, è pieno di energia del colore, le vernici sembrano esplodere e urlare. Dalla famosa serie di dipinti scritti sulla tovaglia, oggi questo lavoro è l'unico, che è nella collezione privata.

18

"Ragazza addormentata"

Autore

Roy.Menzogna

khtenstein.

Nazione Stati Uniti d'America
Anni di vita 1923–1997
Stile pop Art

L'artista è nato a New York, e laureato da scuola, è andato all'Ohio, dove è andato a corsi d'arte. Nel 1949, Liechtenstein ha conseguito un master in eleganti arti. Interesse per i fumetti e la capacità di stirare l'artista del culto del secolo scorso.

91x91 cm
1964.
Costo
$ 44.882 milioni.
venduto nel 2012
sull'asta Sotheby's.

Un giorno una gomma da masticare ha colpito il Liechtenstein. Ha rinviato l'immagine dal fodera sulla tela e divenne famoso. In questa trama dalla sua biografia, l'intera missione Pop Art è conclusa: il consumo è un nuovo Dio, e nella caramella da Zhwachka non meno la bellezza che a Mont Lisa. I suoi dipinti assomigliano a fumetti e cartoni animati: Liechtenstein ha semplicemente aumentato l'immagine rifinita, disegnando i rastatori, la stampa stencil usata e lo schermo di seta. L'immagine "ragazza addormentata" apparteneva per quasi 50 anni ai collezionisti di Beatris e Philip Pearrs, i cui eredi lo hanno venduto all'asta.

19

"Vittoria. Boogie Woogie"

Autore

Pete Mondrian.

Nazione Olanda
Anni di vita 1872–1944
Stile Neolasticismo

Il suo vero cognome - Cornelis - L'artista è cambiato in Mondrian, quando nel 1912 si trasferì a Parigi. Insieme all'artista Teo Vann Dusburg fondò il movimento "Nexousticism". In onore di Mondrian, il linguaggio di programmazione PIET è nominato.

27x127 cm
1944.
costo
$ 40 milioni.
venduto nel 1998.
sull'asta Sotheby's.

Il più "musicale" degli artisti del 20 ° secolo ha guadagnato un vivo da vivendoli, anche se divenne famoso per un artista neoplastico. Negli Stati Uniti, si è trasferito negli anni '40 e ha trascorso lì il resto della vita. Jazz e New York - Questo è ciò che lo ha ispirato di più! Immagine "vittoria. Bogi-Vuy "è il miglior esempio di questo. I quadrati ordinati "marchiera" sono stati ottenuti a causa dell'uso del nastro adesivo - materiale preferito di Mondrian. In America, fu chiamato il "più famoso immigrato". Negli anni Sessanta, Yves Saint Laurent ha rilasciato i vestiti Mondrian noti a tutto il mondo con una stampa in una grande cella di colore.

20

"Numero composizione 5"

Autore

BasilicoKandinsky.

Nazione Russia
Anni di vita 1866–1944
Stile avanguardia

L'artista è nato a Mosca, e suo padre era dalla Siberia. Dopo la rivoluzione, ha cercato di collaborare con il potere sovietico, ma presto si rese conto che le leggi del proletariato non sono state create per lui, e non è stato emigrato in Germania senza difficoltà.

275x190 cm
1911.
costo
$ 40 milioni.
venduto nel 2007.
sull'asta Sotheby's.

Kandinsky Uno dei primi ha completamente rifiutato il dipinto soggetto, per il quale ha ricevuto il titolo di genio. Durante il nazismo in Germania, i suoi dipinti sono stati attribuiti a "Arte degenerativa" e non sono state esposte da nessuna parte. Nel 1939, Kandinsky ha adottato la cittadinanza francese, ha partecipato al processo artistico a Parigi. I suoi dipinti "Sound", come se la fuga, così tanti fossero chiamati "composizioni" (il primo è stato scritto nel 1910, quest'ultimo - nel 1939). "Composizione numero 5" è uno dei lavori chiave in questo genere: "La parola" composizione "suonava per me come preghiera", ha detto l'artista. A differenza di molti follower, ha pianificato ciò che avrebbe rappresentato su un'enorme tela, come se scrivesse note.

21

"Le donne etude in blu"

Autore

Fernian Leo.

Nazione Francia
Anni di vita 1881–1955
Stile cubismo-postopressioneismo

Leseway ha ricevuto l'educazione architettonica, e poi è stato ascoltatore della scuola di eleganti arti a Parigi. L'artista si considerava il seguace di Cezanna, era un apologedo del cubismo, e nel XX secolo ha avuto anche successo come scultore.

96,5х129,5 cm
1912-1913 anni
Costo
$ 39,2 milioni.
venduto nel 2008
sull'asta Sotheby's.

David Norman, Presidente del Dipartimento Internazionale dell'impressionismo e del Modernismo Sotheby, considera un importo enorme pagato per la "Lady in Blue", abbastanza giustificata. L'immagine appartiene alla famosa collezione Lesion (l'artista ha scritto tre immagini su una trama, in mani private oggi - l'ultimo. - Ed. Ed.), E la superficie della tela è conservata in incontaminata. Lo stesso autore ha dato a questo lavoro alla Galleria di Der Sturm, poi cadde nella collezione Hermann Lang, i raccoglitori tedeschi del modernismo e ora appartengono a un acquirente sconosciuto.

22

"Scena di strada. Berlino"

Autore

Ernst Ludwig.Kirchner.

Nazione Germania
Anni di vita 1880–1938
Stile espressionismo

Per l'espressionismo tedesco, Kirchner è diventato una persona del segno. Tuttavia, le autorità locali lo hanno accusato di impegno per "arte degenerativa", che ha influenzato tragicamente il destino dei suoi dipinti e nella vita dell'artista che si è suicidato nel 1938.

95x121 cm
1913 anni
costo
$ 38,096 milioni.
venduto nel 2006
sull'asta Christie's.

Dopo aver trasferito a Berlino, Kirchner ha creato 11 schizzi di scene di strada. Era ispirato dal tumulto e dal nervosismo di una grande città. Nel film venduto nel 2006 a New York, uno stato allarmante dell'artista è particolarmente acuto: le persone a Berlino Street assomigliano agli uccelli - elegante e pericoloso. È diventata l'ultimo lavoro della famosa serie venduta all'asta, il resto è conservato nei musei. Nel 1937, i nazisti erano crudelmente trattati con Kirchner: 639 delle sue opere sono state ritirate dalle gallerie tedesche, distrutte o vendute all'estero. L'artista non poteva sopravvivere a questo.

23

"Ricreazioneballerino"

Autore

Edgar Degas.

Nazione Francia
Anni di vita 1834–1917
Stile impressionismo

La storia di DEGI come artista ha iniziato con il fatto che ha lavorato come copywriter in Louvre. Sognava di diventare "famosi e sconosciuti" e alla fine era possibile. Alla fine della vita, i Degas sordi e lottanti di 80 anni hanno continuato a partecipare a mostre e aste.

64x59 cm
1879 anni
costo
$ 37.043 milioni.
venduto nel 2008
sull'asta Sotheby's.

"La ballerina è sempre stata per me solo un pretesto per ritrarre tessuti e afferrare il movimento", ha detto Degas. Trame dalla vita dei ballerini come se fidata: le ragazze non sono pubblicate da un artista, ma diventano solo parte dell'atmosfera catturata da degas. Il "ballerino di riposa" è stato venduto per $ 28 milioni nel 1999, e in meno di 10 anni lo hanno acquistato per 37 milioni - oggi è il lavoro più costoso dell'artista, mai sopportato all'asta. È stata prestata molta attenzione al Ramam, lui stesso li ha progettati e li ha banditi. Mi chiedo che tipo di frame è installato su un'immagine venduta?

24

"Pittura"

Autore

Juan Miro.

Nazione Spagna
Anni di vita 1893–1983
Stile arte astratta

Durante la guerra civile in Spagna, l'artista era dalla parte dei repubblicani. Nel 1937, corse dal potere fascista a Parigi, dove viveva in una povertà con la sua famiglia. Durante questo periodo, Miro scrive l'immagine "Aiuta la Spagna!", Prestando attenzione a tutto il mondo sul dominio del fascismo.

89x115 cm
1927 anni
Costo
$ 36,824 milioni.
venduto nel 2012
sull'asta Sotheby's.

Il secondo nome dell'immagine è la "Blue Star". L'artista lo ha scritto nello stesso anno in cui ha annunciato: "Voglio uccidere la pittura" e meritosamente deriso la tela, grattando la vernice con le unghie, incollando verso la tela di piume, coprendo il lavoro con la spazzatura. Il suo obiettivo era quello di debuniare i miti del sacramento della pittura, ma, a far fronte a questo, Miro ha creato il suo mito - astrazione surreale. La sua "pittura" si riferisce al ciclo di "snowstice". All'asta, quattro acquirenti combattevano per lei, ma una telefonata in incognito ha risolto la disputa, e "la pittura" divenne l'immagine più costosa dell'artista.

25

"Rosa blu"

Autore

Yves Klein.

Nazione Francia
Anni di vita 1928–1962
Stile Pittura monocromatica

L'artista è nato nella famiglia dei pittori, ma ha studiato orientale, marittimi di mare, artigianato della RAM dorata, Zen-Buddhism e molto. La sua personalità e i suoi trucchi sfacciato erano a volte più interessanti nei dipinti monocromatici.

153x199x16 cm
1960.
Costo
$ 36.779 milioni.
venduto nel 2012.
All'Asta di Christie

La prima mostra di lavoro giallo monofonico, arancione, rosa non ha causato interesse tra il pubblico. Klein è stata offesa e la prossima volta che ho presentato 11 identiche tela macchiate con ultramarine interspersed con una speciale resina sintetica. Ha anche brevettato questo metodo. Nella storia, il colore è entrato come il "colore blu internazionale di Klein". Un altro artista ha venduto il vuoto, creato foto, sostituendo la carta per la pioggia, ambientare sul cartone, facendo la tela dell'impronta del corpo umano. In una parola, sperimentato come poteva. Per creare una "rosa blu" usata pigmenti secchi, resine, ciottoli e una spugna naturale.

26

"Alla ricerca di Mosè"

Autore

SIR Lawrence Alma Tadema

Nazione Gran Bretagna
Anni di vita 1836–1912
Stile Neoclassicismo

Il prefisso "Alma" al suo cognome Sir Lawrence si è aggiunto per essere il primo nelle directory artistiche. Nell'Inghilterra vittoriana, i suoi dipinti erano così affermati che l'artista è stato assegnato il rango knightly.

213,4х136,7 cm
1902 anni
Costo
$ 35,922 milioni.
venduto nel 2011
sull'asta Sotheby's.

Il tema principale della creatività del Tadema Alma era antichità. Nelle foto, ha provato nei più piccoli dettagli per ritrarre l'epoca dell'impero romano, per questo persino impegnato negli scavi archeologici sulla penisola dell'Apenninsky, e nella sua casa di Londra riproduceva gli interni storici di quegli anni. I grafici mitologici sono diventati un'altra fonte di ispirazione per lui. L'artista era estremamente richiesto durante la sua vita, ma dopo la morte ha dimenticato rapidamente. Ora l'interesse è rinato, come il costo dell'immagine "Alla ricerca di Mosè", sette volte, superando il preventivo pre-vendita.

27

"Ritratto del funzionario nudo addormentato"

Autore

Lucien Freud.

Nazione Germania,
Gran Bretagna
Anni di vita 1922–2011
Stile Pittura figurativa

L'artista è il nipote Sigmund Freud, padre della psicoanalisi. Dopo aver stabilito il fascismo in Germania, la sua famiglia emigrò nel Regno Unito. Le opere di Freud si trovano nel Museo di Londra "Meeting of Wallace", dove nessun artista moderno è stato precedentemente esposto.

219.1х151,4 cm
1995.
Costo
$ 33,6 milioni.
venduto nel 2008
sull'asta Christie's.

Mentre gli artisti della moda del 20 ° secolo hanno creato "macchie di colore positive del muro" e vendetteli per milioni, Freud ha scritto dipinti estremamente naturalistici e li vendette ancora più costosi. "Catturarò le grida dell'anima e soffrendo la carne di sbiadimento", ha detto. I critici ritengono che tutta questa "ereditarietà" Sigmund Freud. I dipinti erano così attivamente esposti e venduti con successo che gli specialisti avevano una questione di dubbio: hanno avuto proprietà ipnotiche? Il "ritratto dell'Asta del Dormire Nude Official", secondo l'edizione del sole, ha acquisito un conoscitore del bellissimo e miliardario romano Abramovich.

28

"Violino e chitarra"

Autore

H.uAN Gras.

Nazione Spagna
Anni di vita 1887–1927
Stile cubismo

Nato a Madrid, dove si è laureato in arte scolastica e artigianato. Nel 1906 si trasferì a Parigi ed entrò nel cerchio degli artisti più influenti dell'era: Picasso, Modigliani, Matrimonio, Matisse, Lyzh, ha anche lavorato con Sergey Dyagilev e la sua troupe.

5x100 cm
1913 anni
Costo
$ 28.642 milioni.
venduto nel 2010 anno
sull'asta Christie's.

GRI, secondo le sue stesse parole, era impegnata in "Aereo, architettura a colori". I suoi dipinti sono pensati con precisione: non ha lasciato una singola striscia casuale, che racconta la creatività con la geometria. L'artista ha creato la sua versione del cubismo, anche se Pablo Picasso, il fondatore della direzione molto rispettato. Il successore è stato anche dedicato a lui il suo primo lavoro nello stile del cubismo "tributo a Picasso". Il dipinto "violino e chitarra" è riconosciuto come eccezionale nel lavoro dell'artista. Durante la vita, Gras era noto, clinicamente critici e storici dell'arte. Le sue opere sono esposte nei più grandi musei del mondo, immagazzinati in collezioni private.

29

"RitrattoCampi Elouar »

Autore

Salvador Dalì

Nazione Spagna
Anni di vita 1904–1989
Stile surrealismo

"Il surrealismo è io," disse Dali, quando fu escluso dal gruppo di surrealisti. Nel corso del tempo, è diventato l'artista surrealista più famoso. La creatività è stata data ovunque, e non solo nelle gallerie. Ad esempio, è venuta con un imballaggio per Chupa-Chupa.

25x33 cm
1929 anni
Costo
$ 20,6 milioni.
venduto nel 2011
sull'asta Sotheby's.

Nel 1929, visita il grande provocatore e lo scandalista Dali arrivò il poeta Paul Eluro con la sua moglie russa Galo. L'incontro è stato l'inizio della storia dell'amore che è durato più di mezzo secolo. L'immagine "Ritratto del campo Eloire" è scritto solo durante questa visita storica. "Ho sentito di essere stato accusato di un dovere di catturare il viso del poeta, con l'OlyMP di cui ho rapito una delle musiche", ha detto l'artista. Prima della conoscenza con Galo, era una vergine e sperimentato disgusto con il pensiero sul sesso con una donna. Il triangolo dell'amore esisteva davanti alla morte di Eluar, dopo di che è diventato un Duet Dali Gala.

30

"Anniversario"

Autore

Mark Shagal.

Nazione Russia, Francia
Anni di vita 1887–1985
Stile Avangard.

Moisha Segal è nato a Vitebsk, ma nel 1910 emigrò a Parigi, ha sostituito il nome, è diventato vicino ai principali avanguardi dell'era. Negli anni '30, quando catturano le autorità, i fascisti sono andati negli Stati Uniti con l'aiuto del console americano. Restituito in Francia solo nel 1948.

80x103 cm
1923.
Costo
$ 14,85 milioni.
venduto nel 1990.
All'asta di Sotheby

L'immagine "anniversario" è riconosciuta come una delle migliori opere dell'artista. Ha tutte le caratteristiche della sua creatività: le leggi fisiche del mondo hanno cancellato, rimane la sensazione di fiabe nello scenario della vita di Mashchansky, e nel centro della trama - amore. Chagall non ha disegnato persone dalla natura, ma solo in memoria o fantasticizzare. Nel quadro "anniversario" catturato dall'artista con sua moglie Bel. L'immagine è stata venduta nel 1990 e da allora non ha partecipato all'asta. È interessante notare che nel New York MoMA Museum MOMA è assolutamente lo stesso, chiamato solo "compleanno". A proposito, è stata scritta prima - nel 1915.

progetto preparato
Tatyana Palaceov.
valutazione composta
elenco www.art-spb.ru.
rivista tmn №13. (Maggio-giugno 2013)

Levitan, Shishkin, Aivazovsky e molti altri nomi sono familiari a ogni persona istruita nel nostro paese e all'estero. Questo è il nostro orgoglio. Molti artisti di talento e ora. Solo i loro nomi non sono ancora così larghi e non tutti sono conosciuti.
Amme.ru. Assemblato 10 moderni artisti russi (certi che sono molto di più), che si adattano indubbiamente il loro nome nei classici della pittura 21 secoli. Scoprili oggi.

Alexey Chernigin.

Sulla maggior parte dei dipinti, Alexei Chernigigin, olio su tela sono catturati da bellezza, romanticismo e momenti di veri sentimenti. Alexei Chernigin ha ereditato il suo talento e desideroso di arte da suo padre - il famoso artista russo Alexander Chernigigin. Ogni anno organizzano una mostra comune nel loro nativo Nizhny Novgorod.

Konstantin Lupanov.

Un artista giovane e incredibilmente talentuoso di Krasnodar chiama il suo dipinto "divertente irresponsabile mazniy". Konstantin Lupanov scrive ciò che ama. I personaggi principali dei suoi dipinti sono amici, conoscenti, parenti e Cat Philip preferiti. Più facile la trama, l'artista dice, il dipinto sbagliato risulta.

Stanislav Plutenko.

Motto creativo Stanislav Plutenko: "Vedi inusuale e rendere insolito". L'artista di Mosca lavora nella tecnica unica dei tempesti di miscelazione, dell'acrilico, dell'acquerello e del più raffinato Airbrash minore. Stanislav Plutenko è incluso nel catalogo di 1000 surrealisti di tutti i tempi e popoli.

Nikolai Blokhin.

Scopri il moderno artista russo che è al di là di ogni dubbio, un secolo dopo starà in una fila con i classici del mondo della pittura. Nikolay Blokhin è conosciuto principalmente come ritrattista, anche se scrive paesaggi, vita ancora, dipinti di genere. Ma è nel ritratto che uno degli aspetti più importanti del suo talento è più pronunciato.

Dmitry Annenkov.

Guardando l'iperealista Still Life di questo artista russo, quindi voglio allungare la mano e prendere dalla tela o toccare ciò che viene disegnato lì. Quindi sono vivi e con un'anima. L'artista Dmitry Annenkov vive a Mosca e lavora in diversi generi. E in tutti insolitamente talentuosi.

Vasily Shulzhenko.

La creatività dell'artista Vasily Shulzhenko non lascia nessuno indifferente. È amato, o odio, si è esaurito per la comprensione dell'anima russa e accusata di odiarsi. Nei suoi dipinti - Russia dura, senza banconote e comparazioni grottesche, alcol, debuttanti e stagnazione.

Arus McMush.

Sotto lo pseudonimo Arus, Mascmush nasconde un artista di talento da Sevastopol Alexander Shtsovtsov. "C'è una parola così parola -" conflitto ": quando vedi qualcosa di incredibile, costringendo le tue ruote interne a ruotare nella giusta direzione. Buon conflitto, "con goosebumps" è interessante. E la pelle d'oca può essere da qualsiasi cosa: Dall'acqua fredda, dalla vacanza, da ciò che improvvisamente qualcosa sembrava nell'infanzia - quando fu sorpreso per la prima volta e ha giocato dentro ... Non sto cercando di dimostrare nulla a nessuno. Io, prima di tutto, mi piace. Questo è un puro droga di creatività. O pura vita - senza doping. Solo un miracolo. "

Alexander Vinogradov e Vladimir Dubosar

Vinogradov e Dubosar - I principali teli e truffatori della moderna pittura russa. Il duetto creativo è stato formato dalla metà degli anni '90 del ventesimo secolo. E oggi ha guadagnato la fama mondiale. Non per caso, Viktor Pelevin Writer ha fatto uno dei suoi romanzi con illustrazioni con illustrazioni finite di Dubosar e Vinogradov.

Mikhail Golbev.

Giovane artista russo Mikhail Golbev vive e lavora a San Pietroburgo. Le sue opere sono dipinti-pensieri, dipinti fantasy e riflessi filosofici. Artista molto interessante con il suo, ma molti molto familiari, guarda questo mondo.

Sergey Marchnikov.

"Paesaggio Birch Grove Road" 120x100
Mastikhin, olio, tela
Konstantin Loris Melikov.

Arte del XXI secolo
— omnivore
cynic, ironico-sarcastico, democratico - è chiamato il tramonto della grande epoca.

I postmodernisti hanno colpito la situazione quando tutto è detto a loro. E restano per utilizzare gli stili creati, mix, creare, anche se non novità, ma art riconoscibile ...

le direzioni più luminose:

1. Neorealismo;


2. Arte minima;


3. Postmoderno;


4. Iperrealismo;


5. Installazione;


6. Ambiente;


7. Videografo;


8. Graffiti;


9. Transistangard;


10. Arte del corpo;


11. Stakismo;


12. Neoplastico;


13. Arte di strada;


14. Mail Art;


15. No-art.

1. Neoreline.
Questa è un'arte dell'Italia del dopoguerra, che ha combattuto con il pessimismo postbellico.

Nuovo fronte dell'art United
astrattisti e realisti ed esistevano solo 4 anni. Ma fuori
gli artisti noti uscì: GABRIELLA FARINGE, RENATO GUTUZO, ERNESTO
Trekkani. Hanno intenzionalmente ed esprimono lavoratori e contadini.

Indicazioni simili apparvero negli altri
paesi, ma la scuola più brillante è considerata una scuola di neorealismo, che
È apparso in America dagli sforzi del monumentalista del fiume Diego.

Guarda: Renato Guttuso

affreschi del fiume Diego - Palazzo presidenziale (Città del Messico, Messico).

Frammento degli affreschi del fiume Diego per il Prado Hotel a Città del Messico "Sundoo domenica DN in alato Park", 1948

2. Arte minima.
Questa è la direzione di avanguardie.
Utilizza moduli semplici ed elimina qualsiasi associazione.

Carl Andre, 1964

Questa direzione è apparsa negli Stati Uniti alla fine
Anni '60. I minimalisti chiamati Marsiglia Duzane con i loro predecessori diretti.
(Redi-Maid), Nather Mondriana (Neo-Plasticism) e Kazimir Malevich
(Suprematismo), la sua piazza nera hanno chiamato il primo lavoro
arte minima

Estremamente semplice e geometrico
composizioni giuste - scatole di plastica, griglie metalliche,
i coni - sono stati eseguiti presso le imprese industriali secondo gli schizzi di artisti.

Guarda:

Lavori Donald Juddda, Karl
Andre, Sola Levita - Guggenheim Museum (New York, Stati Uniti), Museo
arte Moderna (New York, Stati Uniti), Museo Metropolitano (New York,
STATI UNITI D'AMERICA).

3. postmoderno. Questa è una grande lista di direzioni irrealistiche della fine del 20 ° secolo.

V. Mutu. Collage di "Genthers Adult Women", 2005

La ciclicità è caratteristica dell'arte, ma
postmodern è diventato il primo esempio di "rifiuto negazionale". All'inizio
il modernismo ha respinto i classici, e poi il postmodernismo ha respinto il modernismo come
in precedenza ha respinto i classici. I postmodernici sono tornati a quelle forme e
stili che erano all'altezza del modernismo, ma ad un livello più alto.

Il postmodernismo è la spedizione dell'era
nuove tecnologie. Pertanto, la sua caratteristica caratteristica è una miscela.
stili, immagini, diverse epoche e sottoculture. La cosa principale per la natura selvaggia
citazione, Deft Juggleding Quotes.

Guarda: Tate Gallery (Londra,
Regno Unito), Museo Nazionale del Centro Arte contemporaneo Pompidou
(Parigi, Francia), Guggenheim Museum (New York, USA).

Iperealismo. Arte imitando le foto.

Chuck Clow. "Robert", 1974

Questa arte è chiamata il sopelism,
Photorealismo, realismo radicale o realismo freddo. È apparso
la direzione in America negli anni '60 e dopo 10 anni si è rivelata
Europa.

Iperrealismo, fotorealismo, Don Eddie,

Artisti di questa direzione esattamente
copia il mondo come lo vediamo nella foto. Nelle opere di artisti
qualche ironia è letta su Techogen. Gli artisti rappresentano principalmente
trame dalla vita di un megalpolis moderno.

Richard Estes. amore per l'immagine dei riflessi della metropoli nelle finestre del negozio, sul cappuccio o sul caffè dell'auto

Guarda:

lavori Chuck Clow, Don Eddie, Richard Esteza - Museo Metropolitan, Museo Guggenheim (New York, USA), Museo Brooklyn (USA).

5. Installazione.
Questa è una composizione nella galleria che può essere creata da ciò che è la cosa principale, la cosa principale è essere sottotesto e l'idea.

Fontana (Dushan)

Molto probabilmente non ci sarebbe
indicazioni, se non un urinale del culto Dushan. I nomi del mondo del mondo
installasts: Dyan, Raushenberg, Boys, Kunnelis e Kabaki.

"Jim Dyan. Dalla collezione del centro di Pompidou "

La cosa principale nell'installazione stessa il sottotesto e lo spazio, dove gli artisti affrontano oggetti banali.

Guarda:
Tate Modern (Londra, Regno Unito), Guggenheim Museum (New York, USA).

6. Ambiente.

Questa è l'arte di creare una composizione tridimensionale che emette l'ambiente reale.

Come direzione in Art Invironment
apparso negli anni '20 del 20 ° secolo. Davanti al proprio tempo
decine di anni, l'artista Dadista, quando ha presentato il suo
il lavoro di Merz-Building è una struttura tridimensionale da diversi articoli e
materiali, non adatti a qualcosa di diverso dalla contemplazione.

Edward Kinholz.

Storia come fioriera

Dopo mezzo secolo in questo Genere Steel
lavorare e riuscire a Edward Kinholz e George Sigel. Nel suo lavoro
hanno necessariamente fatto un elemento scioccante di pazza fantasy.

Guarda:
edward Kinholz e George Sigel
- Museo dell'arte contemporanea (Stoccolma, Svezia).

7. Video Art.

Questa direzione è sorta nell'ultimo terzo del 20 ° secolo a causa dell'aspetto delle videocamere portatili.

Questo è un altro tentativo di restituire l'arte in
realtà, ma ora con apparecchiature video e computer.
American to statunitense Joon Pike ha sparato a un video di viaggio Papa per le strade
New York ed è diventato il primo video artista.

Esperimenti a noi Jun Saldatura influenzata
televisione, clip musicali (si trovava alla base del MTV del canale),
effetti del computer nei film. Il lavoro di Joon, Bill Viola ha fatto
direzione del campo d'arte di attività per esperimenti. Loro mettono
l'inizio di "video choles", "stazioni video" e "occhiali video".

Guarda:
video Art, che va da psichedelico al social
(Popolare in Cina, Chen-Che-Yen su Youtube.com)

8. Graffiti.

Iscrizioni e disegni sulle pareti delle case, con messaggi audaci.

È apparso per la prima volta negli anni '70 a nord
America. I nomi di uno dei distretti erano legati al loro aspetto.
Manhattan. Sono diventati patrimonio patrimoniale nel quartiere
puertoricani e giamaiani. Graffiti combinano elementi di urbano
sottocultura ed etnica.

genius Pop Art Kit Haring

Nomi dalla storia dei graffiti: Kate Hering,
Jean-Michel Baska, John Mat, sciarpa Kenny. Personalità scandalosa
- Graffiti da Breaksey Britain. Le cartoline con le sue opere sono in tutto
negozi di souvenir britannici

Guarda:
Museo dei Graffiti (New York, USA), Banksy Works - sul sito web Banksy.co.uk.

9. Trans-garde.
Una delle indicazioni nella pittura postmoderna. Combina il passato, la nuova pittura ed espressività.

Il lavoro di Transãoan Chamber Alexander Roytburd

L'autore del termine transransavanard -
critico moderno Bonito Oliva. Questo termine ha determinato la creatività
5 dei loro compatrioti - Sandro Kia, Enzo Kukki, Francesco
Clemente, Mimmo Paladino, Nikolo de Maria. Per la loro creatività, è caratteristico:
combinazione di stili classici, nessun attaccamento a National
scuola, installazione per piacere e dinamica estetica.

Francesco Clemente in filo (Francoforte)

Guarda: Peggy Museum
Guggenheim (Venezia, Italia), Museo dell'arte contemporanea a Palazzo
(Venezia, Italia), Galleria di Arte Contemporanea (Milano, Italia)

10. Arte del corpo.

Una delle indicazioni del testimone della quota. Il corpo funge da tela.

Body Art è una delle manifestazioni della cultura punk degli anni '70.
Direttamente collegato con una moda al tatuaggio e al nudismo che è apparso allora.

I dipinti dal vivo sono creati direttamente prima
spettatori, registrati sul video e sono trasmessi quindi nella galleria. Bruce
Nauman raffigurante nella galleria Dysuchansky Orinal. Duet Gilbert I.
George - Sculture dal vivo. Raffigurato il tipo di allarme medio.

Guarda: per esempio, sul sito web dell'artista Orlan Orlan.eu.

11. Stakmismismo.

Unione di arte britannica di pittura figurativa. Concettualisti opposti.

La prima mostra è stata a Londra nel 2007,
come protestare contro la Tate Gallery. Una delle versioni protestava
comunicazioni con l'acquisto della galleria di lavoro degli artisti Bypassing legislation. Rumore
nella stampa attirava l'attenzione sui STAKS. Ora nel mondo ci sono
più di 120 artisti. Il loro motto: l'artista che non disegna non è un artista.

Billy Childish. Bordo della foresta "

Il termine stakism è stato suggerito Thomson.
L'artista Tracy Emina esclamò al suo fidanzato Billy
Infantile: la tua pittura è bloccata, bloccata, bloccata! (Inglese bloccato!
Incollato! Pila!)

Guarda:
sul sito web dello Stuckist Stakist.
Charlie Thomson funziona e Billy Childish in Tate Gallery (Londra, Regno Unito).

12. Neo-plasticismo.
Arte astratta. L'intersezione delle linee perpendicolari di 3 colori.

Direzione IDENER - Pit olandese

Mondrian. Considerato il mondo del illusività, quindi il compito dell'artista può purificare
pittura da forme sensuali (figura) nel nome dell'estetica
(astratti) forme.

Rendere questo artista offerto
massimo immaginato con 3 colori - blu, rosso e
giallo. Hanno versato luoghi tra linee perpendicolari.

Pete Mondrian. Rosso, giallo, blu e nero

Neo-Plasticism ispira ancora designer, architetti e grafici industriali.

Guarda:
il lavoro di Na Mondrian e il Dusburg Teo nel Museo municipale dell'Aia.

13. Street-art.

Arte per la quale la città è una mostra sia tela

Lo scopo dell'artista Street: coinvolge immediatamente il passaggio in un dialogo con la sua installazione, scultura, poster o stencil.

Dall'8 giugno al 31 luglio, la VI International Biennale di Young Art si tiene a Mosca. Più di 50 artisti da tutto il mondo di età inferiore ai 35 anni hanno presentato il loro lavoro su di esso. Ma gli artisti moderni non sono semplicemente esposti in gallerie o musei - spesso può essere utilizzato il loro lavoro. Questo non è necessariamente costoso: la divulgazione dell'arte moderna ha lanciato il processo di democratizzazione dei prezzi, che ha portato al fatto che alcuni cittadini hanno iniziato a deporre il costo dei dipinti al budget di riparazione. Persino le case d'asta e le fiere d'arte non sono state in grado di ignorare l'interesse per l'arte della classe media, che cominciò ad apparire le opere dei giovani artisti. Il villaggio ha chiesto al giornalista e al co-proprietario della Galleria oleosa dell'olio Catherine Poszodtsev di scegliere accessibile e sull'approccio, e al prezzo del lavoro dei moderni artisti russi.

Ekaterina Pozenseva.

Timeofey Radya.

L'artista di Yekaterinburg Tima Radia nelle sue opere si unisce alla filosofia e all'arte della strada. Il filosofo per educazione e il vero artista per natura, Tima devia l'idea del lavoro futuro per molto tempo, e poi lo vende nello spazio urbano con il suo piccolo esercito di amici-colleghi. Le frasi che sono diventate meme ", ti abbraccerei, ma io sono solo il testo", "Più leggero, meno può essere visto" o "Chi veniamo da dove andiamo?" Diventare temporaneamente parte dell'ambiente urbano, ma rimangono nelle immagini per sempre. Li vendono in gallerie.

Timofey Radia. Giù con la morte. 2013. Stampa di foto su carta opaca. 60 x 80. Circolazione 15/24. Prezzo - 44 000 rubli. Acquista - Galleria Artwin

Alexey Dubinsky.

Dubinsky è nato a Grozny nel 1985, e l'educazione classica ricevuta nell'accademia russa della pittura, della scultura e dell'architettura Ilya Glazunov. Alexey lavora alla maniera dell'espressionismo astratto, dietro il quale l'immagine di un eroe si nasconde sempre - Alexey stesso, i suoi amici o "una famiglia piuttosto felice". Nella primavera del 2018, Dubinsky ha approvato una grande mostra personale sotto la curata di Sophia Simakova nella Galleria "Triumph", dopo di che la comparsa di Alexei in questa lista è una grande fortuna: grande (metro per metro) il lavoro di Dubinsky ha a lungo stato rilasciato dalla categoria di prezzo, che è decentemente chiamato forte. Ma la grafica degli anni passati è ancora disponibile a comprare senza collasso per il budget personale o familiare.

Kirill Who.

Se vedi nelle strade di Mosca scolpita sui banner dell'occhio, sappi che li rendono uno che ama camminare, - Cyril Lebedev. Il secondo segno di marca che è frase scritta da lettere stampate. Succede spesso che ogni lettera sia disegnata dal suo colore. Chi è difficile confondere qualcuno. Un paio di anni fa, Elvira Tarnograd Galleristi e Nadezhda Stepanova chiese a Kirill di spostare diversi lavori sulla tela: il successo della venture era ovvio. I prezzi per chi crescono più velocemente dei loro nuovi occhi appaiono in città. Ma c'è un'opzione per coloro che considerano i loro soldi - la serigrafia firmata dall'autore e prodotta da una circolazione limitata.

Yulia Iosilzon.

Iosillon è nato a Mosca nel 1992. Ora Julia vive a Londra, dove riceve una laurea per la laurea allo Slade Art School a Belle Art. Un soggiorno di 24 ore nello studente L'officina artistica non le ha impedito di tenere una mostra personale nella Galleria di Moscow "Triumph". Di solito rende il lavoro espressivo sulla seta, si estendeva sul telaio sottofondo. Tra gli eroi dei lavori sono riconosciuti da un lupo e da una lepre dal sovietico "Bene, aspetta!". Su dipinto, Iosilzon dovrà già rimandare diversi salari, ma è ancora possibile acquistare grafici per piccoli soldi.

Anton Totibadze.

Anton Titolibdze è il figlio dell'artista Konstantin Totibadze e il nipote dell'artista Georgy Totibadze. Anton continua la tradizione familiare illegale - scrivendo ancora vita e paesaggi domestici, spesso ispirati alla preparazione di kebab nel proprio cortile. Uno di questi lavori di Anton Titibadze San Pietroburgo Museo russo ha già incluso nel suo incontro. Non male per un artista di 25 anni.

Anton Totibadze. Inconveniente temporaneo. 2017. Tela, tempera. 15 x 19. Prezzo - 25.000 rubli. Acquista - oilyoil.com.

Ales Nomad.

Anna Apsyamova è nata nel Kazakistan, si è laureato all'Università d'arte di Kemerovo. Le sue prime opere sono ritratti ascetici, quando scrivendo che non ha mescolato la vernice. Più tardi, Ales è stata affascinata dalla pittura e ha iniziato a scrivere ritratti nello stile dei vecchi maestri e riportarli in uno zaino o in un giocattolo morbido, con l'aiuto del fulmine per lavorare con multifunzione. In questo punto, Vladimir Dubosar, Vladimir Dubosar e offerto di fare una mostra congiunta. Uno degli artisti rustici viventi più costosi, ovviamente, hanno influenzato le nuove opere di Ales. Ma il lavoro anticipato e oggi puoi comprare ad un prezzo fino a 22 mila rubli.

Ali Nomad. Nozze. 2013. Cartone, acrilico, marcatori. 70 x 100. Prezzo - 22.000 rubli. Acquista - oilyoil.com.

Chuck di Valery.

Valery Chtak è un artista con una grande storia espositiva e uno stile riconoscibile. Le sue opere sono sempre una tavolozza monocromatica nera e bianca con il testo. Nei suoi dipinti, la piccola pittura e molte immagini semplici sembrano essere dal muro della vicina transizione sotterranea. Scienza della biblioteca per l'educazione, funziona molto con la parola: "Tutti i morti morti è ugualmente", "Amore divertirsi, odiare e vendetta" o "Quando mezzanotte a Mosca, Murmansk è anche mezzanotte" - i testi dell'artista che è Vale la pena acquistare oggi.

Dmitry Aske.

Dmitry Aske è un altro artista che è passato dalla strada al laboratorio d'arte. La maggior parte delle attuali opere di chiedere sono un tipo di pannelli in legno, scolpiti e dipinti a mano, che l'artista raccoglie in pannelli. Delle opere di bilancio, Dima oggi dovrebbe prestare attenzione al suo schermo di seta di vernici acriliche dipinte a mano. Le stampe che chiedono sono firmate e numerate.

Dmitry chiede. Buddha. Silkography, acrilico, carta in cotone. 50 x 50. Prezzo - 16 000 rubli. Acquista - Formato1.net.

Fotografie: Copertina, 15-21 - Olio oleoso, 1 - Artwin, 2 - Timeofey Radya, 3-7, 12-14 - Campione, 8, 25, 26 - Galleria online "Problemi delle pareti bianche", 9-11, 22-24 - Gallery Triangle, 27 - "un formato"

) Nelle sue opere spazzate espressive, la nebbia trasparenza è stata in grado di preservare, la facilità della vela, l'agitazione liscia della nave sulle onde.

I suoi dipinti sono influenzati dalla loro profondità, volume, saturazione e la trama è tale che è impossibile strappare da loro.

Calda semplicità Valentina Gubareva

Amico di Primtivista di Minsk Valentin Gubarev. Non insegue la gloria e fa solo ciò che ama. La sua creatività è follemente popolare all'estero, ma quasi non familiare con i suoi compatrioti. A metà degli anni '90, i francesi si sono innamorati dei suoi schizzi domestici e hanno concluso un contratto con l'artista per 16 anni. I dipinti che sembrano essere comprensibili solo a noi, i portatori del "fascino modesto del socialismo non sviluppato", è piaciuto il pubblico europeo, e ha iniziato mostre in Svizzera, Germania, Gran Bretagna e altri paesi.

Realismo sensuale di Sergey Marrannikov

Sergey Marshnikov 41 anni. Vive a San Pietroburgo e crea nelle migliori tradizioni della classica scuola russa di pittura ritratto realistico. Gli eroi delle sue tele diventano delicati e indifesi nella loro semi-infermiera. In molti dei dipinti più famosi raffigurati Muse e la moglie dell'artista - Natalia.

Mosti Mosti Philip Barlow

Nell'epoca moderna delle immagini di alta risoluzione e di riepitto della creatività dell'iperealismo Philip Barlow (Philip Barlow) attira immediatamente l'attenzione. Tuttavia, lo spettatore richiede un certo sforzo per costringersi a guardare le sagome sfocate e macchie luminose sulle tele autore. Probabilmente, quindi vedi il mondo senza occhiali e le lenti a contatto che soffrono di miopia.

Sunny Bunnies Laurent Park

Pittura Laurent Parceliel è un mondo straordinario in cui non c'è tristezza o sconforto. Non incontrerà dipinti accigliato e piovosi. C'è un sacco di colori leggeri, aria e luminosi sulla sua tela, che l'artista infligge caratteristici colpi riconoscibili. Crea una sensazione che i dipinti siano tessuti da un migliaio di coniglietti soleggiati.

Dinamica della città nelle opere di Jeremy Manna

Olio su pannelli in legno Artista americano Jeremy Mann (Jeremy Mann) scrive ritratti dinamici della metropoli moderna. "Forme astratte, linee, contrasto di punti luminosi e scuri - tutto crea un'immagine che provoca la sensazione che una persona stia vivendo tra la folla e il tumulto della città, ma può anche esprimere la tranquillità, che è acquisita nel contemplare silenzioso Bellezza, "dice l'artista.

Mondo illusorio del Nilo Simon

Nei quadri dell'artista britannico Nilo Simon (Neil Simone), tutto non sembra a prima vista. "Per me, il mondo in giro è una serie di forme, ombre e confini fragili e costantemente cambianti", afferma Simon. E nei suoi dipinti, tutto è davvero illusorio e interconnesso. I confini vengono lavati via, e le trame si fluiscono l'una nell'altra.

Love Drama Joseph Laratso

Italiano sull'origine del moderno artista americano Joseph Lorasso (Joseph Lorusso) porta le trame sulla tela che li ha piegati nella vita quotidiana della gente comune. Abbracci e baci, impulsi appassionati, minuti di tenerezza e desideri riempiono i suoi dipinti emotivi.

Vita rustica Dmitry Lywin

Dmitry Levin - Un maestro riconosciuto del paesaggio russo, che si è dimostrato come un rappresentante di talento della scuola realistica russa. La fonte più importante della sua arte è affetto per la natura, che ama delicatamente e appassionatamente e parte del quale si sente.

Brillante Est Valery Blokhina