Immagini di impressionisti. Funziona sull'immagine Mana X-Ray Picture

09.07.2019

Astratto

Nel 1816, il Senegal aveva un crollo della fregata francese "Medusa". 140 passeggeri hanno lasciato il brigantino su una zattera, ma solo 15 sono stati salvati; Per sopravvivere in un walnia di 12 giorni sulle onde, dovevano ricorrere al cannibalismo. Nella società francese, scoppiava uno scandalo; Il colpevole della catastrofe riconobbe il capitano incompetente, Royalist sulle convinzioni.

"Per la società liberale francese del disastro della fregata" medusa ", la morte di una nave, che per un uomo cristiano simboleggia la comunità (prima della Chiesa, e ora la nazione), divenne un simbolo, un segno molto brutto di un nuovo regime di restauro di inizio. "

Ilya Dorrontchenkov.

Nel 1818, il giovane artista Theodore Zheriko, che stava cercando un argomento degno, leggi il libro dei sopravvissuti e cominciò a lavorare sulla sua foto. Nel 1819, la foto fu esposta al salone di Parigi e divenne un successo, un simbolo del romanticismo nella pittura. Zheriko abbandonò rapidamente l'intenzione di ritrarre il più seducente - la scena del cannibalismo; Non ha mostrato la pugnalata, la disperazione o il momento della salvezza stessa.

"A poco a poco ha scelto l'unico momento giusto. Questo è il momento delle massime speranze e massima incertezza. Questo è il momento in cui le persone sopravvissute sulla zattera vengono viste per la prima volta all'orizzonte Brig "Argus", che passò per la prima volta dalla carne (non l'ha notato).
E solo allora, andare sul corso del contatore, inciampato su di lui. Sullo schizzo, dove l'idea era già stata trovata, "Argus" è evidente, e nella foto si trasforma in un piccolo punto all'orizzonte, scomparendo, che attrae gli occhi, ma non importa come fa ".

Ilya Dorrontchenkov.

Zheriko rifiuta il naturalismo: invece dei corpi esauriti nella sua foto, bei atleti coraggiosi. Ma questo non è idealizzazione, è universalizzazione: l'immagine non riguarda i passeggeri specifici di "meduse", si tratta di tutti.

"Jerico Scattars in prima linea nei morti. Non è stato inventato: la gioventù francese fu incrinata da corpi morti e feriti. Eccitato, battiti intorno ai nervi, distrusse le convenzioni: il classicista non può mostrare brutto e terribile, e lo faremo. Ma questi cadaveri hanno un altro valore. Guarda cosa sta succedendo nel mezzo dell'immagine: c'è una tempesta, c'è un imbuto, in cui viene disegnato il look. E dai corpi, lo spettatore, in piedi proprio di fronte all'immagine, cammina su questa zattera. Siamo tutti lì. "

Ilya Dorrontchenkov.

L'immagine di Zheriko lavora in un modo nuovo: non è indirizzata all'esercito del pubblico, ma a ogni persona, tutti sono invitati alla zattera. E l'oceano non è solo l'oceano delle speranze perse del 1816. Questo è un obiettivo umano.

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Nel 1814, la Francia è stata ascoltata da Napoleone, e l'arrivo di Bourbon è stato percepito con sollievo. Tuttavia, molte libertà politiche sono state cancellate, è iniziata il restauro, e alla fine del 1820 la Generazione più giovane è diventata consapevole dell'adozione ontologica del potere.

"Eugene Delacroix apparteneva allo strato dell'élite francese, che è salita sotto Napoleone e fu spinto da Borbone. Tuttavia, era annesso: ha ricevuto una medaglia d'oro per la prima della sua foto nella cabina, "Lady Dante", nel 1822. E nel 1824 ha parlato con l'immagine del "Massanie on Chios", raffigurante la pulizia etnica, quando la popolazione greca dell'isola di Chios durante la guerra greca per l'indipendenza fu deportata e distrutta. Questa è la prima deglutizione del liberalismo politico nella pittura, che riguardava ancora paesi molto lontani ".

Ilya Dorrontchenkov.

Nel luglio del 1830, Karl X ha emesso diverse leggi che limitano seriamente le libertà politiche e hanno inviato truppe nella stanza di stampa del quotidiano dell'opposizione. Ma i parigini hanno risposto con le riprese, la città era coperta di barricate, e per i "tre giorni gloriosi" del regime di rubono cadde.

Sulla famosa immagine di Delacroix, dedicata agli eventi rivoluzionari del 1830, vengono presentati vari strati sociali: Schiegol nel cilindro, un ragazzo, un lavoratore in una maglietta. Ma il principale, ovviamente, è una giovane donna adorabile con seni e spalla nudi.

"La Delacroix risulta qui che non succede quasi mai a artisti del XIX secolo, pensiero sempre più realistico. Succede in una foto - molto patetico, molto romantico, molto temprando - collegare la realtà, fisicamente tangibile e brutale, (guarda i cadaveri amati da romantici in primo piano) e simboli. Poiché questa donna a sangue pieno è, ovviamente, la stessa libertà. Sviluppo politico a partire dal XVIII secolo agli artisti La necessità di visualizzare ciò che non può essere visto. Come puoi vedere la libertà? I valori cristiani arrivano a una persona attraverso un umano molto umano - attraverso la vita di Cristo e la sua sofferenza. E tali astrazioni politiche, come libertà, uguaglianza, fraternità, non hanno l'aspetto. E il Delacroix, forse il primo e non importa come l'unico che, in generale, ha fatto con successo con questo compito: ora sappiamo come appare la libertà. "

Ilya Dorrontchenkov.

Uno dei simboli politici nella foto è un berretto da frigia sulla testa della ragazza, un simbolo araldico permanente della democrazia. Un altro motivo parlante è nudità.

"Il nudget è stato a lungo associato alla naturalezza e alla natura, e nel XVIII secolo questa associazione è stata costretta. La storia della rivoluzione francese conosce anche la performance unica, quando l'attrice nuda del teatro francese rappresentava il nud nella cattedrale del teatro parigino. E la natura è la libertà, questo è naturale. E questo è ciò che, si scopre, questa donna tangibile, sensuale e attraente denota. Significa la libertà naturale. "

Ilya Dorrontchenkov.

Anche se questa immagine glorificata Delacroa, presto la sua è stata rimossa dai suoi occhi per molto tempo, ed è chiaro perché. Lo spettatore in piedi davanti si rivela essere nella posizione di coloro che attaccano la libertà che la rivoluzione attacca. Sul movimento eccezionale, che somnet tu, sembra molto a disagio.

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Il 2 maggio 1808, la ribellione anti-Napoleone scoppiava a Madrid, la città era nelle mani dei manifestanti, ma la sera del 3 ° numero nelle vicinanze della capitale spagnola, le massicce sparatorie dei ribelli sono stati scintillati . Questi eventi hanno presto portato alla guerra partigiana durata sei anni. Quando è finita, il pittore Francisco Goya sarà ordinato due immagini per perpetuare la rivolta. Il primo è "Uprising il 2 maggio 1808 a Madrid".

"Goya raffigura davvero il momento dell'inizio dell'attacco - che prima colpito da Navay, che ha iniziato la guerra. È questo suggerimento del momento qui è estremamente importante. Sembra essere portato alla telecamera, dal panorama si trasferisce in un piano estremamente vicino, che non era anche una così estensione davanti a lui. C'è un'altra cosa eccitante: la sensazione di caos e pugnalata qui è estremamente importante. Non c'è uomo che ti penti. Ci sono vittime e ci sono assassini. E questi assassini con gli occhi arato dal sangue, i patrioti spagnoli, in generale, sono impegnati nella carne ".

Ilya Dorrontchenkov.

Nella seconda immagine, i personaggi variano in luoghi: coloro che vengono tagliati nella prima immagine, al secondo scatto quelli che li tagliavano. E l'ambivalenza morale della lotta stradale è sostituita dalla chiarezza morale: Goya sul lato di coloro che si ribellino e muore.

"I nemici sono ora divorziati. Giusto coloro che vivranno. Questa è una serie di persone in uniformi con pistole, sono assolutamente uguali, ancora più identiche dei fratelli di Horace di David. Non vedono le persone, e le loro cyvering li rendono simili alle macchine, sui robot. Queste non sono figure umane. Sono silhouette nera che si distinguono in un'oscurità notturna sullo sfondo della luce di pallottola di luce di illuminazione.

Lasciato quelli che muoiono. Si muovono, la società, gesticolati, e per qualche motivo sembra che siano al di sopra dei loro boia. Sebbene il principale personaggio centrale - l'uomo di Madrid in pantaloni arancioni e una camicia bianca - si erge sulle ginocchia. È ancora più alto, è un po 'sulla collinetta. "

Ilya Dorrontchenkov.

La tacca morente si trova nella postura di Cristo, e per il consumo di Joyya rappresenta raffigurante stigmatics sui suoi palmi. Inoltre, l'artista rende tutto il tempo un'esperienza difficile - guarda all'ultimo momento prima dell'esecuzione. Infine, Goya cambia la comprensione dell'evento storico. Prima di lui, l'evento è stato raffigurato con il suo lato rituale, retorico, l'evento Goya è un momento, passione, piangere non-laureato.

Nella prima immagine, il dittico mostra che gli spagnoli ritagliavano non i francesi: i piloti che cadono sotto le gambe di un cavallo, vestiti in costumi musulmani.
Il fatto è che nelle truppe di Napoleone c'era un distaccamento di Mamelukov, cavalieri egiziani.

"Sembrerebbe strano che l'artista si trasformi in un simbolo dell'occupazione francese dei combattenti musulmani. Ma questo permette a Goya di trasformare l'evento moderno nella storia della storia della Spagna. Per qualsiasi nazione è cresciuta la loro autocoscienza durante le guerre napoleoni, era estremamente importante rendersi conto che questa guerra fa parte della guerra eterna per i loro valori. E una tale guerra mitologica per il popolo spagnolo era una riconquista, il restauro della penisola dei Pirenei nei regni musulmani. Così, Goya, preservando la lealtà del documentario, la modernità, mette questo evento a contatto con il mito nazionale, costringendo la lotta del 1808 come la lotta eterna degli spagnoli per nazionali e cristiani ".

Ilya Dorrontchenkov.

L'artista è riuscito a creare la formula iconografica dell'esecuzione. Ogni volta i suoi colleghi - se la criniera, Dix o Picasso, hanno fatto appello al tema delle esecuzioni, hanno seguito Goya.

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La pittoresca rivoluzione del XIX secolo è ancora più tangibile rispetto all'immagine dell'evento, si è verificata nel paesaggio.

"Il paesaggio cambia completamente l'ottica. Una persona cambia la sua scala, una persona sta vivendo in un modo diverso nel mondo. Il paesaggio è un'immagine realistica di ciò che ci è intorno a noi, con una sensazione di idratazione d'aria satura e articoli di tutti i giorni in cui siamo spediti. Oppure può essere una proiezione delle nostre esperienze, e poi nei trabocchi del tramonto o in una gioiosa giornata di sole vediamo lo stato della nostra anima. Ma ci sono paesaggi sorprendenti che appartengono sia all'altro modus. Ed è molto difficile da capire, infatti, quale domina ".

Ilya Dorrontchenkov.

Questa dualità si manifesta vivamente dall'artista tedesco Caspar David Friedrich: i suoi paesaggi e ci raccontano della natura del Baltico, e allo stesso tempo sono una dichiarazione filosofica. Nello scenario di Friedrich c'è un tomiziente sensazione di malinconia; L'uomo raramente li penetra ulteriormente e di solito torna indietro allo spettatore.

Al suo ultimo film "L'età della vita" in primo piano mostra una famiglia: bambini, genitori, un vecchio. E poi, dietro il divario spaziale - un cielo al tramonto, il mare e le barche a vela.

"Se guardiamo come è costruito questo stoffa, vedremo la coltivazione del tiro rotolo tra il ritmo delle figure umane in primo piano e il ritmo delle barche a vela nel mare. Qui ci sono figure elevate, qui sono forme basse, queste sono grandi barche a vela, ecco le barche sotto le vele. La natura e le barche a vela sono ciò che viene chiamato la musica delle sfere, è eterna e indipendente dall'uomo. L'uomo in primo piano è il suo essere ultimo. Il mare a Friedrich è molto spesso una metafora di inthius, morte. Ma la morte per lui, un uomo credente, è la promessa della vita eterna, che non sappiamo. Queste persone in primo piano sono piccole, corrotte, non molto attraenti scritte - il loro ritmo ripetere il ritmo della barca a vela, come un pianista ripete la musica delle sfere. Questa è la nostra musica umana, ma è tutte le rime con la stessa musica che la natura è piena per Friedrich. Pertanto, mi sembra che in questa tela, Friedrich promette - non il paradiso dell afterlime, ma che il nostro ultimo essere è ancora in armonia con l'universo. "

Ilya Dorrontchenkov.

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Dopo la grande rivoluzione francese, la gente si rese conto che avevano un passato. Il XIX secolo dagli sforzi del romantico-estetico e degli storici-postiviso ha creato un'idea moderna della storia.

"Il XIX secolo ha creato il dipinto storico, che la conosciamo. Non distratti gli eroi greci e romani che agiscono in un ambiente ideale guidato dai motivi ideali. La storia del XIX secolo diventa teatrale-melodrammatica, si sta avvicinando a una persona, e ora siamo in grado di empatia non grandi atti, ma infelicità e tragedie. Ogni nazione europea ha creato una storia nel XIX secolo, e, progettando la storia, lei, in generale, ha creato il ritratto e i piani per il futuro. In questo senso, la pittura storica europea del XIX secolo è terribilmente interessante da studiare, anche se a mio avviso non se ne andava, quasi non ha lasciato opere veramente fantastiche. E tra queste grandi opere, vedo un'eccezione che noi, i russi, possiamo giustamente essere orgogliosi di. È "Mattina Streletsky Execution" Vasily Surikov ".

Ilya Dorrontchenkov.

Pittura storica del XIX secolo, focalizzata su esternamente veritiere, di solito racconta un eroe, che dirige la storia o tollera la sconfitta. Immagine di Surikova Ecco un'eccezione luminosa. Il suo eroe è una folla in abiti motley, che occupa quasi quattro quinti dipinti; Per questo motivo, sembra che l'immagine sia incredibilmente non organizzata. Dietro la vivace folla whisteri, alcuni dei quali moriranno presto, è un eterogeneo, che preoccupa il beato tempio di Basilico. Per Peter congelato, Soldier Shangoy, HANGO HANGS - Sherng Denti da parete del Cremlino. L'immagine obbliga il duello dei punti di vista di Pietro e della rossa Sagittario.

"Possiamo molto del conflitto della società e degli stati, delle persone e degli imperi. Ma mi sembra che in questa cosa ci siano ancora alcuni valori che lo rendono unico. Vladimir Stasov, il promotore della creatività delle teste e il difensore del realismo russo, che ha scritto un sacco di eccesso su di loro, su Surikov ha detto molto bene. Ha chiamato foto di questo tipo "corale". In effetti, non c'è nessun eroe in loro - non c'è un singolo motore. Il motore diventa la gente. Ma in questa immagine il ruolo della gente è molto ben visibile. Joseph Brodsky nella sua lezione Nobel ha perfettamente detto che la vera tragedia non è quando l'eroe muore, ma quando il coro sta morendo. "

Ilya Dorrontchenkov.

Gli eventi si verificano nei dipinti di Surikov come in aggiunta alla volontà dei loro personaggi - e in questo il concetto della storia dell'artista, ovviamente, è vicino a Tolstovskaya.

"Società, persone, una nazione in questa immagine sembra separata. I soldati di Peter in uniforme, che sembrano nero e il sagittario in bianco sono contrari al bene e al male. Cosa collega queste due parti disuguali della composizione? Questo è un sagittario in una camicia bianca che va sull'esecuzione, e soldati in uniforme, che lo sostengono per la spalla. Se rimuoviamo mentalmente tutto ciò che li circondano, non saremo mai nella vita possiamo supporre che questa persona conduca all'esecuzione. Questi sono due amici che ritornano a casa, e uno supporta un altro amichevole e calore. Quando versando Greeneva nella "Capitano figlia" è stato eseguito da Pugachevtsy, dissero: "Non mi sentivo," come se volessero davvero rallegrare. Questa è la sensazione che le persone separate dalla volontà della storia allo stesso tempo Bratsk e una, è la qualità sorprendente della tela di Surikov, che non conosco da nessun'altra parte. "

Ilya Dorrontchenkov.

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Durante la pittura, la dimensione conta, ma non ogni trama può essere raffigurata su una grande canvasi. Diverse tradizioni pittoresche sono state ritratte da Sellian, ma il più delle volte - non negli enormi dipinti, vale a dire, il "funerale di Ornan" Gustava Kourba. Ornan - una prominente città provinciale, da dove viene l'artista stesso.

"Kourbe si è trasferito a Parigi, ma non è diventato parte dello stabilimento artistico. Non ha ricevuto un'educazione accademica, ma aveva una mano potente, uno sguardo molto catena e un'ambizione enorme. Ha sempre sentito il provincialmente, ed era meglio per lui a casa, a Ornan. Ma ha vissuto quasi tutta la sua vita a Parigi, combattendo con l'arte che stava già morendo, combattendo con l'arte, che idealizza e parla del generale, del passato, del bello, non notando. Tale arte, che piuttosto lodi, che presto ritardi, di regola, trova una grande esigenza. Kursbe era, in effetti, un rivoluzionario dipinto, anche se ora questa rivoluzionaria non è molto chiara per noi, perché scrive la vita, scrive la prosa. La cosa principale è che era rivoluzionario - questo è ciò che ha smesso di idealizzare la sua natura e cominciò a scriverlo esattamente mentre vede, o così, come credeva che vedesse ".

Ilya Dorrontchenkov.

Su un'immagine gigantesca, circa cinquanta persone sono raffigurate in piena crescita. Tutti sono volti reali, e gli specialisti hanno identificato quasi tutti i membri del funerale. Kursbe disegnò i suoi compatrioti, e sono stati lieti di salire sull'immagine esattamente cosa sono.

"Ma quando questa immagine è stata esposta nel 1851 a Parigi, ha creato uno scandalo. Ha camminato contro tutto ciò che il pubblico parigino era abituato a questo momento. Artisti, ha insultato la mancanza di una composizione chiara e una pittura pastorale forte, densa, che trasmette la materialità delle cose, ma non vuole essere bella. Una persona ordinaria ha spaventato il fatto che non poteva davvero capire chi fosse. Un sorprendente è stato il crollo delle comunicazioni tra il pubblico provinciale della Francia e dei parigini. I parigini hanno percepito l'immagine di questa folla ricca rispettabile come l'immagine dei poveri. Uno dei critici disse: "Sì, è una disgrazia, ma è una disgrazia della provincia, e Parigi ha la sua disgrazia". Sotto la disgrazia ha effettivamente compreso la massima veridicità. "

Ilya Dorrontchenkov.

Kurba ha rifiutato di idealizzare, che ha reso una vera avanguardia del XIX secolo. È focalizzato sul fan del francese e su un ritratto di gruppo olandese, e sulla solennità antica. Kurba insegna a percepire la modernità nella sua unicità, nella sua tragidità e nella sua bellezza.

"I saloni francesi conoscevano le immagini del grave lavoro contadino, dei poveri contadini. Ma il modus dell'immagine era generalmente accettato. I contadini dovevano rimpiangere, i contadini necessari per simpatizzare. Era una vista un po 'dall'alto. Una persona che simpatizza, per definizione, è in posizione prioritaria. E Kurba ha privato il suo spettatore la possibilità di un'empatia così paternalistica. I suoi personaggi sono maestosi, monumentali, ignorano i loro spettatori, e non ti permettono di stabilire con loro un tale contatto che li rende parte del solito mondo, sono stereotipi di rottura molto potenti ".

Ilya Dorrontchenkov.

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Il XIX secolo non amava se stesso, preferendo a cercare la bellezza in qualcos'altro, se fosse antichità, medioevo o est. La prima bellezza della modernità ha imparato a vedere Charles Bajler e l'incorpora in artisti di pittura che Bodler non era destinato a vedere: Ad esempio, Edgar Degas e Edoward Man.

"La criniera è un provocatore. MANA allo stesso tempo un brillante pittore il cui fascino delle cui pitture, vernici, molto paradossalmente collegate, fa sì che lo spettatore non si farsi chiedere domande ovvie. Se guardi i suoi dipinti, siamo spesso costretti a riconoscere che non capiamo cosa hanno portato queste persone che si rendono l'un l'altro, perché questi articoli sono collegati sul tavolo. La risposta più semplice: Mana principalmente pittore, mana principalmente occhio. È interessante per lui collegare colori e trame e la logica coniugazione di oggetti e persone è la decima attività. Tali immagini mettono spesso uno spettatore che cerca un contenuto che cerca storie in un vicolo cieco. Le storie di mana non lo dice. Poteva rimanere così sorprendentemente accurato e raffinato apparecchio ottico, se non avesse creato il suo ultimo capolavoro già in quegli anni quando possiedono una malattia mortale ".

Ilya Dorrontchenkov.

Il dipinto "Bar a Fool-Berger" è stato esposto nel 1882, prima il ridicolo dei critici prima, e poi rapidamente è stato riconosciuto come capolavoro. Il suo tema è un concerto del caffè, un fenomeno luminoso della vita parigina della seconda metà del secolo. Sembra che Mana abbia catturato vivacemente e in modo affidabile la vita di Foli-Berger.

"Ma quando iniziamo a guardare da vicino per il fatto che hai fatto la criniera nella tua foto, capiremo che esiste un numero enorme di incongruenze che sono inconsciamente inquietanti e, in generale, non ricevendo il permesso. La ragazza che vediamo la commessa, deve rendere i visitatori di fermarci, cascando con lei e ordinare ancora bere. Nel frattempo, non flirta con noi, ma guarda attraverso di noi. Sulla tabella, ci sono quattro bottiglie di champagne in calore - ma perché non in ghiaccio? Nella riflessione dello specchio, queste bottiglie non sono sul bordo del tavolo, su cosa stanno in primo piano. Il vetro con rose non è visto sotto l'angolo, sotto ciò che tutti gli altri oggetti in piedi sul tavolo sono stati visti. E la ragazza nello specchio non sembra esattamente il modo in cui la ragazza che ci guarda: lei è più lenta, ha forme più arrotondate, si appoggiò verso il visitatore. In generale, si comporta come dovrebbe portare al quale guardiamo. "

Ilya Dorrontchenkov.

La critica femminista ha prestato attenzione al fatto che la ragazza con i suoi contorni assomiglia a una bottiglia di champagne champagne sul bancone. Questa è un'osservazione lenta, ma difficilmente completa: dipinti malinconici, l'isolamento psicologico dell'eroina è contrario dall'interpretazione rettilinea.

"Queste trama ottica e enigmi psicologici dell'immagine sembrano avere una risposta inequivocabile, farci avvicinarsi di nuovo e porre queste domande ogni volta, impregnando inconsciamente la sensazione di vita moderna bella, triste, tragica, quotidiana, che ha sognato Baudelaire e per per sempre lasciato a noi mana. "

Ilya Dorrontchenkov.

dall'impressione / fr./ - Impression (1874-1886)

Direzione nell'arte nata in Francia. Questo nome, lo stile che ha avuto l'impatto più serio sullo sviluppo dell'arte mondiale, grazie all'etichetta sarcastica inventata da Louis Loury, che ha trovato un'etichetta sarcastica. Broadery del titolo troncato dell'immagine di Claude Monet "Impression. Sunrise" (impressione. Soleil Levant) in seguito si trasformò in una definizione positiva: riflette chiaramente la soggettività della visione, interessi in un momento specifico della realtà in costante cambiamento e unico. Artisti, dalla sfida, accettò questa epitette, in seguito aveva preso radici, perse il suo significato negativo originale ed è diventato attivo. Gli impressionisti hanno cercato di trasmettere le loro impressioni del mondo il più accuratamente possibile. A tale scopo, si sono rifiutati di rispettare le regole di verniciatura esistenti e creò il proprio metodo. La sua essenza è scesa al trasferimento con l'aiuto di macchie separate di vernici pulite, un'impressione esterna di luce, ombra, sulla superficie degli articoli. Tale metodo creato nell'immagine l'impressione della dissoluzione del modulo nello spazio aereo luminoso circostante. Claude Monet ha scritto sul suo lavoro: "Il mio merito è che ho scritto direttamente dalla natura, cercando di trasmettere le mie impressioni dei fenomeni più non permanenti e volatili". Il nuovo corso si è distinto dal dipinto accademico sia in termini tecnici che ideologici. Prima di tutto, gli impressionisti hanno abbandonato il contorno, sostituendolo con piccoli colpi separati e contrastanti, che hanno imposto in conformità con le teorie del colore di Chevreil, Helmholtz e Ore. Il raggio di sole è diviso nei componenti: viola, blu, blu, verde, giallo, arancione, rosso, ma dal momento che il blu è un tipo di blu, il loro numero è ridotto a sei. Due vernici posate nelle vicinanze migliorano l'un l'altro e, al contrario, quando mescolato, perdono l'intensità. Inoltre, tutti i colori sono suddivisi in primari, o di base e doppio, o derivati, con ogni vernice gemellata è aggiuntiva al primo: blu - arancione rosso - giallo verde - viola, quindi è diventato possibile non mescolare la pittura sulla tavolozza e Ottieni il colore desiderato con la corretta imposizione di loro su tela. Questo in seguito divenne la ragione per l'anormale.

Artisti: Paul Cézanne, Edgar Dega (Edward Henri Paul Gauguin), Edward Mane (Édouard Manet), Claude Monet (Oscar-Claude Monet), Berthe Morizo \u200b\u200b(Berthe Morisot), Camille Pissaro ( Jacob Abraham Camille Pissarro), Pierre Auguste Renoir (Pierre-Auguste Renoir), Alfred Sisley.

Mostre: Tutto era otto, il primo ha avuto luogo nel 1874 a Parigi, nello studio del fotografo Nadar, Kapuchin Boulevard, 35. Mostre successive, fino al 1886, in vari saloni di Parigi.

Testi: J.A. Kastanyari "Mostra su Kapuchin Boulevard. Impressionisti", 1874; E.dyuranti "nuova pittura", 1876; Tyur "artisti-impressionisti", 1878.

Descrizione di alcuni lavori:

Pierre Auguste Renoir "Ball in Moulin de la Gatte", 1876. Tela, olio. Parigi, Museo d'Ors. La famosa istituzione di Montmartre "Moulin de la Gatte" è stata considerata non lontana da Housing Renoara. Andò lì per lavorare, e gli amici rappresentati in questa immagine, spesso lo hanno aiutato ad indossare tela. La composizione è composta da una varietà di figure, crea una sensazione completa della folla, catturata dalla gioia della danza. L'impressione del movimento, che è piena di foto, si verifica a causa di uno stile dinamico di pittura e leggera, abbagliamento liberamente su facce, costumi, cappelli e sedie. Come attraverso il filtro, passa attraverso il fogliame degli alberi, cambia la gamma cromatica nel caleidoscopio dei riflessi. Sembra che il movimento delle figure continui e valorizza le ombre, tutto insieme è collegato a vibrazioni sottili che trasmettono la sensazione di musica e danza.

Pierre Auguste Renoir "Ball in Moulin de la Gatte", 1876

Eduard Mana "Bar a Foli Berger", 1881-1882. Tela, olio. Londra, Galleria del Kurto Institute. È difficile determinare il genere definito dell'ultima grande immagine Mana - "Bar a Fool-Berger" esibita nella cabina nel 1882. L'immagine è peculiare all'immagine della vita, e il ritratto e la natura morta, che acquisisce completamente eccezionale qui, anche se non fondamentale importanza qui. Tutto questo è unito in una scena della vita moderna, con una motivazione di scena estremamente prosa (che può essere la camera dei venditori di vendita per un bar del bar?), Dimostrato dall'artista nell'immagine dell'alta perfezione artistica. Lo specchio dietro il bar stand, dietro il quale c'è un'eroina senza nome della tela, riflette una sala affollata, lampadario luminoso, gambe sotto il soffitto dell'Acrobatki, un bordo di marmo con bottiglie e la ragazza stessa, a cui il signor nel Il cilindro è adatto. Per la prima volta, lo specchio forma lo sfondo dell'intera immagine. Lo spazio del bar, riflesso nello specchio dietro la parte posteriore della commessa, si espande all'infinito, si trasforma in una ghirlanda scintillante di luci e abbagliamento del colore. E lo spettatore di fronte all'immagine è coinvolto in questo secondo ambiente, perdendo gradualmente la sensazione del viso tra il mondo reale e riflesso. Un aspetto diretto del modello viola l'estensione ingannevole (l'assorbimento) - la ricezione tradizionale del record del carattere principale dell'immagine concentrata dai propri affari e come se non fosse un visualizzatore di avviso. Qui, al contrario, Mana utilizza le viste dirette di condivisione e "esplode" la chiusura dell'immagine. Lo spettatore è coinvolto in un intenso dialogo ed è costretto a spiegare ciò che si riflette nello specchio: la relazione tra la cera e il carattere misterioso nel cilindro.

Assegna il secondo atteso secondo premio per il ritratto del cacciatore su Leopoli. Pertuise. Dopodiché, la criniera diventa fuori dal concorso e può esibire i suoi dipinti, senza alcun permesso della giuria della cabina.
Manna è decisa di fare qualcosa di completamente insolito per il salone d'arte, all'inizio del 1882, dove appariranno i suoi dipinti con un segno speciale "V. PER".
Credi nell'astrologia e nelle previsioni delle stelle? Milioni di persone fidati di previsioni che costituiscono vari astrologi. Guru tra tali predittori è Pavel Globa. Nessuno sa di più sulle stelle delle stelle rispetto al Globa.
Per lui, finalmente, arriva la lunga gloria, ma la sua malattia progredisce miglio inesorabilmente e ne sa di esso e quindi sta rosicchiando. Mana sta cercando di resistere a gravi malattie. È davvero in grado di aumentare la malattia?
Mana decide di raccogliere tutta la sua forza e volontà, sta ancora cercando di seppellirlo presto. Può essere visto nel caffè "New Atene", nel Cafe Bad, a Tortoni, a Foli-Berger e al suo amico. Cerca tutto il tempo di scherzare e stirare, divertirsi per il suo "immenso" e le sue battute sulla gamba. La croce decide di svolgere la sua nuova idea: disegna la scena dalla vita parigina quotidiana e raffigurano la vista del famoso bar Berger Berger, in cui l'affascinante ragazza è Sunson, di fronte a numerose bottiglie. La ragazza conosce molti visitatori regolari del bar.
Immagine "Bar in falli Berger"Questo è un prodotto di straordinario coraggio e una pittoresca detenzione: una ragazza bionda si trova dietro un bar, dietro di lei un grande specchio, che riflette la grande sala dell'istituzione con il pubblico seduto. Ha un ornamento su un velluto nero sul collo, il suo sguardo è freddo, sta stando staddando ancora, sembra indifferentemente sugli altri.
Questo complesso trama della tela si sta allontanando con grande difficoltà. L'artista batte su di lui e ripete ripetutamente. All'inizio del 1882 maggio, la criniera dà la foto e diventa felice contemplandola in cabina. Sopra i suoi dipinti, nessuno ride di più, tutti i suoi dipinti stanno considerando con grande serietà, iniziano a discutere delle vere opere d'arte.
Il suo ultimo lavoro "Bar a Foli-Berger" creò come se fosse scivolata con una vita così apprezzata, che era così ammirata e pensava molto. Il lavoro ha assorbito tutto il fatto che l'artista stava cercando così tanto tempo e trovato in alcuna vita poco appariscente. Le migliori immagini scoppiano insieme per essere incarnate in questa ragazza, che si erge in un rumoroso kabash parigino. In questa istituzione, le persone stanno cercando gioia contattando con se stesse simili, qui il divertimento apparente e la risata regna qui, un maestro giovane e sensibile apre l'immagine di una giovane vita, che è immersa nella tristezza e nella solitudine.
È difficile credere che questo lavoro sia stato scritto da un artista morente a cui qualsiasi mano spostata dolore e sofferenza. Ma anche prima della morte, Edward Mana rimane un vero combattente. Doveva passare attraverso un sentiero di vita difficile prima di scoprire la vera bellezza che stava cercando tutta la sua vita e lo trovò nella gente comune, trovando nella loro anima la ricchezza interiore a cui ha dato il suo cuore.

Eduard Mana - Bar a Foli-Berger, 1882

Un bar Aux Folies Bergère

Tela, olio.

Dimensione originale: 96 × 130 cm

Istituto di Art Kurto, Londra

Descrizione: "Bar a Foli-Berger" (Fr. Un Bar Aux Folies Bergère) - Pittura Edward Man.

Foli-Berger - Varietà e Cabaret a Parigi. Situato a Risha Street 32. Alla fine del XIX secolo, questa istituzione è stata molto popolare. Mana ha spesso visitato Foli-Berger e alla fine ha scritto questa immagine - l'ultimo, che ha presentato al salone di Parigi davanti alla sua morte nel 1883. Mana ha fatto gli schizzi all'immagine proprio nel bar, che era al primo piano, varietà sulla destra della scena. Poi ha chiesto a Bartisrhu Suson (p. Suzon) e del suo amico, Henri Dupre Military Artist (p. Henri Dupray), posa nel workshop. Inizialmente, la base della composizione dovrebbe essere un bartialista e un cliente appassionato della conversazione. Questo è evidenziato da non solo gli schizzi conservati, ma anche le immagini a raggi X dell'immagine. Più tardi, Mana ha deciso di fare una scena più significativa. Sullo sfondo, è visto uno specchio, il che riflette un enorme numero di persone che riempiono la stanza. Di fronte a questa folla, dietro il rack è assorbito dai propri pensieri di Bartatana. Mana riuscì a trasmettere la sensazione di incredibile solitudine nel mezzo di una folla bevente, desiderosa, parlando e fumando, osservando un acrobata su un trapezio, che può essere visto nell'angolo in alto a sinistra dell'immagine.

Se guardi le bottiglie sul bar in marmo, si può notare che il loro riflesso nello specchio non corrisponde all'originale. Anche il riflesso dei baristi è irreale. Guarda dritto allo spettatore, mentre allo specchio si affaccia sulla faccia a un uomo. Tutte queste incoerenze rendono lo spettatore a pensare, il mondo reale o immaginario raffigurato Mana. Lo specchio, che riflette le figure raffigurate nell'immagine, il bar dei parenti in Foli-Berger "con" Meninos "Velasquez e" Ritratto di Arnolphin Fau "Wang Eyka.

Descrizione del dipinto di Edward Mana "Bar a Foli - Berger"

Questa opera d'arte ha guadagnato una grande fama. Trasmette la vita di tutti i giorni che scorre nel barra metropolitana francese del XIX secolo. L'artista e lui stesso era qui abbastanza spesso, il che lo ha fatto prendere il pennello.

Cosa spiega la trazione mana al passatempo inattivo in questo cabaret? La cosa è che il Creatore non piaceva tranquillità, silenzio. Gli piaceva divertirsi, comunicare, condurre conversazioni sincere, incontrarsi con le persone. Ecco perché era così manualmente uno stile di vita dilagante della birra di Parigi.

Sembra che l'artista abbia iniziato a scrivere la sua foto direttamente all'interno dell'istituzione. Inizialmente, era seduto vicino alla scena, sul lato destro e indicato lo schizzo. Poi chiese a Barlla di stare di fronte a lui nella sua solita posa - dietro il bar, ma già nell'uomo creativo dell'officina.

Dopo la morte dell'artista, sono stati scoperti i primi lavori di questo cabaret. Si scopre che l'idea iniziale dell'immagine era in qualche modo diversa. Avrebbe dovuto essere rappresentato da baristi e un giovane - l'uomo amico. Si fermarono l'uno contro l'altro e hanno parlato.

Di conseguenza, si è rivelato un altro: stand di barmetrici davanti a una folla di clienti che sono visibili nello specchio che appendono dietro di esso. È premurosa, dispersa, non ascolta le persone e sogna il loro. Tuttavia, la vediamo immediatamente sulla destra, come se la ragazza avrebbe parlato con un uomo che è venuto al bar. È o un altro barista? Questa domanda è rimasta inspiegabile.

Forse il fatto che nello specchio sia il fatto che nella testa dei dipendenti del cabaret. Cioè, la visualizzazione dei suoi pensieri, ricordi del solo ultimo. Lo spettatore capisce: la ragazza è sola, e c'è ancora una vita intorno ad esso. Acrobatka, volti ubriachi, i clienti allegre per favore non per favore la ragazza, è tutto immerso nei loro tristi dooms. Ma lei non può andarsene qui, perché è il suo lavoro. Disharmonia Essere.

Eduard Mana - bar in fol-berge 1882

Bar in falli.
1882G 96x130cm tela / olio
Courtauld Institute of Art, Londra, Regno Unito

Dal libro di Reald John. "Storia dell'impressionismo"Nel salone del 1882, la criniera, ora uscendo dalla competizione, metti un quadro generale del bar "Bar Barger Bar", una composizione impressionante scritta con uno straordinario virtuosismo. Ancora una volta ha mostrato il potere del suo pennello, la sottigliezza delle osservazioni e il coraggio di non seguire il modello. Come un Degi, ha continuato a mostrare un costante interesse per i temi della modernità (stava persino scrivere un autista in una locomotiva), ma si avvicinava a loro non come un osservatore freddo, ma con il caldo entusiasmo del ricercatore di nuovi fenomeni della vita. A proposito, Dega non amava la sua ultima immagine e la chiamò "noiosa e sofisticata". "Bar a Foli-Berger" costò il grande sforzo di mana, dal momento che iniziò severamente soffrendo di atassia. È rimasto deluso quando il pubblico si rifiutò di nuovo di capire la sua foto, percepire solo la trama, e non l'abilità di esecuzione.
In una lettera al lupo di Alberta, non poteva resistere agli esitanti a sentire, alla fine, non avrei nulla da leggere nulla, mentre ancora vivo, il magnifico articolo che scrivi dopo la mia morte. "

Dopo la chiusura del salone, la criniera fu finalmente ufficialmente dichiarata dal Cavalier della Legione onoraria. Non importa quanto fosse la sua gioia, alcune amarezza è stata mescolata. Quando il critico con gli congratulò con lui, e gli ha anche consegnato i migliori auguri del conte Ruverkerka, Mana rispose bruscamente: "Quando scrivi un conto di Ruverkerka, puoi dirgli che apprezzo la sua tenera attenzione, ma che lui stesso ha avuto l'opportunità Dammi questo premio. Poteva rendermi felice, e ora è troppo tardi per compensare vent'anni di fallimento ... "

Immagini di impressionisti. Funziona sull'immagine Mana X-Ray Picture

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Eduard Mana - bar in fol-berge 1882

Bar in falli. 1882G 96x130cm tela / olio Courtauld Institute of Art, Londra, Regno Unito

Bar in falli.
1882G 96x130cm tela / olio
Courtauld Institute of Art, Londra, Regno Unito