Olanda. 17 ° secolo. Il paese sta vivendo un fiorente fiorente senza precedenti. La cosiddetta "età dell'oro". Alla fine del XVI secolo, diverse province del paese hanno raggiunto l'indipendenza dalla Spagna.

Ora i Paesi Bassi Simplystan andarono a modo loro. E le fianchette cattoliche (l'attuale Belgio) sotto l'ala della Spagna - sono propri.

In Olanda indipendente, dipinto religioso quasi nessuno necessario. La chiesa protestante non ha approvato il lusso della decorazione. Ma questa circostanza "giocava sulla mano" della pittura laica.

L'amore per questo tipo di arte si è svegliato letteralmente ogni residente del nuovo paese. L'olandese voleva vedere la propria vita nelle immagini. E gli artisti si avvicinarono volentieri per incontrarli.

Mai aver mai raffigurato la realtà circostante. Gente comune, camere ordinarie e la colazione più ordinaria del cittadino.

Il realismo fiorì. Fino al XX secolo, sarà un degno concorrente per l'accademismo con le sue ninfe e le sue dee greche.

Questi artisti chiamano il "piccolo" olandese. Perché? Le immagini erano di piccole dimensioni, perché sono state create per piccole case. Quindi, quasi tutte le immagini di Jan Vermeer in un'altezza di non più di mezzo metro.

Ma mi piace più un'altra versione. Nei Paesi Bassi nel 17 ° secolo vivevano e ha lavorato il grande Maestro, il "Big" Dutchman. E tutti gli altri rispetto a lui erano "piccoli".

Stiamo parlando, ovviamente, su Rembrandte. Da lui e inizio.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Autoritratto di 63 anni. 1669 Galleria nazionale di Londra

Rembrandt è stato in grado di sperimentare la gamma di emozioni più ampie durante la sua vita. Pertanto, nei suoi primi lavori così tanto divertimento e Bravadas. E così tanti sentimenti complessi - in seguito.

Qui è giovane e deluso nella foto "The Blind Figlio in Taverna". Sulle ginocchia - l'amata moglie Saskovia. È un artista popolare. Gli ordini versano il fiume.

Rembrandt. Il figlio prodigo nella taverna. 1635 Galleria di Vecchi Maestri, Dresda

Ma tutto questo scomparirà dopo circa 10 anni. Sasquia morirà di consumare. La popolarità si dissolverà come fumo. La grande casa con una collezione unica sarà presa per i debiti.

Ma lo stesso Rembrandt apparirà, che rimarrà il secolo. Grandi sentimenti di eroi. I loro pensieri più intimi.

2. Francia Hals (1583-1666)

Francia Hals. Auto ritratto. 1650 Museo Metropolitan, New York

Francia Hals è uno dei più grandi ritratti di tutti i tempi. Pertanto, lo considererei anche per il "grande" olandese.

In Olanda, in quel momento era consuetudine ordinare i ritratti di gruppo. Così tante opere simili sono apparse con l'immagine delle persone che lavorano insieme: le frecce della stessa gilda, i dottori di una città, gestendo la casa di riposo.

In questo genere, Hals ha assegnato la maggior parte di tutti. Dopotutto, la maggior parte di questi ritratti erano come un mazzo di carte. Le persone sono sedute al tavolo con la stessa espressione del viso e semplicemente guarda. Hals aveva diversamente.

Guarda il suo ritratto di gruppo della "Gilda della freccia di St. Giorgio.

Francia Hals. Frecce gilda hild. Giorgio. 1627 Museo di Francia Hals, Garel, Paesi Bassi

Qui non troverai una singola ripetizione nella posizione o nella espressione del viso. Allo stesso tempo, non ci sono caos. Ci sono molti personaggi, ma nessuno sembra essere superfluo. A causa del posizionamento sorprendentemente corretto delle figure.

Sì, e in un singolo ritratto Hals ha superato molti artisti. I suoi modelli sono naturali. Le persone della società più alta dei suoi dipinti sono prive di ingrandimenti contrastati, e il modello dal fondo non sembra umiliato.

E i suoi eroi sono molto emotivi: sorridono, ridono, gesticolano. Come, ad esempio, è una "zingara" con un look allentato.

Francia Hals. Gypsy. 1625-1630.

Hals, come Rembrandt, ha finito la vita in povertà. Per la stessa ragione. Il suo realismo è venuto contro i gusti dei clienti. Chi voleva che il loro aspetto abbellisca. Hals non è andato in frank adulazione, e quindi ha firmato una frase - "Oblivion".

3. Gerard Terborh (1617-1681)

Gerard Terboro. Auto ritratto. 1668 Royal Gallery MauritShais, Aia, Paesi Bassi

Terboro era un mago di un genere domestico. Ricco e non molto Burghers stanno lentamente parlando, le signore leggono le lettere, e il pioniere sta guardando il corteggiamento. Due o tre figure strettamente disposte.

Era questo maestro che ha funzionato i canoni del genere domestico. Che poi preso in prestito da Yang Vermeer, Peter de heh e molti altri "piccoli" olandesi.

Gerard Terboro. Bicchiere di limonata. 1660. State Hermitage, San Pietroburgo

"Il bicchiere di limonata" è una delle famose opere di Terborch. Può vedere ancora un vantaggio dell'artista. Immagine incredibilmente realistica del tessuto del vestito.

C'è Terboro e lavoro insolito. Cosa parla del suo desiderio di andare oltre le esigenze dei clienti.

Il suo "smerigliatore" mostra la vita degli abitanti più poveri dell'Olanda. Siamo abituati a vedere cortili accoglienti e camere pulite nelle immagini di "Piccolo" olandese. Ma Terboro ha osato mostrare antiestetico Olanda.

Gerard Terboro. Macinino. 1653-1655. Musei governativi Berlino.

Come capisci, tali lavori non erano richiesti. E sono un fenomeno raro anche a Terborh.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jan Vermeer. Laboratorio dell'artista. 1666-1667. Museo della storia dell'arte, Vienna

Ciò che Yang Vermeer ha guardato, non è riconosciuto in modo affidabile. È solo ovvio che si è ritratto nel dipinto "Artist's Workshop". Vero dalla parte posteriore.

Pertanto, è sorprendente che un nuovo fatto dalla vita del Maestro sia diventato recentemente noto. È collegato con il suo capolavoro "Delft Street".

Jan Vermeer. Delft Street. 1657 Museo del governo ad Amsterdam

Si è scoperto che l'infanzia di Vermeer è passata su questa strada. La casa raffigurata apparteneva a sua zia. Ha sollevato i suoi cinque figli in esso. Forse si siede sulla soglia con cucito, e due dei suoi figli giocano sul marciapiede. Vermeer stesso viveva in casa di fronte.

Ma più spesso ritrae la situazione interna di queste case e i loro abitanti. Sembrerebbe che le trame dei dipinti siano molto semplici. Ecco una signora Miloid, un town to neoncino protetto, controlla il lavoro delle mie scale.

Jan Vermeer. Donna con pesi. 1662-1663. Galleria nazionale d'arte, Washington

Cosa distinguerò Vermeer tra migliaia di altri "piccoli" olandesi?

Era un maestro leggero insuperabile. Nella foto "Donna con pesi" avvolge dolcemente il volto dell'eroina, tessuto e pareti. Dare una spiritualità insopportabile raffigurata.

E le composizioni dei dipinti vermeer vengono accuratamente recuperati. Non troverai dettagli in eccesso. Basta rimuovere uno di loro, il dipinto "crollare" e la magia andrà via.

Tutto ciò è stato dato a Vermeleu non è facile. Tale straordinaria qualità richiedeva il lavoro scrupoloso. Totale 2-3 immagini all'anno. Di conseguenza, l'incapacità di nutrire la famiglia. Vermeer ha lavorato come rivenditore d'arte, vendendo il lavoro di altri artisti.

5. Peter de heh (1629-1684)

Peter de heh. Auto ritratto. 1648-1649. Reyxmuseum, Amsterdam.

Hoha spesso confrontato con vermeer. Hanno lavorato in una volta, anche c'era un periodo che in una città. E in un genere - domestico. A Hoha, vediamo anche una o due figure negli accoglienti cortili o speciali olandesi.

Le porte e le finestre aperte rendono lo spazio dei suoi dipinti multistrato e divertenti. E le figure sono inscritte in questo spazio molto armoniosamente. Come, per esempio, nella sua foto "il servo con una ragazza nel cortile".

Peter de heh. La cameriera con la ragazza nel cortile. 1658 Galleria nazionale di Londra

Fino al 20 ° secolo, l'ech è stato valutato molto alto. Ma le piccole opere del suo concorrente di Vermeer sono pochi che notarono.

Ma nel 20 ° secolo tutto è cambiato. Slava Hoha Faming. Tuttavia, i suoi risultati nella pittura sono difficili da riconoscere. Pochi, chi potrebbe concordare con competenza l'ambiente circostante e le persone.

Peter de heh. Giocatori sulla mappa nella stanza del sole. 1658 Royal Art Assembly, Londra

Si prega di notare che in una casa modesta sui "giocatori in mappe" può appendere un'immagine in una cornice di nota.

Questo ancora una volta parla di come tra il normale pittura olandese era popolare. I dipinti erano decorati con ogni casa: sia la casa del ricco hamburger, sia un modesto cittadino, e persino un contadino.

6. Yang Walls (1626-1679)

Muri yang. Autoritratto con liuto. 1670. Museo di Tissen-Bornemis, Madrid

Yang Walls, forse, il più allegro "piccolo" olandese. Ma morali amorevoli. Spesso raffigurava taverne o povere case in cui c'era un vizio.

I suoi personaggi principali - passeggiate e signore di facile comportamento. Voleva intrattenere lo spettatore, ma lo avvertì in modo imputuito dalla vita viziosa.

Muri yang. Kavardak. 1663 Museo della storia dell'arte, Vienna

C'è un muro e un lavoro più tranquillo. Come, ad esempio, la "WC del mattino". Ma qui l'artista sorprende lo spettatore troppo elementi franchi. Qui e tracce dalla calza Gum, e non una pentola notturna vuota. Sì, e in qualche modo per niente dal modo in cui il cane si trova proprio sul cuscino.

Muri yang. WC del mattino. 1661-1665. Reyxmuseum, Amsterdam.

Ma nonostante tutto il frivolezza, le soluzioni a colori del muro sono molto professionali. In questo, era superiore a molti "piccoli olandesi". Guarda quanto la calza rossa è perfettamente combinata con una giacca blu e un tappeto brillante beige.

7. Jacobs Wang Reydal (1629-1682)

Ritratto di un raisdale. Litografia del libro del XIX secolo.

Gli artisti olandesi hanno fatto un grande contributo al lavoro dei maestri, iniziando le loro attività dal XVII secolo e non si fermano fino a questa volta. Tuttavia, avevano un'influenza non solo sui loro colleghi, ma anche sui professionisti della letteratura (Viensenin Proust, Donna Tartt) e foto (Ellen Kooy, Bill Gecas e altri).

Inizio dello sviluppo

Nel 1648, l'Olanda ha ricevuto l'indipendenza, tuttavia, per la formazione di un nuovo stato, i Paesi Bassi dovevano sottoporsi a un atto di vendetta dalla Spagna, che ha distrutto circa 10 mila persone a fiammingo in quel momento la città di Anversa. Di conseguenza, gli abitanti delle Fiandre sono emigrati dai territori controllati dalle autorità spagnole.

Sulla base di ciò, sarà logico riconoscere che l'impulso agli artisti olandesi indipendenti procedettero dalla creatività fiamminga.

Dal XVII secolo, sia i rami governativi che artistici, che portano alla formazione di due, distinti dalla nazionalità delle scuole d'arte. Avevano un'origine comune, ma nei segni abbastanza differiti. Mentre le Fiandre rimasero sotto le ali del cattolicesimo, l'Olanda ha vissuto assolutamente nuovo fiorente, a partire dal XVII secolo.

Cultura olandese

Nel XVII secolo, il nuovo stato è aumentato solo sulla strada del suo sviluppo, rompendo completamente la connessione con l'arte dell'era passata.

La lotta con la Spagna gradualmente fissata. L'umore nazionale cominciò a essere rintracciato nei circoli folk quando le autorità della religione cattolica impostano in precedenza imposto.

La dominazione protestante era un aspetto contraddittorio alla decorazione, che ha portato a una riduzione del lavoro sui temi religiosi, e in futuro giocato solo nella mano dell'arte laica.

Anche prima di questa volta, così spesso nelle foto non ha rappresentato una vera realtà circostante. Nelle loro opere, gli artisti olandesi volevano mostrare una normale vita domestica senza abbellimento, sapori squisiti e nobiltà.

L'esplosione artistica laica ha generato tali direzioni numerose come paesaggio, un ritratto, un genere domestico e una natura morta (circa l'esistenza del quale anche i centri più sviluppati dell'Italia e della Francia non lo sapevano).

La propria visione degli artisti olandesi del realismo, espressa in ritratto, paesaggio, opere interne e dipinti di natura morta, ha dato origine all'interesse di tutti i livelli della società a questa abilità.

Così, l'arte olandese del XVII secolo ha definito la "età dell'oro della pittura olandese", consolidando lo status dell'epoca più eccezionale nel dipinto dei Paesi Bassi.

È importante sapere: c'è un'opinione errata che la scuola olandese ha raffigurato solo la mediocrità dell'essere umano, ma i maestri di quei tempi hanno schiacciato la struttura con l'aiuto delle loro fantastiche opere (ad esempio ", paesaggistico con John Bluemarta's John Bestor).

Artisti olandesi del XVII secolo. Rembrandt.

Una delle più grandi figure artistiche dell'Olanda è considerata da Rembrandt Harmens Wang Rainaa. Oltre alle attività dell'artista, si è anche impegnata in incisione ed è stato considerato il maestro dei neri.

La sua eredità è ricca di varietà individuale: ritratti, scene di genere, vita ancora, paesaggi, così come dipinti su storie, religione e mitologia.

La sua capacità di possedere una luce ha permesso l'espressività emotiva e la spiritualità di una persona.

Lavorando sui ritratti, ha lavorato sul carattere facciale.

In connessione con gli eventi tragici strazianti, il suo lavoro tardivo è stato pieno di Dim, impiantare le profonde esperienze di persone con la luce, come risultato del quale lavori brillanti non è diventato nessuno interessante.

A quel tempo, c'erano bellezza esterna nella moda senza tentativi di immergersi in profondità, così come naturalistico, proveniente dallo stesso realismo.

Il dipinto "ritorno del figlio prodigo" vedrà ogni fan russo di belle arti, poiché questo lavoro si trova nell'eremo della città di San Pietroburgo.

Francia Hals.

La Francia Hals è un ottimo artista olandese e il più grande ritrattista, ha contribuito a introdurre un genere gratuito di Genere nell'arte domestica.

Il lavoro che gli ha portato Fame è stata la foto chiamata "Banchetto di ufficiali della compagnia di fucili St. George", scritta nel 1616.

Il suo ritratto funziona per quel tempo era troppo naturale, che è andato a parte con una giornata reale. A causa del fatto che l'artista è rimasto incomprensibile, lui, come il Grande Rembrandt, si è laureato alla sua vita in povertà. "Gypsy" (1625-1630) è una delle sue opere più famose.

Yang Wall.

Yang Walls è uno dei più spiritosi e divertiti a prima vista degli artisti olandesi. Avere vizi sociali ridicolizzati, amava ricorrere all'abilità della satira di Satiur. Lui, divertente lo spettatore con immagini innocue e divertenti di una passeggiata e signore di facile comportamento, effettivamente avvertiti contro un tale stile di vita.

L'artista aveva anche dipinti più rilassati, ad esempio, il lavoro del "bagno del mattino", a prima vista, che sembrava un'azione assolutamente innocente. Ma se guardi i dettagli, è possibile sorprendere abbastanza delle loro rivelazioni: sono tracce da calze, precedentemente spremere le gambe e riempite di qualcosa di indecente vicino alla pentola, così come un cane che si concede di essere giusto il cuscino hostess.

Nel miglior lavoro, l'artista era davanti ai suoi colleghi sulla elegante combinazione abile della tavolozza dei colori e l'abilità di proprietà delle ombre.

Altri artisti olandesi

Questo articolo elenca solo tre persone luminose da dozzine degne di una pari con loro per stare nella stessa lista:

Quindi, in questo articolo hai conosciuto gli artisti olandesi del XVII secolo e le loro opere.

Pittura in anticipo olandese (raramente stagniderland Painting.) - Una delle fasi del Rinascimento settentrionale, l'epoca nei Paesi Bassi e, in particolare, pittura fiamminga, abbracciando nella storia dell'arte europea del secolo circa, a partire dal secondo quarto del XV secolo. L'arte del tardo gotico sostituisce in questo momento con il primo rinascimento. Se il tardo gotico, apparso in Francia, ha creato un linguaggio universale della forma artistica, che ha fatto il loro contributo e molti maestri olandesi della pittura, quindi nel periodo descritto nei Paesi Bassi, è stata formata una scuola pittorica chiaramente riconoscibile indipendente, per cui il Il modo realistico della lettera era caratterizzato, che ha trovato la sua espressione prima di tutto, nel genere del ritratto.

Enciclopedico Youtube.

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  Dal XIV secolo in questi territori, c'erano cambiamenti nella natura culturale e sociologica: i clienti secolari sono venuti nel cambiamento della Chiesa come principale cliente delle opere d'arte. I Paesi Bassi come centro d'arte hanno cominciato a spingere l'arte del tardo gotico sotto il tribunale francese.

  I Paesi Bassi associati alla Francia e alla comune dinastia bordeaux, così fiamminghi, valli e artisti olandesi hanno trovato facilmente i loro posti di lavoro in Francia nei cortili Anjou, Orleans, Berry e il re francese stesso. Maghi eccezionali di Gothic internazionale, i fratelli di Limburgo di Geldersna nella loro essenza erano artisti francesi. Per le rare eccezioni di fronte al Melchior Bruberlam nella sua patria, nei Paesi Bassi, c'erano solo i pittori classificati in basso.

  Alle origini del primo pittura dei Paesi Bassi, intesa in senso stretto, Ian Van Eyke Stands, che nel 1432 ha finito il lavoro sul suo principale capolavoro - l'altare del signor. Più contemporanei consideravano il lavoro di Jan Wang Eyk e altri artisti fiamminghi "New Art", qualcosa di completamente nuovo. La pittura cronologicamente Stagniderland sviluppata approssimativamente in una volta con il Rinascimento italiano.

  Con l'avvento del ritratto, il secolare, un tema individualizzato è stato il primo per la prima volta il principale motivo della pittura. I dipinti di genere e le sollevate regale hanno reso la loro svolta nell'arte solo durante il XVIII del XVII del Baroque Paesi Bassi. La natura borghese del primo pittura dei Paesi Bassi parla del verificarsi del nuovo tempo. Oltre alla nobiltà, i clienti oltre alla nobiltà e alla radura sono arrivati \u200b\u200bricchi e commercianti. L'uomo nelle immagini non è più idealizzato. Lo spettatore appare persone reali con tutti i loro svantaggi umani. Rughe, borse sotto gli occhi, - tutto era naturalmente raffigurato nella foto. I santi non vivevano più esclusivamente nei templi, sono stati inclusi nelle case dei cittadini.

  Artisti

  Uno dei primi rappresentanti di nuove viste artistiche, insieme a Jan Wang Eyk, è il Maestro Flual, che è attualmente identificato come Robert Campen. Il suo lavoro principale è l'altare (o il trittico) dell'Annunciazione (altro nome: Altare della famiglia di Meroder; circa il 1425) è ora tenuto nel Museo di Kloisters di New York.

  Per molto tempo, il fatto dell'esistenza dell'esistenza del fratello Yana Van Eyka Hubert ha dubbi. Gli ultimi studi hanno dimostrato che menzionati solo in diverse fonti di Hubert Wang Eyk era solo un artista mediocre di una scuola signorile che non aveva né correlato, né qualsiasi altro atteggiamento nei confronti di Jan Van Eyka.

  Uno studente di Campny è considerato Rogir van Der Wayden, che probabilmente ha preso parte a lavorare su un trittico Rulelo. A sua volta, ha influenzato il diico di Boauts e Hans Memling. Il contemporaneo della meminazione è stato Hugo van der Gus, menzionato per la prima volta nel 1465.

  Da questa fila ha assegnato l'artista più misterioso di questa volta da Jerome Bosch, la cui creatività non ha ancora ricevuto una chiara interpretazione.

  Accanto a questi grandi artigiani meritano artisti così primitivi olandesi, come Parus Christus, Yang Wire, Colin de Coter, Albert Boauts, Gosvin Van Der Wayden e Quentin Massais.

  La creatività degli artisti di Leiden era il fenomeno luminoso: Cornelis Engelbrechts e i suoi discepoli Artgen Van Leiden e Lucas van Leiden.

  Fino ad ora, è stata conservata solo una piccola proliferazione delle opere degli artisti dei primi olandesi. Il numero invisibile di dipinti e disegni è caduto vittima di iconoclappi durante i tempi di riforma e guerre. Inoltre, molte opere hanno ricevuto gravi danni e hanno bisogno di un ripristino costoso. Alcune opere sono state preservate solo nelle copie, la maggior parte persa per sempre.

  La creatività dei primi paesi e Flemis è stata presentata nei maggiori musei artistici del mondo. Ma alcuni altari e dipinti sono ancora nei loro posti vecchi - in chiese, cattedrali e castelli, come il signore dell'altare nella cattedrale di San Bavone a Gand. Tuttavia, ora puoi guardarlo solo attraverso un vetro blindato spesso.

  Influenza

  Italia

  Nella patria del Rinascimento, in Italia, Jan Van Eyk ha goduto di grande rispetto. Alcuni anni dopo la morte dell'artista umanista Bartolomeo Fazio ha anche chiamato Van Eyka "Principe tra i pittori del secolo".

  Mentre i maestri italiani utilizzavano complessi agenti matematici e geometrici, in particolare, il sistema di prospettiva, Flemishmen è riuscito a mostrare correttamente la "realtà" senza molto, come sembra difficile. L'azione nelle immagini non è più accaduta come in Gothic contemporaneamente sulla stessa scena. I locali sono rappresentati in conformità con le leggi delle prospettive e i paesaggi hanno cessato di essere uno sfondo schematico. Ampio, in dettaglio la spina dorsale dà un'occhiata all'infinito. Sia i vestiti, i mobili e gli arredi sono visualizzati con accuratezza fotografica.

  Spagna

  La prima evidenza della diffusione della tecnologia della pittura settentrionale in Spagna si trova nel Regno d'Aragona, che comprendeva Valencia, Catalogna e Isole Baleari. Il re degli alfoni V nel 1431 ha inviato la sua artista della corte Louis Dalmaau alle Fiandre. Nel 1439, a Valencia, si trasferì con il suo laboratorio dall'artista da Brugge Louis Aymbert ( Luís Alimbrot, Lodewijk Allyncbrod). Jan Van Ayke ha probabilmente visitato Valencia nel 1427 nella delegazione della Borgogna.

  Valencia, in quel momento uno dei più significativi centri mediterranei ha attratto artisti provenienti da tutta Europa. Oltre alle tradizionali scuole d'arte di "stile internazionale", workshop lavorato come in stile fiammingo e italiano. Qui è stata ottenuta la cosiddetta direzione "spagnola-flammian" dell'arte, i principali rappresentanti dei quali sono considerati Bartoloma Bermecho.

  I re Castilic possedevano diverse famose opere di Rogira van der Vagen, Hans Memling e Jan Wang Eyka. Inoltre, l'artista di Khuang de Flandes (Yang dalle Fiandre, il cognome è incentrato), che ha posato le fondamenta della scuola realistica del ritratto della corte spagnola è diventato il ritratto della Corte della regina Isabella.

  Portogallo

  Una scuola indipendente di pittura è apparsa in Portogallo nella seconda metà del XV secolo nel laboratorio di Lisbona della Corte Artista Nuno Gonzalwash. Il lavoro di questo artista è in pieno isolamento: sembra non avere predecessori o seguaci. L'influenza fiamminga è in particolare nel suo Polpicy "Santo Vincent" Jan van Eyck und Seine Zeit. FLÄMISCHE MEISTER UND DER SÜDEN 1430-1530. Austellungskatalog Brügge, Stuttgart 2002. Darmstadt 2002.

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• Otto Pächt: Altniederländische Malerei. Von Rogier van der Weyden Bis Gerard David. Hrsg. Von Monika Rosenauer. München 1994. ISBN 3-7913-1389-4
• Jochen Sander, Stephan Kemperdick: Der Meister von flémalle und rogier van der weyden: Die Geburt der Neuzeitliclichen Malerei: Eine Austellung des Städel Musei, Francoforte sul Meno Und Der GemäldGalerie Der Staatlichen Museen Zu Berlino, Ostfildern: Hatje Cantz Verlag, 2008
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I Paesi Bassi sono un'area storica che occupa parte dell'ampia bassa pianura nella costa nord-europea dal Golfo della Finlandia allo Stretto di La Mans. Attualmente, i Paesi Bassi (Olanda), Belgio e Lussemburgo si trovano su questo territorio.
Dopo il crollo dell'impero romano, i Paesi Bassi si sono trasformati in un accumulo eterogeneo di grandi e piccoli stati semi-indipendenti. I più significativi tra loro erano il ducato di Brabant, Contea Fiandre e Olanda, Vescovo di Utrecht. Nel nord del paese, la popolazione è stata per lo più tedesca - fregi e gli olandesi, i discendenti di Galov e Romani prevalsi nel sud - Flemis e dal Wallon.
Paesi Bassi ha lavorato disinteressato con il loro talento speciale "Senza la noia per fare le cose più noiose", come lo storico francese è stato espresso dal Ippolit Ten su queste persone, indivisilmente leale vita quotidiana. La poesia sublime non sapeva, ma le cose più semplici sono state rivelate, le cose più semplici: una pura abitazione accogliente, un focolare caldo, un cibo modesto, ma delizioso. I Paesi Bassi sono abituati a guardare il mondo come una casa enorme in cui è progettato per mantenere l'ordine e il comfort.

Caratteristiche di base della rinascita dei Paesi Bassi

Comune per l'arte della rinascita in Italia e nei paesi dell'Europa centrale è il desiderio di un'immagine realistica di una persona e del mondo circostante. Ma questi compiti sono stati risolti in modo diverso a causa della differenza nella natura delle culture.
Per gli artisti italiani, il Rinascimento era un'importante generalizzazione e la creazione del perfetto, dal punto di vista dell'umanesimo, l'immagine di una persona. Per loro, la scienza ha svolto un ruolo importante - gli artisti hanno sviluppato le teorie delle prospettive e degli insegnamenti sulle proporzioni.
I maestri olandesi hanno attirato una varietà di apparenza individuale di persone e ricchezza della natura. Non cercano di creare un'immagine generalizzata, ma trasmettere caratteristiche e speciali. Gli artisti non usano le teorie delle prospettive e degli altri, ma trasmettono l'impressione delle profondità e dello spazio, degli effetti ottici e della complessità dei rapporti relativi al nero a causa di un'attenta osservazione.
Sono caratterizzati dall'amore per la loro terra e l'incredibile attenzione a tutti gli scivolosi: alla natura nativa settentrionale, alle peculiarità della vita, ai dettagli degli interni, costumi, alla differenza di materiali e trame ...
Gli artisti olandesi con cure marginali sono riprodotti dai più piccoli dettagli e ricreano la scintillante ricchezza delle vernici. Questi nuovi compiti pittoreschi potrebbero essere risolti solo con l'aiuto di nuove tecniche di pittura ad olio.
L'apertura della pittura ad olio è attribuita a Jan Van Eyka. Dalla metà del XV secolo, questo nuovo "modo fiammingo" sposta la vecchia tecnica della temperatura e in Italia. Non è per caso che agli altari olandesi, che sono un riflesso dell'intero universo, puoi considerare tutto ciò che consiste, - ogni lama e un albero nel paesaggio, dettagli architettonici delle cattedrali e delle case urbane, punti ricamati ornamenti ricamati Le vesti dei santi, così come la massa degli altri, il più piccolo, i dettagli.

Art XV secolo - L'età d'oro della pittura dei Paesi Bassi.
Il rappresentante più luminoso Jan van Eyk. OK. 1400-1441.
Il più grande maestro della pittura europea:
Ha aperto il suo lavoro una nuova era della rinascita precoce nell'arte olandese.
Era un artista del tribunale del Duca Burgundy di Philip Kind.
Uno dei primi padroneggiati le possibilità di plastica ed espressive della pittura ad olio, utilizzando sottili strati trasparenti di vernice, posati uno sopra un altro (il cosiddetto modo fiammingo di una lettera trasparente multistrato).

Il più grande lavoro di Wang Eyka era il signor altare, che ha eseguito con suo fratello.
Gent Altar è un grande polittiglia multilingue. La sua altezza nella parte centrale è di 3,5 m, larghezza nella forma divulgata - 5 m.
All'esterno dell'altare (quando è chiuso) raffigura un ciclo informale:
- Nella riga inferiore, i donatori sono raffigurati - l'abitante della città di Yodok Waidt con sua moglie, pregando di fronte alle statue dei santi Giovanni Battist e Giovanni il teologo, i clienti della Chiesa e Capella.
- Si trova la scena sopra menzionata, e le figure della Madonna e Arcangelo Gabriel sono separate dall'immagine della finestra, in cui il paesaggio della città viene evaporato.

Il ciclo festivo è raffigurato all'interno dell'altare.
Quando le alette dell'altare sono rivelate, davanti allo spettatore c'è una trasformazione veramente mozzafiato:
- La dimensione del Polipic aumenta due volte
- L'immagine della vita quotidiana è immediatamente sostituita dallo spettacolo del paradiso terreno.
- Striscia e Duskamy Camochi scompaiono, e il mondo sembra spezzato: il paesaggio spazioso si illumina con tutte le vernici della tavolozza, luminose e fresche.
Il dipinto del ciclo festivo è dedicato a rare nella bella arte cristiana il tema della celebrazione del mondo trasfigurativo, che dovrebbe venire dopo l'impegno di un terribile giudizio, quando il male sarà sconfitto infine e sulla terra approverà la verità e il consenso sulla terra.

Nella riga superiore:
- Nella parte centrale dell'altare, il dio-padre è raffigurato, seduto sul trono,
- a sinistra ea destra del trono, la madre di Dio e Giovanni il Battista,
- Più avanti su entrambi i lati si cantano e malitano gli angeli,
- Un numero di figure nagi di Adamo ed Eva sono chiuse.
La fila inferiore dei dipinti raffigura la scena dell'adorazione del divino agnello.
- Nel mezzo del prato, un altare sorge, è un agnello bianco, scorre il sangue dal suo petto trafitto
- Più vicino allo spettatore è un pozzo, da cui viene versato l'acqua dal vivo.












Jerome Bosch (1450 - 1516)
La connessione della sua arte con tradizioni folk, folclore.
Nelle sue opere, si unì al bizzarro le caratteristiche della fiction medievale, del folclore, del paragofi filosofico e del satira.
Creato composizioni religiose e allegoriche multifigure, dipinti sui temi dei proverbi popolari, dei detti e della parabola.
Le opere di Bosch sono piene di numerose scene ed episodi, robusti e fantastici immagini e dettagli fantastici, pieni di ironia e allegoria.

La creatività di Bosch ha avuto un enorme impatto sullo sviluppo delle tendenze realistiche nel pittura olandese del XVI secolo.
Composizione "La tentazione di St. Anthony "- Una delle opere più famose e misteriose dell'artista. Il capolavoro del Maestro divenne il trittico "Giardino del piacere", un'allegoria intricata che ha ricevuto molte interpretazioni diverse. Nello stesso periodo, i trittici "terribile tribunale" sono stati scritti, "culto dei Magi", le composizioni di "St. John su Patmos "," Giovanni il Battista nel deserto ".
Nel tardo periodo della creatività di Bosch includono Trittico "Paradiso e Hell", le composizioni di "Broadcasting", "Croce".

La maggior parte dei dipinti del Bosch del periodo maturo e in ritardo sono bizzarri Grottas contenenti un profondo sottotesto filosofico.


Il periodo maturo dell'artista della creatività dell'artista appartiene al grande trittico "WHO SENA", molto stimato da Philipp II spagnolo. Nel cuore della composizione dell'altare probabilmente si trova con il vecchio proverbio olandese: "Il mondo è una pila di fieno, e tutti cercano di afferrare quanto può."


La tentazione di St. Anthony. Trittico. Albero della parte centrale, olio. 131,5 x 119 cm (centro Parte), 131,5 x 53 cm (sash) Museo nazionale dell'arte anticata, Lisbona
Giardino del piacere. Trittico. Circa 1485. La parte centrale
Albero, olio. 220 x 195 cm (parte centrale), 220 x 97 cm (sash) Museo Prado, Madrid



Paesi Bassi Art XVI secolo. Si notò l'emergere di interesse per l'antichità e le attività dei Maestri del Rinascimento italiano. All'inizio del secolo c'è un flusso basato sull'imitazione dei campioni italiani, il nome "novelismo" (da Roma, nome latino di Roma).
La cima del dipinto dei Paesi Bassi la seconda metà del secolo era creativa Peter Breygel Senior. 1525 / 30-1569. Nininitsky.
Ha creato un'arte nazionale profonda basata sulle tradizioni olandesi e sul folklore locale.
Hanno svolto un ruolo enorme nella formazione del genere contadino e del paesaggio nazionale nelle opere di Breygel, il rude umorismo folk, lirismo e tragedia, dettagli realistici e fantastico grottesco, interesse per la narrazione dettagliata e il desiderio di un'ampia generalizzazione erano difficili intertvingere.


Le opere di Bruegel sono la vicinanza alle idee morali del teatro folk medievale.
Lo Shutovskaya Duel di Maslenitsa e il post - la solita scena di equità dell'equità, adatta nei Paesi Bassi nei giorni dei fili invernali.
La vita bolle ovunque: Ci sono una danza, lavano le finestre qui, alcuni giocano le ossa, altri vendono, qualcuno chiede una possibilità, qualcuno sta seppellire ...


Proverbi. 1559. L'immagine è un'enciclopedia peculiare del folklore dei Paesi Bassi.
I personaggi di Bruegel si conducono dietro il naso, sedersi tra due sedie, combatti le loro teste sul muro, appeso tra il cielo e la terra ... I Paesi Bassi dicendo "E nel tetto ci sono crepe" è chiuso nel significato del russo "E le pareti hanno orecchie." I Paesi Bassi "Getta denaro nell'acqua" significa lo stesso del "Senza silenzio dei soldi" russi ", lascia i soldi per il vento". L'intera immagine è dedicata a vani soldi di spesa, forze, tutta la vita - qui il tetto è pancake, lascia che le frecce nel vuoto, tagliare i maiali, siano riscaldate dalla fiamma di una casa in fiamme e confessa l'inferno.


Su tutta la terra era una lingua e un avverbio. Passando da est, trovarono la pianura di Sennar nel terreno e si sistemò lì. E si dissero l'un l'altro: "fare mattoni e bruciare il fuoco". E divennero mattoni invece di pietre e resina terrestre invece di lime. E dissero: "Costruiremo una città e una torre per altezza del paradiso e fare un nome prima di disperdere il volto della terra. E il Signore si avvicinò a vedere la città e la torre, che sono stati costruiti i figli umani. E il Signore ha detto: "Ecco un popolo e uno in tutta la lingua, ed è quello che hanno iniziato a fare, e non manterranno da ciò che si chiedevano di fare. Ne approfitteremo e ci mescoleremo lì, così che non capisca il discorso di un altro. " E disprezzato il loro signore da lì in tutta la terra; E hanno smesso di costruire la città e la torre. Pertanto, è stato dato un nome: Babilonia, perché il Signore mescolava il Signore di tutta la Terra lì, e da lì sparse il loro Signore per tutta la terra (Genesi, Ch. 11). A differenza del trambusto Motley delle prime opere di Bruegel, questa immagine che colpisce lo spettatore con la sua calma. La torre raffigurata nella foto assomiglia al Colosseo romano anfiteatro, che l'artista vide in Italia e allo stesso tempo - un formicaio. Su tutti i piani di una struttura enorme, il lavoro instancabile bolle: i blocchi ruotano, le scale sono bloccate, le figurine dei lavoratori sono soffiate. È evidente che la connessione tra i costruttori è già persa, probabilmente a causa delle "lingue di miscelazione" è iniziata: da qualche parte la costruzione è in pieno svolgimento, e da qualche parte la torre si è già trasformata in rovina.


Dopo che Gesù fu dedicato al crocifisso, i soldati prese una croce pesante su di lui e portò al posto frontale chiamato Calvario. Sulla strada, hanno digitato Simon da Kirinya, che tornò a casa dal campo, e lo costrinse a sopportare la croce per Gesù. Per Gesù, c'erano molte persone, tra cui erano donne che gridarono e singhiozzando di lui. "La croce della croce" è un'immagine di religioso, cristiano, ma questa non è un'immagine della chiesa. Bruegel ha corretto la verità delle Sacre Scritture con esperienza personale, riflessa su testi biblici, ha dato loro la sua interpretazione, cioè. Francamente ha violato il decreto imperiale da 1550 G, che, sotto la paura della morte, vietava uno studio indipendente della Bibbia.


Bruegel crea una serie di paesaggi "mesi". "Cacciatori di neve" è dicembre-gennaio.
Ogni volta dell'anno per il Maestro è, soprattutto, lo stato unico della Terra e il cielo.


La folla di contadini catturati dal rapido ritmo della danza.

F. La pittura lamanese è una delle scuole classiche nella storia della bella arte. Tutto il modello classico interessato è una frase per l'udito, ma cosa è dietro un nome così nobile? Potresti, senza pensare, determinare alcune caratteristiche di questo stile, chiamare i nomi principali? Per navigare con sicurezza nelle sale dei grandi musei e un po 'meno per spingere il lontano XVII secolo, questa scuola ha bisogno di sapere.




Storia della scuola fiamminga

Il XVII secolo è iniziato con la spaccatura interna dei Paesi Bassi a causa della lotta religiosa e politica per la libertà interna dello stato. Ciò ha portato a una sfera divisa e culturale. Il paese si disintegra in due parti, il sud e il nord, la cui pittura inizia a svilupparsi in direzioni diverse. I meridionali rimangono nella fede cattolica sotto il controllo della Spagna, diventano rappresentanti scuola fiammingaMentre gli artisti del Nord appartengono agli storici dell'arte a scuola olandese.





I rappresentanti della scuola fiamminga di pittura hanno continuato le tradizioni dei colleghi italiani senior Rinascimento: Rafael Santi, Michelangelo BuonarotChi ha prestato grande attenzione agli argomenti religiosi e mitologici. Andando lungo una pista familiare, completata da elementi rude inorganici del realismo, gli artisti olandesi non potevano creare opere d'arte eccezionali. La stagnazione continuò fino a quando il cavalletto non ha soppeso Peter Paul Rubens. (1577-1640). Cosa è stato così sorprendente portare questo olandese all'arte?






Famoso maestro

Il talento di rubine è stato in grado di respirare la vita nella pittura del Southan non è troppo notevole davanti a lui. Molto familiare con il patrimonio dei maestri italiani, l'artista ha proseguito la tradizione di appello alle trame dei temi religiosi. Ma, a differenza dei colleghi, Rubens è stato in grado di armoniosamente nelle scene classiche delle caratteristiche del suo stile, dipingendo la saturazione delle vernici, l'immagine della vita naturale della natura.

Dai dipinti dell'artista, come fuori dalla finestra aperta, sembra che la luce del sole ("Corte spaventosa", 1617). Soluzioni insolite per costruire la composizione degli episodi classici delle Sacre Scritture o della mitologia pagana hanno attirato l'attenzione sul nuovo talento tra i suoi contemporanei, e attira ora. Tale innovazione sembrava fresca, rispetto a sfumature cupa e sfumate delle tele dei contemporanei olandesi.






Caratteristica caratteristica dell'acciaio e del modello dell'artista fiammingo. Le furiose signore bionde scritte con interesse senza un abbellimento inappropriato sono diventate spesso eroine centrali di dipinti di rubine. Esempi possono essere trovati sulla "Corte di Parigi" della Canvasa (1625), "Susanna ed anziani" (1608), "Venere davanti a uno specchio" (1615) e altri.

Inoltre, Rubens fornito impatto sulla formazione di un genere del paesaggio. Cominciò a svilupparsi negli artisti fiamminghi della pittura del capo rappresentativo della scuola, ma è stata la creatività di Rubens ha chiesto alle caratteristiche principali del pittura nazionale del paesaggio che riflette il sapore locale dei Paesi Bassi.




Seguaci

Le rubine rapidamente famose presto erano circondate da imitatori e studenti. Il Maestro gli ha insegnato a utilizzare le peculiarità popolari del terreno, del colore, del canto, della bellezza umana insolita. Questo ha attratto il pubblico e gli artisti. I seguaci provano in diversi generi - dai ritratti ( Gaspare de Cyle, Abraham Yansense) A ferre vita (Francia Snyders) e paesaggi (Jan Wildens). La pittura domestica della scuola fiamminga è originariamente eseguita Adrian Browver. e DAVID TENIRSM ML.






Uno degli studenti di Rubens di maggior successo e notevole è diventato Antonis Wang Dyk. (1599 - 1641). La maniera del suo autore è stata gradualmente piegata, prima completamente subordinata all'imitazione del mentore, ma nel tempo, una grande precisione con le vernici si manifestava. Lo studente ha sentito una tendenza a sfumature gentili e silenziose in opposizione all'insegnante.

I dipinti DeQean Wang rendono chiaro che non aveva una forte tendenza a costruire composizioni complesse, spazi sfusi con figure pesanti, che si distinguono per la tela dell'insegnante. La galleria dell'artista è piena di ritratti da singolo o accoppiato, anteriore o camera, che indica le priorità del genere dell'autore diverso da Rubens.