Caravaggio - Pittura italiana del XVII secolo. Italia nei secoli XVII-XVIII secolari Caravaggio

Moscow State Regional University

Abstract sulla storia dell'arte

Arte italiana del XVII secolo.

Eseguita:

studente del dipartimento di corrispondenza

33 gruppi di facoltà da e hp

Minakova Evgenia Yuryevna.

Controllato:

Moscow 2009.

• Italia nel 17 ° secolo
• Architettura. Stile barocco in architettura.
• Architettura. Primo barocco.
• Architettura. Alto, o maturo, barocco.
• Architettura. Architettura barocca al di fuori di Roma.
• Arte. Caratteristiche generali.
• Arte. Primo barocco.
• Arte. Corrente realistica.
• Arte. La seconda generazione di artisti della scuola di Bologna.
• Arte. Alto, o maturo, barocco.
• Arte. Più tardi barocco.

Già dalla metà del 16 ° secolo, lo sviluppo storico dell'Italia è caratterizzato dall'inizio e dalla vittoria della reazione feudale-cattolica. Gli stati indipendenti economicamente deboli e frammentati ai singoli individuali, l'Italia non è in grado di sopportare l'assalto di paesi più potenti - Francia e Spagna. La lunga lotta di questi stati per il dominio in Italia si è conclusa con la vittoria della Spagna, sancita da un trattato di pace a Kato-Cambrey (1559). Da quel momento, il destino dell'Italia si trasforma strettamente correlato alla Spagna. Ad eccezione di Venezia, Genova, Piemonte e regione papale, Italia per quasi due secoli era in realtà nella posizione della provincia spagnola. La Spagna ha coinvolto l'Italia in guerre in rovina, che spesso camminava nel territorio degli Stati italiane, ha promosso la diffusione e il rafforzamento della reazione feudale in Italia, sia nell'economia che nella vita culturale.

La posizione dominante nella vita pubblica d'Italia è stata occupata dall'aristocrazia e dal più alto clero cattolico. Nelle condizioni di un profondo declino economico del paese, solo i principali feudi secolari e della chiesa hanno ancora avuto una ricchezza materiale significativa. Il popolo italiano - i contadini e i cittadini erano in una situazione estremamente difficile, è stato destinato alla povertà e persino per l'estinzione. La protesta contro l'oppressione feudale e straniera trova un'espressione in numerose rivolte folk che scoppiavano per il XVII secolo e talvolta prendendo il formato formidabile, come la ribellione di Masanello a Napoli.

La natura complessiva della cultura e dell'arte dell'Italia nel 17 ° secolo fu dovuta a tutte le peculiarità del suo sviluppo storico. È in Italia che l'arte di Barochko nasce e ottiene lo sviluppo più alto. Tuttavia, essendo dominante nell'arte italiana del XVII secolo, questa direzione non era l'unica. Oltre a lui, e in parallelo con esso, le tendenze realistiche si stanno sviluppando relative all'ideologia degli strati democratici della società italiana e ricevendo uno sviluppo significativo in molti centri d'arte d'Italia.

L'architettura monumentale dell'Italia del 17 ° secolo ha soddisfatto quasi esclusivamente richieste dalla Chiesa cattolica e dalla più alta aristocrazia laica. Durante questo periodo, principalmente strutture ecclesiastiche, palazzi e ville sono in costruzione.

La seria situazione economica d'Italia non ha dato l'opportunità di costruire strutture molto grandi. Allo stesso tempo, la Chiesa e la più alta aristocrazia avevano bisogno di rafforzare il loro prestigio, la loro influenza. Da qui - il desiderio di soluzioni architettoniche insolite, stravaganti, sfilate e acute, il desiderio di una maggiore decoratività e la solidità delle forme.

Costruzione di strutture impressionanti, anche se non così grandi strutture hanno contribuito alla creazione dell'illusione del benessere sociale e politico dello stato.

Barocco raggiunge la massima tensione ed espressione nei religiosi, nelle strutture della Chiesa; Le sue forme architettoniche, è impossibile incontrare meglio i principi religiosi e il lato rituale del cattolicesimo militante. La costruzione di numerose chiese la Chiesa cattolica ha cercato di rafforzare e rafforzare il loro prestigio e influenza nel paese.

Lo stile barocco, prodotto nell'architettura di questo periodo, è caratterizzato, da un lato, il desiderio di monumentalità, dall'altro, la predominanza di inizi decorativi e pittoreschi su tettonici.

Come le opere di belle arti, i monumenti dell'architettura barocca (in particolare le strutture della Chiesa) sono stati calcolati sul rafforzamento dell'impatto emotivo sullo spettatore. L'inizio razionale, che ha sottolineato l'arte e l'architettura del Rinascimento, ha lasciato il posto all'inizio di irrazionale, statico, calmo - dinamica, tensione.

Barocco - stile di contrasti e distribuzione irregolare degli elementi compositi. Di particolare importanza in esso sono grandi e succosi curvilinei, forme arcuate. Per le strutture barocche sono caratteristiche - frontale, facciata della costruzione. Gli edifici sono percepiti in molti casi da un lato - dalla facciata principale, spesso oscurava il volume della struttura.

Baroque presta molta attenzione ai gruppi architettonici - Urban e Park, tuttavia, gli ensemble di questo tempo sono basati su un principio diverso rispetto al Gestimbrante rinascimentale. Ensemble barocche d'Italia sono costruite su principi decorativi. Sono caratterizzati da isolamento, indipendenza comparativa dal sistema generale del territorio urbano di pianificazione. Un esempio è il più grande ensemble di Roma - l'area di fronte alla cattedrale di Sant'altra Peter.

Colonnati e pareti decorative, chiudendo lo spazio di fronte all'ingresso della cattedrale, coperto lo sviluppo disordinato e casuale per loro. Non vi è alcuna connessione tra l'area e adiacente ad esso una rete complessa di culla e case casuali. Edifici separati inclusi nei gruppi barocchi, come se stesse perdendo la loro indipendenza, obbedendo completamente il piano generale composito.

Barocco ha messo il problema della sintesi d'arte in un modo nuovo. Scultura e pittura che giocano negli edifici di questo tempo un ruolo molto grande, intrecciata tra loro e spesso Shrpo o spesso deformando le forme architettoniche, contribuiscono alla creazione dell'impronta della saturazione, della Pomp e dello splendore, che producono costantemente monumenti barocchi.

La creatività Michelangelo ha avuto una grande importanza per la formazione di un nuovo stile. Nelle sue opere, ha sviluppato una serie di forme e tecniche che sono state utilizzate in seguito nell'architettura barocca. L'architetto di Vigola può anche essere caratterizzato come uno dei precursori barocchi diretti; Le sue opere possono essere annotate numerosi segni precoci di questo stile.

Nuovo stile - stile barocco nell'architettura italiana - viene a sostituire il Rinascimento negli anni '80 del XVI secolo e si sviluppa per tutta la XVII e la prima metà del XVIII secolo.

Condizionalmente, all'interno dell'architettura di questo tempo, tre stadi possono essere evidenziate: il primo barocco - dal 1580 alla fine del 1620, alto, o maturo, barocco - fino alla fine del 17 ° secolo e in seguito - la prima metà del 18mo secolo.

I primi maestri del barocco sono considerati architetti Giacomo Della Port e Domenico Fountain. Appartenevano alla prossima generazione verso Vigola, Alesi, Ammanati, Vazari e terminarono le loro attività all'inizio del XVII secolo. Allo stesso tempo, come precedentemente notato, le tradizioni del tardo rinascimento continuarono a vivere nel lavoro di questi maestri.

Jacomo Della Port. Jacomo Della Port (1541-1608) era uno studente di Vigol. Prima della sua costruzione - Chiesa del sito Catarina in Funari (1564) - nel suo stile appartiene al Rinascimento. Tuttavia, la facciata della Chiesa del Jesu, che questo architetto ha concluso dopo la morte di Vinoli (dal 1573), significativamente barocco la bozza originale del suo insegnante. La facciata di questa chiesa con una divisione caratteristica in due livelli e Volutes, il piano di strutture era un modello per una varietà di chiese cattoliche in Italia e in altri paesi. Dzhacomo Della Port Completato dopo la morte di Michelangelo per costruire grandi cupole della Cattedrale di Sant'altra Peter. Questo maestro era anche l'autore della famosa Villa Aldobrandini a Frascati vicino a Roma (1598-1603). Come al solito, il corpo principale della villa si trova sulla montagna; L'ingresso principale porta la rampa di rotazione a doppia faccia. Dal lato opposto, il giardino è adiacente all'edificio. I piedi della montagna si trovano un semicircolare in termini di grotta con archi, c'è una cascata d'acqua nel telaio delle scale. L'edificio stesso è una forma prismatica molto semplice completata con un enorme frontone rotto.

Nella composizione della villa, nelle componenti dei suoi edifici del parco e nella natura delle parti in plastica, il desiderio della deliberatezza, l'architettura raffinata, così caratteristica del barocco in Italia, è chiaramente mostrata.

Nel tempo in considerazione, il sistema del Parco italiano è finalizzato. È caratterizzato dalla presenza di un singolo asse del parco situato sulla montagna con numerosi discese e terrazze. Sullo stesso asse c'è un edificio principale. Un esempio caratteristico di tale complesso ed è la Villa Aldobrandini.

Domenico Fountain. Un altro importante architetto del primo barocco è stato Domenico Fountain (1543-1607), che apparteneva al numero di successori romani di Michelangelo e Vigola. Il lavoro più grande è il Palazzo in Laterano a Roma. Il palazzo nella forma che la fontana gli ha dato è una piazza quasi giusta con prigioniero all'interno del cortile quadrato. La soluzione di facciata del palazzo è completamente basata sull'architettura di Palazzo Farneza - Antonio Sangallo Jr .. In generale, la costruzione del palazzo dell'Italia del 17 ° secolo è basata sull'ulteriore sviluppo del tipo composito di Palazzo Palace, sviluppato dall'architettura del Rinascimento.

Insieme a suo fratello Giovanni Fontana Domenico costruito a Roma nel 1585-1590, fontana Aqua Paolo (senza Attica, fatta dopo Carlo Madern). La sua architettura si basa sul trattamento di forme di antichi archi trionfanti.

Carlo Madern. Fontana Domenico della pupilla e nipote - Carlo Madern (1556-1629) ha finalmente rafforzato un nuovo stile. La sua creatività è transitoria nel periodo del barocco sviluppato.

I primi lavori di Maderna - la facciata della basilica paleocristiana Susanna a Roma (circa 1601). Creato sulla base della facciata della Chiesa di Del Jesu, la facciata della Chiesa di Susanne è chiaramente sezionata per ordini, decorata con statue in nicchie e numerose decorazioni ornamentali.

Nel 1604, Maderna è stata nominata capo architetto della Cattedrale di San Peter. Per ordine di Papa Paolo V Maderna compilato un progetto per espandere la cattedrale per estensione anteriore, parte di ingresso. Il clero ha insistito sull'alongazione della croce greca alla forma del latino, che corrispondeva alle tradizioni dell'architettura della Chiesa. Inoltre, le dimensioni della Cattedrale di Michelangelo non hanno coperto gli interi posti in cui si trovava un antico basilico, che era inaccettabile dal punto di vista dei servi della Chiesa.

Di conseguenza, quando si costruisce una nuova facciata anteriore della Cattedrale Madnaria, l'intenzione originale di Michelangelo è completamente cambiata. Quest'ultimo concepì la cattedrale in piedi nel centro di una grande piazza, che avrebbe permesso l'edificio e vederlo da tutti i lati. La Maderna chiuse i lati della cattedrale dallo spettatore, i lati della cattedrale: la larghezza della facciata supera la larghezza della parte longitudinale del tempio. L'allungamento dell'edificio ha portato al fatto che la cupola della cattedrale di San Pietro è percepito interamente a lunga distanza, mentre si avvicina all'edificio, si nasconde gradualmente dietro il muro della facciata.

Il secondo periodo dell'architettura di Barochko - un periodo di maturità e di massimo splendore dello stile - associato al lavoro dei più grandi maestri: L. Bernini, F. Bornomini, K. Rainaldi - a Roma, B. Longen - a Venezia, F. Rickini - a Milano, Gvarino - a Milano Torino.

Lorenzo Bernini. La figura centrale del barocco maturo è Lorenzo Bernini (1598-1680). Non era solo un architetto, ma anche il più grande scultore del XVII secolo in Italia.

Dal 1629, Bernini, dopo la morte della Madrina, ha continuato la costruzione della Cattedrale di San Peter. Nel 1633, ha costruito un grande modello in bronzo nella cattedrale sulla cupola principale, supportata da quattro colonne decontattuali contorte. Secondo la tradizione, questo modello è considerato condizionatamente il primo prodotto del barocco maturo. Bernini, la decorazione degli interni della cattedrale è stato suggerito dal progetto Michelangelo. Questo finale è un meraviglioso esempio di interni della Chiesa barocca.

La più grande opera architettonica di Bernini era il design della zona di fronte alla cattedrale di San Peter (1655-1667). L'architetto ha creato due quadrati - una grande ellittica, incorniciata da colonne e area direttamente adiacente sotto forma di un trapezio, limitato dal lato opposto dalla facciata principale della cattedrale. Nell'area ovale, è stato installato Obelisk e due fontane situate simmetricamente.

Bernini ha continuato e sviluppato il design della Madrina: i colonnati non permettono l'opportunità di avvicinarsi alla cattedrale dal lato. Per lo spettatore, solo la facciata principale rimane disponibile.

La maestosa architettura della Piazza Bernini era uno sfondo degno per la cerimonia del congresso per un solenne servizio commesso nella cattedrale. Nei secoli del 17-18, questo congresso era un magnifico e solenne vista. Cattedrale quadrata St. Pietro è il più grande ensemble del barocco italiano.

Nel Vaticano Bernini, è stata creata una scala Royal Parade - la "Rock of Reggia" ("Sito rock"), in cui accettava un miglioramento artificiale di una riduzione promettente. A causa del graduale restringimento della marcia e riducendo le colonne, l'impressione di una maggiore profondità della stanza e aumentare le dimensioni della scala stessa.

Le opere più caratteristiche di Bernini includono una piccola chiesa di San Andrea a Quirinale (1678), la cui facciata principale ha un portale con i pilastri e un frontone triangolare. Questo portale è collegato meccanicamente al volume principale dell'edificio, ovale in termini di.

Il principale lavoro di Bernini nel campo dell'architettura civile è Palazzo Odessales a Roma (1665), risolto dal solito schema rinascimentale. Il centro composito dell'edificio è, come al solito, il cortile limitato al primo piano di arcate. La distribuzione sulle facciate di Windows e decorativa la loro decorazione è anche ricordata dal Palazzo del XVI secolo. In un nuovo modo, è stata sviluppata solo la parte centrale della facciata principale: i due piani superiori sono coperti da un grande ordine sotto forma del corinto pilastero, il primo piano in relazione a questo ordine svolge il ruolo di un piedistallo. Un simile ripartizione della parete della facciata riceverà più tardi, nell'architettura del classicismo, grande distribuzione.

Bernini ha anche continuato a essere lanciato dall'edificio madnorale di Palazzo Barberini. La costruzione non ha un cortile chiuso, normale per i palazzi italiani. Il corpo principale è limitato su due lati sporgenti Filtiels. La parte centrale della facciata principale è percepita come applicazione imposta, in scopi decorativi, sulla superficie del muro. Il Risalat centrale ha molto ampio e alto ad arco, finestre, mezza colonna situata tra di loro; Nel primo piano c'è una profonda loggia. Tutto questo distingue bruscamente la parte centrale della facciata da parti laterali più massicce decorate nella tradizione dell'architettura del XVI secolo. Questa tecnica ricevuta nell'architettura del barocco italiano è anche una distribuzione molto grande.

Interessante scala ovale palazzo barberini con marticamere a spirale a base di doppie colonne toscane.

Francesca Borrombsh. Non meno importante per il barocco italiano ha il lavoro di Francesco Bornombini (1599-1667) - il dipendente di Bernini, in seguito - il suo rivale e il nemico. Le opere di Borryni si distinguono per una fusione speciale e la "dinamicità" delle forme. Bornombini ha portato lo stile barocco alla massima tensione.

Il principale lavoro di BORRINGS nel campo dell'architettura del tempio è la Chiesa di San Carlo "in quattro fontane" (1638-1667). La facciata è percepita come una composizione architettonica indipendente, indipendente dall'edificio. Ha concesso forme piegate e simili a un'onda. All'interno di questa facciata, è possibile vedere l'intero arsenale delle forme barocche - Cornici arcuate strappate, cartucce ovali e altre parti decorative. La Chiesa stessa ha una forma complessa, che ricorda due campane, piegate insieme alle loro basi. La sovrapposizione è la cupola ovale. Come in molti altri edifici di questo periodo, la composizione della Chiesa è costruita sul contrasto di volumi architettonici esterni e interni, sulla sorpresa dell'effetto che si verifica all'ingresso della struttura.

Una delle opere più significative dell'architetto è la Chiesa romana di San Ivo, inclusa nella costruzione della Spirection (Università, 1642-1660). Le complesse contorni del piano della Chiesa e la completa incoerenza delle conchiglie esterne e interne della cupola dovrebbero essere annotate. All'esterno, viene creata l'impressione di una cupola alta del tamburo e della sofferenza piatta che copre questo tamburo. Entrando nello stesso interno, sei convinto che le quinte unità del rivestimento della cupola si trovano direttamente alla base del tamburo.

Borrini ha progettato la villa Falkoniery a Frascati. Inoltre, ricostruiva la recessione del Palazzo e ha lavorato a Bernini su Palazzo Barberini (vedi sopra).

Carlo Rainaldi. Carlo Rainaldi (1611-1691) è uno dei principali costruttori del Baroque Heyday. Le opere più importanti di Rainaldi - Chiesa di San Anice e il sito Maria a Campitelle.

La chiesa di San Anzya (iniziata nel 1651) si trova sull'asse della Piazza Navona, che ha conservato il contorno del circo precedentemente antico del Domiziano qui. L'area è decorata con tipiche fontane barocche di Bernini per questa volta. La Chiesa ha un piano Centriano ed è completato da una grande cupola; Arcuid, una facciata concava è limitata su entrambi i lati da Bell Torre. A differenza della maggior parte delle chiese romane di questo periodo, la cupola non è nascosta dal piano della facciata, ma agisce come il principale centro composito dell'intera area.

La Chiesa della Maria nel sito Campitelley è costruita in seguito, nel 1665-1675. La facciata a castello di esso, risolta dal sistema della Chiesa del del Jesu, e il design interno è un tipico esempio dell'architettura del barocco maturo.

Rainaldi possiede anche la facciata posteriore della Chiesa romana di Santa Maria Maggiore (1673).

Nel 17 ° secolo, l'architettura romana è stata arricchita da diverse nuove ville situate nelle vicinanze della città. Oltre a Villa Doria Pamfili, costruita da Architects Algardi e Grimaldi (circa 1620), sono stati creati tra gli altri villaggi di Mandragon e Villa Torlonia - entrambi sono a Frascati, così come la Villa D "Este a Tivoli. In queste tenute di parata - Belle piscine, file di cipressi, arbusti sempreverdi, terrazze decorate diverse con balaustre, grotte, numerose sculture. La raffinatezza e la pompa della decorazione decorativa erano spesso combinate con gli elementi della fauna selvatica nel paesaggio creato artificialmente.

Barocco esterno a Roma ha proposto un numero di grandi architetti. A Genova nel 17 ° secolo, Bartolomeo Bianco ha funzionato. Il suo lavoro principale è l'edificio universitario a Genova (dal 1623) con un meraviglioso cortile, limitato da arcate a due piani e le belle scale adiacenti a loro. A causa del fatto che Genova si trova sul pendio delle montagne, l'anfiteatro, scendendo verso il mare, e gli edifici separati sono costruiti su aree con un grande pregiudizio, prevale il collocamento di edifici e cantieri a vari livelli. Nell'edificio dell'Università su un asse composito orizzontalmente situato, la hall principale, il cortile centrale e, infine, sono dietro la scala arcade a castello all'aperto che conduce al giardino.

Venezia ha lavorato come architetto Baltass Longen (1598-1682). Il lavoro principale di esso è il più grande, insieme alla cattedrale di St. Mark, Chiesa di Venezia Santa Maria delle Salute (1631-1682); Si trova sulla freccia tra il canale del Jaudcca e il Grande Channel. Questa chiesa ha due cupola. Per il volume principale, ottimizzato, sormontata da una cupola, è il secondo volume che racchiude l'altare; È anche dotato di una cupola, ma di dimensioni già più piccole. L'ingresso al tempio è decorato sotto forma di un arco trionfale. Il tamburo a cupola principale è combinato con le pareti principali della chiesa di 16 lupi a forma di spirale con sculture installate su di loro. Arricchiscono la sagoma dell'edificio, dargli una caratteristica speciale. Nonostante l'ingrandimento della decorazione, nell'aspetto della Chiesa c'è una famosa frammentazione di architettura e secchezza delle parti. All'interno della chiesa, fiancheggiata da marmo grigio chiaro, è spazioso, ma freddo e ufficiale.

Sul grande canale di Venezia ci sono entrambi i più significativi palazzo, costruiti da Longen, - Palazzo Pesaro (circa 1650) e Palazzo Rezzonico (1680). Secondo la struttura delle sue facciate, quest'ultimo sono in gran parte simili ai palazzi di Venezia, i tempi del Rinascimento, in particolare con il vino del Palazzo Corner San Gente, ma allo stesso tempo differiscono da loro in modo incomparabilmente maggiore saturazione e decoratività delle forme.

A Torino, l'architetto di Hvbanino Gvbnini è stato lavorato (1624-1683), l'ex il monaco dell'Ordine dei Thams. Gvarino Gvarini - "Il più barocco di tutti gli architetti barocchi" - può essere confrontato nel suo temperamento creativo solo con Francesco Borrrini. Nelle sue opere, spesso utilizzata in scopi decorativi oltre alle forme convenzionali, motivi riciclati di architettura moresca e gotica. Sono stati eretti da molti edifici di Torino, tra cui Palazzo Carignano (1680), una parata e magnifico, ma puramente decorativo sul design. Tipicamente, la decisione del corpo principale del Palazzo. Nel volume rettangolare principale, poiché è stata inserita parte centrale con una scala front-end. Pareti, la sua limitazione e le Marche sono arcuate in termini di forma. Tutto ciò è rispettivamente riflesso sulla facciata. Se le sue aree laterali conservano i contorni rettangolari, il centro è piegato nei lati opposti con uno slot nel mezzo, che è inserito sotto forma di un motivo completamente diverso - la loggia a castello è anche la forma curva. La finestra Platbands su facciate ha una configurazione cartaginosa rotta. I PILASS sono fatti da un piccolo grafico nella natura delle forme.

Tra le chiese costruite, la Chiesa di Madonna della Consolata con Neum ovale, che è l'altare esagonale, dovrebbe essere evidenziata. Le colline costruite della Chiesa sono ancora più grandi di lamisibilità e complessità delle forme rispetto alle sue strutture civili.

Nell'arte visiva, come nell'architettura dell'Italia, nel 17 ° secolo, lo stile barocco riceve un valore dominante. Si presenta come una reazione contro il "manenteismo", forme contrarie e complesse di cui si oppone prima di tutto la più semplicità delle immagini, ha chiesto sia le creazioni dei maestri di alta rinascita, e a causa dello studio indipendente della natura. Scrutando giustamente nel patrimonio classico, spesso prendendo in prestito gli elementi individuali da lui, la nuova direzione mira a cercare una maggiore espressività delle forme nelle loro dinamiche tempestose. Nuove caratteristiche dell'arte corrispondono a nuove tecniche pittoresche: la calma e la chiarezza della composizione sono sostituite dalla loro libertà e come per caso. Le figure vengono spostate dalla posizione centrale e sono costruite in gruppi principalmente in linee diagonali. Questa costruzione è importante per il valore barocco. Migliora l'impressione del movimento e contribuisce alla nuova trasmissione dello spazio. Invece del solito per l'arte, la rinascita della sua appartenenza su strati separati è coperta da un solo sguardo, creando l'impressione di un frammento casuale di un intero intero. Tale nuova comprensione dello spazio appartiene ai risultati più preziosi del barocco, che ha svolto un certo ruolo nell'ulteriore sviluppo dell'arte realistica. Il desiderio di espressività e dinamica delle forme genera un'altra linea, non meno tipica per barocca, è l'uso di tutti i tipi di contrasti: contrasti di immagini, movimenti, opposizioni di piani illuminati e ombreggianti, contrasti di colore. Tutto ciò è integrato da un onere decorativo pronunciato. Allo stesso tempo, la pittoresca trama, passando dall'interpretazione lineare-plastica delle forme a un dipinto sempre più ampio della visione.

Le caratteristiche contrassegnate del nuovo stile nel tempo hanno acquistato caratteristiche sempre più definite. Ciò giustifica la divisione dell'arte italiana del XVII secolo sulle tre fasi irregolari: "presto", "maturo", o "alto", e "più tardi" barocco, il dominio di cui dura molto più a lungo degli altri. Queste caratteristiche, così come i limiti cronologici, saranno ulteriormente segnate.

L'arte barocca d'Italia serve principalmente dominante e approvata dopo la cattedrale di Tilty della Chiesa cattolica, campi principianti e numerose nobiltà. I compiti messi davanti agli artisti hanno avuto tanto ideologico come decorativo. Decorare le chiese, così come i palazzi per la nobiltà, murales monumentali di cupole, plafoni, mura in Affresco Technical ottengono uno sviluppo senza precedenti. Questo tipo di pittura diventa una specialità di artisti italiani che lavoravano sia nella loro patria che in Germania, in Spagna, in Francia, in Inghilterra. Mantengono la priorità indiscutibile in questo campo della creatività fino alla fine del XVIII secolo. I temi dei dipinti della Chiesa sono le scene lussureggianti della glorificazione della religione, dei suoi dogmi o dei santi e dei loro atti. Le scene allegoriche e mitologiche sono dominate ai palafoni dei palazzi, che servono come glorificazione delle disposizioni dei cognomi e dei loro rappresentanti.

Estremamente comune sono ancora grandi dipinti di altare. In loro, insieme alle solenne immagini di Cristo e Madonna, le immagini che hanno fornito l'impatto più forte sullo spettatore sono particolarmente comuni. Questa è la scena delle esecuzioni e il tormento dei santi, così come gli stati della loro estasi.

Sushing Staka Pittura più volentieri cadde sui temi della Bibbia, dalla mitologia e dell'antichità. Come indipendente dalla sua specie ottenere lo sviluppo del paesaggio, il genere di battaglia, natura morta.

Sull'ovvio del 16 e del XVII secolo come reazione contro il manierismo due direzioni, di cui l'intero dipinto successivo dell'Italia è in via di sviluppo: accademismo di Bologna e caravagismo.

Saldo scuola. Fratelli Carramechi. L'accademismo di Bologna è composto da un sistema artistico sottile a metà degli anni '80. Tre artisti di Bologna - Louis Carramechci (1555-1609) ei suoi cugini di Agostino (1557-1602) e Annibal (1560-1609), che occupa il primo posto tra i fratelli, - produce le fondamenta di un nuovo stile, affidandosi Principalmente sullo studio del tradizionale patrimonio del XVI secolo. L'impatto della scuola veneziana, la creatività di Correzo e l'arte romana del XVI secolo conduce a una svolta decisiva dal manierismo verso la semplicità, e allo stesso tempo la lente d'ingrandimento delle immagini.

Le prime opere dei fratelli Carramechi per la pittura Palazzi di Bologna (Palazzo Fawa, Palazzo Mani) ancora non consentono di differenziare chiaramente le loro caratteristiche stilistiche. Ma i dipinti a macchina di Annibal Carramechi, in cui la reminiscenza della scuola di Parma è inizialmente forte, indicare l'individualità artistica luminosa composta. Nel 1587 e nel 1588, crea due dipinti d'altare, che sarebbero i primi lavori di un nuovo stile: "Ascensione della Madonna" e "Madonna con San Matvey "(sia nella Galleria Dresda). Se nella prima molte altre maniere nel movimento delle figure e nella loro espressione, allora "Madonna con St. Matvey "è caratterizzato dalla magy magy delle immagini, indicativo per l'inizio di un nuovo stadio di pittura italiana.

Negli anni '50, i fratelli Carramechi hanno aperto l'Accademia a Bologna, nominata da loro "Academy Dei-Inkaknati" (Accademia, entrando in un nuovo percorso). Invece della precedente formazione di artisti futuri, prevedendo l'acquisizione delle competenze necessarie nell'apparente lavoro nei laboratori dei pittori, Carrenci parlò a favore dell'insegnamento sistematico degli articoli richiesti nella pratica dell'artista. Insieme alla formazione, il disegno e la pittura nell'accademia nominata è stato insegnato anatomia, prospettiva, così come tali discipline come storia, mitologia, letteratura. Il nuovo metodo era destinato a svolgere un ruolo più grande nella storia dell'arte europea, e la Bologna Academy era un prototipo di tutte le accademie successive aperte dal 17 ° secolo.

Nel 1595, i fratelli Carramechi che hanno già acquisito una grande fama sono stati invitati a Roma cardinale Farneshee per il dipinto del suo palazzo. All'invito, un Annibal ha risposto, che ha lasciato per sempre Bologna. A Roma, stretto contatto con le tradizioni della scuola locale e l'influenza dell'antichità è stata scoperta nell'arte dei Maestri una nuova fase. Dopo una pittura relativamente insignificante di una delle sale di Palazzo Farneza ("Kamerino", metà del 1590. Annibal Karratica crea un famoso aereo gallery, che apparve come se la corona della sua creatività e il punto iniziale della maggior parte dei dipinti decorativi del 17 ° secolo. Locali della galleria (circa 20 × 6 m), bloccati da un arco a bassa scatola, Annibal si divide su un certo numero di segmenti indipendenti. La costruzione composita del Plafon ricorda il dipinto della Sicistin Capella Michelangelo, da cui Borps oltre a rompere l'aereo è anche la natura illusionistica dell'interpretazione delle sculture, figure umane viventi e pitture pittoresche. Un tema generalizzato serve amanti degli dei di Olimpo. Nel centro del Plafon, è piazzata una "marcia trionfale" affollata e rumorosa "trionfale di Vakha e Ariadna". Ai lati ci sono altre due composizioni mitologiche e la fascia diminuisce, smembrata dal marmo di Herma e Atlanta, le cui gambe sono sedute come se fossero i ragazzi viventi. Queste cifre sono incorniciate da medaglioni rotondi che imitano il bronzo, con scene antiche, poi le composizioni narrative puramente pittoresche. Agli angoli, questo fregio è stato progettato dall'immagine della balaustra, sullo sfondo del cielo, scritta Amuras. Questo articolo è importante come un primo, un altro tentativo timido di rompere lo spazio reale, ricevere, che è diventato particolarmente caratteristico dei canti barchi. Il potere di plastica delle figure, una varietà di forme decorative e ricchezza colorata ha creato un ensemble di una straordinaria pompa.

I dipinti della macchina creati da Annibal Carramechi nel periodo romano della creatività sono dedicati principalmente a trame religiosi. La fredda perfezione delle forme lascia poco posto in loro la sensazione. "Il lutto di Cristo" (1599, Napoli, la Galleria nazionale), dove lo stesso è ugualmente alto e l'altro appartiene alle eccezioni. Nella maniera di pittura della maggior parte dei dipinti, prevale il desiderio di una chiara identificazione lineare e plastica delle figure. "Le mogli di Myrova alla bara di Cristo" (circa 1605, eremitaggio) appartengono ai caratteristici campioni di questo tipo di lavoro dell'artista.

Riferendosi spesso al genere del paesaggio, Annibal Carramechci diventa un prigioniero diffuso nel futuro del cosiddetto paesaggio "classico". L'essenza di quest'ultimo sta nel fatto che i suoi rappresentanti, utilizzando motivi della natura osservati a volte sottili osservati, cercano principalmente a "riformare" le sue forme. I paesaggi sono costruiti nel laboratorio dell'artista utilizzando i regimi sviluppati, in cui il ruolo più importante è svolto dal bilanciamento delle masse, linee morbide dei contorni e l'uso di alberi o gruppi di rovine sotto forma di anelli. "Paesaggio con il culto dei Magi" Annibal Carramechi nella Galleria Doria di Roma può essere definita uno dei primi campioni stilistici completi di questo tipo.

Caravagismo. Qualche anno dopo, dopo l'aggiunta del accademismo di Bologna, un'altra, ancora più opposizione in relazione al maschio, è un corso artistico, che si distingue per una ricerca pronunciata per il realismo delle immagini ed è in gran parte democratica. Il corso di ciò è estremamente importante nella storia generale dello sviluppo del realismo, è solitamente indicato dal termine "caravagismo" originario di conto della sua testa - Michelangelo Merisi da Caravaggio (1574-1610). Ha ricevuto un'ampia fama nominata la sua patria, Caravaggio si è sviluppata come pittore sotto l'influenza dell'Arte del Nord Italia. Un altro giovane che arriva a Roma, dove attira l'attenzione su un numero di dipinti di genere. Le semi-figure raffigurate di ragazze e giovani uomini, zingari e shulers sono dotati di una materialità di dotole sconosciuta. I dettagli dei compositi sono come delineati finanziariamente: cestini di fiori e frutti, strumenti musicali. Il quadro "burro" (1594-1595, eremitage), appartenente alle migliori opere di questo cerchio, dà un'idea del tipo di tale lavoro. È caratteristico della prima caravaggio e un chiaro modo lineare di pittura.

Un'immagine semplice, priva di tutte le idealizzazione, risolutamente diversa dalle immagini raffinate di Carramechci, dà caravaggio nel suo "Vakhe" (1596-1597, Firenze, Uffizi),

Alla fine del 1590, Caravaggio riceve il primo ordine principale per la creazione di tre dipinti per la Chiesa di San Luigi-de-Francise a Roma. Nell'immagine dell'altare, "l'onore dell'apostolo Matvey, la mano della quale guida l'angelo" (1597-1598, la foto morta durante la seconda guerra mondiale) Caravaggio ha rifiutato qualsiasi idealizzazione dell'Apostolo, raffigurante una veridicità senza fine la forma di una persona dalla gente. Tale immagine ha causato una forte condanna di clienti che hanno chiesto la sostituzione dell'immagine all'altra, opzione più accettabile per loro. In una delle seguenti composizioni dello stesso ordine che rappresenta la "chiamata dell'apostolo Matteo" (1598-1599), Caravaggio ha dato il primo esempio della cosiddetta pittura "cantina". In questa immagine, prevale la tonalità scura, opposta a parti bruscamente illuminate, particolarmente importanti per la composizione: teste, contorni di figure, gesti delle mani. Questa tecnica aveva un effetto particolarmente definito sulla pittura europea del primo terzo del XVII secolo.

I primi anni del 17 ° secolo (1601-1603) sono dati da uno dei più famosi capolavori della pittura del Caravaggio - "posizione nella bara" (Roma, Pinakotek Vatican). Costruito in diagonale in altezza, questa composizione è caratterizzata da espressività di emergenza e vitalità delle immagini; In particolare, la figura dello studente pendente che sostiene le gambe del Cristo morto è stata trasferita al realismo finale. Lo stesso realismo non idealizzazione si distingue per diversi anni dopo "Assunzione di Maria" (1605-1606, Louvre). Più leggermente toccato dal flusso del corpo sdraiato della Madonna in profondo dolore, gli alunni di Cristo sono in piedi. La natura della famiglia del genere del dipinto, in cui l'artista si ritirò risolutamente dal trasferimento tradizionale del tema, ha causato nuovamente i reclami della Chiesa.

Il temperamento ribelle del Caravaggio lo ha costantemente portato a collisioni con l'ambiente. È successo in modo che durante un litigio uccise il suo avversario sul gioco della palla e fu costretto a fuggire da Roma. Nella biografia del Maestro, è stata aperta un nuovo stadio, segnato da una variazione costante del luogo. Dopo un breve soggiorno a Napoli, risulta essere sull'isola di Malta, dove nel servizio del nonno del Grandmaster dell'ordine maltese ha un maggiore successo, è in costruzione nel grado del nobile, ma presto, dopo un nuovo litigare, viene in prigione. Appare quindi di nuovo a Napoli, dopo di che riceve il permesso di tornare a Roma, ma a causa dell'errore delle autorità che lo prendono sull'altro, la proprietà è privata della proprietà, cade su una spiaggia deserta e muore dalla febbre.

A questo tardo periodo di creatività, il Master ha creato diverse opere meravigliose. Il più eccezionale può essere classificato come impatto del realismo dell'immagine "Ritratto del nonno del Grandmaster dell'ordine maltese di Aloof de Vinyakura" (1608), oltre a uno eccezionale per la semplicità della storia e della profonda umanità " Adorazione dei pastori "(1609, Messina).

Il lavoro del Maestro, la diversa mappatura della novità della vita e la peculiarità delle pittoresche tecniche, ha avuto l'influenza più forte su molti artisti, sia gli italiani che quelli che lavoravano a Roma nella Roma. Pertanto, era l'incentivo più importante dello sviluppo del realismo nella pittura paneuropea del XVII secolo. Tra gli italiani, i seguaci più importanti di Caravaggio appartengono a Orazio Dustlezki (1565-1647).

Domenicino. Per quanto riguarda i discepoli più vicini e i continue dell'arte di Karratic, allora Dominicino è particolarmente eccezionale tra loro. Domenico Callets, soprannominato Domenicino (1582-1641), è noto come il più grande rappresentante della monumentale pittura del fresco narrativo nel 17 ° secolo. Combina la lente di ingrandimento idealizzata, ma preservando la naturalezza delle forme con la gravità della trasmissione del contenuto. Queste caratteristiche sono per lo più colpite dal murale della Chiesa romana di Sant'Andrea-Valle (1624-1628), dove alla fine dell'Aksida tra lo stucco, bianco con oro, l'ornamento Domenicino raffigurato scene della narrazione evangelica dal La vita degli Apostoli Andrei e Pietro e sulle vele della cupola - quattro angeli evangelici circondati da angeli. Dal Masters Masters Master è la più famosa "L'ultima comunione di San Girolamo" (1614, Roma, Vaticano). La classica delle forme causate da parzialmente dalla Passione di Rafael è combinata nell'interpretazione delle persone con una sensazione religiosa profonda. Le opere Domenicino sono spesso contrassegnate dal carattere lirico delle immagini. A questo proposito, la sua prima "ragazza con un unicorno", scritto sopra la porta d'ingresso della Galleria Palazzo Farneza, e in particolare l'immagine, chiamato "Hunt Diana" (1620, Roma, Galleria Borghese). L'immagine raffigura una competizione di satelliti Diana in tiro con l'arco e l'episodio dell'aspetto tra loro. La naturalezza del drenaggio è intensificata dalla freschezza dell'interpretazione delle immagini.

Francesca Albani. Francesco Albani (1578-1660) era principalmente un artista-Stankista e interessante, a proposito, introducendo un nuovo tipo di stoffa - piccoli, i cosiddetti dipinti "gabinetto" progettati per decorare i locali dei volumi limitati. In loro, Albani solitamente raffiguravano paesaggi idilliaci, contro lo sfondo di cui fluish e ballano le figurine dell'amurov.

Guado Reni. Guido Reni (1575-1642), che è stato diretto dopo la carrenta, il capo della scuola di Bologna, nel primo periodo della sua creatività ha sperimentato l'effetto dell'arte del Caravaggio. Si manifesta in assenza di idealizzazione di immagini e contrasto di taglio dell'illuminazione ("Crocifissione dell'apostolo Pietro", ca. 1605, Roma, Vaticano). Presto, tuttavia, Reni produce il proprio stile rappresentando l'espressione più vivida di una delle correnti osservate nell'arte dell'Italia del XVII secolo. Questa è la cosiddetta direzione "classica" del primo barocco è caratterizzata dalla moderazione del linguaggio artistico, nonché dalla rigidità di forme idealizzate. Con tutta la completezza del modo di Guido Reni rivela per la prima volta nella famosa "Aurora" (1613-1614, Palazzo Rospilosi), scritto nella tecnica degli affreschi sul flafone della Roman Palazzo Rospillosi. Sullo sfondo del cielo giallo dorato, l'Apollo sul carro si precipita attorno alla danza della grazia. Volare davanti a lui fiori pilota Aurora a terra e conducono il mare, che non ha ancora toccato i raggi del sole. Interpretazione linearia-plastica delle forme, composizione bilanciata, costruita come un'immagine prodotta a macchina, così come l'oppressione di vernici diverse, ma calcolate, rendono questo affresco estremamente indicativo per la fase iniziale dello sviluppo della pittura decorativa barocca. Le stesse caratteristiche, ma con più goffrature, positive e appaiono nell'immagine successiva del cavalletto - "Atalanta e Ippoom" (circa 1625, Napoli). Nei suoi dipinti religiosi, Reni rende spesso le caratteristiche del sentimentalismo e mi dispiace. L'immagine dell'Hermitage "Youth Madonna" (1610) attira l'intimità del trasferimento di quelle impegnate nel cucito delle belle ragazze. In una serie di altre opere, l'idealizzazione delle immagini non esclude la loro naturalezza e profondità di sentimento ("Christ", Bologna, Pinakotek, 1613-1614; "Madonna con un bambino", New York, collezione privata, fine del 1620s.).

Il terzo decennio del 17 ° secolo apre una nuova fase dell'arte barocca, coperta dal concetto di "alto, o maturo, barocco". Le sue caratteristiche essenziali sono il rafforzamento del dinamismo ed espressività delle forme, il loro dipinto del loro trasferimento e il rafforzamento di emergenza della decoratività. Nel dipinto alle caratteristiche contrassegnate si unisce all'intensa la colorazione.

Giovanni Lanfranco. Uno dei Maestri che rivendica il dominio di un nuovo stile, Giovanni Lanfranco (1580-1641), basato principalmente sull'arte monumentale di Korredjo, del 1625 crea il suo dipinto della cupola di Sant'Andrea-della Valle, raffigurante il "Paradiso" . Avere cerchi concentrici innumerevoli figure - Madonna, santi, angeli, prende l'occhio dello spettatore in uno spazio infinito, al centro di cui la figura luminosa di Cristo è raffigurata. Per questo artista, è anche caratterizzato combinando figure in ampie masse che formano flussi pittoreschi di luce e ombra. Le stesse tecniche di pittura sono ripetute nei dipinti della macchina di Lanfranco, tra cui uno dei precedenti è la "visione del Santo Margarita Cortonskaya" (Firenze, Palazzo Pitti). Lo stato dell'ecstasy e la costruzione di gruppi in diagonale sono estremamente caratteristici dell'arte barocca.

Grumposamente. L'illusione barocca convenzionale degli spettatori degli spettatori dello spazio è ancora decisamente definita da Lanfranco, espressa dalla sua contemporanea Francesco Barbieri, che è soprannominata (1591-1666). Nel Plafon Palazzo, Ludovisi a Roma (1621-1623), così come nel suddetto flafono, Gvido Reni, è raffigurato Aurora, questa volta portando il carro tra il cielo nuvoloso. Le composizioni raffigurate lungo il bordo dei vertici delle pareti e dei cipressi furiosi quando si considera da un certo punto di vista creano l'illusione di continuare la vera architettura della stanza. Grobrikino, che, com'era, il legame tra le maniere artistiche di Carramechi e Caravaggio, prende in prestito al primo carattere delle sue figure, la seconda - le tecniche della sua pittura in bianco e nero. "La sepoltura di St. Petronillo" (1621, Roma, Galleria Capitol) è uno degli esempi visivi di pittura della fraternità precoce, in cui la naturalezza delle immagini è combinata con l'ampiezza e l'energia dell'esecuzione pittorica. Nella "esecuzione di sv. Catherine "(1653, Hermitage), come in altri lavori successivi del Maestro, la veridicità delle immagini è sostituita dall'eleganza della composizione.

Domenico Fetty. Di altri artisti di questo periodo, dovrebbe essere menzionato anche Domenico Fetty (1589-1624). Nelle sue composizioni, gli elementi di un genere domestico realistico vanno d'accordo con una ricca tavolozza colorata, che l'arte di Rubens ha avuto il suo impatto. I suoi dipinti "Madonna" e "Tobit di guarigione" (1620s., Eremo). Diverso del suono e dei flash soft, ti permettono di fare una certa idea delle colorate missioni dell'artista.

Lorenzo Bernini. La figura centrale dell'arte alta barocca è l'architetto brillante e lo scultore Lorenzo Bernini (1599-1680). La scultura del Maestro rappresenta una connessione unica di tutte le caratteristiche caratteristiche dello stile barocco. Unito organicamente la nitidezza limite dell'immagine realistica con immensa larghezza di visione decorativa. Questo si unisce alla proprietà insuperabile della tecnica di lavorazione del marmo, del bronzo, della terracotta.

Il figlio dello scultore, Lorenzo Bernini appartiene ai Maestri, molto presto con la loro lingua d'arte e quasi dai primi passi raggiungendo la maturità. Per circa il 1620, Bernini ha creato diverse sculture in marmo appartenenti a capolavori indiscussi. Il 1623, la sua statua "David" (Roma, Galleria Borghese) risale. Si distingue per la straordinaria abilità di trasmissione realistica della tensione delle forze spirituali e fisiche dell'eroe biblico raffigurato al momento del lancio della pietra di Prash. Due anni dopo, viene eseguito il gruppo Apollo, perseguendo Daphne (1620, Roma, Galleria Borghese). Il dipinto delle forme delle figure corrente e dell'eccezionale perfezione del trattamento superficiale sono completate da una rara finezza dell'espressione di Daphne, che non ha ancora sentito performando metamorfosi (girando in un albero di alloro), e Apollo, che lo capisce La vittima sopraffarsa è irrimediabilmente persa.

Il ventesimo e il trentesimo anni del XVII secolo - il tempo della polizia dell'URBAN VIII - rafforza la posizione di Bernini come artista leader a Roma. Oltre a numerose opere architettoniche, crea una serie di sculture monumentali, ritratti, oltre a opere di natura puramente decorativa. Da quest'ultimo, il più perfetto appartiene alla fontana di Roma Triton (1637). I contorni bizzarri dell'enorme guscio, che i delfini sono mantenuti, e gli alberi rumimentati sopra sono armonizzati con flussi di acqua che cadono.

La decoratività più pronunciata della maggior parte dei lavori del mago può essere contrastata con le più importanti passi delle attività di Bernini incredibile nella nitidezza realistica delle caratteristiche relative al 1630 ° ritratti di Constance Buonarelli (Firenze, Museo Nazionale) e Cardinale Scyiona Borghese (Roma , Galleria Borghese).

L'ingresso nel 1640 sul trono papale di innocente X ha portato alla rimozione temporanea di Bernini dal ruolo guida nella costruzione e nella decorazione di Roma. In breve periodo che lo separa dal riconoscimento ufficiale appena arrivato, Bernini esegue una serie di nuove opere meravigliose. Tenendo presente il temporaneo non riconoscimento del suo merito artistico, crea un gruppo allegorico "Verità, che rivela il tempo". La figura temporale rimane insoddisfatta, ma la figura femminile allegorica seduta sta colpendo l'estrema espressività delle forme realistiche.

Il capolavoro della monumentale scultura barocco era il famoso gruppo "Ecstasy St. Teresa ", adornante Cornaro Cornaro Corno Church-Vittoria Church (1645-1652), un angelo con una freccia nella sua mano oltre la santa estasi. I sentimenti di Teresa sono espressi con tutta l'inespressibilità della trasmissione realistica. L'interpretazione del suo ampio abbigliamento e la figura angelo comprende le caratteristiche del decorativo. Colore bianco di un gruppo di marmo posizionato sullo sfondo dei raggi dorati, si fonde con sfumature colorate dell'ambiente architettonico di marmo colorato in un elegante ensemble di colore. Tema ed esecuzione sono molto caratteristici dello stile del barocco italiano.

1628-1647 è dato da un'altra delle creature di revisione di Bernini - la lapide di Papa Urban VIII nella Cattedrale di San Peter a Roma. Secondo la grandezza dell'epressività del piano e abilità della soluzione di plastica, questo monumento appartiene alle meravigliose opere di scultura della tomba. Sullo sfondo di un marmo di marmo colorato, un piedistallo bianco con una figura di bronzo espressiva del papà è elevata. La sua mano sollevata per i rapporti di benedizione figura la terribile grandezza. Sotto sui lati del sarcoforo di marmo verde sono figure bianche, personificando le virtù della giustizia di VIII-VII - saggia e misericordia. La crescita dovuta alla semi-imaging del bronzo del sarcofago dello scheletro alato si attacca al bordo del piedistallo con il nome inscritto del defunto.

Il periodo di non riconoscimento temporaneo di Bernini viene sostituito presto con lo stesso innocente x riconoscimento del suo capo ufficiale della scuola romana, e quasi con maggiore fama di prima. Delle opere scultoree della seconda metà del Bernini, il Grandioso Dipartimento del Bronzo della Cattedrale di Sant'Anno Pietro a Roma, la figura dell'imperatore Konstantin (Ibid.) E in particolare la creazione di un nuovo tipo di ritratto, il modo migliore del fatto che il busto di marmo di Louis Xiv, pieno di un maestro durante il suo soggiorno nel 1665 (su invito di il tribunale francese) a Parigi. Quando si costruisce espressività, i tratti del viso, l'attenzione principale è focalizzata sulla decoratività del tutto, raggiunta dalla pittoresca interpretazione dell'enorme parrucca dalla pittoresca interpretazione dei riccioli e come se fosse scalata dal vento fluttuante drappeggio.

Dotato di eccezionale espressività, l'originalità dello stile visivo e della perfezione delle competenze tecniche, l'arte di Bernini ha trovato innumerevoli fan e imitatori che influenzano l'arte plastica dell'Italia e di altri paesi.

Petro Sì Norton. Dai pittori, il più significativo per lo stile dell'alto barocco è il Pietro Berrettini da Norton (1596-1669). Inizialmente nominava con i suoi dipinti a macchina multidurizzati ("Victory Alexander Macedonsky sopra Darim", "Abduzione di Sabinjanok" - il 1620, entrambi - il Museo Capitol, Roma), in cui ha trovato una profonda conoscenza della cultura materiale dell'antica Roma, acquisita come risultato dello studio dei monumenti antichità. Ma le principali conquiste di Nortes appartengono al campo di dipinti decorativi monumentali. Tra il 1633 e il 1639, svolge il Grand Plafof a Palazzo Barberini (Roma), che è un campione luminoso di pittura decorativa barocca. Il Plafof glorifica la testa della casa Barberini Papa Urban VIII. Nello spazio coperto dalla pesante cornice rettangolare, è raffigurata circondata da un insieme di personaggi allegorici la figura della saggezza divina. Sulla sinistra sopra si toglie in cielo una ragazza sottile con una corona di stelle nelle braccia alzate, personificando l'immortalità. Anche sopra, potenti forme del Muz, che servono come promemoria dell'attività poetica di VIII urbano, portano una corona enorme, nel centro di cui tre api di Barberini volano. Sulle cornici del telaio, sulla rotonda della transizione verso le pareti, le scene mitologiche sono raffigurate, in una forma allequiscente che racconta le attività del Papa. La ricchezza dei pittoreschi motivi, la diversità e la vitalità delle immagini corrispondono alla Sonicità del tutto.

La fusione organica caratteristica dello stile monumentale è la fusione biologica in un unico sistema decorativo di architettura di composizioni, pittura e ornamenti in plastica trovarono l'espressione più completa nel dipinto di un certo numero di sale del Palazzo a Firenze (1640), denotate dai nomi degli dei dell'Olimpo. La glorificazione dei medici a casa si distingue da una straordinaria varietà di composizioni. Il più interessante è il soffitto che decora la sala di Marte e legge sulle virtù militari dei proprietari di Palazzo. Inerenti a questa immagine delle dinamiche, l'asimmetria della costruzione, così come l'irrazionalità della composizione, espressa nel fatto che i polmoni dell'amurov sostengono il massiccio stemma di pietra dei Medici, appartengono alle espressioni estreme di Lo stile barocco, che ha raggiunto la sua completezza.

Allo stesso tempo, le tendenze realistiche sono sviluppate nel lavoro di un certo numero di maestri italiani, preferibilmente lavorati fuori da Roma.

Salvatore rosa. Gli artisti più originali della metà del 17 ° secolo appartengono al Salvator Rosa (1615-1673), che non era solo un pittore, ma anche un poeta, Pamphletistic e attore. Un nativo di Napoli, dove l'influenza della scuola di Karavago era particolarmente resistente, la rosa è vicina all'ultima realtà di immagini e maniera di pittura con ombre scure. Il tema della creatività di questo artista è estremamente diverso, ma il più importante per la storia dell'arte è le sue numerose scene di battaglie e paesaggi. In composizioni di battaglia, un rapido temperamento dell'artista è stato eseguito in piena forza. Un genere di battaglia simile, scelto dagli imitatori, sarà diffuso in tutta l'arte europea. Paesaggi maestri raffiguranti le coste rocciose del mare, a causa dei motivi della natura nella foto, le dinamiche della composizione, un forte contrasto di illuminazione e l'emotività di una soluzione generale può essere definita romantica. Così, possono essere opposti ai classici paesaggi della scuola di Carragejevsky e ai paesaggi tutti terribili delle scuole settentrionali. Tra i dipinti di grandi dimensioni, le rose sono assegnate immagazzinate nell'eremo "Odyssey e Navykaya" (1650s.) E "Democratico, sorpreso dall'agilità della Protagoda" (allo stesso tempo). Servono come esempi eccellenti di stile narrativo e maestri scenici.

Dalle anni Sessanta, l'ultimo XVII secolo l'ultima, la fase più lunga dello sviluppo dell'arte barocca d'Italia, il cosiddetto "più tardi barocco". È caratterizzato da un rigore più piccolo di costruzione di composizioni, maggiore facilità di figure, particolarmente evidenti in immagini femminili, in crescita di deflussi di colore e, infine, ulteriore miglioramento della decorazione.

Giovanni Battista Gauli. Il principale espressivo di nuove tendenze della pittura è Giovanni Battista Gauli (1639-1709), noto come uno Stankista e come artista che ha creato un certo numero di affreschi. La sua arte confina attentamente l'arte del defunto Bernini. Per i migliori lavori, Gauli appartiene al suo precoce, stagionato nei colori vivaci delle vele imballate dell'anice Sant Anise-in-Piazza-Navona a Roma (circa 1665). Invece di evangelici, l'architettura della Chiesa più comune in questi luoghi, Gauli ha ritratto la facilità di scene allegoriche delle virtù cristiane. Particolarmente attraente è quello in cui sono rappresentate due giovani ragazze, di cui si posiziona la corona di fiori a un altro. Le opere dello stile maturo dei Gali sono i dipinti del Plafon, della cupola e dei re dell'Absida della Chiesa principale dell'Ordine del Gesuita Il-Jesu a Roma (1670-E-init 1680s.). Questo soffitto, noto come il "culto del nome di Gesù", è molto indicativo per lo stile del tardo barocco. Tra l'architettura scritta, che continua le reali forme della Chiesa, presentata alla profondità dello spazio celeste, pieno di innumerevoli figure, come onde traboccanti dal buio a tutti i gruppi più leggeri. Un'altra vista delle pittoresche opere del Maestro sono il suo privo di tutti i tipi di guanti decorativi, ritratti di contemporanei psicologicamente superbamente caratterizzati ("Papa IX", Roma, Galleria di San Luki; "Ritratto di Bernini", Roma, Galleria Corsini) .

Andrea Pozzo. La ricerca dell'illusione di costruzioni architettoniche raggiunge il suo più alto sviluppo nel lavoro di Andrea Pozzo (1642-1709). Il suo prodotto capitale è l'affresco di inondazione della chiesa di Saint-Inhacio a Roma, si affacciava dal Central Nef, mostrato da Tiers of Terraces, Arcade, un Colonnato di pareti da corsa, oltre alle quali Ignati Loyola si distingue tra le numerose figure, crea l'illusione dello spazio architettonico. Come altre plaffoni simili, la leggerità e la correttezza della costruzione sono immediatamente violate non appena lo spettatore si allontana dal punto a cui è stato calcolato.

Anche il napoletano Luke Jordano (1632-1705) appartiene ai più famosi maestri di pittura decorativa (1632-1705). Un maestro talentuoso ed estremamente prolifico, era ancora privato della forza e dell'originalità interiore e spesso imitavano altri artisti. Per le sue migliori opere appartengono alla famiglia glorificatrice di Medici Florinentine Palazzo Ricardee.

Nel campo della pittura a macchina da contemporanei di questi artisti, è distinta una scuola romana della fine del XVII secolo Carlo Maratta (1625-1713) (1625-1713). Prese il posto del più grande rappresentante del tardo barocco. I suoi dipinti di altare sono caratterizzati dalla levigatezza delle linee e dalla magnifica calma delle composizioni. Come artista forte, si scoprì nel campo del ritratto. Tra le sue opere è assegnato dal caratteristico e magnifico eremitagono di pittura "Ritratto del Papa di Clement IX" (1669). Francesco Solima (1657-1749) che ha lavorato a Napoli nei suoi dipinti biblici e allegorici di nitidi contrasti di luce e ombra portano alla memoria delle tecniche di Caravaggio, ma li usa in composizioni puramente ornamentali. Late Bologna Giuseppe Maria Kressee (1664-1747), che è uno degli artisti dotati del periodo in considerazione, ha avuto una forte influenza sul dipinto del XVIII secolo. I maestri caratterizzano un orientamento realistico fortemente pronunciato. Si manifesta nelle composizioni religiose, così visivamente nei suoi dipinti domestici ("la fine di San Giuseppe", circa 1712, eremitage; "Serie dei misteri", 1710th, Dresda Gallery).

Nel XVII secolo, l'Italia non era già il miglior paese, che era nell'epoca del Rinascimento. Il paese si è rivelato frammentato da piccoli principati coperti da internecakes permanenti catturati da un dominio straniero. Lasciato a causa di grandi scoperte geografiche oltre ai principali centri economici, l'Italia nel XVII secolo sta vivendo una profonda crisi. Tuttavia, il livello, si può dire alla laurea, alla vita artistica, intenso lavoro spirituale della nazione, il tono della cultura è lontano da sempre dipende dal livello di sviluppo economico e politico. Spesso alcuni inspiegabilmente in crudele, le condizioni più inadatte, sul terreno più saporito e sfavorevole prosperano un bellissimo fiore di cultura elevata e un'altezza artistica incredibile. È successo anche in Italia nel tardo XVI - primo secolo XVII, quando Roma, affidandosi a una tradizione culturale secolare, è stato reagito 30-40 anni prima di altri paesi europei ai cambiamenti nell'era storica, a nuovi problemi che il nuovo Era mette davanti alla cultura europea. Per un breve periodo di tempo, l'Italia rianima la sua influenza sulla vita artistica del continente, è qui che appaiono i primi lavori di un nuovo stile barocco. È formato dal suo carattere e dal suo spirito. Baroque in Italia divenne una continuazione logica dei risultati dell'arte degli epoche precedenti, come la tarda creatività di Michelangelo o architettura italiana dell'ultimo trimestre del XVI secolo. I principi dell'arte barocca erano formati nell'architettura di Roma, che era il centro per lo sviluppo del pensiero architettonico della partecipazione dei secoli e ha attratto un enorme numero di maestri di diversi paesi.

L'immagine della chiesa di Il-Jesu era così rilevante, vicino allo spirito dell'epoca e riflettendo nuove caratteristiche della visione del mondo, che divenne un prototipo per molte chiese cattoliche d'Italia, nonché tutta l'Europa.

Chiesa di Ile-Jesu

Un esempio è la chiesa di Santa Susanna, costruita al fine di turno di secoli dall'architetto Karl moderno. La sua facciata è un po 'più compatta di quella di Il-Jazu, tutte le forme e i dettagli sono combinati con un ritmo di ritmo comune, che non è interrotto dai livelli di separazione ANTABLEMENT. Al contrario, la parte anteriore del primo piano sembra essere ripetuta nell'energetica takele del fronton principale. Il ritmo, a partire dal piede del colon del primo livello, è attivamente raccolto dal ritmo dei pilastri del secondo piano. Questa unione dell'intera facciata in un singolo ritmo energetico enfatizza la ripetizione degli elementi dell'ordine su una scala diversa, così come le due voli dei segni già installati dell'era. La ricchezza della facciata è migliorata a causa della plastica attiva delle capitali di Corinthian, che fiorente le foglie lussureggianti dell'Akanfa e dei fiori. A causa delle carte volumetriche e dei rilievi, nonché, grazie alle statue della facciata in plastica ospitata nelle nicchie, è migliorata.

Santa Susanna.

Tutte queste parti, la loro complessa interazione dinamica, la tensione di superficie e i contrasti di illuminazione rafforzano l'espressività decorativa della facciata. Il muro si trasforma in una singola massa architettonica dotata di plasticità e dinamica, e come se subordinata alle leggi dell'essere organico. Non siamo a caso che ora sia in dettaglio in dettaglio sull'analisi dell'architettura di questi monumenti dell'architettura barocca. Nella loro interezza, caratteristiche caratteristiche, i dettagli che si sviluppano nell'architettura europea del XVISC, si manifestano in misura maggiore o minore in diverse scuole nazionali. Il monumento chiave di questa epoca da un lato ha convocato i risultati dello sviluppo precedente, e d'altra parte, l'inizio del nuovo stadio post-ricerca è la Chiesa di Il-Jesu, costruita sul progetto VIGOLI nel 1568. Il Parte brillante della Chiesa - La facciata è stata completata in 10 anni sul progetto dell'architetto Jacoma Della Port (Fig. 1). Il piano basilico della Chiesa è in qualche modo modificato in conformità con i bisogni e le esigenze del culto cattolico. La navata centrale con dominante su di lui con uno spazio semi-completo e una parte per altare accentata è incorniciata sui lati da piccole sfide, che trasformano milmis laterali. Tale appartenenza allo spazio interno non si riflette nell'esterno del tempio, sull'organizzazione della sua facciata, su cui sono concentrati tutti i mezzi di design architettonico e arredamento. Due livelli di facciata sono uniti da enormi voli, uno degli elementi preferiti dell'architettura barocca. Il mandato sulla facciata non è un riflesso dell'appartenenza interna degli interni. È più probabile che organizza ritmicamente il muro - è saturo con i suoi ritmi e l'energia interna. Questa energia ricca trattenuta offre un piè di pagina semicircolare sul portale centrale, ricordando i suoi contorni curvi, preparati per il tiro, per raddrizzare, cipolle, anche semi-finestre nel telaio delle finestre.

Il fascino del tempio considerato da noi, attività, il dinamismo della facciata, vedremo in una versione ancora più pronunciata in altre opere dell'architettura italiana del tempio barocco del XVII secolo, per esempio, nella Chiesa di Sant Inonya, Costruito nel mezzo del XVII secolo dall'architetto di Allegradi, nella Chiesa di Sant Anice, alla metà del secolo e alla Chiesa di Santa Maria in Compelli Architects Carlo Rainaldi e Bornombini. Mi piacerebbe particolarmente notare l'attività spaziale dell'architettura barocca e la sua connessione con lo spazio circostante di quadrato, strade, città.

Santa Maria a Completelli

Oltre alle plastiche espressive della stessa facciata stessa, una scala svolge un grande ruolo nella comunicazione con l'ambiente, come la facciata orientale di Santa Maria Maggiore, costruita nel 1673 dall'architetto di Carlo Rainaldi già menzionato da noi. Questa famosa scalinata, tre lezioni che si alzano sulle pareti del tempio, come se la sporgenza semicircolare dell'Abside orientale stia continuando fuori, collega l'edificio con il suo spazio circostante.

Santa Maria Maggiore

Le forme dettagliate semicircolari, curve e elastiche erano amate da un'architettura barocca, vicino al suo ritmo che si trasmetteva attivamente, come nella chiesa di Santa Maria della Pazù, al centro dell'architetto del XVII secolo Pietro de Cororton, dove il livello inferiore di La facciata dell'arco elastico viene ferito nello spazio esterno della strada esterna, il portico acquisisce semicircolare in termini di contorno.

Santa Maria de la Pazh.

Questo arco energetico viene ripetuto nella grande finestra centrale del secondo piano, e in un frontone a semicard, inscritto nella frontton, un edificio a corona triangolare. Un'altra famosa scalinata nell'architettura barocca è la scala reale o la cosiddetta "roccia di Reggia" costruita Lorenzo Bernini nel 1663-1666, collega la cattedrale di Santa Re Pietro e il Palazzo Vaticano. In questo edificio, Bernini resort a un trucco promettente, al gioco in generale, una caratteristica architettura barocca. Poiché la scala viene rimossa dalla piattaforma inferiore, e le colonne posizionate sui suoi passaggi si avvicinano e diminuiscono in altezza. Diverse altezze hanno ricevuto sia i passaggi stessi. Tutto ciò crea un effetto speciale. La scala sembra molto più alta di quanto sia davvero.

Crea l'impressione di una scala enorme e una grande lunghezza, che a sua volta fa una resa particolarmente spettacolare di Papa, il suo aspetto nella cattedrale durante il culto.

Principi barocchi costruiti nella forma nella loro espressione molto limite nelle opere dell'architetto Francesco Borrombini. Nei lavori di questo maestro, l'espressione delle forme raggiunge la sua massima resistenza e la parete di plastica acquisisce attività quasi scultorea. La facciata della Chiesa di San Carlo-Alla Fontana di Caparto a Roma, costruita nel 1634-1667, può essere un'eccellente illustrazione di queste parole. Questo tempio si trova all'angolo di due strade convergenti nella zona di quattro fontane, e allo stesso tempo Borrentings la facciata principale della Chiesa non rende la piazza, ma lo trasforma in una delle strade strette.

Fontana di San Carlo-Alla Coatatro

Questa tecnica crea un punto di vista molto interessante alla chiesa, in diagonale, sul lato, con un gioco rafforzato di illuminazione. Inoltre, questa posizione della facciata in relazione allo spazio interiore dell'edificio è completamente confuso dallo spettatore. L'esterno non parla nulla dell'interno, esiste in sé, indipendentemente dall'organizzazione dello spazio interno. Questo è un cambiamento significativo nell'architettura dixvii secolo. A differenza dell'architettura del Rinascimento, dove il design dell'edificio è sempre chiaro e letto chiaramente. Un ruolo costruttivo nell'architettura barocca cessa di giocare e ordinare. Diventa solo un dettaglio ornamentale che serve espressività dell'aspetto architettonico dell'edificio. Questo è chiaramente visto dall'esempio della facciata della Chiesa della Fontana di San Carlo-Alla Fontana, dove l'ordine perde la logica dell'architettura. E nel primo e nel secondo livello della facciata, vediamo colonne rotonde, invece dei tradizionali pilastri nel secondo piano. In questa facciata, in realtà non vediamo il muro, è tutto pieno di vari elementi decorativi. Il muro si dissolve, come se tutti riproducano le onde, poi parlando le colonne rotonde-protrusioni, quindi piegando, come se si approfondisca all'interno di niches-semicircolari, rettangolari. Gli antalle sono piegati in quell'interno, quindi le iscrizioni verso l'esterno non ricevono il completamento, il secondo piano antablement è rotto nel centro in cui è posizionato il cartiglio ovale, che è supportato da due angeli volanti. Le complicate dinamiche delle facciate e la plastica dello stress dell'esterno delle chiese dei Borrenti ricevono una continuazione negli interni dei suoi templi, ad esempio nella chiesa di Sant Ivo del 1642-1660. Nel piano, che è un rettangolo, dove varie scuote di nicchia si alternano tra le protrusioni triangolari delle pareti. Sembra che l'interno sia privo di logica interna, non è simmetrico, l'impulso e diretto verso l'alto, dove corrisponde al silenzio sotto forma della cupola di stelle.

La cupola delle chiese barocche di solito aveva un complesso studio architettonico e decorativo, combinando caissoni in se stessi e dimensioni, finitura scultorea, che ha aumentato l'impressione di movimenti e forme di decollo. Tale sintesi di arti peculiari al barocco, dove architettura, scultura e pittura servono come obiettivo comune dell'espressività del lavoro, vedremo nelle migliori opere dell'architettura barocca. Meravigliosi monumenti di architettura secolare - Palazzo, Palazzi Cavaliere, Residenze urbane e di paese, ville sono state create in Italia da architetti barocchi.

Forse l'esempio più sorprendente di tale struttura può essere Palazzo Barberini a Roma 1625-1663, nella costruzione del quale i migliori architetti dell'Italia XVII secolo Carlo Moderno, Lorenzo Bernini, Francesco Borurrini, Pietro de Cororton. Il layout esterno e interno del palazzo sul barocco è spaziale. Dal lato della strada, le ali estese formano un cortile di parata alla facciata principale di Palazzo, che è risolta nelle migliori tradizioni trattenute di architettura barocca. All'interno, a causa della costruzione anflad dello spazio, si apre gradualmente davanti allo spettatore, come se le scene sorelle nella rappresentazione del teatro. Barnoccoe eredita la precedente tipologia dell'epoca della villa di campagna, la residenza della nobiltà, che si trasforma in Un solido ensemble barocco con un parco terrazzato sulla collina collinare. La dinamica barocca preferita è espressa in uso frequente nei gruppi di superfici fluidi di acqua - cascate, corpi idrici, grotte, fontane, combinati con piccole forme architettoniche scultoree, con verdure naturali e tagliate. Ad esempio, questa villa è Aldobrandini a Foskatti, gli architetti del porto e Carlo Moduzerno.

Villa Borghese.

Villa Pamply, creata nel mezzo del XVII secolo, architetto, creato in mezzo al XVIII secolo, e Villa Borghese fu costruita nella prima metà del XVII secolo dall'architetto Vasanzio Friimi. Un tale carattere dell'ensemble dell'architettura barocca si è rivelata molto popolare e necessario nel XVI secolo, quando le città medievali iniziano a ricostruire, quando sorgono progetti di riqualificazione di riqualificazione delle parti urbane individuali di spazi urbani. Quindi, ad esempio, secondo il piano, il Fontano, l'ingresso principale di Roma dal Nord è stato associato ai più significativi ensemble della città. Da Piaza del sondaggio, tre strade rette radialmente divergete radialmente, e lo spazio della piazza era unito da due lo stesso in modo simmetricamente indossato gli angoli delle chiese della cupola dell'architetto Raidaldi, così come Obeliski e fontane. Per la prima volta, il sistema dettagliato a tre raggi del layout della città sarà popolare in Europa XVII-XVIIIVS popolare in Europa. Possiamo vedere la sua incarnazione anche nel layout di San Pietroburgo.

Il miglior insieme architettonico dell'Italia XVII secolo non è accidentalmente riconosciuto dalla piazza di Pietro a Roma, progettato Lorenzo Bernini nel 1657-1663.

Piazza St. Peter

In questo progetto, l'architetto ha risolto più compiti contemporaneamente. In primo luogo, questa è la creazione di un solenne approccio alla cattedrale - il capo tempio del mondo cattolico, così come la progettazione dello spazio di fronte a lui, destinata a cerimonie e celebrazioni religiose. In secondo luogo, questo è il raggiungimento dell'impressione dell'unità composita della cattedrale, gli edifici costruirono oltre due secoli con diversi architetti di stili diversi. E Bernini copre brillantemente con entrambe le attività. Dalla facciata, costruita all'inizio del XVIIV, l'architetto di Carlo è moderno, due gallerie sono deposte da due gallerie che si trasformano quindi in un colonnato, che, secondo Bernini, "come le braccia aperte avvolse l'area". Il colonnato diventa come una continuazione della facciata della modernità che risolve i suoi motivi. Nel centro di un'area enorme c'è l'obelisco, e le fontane sui lati sono fissate dal suo asse trasversale. Quando si passa attraverso l'area, lo spettatore percepisce la cattedrale come una sostituzione di una serie di specie e angoli in un movimento complesso e lo sviluppo delle impressioni. La facciata cresce di fronte allo spettatore al momento dell'approccio immediato ad esso, quando risulta essere di fronte all'area del trapezio davanti alla facciata della cattedrale stessa. Pertanto, la gradazione mozzafiato della cattedrale è preparata dal graduale aumento delle dinamiche del movimento durante la guida attraverso l'area.

L'architettura della barra della barra in Italia non ha dato a tali monumenti di opere equivalenti di barocco primitivo e maturo per la loro qualità artistica e altezza di stile. Gli architetti dell'ultimo terzo del XVII secolo hanno iniziato XVIII variano in una varietà di opzioni per l'assunzione di architetture barocche, spesso esagerando la forma, il sovraccarico, complicando eccessivamente la plastica e i ritmi. Uno dei migliori campioni in seguito architettura barocca è il lavoro dell'architetto Hvbanino Gvarini, che ha lavorato principalmente nel nord Italia. La Chiesa di San Lorenzo a Torino, che colpisce le vittime e la ridondanza delle sue forme è una delle sue opere tipiche.

Sant Lorenzo a Torino.

L'architettura barocca in Italia ha creato opere mozzafiato che hanno un'influenza enorme su tutta la cultura europea del XVII secolo.

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introduzione

Nella storia della letteratura italiana, il confine del XVII secolo. Come era letteraria, per lo più coincidendo con i confini del XVII secolo, anche se, naturalmente, non assolutamente accuratamente.

Nel 1600 a Roma, sulla piazza dei fiori, Gordano Bruno è stato bruciato. Era l'ultimo grande scrittore di revival italiano. Ma Roma, che circonda il falò di Bruno, era già detenuto da chiese barocche. Il nuovo stile artistico è nato nel profondo del secolo precedente. Era un processo lungo e graduale. Tuttavia, aveva una specie di "graduale gap", la transizione a una nuova qualità. Nonostante il fatto che i sintomi individuali e abbastanza impressionanti del barocco siano osservati in Italia durante la seconda metà del XVI secolo ", la vera frattura si verifica alla svolta dei secoli XVI e XVII e allo stesso tempo in molte arti - architettura , Pittura, musica. E anche se i resti del manierismo in Italia continuano a influenzare il primo, e anche nel secondo decennio del XVII secolo., In sostanza, superando il porcoismo in Italia può essere considerato completato da 1600 "(B. R. Vipper).

Entro il 1600, molti scrittori italiani del XVII secolo. - Campanella, Sarpi, Galilea, Boccacalini, Marino, Chiabira, Tassoni - erano già

scrittori abbastanza formati; Tuttavia, le opere più significative del barocco e del classicismo sono create da loro solo nei primi decenni del nuovo secolo. La frontiera tra le due epoche è chiaramente desiderata, ed era già visibile ai contemporanei. La "graduale rottura" si riflette nell'autocoscienza della cultura e ha dato origine a una forte opposizione della modernità in passato, e non solo l'antichità greco-romana, ma anche il rinascimento classico. "Nuovo", "moderno" diventa all'inizio del XVII secolo. Parole di moda. Si trasformano in una sorta di pianto di battaglia, con il quale vengono attaccate le tradizioni e le autorità vengono accese. Galilea pubblica conversazioni su "nuove scienze"; Chiabiara parla del desiderio, come il suo Countryman Columbus, "Apri nuove terre" in poesia; Il poeta più popolare del secolo - Marino dichiara di non sorridere affatto "stare nella stessa fila con Dante, Petrarca, Fra Gwitton e Izh con loro", perché il suo obiettivo è quello di "risolvere il vivo", e il L'estetico Tesauro assicura che la moderna lingua letteraria la lingua dei grandi twitters - Dante, Petraks e Boccaccio superati. All'inizio del XVII secolo. Gli scrittori italiani parlano spesso della superiorità della loro era nel tempo di coloro che sono passati, sulla rapida crescita della conoscenza umana, sull'assolutezza del progresso. L'espressione più vivida è un nuovo atteggiamento verso le autorità e le tradizioni ben consolidate che trovano nelle opere di Alessandro Tassoni, il poeta, il pubblicista e una delle più brillanti critiche letterarie del XVII secolo. Le sue "riflessioni sulle poesie di Petrarki" (1609) e in particolare dieci libri di "Vari pensieri" (1608-1620) - Un anello importante nella preparazione di tale "disputa sugli antichi e nuovi autori", che, sul risultato di Il XVII secolo, si svolgerà in Francia.

A prima vista, può sembrare che la sua glorificazione del nuovo tempo, il progresso della conoscenza e della poesia italiani italiani del XVII secolo. Ricorda agli umanisti Quattrocerto - Janozzo Manetti o Martyo Fechino. In effetti, non lo è. Una polemica feroce con le ricerche precipitose, febbrili per una nuova, insolita, stravagante, così caratteristica dell'intera atmosfera artistica dell'Italia XVII secolo, in se stessa non servono come garanzia dell'autenticità dell'innovazione della letteratura sedicista. D'altra parte, la negazione delle tradizioni culturali del secolo scorso non sempre implica negli scrittori italiani del XVII secolo. Atteggiamento entusiasta e scusato verso il suo tempo. Altrettanto consapevole del divario profondo tra il XVII secolo. E il periodo che lo precede, tali scrittori come Tesauro e Campanella erano completamente diversi dalla realtà socio-politica dell'Italia moderna. Se Gesuit Tezauro con tutto il suo "modernismo" barocco era un conservatore politico, separato dalle posizioni retrogrado della Chiesa cattolica, allora l'incorreggibile "eretico" di Campanella, con tutta la sua religiosità e prestito medievale allo "studio dei tempi", divenne Un riformatore sociale, che era persino in astronomia, i segni dei prossimi catacliss pubblici progettati per vedere il sistema feudale e approvare il regno di lavoro, la giustizia e l'uguaglianza della proprietà sul relitto.

Non così taglienti, ma anche discrepanze fondamentali nelle stime sia della realtà moderna che del contenuto di "nuovo" nell'arte e della letteratura esistevano tra Kyabreroy e Marino, tra Tassoni e Lanchellotti, tra Sarpi e Sforza Pallavicino. Nel suo contenuto letterario ed estetico del XVII secolo italiano - un periodo di complesso, socialmente disomogeneo e estremo contraddittorio. È incomparabilmente più controverso della rinascita che lo precede. E questo si riflette anche nella sua autocoscienza. Se il classico rinascimento dialetticamente ha rimosso le sue contraddizioni nell'armonia più alta, quasi assoluta di immagini artistiche e sintesi ideologica, poi il XVI secolo italiano, al contrario, in ogni modo l'incoerenza delle contraddizioni inerenti in lui. Costruisce disarmonia dinamica nel principio strutturale della cultura e mette l'antitrizza per la base del suo stile principale e dominante. Per modificare la "persona universale" sviluppata in modo completo del revival italiano, calmo, maestoso e "divino" nella sua "naturalezza", nel XVII secolo. Arriva l'uomo barocco italiano - un pessimista edonistico, nervoso, dolorosamente irrequieto, stravagante, in una spaziatura medievale tra lo spirito e la carne, tra la "Terra" e il "cielo", estremamente sicuro di sé e, allo stesso tempo, sempre tremante La delizibilità della morte e della fortuna, nascondendo la sua vera faccia sotto una maschera teatrale luminosa e volgare. Nel XVII secolo Anche i pensatori più avanzati e audaci, continuando nelle nuove condizioni storiche del Rinascimento, perdono l'integrità interna, che era così caratteristica dei titani dell'era passata.

Tuttavia, parlando del declino assoluto della cultura italiana nel XVII secolo. - Come spesso è stato fatto - è impossibile uno dopo il fatto che l'Italia più sepatica ha continuato a rimanere parte dell'Europa occidentale, della cultura

Illustrazione:

Giovanni Lorenzo Bernini.
Exstas. Terezia.

1645-1652.
Roma, Chiesa di Santa Maria della Vittoria

che in questo momento era in aumento, compensando la perdita di integrità rinascimentale non solo dalle grandi scoperte naturali scientifiche, ma anche significative conquiste estetiche. Nella prima metà del XVII secolo. Il linguaggio della letteratura italiana era ancora la lingua di una società europea istruita, sebbene fosse già qualche francese e parzialmente spagnolo. In alcune aree della vita culturale, l'Italia ha ancora mantenuto una posizione di leadership in Europa e ha persino acquisito nuove posizioni. Quest'ultimo si riferisce principalmente alla musica. Nel 1600, il poeta Ottavio Renuchchini e il compositore Jacopo Pier ha mostrato a Firenze il dramma musicale "Eurydika", che ha iniziato l'inizio dell'opera, o, come hanno detto, sottolineando la sincreabilità di un nuovo genere e la sua integralità dalla letteratura ", Melodrame ". Le grandi opere di Claudio Monteverdi hanno seguito "Euridic": "Orpheus" (1607), "Ariadne" (1608), "Coronazione del papavero" (1642). Il mondo sconosciuto si è aperto prima dell'umanità. Nella musica - Opera, oltre a strumentale (Frescaldi, Korelli) - il XVII secolo italiano ha lasciato molti valori estetici irreversivi. La musica italiana ha fornito lo stile barocco - Monteverdi lo ha definito "Stil Concetoto", lo stile "eccitato", "eccitato", - lo stesso posto onorevole nella cultura artistica europea, che prima di questo è stato preso dallo stile della tragedia attica, gotica francese Cattedrali e poesia del Rinascimento italiano, francese e inglese.

Significativo successo ha raggiunto l'Italia e nel campo delle belle arti. In architettura, pittura e scultura, il barocco è stato formato prima che a Roma, dove è stato creato Giovanni Lorenzo Bernini, Pietro e Cortona, Francesco Borrison. Sulle loro opere, artisti della Francia, Spagna, Germania ha studiato non solo decoratività e pomposità, ma anche nuove forme di espressività, riproduzione del movimento, esperienze e capacità personali intime, anche nel ritratto scultoreo, catturare la vita dell'ambiente del ambiente.

Tuttavia, non dovrebbe essere pensato che l'impatto dell'Italia sull'architettura, dalla scultura e della pittura del resto dell'Europa sia stato limitato nel XVII secolo. La sfera dell'arte corte-aristocratica. Ancora più che l'esempio di Lorenzo Bernini e Pietro e Corton, gli esperimenti audaci di Carramechci annali hanno influenzato la cultura artistica europea ("Butcher's Logging", "Bob Estate") e il possente genio di Caravaggio, le cui opere sono state introdotte in pittura italiana XVII secolo. Nuovi aspetti del mondo reale, più democratico rispetto all'arte dei classici temi rinascimentali, situazioni, immagini. In un modo o in un altro "carovagismo" riflette nel lavoro di quasi tutti gli artisti meravigliosi della Spagna, delle Fiandre, dell'Olanda e in particolare quelli dei quali erano chiamati i più grandi realisti del XVII secolo. - Velasquez e Rembrandt.

Risultati eccezionali raggiunti nel XVII secolo. Scienze italiane. Sostituire le accademie letterarie del Rinascimento, degenerate nel XVII secolo. Nei Great Salons, che ha compiuto la poesia per divertimento e Junning, venne la scienze naturali dell'Accademia: Accademia di Dei Linchi (Accademia di Ryshi) a Roma, Accademia di Deli Investigative (Accademia dei ricercatori) a Napoli, Accademia di Del Chopoto (Accademia di Conoscenza esperta) a Firenze. Nella vita letteraria dell'Italia XVII secolo. Hanno svolto un ruolo, in molti aspetti simile al ruolo dei circoli filosofici di Quattrocho. È con loro, di norma, era collegato in questo momento la formazione del classicismo italiano. In questo senso per

xVII secolo italiano La creatività di Galileo Galileo è estremamente caratteristica del più grande scienziato e del più grande scrittore di Seato, che non aveva meno, piuttosto che Dante e Machiavelli sulla formazione della prosa nazionale italiana.

I successi dei musicisti italiani, degli artisti e dei naturalisti non hanno escluso il fatto che in generale la cultura dell'Italia seictytiana non ha alzato il livello del Rinascimento classico. Inoltre, a differenza della cultura dell'Olanda, dell'Inghilterra e della Francia, si è sviluppata principalmente sul ritorno verso il basso. Se all'inizio del XVII secolo, quando l'impatto del barocco italiano sulla letteratura dell'Europa occidentale si manifestava con una forza speciale, Jambattiste Marino non solo è stato l'idolo della Corte Society di Parigi, ma potrebbe anche influenzare la teofily de Vio e Poussin, poi negli anni '70, il legislatore del "buon gusto" del "buon gusto" dell'Europa occidentale direbbe in modo sprezzante:

Lasciare gli italiani
Tinsel vuoto con il suo falso lucido,
In totale, il significato è più importante ...

Nel brusco cambiamento dei gusti artistici, così caratteristici per la fine del XVI - primo XVII secolo, rifletteva cambiamenti qualitativi che si sono verificati in questo momento nelle strutture politiche, economiche e sociali dell'intera società italiana. I progressi della letteratura italiana erano relativi principalmente perché nel XVII secolo. Letteratura in Italia si sviluppò nelle condizioni di declino dell'economia e, forse, ancora più importante del degrado sociale di precisamente quegli strati pubblici, che prima di ciò è stato reso possibile il blossom magnifico e relativamente lungo della cultura della rinascita italiana.

Alla fine del XVI secolo, la risposta feudale-cattolica ha interrotto l'economia e ha ricevuto un'ampia base per la sua ulteriore espansione. Il capo della reazione era la Roma papale, che è stata gestita nel XVII secolo. Allegarsi ai suoi territori a Ferrara e Urbino, e la Spagna feudale, che ha reso il completo proprietario della maggior parte della penisola dell'Appennino nel mondo di Kato-Cambreziano. Solo Venezia e il ducato di recente istruito di Savoy hanno mantenuto una certa indipendenza politica nell'Italia seictytiana e in alcuni casi una contrazione della Spagna e della pressione di Roma su di loro.

Il rafforzamento delle posizioni della Chiesa e della nobiltà feudale nella vita economica e pubblica d'Italia ha contribuito all'espansione della reazione feudale-cattolica in tutte le sfere della cultura. Il terrore dell'inquisizione, iniziato durante la sezione della Cattedrale, ha continuato. Gli spagnoli lo sostenevano. Campanella ha trascorso molti anni in carcere, è stato sottoposto a torture crudeli. Nel 1616, la Santa Congregazione ha proibito discutere e esprimere gli insegnamenti di Copernico. Nel 1633, il processo è stato organizzato su Galileem. Il governatore spagnolo Pedro Toledo ha disperso tutte le società scientifiche e accademie letterarie a Napoli, ad eccezione del gesuita. Nel XVII secolo La Chiesa cattolica e le autorità spagnole erano ancora visti nella cultura avanzata non solo in un nemico ideologico, ma anche politico.

Ciononostante, nella politica culturale della reazione feudale-cattolica si è verificata nel XVII secolo. Alcuni cambiamenti qualitativi significativi che formano un chiaro limite tra il XVII secolo e il tardo revival. Se nella seconda metà del XVI secolo. La chiesa romana fu occupata principalmente dalla dura lotta con la "eresia tedesca", spietata

l'eradicazione del merci rinascimentale e della pulizia delle sue righe, dall'inizio del XVII secolo, prende tentativi di ripristinare l'influenza diretta e totale sulla scienza, la letteratura e l'arte che è stata persa nell'era rinascimentale. La reazione feudale-cattolica inizia nel XVII secolo. Per costruire una cultura che soddisfa gli interessi vitali della Chiesa che della nobiltà e allo stesso tempo possono influenzare le masse relativamente ampie. Riceve sostegno solido dalla Società di Gesù, che è diventato una seria forza sociale e politica a quel punto. Nel XVII secolo I gesuiti hanno acquisito un monopolio sull'educazione e l'educazione delle giovani generazioni e fondarono i loro college nella maggior parte dell'Italia. Quasi ovunque la loro scuola divenne i centri di propaganda di idee e viste contro-deformazioni. È dalle file dei gesuiti che i più predicatori, i pensatori e gli scrittori che hanno creato la parte della letteratura italiana, che possono essere definiti letteratura ufficiale della reazione cattolica feudale. A questo tipo di letteratura, ci dovrebbero essere principalmente le varie manifestazioni dell'eloquenza religiosa, che estremamente fiorì in Italia in tutto il XVII secolo. E acquisito, specialmente nelle opere di Jesuita Paolo Siney (1624-1694), le caratteristiche di un tipico genere sequenziale. Questo genere ha appreso il poetch di Barochko, ha sviluppato la sua teoria (trattati da Francesco Panigarolo e Terzauro) e, senza limitare il quadro dei sermoni della Chiesa, è stato trasformato in una descrittiva cosiddetta "prosa artistica", dove la forma ha già ovviamente Ha prevalso sul contenuto, e l'argomento religioso è stato sviluppato sulla storia della storia, della geografia, della etnografia, ecc., Il rappresentante più significativo della "prosa artistica" del XVII secolo. Nella letteratura dell'Italia è stato Daniello Bartoli (1608-1685), l'autore della "Storia della Gesù Society", "un dolorante e insuperabile periodi maestri e frasi del lo stile pretenzioso e fiorito" (De Sanctis).

La controreformazione è ampiamente e in un senso ha usato con successo le possibilità dello stile barocco per creare la letteratura ufficiale, feudale-aristocratica, che soddisfa gli interessi sia della Chiesa che della classe dominante. Ma per il bene di questa reazione feudale-cattolica, era necessario godere in Italia da quei rigorismo morale e religioso, che ha caratterizzato la sua politica culturale nella seconda metà del XVI secolo. Le teorie estetiche della peripatetica contro-deformazione, secondo la quale la letteratura e le arti dovrebbero prepararsi prima di tutti i compiti educativi religiosi, cambiati nel XVII secolo. Concetti di edonismo estetico. Gli stessi ideologi della contro -forme italiana, che sembravano recentemente recentemente indignati dal fastidiamma blasfemo del "terribile tribunale", ora la patrosità degli artisti che ha introdotto nelle loro opere non semplicemente enfatizzava motivi sensuali, ma anche francamente erotici. E non dovrebbe essere particolarmente sorprendente. Questo è spiegato non solo dal fatto che il barocco con la sua menfienza, dolore, metaforicità e retorica avrebbe potuto essere molto più forte sull'immaginazione del pubblico popolare, che è severa, l'intellettualità raccolta del Rinascimento. In nienissimo significativo, si è rivelato essere diverso: nelle opere del barocco aristocratico, sensualità eseguita come una delle manifestazioni della frode e dell'illusione del mondo, del mondo "cucito", ed erotica, come a prima vista, né paradossalmente, avvolto in una predicazione dell'ascetismo religioso. Questa è stata la possibilità di contro-elaborazione italiana per utilizzare l'eccitazione immaginaria del barocco aristocratico per la propaganda delle proprie idee di reazione, affrontando l'edonismo della poesia marinista e della prosa contro il razionalismo della nuova scienza e della filosofia materialistica.

Tra i guanti di uccisi

l'Aristocratico e un'occhiata al mondo di Picaro - una caratteristica di Napoli Lumpen - c'erano ben noti punti di contatto, e questo spiega alcune delle caratteristiche della prosa barocca, prima di tutto il Burlesque barocco; Tuttavia, in generale, gli ideali vitale dei contadini italiani e delle basi urbane italiane sono arrivati \u200b\u200bnel XVII secolo. Per contraddizioni antagoniste con l'ideologia delle classi dominanti. Mentre l'ex borghesia industriale e la borghesia industriale divenne finalmente una classe di ordini politicamente vigliacchi, reazionari, che sostengono non solo gli ordini feudali, ma anche i conquistatori spagnoli, i contadini e i terreni della città d'Italia hanno risposto a tutto ciò che intensifichi l'oppressione sociale, politica ed economica della banditrice " Nascosto della guerra contadina "(secondo F. Stradel), ribelle che sono simultaneamente antipodee e anti-spagnolo, liberazione nazionale. Napoli e Palermo sono diventati presi nel XVII secolo. I centri principali non sono solo barocchi, ma anche i disordini folk, non si fermarono per tutto il secolo. Particolarmente vasta scala, il movimento anti-rapacità ha acquisito in Italia nel 1647-1648, quando i fondi della città si sono diretti dal primo pescatore Tommaso Anuello (Maasanlohlo), e poi gennai, catturò il potere a Napoli e lo tenne durante l'anno. La rivolta napoletana è stata sostenuta da Palermo, dove anche la gestione della città per un po 'è passata nelle mani del popolo ribelle, e la serie di rivolte contadini, cavalcando in tutta l'Italia meridionale. Nel 1674-1676. Sicilia scosse la rivolta anti-ovest, il cui centro era Messina questa volta. Nel 1653-1655. I contadini di Savoy sono saliti alla guerra partigiana contro i feudalisti sotto la bandiera dell'eresy di valdese rianimata.

Folk, movimenti antipodeali del XVII secolo. Non poteva crescere in Italia nella rivoluzione borghese, come in Inghilterra, né nella vittoriosa guerra nazionale di liberazione, come è successo nei Paesi Bassi. In Italia XVII secolo. Non c'era una classe che potrebbe condurre la lotta rivoluzionaria contro il feudalesimo e portarlo a una fine vittoriosa. Tuttavia, ciò non significava che la protesta del popolo italiano contro i loro oppressori propri e stranieri fosse completamente infruttuoso che non si riflettesse nella letteratura italiana del XVII secolo. E non c'era alcuna influenza sulla natura dei suoi stili. E il punto qui non è nemmeno che la ribellione di Masanyllo ha ricevuto una risposta diretta nelle rose di Satira Salvator e nelle poesie di Antonio Basso, che ha pagato la testa per la partecipazione attiva al movimento anti-riborzionale 1647-1648. La protesta del popolo oppresso era un'importanza molto maggiore, ha contribuito alla formazione della letteratura italiana del XVII secolo. Dall'interno, rompendo la creatività non solo Sarpi, Tassoni, Boccalini, ma anche tali, sembrerebbe molto lontano dalla politica degli scrittori, come un basile di jambattista. Una delle manifestazioni della incoerenza del XVIII secolo italiano. Era che lo sviluppo sociale di questo periodo è stato facilitato non solo dall'aristocraticizzazione, ma anche in un certo senso di democratizzazione della letteratura italiana. Se la cultura del Rinascimento italiano, la base socio-economica era collegata principalmente con le città più sviluppate, gli Stati Uniti dei secoli XIV-XVI, il contadino, di regola, ignorato, quindi la cosiddetta rifidelizzazione, ha effettuato il centro Di gravità dell'economia italiana al villaggio, ha reso tutti sfruttati e il contadino oppresso è la figura, con la quale nel XVII secolo. I rappresentanti più sensibili, coscienziosi e premurosi dell'Intelligentia creativa italiana non potevano passare. La vita di tutta la società italiana dipendeva anche dal contadino, e questo si rifletteva nella coscienza estetica dell'era.

Nel XVII secolo Il fatto della cultura nazionale italiana non è solo una commedia folk di maschere originata nel XVI secolo. Sulla periferia dell'alta rinascita, ma anche la fiaba magica e i "romanzi popolari" Julio Cesare Croce su Bertoldo e Bertoldino, che era basato sul folklore dei contadini. La creatività popolare si è nutrita e arricchita dal barocco italiano, introducendo i suoi ideali estetici e di vita in esso. Ecco perché è fondamentalmente scorretto in considerazione del barocco come livello di contro-elaborazione e collegarlo solo con la nobiltà feudale, sebbene barocco, anzi, originariamente sorto in quei paesi in cui la nobiltà era la classe dominante. E in relazione alla letteratura italiana del XVII secolo, e in relazione all'arte italiana di questo periodo possiamo parlare di due tendenze del barocco - aristocratico, reazionario e avanzato, folk. Questo è un desiderio appassionato e febbrile per uno nuovo, che, come già notato, era così caratteristico dell'intera letteratura del XVIII secolo italiano, e soprattutto per il barocco italiano, è stato nutrito non solo dalla sensazione di gap con l'era Delle scoperte rinascere e straordinarie in fisica o astronomia, ma anche il desiderio folk, le masse contadine alla libertà e la giustizia sociale. Non è un caso che uno dei più grandi poeti italiani del XVII secolo.

tommaso Campanella, il grande scrittore del barocco democratico. Spiegando le origini delle loro idee innovative e dei progetti audaci, ha parlato degli inquisitori: "Reclami da ogni testa contadina, e da chiunque, con cui ho parlato, ho saputo che tutti sono disposti a cambiare". È la connessione delle opere più significative della letteratura italiana XVII secolo. Con la gente, con la sua lotta anti-razza, sembra essere il fatto che anche nelle condizioni di quasi assoluta declino economico, sociale e politico, la letteratura italiana non ha perso il suo contenuto nazionale e ha continuato a creare nuovi valori spirituali.

Nel suo sviluppo, letteratura italiana XVII secolo. C'erano due grandi periodi, la frontiera tra il quale arriva verso la metà del secolo. Nella loro significatività, non sono uguali l'uno all'altro. Il primo periodo è incomparabilmente più ricco e internamente teso. Era nella prima metà del XVII secolo. In Italia, il classicismo è formato, ci sono varie tendenze all'interno della letteratura barocca: marinomismo, carabinalismo, campanella barocca democratica, basilico, salvataggio di rose. Alla fine di questo periodo, i trattati Estesty formulano la teoria del barocco sono creati entro la fine di questo periodo.

Il secondo periodo è caratterizzato da un certo declino del classicismo e dei porti turistici. In questo momento, in Italia, la stabilizzazione del sistema socio-politico si verifica e, dopo la sconfitta dei movimenti popolari della fine degli anni '40, l'opposizione della reazione in letteratura è notevolmente indebolita. Nella letteratura italiana, la seconda metà del secolo sconfigge la classica tendenza all'interno del barocco, che rinasce alla fine di Rococò. Il secondo periodo nella letteratura di Seatoto passa sotto il segno della preparazione dell'Arcadia. Si conclude nel 1690, quando la creazione di questa Accademia mette l'inizio di un nuovo stadio nello sviluppo della poesia italiana, della prosa e della teoria letteraria.

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Già dalla metà del 16 ° secolo, lo sviluppo storico dell'Italia è caratterizzato dall'inizio e dalla vittoria della reazione feudale-cattolica. Gli stati indipendenti economicamente deboli e frammentati ai singoli individuali, l'Italia non è in grado di sopportare l'assalto di paesi più potenti - Francia e Spagna. La lunga lotta di questi stati per il dominio in Italia si è conclusa con la vittoria della Spagna, sancita da un trattato di pace a Kato-Cambrey (1559). Da quel momento, il destino dell'Italia si trasforma strettamente correlato alla Spagna. Ad eccezione di Venezia, Genova, Piemonte e regione papale, Italia per quasi due secoli era in realtà nella posizione della provincia spagnola. La Spagna ha coinvolto l'Italia alle guerre in rovina, che erano spesso murate nel territorio degli Stati italiane, hanno promosso la diffusione e il rafforzamento della reazione feudale in Italia sia nell'economia che nella vita culturale.
La posizione dominante nella vita pubblica di Itulchi fu occupata dall'aristocrazia e dal più alto clero cattolico. Nelle condizioni di un profondo declino economico del paese, solo i principali feudi secolari e della chiesa hanno ancora avuto una ricchezza materiale significativa. Il popolo italiano - i contadini e i cittadini erano in una situazione estremamente difficile, è stato destinato alla povertà e persino per l'estinzione. La protesta contro l'oppressione feudale e straniera trova un'espressione in numerose rivolte folk che scoppiavano per il XVII secolo e talvolta prendendo il formato formidabile, come la ribellione di Masanello a Napoli.
La natura complessiva della cultura e dell'arte dell'Italia nel 17 ° secolo fu dovuta a tutte le peculiarità del suo sviluppo storico. È in Italia che l'arte di Barochko nasce e ottiene lo sviluppo più alto. Tuttavia, essendo dominante nell'arte italiana del XVII secolo, questa direzione non era l'unica. Oltre a lui, e in parallelo con esso, le tendenze realistiche si stanno sviluppando relative all'ideologia degli strati democratici della società italiana e ricevendo uno sviluppo significativo in molti centri d'arte d'Italia.

Arte italiana del XVII secolo

Il centro di sviluppo della nuova arte barocca alla svolta dei secoli XVI-XVII. Era Roma. "Romano barocco" - lo stile artistico più potente dell'arte dell'Italia la seconda metà del XVI-XVII secolo. Nato principalmente in architettura e ideologicamente collegato al cattolicesimo, con il Vaticano. Architettura di questa città nel XVII secolo. Sembra come se nel contrario del classicismo rinascimentale e, allo stesso tempo, fermamente associato. Non è un caso che il suo precursore funga come già menzionato, Michelangelo.

I maestri barocchi vengono rivettati con molte tradizioni artistiche, con i suoi volumi armoniosi ed equilibrati. Gli architetti barocchi includono in un ensemble architettonico olistico non solo individuali strutture e aree, ma strade. L'inizio e la fine delle strade certamente annotate da nessuna architettura (piazza) o scultorea (monumenti) da accenti. Rappresentante del primo architetto barocco Domenico Fontana (1543-1607) Per la prima volta nella storia della pianificazione urbana, applica un sistema di strade a tre vie, divergente da Piazza del Popolo ("Piazza popolare"), che raggiunge la connessione dell'ingresso principale in città con i principali ensemble di Roma. Obeliski e fontane, fissati ai punti di raccolta di prospetti radiali e nelle loro estremità, creare un effetto quasi teatrale della distanza in uscita in lontananza. Il principio della fontana era di grande importanza per l'intera successiva pianificazione urbana europea (ricorda il sistema a tre portanti di almeno San Pietroburgo).

Per sostituire la statua come inizio, organizzare il quadrato, arriva l'obelisco con la sua aspirazione dinamica, e ancora più spesso - una fontana, decorata in abbondanza con la scultura. Le fontane Bernini erano un brillante esempio di fontane barocche: "Triton" (1643) su Piazza Barberini e fontana "Quattro fiumi" (1648-1651) su Navona Square.

Allo stesso tempo, nuovi tipi di palazzi, ville, chiese sono state create nell'epoca del primo barocco, come elemento decorativo è stato rafforzato: l'interno di molti palazzo rinascimentale si trasformò in un anfilo di stronzi lussureggianti, il decorativo dei portali è diventato complicato , molta attenzione i maestri barocchi cominciarono a dedicare nel cortile, il Giardino del Palazzo. Scopo speciale ha raggiunto l'architettura delle ville con il loro ricco ensemble del parco giardino. Di norma, gli stessi principi della costruzione assiale sono stati sviluppati qui come nella pianificazione urbana: la strada di accesso centrale, la sala anteriore della villa e il vicolo principale del parco dall'altro lato della facciata passò lungo lo stesso asse. Grotta, balaustre, sculture, fontane sono abbondantemente decorate con il parco, e l'effetto decorativo è ancora più arricciato dalla posizione dell'intera terrazza del complesso sul terreno fresco.

Lorenzo Bernini. Fontana di quattro fiumi su Piazza Navona. Roma

Un arredamento architettonico nel periodo del barocco maturo, dal secondo terzo del XVII secolo, diventa ancora più lussureggiante. Non solo la facciata principale è decorata, ma anche le pareti sul lato del giardino; Dalla lobby del frontista si può andare immediatamente nel giardino, che è un magnifico ensemble del parco; Da parte della facciata principale, le ali laterali dell'edificio vengono avanzate e formano un cortile di parata - il cosiddetto Kurdoner (Franz. Cour D "Honneur, lettere. - Cortile onorario).

Nell'architettura iconica di espressività di plastica barocca matura e aumento del dinamismo. Numerosi elementi di fissaggio e rotture, cornici, frontoni in un netto contrasto in bianco e nero creano una straordinaria pittura di facciata. I piani diretti sono sostituiti da depositati, l'alternanza dei piani curvi e concavi migliorano anche l'effetto plastico. L'interno della Chiesa barocca come luogo di una lussureggiante cerimonia teatrale del servizio cattolico è la sintesi di tutti i tipi di arti visive (e con l'avvento dell'organo - e della musica). Materiali diversi (marmi colorati, intaglio in pietra e legno, stucco, doratura), dipinto con i suoi effetti illusionistici - tutto questo, insieme alla fortuna del volume, ha creato un senso di irremovibile, ampliato lo spazio del tempio alla sterilità. Saturazione decorativa, la sofisticazione del gioco degli aerei, l'invasione di ovali e rettangoli invece che amati dai maestri rianimati di cerchi e quadrati è esaltato da una creazione architettonica all'altra. Basta confrontare la Chiesa di Ile Jesu (1575) Giacomo Della Port (circa 1540-1602) con la Chiesa di Sant Ivo (1642-1660) Francesco Bornombini (1599-1667): Ecco taglienti sporgenze triangolari delle pareti , la stella in termini di cupola crea un'impressione infinitamente diversa, privare il modulo oggetto; O con la sua chiesa di San Carlo Alla Quatro Fountain (1634-1667).

Bornings Francesco. Chiesa di Sant Ivo Alla Sanienza. Roma

Francesco Boromini. Cupola della Chiesa di San Carlo Alla Quatro Fontana a Roma

Il più strettamente con la scultura associata all'architettura. Adora le facciate e gli interni di chiese, ville, palazzo urbano, giardini e parchi, Altari, lapidi, fontane. Nel barocco, a volte è impossibile dividere il lavoro dell'architetto e dello scultore. L'artista che è entrato in se stesso e l'altro talento era Giovanni Lorenzo Bernini. (1598-1680). Come architetto della Corte e lo scultore dei padri romani, Bernini ha eseguito ordini e ha guidato tutti i principali lavori architettonici, scultorei e decorativi, che è stato condotto sulla decorazione della capitale. In larga misura, grazie alle Chiese, costruita sul suo progetto, la capitale cattolica e ha acquisito un personaggio barocco (Chiesa di Sant Andrea al Quirinale, 1658-1678). Nel Palazzo Vaticano di Bernini emise una "scala reale" (Scala Regia), collegata dal Palazzo Papale con la cattedrale. Appartiene a lui la tipica creazione di Barochko - accecando la ricchezza decorativa di vari materiali, la fantasia artistica sfrenata del sen (Kyivory) nella Cattedrale di San Pietro (1657-1666), nonché molte statue, rilievi e lapidi della cattedrale. Ma la creazione principale di Bernini è il Grand Colonnato della cattedrale di San Pietro e del design della piazza gigante in questa cattedrale (1656-1667). Profondità quadrata - 280 m; Nel centro si trova obelisco; Le fontane sui lati sono enfatizzate dall'asse trasversale, e la piazza stessa è formata dalla colonna più potente dei quattro ranghi degli ordini toscani di diciannove metri di altezza, componente di una figura rigorosa, un cerchio non bianco, "come aperto Arms ", come ha detto Bernini.

Colonnato, come una corona, fu coronata dalla cattedrale, a cui la mano di tutti i grandi rinascimentali Zodki di Brampti a Raffaello, Michelangelo, Baldassar Pieruszi (1481-1536), Antonio da Sangalla Jr. (1483-1546). Quest'ultimo è stato emesso dal capo studentesco porticista di Bramte Carlo Madern (1556-1629).

Lorenzo Bernini. Piazza del colonnato davanti alla cattedrale di San Pietro. Roma

Bernini era uno scultore altrettanto famoso. Come i maestri del Rinascimento, ha applicato alle trame di antico e cristiano. Ma la sua immagine di "David" (1623), ad esempio, suona in modo diverso da Donatello, Verokkio o Michelangelo. "David" Bernini è la "Plebbey militante", la ribellione, non c'è chiarezza e semplicità delle immagini del QuatroCherto, l'armonia classica dell'alto rinascimento. Le sue sottili labbra sono compresse ostinatamente, gli occhi piccoli del male si restringono, la figura è estremamente dinamica, il corpo è quasi girato attorno al suo asse.

Bernini ha creato un sacco di altari scultorei per chiese romane, lapidi del popolo famoso del loro tempo, fontane delle principali piazze di Roma (già citate fontane su Piazza Barberini, Piazza Navona, ecc.), E in tutte queste opere ce ne sono i loro Comunicazione biologica con il mezzo architettonico. Bernini era un tipico artista che ha lavorato sulla richiesta della Chiesa cattolica, così in cento immagini altare create con la stessa lucentezza decorativa come altre opere scultoree, la lingua delle materie plastiche barocche (trasmissione illusoria di oggetti di oggetti, amore per una combinazione di Materiali diversi non solo sulla trama, ma e, ma il colore, la teatralizzazione dell'azione, la scultura generale "di pittura") è sempre chiaramente espressa una certa idea religiosa ("Ecstasy santa Teresa Avilsk" nella Chiesa di Santa Maria della Vittoria a Roma ).

Bernini era il creatore di un ritratto barocco, in cui tutte le caratteristiche del barocco sono completamente identificate: questa è un'immagine di una parata, teatrale, decorativa, ma la parata generale dell'immagine non blocca la vera apparenza del modello (ritratti del DUKE D ETS, Louis XIV).

Nel dipinto in Italia alla svolta dei secoli XVI-XVII. Due principali direzioni artistiche possono essere distinte: uno è associato al lavoro dei fratelli Carrenci e ha ottenuto il nome dell'accademismo di Bologna, un altro - con l'arte di uno dei più grandi artisti dell'Italia XVII secolo. Caravaggio.

Annibal e Agrostino Karracchi e il loro cugino Lodovico fondato nel 1585 a Bologna, l'Accademia entra nel vero modo (Accademia degli Incamminati), in cui gli artisti addestrati secondo un programma specifico. Da qui il nome - "Accademismo di Bologna" (o "scuola di Bologna"). I principi dell'Accademia di Bologna, che fu il prototipo di tutte le accademie europee del futuro, sono tracciate nel lavoro dei più talentuosi dei fratelli - Annibal Carrachchi. (1560-1609).

La carrezza ha attentamente studiato e studiato la natura. Credeva che la natura sia imperfetta e deve essere trasformata, per migliorare, affinché diventi un degno oggetto dell'immagine in conformità con le norme classiche. Da qui la inevitabile distrazione, la retorica delle immagini di Carramechci, Paphos invece di genuina eroica e bellezza. L'arte di Karracchi si è rivelata molto tempestiva, corrispondente allo spirito dell'ideologia ufficiale e ha ricevuto rapido riconoscimento e distribuzione.

Annibal Carrachci. Venere e Adonis. Vienna, Museo della storia dell'arte

Brothers Carramechi - Maestro della monumentale pittura decorativa. Il loro lavoro più famoso è il dipinto della Galleria di Palazzo Farneza a Roma sulle trame di Ovidiyevaya "Metamorfosi" (1597-1604) tipicamente per la pittura barocca. Inoltre, Annibal Carrachchi è stato il creatore del cosiddetto paesaggio eroico - lo scenario di un idealizzato, immaginario, per la natura, come una persona (secondo Bologna), è imperfetto, scortese e richiede la refrigerazione da rappresentare nell'art. Questo paesaggio, schierato con l'aiuto di una scena, con le masse equilibrate del colpo di stato degli alberi e una rovina quasi obbligatoria, con piccole figure di persone che sono solo lo stafferage per enfatizzare la grandezza della natura. Bologuns sono condizionali e colore: ombre scure, locali, chiaramente sul regime disposte la luce scorrevole a colori. Le idee di Carramechi sono state sviluppate da un certo numero dei suoi studenti (Guido Reni, Domenicino, ecc.), Nella cui lavoro, i principi del accademismo erano quasi canonizzati e diffusi in tutta Europa.

Michelangelo Merisi (1573-1610), soprannominato Caravaggio (nel luogo di nascita), è un artista che ha dato il nome di un potente flusso realistico nell'arte, il confine del naturalismo, - il caravagismo, che ha guadagnato seguaci in tutta l'Europa occidentale. L'unica fonte da cui il Caravaggio trova discretamente per disegnare argomenti artistici, la realtà circostante. I principi realistici del Caravaggio ne fanno l'erede del Rinascimento, anche se lasciò le tradizioni classiche. Il metodo del Caravaggio è stato accademismo Antipode, e gli artisti i Bunters hanno rivelato contro di lui, sostenendo i suoi principi. Da qui l'appello (non senza sfidato gli standard) a personaggi insoliti come la scala, i cheelers, i fortunati, vari tipi di avventure le cui immagini di Caravaggio disposero l'inizio della pittura della famiglia un profondo spirito realistico che combina l'osservazione del genere olandese con chiarezza e inseguendo la forma della scuola italiana ("Butterist", ok. 1595; "giocatori", 1594-1595).

Ma il principale per il Maestro rimane gli argomenti delle religiose (immagini dell'altare), che caravaggio cerca di incarnare con coraggio davvero innovativo di vitale importanza. Nel "Evangelista Mattheme con un angelo" (1599-1602) L'Apostolo sembra un contadino, ha una mano grossolana, familiare, elegante con rughe faccia a faccia da insolite lezioni - lettura.

Caravaggio. La vocazione dell'apostolo Matteo. Chiesa di San Luigi Dei Francishe a Roma

Caravaggio ha una forte modellazione a forma di plastica, impone la vernice con piani grandi, ampi, strappando le parti più importanti della composizione dall'oscurità. Questa luce affilata, il contrasto di macchie di colore, grandi piani, il dinamismo della composizione creano un'atmosfera di tensioni interne, dramma, emozione e grande sincerità. Caravaggio mette sui suoi eroi in abiti moderni, mette la situazione in uno spettatore semplice e familiare che raggiungere una persuasività ancora maggiore. Le opere di Caravaggio a volte hanno raggiunto una tale forza di espressività realistica, purtroppo, a volte raggiungendo il naturalismo che i clienti li hanno rifiutati senza vedere in immagini dei dovuti pezzi e ideality (alcuni ricercatori sono applicati per Caravaggi). Quindi era con un'altare "Assunzione di Nostra Signora": il cliente lo ha respinto, motivando il fatto che il Maestro ritrasse non la grandezza dell'Assunzione di Maria e la morte in tutta la sua urgenezza.

La dipendenza dai dettagli naturalistici, l'affidabilità della situazione non oscura la cosa principale nelle opere di Caravaggio, il meglio del quale è emotivamente espressiva, profondamente drammatica e elevata ("posizione nella bara", 1602). Per la creatività matura del Maestro, la monumentalità, maestosità delle composizioni, la scultura della forma, la clarificazione classica del disegno è caratteristica. Allo stesso tempo, la gradazione della luce e dell'ombra diventa più morbida, le sfumature di colore sono più sottili, lo spazio è Air (già menzionato "Assunzione di Maria", 1606).

L'arte del Caravaggio ha dato origine ai veri seguaci del suo metodo artistico, e imitatori superficiali che hanno imparato solo tecniche esterne. Dai follower più gravi in \u200b\u200bItalia, mezzanotte, Gentilles, tutti i "tenduli" veneziani possono essere chiamati; In Olanda, Terrewgen e in generale, tutta la cosiddetta "Scuola Utrecht of Cavaragists". L'effetto del Caravaggio ha vissuto giovane Rembrandt, in Spagna - Ribera, Surbaran, Velasquez.

Dal precoce periodo, il barocco italiano come stile è stato formato per molti aspetti nei principi generali con il sistema accademico di Bologna. L'idealizzazione e la pazienza erano particolarmente vicine ai circoli ufficiali della società italiana e della Chiesa - il principale cliente delle opere d'arte. Questo stile ha preso qualcosa da Caravaggio: la materialità della forma, dell'energia e del dramma, innovazioni nella comprensione della modellazione in bianco e nero. Come risultato della lega di due diversi sistemi artistici e l'arte del barocco italiano è nato: la pittura monumentale-decorativa di Griefly (Francesco Barbieri, 1591 - 1666) con i suoi tipi realistici e la luce di Karavaji, Pietro e Corton (Berrettini, 1596- 1669), Luke Jordano (1632-1705); Stankovaya pittura il caravaggio più vicino Bernardo Strozzi (1581 -1644), un bellissimo colorista di Fetty Domenico (1588 / 89-1623), che ha sperimentato la forte influenza di Rubens (come, tuttavia, e ictus). Un po 'più tardi, a metà del secolo, è apparso brillante nei loro vari vantaggi colorati, le cupie composizioni romantiche del Salvator Rosa (1615-1673).

Caravaggio. Posizione nella bara. Vaticano, Pinakotek.

Nell'ultimo terzo del XVII secolo. Nell'arte del barocco italiano ci sono cambiamenti precisi. La decorazione è sempre più rafforzata, composizioni e angoli sono complicati, l'impressione è creata che le figure si precipitano nel movimento rapido e disordinato. Dipingere con il suo promettente illusionismo, infatti, distrugge il muro, "rompe" il soffitto o la cupola, che ha sempre contradditto le regole dell'arte classica. Plafon della Chiesa romana di Sant'Ignazio "Santo Ignazio", eseguito Andrea del Pozzo (1642-1709), architetto, pittore, teorica d'arte, che non è stato trovato per essere chiamato il capo dello stile dei gesuiti ", il più luminoso Esempio di una pittura così flottante con il suo "inganno degli occhi", espressività dei soldi espressivi, del misticismo e dell'umore estatico (Roma, 1684).

Alla fine del secolo nelle composizioni, sia monumentali-ornamentali che macchine, freddezza, retorica, false pathos vincono sempre più spesso. Tuttavia, i migliori artisti sapevano ancora come superare queste caratteristiche del tardo barocco. Tali sono i paesaggi romantici di Alessandro Mani (1667-1749), monumentale (Plafochon, Immagini dell'altare) e Stankovaya (ritratti) Pittura Giuseppe Kresses (1665-1747) - Artisti in piedi a cavallo del nuovo secolo.

Salvatore rosa.

Moscow State Regional University

Abstract sulla storia dell'arte

Arte italiana del XVII secolo.

Eseguita:

studente del dipartimento di corrispondenza

33 gruppi di facoltà da e hp

Minakova Evgenia Yuryevna.

Controllato:

Moscow 2009.

· Italia nel 17 ° secolo

· Architettura. Stile barocco in architettura.

· Architettura. Primo barocco.

· Architettura. Alto, o maturo, barocco.

· Architettura. Architettura barocca al di fuori di Roma.

· Arte. Caratteristiche generali.

· Arte. Primo barocco.

· Arte. Corrente realistica.

· Arte. La seconda generazione di artisti della scuola di Bologna.

· Arte. Alto, o maturo, barocco.

· Arte. Più tardi barocco.

Già dalla metà del 16 ° secolo, lo sviluppo storico dell'Italia è caratterizzato dall'inizio e dalla vittoria della reazione feudale-cattolica. Gli stati indipendenti economicamente deboli e frammentati ai singoli individuali, l'Italia non è in grado di sopportare l'assalto di paesi più potenti - Francia e Spagna. La lunga lotta di questi stati per il dominio in Italia si è conclusa con la vittoria della Spagna, sancita da un trattato di pace a Kato-Cambrey (1559). Da quel momento, il destino dell'Italia si trasforma strettamente correlato alla Spagna. Ad eccezione di Venezia, Genova, Piemonte e regione papale, Italia per quasi due secoli era in realtà nella posizione della provincia spagnola. La Spagna ha coinvolto l'Italia in guerre in rovina, che spesso camminava nel territorio degli Stati italiane, ha promosso la diffusione e il rafforzamento della reazione feudale in Italia, sia nell'economia che nella vita culturale.

La posizione dominante nella vita pubblica d'Italia è stata occupata dall'aristocrazia e dal più alto clero cattolico. Nelle condizioni di un profondo declino economico del paese, solo i principali feudi secolari e della chiesa hanno ancora avuto una ricchezza materiale significativa. Il popolo italiano - i contadini e i cittadini erano in una situazione estremamente difficile, è stato destinato alla povertà e persino per l'estinzione. La protesta contro l'oppressione feudale e straniera trova un'espressione in numerose rivolte folk che scoppiavano per il XVII secolo e talvolta prendendo il formato formidabile, come la ribellione di Masanello a Napoli.

La natura complessiva della cultura e dell'arte dell'Italia nel 17 ° secolo fu dovuta a tutte le peculiarità del suo sviluppo storico. È in Italia che l'arte di Barochko nasce e ottiene lo sviluppo più alto. Tuttavia, essendo dominante nell'arte italiana del XVII secolo, questa direzione non era l'unica. Oltre a lui, e in parallelo con esso, le tendenze realistiche si stanno sviluppando relative all'ideologia degli strati democratici della società italiana e ricevendo uno sviluppo significativo in molti centri d'arte d'Italia.

L'architettura monumentale dell'Italia del 17 ° secolo ha soddisfatto quasi esclusivamente richieste dalla Chiesa cattolica e dalla più alta aristocrazia laica. Durante questo periodo, principalmente strutture ecclesiastiche, palazzi e ville sono in costruzione.

La seria situazione economica d'Italia non ha dato l'opportunità di costruire strutture molto grandi. Allo stesso tempo, la Chiesa e la più alta aristocrazia avevano bisogno di rafforzare il loro prestigio, la loro influenza. Da qui - il desiderio di soluzioni architettoniche insolite, stravaganti, sfilate e acute, il desiderio di una maggiore decoratività e la solidità delle forme.

Costruzione di strutture impressionanti, anche se non così grandi strutture hanno contribuito alla creazione dell'illusione del benessere sociale e politico dello stato.

Barocco raggiunge la massima tensione ed espressione nei religiosi, nelle strutture della Chiesa; Le sue forme architettoniche, è impossibile incontrare meglio i principi religiosi e il lato rituale del cattolicesimo militante. La costruzione di numerose chiese la Chiesa cattolica ha cercato di rafforzare e rafforzare il loro prestigio e influenza nel paese.

Lo stile barocco, prodotto nell'architettura di questo periodo, è caratterizzato, da un lato, il desiderio di monumentalità, dall'altro, la predominanza di inizi decorativi e pittoreschi su tettonici.

Come le opere di belle arti, i monumenti dell'architettura barocca (in particolare le strutture della Chiesa) sono stati calcolati sul rafforzamento dell'impatto emotivo sullo spettatore. L'inizio razionale, che ha sottolineato l'arte e l'architettura del Rinascimento, ha lasciato il posto all'inizio di irrazionale, statico, calmo - dinamica, tensione.

Barocco - stile di contrasti e distribuzione irregolare degli elementi compositi. Di particolare importanza in esso sono grandi e succosi curvilinei, forme arcuate. Per le strutture barocche sono caratteristiche - frontale, facciata della costruzione. Gli edifici sono percepiti in molti casi da un lato - dalla facciata principale, spesso oscurava il volume della struttura.

Baroque presta molta attenzione ai gruppi architettonici - Urban e Park, tuttavia, gli ensemble di questo tempo sono basati su un principio diverso rispetto al Gestimbrante rinascimentale. Ensemble barocche d'Italia sono costruite su principi decorativi. Sono caratterizzati da isolamento, indipendenza comparativa dal sistema generale del territorio urbano di pianificazione. Un esempio è il più grande ensemble di Roma - l'area di fronte alla cattedrale di Sant'altra Peter.

Colonnati e pareti decorative, chiudendo lo spazio di fronte all'ingresso della cattedrale, coperto lo sviluppo disordinato e casuale per loro. Non vi è alcuna connessione tra l'area e adiacente ad esso una rete complessa di culla e case casuali. Edifici separati inclusi nei gruppi barocchi, come se stesse perdendo la loro indipendenza, obbedendo completamente il piano generale composito.

Barocco ha messo il problema della sintesi d'arte in un modo nuovo. Scultura e pittura che giocano negli edifici di questo tempo un ruolo molto grande, intrecciata tra loro e spesso Shrpo o spesso deformando le forme architettoniche, contribuiscono alla creazione dell'impronta della saturazione, della Pomp e dello splendore, che producono costantemente monumenti barocchi.

La creatività Michelangelo ha avuto una grande importanza per la formazione di un nuovo stile. Nelle sue opere, ha sviluppato una serie di forme e tecniche che sono state utilizzate in seguito nell'architettura barocca. L'architetto di Vigola può anche essere caratterizzato come uno dei precursori barocchi diretti; Le sue opere possono essere annotate numerosi segni precoci di questo stile.

Nuovo stile - stile barocco nell'architettura italiana - viene a sostituire il Rinascimento negli anni '80 del XVI secolo e si sviluppa per tutta la XVII e la prima metà del XVIII secolo.

Condizionalmente, all'interno dell'architettura di questo tempo, tre stadi possono essere evidenziate: il primo barocco - dal 1580 alla fine del 1620, alto, o maturo, barocco - fino alla fine del 17 ° secolo e in seguito - la prima metà del 18mo secolo.

I primi maestri del barocco sono considerati architetti Giacomo Della Port e Domenico Fountain. Appartenevano alla prossima generazione verso Vigola, Alesi, Ammanati, Vazari e terminarono le loro attività all'inizio del XVII secolo. Allo stesso tempo, come precedentemente notato, le tradizioni del tardo rinascimento continuarono a vivere nel lavoro di questi maestri.

Jacomo Della Port. Jacomo Della Port (1541-1608) era uno studente di Vigol. Prima della sua costruzione - Chiesa del sito Catarina in Funari (1564) - nel suo stile appartiene al Rinascimento. Tuttavia, la facciata della Chiesa del Jesu, che questo architetto ha concluso dopo la morte di Vinoli (dal 1573), significativamente barocco la bozza originale del suo insegnante. La facciata di questa chiesa con una divisione caratteristica in due livelli e Volutes, il piano di strutture era un modello per una varietà di chiese cattoliche in Italia e in altri paesi. Dzhacomo Della Port Completato dopo la morte di Michelangelo per costruire grandi cupole della Cattedrale di Sant'altra Peter. Questo maestro era anche l'autore della famosa Villa Aldobrandini a Frascati vicino a Roma (1598-1603). Come al solito, il corpo principale della villa si trova sulla montagna; L'ingresso principale porta la rampa di rotazione a doppia faccia. Dal lato opposto, il giardino è adiacente all'edificio. I piedi della montagna si trovano un semicircolare in termini di grotta con archi, c'è una cascata d'acqua nel telaio delle scale. L'edificio stesso è una forma prismatica molto semplice completata con un enorme frontone rotto.

Nella composizione della villa, nelle componenti dei suoi edifici del parco e nella natura delle parti in plastica, il desiderio della deliberatezza, l'architettura raffinata, così caratteristica del barocco in Italia, è chiaramente mostrata.

Nel tempo in considerazione, il sistema del Parco italiano è finalizzato. È caratterizzato dalla presenza di un singolo asse del parco situato sulla montagna con numerosi discese e terrazze. Sullo stesso asse c'è un edificio principale. Un esempio caratteristico di tale complesso ed è la Villa Aldobrandini.

Domenico Fountain. Un altro importante architetto del primo barocco è stato Domenico Fountain (1543-1607), che apparteneva al numero di successori romani di Michelangelo e Vigola. Il lavoro più grande è il Palazzo in Laterano a Roma. Il palazzo nella forma che la fontana gli ha dato è una piazza quasi giusta con prigioniero all'interno del cortile quadrato. La soluzione di facciata del palazzo è completamente basata sull'architettura di Palazzo Farneza - Antonio Sangallo Jr .. In generale, la costruzione del palazzo dell'Italia del 17 ° secolo è basata sull'ulteriore sviluppo del tipo composito di Palazzo Palace, sviluppato dall'architettura del Rinascimento.

Insieme a suo fratello Giovanni Fontana Domenico costruito a Roma nel 1585-1590, fontana Aqua Paolo (senza Attica, fatta dopo Carlo Madern). La sua architettura si basa sul trattamento di forme di antichi archi trionfanti.

Carlo Madern. Fontana Domenico della pupilla e nipote - Carlo Madern (1556-1629) ha finalmente rafforzato un nuovo stile. La sua creatività è transitoria nel periodo del barocco sviluppato.

I primi lavori di Maderna - la facciata della basilica paleocristiana Susanna a Roma (circa 1601). Creato sulla base della facciata della Chiesa di Del Jesu, la facciata della Chiesa di Susanne è chiaramente sezionata per ordini, decorata con statue in nicchie e numerose decorazioni ornamentali.

Nel 1604, Maderna è stata nominata capo architetto della Cattedrale di San Peter. Per ordine di Papa Paolo V Maderna compilato un progetto per espandere la cattedrale per estensione anteriore, parte di ingresso. Il clero ha insistito sull'alongazione della croce greca alla forma del latino, che corrispondeva alle tradizioni dell'architettura della Chiesa. Inoltre, le dimensioni della Cattedrale di Michelangelo non hanno coperto gli interi posti in cui si trovava un antico basilico, che era inaccettabile dal punto di vista dei servi della Chiesa.

Di conseguenza, quando si costruisce una nuova facciata anteriore della Cattedrale Madnaria, l'intenzione originale di Michelangelo è completamente cambiata. Quest'ultimo concepì la cattedrale in piedi nel centro di una grande piazza, che avrebbe permesso l'edificio e vederlo da tutti i lati. La Maderna chiuse i lati della cattedrale dallo spettatore, i lati della cattedrale: la larghezza della facciata supera la larghezza della parte longitudinale del tempio. L'allungamento dell'edificio ha portato al fatto che la cupola della cattedrale di San Pietro è percepito interamente a lunga distanza, mentre si avvicina all'edificio, si nasconde gradualmente dietro il muro della facciata.

Il secondo periodo dell'architettura di Barochko - un periodo di maturità e di massimo splendore dello stile - associato al lavoro dei più grandi maestri: L. Bernini, F. Bornomini, K. Rainaldi - a Roma, B. Longen - a Venezia, F. Rickini - a Milano, Gvarino - a Milano Torino.

Lorenzo Bernini. La figura centrale del barocco maturo è Lorenzo Bernini (1598-1680). Non era solo un architetto, ma anche il più grande scultore del XVII secolo in Italia.

Dal 1629, Bernini, dopo la morte della Madrina, ha continuato la costruzione della Cattedrale di San Peter. Nel 1633, ha costruito un grande modello in bronzo nella cattedrale sulla cupola principale, supportata da quattro colonne decontattuali contorte. Secondo la tradizione, questo modello è considerato condizionatamente il primo prodotto del barocco maturo. Bernini, la decorazione degli interni della cattedrale è stato suggerito dal progetto Michelangelo. Questo finale è un meraviglioso esempio di interni della Chiesa barocca.

La più grande opera architettonica di Bernini era il design della zona di fronte alla cattedrale di San Peter (1655-1667). L'architetto ha creato due quadrati - una grande ellittica, incorniciata da colonne e area direttamente adiacente sotto forma di un trapezio, limitato dal lato opposto dalla facciata principale della cattedrale. Nell'area ovale, è stato installato Obelisk e due fontane situate simmetricamente.

Bernini ha continuato e sviluppato il design della Madrina: i colonnati non permettono l'opportunità di avvicinarsi alla cattedrale dal lato. Per lo spettatore, solo la facciata principale rimane disponibile.

La maestosa architettura della Piazza Bernini era uno sfondo degno per la cerimonia del congresso per un solenne servizio commesso nella cattedrale. Nei secoli del 17-18, questo congresso era un magnifico e solenne vista. Cattedrale quadrata St. Pietro è il più grande ensemble del barocco italiano.

Nel Vaticano Bernini, è stata creata una scala Royal Parade - la "Rock of Reggia" ("Sito rock"), in cui accettava un miglioramento artificiale di una riduzione promettente. A causa del graduale restringimento della marcia e riducendo le colonne, l'impressione di una maggiore profondità della stanza e aumentare le dimensioni della scala stessa.

Le opere più caratteristiche di Bernini includono una piccola chiesa di San Andrea a Quirinale (1678), la cui facciata principale ha un portale con i pilastri e un frontone triangolare. Questo portale è collegato meccanicamente al volume principale dell'edificio, ovale in termini di.

Il principale lavoro di Bernini nel campo dell'architettura civile è Palazzo Odessales a Roma (1665), risolto dal solito schema rinascimentale. Il centro composito dell'edificio è, come al solito, il cortile limitato al primo piano di arcate. La distribuzione sulle facciate di Windows e decorativa la loro decorazione è anche ricordata dal Palazzo del XVI secolo. In un nuovo modo, è stata sviluppata solo la parte centrale della facciata principale: i due piani superiori sono coperti da un grande ordine sotto forma del corinto pilastero, il primo piano in relazione a questo ordine svolge il ruolo di un piedistallo. Un simile ripartizione della parete della facciata riceverà più tardi, nell'architettura del classicismo, grande distribuzione.

Bernini ha anche continuato a essere lanciato dall'edificio madnorale di Palazzo Barberini. La costruzione non ha un cortile chiuso, normale per i palazzi italiani. Il corpo principale è limitato su due lati sporgenti Filtiels. La parte centrale della facciata principale è percepita come applicazione imposta, in scopi decorativi, sulla superficie del muro. Il Risalat centrale ha molto ampio e alto ad arco, finestre, mezza colonna situata tra di loro; Nel primo piano c'è una profonda loggia. Tutto questo distingue bruscamente la parte centrale della facciata da parti laterali più massicce decorate nella tradizione dell'architettura del XVI secolo. Questa tecnica ricevuta nell'architettura del barocco italiano è anche una distribuzione molto grande.

Interessante scala ovale palazzo barberini con marticamere a spirale a base di doppie colonne toscane.

Francesca Borrombsh. Non meno importante per il barocco italiano ha il lavoro di Francesco Bornombini (1599-1667) - il dipendente di Bernini, in seguito - il suo rivale e il nemico. Le opere di Borryni si distinguono per una fusione speciale e la "dinamicità" delle forme. Bornombini ha portato lo stile barocco alla massima tensione.

Il principale lavoro di BORRINGS nel campo dell'architettura del tempio è la Chiesa di San Carlo "in quattro fontane" (1638-1667). La facciata è percepita come una composizione architettonica indipendente, indipendente dall'edificio. Ha concesso forme piegate e simili a un'onda. All'interno di questa facciata, è possibile vedere l'intero arsenale delle forme barocche - Cornici arcuate strappate, cartucce ovali e altre parti decorative. La Chiesa stessa ha una forma complessa, che ricorda due campane, piegate insieme alle loro basi. La sovrapposizione è la cupola ovale. Come in molti altri edifici di questo periodo, la composizione della Chiesa è costruita sul contrasto di volumi architettonici esterni e interni, sulla sorpresa dell'effetto che si verifica all'ingresso della struttura.

Una delle opere più significative dell'architetto è la Chiesa romana di San Ivo, inclusa nella costruzione della Spirection (Università, 1642-1660). Le complesse contorni del piano della Chiesa e la completa incoerenza delle conchiglie esterne e interne della cupola dovrebbero essere annotate. All'esterno, viene creata l'impressione di una cupola alta del tamburo e della sofferenza piatta che copre questo tamburo. Entrando nello stesso interno, sei convinto che le quinte unità del rivestimento della cupola si trovano direttamente alla base del tamburo.

Borrini ha progettato la villa Falkoniery a Frascati. Inoltre, ricostruiva la recessione del Palazzo e ha lavorato a Bernini su Palazzo Barberini (vedi sopra).

Carlo Rainaldi. Carlo Rainaldi (1611-1691) è uno dei principali costruttori del Baroque Heyday. Le opere più importanti di Rainaldi - Chiesa di San Anice e il sito Maria a Campitelle.

La chiesa di San Anzya (iniziata nel 1651) si trova sull'asse della Piazza Navona, che ha conservato il contorno del circo precedentemente antico del Domiziano qui. L'area è decorata con tipiche fontane barocche di Bernini per questa volta. La Chiesa ha un piano Centriano ed è completato da una grande cupola; Arcuid, una facciata concava è limitata su entrambi i lati da Bell Torre. A differenza della maggior parte delle chiese romane di questo periodo, la cupola non è nascosta dal piano della facciata, ma agisce come il principale centro composito dell'intera area.

La Chiesa della Maria nel sito Campitelley è costruita in seguito, nel 1665-1675. La facciata a castello di esso, risolta dal sistema della Chiesa del del Jesu, e il design interno è un tipico esempio dell'architettura del barocco maturo.

Rainaldi possiede anche la facciata posteriore della Chiesa romana di Santa Maria Maggiore (1673).

Nel 17 ° secolo, l'architettura romana è stata arricchita da diverse nuove ville situate nelle vicinanze della città. Oltre a Villa Doria Pamfili, costruita da Architects Algardi e Grimaldi (circa 1620), sono stati creati tra gli altri villaggi di Mandragon e Villa Torlonia - entrambi sono a Frascati, così come la Villa D "Este a Tivoli. In queste tenute di parata - Belle piscine, file di cipressi, arbusti sempreverdi, terrazze decorate diverse con balaustre, grotte, numerose sculture. La raffinatezza e la pompa della decorazione decorativa erano spesso combinate con gli elementi della fauna selvatica nel paesaggio creato artificialmente.

Barocco esterno a Roma ha proposto un numero di grandi architetti. A Genova nel 17 ° secolo, Bartolomeo Bianco ha funzionato. Il suo lavoro principale è l'edificio universitario a Genova (dal 1623) con un meraviglioso cortile, limitato da arcate a due piani e le belle scale adiacenti a loro. A causa del fatto che Genova si trova sul pendio delle montagne, l'anfiteatro, scendendo verso il mare, e gli edifici separati sono costruiti su aree con un grande pregiudizio, prevale il collocamento di edifici e cantieri a vari livelli. Nell'edificio dell'Università su un asse composito orizzontalmente situato, la hall principale, il cortile centrale e, infine, sono dietro la scala arcade a castello all'aperto che conduce al giardino.

Venezia ha lavorato come architetto Baltass Longen (1598-1682). Il lavoro principale di esso è il più grande, insieme alla cattedrale di St. Mark, Chiesa di Venezia Santa Maria delle Salute (1631-1682); Si trova sulla freccia tra il canale del Jaudcca e il Grande Channel. Questa chiesa ha due cupola. Per il volume principale, ottimizzato, sormontata da una cupola, è il secondo volume che racchiude l'altare; È anche dotato di una cupola, ma di dimensioni già più piccole. L'ingresso al tempio è decorato sotto forma di un arco trionfale. Il tamburo a cupola principale è combinato con le pareti principali della chiesa di 16 lupi a forma di spirale con sculture installate su di loro. Arricchiscono la sagoma dell'edificio, dargli una caratteristica speciale. Nonostante l'ingrandimento della decorazione, nell'aspetto della Chiesa c'è una famosa frammentazione di architettura e secchezza delle parti. All'interno della chiesa, fiancheggiata da marmo grigio chiaro, è spazioso, ma freddo e ufficiale.

Sul grande canale di Venezia ci sono entrambi i più significativi palazzo, costruiti da Longen, - Palazzo Pesaro (circa 1650) e Palazzo Rezzonico (1680). Secondo la struttura delle sue facciate, quest'ultimo sono in gran parte simili ai palazzi di Venezia, i tempi del Rinascimento, in particolare con il vino del Palazzo Corner San Gente, ma allo stesso tempo differiscono da loro in modo incomparabilmente maggiore saturazione e decoratività delle forme.

A Torino, l'architetto di Hvbanino Gvbnini è stato lavorato (1624-1683), l'ex il monaco dell'Ordine dei Thams. Gvarino Gvarini - "Il più barocco di tutti gli architetti barocchi" - può essere confrontato nel suo temperamento creativo solo con Francesco Borrrini. Nelle sue opere, spesso utilizzata in scopi decorativi oltre alle forme convenzionali, motivi riciclati di architettura moresca e gotica. Sono stati eretti da molti edifici di Torino, tra cui Palazzo Carignano (1680), una parata e magnifico, ma puramente decorativo sul design. Tipicamente, la decisione del corpo principale del Palazzo. Nel volume rettangolare principale, poiché è stata inserita parte centrale con una scala front-end. Pareti, la sua limitazione e le Marche sono arcuate in termini di forma. Tutto ciò è rispettivamente riflesso sulla facciata. Se le sue aree laterali conservano i contorni rettangolari, il centro è piegato nei lati opposti con uno slot nel mezzo, che è inserito sotto forma di un motivo completamente diverso - la loggia a castello è anche la forma curva. La finestra Platbands su facciate ha una configurazione cartaginosa rotta. I PILASS sono fatti da un piccolo grafico nella natura delle forme.

Tra le chiese costruite, la Chiesa di Madonna della Consolata con Neum ovale, che è l'altare esagonale, dovrebbe essere evidenziata. Le colline costruite della Chiesa sono ancora più grandi di lamisibilità e complessità delle forme rispetto alle sue strutture civili.

Nell'arte visiva, come nell'architettura dell'Italia, nel 17 ° secolo, lo stile barocco riceve un valore dominante. Si presenta come una reazione contro il "manenteismo", forme contrarie e complesse di cui si oppone prima di tutto la più semplicità delle immagini, ha chiesto sia le creazioni dei maestri di alta rinascita, e a causa dello studio indipendente della natura. Scrutando giustamente nel patrimonio classico, spesso prendendo in prestito gli elementi individuali da lui, la nuova direzione mira a cercare una maggiore espressività delle forme nelle loro dinamiche tempestose. Nuove caratteristiche dell'arte corrispondono a nuove tecniche pittoresche: la calma e la chiarezza della composizione sono sostituite dalla loro libertà e come per caso. Le figure vengono spostate dalla posizione centrale e sono costruite in gruppi principalmente in linee diagonali. Questa costruzione è importante per il valore barocco. Migliora l'impressione del movimento e contribuisce alla nuova trasmissione dello spazio. Invece del solito per l'arte, la rinascita della sua appartenenza su strati separati è coperta da un solo sguardo, creando l'impressione di un frammento casuale di un intero intero. Tale nuova comprensione dello spazio appartiene ai risultati più preziosi del barocco, che ha svolto un certo ruolo nell'ulteriore sviluppo dell'arte realistica. Il desiderio di espressività e dinamica delle forme genera un'altra linea, non meno tipica per barocca, è l'uso di tutti i tipi di contrasti: contrasti di immagini, movimenti, opposizioni di piani illuminati e ombreggianti, contrasti di colore. Tutto ciò è integrato da un onere decorativo pronunciato. Allo stesso tempo, la pittoresca trama, passando dall'interpretazione lineare-plastica delle forme a un dipinto sempre più ampio della visione.

Le caratteristiche contrassegnate del nuovo stile nel tempo hanno acquistato caratteristiche sempre più definite. Ciò giustifica la divisione dell'arte italiana del XVII secolo sulle tre fasi irregolari: "presto", "maturo", o "alto", e "più tardi" barocco, il dominio di cui dura molto più a lungo degli altri. Queste caratteristiche, così come i limiti cronologici, saranno ulteriormente segnate.

L'arte barocca d'Italia serve principalmente dominante e approvata dopo la cattedrale di Tilty della Chiesa cattolica, campi principianti e numerose nobiltà. I compiti messi davanti agli artisti hanno avuto tanto ideologico come decorativo. Decorare le chiese, così come i palazzi per la nobiltà, murales monumentali di cupole, plafoni, mura in Affresco Technical ottengono uno sviluppo senza precedenti. Questo tipo di pittura diventa una specialità di artisti italiani che lavoravano sia nella loro patria che in Germania, in Spagna, in Francia, in Inghilterra. Mantengono la priorità indiscutibile in questo campo della creatività fino alla fine del XVIII secolo. I temi dei dipinti della Chiesa sono le scene lussureggianti della glorificazione della religione, dei suoi dogmi o dei santi e dei loro atti. Le scene allegoriche e mitologiche sono dominate ai palafoni dei palazzi, che servono come glorificazione delle disposizioni dei cognomi e dei loro rappresentanti.

Estremamente comune sono ancora grandi dipinti di altare. In loro, insieme alle solenne immagini di Cristo e Madonna, le immagini che hanno fornito l'impatto più forte sullo spettatore sono particolarmente comuni. Questa è la scena delle esecuzioni e il tormento dei santi, così come gli stati della loro estasi.

Sushing Staka Pittura più volentieri cadde sui temi della Bibbia, dalla mitologia e dell'antichità. Come indipendente dalla sua specie ottenere lo sviluppo del paesaggio, il genere di battaglia, natura morta.

Sull'ovvio del 16 e del XVII secolo come reazione contro il manierismo due direzioni, di cui l'intero dipinto successivo dell'Italia è in via di sviluppo: accademismo di Bologna e caravagismo.

Saldo scuola. Fratelli Carramechi. L'accademismo di Bologna è composto da un sistema artistico sottile a metà degli anni '80. Tre artisti di Bologna - Louis Carramechci (1555-1609) ei suoi cugini di Agostino (1557-1602) e Annibal (1560-1609), che occupa il primo posto tra i fratelli, - produce le fondamenta di un nuovo stile, affidandosi Principalmente sullo studio del tradizionale patrimonio del XVI secolo. L'impatto della scuola veneziana, la creatività di Correzo e l'arte romana del XVI secolo conduce a una svolta decisiva dal manierismo verso la semplicità, e allo stesso tempo la lente d'ingrandimento delle immagini.

Le prime opere dei fratelli Carramechi per la pittura Palazzi di Bologna (Palazzo Fawa, Palazzo Mani) ancora non consentono di differenziare chiaramente le loro caratteristiche stilistiche. Ma i dipinti a macchina di Annibal Carramechi, in cui la reminiscenza della scuola di Parma è inizialmente forte, indicare l'individualità artistica luminosa composta. Nel 1587 e nel 1588, crea due dipinti d'altare, che sarebbero i primi lavori di un nuovo stile: "Ascensione della Madonna" e "Madonna con San Matvey "(sia nella Galleria Dresda). Se nella prima molte altre maniere nel movimento delle figure e nella loro espressione, allora "Madonna con St. Matvey "è caratterizzato dalla magy magy delle immagini, indicativo per l'inizio di un nuovo stadio di pittura italiana.

Negli anni '50, i fratelli Carramechi hanno aperto l'Accademia a Bologna, nominata da loro "Academy Dei-Inkaknati" (Accademia, entrando in un nuovo percorso). Invece della precedente formazione di artisti futuri, prevedendo l'acquisizione delle competenze necessarie nell'apparente lavoro nei laboratori dei pittori, Carrenci parlò a favore dell'insegnamento sistematico degli articoli richiesti nella pratica dell'artista. Insieme alla formazione, il disegno e la pittura nell'accademia nominata è stato insegnato anatomia, prospettiva, così come tali discipline come storia, mitologia, letteratura. Il nuovo metodo era destinato a svolgere un ruolo più grande nella storia dell'arte europea, e la Bologna Academy era un prototipo di tutte le accademie successive aperte dal 17 ° secolo.

Nel 1595, i fratelli Carramechi che hanno già acquisito una grande fama sono stati invitati a Roma cardinale Farneshee per il dipinto del suo palazzo. All'invito, un Annibal ha risposto, che ha lasciato per sempre Bologna. A Roma, stretto contatto con le tradizioni della scuola locale e l'influenza dell'antichità è stata scoperta nell'arte dei Maestri una nuova fase. Dopo una pittura relativamente insignificante di una delle sale di Palazzo Farneza ("Kamerino", metà del 1590. Annibal Karratica crea un famoso aereo gallery, che apparve come se la corona della sua creatività e il punto iniziale della maggior parte dei dipinti decorativi del 17 ° secolo. Locali della galleria (circa 20 × 6 m), bloccati da un arco a bassa scatola, Annibal si divide su un certo numero di segmenti indipendenti. La costruzione composita del Plafon ricorda il dipinto della Sicistin Capella Michelangelo, da cui Borps oltre a rompere l'aereo è anche la natura illusionistica dell'interpretazione delle sculture, figure umane viventi e pitture pittoresche. Un tema generalizzato serve amanti degli dei di Olimpo. Nel centro del Plafon, è piazzata una "marcia trionfale" affollata e rumorosa "trionfale di Vakha e Ariadna". Ai lati ci sono altre due composizioni mitologiche e la fascia diminuisce, smembrata dal marmo di Herma e Atlanta, le cui gambe sono sedute come se fossero i ragazzi viventi. Queste cifre sono incorniciate da medaglioni rotondi che imitano il bronzo, con scene antiche, poi le composizioni narrative puramente pittoresche. Agli angoli, questo fregio è stato progettato dall'immagine della balaustra, sullo sfondo del cielo, scritta Amuras. Questo articolo è importante come un primo, un altro tentativo timido di rompere lo spazio reale, ricevere, che è diventato particolarmente caratteristico dei canti barchi. Il potere di plastica delle figure, una varietà di forme decorative e ricchezza colorata ha creato un ensemble di una straordinaria pompa.

I dipinti della macchina creati da Annibal Carramechi nel periodo romano della creatività sono dedicati principalmente a trame religiosi. La fredda perfezione delle forme lascia poco posto in loro la sensazione. "Il lutto di Cristo" (1599, Napoli, la Galleria nazionale), dove lo stesso è ugualmente alto e l'altro appartiene alle eccezioni. Nella maniera di pittura della maggior parte dei dipinti, prevale il desiderio di una chiara identificazione lineare e plastica delle figure. "Le mogli di Myrova alla bara di Cristo" (circa 1605, eremitaggio) appartengono ai caratteristici campioni di questo tipo di lavoro dell'artista.

Riferendosi spesso al genere del paesaggio, Annibal Carramechci diventa un prigioniero diffuso nel futuro del cosiddetto paesaggio "classico". L'essenza di quest'ultimo sta nel fatto che i suoi rappresentanti, utilizzando motivi della natura osservati a volte sottili osservati, cercano principalmente a "riformare" le sue forme. I paesaggi sono costruiti nel laboratorio dell'artista utilizzando i regimi sviluppati, in cui il ruolo più importante è svolto dal bilanciamento delle masse, linee morbide dei contorni e l'uso di alberi o gruppi di rovine sotto forma di anelli. "Paesaggio con il culto dei Magi" Annibal Carramechi nella Galleria Doria di Roma può essere definita uno dei primi campioni stilistici completi di questo tipo.

Caravagismo. Qualche anno dopo, dopo l'aggiunta del accademismo di Bologna, un'altra, ancora più opposizione in relazione al maschio, è un corso artistico, che si distingue per una ricerca pronunciata per il realismo delle immagini ed è in gran parte democratica. Il corso di ciò è estremamente importante nella storia generale dello sviluppo del realismo, è solitamente indicato dal termine "caravagismo" originario di conto della sua testa - Michelangelo Merisi da Caravaggio (1574-1610). Ha ricevuto un'ampia fama nominata la sua patria, Caravaggio si è sviluppata come pittore sotto l'influenza dell'Arte del Nord Italia. Un altro giovane che arriva a Roma, dove attira l'attenzione su un numero di dipinti di genere. Le semi-figure raffigurate di ragazze e giovani uomini, zingari e shulers sono dotati di una materialità di dotole sconosciuta. I dettagli dei compositi sono come delineati finanziariamente: cestini di fiori e frutti, strumenti musicali. Il quadro "burro" (1594-1595, eremitage), appartenente alle migliori opere di questo cerchio, dà un'idea del tipo di tale lavoro. È caratteristico della prima caravaggio e un chiaro modo lineare di pittura.

Un'immagine semplice, priva di tutte le idealizzazione, risolutamente diversa dalle immagini raffinate di Carramechci, dà caravaggio nel suo "Vakhe" (1596-1597, Firenze, Uffizi),

Alla fine del 1590, Caravaggio riceve il primo ordine principale per la creazione di tre dipinti per la Chiesa di San Luigi-de-Francise a Roma. Nell'immagine dell'altare, "l'onore dell'apostolo Matvey, la mano della quale guida l'angelo" (1597-1598, la foto morta durante la seconda guerra mondiale) Caravaggio ha rifiutato qualsiasi idealizzazione dell'Apostolo, raffigurante una veridicità senza fine la forma di una persona dalla gente. Tale immagine ha causato una forte condanna di clienti che hanno chiesto la sostituzione dell'immagine all'altra, opzione più accettabile per loro. In una delle seguenti composizioni dello stesso ordine che rappresenta la "chiamata dell'apostolo Matteo" (1598-1599), Caravaggio ha dato il primo esempio della cosiddetta pittura "cantina". In questa immagine, prevale la tonalità scura, opposta a parti bruscamente illuminate, particolarmente importanti per la composizione: teste, contorni di figure, gesti delle mani. Questa tecnica aveva un effetto particolarmente definito sulla pittura europea del primo terzo del XVII secolo.

I primi anni del 17 ° secolo (1601-1603) sono dati da uno dei più famosi capolavori della pittura del Caravaggio - "posizione nella bara" (Roma, Pinakotek Vatican). Costruito in diagonale in altezza, questa composizione è caratterizzata da espressività di emergenza e vitalità delle immagini; In particolare, la figura dello studente pendente che sostiene le gambe del Cristo morto è stata trasferita al realismo finale. Lo stesso realismo non idealizzazione si distingue per diversi anni dopo "Assunzione di Maria" (1605-1606, Louvre). Più leggermente toccato dal flusso del corpo sdraiato della Madonna in profondo dolore, gli alunni di Cristo sono in piedi. La natura della famiglia del genere del dipinto, in cui l'artista si ritirò risolutamente dal trasferimento tradizionale del tema, ha causato nuovamente i reclami della Chiesa.

Il temperamento ribelle del Caravaggio lo ha costantemente portato a collisioni con l'ambiente. È successo in modo che durante un litigio uccise il suo avversario sul gioco della palla e fu costretto a fuggire da Roma. Nella biografia del Maestro, è stata aperta un nuovo stadio, segnato da una variazione costante del luogo. Dopo un breve soggiorno a Napoli, risulta essere sull'isola di Malta, dove nel servizio del nonno del Grandmaster dell'ordine maltese ha un maggiore successo, è in costruzione nel grado del nobile, ma presto, dopo un nuovo litigare, viene in prigione. Appare quindi di nuovo a Napoli, dopo di che riceve il permesso di tornare a Roma, ma a causa dell'errore delle autorità che lo prendono sull'altro, la proprietà è privata della proprietà, cade su una spiaggia deserta e muore dalla febbre.

A questo tardo periodo di creatività, il Master ha creato diverse opere meravigliose. Il più eccezionale può essere classificato come impatto del realismo dell'immagine "Ritratto del nonno del Grandmaster dell'ordine maltese di Aloof de Vinyakura" (1608), oltre a uno eccezionale per la semplicità della storia e della profonda umanità " Adorazione dei pastori "(1609, Messina).

Il lavoro del Maestro, la diversa mappatura della novità della vita e la peculiarità delle pittoresche tecniche, ha avuto l'influenza più forte su molti artisti, sia gli italiani che quelli che lavoravano a Roma nella Roma. Pertanto, era l'incentivo più importante dello sviluppo del realismo nella pittura paneuropea del XVII secolo. Tra gli italiani, i seguaci più importanti di Caravaggio appartengono a Orazio Dustlezki (1565-1647).

Domenicino. Per quanto riguarda i discepoli più vicini e i continue dell'arte di Karratic, allora Dominicino è particolarmente eccezionale tra loro. Domenico Callets, soprannominato Domenicino (1582-1641), è noto come il più grande rappresentante della monumentale pittura del fresco narrativo nel 17 ° secolo. Combina la lente di ingrandimento idealizzata, ma preservando la naturalezza delle forme con la gravità della trasmissione del contenuto. Queste caratteristiche sono per lo più colpite dal murale della Chiesa romana di Sant'Andrea-Valle (1624-1628), dove alla fine dell'Aksida tra lo stucco, bianco con oro, l'ornamento Domenicino raffigurato scene della narrazione evangelica dal La vita degli Apostoli Andrei e Pietro e sulle vele della cupola - quattro angeli evangelici circondati da angeli. Dal Masters Masters Master è la più famosa "L'ultima comunione di San Girolamo" (1614, Roma, Vaticano). La classica delle forme causate da parzialmente dalla Passione di Rafael è combinata nell'interpretazione delle persone con una sensazione religiosa profonda. Le opere Domenicino sono spesso contrassegnate dal carattere lirico delle immagini. A questo proposito, la sua prima "ragazza con un unicorno", scritto sopra la porta d'ingresso della Galleria Palazzo Farneza, e in particolare l'immagine, chiamato "Hunt Diana" (1620, Roma, Galleria Borghese). L'immagine raffigura una competizione di satelliti Diana in tiro con l'arco e l'episodio dell'aspetto tra loro. La naturalezza del drenaggio è intensificata dalla freschezza dell'interpretazione delle immagini.

Francesca Albani. Francesco Albani (1578-1660) era principalmente un artista-Stankista e interessante, a proposito, introducendo un nuovo tipo di stoffa - piccoli, i cosiddetti dipinti "gabinetto" progettati per decorare i locali dei volumi limitati. In loro, Albani solitamente raffiguravano paesaggi idilliaci, contro lo sfondo di cui fluish e ballano le figurine dell'amurov.

Guado Reni. Guido Reni (1575-1642), che è stato diretto dopo la carrenta, il capo della scuola di Bologna, nel primo periodo della sua creatività ha sperimentato l'effetto dell'arte del Caravaggio. Si manifesta in assenza di idealizzazione di immagini e contrasto di taglio dell'illuminazione ("Crocifissione dell'apostolo Pietro", ca. 1605, Roma, Vaticano). Presto, tuttavia, Reni produce il proprio stile rappresentando l'espressione più vivida di una delle correnti osservate nell'arte dell'Italia del XVII secolo. Questa è la cosiddetta direzione "classica" del primo barocco è caratterizzata dalla moderazione del linguaggio artistico, nonché dalla rigidità di forme idealizzate. Con tutta la completezza del modo di Guido Reni rivela per la prima volta nella famosa "Aurora" (1613-1614, Palazzo Rospilosi), scritto nella tecnica degli affreschi sul flafone della Roman Palazzo Rospillosi. Sullo sfondo del cielo giallo dorato, l'Apollo sul carro si precipita attorno alla danza della grazia. Volare davanti a lui fiori pilota Aurora a terra e conducono il mare, che non ha ancora toccato i raggi del sole. Interpretazione linearia-plastica delle forme, composizione bilanciata, costruita come un'immagine prodotta a macchina, così come l'oppressione di vernici diverse, ma calcolate, rendono questo affresco estremamente indicativo per la fase iniziale dello sviluppo della pittura decorativa barocca. Le stesse caratteristiche, ma con più goffrature, positive e appaiono nell'immagine successiva del cavalletto - "Atalanta e Ippoom" (circa 1625, Napoli). Nei suoi dipinti religiosi, Reni rende spesso le caratteristiche del sentimentalismo e mi dispiace. L'immagine dell'Hermitage "Youth Madonna" (1610) attira l'intimità del trasferimento di quelle impegnate nel cucito delle belle ragazze. In una serie di altre opere, l'idealizzazione delle immagini non esclude la loro naturalezza e profondità di sentimento ("Christ", Bologna, Pinakotek, 1613-1614; "Madonna con un bambino", New York, collezione privata, fine del 1620s.).

Il terzo decennio del 17 ° secolo apre una nuova fase dell'arte barocca, coperta dal concetto di "alto, o maturo, barocco". Le sue caratteristiche essenziali sono il rafforzamento del dinamismo ed espressività delle forme, il loro dipinto del loro trasferimento e il rafforzamento di emergenza della decoratività. Nel dipinto alle caratteristiche contrassegnate si unisce all'intensa la colorazione.

Giovanni Lanfranco. Uno dei Maestri che rivendica il dominio di un nuovo stile, Giovanni Lanfranco (1580-1641), basato principalmente sull'arte monumentale di Korredjo, del 1625 crea il suo dipinto della cupola di Sant'Andrea-della Valle, raffigurante il "Paradiso" . Avere cerchi concentrici innumerevoli figure - Madonna, santi, angeli, prende l'occhio dello spettatore in uno spazio infinito, al centro di cui la figura luminosa di Cristo è raffigurata. Per questo artista, è anche caratterizzato combinando figure in ampie masse che formano flussi pittoreschi di luce e ombra. Le stesse tecniche di pittura sono ripetute nei dipinti della macchina di Lanfranco, tra cui uno dei precedenti è la "visione del Santo Margarita Cortonskaya" (Firenze, Palazzo Pitti). Lo stato dell'ecstasy e la costruzione di gruppi in diagonale sono estremamente caratteristici dell'arte barocca.

Grumposamente. L'illusione barocca convenzionale degli spettatori degli spettatori dello spazio è ancora decisamente definita da Lanfranco, espressa dalla sua contemporanea Francesco Barbieri, che è soprannominata (1591-1666). Nel Plafon Palazzo, Ludovisi a Roma (1621-1623), così come nel suddetto flafono, Gvido Reni, è raffigurato Aurora, questa volta portando il carro tra il cielo nuvoloso. Le composizioni raffigurate lungo il bordo dei vertici delle pareti e dei cipressi furiosi quando si considera da un certo punto di vista creano l'illusione di continuare la vera architettura della stanza. Grobrikino, che, com'era, il legame tra le maniere artistiche di Carramechi e Caravaggio, prende in prestito al primo carattere delle sue figure, la seconda - le tecniche della sua pittura in bianco e nero. "La sepoltura di St. Petronillo" (1621, Roma, Galleria Capitol) è uno degli esempi visivi di pittura della fraternità precoce, in cui la naturalezza delle immagini è combinata con l'ampiezza e l'energia dell'esecuzione pittorica. Nella "esecuzione di sv. Catherine "(1653, Hermitage), come in altri lavori successivi del Maestro, la veridicità delle immagini è sostituita dall'eleganza della composizione.

Domenico Fetty. Di altri artisti di questo periodo, dovrebbe essere menzionato anche Domenico Fetty (1589-1624). Nelle sue composizioni, gli elementi di un genere domestico realistico vanno d'accordo con una ricca tavolozza colorata, che l'arte di Rubens ha avuto il suo impatto. I suoi dipinti "Madonna" e "Tobit di guarigione" (1620s., Eremo). Diverso del suono e dei flash soft, ti permettono di fare una certa idea delle colorate missioni dell'artista.

Lorenzo Bernini. La figura centrale dell'arte alta barocca è l'architetto brillante e lo scultore Lorenzo Bernini (1599-1680). La scultura del Maestro rappresenta una connessione unica di tutte le caratteristiche caratteristiche dello stile barocco. Unito organicamente la nitidezza limite dell'immagine realistica con immensa larghezza di visione decorativa. Questo si unisce alla proprietà insuperabile della tecnica di lavorazione del marmo, del bronzo, della terracotta.

Il figlio dello scultore, Lorenzo Bernini appartiene ai Maestri, molto presto con la loro lingua d'arte e quasi dai primi passi raggiungendo la maturità. Per circa il 1620, Bernini ha creato diverse sculture in marmo appartenenti a capolavori indiscussi. Il 1623, la sua statua "David" (Roma, Galleria Borghese) risale. Si distingue per la straordinaria abilità di trasmissione realistica della tensione delle forze spirituali e fisiche dell'eroe biblico raffigurato al momento del lancio della pietra di Prash. Due anni dopo, viene eseguito il gruppo Apollo, perseguendo Daphne (1620, Roma, Galleria Borghese). Il dipinto delle forme delle figure corrente e dell'eccezionale perfezione del trattamento superficiale sono completate da una rara finezza dell'espressione di Daphne, che non ha ancora sentito performando metamorfosi (girando in un albero di alloro), e Apollo, che lo capisce La vittima sopraffarsa è irrimediabilmente persa.

Il ventesimo e il trentesimo anni del XVII secolo - il tempo della polizia dell'URBAN VIII - rafforza la posizione di Bernini come artista leader a Roma. Oltre a numerose opere architettoniche, crea una serie di sculture monumentali, ritratti, oltre a opere di natura puramente decorativa. Da quest'ultimo, il più perfetto appartiene alla fontana di Roma Triton (1637). I contorni bizzarri dell'enorme guscio, che i delfini sono mantenuti, e gli alberi rumimentati sopra sono armonizzati con flussi di acqua che cadono.

La decoratività più pronunciata della maggior parte dei lavori del mago può essere contrastata con le più importanti passi delle attività di Bernini incredibile nella nitidezza realistica delle caratteristiche relative al 1630 ° ritratti di Constance Buonarelli (Firenze, Museo Nazionale) e Cardinale Scyiona Borghese (Roma , Galleria Borghese).

L'ingresso nel 1640 sul trono papale di innocente X ha portato alla rimozione temporanea di Bernini dal ruolo guida nella costruzione e nella decorazione di Roma. In breve periodo che lo separa dal riconoscimento ufficiale appena arrivato, Bernini esegue una serie di nuove opere meravigliose. Tenendo presente il temporaneo non riconoscimento del suo merito artistico, crea un gruppo allegorico "Verità, che rivela il tempo". La figura temporale rimane insoddisfatta, ma la figura femminile allegorica seduta sta colpendo l'estrema espressività delle forme realistiche.

Il capolavoro della monumentale scultura barocco era il famoso gruppo "Ecstasy St. Teresa ", adornante Cornaro Cornaro Corno Church-Vittoria Church (1645-1652), un angelo con una freccia nella sua mano oltre la santa estasi. I sentimenti di Teresa sono espressi con tutta l'inespressibilità della trasmissione realistica. L'interpretazione del suo ampio abbigliamento e la figura angelo comprende le caratteristiche del decorativo. Colore bianco di un gruppo di marmo posizionato sullo sfondo dei raggi dorati, si fonde con sfumature colorate dell'ambiente architettonico di marmo colorato in un elegante ensemble di colore. Tema ed esecuzione sono molto caratteristici dello stile del barocco italiano.

1628-1647 è dato da un'altra delle creature di revisione di Bernini - la lapide di Papa Urban VIII nella Cattedrale di San Peter a Roma. Secondo la grandezza dell'epressività del piano e abilità della soluzione di plastica, questo monumento appartiene alle meravigliose opere di scultura della tomba. Sullo sfondo di un marmo di marmo colorato, un piedistallo bianco con una figura di bronzo espressiva del papà è elevata. La sua mano sollevata per i rapporti di benedizione figura la terribile grandezza. Sotto sui lati del sarcoforo di marmo verde sono figure bianche, personificando le virtù della giustizia di VIII-VII - saggia e misericordia. La crescita dovuta alla semi-imaging del bronzo del sarcofago dello scheletro alato si attacca al bordo del piedistallo con il nome inscritto del defunto.

Il periodo di non riconoscimento temporaneo di Bernini viene sostituito presto con lo stesso innocente x riconoscimento del suo capo ufficiale della scuola romana, e quasi con maggiore fama di prima. Delle opere scultoree della seconda metà del Bernini, il Grandioso Dipartimento del Bronzo della Cattedrale di Sant'Anno Pietro a Roma, la figura dell'imperatore Konstantin (Ibid.) E in particolare la creazione di un nuovo tipo di ritratto, il modo migliore del fatto che il busto di marmo di Louis Xiv, pieno di un maestro durante il suo soggiorno nel 1665 (su invito di il tribunale francese) a Parigi. Quando si costruisce espressività, i tratti del viso, l'attenzione principale è focalizzata sulla decoratività del tutto, raggiunta dalla pittoresca interpretazione dell'enorme parrucca dalla pittoresca interpretazione dei riccioli e come se fosse scalata dal vento fluttuante drappeggio.

Dotato di eccezionale espressività, l'originalità dello stile visivo e della perfezione delle competenze tecniche, l'arte di Bernini ha trovato innumerevoli fan e imitatori che influenzano l'arte plastica dell'Italia e di altri paesi.

Petro Sì Norton. Dai pittori, il più significativo per lo stile dell'alto barocco è il Pietro Berrettini da Norton (1596-1669). Inizialmente nominava con i suoi dipinti a macchina multidurizzati ("Victory Alexander Macedonsky sopra Darim", "Abduzione di Sabinjanok" - il 1620, entrambi - il Museo Capitol, Roma), in cui ha trovato una profonda conoscenza della cultura materiale dell'antica Roma, acquisita come risultato dello studio dei monumenti antichità. Ma le principali conquiste di Nortes appartengono al campo di dipinti decorativi monumentali. Tra il 1633 e il 1639, svolge il Grand Plafof a Palazzo Barberini (Roma), che è un campione luminoso di pittura decorativa barocca. Il Plafof glorifica la testa della casa Barberini Papa Urban VIII. Nello spazio coperto dalla pesante cornice rettangolare, è raffigurata circondata da un insieme di personaggi allegorici la figura della saggezza divina. Sulla sinistra sopra si toglie in cielo una ragazza sottile con una corona di stelle nelle braccia alzate, personificando l'immortalità. Anche sopra, potenti forme del Muz, che servono come promemoria dell'attività poetica di VIII urbano, portano una corona enorme, nel centro di cui tre api di Barberini volano. Sulle cornici del telaio, sulla rotonda della transizione verso le pareti, le scene mitologiche sono raffigurate, in una forma allequiscente che racconta le attività del Papa. La ricchezza dei pittoreschi motivi, la diversità e la vitalità delle immagini corrispondono alla Sonicità del tutto.

La fusione organica caratteristica dello stile monumentale è la fusione biologica in un unico sistema decorativo di architettura di composizioni, pittura e ornamenti in plastica trovarono l'espressione più completa nel dipinto di un certo numero di sale del Palazzo a Firenze (1640), denotate dai nomi degli dei dell'Olimpo. La glorificazione dei medici a casa si distingue da una straordinaria varietà di composizioni. Il più interessante è il soffitto che decora la sala di Marte e legge sulle virtù militari dei proprietari di Palazzo. Inerenti a questa immagine delle dinamiche, l'asimmetria della costruzione, così come l'irrazionalità della composizione, espressa nel fatto che i polmoni dell'amurov sostengono il massiccio stemma di pietra dei Medici, appartengono alle espressioni estreme di Lo stile barocco, che ha raggiunto la sua completezza.

Allo stesso tempo, le tendenze realistiche sono sviluppate nel lavoro di un certo numero di maestri italiani, preferibilmente lavorati fuori da Roma.

Salvatore rosa. Gli artisti più originali della metà del 17 ° secolo appartengono al Salvator Rosa (1615-1673), che non era solo un pittore, ma anche un poeta, Pamphletistic e attore. Un nativo di Napoli, dove l'influenza della scuola di Karavago era particolarmente resistente, la rosa è vicina all'ultima realtà di immagini e maniera di pittura con ombre scure. Il tema della creatività di questo artista è estremamente diverso, ma il più importante per la storia dell'arte è le sue numerose scene di battaglie e paesaggi. In composizioni di battaglia, un rapido temperamento dell'artista è stato eseguito in piena forza. Un genere di battaglia simile, scelto dagli imitatori, sarà diffuso in tutta l'arte europea. Paesaggi maestri raffiguranti le coste rocciose del mare, a causa dei motivi della natura nella foto, le dinamiche della composizione, un forte contrasto di illuminazione e l'emotività di una soluzione generale può essere definita romantica. Così, possono essere opposti ai classici paesaggi della scuola di Carragejevsky e ai paesaggi tutti terribili delle scuole settentrionali. Tra i dipinti di grandi dimensioni, le rose sono assegnate immagazzinate nell'eremo "Odyssey e Navykaya" (1650s.) E "Democratico, sorpreso dall'agilità della Protagoda" (allo stesso tempo). Servono come esempi eccellenti di stile narrativo e maestri scenici.

Dalle anni Sessanta, l'ultimo XVII secolo l'ultima, la fase più lunga dello sviluppo dell'arte barocca d'Italia, il cosiddetto "più tardi barocco". È caratterizzato da un rigore più piccolo di costruzione di composizioni, maggiore facilità di figure, particolarmente evidenti in immagini femminili, in crescita di deflussi di colore e, infine, ulteriore miglioramento della decorazione.

Giovanni Battista Gauli. Il principale espressivo di nuove tendenze della pittura è Giovanni Battista Gauli (1639-1709), noto come uno Stankista e come artista che ha creato un certo numero di affreschi. La sua arte confina attentamente l'arte del defunto Bernini. Per i migliori lavori, Gauli appartiene al suo precoce, stagionato nei colori vivaci delle vele imballate dell'anice Sant Anise-in-Piazza-Navona a Roma (circa 1665). Invece di evangelici, l'architettura della Chiesa più comune in questi luoghi, Gauli ha ritratto la facilità di scene allegoriche delle virtù cristiane. Particolarmente attraente è quello in cui sono rappresentate due giovani ragazze, di cui si posiziona la corona di fiori a un altro. Le opere dello stile maturo dei Gali sono i dipinti del Plafon, della cupola e dei re dell'Absida della Chiesa principale dell'Ordine del Gesuita Il-Jesu a Roma (1670-E-init 1680s.). Questo soffitto, noto come il "culto del nome di Gesù", è molto indicativo per lo stile del tardo barocco. Tra l'architettura scritta, che continua le reali forme della Chiesa, presentata alla profondità dello spazio celeste, pieno di innumerevoli figure, come onde traboccanti dal buio a tutti i gruppi più leggeri. Un'altra vista delle pittoresche opere del Maestro sono il suo privo di tutti i tipi di guanti decorativi, ritratti di contemporanei psicologicamente superbamente caratterizzati ("Papa IX", Roma, Galleria di San Luki; "Ritratto di Bernini", Roma, Galleria Corsini) .

Andrea Pozzo. La ricerca dell'illusione di costruzioni architettoniche raggiunge il suo più alto sviluppo nel lavoro di Andrea Pozzo (1642-1709). Il suo prodotto capitale è l'affresco di inondazione della chiesa di Saint-Inhacio a Roma, si affacciava dal Central Nef, mostrato da Tiers of Terraces, Arcade, un Colonnato di pareti da corsa, oltre alle quali Ignati Loyola si distingue tra le numerose figure, crea l'illusione dello spazio architettonico. Come altre plaffoni simili, la leggerità e la correttezza della costruzione sono immediatamente violate non appena lo spettatore si allontana dal punto a cui è stato calcolato.

Anche il napoletano Luke Jordano (1632-1705) appartiene ai più famosi maestri di pittura decorativa (1632-1705). Un maestro talentuoso ed estremamente prolifico, era ancora privato della forza e dell'originalità interiore e spesso imitavano altri artisti. Per le sue migliori opere appartengono alla famiglia glorificatrice di Medici Florinentine Palazzo Ricardee.

Nel campo della pittura a macchina da contemporanei di questi artisti, è distinta una scuola romana della fine del XVII secolo Carlo Maratta (1625-1713) (1625-1713). Prese il posto del più grande rappresentante del tardo barocco. I suoi dipinti di altare sono caratterizzati dalla levigatezza delle linee e dalla magnifica calma delle composizioni. Come artista forte, si scoprì nel campo del ritratto. Tra le sue opere è assegnato dal caratteristico e magnifico eremitagono di pittura "Ritratto del Papa di Clement IX" (1669). Francesco Solima (1657-1749) che ha lavorato a Napoli nei suoi dipinti biblici e allegorici di nitidi contrasti di luce e ombra portano alla memoria delle tecniche di Caravaggio, ma li usa in composizioni puramente ornamentali. Late Bologna Giuseppe Maria Kressee (1664-1747), che è uno degli artisti dotati del periodo in considerazione, ha avuto una forte influenza sul dipinto del XVIII secolo. I maestri caratterizzano un orientamento realistico fortemente pronunciato. Si manifesta nelle composizioni religiose, così visivamente nei suoi dipinti domestici ("la fine di San Giuseppe", circa 1712, eremitage; "Serie dei misteri", 1710th, Dresda Gallery).