Quali sono i principali valori semantici del termine impressionismo. Il significato della parola impressionismo

IMPRESSIONISMO(Fr. Impressionnisme, dall'impressione - impressione) - Direzione nell'arte della fine degli anni 1860 - I primi anni del 1880, l'obiettivo principale del quale era il trasferimento di impressioni fugaci e mutevoli. L'impressionismo era basato sulle ultime scoperte di ottica e teoria dei colori; In questo, era consonante con lo spirito di analisi scientifica caratteristica della fine del 19 V. L'impressionismo più brillante si è manifestato nella pittura, dove è stata prestata particolare attenzione al trasferimento di colore e luce.

L'impressionismo è apparso in Francia alla fine del 1860. I suoi principali rappresentanti - Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Berta Morizo, Alfred Sisley e Jean Frederick Basil. Insieme a loro, Eduar Mane e Edgar Degar, anche se lo stile dei loro lavori non può essere chiamato impressionistico. La parola "impressionismo" viene dal nome dell'immagine di Mone Impressione. Alba(1872, Parigi, Museo Marmottan), presentato alla mostra 1874. Il nome implicava che l'artista trasmette solo la sua impressione fugace del paesaggio. Ora il termine "impressionismo" è inteso più largo della semplice visione soggettiva dell'artista: come uno studio approfondito della natura, prima di tutto in termini di colore e illuminazione. Questo concetto è essenzialmente opposto al tradizionale, proveniente dall'era della rinascita della comprensione del compito principale della pittura come trasferimento della forma di oggetti. Lo scopo degli impressionisti era un'immagine di istante, come se le situazioni e i movimenti "casuali". Questo ha contribuito di asimmetria, frammentazione di composizioni, l'uso di angoli complessi e fette di figure. L'immagine diventa una cornice separata, un frammento del mondo rotante.

Paesaggi e scene dalla vita urbana - Forse i generi più caratteristici di pittura impressionista - scrivevano "al Plenier", cioè. Direttamente dalla natura, e non sulla base di schizzi e schizzi preparatori. Gli impressionisti sbircirono brevemente nella natura, notando colori e sfumature, solitamente invisibili, come il blu nell'ombra. Il loro metodo artistico era nella decomposizione dei toni complessi al loro spettro di colore puro. Ombre colorate e pittura di trepidazione luminosa pulita. Gli impressionisti hanno imposto vernici con tratti separati, a volte usando i toni di contrasto su una sezione dell'immagine, la dimensione delle macchie variegate. A volte, per esempio, per l'immagine di un cielo limpido, si sono levigati con un pennello in una superficie più liscia (ma anche in questo caso un modo libero e pittoresco incurante) è stato enfatizzato). La caratteristica principale dei dipinti impressionisti è l'effetto del vivace tremolante delle vernici.

Camille Pissarro, Alfred Sisley e Claude Monet nel loro lavoro preferite paesaggi e scene urbane. Auguste Renoir ha scritto le persone sul grembo della natura o all'interno. La sua creatività illustra perfettamente la tendenza a cancellare i volti tra generi caratteristica dell'impressionismo. Tali immagini del genere Palla in Moulin de la Gatte (Parigi, Museo D "Ores) o Appoggio per la colazione. (1881, Washington, Gallery Phillips), sono i ricordi colorati delle gioie della vita, della città o del rustico.

Ricerche simili per il trasferimento del mezzo light-air, la decomposizione dei toni complessi sui colori chiari dello spettro solare si è verificato non solo in Francia. James Whistler (Inghilterra e USA), Max Lieberman, Corintov (Germania), K. Korovina, I.e. Grabar, K.a. Korovina, cioè Gabar (Russia) sono contati per gli impressionisti.

L'impressionismo nella scultura implica la modellazione gratuita dal vivo delle forme morbide fluide, che crea un complesso gioco di luce sulla superficie del materiale e un senso di incompletezza. Nelle pose, il momento del movimento, lo sviluppo è accurato; Le figure sembrano essere rimosse usando una telecamera nascosta, come ad esempio, in alcune opere di E.Dega e O. EMINA (Francia), Medroad Rosso (Italia), P.P. Trubetsky (Russia).

All'inizio del XX secolo Nel dipinto c'erano nuove tendenze, espresse in rifiuto del realismo e appello all'astrazione; Erano la ragione per cui gli artisti più giovani si sono allontanati dall'impressionismo. Tuttavia, l'impressionismo ha lasciato il ricco patrimonio: principalmente un interesse per i problemi di colore, nonché un esempio di una rottura audace con la tradizione.

Alle aree più importanti del modernismo, che hanno influenzato il corso e lo sviluppo dell'arte del XX secolo. relazione cubismo, arte astratta, dadaismo, surrealismo, kostruitivismo in architettura dodecafonia e Aleatoria nella musica. L'effetto cruciale sullo sviluppo della letteratura è stato il lavoro di J. Joyce e M. Proust. L'attenzione essenziale è pagata all'impressionismo come prima fase di formazione del modernismo. Poiché il cubismo e l'arte astratta sono ben noti, non sono particolarmente considerati.

Anche una breve descrizione delle direzioni principali e delle scuole del modernismo consente di presentare visivamente la sua eterogeneità interna e allo stesso tempo sentire la sua unità interna e profonda.

È necessario, naturalmente, prendere in considerazione che la cultura artistica del secolo scorso non è ridotta solo al modernismo. Insieme a lui, c'era anche arte che ha continuato le tradizioni della cultura precedente, in particolare la tradizione del realismo, e il fenomeno del tipo intermedio, che ha combinato il modernismo con le forme tradizionali dell'arte. All'inizio degli anni '30. C'era anche un completamente diverso dal modernismo, è possibile dire che si può dire che l'arte di una società chiusa.

Impressionismo

L'impressionismo è in previsione del modernismo. Questo è l'inizio del movimento dell'arte da un'immagine di oggetti esterni all'immagine dei sensi di una persona, e poi all'immagine delle sue idee.

Impressionismo (da p. impressione - L'impressione) è una direzione in arti visive, letteratura e musica della fine dei secoli XIX - primitivi XX. Si sviluppò in pittura francese dei 60-70. XIX secolo. Il nome del corso è sorto dopo la prima mostra di artisti nel 1874, su cui l'immagine di K. Monte "l'impressione. Sunrise". Il nucleo del primo gruppo di impressionisti era O. Renoir, K. Monte, K. Pissero, Sisley, Degas, e altri.

Il segno di iodio stabilito del romanticismo, l'impressionismo non è mai completamente scomparso dagli ideali. Agli impressionisti, tali rappresentazioni del romanticismo sono state rese direttamente o indirette, come il rifiuto delle norme e le leggi dell'arte, un audace proclamazione della libertà da parte della principale e della sua sola legge, una moderazione completa del sentimento, l'introduzione del Concetti di tempo e movimento, l'idea di indipendenza e individualismo dell'artista, idee romantiche sul completamento dell'opera d'arte, idee relative all'uomo, alla creatività, bella e brutta, ecc. L'impressionismo era sobrio del romanticismo, ma era ancora una povertà romantica dietro questa sobrietà.

L'impressionismo è un collegamento e un sistema mobile, una combinazione di romanticismo e "naturalismo", ragione e sentimenti, soggettivi e oggettivi, poesia e scienza, libertà e dura giurisprudenza, un impulso sfrenato e tracciando i suoi quadri.

Una delle fonti che ha nutrito l'impressionismo era l'incisione colorata giapponese, ampiamente mostrata nel 1867 a Parigi. Non c'è nulla di strano in questo: ancora il romanticismo ancora (dopo il rococò) ha attirato l'attenzione degli europei ad est. La passione per l'arte giapponese era simultaneamente sia la moda, sia una delle volte che ha colpito il gusto dell'era. Baudelaire, Hangra, Mana, Degas, Whistler furono i primi intenditori e collezionisti di incisioni giapponesi, kimono, fan, porcellana. Mentre il toounandholdhold giapponese scrive, nelle incisioni giapponesi del na, c'era una prospettiva geometrica lineare, che l'Accademia europea è stata insegnata - ma avevano una prospettiva dell'aria in loro, i raggi del sole scorrevano in loro, la nebbia del mattino scorreva, La nebbia del mattino era ridicolo. I primi grandi istinti giapponesi hanno capito che la natura non era una totalità di corpi, ma una catena infinita di fenomeni eternamente cambianti. Iniziarono per la prima volta a ritrarre intera serie dello stesso paesaggio con un'illuminazione diversa e in diversi momenti dell'anno. Tali erano "100 specie di Monte Fuji" Hokusai, "53 specie della stazione di Tokaido" Hiroshiga. L'Accademia ha insegnato a costruire una composizione come se l'artista contemplasse la scena raffigurata da lui, seduta dal Pas nel balcone del teatro e vedendolo in linee orizzontali. I giapponesi interpretano la composizione come se l'artista fosse la persona che agisce della scena raffigurata. Ecco perché prevalgono linee inclinate sopra orizzontale; Ecco perché sono in primo piano spesso il ramo di fioritura è spesso caricato o altri dettagli, oscurando il tutto, anche se armoniosamente associato ad esso. Usando l'esempio dei giapponesi, gli artisti francesi hanno compreso tutta la bellezza dell'asimmetria, tutto il fascino delle sorprese, tutta la magia della persuasione. All'esempio dei giapponesi, erano convinti delle delizie degli schizzi leggeri, istantanee fatte da diverse linee e diverse macchie.

L'influenza dell'arte giapponese sull'impressionismo non dovrebbe essere esagerata. I giapponesi, a differenza degli impressionisti, non hanno mai scritto direttamente dalla natura. Le impressioni degli Impressionisti sono passate dalla percezione diretta sensuale, mentre i giapponesi - dall'esperienza emotiva, collegati alle coste conseguenze delle tecniche tradizionali.

T. Mann chiamato il dipinto di impressionisti "Giardino incantato", sottolineando la sua devozione agli ideali della vita terrena. Per le scoperte estetiche, gli impressionisti avevano un modesto angolo della natura, le rive della Senna, le strade di Parigi. La vita di tutti i giorni credeva, bellissima, e l'artista NA ha bisogno sofisticato o eccezionale.

Gli impressionisti hanno in contrasto il loro salone d'arte e il funzionario, la bellezza della realtà quotidiana - la bellezza pomposa e la paura del salone di pittura basata sui principi accademici. Si sono rifiutati di scrivere trame mitologiche, alieni a "Paesi letterari" (poi questa parola è stata inclusa nell'uso), associata a loro con il falso salone, dove, secondo G. de Maupassant, le pareti riempivano i dipinti di Duchschchalnaya e romantici, Dipinti storici e indiscreti, che e sono narrati, e reclamano e insegnano e moralizzare, ma anche corrotti. Gli impressionisti hanno evitato il sentimentalismo, le patosintezze, che è un'elevazione deliberata dell'immagine. Arrivando una nuova visione del mondo, hanno democratizzato l'idea di bellissima.

Confrontando gli impressionisti con il telefono cellulare russo, che ha anche combattuto con l'arte accademica del salone, possiamo dire che i risultati si sono rivelati completamente diversi. Nightmares russi respinti insieme al salone Bella e bellezza della pittura in generale, insistendo principalmente sul valore morale e rivoluzionario dell'art. Impressionisti, che hanno respinto la bellissima bellezza ben favorevole, cerebrale, non si rifiutarono di trovare la bellezza come tale, ma già in altre forme.

Prima impressionisti, artisti, anche il più "pittoresco", sempre visibile visibile su tela. Gli impressionisti hanno cercato di prendere un momento di volo, avvicinandosi alla visibilità pulita. La conoscenza ha lasciato il posto all'impressione. L'impressionismo è principalmente variabilità e movimento. Per trasferire le transfigurazioni istantanee del mondo, gli impressionisti hanno ridotto il tempo di creare l'immagine, il più vicino possibile al tempo reale dell'immagine della natura. Con il concetto della velocità di creare il lavoro, sono stati collegati i requisiti per il grado del suo completamento.

L'impressionismo ha cambiato la presentazione non solo peso pittura, ma anche il massimo immagine.

Artisti-impressionisti na Impostare il loro scopo speciale dell'incompletezza, dello schizzo dell'immagine e della nudità della tecnologia pittoresca. Allo stesso tempo, dal punto di vista dei requisiti per il grado di decorazione, possiamo parlare della doppia incompletezza del lavoro degli impressionisti. Innanzitutto, questa è la nitidezza esterna del finale, che spesso ha causato il malcontento contemporaneo. In secondo luogo, incompletezza come apertura dell'intero sistema pittorico, breve tempra, la durata del tempo, per così dire alla fine della frase. A causa della peculiaia persuasione dell'immagine degli impressionisti, è difficile descrivere inequivocabilmente, ma in esso - la loro eccitante attrattiva. Se fosse necessario ritirare una semplice formula di impressionismo, potrebbe essere: "variabilità, dualità, reversibilità, poco costoso".

Cambiare l'idea della pittura, l'impressionismo ha raggiunto una misura speciale attivazione del pubblico (Anche con il suo fastidio "incompletezza"). Lo spettatore è diventato un complice per creare un'immagine e un coautore dell'artista.

A metà degli anni '80. XIX secolo. È iniziata la crisi dell'impressionismo. Molti artisti, prima delle ragioni del flusso, trovò il suo quadro troppo stretto. Si trattava del fatto che i principi dell'impressionismo privano l'immagine dei componenti intellettuali e morali. E anche se negli anni '90. Un ampio riconoscimento è venuto all'impressionismo, ha coinciso con l'inizio del suo decadimento come corso olistica e nucleazione all'interno del PEGO altre aree. Alcuni di loro volevano in qualche modo modernizzare l'impressionismo, altri generalmente cercavano nuovi percorsi. La pittura poetica degli impressionisti, la loro percezione sollevata e luminosa della vita quotidiana, la capacità di dare il colore lirico con una mutevolezza, fugata le sue manifestazioni cominciarono a lasciare il posto ad altre tendenze e sentimenti.

Alle correnti che cercano di modernizzare l'impressionismo, appartenevano in particolare neo-Simepressionism. (o numeletismo). J. Serem ha sviluppato una tecnica insolita, e P. Xinyak ha cercato di sostenere teoricamente un nuovo corso. Le differenze tra il neo-semplicismo dall'impressionismo erano essenziali. Colpi separati caratteristici degli impressionisti diminuiti ai punti; Ho dovuto abbandonare la fissazione del momento, dal momento che la pittura, cercando di aggiustare un momento, è improbabile che parli dell'Eterno; La spontaneità e la naturalezza della visione e dell'immagine, interesse per la composizione accuratamente costruita e pensata, anche statica, la priorità del colore sopra la luce viene spostata sullo sfondo. Artista del powulist, creando qualsiasi forma o ombra con l'aiuto di un enorme numero di macchie di punti, non ha bisogno di linee, PI in contorni. La profondità dell'immagine è raggiunta a causa del fatto che gli oggetti davanti sono più grandi e diminuiranno gradualmente mentre si rimuovono in prospettiva. A distanza, i punti colore sono otticamente fusi, dando un'impressione sorprendentemente naturale di luce, ombra, transizione da un tono all'altro. Secondo Syur, non un artista con il suo pennello, ma l'occhio dello spettatore dovrebbe mescolare i punti di colore in un intervallo ottico vivente.

Neo-Simepressionismo esisteva a lungo. Si è scoperto che la nuova tecnica ha tagliato per sé e momenti negativi. Lei livellava l'individualità dell'artista. Inoltre, il neo-semplicissimo ha proclamato l'incoerenza dell'artista, ha respinto la caratteristica spontaneità dell'impressionismo. Le opere dei pointelist sono difficili da distinguere a vicenda. Sentirsi questo, K. Pisserro, dapprima portato via da questo sistema, poi distrutto tutti i suoi vestiti eseguiti in questo modo.

Il periodo che è durato da circa il 1886 al 1906 è consueto chiamato dal postopressione. Questo grazioso termine condizionale denota un periodo di tempo, i cui confini sono determinati, da un lato, l'ultima mostra di impressionisti, dall'altro, il tempo dell'aspetto dei primi flussi moderni in realtà, come il formism e il cubismo.

Paul Cesann ha avuto un impatto molto importante sulla formazione di arte del modernismo. Essendo un contemporaneo di impressionisti, ha predicato un approccio diametralmente opposto alla natura: non catturare i suoi stati fugaci, ma per identificare un'essenza costante. Introgettore Unsondstania, un "momento eccellente" impressionistico Cezanne ha contrastato la materialità condensata, la durata dello stato e la costruttività sottolineata. Pittura Cesanna è volitional, costruisce una foto del mondo, come costruendo un edificio. Gli elementi sono dati: colore, forma sfusa, profondità spaziale e piano dell'immagine. Di questi ordinari originariamente, Cesann costruisce i propri mondi in cui c'è qualcosa di impressionante, le grandiose, nonostante le piccole dimensioni delle sue tele e un set di grafici avaro (Mountain di Saint-Victor in Exc A, uno stagno con un ponte, case, rocce , Mele e un barattolo sulla tovaglia).

Cezanne era principalmente un artista per gli artisti. Nessuno dei seguenti artisti è sfuggito alla sua influenza, anche se per la maggior parte degli spettatori-non professionisti è difficile, e a prima vista ed è noioso nella sua monotonia esterna: non ha né grafici interessanti, né lirica, né un occhio tavolozza.

In una gamma di Gamma Cezanna arancione-verde-blu stabile, spessa, scolpita i suoi paesaggi. Non hanno un "umore", ma il raro paesaggio di un altro artista può sopportare il vicinato sullo stesso muro. Nei paesaggi di Cezanne preferisce un orizzonte alto, quindi lo spazio della terra coincide con il piano di tela; Sposta i piani, riassume le masse. Anche i riflessi nell'acqua fa massiccio, architettonico. Non riconosce l'amorfobiità e si trasforma in natura le forme potenti. L'immagine per Cesanna è un concetto di plastica di concetto visibile, non imitazione. Il concetto deriva dalla risoluzione delle contraddizioni tra le proprietà della natura e le proprietà dell'immagine. La natura è in continuo movimento e cambiamento, l'immagine è statica in natura, e il compito dell'artista è di guidare il movimento a stabilità ed equilibrio. In natura - una infinita diversità di forme capricciose, lo spirito umano è tipicamente ridotto a un po 'più semplice. Cezanne consiglia: "... Nota del tratto attraverso un cilindro, palla, cono." I volumi di Cezanna hanno davvero voglia di semplificare, poiché non vuole distruggere illusamente l'aereo. Il suo obiettivo è tradurre i fenomeni della natura nella lingua delle categorie pittoresche, premuroso che la sensazione del piano rimane, sintetizzata con la sensazione di volume e profondità. Raggiunge questa speciale organizzazione dello spazio, a volte ricorrere a deformazioni e turni e combinando diversi punti di vista nella stessa composizione sugli articoli raffigurati.

Nelle righe ancora, la superficie del tavolo viene spremuta sullo spettatore, affermando il piano dell'immagine, e i frutti sdraiati sul tavolo sono mostrati sotto un angolo di vista diverso. I "gradi" all'aereo, situati come l'altro, giurando i volumi di frutta sono percepiti con doppia intensità, e i frutti stessi sembrano monumentalmente, incontaminati. Allo stesso tempo, l'artista trascura la trama degli oggetti: le sue mele non sono da quelle che vuoi mangiare, sembrano fatte da una sostanza solida, fredda e densa, così come una brocca e persino una tovaglia.

A differenza degli impressionisti, Cezanna ha più attratto la materialità e la grandezza della forma, piuttosto che cambiare il gioco della luce e dell'ombra. Gli impressionisti hanno impostato il requisito per completare l'immagine in una ricezione per avere tempo per risolvere il sentimento "istantaneo" della canvasi. Cezanne ha preferito tornare al posto selezionato più volte, creando un'immagine più lavorata e "artificiale". Impressionisti, cercando di "catturare Mig", ricorso a morbidi colpi d'aria, Cezanne godeva di forti colpi fiduciosi, rendendo la sua tela più voluminosa. Nel suo rifiuto del cieco seguendo le leggi della prospettiva lineare, Cezanne è andato ancora oltre. Nel tentativo di ritrarre il mondo sfuso su una tela piana, distorceva la proporzione e la prospettiva, se necessario il principio compositivo specifico.

Cezanna è riuscita a creare un linguaggio artistico speciale. L'idea che l'immagine non sia aperta nella finestra mondiale (Rinascimento), e il piano bidimensionale con le proprie leggi del linguaggio visivo, è diventato centrale nella pittura all'avanguardia del XX centrale. Non è un caso che Picasso si chiamasse "nipote Cesanna".

Nella pittura di cezanna, la tendenza delle discrepanze tra i valori di plastica (visiva) e i valori umani effettivamente: in termini di ricerca, c'era uguale montagna, mela, arlecchino, fumatore, ecc. Cezann non ha riconosciuto gli atteggiamenti artistici che disimpegnati con il suo. Non aveva il minimo interesse per l'arte giapponese. Decoratività, stilizione, colore aperto, contorno, che ha affascinato molti dei suoi contemporanei, ha causato un atteggiamento negativo. Proprio come lo "spirito letterario" e il genreismo, sotto l'influenza del quale, considerato Cezanne, l'artista "può evitare la sua vera vocazione - uno studio specifico della natura". Non piaceva né Gogen, né Van Gogh, sembrava che non notò affatto Tolosa-Lotroid.

Creatività Tolosa-Lotrek ironicamente, ma anche umana. Non "latte da marca", ma non lo presenta anche come un piatto salato: è anche escluso da una sensazione di aderenza, il coinvolgimento dell'artista di questo mondo - è anche come loro, "non peggiora, né meglio". Il linguaggio artistico del lotter è inerente: la brillante caratteristiche dell'immagine, espressione, limitando laconismo. Si è volontariamente impegnato nel disegnare un poster. Il suo regalo decorativo, l'espressione Lapidar ha sollevato questo genere all'altezza dell'arte genuina. Tra i fondatori della "grafica applicata" della città moderna - poster, poster, pubblicità - Lorek appartiene al primo posto.

In soli cinque anni di lavoro, V. Van Gogh ha creato circa 800 dipinti e innumerevoli figure; La maggior parte di loro è stata creata negli ultimi due o tre anni della sua vita. Questa storia di pittura non lo sapeva. Van Gogh ha trascinato la sua ispirazione del NA solo nelle idee dell'impressionismo, ma anche nell'incisione giapponese, che lo ha aiutato a lasciare il naturalismo a un modo più espressivo e chiaro. A poco a poco, il colore dei suoi dipinti sta diventando sempre più audaci, e il modo è più libero, energico, aiutando l'artista a trasferire i suoi sentimenti per la tela. A differenza dei simbobilisti e del P. Gogen, nel cui lavoro ha influenzato il simbolismo, Van Gogh non ha mai scritto un mondo immaginario: era semplicemente uninteresting per scrivere "creature non veritiere", i suoi dipinti avevano sempre una solida base realistica. Wang Gogh ha lavorato sempre dalla natura, le poche tele che ha scritto, seguendo il consiglio di Gauguen, sul quadro o sull'immaginazione, erano più deboli. "Esprimi te stesso" per Van Gogh Mellow per esprimere sentimenti, Duma, associazioni, nati in quanto vide e osservò: persone, natura, cose.

Non ha mai lasciato Van Gogh intenso alla ricerca del più alto senso della vita determinare la rara combinazione di dramma e festività, che ha segnato la sua creatività matura. È imbevuto di una delizia sofferenza davanti alla bellezza del mondo, eseguiva contrasti emotivi. Trova un'espressione in una lingua pittoresca costruita su consonanti di colore contrastanti e più che mai espressive. La pittoresca calligrafia Van Gogh consente di entrare in contatto diretto con l'artista, sentire la sua passione e l'alta secchezza dell'anima. Ciò contribuisce anche ad un alto ritmo di lavoro - soffia con un pennello, come una frusta, coaguli colorati, diffondendo zigzag, suonando come una rottura esclamazione. Le immagini testimoniano anche i taglienti cambiamenti nell'umore dell'artista; Essendo una persona religiosa, notò una volta che il mondo creato da Dio è solo il suo etudestudio infruttuoso.

• Cm:. Dmitriva N. A. Breve storia delle arti. M., 1993. Problema III. P. 55-56.
• Vedi: Ibid. P. 83.

Impressionismo nella pittura

Fonti

L'emergere del nome

La prima importante mostra di impressionisti si è svolta dal 15 aprile al 15 maggio 1874 nel laboratorio del fotografo del Nadar. C'erano 30 artisti, solo 165 opere. CANVAS MONET - "Impressione. Alba " ( Impressione, Soleil Levat) Ora nel Museo Marmotten, Parigi, scritto nel 1872 ha dato vita al termine "impressionismo": un giornalista poco conosciuto Louis Lerua nel suo articolo nella rivista "Le Charivari" per esprimere la sua negligenza chiamata gruppo "impressionisti". Artisti, dalla sfida, accettò questa epitette, in seguito aveva preso radici, perse il suo significato negativo originale ed è diventato attivo.

Il nome "impressionismo" è completamente non svuotato a differenza del nome "Barbizonskaya School", dove almeno c'è un'indicazione della posizione geografica del gruppo d'arte. Ancora meno chiarezza con alcuni artisti che sono formalmente inclusi nel cerchio dei primi impressionisti, anche se le loro tecniche tecniche e fondi sono completamente "impressioniste", Wetler, Edward Mana, Eugene Budy, ecc.) Inoltre, i mezzi tecnici di impressionisti erano Conosciuto molto prima che i secoli XIX e i loro (parzialmente, limitati) fossero usati ma tiziano e Velasquez, senza rinunciare alle idee dominanti della loro era.

C'era un altro articolo (Autore Emil Cardon) e un altro nome - "Esposizione di ribelle", assolutamente disapprovtante e condanna. Era precisamente come riprodurre accuratamente l'atteggiamento di disapprovazione del pubblico borghese e critica gli artisti (impressionisti), che hanno dominato anni. Gli impressionisti furono immediatamente accusati di immoralità, umori ribelle, insolvenza da rispettare. Al momento è sorprendente, perché non è chiaro che immorale nello scenario di Camille Pissarro, Alfred Sisley, scene familiari di Edgar Degas, ancora Lifes Monet e Renuara.

Ci sono decenni. E la nuova generazione di artisti arriverà all'attuale crollo di forme e contenuti impoveri. Poi la critica, e il pubblico, videro in impressionisti condannati - realisti e un po 'più tardi e i classici dell'arte francese.

Specificità della filosofia dell'impressionismo

L'impressionismo francese non ha sollevato problemi filosofici e non ha nemmeno provato a penetrare nella superficie del colore del quotidiano. Invece, l'impressionismo si concentra sulla superficialità, sulla quantità di moto del momento, dell'umore, dell'illuminazione o del carbone visivo.

Come l'arte del Rinascimento (Revival), l'impressionismo si basa sulle peculiarità e sulle competenze della percezione della prospettiva. Allo stesso tempo, la visione del Rinascimento è esplosa dalla comprovata soggettività e relatività della percezione umana, che rende il colore e la forma di componenti autonomi dell'immagine. Per l'impressionismo, non è così importante che sia mostrato nella figura, ma è importante come rappresentato.

I loro dipinti erano rappresentati solo dai lati positivi della vita, senza influire sui problemi sociali, compreso come la fame, la malattia, la morte. Questo ha portato più tardi alla divisione tra gli impressionisti stessi.

Vantaggi dell'impressionismo.

I benefici dell'impressionismo come flusso si riferiscono a democratismo. Secondo l'inerzia, l'arte e nel XIX secolo fu considerato un monopolio di aristocratici, segmenti più alti della popolazione. Eseguirono i principali clienti sulla pittura, i monumenti, sono loro - i principali acquirenti di dipinti e sculture. Le trame con il lavoro difficile dei contadini, le tragiche pagine della modernità, i lati vergognosi delle guerre, la povertà, le turbolenze sociali condannate, non approvarono, non sono state comprate. Critica della blasfema moralità della società nei dipinti di Theodore Zhriko, Francois Mill ha trovato una recensione solo dai sostenitori degli artisti e dei pochi esperti.

Gli impressionisti in questo numero hanno occupato abbastanza compromessi, posizioni intermedie. I trame biblici, letterari, mitologici e storici inerenti nell'accademismo ufficiale sono stati scartati. D'altra parte, hanno distrutto il riconoscimento, il rispetto, anche i premi. L'attività di Eduar Man Hean è indicativa, quali anni hanno raggiunto il riconoscimento e i premi dal salone ufficiale e dalla sua amministrazione.

Invece, c'era una visione della vita quotidiana e della modernità. Gli artisti hanno spesso dipinto persone in movimento, durante il divertimento o il riposo, hanno presentato la specie di un certo posto con una certa illuminazione, il motivo del loro lavoro era anche la natura. Le trame flirt sono state prese, ballano, soggiornando in un caffè e teatro, passeggiate in barca, sulle spiagge e nei giardini. Se giudichi le immagini degli impressionisti, allora la vita è una svolta di piccole vacanze, feste, pasticcini piacevoli fuori città o in un ambiente amichevole (un certo numero di dipinti di Renuara, Mana e Claude Monet). Impressionisti alcuni dei primi hanno iniziato a disegnare nell'aria, senza modificare il loro lavoro nel workshop.

Tecnica

Il nuovo corso si è distinto dal dipinto accademico sia in termini tecnici che ideologici. Prima di tutto, gli impressionisti hanno abbandonato il contorno, sostituendolo con piccoli colpi separati e contrastanti, che hanno imposto in conformità con le teorie del colore di Chevreil, Helmholtz e Ore. Il raggio di sole è diviso nei componenti: viola, blu, blu, verde, giallo, arancione, rosso, ma dal momento che il blu è un tipo di blu, il loro numero è ridotto a sei. Due vernici posate nelle vicinanze migliorano l'un l'altro e, al contrario, quando mescolato, perdono l'intensità. Inoltre, tutti i colori sono suddivisi in primario, o di base e doppio, o derivati, con ogni doppia vernice è aggiuntivo al primo:

• Blu - Arancio.
• rosso verde
• Giallo - viola

Pertanto, è stato possibile non mescolare vernici sulla tavolozza e ottenere il colore desiderato dalla corretta imposizione di loro sulla tela. Questo in seguito divenne la ragione per l'anormale.

Gli impressionisti vengono quindi smetti di concentrare tutto il lavoro sulle tele nei laboratori, ora preferiscono il Plair, dove è conveniente afferrare l'impressione borbottante da ciò che sembrava che fosse possibile chiudere l'invenzione al tubo d'acciaio, che, A differenza dei borse in pelle, potrebbero essere chiusi in modo che la vernice non fosse asciutta.

Gli artisti hanno anche usato pitture rifugi, che scarsamente mancano la luce e non sono adatte a mescolare perché sono rapidamente grigie, ha permesso loro di creare immagini non con " interno", ma " esterno»La luce si riflette dalla superficie.

Le differenze tecniche hanno contribuito al conseguimento di altri scopi, prima di tutto, gli impressionisti hanno cercato di catturare un'impressione mimica, i più piccoli cambiamenti in ciascun soggetto a seconda dell'illuminazione e del tempo della giornata, la più alta forma di realizzazione dei cicli della pace di Monta "Pila di sen", "Cattedrale di Ruenan" e "Parlamento di Londra".

In generale, lo stile dell'impressionismo ha lavorato molti maestri, ma la base del movimento era Eduar Tana, Claude Monet, Auguste Renoir, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro, Frederick Basil e Berta Morizo. Tuttavia, Manne si chiamava sempre un "artista indipendente" e non ha mai partecipato a mostre, e Degi sebbene abbia partecipato, ma non ha mai scritto il suo lavoro al Plenuel.

Cronologia dagli artisti

Impressionisti

Mostre

• Prima fiera (15 aprile - 15 maggio)

• Seconda esibizione (Aprile)

Indirizzo: ul. Lepellet, 11 (Galleria Durane). Partecipanti: Bazil (Postumo, l'artista morì nel 1870), Beliore, Belieu, Debuten, Degas, Kaibott, Calc, Leva, Lepik, Lepik, Mille, Monet, Morizo, L. Otten, Pissarro, Renoir, Rouer, Sisley, Tillan, Francois.

• Terza fiera (Aprile)

Indirizzo: ul. Lepellet, 6. Partecipanti: Guillamen, Degas, Kaibott, Calc, Corde, Leva, Lyami, Monet, Morizo, Moro, Piett, Pisserro, Renoir, Rouer, Cezanne, Sisny, Tilla, Francois.

• Quarta mostra (10 aprile - 11 maggio)

Indirizzo: Avenue Opera, 28. Partecipanti: Weekend, Mrs. Praemon, Gaugen, Degas, Dzandomena, Kaibott, Calc, Cassat, Leber, Monet, Piett, Pissarro, Rouer, Somm, Tilla, Forew.

• Fifth Exhibition. (1 aprile - 30 aprile)

Indirizzo: ul. Piramidi, 10. Partecipanti: Weekend, signora Praemon, Vidal, Vignon, Guillamen, Gaugugen, Degas, Dzandomena, Kaibott, Cassat, Lebour, Lever, Morizo, Pissarro, Rafaelli, Rouer, Tillan, Forena.

• Sesta mostra (2 aprile - 1 maggio)

Indirizzo: Kapuchin Boulevard, 35 (fotografo Atelier Nadar). Partecipanti: Vidal, Vignon, Guillamen, Gauguin, Degas, Dzandomena, Cassat, Morizo, Pissarro, Rafaelli, Rouer, Tilla, Forene.

• Settima mostra (Marzo )

Indirizzo: Foburg-Sent-Onorov, 251 (U Dura-Ruyel). Partecipanti: Vignon, Guillamen, Gaugugen, Kaibott, Monet, Morizo, Pisserro, Renoir, Sisley.

• Eighth Exhibition. (15 maggio - 15 giugno)

Indirizzo: ul. Luffett, 1. Partecipanti: Signora Pambone, Vignon, Guillaumen, Gauguin, Degas, Dzandomena, Cassetta, Morizo, Camille Pissarro, Lucien Pissarro, Redon, Rouer, Syra, Signac, Tilla, Adesione, Shiffenecker.

Impressionismo in letteratura

Nella letteratura, l'impressionismo non ha funzionato come una direzione separata, ma le sue caratteristiche si sono riflessi nel naturalismo e nel simbolismo.

Prima di tutto, è caratterizzato da un'espressione dell'impressione privata dell'autore, il rifiuto di un'immagine obiettiva della realtà, l'immagine di ogni momento, che avrebbe dovuto comportare la mancanza di una trama, la storia e la sostituzione del pensiero dalla percezione, e il motivo - istinto. Le caratteristiche principali dello stile impressionista formularono i fratelli Gangur nel loro lavoro "Diario", dove la famosa frase " Vedi, senti, espresso - questo è tutto l'arte"È diventato una posizione centrale per molti scrittori.

Nel naturalismo, il principio principale è stata la veridicità, la lealtà della natura, ma è impressionata, e quindi l'aspetto della realtà dipende da ogni singola personalità e il suo temperamento. È molto pienamente espresso nei romanzi di Emil Zol, le sue descrizioni dettagliate di odori, suoni e percezioni visive.

Simbolismo, al contrario, ha chiesto un rifiuto del mondo materiale e il ritorno in ideale, tuttavia, la transizione è possibile solo attraverso impressioni borbottanti, rivelando l'essenza segreta in cose visibili. Un vivido esempio di impressionismo poetico è una raccolta di campi di vilna "romanzi senza parole" (). In Russia, l'effetto dell'impressionismo è stato vissuto da Konstantin Balmont e Innocenzo Annensky.

Inoltre, questi sentimenti hanno toccato il dramma (dramma impressionista), la percezione passiva del mondo invade il gioco, l'analisi degli stati d'animo, degli stati mentali, l'intera composizione decade a una fila di scene piene di lirismo, e i frammenti di Mimolet sono concentrati in dialoghi . Il dramma diventa un unico atto, progettato per i teatri intimi. Questi segni hanno trovato la loro completa riflessione nel lavoro di Arthur Schnitzer.

Impressionismo nella musica

L'impressionismo musicale era una delle correnti del moderno musicale. È caratterizzato dal trasferimento di impressioni borchianti, stati d'animo, sottili sfumature psicologiche.

Il fondatore dell'impressionismo nella musica è il compositore francese Eric Sati, pubblicato nel 1886 "Tre melodie", e nel 1887 - "tre sarabandi" che svolgono tutte le caratteristiche principali di un nuovo stile. Le audaci aperture di Erica Sati cinque e dieci anni dopo sono state raccolte e sviluppate da due amici, i più brillanti rappresentanti dell'impressionismo, Claude Debussy e Maurice Ravey.

Letteratura

• Jean-Paul Celeclel. Vita casuale degli impressionisti 1863-1883, Moscow "Young Guard",
• Maurice Serral e Artlete Serilla. Encyclopedia Impressionism., Mosca "Repubblica",
• "Impressionismo", Brodskaya.n.n. San Pietroburgo, Aurora, 2002 (254 pagine, 269 il., 7 Auth. Schede di testo)

Collegamenti

• Impressionismo, N.V. Krodskaya, ed.ahrora 2010

Impressionismo
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Fondazione Wikimedia. 2010.

franz.-Impression): direzione artistica derivante in Francia negli anni '60 - '70 19 V. e ha ricevuto la forma di realizzazione più vivida nella macchina all'art. Gli impressionisti hanno sviluppato nuove tecniche pittoresche - ombre colorate, colori di miscelazione, sapore fluviale, nonché la decomposizione di toni complessi su toni puri (sovrapponendoli su tela con macchie individuali generato la loro miscelazione ottica negli occhi dello spettatore). Hanno cercato di trasmettere la bellezza degli stati fugaci della natura, della variabilità e della mobilità della vita circostante. Queste tecniche hanno aiutato a trasferire la sensazione di frizzante luce del sole, vibrazione della luce e dell'aria, ha creato l'impressione della festa dell'essere, l'armonia del mondo. Le tecniche impressionistiche sono state utilizzate in altri tipi di arte. Nella musica, ad esempio, hanno contribuito al trasferimento dei movimenti mentali più sottili e del sentimento fugace.

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Impressionismo

da Franz. L'impressione è l'impressione) direzione dell'arte emersa in Francia nell'ultimo terzo del XIX secolo. Rappresentanti principali e.: Claude Monet, Auguste Renoir, Camill Pissarro, Alfred Sisley, Berta Morizo, oltre ad Adukent Mae, Edgar Dega e altri artisti. Lo sviluppo di un nuovo stile I. ha avuto luogo nei 60-70 anni., E per la prima volta come una nuova direzione, si oppone al salone accademico, gli impressionisti si sono dichiarati nella loro prima fiera nel 1874. In particolare, l'immagine di k.mona "impressione. Soleil Levant »(1872). La critica artistica ufficiale ha reagito negativamente alla nuova direzione e nella beffa "ongoretal" dei suoi rappresentanti "impressionisti", ricordando la foto particolarmente fastidiosa di Monet. Tuttavia, il nome rifletteva l'essenza della direzione e i suoi strumenti lo hanno accettato come una designazione ufficiale del loro metodo. Come direzione olistica, I. esisteva per molto tempo - dal 1874 al 1886, quando 8 mostre congiunte sono state organizzate da impressionisti. Il riconoscimento ufficiale degli stessi intenditori dell'arte e delle critiche artistiche arrivò in modo significativo - solo a metà degli anni '90. I. A condizione che sia diventato apparentemente nel secolo successivo, un enorme impatto su tutto il successivo sviluppo di belle arti (e cultura artistica nel suo complesso). In effetti, è iniziata una fase fondamentalmente nuova della cultura della fiction, che ha portato a Ser. Hchw. A post-coltura (vedi: post-), \u200b\u200bcioè, per la transizione della cultura ad alcune altre qualità fondamentali. O.Shpengler, che ha diffuso il concetto di I. Per la cultura, consideralo uno dei segni tipici del "Tramonto dell'Europa", cioè la distruzione dell'integrità della visione del mondo, la distruzione della cultura europea consolidata tradizionale. Al contrario, ai giardini d'avanguardia (vedi: Avangard) iniziò il XX secolo. Abbiamo visto in I. Il suo precursore, che ha aperto i nuovi orizzonti prima dell'arte, che lo liberava da compiti estremamente sofisticati, dai dogmi del positivissimo, del accademismo, del realismo, ecc., Con il quale è impossibile in disaccordo. Gli impressionisti stessi, come i pittori puri, non hanno pensato a un tale significato globale del loro esperimento. Non si sono nemmeno sforzati per una rivoluzione speciale nell'arte. Ho appena visto il mondo che li circondano in qualche modo diverso da quanto videro i suoi rappresentanti ufficiali del salone, e cercarono di consolidare questa visione mezzi puramente pittoreschi. Allo stesso tempo, fanno affidamento su reperti artistici dei loro predecessori - prima di tutto, i pittori francesi del XIX secolo. Delacroix, Coro, Kourbe, Barbizontev. Su K. Monet che ha visitato Londra nel 1871, il lavoro è stato fatto dal lavoro di W.Terner. Inoltre, gli impressionisti stessi chiamano tra i loro predecessori e classicisti francesi di Poussin, Lorrena, Sharden, e l'incisione dei colori giapponesi del XVIII secolo e gli storici dell'arte vedono i tratti della vicinanza agli impressionisti e negli artisti inglesi T.Geensboro e J. Constable, per non parlare .tener. Gli impressionisti hanno assolto un numero di tecniche pittoresche di questi artisti molto diversi e creato un sistema di stile olistico su questa base. Negli anti-accademici, gli impressionisti hanno rifiutato la specificità tematica (filosofica, morale, religiosa, socio-politica, ecc.) Dell'arte, dal riflessivo, in anticipo di composizioni di stampa significative e chiaramente disegnate, cioè, cominciò a combattere con il "mercato letterario "Durante la pittura, concentrando l'attenzione principale sui mezzi specificamente pittoreschi - a colori e luce; Sono usciti dai laboratori al Plenuer, dove cercarono una sessione per iniziare e cum lavorare su un lavoro specifico; Hanno abbandonato i fiori scuri e i toni complessi (fiori terrosi, "asfalto"), caratteristici dell'arte del nuovo tempo, per pulire i colori vivaci (la tavolozza di loro era limitata a 7-8 vernici), posata sulla tela spesso separata colpi, contando consapevolmente sulla loro miscelazione ottica già nella psiche dello spettatore, che ha raggiunto l'effetto di particolare freschezza e immediatezza; Seguendo la Delacroe, padroneggiavano e ha assolto l'ombra del colore, il gioco dei riflessi di colore su varie superfici; dematerializzato il tema del mondo visibile, dissolvinandolo nell'ambiente di luce dell'aria, che era il principale argomento della loro attenzione come pittori pura; In realtà hanno abbandonato l'approccio del genere nelle arti visive, concentrandosi sul pittoresco trasferimento della loro impressione soggettiva sulla possibilità di un frammento di realtà visto a caso - più spesso un paesaggio (come monet, sisley, pissero), meno spesso scene di trama (come Renuara, Dega). Allo stesso tempo, hanno cercato di trasmettere l'impressione spesso con un'accuratezza quasi illusionistica di abbinare l'atmosfera a colori-luce-aria del frammento raffigurato e il momento della realtà visibile. L'incidente dell'angolo di vista sulla visione artistica di un frammento della natura, l'attenzione su un ambiente pittoresco, e non soggetto al soggetto, è stato spesso somministrato alle soluzioni in grassetto composite, angoli di vista acuti inaspettati, tagli, attivando la percezione di Lo spettatore, ecc. Effetti, molti dei quali successivamente sono stati utilizzati dai rappresentanti di una varietà di avanguardia. I. Divenne una delle direzioni della "arte pura" in thek. Xihv., I cui rappresentanti del principale nell'arte hanno considerato il suo principio artistico ed estetico. Gli impressionisti hanno sperimentato la bellezza dell'ambiente a colori light-Air del mondo materiale con le parole e ha cercato di accuratezza del documentario (a volte sono accusati del naturalismo per questo, che è quasi legittimo) per catturarlo sulle loro tele. Durante la pittura, sono una specie di pantesisti ottimisti, gli ultimi cantanti della gioia incurante dell'essere terreni, i piatti del sole. Mentre il neo-semplicista P. Signac è \u200b\u200bstato scritto con ammirazione, hanno "la luce del sole inonda l'intero quadro; L'aria in pioli IT, la luce avvolge, accarezza, dissipa la forma, penetra ovunque, anche nell'area dell'ombra ". Caratteristiche di stile I. Nella pittura, in particolare il desiderio della sofisticata immagine artistica delle impressioni fugace, schizzo di principi, freschezza della percezione diretta, ecc. Si è rivelato vicino e rappresentanti di altri tipi di arte del tempo, che ha portato alla diffusione Di questo concetto sulla letteratura, la poesia, la musica. Tuttavia, in questi tipi d'arte non c'era alcuna direzione speciale I., anche se molte delle sue caratteristiche si trovano nelle opere di un certo numero di scrittori e compositori dell'ultimo terzo di XIH. XX secolo Tali elementi di estetica impressionistica come una sfocatura della forma, fissazione dell'attenzione sui dettagli di fugace luminosi, ma casuali, suggerimenti poco costosi e nebbiosi, ecc., Inerenti nella creatività di G. de Moopassana, Ap. Chekhov, in anticipo T.Mann, Poesia R.- M. Rileka, ma soprattutto - fratelli ZH. E E. Gekrur, rappresentanti del cosiddetto "psicologico e\u003e, parzialmente - K. Gamsun. Le tecniche impressioniste erano basate, sviluppando sostanzialmente loro, m.prust e scrittori di "flusso di coscienza". Nella musica, i compositori francesi di K. Tryddesvi, M. Iravel, P. Dyuk e alcuni altri, che hanno usato lo stile e l'estetica I. Nel loro lavoro, considera gli impressionisti. La loro musica è piena con le esperienze immediate della bellezza e della lirica del paesaggio, quasi imitazione del gioco delle onde del mare o del fruscio delle foglie, il fascino buculare degli antichi trame mitologici, la gioia della vita momentanea, la spiritualità di Esistenza terrena, godendo di trabocchi infiniti della materia del suono. Come i pittori, confondono molti generi musicali tradizionali, riempiendoli con un contenuto diverso, rafforzano l'attenzione agli effetti puramente estetici del linguaggio musicale, arricchiscono significativamente la tavolozza dei media espressivi e visivi. "Questo vale prima di tutto", scrive il musicologo I. V.nestev, - alla sfera dell'armonia con la sua tecnica di parallelismo e un rischio stravagante di punti di consonanza colorati irrisolti. Gli impressionisti hanno notevolmente ampliato il moderno sistema tonale aprendo la strada a molte innovazioni armoniose del XX secolo. (Anche se era notevolmente indebolito dalla chiarezza delle relazioni funzionali). La complicazione e il gonfiore dei complessi degli accordi (Nonkkord, non-accordi, quarti alternativi) sono combinati con una semplificazione, l'archaeizzazione del pensiero di lade (libertà naturali, complessi pentatonici, senso). Nell'orchestrazione, i compositori-impressionisti prevalgono vernici pura, abbagliamento capriccioso; Solo di venti di legno si applicano spesso, passaggio dell'arpa, corda di divisi complessa, con effetti di Sordino. Sfondi ottici tipici e puramente decorativi, uniformemente fluidault. Ritmici oltre la sybka e sfuggente. Le costruzioni arrotondate sono caratteristiche delle melodie, ma brevi frasi espressive-simboli, semplicità dei motivi. Allo stesso tempo, l'importanza di ogni suono, timbro, accordo, le infinite possibilità dell'espansione di Lada ha rivelato straordinariamente nella musica degli impressionisti. Speciale freschezza della musica degli Impressionisti ha dato un appello frequente ai generi di canzoni-dance, la sottile implementazione del lade, elementi ritmici presi in prestito nel folclore dei popoli dell'est, in Spagna, nelle prime forme di negro jazz "(musica Enciclopedia. T. 2, M., 1974. Stb. 507). Mettendo l'attenzione dell'artista dell'artista al riflettore e concentrandosi sulla funzione edonistica-estetica dell'arte, I. ha rivelato nuove prospettive e opportunità di fronte alla cultura artistica, che ha approfittato (e anche a volte eccessivamente) nel XX secolo. Acceso.: Venturi L. da mana a Lotter. M., 1938; Revalad J. Storia dell'impressionismo. L.-M., 1959; Impressionismo. Lettere di artisti. L. 1969; Serullaz M. Encyclopedie de Limpressionnisme. P., 1977; Montieret S. Limpressionnisme Et Son Epoque. T. 1-3. P., 1978-1980; Kroher E. Impressionismus in der Musik. Leipzig. 1957. L.b.

p. L'impressione è l'impressione) - Direzione nell'arte dell'ultimo terzo del XIX - NCH. Secoli XX, i cui rappresentanti hanno iniziato a scrivere paesaggi e scene di genere direttamente dalla natura, cercando di essere vernici molto pulite e intense per trasmettere abbagliamento del sole, soffiaggio del vento, erba frusciante, folla della città. Gli impressionisti hanno cercato il più naturale e inutile di catturare il mondo reale nella sua mobilità e variabilità, trasferire le loro impressioni fugaci.

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IMPRESSIONISMO

franz. impressionnisme, da impressione - impressione), direzione nell'arte del con. 1860 - NCH. 1880. Il più luminoso manifestato nella pittura. Rappresentanti leader: K. Monte, O. Renoir, K. Pisserro, A. Guillaomen, B. Morizo, M. Kassat, A. Sisley, Kaibott e J. F. Bazil. Insieme a loro, i dipinti di E. La criniera e E. Degi sono stati messi, anche se lo stile dei loro lavori non può essere chiamato completamente impressionistico. Il nome "impressionisti" era trincerato dietro un gruppo di giovani artisti dopo la loro prima mostra comune a Parigi (1874; Monet, Renoir, Pizarro, Degas, Sisley, ecc.), Che ha causato una feroce perturbazione del pubblico e dei critici. Una delle immagini presentate da K. Monte (1872) è stata chiamata "impressione". Sunrise "(" Impression, Soleil Levant "), e il revisore in beffa chiamato Artists" Impressions "-" impressionato ". I pittori hanno agito sotto questo titolo alla terza mostra congiunta (1877). Allo stesso tempo, hanno iniziato a produrre la rivista "impressionista", ogni numero di cui è stato dedicato al lavoro di uno dei partecipanti al gruppo.

Gli impressionisti hanno cercato di catturare il mondo intorno a lui nella sua costante variabilità, la fluidità, esprimere imparzialmente le loro immediate impressioni. L'impressionismo era basato sulle ultime scoperte di ottica e teoria dei colori (decomposizione spettrale del raggio solare su sette colori dell'arcobaleno); In questo, era consonante con lo spirito di analisi scientifica caratteristica del con. 19esimo secolo Tuttavia, gli stessi impressionisti non hanno cercato di determinare le fondamenta teoriche della loro arte, insistere sulla elementare, la creatività dell'artista intuitiva. I principi artistici degli impressionisti non erano uniformi. Monte ha scritto paesaggi solo in contatto diretto con la natura, all'aperto (al Plenier) e ha persino costruito un laboratorio in una barca. Degas ha lavorato nel workshop sui ricordi o utilizzando le foto. A differenza dei rappresentanti dei flussi radicali successivi, gli artisti non sono andati oltre il sistema illusorio-spaziale rinascimentale basato sull'uso della prospettiva diretta. Continuano saldamente al metodo di lavorare con la natura, che è stato eretto da loro nel principio principale della creatività. Gli artisti hanno cercato di "scrivere ciò che vedi" e "come vedi." L'applicazione coerente di questo metodo ha portato alla trasformazione di tutte le basi del sistema scenico affermato: Coliterite, composizione, costruzione spaziale. Le vernici pulite sono state applicate su tela con piccoli gruppi separati: "punti" multicolore giacevano nelle vicinanze, mescolando in uno spettacolo colorato non sulla tavolozza e non sulla tela, ma negli occhi dello spettatore. Gli impressionisti hanno raggiunto la contentezza senza precedenti del sapore, la ricchezza senza precedenti delle sfumature. Lo striscio è diventato un mezzo indipendente di espressività, riempire la superficie di una vivace vibrazione tremolante delle particelle di colore. La tela è stata paragonata dai colori preziosi trasfusionali del mosaico. Nell'ex dipinto, prevalse le sfumature di colore nero, grigio e grigio; Nelle tele dagli impressionisti, dipingere brillando vivacemente. Gli impressionisti non applichino la leggerezza per la trasmissione di volumi, hanno abbandonato le ombre scure, anche le ombre nei loro dipinti erano colorate. Gli artisti hanno usato ampiamente colori aggiuntivi (rosso e verde, giallo e viola), che aumentano l'intensità del colore del colore. Nei dipinti di Monet, la vernice era pigra e dissolta nella luminosità dei raggi della luce del sole, i colori locali hanno acquisito un sacco di sfumature.

Gli impressionisti raffigurarono il mondo in tutto il mondo in movimento eterno, transizione da uno stato all'altro. Hanno iniziato a scrivere una serie di dipinti, volendo mostrare come lo stesso motivo varia a seconda del tempo del giorno, dell'illuminazione, degli stati meteorologici, ecc. (Cicli "Boulevard Montmartre" K. Pissarro, 1897; "Cattedrale di Ruenan", 1893- 95 e "Parlamento di Londra", 1903-04, K. Monet). Gli artisti hanno trovato modi per riflettere il movimento delle nuvole (A. Sisley. "Luan in Saint-Mamma", 1882), il gioco è bagliore del sole (O. Renoir. "Swing", 1876), raffiche di vento (K. Monet. "Terrazza in santo indirizzo", 1866), getti da pioggia (Kaibott. "Ier. Effetto pioggia", 1875), neve che cade (K. Pisserro. "Passaggio dell'opera. Effetto neve", 1898), cavalli rapidi (E. Mana. "Racing in Lonzhan", 1865).

Gli impressionisti hanno sviluppato nuovi principi per la costruzione della composizione. In precedenza, lo spazio dell'immagine è stato paragonato alla piattaforma di palcoscenico, ora le scene catturate assomigliavano a un'istantanea, una fotocata. Inventato in 19 V. La foto ha avuto un impatto significativo sulla composizione dell'immagine impressionista, specialmente nel lavoro di E. Degi, che lui stesso era un fotografo appassionato e, secondo le sue stesse parole, cercava di prendere le ballerine della Ballerina, vederli "come se Attraverso il buco della serratura, "quando le loro pose, le linee del corpo naturali, espressive e affidabili. Creare dipinti all'aria aperta, il desiderio di catturare rapidamente cambiando l'illuminazione degli artisti forzati per accelerare il lavoro, scrivere "Alla Prima" (in una ricezione), senza schizzi preliminari. Fragmentalità, "incidente" della composizione e modalità pittorica dinamica ha creato una sensazione di freschezza speciale nelle immagini degli impressionisti.

Il genere impressionistico preferito era un paesaggio; Il ritratto ha anche presentato una specie di "Paesaggio viso" (O. Renoir ". Ritratto di un'attrice J. Samari", 1877). Inoltre, gli artisti hanno ampliato significativamente il cerchio dei grafici della pittura, contattando i temi, in precedenza considerata indegna attenzione: festività popolari, salti, picnic della Boemia artistica, il backstage dei teatri, ecc. Tuttavia, non c'è una storia dettagliata nelle loro foto; La vita umana è disciolta nella natura o nell'atmosfera della città. Gli impressionisti hanno scritto non eventi, ma sentimento, sfumature dei sentimenti. Gli artisti hanno rifiutato fondamentalmente argomenti storici e letterari, evitato di ritrarre i lati drammatici, scuri della vita (guerra, disastro, ecc.). Hanno cercato di liberare l'arte dall'attuazione di compiti sociali, politici e morali, dall'obbligo di valutare i fenomeni raffigurati. Gli artisti hanno sfidato la bellezza del mondo, in grado di trasformare il motivo più domestico (riparazione della stanza, nebbia grigia di Londra, fumo di locomotive a vapore, ecc.) All'incantevole spettacolo (Kaibott. "Parquetters", 1875; K. Monet . "Stazione Saint-Lazar", 1877).

Nel 1886, l'ultima mostra di impressionisti ha avuto luogo (O. Renoir e K. Monet ha partecipato ad esso). A questo punto, furono scoperte differenze significative tra i membri del Gruppo. Le possibilità del metodo dell'impressionismo sono state esaurite, e ciascuno degli artisti ha iniziato a cercare la propria strada nell'arte.

L'impressionismo come metodo creativo olistico era il fenomeno dell'arte prevalentemente francese, ma il lavoro degli impressionisti ha avuto un impatto sull'intera pittura europea. Il desiderio di aggiornare il linguaggio artistico, l'evitubinazione della tavolozza colorata, l'esposizione delle tecniche pittoriche, d'ora in poi, entrò con fermezza l'arsenale degli artisti. In altri paesi, J. Whistler (Inghilterra e USA), M. Lieberman, L. Corint (Germania), H. Srima (Spagna) erano vicini all'impressionismo. L'impatto dell'impressionismo è stato sperimentato da molti artisti russi (V. A. Serov, K. A. Korovin, I. E. Grabar, ecc.).

Oltre alla pittura, l'impressionismo è stato incarnato nel lavoro di alcuni scultori (E. Degas e O. Roden in Francia, M. Rosso in Italia, PP Trubetskoy in Russia) in una modellazione vivace di forme morbide fluide, che crea un complesso gioco di luce sulla superficie del materiale e il senso di incompletezza del lavoro; Nelle posture catturate il momento del movimento, lo sviluppo. Nella musica, la vicinanza all'impressionismo è scoperta dalle opere di K. Debussy ("Vele", "Nebbia", "Riflessioni in acqua", ecc.).

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