Quale definizione è più coerente con il concetto di prospettiva aerea. §8 Consigli pratici

Kuzmina G.N.
insegnante di educazione supplementare
MAU DO MEC
(pittura, belle arti)

Prove per la conoscenza dei criteri base della pittura

1. Quale di questi colori non è "caldo":
A) giallo;
B) rosso;
B) Arancio;
D) blu
2. Quale definizione è più coerente con il concetto di "prospettiva aerea":
A) l'arte di rappresentare lo spazio tridimensionale su un piano;
B) variazione delle dimensioni degli oggetti in funzione della loro distanza dal punto di osservazione;
C) cambiare il colore di un oggetto a seconda della sua distanza dal punto di osservazione;
D) variazione proporzionale degli oggetti.
3. I colori primari sono ...
A) rosso, viola, verde;
B) rosso, blu, giallo;
B) giallo, blu, verde;
D) giallo, blu, arancione.
4. La combinazione armoniosa, la relazione, la combinazione tonale di diversi colori nell'immagine si chiama:
A) colore locale
B) colore
B) contrasto
5. Eseguendo un dipinto, è necessario rispettare la seguente sequenza:
A) dal generale allo specifico;
B) da freddo a caldo;
B) da chiaro a scuro.
6. Che tipo di illuminazione non rivela la forma, il volume e la consistenza degli oggetti raffigurati.
A) retroilluminato
B) frontale
B) laterale
7. Quale forma di pittura può trasmettere il volume degli oggetti nello spazio, il loro rapporto con l'ambiente.
A) astratto
B) decorativo
C) realistico
8. Quale fase può essere trascurata quando si scrive un breve schizzo della testa.
A) scolpire la forma
B) relazioni colore-tonale
C) elaborazione di dettagli
9. Il tipo di pittura, che si basa sul principio della stilizzazione:
A) realistico
B) decorativo
C) astratto
10. Un tipo di pittura, che si basa su una composizione cromatica non descrittiva.
A) decorativo
B) astratto
C) realistico
11. Scrivere la vita, scrivere vivace, ad es. trasmettere la realtà in modo completo e convincente è:
Un dipinto
B) disegno
C) DPI
12. Il lavoro svolto dalla natura è:
A) studio
B) schizzo
13. Quando si esegue uno schizzo della testa, quale angolo è più favorevole per il trasporto del volume:
A) veloce
B) profilo
B) tre quarti
14. Alcuni sistemi consolidati di metodi di lavoro, sviluppati da varie scuole nazionali.
A) tecnica pittorica
B) materiali per la pittura a guazzo
15. Il disegno per la pittura a guazzo viene solitamente eseguito6
A) carbone
B) con un pennarello
B) matita
16. Quando si lavora su un paesaggio dalla natura, quanto tempo impiega lo stato di natura a cambiare completamente:
A) due ore
B) quattro ore
C) trenta minuti
17. Gli stati armoniosi, l'interconnessione, la combinazione tonale di diversi colori in un'immagine sono:
A) sapore
B) leggerezza
B) monocromatico
18. Il colore principale di un oggetto senza tener conto delle influenze esterne è:
A) riflesso
B) colore locale
B) semitono
19. I compiti principali della pittura realistica:
A) scrivi vivace, accattivante
B) scrivere in una relazione
C) usa più colore
20. Quale dei seguenti diluenti viene utilizzato nella pittura a guazzo:
A) acqua
B) trementina
C) acetone
21. Qual è la fase più importante quando si scrive uno studio per uno stato:
A) elaborazione dei dettagli
B) relazioni di colore
C) scolpire la forma
22. Come inizia il lavoro su uno schizzo pittorico:
A) elaborazione dei dettagli
B) layout nel formato
C) costruzione
D) stendere il colore di base e le relazioni tonali
23. Quale di questi colori non appartiene al gruppo acromatico:
Un bianco
B) viola
B) grigio
D) nero
24. Se l'artista raffigura solo paesaggi marini, vengono chiamati:
A) "Marina"
B) "Svetlana"
C) "Elena"
25. L'applicazione di uno strato di vernice su un altro si chiama:
A) glassa
B) alla prima
B) crudo
26. Quale colore non è cromatico:
Un rosso
B) bianco
B) blu
D) blu
27. Il grigio appare più chiaro su nero e più scuro su bianco. Questo fenomeno è chiamato:
A) contrasto leggero
B) colore
B) contrasto di colore
28. Dipingere una forma plastica complessa: la testa di una modella dovrebbe essere basata sulla conoscenza:
A) il disegno anatomico del cranio
B) storia dell'arte
B) prospettiva lineare
29. Il riflesso in relazione alla parte illuminata della testa del soggetto è sempre:
Un accendino
B) più scuro
B) esattamente lo stesso
30. Il metodo pittoresco, in cui il colore di ogni dettaglio della performance è preso in una volta con tutta la sua forza, in uno strato, è chiamato:
A) glassa
B) crudo
C) "alaprima"
31. Scegli la sequenza corretta:
A) generalizzazione, layout, modellatura, costruzione
B) layout, stampaggio, costruzione, generalizzazione
C) costruzione, layout, modellatura, generalizzazione
D) layout, costruzione, modellatura, generalizzazione.
RISPOSTE ALLE PROVE DI PITTURA
1.G
2.In
3. Si
4.B
5.A
6.A
7.In
8.In
9.B
10.B
11.A
12.A
13.In
14.A
15.In
16.A
17.A
18.B
19.B
20.A
21.B
22.B
23.B
24. A
25.B
26.B
27. A
28. A
29.B
30. In
31. G

Il concetto di "Pittura" (unità didattica).

1. Quale di questi colori non è "caldo":
A) giallo;
B) rosso;
B) Arancio;
D) blu
2. Quale definizione è più coerente con il concetto di "prospettiva aerea":
A) l'arte di rappresentare lo spazio tridimensionale su un piano;
B) variazione delle dimensioni degli oggetti in funzione della loro distanza dal punto di osservazione;
C) cambiare il colore di un oggetto a seconda della sua distanza dal punto di osservazione;
D) variazione proporzionale degli oggetti.
3. I colori primari sono
A) rosso, viola, verde;
B) rosso, blu, giallo;
B) giallo, blu, verde;
D) giallo, blu, arancione.
4. La combinazione armoniosa, la relazione, la combinazione tonale di diversi colori nell'immagine si chiama:
A) colore locale
B) colore
B) contrasto
5. Eseguendo un dipinto, è necessario rispettare la seguente sequenza:
A) dal generale allo specifico;
B) da freddo a caldo;
B) da chiaro a scuro.
6. Che tipo di illuminazione non rivela la forma, il volume e la consistenza degli oggetti raffigurati.
A) retroilluminato
B) frontale
B) laterale
7. Quale forma di pittura può trasmettere il volume degli oggetti nello spazio, il loro rapporto con l'ambiente.
A) astratto
B) decorativo
C) realistico
8. Quale fase può essere trascurata quando si scrive un breve schizzo della testa.
A) scolpire la forma
B) relazioni colore-tonale
C) elaborazione di dettagli
9. Il tipo di pittura, che si basa sul principio della stilizzazione:
A) realistico
B) decorativo
C) astratto
10. Un tipo di pittura, che si basa su una composizione cromatica non descrittiva.
A) decorativo
B) astratto
C) realistico
11. Scrivere la vita, scrivere vivace, ad es. trasmettere la realtà in modo completo e convincente è:
Un dipinto
B) disegno
C) DPI
12. Il lavoro svolto dalla natura è:
A) studio
B) schizzo
13. Quando si esegue uno schizzo della testa, quale angolo è più favorevole per il trasporto del volume:
A) veloce
B) profilo
B) tre quarti
14. Alcuni sistemi consolidati di metodi di lavoro, sviluppati da varie scuole nazionali.
A) tecnica pittorica
B) materiali per la pittura a guazzo
15. Il disegno per la pittura a guazzo viene solitamente eseguito6
A) carbone
B) con un pennarello
B) matita
16. Quando si lavora su un paesaggio dalla natura, quanto tempo impiega lo stato di natura a cambiare completamente:
A) due ore
B) quattro ore
C) trenta minuti
17. Gli stati armoniosi, l'interconnessione, la combinazione tonale di diversi colori in un'immagine sono:
A) sapore
B) leggerezza
B) monocromatico
18. Il colore principale di un oggetto senza tener conto delle influenze esterne è:
A) riflesso
B) colore locale
B) semitono
19. I compiti principali della pittura realistica:
A) scrivi vivace, accattivante
B) scrivere in una relazione
C) usa più colore
20. Quale dei seguenti diluenti viene utilizzato nella pittura a guazzo:
A) acqua
B) trementina
C) acetone
21. Qual è la fase più importante quando si scrive uno studio per uno stato:
A) elaborazione dei dettagli
B) relazioni di colore
C) scolpire la forma
22. Come inizia il lavoro su uno schizzo pittorico:
A) elaborazione dei dettagli
B) layout nel formato
C) costruzione
D) stendere il colore di base e le relazioni tonali
23. Quale di questi colori non appartiene al gruppo acromatico:
Un bianco
B) viola
B) grigio
D) nero
24. Se l'artista raffigura solo paesaggi marini, vengono chiamati:
A) "Marina"
B) "Svetlana"
C) "Elena"
25. L'applicazione di uno strato di vernice su un altro si chiama:
A) glassa
B) alla prima
B) crudo
26. Quale colore non è cromatico:
Un rosso
B) bianco
B) blu
D) blu
27. Il grigio appare più chiaro su nero e più scuro su bianco. Questo fenomeno è chiamato:
A) contrasto leggero
B) colore
B) contrasto di colore
28. Dipingere una forma plastica complessa: la testa di una modella dovrebbe essere basata sulla conoscenza:
A) il disegno anatomico del cranio
B) storia dell'arte
B) prospettiva lineare
29. Il riflesso in relazione alla parte illuminata della testa del soggetto è sempre:
Un accendino
B) più scuro
B) esattamente lo stesso
30. Il metodo pittoresco, in cui il colore di ogni dettaglio della performance è preso in una volta con tutta la sua forza, in uno strato, è chiamato:
A) glassa
B) crudo
C) "alaprima"
31. Scegli la sequenza corretta:
A) generalizzazione, layout, modellatura, costruzione
B) layout, stampaggio, costruzione, generalizzazione
C) costruzione, layout, modellatura, generalizzazione
D) layout, costruzione, modellatura, generalizzazione.

RISPOSTE ALLE PROVE DI PITTURA

G
V
B
B
UN
UN
V
V
B
B
UN
UN
V
UN
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UN
UN
B
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B
B
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Quando esegui un dipinto, devi rispettare una certa sequenza. Di solito, un artista inizia a lavorare su un dipinto o un dipinto murale completando diversi piccoli schizzi, in cui concretizza la sua idea. Allo stesso scopo, può eseguire schizzi dalla natura.

Quindi l'artista fa un disegno del futuro dipinto. Può usare una matita, un carboncino o una vernice più sottile e un pennello sottile per questo. È possibile produrre la cosiddetta "carta da lucido" o "cartone" nel caso in cui il disegno debba essere trasferito su una superficie. A volte gli artisti saltano questa fase del lavoro e iniziano immediatamente a dipingere con le vernici senza un disegno preliminare.

Ci sono molti modi per dipingere su un aereo. Alcuni artisti preferiscono utilizzare la tecnica dello smalto: applicare sottili strati trasparenti sullo strato di vernice essiccata. Altri ottengono la combinazione di colori desiderata in una mano, mentre altri ancora usano tratti separati.

L'artista può lavorare contemporaneamente su disegno, composizione, scolpire forme, trasferire spazio e colore. P. Cézanne amava tanto lavorare, soprattutto quando dipingeva i suoi paesaggi o nature morte dalla natura.

Tuttavia, questo percorso non è disponibile per tutti. Bisogna avere un'eccellente memoria visiva, un disegno accurato, un pensiero compositivo e un impeccabile senso del colore.

La maggior parte degli artisti preferisce lavorare dal generale al particolare, applicando gradualmente il colore principale degli oggetti e seguendo la modellazione del volume. Quindi chiariscono le sfumature di colore, i riflessi di colore e la colorazione complessiva dell'immagine. Nell'ultima fase, procedono nuovamente alla generalizzazione. Per raggiungere l'integrità del lavoro, puoi rimuovere i dettagli non necessari, indebolire i contrasti, evidenziare la cosa principale. È così che amava lavorare il meraviglioso artista A. A. Ivanov. Ha svolto un grande lavoro preparatorio prima di creare il dipinto "L'apparizione di Cristo al popolo". Numerosi schizzi pittorici esposti accanto a questo dipinto nella Galleria Tretyakov aiutano a tracciare la ricerca creativa dell'autore.

Per scopi didattici, è meglio lavorare su una composizione pittorica in modo coerente. Scopri alcuni dei segreti e dei segreti della pittura ti aiuterà a dire i maestri, posti alla fine di questo libro.

Gli artisti-pittori trasmettono la bellezza del mondo che li circonda con l'aiuto delle vernici. Puoi scegliere qualsiasi base: tela, carta, cartone, cartone, muro, ecc. La base è solitamente innescata con composti speciali. I pittori usano una varietà di colori: gouache, acquarello, tempera ad olio, ecc. I colori vengono applicati alle basi? spazzole tonde e piatte di diversi spessori. A volte usano una spatola per questo, uno straccio, applicano persino la vernice con un dito, ma è ancora meglio creare dipinti con l'aiuto di strumenti speciali e non con mezzi improvvisati. La tecnica di scrittura, le sue caratteristiche dipendono in gran parte dalle proprietà di vernici, solventi, strumenti.

Inviare il tuo buon lavoro nella knowledge base è semplice. Usa il modulo sottostante

Studenti, dottorandi, giovani scienziati che utilizzano la base di conoscenza nei loro studi e nel loro lavoro ti saranno molto grati.

Regola di trasmissione del moto. Il soggetto nel dipinto sembrerà muoversi nelle seguenti condizioni:

* se sul cardine si utilizzano una o più linee diagonali, le direzioni di movimento; * se lasci spazio libero davanti a un oggetto in movimento;

* se scegli un certo momento di movimento, che riflette più chiaramente il suo carattere, è il suo culmine.

Inoltre, l'immagine apparirà in movimento se non ricrea un momento di movimento, ma le sue fasi successive. Ad esempio, sull'antico rilievo egiziano. Ognuna delle figure si è bloccata in una certa posizione, ma guardando la composizione in un cerchio, puoi vedere la sequenza in movimento.

Il movimento è comprensibile solo quando si considera l'opera nel suo insieme, e non i singoli momenti di movimento. Lo spazio libero davanti a un oggetto in movimento permette di continuare mentalmente il movimento, come se ci invitasse a muoverci con esso.

In un altro caso, quando l'oggetto è raffigurato troppo vicino al bordo del foglio, sembra che il movimento non sia possibile continuare.

Puoi enfatizzare il movimento usando la direzione delle linee nel disegno. Ad esempio, se tutte le linee sono dirette in profondità nel foglio. L'espressività del movimento si ottiene se l'eroe è raffigurato nel momento della massima tensione delle sue forze. Uno sfondo sfocato dà anche un senso di movimento. contorni indistinti e indistinti degli oggetti. Un gran numero di linee di sfondo verticali o orizzontali può rallentare il movimento.

Cambiare la direzione del movimento a volte lo accelera o lo rallenta. La particolarità della nostra visione è. che leggiamo il testo da sinistra a destra, ed è più facile percepire il movimento da sinistra a destra, sembra più veloce.

Regola di trasferimento statico. La composizione è considerata statica nelle seguenti condizioni;

* se non ci sono direzioni diagonali nell'immagine;

se gli oggetti sono descritti come calmi (statici) dal sax, non c'è il culmine dell'azione;

se la composizione è simmetrica, equilibrata o costruita sulla base di semplici schemi geometrici (triangolo, cerchio, ovale, quadrato, rettangolo).

Un senso di pace può sorgere in un'opera d'arte in altre condizioni.

Ad esempio, nel dipinto "Inverno" di K. Korovin, nonostante la presenza di direzioni diagonali, un cavallo con una slitta si erge con calma, non c'è sensazione di movimento per i seguenti motivi: i centri geometrici e compositivi dell'immagine coincidono, la composizione è equilibrato e lo spazio libero davanti al cavallo è bloccato da un albero.

Evidenziando il centro compositivo della trama: Quando si crea una composizione, è necessario determinare quale sarà la cosa principale nell'immagine e occuparsi di come evidenziare questa cosa principale, cioè il centro compositivo della trama, che viene spesso chiamato "centro semantico" o "centro visivo" dell'immagine.

Naturalmente, non tutto è ugualmente importante nella trama e le parti secondarie obbediscono a quella principale. Il centro della composizione include la trama, l'azione principale e i personaggi principali.

Il focus compositivo dovrebbe essere il focus dell'attenzione per primo. Il centro si distingue per illuminazione, colore, ingrandimento dell'immagine, contrasti e altri mezzi.

Il centro compositivo si distingue non solo nella pittura, ma anche nella grafica, nella scultura, nelle arti decorative, nell'architettura. Ad esempio, i maestri del Rinascimento preferivano che il centro compositivo coincidesse con il centro della tela.

Posizionando i personaggi principali in questo modo, gli artisti hanno voluto sottolineare il loro ruolo importante, il significato per la trama.

Gli artisti hanno escogitato molte opzioni per costruire un dipinto posizionando il centro della composizione in qualsiasi punto della tela. Questa tecnica è stata utilizzata con successo per trasmettere movimento, dinamica degli eventi, rapido sviluppo della trama nel dipinto di V. Surikov "Boyarynya Morozova".

Il dipinto di Rembrandt "Il ritorno del figliol prodigo" è un classico esempio di composizione, in cui la cosa principale è fortemente spostata dal centro per la divulgazione più accurata dell'idea principale dell'opera.

La trama di questa immagine è ispirata alla parabola evangelica. Sulla soglia della loro casa si incontrarono padre e figlio, che erano tornati dopo aver girovagato per il mondo. Dipingere gli stracci del viandante. Rembrandt come se trasmettesse una storia sul difficile percorso percorso da suo figlio.

Si può guardare indietro a lungo, simpatizzando con la sofferenza della persona perduta. La profondità dello spazio nasce dall'indebolimento sequenziale dei tagli e dei contrasti cromatici, a partire dal primo piano. Infatti, è costruito dalle figure dei testimoni della Siena della petizione, dissolvendosi gradualmente nel crepuscolo.

Il padre cieco mise le mani sulle spalle del figlio in segno di perdono. Questo gesto contiene saggezza, dolore e nostalgia, accumulati negli anni, vissuti nell'ansia, e nel perdono. Rembrandt evidenzia la cosa principale nell'immagine con la luce, focalizzando la nostra attenzione su di essa.

Il centro compositivo è quasi al limite del dipinto. L'artista bilancia la composizione con la figura del figlio maggiore, in piedi sulla destra. Il posizionamento del centro semantico principale a un terzo della distanza in altezza corrisponde alla legge della sezione aurea.

Fin dall'antichità, gli artisti lo hanno utilizzato per ottenere la massima espressività delle loro creazioni.

La regola della sezione aurea nella composizione(un terzo). Per identificare il centro compositivo, l'elemento più importante dell'immagine è posizionato secondo la proporzione del rapporto aureo, cioè approssimativamente alla distanza "Punto del tutto. Le proporzioni proporzionali degli oggetti raffigurati e la tela stessa dovrebbe essere costruito sulla base del rapporto aureo per raggiungere l'armonia.

Le immagini con due o più centri compositivi consentono di mostrare più eventi che si verificano contemporaneamente e di pari importanza.

Considera il dipinto di Velasquez "Menina" e il suo schema. Un centro compositivo del quadro è la giovane Infanta. Le damigelle d'onore, le menina, le si inchinarono da entrambi i lati. Nel centro geometrico della tela ci sono due punti contrastanti della stessa forma e delle stesse dimensioni. Sono opposti, come il giorno e la notte, uno bianco, l'altro nero - queste sono due uscite sul mondo esterno - un altro centro compositivo del quadro.

Una via d'uscita è una porta illuminata dal sole. L'altro è uno specchio che riflette la coppia reale. La seconda uscita può essere percepita come un'uscita in una società laica. Il contrasto tra i principi chiari e scuri nel dipinto può essere inteso come una disputa tra l'artista e il sovrano.

I personaggi raffigurati dall'artista sono abbastanza numerosi da consentire allo spettatore fantasioso di comporre ritratti legati da somiglianze o contrastanti tra loro (artista e re, cortigiani ed élite, bellezza e bruttezza, bambino e genitori, persone e animali).

In un'immagine, puoi utilizzare diversi metodi contemporaneamente per evidenziare la cosa principale.

Ad esempio, può essere utilizzata la tecnica di "isolamento" (l'immagine della cosa principale isolata dal resto degli oggetti), evidenziando quella principale con dimensioni e colore.

È importante utilizzare i metodi per evidenziare il centro compositivo della trama non formalmente, ma in questo modo. al fine di svelare al meglio il concetto e il contenuto dell'opera.

Trasferimento di simmetria e asimmetria nella composizione. Artisti di epoche diverse hanno utilizzato una costruzione simmetrica dell'immagine. Molti mosaici antichi erano simmetrici. I pittori rinascimentali costruivano spesso le loro composizioni secondo le leggi della simmetria. Tale costruzione consente di ottenere l'impressione di pace, maestà, solennità speciale e significato degli eventi. In una composizione simmetrica, le persone o gli oggetti si trovano quasi speculari rispetto all'asse centrale dell'immagine.

La simmetria nell'arte si basa sulla realtà, piena di forme simmetriche.

Ad esempio, una figura umana, una farfalla, un fiocco di neve, ecc. sono disposte simmetricamente. Le composizioni simmetriche sono statiche (stabili), le metà sinistra e destra sono bilanciate.

In una composizione asimmetrica, la disposizione degli oggetti può essere molto diversa, a seconda della trama e del design dell'opera, le metà sinistra e destra non sono bilanciate.

Trasferimento di equilibrio nella composizione. In una composizione simmetrica, tutte le parti sono bilanciate, una composizione asimmetrica può essere bilanciata e sbilanciata. Un grande punto luminoso è bilanciato da un piccolo punto scuro.

Molti piccoli punti possono essere controbilanciati da uno grande. Ci sono molte opzioni: le parti sono bilanciate in termini di massa, gon e colore. L'equilibrio riguarda sia le figure stesse che i divari tra di esse.

Esercizi speciali sviluppano un senso di equilibrio nella composizione. È necessario imparare a bilanciare dimensioni grandi e piccole, chiaro e scuro, varie sagome e macchie di colore. Sarà utile qui ricordare la tua esperienza di trovare l'equilibrio su un'altalena.

Tutti possono facilmente capire che un adolescente può essere bilanciato mettendo due bambini dall'altra parte dell'altalena. E il bambino può persino oscillare con un adulto che non si siede sul bordo dell'altalena, ma più vicino al centro.

Lo stesso esperimento può essere fatto con i pesi. Tali confronti aiutano a bilanciare le diverse parti dell'immagine in termini di dimensioni, tono e colore per raggiungere l'armonia, ovvero trovare equilibrio nella composizione.

In una composizione asimmetrica, l'equilibrio a volte è completamente assente se il centro semantico è più vicino al bordo dell'immagine. L'impressione di un dipinto cambia quando si guarda la sua immagine speculare. Questa proprietà della nostra visione deve essere presa in considerazione anche nel processo di ricerca dell'equilibrio nella composizione.

Regole, tecniche e mezzi compositivi si basano sulla ricca esperienza creativa di artisti di molte generazioni, ma la tecnica della composizione non si ferma, è in continua evoluzione, arricchita dalla pratica creativa di nuovi maestri. Alcuni metodi di composizione diventano classici, ma ne appaiono di nuovi, poiché la vita pone altri compiti all'arte.

3 ... Guazzo come uno dei materiali e delle tecniche di pittura

3.1 Materiali e tecniche artistiche pittoresche

I pittori trasmettono la bellezza del mondo circostante con l'aiuto di colori: gouache, acquerelli, tempera, olio, ecc. Puoi scegliere qualsiasi base: tela, carta, cartone, cartone, muro, ecc. La base è solitamente innescata con composti speciali . Le vernici vengono applicate alla base con pennelli tondi e piatti di diversi spessori. A volte viene utilizzata una spatola per questo. coltello. uno straccio, anche un dito, ma è comunque meglio usare strumenti speciali, piuttosto che mezzi improvvisati.

Le vernici vengono disposte su una tavolozza e mescolate per ottenere la tonalità di colore desiderata. Una tavolozza è una tavola piccola e sottile con una forma rettangolare, ovale o di altra forma. Tavolozza per l'olio la pittura sono fatti principalmente di legno, e per lavoro acquerello e tempera- in plastica bianca, a volte con rientranze per vernici. A volte lo uso come tavolozza! piattino bianco, piastrella o foglio di carta. L'elenco dei colori utilizzati dall'artista è anche chiamato tavolozza. In questo senso, il termine "tavolozza" è vicino al concetto di "colore".

La tecnica di scrittura, le sue caratteristiche dipendono in gran parte dalle proprietà di vernici, solventi, strumenti. Fino alla fine del 17° - inizio del 18° secolo. artisti e apprendisti preparavano i colori da soli, di solito gli studenti erano incaricati di questo. Hanno macinato le pietre in polvere e le hanno mescolate con colla, burro o un uovo. L'industria delle vernici industriali ha reso la tavolozza dei colori più varia.

Le vernici per la pittura hanno nomi speciali. Molto spesso questi nomi sono associati agli elementi chimici o naturali (minerali, piante) da cui sono composti. La base di tutte le vernici è un pigmento: si tratta di vari coloranti o coloranti. Loro sono minerale, chimico, organico origine (animale o vegetale). Per preparare le vernici, i pigmenti vengono macinati finemente in polvere e mescolati con leganti (olio, colla, ecc.). I pigmenti organici hanno una forza inferiore a quelli minerali. Ora usano principalmente pigmenti artificiali, come i più persistenti.

Spesso il nome delle vernici deriva dal legante utilizzato per realizzarle. Ad esempio, la base dei colori ad olio è il seme di lino o qualche altro olio. I colori a colla sono acquerelli, tempera, tempera. Parliamo più in dettaglio delle vernici per colla, dal momento che sono più spesso utilizzate nella pratica dell'insegnamento delle belle arti nelle scuole pedagogiche e nella scuola elementare.

Guazzo- vernice opaca (corpo, opaca), che viene diluita con acqua. Un'opera d'arte realizzata con tali colori è anche chiamata "guazzo". Le vernici a guazzo sono realizzate con pigmenti e colla con l'aggiunta di bianco. A differenza dell'acquerello, lo strato di vernice applicato sulla carta non è trasparente, ma opaco, denso, con una superficie vellutata, che è conferita da una mescolanza di bianco. Una volta asciutti, i colori della tempera sono in qualche modo sbiancati (schiariti), che l'artista dovrebbe prendere in considerazione nel processo di disegno. Le vernici a guazzo sono brillanti, le correzioni sono possibili durante il lavoro, basta mettere un altro colore sopra il luogo sfortunato. I toni scuri possono essere sostituiti con quelli più chiari. Il bianco viene aggiunto alla tempera per ottenere un tono più chiaro.

3. 2 La sequenza dell'esecuzione di un dipinto

Quando crei un dipinto, devi rispettare una certa sequenza. Solitamente l'artista inizia a lavorare su un dipinto o un dipinto murale con diversi schizzi compositivi di piccole dimensioni, in cui concretizza il concetto di scambio. Allo stesso scopo, può eseguire schizzi dalla natura.

Per creare un dipinto interessante, devi imparare a vedere eventi, personaggi, motivi, angoli e stati interessanti nella vita intorno a te. L'esecuzione costante di schizzi, schizzi e studi dalla natura sviluppa non solo l'occhio e la mano, ma anche il pensiero compositivo.

Non è così facile vedere un motivo compositivo interessante nella vita. Una cornice del mirino, che è facile da realizzare da soli, può aiutare in questo. La cosa principale è che i suoi lati opposti rimangono mobili, quindi sarà possibile cambiare facilmente il formato, aumentare o diminuire il cerchio degli oggetti che entrano nel campo visivo. Se non c'è una cornice, puoi semplicemente piegare i palmi delle mani in questo modo, come mostrato nella figura.

Anche la scelta del soggetto più espressivo per una composizione non è un compito facile. Centinaia di persone percepiscono e interpretano la stessa trama in modi diversi, ovvero creano la propria versione. Sotto la trama è necessario capire ciò che l'artista rappresenta direttamente sulla tela e il contenuto o il tema può essere molto più ampio, cioè su un argomento è possibile creare opere con trame diverse.

È importante cercare di immaginare l'immagine futura anche prima dell'inizio dell'immagine. Di norma, l'artista prima realizza alcuni piccoli schizzi per trovare la composizione più espressiva. In questa fase, vengono determinati il ​​formato dell'immagine (allungato verticalmente, rettangolare, quadrato, allungato orizzontalmente, ecc.) E le sue dimensioni.

Il formato rivolto verso l'alto conferisce all'immagine un aspetto sottile ed elevato. Il formato rettangolo orizzontale è utile per rappresentare azioni epiche. Abbiamo già detto che il formato basato sulla proporzione del rapporto aureo è adatto per rappresentare un ampio motivo paesaggistico. Il formato ottenuto ingrandendo il quadrato con l'intera diagonale è ugualmente conveniente per rappresentare un paesaggio, una natura morta e una composizione tematica.

Un aumento eccessivo delle proporzioni verticali trasforma l'immagine in una pergamena e un aumento eccessivo delle proporzioni orizzontali impone l'uso di una composizione panoramica o di un fregio. Quando si sceglie un formato, si dovrebbe prendere in considerazione la posizione degli oggetti principali della composizione - orizzontalmente o verticalmente, lo sviluppo della trama - da sinistra a destra, nella profondità dell'immagine, ecc.

Il formato quadrato viene utilizzato al meglio per creare composizioni statiche equilibrate perché sono allineate mentalmente con assi centrali uguali e lati uguali dei bordi dell'immagine.

La composizione in un ovale e in un cerchio è costruita rispetto ad assi centrali immaginari reciprocamente perpendicolari. La parte superiore e inferiore dell'immagine dovrebbero essere chiaramente espresse qui. L'ovale è spesso usato come formato per i ritratti, poiché questa configurazione si correla facilmente con l'ovale di un volto umano o il contorno di un busto.

Gli artisti utilizzano anche formati di configurazione complessa, costituiti da una combinazione di due forme geometriche, come un semicerchio e un rettangolo.

Nello schizzo, lo schema compositivo generale, la posizione del punto, la relazione dei personaggi principali sono disegnati senza un disegno dettagliato. Possibile tonalità e combinazione di colori dello schizzo. Successivamente, passano al disegno della composizione, quindi alla sua incarnazione pittorica.

Una delle fasi interessanti del lavoro è la raccolta di materiale naturale: osservazioni della vita circostante, schizzi e schizzi della casa e della strada, a seconda della trama scelta. Puoi raccogliere materiale dalla natura subito dopo aver scelto una trama o farlo dopo il primo schizzo della composizione.

Quindi l'artista disegna il dipinto futuro usando una matita, un carboncino o una vernice liquida e un pennello sottile. È possibile realizzare la cosiddetta carta da lucido o cartone, se il disegno deve essere trasferito su una superficie. Se qualcosa non funziona nel disegno, puoi ancora una volta andare agli schizzi, elaborare i dettagli che hanno causato difficoltà e quindi perfezionare il disegno utilizzando il materiale naturale raccolto. Puoi persino fare un nuovo condannato compositivo. "

Successivamente si passa alla soluzione pittorica della tela. Innanzitutto, la pittura di fondo viene eseguita con vernici liquide diluite, in cui vengono determinate le relazioni generali di colore e tono degli oggetti, il loro colore locale. Quindi procedono alla fase principale: l'effettiva soluzione pittorica della tela. È meglio fare tutto dal generale al particolare, applicando gradualmente il colore principale degli oggetti e l'abete rosso dietro la modellazione del volume. È necessario chiarire i contrasti e le sfumature di colore, i riflessi di colore, la colorazione generale dell'immagine. Nell'ultima fase, procedono nuovamente alla generalizzazione. Per raggiungere l'integrità del lavoro, il volo non necessario dovrebbe essere rimosso, i contrasti dovrebbero essere indeboliti e la cosa principale dovrebbe essere enfatizzata.

Le fasi elencate di esecuzione di un dipinto sono molto importanti, soprattutto per scopi didattici. Tuttavia, accade che gli artisti rifiutino qualsiasi fase. Ognuno lavora in modo diverso. Alcuni eseguono uno schizzo dettagliato, mentre altri scrivono immediatamente, senza un disegno preliminare a matita. Qualcuno è costantemente alla ricerca di tutto in natura, ha volato per una foto, fa schizzi in vari stati di natura, disegna modelli in costumi e pose appropriati, studia il materiale storico o di storia dell'arte necessario. Un altro artista si fida maggiormente della sua memoria visiva e della sua immaginazione e generalmente si rifiuta di studiare la natura.

L'artista può lavorare contemporaneamente su disegno, composizione, scolpire la forma, trasferire spazio e colore. Quindi amava lavorare P. Cézanne, soprattutto quando dipingeva i suoi paesaggi o nature morte dalla natura. Tuttavia, questo percorso non è disponibile per tutti. Bisogna avere un'eccellente memoria visiva, un disegno accurato, un pensiero compositivo e un impeccabile senso del colore.

La maggior parte degli artisti preferisce completare tutti i passaggi necessari per creare un quadro. Questo è il modo in cui L.A. Ivanov amava lavorare. Ha svolto una grande quantità di lavoro preparatorio per il dipinto "L'apparizione di Cristo al popolo". Numerosi schizzi pittorici, esposti nella Galleria Statale Tretyakov, aiutano a tracciare la ricerca creativa dell'autore.

Tutto quanto sopra sul lavoro su un dipinto non deve essere inteso come un ordine permanente, obbligatorio e immutabile. Tuttavia, seguire le regole aiuta a ottenere buoni risultati, a padroneggiare l'abilità.

3. 3 Metodo di lavoro su una natura morta pittoresca

pittura composizione di colori a guazzo

La pittura di natura morta è fondamentale nel processo educativo. Questa è una fase necessaria per impostare la mano, l'occhio, lo sviluppo del senso del colore e l'integrità della visione. Attraverso la natura morta si conosce il mondo reale in tutta la sua diversità. La natura morta non è una raccolta casuale di oggetti. Un atteggiamento attivo nei confronti della natura, un senso di bellezza dovrebbe manifestarsi in ogni fase

La sequenza di immagini still life da oggetti domestici: Primo passo. Esecuzione di un disegno dettagliato di una natura morta con linee sottili, identificando i principali rapporti proporzionali e il design degli oggetti.

Seconda fase. Esecuzione di pittura di fondo. Il primo rivestimento di colori locali di oggetti e tendaggi. Il colore degli oggetti è compilato su una tavolozza usando il fango bianco.

Fase tre. Rivelando le relazioni di colore e tono. Elaborazione e ricercatezza dei dettagli in chiaro su scuro e scuro su chiaro. Gouache ti consente di apportare modifiche al lavoro; se qualcosa non funziona, copri un colore con un altro. Generalizzazione e completamento del lavoro.

Sequenza dell'immagine del paesaggio Guazzo: Primo passo. Disegnare una composizione paesaggistica. Disegnare con un pennello è leggero e gratuito, utilizzando una vernice di colore caldo o freddo, a seconda del colore del dipinto.

Seconda fase. Posa del colore principale del cielo, delle corone degli alberi, dell'acqua. Trasmettere corrette relazioni tonali e cromatiche.

Fase tre. Disegnare dettagli, riassumere e completare il lavoro. Raggiungere l'unità coloristica del paesaggio.

3. 4 Tecnica per lavorare su un'immagine pittorica di una testa umana

Dipingere una testa umana si basa sui principi generali della creazione di immagini pittoriche. Soffermiamoci su alcune delle caratteristiche metodologiche dell'esecuzione degli studi della testa. I compiti di raffigurare la testa si riducono a trasmettere la sua struttura, scolpire la forma con il colore e identificare le qualità individuali della natura. È necessario trasmettere la ricchezza di colori del corpo umano vivente, la connessione della testa umana con l'ambiente.

Il disegno per la pittura può essere fatto con una matita, carboncino, ma puoi disegnare immediatamente con un pennello. È necessario trasmettere con linee sottili la struttura costruttiva della testa, la sua posizione nello spazio, delineare i confini del chiaroscuro.

Il lavoro, come sempre, viene eseguito dal generale al particolare: prima, nella pittura di fondo, vengono determinati i rapporti generali tonali e cromatici di grandi piani, quindi la forma viene modellata con piccoli tratti, vengono disegnati i dettagli e l'ultima fase tutto è generalizzato per raggiungere l'integrità.

È meglio iniziare a lavorare dal luogo più oscuro della natura. Le ombre sul viso sono molto trasparenti. difficilmente nascondono la carnagione vivida. Confrontando le parti illuminate del dyne con queste, sarà più facile trovare i semitoni. La carta bianca sostituisce temporaneamente le superfici illuminate. Prenditi il ​​​​tuo tempo per scrivere ogni ciglia se altre parti del viso non sono ancora state risolte, almeno in generale. Lavora allo stesso tempo tutte le parti della natura, lavora con il metodo delle relazioni. Nel processo di trasferimento del volume della testa, presta attenzione a questo. in modo che i tratti prendano forma. La sottile varietà di colori dipende da una varietà di riflessi. Il colore del viso e dei vestiti assume sempre una tonalità complementare al colore dello sfondo.

Nell'ultima fase del lavoro, presta attenzione all'espressività della silhouette della testa, al suo contatto con ([giovane. Da qualche parte è necessario dissolvere le linee di contorno e in altri luoghi, al contrario, renderle più chiare Se il pittore ha una visione olistica della natura, completerà correttamente l'opera.

La sequenza di esecuzione di uno schizzo pittorico della testa di un modello vivente: Primo passo. Disegnare con un pennello. Delinea la forma generale della testa e la sua posizione nello spazio. Disegna parti del tiglio, la forma dell'acconciatura senza dettagli inutili.

Seconda fase. Posa del colore principale del viso, dei capelli, dello sfondo, dell'aderenza ai corretti rapporti tonali e cromatici.

Fase tre. Prescrivere dettagli, generalizzare e completare il lavoro, raggiungere la somiglianza del ritratto, trasmettere il carattere e l'immagine del modello.

3. 5 Metodi per lavorare su un'immagine pittorica di una figura umana

A scopo didattico viene raffigurata la figura di una persona ma con cintura e in piena crescita. Dipingere una figura richiede la conoscenza dell'anatomia plastica, della prospettiva, delle leggi della scienza del colore. È utile eseguire diversi schizzi di questo oggetto con una vernice (grisaille) prima di lavorare su una rappresentazione pittorica di una figura umana.

All'inizio del lavoro, è importante non solo piantare o mettere la natura in una certa posa, ma studiarne le caratteristiche e i movimenti, riflettere sulla scelta di un costume. Pertanto, si consiglia di realizzare uno schizzo pittorico della natura. Nel processo di ricerca della soluzione compositiva di maggior successo negli schizzi, è necessario determinare il posizionamento plastico della figura nel formato selezionato, il colore generale. La natura del modello decide l'intera composizione.

La pittura di fondo definisce le basi delle soluzioni tonali e cromatiche. Inoltre, trasferendo le qualità volumetriche, materiche e spaziali del modello, è necessario scolpire la forma con i tratti e lavorare con le relazioni.

Quando si raffigura una figura umana, è imperativo trovare relazioni di colore in relazione agli oggetti circostanti e allo sfondo. Uno e lo stesso drappeggio accanto alla parte illuminata della natura apparirà un po' più scuro, e nelle vicinanze dei suoi luoghi bui - un po' più chiaro.

Nell'ultima fase, dovresti prestare attenzione alle caratteristiche del materiale e della trama del viso, dei capelli, dei vestiti. Il viso e le mani sono sempre più elaborati di accessori e sfondi. È importante completare l'opera nei tempi previsti, per evitare frammentazioni, elaborazioni eccessive di dettagli e incompletezze approssimative. Sono possibili vari approcci creativi alla rappresentazione di una figura umana.

La sequenza di esecuzione di uno schizzo pittorico di una figura umana: Primo passo. Disegnare con un pennello. Delineano il movimento generale della figura, le sue proporzioni e la posizione nello spazio. Disegna la testa e il collo. toro, braccia, gambe senza dettagli inutili.

Seconda fase. Posa del colore di base del corpo, dei capelli, dei vestiti, dello sfondo, trasferimento dei corretti rapporti tonali e cromatici.

Fase tre. Disegnare dettagli, generalizzare e completare il lavoro, trasmettere il carattere e l'immagine del modello.

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La filiale PFR di Sebastopoli attira l'attenzione dei datori di lavoro: l'ultimo giorno di ricezione dei rapporti mensili nel modulo SZV-M per novembre - 17 dicembre 2018(dal 15 al 16 dicembre sono giorni di riposo). Inoltre, a gennaio 2019, i datori di lavoro che presentano una relazione su carta avranno solo 5 giorni per presentare le informazioni per dicembre 2018 - dal 9 gennaio al 15 gennaio.

Leader, assumetevi la responsabilità di adempiere ai vostri doveri! È importante capire che l'indicizzazione delle pensioni ai cittadini che hanno smesso di lavorare dipende dalle informazioni tempestive presentate al PFR. Rispettare due regole: l'accuratezza delle informazioni e la scadenza per la presentazione.

Vi ricordiamo inoltre che nel 2019 anche gli assicurati devono riferire sull'esperienza assicurativa dei propri dipendenti nel form SZV-STADIO... Sarà necessario avere tempo con la consegna delle informazioni sull'esperienza fino al 1 marzo inclusivo. Se il datore di lavoro ignora le scadenze di segnalazione, gli verranno applicate sanzioni pecuniarie.
Il modulo SZV-STAGE riflette le informazioni sul periodo di lavoro durante l'anno solare, compresi i periodi di attività del dipendente con condizioni di lavoro speciali, dando diritto al pensionamento anticipato.

Per preparare le informazioni, è possibile utilizzare il software pubblicato sul sito Web ufficiale della FIU nella sezione "Datori di lavoro", nella sottosezione "Programmi, moduli e protocolli gratuiti".