Come nasce il nome impressionismo. Stile impressionista: dipinti di artisti famosi

Oggi l'impressionismo è percepito come un classico, ma nell'era della sua formazione è stata una vera svolta rivoluzionaria nell'arte. Le innovazioni e le idee di questa tendenza hanno completamente cambiato la percezione artistica dell'arte nei secoli XIX e XX. E l'impressionismo moderno in pittura eredita i principi ormai divenuti canonici e continua le ricerche estetiche nella trasmissione delle sensazioni, delle emozioni e della luce.

Prerequisiti

Ci sono diverse ragioni per la comparsa dell'impressionismo, questo è un intero complesso di precondizioni che ha portato a una vera rivoluzione nell'arte. Nel diciannovesimo secolo si stava preparando una crisi nella pittura francese, associata al fatto che la critica "ufficiale" non voleva notare e lasciare entrare nelle gallerie varie nuove forme emergenti. Pertanto, la pittura nell'impressionismo è diventata una sorta di protesta contro l'inerzia e il conservatorismo delle norme generalmente accettate. Inoltre, le origini di questo movimento dovrebbero essere ricercate nelle tendenze insite nel Rinascimento e associate ai tentativi di trasmettere la realtà vivente. Gli artisti della scuola veneziana sono considerati i primi progenitori dell'impressionismo, poi gli spagnoli intrapresero questa strada: El Greco, Goya, Velazquez, che influenzarono direttamente Manet e Renoir. Anche il progresso tecnologico ha avuto un ruolo nello sviluppo di questa scuola. Così, l'emergere della fotografia ha dato origine a una nuova idea nell'arte di catturare emozioni e sensazioni momentanee. È questa impressione immediata che gli artisti della direzione che stiamo considerando stanno cercando di "cogliere". Anche lo sviluppo della scuola plein air, fondata da rappresentanti della scuola di Barbizon, ha influenzato questa tendenza.

Storia dell'impressionismo

Nella seconda metà del XIX secolo si sviluppa una situazione critica nell'arte francese. I rappresentanti della scuola classica non accettano le innovazioni dei giovani artisti e non li ammettono al Salon - l'unica mostra che apre la strada ai clienti. Lo scandalo è scoppiato quando il giovane Edouard Manet ha presentato la sua opera "Colazione sull'erba". Il dipinto suscitò l'indignazione della critica e del pubblico e all'artista fu vietato esporlo. Pertanto, Manet partecipa al cosiddetto "Salon of the Outcast" insieme ad altri pittori a cui non è stato permesso di partecipare alla mostra. L'opera ricevette un'enorme risposta e intorno a Manet iniziò a formarsi una cerchia di giovani artisti. Si riunivano nei caffè, discutevano i problemi dell'arte contemporanea, discutevano su nuove forme. Appare una società di pittori, che si chiamerà Impressionisti dopo una delle opere di Claude Monet. Questa comunità includeva Pissarro, Renoir, Cézanne, Monet, Basil, Degas. La prima mostra di artisti di questa tendenza ebbe luogo nel 1874 a Parigi e si concluse, come tutte le successive, con un fallimento. In realtà, l'impressionismo nella musica e nella pittura copre un periodo di soli 12 anni, dalla prima mostra all'ultima, tenutasi nel 1886. Più tardi, la direzione inizia a disintegrarsi in nuove tendenze, alcuni artisti muoiono. Ma questo periodo ha fatto una vera rivoluzione nelle menti dei creatori e del pubblico.

Principi ideologici

A differenza di molte altre direzioni, la pittura nell'impressionismo non era associata a profonde visioni filosofiche. L'ideologia di questa scuola è stata un'esperienza momentanea, un'impressione. Gli artisti non si sono posti compiti sociali, si sono sforzati di trasmettere la pienezza e la gioia di essere nella vita di tutti i giorni. Pertanto, il sistema di genere dell'impressionismo era generalmente molto tradizionale: paesaggi, ritratti, nature morte. Questa direzione non è un'unificazione di persone sulla base di opinioni filosofiche, ma una comunità di persone affini, ognuna delle quali conduce la propria ricerca nello studio della forma dell'essere. L'impressionismo sta proprio nell'unicità dello sguardo sugli oggetti ordinari, si concentra sull'esperienza individuale.

Tecnica

È abbastanza facile riconoscere la pittura nell'impressionismo da alcune delle sue caratteristiche. Prima di tutto, vale la pena ricordare che gli artisti di questa tendenza erano appassionati amanti del colore. Abbandonano quasi completamente i neri e i marroni a favore di tavolozze ricche e vibranti, spesso pesantemente schiarite. La tecnica impressionista si distingue per i tratti brevi. Si sforzano per l'impressione generale, non per il disegno meticoloso dei dettagli. Le tele sono dinamiche, discontinue, che corrispondono alla percezione umana. I pittori si sforzano di disporre i colori sulla tela in modo tale da ottenere intensità o affinità coloristiche nel quadro; non mescolano i colori sulla tavolozza. Gli artisti spesso lavoravano all'aria aperta, e questo si rifletteva nella tecnica, in cui non c'era tempo per asciugare gli strati precedenti. Le vernici sono state applicate una accanto all'altra o una sopra l'altra, utilizzando un materiale di copertura, che ha permesso di creare l'effetto di "bagliore interno".

I principali rappresentanti della pittura francese

La patria di questa tendenza è la Francia, è qui che l'impressionismo è apparso per la prima volta nella pittura. Gli artisti di questa scuola vivevano a Parigi nella seconda metà del XIX secolo. Hanno presentato il loro lavoro in 8 mostre impressioniste e queste tele sono diventate dei classici della tendenza. Sono i francesi Monet, Renoir, Sisley, Pissarro, Morisot e altri che sono i capostipiti della corrente che stiamo considerando. L'impressionista più famoso, ovviamente, è Claude Monet, le cui opere incarnano pienamente tutte le caratteristiche di questa tendenza. Inoltre, la corrente è giustamente associata al nome di Auguste Renoir, che considerava il suo compito artistico principale quello di trasmettere il gioco del sole; inoltre, era un maestro della ritrattistica sentimentale. L'impressionismo include anche artisti eccezionali come Van Gogh, Edgar Degas, Paul Gauguin.

Impressionismo in altri paesi

A poco a poco, la direzione si diffonde in molti paesi, l'esperienza francese è stata raccolta con successo in altre culture nazionali, sebbene in esse si debba parlare più di singole opere e tecniche che di attuazione coerente delle idee. La pittura tedesca nell'impressionismo è rappresentata principalmente dai nomi di Lesser Uri, Max Lieberman, Lovis Corinth. Negli Stati Uniti, le idee sono state implementate da J. Whistler, in Spagna - da H. Sorolla, in Inghilterra - da J. Sargent, in Svezia - da A. Zorn.

Impressionismo in Russia

L'arte russa nel XIX secolo è stata significativamente influenzata dalla cultura francese, quindi anche gli artisti domestici non hanno potuto evitare di essere trascinati dalla nuova tendenza. L'impressionismo russo nella pittura è rappresentato in modo più coerente e fruttuoso nell'opera di Konstantin Korovin, così come nelle opere di Igor Grabar, Isaac Levitan, Valentin Serov. Le peculiarità della scuola russa consistevano nell'abbozzo delle opere.

Cos'era l'impressionismo in pittura? Gli artisti fondatori si sono sforzati di catturare le impressioni momentanee del contatto con la natura, e anche i creatori russi hanno cercato di trasmettere il significato più profondo e filosofico dell'opera.

Impressionismo oggi

Nonostante siano passati quasi 150 anni dall'emergere della direzione, l'impressionismo moderno nella pittura non ha perso la sua rilevanza oggi. A causa dell'emotività e della facilità di percezione, i dipinti in questo stile sono molto popolari e persino di successo commerciale. Pertanto, molti artisti in tutto il mondo stanno lavorando in questa direzione. Quindi, l'impressionismo russo nella pittura è presentato nel nuovo museo di Mosca con lo stesso nome. Ci sono regolarmente mostre di autori contemporanei, ad esempio V. Koshlyakov, N. Bondarenko, B. Gladchenko e altri.

Capolavori

Gli amanti dell'arte moderna spesso chiamano l'impressionismo nella pittura la loro direzione più amata. I dipinti degli artisti di questa scuola vengono venduti alle aste a prezzi favolosi e le collezioni dei musei godono di grande attenzione da parte del pubblico. I principali capolavori dell'impressionismo sono considerati i dipinti di C. Monet "Ninfee" e "Sole nascente", O. Renoir "Palla al Moulin de la Galette", C. Pissarro "Boulevard Montmartre di notte" e "Pont Boaldier a Rouen in un giorno di pioggia", E Degas "Assenzio", anche se la lista è quasi infinita.

A cavallo tra il XVIII e il XIX secolo, nella maggior parte dell'Europa occidentale ebbe luogo un nuovo balzo nello sviluppo della scienza e della tecnologia. La cultura industriale ha svolto un lavoro straordinario nel rafforzare le basi spirituali della società, superando le linee guida razionalistiche e coltivando l'umano nell'uomo. Ha sentito molto acutamente il bisogno di bellezza, per l'affermazione di una personalità esteticamente sviluppata, per approfondire il vero umanesimo, facendo passi pratici per incarnare la libertà, l'uguaglianza e armonizzare le relazioni sociali.

Durante questo periodo, la Francia stava attraversando un momento difficile. La guerra franco-prussiana, una breve sanguinosa rivolta e la caduta della Comune di Parigi segnarono la fine del Secondo Impero.

Dopo lo sgombero delle rovine lasciate dai terribili bombardamenti prussiani e dalla violenta guerra civile, Parigi si riconferma il centro dell'arte europea.

Dopotutto, divenne la capitale della vita artistica europea ai tempi del re Luigi XIV, quando furono istituite l'Accademia e le mostre d'arte annuali, che ricevettero il nome di Salons - dal cosiddetto Salone quadrato del Louvre, dove nuovi ogni anno venivano esposte opere di pittori e scultori. Nel XIX secolo, sono i Salons, dove si svolgerà un'aspra lotta artistica, che rivelerà le nuove tendenze dell'arte.

L'accettazione del dipinto per la mostra, l'approvazione della sua giuria al Salon, è stato il primo passo verso il riconoscimento pubblico dell'artista. A partire dagli anni Cinquanta dell'Ottocento, i Salon si trasformarono sempre più in grandiose rassegne di opere selezionate per il gusto dei gusti ufficiali, che diedero persino origine all'espressione "salon art". Le immagini che non corrispondevano in alcun modo a questo da nessuna parte prescritto, ma "standard" rigoroso sono state semplicemente respinte dalla giuria. La stampa ha discusso in ogni modo su quali artisti fossero ammessi al Salon e quali no, trasformando quasi ciascuna di queste mostre annuali in uno scandalo pubblico.

Tra il 1800 e il 1830, i paesaggisti olandesi e inglesi iniziarono a influenzare la pittura paesaggistica francese e le arti visive in generale. Eugene Delacroix, rappresentante del romanticismo, ha portato nei suoi dipinti una nuova luminosità di colori e virtuosismo della scrittura. Era un ammiratore di Constable, che si batteva per un nuovo naturalismo. L'approccio radicale di Delacroix al colore e la sua tecnica di applicare grandi pennellate di vernice per rafforzare la forma sarebbero stati successivamente sviluppati dagli impressionisti.

Di particolare interesse per Delacroix e per i suoi contemporanei erano gli schizzi di Constable. Cercando di catturare le proprietà infinitamente variabili della luce e del colore, Delacroix ha notato che in natura "non rimangono mai immobili". Pertanto, i romantici francesi presero l'abitudine di dipingere con oli e acquerelli più velocemente, ma non per schizzi superficiali di singole scene.

Entro la metà del secolo, il fenomeno più significativo nella pittura furono i realisti, guidati da Gustave Courbet. Dopo il 1850 nell'arte francese, per un decennio, ci fu una frammentazione di stili senza precedenti, in parte accettabile, ma mai approvata dalle autorità. Questi esperimenti spinsero i giovani artisti su un percorso che era una logica continuazione di tendenze già emergenti, ma che sembrava prepotentemente rivoluzionario al pubblico e ai giudici del Salon.

L'arte che dominava le sale del Salon, di regola, si distingueva per il virtuosismo artigianale e tecnico esterno, l'interesse per le storie aneddotiche, raccontate in modo divertente, di natura sentimentale, quotidiana, finta storica e l'abbondanza di storie mitologiche che giustificano ogni tipo di immagini del corpo nudo. Era un'arte eclettica e divertente, senza principi. Il personale interessato è stato formato sotto gli auspici dell'Accademia dalla Scuola di Belle Arti, dove l'intera attività è stata gestita da maestri del tardo accademismo come Couture, Cabanel e altri. L'arte del salone si distingueva per l'eccezionale vitalità, la volgarizzazione artistica, unendo spiritualmente e adattando al livello dei gusti filistei del pubblico i risultati delle principali ricerche creative del suo tempo.

L'arte del Salon è stata contrastata da varie tendenze realistiche. I loro rappresentanti furono i migliori maestri della cultura artistica francese di quei decenni. Sono associati al lavoro di artisti realisti che continuano le tradizioni tematiche del realismo negli anni 40-50 nelle nuove condizioni. XIX secolo - Bastien-Lepage, Lermitte e altri. Le pionieristiche ricerche realistiche di Edouard Manet e Auguste Rodin, l'arte acutamente espressiva di Edgar Degas e, infine, il lavoro di un gruppo di artisti che incarnavano più coerentemente i principi dell'arte impressionista: Claude Monet, Pissarro, Sisley e Renoir. Fu il loro lavoro che segnò l'inizio del rapido sviluppo del periodo dell'impressionismo.

Impressionismo (dall'impressione-impressione francese), una tendenza nell'arte dell'ultimo terzo del XIX - inizio XX secolo, i cui rappresentanti hanno cercato di catturare nel modo più naturale e imparziale il mondo reale nella sua mobilità e mutevolezza, per trasmettere le loro impressioni fugaci .

L'impressionismo costituì un'epoca nell'arte francese nella seconda metà del XIX secolo per poi diffondersi in tutti i paesi europei. Ha riformato i gusti artistici, ha ricostruito la percezione visiva. In sostanza, era una naturale continuazione e sviluppo del metodo realistico. L'arte degli impressionisti è democratica come l'arte dei loro diretti predecessori, non fa distinzione tra natura "alta" e "bassa" e si fida completamente della testimonianza dell'occhio. Il modo di "guardare" sta cambiando: diventa più intento e allo stesso tempo più lirico. La connessione con il romanticismo si sta erodendo: gli impressionisti, come i realisti della vecchia generazione, vogliono occuparsi solo della modernità, evitando temi storici, mitologici e letterari. Per le grandi scoperte estetiche, ne avevano abbastanza dei motivi più semplici e quotidiani: caffè parigini, strade, giardini modesti, le rive della Senna, i villaggi circostanti.

Gli impressionisti vivevano in un'epoca di lotta tra modernità e tradizione. Vediamo nelle loro opere una rottura radicale e sorprendente per quel tempo con i principi tradizionali dell'arte, il culmine, ma non la fine, della ricerca di un nuovo look. L'astrattismo del XX secolo è nato da esperimenti con l'arte che esisteva in quel momento, così come le innovazioni degli impressionisti sono nate dal lavoro di Courbet, Corot, Delacroix, Constable, così come dai vecchi maestri che li hanno preceduti.

Gli impressionisti abbandonarono le tradizionali distinzioni tra studio, schizzo e pittura. Hanno iniziato e finito il lavoro proprio all'aria aperta - all'aria aperta. Anche se dovevano finire qualcosa in laboratorio, hanno comunque cercato di preservare la sensazione di un momento catturato e di trasmettere l'atmosfera leggera e ariosa che avvolge gli oggetti.

Il plein air è la chiave del loro metodo. In questo percorso hanno raggiunto un'eccezionale sottigliezza di percezione; sono riusciti a rivelare nei rapporti di luce, aria e colore effetti così incantevoli che prima non avevano notato e senza la pittura degli impressionisti, probabilmente non si sarebbero accorti. Non c'è da stupirsi, hanno detto che le nebbie londinesi sono state inventate da Monet, sebbene gli impressionisti non abbiano inventato nulla, basandosi solo sulla testimonianza dell'occhio, senza mescolarle con la conoscenza preliminare di ciò che è stato raffigurato.

In effetti, gli impressionisti apprezzavano soprattutto il contatto dell'anima con la natura, attribuendo grande importanza all'impressione diretta, all'osservazione di vari fenomeni della realtà circostante. Non c'è da stupirsi che abbiano aspettato pazientemente giornate limpide e calde per scrivere all'aria aperta all'aria aperta.

Ma i creatori del nuovo tipo di bellezza non hanno mai aspirato a un'attenta imitazione, copia, "rappresentazione" oggettiva della natura. Nelle loro opere, non c'è solo una gestione virtuosa del mondo delle apparenze impressionanti. L'essenza dell'estetica impressionista risiede nella straordinaria capacità di condensare la bellezza, di evidenziare la profondità di un fenomeno, di un fatto unico e di ricreare la poetica di una realtà trasformata riscaldata dal calore dell'anima umana. È così che nasce un mondo qualitativamente diverso, esteticamente attraente, saturo di splendore spiritualizzato.

Come risultato del tocco impressionistico al mondo, tutto, a prima vista, ordinario, prosaico, banale, momentaneo si è trasformato in un poetico, attraente, festoso, che colpisce tutto con la magia penetrante della luce, la ricchezza dei colori, il bagliore tremolante, vibrazione dell'aria e persone che irradiano purezza. In contrasto con l'arte accademica, che si basava sui canoni del classicismo: la collocazione obbligatoria dei personaggi principali al centro dell'immagine, la natura tridimensionale dello spazio, l'uso di una trama storica ai fini di uno specifico orientamento semantico dello spettatore: gli impressionisti cessarono di suddividere gli oggetti in principali e secondari, sublimi e bassi. D'ora in poi, ombre multicolori di oggetti, un pagliaio, un cespuglio di lillà, una folla su un viale di Parigi, una vita di mercato colorata, lavandaie, ballerine, commesse, la luce dei lampioni a gas, una linea ferroviaria, la corrida, i gabbiani, rocce, peonie potrebbero essere incarnate nella foto.

Gli impressionisti sono caratterizzati da un vivo interesse per tutti i fenomeni della vita quotidiana. Ma questo non significava una sorta di onnivoro, promiscuità. Nei fenomeni ordinari e quotidiani, è stato scelto il momento in cui l'armonia del mondo circostante si è manifestata in modo più impressionante. La visione del mondo impressionista era estremamente sensibile alle sfumature più sottili dello stesso colore, stato di un oggetto o fenomeno.

Nel 1841, il ritrattista americano con sede a Londra John Goffrand inventò per la prima volta un tubo da cui spremere la vernice, e i commercianti di vernici Winsor e Newton hanno subito colto al volo l'idea. Pierre Auguste Renoir, secondo la testimonianza di suo figlio, ha dichiarato: "Senza vernici in tubo, non ci sarebbe né Cézanne, né Monet, né Sisley, né Pissarro, né uno di quelli che i giornalisti in seguito ribattezzarono gli impressionisti".

La vernice nei tubetti aveva la consistenza dell'olio fresco, ideale per l'applicazione su tela con pennellate dense e pastose di pennello o anche di spatola; entrambi i metodi furono usati dagli impressionisti.

L'intera gamma di vernici stabili e brillanti iniziò ad apparire sul mercato in nuovi tubi. I progressi della chimica all'inizio del secolo hanno portato nuove vernici, ad esempio blu cobalto, oltremare artificiale, cromo giallo con un'arancia, rosso, verde, tinta, verde smeraldo, zinco bianco, biacca di lunga durata. Entro il 1850, gli artisti avevano a disposizione una tavolozza di colori brillante, affidabile e confortevole come mai prima d'ora. .

Gli impressionisti non passarono dalle scoperte scientifiche della metà del secolo riguardo all'ottica, alla scomposizione del colore. I colori complementari dello spettro (rosso - verde, blu - arancione, lilla - giallo), quando adiacenti, si rafforzano a vicenda e, se mescolati, svaniscono. Qualsiasi colore posto su uno sfondo bianco appare circondato da un leggero alone di colore complementare; nello stesso luogo e nelle ombre proiettate dagli oggetti quando sono illuminati dal sole, appare un colore che si aggiunge al colore dell'oggetto. In parte intuitivamente e in parte consapevolmente, gli artisti hanno utilizzato tali osservazioni scientifiche. Per la pittura impressionista, si sono rivelati particolarmente importanti. Gli impressionisti prendevano in considerazione le leggi della percezione del colore a distanza e, se possibile, evitando di mescolare i colori sulla tavolozza, disponevano tratti di puro colore in modo che si fondessero nell'occhio dello spettatore. I colori brillanti dello spettro solare sono uno dei comandamenti dell'impressionismo. Hanno rifiutato i toni del nero, del marrone, perché lo spettro solare non li ha. Trasmettevano le ombre con il colore, non con il nero, da qui la morbida armonia radiosa delle loro tele .

In generale, il tipo impressionistico di bellezza rifletteva il fatto dell'opposizione della persona spirituale al processo di urbanizzazione, pragmatismo, asservimento dei sentimenti, che ha portato ad un aumento della necessità di una divulgazione più completa dell'inizio emotivo, l'attualizzazione delle qualità spirituali dell'individuo e ha suscitato il desiderio di un'esperienza più acuta delle caratteristiche spazio-temporali della vita.

La parola "impressionismo" deriva dal francese "impressione" -impressione. Questa è la direzione della pittura che ha avuto origine in Francia negli anni 1860. e in molti modi determinò lo sviluppo dell'arte nel XIX secolo. Le figure centrali di questo movimento furono Cézanne, Degas, Manet, Monet, Pissarro, Renoir e Sisley, e il contributo di ciascuno di loro al suo sviluppo è unico. Gli impressionisti si opponevano alle convenzioni del classicismo, del romanticismo e dell'accademismo, affermavano la bellezza della realtà quotidiana, motivi semplici e democratici, raggiungevano una vivida affidabilità dell'immagine, cercavano di catturare l'"impressione" di ciò che l'occhio vede in un particolare momento, senza concentrarsi sul disegno di dettagli specifici.

Nella primavera del 1874, un gruppo di giovani pittori-pittori, tra cui Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Degas, Cézanne e Berthe Morisot, trascurò il Salon ufficiale e organizzò una propria mostra. Un atto del genere era già di per sé rivoluzionario e rompeva con fondamenta secolari, mentre i dipinti di questi artisti a prima vista sembravano ancora più ostili alla tradizione. La reazione a questa innovazione da parte di visitatori e critici è stata tutt'altro che amichevole. Hanno accusato gli artisti di dipingere semplicemente per attirare l'attenzione del pubblico, e non allo stesso modo dei maestri riconosciuti. I più condiscendenti consideravano il loro lavoro una presa in giro, un tentativo di fare uno scherzo alle persone oneste. Ci vollero anni di accanite lotte prima che questi classici della pittura, poi riconosciuti, riuscissero a convincere il pubblico non solo della loro sincerità, ma anche del loro talento.

Cercando di esprimere il più accuratamente possibile le loro impressioni dirette sulle cose, gli impressionisti hanno creato un nuovo metodo di pittura. La sua essenza consisteva nella trasmissione dell'impressione esterna di luce, ombra, riflessi sulla superficie degli oggetti con tratti separati di vernici pure, che dissolvono visivamente la forma nell'ambiente circostante luce-aria. Nei loro generi preferiti (paesaggio, ritratto, composizione a più figure), hanno cercato di trasmettere le loro impressioni fugaci del mondo che li circonda (scene per strada, in un caffè, schizzi di passeggiate domenicali, ecc.). Gli impressionisti descrivevano una vita piena di poesia naturale, in cui una persona è in unità con l'ambiente, in eterno cambiamento, sorprendente in ricchezza e scintillante di colori puri e luminosi.

Dopo la prima mostra a Parigi, questi artisti iniziarono a essere chiamati impressionisti, dalla parola francese "impressione" - "impressione". Questa parola era adatta alle loro opere, perché in esse gli artisti trasmettevano la loro impressione diretta di ciò che vedevano. Gli artisti hanno adottato un nuovo approccio per ritrarre il mondo. Il tema principale per loro era la luce tremolante, l'aria, in cui le persone e gli oggetti sembrano essere immersi. Nei loro quadri si sentiva il vento, la terra umida riscaldata dal sole. Miravano a mostrare la straordinaria ricchezza di colori in natura. L'impressionismo è stato l'ultimo grande movimento artistico in Francia nel XIX secolo.

Questo non vuol dire che il percorso dei pittori impressionisti sia stato facile. All'inizio non furono riconosciuti, la loro pittura era troppo audace e insolita, furono derisi. Nessuno voleva comprare i loro quadri. Ma ostinatamente sono andati per la loro strada. Né la povertà né la fame potrebbero costringerli a rinunciare alle loro convinzioni. Passarono molti anni, molti dei pittori impressionisti non erano più in vita quando la loro arte fu finalmente riconosciuta.

Tutti questi artisti molto diversi erano uniti da una lotta comune contro il conservatorismo e l'accademismo nell'arte. Gli impressionisti tennero otto mostre, l'ultima nel 1886. Questa è in realtà la fine della storia dell'impressionismo come tendenza nella pittura, dopo la quale ciascuno degli artisti ha seguito la propria strada.

Uno dei dipinti presentati alla prima mostra di “indipendenti”, come gli stessi artisti preferivano definirsi, apparteneva a Claude Monet e si chiamava “Impression. Alba". In una recensione giornalistica della mostra apparsa il giorno successivo, il critico L. Leroy ha deriso in tutti i modi la mancanza di "forma fatta" nei dipinti, inchinandosi ironicamente alla parola "impressione" in ogni modo, come se sostituisse il vero l'arte nelle opere di giovani artisti. Contrariamente alle aspettative, una nuova parola, pronunciata in segno di scherno, è rimasta attaccata e ha servito come nome dell'intero movimento, poiché esprimeva perfettamente la cosa comune che univa tutti i partecipanti alla mostra: l'esperienza soggettiva del colore, della luce, dello spazio. Cercando di esprimere le loro impressioni dirette sulle cose nel modo più accurato possibile, gli artisti si sono liberati dalle regole tradizionali e hanno creato un nuovo metodo di pittura.

Gli impressionisti propongono i propri principi di percezione e visualizzazione del mondo circostante. Hanno cancellato la linea tra gli oggetti principali degni dell'arte alta e gli oggetti secondari, hanno stabilito un legame diretto e di feedback tra loro. Il metodo impressionistico divenne così la massima espressione del principio stesso della pittura. L'approccio pittorico all'immagine presuppone proprio l'identificazione delle connessioni dell'oggetto con il mondo che lo circonda. Il nuovo metodo ha costretto lo spettatore a decifrare non tanto i colpi di scena della trama, ma i segreti del dipinto stesso.

L'essenza della visione impressionistica della natura e della sua immagine risiede nell'indebolimento della percezione attiva e analitica dello spazio tridimensionale e nella sua riduzione alla bidimensionalità originaria della tela, determinata dall'installazione visiva planare, nelle parole di A. Hildebrand, "uno sguardo lontano sulla natura", che porta alla distrazione dell'oggetto raffigurato dalle sue qualità materiche, fondendosi con l'ambiente, trasformandolo quasi completamente in "apparenza", apparenza, dissolvendosi nella luce e nell'aria. Non è un caso che P. Cézanne abbia poi chiamato il leader degli impressionisti francesi Claude Monet "solo un occhio". Questo "distacco" della percezione visiva ha portato anche alla soppressione del "colore della memoria", cioè della connessione del colore con le consuete rappresentazioni e associazioni oggettuali, secondo le quali il cielo è sempre azzurro e l'erba è verde. Gli impressionisti potevano, a seconda della loro visione, dipingere il cielo di verde e l'erba di blu. La "plausibilità oggettiva" è stata sacrificata alle leggi della percezione visiva. Ad esempio, J. Seurat ha raccontato con entusiasmo a tutti come ha scoperto che la sabbia costiera arancione all'ombra è blu brillante. Quindi il principio della percezione contrastante dei colori complementari è stato preso come base del metodo di pittura.

Per l'artista impressionista, per la maggior parte, ciò che conta non è ciò che raffigura, ma come. L'oggetto diventa solo un pretesto per risolvere compiti puramente pittorici, "visivi". Pertanto, l'impressionismo ha inizialmente un altro nome, poi dimenticato: "cromantismo" (dal greco Chroma - colore). Gli impressionisti rinnovarono il colore, abbandonarono i colori scuri e terrosi e applicarono sulla tela colori puri e spettrali, quasi senza mescolarli preventivamente sulla tavolozza. Il naturalismo dell'impressionismo consisteva nel fatto che il più poco interessante, banale, prosaico si trasformava in bello, non appena l'artista vedeva lì le sottili sfumature di grigio e blu.

Caratterizzato dalla brevità, studio del metodo creativo dell'impressionismo. Dopotutto, solo un breve schizzo ha permesso di registrare con precisione i singoli stati della natura. Gli impressionisti furono i primi a rompere con i principi tradizionali della pittura spaziale, risalenti al Rinascimento e al Barocco. Hanno usato composizioni asimmetriche per evidenziare meglio i personaggi e gli oggetti che li interessavano. Ma il paradosso era che, abbandonato il naturalismo dell'arte accademica, distruggendone i canoni e dichiarando il valore estetico di fissare tutto fuggevole, accidentale, gli impressionisti rimasero prigionieri del pensiero naturalistico e anzi, per molti versi, fu un passo indietro . Puoi ricordare le parole di O. Spengler che "il paesaggio di Rembrandt si trova da qualche parte negli infiniti spazi del mondo, mentre il paesaggio di Claude Monet è vicino alla stazione ferroviaria"

L'impressionismo ha costituito un'intera epoca nell'arte francese nella seconda metà del XIX secolo. L'eroe dei dipinti degli impressionisti era leggero e il compito degli artisti era aprire gli occhi delle persone sulla bellezza del mondo che li circondava. Luce e colore possono essere trasmessi al meglio con tratti veloci, piccoli e voluminosi. La visione impressionistica è stata preparata dall'intera evoluzione della coscienza artistica, quando il movimento ha cominciato ad essere inteso non solo come movimento nello spazio, ma come una variabilità generale della realtà circostante.

Impressionismo - (Impressionismo francese, da impressione - impressione), la direzione nell'arte dell'ultimo terzo del XIX - inizio XX secolo. Ha preso forma nella pittura francese tra la fine degli anni 1860 e l'inizio degli anni '70. Il nome "impressionismo" è sorto dopo la mostra nel 1874, in cui il dipinto di C. Monet "Impression. Alba". Al momento della maturità dell'impressionismo (anni '70 - prima metà degli anni '80), era rappresentato da un gruppo di artisti (Monet, O. Renoir, E. Degas, C. Pissarro, A. Sisley, B. Morisot, ecc. ), che si unirono per lottare per il rinnovamento dell'arte e il superamento dell'accademia salottistica ufficiale e organizzò a questo scopo nel 1874-86 8 mostre. Uno dei fondatori dell'impressionismo fu E. Manet, che non faceva parte di questo gruppo, ma negli anni '60 - primi anni '70. eseguito con opere di genere, in cui ha ripensato le tecniche compositive e pittoriche dei maestri del XVI-XVIII secolo. in relazione alla vita moderna, così come le scene della guerra civile del 1861-65 negli Stati Uniti, la fucilazione dei comunardi parigini, dando loro un acuto orientamento politico.

Gli impressionisti raffiguravano il mondo che li circondava in perpetuo movimento, il passaggio da uno stato all'altro. Iniziarono a dipingere una serie di dipinti, volendo mostrare come lo stesso motivo cambia a seconda dell'ora del giorno, dell'illuminazione, delle condizioni meteorologiche, ecc. (cicli "Boulevard Montmartre" di C. Pissarro, 1897; "Cattedrale di Rouen", 1893 - 95, e Parlamento di Londra, 1903-04, C. Monet). Gli artisti hanno trovato modi per riflettere il movimento delle nuvole nei loro dipinti (A. Sisley. "Louan at Saint-Mamme", 1882), il gioco del bagliore della luce solare (O. Renoir. "Swing", 1876), raffiche di vento ( C. Monet. "Terrazza a Saint-Adresse", 1866), rivoli di pioggia (G. Caillebotte." Ger. Effetto di pioggia", 1875), neve che cade (C. Pissarro. "Passaggio dell'opera. Effetto di neve", 1898), la corsa rapida dei cavalli (E. Manet. "Ippica a Longchamp", 1865).

Ora, quando gli accesi dibattiti sul significato e sul ruolo dell'impressionismo sono una cosa del passato, quasi nessuno oserebbe contestare che il movimento impressionista sia stato un ulteriore passo nello sviluppo della pittura realistica europea. "L'impressionismo è, prima di tutto, l'arte di osservare la realtà, che ha raggiunto una raffinatezza senza precedenti."

Cercando la massima immediatezza e precisione nel trasmettere il mondo che li circonda, iniziano a dipingere principalmente all'aria aperta e sollevano l'importanza del disegno dalla natura, che quasi soppianta il tipo tradizionale di pittura, creato con cura e lentamente in studio.

Gli impressionisti hanno mostrato la bellezza del mondo reale, in cui ogni momento è unico. Illuminando costantemente la loro tavolozza, gli impressionisti hanno liberato la pittura dalle vernici e dai colori terrosi e marroni. L'oscurità convenzionale, "museale" nelle loro tele lascia il posto a un gioco infinitamente diverso di riflessi e ombre colorate. Hanno ampliato incommensurabilmente le possibilità dell'arte, scoprendo non solo il mondo del sole, della luce e dell'aria, ma anche la bellezza delle nebbie londinesi, l'atmosfera irrequieta della vita di una grande città, la dispersione delle sue luci notturne e il ritmo delle movimento incessante.

In virtù del metodo stesso di lavorare all'aria aperta, il paesaggio, compreso il paesaggio urbano che scoprirono, occupò un posto molto importante nell'arte degli impressionisti.

Tuttavia, non si dovrebbe presumere che la pittura impressionista fosse caratterizzata solo da una percezione "paesaggistica" della realtà, per la quale i critici spesso li rimproveravano. La gamma tematica e di trama della loro creatività era abbastanza ampia. L'interesse per una persona, e specialmente per la vita moderna in Francia, in senso lato, era inerente a numerosi rappresentanti di questa direzione artistica. Il suo pathos di affermazione della vita, fondamentalmente democratico, si opponeva chiaramente all'ordine mondiale borghese. In questo non si può non vedere la continuità dell'impressionismo in relazione alla principale linea di sviluppo dell'arte realistica francese del XIX secolo.

Raffigurando paesaggi e forme con punti colorati, gli impressionisti mettevano in dubbio la solidità e la materialità delle cose che li circondavano. Ma l'artista non può accontentarsi di un'impressione, ha bisogno di un disegno che organizzi un quadro completo. Dalla metà degli anni 1880, una nuova generazione di pittori impressionisti associati a questa direzione artistica ha messo sempre più esperimenti nella loro pittura, a seguito della quale il numero di direzioni (varietà) dell'impressionismo, gruppi artistici e luoghi per mostre di il loro lavoro sta crescendo.

Gli artisti della nuova direzione non hanno mescolato colori diversi sulla tavolozza, ma hanno dipinto con colori puri. Mettendo una macchia di una vernice accanto all'altra, spesso lasciavano ruvida la superficie dei dipinti. È stato osservato che molti colori diventano più luminosi quando sono adiacenti l'uno all'altro. Questa tecnica è chiamata effetto di contrasto cromatico complementare.

I pittori impressionisti erano sensibili ai minimi cambiamenti delle condizioni meteorologiche, poiché lavoravano sulla natura e volevano creare un'immagine di un paesaggio in cui motivo, colori, illuminazione si fondessero in un'unica immagine poetica di un paesaggio urbano o di campagna. Gli impressionisti attribuivano grande importanza al colore e alla luce attraverso il disegno e il volume. I contorni netti degli oggetti sono scomparsi, i contrasti ei chiaroscuri sono stati dimenticati. Si sono sforzati di far sembrare l'immagine una finestra aperta attraverso la quale è visibile il mondo reale. Questo nuovo stile ha influenzato molti artisti dell'epoca.

Va notato che, come ogni direzione artistica, l'impressionismo ha i suoi vantaggi e svantaggi.

Svantaggi dell'impressionismo:

L'impressionismo francese non ha sollevato problemi filosofici e non ha nemmeno cercato di penetrare la superficie colorata della vita quotidiana. Invece, l'impressionismo si concentra sulla superficialità, la fluidità del momento, l'umore, l'illuminazione o l'angolo di vista.

Come l'arte del Rinascimento (Rinascimento), l'impressionismo si basa sulle caratteristiche e sulle capacità di percezione della prospettiva. Allo stesso tempo, la visione rinascimentale esplode con la comprovata soggettività e relatività della percezione umana, che rende il colore e la forma costituenti autonomi dell'immagine. Per l'impressionismo, ciò che viene mostrato nell'immagine non è così importante, ma è importante come viene mostrato.

I loro dipinti rappresentavano solo gli aspetti positivi della vita, non violavano i problemi sociali ed evitavano problemi come la fame, le malattie, la morte. Questo in seguito ha portato a una spaccatura tra gli stessi impressionisti.

Benefici dell'impressionismo:

I vantaggi dell'impressionismo come tendenza includono la democrazia. Per inerzia, l'arte nel XIX secolo era considerata un monopolio degli aristocratici, gli strati superiori della popolazione. Erano i principali clienti di dipinti, monumenti, erano i principali acquirenti di dipinti e sculture. Le trame con il duro lavoro dei contadini, le pagine tragiche del nostro tempo, i lati vergognosi delle guerre, della povertà, dei disordini sociali sono state condannate, disapprovate, non comprate. La critica alla moralità blasfema della società nei dipinti di Theodore Gericault, Francois Millet ha trovato una risposta solo dai sostenitori degli artisti e da pochi esperti.

Gli impressionisti in questa materia hanno preso una posizione piuttosto di compromesso, intermedia. Le trame bibliche, letterarie, mitologiche e storiche inerenti all'accademismo ufficiale furono scartate. Dall'altro, desideravano ardentemente il riconoscimento, il rispetto, persino i premi. Indicativa l'attività di Edouard Manet, che da anni cerca riconoscimenti e riconoscimenti dal Salone ufficiale e dalla sua amministrazione.

Apparve invece una visione della quotidianità e della modernità. Gli artisti spesso dipingevano persone in movimento, durante il divertimento o il riposo, immaginavano una vista di un certo luogo sotto una certa illuminazione, la natura era anche il motivo del loro lavoro. Hanno preso trame per flirtare, ballare, stare in caffè e teatri, gite in barca, sulle spiagge e nei giardini. A giudicare dai dipinti degli impressionisti, quindi la vita è un susseguirsi di piccole vacanze, feste, passatempo piacevole fuori città o in un ambiente amichevole (una serie di dipinti di Renoir, Manet e Claude Monet). Gli impressionisti furono tra i primi a dipingere in aria, senza finalizzare il loro lavoro in studio.

impressionismo manet pittura

Nell'ultimo terzo del XIX secolo. L'arte francese continua a svolgere un ruolo importante nella vita artistica dei paesi dell'Europa occidentale. In quel momento, apparvero molte nuove direzioni nella pittura, i cui rappresentanti stavano cercando i propri modi e forme di espressione creativa.

Il fenomeno più sorprendente e significativo dell'arte francese di questo periodo fu l'impressionismo.

Gli impressionisti lasciarono il segno il 15 aprile 1874 in una mostra all'aperto a Parigi sul Boulevard des Capucines. Qui 30 giovani artisti, le cui opere sono state respinte dal Salon, hanno esposto i loro dipinti. Il posto centrale dell'esposizione è stato dato al dipinto di Claude Monet “Impression. Alba". Questa composizione è interessante perché per la prima volta nella storia della pittura, l'artista ha cercato di trasmettere la sua impressione sulla tela e non sull'oggetto della realtà.

Alla mostra ha partecipato il rappresentante della pubblicazione "Sharivari", il giornalista Louis Leroy. Fu lui che per primo chiamò Monet e i suoi collaboratori "impressionisti" (dal francese impressione - impressione), esprimendo così la sua valutazione negativa della loro pittura. Ben presto questo nome ironico perse il suo significato negativo originario ed entrò per sempre nella storia dell'arte.

La mostra in Boulevard des Capucines è diventata una sorta di manifesto che proclama l'emergere di una nuova tendenza nella pittura. Hanno partecipato O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, C. Pissarro, P. Cezanne, B. Morisot, A. Guillaume, nonché maestri della vecchia generazione - E. Boudin, C. Daubigny, I Tipo ionico.

La cosa più importante per gli impressionisti era trasmettere l'impressione di ciò che vedevano, catturare un breve momento di vita su tela. In questo modo gli impressionisti assomigliavano ai fotografi. La trama significava poco per loro. Gli artisti hanno preso i temi per i loro dipinti dalla loro vita quotidiana. Hanno dipinto strade tranquille, caffè serali, paesaggi rurali, edifici cittadini, artigiani al lavoro. Un ruolo importante nei loro dipinti è stato giocato dal gioco di luci e ombre, i raggi del sole che saltano sugli oggetti e danno loro un aspetto leggermente insolito e sorprendentemente vivace. Per vedere gli oggetti alla luce naturale, per trasmettere i cambiamenti che avvengono nella natura nelle diverse ore del giorno, gli artisti impressionisti hanno lasciato i loro laboratori e sono andati all'aria aperta (open air).

Gli impressionisti usavano una nuova tecnica pittorica: non mescolavano i colori su un cavalletto, ma venivano immediatamente applicati sulla tela con tratti separati. Tale tecnica ha permesso di trasmettere un senso di dinamica, leggere fluttuazioni nell'aria, movimento delle foglie sugli alberi e acqua in un fiume.

Di solito, i dipinti dei rappresentanti di questa tendenza non avevano una composizione chiara. L'artista ha trasferito sulla tela un momento strappato alla vita, quindi il suo lavoro assomigliava a una fotografia scattata per caso. Gli impressionisti non aderivano ai chiari confini del genere, ad esempio il ritratto spesso assomigliava a una scena quotidiana.

Dal 1874 al 1886, gli impressionisti organizzarono 8 mostre, dopo di che il gruppo si sciolse. Per quanto riguarda il pubblico, lei, come la maggior parte dei critici, percepiva la nuova arte con ostilità (ad esempio, la pittura di C. Monet era chiamata "daubs"), tanti artisti che rappresentavano questa tendenza vivevano in estrema povertà, a volte senza i mezzi per finire ciò che avevano cominciato. E solo entro la fine del XIX - inizio del XX secolo. la situazione è radicalmente cambiata.

Nel loro lavoro, gli impressionisti hanno utilizzato l'esperienza dei loro predecessori: artisti romantici (E. Delacroix, T. Gericault), realisti (C. Corot, G. Courbet). Sono stati fortemente influenzati dai paesaggi di J. Constable.

E. Manet ha svolto un ruolo significativo nell'emergere di una nuova tendenza.

Edouard Manet

Edouard Manet, nato nel 1832 a Parigi, è una delle figure più significative della storia della pittura mondiale, che ha posto le basi dell'Impressionismo.

La formazione della sua visione artistica del mondo fu largamente influenzata dalla sconfitta della rivoluzione borghese francese del 1848. Questo evento eccitò così tanto il giovane parigino che decise di fare un passo disperato e fuggì a casa, raggiungendo un marinaio su un veliero. Tuttavia, in futuro non ha viaggiato così tanto, dando tutta la sua forza mentale e fisica per lavorare.

I genitori di Manet, persone colte e benestanti, sognavano una carriera amministrativa per il figlio, ma le loro speranze non erano destinate a realizzarsi. La pittura era ciò che interessava il giovane, e nel 1850 entrò alla Scuola di Belle Arti, la bottega della Couture, dove ricevette una buona formazione professionale. Fu qui che l'aspirante artista provava disgusto per i cliché accademici e da salotto nell'arte, che non possono riflettere pienamente ciò che è soggetto solo a un vero maestro con il suo stile di pittura individuale.

Pertanto, dopo aver studiato per qualche tempo nella bottega della Couture e maturato esperienza, Manet lo lasciò nel 1856 e si rivolse alle tele dei grandi predecessori esposte al Louvre, copiandole e studiandole attentamente. Le sue idee creative furono fortemente influenzate dalle opere di maestri come Tiziano, D. Velazquez, F. Goya e E. Delacroix; il giovane artista ammirava quest'ultimo. Nel 1857, Manet visitò il grande maestro e chiese il permesso di realizzare diverse copie delle sue Barques Dante, che sono sopravvissute fino ad oggi al Metropolitan Museum of Art di Lione.

La seconda metà del 1860. l'artista si dedicò allo studio dei musei in Spagna, Inghilterra, Italia e Olanda, dove copiò dipinti di Rembrandt, Tiziano e altri. Nel 1861, le sue opere "Ritratto di genitori" e "Chitarrista" ricevettero il plauso della critica e furono premiate con il " Menzione d'onore".

Lo studio del lavoro degli antichi maestri (principalmente i veneziani, gli spagnoli del XVII secolo e in seguito F. Goya) e il suo ripensamento portano al fatto che entro il 1860. Nell'arte di Manet c'è una contraddizione, manifestata nell'imposizione di un'impronta museale su alcuni dei suoi primi dipinti, che includono: "Cantante spagnolo" (1860), in parte "Ragazzo con cane" (1860), "Vecchio musicista " (1862).

Quanto agli eroi, l'artista, come i realisti della metà del XIX secolo, li trova nella folla ribollente di Parigi, tra le passeggiate nel giardino delle Tuileries e tra i frequentatori abituali del caffè. Fondamentalmente è il mondo luminoso e colorato dei bohémien - poeti, attori, pittori, modelli, partecipanti alla corrida spagnola: "Musica alle Tuileries" (1860), "Cantante di strada" (1862), "Lola da Valencia" (1862 ), "Colazione all'erba "(1863)", "Il flautista" (1866)," Ritratto di E. Zslya "(1868).

Tra le prime tele, un posto speciale è occupato dal "Ritratto dei genitori" (1861), che presenta uno schizzo realistico molto accurato dell'aspetto esterno e del magazzino caratteriale di una coppia di anziani. Il significato estetico del dipinto risiede non solo nella dettagliata penetrazione nel mondo spirituale dei personaggi, ma anche nella precisione con cui viene trasmessa la combinazione di osservazione e ricchezza della pittura, indicando una conoscenza delle tradizioni artistiche di E. Delacroix.

Un'altra tela, che è l'opera programmatica del pittore e, devo dire, molto tipica dei suoi primi lavori, è "Colazione sull'erba" (1863). In questa foto, Manet ha preso una certa composizione della trama, completamente priva di qualsiasi significato.

L'immagine può essere considerata come una rappresentazione della colazione di due artisti nel seno della natura, circondati da ragazze-modelle (infatti, il fratello dell'artista Eugene Manet, F. Lenkoff, e una donna-modella, Quiz Meran, il cui servizi a cui Manet faceva spesso ricorso, posando per la foto). Uno di loro è entrato nel torrente e l'altro, nudo, si siede in compagnia di due uomini vestiti in modo artistico. Come sapete, il motivo dell'accostamento di un corpo maschile vestito e di un corpo femminile nudo è tradizionale e risale al dipinto di Giorgione "Il concerto del villaggio" che si trova al Louvre.

La disposizione compositiva delle figure riproduce in parte la celebre incisione rinascimentale di Marcantonio Raimondi dal dipinto di Raffaello. Questa tela, per così dire, afferma polemicamente due posizioni interconnesse. Una è la necessità di superare i luoghi comuni dell'arte da salotto, che ha perso il suo vero legame con la grande tradizione artistica, un richiamo diretto al realismo del Rinascimento e del Seicento, cioè le vere fonti primarie dell'arte realistica del moderno volte. Un'altra disposizione conferma il diritto e il dovere dell'artista di raffigurare i personaggi che lo circondano dalla vita quotidiana. A quel tempo, una tale combinazione portava una certa contraddizione. La maggior parte credeva che una nuova fase nello sviluppo del realismo non potesse essere raggiunta riempiendo i vecchi schemi compositivi con nuovi tipi e personaggi. Ma Edouard Manet è riuscito a superare la dualità dei principi della pittura nel suo primo periodo di creatività.

Tuttavia, nonostante la tradizione della trama e della composizione, nonché la presenza di dipinti di maestri del salone, raffiguranti bellezze mitiche nude in pose franche e seducenti, la pittura di Manet ha causato un grande scandalo tra la borghesia moderna. Il pubblico è rimasto scioccato dalla giustapposizione di un corpo femminile nudo con un abbigliamento maschile moderno e quotidiano prosaico.

Per quanto riguarda le norme pittoriche, Colazione sull'erba è stata scritta nel compromesso caratteristico degli anni Sessanta dell'Ottocento. un modo caratterizzato da una gravitazione verso colori scuri, ombre nere, e anche un richiamo non sempre coerente all'illuminazione plein air e al colore aperto. Se ci rivolgiamo allo schizzo preliminare, realizzato ad acquerello, allora esso (più che nel dipinto stesso) mostra quanto sia grande l'interesse dell'artista per i nuovi problemi pittorici.

Il dipinto Olympia (1863), che delinea una donna nuda sdraiata, sembra riferirsi a tradizioni compositive generalmente accettate - un'immagine simile si trova in Giorgione, Tiziano, Rembrandt e D. Velazquez. Tuttavia, nella sua creazione, Manet segue un percorso diverso, seguendo F. Goya ("Nude Mach") e rifiutando la motivazione mitologica della trama, l'interpretazione dell'immagine introdotta dai veneziani e parzialmente conservata da D. Velazquez ("Venere con uno specchio").

"Olympia" non è affatto un'immagine poeticamente ripensata della bellezza femminile, ma un ritratto espressivo, eseguito magistralmente, come se e, si potrebbe anche dire, trasmettesse un po' freddamente la somiglianza con Victorina Merano, il modello costante di Manet. Il pittore mostra in modo affidabile il pallore naturale del corpo di una donna moderna che ha paura dei raggi del sole. Mentre gli antichi maestri sottolineavano la bellezza poetica del corpo nudo, la musicalità e l'armonia dei suoi ritmi, Manet si concentra sulla trasmissione dei motivi del carattere vitale, allontanandosi completamente dall'idealizzazione poetica inerente ai suoi predecessori. Così, ad esempio, il gesto con la mano sinistra della Venere di Giorgio ad Olimpia assume una sfumatura quasi volgare nella sua indifferenza. Estremamente caratteristico e indifferente, ma allo stesso tempo attento allo sguardo della modella, contrapposto all'egocentrismo di Venere Giorgione e alla rêverie sensibile della Venere di Urbino Tiziano.

In questa immagine, ci sono segni di una transizione alla fase successiva nello sviluppo del modo creativo del pittore. C'è un ripensamento del consueto schema compositivo, che consiste nell'osservazione prosaica e in una visione pittorica e artistica del mondo. La giustapposizione di contrasti netti catturati all'istante contribuisce alla distruzione dell'equilibrata armonia compositiva dei vecchi maestri. Così, la statica di una modella in posa si scontra con la dinamica nelle immagini di una donna nera e di un gatto nero che piega la schiena. Le modifiche interessano anche la tecnica pittorica, che dà una nuova comprensione dei compiti figurativi del linguaggio artistico. Edouard Manet, come molti altri impressionisti, in particolare Claude Monet e Camille Pissarro, rifiuta il sistema pittorico obsoleto che ha preso forma nel XVII secolo. (sottopittura, scrittura, velatura). Da quel momento le tele iniziarono ad essere dipinte con una tecnica detta "a la prima", caratterizzata da maggiore spontaneità, emotività, vicina a schizzi e schizzi.

Il periodo di transizione dalla creatività precoce a quella matura, che occupò quasi tutta la seconda metà degli anni Sessanta dell'Ottocento per Manet, è rappresentato da dipinti come Il flautista (1866), Il balcone (1868-1869 circa), ecc.

Nella prima tela, su uno sfondo grigio oliva neutro, è raffigurato un ragazzo musicista che tiene un flauto alle labbra. L'espressività del movimento appena percettibile, il ritmico appello dei bottoni dorati iridescenti sull'uniforme azzurra con lo scorrimento facile e veloce delle dita lungo i fori del flauto parlano dell'abilità artistica innata e della sottile osservazione del maestro. Nonostante il modo di dipingere qui sia piuttosto denso, il colore sia pesante e l'artista non sia ancora passato al plein air, questa tela, in misura maggiore di tutte le altre, anticipa il periodo maturo dell'opera di Manet. Quanto al "Balcon", è più vicino all'"Olympia" che alle opere degli anni Settanta dell'Ottocento.

Negli anni 1870-1880. Manet divenne il principale pittore del suo tempo. E sebbene gli impressionisti lo considerassero il loro capo e ispiratore ideologico, e lui stesso fosse sempre d'accordo con loro nell'interpretare le opinioni fondamentali sull'arte, il suo lavoro è molto più ampio e non si inserisce nel quadro di nessuna direzione. Il cosiddetto impressionismo di Manet, infatti, è più vicino all'arte dei maestri giapponesi. Semplifica i motivi, bilanciando il decorativo e il reale, crea un'idea generalizzata di ciò che si vede: una pura impressione priva di dettagli distraenti, un'espressione della gioia della sensazione (On the Seashore, 1873).

Inoltre, come genere dominante, cerca di preservare un'immagine compositivamente completa, in cui il posto principale è dato all'immagine di una persona. L'arte di Manet è la fase finale dello sviluppo della tradizione secolare della pittura a trama realistica, che ha avuto origine nel Rinascimento.

Nelle opere successive di Manet, c'è la tendenza ad allontanarsi da un'interpretazione dettagliata dei dettagli dell'ambiente che circonda l'eroe che viene ritratto. Così, nel ritratto di Mallarmé, ricco di dinamiche nervose, l'artista si sofferma sul gesto, per così dire, del poeta spiato accidentalmente, lasciando cadere sognante la mano con un sigaro fumante sul tavolo. Nonostante tutta la bozza, la cosa principale nel personaggio e nel magazzino mentale di Mallarmé è catturata in modo sorprendentemente accurato, con grande convinzione. La caratterizzazione approfondita del mondo interiore dell'individuo, caratteristica dei ritratti di J.L. David e J.O.D. Ingres, è qui sostituita da una caratterizzazione più nitida e diretta. Tale è il ritratto delicatamente poetico di Berthe Morisot con un ventaglio (1872) e la squisita immagine a pastello di George Moore (1879).

Nell'opera del pittore sono presenti opere legate a temi storici e grandi eventi della vita pubblica. Tuttavia, va notato che queste tele hanno meno successo, perché problemi di questo tipo erano estranei al suo talento artistico, alla gamma di idee e idee sulla vita.

Quindi, ad esempio, un appello agli eventi della guerra civile tra il Nord e il Sud negli Stati Uniti ha portato all'immagine dell'affondamento della nave corsara meridionale da parte dei settentrionali (La battaglia di Kirsezh con l'Alabama, 1864), e l'episodio è in gran parte attribuibile al paesaggio in cui le navi militari svolgono il ruolo di personale di bordo. L'esecuzione di Massimiliano (1867), in sostanza, ha il carattere di uno schizzo di genere, privo non solo dell'interesse per il conflitto dei messicani in lotta, ma anche del dramma stesso dell'evento.

Il tema della storia moderna è stato toccato da Manet ai tempi della Comune di Parigi ("La fucilazione dei comunardi", 1871). Un atteggiamento di simpatia verso i comunardi fa onore all'autore del quadro, che non si era mai interessato a tali eventi. Tuttavia, il suo valore artistico è inferiore rispetto ad altre tele, poiché qui si ripete infatti lo schema compositivo de "L'esecuzione di Massimiliano", e l'autore si limita a un solo schizzo che non rispecchia affatto il significato della crudele collisione di due mondi opposti.

Nel tempo successivo Manet non si rivolge più al genere storico che gli era estraneo, preferendo rivelare l'inizio artistico ed espressivo negli episodi, trovandoli nel flusso della vita quotidiana. Allo stesso tempo, selezionava con cura momenti particolarmente caratteristici, ricercava il punto di vista più espressivo, e poi li riproduceva con grande maestria nei suoi dipinti.

La bellezza della maggior parte delle creazioni di questo periodo è dovuta non tanto al significato dell'evento rappresentato, quanto al dinamismo e all'arguta osservazione dell'autore.

Un meraviglioso esempio di composizione di gruppo all'aperto è il dipinto "In a Boat" (1874), dove la combinazione del profilo della poppa del veliero, l'energia contenuta dei movimenti di governo, la grazia sognante di un signora, la trasparenza dell'aria, la sensazione della freschezza della brezza e il movimento scorrevole della barca creano un quadro indescrivibile pieno di luce gioia e freschezza...

Le nature morte, caratteristiche di diversi periodi del suo lavoro, occupano una nicchia speciale nell'opera di Manet. Ad esempio, la prima natura morta "Peonie" (1864-1865) raffigura boccioli rossi e bianco-rosa in fiore, così come fiori già in fiore e che iniziano a sbiadire, lasciando cadere petali sulla tovaglia che copre il tavolo. I lavori successivi sono notevoli per i facili schizzi. In essi il pittore cerca di trasmettere lo splendore dei fiori, avvolti in un'atmosfera permeata di luce. Tale è il dipinto "Rose in un bicchiere di cristallo" (1882-1883).

Alla fine della sua vita, Manet, a quanto pare, non era soddisfatto di ciò che era stato realizzato e cercò di tornare a scrivere composizioni di trama ampie e complete con un diverso livello di abilità. In questo momento, iniziò a lavorare su una delle tele più significative: "Bar at the Folies-Bergeres" (1881-1882), in cui si avvicinò a un nuovo livello, a una nuova fase nello sviluppo della sua arte, interrotta per morte (come sapete, durante il lavoro, Manet si ammalò gravemente). Al centro della composizione c'è la figura di una giovane commessa, di fronte allo spettatore. Viene mostrata una bionda leggermente stanca e attraente, vestita con un abito scuro con un profondo, sullo sfondo di un enorme specchio che occupa l'intera parete, che riflette il bagliore della luce tremolante e i contorni vaghi e sfocati del pubblico seduto al i tavolini dei caffè. La donna è girata verso il pubblico, in cui, per così dire, è lo spettatore stesso. Questa peculiare tecnica conferisce a prima vista al quadro tradizionale una certa fragilità, inducendo un confronto tra il mondo reale e quello riflesso. Allo stesso tempo, anche l'asse centrale dell'immagine è spostato nell'angolo destro, in cui, secondo la caratteristica per il 1870. certo, la cornice oscura leggermente la figura di un uomo con un cilindro, riflesso nello specchio, che parla con una giovane commessa.

Pertanto, in questo lavoro, il principio classico di simmetria e stabilità è combinato con uno spostamento dinamico di lato, nonché con la frammentazione, quando un certo momento (frammento) viene strappato da un singolo flusso di vita.

Sarebbe sbagliato pensare che la trama di "Bar alle Folies Bergeres" sia priva di contenuto essenziale e rappresenti una sorta di monumentalizzazione dell'insignificante. La figura di una giovane donna, ma già interiormente stanca e indifferente alla mascherata circostante, il suo sguardo vagante non diretto da nessuna parte, il distacco dall'illusorio splendore della vita dietro di lei, portano nell'opera una significativa sfumatura semantica che stupisce lo spettatore con la sua inaspettata.

Lo spettatore ammira la freschezza unica di due rose in piedi sul bancone in un bicchiere di cristallo dai bordi scintillanti; e lì per lì involontariamente sorge una giustapposizione di questi fiori lussureggianti con una rosa mezzo appassita nell'afa dell'atrio, appuntata alla scollatura dell'abito della commessa. Guardando l'immagine, puoi vedere l'inimitabile contrasto tra la freschezza del suo petto semiaperto e lo sguardo indifferente che vaga tra la folla. Questo lavoro è considerato programmatico nel lavoro dell'artista, poiché in esso sono presentati elementi di tutti i suoi temi e generi preferiti: ritratto, natura morta, vari effetti di luce, movimento della folla.

In generale, l'eredità lasciata da Manet è rappresentata da due aspetti, che sono particolarmente evidenti nella sua ultima opera. In primo luogo, con il suo lavoro, completa ed esaurisce lo sviluppo delle tradizioni realistiche classiche dell'arte francese del XIX secolo, e in secondo luogo, pone nell'arte i primi germogli di quelle tendenze che saranno raccolte e sviluppate dai cercatori di nuovo realismo nel XX secolo.

Il pittore ricevette un riconoscimento pieno e ufficiale negli ultimi anni della sua vita, precisamente nel 1882, quando gli fu conferito l'Ordine della Legion d'Onore (il principale riconoscimento della Francia). Manet morì nel 1883 a Parigi.

Claude Monet

Claude Monet, artista francese, uno dei fondatori dell'Impressionismo, nasce nel 1840 a Parigi.

Figlio di un umile droghiere trasferitosi da Parigi a Rouen, il giovane Monet disegnò divertenti cartoni animati all'inizio della sua carriera, poi studiò con il paesaggista di Rouen Eugene Boudin, uno dei creatori del paesaggio realistico a cielo aperto. Buden non solo convinse il futuro pittore della necessità di lavorare all'aria aperta, ma riuscì anche a infondere in lui l'amore per la natura, l'osservazione attenta e la trasmissione veritiera di ciò che vedeva.

Nel 1859 Monet si recò a Parigi con l'obiettivo di diventare un vero artista. I suoi genitori sognavano che entrasse alla Scuola di Belle Arti, ma il giovane non giustifica le loro speranze e si tuffa a capofitto in una vita bohémien, acquisisce numerose conoscenze in un ambiente artistico. Completamente privato del sostegno materiale dei suoi genitori, e quindi senza mezzi di sussistenza, Monet fu costretto ad arruolarsi nell'esercito. Tuttavia, anche dopo essere tornato dall'Algeria, dove ha dovuto svolgere un difficile servizio, continua a condurre lo stesso stile di vita. Poco dopo ha incontrato I. Ionkind, che lo ha affascinato con il suo lavoro sugli schizzi di vita. E poi frequenta lo studio di Suisse, per qualche tempo studia nello studio dell'allora famoso pittore della direzione accademica - M. Gleira, e si avvicina anche a un gruppo di giovani artisti (JF Basil, C. Pissarro, E. Degas, P. Cezanne, O Renoir, A. Sisley e altri), che, come lo stesso Monet, cercavano nuove vie di sviluppo nell'arte.

La più grande influenza sull'aspirante pittore non fu la scuola di M. Gleir, ma l'amicizia con persone affini, ardenti critici dell'accademia da salotto. Fu grazie a questa amicizia, al sostegno reciproco, all'opportunità di scambiare esperienze e condividere risultati che nacque un nuovo sistema di pittura, che in seguito ricevette il nome di "impressionismo".

La base della riforma era che il lavoro si svolgeva nella natura, all'aria aperta. Allo stesso tempo, gli artisti hanno dipinto all'aperto non solo schizzi, ma l'intero quadro. Direttamente a contatto con la natura, si sono sempre più convinti che il colore degli oggetti cambia continuamente a seconda del cambiamento di illuminazione, dello stato dell'atmosfera, della vicinanza di altri oggetti che scartano i riflessi di colore, e di molti altri fattori. Erano questi cambiamenti che cercavano di trasmettere attraverso il loro lavoro.

Nel 1865, Monet decise di dipingere una grande tela "nello spirito di Manet, ma all'aria aperta". Era Colazione sull'erba (1866), la sua prima opera più significativa, raffigurante parigini vestiti in modo elegante che viaggiano fuori città e siedono all'ombra di un albero attorno a una tovaglia stesa a terra. L'opera si caratterizza per il carattere tradizionale della sua composizione chiusa ed equilibrata. Tuttavia, l'attenzione dell'artista è rivolta non tanto all'opportunità di mostrare personaggi umani o di creare una composizione espressiva della trama, ma di inserire le figure umane nel paesaggio circostante e trasmettere l'atmosfera di agio e quiete che prevale tra loro. Per creare questo effetto, l'artista presta grande attenzione alla trasmissione del riverbero del sole che irrompe tra le fronde, giocando sulla tovaglia e sull'abito della giovane donna seduta al centro. Monet cattura e trasmette con precisione il gioco dei riflessi cromatici sulle tovaglie e la traslucenza di un abito femminile leggero. Con queste scoperte inizia il crollo del vecchio sistema pittorico, che mette in risalto ombre scure e una modalità di esecuzione densa e materica.

Da quel momento in poi, l'approccio di Monet al mondo diventa paesaggio. Il carattere umano, le relazioni tra le persone lo interessano sempre meno. Eventi 1870-1871 costringe Monet ad emigrare a Londra, da dove si reca in Olanda. Al suo ritorno, dipinse diversi dipinti, che divennero programmatici nel suo lavoro. Questi includono "Impression. Alba "(1872)", "Lillà al sole" (1873)," Boulevard des Capucines "(1873)," Campo di papaveri ad Argenteuil "" (1873), ecc.

Nel 1874, alcuni di loro furono esposti alla famosa mostra organizzata dalla Società anonima di pittori, pittori e incisori, che era guidata dallo stesso Monet. Dopo la mostra, Monet e un gruppo di suoi collaboratori iniziarono a essere chiamati impressionisti (dall'impressione francese - impressione). A questo punto, i principi artistici di Monet, caratteristici della prima fase del suo lavoro, si erano finalmente formati in un sistema definito.

Nel paesaggio a cielo aperto Lilac in the Sun (1873), raffigurante due donne sedute all'ombra di grandi cespugli di lillà, le loro figure sono interpretate allo stesso modo e con lo stesso intento dei cespugli stessi e dell'erba su cui siedono . Le figure delle persone sono solo una parte del paesaggio generale, mentre la sensazione del morbido tepore dell'inizio dell'estate, la freschezza del fogliame giovane, la foschia di una giornata di sole sono trasmesse con straordinaria vivacità e persuasione diretta, non caratteristiche di quel tempo .

Un altro dipinto - "Boulevard des Capucines" - riflette tutte le principali contraddizioni, vantaggi e svantaggi del metodo impressionista. Il momento catturato dal flusso della vita in una grande città è trasmesso in modo molto accurato: la sensazione di un rumore sordo e monotono del traffico, la trasparenza umida dell'aria, i raggi del sole di febbraio che scivolano lungo i rami spogli degli alberi, un film di nuvole grigiastre che coprono l'azzurro del cielo... Il quadro è fugace, ma non per questo meno vigile e tutto accorto da un artista, per di più un artista sensibile che risponde a tutti i fenomeni della vita. Il fatto che lo sguardo sia davvero lanciato per caso è enfatizzato da una ponderata composizione
reception: la cornice a destra, per così dire, taglia le figure degli uomini in piedi sul balcone.

Le tele di questo periodo fanno sentire allo spettatore che lui stesso è il protagonista di questa celebrazione della vita, piena di luce solare e il baccano incessante di una folla elegante.

Stabilitosi ad Argenteuil, Monet scrive con grande interesse la Senna, i ponti, le barche a vela leggere che scivolano sulla superficie dell'acqua...

Il paesaggio lo affascina così tanto che, soccombendo a un'attrazione irresistibile, si costruisce una piccola barca e con essa arriva alla sua nativa Rouen, e lì, stupito dal quadro che ha visto, schizza i suoi sentimenti in schizzi raffiguranti i dintorni di la città e le grandi navi marittime ("Argenteuil", 1872; "Barca a vela ad Argenteuil", 1873-1874).

Il 1877 è segnato dalla creazione di una serie di tele raffiguranti la Gare Saint-Lazare. Hanno delineato una nuova fase nell'opera di Monet.

Da quel momento, i dipinti-studi, caratterizzati dalla loro completezza, lasciano il posto a opere in cui la cosa principale è un approccio analitico a ciò che è raffigurato ("Gare de Saint-Lazare", 1877). Il cambiamento nello stile pittorico è associato ai cambiamenti nella vita personale dell'artista: sua moglie Camilla si ammala gravemente, la povertà cade sulla famiglia, causata dalla nascita di un secondo figlio.

Dopo la morte di sua moglie, Alice Goshede si prese cura dei bambini, la cui famiglia affittò la stessa casa di Monet a Vetea. Questa donna in seguito divenne la sua seconda moglie. Dopo qualche tempo, la situazione finanziaria di Monet si riprese così tanto che riuscì a comprare la propria casa a Giverny, dove lavorò per il resto del tempo.

Il pittore percepisce sottilmente le nuove tendenze, il che gli consente di anticipare molto con sorprendente perspicacia.
da quanto sarà realizzato da artisti della fine del XIX - inizi del XX secolo. Cambia l'atteggiamento nei confronti del colore e delle trame.
immagini. Ora la sua attenzione è concentrata sull'espressività della cromia della pennellata, isolata dalla sua correlazione soggettiva, e sull'esaltazione dell'effetto decorativo. Alla fine crea dipinti su tavola. Trame semplici 1860-1870 cedono il passo a motivi complessi saturati di varie connessioni associative: immagini epiche di rocce, ranghi elegiaci di pioppi (Rocks in Bel-Ile, 1866; Poplars, 1891).

Questo periodo è caratterizzato da numerose opere seriali: composizioni "Haystacks" ("Haystack in the snow. Gloomy day", 1891; "Haystacks. End of the day. Autumn", 1891), immagini della cattedrale di Rouen ("Cattedrale di Rouen a mezzogiorno ", 1894, ecc.), vedute di Londra ("Nebbia a Londra", 1903, ecc.). Lavorando ancora in modo impressionistico e utilizzando la variegata tonalità della sua tavolozza, il maestro si pone un obiettivo - con la massima precisione e affidabilità per trasmettere come l'illuminazione degli stessi oggetti può cambiare in diverse condizioni meteorologiche durante il giorno.

Se dai un'occhiata più da vicino alla serie di dipinti sulla cattedrale di Rouen, diventa chiaro che la cattedrale qui non è l'incarnazione del complesso mondo di pensieri, esperienze e ideali del popolo della Francia medievale, e nemmeno un monumento di arte e architettura, ma un certo background, a partire dal quale l'autore trasmette luce e atmosfera dello stato di vita. Lo spettatore sente la freschezza della brezza mattutina, il caldo di mezzogiorno, le ombre morbide della sera imminente, che sono i veri eroi di questa serie.

Tuttavia, oltre a ciò, tali dipinti sono composizioni decorative insolite che, grazie a connessioni associative che si verificano involontariamente, danno allo spettatore l'impressione delle dinamiche del tempo e dello spazio.

Trasferitosi con la sua famiglia a Giverny, Monet trascorse molto tempo in giardino, impegnato nella sua pittoresca organizzazione. Questa occupazione influenzò così tanto le opinioni dell'artista che invece del mondo quotidiano abitato dalle persone, iniziò a raffigurare il misterioso mondo decorativo dell'acqua e delle piante sulle sue tele (Iris a Giverny, 1923; Weeping Willows, 1923). Di qui le vedute di stagni con ninfee galleggianti, rappresentate nella serie più famosa dei suoi ultimi pannelli ("Ninfee bianche. Armonia del blu", 1918-1921).

Giverny divenne l'ultimo rifugio dell'artista, dove morì nel 1926.

Va notato che il modo di dipingere degli impressionisti era molto diverso da quello degli accademici. Gli impressionisti, in particolare Monet ei suoi collaboratori, erano interessati all'espressività della combinazione di colori della pennellata in isolamento dalla sua correlazione soggetto. Cioè, dipingevano in tratti separati, usando solo colori puri, non mescolati sulla tavolozza, mentre il tono desiderato si formava già nella percezione dello spettatore. Quindi, per il fogliame degli alberi e dell'erba, insieme al verde, sono stati usati il ​​​​blu e il giallo, dando la tonalità di verde desiderata a distanza. Questo metodo ha conferito alle opere dei maestri impressionisti una purezza e una freschezza speciali inerenti solo a loro. I tratti posizionati separatamente creavano l'impressione di una superficie sollevata e vibrante.

Pierre Auguste Renoir

Pierre Auguste Renoir, pittore, grafico e scultore francese, uno dei leader del gruppo impressionista, nacque il 25 febbraio 1841 a Limoges, in una famiglia povera di un sarto di provincia, che si trasferì a Parigi nel 1845. Il talento del giovane Renoir per la vita quotidiana fu notato dai suoi genitori abbastanza presto e nel 1854 lo assegnarono a un laboratorio di pittura su porcellana. Mentre frequentava il laboratorio, Renoir studiò contemporaneamente alla scuola di disegno e arti applicate e nel 1862, dopo aver risparmiato denaro (guadagnando denaro dipingendo stemmi, tende e ventagli), il giovane artista entrò alla Scuola di Belle Arti. Poco dopo iniziò a visitare il laboratorio di C. Gleyre, dove divenne amico intimo di A. Sisley, F. Basil e C. Monet. Ha spesso visitato il Louvre, studiando le opere di maestri come A. Watteau, F. Boucher, O. Fragonard.

La comunicazione con un gruppo di impressionisti porta Renoir a sviluppare il proprio modo di vedere. Quindi, ad esempio, a differenza di loro, durante tutta la sua opera, si è rivolto all'immagine di una persona come motivo principale dei suoi dipinti. Inoltre, il suo lavoro, sebbene fosse plein air, non si è mai dissolto
il peso plastico del mondo materiale nell'ambiente scintillante della luce.

L'uso del chiaroscuro da parte del pittore, conferendo all'immagine una forma quasi scultorea, rende le sue prime opere simili a quelle di alcuni pittori realisti, in particolare G. Courbet. Tuttavia, uno schema di colori sempre più chiaro, inerente solo a Renoir, distingue questo maestro dai suoi predecessori ("Taverna di Madre Antonio", 1866). Un tentativo di trasmettere la naturale plasticità del movimento delle figure umane all'aria aperta è evidente in molte opere dell'artista. In "Ritratto di Alfred Sisley con sua moglie" (1868), Renoir cerca di mostrare il sentimento che lega una coppia di sposi che passeggiano a braccetto: Sisley si fermò un attimo e si sporse dolcemente verso sua moglie. In questo quadro, con una composizione che ricorda una cornice fotografica, il motivo del movimento è ancora accidentale e praticamente inconscio. Tuttavia, rispetto a "Tavern", le figure in "Ritratto di Alfred Sisley con la moglie" sembrano più rilassate e vivaci. Un altro punto importante è significativo: gli sposi sono raffigurati in natura (in giardino), ma a Renoir manca ancora l'esperienza di raffigurare figure umane all'aperto.

"Ritratto di Alfred Sisley con la moglie" è il primo passo dell'artista sulla strada della nuova arte. La fase successiva del lavoro dell'artista fu il dipinto "Fare il bagno sulla Senna" (1869 circa), dove le figure di persone che camminavano lungo la riva, bagnanti, barche e gruppi di alberi furono riunite in un unico insieme da l'atmosfera luminosa di una bella giornata estiva. Il pittore usa già liberamente ombre colorate e riflessi di colore chiaro. La sua macchia diventa viva ed energica.

Come C. Monet, Renoir è appassionato del problema di includere la figura umana nel mondo dell'ambiente. L'artista risolve questo problema nel dipinto "The Swing" (1876), ma in modo leggermente diverso da C. Monet, in cui le figure delle persone sembrano dissolversi nel paesaggio. Renoir introduce diverse figure chiave nella sua composizione. Il modo pittoresco con cui questa tela è realizzata trasmette in modo molto naturale l'atmosfera di una calda giornata estiva addolcita dall'ombra. L'immagine è permeata da una sensazione di felicità e gioia.

A metà degli anni 1870. Renoir scrive opere come il paesaggio "Un sentiero nei prati" (1875), pieno di movimento leggero e vivace e il gioco sfuggente di riflessi di luce brillante "Moulin de la Galette" (1876), così come "Ombrelli" (1883) , "Lodge" (1874) e The End of Breakfast (1879). Queste bellissime tele sono state create nonostante il fatto che l'artista abbia dovuto lavorare in un ambiente difficile, poiché dopo la scandalosa mostra degli impressionisti (1874), l'opera di Renoir (come il lavoro dei suoi collaboratori) è stata soggetta a forti attacchi da parte dei cosiddetti intenditori d'arte. Tuttavia, in questo momento difficile, Renoir ha sentito il sostegno di due persone a lui vicine: suo fratello Edmond (editore della rivista La vie modern) e Georges Charpentier (proprietario del settimanale). Hanno aiutato l'artista a raccogliere una piccola somma di denaro e ad affittare un laboratorio.

Va notato che compositivamente, il paesaggio "Un sentiero nei prati" è molto vicino a "Papaveri" (1873) di C. Monet, ma la trama pittoresca delle tele di Renoir si distingue per una maggiore densità e matericità. Un'altra differenza per quanto riguarda la soluzione compositiva è il cielo. In Renoir, per il quale la materialità del mondo naturale era di grande importanza, il cielo occupa solo una piccola parte del quadro, mentre in Monet, che dipinse il cielo attraversato da nuvole grigio-argentee o bianche come la neve, si alza sopra un pendio punteggiato di papaveri in fiore, intensificando la sensazione di un'ariosa giornata estiva piena di sole.

Nelle composizioni "Moulin de la Galette" (con il suo vero successo è arrivato all'artista), "Umbrellas", "Lodge" e "The End of Breakfast" (come in Manet e Degas), un interesse per una sorta di la nostra situazione di vita è evidente; caratteristico è anche il ricorso al metodo di taglio della cornice dello spazio composito, caratteristico anche di E. Degas e in parte di E. Manet. Ma, a differenza delle opere di quest'ultimo, i dipinti di Renoir si distinguono per grande calma e contemplazione.

La tela "Lodge", in cui, come esaminando le file di poltrone con un binocolo, l'autore urta inavvertitamente una scatola in cui una bellezza è seduta con uno sguardo indifferente. La sua compagna, invece, guarda il pubblico con grande interesse. Parte della sua figura è tagliata dalla cornice del dipinto.

The End of Breakfast è un episodio rauco: due signore, vestite di bianco e nero, e il loro fidanzato, stanno finendo la colazione in un angolo ombreggiato del giardino. La tavola è già apparecchiata per il caffè, che viene servito in tazzine di delicata porcellana azzurra. Le donne aspettano il seguito del racconto, interrotto dall'uomo per accendersi una sigaretta. Questa immagine non si distingue per il dramma o il profondo psicologismo, attira l'attenzione dello spettatore con un sottile trasferimento delle più piccole sfumature di umore.

Un'analoga sensazione di calma allegria permea la Rowers' Breakfast (1881), ricca di movimento leggero e vivace. L'entusiasmo e il fascino emanano dalla figura di una graziosa signorina seduta con un cane in braccio. L'artista ha raffigurato la sua futura moglie nella foto. Lo stesso stato d'animo gioioso, solo in una rifrazione leggermente diversa, è riempito con la tela "Nudo" (1876). La freschezza e il calore del corpo della giovane donna contrastano con il tessuto freddo-bluastro delle lenzuola e del lino, che formano una sorta di sfondo.

Una caratteristica del lavoro di Renoir è che una persona è privata del complesso contenuto psicologico e morale che è caratteristico della pittura di quasi tutti gli artisti realisti. Questa caratteristica è inerente non solo a opere come "Nudo" (dove la natura del motivo della trama consente l'assenza di tali qualità), ma anche nei ritratti di Renoir. Tuttavia, ciò non lo priva del fascino della tela, che risiede nell'allegria dei personaggi.

Nella massima misura, queste qualità si sentono nel famoso ritratto di Renoir "Ragazza con ventaglio" (c. 1881). La tela è l'anello di congiunzione tra i primi lavori di Renoir e quelli successivi, caratterizzati da una cromia più fredda e raffinata. Durante questo periodo, l'artista, in misura maggiore rispetto a prima, sviluppa un interesse per le linee chiare, per un disegno chiaro, nonché per la località del colore. L'artista assegna un ruolo importante alle ripetizioni ritmiche (un semicerchio di un ventaglio - uno schienale semicircolare di una sedia rossa - spalle inclinate da ragazza).

Tuttavia, tutte queste tendenze nella pittura di Renoir si manifestarono più pienamente nella seconda metà degli anni 1880, quando ci fu una delusione nel suo lavoro e nell'impressionismo in generale. Dopo aver distrutto alcune delle sue opere, che l'artista considerava "prosciugate", inizia a studiare l'opera di N. Poussin, si rivolge al disegno di J. OD Ingres. Di conseguenza, la sua tavolozza acquisisce una luminosità speciale. Inizia il cosiddetto. Il "periodo della madreperla", a noi noto da opere come "Ragazze al pianoforte" (1892), "La bagnante addormentata" (1897), così come i ritratti dei figli - Pierre, Jean e Claude - "Gabrielle e Jean" (1895), "Coco" (1901).

Inoltre, dal 1884 al 1887, Renoir lavorò a una serie di versioni del grande dipinto "Bagnanti". In essi riesce a raggiungere una chiara completezza compositiva. Tuttavia, tutti i tentativi di far rivivere e ripensare le tradizioni dei grandi predecessori, rivolgendosi allo stesso tempo a una trama lontana dai grandi problemi del nostro tempo, si sono conclusi con un fallimento. "Bagnanti" ha solo alienato l'artista dalla sua percezione della vita precedentemente diretta e fresca. Tutto ciò spiega in gran parte il fatto che dal 1890. Il lavoro di Renoir si indebolisce: i toni rosso-arancio iniziano a predominare nel colore delle sue opere e lo sfondo, privo di profondità aerea, diventa decorativo e piatto.

Dal 1903 Renoir si stabilì nella propria casa a Cagnes-sur-Mer, dove continuò a lavorare su paesaggi, composizioni con figure umane e nature morte, in cui predominano i toni rossastri già citati sopra. Essendo gravemente malato, l'artista non può più tenere le mani da solo, e sono legate alle sue mani. Tuttavia, dopo un po', la pittura deve essere abbandonata del tutto. Quindi il maestro si rivolge alla scultura. Insieme al suo assistente Gino, crea diverse sculture sorprendenti, che si distinguono per la bellezza e l'armonia delle sagome, la gioia e il potere di affermazione della vita (Venere, 1913; La grande lavandaia, 1917; Maternità, 1916). Renoir morì nel 1919 nella sua tenuta nelle Alpi Marittime.

Edgar Degas

Edgar Hilaire Germain Degas, pittore, grafico e scultore francese, il più grande rappresentante dell'impressionismo, nacque nel 1834 a Parigi nella famiglia di un ricco banchiere. Benestante, ricevette un'eccellente istruzione in un prestigioso liceo intitolato a Ludovico Magno (1845-1852). Per qualche tempo fu studente della facoltà di giurisprudenza dell'Università di Parigi (1853), ma, sentendo una brama d'arte, abbandonò l'università e iniziò a frequentare la bottega dell'artista L. Lamotte (studente e seguace di Ingres) e contemporaneamente (dal 1855) la Scuola
belle arti. Tuttavia, nel 1856, inaspettatamente per tutti, Degas lasciò Parigi e si recò per due anni in Italia, dove studiò con grande interesse e, come molti pittori, copiò le opere dei grandi maestri del Rinascimento. La sua massima attenzione è rivolta alle opere di A. Mantegna e P. Veronese, i cui dipinti ispirati e colorati sono molto apprezzati dal giovane artista.

I primi lavori di Degas (per lo più ritratti) sono caratterizzati da un disegno chiaro e preciso e da un'osservazione sottile, combinati con una scrittura squisitamente sobria (schizzi del fratello, 1856-1857; disegno della testa della baronessa Belleli, 1859) o con un sorprendente veridicità di esecuzione (ritratto di mendicante italiano, 1857).

Tornato in patria, Degas si rivolse al tema storico, ma ne diede un'interpretazione inusuale per l'epoca. Così, nella composizione "Le ragazze spartane sfidano i giovani a una competizione" (1860), il maestro, ignorando l'idealizzazione convenzionale della trama antica, cerca di incarnarla come potrebbe nella realtà. L'antichità qui, come nelle altre sue tele su un tema storico, è, per così dire, passata attraverso il prisma della modernità: immagini di ragazze e ragazzi dell'antica Sparta con forme spigolose, corpi magri e movimenti acuti, raffigurati sullo sfondo di un paesaggio prosaico quotidiano, sono lontani dalle idee classiche e ricordano agli adolescenti più comuni delle periferie parigine rispetto agli spartani idealizzati.

Per tutto il 1860 ebbe luogo una graduale formazione del metodo creativo di un pittore alle prime armi. In questo decennio, insieme a tele storiche meno significative ("Semiramis Observing the Construction of Babylon", 1861), l'artista creò diversi ritratti in cui affinava le sue capacità di osservazione e realismo. A tal proposito, il dipinto "Testa di giovane donna", realizzato da
nel 1867

Nel 1861, Degas incontrò E. Manet e presto divenne un habitué del caffè Herbois, dove si riuniscono i giovani innovatori dell'epoca: C. Monet, O. Renoir, A. Sisley, ecc. Ma se sono interessati principalmente al paesaggio e al lavoro all'aria aperta, poi Degas punta maggiormente sul tema della città, dei tipi parigini. È attratto da tutto ciò che è in movimento; lo statico lo lascia indifferente.

Degas era un osservatore molto attento, catturando sottilmente tutto ciò che è caratteristico ed espressivo nell'infinito cambiamento dei fenomeni della vita. Trasmettendo così il ritmo folle di una grande città, arriva alla creazione di una delle varianti del genere della quotidianità dedicata alla città capitalista.

Nel lavoro di questo periodo, i ritratti sono particolarmente importanti, tra i quali ce ne sono molti che sono classificati come le perle della pittura mondiale. Tra questi ci sono un ritratto della famiglia Belleli (c. 1860-1862), un ritratto di una donna (1867), un ritratto del padre dell'artista che ascolta il chitarrista Pagan (c. 1872).

Alcuni dipinti degli anni 1870 sono notevoli per la loro mancanza di passione fotografica nel rappresentare i personaggi. Un esempio è una tela chiamata "The Dance Lesson" (c. 1874), eseguita in toni freddi bluastri. Con sorprendente precisione, l'autore cattura i movimenti delle ballerine che prendono lezioni dal vecchio maestro di danza. Esistono però dipinti di natura diversa, come, ad esempio, il ritratto del visconte Lepik con le figlie in Place de la Concorde, risalente al 1873. Qui, la sobria prosacità della fissazione è superata dalla spiccata dinamica della composizione e della straordinaria nitidezza della trasmissione del carattere di Lepik; in una parola, ciò è dovuto alla rivelazione artisticamente acuta e acuta dell'inizio della vita caratteristicamente espressivo.

Va notato che le opere di questo periodo riflettono la visione dell'artista dell'evento che raffigura. I suoi dipinti distruggono i soliti canoni accademici. La tela di Degas Musicisti dell'orchestra (1872) è costruita su un netto contrasto, che si crea confrontando le teste dei musicisti (dipinte in primo piano) e una piccola figura di un ballerino che si inchina al pubblico. L'interesse per il movimento espressivo e la sua esatta copiatura sulla tela si riscontra anche nelle numerose statuette bozzetto di danzatori (non dimentichiamo che Degas era anche scultore), realizzate dal maestro per cogliere l'essenza del movimento, la sua logica il più accuratamente possibile.

L'artista era interessato al carattere professionale di movimenti, posture e gesti, privi di qualsiasi tipo di poeticizzazione. Ciò è particolarmente evidente nelle opere dedicate alle corse dei cavalli ("Giovane fantino", 1866-1868; "Corse di cavalli nelle province. La carrozza alle corse", 1872 circa; "Fantini davanti alle tribune", 1879 circa, eccetera.). In The Ride of Racehorses (1870), un'analisi del lato professionale della questione è data con precisione quasi giornalistica. Se confrontiamo questa tela con il dipinto di T. Gericault "Races in Epsom", diventa immediatamente chiaro che, a causa della sua evidente analiticità, l'opera di Degas è molto inferiore alla composizione emotiva di T. Gericault. Le stesse qualità sono insite nei pastelli di Degas "Ballerina in scena" (1876-1878), che non appartiene al numero dei suoi capolavori.

Tuttavia, nonostante questa unilateralità, e forse anche grazie ad essa, l'arte di Degas è convincente e significativa. Nelle sue opere programmatiche, rivela in modo molto accurato e con grande abilità l'intera profondità e complessità dello stato interiore della persona raffigurata, nonché l'atmosfera di alienazione e solitudine in cui vive la società del suo tempo, compreso l'autore stesso.

Per la prima volta, questi stati d'animo sono stati registrati in una piccola tela "Dancer davanti a un fotografo" (1870), su cui l'artista ha dipinto una figura solitaria di un danzatore, congelato in un'atmosfera cupa e cupa in una posa memorizzata di fronte di un ingombrante apparato fotografico. In futuro, una sensazione di amarezza e solitudine penetra in tele come "Assenzio" (1876), "Il cantante del caffè" (1878), "Ironers" (1884) e molti altri. Degas ha mostrato due persone sole e indifferenti a tra loro e al mondo intero figure di un uomo e di una donna. Il tenue luccichio verdastro di un bicchiere pieno di assenzio enfatizza la tristezza e la disperazione che traspare dallo sguardo e dalla postura della donna. Un uomo pallido, barbuto, con il viso gonfio, è cupo e pensieroso.

Il lavoro di Degas è caratterizzato da un genuino interesse per i caratteri delle persone, per le caratteristiche peculiari del loro comportamento, nonché per una composizione dinamica ben costruita che ha sostituito quella tradizionale. Il suo principio fondamentale è trovare gli scorci più espressivi nella realtà stessa. Ciò distingue l'opera di Degas dall'arte di altri impressionisti (in particolare C. Monet, A. Sisley e, in parte, O. Renoir) con il loro approccio contemplativo al mondo che li circonda. L'artista utilizzò questo principio già nella sua prima opera "Office for the reception of cotton in New Orleans" (1873), che suscitò l'ammirazione di E. Goncourt per la sua sincerità e realismo. Tali sono le sue opere successive "Miss Lala al circo di Fernando" (1879) e "Dancers in the Foyer" (1879), in cui, all'interno di un unico motivo, viene data una sottile analisi del cambiamento dei diversi movimenti.

A volte questa tecnica viene utilizzata da alcuni ricercatori per indicare la vicinanza di Degas con A. Watteau. Sebbene entrambi gli artisti siano molto simili per alcuni aspetti (A. Watteau si sofferma anche sulle varie sfumature dello stesso movimento), tuttavia, è sufficiente confrontare il disegno di A. Watteau con la raffigurazione dei movimenti del violinista della suddetta composizione di Degas , e si avverte subito il contrario delle loro tecniche artistiche.

Se A. Watteau cerca di trasmettere le elusive transizioni da un movimento all'altro, per così dire, semitoni, allora Degas, al contrario, è caratterizzato da un cambiamento energico e contrastante nei motivi del movimento. È più impegnato nel loro confronto e in una collisione acuta, rendendo spesso la figura spigolosa. In questo modo, l'artista cerca di catturare le dinamiche dello sviluppo della vita contemporanea.

Alla fine degli anni 1880 - primi anni 1890. nell'opera di Degas vi è una predominanza di motivi decorativi, probabilmente dovuta a una certa ottusità della vigilanza della sua percezione artistica. Se nelle tele dei primi anni 1880, dedicate alla nudità ("Una donna che esce dal bagno", 1883), c'è più interesse per la vivida espressività del movimento, allora verso la fine del decennio l'interesse dell'artista si stava notevolmente spostando verso la rappresentazione della bellezza femminile. Ciò è particolarmente evidente nel dipinto "Fare il bagno" (1886), dove il pittore con grande abilità trasmette il fascino del corpo flessibile e aggraziato di una giovane donna piegata su un bacino.

Gli artisti hanno dipinto dipinti simili prima, ma Degas prende un percorso leggermente diverso. Se le eroine di altri maestri hanno sempre sentito la presenza dello spettatore, allora qui il pittore raffigura una donna, come se non si preoccupasse affatto di come appare dall'esterno. E sebbene tali situazioni sembrino belle e abbastanza naturali, le immagini in tali opere spesso si avvicinano al grottesco. Dopotutto, qualsiasi postura e gesto sono abbastanza appropriati qui, anche i più intimi, sono pienamente giustificati da una necessità funzionale: quando ti lavi, raggiungi il posto giusto, slaccia la chiusura sul retro, scivola, afferra qualcosa.

Negli ultimi anni della sua vita, Degas si dedicò più alla scultura che alla pittura. Ciò è in parte dovuto a malattie degli occhi e disabilità visive. Crea le stesse immagini che sono presenti nei suoi dipinti: scolpisce statuette di ballerine, ballerine, cavalli. Allo stesso tempo, l'artista cerca di trasmettere la dinamica dei movimenti nel modo più accurato possibile. Degas non lascia la pittura, che, sebbene svanisca in secondo piano, non scompare completamente dal suo lavoro.

A causa della costruzione ritmica e formalmente espressiva delle composizioni, un desiderio di un'interpretazione del piano decorativo delle immagini dei dipinti di Degas, realizzati tra la fine degli anni '80 e il periodo degli anni '90. risultano privi di persuasività realistica e diventano come pannelli decorativi.

Degas trascorse il resto della sua vita nella sua nativa Parigi, dove morì nel 1917.

Camille Pissarro

Camille Pissarro, pittore e grafico francese, nasce nel 1830 circa. San Tommaso (Antille) nella famiglia di un mercante. Educato a Parigi, dove studiò dal 1842 al 1847. Dopo aver completato gli studi, Pissarro tornò a St. Thomas e iniziò ad aiutare suo padre nel negozio. Tuttavia, questo non era affatto ciò che il giovane sognava. Il suo interesse era ben al di là del bancone. La pittura era la cosa più importante per lui, ma suo padre non sosteneva l'interesse del figlio ed era contrario a che lasciasse l'azienda di famiglia. Un completo malinteso e riluttanza della famiglia a incontrarsi a metà ha portato al fatto che il giovane completamente disperato è fuggito in Venezuela (1853). Questo atto ha comunque influenzato il genitore irremovibile e ha permesso a suo figlio di andare a Parigi per studiare pittura.

A Parigi, Pissarro entrò nello studio svizzero, dove studiò per sei anni (dal 1855 al 1861). All'Esposizione Mondiale della Pittura nel 1855, il futuro artista scoprì J. O.D. Ingres, G. Courbet, ma la più grande impressione su di lui fu fatta dalle opere di C. Corot. Su consiglio di quest'ultimo, pur continuando a frequentare lo studio di Suisse, il giovane pittore si iscrisse alla Scuola di Belle Arti sotto la guida di A. Melby. In questo periodo conobbe C. Monet, con il quale dipinse paesaggi dei dintorni di Parigi.

Nel 1859 Pissarro espone per la prima volta i suoi dipinti al Salon. I suoi primi lavori sono stati scritti sotto l'influenza di C. Corot e G. Courbet, ma gradualmente Pissarro arriva a sviluppare il proprio stile. Un pittore alle prime armi dedica molto tempo al lavoro all'aria aperta. Lui, come altri impressionisti, è interessato alla vita della natura in movimento. Pissarro pone grande attenzione al colore, che sa trasmettere non solo la forma, ma anche l'essenza materica di un oggetto. Per rivelare il fascino e la bellezza inimitabili della natura, usa tratti leggeri di colori puri, che interagiscono tra loro per creare una gamma tonale vibrante. Disegnati in linee incrociate, parallele e diagonali, danno all'intera immagine un sorprendente senso di profondità e suono ritmico (Hay in Marley, 1871).

Dipingere non porta molti soldi a Pissarro e riesce a malapena a sbarcare il lunario. Nei momenti di disperazione, l'artista tenta di rompere per sempre con l'arte, ma presto torna alla creatività.

Durante la guerra franco-prussiana, Pissarro vive a Londra. Insieme a C. Monet dipinge paesaggi londinesi dal vero. La casa dell'artista a Louveciennes in questo momento fu saccheggiata dagli invasori prussiani. La maggior parte dei dipinti rimasti nella casa sono stati distrutti. I soldati stendono le tele nel cortile sotto i piedi sotto la pioggia.

Tornato a Parigi, Pissarro ha ancora difficoltà finanziarie. Repubblica che ha sostituito
impero, non cambiò quasi nulla in Francia. La borghesia, impoverita dopo gli eventi legati alla Comune, non può acquistare quadri. In questo momento, Pissarro prese sotto il suo patrocinio il giovane artista P. Cézanne. Insieme lavorano a Pontoise, dove Pissarro realizza tele che ritraggono i dintorni di Pontoise, dove l'artista visse fino al 1884 (Oise a Pontoise, 1873); paesini tranquilli, che si estendono su strade lontane ("La strada da Gisor a Pontoise sotto la neve", 1873; "Tetti rossi", 1877; "Paesaggio a Pontoise", 1877).

Pissarro partecipò attivamente a tutte e otto le mostre degli impressionisti, organizzate dal 1874 al 1886. Possedendo un talento pedagogico, il pittore riuscì a trovare un linguaggio comune con quasi tutti gli artisti alle prime armi, aiutandoli con consigli. I contemporanei dicevano di lui che "può insegnare a dipingere anche le pietre". Il talento del maestro era così grande che poteva distinguere anche le più fini sfumature di colori dove altri vedevano solo grigio, brunastro e verde.

Un posto speciale nell'opera di Pissarro è occupato dalle tele dedicate alla città, mostrata come un organismo vivente, in continuo mutamento a seconda della luce e della stagione. L'artista ha avuto un'incredibile capacità di vedere molto e catturare ciò che gli altri non hanno notato. Ad esempio, guardando fuori dalla stessa finestra, dipinse 30 opere raffiguranti Montmartre (Boulevard Montmartre a Parigi, 1897). Il maestro era appassionatamente innamorato di Parigi, quindi gli dedicò la maggior parte delle sue tele. L'artista è riuscito nelle sue opere a trasmettere quella magia unica che ha reso Parigi una delle più grandi città del mondo. Per lavoro, il pittore affittava stanze in rue Saint-Lazare, i Grands Boulevards, ecc. Trasferiva tutto ciò che vedeva sulle sue tele ("Viale italiano al mattino, illuminato dal sole", 1897; "Piazza del teatro francese a Parigi , primavera", 1898; "Passaggio dell'Opera a Parigi").

Tra i suoi paesaggi urbani, ci sono opere che raffigurano altre città. Così, nel 1890. il maestro visse a lungo a Dieppe, poi a Rouen. Nei dipinti dedicati a varie parti della Francia, ha rivelato la bellezza delle antiche piazze, la poesia dei vicoli e degli edifici antichi, da cui si respira lo spirito di epoche passate ("Il Grand Bridge a Rouen", 1896; "Pont Boaldier a Rouen al tramonto", 1896; "Veduta di Rouen", 1898; "Chiesa di Saint-Jacques a Dieppe", 1901).

Sebbene i paesaggi di Pissarro non differiscano per i colori vivaci, la loro trama pittoresca è insolitamente ricca di varie sfumature: ad esempio, il tono grigio della pavimentazione in ciottoli è formato da pennellate di rosa puro, blu, blu, ocra dorata, rosso inglese, ecc. Di conseguenza, il grigio appare perlescente, luccica e risplende, facendo sembrare i dipinti delle pietre preziose.

Pissarro non ha creato solo paesaggi. Nel suo lavoro ci sono anche dipinti di genere in cui è incarnato l'interesse per una persona.

Tra i più significativi ci sono Caffè con latte (1881), Ragazza con ramo (1881), Donna con bambino al pozzo (1882), Mercato: commerciante di carne (1883). Lavorando su queste opere, il pittore ha cercato di snellire la pennellata e aggiungere elementi di monumentalità alle composizioni.

A metà degli anni 1880, già artista maturo, Pissarro, influenzato da Seurat e Signac, si interessò al divisionismo e iniziò a dipingere a piccoli punti colorati. In questo modo, scrisse una sua opera come "Isola di Lacroix, Rouen. Nebbia" (1888). Tuttavia, l'hobby non durò a lungo e presto (1890) il maestro tornò al suo stile precedente.

Oltre alla pittura, Pissarro ha lavorato con la tecnica dell'acquerello, ha creato acqueforti, litografie e disegni.
L'artista morì a Parigi nel 1903.