L'epoca barocca è chiamata nell'arte dell'Italia XVII secolo. Questo stile, che è diventato uno dei dominanti della pittura europea, è caratterizzato dalla sensuale pienezza della visione del mondo, dinamismo delle soluzioni artistiche. Con una completezza speciale, ha rivelato in gruppi urbani, architettonici e pittoreschi su larga scala. Il multipoint dell'arte italiana è determinato da una varietà di tradizioni artistiche locali, ma, come nell'era rinascimentale, l'immagine dell'artista rimane al centro dell'attenzione.

Pietro e Corton, architetto e artista, sono entrati nella storia dell'arte come autore dei famosi cicli dei dipinti, decorarono i palazzi di Roma e Firenze. La sua composizione "return Agari" è un campione eccellente dei Maestri del Maestro, che ha intrapreso per dare allo stile barocco con il rigore quasi classico della soluzione.

Lo stile barocco fiorente è associato al lavoro di Napoli Luke Jordano, che ha lavorato in diverse città d'Italia e ha influenzato molti artisti. Inerente al suo lavoro, le dinamiche del movimento e il patos interno sono state particolarmente rivelate nelle immagini dell'altare, in cicli di tele monumentale-ornamentali e dipinti murali. I pennelli di questo eccezionale maestro nell'incontro del museo appartengono a diverse opere, permettendo di giudicare la scala della sua datazione. È una tela per le storie allegoriche, del Vangelo e dei mitologiche - "Punizione di Marcia", "Matrimonio a Cana Galilee", "Il tormento di Santatini Lawrence. Il meglio di loro, senza dubbio, è la composizione "Amore e vizi Disarm Justice".

Multiplici opere sono presentate nella Scuola di Esposizione Napoli segnata dall'identità dello sviluppo. Il vizio politicamente napoletano del regno era sotto il dominio della corona spagnola, che ha imposto il suo francobollo e sullo sviluppo dell'art. L'immagine di Bernardo Cavallino "Esilio Ilodora del tempio", in cui le tradizioni accademiche erano peculiari, e il lavoro di Andrea Vakkaro ("Maria e Marfa") e Domenico Gorjul ("Trasferimento dell'arca del Testamento King David a Gerusalemme") Indicare La varietà di ricerche artistiche all'interno delle scuole separate.

Lo stile barocco ha dato un potente impulso per il periodo di massimo splendore del paesaggio, della natura morta, dei dipinti di genere nella loro versione italiana nazionale unica.

Alla svolta dei secoli XVII-XVIII, il compito di superare l'accademismo, che si è trasformato in una serie di formule distratte. A Bologna, questo sovrastamento della tradizione accademica, Giuseppe Maria Cresmen, con abilmente usando il gioco dell'illuminazione, in un nuovo modo risolve i religiosi ("santa famiglia") e le trame mitologiche ("ninfe, disarmando Amur"), riempiendole con una vita sentimento umano. Genovese Alessandro Mania, che ha lavorato a Milano, Firenze, Bologna, affidandosi alle pittoresche tradizioni del XVII secolo, ha sviluppato tendenze romantiche. Le caratteristiche grottesche sono inerenti nel suo insolito, scritte da composizioni di rotolamento nervoso con scene della vita dei monaci e attori erranti ("paesaggio con i monaci", "monache di lutto", "società"). E anche il tema mitologico che affermi la vita di "Vakhanlia" nell'interpretazione del Maestro è pieno di una sensazione di profonda malinconia. Questo artista su tela ha soddisfatto in collaborazione con il punto di sferico, l'autore delle rovine architettoniche.

Il periodo del nuovo sollevatore cade nel XVIII secolo, quando lo stile di Rococò è approvato sul suolo italiano, le cui caratteristiche sono dipinte opere di generi diversi - ritratto (SAGRATIHI "Ritratto maschile", Crescenti Luigi "Ritratto di una ragazza con Cesto di fiori "), immagine di scene di vita quotidiana (impronta lunga" l'incontro del procuratore con sua moglie "), dipinti sulle trame dell'antica storia e mitologia (Crowat" Trovando Mosè ", Pitton" morte di selfons ", Sebastian Ricci "Sotnik prima di Cristo"). L'ultimo periodo luminoso nella storia dell'arte italiana è associata a Venezia, che avanzava nel XVIII secolo, un intero Pleiad dei pittori del livello più alto. Un posto speciale tra loro è giustamente occupato da Jambattist Tapolo, un pittore eccezionale del suo tempo, un maestro riconosciuto di pittura monumentale decorativa, che ha ricevuto numerosi ordini dai paesi dell'Europa. I suoi pennelli appartengono alla composizione dell'altare "Madonna con bambino e santi", così come schizzi liberamente "Death Didona" e "Due santi".

Nella sezione XVIII secolo, le opere del pittore romano Panini ("Benedetto XIV visitano la Fontana Trevi"), che nel genere dei paesaggi con i motivi delle rovine era il predecessore di un tale apprezzato in Russia, il francese Juber Robert.

A Venezia, la cui affascinante bellezza non ha lasciato nessuno indifferente, viene formata una particolare direzione del pittura del paesaggio - l'immagine della città con i suoi palazzi, i canali, i quadrati pieni di una folla pittoresca motley. La tela di Cantelto, Bernardo Bellotto, Mariesy, appartenente al genere dei leader architettonici, affascinando la precisione dell'immagine illusoria affascinante, mentre le opere della fotocamera Francesco sono chiamate paesaggi-Capricho, non tanta realtà, come un'immagine poetica della città offre attenzione.

Guardia di Janantonio, a differenza del fratello minore Francesco, ha guadagnato fama come maestro di composizioni con figure su argomenti biblici, mitologici e storici. L'esposizione presenta il suo quadro "Alexander Macedone al corpo della persiana re Daria", riconosciuta come un genuino capolavoro del Maestro. Nell'età del carnevale e del brillante periodo di mano della musica, usando magistralmente il linguaggio di trame e colori, la guardia crea una sinfonia pittorica indimenticabile, penetrata dal movimento vivente di un sentimento umano. A questa nota alta, il periodo del più grande fiorente dell'arte italiana è termina, l'inizio del quale è stato posato dall'epoca rinascimentale.

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TADDEO DI BARTOLO TADDEO DI BARTOLO
Nato circa 1362 a Siena (?), Morì nel 1422 lì. SIENSKAYA SCHOOL. Forse ha studiato a Jacomo di Mino de Pelicala; Ha sperimentato l'influenza di Andrea Banny e in particolare Barbolo di. Ha lavorato a Siena, San Jiñano, Genova, Pisa, Perugia, Volterre.
San Paolo
Albero, tempera 22.5x17.5. GE 9753. Parte del limite. Sul libro nelle mani di St. Paul: Ad Roma / Nos (a Romani).
"St. Paolo "è stato elencato dal lavoro di un artista sconosciuto Siensky del XIV secolo, mentre M. Laklot (oralmente) non lo ha attribuito, in modo convincente, Taddeo di Bartolo.
In un piccolo frammento, una soluzione piana di forme, combinata con un sapore saturo manifesta la placca. L'artista, sentendo il colore finemente, confronta il impermeabile rosso, ricamato lungo il bordo dell'ornamento dell'oro, con una barba rossastra e capelli pavla, con una superficie della spada fredda.
Chiudi un'analogia dell'immagine dell'Hermitage è un limite dalle colonne. X. L. Mosè a New York (Play: Berenson 1968, Pi. 477).
Il limite di New York include cinque figure, di cui sono particolarmente vicine a St. Paul, cioè al centro e la figura di St. Andrei. Allo stesso modo posizionare teste, disegno occhio, sopracciglia, bocca, rughe sulla fronte. Gli stessi ornamenti sul bordo del impermeabile e del nimbi. Origine: post, nel 1954 dal Dipartimento di East Ge. In precedenza: Contro. Assunzione.

Nelle guide e cataloghi dell'eremo del centro del XIX secolo. Le opere che precedono il Rinascimento non sono menzionate. Non c'è da stupirsi nel 1859, A. I. Somov, notato: "Antica scuola fiorentina, il rodonacham di tutte le scuole locali d'Italia, non esiste nel nostro eremo".

Madonna dalla scena "Annunciazione"
Albero, tempera 122 × 41. GE 5521. Coppia a GE 5522. La parte superiore è arrotondata.
Giù sulla firma del piedistallo: OPV di lvce
Angelo dalla scena "Annunciazione"
Albero, tempera 122 × 41. GE 5522. Accoppiamento a G'E 5521. La parte superiore è arrotondata.
Echmangelie di Luke, I, 26-38.
Apparentemente, i dipinti sono stati tripli alette. Questa conclusione può essere effettuata sulla base della composizione: rispetto insieme, la vera non coincide su una soluzione promettente, supponeva quindi assumere la presenza di un collegamento di collegamento, cioè la parte centrale dell'altare.
Quando arriva la foto, il lavoro di un artista italiano sconosciuto
XV secolo. Poi la firma ha cercato di decifrare come il nome del Maestro Lombard Luke Chiverkio. Ora l'attribuzione esistente è stata fatta da VSEVOLOZHSKAYA (1972) sulla base della stilistica stilistica con tali opere di Luke Baudo, come "adorazione del bambino" (Museo della città, Savona), "Christmas of Christ" (Museo di Polonia Petzoli, Milano). "Il Natale di Cristo" è datato 1501 ed è dotato della stessa breve firma della saldatura dell'Hermitage. Un artista ha goduto di una tale firma nel tardo periodo della creatività. Per analogia con la pittura di Milano, i lavori dell'Hermitage possono anche essere datati 1500-1501.
Origine: Post, nel 1925 da Shuvalovsky Palace-Museum a Leningrado. In precedenza: Contro. Grafici di Shuvalov a San Pietroburgo.

Quindi non era solo con fiorentino, ma anche con altre scuole italiane. È stato spiegato dal fatto che prima dell'inizio del XX secolo, cioè, durante tutta la 150 anni dell'esistenza del museo, la leadership ufficiale quasi non ha mostrato interesse per i cosiddetti "primitivi".
Il termine "primitivi" è consumato in relazione alle prime opere della pittura italiana. La definizione è condizionale e non di successo; In questo caso, non significa elementalità, semplicità. Piuttosto, è necessario rivolgersi a un altro valore della parola italiana - la radice, quella iniziale. Quindi diventa chiaro che è necessario tenere a mente che la base, quelle origini da cui l'arte del Rinascimento si alzò gradualmente.
Hermitage ha primitivi principalmente grazie ai collezionisti russi, in particolare le collezioni di Stroganov - Pavel Sergeevich e Gregory Sergeevich. L'amore dei fratelli all'arte era ereditario: il loro antenato A. S. Stroganov, i clienti e un collezionista appassionato, ha aiutato Catherine II a reclutare Hermitage.
G1. S. Stroganov ancora a metà del secolo scorso fu portato via dalle opere del primo rinascimento. Descrivendo il suo incontro a San Pietroburgo, direttore del Museo Berlino, il professor G. F. Wengen ha sottolineato che P. S. Stroganov "appartiene al numero di rari collezionisti che ... apprezzano il contenuto spirituale dei dipinti dei secoli XIV e XV." Dopo la morte
P. S. Stroganova Nel 1912, l'eremo è stato trasferito al "culto del bambino" delle Filippine "Lippi, che occupa un luogo degno sull'esposizione permanente dell'arte italiana.
L'incontro di S. Stroganova era a Roma, dove viveva per molti anni. Grigory Sergeevich ha perfettamente capito nella pittura: lui stesso ha determinato l'autore "Madonna dalla scena della" Annunciazione ", chiamando il nome Simon Martini. Questo frammento del tesh, così come il Reliquiand Frand Angiiko, è stato presentato con l'eremo del 1911 dagli eredi di G. S. Stroganov, che ha suggerito di rendere più appartenuto un museo a lui.
Nel 1910, la formazione di una piccola sezione di primitivi era facilitata dal fatto che alcune foto sono state trasmesse dal museo russo all'eremo, acquistato all'iniziativa del principe Gagarin negli anni '60. XIX secolo. Per il museo della St. Petersburg Academy of Arts. Ora era già stato possibile dire: "Nella VI Hall, ... tre o quattro primitivi, da cui un tipo di jotto, davvero meraviglioso ... Questa epoca della pittura italiana non era affatto presentata ... D'ora in poi , gli insegnanti che leggono la storia delle arti dei nostri campioni possono iniziare a lei non è con Beato Angeliko, ma dall'occorrenza della pittura italiana ".

St. Jacob Jr.
Albero, olio. 68.7x43. GE 4109. Parte del Polipic.
Sul NiMbe: Sanctvs Iacobvs è un'immagine del dipinto nel conteggio raccolto G. S. Stroganov, Wagen (1864), che lo descrive, chiamato Jacob senior raffigurato. Tuttavia, non ha uno dei principali attributi del senior Jacob - il lavandino, il simbolo del pellegrino. Piuttosto, Jacob Jr., che è stato paragonato dal tipo di Cristo; Questo è lui e un'immagine eremitage. Attributi - Personale e libro - Tipico di Jacob Younger.
Wagen (1864) ha scritto che non era noto
artista Niccolo Orvietannne - Sotto questo nome, l'immagine è stata elencata nel gatto. G. S. Stroganova - e ha aggiunto che il trasferimento di Nunkarnat assomiglia a Niccolo Aluno. Il ricercatore tedesco ha rilevato il talento dell'autore "SV. Giacob "e come disegnatore e come un colorante.
Hark (1896) ha attribuito una foto di Burgówon e l'attribuiva alla fase tarda del lavoro del Maestro. Credeva che il nome del NPCCO Orves potrebbe essere il nome del cliente, non l'artista.
Un'attribuzione di Burgoneon è confermata rispetto a tali dipinti del Maestro come "St. Elizabeth con St. Francis "e" St. Peter Martyr con St. Christofore "(Ambrosparan, Milano). Tipo di sv. Jacob è lo stesso. Cosa a St. Francis, Capelli ricci e ornamento lungo il bordo del mantello si ripetono nell'immagine di St. Christopher. L'Hermitage Sash può essere datato ok. 1500. Origine: Post, nel 1922 PZ Stroganovsky Palace-Museum a Petrogrado. In precedenza: Contro. Conta G. S. Stroganova a San Pietroburgo. Cataloghi hemitage: gatto. 1958. Con. 69; Gatto. 1976, p. 76.

Incoronata Mary.
Albero, tempera 120x75. GE 6662.
La trama risale alla "Gold Legend" di Jacopo Sì Voradzhin (circa 1230-1298). La merita di scena Corona appare nell'arte italiana nel 1270/80 e diventa un tema preferito del dipinto veneziano XIV secolo. È stato sviluppato un certo schema compositivo: Cristo e Mary Squeeze sul trono, seguito dal cielo e dagli angeli. Tutto questo è nell'immagine dell'eremo, dove, tuttavia, Cristo è rappresentato senza una corona (raramente incontrata motivazione), ma con uno scettro nelle sue mani. Incoronazione della Madonna percepita simultaneamente e come glorificazione di esso. Il gesto di preghiera di Maria porta il soggetto dell'intercessione alla scena.
L'immagine è entrata nell'Hermitage come un'opera di un artista italiano sconosciuto XIV. In gatto. 1958 e 1976 sono entrati nel lavoro di Katerino Venetciano (?). Pallukkini (1964) ha ammesso che la "Coronazione della Madonna" può riferirsi alla fase iniziale delle attività di Donato, che imita ancora Paolo Venetgano.
L'immagine dell'Hermitage è stilisticamente vicina come le opere eseguite da Katerino ("Coronazione di Maria", Accademia, Venezia; "Coronazione di Maria", Trittico, Accademia, Venezia) e coloro che sono stati creati insieme con Donato ("Coronazione di Maria", Galera Kuernp - Stampalia, Venezia). Tuttavia, i tipi di persone (in particolare gli angeli), più marcata dalla tradizione bizantina, sono costretti a presumere che il lavoro possa piuttosto avvicinato alle opere del Katerino Venetsiano.
Origine: Post, nel 1923 dalle directory del temporizzazione dell'Hermitage: Cat. 1958, p. 109; Gatto. 1976, p. 101.

I fondatori dell'umanesimo, lasciando le radici nel XIII secolo, erano Francesco Petrack (1304-1374) e Giovanni Boccaccio (1313-1375). Affidarsi all'antichità, la nuova visione del mondo ha pagato gli occhi a persona. Così, l'umanesimo si oppone alla chiesa-Bogoslovsky Relation al mondo. Tuttavia, per il XIV secolo. È caratterizzato da un certo divario tra il pensiero umanistico e l'arte che non ha ancora fatto secolare. Qui, l'umanesimo avrà frutta solo con l'insorgenza del primo rinascimento (XV secolo).
XIV. passato sotto il segno della lotta delle città contro i feudalisti; Sono le città che sono diventate i fuochi di una nuova cultura. In un'Italia frammentata, è rimasta per tutta la storia secolare (fino alla metà del XIX secolo), nel periodo di Tryteno5, un ruolo guida nella sfera politica della cultura politica appartenuta a Firenze.
Il padre della pittura dell'Europa occidentale viene spesso definita Jotto (1267-1337). A volte, in confronto con il suo lavoro, consideriamo qualsiasi pittore fiorentino del XIV secolo, a volte questi maestri sono generalmente chiamati "Jottisti", anche se l'influenza di uno, anche il più genio, l'artista non può diventare decisivo per un intero secolo. Ma è difficile sopravvalutare l'innovazione di Jotto, che si è liberata risolutamente con l'arbitrarietà dei collegamenti e la Convenzione del luogo di azione della pittura bizantina. Tra le opere di Jotto e lo spettatore ci sono nuove relazioni diverse dal precedente periodo dell'arte, quando l'icona, il mosaico o l'affresco hanno concluso l'idea di grandezza, l'incomprensibilità della divinità e quindi l'incarnazione figurativa esisteva secondo le proprie leggi , non basato su realtà specifiche.
Jotto è riuscito a dare storie religiose alla convinzione della vita. Nei suoi dipinti laconici creati a Firenze, Padova, Assisi la narrativa era spiegata non sull'aereo, ma nella profondità, e le facce di recitazione dei dolori o rallegrati come mortali ordinari. Tale dipinto non poteva scuotere i contemporanei.
Dopo Jotto, è stato possibile compilare nuovi dettagli e sviluppare le decisioni offerte a loro, ritirarsi dalla sua ricerca, per trovare l'oblio nelle retrospetti gotiche, come accade sull'orlo dei secoli XIV-XV, ma era impossibile cambiare la linea maggiore di sviluppo della pittura.
Jotto principalmente monumentalista, è estremamente piccolo. Solo alcuni musei del mondo possono essere orgogliosi del loro possesso. Eremo, purtroppo, non appartiene a questo numero.
Nel nostro museo, viene presentato la pittura fiorentina, a partire dal centro del XIV secolo. Questo è il momento in cui dopo una serie di catastrofi esperti - la crisi economica, le rivolte, la terribile epidemia della peste del 1348.- La rivalutazione dei valori si verifica: l'aumento della religiosità dettava un ritorno all'icona "Icona". Jottov Humanity per un po 'ribadito il luogo di solennità distratta e rigidità dei santi, in cui i Maestri cercarono di sottolineare il significato e l'alta posizione gerarchica occupata da loro nelle sfere celesti. Nessun maestro florenant del XIV secolo. Non può essere paragonabile da Dia Otto. Solo un nuovo riformatore Mazacho (1401-1428) apparirà all'inizio del Quatropento (1401-1428), uno dei fondatori del primo Rinascimento. E il più risolutamente il colpo di stato che è accaduto alla svolta dei due secoli - XIV e XV, se si ricordi che, insieme alla pittura, Mazacho esisteva lo stile del gotico internazionale, raffinato e sofisticato, che proveniva dalla corte-cavalieri del nord L'Europa, che in una città con questo artista continuò a lavorare tardi seguaci di Jotto, e un tale maestro come Bichci di Lorenzo (1373-1452), molto rinforzato Mazach. Come se non avesse notato i turni avvenuti nell'arte fiorentina, paragoniamo ancora alle figure piatte delle eleganti applicazioni santi contro lo sfondo dei tessuti di Ricat.
Per tutta l'indipendenza della scuola fiorentina, lei stessa ammirava impulsi da altri centri d'arte e divenne per la fonte di esposizione.

Crocifissione con Maria e John
Albero, tempera 62x31. GE 277. Nella cornice gotica.
La "Crocifissione" si riferisce a un numero relativamente piccolo di opere dell'artista, realizzato con cura in miniatura. Nonostante il fatto che le figure siano presentate su uno sfondo oro, il Pietro è raggiunto dalla loro posizione di una certa profondità di spazio. La composizione concisa è interpretata emotivamente nel trasferimento del dolore profondo, ma trattenuto di Maria e Giovanni. Un raro raro datare un artista con la pittura Jotto sentiva in una certa massimabilità delle figure.
Sopra il crocifisso, in un completamento triangolare, un pellicano è raffigurato, alimentazione dei pulcini con il suo sangue - un simbolo della vittima ridotta di Cristo (vedi: Reau L. Iconographie de 1'ART Chretien. Parigi, 1955, 1, p.95 ).
L'immagine è entrata nell'eremo come un'opera di un artista sconosciuto Siensky XIV secolo, in gatto. 1912-1916 incluso con la stessa attribuzione, in gatto. 1958 - Ambrogo Lorentzetti School. La paternità di Pietro Lorentzetti è stata fondata da VSEVOLOZHSKAYA (1981) sulla base di un confronto stilistico con la giusta fascia di Trittico (Museo, Digione) e Crocifissione di Pietro (Polonia Petzol Museum, Milano). "Crocifissione con Maria, John e Maria Magdalina" (National Pinakotek, Siena, Inv. No. 147, 82 × 42,5) Sulla composizione, le proporzioni sono una stretta analogia per l'immagine dell'eremo; La figura di un Cristo crocifisso viene ripetuta in entrambi i casi quasi invariati. In gatto. 1976 "Crocifisso" per analogia con l'altare di Digione datato 1335-1340. Sulla base del confronto con il "crocifisso" dal National Pinakotek di Siena, sembra più convincente fino ad oggi l'immagine dell'Hermitage della seconda metà del 1320 (vedi: Mostra di Oprere d'Arte Restauraate Nelle Provincia di Siena e Grosetto. Genova, 1981, p. 47).
Origine: post, nel 1910 dei tempi. In precedenza: Max a San Pietroburgo, acquisito per Ah Vicezidite Prince G. Gagarin, Cataloghi Eremitage: Cat. 1912-1916, n. 1944; Gatto. 1958. Con. 123; Gatto. 1976, p. 106 Letteratura: VSEVOLOZHSKAYA 1981, № 3

Le relazioni strette esistevano tra Firenze e la seconda città principale della Toscana - Siena. In un certo senso, queste due scuole con antipodi. A Firenze con il suo costante desiderio di libertà democratiche, arte monumentale, parlando dalla lingua, semplice e chiaro, l'interesse nello spazio prevaleva qui. Nelle condizioni del marinaio aristocratico, i dipinti monumentali preferiti, hanno cercato di eleganza, decoratività, armonia del colore. Lezioni gotiche digerizzate a Firenze più leggeri di Syen.
Il più grande maestro della scuola Siena della prima metà del XIV V.- Simon Martini (circa 1284-1344) nel suo temperamento è stato un testo penetrante nella pittura. Come nessun altro, Simone è riuscito a fare una linea di trasmissione alla trasmissione non solo moduli, ma anche sentimento. Nelle opere di Martini, il colore è segnato dalla ricchezza di combinazioni finemente selezionate di un festivo tipicamente visto.
La mostra mostra la detenzione del dittico con l'immagine della Madonna della scena "Annunciazione" Simone. Secondo V. N. Lazarev, ".. Questa è un'icona preziosa, che è una delle perle dell'Assemblea Hermitage. La purezza del loro suono lirico e sui cantanti delle loro linee può essere abbinata ai migliori sonetti di Petrarca. "
Insieme a Simon Martini, i fratelli Lorenzetti, Pietro (lavorato con il 1306-1348) e Amrajo (USS 1321-1348) ha svolto un ruolo eccezionale nello sviluppo della pittura Siensky. Forse entrambi sono diventati vittime di "morte nera", che prese più della metà degli abitanti della Toscana. C'è un presupposto che i fratelli hanno guidato il grande seminario le cui opere erano ampiamente fama a Siena. Affidati ai risultati dei Florinari, Lorentzetti ha inviato attenzione alla promettenti espansione dello spazio, nel modo esatto di esprimere pensieri nelle immagini artistiche; Entrambi hanno distinto la capacità di condurre una storia lirica, creare una storia affascinante sulla base delle impressioni della vita circostante. Vale la pena notare che Ambrodzho ha dimostrato nella "Allegoria del buon consiglio", uno dei famosi affreschi di Palazzo Pubblelo, non così frequente per i pittori di quell'interesse di tempo per l'antichità.
Nella seconda metà di Kreteno, Siena non ha proposto un singolo artista di Simone Martini o Brothetti di Lorentzetti. Durante questo periodo, il NCCCO DI SOCHSTSO (1340-1360-E) ha funzionato, la cui creatività è stata "scoperta" solo negli anni '30. del nostro secolo. Le opere di questo maestro sono un po ', e tanto più importante che le fondamenta dell'Hermitage siano relativamente scoperte di recente da Madonna con un bambino "il lavoro di Piccolo. Dopo aver vissuto l'influenza di Martini e Lorentzetti, S. Sottszo, indubbiamente, aveva contatti con la cultura fiorentina, che conferma la cosa nella nostra riunione. In esso, la plasticità, la composizione di equilibrio, la monumentalità delle figure sono combinate organicamente con una gamma a colori puramente vista, delicata e luminosa.
Uno dei primi rappresentanti del Gothic internazionale a Siena - Bartolo di Fredi (lavorato con 1353-1410) -Wokovodil ha attivamente lavorato con il laboratorio. Descrivere le peculiarità di questo stile paneuropeo dell'evento di due secoli, A. Ershi ha scritto: "Il desiderio della nobiltà si è riflesso in passato non solo nel tema dei dipinti ordinati, ma anche nello stile della pittura, perché Sono stato risortato già nel declino del gotico. Le arti stavano aspettando la lode del romantico (nel senso iniziale della parola) percezione della vita di fronte al passato - ai romanzi cavalieri; Aspettò il risarcimento, la remunerazione per la perdita nella posizione della vita reale, e spesso ha portato a esagerazioni sfrenate. Di conseguenza, il culto di lusso incredibile, idealizzazione, realtà consapevolmente distorta e una lingua stilizzata, - cioè tutto ciò che caratterizza il gotico internazionale. "

Madonna con un bambino; Quattro santi
Albero, tempera 40x16. GE 6665, bagno turco a GE 6666.
Saldato dittico sinistro.
Sulla rotolo nelle mani di Giovanni un'iscrizione mezzurrata mezza radata: EC1 / VOX / .. .NA / TI. / ES / RT.S (/ SE / Eye Blatant nel deserto). Vangelo da Matteo, 3, 3.
Crocifisso; Quattro santi
Albero, tempera 40 × 16. GE 6666, bagno turco per GE 6665.
Distante rilevamento del dittico.
Tra i santi sulla dedizione sinistra del dittico può essere identificato dal SV. Nikolay, St. Christopher, Giovanni il Battista. A destra - St. Francis e St. Elena.
Likhachev (1911) considerato il dittico lavoro italiano del XIV secolo, Talbot Ricce (1940) - il lavoro della Scuola di Venezia del XIII secolo, Lazarev (1954, 1965) è stato attribuito al gruppo di monumenti ", occupa un posto separato in il dipinto veneziano della prima metà del XIV secolo. " E lo collegò con opere di maestri, il punto iniziale della creatività del quale era la pittura in miniatura. A Drittyja, le caratteristiche bizantine sono collegate (il tipo di Madonna con il bambino che gioca sulle sue mani, il layout in linea delle figure) con il gotico (l'allungamento delle proporzioni). Lazarev ha portato la piega ermitagoosa con le icone con scene della vita di Cristo: uno di loro è conservato nel Museo della città di Trieste, l'altro nel Museo di Stato dell'arte occidentale e orientale a Kiev.
Pallukkini (1964), convenzionalmente chiamato l'artista "Master of the Leningrad Diptych", non ha visto la connessione tra il lavoro dell'eremo e l'icona di Trieste, ma concordato che il dittico è stato creato in un letto con una foto da Kiev, così come Trittico dal Museo Archeologico in Velocità Estate.
In gatto. 1958 e 1976 dittico sono stati elencati dal lavoro di un artista sconosciuto del Rimini XIII secolo.
Origine: post, nel 1923 dai tempi. In precedenza: Contro. N. P. Likhacheva a San Pietroburgo.
Cataloghi hemitage: gatto. 1958, p. 141; Gatto. 1976, p. 116.

Un tipico esempio di Gothic International presso la mostra funge da polittiglia, eseguita, possibilmente nei dintorni più vicini di uno degli aderenti più significativi di questo stile, Gentile da Fabryano (circa il 1370-1427), che ha lavorato in diversi centri d'Italia. La fragile fragilità dei contorni sottolinea la forma di cinque santi eleganti sofisticati sullo sfondo splendente, e la gamma di colori dell'altare è una splendida sorpresa delle combinazioni di colori.
Dopo le attività di Jotto, la tradizione bizantina trasformata in uno dei termini più conservativi Kreitto. Ma era lei che seguì ostinatamente la pittura veneziana del XIV secolo.
La ricca Repubblica Patriziana, la "perla dell'Adriatico", grazie alle rotte commerciali collegate ad ovest con l'Oriente. I suoi costanti contatti con Byzantium hanno portato al fatto che l'estetica della pittura bizantina Venezia percepita facilmente e organicamente, come qualcosa e non portato dall'esterno. I maestri greci erano costantemente lavorati in città, in particolare, lavoravano principalmente sulle decorazioni del mosaico della Cattedrale di San Marco.
Tra gli artisti veneziani, il patrimonio bizantino di Paolo Venetciano è stato interpretato in modo creativo (lavorato 1333-1358). Forse alcuni dei seguaci di Paolo sono fatti dai "modelli di Cristo nel tempio di Gerusalemme". Se confronti questo frammento con le opere della scuola fiorentina e Sienkaya, si è sentito per quanto siamo immersi nelle immagini e nelle viste medievali. Questo è il lavoro, a nostro avviso, serve come un'illustrazione visiva sulla caratteristica esatta del pensiero medievale M. Dvorakik. Quindi la forma di realizzazione della "non-misericordia del pensiero divino" è nell'immagine dei modelli di Cristo che Katzheno nel suo rapporto con le persone circostanti e la costruzione del tempio, sorseggiando questo rapporto, capisci che è Cristo è tutto su tutto, senza tutto in tutto. "
Tale forma di realizzazione dell'incomprensibilità del pensiero divino è nei modelli di film di Cristo, che è espresso nel suo rapporto con le persone circostanti e il Temple Building. Valutazione di questo rapporto, capisci che è Cristo che è necessario per tutti, sotto tutto, oltre ogni tutto, in tutto.
L'espressione dell'icona dell'Hermitage è stata apprezzata nella letteratura storica dell'arte: "Attualmente non conosco un altro lavoro, che potrebbe essere paragonato a una piccola tavola, l'unica parte del Polpicy conservata con l'immagine di Cristo tra gli uomini saggi, Conservati nelle riserve dell'Ermitage: un frammento unico in genere di forza espressiva, quasi Chimabuevskaya ", ha scritto R. Pallukkini.
Quando si conoscono le opere della Scuola Veneziana, esposta alla mostra - e tutte si riferiscono principalmente alla seconda metà - l'inizio dei secoli XV, - allora deve essere sorpreso di quanto velocemente entro la fine del XV - L'inizio dei secoli XVI - Venezia catturato, e in molti modi e davanti alla migliore scuola di QuatroCheto - Firenze.
Ovviamente, attualmente, le peculiarità e l'importanza della scuola di Pisa di pittura del XIV secolo non sono ancora completamente identificate. Continua ad esistere che il Pisa è in questo momento all'arte di altre città. Ma il principale fiorente di pittura Pisa è sopravvissuto nel precedente XIII secolo. È in questo periodo che uno dei primi monumenti della mostra è una croce raffigurante il "crocifisso" di Ugolino di Tedich (ha lavorato al secondo piano. XIII secolo). Questa croce conferma che sulla base della PPZU in Toscana assorbiva e trasformava l'erogazione delle forme bizantine.
L'inizio del primo Rinascimento è abbastanza associato a un sostegno discreto dai maestri italiani nell'arte anticata. Ma lontano da un'antichità era la fonte del revival. Senza preparazione viaggiava nel XIV secolo, l'emergere di un nuovo sistema di pensiero, la nuova arte sarebbe impossibile. Rinascimento assorbito non solo l'antichità, ma anche il naturalismo di gotico e le tradizioni della pittura bizantina. Non importa come il Bisanzio trasformò varie forme, la "figura di un uomo che si trovava nel centro dell'interesse degli artisti antichi rimase per i bizantini, il soggetto principale dell'immagine".
Sebbene Treteno non fosse "inepposo", come apparve Vazarn. L'Italia avrebbe dovuto attraversare questo secolo per aprire una nuova pagina nella storia dell'arte, che è associata a noi con i più alti risultati del genio umano.
Questa esposizione non può essere eseguita senza l'enorme lavoro svolto dai ristoranti dell'Hermitage. Io uso il caso per esprimerli tutti, in particolare T. D. Chizova, il suo profondo apprezzamento. Loro, rimuovendo vecchi record e vernice multistrato, ha restituito le immagini lì. Dove era possibile, la freschezza incontaminata e lucentezza delle vernici.

Foppa, Vincenzo Foppa, Vincenzo
Nato a Bresche circa il 1430, morto nel 1515/16 a Milano. Scuola lombarda. Testato l'influenza di Donat De'bardi, Manteny, Bellini, Bramte. Ha lavorato a Pavia, Bresche, Bergamo, Milano.
St. Stephen.
Albero, tempera 89 × 34. GE 7772, Smow Room to GE 7773.
Telaio polittico.
Sul NIMBE: SANCVS Stefanvs Promar- Tirvs.
Arcangelo Michael.
Albero, tempera 91 × \u200b\u200b34. GE 7773, Smow Room to GE 7772.
Telaio polittico.
Sul Nimble: sanctvs Mich ... GELVE TRAFFICO. ..
La tela di Polyptich appartiene alla fase iniziale delle attività del FOPP, uno dei maggiori rappresentanti della scuola lombarda durante la sua transizione da Gothic all'arte del Rinascimento. In questo lavoro, l'artista ha cercato di collegare le lezioni tradizionali dell'arte lombarda con tendenze avanzate della pittura olandese. Nella relazione iconografica, figure calme dei santi facilmente inseriti nello schema abituale, mentre il problema della luce percepita fresca e direttamente. Con gli interessi peculiari per i Paesi Bassi, la FOPPA trasmette il gioco di luce sull'armatura del metallo dell'Arcangelo Mikhail, e il suo più morbido scivolante sulle folture affilate di Dalmatics St. Stefano.
Mentre il dottore si è dimostrato (1986), la fascia dell'Eremitage faceva parte dello stesso polipliale come due tavole con l'immagine di Giovanni Battista e St. Dominica dall'Assemblea privata a Bergamo. Le dimensioni dei frammenti sono gli stessi distretti d'oro. È particolarmente significativo che basso parapetto, che costa ogni santo, si trova ad un unico livello. L'artista sembra implicare un singolo spazio per tutte le figure. Ovviamente, nel centro di Polyptich era Madonna con un bambino, che Giovanni il Battista indica.
Il medico chiama come prototipo per la forma di St. Stephen "St. Stephen »Donato De'Ardi (Cycon Chicken Mozzoni, Milano, Giocare: Zeri F. Diari di Lavoro 2. Torino, 1976, Fig. 41).
Il medico risale a tutti i battitori di circa 1462 e giustamente osserva in loro la combinazione di una tradizione ha bardezzato un pedone con le tendenze olandesi, percepita dal giovane FOPP a causa dello studio dei campioni di Donat De'bardi.
La fascia è entrata nell'eremo come un'opera di un artista lombardo sconosciuto del XV secolo, quindi il lavoro ha iniziato a essere considerato! Cerchio Biggon. In gatto. 1958 e 1976 sono inclusi come opere della scuola del FPPA. Questa attribuzione è stata fatta da VSEVOLOZHSKAYA (1981) sulla base del confronto con Polyptich di Santa Maria della Grazia (Brera, Milano, inv. No. 307) e "St. Catherine e St. Agnes "(Walters Art Gallery, Baltimora, Inv. No. 37.706). Vsevolozhskaya prima ha attirato l'attenzione sulla somiglianza tra i hedgets e il Santo Dominica "dal colurio privato. a Bergamo.
Origine: post, nel 1921 attraverso la GMF. In precedenza: Contro. N. K. Roerich a San Pietroburgo; Cattedrale Il colonnello Mojardini a Firenze (secondo l'iscrizione precedentemente esistente sul fatturato di uno dei flotti).
Cataloghi hemitage: gatto. 1958, p. 203; Gatto. 1976, p. 146.
Letteratura: VSEVOLOZHSKAYA 1981, n. 33. 34; Medica M. Quattro Tavole per ONU POLITTICO DI VINCENZO FOPPA.- Paragone, 1986, 431-433, p. 12-14.

Fungai, Bernardino Fungai, Bernardino
Nato nel 1460 a Siena, morì nel 1516 lì. SIENSKAYA SCHOOL. Ha studiato a Giovanni di Paolo, ha sperimentato l'influenza di Francesco di Georgho, Pietro di Domenico, Perugino, Signorelli. Lavorato principalmente a Siena.
Big Bestiame Scypion African
Albero, olio, tempera. 62x166. GE 267. Bordo di Casson.
Sotto le figure dei nomi degli attori: sponsvs; Lvceivs; Scipio; Lvcei Filia. Oltre la figura: leliv.
La trama è presa in prestito dalla "storia romana" di Tita Libia. Secondo la Libia, comandante comandante! CORNELIO SCIPION (235-185 BC), chiamato africano, dopo aver preso un nuovo Carthagen, ha restituito la ragazza prigioniera alla sua fidanzata alleanza, e il riscatto suggerito dai suoi genitori per figlia ha consegnato tutti i regali di nozze.
Seguendo la tradizione che ha stabilito nel dipinto del Kasson (casse per lo stoccaggio della dote), Fungai combinava tre episodi diversi in una scena. Nel centro di Szipipion, africano ritorna la sposa allo sposo, a sinistra di Alluts si dirige i cavalieri concessi a loro a disposizione del comandante generoso, a destra - i guerrieri conducono il prigioniero a scyperion.
L'azione si svolge sullo sfondo di un paesaggio dettagliato che emette l'influenza della scuola umbra. Immagine a Pietataliana a Pietroburgo .- 'L'Arte, 1912, Affasc. 2, p. 123-124; Guerrieri 1922, p. 75; Weigelt S. Die Sienesische Malerei des Vierzehnten Jahrhun- Derts. Firenze - Mtinchen, 1930, S. 73, 111; Marie R., Van. 1924, 2, p. 90-92; Lazarev 1959, p. 284-285, ca. 264; Pittura italiana XIII-XVIII secoli. 1964, № 2; Berenson 1968, r. 119; Vsevolozhskaya 1981, № 4, 5
i gradini sono stati elencati dal lavoro di un artista umbro sconosciuto. In gatto. Il 1922 è stato incluso come il lavoro del cerchio di Pinturik - Kyuo. Fungai potrebbe sperimentare l'influenza di Pinturikko, quando ha lavorato a Siena nel 1508-1512. Sulla base degli effetti di Pinturikocho, il muro del cassone è datato un periodo tardo della creatività di Fungai - 1512-1516. Ora l'attribuzione esistente adottata da tutti i ricercatori è fatta (oralmente) O. Sirena.
Accoppiamento alla "Generosity of Scypion of African" Casson Board "Death of Sophophyux" è memorizzato in GMI. Entrambe le composizioni sono costruite secondo un solo principio e le figure centrali sono ripetute quasi completamente. Origine: post, nel 1902 dalle colonne. F. Rus-Gufo a San Pietroburgo
Cataloghi hemitage: gatto. 1907-1912, n. 1892; Gatto. 1958, p. 206; Gatto. 1976, p. 147-148 Mostre: 1922 PETRIGRAD, n. 48 Letteratura: THIEME U.- Becker F. AllGememes Lexikon der Bildenden Kunstler. Leipzig, 1916, S. 587; Guerrieri 1922, p. 77; Benenius T. Unpablisched Cassone Panels III.- La rivista Burlington, 1922, aprile, P. 189-190; Schu- Porta P. Cassoni. Truhen und Truhenbillder der Italienischen Fruhrenaissance. Leipzig, 1923, 1, S. 138, 355; Berenson 1932, p. 211; Marie R., Van. 1937, 16, p. 481; Pigler A. Barockthemen. EINE AUSWAHL VON VERZEICHNISSEN Zur Iconographie DES 17. Und 18. Jahrhunderts. Budapest, 1956, 2, S. 404; Pittura italiana XIII-XVIII secoli. 1964, № 29, 30; Berenson 1968, p. 150; VSEVOLOZHSKAYA 1981, n. 45; Cassoni italiani delle collezioni d'arte dei musei sovietici. Leningrado, 1983, № 15-19

Paolo Venetsiano (Maestro Paolo), follower
Paolo Veneziano (Maestro Paolo)
56. Modelli di Cristo nel tempio di Gerusalemme
Albero, tempera 25x18.5. GE 6670. Frammento di polipti. Il Vangelo di Luca, 2, 42-52 Seguendo le leggi della pittura bizantina, l'artista non crea uno spazio chiuso in cui avviene l'azione. Cristo è raffigurato allo stesso tempo nel tempio e fuori di lui - domina tutto e tutti. Non c'è e non può essere un singolo punto, con il quale la scena sarebbe percepita, poiché è focalizzata non tanto sul reale, quanto per la visione interiore di chi lo considera. Ma con tendenze generali che caratterizzano la direzione bizantina nella pittura veneziana del XIV secolo, il Maestro trasferisce espressamente il bagliore delle passioni - disperazione, padroneggiata dagli anziani, con. 3; Venturi L. Saggio Sulle Opere d'Arte Italiana A Pietroburgo.- L'ARTE, 1912, AFF. 2-3, p. 123; Reinach S. Repertorio De Peintures DN Moyen Age Et de la Renaissance (1280-1580). Parigi, 1922, 5, p. 314; Meiss 1951, p. 169; Meiss M. note su tre stili senesi collegati.- Il bollettino d'arte, 1963, 45, marzo, p. 47; Klese 1967, S. 249; De Benedictis 1979, p. 24, 96 di cui le frazioni di Cristo hanno superato la saggezza, l'attenzione, con la quale Maria e Giuseppe ascoltavano le parole di Cristo.
Lazarev (oralmente) ha determinato l'immagine come un'opera di Lorenzo Venetsiano; in gatto. 1958 e 1976 Il lavoro è incluso come il lavoro di Paolo Venetsiano (?). Pallukkini (1964), che ha pubblicato per la prima volta un frammento, credeva anche che il suo autore fosse collegato con Paolo Venetsiano e ha lavorato all'inizio della seconda metà
XIV. L'artista rileva indubbiamente i punti di contatto con Paolo Venetsiano, e in particolare con il Master Polpic dall'Accademia di Venezia (Inv. No. 16), in relazione a cui Pallukkini ha sottolineato (1964). Tuttavia, a differenza del creatore del Polopicy Venetico, l'autore del frammento dell'eremo è rimasto alieno alle innovazioni dello stile gotico. Origine: post, nel 1923 dai tempi. In precedenza: fino al 1914 cattedinata. N. P. Likhacheva a San Pietroburgo Cataloghi dell'Hermitage: Cat. 1958, p. 148; Gatto. 1976, p. 120.
Letteratura: Pallucchini 1964, R. 56.

Artista sconosciuto della scuola fiorentina della fine dei XIV-init XV secoli.
Scene dalla vita di Cristo e Maria
Albero, tempera 42x54 (nel telaio 50x61,5]. GE 4158
Top Row: Annunciazione (Vangelo da Luca, 1, 26-38); Maria incontro con Elizabeth (Luke Gospel, 2, 39-56); Natale di Cristo (Vangelo da Luca, 2, 6-7); Portando al tempio (vangelo da Luca, 2, 22-8); Metodi di Cristo nel tempio di Gerusalemme (Vangelo di Luca, 2, 41-52); Pregando sulla ciotola (Vangelo da Matteo, 26, 36-44; da Mark, 14, 32-42; da Luca, 22, 39-46). Fila media: lanacità di Cristo (Vangelo dal marchio, 15, 15; da Giovanni, 19, 1); Certificato di Cristo (Vangelo da Matteo, 27, 28-30; da Mark, 15, 17-19; da Giovanni, 19, 2-3); Trasversale (Vangelo da Matteo, 27, 31-32; da Mark, 15, 20; da Luke, 23, 26; da Giovanni, 19, 16-17); Crocifissione con Maria e Giovanni.
Intervallo inferiore: risurrezione di Cristo; Ascensione di Cristo (Vangelo da Mark, 16, 19; da Luca, 24, 51); Discesa di St. Spirito (Atti di Apostoli, 2, 1-4); Ascensione della Madonna (La CXVII, 1), Coronazione della Madonna (La CXVII, 1).
In quindici scene (cinque in ogni riga), l'artista in modo un po 'ingenuo, con amore per una storia approfondita e divertente ha presentato vari episodi dalla storia di Cristo e Maria.
A giudicare dalla maniera di esecuzione, questo maestro minore ha lavorato a Firenze alla fine del XV secolo. Ha indubbiamente sperimentato l'influenza di Baldovinetti, Rosselly, Domenico Gilladayo, Botticelli. Ad esempio, il muro con i cipressioni visibile dietro di esso è un motivo, ascendente a un certo numero di lavori di Baldovinetti. La figura di Maria in generale è vicina a Madonne nella "Annunciazione" di Baldovinetti (Uffizi, Firenze).

St. Bernardpn Siensky.
Albero, tempera 41 × 31 (nella cornice gotica 49 × 36). GE 4767. Parte del Polipic.
Sul rotolo nella mano di St. Bernardine: Pater Manifestavi Nomen Tuum Hminbs (Padre, ho aperto il tuo nome alle persone). Vangelo da John, 17, 6.
In gatto. 1922 e in gatto. 1957 e 1976 Saint non è stato identificato. Raffigurato sv. Bernardine Siensky nella veste dell'Ordine di St. Francis, membro di cui è diventato nel 1402. Iconaograficamente, questo è il TPP dell'anziano Monk-Askta, in questo caso è riconosciuto da uno dei suoi attributi: sul rotolo dell'iscrizione con le parole del Vangelo di John (Vedi: Kaf-Tal G. Santi nell'arte italiana. Iconografia dei santi nelle scuole centrali e sud italiane di pittura. Firenze, 1965, pag. 198).
In gatto. 1922 L'immagine è stata attribuita all'artista nord-maliale (?) Della fine del XV secolo. Sembra che l'autore del frammento dell'Hermitage potesse essere il Maestro Siena, che ha lavorato nel mezzo del XV secolo, e non solo perché uno dei santi di Siena più popolari è rappresentato, ma anche perché l'interpretazione dell'immagine e delle forme dà Motivo per presumere che l'autore dell'immagine potesse entrare in contatto con il cerchio di Sano di Pietro.
Origine: post, nel 1920
Cataloghi hemitage: gatto. 1958, p. 142; Gatto.
1976, p. 116.
Mostre: 1922 Petrogrado, n. 15 Letteratura: Warriors 1922, p. 76.

Scene dalla vita di St. Juliani di colonna
Albero, tempera 73 × 64,5 (dimensioni di ciascun marchio 28 × 30). GE 6366. Parte del Polipic.
Nel cerebrale superiore sinistro sopra le teste delle monache: Beat / Gvliana. Sopra la testa di Cristo: IC.XC. Nel cervello superiore destro tra Angel e St. Juliana: Bea / Ta Gvli / Ana. Sopra il gruppo in cui si trova Juliana: Beata / Gvliana. In basso a destra del marchio sopra il defunto Juliana: Gvliana VEAF.
Pallukkini (1964) suggerì che il frammento dell'eremo era la parte sinistra del Polpicy, che in precedenza era nella Chiesa di San Biangio e Cataldo sull'isola di Gedecke, e la parte centrale di lui era il consiglio di amministrazione con la figura di St. Juliana (Private Coll., Venezia, Gioco: Pallucchini 1964, Fig. 599).
Raffigurato diversi episodi dalla storia di St. Juliana. Julian di Collanthova (1186-1262) - storico, fondatore e primo giro del monastero di St. Vijo e Kataldo sull'isola di Gedecke. L'inizio del culto del Santo si riferisce alla fine del XIII secolo.
Nel cervello in alto a sinistra, il santo prende il pane da Cristo, avendo perso suore dalla fame. Nella marca superiore giusta, la figura di Juliana viene ripetuta due volte: prega un angelo sulla guarigione di una suora, spezzisse la mano sulla pietra tombale, e qui si guarisce il giovane. L'artista lo raffigurava tenendo terzi, mani spezzate. Nel cervello inferiore, la costruzione del monastero è raffigurata sulla destra. L'ultimo episodio si riferisce alla storia postuma del Santo. Dopo che il suo corpo fu sepolto nella chiesa del cimitero del monastero, una misteriosa luce era visibile sopra la tomba. Il sarcofago si è aperto nel 1290 e ha scoperto che i resti di Giuliana non sono toccati da una tempra, il suo corpo fu trasferito al monastero, e la gente, che arrivava alla tomba, cominciò a guarire. Una coppia sposata con un bambino malato è presentato.
La trama del frammento è stata definita correttamente da Pallukkin (1984), che ha attribuito l'immagine al Donato Master - un artista relativamente conservatore di Circle Paolo Venetsiano e ha data il suo 1360. Prima, nelle "scene della vita di Santa Hermitage" Juliana ", che ha ricevuto come un'opera di un artista italiano sconosciuto del XIV secolo, sono stati inclusi nel gatto. 1958 come "scene della vita di St. Giuliti »Lavoro del Maestro Padovan Judo di Giovanni de Menabio (?). V. Lazarev (oralmente) ha scoperto che l'immagine dell'Hermitage dovrebbe essere esclusa da Paolo Venetciano. La stessa opinione aderì a Muraro (1970).
Origine: post, nel 1923 dai tempi. In precedenza: Contro. N. P. Likhacheva a San Pietroburgo Cataloghi dell'Hermitage: Cat. 1958, p. 94; Gatto. 1976, p. 116.

Artista sconosciuto della scuola veneziana XIV V.
St. Philip e SV. Elena.
Albero, tempera 64 × 39. GE 6704. Pair a GE 6705
Su uno sfondo d'oro vicino ai santi Namibov: .s / f / i / li / P SCA / LE / NA.
Lawrence e St. Elisabetta
Albero, tempera 64 × 39. GE 6705. Pair a GE 6704
Su uno sfondo d'oro vicino ai nomi dei santi di Namibov: S / L / A / VR / IT / CI / VS S / EL. / BE / TA.
Le figure dei santi sono state realizzate dall'artista, lo sforzo per la monumentalità, il suono pulito dei colori vivaci. I contorni affilati sottolineano l'interpretazione rigida delle pieghe.
C'è un gruppo di opere, che includono "santi" dalle colonne. Eremo. Sono scritti, a quanto pare, un artista associato al laboratorio (mosaico) con la Cattedrale di San Marco (Lazarev 1954, 1965). Queste opere comprendono un "terribile tribunale" (Museo delle Arti, Worcester, Massachusetts) ", Francis Assisi, Santa sconosciuta, St. Catherine, St. Nikolai "(Galerai Sabauda, \u200b\u200bTorino). PALLUKKINI (1964) ha convenzionalmente chiamato l'artista "Master of the Scary Court", Schpataya, che questa è una delle persone più interessanti della Scuola di Venezia del secondo quarto del XIV secolo.
Lazarev (1965) ha permesso la possibilità che il "terribile tribunale" e i "santi" dell'eremo e di Galera Sabauda fosse l'altare originale. Devis (1974) non ha visto abbastanza ragione per tale assunzione.
Per analogia con il "terribile tribunale" (vedi: Devietà del 1974), i frammenti dell'Ermitage potrebbero essere fatti tra il 1325 e il 1350.

Artista sconosciuto della scuola veneta del primo semestre di XV V.
Madonna con un bambino, St. Francesco d'Assisiana e St. Vintery Ferrer.
Albero, tempera GE 6663. 180 × 169,5 sul Libro di St. Vinzenta: Timet / Edeus / Etdat / Eilliho / Nores./ Quia / Vendita / Horaim / Dicii / Eius. (Combatti Dio e dagli fama, per l'ora del tribunale è venuto). Rivelazione di Giovanni, 14, 7. Sopra la testa di Madonna sotto la cornice dei resti dell'iscrizione greca con vernice rossa: MR 0V (Madre di Dio). I colpi di vernice immediatamente sono la tabella di prova dell'artista, che ha spazzato le combinazioni di colori. In fondo al telaio - lo stemma del veneziano Matteo e Medio; Lo stemma è entrato nel cerchio, sulla parte conservata del campo - il motivo della "Belich Fur". Due cerchi sui lati dello stemma iscrivono il nome di Matteo Sì Medio: MTTV DMO. Alla fase del trono nel lato destro di una persona separata da noi per secoli, graffiato un modello di una barca a vela.
Un tipo simile di composizione - Madonna con un bambino sul trono e sui santi, in piedi intorno a lui, ha il nome "Holy Interview" ("Sacra conversazione"). L'immagine è stata data da una situazione reale, senza una motivazione specifica, come qualcosa di senza tempo, eterno. La figura centrale (come sull'immagine dell'eremo) potrebbe essere assegnata in termini di dimensioni, che ha sottolineato il suo primato con il significato; Lato (il numero potrebbe essere diverso) - come equivalente. Un tipo simile di composizione riempito con nuovi contenuti esisterà durante l'epoca rinascita.
In gatto. 1958 Santo nella parte giusta della foto è stato denominato erroneamente denominato Dominic. Il testo della "Rivelazione di John" sul libro e il gesto, indicando Cristo a Mandorle, testimoniano che è rappresentato da SV. Wyzzene Ferrer (vedi: Kaftal G. santi nell'arte italiana. Iconografia dei santi nelle scuole centrali e meridionali di pittura. Firenze, 1965; Vedi anche: Kaftal 1978).
Likhachev (1911) considerata un'icona con un modello raro della Scuola di Criton-Venezia del XIV secolo. Schweinfurt (1930) era incline al fatto che l'immagine può essere inclusa nel numero di opere veneziane del XIV secolo. Allo stesso tempo, ha notato una relazione molto stretta tra gli artisti veneziani e i laboratori italiani-bizantina a Venezia. Bettini (1933) ha aggiunto che l'icona è pianificata tra le tradizioni veneziane e creditizi.
Lazarev (1954, 1959) Attribuito una foto del laboratorio di Katerino e Donato, dating 1370s. Pallukkini (1964) ha spiegato la differenza che ha visto in un modo tra figure centrali e laterali, il fatto che Madonna potesse essere eseguita da Donato, e i santi forse Katerino.
J. FIOCCO (oralmente) attribuito l'immagine di Jacobello di Bonomo. Con questa attribuzione, l'immagine è inclusa nel gatto. 1958, e in gatto. 1976 - Come il lavoro di un artista veneziano sconosciuto
XIV.
Il Museo del Correll a Venezia negozi icona con l'immagine della Madonna con un bambino sul trono (61x48), ripetendo la parte centrale compositiva del lavoro dell'eremo. Il catalogo del museo attribuito all'artista della scuola creto-veneziana ha iniziato l'inizio del XV secolo. (Vedi: Mariacher S. II Museo Correr di Venezia. Di-Pinti Dal Xiv al XV Secolo. Venezia, 1957, p. 131-132).
Nel gatto. Willamsen a Copenaghen è "Madonna con un bambino", compositamente vicino alla parte centrale della pittura ad eremitaggio. Date di ritorno a 1325 (vedi: Willumsen J. E. La Jeunesse du Peintre El Greco. Essai Sur La Trasformazione de l'artiste Byzantin en peintre europe. Parigi, 1927, 1, pag 75).
Pallukkini (1964) riteneva che l'icona del correttore del museo ripete l'eremo in modo più frazionato e decorativo e l'icona del campo. Willamsen, a sua volta, è la ripetizione della versione dal museo Correll.
L'immagine del hemitage potrebbe difficilmente essere creata prima della prima metà del XV secolo, poiché giustamente datata il suo caftal (1978). La base per tale datazione può essere l'immagine di SV. Winster Ferrera (1350-1419), canonizzato nel 1455. Potrebbe essere raffigurato prima della canonizzazione, ma difficilmente nella vita già nell'immagine del santo stando al trono della Madonna.
Pertanto, il creatore delle icone dell'Ermitage ha ripetuto la composizione precedentemente stabilita con l'immagine della Madonna con un bambino e il lavoro del Museo del Correll e del Contro. Willlamsen è preceduto e non ripetere la parte centrale del lavoro dell'eremo.

Miracolo con gli ospiti
Albero, tempera 15x35. GZ 7657. Parte del limite.
Quando entri nella trama dell'eremo, i dipinti sono stati definiti come genere, e sotto il nome "Shop" è stato incluso nel gatto. 1958.
La corretta decodifica della trama appartiene a Gukovsky (1965, 1969). Come fonte, si rivolse alla "rappresentazione di una delle meraviglie del corpo di Cristo" - un libro pubblicato a Firenze alla fine del XV secolo. E ora conosciuto in tre copie (una - nella Biblioteca di Corsini, Roma, due - nel campo. Trivulzio, Milano). Il libro è composto da sedici pagine ed è una specie di "scenario" di una di quelle idee che sono state spesso giocate a Firenze nell'epoca del Rinascimento.
Tre episodi sono raffigurati sull'immagine dell'Hermitage. Nel lato sinistro di Gulslmo Jambekkari, bere vino, perde nell'accuratezza del denaro. Nella parte destra, la moglie di Gullezzante arriva al roshchik ebraico per comprare un vestito depositato con suo marito. Roshovist Manuel chiede che la donna lo porta in cambio di vivere (la nuvola per la comunione). È immediatamente rappresentato come Manuel brucia il portò il vivo sul Roaster, la puzzle con una spada, e un miracolo accade: la nuvola, simboleggiando il corpo di Cristo, inizia a sanguinare.
L'incisione su un albero che illustra la "immagine di una delle meraviglie del corpo di Cristo", che Gukovsky rispetto al frammento dell'Hermitage, è molto vicino alla parte giusta della foto, quindi ha suggerito che l'incisione serviva come prototipo di Una pittoresca decisione (gioco: Goukovsky 1969, figura 2).
Gukovsky ha ritenuto che, a causa di una piccola dimensione, questo lavoro potrebbe essere un limite di un piccolo altare portatile, ma è piuttosto servito la decorazione dei mobili.
Secondo Gukovsky, l'autore del "Miracle from the Guest" è stato contabilizzato, o qualcuno degli artisti del suo laboratorio. Tuttavia, questo è contrario al confronto con il limite per la trama "Decaction of the Hotels" (Galleria nazionale, Urbino). La chiarezza e la novità nello spazio dell'edificio alla precisione è molto diversa da una soluzione più conservatrice di spazio nella produzione di eremitage. Origine: post, nel 1933 dal campo. B. N. Chicherina a Leningrado.
Cataloghi hemitage: gatto. 1958, p. 142; Gatto. 1976, p. 117.
Letteratura: Gukovsky M. A. Il cosiddetto "negozio" dell'Hermitage e il suo probabile autore. Tesi dei rapporti di sessione scientifica, dedicati ai risultati del lavoro dell'Ermitage di stato per il 1965. L, -m., 1966, p. 39-41; Goukovsky M. A. A rappresentanza dell'eremo e il suo possibile autore.- The Art Bulletin, 1969, 101, p. 170-173.

Maestro del trittico Imole
Ha lavorato nella prima metà del XV secolo. Scuola di Emilia. Testato l'influenza dei maestri veneziani e dei miniaturisti lombardi. Il gruppo di opere di questo maestro, vicino ad Antonio Alberti, è stato evidenziato da Padovani sulla base di somiglianza con trittico "Madonna con un bambino, St. Christina e Peter Martyr "dalle colonne. Pinakoteki Imola (vedi: Padovani 1976, p. 49-0).
Madonna con un bambino, Giovanni il Battista di Antonle Abbat
Albero, tempera 43,5 × 29,5. GE 9751 nella parte inferiore del diritto alla MADONNA CLOOR inintelligibile Firma finta e la data del MSSS. Nell'angolo in alto a sinistra sul rotolo del Profeta Isaia: IAE ..ppfte. Nell'angolo in alto a destra sul rotolo del Profeta David: DAVT PPFTE. Sul libro nelle mani del Dio del Padre: Ego Sum / Lux MN / DI QUI Sequetn / Me N..AMBU / LAT I TE / NEBR; s. (Sono la luce del mondo, che mi seguirà, non camminerà nell'oscurità). Il Vangelo di Giovanni, 8, 12. Sul rotolo nelle mani di Giovanni Battista: Esse Agnus Dei (CE Agnello di Dio). Vangelo da John, 1,
29, 36. Sullo stesso rotolo, i resti delle lettere del suo nome: Ogah.
La firma e la data si riferiscono al XIX secolo, che dimostra la presenza di proteine \u200b\u200bdi zinco nella vernice. In fondo sotto lo strato di vernice, sul quale c'è una firma e una data, non vengono ripetute.
La composizione è costruita in modo che un'inquadratura tricottata ornamentale separa i profeti da altri personaggi; Pertanto, è stato dimostrato che i profeti di Isaia e Davide precedono Cristo e allo stesso tempo prevedono la sua apparizione nel mondo.
Dio-padre indica il bambino, spiegando il gesto a cui le linee evangeliche sono disegnate, disegnate sul libro.
L'immagine è arrivata come un'opera di un sconosciuto artista nord-maliano XV secolo. Può essere definito come il lavoro del Master di Trittico Imola, in quanto scopre la stretta somiglianza con un certo numero di dipinti attribuiti a lui. Questo è "Natale" (nel 1910 fu l'antiquario Paolini a Roma; Gioca: Padovani 1976, figura 38); "Benvenuto Magnies" (Coll. Kister, Crazlingen, Gioca: Padovani 1976, Fig. 39); "Madonna Himphenia" (Cassiere di Risparmio, Ferrara, Gioca: Padovani 1976, Fig. 33).
Non solo i singoli dettagli sono ripetuti, ma è molto più importante, in tutte queste opere c'è un singolo inizio stilistico. Artista provinciale, che era il Maestro del trittico Imola, che lavora già nella prima metà del XV secolo, preferiva una soluzione extra-promozionale allo spazio. Le figure sono inerenti a una rigorosa verticale, leggermente ammorbidenti da una leggera inclinazione delle teste, il viso viene disegnato duro e attentamente. Spesso è stato introdotto rosso rubino come un accento di colore (nell'immagine dell'eremo - Queste sono le vesti del Dio Padre e dal Battista).
Data - 1430, - Lo svuotamento proposto per il "Natale" e "Adorazione dei Magi", per analogia può essere accettata per "Madonna con i bambini e i santi".

Maestro della coppia sposata Datini Maestro dei Coniugi Datini
Ha lavorato nella seconda metà del XIV secolo. Scuola fiorentina.
Benedizione Cristo.
Albero, tempera Diam. 43 (TDDO). GE 270. Top della croce dipinta.
Nel XIV secolo In Toscana e, in particolare, a Firenze, le croci dipinte con l'immagine del crocifisso sono state diffuse. Spesso in cima sono stati decorati con medaglioni con una semi-imaging di una benedizione di Cristo. Un tale appuntamento aveva anche un Tondo Hermitage. L'iconograficamente Benedizione Christ si riferisce al tipo di tipo di Pantokratcher (vedi: Lexikon der Christlichen Ikonographie. ROM; Friburgo; Basel; Wien, 1968, 1, S. 392-394).
Tondo entrò nell'eremo come un'opera di un maestro toscano sconosciuto del XIV secolo. Cerchio Jotto. Secondo le informazioni fornite nel gatto. 1922, Aininav attribuito mod Tommazo Gottino e Lipgart - Bernardo Dudy. Lazarev (1928) riteneva che il lavoro sia stato condotto sotto l'influenza diretta di Jotto, e datato 20 anni del XIV secolo.
In gatto. Il frammento del 1958 e del 1976 è entrato come il lavoro della scuola di Jotto: Ambrogo di Bon ha fatto (?). Corti (1971) ha pubblicato l'Hermitage Tddo come un'opera di un maestro storico sconosciuto della seconda metà
XIV. Boskovic (1975) lo includeva nella lista delle immagini di Pietro Nellie. Con questa attribuzione, Tartuferi ha concordato (1984). Come analogia, ha portato un medaglione con l'immagine di una benedizione Cristo, il "crocifisso" finale dalla Chiesa di San Donato a Piezho, Piere, Scuola di Pietro Nellie. Notando un'immagine molto più alta di qualità dell'eremo, Tartuferi indicò la somiglianza nell'interpretazione dei capelli, dei vestiti e degli ornamenti. Su questa base, ha suggerito che i maestri procedessero da un prototipo, inoltre, possibilmente da un disegno.
Belleosi (1984) attribuiva il Tondo dell'Hermitage all'artista, che ha convenzionalmente chiamato il "Maestro della Cena di Datini" nella foto "Trinità" (Capitol Museum, Roma), su cui c'è uno stemma mercantile da Prato, Francesco Datini, e lui stesso, il suo coniuge e la reception, la figlia è raffigurata da albero motore ai piedi del crocifisso. Per la pittura capitale, Belleosi ha offerto una data circa 1400. Secondo lei, "Maestri del coniuge delle oche Figh Datini" potrebbe essere Tommaso del Mazzo, che ha collaborato con il Pietro Nelly, e successivamente - circa 1391 - da Niccolo di Niccolo di Pietro Jerini, o Giovanni di Tano Fairy, ha lavorato per la famiglia Datini. La somiglianza tra Dio del Padre sull'immagine del Capitol e una benedizione Cristo sull'Hermitage Tordo è così grande che l'appartenenza di entrambi i lavori nello stesso maestro di dubbio non causa. L'ipotesi Belleosy sembra essere piuttosto convincente. Origine: post, nel 1910 dei tempi. In precedenza: Mach a San Pietroburgo
Cataloghi hemitage: gatto. 1958, p. 93; Gatto. 1976, p. 91.
Mostre: 1922 Petrograd, n. 3 Letteratura: Prokhorov 1879, n. 2; Guerrieri 1922, p. 76; Lasareff 1928, r. 25-26; Corti G. sul Com- Merio Dei Quadri A Firenze Verso La Fine del Secolo XIV.- Commentari, 1971, 22, p. 86; Bos- Kovits 1975, p. 420; Tartuferi A. Due Croci Di-Pinte Poco Nota del Treceno Fiorentino.- Arte Cristiana, 1984, Gennaio - Febbraio, p. 6; 12 nota 16; Bellosi L. Tre Nota a Margine A Uno Studio Sull'Arte a Prato.- Prospettiva, Aprile 1983 - Gennaio 1984, 33-36, pag. 46.

Maria della Coronazione Maria dalla Chiesa Chiesa
Maestro dell'incoronazione Christ Church
Ha lavorato nella seconda metà del XIV secolo. Florensk School. Questo nome condizionale è stato proposto da offerer (1981) per le opere di un seguace sconosciuto dei fratelli di Chione che si sono raggruppati intorno alla "Coronazione di Maria" dalla Chiesa Chiesa di Oxford.
Coronazione Marin.
Albero, tempera 78.5x49.7. GE 265. Top arrotondato
Sul John: ECC / E / AG / NVS / VOX (CE AG / NVS / VOX (CE) [Blatant nel deserto]). Vangelo da Giovanni, 1, 29; Da Matteo, 3, 3. Nella parte inferiore del tabellone tra lo stemma delle famiglie fiorentine SERIBORP e Gerandsca: AVE. Gratia. Plena Domin ... (Rallegrati, Graciaci! Signore ...). Vangelo di Luca, 1,
28. Sul retro delle schede, l'iscrizione, che è attualmente letto solo nei raggi infrarossi: Les Armes ... Sont de la Maison de Seristori ... Autres Sont de Gheradeschi de Firenze. Ecole de Toscane (questo è lo stemma delle case del serristorio, un altro Gerandsca da Firenze. Scuola Toscana).
La scheda semicircolare superiore, che raffigura un crocifisso con Maria, John, St. Francis e St. Dominica, era collegata alla base di una cornice patch successiva.
La composizione centrale rappresenta l'incoronazione di Maria per tipo, che si è sviluppata nella pittura fiorentina della seconda metà del XIV secolo. Ciò corrisponde alla posizione delle figure di Cristo e Maria seduta (senza un trono visibile) sullo sfondo del tessuto riccamente ornato, il completamento acuto della corona, isolamento dei principali attori dai santi di un certo incorniciato condizionale, a cui il drappo è allegato.
Secondo Officon (1981), ci sono secoli alla scena di incorporazione. Paul, St. Matteo, Sconosciuto Santo, St. Bartolomeo, IoApn Baptist, St. Louis Tolosa (nel lato sinistro della composizione); sv. Andrei, St. Peter, St. Catherine, due santi vescovi, St. Jacob (nel lato destro della composizione), due Muzitsy Angel.
L'immagine è venuta come un'opera di un artista fiorentino sconosciuto XIV. Lazarev (1959) ha scoperto che potrebbe essere attribuito alla scuola di Bjonde. Offerner (1981) attribuito al suo padrone di Coronaling Mary dalla Chiesa Chiesa. L'analogia più vicina dell'immagine dell'Hermitage è "incoronazione della Madonna" dal primo. Cattedrale LUIGZHP Bellini a Firenze (Play: offerer 1981, fig. 53). In entrambi i dipinti, il tipo di persone, modelli di tessuto, strumenti musicali nelle mani degli angeli sono ripetuti.
Origine: post, nel 1899, Dar ex. Direttore dell'Hermitage I. A. Vsevolozhsky. In precedenza: Contro. Barona P. K. Meyendorf a San Pietroburgo.
Cataloghi hemitage: gatto. 1900-1916, n. 1851 letteratura: Lazarev 1959, p. 296, ca. 311; Offerner 1981, r. trenta

Maestro da FUCECCIO.
Ha lavorato nel mezzo del XV secolo. Scuola fiorentina. Lo pseudonimo per questo artista, le cui opere di cui più spesso includevano la lista di opere di Francesco D'Antonio, è stata proposta da Van Marle (vedi: Marie R., Van. 1937, 16, pag. 191-192). Ha sperimentato l'influenza dei primi lavori dei pittori Mazacho e Siensky. Collaborato con Paolo Schiavo. A volte i maestri di Fuceccio sono associati al Maestro del Casson di Deli Adimari.
Madonna con un bambino e due angeli
Albero, tempera 49 × 35. GE 4113 Quando entra nell'eremo, l'immagine è stata inclusa nell'inventario come un pezzo di Giovanni Bloketya da Kamenino.
"Madonna con un bambino e due angeli" costituisce una stretta analogia di lavoro legata al lavoro del Maestro di Fuceccio. Nei suoi dipinti, un tipo completamente speciale di faccia femminile con un naso dritto, una bocca piccola, capricciosamente definita, e un round, come una mela, mento ("Madonna con bambino e angeli", posizione sconosciuta, gioco: Fremantle 1975, no . 1142; "Madonna con un bambino e angeli", gioca. Ibid., No. 1143; In quest'ultimo caso, il gesto del bambino che tiene la madre per il collo è ripetuto). Le figure degli angeli, migliorando le mani sul petto, la loro grazia e contorni di sottigliezza confermano il contatto del Maestro con campioni di arte vista.
Origine: Post, nel 1922 dal Museo del Palazzo Stroganovsky a Petrogrado.

Maestro da Marredy.
Ha lavorato alla fine del XV secolo. Scuola fiorentina. Lo pseudonimo è stato proposto da Dzerna sulla base di un gruppo di lavori nella chiesa della Badia del Bogo vicino a Marradi (vreta: Zeri F. La Mostra "Arte a Valdesa a Cerialdo" .- Bollettino d'Arte, 1963, 48, Lumino - Settembre, p. 249, Nota 15). Maestro da Marrei è l'artista del cerchio di Domenico Girondayo, che ha lavorato circa il 1475 a Firenze e nei suoi dintorni. Scribato i cassoni, mostrando punti di contatto con l'arte di Bartolomeo di Giovanni. A seguito della fase successiva della creatività (circa 1490), Piero della Francesca ha sperimentato l'influenza di Piero.
Madonna a Glava.
Temperature di tela 80 × 48. La Madonna GE 4129 è rappresentata in Gloria, a Manterel, circondata da Cheruvimov. Il tipo di composizione simile iconografico è strettamente chiuso con la "Ascensione della Madonna", quando Maria fu spesso ritratta anche seduto, in una posizione strettamente frontale, con mani piegate di preghiera, a Mandorle sostenute dagli angeli (ad esempio, l'affresco di Antonio Venetsiano "Ascensione Madonna", Monastero di San Tommazo, Pisa).
L'immagine è entrata nell'eremo come un'opera di una matrice fiorentina sconosciuta della seconda metà del XV secolo.
Ora l'attribuzione esistente è stata proposta per via orale indipendentemente da M. Laklot ed E. Faim.
L'analogia più vicina a Madonne in Glory è un'immagine sullo stesso appezzamento del campo. Istituto Kurto a Londra (Play: Fahya E. Alcune foto dei primi italiani nella collezione Gambier-Parry.- The Burlington Magazine, 1967, marzo, p. 135, malato 31). La somiglianza del modo pittoresco si manifesta nell'interpretazione del volto della Madonna, nel trasferimento di round, fitte nuvole e mandorla sotto forma di raggi d'oro sottili, nell'interpretazione delle pieghe di abbigliamento. Tuttavia, la postura di Mary sull'immagine dell'Hermitage è diversa dalla posa della Madonna della Madonna dell'Assemblea di Londra.
Origine: Post, nel 1926 dal Museo del Palazzo Stroganovsky a Leningrado

St. Christopher.
Albero, tempera 108 × 46. GE 5504. Completamento del montato. Telaio polittico.
Sulla sfera in mano nel neonato: Asia / Africa / Evropa.
Secondo Legend, St. Christopher ha subito un bambino di Cristo attraverso il fiume. L'artista mostra gli interessi degli interessi caratteristici dei tardo seguaci di Jotto: raffigura una varietà di pesci che ammettendo in acqua (simboleggiano le forze del male), mostrando, insieme a mangiare e pattinare, fantastici pesci toothy con una pinna, che ricorda l'ala dell'uccello . Bambino da rimanere sulla spalla di Santa Re Christopher, afferrò il filo dei suoi capelli.
Alla mostra 1922 "St. Christopher "è stato esposto come un'opera di un artista sconosciuto (nord-thalian?) Artista della metà del XIV secolo. Nel catalogo della stessa mostra, l'opinione dei Lipgarta, che considerava un frammento del lavoro del cerchio di Gaddi. I guerrieri (1922) hanno anche preso il lavoro per la scuola toscana, chiedendolo un cerchio di Jotto.
Forse i diritti di M. Gregory (oralmente, 1985), esprimendo l'ipotesi che Lorenzo di Biccchi potesse essere l'autore di questa fascia; Questo non contradditto l'attribuzione di Lipgart.
Certa stile stilistico "St. Christopher "scopre con" St. Mikhail "Sulla fascia dell'altare dalla chiesa di Santa Maria Assunta, Loro Chuffenna (Play: Fremantle 1975, Fig. No. 848). Le somiglianze possono essere annotate nella formulazione della figura e nell'interpretazione delle forme, in particolare delle gambe, leggermente traslucide attraverso abbigliamento corto. In entrambi i casi, è raffigurato un corto mantello con un modello particolare di pieghe sul fondo.
Il frammento dell'Hermitage fu creato da un artista che conosceva il suo artigianato bene: cerca abilmente l'impressione del volume di figure, un po 'rigidamente, ma simula chiaramente viso, capelli, vesti. Tutto ciò non contradditto il modo Lorenzo, ma lo stilistico livellamento dell'arte dei tardo seguaci di Jotto non rende possibile finalmente insistere per conto di Lorenzo di Beatchi. Origine: post, nel 1919 dal dipartimento di protezione dei monumenti. In precedenza: Contro. A. K. Rudanovsky a St. Petersburg Mostre: 1922 Petrograd, n. 17 Letteratura: Guerrieri 1922, p. 76.

Madonna con bambino, santo angeli
Albero, tempera 52 × 36,5 (Nella cornice gotica - 92x54, l'inquadratura è coperta con un nuovo oro). GE 5505.
Sulla scorrimento nella mano di Giovanni: Esse AG ... (CE Agnello]). Vangelo da John, 1, 29, 36
Madonna è raffigurata seduta sul trono con un bambino tra le sue braccia, vicino al trono nel lato destro della composizione è rappresentato da St. Peter, Arcangelo Mikhail, St. Elizabeth e Angel; a sinistra - Sv. Christopher, John the Baptist, St. Catherine e Angel. Nella parte superiore - Cristo su un terribile campo.
L'immagine, che è entrata nel museo come un'opera di un maestro sconosciuto di Siena dell'inizio del XIV secolo, scopre la somiglianza con le opere attribuite al Pietro Jiorentzetti, o al cosiddetto Maestro del Diaphon Altar. Sotto questo pseudonimo di Dio (vedi: Dewald E. T. Pietro Lorenzetti.- Studi artistici, 1929, p. 154-158) Raggruppate numerose opere, Stylistically Chiudi Trypth dal Museo di Digione (44x50). In precedenza, erano principalmente attribuiti al Pietro Lorenzetti, e in seguito molti scienziati hanno continuato a considerare l'altare del suo lavoro (vedi: Laclotte M. de Giotto a Bellini. Les Primitifs Italiens Dans Les Musees de France. Mai - Juillet 2e ed. Edizioni Des Musees Nationaux, 1956, p. 11-12). In gatto. 1922 È stato notato che, secondo Livaright, l'autore dell'hotel Hermitage è Pietro Lorenzetti. Lazarev (1959) riteneva che questo sia il primo lavoro del Maestro del Dijon Altar. In gatto. 1958 "Madonna con un bambino, santo e angeli" è inclusa come un'opera del Maestro dell'altare del Dijon, e in Cat. 1976 - Come appartenente al cerchio di Pietro Lorentzetti.
Ho lasciato il posto alla qualità, il lavoro dell'Hermitage è in gran parte (composito, dal tipo, dalla comprensione dello spazio) ricorda diverso dall'altare Dijon, "Madonna con un bambino, santo e angeli" (Museo di Polonia Petzoli, Milano, 55x26), "Madonna con un bambino" (Coll. Burnson, Firenze) Pietro Lorenzetti e Madonna con bambino, santi e angeli "(Walters Art Gallery, Baltimora); La maggior parte dei ricercatori attribuisce l'immagine di Baltimora di Pietro Lorenzetti.
Sembra possibile attribuire l'immagine dell'Hermitage al cerchio di Pietro Lorentzetti e dall'alba con la fine dei 1330 - l'inizio del 1340.

St. Romuald.
Albero, tempera 122.5x42.5. GE 271, Smow Room to Ge 274. Parte del Polipic.
Apostolo Andrey.
Albero, tempera 122x42. GE 274, Smow Room to GE 271. Parte del Polipic.
Nel 1910, tre frammenti sono stati iscritti a Hermitage, che nel gatto. 1912 sono stati inclusi come opere di un maestro di Firenze sconosciuto XIV secolo.
Due tavole - "Apostolo Andrey" e "St. Romuald "- rimasto nell'eremo, la terza -" Madonna con un bambino e angeli "- nel 1924 fu trasferito a GMII (PNV. No. 176, 164 × 92).
Anche se nel gatto. 1912 Tutte e tre le parti del Polipic sono state riprodotte nelle vicinanze, è sconosciuta, se sono riconosciuti che costituiscono un'immagine di altare singolo. In futuro, Lazarev (1928, r. 31), che ha determinato l'immagine di Mosca come un'opera di cristiana, non considerava la fascia con l'immagine dei santi come appartenenti allo stesso polipliale. Più tardi (1959) fu attribuito alla loro scuola Nerda di Chion, forse Jottino. Conformemente all'attribuzione di Lazarev, i flaps sono stati inclusi nel gatto. 1958 Come lavorare a Nerda di Chion con una domanda.
Al piccolo Oeuvre Christian officon (offertore R. a raggio di luce su Giovanni del Biondo e Niccolo di Tommaso.- Mitteilun- Gen Des Kunsthistorischen Institutes in Flo-Renz, 1956, 7, S. 192.) Aggiunto due immagini - "St . Bartolomeo "e" St. Dominic "Dal Museo di Bandini a Fyezol (122 × 42,6 ciascuno).
Infine, Dzheri (1961) attribuita correttamente alle opere dell'Hermitage cristiana e sulla base dell'articolo di Offline ha ricostruito completamente il polittico in cinque parti, la parte centrale della cui parte è in GMIA, due alette sinistro nell'eremo, due a destra Il Museo Bandini. Il fatto che costituiscono un intero intero dimostrano non solo i momenti formali - le stesse dimensioni dei lembi laterali, l'ornamento del tessuto sotto i piedi dei santi, una diffusione di tre solidi solide delle figure al centro, ma anche Le caratteristiche stilistiche dell'arte di Giovanni di Bartholomeo. Figure leggermente allungate in cui, tuttavia, non c'è nulla della fragilità del gotico, differisce nella chiarezza scultorea dei volumi e quasi interamente riempiono lo spazio. Le pieghe dei vestiti si sdraiano in un ritmo geometricamente applicato. L'equilibrio logico ha notato non solo la costruzione composita, ma anche la soluzione di colore del Polpicy. Abbigliamento SV. Romuald e St. Dominica, chiudendo l'altare, è incolto (Dominica è ancora sagomata con un mantello nero), e l'elegante broccato del SV. Bartolomeo è armonizzato con un abbigliamento rosa verdastro di S.. Andrei.
Dzheri (1961) riteneva che fosse raffigurato non sv. Romuald e St. Benedetto. St. Romald - Il fondatore dell'Ordine del Kamaldolov, che ha seguito le regole dell'Ordine di Santa St. Benedetto. Entrambi potrebbero essere rappresentati nella veste monastica bianca con lo staff del libro nelle mani. Origine: post, nel 1910 dei tempi. In precedenza: Max a San Pietroburgo, acquisito per Mach by Vice President Ah Knyazh, G. Gagarin nel 1860.
Cataloghi hemitage: gatto. 1912, № 1976, 1975; Gatto. 1958, p. 140; Gatto. 1976, p. 89-90 Mostre: 1920 Petrograd; 1922 Petrogrado, n. 9, 10 (santi nel catalogo della mostra non sono nominati in modo errato - St. Jacob e St. Bernardine).

Madonna con un bambino sul trono, St. Nikolai, St. Laurentia, Giovanni il Battista con St. Jacob Younger.
Albero, tempera 132 × 162. GE 6443. Le scogliere a cinque parti.
Sul palco della firma del trono: Iohas in .. .tholfe fecit. Sul rotolo di Giovanni Battista: ECCE / AGN / DEI / QUI / TOLLI .. ./PEC.../ (CE Agnello di Dio, che si prende il peccato [del mondo]). Vangelo da Giovanni, 1, 29 Nonostante la firma, l'autore del Polipic non è stato definito immediatamente; I flussi dello strato colorato su una crepa passano attraverso il centro della firma, complicata la sua lettura. Basta leggere solo la prima parola - Giovanni e l'ultimo - ha fatto (fecit).
Al momento dell'ammissione al museo, Polittych è stato definito come il lavoro dei Maestri Toscani del XIV secolo, poi Giovanni Menabop.
Ci sono tre opere di abbonamento di Giovanni di Bartolomeo: Polyptih "Evangelist John e otto scene della sua vita" (Chiesa di San Giovanni Furichivitas, Pistoia, date. 1370); "Madonna con un bambino e sei angeli" (museo urbano, preparare), "Madonna con un bambino" (Coll. Rivuti, Biella, dates. 1390).
Attualmente, l'Hermitage Polyptih, che rileva la prossimità stilistica per le opere del cristiano, può essere aggiunta a questo gruppo di lavoro, ma ciò che è particolarmente importante - la firma su di essa coincide con la firma dell'artista sul Polpicy Polpicy. Il confronto stilistico mostra che l'eremitage in Poliettih è stato creato un po 'più tardi rispetto al Phneasky, forse nella seconda metà del 1380. L'artista ha cercato di rigorose forme geometrate di equilibrio di P per pulire combinazioni di colori sonori.

Crocifissione con Maria e John
Albero, tempera 85.5x52.7 (nel frame gotico-103 × 57.7). GE 4131 sul segno della croce: i.n.r.i. Sotto sul telaio: Pater Noster Qvies Incielis San- Tifi (nostro padre, in paradiso). Vangelo da Matteo, 6, 9
Nel catalogo scritto a mano della raccolta del conte P. S. Stroganova (1864) "Crocifisso" è stato elencato dal lavoro di un seguace sconosciuto di Jotto XIV secolo.
M. I. Shcherbacheva (oralmente) attribuito l'immagine di Giovanni Dal Ponte; Questa attribuzione si riflette nel gatto. 1958 e 1976.
Tuttavia, l'autore del "crocifisso" non è Giovanni Dal Ponte, che aveva sperimentato la forte influenza di Lorenzo Monaco e ha sviluppato tradizioni gotiche a Firenze, e Niccolo di Pietro Jerini. Questo artista, secondo Lazarev, "rende la tradizione di Jot-Teskov nel XV secolo. come nessun altro, contribuendo alla sua degenerazione nel sistema accademico, senza vita e schematico "(Lazarev
1959, p. 92).
Sono i limiti del repertorio dell'artista nel campo della composizione, dei tipi e dei gesti, ha facilitato la definizione del nome dell'autore del lavoro dell'Hermitage, che è un'analogia diretta per "Crocifissione con Maria e John e St. Francis "(National Pinakotek, Siena, Inv. No. 607, 122 × 64).
La differenza più significativa tra i dipinti di Leningrado e Siena è ridotta al fatto che nell'ultima Madonna e Giovanni non sono in piedi, ma si siedono ai piedi della croce e dalla figura di St. Sv. Francis, abbracciando una crocifissione.
Niccolo di Pietro Jerini agisce come un seguace tardivo di Jotto. La convenzionalità dello spazio e dello sfondo dell'oro con lui è particolarmente chiaramente contrasta con una soluzione sottolineata di volumi.
Boskovic datato la foto Siena 1390-1395 (Boskovits 1975, r. 415). Lo stesso incontro può essere accettato e per il lavoro dell'eremozione appartenente a un modo maturo maturo, che è diverso nel colore e nel disegno trasparente. Origine: post, nel 1926 dal Museo dello Stroganovsky Palace. In precedenza: Contro. Conta P. S. Stroganova, acquistato nel 1855 a Roma a Troy per 200 franchi.
Cataloghi hemitage: gatto. 1958, p. 90; Gatto. 1976, p. 89.
Letteratura: Kustodiyev T. "Crocifissione con Maria e Giovanni" Niccolo di Pietro Jerini. - SGE, 1984, [Problema] 49, p. 4-5.
Giovanni di Bartolomeo Christiani Giovanni di Bartolomeo Cristiani
Ha lavorato nel 1367-1398, nato in pistay. Scuola fiorentina. Testato l'influenza di Mazo di Banko e Nerda di Campon.

Evangelist Matthew (?), St. Nikolai (?), St. Victor (?), St. Louis Toulouse, Evangelista Mark
Albero, tempera 94 × 29 (dimensione di ciascuna fascia). GE 5501.
Cinque Polyty Polysty. Tutte e cinque le schede hanno un numero di inventario.
Non è noto come la polittiglia guardava la forma iniziale, e tutta la fascia ci ha raggiunto. In questo lavoro - nella formulazione delle figure, nella grazia, con quali movimenti di teste e mani vengono trasmessi, nella dipendenza dai tessuti riccamente ornamenti, in una combinazione di colori estremamente squisita - le caratteristiche del gotico internazionale sono chiaramente evidenti.
Benua nella prefazione al gatto. 1922 ha scritto sull'appartenenza dei cinque santi "un padrone di prima classe dal cerchio di influenza Gentile Sì Fabrpano (la possibilità della possibilità che siamo opera del Maestro stesso)" non è escluso. Questa opinione sembra abbastanza convincente, soprattutto dopo il restauro di recente prodotto, come risultato della quale la ricchezza cromatica e la finezza del sapore si aprì.
Gentile da Fabryano (circa il 1370-1427) era uno dei maggiori rappresentanti dello stile del gotico internazionale. Ha lavorato nel campo del marchio, Venezia, Bresche, Firenze, Siena, Roma.
In gatto. 1922 mostra le opinioni di diversi ricercatori sulla paternità del lavoro dell'eremo. Zhardansky ha parlato a favore di Gentile stesso, Aininov - Bopfles umbro. Lipgart credeva che POLIPTIH potesse essere creato da Pietro di Domenico Montepulnia. I guerrieri (1922) fecero una foto in un cerchio di Gentile da Fabryano.
In gatto. 1958 e 1976 Polysies sono inclusi come un'opera di un artista sconosciuto del XV secolo XV di Dalmato-Venetian, che indica che questo lavoro è vicino alla cerchia del Maestro Veneto di Michele Dzhamborso, anche che ha sperimentato l'influenza di Gentile e Fabrpano.
Ovviamente, l'idea della vicinanza a Dzhamboro ha portato Polipypes di questo artista dal Museo della città a Fano o la fascia di polittico con l'immagine di St. Jacob (Abbonamento) dalle colonne. Accademia a Venezia. In queste opere, c'è una certa somiglianza con le figure dell'eremo della formulazione delle figure sulla configurazione del supporto e nell'interpretazione delle pieghe, ma un altro tipo di persone e le forme stesse sono squat e pesanti.
I nomi dei due santuari non sono dubitati: è St. Louis Tolosa (o Anjui) è un vescovo francese in un mantello, decorato con gigli reali, e con la corona ai piedi, così come il marchio evangelista, vicino al quale è visibile un piccolo leone.
La definizione del resto dei santi è controversa. Santo con un perno nelle sue mani nel gatto. 1958 e 1976 di nome Victor. Ma nessuno dei santi italiani con questo nome aveva un attributo della macina. Un raro francese Saint-Victor Marseilskpi potrebbe essere rappresentato con Herrow, ma è stato raffigurato sotto forma di un cavaliere con uno striscione che assomiglia alla sua comparsa di Santa Re Giorgio. Tra i santi, venerato in Italia, Panteleimon potrebbe essere rappresentato con Herrow. Ma di solito è stato sottolineato che in primo luogo guaritore, e nelle sue mani questo giovane dai capelli scuri ha tenuto una scatola con le pillole come Sv. Falciare e st Damian.
Secondo la logica composita, un paio di sv. Il marchio dovrebbe essere qualcuno dagli evangelisti. Poiché, oltre alla penna e al libro, il santo non ha altri attributi, è molto probabile - Matteo: quando tutti e quattro gli evangelisti erano raffigurati, Matteo, di regola, ha tenuto un libro.
Il Santo Vescovo è nominato in gatto. 1958 e 1976 Nikolai, che è del tutto possibile, anche se per la completa fiducia non ci sono abbastanza ordinari per Nicholas di palle dorate.
Origine: post, nel 1919. Prima: Contro. A. A. Waykov a San Pietroburgo.
Cataloghi hemitage: gatto. 1958, p. 142; Gatto. 1976, p. 117.
Mostre: 1920 Petrograd, p. cinque; 1922 Petrogrado, n. 23-27.
Letteratura: Warriors 1922, p. 76.
Citato dal 1392 al 1411. Uno studente di suo padre, Niccolo di Pietro Jerini, ha lavorato nel suo laboratorio. Ho provato l'influenza di Spinello Aretino, con cui ha collaborato, e Lorenzo Monaco. Ha lavorato principalmente a Firenze e San Jimignano, così come a Corton.

Natale Natale.
Tela (tradotta da un albero nel 1909 I. Vasilyev), tempera. 213 × 102. GE 4153.
Sul Nimbe Madonna: Qvia ex Ortvs Est Sol Ivsticie Crist (per il sole del sole è aumentato da te). Sulla diluizione del vestito: ETS BenedicTVS FRV (frutta benedetta). Sul polso delle maniche: tyi ihs ([grano] tuo - Gesù). Il Vangelo di Luca, 1, 42. Sul rotolo nelle mani degli angeli: Gloria in Excsis DEO (fama nell'alto Dio). Vangelo da Luca, 19, 38; Vangelo da Luca, 2, 8-20.
Nella regione del Palazzo Stroganov 1922 (n. 409), l'immagine è stata elencata dall'opera di un artista tedesco sconosciuto. Ovviamente, questo pensiero ha portato un'atmosfera favolosa, in cui si svolge l'azione, e un po 'dura in alcuni casi (abbigliamento Joseph) interpretazione delle pieghe che assomigliano ai fili di legno.
Quando entra nell'Hermitage, l'immagine è stata attribuita alla scuola scintillante nord della fine
XV - I primi secoli XVI., E nel gatto. 1958 incluso come attribuito a Spunkotti, Artista della Scuola Piemonte. Infine, D. Romano (1970) ha chiamato il nome del genuino creatore del lavoro - Gandolfino e Rogeto - e ha dato un'immagine di un punteggio elevato.
Seguendo la tradizione che prevaleva nella scuola piemontese, Gandolfino tratta il Natale di Cristo come una scena, che si svolge tra le rovine in presenza di piccoli angeli.
L'architettura dilapidata con gli elementi antichi può semplicemente simboleggiare il paganesimo, il cristianesimo arriva a sostituire. Iscrizioni latine incluse nell'ornamento dei vestiti di Maria e disegnati sul rotolo nelle mani degli angeli salutari, glorificano il neonato. L'artista mostra un grande interesse in dettaglio (in particolare, un portafoglio riempito sulla cintura di San Giuseppe), molti di loro sono dotati di un significato simbolico. Joseph tiene un personale con un abdamper sotto forma di salamandra - uno dei simboli di Cristo (Vangelo di Luca, 12, 49). L'antica idea della invulnerabilità di Salamandra nel fuoco e la sua intimità ha portato al fatto che nell'arte del Rinascimento iniziò a percepirlo come una castità di impersonizione (vedi: Lexikon der Christlichen Ikonographie. Rom; Friburgo; Basilea; Wien, 1972, 4, S. 11). Repelik - un pizzico di peccato originale, che è destinato a riscattare Cristo.
Con decisione della composizione, delle immagini e dell'architettura, l'immagine dell'Hermitage è vicina al lavoro sullo stesso terreno dalla Chiesa di Santa Maria Nova ad Asta.
Origine: Post, nel 1926 dal Museo del Palazzo Stroganovsky a Leningrado.
Cataloghi hemitage: gatto. 1958, p. 181: gatto. 1976, p. 83.
Mostre: 1984 Leningrado, n. 2 letteratura: Romano G. Casalese del Cinquecento. L'Avvento del Manierismo in UNA Citta Padana. Torino, 1970, p. 22.

Madonna con neonato e angeli
Tela (trans. Da un albero nel 1860 Taburtov), \u200b\u200btempera. 94,5 × 82,5. GE 276.
Sulla Nimbe Madonna: Ave Maria Gratia Plena Do ... (Rallegrati, Marna, Gracious, [Signore con te]). Vangelo di Luke, I, 28. Sul Nimbe Bambino: Vere Filio Aisum Auu (vero figlio, gloria). Sullo scrollhead nelle mani del bambino: Ego S / um Lux / Mundi / Veritas / et Vita (leggero il mondo ... verità e vita). Vangelo da Giovanni, 8, 12; 14, 6.
Nel tipo di persone Madonna e Angeli, in una composizione rigorosa ritmica, non c'è dubbio, l'influenza di Simone Martini è sentita. Tuttavia, la comprensione della forma è diversa, i volumi sono simulati non così delicatamente, il contorno diventa più chiaro e predominante. L'immagine era programmata per il gatto. 1916 (sotto il n. 1999) come il lavoro di un artista fiorentino sconosciuto del XIV secolo, ma non ha inserito questa directory.
Shcherbacheva (1941) ha determinato correttamente che il lavoro è stato creato dal Maestro Siena
XIV. Con il suo autore, considerava Chekcarelli e incontri "Madonna con un bambino e angeli" 1350. L'opinione di M. Laklot e M. Lonjon, che (oralmente), sembra considerare l'immagine dal lavoro di Bartolo di Fredi.
L'attribuzione del Bentolo di credit è confermata dal confronto con le opere dell'artista come "St. Lucia "(Museo Metropolitano, New York) e" Benvenuto Pyshilation "(National Pinakotek, Syen). Lo stile può essere datato ok. 1390.
Origine: post, nel 1910 dei tempi. In precedenza: Mach a San Pietroburgo, acquisito per Mach by Vicepresidente Ah Knyazh, G. Gagarin nel 1860.

Madonna con bambino, santo e angeli.
Sul retro del tabellone: \u200b\u200bcrocifissione con Maria P John
Albero, tempera 151x85. GE 8280. La cima è indicata.
Sui gradini del trono Signature: Antonivs De- Florentia. Sul Nimbe Mary: Ave Maria Gratia (rallegrata, Maria, Gracious). Vangelo da Luca, 1, 28.
Sul nimle del battista: s Iovanes Wat ... sul rotolo nella mano di St. John: Esse Angn .. (CE AGN [EC]). Vangelo da Giovanni, 1, 29, 36. Sul Nim di St. Vescovo (Inudibile): s menzogna .. ..vs ..pis. Sul retro delle schede: sulla croce: INRI. Sul Nimbe Mary: Virgo Maria. Sul Nimbe John: Iovanes Vang ... in una fine triangolare nella scena dell'Annunciazione: AVE. Maria. Gratia. Plena (rallegrarsi, Maria, gentile).
L'immagine è Horgwy, che i credenti hanno portato durante i processi religiosi.
Sul lato anteriore nella conclusione triangolare - una benedizione Cristo circondata da Serafimov. Sul retro dei piedi del piede del crocifisso, tranne le figure tradizionali - Mary N John - altri due monaci sono presentati in abiti bianchi con cappucci che coprono le persone in modo che solo gli occhi siano visibili nelle fessure. Sulle spalle di ciascuna di esse - un miglioramento per l'auto-vaccinazione. Dzheri (1980), basato sulle immagini dei monaci, credeva che l'horgwe di Kapuchin appartenesse.
Sopra la crocifissione nella conclusione triangolare è collocata la scena dell'Annunciazione, la cui composizione è interamente ripetuta dal lavoro di Fra Angeliko sulla stessa trama della chiesa parrocchiale Monte Carlo in Toscana.
Nonostante la presenza di una firma, rimane poco chiara chi era l'autore dell'Hermitage Horgwwi. C'erano diversi artisti che si chiamavano Antonio e Firenz. Shcherbacheva (1957) ha suggerito che l'autore dell'icona era Antonio e Firenz, che lavorava alla fine dei secoli XV - primitivi XVI. (Morto circa 1504-1506). Nel 1472, questo maestro di Florentinsk si è trasferito a Venezia. Soggiornare nel nord dell'Italia Shcherbachev ha spiegato la combinazione delle caratteristiche provenienti da Mazacho, Mazolino, Fra Angeli, Kastano con una dipendenza puramente veneziana alla ricchezza di motivi ornamentali, daoni da tavolo colorato, sfondo dorato.
Fiokko (1957) riteneva che il carattere della pittura non ti permetta di prendere il Korougvy oltre i limiti del 1440. Vide ad Antonio e Frenz l'artista che ha sperimentato l'influenza di Kastano II lavorando come mosaicista nel mezzo del XV secolo. a Venezia.
Dzheri (1960) ha confrontato l'icona Hermitage con Trittico "Madonna con un bambino, St. Vescovo P SV. Catherine "(Bernso-on. Firenze), identificando Antonio e Firenz da Antoppo di Yakopo, menzionato nelle liste dell'Ydia Luca nel 1415, e poi nei documenti 1416, 1433, 1442. Il punto di vista di Dzheri sembra essere il più convincente. È stata sostenuta da Gukovsky (1981). Origine: post, nel 1936 tramite LGZK. In precedenza: Contro. M. P. Botkin a San Pietroburgo.

Arte e pittura italiana

La storia dell'arte italiana è l'arte dell'Italia stessa nel tempo e nello spazio. Dopo la civiltà etrusca e soprattutto dopo la Repubblica Romana e l'Impero, che occupavano la posizione dominante in questa parte del mondo per secoli, l'Italia ha preso un posto centrale nell'arte europea nell'epoca rinascimentale. L'Italia ha anche dimostrato dominio artistico europeo nei secoli XVI e XVII Grazie la direzione artistica del barocco. Ha riacquistato la sua potente presenza alla scena dell'arte internazionale dal centro del XIX secolo, grazie a queste aree come McCyayoli, futurismo, metafisica, newsgtytto, spazialismo, arte della credenza e trans-gang.

L'arte italiana ha influenzato alcune direzioni importanti nel corso dei secoli, grazie a lui apparve molti grandi creatori, compresi artisti e scultori. Oggi l'Italia occupa un posto importante presso la scena dell'arte internazionale, ci sono diverse grandi gallerie d'arte, musei e mostre; I centri d'arte significativi di questo paese includono la sua capitale - Roma, così come Firenze, Venezia, Milano, Napoli, Torino e altre città.

"Triumph Galatai" Rafael

Arte etrusca

Figure di bronzo etruscolare e rilievi di sepoltura in terracotta sono esempi di potenti tradizioni dell'Italia centrale, che indebolivano dal tempo a Roma cominciarono a costruire il suo impero su questa penisola. Dipinti etruschi, conservati al nostro tempo, sono fondamentalmente murali di fusione dalle sepolture, principalmente da Tarquinia. Questo è l'esempio più importante della bella arte del Dorim d'Italia, un famoso scienziato.

Gli affreschi sono riempiti nella tecnica della pittura in cima a intonaco fresco, è stato fatto per quando l'intonaco si asciuga, l'immagine divenne parte dell'intonaco e parte integrante del muro che la aiuta a rimanere così buona (e infatti , quasi tutta la pittura conservata etrusca e romana conservata è rappresentata solo da affreschi). I colori sono stati creati da pietre e minerali di diversi colori, che si sono distrutti e mescolati l'uno con l'altro, le piccole spazzole erano fatte di lana animale (anche le migliori spazzole erano fatte di ossido di lana). Dal mezzo del IV secolo aC. L'uso dell'illuminazione per l'immagine della profondità e del volume è iniziata. A volte le scene sono rappresentate dalla vita di tutti i giorni, ma la maggior parte spesso queste sono scene tradizionali mitologiche. Il concetto di proporzione non appare in nessuno degli affreschi conservati, e spesso troviamo immagini di animali o persone con alcune parti non solide del corpo. Uno dei più famosi affreschi etruscasi è il dipinto della tomba della leonessa a Tarquinia.

Arte romana

Roma sotto l'imperatore Konstantino, foto: Campus Martius, Public Domain

Gli Etruschi erano responsabili della costruzione di primi edifici monumentali di Roma. Templi e case romane con grande accuratezza ripetuti modelli etrostici. Elementi di influenza etrusca sui templi romani includevano il podio e concentrarsi sulla facciata a scapito degli altri tre lati dell'edificio. Le grandi case etrusche sono state raggruppate intorno alla sala centrale in molti modi, così come le case della grande città romana in seguito costruite attorno a Atrium. L'influenza dell'architettura etrusca si indebolì gradualmente durante i tempi della Repubblica a causa degli impatti (specialmente greco) da altre parti del mondo. L'architettura degli Etruschi cadeva sotto l'influenza dei greci, quindi quando i Romani adottero gli stili greci, non sono diventati estranei per la loro cultura. Nei giorni della Repubblica, è stato probabilmente uno sviluppo costante di tendenze architettoniche principalmente dal mondo ellenistico, ma dopo la caduta di Siracusa nel 211 aC. Le opere d'arte greche sono state versate a Roma. Nel II secolo aC, il flusso di queste opere e, soprattutto, i maestri greci hanno continuato ad entrare a Roma, avendo un'influenza decisiva sullo sviluppo dell'architettura romana. Alla fine della Repubblica, quando Vitruvius ha scritto il suo lavoro scientifico sull'architettura, la teoria greca dell'architettura ed esempi di lavoro architettonico ha prevalso su tutto il resto.

Mentre l'impero si espande, l'architettura romana si è diffusa in ampie aree, è stata utilizzata quando si crea edifici pubblici e alcuni grandi edifici privati. In molte aree, gli elementi dello stile, in particolare le decorazioni, sono diminuiti sotto l'influenza dei gusti locali, ma l'architettura è rimasta riconoscibile da romana. Gli stili dell'architettura locale a un grado o nell'altro sono stati influenzati dall'architettura romana, e in molte regioni, gli elementi romani e locali si trovano in combinazione nello stesso edificio.

Nel primo secolo, Roma è stata la città più grande e più sviluppata in tutto il mondo. Gli antichi romani hanno inventato nuove tecnologie per migliorare i sistemi di controllo sanitario della città, strade ed edifici. Hanno sviluppato un sistema di acquedotti che consegnarono acqua dolce in città attraverso i tubi e costruirono una fogna, rimuovendo lo spreco della città. I romani più ricchi vivevano in grandi case con giardini. La maggior parte della popolazione, tuttavia, viveva in condomini da pietra, calcestruzzo o pietra calcarea. I Romani hanno sviluppato nuove tecnologie e materiali usati come, ad esempio, il terreno vulcanico di Pozzuoli - villaggi vicino a Napoli - per rendere il loro cemento più forte e più forte. Questo cemento ha permesso loro di costruire grandi condomini concreti, chiamati insisi.

Statua conosciuta come "August of Prima porto, licenza Creative Commons Attribution-Share Alike 3.0 Unported

Disegni a muro decorati a casa ricca. I paesaggi del giardino erano spesso raffigurati nei dipinti, eventi di mitologia greca e romana, scene storiche o scene della vita quotidiana. I romani hanno decorato i pavimenti con il mosaico - disegni o modelli creati da piccole piastrelle colorate. I dipinti e i mosaici decorati decorati hanno contribuito a rendere visivamente le stanze delle case romane e più luminose, e anche per mettere la ricchezza del proprietario.

Nell'epoca cristiana del tardo Impero, nel 350-500. Annuncio, la pittura murale fiorì, decorazioni mosaici di soffitti e pavimenti e sculture funebri, mentre una scultura di dimensioni complete per una revisione circolare e i pittoreschi pannelli sono gradualmente scomparsi, molto probabilmente, per ragioni religiose. Quando Konstantin ha subito la capitale dell'impero di Bisanzio (ribattezzata a Costantinopoli), le tendenze orientali hanno iniziato a influenzare l'arte romana, dando alla luce lo stile bizantino del tardo Impero. Quando Roma fu rovinato nel V secolo, gli artigiani si trasferirono e trovò il lavoro nella capitale orientale. Quasi 10.000 lavoratori e artigiani lavoravano sulla creazione della Chiesa di Santa Sophia a Costantinopoli, fu l'ultima corda di arte romana con l'imperatore di Justinian I, che ha anche ordinato di creare famosi mosaici uguali.

Arte medievale

Durante tutto il Medioevo, l'arte italiana includeva principalmente decorazioni architettoniche (affreschi e mosaici). L'arte bizantina in Italia è stata una decorazione molto formale ed squisita con calligrafia standardizzata e l'uso che riguarda il colore e l'oro. Fino al XIII secolo, l'arte in Italia era quasi completamente regionale, cadde sotto l'influenza di tendenze esterne europee e orientali. Dopo ca. 1250. L'arte di varie regioni ha sviluppato caratteristiche generali, quindi, è stata osservata una certa unità e un'originalità profonda.

Arte bizantina

Dopo la caduta della sua capitale occidentale, l'impero romano esisteva per altri 1000 anni sotto la guida di Costantinopoli. I maestri bizantici sono stati coinvolti in progetti importanti in tutta Italia, e gli stili bizantini nella pittura sono osservati fino al XIV secolo.

Gothic Art.

Il periodo gotico segna la transizione dall'arte medievale di rinascita, è caratterizzato da stili e opinioni che si sono sviluppati sotto l'influenza degli ordini del Dominicano e dei Monastici francescani fondati dal Santo Dominico e dal Santo Francesco di Assisi, rispettivamente.

Era il momento delle dispute religiose all'interno della Chiesa. L'ordine di francescani e domenicani è stato fondato come un tentativo di risolvere queste controversie e riportare la Chiesa cattolica alle basi. I primi anni dei francescani erano particolarmente ricordati dalla misericordia di San Francesco, e i Domenicani ricordano come l'ordine su cui la massima responsabilità per l'emergere dell'Inquisizione.

L'architettura gotica è nata in Europa settentrionale e si è diffusa a sud all'Italia.

L'arte del Rinascimento

Nel Medioevo, gli artisti e gli scultori hanno cercato di dare alle loro opere un personaggio religioso. Volevano che il pubblico si concentri sul senso religioso profondo dei loro dipinti e sculture. Ma artisti e scultori del Rinascimento, così come gli scrittori di questa epoca, cercarono di ritrarre le persone e la natura realistica. Gli architetti medievali hanno progettato enormi cattedrali per sottolineare la grandezza di Dio e umile spirito umano. Gli architetti del Rinascimento hanno progettato gli edifici le cui proporzioni erano basate sulle proporzioni del corpo umano, e le loro decorazioni hanno imitato modelli antichi.

Arte del 1300 e all'inizio del 1400

All'inizio del 1300, l'artista fiorentino Jotto divenne il primo artista raffigurante la natura realistica. Ha creato magnifici affreschi (pittura su intonaco crudo) per chiese a Assisi, Firenze, Padova e Roma. Jotto ha tentato di creare figure realistiche che mostrano emozioni reali. Ha ritratti molti dei suoi personaggi in condizioni reali.

Un meraviglioso gruppo di architetti fiorentini, artisti e scultori ha creato il loro lavoro all'inizio del 1400. Tra questi c'erano l'artista Mazacco, lo scultore Donatello e l'architetto Filippo Bruneland.

Il miglior lavoro di Mazacho era una serie di affreschi, che ha creato circa nel 1427 nella cappella Brankachci della Chiesa di Santa Maria del Carmin a Firenze. Questi affreschi dimostrano realisticamente le scene bibliche delle tensioni emotive. In questi lavori, Mazacco ha usato il sistema Bruneland per creare una prospettiva lineare.

Donatello nelle sue sculture ha cercato di ritrarre la dignità del corpo umano con dettagli realistici e spesso drammatici. I suoi capolavori includono tre statue dell'eroe biblico di David. Nella versione completata nel 1430, David Donatello è raffigurato come un giovane elegante e nudo, mostrato attraverso i momenti dopo aver ucciso il gigantesco Golia. Lavoro, il cui altezza è di circa 5 piedi (1,5 metri), è stata la prima grande scultura indipendente di una persona nuda creata nell'arte occidentale dall'antichità.

Bruneland è stato il primo architetto del Rinascimento, rianimato l'antico stile di architettura romana. Nei suoi progetti, ha usato archi, colonne e altri elementi di architettura classica. Uno dei suoi edifici più famosi è bellissimo e costruito armoniosamente Capella Pazzi a Firenze. Questa cappella, iniziata nel 1442 e terminata intorno al 1465, era uno dei primi edifici costruiti nel nuovo stile del Rinascimento. Bunttalleski è stato anche il primo creatore del Rinascimento, che ha dominato la prospettiva lineare - un sistema matematico, con cui gli artisti potrebbero dimostrare spazio e una profondità su una superficie piana.

L'arte della fine del 1400 e dell'inizio del 1500

I rappresentanti eccezionali dell'arte del 1900 e l'inizio del 1500 erano tre maestri. Questi erano Michelangelo, Rafael e Leonardo da Vinci.

Michelangelo era un pittore, architetto e poeta eccezionale. Inoltre, è stato nominato il più grande scultore della storia. Michelangelo era un maestro del corpo umano. Ad esempio, la sua famosa statua del capo del popolo del popolo israeliano di Mosè (1516) produce un'impressione estrema del potere fisico e spirituale. Queste qualità si manifestano anche negli affreschi su storie bibliche e classiche che Michelangelo scrisse sul soffitto della cappella sistina in Vaticano. Questi affreschi scritti dal 1508 al 1512, appartengono al numero delle più grandi opere dell'era del Rinascimento.

"David" Michelangelo

Palazzo Pitty.

Galleria dell'Accademia di Belle Arti

Museo nazionale Bargegello.

Museo nazionale di San Marco

Museo Archeologico Nazionale di Firenze

Museo dell'opera del Duomo

Palazzo Vecchio.

Museo Orsanmikele.

Gemme per la lavorazione del laboratorio

Palazzo Rosso.

Palazzo Bianco.

Palazzo Real.

Pinakotek Brera.

Museo di Polandi Pezzoli

Castello morbido

Pinakotek Ambrosiana.

Museo Archeologico Nazionale di Napoli

Museo urbano di Padova

G. Palermo.

Palazzo Abatellis

Galleria nazionale Parma.

Fondazione MANTIANI ROCCA.

Perugia

Museo nazionale dell'Umbria

Museo nazionale di San Matteo

Museo della città Prato.

Museo della Cattedrale

Reggio di Calabria

Museo nazionale di Great Grecia

Musei Capitol.

Centro Montttemartini.

Museo nazionale romano

Doria Pamphili Gallery.

Palazzo Barberini.

Palazzo Corsini.

Museo nazionale di Etriscov

Castello del Santo Angelo (Castel Sant Angelo)

Galleria Downturn.

National Pinakotek Siena.

Public Public.

Museo della Cattedrale di Siena (Museo delle opere di Duomo)

Galleria Sabauda.

Palazzo Real (Royal Palace)

Palazzo Madama.

Urbino

Galleria nazionale Marke.

Venezia

Galleria dell'Accademia

Ka "d" oro

Skol San Rocco.

Skol di San Georgeo Deli Schiavony

Alcune perle dell'arte italiana

"Storm" Georgeon

State Hermitage In collaborazione con i Musei della città di Pavia detiene la retrospettiva più ampia della pittura dell'Italia dell'inizio del secolo, che comprende più di settanta lavori

Eremitage di stato, 19 novembre 2011 - 22 gennaio 2012
Hall Hall of the Winter Palace

Nell'ambito dell'anno d'Italia in Russia e Russia in Italia, la mostra "Pittura italiana del XIX secolo si svolge in Italia nello stemma del Palazzo Invernale. Dal neoclassicismo al simbolismo ", organizzato dal Museo dell'Ermitage di stato in collaborazione con i Musei della città di Pavia. L'esposizione è la retrospettiva più su larga scala del dipinto Italia dell'inizio del secolo e comprende più di settanta opere, la metà dei quali deriva dall'assemblea della Galleria d'arte del XIX secolo dei musei urbani della Pavia. Inoltre, l'esposizione include opere dalla galleria dell'arte moderna di Firenze, Milano, Torino, Genova. Il valore della mostra è difficile da sovrastimare, dal momento che il periodo in esame non è praticamente noto al Viewer russo (nell'incontro dell'Hermitage - un po 'più di sessanta foto di artisti italiani della tastata).

All'esempio dei migliori campioni di pittura del XIX secolo, la mostra dimostra l'intero spettro di stili e direzioni in cui gli artisti italiani hanno lavorato: classicismo, romanticismo, storicismo, mccyaolyli, simbolismo.

Le caratteristiche principali del classicismo italiano sono state posate nel lavoro di Antonio Canova. L'artista lombardo Andrea Appiani è stato indirizzato al tipo di dipinti elevati e idilliaci su argomenti mitologici, come esempio di cui la tela "Giunone, vestita di gracelle" serve. Lo stesso antico canone di armonia sublime - nelle tele "Parigi" e "Geeby" Gaspare Landy. Il ramo eroico del neoclassicismo è l'immagine "morte di Caesar" Vincenzo Camucchini nel suo tempo.

Appello per episodi ed eroi della storia nazionale, preferibilmente già descritti nella letteratura, è caratteristica della maggior parte della pittura XIX secolo, a partire dal romanticismo. Il capo artista di questa zona è Francesco Haica. Nella pittura "riconciliazione di Ottone II con la madre Adelaide Borgogna" ha riprodotto un evento significativo ma poco noto della storia medievale italiana. Nel "Venere giocando con le colombe" incarnate le caratteristiche della famosa Ballerina Carlotta Shabra, nel "Secret Donos" ha mostrato veneziano, bello e crudele.

Gli artisti romantici raffigurarono volontariamente persone eccezionali, gli eroi dei rigori nei momenti della gloria o della caduta. Esempi di tali opere: "Galilea dinanzi alla Corte d'Inquisizione" di Christiano Bandy, "Christopher Columbus torniamo dall'America (Christopher Columbus in catene)" Lorenzo Delleani, "Lord Byron su Greek Shores" GACOMO TREKURA.

I romantici rivivono interesse per i generi "più giovani" della pittura - l'immagine degli interni di edifici e specie urbane (piombo). Nella tela "Chiesa di Santa Maria della Salute a Venezia", \u200b\u200bil Kaffa Ippolito sta sperimentando con percezione visiva e effetti di luce.

La ricerca dei romantici è proseguita nel 1860s toscano McCyalyoli: Giovanni Fattori, Gamba di Silvestro, Telemaco Signorini, Giuseppe Abbat, Odora Borgent, Vincenzo Cabyanka. Gli artisti hanno proposto un modo stilistico, sostituendo la luce tradizionale di una combinazione a contrasto di punti ("McCaja"). Nella nuova tecnica di McCyayoli, sono state rappresentate scene di Genere della vita quotidiana: "Singing Stornello" e "fidanzato, o la sposa e lo sposo" Silvestro Gambe, "Data nella foresta" di Telemaco Signorini. Paesaggio nelle immagini di "Rotonda Kalnyni Palmieri" Brush Giovanni Fattoria e "View Castiglioncello" Giuseppe Abbat è interessante perché gli artisti lavoravano al Plenier.

Le tendenze del simbolismo sono pronunciate nel triptikh Georgeo Kytemka "Mistero dell'uomo": l'artista evita le chiari caratteristiche dei personaggi, preferendo raffreddare lo spettatore con simboli esoterici e un'atmosfera magnetica comune.

Nell'ultimo decennio del XIX secolo, gli artisti europei sperimentano nuovi mezzi di espressività. In Italia, Angelo Morbelley sta sviluppando la tecnica di una striscia separata (division), un esempio di cui è un'immagine sul tema sociale "per 80 czczimo!". Divisivisa è stato anche Giuseppe Pelitsa da Wolpedo, simboleticamente incarnato gli ideali dell'olico umanesimo nel dipinto "Horovod".

Mostra "Pittura italiana del XIX secolo. Dal neoclassicismo al simbolismo "è una risposta a una grande mostra, aperta nel marzo 2011 a Castello Wiscontéo" Leonardski da Foppa a Jammeterino: dipinti dei Musei dell'Hermitage e della città di Pavia, "in cui partecipazione di ventidue tela dell'Assemblea Hermitage.

Il curatore della mostra da parte dello stato Hermitage - Natalia Borisovna Demin, ricercatore del Dipartimento dell'Europa occidentale Belle Arti, dai musei della città di Pavia - Suzanna Dzatti, direttore dei Musei della città di Pavia.

Un catalogo scientifico in russo e italiano (casa editrice di Skira, Milano - Ginevra) è stato pubblicato all'apertura della mostra (casa editrice di Skira, con articoli di Fernando Mazzokki, professore dell'Università di Milano, Farreco, Guardiano dei Musei della città di Pavia e Suzanne Dzatti.

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• 31.01.2020 Il prezzo di partenza di ciascun lotto di questa asta non dipende dalla sua stima ed è esattamente $ 100
• 30.01.2020 Marron ha raccolto la sua collezione da oltre 20 anni, è composto da 850 opere d'arte, precedentemente stimate a $ 450 milioni
• 30.01.2020 Lo status di scultura dal Museo del Ghetty nel dicembre 2019 è stato cambiato in "il lavoro di un maestro sconosciuto"
• 29.01.2020 Il corso doveva essere cancellato dopo i reclami sul fatto che è eccessivamente focalizzato sulla "storia bianca dell'arte" europea e studiando l'arte degli artisti degli uomini
• 29.01.2020 Gli organizzatori della retrospettiva più completa della creatività di Salvador DALI offrono al pubblico duecento opere dell'artista e un ricco programma educativo

• 31.01.2020 I ricavi totali ammontavano a quasi 2,5 milioni di rubli. Acquirenti - da Mosca a Magadan
• 24.01.2020 Con un martello, oltre il 50% del catalogo lotti hanno avuto luogo, gli acquirenti da Perm to Minsk
• 23.01.2020 Nel catalogo - trenta lotti: undici opere pittoresche, quindici fogli di grafica originale e uno stampato, un lavoro in tecnica mista, una piastra in porcellana e un album fotografico
• 20.01.2020 Il catalogo del primo nel 2020, l'asta dell'asta e il DPI ammontava a 547 lotti - pittura e grafica, vetro, porcellana, ceramica, argento, smalto, gioielli, ecc.
• 17.01.2020 Nelle nuove mani lasciate un po 'meno della metà di tutti i lotto del catalogo. Tra gli acquirenti - Mosca, Odintsovo, Minsk e Perm

• 31.01.2020 Nella storia della conversazione, qualcosa può sembrare ingenuo, l'altro - trovare applicazione nella pratica dei partecipanti al mercato. Indubbiamente una cosa: in qualsiasi professione, la conoscenza di ogni persona di successo dovrebbe essere basata sulla fortuna e negli errori dei suoi predecessori
• 03.12.2019 Le figure principali delle tre offerte principali della "Settimana russa" e un po 'di come le nostre previsioni si sono avverate
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• 26.11.2019 Per la quarta volta, presso la proposta dei Vkhnrts che prende il nome dopo l'accademico I. E. Grabar, pubblichiamo un falso parere esperto, presumibilmente emesso dagli esperti del centro. Stai attento!
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N.a. Belà

L'arte del XVIII secolo (in Italian Nettacheno) è stata la fase finale della vecchia evoluzione secolare della grande arte classica dell'Italia. Questo è il momento della popolarità incompleta degli artisti italiani. Pietroburgo, Madrid, Parigi, Londra, Vienna, Varsavia - Non c'era una singola capitale europea, ovunque i maestri italiani avrebbero invitato, ovunque, svolgano gli ordini di cantieri reali e nobiltà, non hanno funzionato come architetti e scultori, affreschi o decorati teatrali , giocatori di paesaggio o ritratti.

Così ampia risonanza della cultura artistica italiana in questo periodo sarebbe stata erroneamente spiegata al fatto che i suoi maestri sono diventati sulla via delle scoperte artistiche fondamentalmente nuove, come era nell'epoca del Rinascimento e nel XVII secolo. Piuttosto, si può dire che i maestri italiani a volte inferiori nel senso delle prospettive storiche dei loro risultati agli artisti di altri paesi, come la Francia e l'Inghilterra. Inoltre, gli architetti e i pittori italiani erano più strettamente, che gli artisti di altre scuole nazionali sono associati alla natura della figuratività e dal linguaggio delle forme dei maestri precedenti, il 17 ° secolo. Il successo interamente neuropeo degli italiani ha promosso il livello generale estremamente elevato della loro arte, che ha assorbito le fruttuose tradizioni secolari delle grandi eresse precedenti, quindi in modo uniformemente sviluppato lo sviluppo di tutti i tipi di arti di plastica e la presenza di un numero elevato di maestri dotati in Italia.

I risultati più preziosi dell'arte italiana sono 18 V. Sono associati non solo con l'architettura e la pittura decorativa monumentale, dove un tale grande maestro ha giocato un ruolo cruciale, come Tapolo, ma anche con vari generi di pittura del cavalletto (principalmente con il paesaggio architettonico), con arte teatrale-decorativa e con grafica . Oltre agli ideologi, i principali vantaggi del riflesso luminoso e figurativo dell'epoca, i suoi principali vantaggi erano in qualità artistica eccezionalmente elevata, abilità pittortuose di Virtuoso, grazie a cui il prestigio della brillante maestria italiana è rimasta estremamente elevata.

Uno dei motivi della diffusione diffusa dei maestri italiani in Europa era anche il fatto che non potevano trovare pienamente l'uso nella loro patria. Esausto da guerre, l'Italia girata dalla fine del 17 - inizi 18 V. Non solo in politicamente frammentato, ma anche in un paese quasi rovinato. La sua parte meridionale era subordinata a Bourbon spagnolo; La Toscana ha gestito i membri della casa di Asburgo, la Lombardia era nelle mani dell'Austria. Gli ordini feudali che hanno dominato le terre appartenenti al clero e l'aristocrazia, l'aumento dei prezzi, i bassi salari dei lavoratori impiegati in fabbricazione, non hanno causato malcontento e fermentazione delle masse, che riversarono in scarse riunzioni non organizzate, che non avrebbero potuto avere successo nelle condizioni di subordinazione del paese ad alieno ea causa del suo arretratezza economica. Solo la Repubblica veneziana e la regione papale con la sua capitale roma hanno mantenuto la sua indipendenza statale. Era Venezia e Roma che ha svolto il ruolo più eccezionale nella vita spirituale e artistica dell'Italia del XVIII secolo.

Sebbene in confronto con il brillante fiorente del XVII secolo, l'architettura italiana del XVIII secolo scopre un certo declino, ha dato molte decisioni interessanti. Anche nelle difficili condizioni economiche di questo secolo, gli italiani hanno mantenuto così inerenti alla passione per la costruzione di enormi strutture maestose, nonché il linguaggio monumentale delle forme architettoniche. Eppure, nella brillantezza dei singoli monumenti glorificati di questo periodo, una specie di inerzia è sentita piuttosto che l'inerzia del precedente grandioso ambito di attività di costruzione, piuttosto che la conformità organica delle condizioni della realtà reale. Questa dipendenza dal passato, pronunciata in Italia è più forte che in molte altre scuole d'arte nazionali d'Europa, ha colpito qui, in particolare, nel ruolo prevalente dello stile barocco, molto lentamente si ritirava prima dei germogli di una nuova architettura classica.

Comunicazione stretta, essenzialmente, inseparabile con l'architettura di 17 V. Particolarmente evidente nei monumenti di Roma. Arco romano della prima metà del XVIII secolo. Risparmia una grande scala di pianificazione della città del loro pensiero. Più modesto di prima, le opportunità economiche sono state utilizzate per creare strutture di grandi dimensioni separate, che hanno completato adeguatamente numerosi complessi ed ensemble architettonici ben noti.

Nel XVIII secolo, le facciate dei due famosi famosi basilico cristiano di Roma - San Giovanni a Lasersan (1736) e Santa Maria Maggiore (1734-1750), che occupano una posizione dominante nell'architettura dell'area adiacente a loro. Il costruttore della Facciata della Basilica Laterana - Alessandro Galilea (1691-1736) Come pre-preparazione per lui eletti la facciata della Cattedrale romana di Sant'Andata Peter creato da Carlo Madelnaya. Ma, a differenza di quest'ultimo, ha dato una decisione più artistica di un argomento simile. Nella sua facciata a due piani con enormi aperture rettangolari e ad arco e un mandato colossale del mezza colto e un pilastro, piuttosto che nel Madnaya, il rigore e la chiarezza delle massicce forme architettoniche hanno fortemente ombreggiato il movimento irrequieto della facciata di nozze dell'enorme statue. L'aspetto all'aperto della Chiesa del sito Maria Maggiore, la cui facciata è stata eretta dal progetto Ferdinando Fuga (1699-1781), testimonia il rilievo e calmare le forme architettoniche barocche. La fuga era anche un costruttore e un elegante palazzo del consapevole (1737) - campione dell'architettura del Palazzo romano del XVIII secolo. Infine, la facciata della Chiesa di Santa Croce a Gerusalemma dà un esempio di una soluzione vivace per la facciata della Chiesa barocca nell'aspetto, che dal momento del tempo di Jesu affascinato da molti architetti italiani.

Nell'arco romano di questo tempo, è possibile incontrare un esempio di un'area, che è una specie di lobby aperta di fronte all'edificio della chiesa. Questo è di dimensioni molto piccole a Sant Inonyosio, dove in contrasto con i contorni curvilinei delle facciate del mattone circostante, la grazia stravagante delle sue forme in piedi più vicino al rococo che al barocco, l'impressionante array di pietra della facciata della Chiesa di Sant Inyazio , costruito nel secolo precedente, è spettacolartamente distinto.

I monumenti più eccitanti di Roma appartengono alla famosa scala spagnola, costruita da Architects Alessandro Ski (1668-1729) e Francesco de Sanctis (circa 1623-1740). Il principio della pittoresca composizione terrazzata, sviluppata dagli architetti barocchi durante la creazione di Ensembles Palace-Park, è stato usato per la prima volta qui nello sviluppo urbano. Colpito su un pendio ripido, l'ampia scalinata si combina in un insieme olistico situato ai piedi della collina della Spagna piazza con le autostrade che passano attraverso la zona collocata sulla cima di questa collina di fronte alla facciata a due cotte della Chiesa di San TRINA DEI MONTI. La grande cascata dei gradini, quindi si unisce in un unico flusso rapido, poi ramificato su marche separate, che scende da cima a fondo di un complesso letto curvilineo, si distingue per l'eccezionale pittura e ricchezza degli aspetti spaziali.

Le tendenze decorative del trionfo del tardo barocco nella famosa Fontana di Trevi (1732-1762) create dagli architetti di Niccolo Salvi (circa 1697-1751). Pumping Facade Palazzo Poly viene utilizzato come sfondo per un'enorme fontana in evidenza e percepita come una sorta di scenario architettonico, inestricabilmente collegato con la scultura e flussi d'acqua rapidamente a bassa profondità.

Come una delle strutture più interessanti nelle regioni meridionali dell'Italia, il Palazzo Reale di Caserta vicino a Napoli, costruito da Luigi Vavitelli (1700-1773). Questo ambizioso edificio ampio costruito è in termini di kara gigante con crociformi che si interseca con il corpo, che formano quattro grandi cortili. Nel luogo di intersezione del Corpo, è colossa una colossale la lobby a castello colossale in cui ci sono enormi ingranaggi e maestose scale anteriori da diversi lati.

In forme più storicamente promette, l'architettura sviluppata nelle regioni settentrionali dell'Italia - in Piemonte e Lombardia, dove le tendenze progressiste sono chiaramente rilevate in economia e cultura. Il più grande architetto qui era Philippo Yuvara (1676-1736), un nativo della Sicilia, che ha lavorato a Torino, Roma e altre città e ha finito il suo percorso creativo in Spagna. Yuvara è l'autore di molti edifici diversi, ma in generale l'evoluzione del suo lavoro deriva da lussureggianti strutture complesse complesse per una maggiore semplicità, moderazione e chiarezza del linguaggio architettonico. Il suo stile precoce rappresenta la facciata di Palazzo Madama a Torino (1718-1720). Più facilità e libertà nel cosiddetto castello di caccia dell'Hubniji vicino a Torino (1729-1734) - un enorme palazzo di campagna, estremamente complesso e capriccioso nel suo piano (che è attribuito all'architetto francese Bofran). Ali basse fortemente allungate del palazzo Contrasto con l'alto corpo centrale impostato nella loro intersezione, coronata con una cupola bizzarra, su cui sorge la figura del fascio. Un altro famoso edificio di Yuvara è uno straordinariamente spettacolare situato su un'alta collina del monastero e la Chiesa del Super a Torino (1716-1731) - sui suoi Estami prefigurarono il classicismo.

Nelle loro forme completate, il classicismo è chiaramente espresso nel lavoro dell'architetto di Milano Giuseppe Piermarini (1734-1808), da molti edifici di cui il più famoso - Teatro Della Rock a Milano (1778). Questo è uno dei primi dell'architettura europea degli edifici teatrali, progettati per un enorme numero di spettatori (la sala contiene oltre tre e mezzo di persone), che poi si è conclusa nelle sue qualità architettoniche e tecniche del modello per molti teatri operati del nuovo tempo.

Dal 1680. La Repubblica Veneta ha esaurito da guerre, perdendo il suo dominio nel Mediterraneo nella lotta contro i Turchi, cominciò a perdere i suoi possedimenti in Oriente, e il suo declino economico è diventato chiaro e inevitabile. Inoltre, le forme aristocratiche e gelo dell'apparato statale hanno dato origine alle contraddizioni sociali acute e ai ripetuti tentativi della parte democratica borghese della società veneta cambia questo regime attraverso progetti radicali della sua riorganizzazione. Ma sebbene questi tentativi non avessero un successo significativo, non dovrebbe essere pensato che Venezia esaurisse completamente le sue capacità. Qui, una nuova borghesia era attaccata, uno strato di intelligentia cresciuto, a causa della cultura del netto veneziano, è stato intriso di fenomeni complessi e contraddittori. Un esempio particolarmente brillante in questo senso può servire non tanto dipingere come letteratura e drammatica del tempo.

Venezia ha mantenuto lo speciale glitter della vita solo a lei, che è 18 V. Ho anche acquisito qualche tipo di personaggio febbrile. Vacanze, Carnavals, Masquerates, quando tutte le classi della città sono state equalizzate e sotto la maschera non potevano essere distinte da Patricia dalla Plebia, ha continuato quasi per tutto l'anno e attratto dalla folla di viaggiatori, tra cui i re, i rappresentanti della nobiltà, Musicisti, artisti, artisti, scrittori, scrittori e solo avventurieri.

In una pari con Parigi, Venezia Set tono in vita letteraria, teatrale e vita musicale del XVIII secolo. Come nel 16 ° secolo, così ora è rimasto un importante centro di tipografia. C'erano diciassette teatri drammatici e operati, accademiche musicali, quattro rifugi femminili per orfani - "giardino d'inverno", trasformati in eccellenti scuole musicali e vocali. Con i suoi trionfi musicali, Venezia ha superato Napoli e Roma, creando scuole insuperabili di un gioco d'organo e violino, mettendo il mondo musicale internazionale di quel tempo con i loro straordinari cantanti. Compositori e musicisti eccezionali vissuti qui. I teatri di Venezia erano affollati, servizi della Chiesa, dove i cori e le suore del monastero erano cantati, visitati come teatri. A Venezia e a Napoli, un operatore comico realistico, riflettendo la vita urbana e la morale, è stato sviluppato anche con il drammatico teatro. Il maestro eccezionale di questo genere di golpied era vicino allo spirito della sua creatività al più grande drammaturgo del XVIII secolo. Carlo Goldoni, un nuovo stadio nella storia del teatro europeo è stato associato al cui nome.

Goldoni nella radice ha trasformato le maschere commedie, il nuovo contenuto in esso, dandolo a un nuovo design del palcoscenico sviluppando due principali generi drammatici: la commedia di morals della vita e della vita di borghese-nobile della vita del popolo. Nonostante il fatto che Goldoni si esibisse come un nemico dell'aristocrazia, i suoi giochi si sono divertiti a Venezia allo stesso tempo con grande successo, fino a quando non è stato escluso dalla scena veneziana con il suo avversario ideologico - drammaturgo e poeta, il concorso veneziano impoverito Carlo Gotszi. Quest'ultimo rivolse di nuovo nelle sue opere teatrali e romantiche (Fisabach) - "Amore per tre arance", "Princess Turandot", "re del cervo" - un patrimonio della commedia improvvisativa delle maschere. Tuttavia, il ruolo principale nello sviluppo del dramma italiano apparteneva a loro, ma le commedie di Goldoni, la cui creatività realistica era associata a nuove idee educative.

L'arte teatrale di Venezia ha anche riflesso sulla natura della sua architettura e in particolare la pittura decorativa. Lo sviluppo di quest'ultimo a considerevole meno è stato associato a una grande richiesta per i magnifici dipinti decorativi teatrali di chiese e in particolare palazzi non solo nel veneziano. L'Italia, ma anche fuori dall'Italia. Ma insieme a questa direzione nella pittura veneziana, è stato sviluppato lo sviluppo e un certo numero di altri generi: un genere domestico, un paesaggio della città, un ritratto. Come le opere di Galdpi e le commedie di Goldeni, riflettevano la vita quotidiana e le vacanze della vita veneziana.

Il clero tra l'arte e 18 secoli a Venezia è il lavoro di Sebastian Ricci (1659-1734). L'autore di numerose composizioni monumentali e macchine, è stata in gran parte affidata alla tradizione di Paolo Veronese, un esempio di cui le sue opere, come "Madonna e il bambino e santi" (1708; Venezia, Chiesa di San Giorgio Maggiore) L "Genigio Scypion "(Parma, Università), anche nelle relazioni iconografiche ascendente al 16 ° secolo. Sebbene abbia dato omaggio al paraticle barocco ufficiale, nelle sue creazioni ci sono più animali e attrattiva della maggior parte dei pittori italiani di questa direzione. Il modo pittoresco temperamentale, vernici luminose in combinazione con l'aumento dell'immagine teatrale delle immagini rese popolari non solo a Venezia, ma anche oltre, in particolare in Inghilterra, dove ha lavorato con suo nipote e uno studente - un Playman Marco Ricci (1679-1729).

Quest'ultimo di solito ha scritto paesaggi nelle composizioni di Sebastian Ricci, e un tale lavoro congiunto di entrambi i maestri è stato un grande quadro della "Tomba allegorica del Duca di Devonpropngra" (Birmingham, The Barberra Institute), che ricorda un magnifico scenario e teatrale scenario. Le opere del paesaggio di Marco Ricci stesso sono composizioni romantiche realizzate in un ampio modo pittoresco; Possono catturare alcune caratteristiche della comunità con scenario di Salvator Rosa e Mania.

La fase iniziale del dipinto veneziano è 18 V. Presenta il lavoro di Giovanni Battista Piazzetta (1683-1754). Ha studiato dal pittore di Bologna Giuseppe Maria Kresses, avendo percepito la sua peculiaia lettera vivente alla lettera con un ampio uso dell'illuminazione. Anche un forte e forte impatto del realismo di Caravaggio si riflette anche nei suoi dipinti. Piazzette è sobriata e sofisticata nella sua tavolozza, in cui profonda, a volte come vernici per la vernice-fiammeggiante - castagne-rosso, marrone, nero, bianco e grigio. Nel suo altare l'immagine nella Chiesa di Jesuati a Venezia - "St. Wincent, Hyacinth e Lorenzo Bertransdo (circa 1730), con tre figure di Sainch, situate sulla diagonale verso l'alto verso l'alto, - i chitoni neri, bianchi e grigi dei suoi personaggi formano la monocromicità colpita da gamma di colori e raffinata.

Altre composizioni su argomenti religiosi - "St. Jacob, guidato dall'esecuzione "e un soffitto nella chiesa veneziana di San Giovanni e Paolo (1725-1727) - condotte anche dall'artista in un ampio modo pittoresco. Tempo transitorio di piazzette-artista; Pafos dei suoi dipinti sulle storie religiose e allo stesso tempo il realismo a sangue pieno e vitalità di immagini, luce profonda, spiritualità e mobilità di tutti i pittoreschi tessuti, sugose vernici calde, e talvolta combinazioni di colori squisite - tutto questo porta la sua arte con La direzione della scuola italiana del 17 ° secolo. Che era rappresentato da fepta, Lissa e Strozzi.

Piazzalettes appartiene a molti dipinti di genere, ma sono debolmente espressi in loro un inizio domestico, le loro immagini sono invariabilmente usate da una foschia romantica e con una sottile sensazione poetica. Anche un tale interpretazione puramente del genere della trama biblica, come, ad esempio, nella sua "Rebeca al pozzo" (Milano, Brera), acquisisce un Pyazette una tonalità romantica. Lanciare indietro in uno spavento sul bordo della piscina di pietra, premendo una brocca di rame brillante al seno, una giuntura con paura guarda al servo di Abrahamo, che offre il suo filo perla. La sua figura ombreggiata in abbigliamento castano-castano contrasta con lucidare toni rosa dorati, rosa dorati e bianchi che formano una sagoma colorata di una figura di rue. Tagliare teste di mucca, cani e cammelli sul lato sinistro dell'immagine, le figure pittoresche dei contadini dietro ribelli (uno di loro con uno staff pastore) fanno un'ombra di pastorale nella foto.

I più famosi composizioni di genere di Piazzetta si riferiscono al "Fortune Teller", (Venezia, Accademia). Possiede anche un certo numero di ritratti.

La creatività Piazetta, tuttavia, non è esaurita solo dai suoi dipinti. È autore di magnifici disegni, tra i quali ci sono schizzi preparatori e composizioni finite eseguite da matita e gesso. La maggior parte di loro sono le teste da donna e maschili raffigurate nel FAS, poi di profilo o tre quarti, scambiati in modo sfuso nero, colpendo sulla straordinaria vitalità e accuratezza immediata dell'aspetto catturato ("maschio in un cappello rotondo", "Znich e batterista", Venezia, Accademia, cm.illusation).

La grande scala dell'arte monumentale-decorativa di Nettachno è principalmente associata al nome di Giovanni Battista Tapolo (1696-1770), il cui stile è stato formato sotto l'influenza della sua insegnante Piazzetta e Sebastian Ricci. Usando l'enorme gloria a vita, Tapolo ha funzionato non solo in Italia, ma in Germania e in Spagna. Le sue composizioni sono state anche decorate con palazzi reali e proprietà in Russia 18 pollici. Avendo usato le migliori tradizioni di pittura decorativa del Rinascimento e il XVII secolo, Thipolo è estremamente rafforzato nel suo lavoro teatrale e spettacolare, la combinò con la percezione vivente della realtà. Senza perdere i suoi sentimenti, Tapolo ha combinato il senso acuto di fenomeni veri con i principi della Convenzione, che sono caratteristici della pittura monumentale-decorativa. Questi si intromettono a vicenda hanno iniziato ad aver identificato l'originalità del suo linguaggio artistico. Tuttavia, le caratteristiche della Verità della vita nell'immagine di singoli eventi e personaggi non sono stati combinati nel lavoro di Thipolo con rivelazione psicologica approfondita di immagini artistiche, che, in generale, ha portato a una ripetibilità nota delle singole tecniche ed è stata limitata lato della sua arte.

La fertilità dell'artista era inesauribile; La sua brillante attività creativa è durata più di mezzo secolo. I pennelli di Thiepolo appartengono a un'enorme quantità di affreschi, immagini di altare, dipinti macchina, molti disegni; Era anche uno dei meravigliosi maestri dell'aclishing.

Un esempio del primo periodo di attività di Thipolo, che ha iniziato a lavorare intorno al 1716, può servire come affreschi nella Chiesa di Venezia di Deli Scaltzi -

"Apotheosis di Santa St. Teresa "(1720-1725), dove introduce per la prima volta le sue nuove soluzioni spazialmente decorative, una serie di dipinti a macchina su argomenti mitologici (tra cui un ampio tessuto" Abduzione di Sabineanok ", ca. 1720; Eremo) e soprattutto dieci enormi pannelli decorativi Scritto dall'artista per decorare il palazzo di Venetian Patricia Dolphino (circa 1725).

Cinque vestiti da questa serie - "Triumph dell'imperatore", "le mutazioni della scena nel campo del porno", "Corioran sotto le mura di Roma" e altre - sono nell'incontro dell'Hermitage. La trasmissione forte ed espressiva di grafici eroici, plastica, interpretazione vitale convincente delle figure, una composizione pittoresca spaziale, costruita su contrasti colorati luminosi utilizzando effetti in bianco e nero, indicano una padronanza anticipata di Thipolo.

Nel 1726, gli affreschi comprendono il Palazzo Arcivescovo a Udine, scritto principalmente su argomenti biblici. Trentenne Tapolo si esibisce già come un artista esperto con meravigliosa abilità colorata, un esempio di cui il "fenomeno di Angel Sarre" può servire come il "fenomeno di tre angeli Abrahamo" e in particolare l'affresco del "sacrificio di Abrahamo" ; Da pose e gesti di caratteri biblici, assomigliano a una prestazione lussureggiante.

Passando alla pittura del cavalletto, Tapolo non crea meno composizioni decorative meno impressionanti, come scritte alla fine del 1730. Un'ammagine in tre parti per la Chiesa di San Alvise di Venezia - "Percorso di Calvario", "Lavanderia di Cristo" e "Matrimonio", dove vernici luminose e brillanti sono sostituite da un colore cupo e profondo, la composizione diventa spaziale E più dinamico, e la persuasività vitale delle sue immagini è espressa ma più forte che negli affreschi.

Il brillante periodo di massimo splendore del talento decorativo di Tapolo proviene dall'inizio del 1740, quando scrive un certo numero di dipinti mitologici, tra cui "trionfo anfitriti" (Dresda) - una dea del mare, riposando serenamente sul carro a forma di a Shell, quali cavalli e divinità marittime stanno rapidamente precipitando le onde verdi turchesi. Nell'intervallo colorato gourmet generale, il punto luminoso è evidenziato dal vento teso come una vela, un mantello anfitrirato rosso.

Nel 1740-1750s. Tapolo crea uno da un meraviglioso cicli decorativi, immagini di altare e piccole pitture per macchine. La famiglia di patrizia veneziana, così come monasteri e chiese, competi tra loro nel desiderio di avere opere del suo pennello.

Plafone di chiesa digesamente alti L'artista si è trasformato in spazi celesti senza fondo con nuvole di deposizione delle uova, dove gli angeli leggeri e i santi erano stati strappati sopra le teste. I grafici religiosi e mitologici sono stati sostituiti da magnifici festival, matrimonio, feiras e trionfi. Nelle sue composizioni, l'artista ha raggiunto gli incredibili effetti di illuminazione "diurna" del rapporto tra i toni bianchi con haltons blu pallido e grigio, e profonda spaziale spaziale che separa le forme architettoniche e i flussi di figure umane l'uno dall'altro, ha creato una sensazione di leggerezza e assenza di peso. Abronia sottile e delicata delle sue pitture, una sensazione di vita di colore, il dinamismo delle composizioni, una fantasia pittorica inesauribile, una soluzione audace dei compiti promettenti più difficili, tutti questi stupiti contemporanei Thipolo nella stessa misura che ci sorprende ora.

Tra il 1740-1743. Sono scritte enormi composizioni gonfie per le chiese veneziane di Jesuati, Skalti Deli, Bilance del Carmina e altri. La Chiesa degli Skalti Deli, la più ambiziosa delle dimensioni e la più maestosa affresco, eseguita in questi anni, insieme alla colonna dell'artista Mengozi, che era un quadratista, che era il pittore che ha eseguito parti ornamentali e il dipinto architettonico nelle composizioni di Thipolo. La decorazione interna della chiesa, costruita da longen nel 17 ° secolo, si distingueva da una pura pompa barocca, un equivalente alla magnifica flangia di Thipolo con una composizione enorme "trasferita alla casa della Madonna di Loreto" (questo soffitto è stato distrutto 1918). La pittura del soffitto, come se continuasse la vera finitura architettonica delle pareti della chiesa, incorniciata un enorme affresco, costruito sul confronto di piani leggeri di varie intensità e profondità, che ha creato l'illusione di uno spazio celeste infinito, illuminato dalla luce. L'immagine si è svolta quasi parallela al piano del soffitto, e non nella sua profondità, come hanno fatto i decoratori da 17 V. Posizionando la scena principale del "trasferimento" non al centro del plafon, ma al suo bordo e lasciando il resto dello spazio quasi non riempito e raggiunge la piena illusione del volo rapido delle masse delle figure umane. Alcune delle figure sono separate dalla scena centrale e sono poste sullo sfondo dell'inquadratura degli affreschi, come la figura, personifica l'eresia e cadendo giù la testa sullo spettatore. Con questi effetti, l'artista sembra collegare la scena paradisiaca con il vero interno della Chiesa. Tali ingressi pittoreschi di vista hanno risposto alla natura del servizio di culto veneziano del XVIII secolo, che era una specie di performance della chiesa parata, intrisa con un miglior misura secolare, piuttosto che dei sentimenti religiosi.

Dal momento del 1745, i meravigliosi affreschi di Tapolo nel Veneziano Palazzo Labia includono, dove l'artista è il più vicino a contatto con i principi decorativi di Veronese. Su due affreschi situati sulle pareti opposte della sala bolshoi, "Festa di Anthony and Cleopatra" e "Incontrare Anthony e Cleopatra" sono raffigurati. Il soffitto presenta un numero di figure allegoriche.

Entrando nella spaziosa sala da ballo Palazzo Labia, lo spettatore perde la sensazione di vero spazio architettonico, perché i suoi limiti sono una decorazione panoramica panoramica, che ha trasformato le pareti del Palazzo Veneziano in un lussuoso spettacolo teatrale. Thiepolo ha abilmente usato lo spazio murale tra le due porte e due finestre sopra di loro, combinando così la vera architettura con illusorio. Nella scena "Pir", i gradini su cui la colonna vertebrale dello spettatore raffigura un nano, conduce ad un'ampia terrazza in marmo con uno stile Colonnato Corinthian e il coro, sotto l'assedio di cui la regina egiziana e il comandante romano. Cleopatra, volendo dimostrare il suo disprezzo per la ricchezza, getta una perla inestimabile in un bicchiere con aceto, dove dovrebbe dissolversi senza una traccia. Il rapporto tra figure umane con la costruzione prospettica della scena viene trasmessa in modo impeccabile. La composizione saturata con luce e aria è costruita su due diagonali intersecanti, conducendo lo spettatore in profondità; Lo spettatore come se invitato a unirsi alla terrazza e prendere parte alla festa. È interessante notare che il centro degli affreschi non è pieno di figure, l'industria dà una spettacolare pausa spaziale qui.

Per quanto riguarda questo affresco pieno di calma, quindi tutte le figure nella "riunione di Anthony e Cleopatra" sono coperte dal movimento. Senza perseguire l'obiettivo di essere fedeli verità storica, Tapolo trasforma i suoi eroi piuttosto in attori, vestiti con lo stesso modo veneziano 16 secoli. Questi episodi della storia di Anthony e Cleopatra rappresentavano un materiale così grato per il Fantasy Thipolo creativo, che ha lasciato molte delle loro opzioni nelle sue tesi monumentali e in macchina. Queste sono la "Festa di Anthony e Cleopatra" nei musei di Melbourne, Stoccolma e Londra, "incontrare Anthony e Cleopatra" a Edimburgo e Parigi.

Nei 50-60, la pittoresca padronanza di Tapolo raggiunge un'enorme altezza. Il suo colore diventa insolitamente raffinato e acquisisce tender sfumature di crema, oro, grigio pallido, rosa e lillà.

Con questo periodo includono i suoi affreschi nel palazzo episcopale a Würzburg (cfr. Arte della Germania). Lavorando lì per tre anni, tra il 1751-1753, Tapolo crea magnifici dipinti decorativi, coordinandoli pienamente con l'intento architettonico del palazzo. Il loro carattere teatrale pomposo incontra la fantastica e un po 'dissolta decorazione architettonica e scultorea della sala imperiale. Il Plafon raffigura Apollo sul carro, correndo sopra le nuvole di Beatrice Borgogna al suo fidanzato Friedrich Barbarossa. Un motivo simile si è riunito ripetutamente agli arredatori del 17 ° secolo. (Urmcino, Luke Jordano e altri), ma da nessuna parte ha raggiunto una copertura così spaziale, un'atmosfera così raggiante, un tale brillantezza nel trasferimento del movimento delle figure di saponi.

Sopra le gronde del muro corto della sala, abilmente usando l'illuminazione, Tapolo pone l'affresco raffigurante il matrimonio del Barbarossa. In una complessa composizione interna con motivi nello spirito di Veronese, rappresenta una cerimonia di nozze affollata scritta in tonalità sonic e gioiose - blu-blu, lampone, giallo, verde, grigio argento.

Oltre a questi affreschi, Tapolo ha dipinto un enorme, circa 650 metri quadrati. M, il parsello sopra la scala del palazzo, dove ha ritratto Olympus. La superficie involontaria del soffitto, sembra essere "rotto" attraverso, trasformandolo in uno spazio celeste infinito. Posizionando Apollon tra le nuvole portanti, ha ritratto il personale di diverse parti del mondo intorno alle pareti - l'Europa sotto forma di una donna circondata da figure allegoriche di scienze e arti (personaggi individuali erano ritratti; tra loro, si rivolgeva a se stesso, Suo figlio Giovanni Domenico e assistenti), America, Asia e Africa con immagini di animali e motivi architettonici peculiari. Questo soffitto è anche una delle cime dell'arte decorativa del XVIII secolo.

Al ritorno a Venezia, Tapolo, che era nello zenit della sua gloria, diventa presidente dell'Accademia veneziana della pittura e gestisce le sue attività per due anni.

Alle migliori creature del genio decorativo, Tapolo include i suoi affreschi a Vicenza a Villa Valmaran, appartenenti al 1757, dove l'artista ha lavorato con studenti e suo figlio Giovanni Domenico Tapolo (1727-1804). Nel dipinto di questa villa, dove Tapolo si rivolge a nuove soluzioni decorative, il suo stile acquisisce particolare raffinatezza e splendore. L'artista sta ora costruendo le sue composizioni parallele al piano muro, tornando di nuovo alle tradizioni di Veronese. Il piano muro si trasforma in un antico peristilio, attraverso le quali colonne si affacciano sul bellissimo paesaggio. Grandi pause spaziali tra le figure, l'abbondanza di luce, bianco, giallo-limone-giallo-giallo, rosa pallido, delicato-viola, marrone chiaro, toni germani smeraldo della sua tavolozza danno al pittoresco ensemble delle ville valmaran carattere chiaro e gioioso, intriso di vividamente Sensazione di vita delle immagini antiche e della poesia rinascimentale.

Negli affreschi della sala principale della villa - il cosiddetto Palazzo - catturato la scena, il "sacrificio dell'infigrazione" e gli episodi correlati. Le altre tre sale sono state dipinte da affreschi sui temi presi in prestito dal "Iliad" di Homer, "enidides" Vergil e le poesie rinascimentali, "furioso Rolanda" Ariosto e "liberato Gerusalemme" Tasquato Tasso. In tutte queste scene, un sacco di movimento, leggerezza, grazia ed emotività, suggeriti dal dramma delle storie letterarie scelte da Tapolo.

È interessante notare che il grande poeta tedesco Goethe, visitando questa villa, ha immediatamente annotato la presenza di due stili - "sofisticato" e "naturale". Quest'ultimo è espresso in particolare nel lavoro di Giovanni Domenico Tapolo, che nel 1757 ha dipinto un certo numero di camere nelle vicinanze della villa "Guest House" (cosiddetti forestali). Per molto tempo, il padre e il figlio di Thipolo sono andati sotto un nome; Ora le caratteristiche dell'aspetto creativo del giovane Tapolo decisero più chiaramente. Quindi, nei suoi affreschi, la Villa Valmaran è più forte del pari di genere, al contrario dello stile di suo padre. Questi sono il suo dipinto "Pranzo contadino" o "contadini in vacanza" con ampi sfondi del paesaggio o un bellissimo "paesaggio invernale" raffigurante due lussureggianti veneziani vestiti. Su altre mura sono episodi di carnevale che servono come illustrazioni luminose alle imprese della vita veneziana del XVIII secolo. Thion e Yoonger appartengono anche dipinti di genere a Palazzo Redzoniko a Venezia. Tuttavia, alcuni dei suoi lavori di genere sono considerati soddisfatti insieme al Padre. I suoi migliori risultati includono una serie di tecniche artistiche brillanti, ogni foglio di cui raffigura qualsiasi episodio del volo di Giuseppe e Maria con un bambino in Egitto.

Giovanni Battista Itpolo stesso è anche conosciuto come un ritrattista. I suoi ritratti Antonio Riccobono (OK. 1745; Rovigo, Concordi Academy), Giovanni Querini (OK. 1749; Venezia, il Museo Kerini-Stampalya) è molto luminoso ed espressivo secondo la caratteristica.

Intorno al 1759, Tapolo ha scritto un'immagine di altare grande "St. Il flusso di Este dalla peste "(Cattedrale in Este), creata in un'altra vena colorata, piuttosto che le sue composizioni secolari. I profondi toni condivisi scuri sottolineano la tensione drammatica di questa scena, le cui immagini sono create sotto l'influenza del grande pittore veneziano 16 in. Tintoretto.

Gli ultimi anni della vita di Thipolo sono trascorsi a Madrid, per ordine del re spagnolo Charles III, dipingendo le sue pallaffali del suo palazzo. L'enorme affresco "Triumphs della monarchia spagnola" (1764-1766) è scritto sul soffitto della sala del trono. Come a Würzburg, il soffitto si trasforma nello spazio celeste incorniciato da figure composizioni, personalizzando colonie e province spagnole. Tuttavia, viene eseguito in modo più piatto dei primi cicli decorativi.

L'area speciale della creatività di Tapolo lo rende brillante nei loro disegni artistici. Eseguito da Sangina o piuma con una sfocatura, differiscono nella generalizzazione delle loro forme, dinamiche intense e - con tutta la fluidità schizzante del modo grafico - una grande espressività drammatica. Spesso servono da schizzi preparatori alle singole parti delle sue grandi composizioni, a volte hanno un valore indipendente. I suoi disegni di teste maschili, trasmesse insolitamente in plastica, sono contrassegnati da un senso di vitalità e osservazione rara. Soddisfa anche i cartoni acuti ed espressivi sul clero, negli scoop veneziani, sui personaggi delle maschere commedie.

Nella tecnica dell'incisione, Tapolo ha eseguito varie scene mitologiche, allegoriche e romantiche, il che non è quasi nessuna divulgazione. Hanno immagini di astrologi, persone in abiti orientali, zingari, guerrieri. Distinto da modo in bianco e nero estremamente pittoresco, queste incisioni avevano un impatto ben noto sul programma del più grande pittore spagnolo del turno di 18-19 secoli. Francisco Goya.

Il suo tempo collegato, Tapolo non poteva aumentare nel suo lavoro all'alta misura dell'umanità, della profondità e dell'integrità, che era caratteristica dei grandi maestri dell'era rinascimentale. L'aspetto di molti dei suoi eroi si basa sulle osservazioni della vita, un esempio di cui un certo numero dei suoi personaggi femminili può servire - Cleopatra, Armida, Amphitrite, - quasi sempre ascendendo allo stesso vero prototipo - la figlia del gondoller veneziano Christine, Ma non distinto da un vero significato interno. Il lato significativo della sua arte brillante e festiva è incarnato non tanto nell'espressività delle singole immagini e dei personaggi come nell'intero complesso di motivi pittorici di plastica, nella loro straordinaria ricchezza e raffinatezza.

Pittura Tapolo non è stato apprezzato correttamente a 19 V., poiché era lontano dai compiti artistici che sono stati decisi nell'arte di questo secolo. Solo in seguito, Tapolo ha preso un luogo degno nella storia dell'arte come uno dei brillanti maestri del XVIII secolo, che ha creato il suo stile e un pittoresco sistema decorativo, che ha completato la vecchia evoluzione dei secoli di pittura monumentale delle classiche ere artistiche .

Per la pittura italiana 18 V. Era caratterizzato davidendolo per genere. Genere per la casa, paesaggio, il ritratto ha ottenuto molta distribuzione in esso, e gli artisti specializzati ciascuno nella loro forma di arte. Così, l'artista veneziano Pietro Long (1702-1785) ha eletto la sua specialità un'immagine di piccole scene, visite, masquerad, concerti, case d'azzardo, lezioni di danza, intrattenimento folk, charlatani, animali rari. Non è sempre il disegno giusto, a volte abbastanza elementare in una soluzione colorata, piccola dimensione lunga "lezione di danza" (Venezia, Accademia), "Over the WC (Venezia, Palazzo Redzonic)," Rhinozh "(Ibid) - Usato un notevole successo. La sua pittura narrativa, che Goldoni chiamò la sorella della sua musa, ci ha portato a noi uno spirito peculiare e poetico delle "maschere secenti", vita incurante della via, intrighi, lunghezza della luce e intrattenimento, che è peculiare di Venezia di questo periodo.

Un ritratto italiano è stato rappresentato dai Maestri, di cui il più significativo è stato Giuseppe Gislande, ha chiamato il seguente (dopo la transizione al monaco) Fra Galgario (1655-1743). Bergamo nativo, ha lavorato per molto tempo a Venezia, dove ha studiato il lavoro di Georgeon, Tiziano e Veronese. I suoi pennelli appartengono a numerosi ritratti da uomo, che combinano rappresentatività esterna e metodi di caratteristiche psicologiche inerenti nei ritratti barocchi, con grazia, grazia ed eleganza, caratteristica del XVIII secolo. Un colorante meraviglioso che ha imparato le migliori tradizioni della pittura veneziana, Gislanda ritratteva a lui la nobiltà in parrucche, enormi cappelli triangolari e ricchi, ricamati con camoles d'oro, utilizzando tonalità luminose di lamponi, viola, verde e giallo nella loro pittura. Ma non ha mai oscurato questa essenza realistica di grandezza dell'immagine ritratto, ognuno dei suoi ritratti è profondamente individuale, sia che si tratti di un ritratto maschile, dove il modello è molto luminoso delineato - un cavaliere con una faccia involontaria, labbra sensuali piene e un grande naso (Museo di Milano, Polandi-Pezzoli), o l'elegante ritratto del conte Wilettati nella crescita, o un autoritratto, scritto nei toni oscuri "Rembrandt", o un adorabile ritratto di un ragazzo (1732; Eremo).

Alessandro Long (1733-1813) - figlio Pietro lungo - è noto principalmente come ritrattista. Dannando i suoi modelli il fronte anteriore, festivo, cerca di dare loro una caratteristica attraverso gli oggetti circostanti degli arredi. Tale è il ritratto del famoso compositore Domenico Chimaroza (Vienna, Galleria Liechtenstein). È raffigurato in un magnifico impermeabile raso, con il punteggio nelle sue mani, rivolto allo spettatore, arrogante e bello, ma privo di profonda espressività, incorniciata da una parrucca bianca. Accanto a Lui sul tavolo - Viola D Amur, violino, flauto, corno e calamaio con piuma. Ritratto di Goldeni (Venezia, Museo Correll) scritto nello stesso spirito: il famoso drammaturgo è raffigurato in un abito di parata circondato da attributi del suo professione.

L'artista veneziano Rosalba Carrier (1675-1757) ha iniziato le sue attività come miniaturista, ma ampiamente noto per i suoi numerosi ritratti eseguiti da pastelli. Il suo sapore si è distinto da una grande tenerezza e alcuni toni di sbiadimento, che è stato spiegato dalla specificità della tecnologia pastello. Tutta la sua vita ha scritto ritratti e allegoria poetica. Senza perseguire gli obiettivi per raggiungere la completa somiglianza, è stato estremamente brillato ai suoi modelli, dando loro un carattere sentimentale-aristocratico, grazie a cui godeva di un enorme successo tra la nobiltà europea della nobiltà di 18 V. Ed è stato eletto da un membro delle Accademie francesi e veneziane.

Ma il fenomeno più significativo tra vari generi del dipinto veneziano del XVIII secolo fu il paesaggio della città, il cosiddetto piombo (cioè la vista), che ha combinato gli elementi dell'immagine architettonica e il paesaggio stesso.

La pittura delle specie veneziane era principalmente una pittura promettenti, riproducendo reali motivi del paesaggio urbano. Tuttavia, ognuno dei lantisti era inerente alla loro lingua d'arte e alla loro pittoresca visione, quindi, nonostante la conosciuta ripetibilità e il prestito dei motivi l'uno dall'altro, non erano mai noiosi e uguali. Amanti Nella Bellezza di Venezia, sono diventati i suoi genuini biografi e ritratti, trasmettendo un sottile fascino poetico del suo aspetto, catturando in innumerevoli dipinti, disegni e incisioni della piazza, canali distrutti da gondole, argini, palazzi, camminata festiva e quartieri poveri .

Le origini dei leader veneziani dovrebbero essere cercate nella pittura del XV secolo, nelle opere di Gentile Bellini e Witoror Carpaccio, ma poi il paesaggio della città non ha svolto un ruolo indipendente e servito come artista solo lo sfondo per cronache festive e composizioni narrative.

All'inizio del XVIII secolo. Luca Carlevaris crea il tipo di paesaggio della città veneziana, che, tuttavia, rispetto alle opere dei successivi luminosi era piuttosto primitivo. Un genuino maestro in questa zona era Antonio Channel, soprannominato Canaletto (1697-1768).

Il figlio e lo studente del teatro artista del teatro Bernardo Channel, Antonio sinistro Venezia a Roma e ci siamo incontrati con le opere di giocatori di paesaggi romani e decorati teatrali, principalmente Panni e la famiglia Bibbien. Il suo stile si è sviluppato molto presto e non ha subito modifiche pronunciate sul percorso del suo sviluppo. Già nel primo lavoro del Kayaletto "Skol del Carita" (1726), i principi della sua percezione artistica sono stati chiaramente espressi. C'è poco movimento nei paesaggi della città, non c'è nulla di illusorio, volatile e non permanente, tuttavia, sono molto spaziali; I toni colorati formano piani di varie intensità, rilassato nel loro contrasto di luce. Kanaletto scrive tipi di lagun, palazzi veneziani in marmo, arcade di pizzo in pietra e logge, muri arrugginiti e grigio-rosa-rosa di case riflesse in un ricco canali d'acqua verde o bluastro, per i quali scivolano le gondole d'oro e spazzano le barche di pesce e il Le persone folle sulle argine possiamo vedere idiota naobli in parrucche bianche, monaci a Sutanov, stranieri e persone del lavoro. Con calcoli accurati e quasi directoriali Group canalto piccoli generi MICCONI; In loro, è vitale, a volte è persino pronunciato ed estremamente scrupoloso nella trasmissione di parti.

"Grande canale a Venezia" (Firenze, Uffizi), "Piazza di fronte alla Chiesa di San Giovanni e Paolo a Venezia" (Dresda), "Yard of Kamenotes" (1729-1730; Londra, Galleria nazionale) appartiene al meglio Lavori di Cantelto. Dai suoi dipinti nei musei sovietici, è necessario chiamare il "ricevimento dell'ambasciata francese a Venezia" (Hermitage) e "Partenza del Dwn on the Harry con il mare Adriatico" (Museo delle Belle Arti. A. S. Pushkin).

Acquistando un'ampia fama dagli anni '30. Come artista che non conosce uguale nel suo genere, Canaletto è stato invitato nel 1746 a Londra, dove, secondo gli ordini di pazienti inglesi, un certo numero di paesaggi della città ha scritto, in cui il suo sapore, privo di luminoso e plastico in bianco e nero Illuminazione, perde il suo ex belliness e diversità, diventando più sofisticato e locale. Queste sono "View of Whiteholl", "London City sotto l'Arco del Westminster Bridge", "Vacanze sul Tamigi" e una serie di altri.

Oltre alla pittura, Canteltto ha prestato grande attenzione all'incisione, che tra il 1740-1750. Ricevuto uno sviluppo brillante a Venezia. Quasi tutti i giocatori del paesaggio veneziano - Marco Ricci, Luca Carlevaris, Canaletto, Bellotto - erano importanti maestri dell'acquaforte. Cosa è successo al canvas di tela più grande - il movimento, la spiritualità di tutto il tessuto pittoresco, - completamente eseguito nelle sue incisioni imbevute con una vera sensazione poetica. Usando il laboratorio di una tecnica lineare, alla ricerca di transizioni in bianco e nero profonda e bianche mediante una sottile schiusa parallela di varie intensità, Cantelto contemporaneamente costretto a "lavorare", interrompendo un tocco orizzontale leggermente ondulato con verticali leggeri o luoghi luminosi di ombreggiatura leggera. E cieli, e nuvole che galleggiano su di loro, come se fosse personalizzato con una leggera brezza, e l'acqua e gli alberi vengono in vita sulle sue incisioni. Contorni veloci e audaci, i tocchi in fuga danno alla vita autenticità e realtà del suo "porto a Dolo" - una piccola area sulla riva del bacino d'acqua, secondo cui una giovane coppia si muove - un cavaliere in una parrucca e camole, conducendo A mano alla signora in una igienica lussureggiante, che viene causato involontariamente in memory visualizzatore di immagini romantiche Manon Lesko e Cavaller de Glop della storia dell'anteprima dell'abbot.

Bernardo Bellotto (1720-1780) - un nipote e un allievo di Cantelto - era anche una delle luci eccezionali del XVIII secolo. Una chiara distribuzione promettente dei piani, una precisione estremamente grande, quasi fotografica nella riproduzione della natura, la superficie un po 'sottolineata dei suoi dipinti dà loro un po' senza vita causato a una certa misura a cui Belldotto ha diffuso i riflessi della camera-oscura nelle sue opere. I suoi leader della città non si distinguono per la latitudine della generalizzazione artistica, hanno poco umore, movimento, aerosua, ma rappresentano un grande valore artistico e documentario. Oltre all'Italia, dal 1746 al 1766 ha lavorato nei cortili a Vienna e Dresda, e dal 1768 fu un pittore di corte in Polonia, dove ha creato molte specie di Varsavia. Nella completezza delle immagini dei dettagli, si può presumere che questi conduttori diano un'idea più o meno corretta di architettura, il paesaggio della città e la vita di quel tempo.

Pittura veneziana Netsecho ha lampeggiato un altro nome - Francesco Guard (1712-1793), un artista eccellente, ha informato le grandi tradizioni colorate della pittura veneziana per quasi il XIX secolo.

Era uno studente di suo fratello maggiore, GIOVANNI ANTONIO GUARD (1698 / 99-1760) - un pittore dotato, nel workshop di cui ha lavorato quasi la metà della sua vita. Guardia senior, che ha creato diversi dipinti d'altare: "Death of St. Joseph "(Berlino); "Madonna con un bambino e un santi" (la Chiesa di Vigo "Anyunya), ovviamente, con la partecipazione del fratello minore, nel suo modo in contatto con Sebastian Ricci e Piazzetta.

Per lavori anticipati, Francesco Guard include diversi dipinti d'altare - "Crocifissione" (Venezia, Assemblea privata), "Lutto" (Monaco di Baviera). Tuttavia, il funzionamento più significativo di questo periodo è il dipinto del corpo nella Chiesa di Arkandellow Raphael a Venezia con l'immagine delle scene di Tovia (circa 1753). Un certo numero di motivi di trama e compositi per questo dipinto sono presi in prestito dall'artista da altri pittori italiani, ma una soluzione colouristica audace e insolita lo trasforma nel lavoro abbastanza originale. Remoto, come se i paesaggi tremolante, trabocchi di colori incandescenti, viola, rosso, limone, oro arancione, grigio e blu, fragilità e vibrazione delle ombre, culto, quasi la capriccia dei confronti colorati si distinguono per il suo sistema pittorico. Tra tutti i maestri veneziani, la guardia è la maggior parte di tutti che mostrano una tendenza al trasferimento di un ambiente d'aria, cambiamenti atmosferici elusivi, il facile gioco della luce del sole, Word Word Lagun, dipinta nelle sfumature di colore più belle. Leggero, come se fossero un tremolo colpi, il pennello della guardia non solo lampeggia la forma, ma ha anche raggiunto la straordinaria mobilità e spiritualità dell'intera superficie pittorica dell'immagine nel suo complesso.

Gli stessi anni si riferiscono all'immagine "Alexander di fronte al corpo di Dario" (Gmia A. S. Pushkin), che è una copia gratuita dal dipinto del pittore italiano di 17 secoli. Langetti. È difficile immaginare un'interpretazione più non classica di un'antica trama. Tuttavia, la pittura luminosa della guardia e il vortice autentico del suo blu chiaro, rosso, marrone scuro, i punti variopinti verdognoli non oscurano un chiaro schema di costruzione composito sotto forma di un'ellisse, che interseca il corpo in diagonale di Darius - il Centro semantico della composizione.

Ma il lato più importante della creatività della Guardia è associato allo sviluppo del pittura del paesaggio, quando è dal 1740. Sotto l'influenza di Mariesee e Canteltto, i disegni di cui ha copiato a lungo, iniziò a lavorare nel campo del paesaggio architettonico. Seguendo il Canaletto, Guardi, allo stesso tempo, cercava di superare il design lineare e promettente di lui.

Nel 1763, in occasione dell'inizio del regno del nuovo digest alvisionato IV del Moine, segnato da un certo numero di festival brillanti, la Guardia ha scritto dodici grandi piombo veneziano, usando quasi accuratamente la composizione della Cantelto per i suoi dipinti, incisa dal Brownon Brownon . Tale prestito, come vediamo, si è riunito nella pittoresca pratica di Guardi ripetutamente, ma questo non ha ridotto la dignità dei suoi dipinti; L'interpretazione dell'aria della guardia ha trasformato i leader affidabili a secco nelle immagini di Venezia, completa tremante, movimento e vita.

La guardia era un grande maestro del pittore. La sua tecnica principale - disegni con penna, a volte lividi da acquerello. In loro stava cercando principalmente movimento e impressioni istantanee. I disegni precedenti sono contrassegnati da motivi rociali, linee arrotondate, whimsical e flessibile, il movimento è esagerato, in seguito una generalizzazione molto maggiore; Sfocato nel mascara e un bistrity danno loro una pittura incomparabile. Molti di loro sono fatti direttamente dalla natura - le nuvole di corsa, il movimento dell'acqua, la gondola a glidola sono catturate in loro, le loro riflessioni errate, i turni temperamentali e audaci delle figure. Edifici, scale, logge, colonnati sono previsti incompiuti, Bravura, attraversando l'un l'altro con tratti di arrampicata. E la grazia dell'aria dell'architettura veneziana e la sua strutturalità sono state trasmesse dall'artista con un incredibile senso della linea, allo stesso tempo intermittente e generalizzato.

Le tecniche artistiche più caratteristiche della guardia nel suo dipinto includono variazioni gratuite sullo stesso argomento preferito, il cosiddetto capriccecio. Trova tutti i nuovi e nuovi motivi per il suo "modello" costante, scrive Venezia, che non ha lasciato tutta la sua vita, in varie ore del giorno, aprendo tutte le nuove sfumature colorate, dando il suo scenario, poi un aspetto romantico, quindi Dipingerli nei toni tristi della meditazione lirica.

Nel 1770, la guardia ha raggiunto la cima della sua abilità. Smalti sottili e liberi scrive piazze, canali, strade, edifici fatiscenti, periferia e poveri trimestri di Venezia, i suoi cortili isolati, lagune del deserto, vicolo tranquillo, finendo inaspettatamente con un ampio arco ombreggiato, dall'arco del quale, come un gigantesco trasparente Goccia, pende una lanterna di vetro, come se si sciogliesse nell'aria di Foster sera ("look urbano"; Eremo). Essenzialmente, la guardia ha trasformato il tipo di leader decorativi-scenici? Chi ha dominato la pittura veneziana della metà del XVIII secolo, nel paesaggio del suono lirico più sottile, intriso di un'esperienza profondamente personale.

Nel 1782, due grandi serie di "festività" eseguite dalla guardia sugli ordini ufficiali appartengono. Il primo consisteva di quattro tele dedicate al soggiorno di Pia VI nella Repubblica di Venezia, il secondo è stato scritto in onore della visita dell'heir al trono russo del Granduca Paul Petrovich a Venezia e comprendeva cinque dipinti. Quattro di loro sono stati preservati - "Palla al Teatro San Benedetto" (Parigi), "Concerto solenne" (Monaco di Baviera), "Banchetto" (Parigi), "Vacanze a St. Square Mark "(Venezia).

Il "concerto solenne" è una delle opere più brillanti dell'artista. In questa immagine, fu catturato dall'elusivo, che era particolarmente inerente alla padronanza della guardia, trasferì lo spirito del festival galante del XVIII secolo. Qui sembra sentire la musica stessa, che vola con gli archi leggeri dell'orchestra femminile del violino. Nel morbido scintillante di candele, illuminando l'alta sala da ballo, come se fluvino le onde con aria calda; Toni blu, rossi, gialli, marroni, argento-grigio flash lampeggiano i servizi igienici di lusso scritti dal turbinio di tremili colorati luminosi. I colpi luminosi della Guardia del pennello sono ostacolati da volti, parrucche e cappelli, quindi trasparenti, poi macchie pastosessuali indicano figure.

Nel 1784, la guardia, soddisfacendo l'ordine ufficiale del Procuratore della Repubblica, scrive il quadro "Sollevando un palloncino a Venezia" (Berlino), raffigurante un evento, straordinario per quel tempo. Usando il solito motivo, la guardia mette il baldacchino in pietra ombreggiata in primo piano, in base al quale gli spettatori curiosi sono affollati, e nella cornice delle colonne, un cielo nuvoloso rosa può essere visto con un palloncino oscillante.

Nelle loro opere successive, la guardia è venuta alla massima generalizzazione e concisione dei fondi pittorici. In uno degli ultimi dipinti eccellenti dell'artista, la "laguna veneziana" (circa 1790; Milano, il Museo di Polandi Petzoli), eseguita nei colori colorati, ma il più ricco di sfumature della gamma colorata, non è raffigurata, tranne Per la baia deserta con diverse gondole e fluttuando aria umida, in cui i contorni delle chiese e dei palazzi visibili sono come una fusione.

Modest, privo di effetti esterni piccoli dipinti della guardia non sono stati sufficientemente stimati in una volta e rimasero nell'ombra accanto al pieno glitter e allo splendore delle opere di Thipolo. Solo molti decenni dopo, la vera importanza del suo lavoro è stata rivelata, che non sono solo i monumenti eccezionali di nestaste, ma anche la lungimiranza di molti risultati del paesaggio realistico nell'arte del XIX secolo.

Contemporaneamente con la scuola veneziana, che serviva da altre scuole d'Italia ha sviluppato la posizione di leader nell'arte di Nettachno.

Il rappresentante più importante della scuola napoletana era Francesco Solima (1657-1747), nel suo stile associato a pittura tardiva del seno del 17 ° secolo. Avendo sperimentato l'impatto di Lanfranko, Luke Jordano, Pietro e Corton e Petach, Solman lavorava principalmente nel campo della pittura decorativa, dipingendo le affreschi Chiese napoletane (San Paolo Maggiore, San Dominionko Maggiore, Jazu Nuovo). I suoi pennelli appartengono anche a immagini di altare, dipinti su argomenti religiosi e allegorici e ritratti.

Spettacolare maniera scenica di saltmeni con i suoi punti marrone scuro che contrastano con toni gialli e lilla e scosse rosse, le sue composizioni dinamiche allo stesso tempo trasportano l'impronta di un peculiare freddo come nel risultato delle persone che recitano, il cui impulso è privato Pastio pathos, che ha distinto l'immagine dei maestri barocchi. Il secolo precedente, e nel sapore, dove le pantofole di tono di ombrellone comune.

Tra i suoi studenti dovrebbe essere notato da Juseppe Bonito (1707-1789). Lavorare prima nello spirito di Solimen, Bonito dopo si allontanò da lui verso il genere della famiglia, ma non poteva finalmente rompere con i principi dello stile decorativo. Le trame dei suoi dipinti, luminose, ma un po 'freddi di colore, sono principalmente scene di carnevale.

Nella prima metà del XVIII secolo Tra le varie direzioni artistiche d'Italia, era chiaro che il democratico del genere nel suo contenuto. Questa direzione che ha ricevuto il nome di Pittura della Realita dai ricercatori (pittura del mondo reale), ha combinato molti maestri che hanno applicato all'immagine della vita quotidiana e scelgono le trame dei loro dipinti con varie famiglie e scene comuni. Contemporaneamente con Bonito, il traversario napoletano Gasparo ha lavorato (ha lavorato tra il 1732 e il 1769) - un artista luminoso e interessante che è stato influenzato dall'arte del Caravaggio. Si distingue da una luce affilata, modello di forma in rilievo, vivi, composizione tagliente, giri temperamentali delle figure. Le sue migliori opere appartengono ai "feriti" (Venezia, Collezione di ottoni), "Secret Letter" (Napoli, Capodiment Museum), "Disegno Lezione" (Vienna).

Maestri di questa direzione che troviamo anche in Lombardia, tra cui Bergamo e Brescia. Tra questi, Gakomo Francesco Chipper, o Todeskin, ovviamente, tedesco, ma tutta la sua vita ha lavorato in Italia e Lkopo Cheruti (lavorato nel secondo quarto del XVIII secolo). Il primo è l'autore di numerosi ineguali nella qualità dei dipinti di genere raffiguranti calzacri, musicisti, giocatori in carte, donne al lavoro. Yakopo Cheerti è stato il rappresentante più importante di questa direzione. Gli attori dei suoi dipinti sono quasi sempre persone del lavoro. Le sue migliori opere includono il "Bundoch" - una donna che sta cancellando la biancheria intima in una piscina di pietra; La sua faccia con enormi occhi tristi rivolti allo spettatore (Brescia, Pinakotek). "Mendicargar Negro", "Giovane con un tubo", "Donna, un canestro fottuto" - Queste immagini trasmesse con un'osservazione vivace si distinguono per una grande forza e un senso di verità artistica. Da altri pittori dei pegni, Francesco Londonio ha lavorato a Milano. A Roma nella prima metà del XVIII secolo. Antonio Amorosi è assegnato, l'autore delle scene della vita della semplicità.

In generale, tuttavia, lo sviluppo di questa direzione in Italia era di breve durata - le sue tendenze democratiche non hanno trovato la dovuta risposta e il sostegno nell'ambiente sociale e artistico del tempo.

La vita artistica di Roma non era meno satura che a Venezia. Dall'inizio del XVIII secolo, Roma è diventata un genuino centro d'arte internazionale, dove non solo le persone d'arte, gli scienziati di Nuya, gli archeologi, i più grandi storici e gli scrittori di quel tempo sono stati affollati.

Scavi dell'antica Roma, Herculaneum, Pompei, i templi di Pestum nel sud Italia si aprirono davanti agli occhi della gente del tempo dei tesori dell'arte antica, che divenne accessibile all'arredamento. Fornito allo spirito di scoperte romantiche e sorprese, l'Italia è inarrestabile Manila a se stesso e giovani artisti di tutti i paesi e nazionalità, per i quali un viaggio a Roma divenne un sogno caro e ottenendo il premio romano - il premio più alto dopo anni di apprendistato Nelle mura delle accademie. Un ruolo molto significativo nella familiarizzazione con la storia dell'arte antica è stato interpretato dalle opere della famosa arte storica tedesca di Winelman, l'appassionato appassionato dell'antica cultura, dei testimoni oculari delle grandi scoperte archeologiche, la descrizione di cui ha dedicato una serie di suoi lavori. Il più generalizzato di loro era il suo libro "La storia dell'arte dell'antichità" (1764), dove per la prima volta il corso generale dello sviluppo dell'arte greca è stato tracciato, il cui carattere Winkelman ha definito i concetti di "semplicità nobile e grandezza pacifica . Nonostante un certo numero di errori e stime errate dell'essenza sociale e ideologica dell'arte greca, l'idea di cui Winkelman poteva ricevere principalmente da copie romane degli originali greci, il suo libro era una vera scoperta per le persone del XVIII secolo.

Non sorprende quindi era il fatto che gli artisti italiani della scuola romana non potevano passare dagli antichi motivi nel loro lavoro. Uno di questi era Pompeo Batoni (1708-1787), che ha scritto un certo numero di composizioni su terreni mitologici e religiosi, distinti da qualche raffinatezza di immagini e un colore freddo, - "Fetida dà a Achilla all'educazione di Achilla" (1771) ", Ercole All'incrocio "(1765) (entrambi - Eremo)," Asciugatura Maddalena "(Dresda, Galleria dei Picture).

Nella vita del cerchio di Roma, l'Accademia francese ha anche svolto un ruolo importante, che ha raccolto giovani pittori intorno a lui, la cui attività artificiale era più vivace e fruttuosa della creatività senza vita, artificialmente-programma dei neoclassicisti romani, guidata dal pittore tedesco Raphael Mengs. Dai maestri francesi a Roma, i pittori di Vieen, Gubert Robert, Fragonar, Syubleira, David, Scultore Frajor, architetto Souflo e una serie di altri. Inoltre, c'era una colonia di artisti tedeschi. Molti dei maestri francesi hanno sviluppato i motivi di un paesaggio classico, già a 17 V. Presentato dai più grandi pittori francesi che vivevano in Italia, - Pussen e Claude Lorren. In questo genere, al parol con il francese Francesco Francesco Tsukkarelli (1702-1788), l'autore di paesaggi idilliaci, nonché un rappresentante della scuola romana, noto nel suo tempo, "Ruinopizer" Giovanni Paolo Panni (1697- 1764), chi ha ritratto non solo i leader romani, ma anche vari eventi eccezionali del loro tempo, così come gli interni delle chiese.

Le maestose rovine del Colosseo, colonnato dilapidato a Pompey e pestum, mausolei, obeliski, rilievi, le statue hanno dato un'esposizione infinita all'immaginazione artistica e attrae dipinti, disegni e incisori attirati che hanno eseguito composizioni libere su motivi antichi, combinati con l'immagine delle scene dalla vita di tutti i giorni. "Roma, anche essendo distrutto, insegna", Guber Robert ha scritto su uno dei suoi dipinti. Questi paesaggi hanno goduto un tremendo successo tra la nobiltà romana e francese e, come leader veneziane, erano diffusi nell'arte del XVIII secolo.

Ma il fenomeno più eccezionale nel campo di questo genere era il lavoro del famoso Maestro del disegno architettonico, archeologo e incisore Giovanni Battist Piransmi (1720-1778), ispirato alle sue fantasie architettoniche, intera generazioni di artisti e architetti. Venetean per la nascita, ha vissuto quasi tutta la sua vita a Roma, dove aveva un "insormontabile desiderio di esplorare e vedere quelle famose città in cui sono state fatte così tante grandi cose, e attirano i loro monumenti - testimoni del Grande passato", come il suo biografo scrive.

Gli studi dell'Italia sono profondamente passionali dallo studio del patrimonio architettonico dell'Italia, Pryrase, familiarizzato anche con il lavoro di una famiglia ampia e ramificata di architetti teatrali e decoratori di Bibbien - immigrati da Bologna, ma chi ha funzionato come la maggior parte dei più Sethenate Maestri in aggiunta all'Italia in varie città d'Europa - Baireit, Vienna, Praga e altri. I loro trattati e la dottrina del promettente illusionismo, così come il lavoro decorativo di Andrea Pozzzo,

Panni, Valeriani Brothers, ha avuto una grande influenza su di lui. Nelle opere di pirase, la tarda maniera barocca romana è quasi vicina allo stile del classicismo nascente. L'interesse nelle composizioni teatrali e decorative ha contribuito a radicare nelle sue opere di percezione promettente anonima dello spazio e un'illuminazione a contrasto profonda.

Uno dei suoi primi lavori pubblicati nel 1745 e nel 1760, è suite dalle quattordici ampie incisioni del "Tomnov" ("Carceri") raffiguranti premesse a volta a più piani infiniti attraversato da travi, scale, galleria, ponti di sollevamento, dove nei contrasti Di Groka e luci appese a tamponi da soffitti, leve, corde, ruote, catene sono mescolate bizzarramente con i detriti di antiche colonne, fregi e bassorilievi. Queste fantastiche composizioni sono probabilmente ispirate ai moderni scenari teatrali pirassa, differiscono in volatili, ma tuttavia uno spazio architettonicamente cristallizzato è chiaramente delineato nei loro dettagli.

Il linguaggio architettonico di Piracheus non poteva esprimersi attivamente nella vera costruzione dell'Italia di quel tempo. "Un architetto moderno non ha un'uscita diversa, come esprimere le proprie idee tra le foto da sola", ha scritto Pirase, creando la sua "architettura immaginaria" in serie di incisione separata. I suoi cicli principali sono dedicati alle maestose strutture dell'antica Grecia e Roma.

Non cerco una precisa ricostruzione archeologica dei monumenti dell'architettura antica, Pyransmi in aggiunta all'interpretazione gratuita li circondava da una speciale alone romantica, che ha causato taglienti rimproveri e lo attacca dagli scienziati moderni e dagli archeologi. Le sue incisioni sono monumenti piuttosto commemorativi per il grande passato di Roma, a cui adorava con una passione irrequieta.

Nel 1747, Pirachea emette una serie di incisioni "tipi di Roma", in cui raggiunge la straordinaria monumentalità dell'immagine architettonica a causa del massimo approccio degli edifici raffigurati in primo piano mostrato allo stesso modo con un punto di vista molto basso. Piccole figure di persone sembrano fine e insignificanti rispetto alle enormi colonne e archi. Lavorando sempre nella tecnica dell'acquaforte, Pirasemi ha ammorbidito i contorni delle ombre profonde del nero e del velluto che attribuiscono un dipinto straordinario a tutte le sue composizioni. In immagini dei ponti romani, sottolinea soprattutto il potere degli antichi edifici romani, trasmettendo la loro orgogliosa grandezza. Lo stesso umore penetrerà nel "Castello di Sant'acquisizione" Angelo a Roma. "

La monumentale suite a quattro volumi "antichità romane" si distingue per la sorprendente latitudine del materiale, pubblicata nel 1756. Appartiene alle creazioni più notevoli di Pirasei, la sua ultima suite delle incisioni con la specie dell'antico tempio greco di Poseidone in pestum. L'ago dell'incisione Piransei crea miracoli qui, dando queste composizioni il dipinto più profondo dovuto alla distribuzione armoniosa di ombre luminose e morbide e velveni. La varietà di punti di vista è sorprendente qui: i colonnati giganti appaiono davanti allo spettatore in diversi angoli, i piani a lunga distanza sono invastibili in aria morbida e calda, il primo piano, il libero e leggero, privo di tutto il disordine, caratteristico di tutto il disordine In precedenza Pynesmi, viene riempito con successo con lo stafferage - sotto i sette degli artisti di colonne dilapidati si trovano e gli amanti delle antichità vagavano. Parte delle incisioni incompiute di questo ciclo dopo la morte di Piranets completarono suo figlio Francesco (circa 1758 / 59-1810), che ha dato un modo grafico di suo padre.

I risultati artistici raggiunti dai Maestri della Scuola Romana nel XVIII secolo erano generalmente meno significativi del raggiungimento di Venezia. Ma il suo merito principale era quello di propaganda le idee dell'arte antica. E, a loro volta, avendo ricevuto una nuova indicazione sociale, saturi di contenuti profondi e alti patos civili, serviti come un potente incentivo per la creatività dei Maestri europei avanzati della vigilia della nuova epoca, che apre la rivoluzione borghese francese del 1789.