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Antica tragedia romana, che è diventata trionfo Carl Bryulllov

Il 23 dicembre 1799, Karl Brullov è nato. Il figlio dello scultore dell'origine francese del campo proiettile, Karl era uno dei sette figli della famiglia. Anche i suoi fratelli Paul, Ivan e Fedor sono diventati pittori, e il fratello Alessandro - Architetto. Tuttavia, il più famoso era Karl, che ha scritto il tessuto "l'ultimo giorno di Pompei" nel 1833 - il principale lavoro della sua vita. "Cultura.rf" ricordato come è stato creato dalla tela.

Karl Bromlov. Auto ritratto. 1836.

Storia della creazione

L'immagine è stata scritta in Italia, dove nel 1822 l'artista è andato in un viaggio pensionato dall'Accademia Imperiale delle Arti per quattro anni. Ma viveva lì per 13 anni.

La trama racconta dell'antica tragedia romana - la morte dell'antica città di Pompei, situata ai piedi della Vesuvia: 24 agosto, 79 n. e. L'eruzione del vulcano ha preso la vita di duemila abitanti.

Nel 1748, l'ingegnere militare Rockke de Alcubiere ha iniziato scavi archeologici nel luogo della tragedia. L'apertura di Pompei è diventata una sensazione e riflessa nel lavoro di persone diverse. Così, nel 1825, apparve l'Opera Giovanni Pacini, e nel 1834 - la storica romana dell'inglese Edward Bullver-Litton, dedicato alla morte di Pompei.

Brullov ha prima visitato il sito degli scavi nel 1827. Andando alle rovine, un artista di 28 anni e non ha sospettato che questo viaggio sarebbe stato un fatidico per lui: "Non puoi passare queste rovine, senza sentirti in te stesso un sentimento completamente nuovo, costringendo tutto per dimenticare, tranne il terribile incidente con la città sim""L'artista ha scritto.

I sentimenti che Karl Brullov sperimentò sugli scavi non lo lasciavano. Quindi è nata l'idea della tela sul tema storico. Lavorando sulla trama, il pittore ha studiato fonti archeologiche e letterarie. "Ho preso questo scenario dalla natura, non si ritirava affatto e non aggiungendo, in piedi per riportare la porta della città per vedere la parte della Vesuvia come motivo principale.". Gli italiani divennero modelli per i personaggi - discendenti degli antichi residenti di Pompei.

Alla giunzione del classicismo e del romanticismo

In questo lavoro, Bryullov non è un classicista tradizionale, ma un artista della direzione romantica. Quindi, il suo trama storico è dedicato a non un eroe, ma le tragedie di tutto il popolo. E come una trama, ha scelto non un'immagine idealizzata o un'idea, ma un vero vero fatto storico.

Vero, la composizione della pittura di Broullov si basa nelle tradizioni del classicismo - come un ciclo di episodi individuali racchiusi in un triangolo.

Nella parte sinistra del dipinto sul secondo piano, diverse persone sono raffigurate sui gradini di un grande edificio della tomba della scaduta. Una donna guarda dritto allo spettatore, in cui l'orrore viene letto negli occhi. E dietro di esso - un artista con un cassetto di pitture sulla testa: questo è un autoritratto del Bandoro, che preoccupa la tragedia insieme ai suoi personaggi.

Più vicino allo spettatore - una coppia sposata con bambini, che sta cercando di fuggire dalla lava, e in primo piano la donna preme le sue figlie ... accanto a lei - il prete cristiano che ha già riservato il suo destino e a causa della calma. Nel profondo dell'immagine, vediamo il sacerdote romano pagano che sta cercando di fuggire, portando valori rituali. Qui, Bryullov suggerisce la caduta dell'antico mondo pagano dei romani e dell'offensiva dell'era cristiana.

Nel lato destro del dipinto sul secondo piano, il pilota è raffigurato su un cavallo, che si è fermato sul rap. E più vicino allo spettatore - lo sposo abbracciato da horror, che sta cercando di tenere la sua sposa sulle sue mani (su di esso una corona di rose), che perse conoscenza. In primo piano - due figli portano il padre del vecchio uomo tra le sue braccia. E accanto a loro - il giovane, implorando sua madre a salire e correre più lontano da questo elemento di soggiorno. A proposito, questo giovane non è nessun altro, come il Pliny Younger, veramente salvato e lasciato i suoi ricordi della tragedia. Ecco un estratto dalla sua lettera tacitis: "Guardo indietro. Una fitta nebbia nera, che scorre intorno a terra, ci ha sopraffatto. C'era una notte, a differenza della luna o della nuvola: succede così scuro solo nella stanza della locomotiva durante le luci estinte. Le urla delle donne sono state ascoltate, una squitti di un bambino e un grido di uomini, alcuni penzolano i genitori, gli altri bambini o le mogli e cercarono di conoscerli nelle voci. Alcune piagnissero la morte, l'altra morte dei propri cari, alcuni nella paura prima della morte pregarono per la morte; Molti sono andati a mani agli dei; La maggior parte ha spiegato che da nessuna parte e nessun dei e per il mondo è l'ultima notte eterna ".

Non c'è un personaggio principale nella foto, ma ci sono centrali: un bambino di cereali vicino al corpo aperto della sua madre deceduta in una tunica gialla - un simbolo della caduta del vecchio mondo e della nascita di una nuova, questa opposizione di La vita e la morte sono nelle migliori tradizioni del romanticismo.

In questa foto, Bryulllov si è mostrato e come innovatore, utilizzando due fonti di luce - luce rossa calda sullo sfondo, trasmettendo la sensazione della lava imminente e un freddo verdastro-blu in primo piano, aggiungendo la trama di ulteriore drammaturgo.

Un sapore luminoso e saturo di questo dipinto viola anche le tradizioni classiche e ti permette di parlare dell'artista come un romanticismo.

Modello di marzo trionfale

Karl Bryulllov ha lavorato sul web per sei anni - dal 1827 al 1833.

Per la prima volta, l'immagine è stata rappresentata dal pubblico nel 1833 presso la mostra di Milano - e ha immediatamente prodotto Furore. L'artista è stato onorato come il trionfante romano, una recensione di ladradele nella stampa ha scritto sull'immagine. Bryulsov è stato celebrato per strada con applausi, e durante i suoi movimenti ai confini dei principati italiani non richiedeva passaporti: si credeva che ogni italiano lo conosca in faccia.

Nel 1834, l'ultimo giorno di Pompei "è stato presentato al Salone di Parigi. La critica francese non era un esempio italiano meritevole. Ma i professionisti hanno apprezzato il lavoro sulla dignità, consegnando la medaglia d'oro dell'Accademia delle Arti francesi di Bullylov.

La tela ha fatto una sensazione in Europa, e non vedeva l'ora che gli fosse in Russia. Nello stesso anno è stato inviato a San Pietroburgo. Vedendo la foto, Nikolai ho espresso il desiderio di incontrare personalmente l'autore, ma l'artista è andato con il grafico Vladimir Davydov in un viaggio in Grecia, e tornò nella sua patria solo nel dicembre del 1835.

L'11 giugno 1836, nella sala circolare dell'Accademia delle Arti russe, dove è stato esposto il dipinto "L'ultimo giorno di Pompei", gli ospiti onorati, i membri dell'Accademia, gli artisti e gli appassionati di pittura sono stati raccolti. L'autore della tela, "Veliky Karla", portato in sala a mano nelle loro mani sotto l'entusiasmo grida degli ospiti. "Folle dei visitatori, puoi dire, robero nelle sale dell'Accademia per guardare il" Pompei ""La scrittura contemporanea e la testimonianza di quel successo pari a cui nessun artista russo sapeva.

Il cliente e il proprietario del dipinto Anatoly Demidov lo hanno presentato all'imperatore, e Nikolai la mise nell'eremo, dove si trovava per 60 anni. E nel 1897 è stato tradotto nel museo russo.

L'immagine ha letteralmente concordato su tutta la società russa e le migliori menti di quel tempo.

Arte trofei pacifici
Hai contribuito al modello Deceo.
Ed è stato l'ultimo giorno di Pompei ",
Per il primo giorno del pennello russo! -

pubblicato sul poeta dell'immagine Yevgeny Bratansky.

Alexander Pushkin ha anche dedicato poesie a lei:

Vesuvio Zev ha aperto - fumare appeso il club, la fiamma
Ampiamente sviluppato come un banner di combattimento.
La Terra è preoccupata - con una falsa colonna
Idoli cadono! Le persone perseguitate dalla paura
Sotto la pioggia di pietra, sotto la fretta infiammata,
Folle, vecchi e giovani, finiscono i gradi.

Menzione "L'ultimo giorno Pompei" e Mikhail Lermontov nel romanzo "Princess Ligovskaya": "Se ami l'arte, allora posso dire una notizia molto piacevole: l'immagine del bandov" l'ultimo giorno di Pompei "cavalca a San Pietroburgo. Conoscevo tutta l'Italia di lei, i francesi furono schiacciati "- Lermontov sapeva chiaramente le recensioni della stampa di Parigi.

Storico e viaggiatore russo Alexander Turgenev ha detto che questa foto era la gloria della Russia e dell'Italia.

E Nikolay Gogol ha dedicato un grande articolo scrivendo: "Un pennello lo tiene in sé la poesia che ti senti solo e puoi sempre sapere: i nostri sentimenti conoscono sempre e vedere anche segni distintivi, ma non diranno mai le loro parole. Colorandolo così a parte, che non è mai stato quasi mai mai mai prima, le sue vernici stanno bruciando e droopy. Sarebbero insopportabili, se l'artista avesse una laurea sotto il Bryullov, ma si appoggiava a quell'armonia e respirava nella musica internamente, che è stata eseguita da oggetti viventi della natura ".

Il 3 dicembre 1961, un evento punto di riferimento si è verificato nel Museo di New York dell'Arte Contemporanea - l'immagine della "barca" di Matisse, che 46 giorni resistita nella forma girata verso l'esterno, si è rivolta correttamente. Vale la pena dire che questo non è un singolo caso divertente associato alle immagini di grandi artisti.

Pablo Picasso ha disegnato uno dei suoi famosi ritratti in meno di 5 minuti

In qualche modo uno dei familiari Pablo Picasso, considerando le sue nuove opere sinceramente raccontate all'artista: "Scusa, ma non riesco a capirlo. Tali cose semplicemente non esistono. " Quello che Picasso ha parlato: "Tu e il cinese non capiscono. Ma esiste ancora. " Tuttavia, Picasso non ha capito molti. In qualche modo, ha offerto Ehrenburg allo scrittore russo, il suo buon amico, scrivi il suo ritratto. Ha felicemente concordato, ma non ha avuto il tempo di rimanere in una sedia per posare, poiché l'artista ha detto che tutto è pronto.

Ehrenburg ha espresso sorpresa alla velocità di esecuzione del lavoro, perché non era per 5 minuti, per il quale Picasso rispose: "Ti conosco 40 anni. E tutti questi 40 anni ho imparato a scrivere ritratti in 5 minuti. "

Illya Repin ha aiutato a vendere una foto che non ha scritto

Una signora ha acquisito sul mercato solo per 10 rubli un'immagine completamente talento, su cui la firma "I. Rupin orgogliosamente è stata bloccata. Quando il cereale della pittura ha mostrato questo lavoro a Ilya Efimovich, rideva e aggiungeva "non è repin" e ha messo il suo autografo. Dopo un po ', una donna intraprendente ha venduto l'immagine di un artista sconosciuto con un autografo del grande maestro per 100 rubli.

Orso al famoso pittolo Shishkin ha disegnato un altro artista

Nell'ambiente degli artisti, c'è una legge d'ingresso - un'esecuzione reciproca professionale. Dopotutto, ognuno di loro non ha solo appezzamenti e punti di forza preferiti, ma anche debolezza, quindi perché non aiutarsi a vicenda. Quindi, è noto per certo che per il dipinto "Pushkin on the Seashore" della figura di Aivazovsky del grande poeta dipinto dipinò, e per il dipinto di Levitan "Autumn Day. Sokolniki "Dama in nero dipinto Nikolai Chekhov. Il giocatore di paesaggio Shishkin, che poteva disegnare ogni lama e un masticare nei suoi dipinti, quando crei un dipinto "mattina in pino bor", gli orsi non sono stati ottenuti. Pertanto, gli orsi per la famosa canvasi di Shishkin dipinte Savitsky.

Un pezzo di fibrolite, su cui semplicemente versato in vernice, divennero uno dei dipinti più costosi

L'immagine più costosa del mondo nel 2006 è stata una tela di Jackson Poloka "numero 5, 1948". In una delle aste, l'immagine è andata per $ 140 milioni. Può sembrare divertente, ma sopra la creazione di questo dipinto l'artista particolarmente "non ha infastidito": semplicemente versò la vernice su un pezzo di fibrolite disposto sul pavimento.

Rubens ha crittografato il suo dipinto sulle stelle

Gli storici e gli scienziati dell'arte per molto tempo non potevano stabilire la data della creazione di uno dei fagioli più famosi di Rubens - le foto della "festa degli dei sull'Olympus". Il mistero fu permesso solo dopo che gli astronomi guardarono la foto. Si è scoperto che i personaggi nella foto erano accuratamente nello stesso ordine dei pianeti erano situati nel cielo nel 1602.

Logo "Chupa Chups" dipinto il famoso surrealista del mondo

Nel 1961, Enrik Bernata, il proprietario della società "Chupa Chups", rivolta all'artista El Salvador Dali con una richiesta di inventare un'immagine per un wrapper di caramelle. Dalizzato la richiesta eseguita. Oggi è un'immagine, anche se in una forma un po 'modificata, riconoscibile sulle lecca-lecca di questa azienda.

Va notato che nel 1967 in Italia con la benedizione di Papa romana, una versione unica della Bibbia è stata rilasciata con illustrazioni Salvador.

Il modello più costoso della farina porta la sfortuna

L'immagine del fango "Creek" è stata venduta all'asta per $ 120 milioni ed è oggi l'immagine più costosa di questo artista. Si dice che Munch, il cui percorso di vita - la tragedia del credito, ha messo così tanto bruciante in lei che l'immagine ha assorbito l'energia negativa e tira fuori i trasgressori.

Uno dei membri del personale del Mulk Museum in qualche modo accidentalmente ha lasciato cadere la foto, dopo di che ha iniziato a soffrire di terribili mal di testa, che ha portato questa persona a suicidarsi. Un altro dipendente del museo che non è riuscito a mantenere la foto, letteralmente attraverso alcune entrate in un terribile incidente d'auto. E il visitatore del museo, che si è permesso di toccare la foto, dopo un po 'bruciata in un incendio vivo. Tuttavia, non è escluso che sono solo coincidenze.

La "Black Square" Malevich ha un "fratello maggiore"

"Black Square", che è forse la foto più famosa del Kazimir Malevich, è un panno di 79,5 * 79,5 centimetri, su cui il quadrato nero è mostrato su uno sfondo bianco. Malevich ha scritto la sua foto nel 1915. E nel 1893, 20 anni per Malevich, Alfons Alla, scrittore di umorista francese, ha disegnato la sua "piazza nera". È vero, è stata chiamata l'immagine di Alla "Battaglia dei neri in una profonda grotta oscura di notte".

L'altra sera. Leonardo Da Vinci.

In qualche modo per la strada, l'artista vide un ubriacone, che non ha avuto successo ha cercato di uscire dal centespolo. Da Vinci lo portò a una delle istituzioni peetiche, si sedette e cominciò a disegnare. Qual è stata la sorpresa dell'artista, quando, fumando, l'ubriaco ha ammesso che diversi anni fa gli avevano già raccolto. Si è scoperto che questo è il più singole.

Tela, olio. 144 a 162 cm

Per la prima volta ho visto una foto ... Più precisamente, ho bisogno di dire, ovviamente, quindi: ho saputo dell'esistenza di questo dipinto dal signor Bean con la partecipazione di Rowen Atkinson. Stiamo parlando della produzione integrale del film del 1997 e non riguarda la serie televisiva di 14 episodi (dal 1990 al 1995). Quindi, secondo la trama del film, l'immagine di James Whistler è stata acquistata dal Museo francese della Francia con una ricca e donata alla Galleria d'arte di Los Angeles. Il guardiano della Royal British Gallery Mr. Bean è inappropriato, ma disperatamente viziato il capo della madre dell'artista. Sopra le circostanze di questo orrore ridevano ancora e ridono ancora centinaia di milioni di persone in tutto il mondo. Ed ero così in generale, non ero meno che il signor Bina più sfortunato.

Rena Magritte "Castle in Pirenei"

L'immagine non è chiamata il castello Air! E perché dovrebbe essere così chiamato, perché le serrature aeree sono qualcosa di effimero, impossibile da vendere, dall'area dei sogni non realizzati e dalle vane speranze. E prima di noi la forma di realizzazione di grande gravità, massiccia, castello di pietra-asteroide. Appendilo sul mare e rimuovi, quindi, solo una massima capacità potrebbe solo surreale. Dopo tutto, il surrealismo, è finito, sotto, sopra, dal lato ... ovunque, ma non la realtà stessa! Bene, anche se lo stesso Magritte disse che il surrealismo è una realtà, liberata dal significato banale. Gioca a parole e posso e posso dire un sacco di cose ... ma non so come disegnare. E Rena Magritte ha deciso di riagganciare la terra su qualsiasi cosa e disegnò il suo Le Château des Pyrénées - Castello nei Pirenei. È molto possibile che un altro artista James Cameron, ma in 50 anni, compilerà il suo significato all'esistenza di abitazioni in pietra senza peso

Vasily Ivanovich Surikov "Boyajna Morozova". Tela, olio. 304 a 587.5 (1887)

"Boar Morozova" - Uno dei famosi canventi storici di Surikova. Per molti parametri, mi ricorda una foto "", scritto in 6 anni prima di "Boyari Morozova", anche se l'idea di disegnare un fidanzato è venuto a Suikov nel 1881, nell'anno di scrivere "l'esecuzione mattutina". Non parlerò della tecnica dell'esecuzione, parlerò della trama. E lì ed ecco un processo delleview del mondo. Nel 1881, Surikov descrive la distruzione della classe Streetky, e nel 1887 - per massacrare sulla vecchia manuale. E ci sono testimoni della Corte - persone, città, edifici. Nella "Mattina dell'esecuzione Streeletzka", la cattedrale di Basil Beata si blocca sopra gli arcieri, nel "Boyaryn Morozova" i miracoli del monastero prendono un segno bibanite dal splitter. E lì e ci sono due verità: la verità di Streltsov e il Pravda riformista Pietro I; Vero patriarca Nikon, il riformatore della Chiesa e la verità del Raskolnikov. Loro, queste diverse verità russe, si sono ostruite a vicenda allora non alla vita, ma a morte. Skrew Allora poi che oggi sapevamo solo una verità - Pietro ero il grande re russo, il riformatore dell'imperatore, e i vecchi credenti, che oggi è solo di circa un milione di persone, non più che l'esotico ortodossia.

Tela, olio. 199,5 di 254 cm

Altro titolo immagine - " Ivan il terribile uccide suo figlio" Se guardi l'immagine di Ilya Repin "disarmato" occhio, puoi vedere una grande tragedia. Tra le sue braccia, il padre muore, dalla ferita mortale, il suo amato figlio. Gli occhi del re sono pieni di dolore e disperazione, paura e dolore per una persona nativa. Il Padre come se avesse afferrato la testa di Tsarevich da sotto i colpi, cerca di salvare suo figlio da un malvagio sconosciuto che riguardava la sua vita. Ed ecco l'omicidio? Cosa significa il nome dell'immagine "Ivan Grozny uccide suo figlio"? È così ucciso?! Fa davvero il re della rabbia ha colpito suo figlio, e così è morto sul posto?

Tela, olio, 1533, 207 di 209 cm

Ancora una volta sono convinto che il tempo dell'artista, delle persone, dei suoi movimenti circostanti, politici e religiosi nella società - tutto ciò influisce direttamente sul suo lavoro, riflesso nelle opere. Il pensiero sembra ovvio, ma molti artisti affermano, dicono, non stanno facendo all'esterno, la cosa principale per loro è creare. Questo è scritto in modo più dettagliato e l'argomento ha causato una notevole discussione.

Così, Hans Golbien Jr. (1497 - 1543), artista tedesco e il suo picture "Ambasciatore".

Nel 1529, il re inglese Heinrich VIII si è rivolto a Papa con una richiesta per interrompere il suo matrimonio in modo che potesse sposare un altro, Anna Boleyn. Papà ha rifiutato, poi il re strappava la relazione con il Vaticano, e nel 1534 è diventato il capo della Chiesa inglese. Quindi la spaccatura della Chiesa è iniziata in Inghilterra, o in altro modo - la Riforma.

Olio, temperatura, pastello, cartone, 91 x 73,5 cm

Immagine "Creek" L'immagine più famosa dell'artista norvegese Edward Munka. (1863 - 1944), uno dei poteri più espressivi dell'espressionismo. Tale immagine dei moderni editori della letteratura di massa potrebbe mettere con sicurezza una selezione con il titolo dei "dieci dipinti più terrificanti della storia".

Il lavoro è realizzato dall'artista, almeno in cinque versioni (due opzioni - pittura ad olio, due opzioni - pastello, un'opzione - litografia) ed è un esempio riccio della comprensione della pittura con un'ampia cerchia di spettatori. Il dipinto di una complessa palla emotiva, la pittura non è forme e colori esterni, e la spruzzata interiore, trasmessa da pennelli e vernici, è chiaramente e inequivocabilmente sentita da persone. Cosa vuoi dire Edward Munk.? A mio parere, solo che volevo, dissi! E tutti ascoltarono: un sacco di riferimenti nella cultura di massa, un'eccitazione tra i collezionisti, appello al "urlo" di altri artisti, la massa di interpretazioni di storici dell'arte, psichiatri, sociologi, solo grandi soldi alle aste, e, come la è giustamente celebrato, il denaro non è pagato non tanto per il nome del pittore, quanto costa il lavoro stesso. E tutto questo è un lato del caso ...

Manuale di colore colore, 23,9 × 18,8 cm

L'immagine è in aumento

"Cammina, altrimenti cadrai nel nastro e nell'oblio ... Ricorda che devi adempiere alla missione che Providenza ti ha nominato. Quando arriva il momento, aprirà gli occhi e dirigeranno sul percorso desiderato. Sii sempre pronto per questo ... Ascolta attentamente, e sentirai quando la chiamata suonerà! .. "

Astrolog antichi su Saturno

La donna alata è seduta nel pensiero, circonda gli oggetti: misurazione, strumenti di falegnameria. Nelle vicinanze c'è una palla (forse è di legno, riscaldata di recente). L'abbondanza di parti non distrae l'attenzione dalla figura alata. Si distingue in termini generali, come se fosse fuori (o sopra?) Il mondo circostante. Eventi, la vita ha luogo senza la sua partecipazione. La clessidra sul muro migliora questa sensazione. E tutto questo è chiamato malinconiaCosa è chiaro dall'iscrizione che porta il pipistrello (questo è chiamato storici dell'arte, anche se riconosco un piccolo pipistrello in questa creatura dalla coda).

Quanti personaggi, allegorie, che viene pensata alla composizione più piccola! Per le persone che vivono in quei giorni (1514), tali accuse erano più o meno comprensibili. Cos'è questa incisione per noi? Se non entri nell'interpretazione, avendo solo un'immagine sì davanti ai tuoi occhi?

Carta tonica, olio, 1510 g. 28 × 22,5 cm

L'immagine è in aumento

Molte centinaia di generazioni di persone vivevano nell'era, che abbiamo le idee più vaghe. Chissà, qual è la differenza tra il vivo della città dell'inizio del XIV dal suo soggiorno alla fine del secolo? Inoltre, è difficile per noi distinguere tra la vita e la morale dell'inizio e la fine di una lunghezza di mille anni! I secoli interi sono sfocati per noi in una volta, cupo e selvaggio. Medioevo.

Tale nome è stato dato al periodo storico del Rinascimento, denotando il periodo dalla caduta dell'antica Roma prima del loro tempo, che naturalmente chiamò nuovamente nuova. Inoltre, naturalmente, l'intera cultura del primo revival interpreta la vita e il patrimonio del passato più vicino.

Tela, olio, 1825-1827 g. 76 per 68 cm

L'immagine aumenta.

Nella seconda metà del XIX secolo, ha avuto origine una nuova corrente - impressionismo. La cosa principale era in esso: il trasferimento di un sentimento momentaneo, il momento, senza approfondire in filosofia e ragionamento. Le immagini di impressionisti sono solitamente allegre (o belle-nostalgicamente tristi). Sono facili e naturali.

Nel 1808, Napoleone entrò in Spagna, le battaglie sanguinose a lungo termine sono iniziate nelle città. Il popolo spagnolo ha resistito violentemente l'invasore. "L'errore numero uno è un'escursione in Spagna," napoleone ha scritto sull'isola di Sant'Elena (cosa sarà il secondo errore, penso che sia chiaro). Le conseguenze della guerra più tardi, dopo l'espulsione delle guerre francesi, descrivono Francisco Goyia.

L'immagine aumenta. Si può vedere che l'immagine si incrinava e inghiottita; Inizialmente, è una tela nera liscia.

Considerare la pittura Casimir Malevich "Black Suprematic Square" È possibile solo nel quadro del Malevich creato nella pittura intitolata suprematismo. L'unico modo. Altrimenti, la conversazione su questo lavoro non andrà oltre il "re di un nudo" banale o "un bambino da un asilo può non peggiorare". Non ho intenzione di discutere anche del valore monetario dell'immagine con la popolazione mondiale degli esperti storici dell'arte (occidentale) contro la sanità mentale della popolazione manuale del pianeta.

In quasi tutte le notevoli opere d'arte, c'è un mistero, "doppio fondo" o una storia segreta che vuoi rivelare.

Musica sui glutei

Jerome Bosch, "Garden of Earth Delights", 1500-1510.

Frammento di parte del trittico

Le controversie sui significati e sui significati nascosti del lavoro più famoso dell'artista olandese non calpestano dal momento del suo aspetto. Sulla giusta fascia di trittico chiamato "musica infernale", i peccatori sono raffigurati, che torturano negli inferi con l'aiuto di strumenti musicali. Uno di loro ha note sui glutei. Uno studente dell'Università cristiana Oklahoma Amelia Amelia, che ha studiato la foto, spostò la notazione del XVI secolo in modo moderno e ha registrato "una canzone del culo dall'inferno, che aveva 500 anni".

Nude mona lisa.

La famosa "Joconda" esiste in due versioni: la versione nuda è chiamata "Bagno di Monta", le ha scritto un artista poco conosciuto Salaya, che era uno studente e un simulatore del grande Leonardo da Vinci. Molti critici d'arte sono fiduciosi che è stato colui che era un modello per i dipinti di Leonardo "John Baptist" e "Bakhus". Ci sono anche versioni che la salaya vestita con un vestito da donna servito come la stessa Mona Lisa.

Vecchio pescatore

Nel 1902, l'artista ungherese Tivadar Kostya Chongwari ha scritto una foto del vecchio pescatore. Sembrerebbe che non ci sia nulla di insolito nella foto, ma Tivar ha posato il sottotesto in esso, durante la vita dell'artista e non dichiarato.

Poche persone si sono verificate per applicare lo specchio al centro dell'immagine. Ogni persona può essere come Dio (la spalla destra del vecchio destrorsa) e il diavolo (la spalla sinistra del vecchio è duplicata).

Ed è stato il kit?

Hendrik van Antonissen "Scena sulla riva".

Sembrerebbe il solito paesaggio. Barche, persone sulla riva e mare deserto. E solo uno studio a raggi X ha mostrato che le persone riunite sulla riva non sono solo così - nell'originale consideravano la carcassa della Cina, gettata a terra.

Tuttavia, l'artista ha deciso che nessuno vorrebbe guardare la balena morta e riscritto l'immagine.

Due "colazione sull'erba"

Eduard Mana, "Colazione sull'erba", 1863.

Claude Monet, "colazione sull'erba", 1865.

Gli artisti Eduard Mana e Claude Monet sono talvolta confusi - dopotutto, erano entrambi francesi, vissero in una volta e lavoravano nello stile dell'impressionismo. Anche il nome di uno dei dipinti più famosi di Mana "colazione sull'erba" Monet prese in prestito e ha scritto la sua "colazione sull'erba".

Doppi sulla "la scorsa serata"

Leonardo da Vinci, "Ultima Cena", 1495-1498.

Quando Leonardo da Vinci ha scritto una "serata segreta", ha attaccato un significato speciale a due figure: Cristo e Giuda. Stava cercando simulatori per loro per un tempo molto lungo. Infine, è riuscito a trovare un modello per l'immagine di Cristo tra i giovani cantanti. Per prendere un simulatore per Giuda Leonardo non è stato in grado di tre anni. Ma un giorno incontrava la strada su un ubriacone, che stava sdraiata in una reflue. Era un giovane uomo che era una non digestione. Leonardo lo invitò al ristorante, dove iniziò immediatamente a scrivere da lui Giuda. Quando il bevitore arrivò a se stesso, disse all'artista che un giorno già lo posò. Era qualche anno fa quando ha cantato nel coro della chiesa, Leonardo ha scritto da lui Cristo.

"Night watch" o "giorno"?

Rembrandt, "Night Watch", 1642.

Uno dei dipinti più famosi di Rembrandt "discorso della compagnia del fucile Capitano Francia Bannang Coca e luogotenente Villem van Ryuteitbürga" Circa duecento anni ha controllato sale diverse e fu scoperta dagli storici dell'arte solo nel XIX secolo. Dal momento che sembrava che le figure si esibiscano su uno sfondo scuro, si chiamava "orologi notturni", e sotto questo titolo entrò nel tesoro dell'arte mondiale.

E solo durante il restauro speso nel 1947, fu scoperto che nella sala l'immagine riuscì a essere coperta da uno strato di fuliggine, distorcendo il suo sapore. Dopo aver cancellato il dipinto originale, si è scoperto che la scena rappresentata da Rembrandt si verifica effettivamente durante il giorno. La posizione dell'ombra dalla mano sinistra del capitano Coca mostra che il momento dell'azione non è superiore a 14 ore.

Barca invertita

Henri Matisse, "barca", 1937.

Nel New York Museum of Contemporary Art nel 1961, è stata esposta una foto di Henri Matisse "Boat". Solo dopo 47 giorni qualcuno ha attirato l'attenzione sul fatto che l'immagine si blocca sottosopra. Sulla tela raffigurata 10 linee viola e due vele blu su uno sfondo bianco. Due vele, l'artista dipinto non solo così, la seconda vela è un riflesso della prima acqua.
Per non commettere un errore nel modo in cui l'immagine dovrebbe appendere, è necessario prestare attenzione ai dettagli. Una vela più grande deve essere la cima dell'immagine, e il picco del modello di vela deve essere diretto all'angolo superiore destro.

Cheating in autoritratto

Vincent van Gogh, "autoritratto con un tubo", 1889.

Il fatto che Van Gogh presumibilmente tagliò il suo orecchio, vai leggende. Ora il più affidabile è la versione che l'orecchio van Gogh è danneggiato in una piccola dimistruzione con la partecipazione di altri campi artisti - Gogen.

L'autoritratto è interessante in quanto riflette la realtà in forma distorta: l'artista è raffigurato con un orecchio destro bendato, perché ha usato uno specchio durante il funzionamento. In effetti, l'orecchio sinistro ha sofferto.

Aliens Mishki.

Ivan Shishkin, "Mattina in una pineta", 1889.

Il famoso pittura appartiene non solo per il pennello di Shishkin. Molti artisti che erano amichevoli tra loro spesso ricordarono la "Aiuto di un amico", e Ivan Ivanovich, ha avuto un'intera vita con paesaggi, temeva che il toccamento degli orsi non avrebbe funzionato con lui come era necessario. Pertanto, Shishkin ha fatto appello al familiare artista animalista Konstantin Savitsky.

Savitsky ha dipinto a malapena non i migliori orsi nella storia della pittura russa, e la Tretyakov comandò il suo cognome dalla tela, perché tutto nella foto "Dal piano e finisce con il compimento, tutto parla del modo di pittura, sulla creatività Metodo per Shishkin. "

Storia innocente "Gothic"

Grant Wood, "American Gothic", 1930.

Il lavoro della sovvenzione del legno è considerato uno dei più strani e deprimenti nella storia della pittura americana. Il dipinto con il padre e la figlia cupo è pieno di dettagli che indicano la gravità, la puritanza e il retrogrado della gente raffigurata.
In effetti, l'artista non ha pensato di ritrarre alcun orrore: durante un viaggio in Iowa e notò una piccola casa nello stile gotico e ha deciso di ritrarre quelle persone che, a suo avviso, idealmente sarebbero arrivati \u200b\u200bcome abitanti. Sotto forma di personaggi, che sono così offesi dagli abitanti di Iowa, la sorella della sovvenzione e il suo dentista sono immortalato.

Revenge of Salvador Dali

L'immagine "figura vicino alla finestra" è stata scritta nel 1925, quando DALI aveva 21 anni. Poi l'artista non è ancora entrato in gala, e il suo museo era Suor Ana Maria. Il rapporto di fratello e sorelle si è deteriorato quando ha scritto su una delle immagini "A volte sputo sul ritratto della mia madre, e mi dà piacere". Ana Maria non ha potuto perdonare un tale shock.

Nel suo libro del 1949, Salvador ha dato gli occhi di sua sorella "scrive di suo fratello senza alcuna lode. Il libro ha portato Salvador a rabbia. Un altro dieci dopo di ciò, era arrabbiato con l'altro caso. E così, nel 1954 un'immagine "La giovane Vergine, indulgere in Sodomsky il peccato con l'aiuto delle corna della sua stessa castità appare". Posa di una donna, i suoi riccioli, un paesaggio fuori dalla finestra e i dipinti dello schema dei colori stanno chiaramente echeggiando con la "figura della finestra". C'è una versione che mi è stata data una sorella vendicata per il suo libro.

Doppio Dana.

Rembrandt Harmans Wang Reno, "Dana", 1636 - 1647.

Molti segreti di uno dei dipinti più famosi di Rembrandt furono descritti solo negli anni '60 del XX secolo, quando la tela ha illuminato i raggi X. Ad esempio, le riprese hanno dimostrato che nella versione iniziale, il volto della principessa, che è entrato in un rapporto d'amore con Zeus, era simile al volto di Saskiy - il coniuge del pittore, morto nel 1642. Alla versione finale della foto, cominciò ad assomigliare al volto di Herges Dirks - Lovers Rembrandt, con cui l'artista visse dopo la morte di sua moglie.

Camera da letto gialla Van Gogh

Vincent van Gogh, "Camera da letto a Arles", 1888 - 1889.

Nel maggio 1888, Van Gogh ha acquisito un piccolo laboratorio ad Arle, nel sud della Francia, dove è sfuggito a non capire i suoi artisti e critici di Parigi. In una delle quattro stanze, Vincent posiziona la camera da letto. A ottobre, tutto è pronto, e decide di disegnare una "camera da letto van Gogh in Arles". Per l'artista, è stato molto importante da aroma, il comfort delle camere: tutto avrebbe dovuto essere fatta ai pensieri in vacanza. Allo stesso tempo, l'immagine è resistente ai toni gialli ansiosi.

I ricercatori della creatività di Van Gogh lo spiegano dal fatto che l'artista ha preso uno spruzzato - un rimedio per l'epilessia, che causa gravi cambiamenti nel paziente nella percezione del colore: tutta la realtà circostante è dipinta nei toni verdi-gialli.

Perfezione senza denti

Leonardo da Vinci, "Ritratto della signora Liza del Jocondo", 1503 - 1519.

L'opinione generalmente accettata è che Mona Lisa è la perfezione e un sorriso è bello con la sua misteriosità. Tuttavia, l'American Art Historian (e il dentista part-time) Joseph Borkovsky crede che, a giudicare dall'espressione del viso, l'eroina perse un sacco di denti. Studiare le foto ingrandite del capolavoro, Borkovski ha scoperto anche le cicatrici intorno alla sua bocca. "Sorride così a causa di ciò che le è successo", crede l'esperto. - L'espressione del suo viso è in genere per le persone che hanno perso i suoi denti anteriori ".

Maggiore su facingontrol.

Pavel Fedotov, "Major's Major", 1848.

Il pubblico, che ha visto per la prima volta l'immagine del "orologcio d'orotta" del maggiore, rise dall'anima: l'artista di Fedotov riempito di dettagli ironici, spettatori comprensibili di quel tempo. Ad esempio, il maggiore non ha chiaramente familiarità con le regole della nobile etichetta: è apparso senza bouquet posati per la sposa e sua madre. E la sposa stessa, i suoi genitori mercantili dimessero in abito da sera, anche se nel giorno del cortile (tutte le lampade nella stanza si spengono). La ragazza ha chiaramente provato un vestito decorato, confuso e cerca di fuggire nel suo Bel.

Perché la libertà è nuda

Ferdinan Victor Eugene Delakrua, "Libertà sui barricate", 1830.

Secondo lo storico dell'arte Etienne Juli, Delacroix ha scritto il volto di una donna con i famosi rivoluzionari parigini - la missure di Anna-Charlotte, che andò alle barricate dopo la morte di suo fratello dalle mani dei soldati reali e uccise le guardie dei ninter. L'artista lo ha raffigurato con il seno nudo. Secondo lui, questo è un simbolo di mancanza di paura e dedizione, così come le celebrazioni della democrazia: il petto di Nagaya mostra quella libertà, come un cappello semplice, non è un corsetto.

Square Square.

Kazimir Malevich, "Black Suprematic Square", 1915.

Infatti, la "quadrata nera" non è affatto nera e non è affatto il quadrato: nessuno dei lati del quadrilatero non è parallelo ad altro lato, e non uno dei lati del telaio quadrato, che l'immagine è incorniciata . E il colore scuro è il risultato di mescolare vari colori, tra cui non era nero. Si ritiene che non sia stata la negligenza dell'autore, ma una posizione fondamentale, il desiderio di creare una forma dinamica e mobile.

Gli specialisti della Galleria Tretyakov hanno trovato l'iscrizione dell'autore presso la famosa immagine di Malevich. L'iscrizione afferma: "Battaglia dei neri in una grotta oscura". Questa frase invia al nome dell'immagine scherzante del giornalista francese, lo scrittore e l'artista Alfons Alla "Battaglia dei neri nella grotta oscura del profondo di notte", che era assolutamente il rettangolo nero.

Melodrama della Mona Lisa austriaca

Gustav Klimt, "Ritratto di Adelie Bloch-Bauer", 1907.

Su uno dei climi più significativi, la moglie del magnata di zucchero austriaco Fetinad Bloch Bauer è stato catturato. Tutto Vienna ha discusso la tempestosa Adelel romana e il famoso artista. Un marito vulnerabile voleva vendicarsi con gli amanti, ma scegliere un modo molto insolito: decise di ordinare un ritratto del ritratto di Adeeli e farlo fare centinaia di schizzi fino a quando l'artista inizia a girando da lei.

Bloch Bauer ha voluto lavorare per durare diversi anni, e un simulatore poteva vedere come i sentimenti di Clima potessero agitarsi. Ha fatto un'artista una proposta generosa, da cui non poteva rifiutare, e tutto sviluppato sullo scenario di un marito ingannato: il lavoro è stato completato per 4 anni, gli amanti hanno rinfrescato a lungo l'un l'altro. Adel Bloch Bauer non ha mai saputo che suo marito era consapevole della sua relazione con Clima.

Foto che ha restituito Gogen alla vita

Paul Gajen, "Da dove siamo venuti? Chi siamo? Dove stiamo andando?", 1897-1898.

La tela più famosa di Hogen ha una caratteristica: è "leggendo" senza sinistra a destra, ma a destra a sinistra, come i testi kabbalistici a cui era interessato. È in questo ordine che l'allegoria della vita spirituale e fisica di una persona si svolge: dall'origine dell'anima (bambino addormentato nell'angolo in basso a destra) alla inevitabilità dell'ora di morte (uccello con una lucertola in artigli nel angolo in basso a sinistra).

La foto è stata scritta da Gogen su Tahiti, dove l'artista correva più volte dalla civiltà. Ma questa volta, la vita sull'isola non ha specificato: la povertà totale lo ha portato alla depressione. Dopo aver terminato la tela, che avrebbe dovuto diventare il suo testimonio spirituale, Gauguen prese una scatola con Arsenico e andò in montagna per morire. Tuttavia, non ha calcolato la dose e il suicidio non è riuscito. Nel mattino successivo, lui, swing, non conosceva la capanna e si addormentò, e quando si svegliava, sentì la sete dimenticata per la vita. E nel 1898, i suoi affari sono andati in salita, e nel lavoro iniziò il loro periodo luminoso.

112 Proverbi su un'immagine

Peter Bruegel - Senior, "Proverbi olandesi", 1559

Peter Bruegel - Senior raffigurato la terra, abitata dalle immagini letterale dei proverbi olandesi di quei giorni. In una foto scritta, ci sono circa 112 idiomi riconosciuti. Alcuni di loro sono usati fino ad oggi, ad esempio, come ad esempio: "Vola contro la corrente", "Combatti la testa del muro", "armati ai denti" e "Big Bish mangia uno piccolo".

Altri proverbi riflettono l'assurdità umana.

Soggettività dell'art

Paul Gogen, "Breton Village sotto la neve", 1894

Il dipinto del gogen "Breton Village nella neve" è stato venduto dopo la morte dell'autore in soli sette franchi e, inoltre, chiamato Cascate del Niagara. Un uomo che ha trascorso l'asta rialzò accidentalmente una foto delle sue gambe, vedendo una cascata in esso.

Pittura nascosta

Pablo Picasso, Blue Room, 1901

Nel 2008, la radiazione a infrarossi ha mostrato che una "stanza blu" era nascosta un'altra immagine - un ritratto di un uomo vestito in un vestito con una farfalla e mise la testa sulla sua mano. "Non appena Picasso è apparso una nuova idea, è stato preso per il pennello e l'ha incarnato. Ma non aveva l'opportunità di comprare una nuova tela ogni volta che una musa è stata visitata ", spiega il possibile motivo per questa critica d'arte di Patricia Favero.

Inaccessibile marocchanika.

Zinaida Serebryakova, "Nagaya", 1928

Una volta che Zinaida Serebryakova ha ricevuto un'offerta allettante - per andare al viaggio creativo per ritrarre le figure nude di East Dev. Ma è risultato che in quei luoghi per trovare i simatori semplicemente impossibili. Un traduttore di Zinaida è venuto in soccorso - guidò le sue sorelle e una sposa a lei. Nessuno prima e dopo ciò non è riuscito a catturare le donne orientali chiuse nudi.

Illusione spontanea

Valentin Serov, "Ritratto di Nicholas II in una pressione", 1900

Per molto tempo, Serov non poteva scrivere un ritratto del re. Quando l'artista si arrese affatto, si è scusato a Nikolai. Nikolai era un po 'arrabbiato, si sedette al tavolo, allungando le mani di fronte a lui ... e poi l'artista dipinto - ecco un'immagine! Un semplice militare nel tubero di un ufficiale con occhi puri e tristi. Questo ritratto è considerato la migliore immagine dell'ultimo imperatore.

Di nuovo doppio

© Fedor Reshetnikov.

Il famoso dipinto "di nuovo due" è solo la seconda parte della trilogia artistica.

La prima parte è "arrivata in vacanza". La famiglia ovviamente protetta, vacanze invernali, uno studente studentesco allegro.

La seconda parte è "di nuovo souce". La povera famiglia della periferia lavorativa, in mezzo all'anno scolastico, Puraden Oballa, di nuovo afferrato i due. Nell'angolo in alto a sinistra, l'immagine "arrivata in vacanza" era visibile.

La terza parte è "riesame". Casa di campagna, estate, a piedi, una disuguaglianza dannosa, avendo fallito l'esame annuale, è costretto a sedersi in quattro pareti e strumenti. Nell'angolo in alto a sinistra, è visibile una foto "due".

Come nascono i capolavori

Joseph Turner, "pioggia, coppie e velocità", 1844

Nel 1842, la signora Simon ha viaggiato in treno in Inghilterra. Improvvisamente iniziò una doccia forte. Il signore anziano, che era seduto di fronte a lei, si alzò, aprì la finestra, ha attaccato la testa e guardò dieci minuti. Incapace di mantenere la tua curiosità, la donna ha anche aperto la finestra e cominciò a guardare avanti. Un anno dopo, ha trovato una foto di "pioggia, coppie e velocità" presso la mostra della Royal Academy of Arts ed è stata in grado di riconoscere lo stesso episodio in esso.

Lezione di anatomia da Michelangelo

Michelangelo, "Creazione di Adamo", 1511

Un paio di esperti americani nel campo della neuroanatomia credono che Michelangelo abbia effettivamente lasciato alcune illustrazioni anatomiche in una delle sue opere più famose. Credono che nella parte giusta della foto raffigura un enorme cervello. È sorprendente, ma puoi trovare componenti anche complessi, come cerebellum, nervi ottici e ghiandola pituitaria. E il nastro fuso verde coincide perfettamente con la posizione dell'arteria vertebrale.

"Ultima cena" van Gogh

Vincent van Gogh, "Night Terrace Cafe", 1888

Explorer Jared Baxter crede che sulla tela Van Gogh "Night Terrace Cafe" è crittografata dalla dedizione della "serata segreta" Leonardo da Vinci. Nel centro della foto c'è un cameriere con i capelli lunghi e in una tunica bianca, ricordando i vestiti di Cristo, e ci sono esattamente 12 visitatori del caffè intorno ad esso. Anche Baxter attira l'attenzione sulla croce, situata proprio dietro la schiena del cameriere in bianco.

La memoria di Dali.

Salvador Dali, "costanza della memoria", 1931

Non è un segreto che i pensieri che frequentano DALI durante la creazione dei suoi capolavori avessero sempre sotto forma di immagini molto realistiche che l'artista si trasferì quindi sulla tela. Quindi, secondo lo stesso autore, l'immagine "costanza della memoria" è stata scritta a seguito di associazioni che sorgono a forma di formaggio fuso.

Cosa urla la munk.

Edward Munk, Creek, 1893.

La munk ha detto alla comparsa dell'idea di uno dei dipinti più misteriosi della pittura mondiale: "Ho camminato lungo il sentiero con due amici - il sole era seduto - il cielo è diventato inaspettatamente rossa, ho sospeso, sentendo Esausto, e appoggiato al recinto - Ho guardato il sangue e le lingue di fiamma su un fiordo bluastro-nero e la città - i miei amici sono andati oltre, e mi sono alzato, tremando dall'eccitazione, sentendo un grido infinito, piercing. " Ma che tipo di tramonto potrebbe spaventare l'artista?

C'è una versione che l'idea di "urlo" è nata al mulino nel 1883, quando si sono verificate diverse eruzioni più forti del vulcano di Krakataau, così potente che hanno cambiato la temperatura dell'atmosfera della terra in un grado. Una quantità abbondante di polvere e cenere diffuse in tutto il mondo, venendo anche in Norvegia. Diverse serate di fila, i tramonti sembravano come se, l'apocalisse sarebbe - uno di loro era la fonte dell'ispirazione dell'artista.

Scrittore nella gente

Alexander Ivanov, "il fenomeno della gente di Cristo", 1837-1857.

Dozzine di simulatori hanno posto Alexander Ivanov per la sua immagine principale. Uno di questi è noto per non meno dell'artista. Sullo sfondo, tra i traversini e i cavalieri romani, che non hanno ancora sentito la predicazione di Giovanni I precursori, puoi vedere il personaggio di Korchin Chiton. Il suo Ivanov ha scritto da Nicholas Gogol. Lo scrittore allentò con l'artista in Italia, in particolare sulle questioni religiose e gli ha dato consigli nel processo di scrittura dell'immagine. Gogol credeva che Ivanov "fosse morto a lungo per il mondo intero, tranne che per il suo lavoro".

Gotta michelangelo.

Rafael Santi, Atene School, 1511.

Creare il famoso affresco "Atene School", Rafael perpetuava i suoi amici e conoscenti nelle immagini degli antichi filosofi greci. Uno di questi era Michelangelo Buonotti "nel ruolo di" Herclite. Diversi secoli affresco hanno tenuto i segreti della vita personale di Michelangelo, e i ricercatori moderni hanno fatto il presupposto che il ginocchio stranamente arrabbiato dell'artista testimonia la presenza delle malattie delle articolazioni.

È probabile che considerà le caratteristiche dello stile di vita e le condizioni di lavoro degli artisti del Rinascimento e dell'operacolismo cronico Michelangelo.

Specchio coppia arnolfini.

Yang van Eyk, "Ritratto di Arnolphin Fau", 1434

Nello specchio dietro i coniugi di Arnolphin, puoi vedere il riflesso di altre due persone nella stanza. Molto probabilmente, questi sono testimoni presenti alla conclusione del contratto. Uno di questi è Van Eyke, come evidenziato dall'iscrizione latina, collocata, contrariamente alla tradizione, sopra lo specchio nel centro della composizione: "Jan van Eyk era qui". Così solitamente contratti fissi.

Come un difetto si trasformò in un talento

Rembrandt Harmans Wang Reno, "autoritratto all'età di 63", 1669.

Ricercatore Margaret Livingston ha studiato tutti gli autoritratti Rembrandt e hanno scoperto che l'artista ha sofferto come uno strabismo: nelle immagini, i suoi occhi guardano direzioni diverse, che non è osservato sui ritratti dei pennelli di altre persone. La malattia ha portato al fatto che l'artista potrebbe meglio percepire la realtà in due dimensioni rispetto alle persone con una visione normale. Questo fenomeno è chiamato "stereo" - l'incapacità di vedere il mondo in 3D. Ma poiché il pittore deve lavorare con un'immagine bidimensionale, era questa carenza di Rembrandt che potrebbe essere una delle spiegazioni del suo talento fenomenale.

Sicuro Venere.

Sandro Botticelli, "nascita di Venere", 1482-1486.

Prima dell'aspetto della "nascita di Venere", l'immagine di un corpo femminile nudo nella pittura simboleggiava solo l'idea del peccato originale. Sandro Botticelli Il primo dei pittori europei non ha trovato nulla di peccaminoso. Inoltre, gli storici dell'arte sono fiduciosi che la dea pagana dell'amore simboleggia l'immagine cristiana sull'affresco: il suo fenomeno è un'allegoria del revival dell'anima, che ha superato il rito del battesimo.

Butterist o macellaio?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, "Butterist", 1596.

Per molto tempo, l'immagine è stata esposta nell'Hermitage chiamata "Butcher's". Solo all'inizio del XX secolo, gli storici dell'arte hanno convenuto che la canvasa mostra ancora il giovane (probabilmente il Caravaggio ha posato il suo artista familiare Mario Minni): sulle note di fronte al musicista, la registrazione del bassy Party Madrigala Jacob Arcaader " Sai che ti amo ". Una donna potrebbe difficilmente fare una tale scelta - è solo difficile per la gola. Inoltre, un liuto, come un violino al limite dell'immagine, era considerato uno strumento maschile nell'era del Caravaggio.

Oggi in ogni museo puoi ascoltare meravigliose guide, che racconterà in dettaglio dell'incontro e degli artisti, in esso presentato. Allo stesso tempo, molti genitori sanno che la maggior parte dei bambini è difficile da trascorrere anche per un'ora nel museo, e storie sulla storia della pittura sono abbastanza rapidamente stanche da loro. In modo che i bambini del museo non si annoiano, offriamo una "culla" per i genitori - dieci storie di intrattenimento sui dipinti della Galleria Tretyakov, che sarà interessante sia per i bambini che per gli adulti.

1. Ivan Kramskaya. "Sirene", 1871

Ivan Kramskaya è principalmente noto come autore del dipinto "Sconosciuto" (è spesso erroneamente chiamato "sconosciuto"), così come un certo numero di bellissimi ritratti: Lion Tolstoy, Ivan Shishkin, Dmitry Mendeleev. Ma i bambini sono migliori per iniziare la conoscenza con il suo lavoro con una magica pittura "sirene", che è collegata con quale storia.
Nell'agosto del 1871, l'artista Ivan Kramskaya era situato in campagna del suo amico, gli amanti dell'arte e il famoso patrono di Pavel Stroganov. Camminando la sera, ammirava la luna e ammirava la sua luce magica. Durante queste passeggiate, l'artista ha deciso di scrivere un paesaggio notturno e cercare di trasferire tutto il fascino, tutta la magia della notte lunare, "cattura la luna" - secondo la sua espressione.
Kramskaya ha iniziato a lavorare sulla foto. La costa del fiume sulla notte lunare, la collinetta e la casa su di esso, circondate da pioppi. Il paesaggio era bello, ma qualcosa mancava - la magia sulla tela non era nata. Il libro dell'artista Nikola Gogol stava arrivando all'artista "nella fattoria vicino a Dikanka", più precisamente la storia chiamata "May Night, o un ubriaco" - favoloso e un po 'pazzo. E qui le immagini apparvero ragazze illuminate con il chiaro di luna.
L'artista ha lavorato così attentamente sulla foto che ha iniziato a sognare e ha costantemente voluto finire qualcosa in esso. Un anno dopo aver comprato il fondatore della Galleria Tretyakov - Pavel Tretyakov, - Kramskoy voleva ancora una volta cambiato qualcosa in esso e ha fatto piccole modifiche proprio nella sala espositiva.
La tela di Kramsky è diventata la prima immagine "favolosa" nella storia del dipinto russo.

2. Verily Vereshchagin. "Apotosiosi della guerra", 1871


È avvenuto così che le persone hanno sempre combattuto. Le emergenze dei secoli i leader coraggiosi e i potenti governanti hanno equipaggiato i loro eserciti e li ha inviati in guerra. Naturalmente, volevano essere appreso dei loro exploit militari, quindi, i poeti sono stati fatti poesie e canzoni, e gli artisti hanno creato splendidi dipinti e sculture. In questi dipinti, la guerra di solito assomigliava a una vacanza - pitture brillanti, guerrieri senza paura che combatti ...
L'artista Vasily Vereshchagin sapeva della guerra non ha avuto la prima volta - aveva ripetutamente preso parte alle battaglie - e ha scritto un sacco di dipinti, che ha ritratto quello che ha visto i suoi occhi: non solo coraggiosi soldati e i loro leader militari, ma anche sangue , dolore e sofferenza.
Una volta pensato a come mostrare tutti gli orrori della guerra in una foto, come dare al pubblico di capire che la guerra è sempre dolore e morte, come dare agli altri a dare un'occhiata ai suoi disgustosi dettagli? Si rese conto che non è stato sufficiente scrivere una foto con un campo di battaglia, i guerrieri morti, erano in precedenza la tela prima. La Verashchagin ha avvicinato un simbolo di guerra, un'immagine, solo guardando il quale, tutti possono immaginare quanto sia terribile qualsiasi guerra. Scrisse un deserto bruciato, nel mezzo di cui la piramide dei teschi umani è torna. Intorno - solo alberi secchi, senza vita, e solo il roroniene vola sulla loro festa. La città dilapidata può essere vista in lontananza, e lo spettatore può facilmente indovinare che non ci sia più vita lì.

3. Alexey Savrasov. "Graci volò", 1871


Il dipinto "Graci volò" tutti sanno dall'infanzia, e sicuramente tutti hanno scritto sui suoi saggi della scuola. E oggi, gli insegnanti racconteranno sicuramente bambini dei paesaggi lirica di Savrasov e del fatto che nel stesso nome di questa immagine ascolta la gioiosa per sempre la mattina dell'anno e tutto in esso è soddisfatto profondo, vicino al cuore di il significato. Nel frattempo, poche persone sanno che i famosi "pneumatici ...", così come tutto il resto del Savrasov, non poteva essere affatto.
Alexey Savrasov era il figlio di una piccola merceria di Mosca. Il desiderio del ragazzo di impegnarsi in pittura non ha causato il genitore della gioia, ma tuttavia, nella Scuola di Mosca di Pittura e Scultura, Kondrat Savrasov Sona lascia andare. Sia gli insegnanti che i compagni di classe hanno riconosciuto il talento di un giovane artista e li ha indirizzati un grande futuro. Ma era così che, senza guadagnare e anni, Alexey, a quanto pare, a causa della malattia della madre, fu costretto a smettere di studiare. Il suo insegnante Karl Rabus si è rivolto al Maulast Maulast-Politzmer di Mosca Ivan Luzhin, che ha aiutato il talento giovane a ricevere l'educazione artistica.
Se Luzhin non ha preso parte al destino del giovane artista, uno dei dipinti più famosi della storia della pittura domestica non sarebbe mai emersa.

4. Vasily Polenov. "Moskovsky Dvorik", 1878


A volte, per scrivere un quadro meraviglioso, l'artista viaggia molto, per molto tempo e pignolo delle specie più belle, alla fine, trova un posto caro e una volta nel tempo arriva lì con uno schizzo. E succede in modo che per creare un lavoro meraviglioso, è sufficiente per lui affrontare la tua finestra, guarda un cortile di Moscow completamente ordinario - e un miracolo accade, un paesaggio incredibile, pieno di luce e aria appare.
Era un tale miracolo che è accaduto all'artista Vasily Polenovyov, che guardava fuori dalla finestra del suo appartamento all'inizio dell'estate del 1878 e ha scritto rapidamente. La nuvola scorre facilmente sul cielo, il sole è cresciuto sopra, riscaldando il terreno con il suo calore, illuminando le chiese con lucentezza, accorciando le spesse ombre ... sembrerebbe - un'immagine senza complicazione, a cui lo stesso artista non ha inizialmente Seriamente: scritto e quasi dimenticato di lei. Ma qui è stato invitato a prendere parte alla mostra. Non aveva niente di significativo, e il Polenov ha deciso di esibire il Dvorik di Mosca.
Stranamente, era questo "immagine insignificante" che ha portato la fama e la gloria vasily Polenov - si innamorò del pubblico e dei critici: ha vernici calde e luminose, ei suoi eroi possono essere considerati infinitamente, inventando la storia su ciascuno di loro.

5. Ivan Shishkin. "Mattina in una pineta", 1889

"Mattina nella pineta" Ivan Shishkin è probabilmente la foto più famosa della collezione della Galleria Tretyakov. Nel nostro paese, conosce tutto, grazie alle riproduzioni nei libri di testo scolastici, e forse grazie alle caramelle al cioccolato "Bear Kosolapiy".
Ma non tutti sanno che Shishkin stesso ha scritto solo la foresta mattutina in una foschia nebbiosa, e la relazione non ha una relazione. Questa immagine è il frutto della creatività comune di Shishkin e del suo amico, l'artista Konstantin Savitsky.
Ivan Shishkin era un maestro insuperabile per ritrarre ogni sorta di sottigliezze botaniche - critico Alexander Benua il suo grazioso lo lanciava alla precisione fotografica, chiamò i suoi dipinti con senza vita e freddi. Ma con zoologia, l'artista non era cordiale. Dicono che è per questo che Shishkin ha fatto appello a Savitsky con una richiesta per aiutarlo con gli orsi. Savitsky Buddy non ha rifiutato, ma non è stato seriamente il suo lavoro - e non ha messo la firma.
Più tardi, Pavel Tretyakov acquisì questo tessuto da Shishkin, e l'artista suggerì a Savitsky a lasciare una firma nella foto - dopotutto, hanno lavorato su di lei insieme. Savitsky ha fatto, ma la Tretyakov non piaceva. Affermando che ha comprato l'immagine da Shishkin, ma su Savitsky e non so nulla, chiese un solvente e le sue mani hanno cancellato la firma "extra". È così accaduto che oggi nella Galleria Tretyakov indica la paternità di un solo artista.

6. Victor Vasnetsov. "Bogatiri", 1898


L'artista più "favoloso" nella storia della pittura russa è Viktor Vasnetsov - I suoi pennelli appartengono a opere così famose come "Alenushka", "Vityaz on the Crossroads", "Bogatymber Skok" e molti altri. Ma la sua immagine più famosa è "Bogatyry", che mostra i principali personaggi dell'Epico russo.
L'artista stesso ha descritto la foto come questa: "Bogatyi Dobrynya, Ilya e Alyosha Popovich sul Bogatlishway - Avviso nel campo, se non c'è posto, non offendere nessuno?".
Nel mezzo sui tempi del corvo del corvo, guarda in lontananza da sotto il palmo del palmo, in una mano all'eroe della lancia, in un altro cazzo di bouquet. A sinistra sul cavallo bianco di Dobrynya Nikitich, tira fuori la spada dalla guaina. A destra sul cavallo del mastocolino rosso Popovich, tiene le cipolle nelle sue mani con le frecce. Con gli eroi di questo dipinto - più precisamente con i loro prototipi - una storia curiosa è collegata.
Victor VasnetSov Pensò a lungo per molto tempo, mentre il Murometro di Ilya dovrebbe sembrare, e per molto tempo non riusciva a trovare una faccia "giusta" - un audace, onesto, esprimendo sia la forza che il bene. Ma un giorno, si è incontrato con un contadino Ivan Petrov, che è venuto a Mosca per i guadagni. L'artista è stato stupito - vide i Murometi reali del laya sulla strada di Mosca. Il contadino ha accettato di posare Vasnetsov e ... rimase nel secolo.
Il Dobrynyna Nikitich nonnzone di Nikitich, ma per qualche motivo una persona di mezza età è raffigurata nella foto Vasnetsov. Perché l'artista ha risolto così tanto da fare con i racconti popolari? L'attenuazione è semplice: nell'immagine di Dobryni Vasnetsov si ritraeva, è sufficiente confrontare l'immagine con ritratti e fotografie dell'artista.

7. Valentin Serov. "Ragazza con pesche. Ritratto di V. S. Mammoth ", 1887

"Ragazza con pesche" è uno dei ritratti più famosi della storia della pittura russa, scritta dall'artista Valentin Serov.
La ragazza nel ritratto - Verochka, la figlia dei Matsennas di Savva Mamontov, nella casa di cui l'artista spesso visitò. È interessante notare che le pesche che si trovano sul tavolo non sono state portate dai bordi caldi, e si alzavano vicino a Mosca, proprio nella tenuta Abramtsevo, che nel XIX secolo era piuttosto insolito nel XIX secolo. Mamontov ha lavorato un Gardener-Wizard - Nelle sue abili mani, alberi da frutto fioriscono anche a febbraio, e il raccolto fu raccolto all'inizio dell'estate.
Grazie al ritratto Serovsky, Vera Mamontov è entrata nella storia, ma l'artista stesso ha ricordato, che tipo di lavoro ne valeva la pena per persuadere a posare una ragazza di 12 anni, che si distingueva per la rarità di un personaggio irrequieto. Serov ha lavorato sulla foto per quasi un mese, e ogni giorno di fede per alcune ore si sedette Smirkly nella sala da pranzo.
I procedimenti non erano inutili: quando l'artista ha introdotto un ritratto alla mostra, mi è piaciuto molto il dipinto. E oggi, più di cento anni dopo, la "ragazza con le pesche" ammira i visitatori della Galleria Tretyakov.

8. Laya Repin. "Ivan il terribile e il figlio del suo Ivan il 16 novembre 1581", 1883-1885.


Guardando una o un'altra immagine, spesso ha fatto la domanda che ha servito come fonte di ispirazione per l'artista, quello che lo spinse a scrivere esattamente un tale lavoro? Nel caso dell'immagine di Ilya Repin "Ivan il terribile e il figlio del suo Ivan il 16 novembre 1581" per indovinare le vere cause difficili.
L'immagine mostra l'episodio leggendario dalla vita di Ivan il terribile, quando lui nel sequestro di rabbia ha colpito suo figlio al figlio di Tsarevich Ivan. Tuttavia, molti storici ritengono che in realtà l'omicidio non fosse e Tsarevich morì di malattia, ma non a tutto suo padre. Sembrerebbe che possa rendere l'artista, rivolgersi a un episodio storico?
Mentre l'artista stesso ha ricordato, il pensiero di scrivere la foto "Ivan Grozny e suo figlio Ivan" apparvero da lui dopo ... un concerto, su cui sentì la musica del compositore Roman Corsakov. Era la suite sinfonica "Antar". I suoni della musica sequestrarono l'artista, e voleva incarnare nella pittura dell'umore, che è stato creato sotto la sua influenza di questo lavoro.
Ma non solo la musica è diventata fonte di ispirazione. Viaggiando in Europa nel 1883, Repin ha visitato la lotta a toro. La comparsa di questo sanguinoso spettacolo è rimasto impressionato dall'artista che ha scritto che "intrisi ... questo sanguinoso, all'arrivo a casa, in questo momento iniziò dietro la scena sanguinosa" Ivan Grozny and Son ". E l'immagine del sangue ha avuto un grande successo. "

9. Vrubel Mikhail. "Demone seduto", 1890


A volte molto significa il nome dell'immagine. Cosa vede lo spettatore a prima vista sulla tela di Mikhail Vrubel "demone seduto"? Un giovane muscoloso si siede su una roccia e guardando il tramonto con tristezza. Ma non appena pronunciamo la parola "Demone", si verifica l'immagine di una magica creatura sgradevole. Nel frattempo, il demone Mikhail Vrubel non è uno spirito malvagio. L'artista stesso ha ripetutamente detto che il demone - lo spirito "non è così tanto malvagio come sofferenza e dolorosa, ma con tutto il modo in cui lo spirito è prepotente, ... il magnifico."
Questa immagine è interessante per la sua tecnica pittoresca. L'artista mette la vernice sulla tela che non ha familiarità con un pennello, ma una lastra di acciaio sottile - una mastice. Tale tecnica ti consente di collegare i metodi di pittore e scultore, letteralmente "vincere" l'immagine con l'aiuto delle vernici. Questo è ciò che l'effetto "mosaico" è raggiunto - sembra che il cielo, le rocce e il stesso corpo dell'eroe non siano scritti in vernice, ma sono pubblicati da accuratamente lucidati, forse anche gemme.

10. Alexander Ivanov. "Il fenomeno di Cristo alla gente (il fenomeno del Messia)", 1837-1857.


Immagine di Alexander Ivanova "Il fenomeno di Cristo alla gente" - l'evento è unico nella storia della pittura domestica. È difficile parlarne con i suoi figli, in particolare il 6-7enne, ma per vedere questa tela monumentale, su cui l'artista ha lavorato per più di 20 anni e che è diventato la questione della sua vita, devono necessariamente.
La trama dei dipinti si basa sul terzo capitolo del Vangelo da Matteo: Giovanni il Forerunner, l'uccisione ebrea del popolo sulla riva della Giordania, nel nome del previsto Salvatore, vede improvvisamente il prossimo, nel nome del quale Battezza le persone. Sulle caratteristiche compositive dell'immagine, sui suoi simboli e sul linguaggio artistico, i bambini impareranno più tardi. Durante la prima conoscenza, vale la pena parlare di come una foto è diventata il lavoro della vita dell'artista.
Dopo la laurea presso la San Pietroburgo Academy of Arts, Alexander Ivanov è stato inviato "Stage" in Italia. Il "fenomeno della gente di Cristo" dovrebbe essere diventato un lavoro di segnalazione. Ma l'artista è molto serio sul suo lavoro: studia attentamente la Sacra Scrittura, la storia, i mesi sono alla ricerca del paesaggio desiderato, l'infinita quantità di tempo è alla ricerca di un'immagine per ogni eroe dell'immagine. I soldi finì con lui a lavorare, Ivanov conduce un'esistenza mendicante. Il lavoro scrupoloso sull'immagine ha portato al fatto che l'artista ha rovinato la vista e fu costretto a essere trattati per molto tempo.
Quando Ivanov ha completato il suo lavoro, il pubblico italiano con delizia ha preso la foto, è stato uno dei primi casi del riconoscimento europeo dell'artista russo. In Russia, non è stato apprezzato immediatamente - solo dopo la morte dell'artista, la vera gloria è venuta da lui.
Lavorando all'immagine, Ivanov ha creato più di 600 schizzi. Nella hall dove è esposto, puoi vederne alcuni di loro. È interessante per questi esempi per tracciare come l'artista ha lavorato sulla composizione, il paesaggio, sopra le immagini degli eroi dell'immagine.

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