"Giocatori in carte"

Autore

Paul Cesanne.

Nazione Francia
Anni di vita 1839–1906
Stile Pospressionismo.

L'artista è nato nel sud della Francia in una piccola città di ex-en-Provence, ma la pittura cominciò a impegnarsi a Parigi. Questo successo è venuto da lui dopo la mostra personale organizzata dal collezionista Ambruz Vollar. Nel 1886, 20 anni prima della sua cura, si trasferì alla periferia della sua città natale. I giovani artisti lo hanno chiamato chiamato "pellegrinaggio in ex".

130x97 cm
1895 anni
Costo
$ 250 milioni.
venduto nel 2012
sul commercio privato

La creatività Cezanna è facile da capire. L'unica regola dell'artista era la trasmissione diretta del soggetto o della trama sulla tela, quindi i suoi dipinti non causano la perplessità del Viewer. Cezanne ha collegato due principali tradizioni francesi nella sua arte: classicismo e romanticismo. Con l'aiuto di una trama colorata, ha allegato una fantastica plasticità di oggetti.

Una serie di cinque dipinti "giocatori in mappe" è stato scritto nel 1890-1895. La loro trama è la stessa - diverse persone giocano con entusiasticamente il poker. Disponibile solo dal numero di giocatori e dimensioni tela.

Quattro dipinti sono conservati nei musei dell'Europa e dell'America (Museo di D'Orce, Museo Metropolitano, Barnes Foundation e dell'Istituto Kurto), e la quinta volta fino a poco tempo fa la decorazione della collezione privata di Greco Billionaire-showner Georg Embyricos. Poco prima della sua morte, in inverno del 2011, ha deciso di metterlo in vendita. Dealer Art William Akvavella e un nome glimpico di Larry Gagosyan, che lo ha offerto circa $ 220 milioni, che offrivano circa $ 220 milioni di dollari per i potenziali acquirenti di lavoro "libero". Di conseguenza, l'immagine è andata alla famiglia reale dello stato arabo del Qatar per 250 milioni. Il più grande accordo d'arte nella storia della pittura è stato chiuso a febbraio 2012. Questo in Vanity Fair ha riportato un giornalista Alexander Pierce. Ha scoperto il costo dell'immagine e il nome del nuovo proprietario, e quindi le informazioni penetrarono i media in tutto il mondo.

Nel 2010, il Museo Arabo dell'arte contemporanea e il Museo Nazionale del Qatari sono stati aperti in Qatar. Ora le loro collezioni sono rifornite. Forse la quinta versione dei "giocatori nella carta" è stata acquisita da Sheikh per questo scopo.

Sami.gentile pitturanel mondo

Proprietario
Sheikha Hamad.
bin califfo al-tanya

La dinastia Al-Tanya governa il Qatar oltre i 130 anni. Circa mezzo secolo fa, enormi riserve di petrolio e gas sono state trovate qui che il Vmig ha reso il Qatar una delle regioni più ricche del mondo. Grazie all'esportazione di idrocarburi in questo piccolo paese, è registrato il più grande PIL pro capite. Sheikh Hamad Bin Califa Al-Tanya nel 1995, mentre suo padre era in Svizzera, con il sostegno dei membri della famiglia sequestrati. Il merito del righello attuale, secondo gli esperti, in una chiara strategia per lo sviluppo del paese, creando un'immagine di stato di successo. Ora la Costituzione e il Primo Ministro sono apparsi in Qatar e le donne hanno ricevuto il diritto di votare nelle elezioni parlamentari. A proposito, è stato l'Emir del Qatar che fondò il canale di notizie di Al-Jazeera. Enorme attenzione delle autorità dello stato arabo pagano la cultura.

2

"Numero 5"

Autore

Jackson Pollock.

Nazione Stati Uniti d'America
Anni di vita 1912–1956
Stile Espressionismo astratto

Jack Sproyer - Un tale soprannome è stato dato al pubblico americano per la tecnica speciale della pittura. L'artista ha rifiutato il pennello e il cavalletto, e la vernice si riversava sulla superficie della tela o della fibrolite durante il movimento continuo intorno e dentro di loro. Dalla tenera età, è stato appassionato di filosofia Jedda Krishnamurti, la promessa principale di cui - la verità si apre durante la "effusione" libera.

122x244 cm
1948.
costo
$ 140 milioni.
venduto nel 2006
sull'asta Sotheby's.

Il valore del lavoro del centrocampo non è un risultato, ma nel processo. L'autore non ha accidentalmente chiama la sua arte di pittura azione. Con la sua mano leggera è diventato il dominio principale dell'America. Jackson Pollock Vernice miscelata con sabbia, vetro rotto, e ha scritto un pezzo di cartone, mastice, coltello, scoop. L'artista era così popolare che negli anni '50, gli imitatori furono trovati anche nell'URSS. L'immagine "numero 5" è riconosciuta come uno dei più strani e costosi nel mondo. Uno dei creatori di Dreamworks David Hepfen lo ha acquisito per una collezione privata, e nel 2006 venduto all'asta di Sotheby per 140 milioni di dollari al messicano David Martinez. Tuttavia, presto uno studio legale per conto del suo cliente ha rilasciato un comunicato stampa, che ha riferito che David Martinez non è il proprietario del dipinto. Apparentemente solo una cosa è nota: il finanziere messicano ha effettivamente raccogliere di recente opere d'arte contemporanea. È improbabile che avrebbe perso un "grande pesce" come "numero 5" del centrocampo.

3

"Donna III"

Autore

Villem de Kuning.

Nazione Stati Uniti d'America
Anni di vita 1904–1997
Stile Espressionismo astratto

L'partenza dai Paesi Bassi, emigrò negli Stati Uniti nel 1926. Nel 1948, si è svolta una mostra personale dell'artista. I critici d'arte apprezzavano complesse complesse, nervose composizioni in bianco e nero, riconoscendo nel loro autore del Grand Artist-Modernist. Ha sofferto la maggior parte della sua vita con l'alcolismo, ma la gioia di creare una nuova arte è sentita in ogni lavoro. De Kuning si distingue per l'impulsività della pittura, gli ampi tratti, che a volte l'immagine non si adatta ai confini della tela.

121x171 cm
1953.
Costo
$ 137 milioni.
venduto nel 2006
sul commercio privato

Negli anni '50, donne con occhi vuoti, petti massicci, brutte caratteristiche del viso appaiono nei dipinti di De Kuning. "Donna III" è diventata l'ultimo lavoro di questa serie che partecipa all'asta.

Dagli anni '70, la foto è stata conservata nel Museo di Teheran dell'arte contemporanea, ma dopo l'introduzione di dure regole di moralità nel paese, cercarono di liberarsene. Nel 1994, il lavoro è stato portato fuori dall'Iran, e dopo 12 anni il suo proprietario David Hepfen (il maggior produttore che ha venduto il Jackson Pollock "numero 5" canale) ha dato l'immagine a Milliona Stephen Cohen per $ 137,5 milioni. È interessante notare che Hepfhen ha iniziato a vendere la sua collezione di pittura in un anno. Ha dato origine a un peso di voci: ad esempio, quel produttore ha deciso di acquistare il quotidiano di Los Angeles Times.

In uno dei forum d'arte, è stata espressa un'opinione sulla somiglianza delle "donne III" con l'immagine di Leonardo da Vinci "Lady con Mornosta". Per un sorriso a trenta denti e una figura informe dell'eroina, lo intenditore della pittura vide la grazia del sangue reale. Questo è evidenziato dalla corona scarsamente dipinta, la testa di nozze di una donna.

4

"Ritratto di ADELIBloch-Bauer I »

Autore

Gustav Klimt.

Nazione Austria
Anni di vita 1862–1918
Stile Moderno

Gustav Klimt è nato nella famiglia di una famiglia Engraver ed era il secondo di sette figli. Tre figli di Ernest Klimt divennero artisti, e solo Gustav era diventato famoso per il mondo intero. La maggior parte dell'infanzia ha trascorso in povertà. Dopo la morte di suo padre, era responsabile per tutta la famiglia. È in questo momento che clost sviluppa il suo stile. Di fronte ai suoi dipinti, qualsiasi spettatore si blocca: sotto le sottili striscio d'oro è chiaramente visibile all'erotismo franco.

138x136 cm
1907 anni
Costo
$ 135 milioni.
venduto nel 2006
sull'asta Sotheby's.

Il destino dell'immagine, che si chiama "Austrian Mona Liza", può facilmente diventare la base per il bestseller. Il lavoro dell'artista era la causa del conflitto di un intero stato e una signora anziana.

Quindi, sul "ritratto di Adeli Bloch-Bauer I" raffigurato un aristocratico, la moglie di Ferdinand Bloch. La sua ultima volontà era di trasferire l'immagine della Galleria Statale Austriaca. Tuttavia, le pulci nella sua volontà annullarono la donazione e la tela espropriarà i nazisti. Più tardi, la Galleria ha appena comprato il "Golden Adel", ma qui apparvero gli eredi - Maria Altman, la nipote di Ferdinand Bloch.

Nel 2005, è iniziato il forte processo di "Maria Altman contro la Repubblica austriaca", seguendo il quale la foto "lasciò" con lei a Los Angeles. L'Austria ha adottato misure senza precedenti: c'erano negoziati sui prestiti, la popolazione ha sacrificato i soldi per comprare un ritratto. Buono e non ha vinto il male: il prezzo di Altman ha raccolto fino a $ 300 milioni. Al momento del procedimento, aveva 79 anni, ed è entrata nella storia come una persona che aveva cambiato la volontà di Bloch Bauer a favore degli interessi personali. La foto è stata acquisita da Ronald Laoupere, il proprietario della "nuova galleria" a New York, dove è ancora in questo giorno. Non per l'Austria, per lui Altman ha abbassato il prezzo fino a $ 135 milioni.

5

"Torrente"

Autore

Edward Munk.

Nazione Norvegia
Anni di vita 1863–1944
Stile espressionismo

La prima immagine del fango, che è diventata famosa in tutto il mondo, - "ragazza malata" (esiste in cinque copie) - dedicata alla sorella dell'artista che ha deceduto dalla tubercolosi di 15 anni. Minka è sempre stata interessata al tema della morte e della solitudine. In Germania, la sua pittura pesante e maniacale ha persino provocato uno scandalo. Tuttavia, nonostante le trame depressive, i suoi dipinti hanno un magnetismo speciale. Prendi almeno il torrente.

73,5х91 cm
1895 anni
Costo
$ 119,992 milioni.
venduto B. 2012.
sull'asta Sotheby's.

Il nome completo dell'immagine è der Schrei der Natur (tradotto dal tedesco - "torrente della natura"). La persona è se la persona è, o gli alieni che esprimono la disperazione e il panico - la stessa emozione sta vivendo uno spettatore quando guardi l'immagine. Una delle opere chiave dell'espressionismo avverte i temi che sono diventati acuti nell'arte del XX secolo. Secondo una delle versioni, l'artista lo ha creato sotto l'influenza del disturbo mentale, che ha sofferto per tutta la sua vita.

L'immagine due volte è stata rubata da diversi musei, ma è stato restituito. I piccoli danni risultanti dopo il furto "Creek" è stato rinnovato, ed è stato di nuovo pronto a mostrare al Mill Museum nel 2008. Per i rappresentanti della cultura pop, il lavoro è diventato fonte di ispirazione: Andy Warhol ha creato una serie delle sue copie di stampa, e la maschera del film "Creek" è stata fatta nell'immagine e la somiglianza dell'eroe dell'immagine.

Per una trama, la munk ha scritto quattro versioni del lavoro: quella è nella collezione privata, vengono eseguiti pastelli. Il miliardario norvegese Petter Olsen lo ha messo all'asta il 2 maggio 2012. L'acquirente era Leon Black, che non ha acquisito il "grido" dell'importo del record. Fondatore di Aziende Apollo Advisors, L.P. e consulenti Lion, L.P. Conosciuto dal suo amore dell'art. Black è un patrono del college Dartmouth, Museo di arte contemporanea, Art Center Lincoln, Metropolitan Museum of Arts. Ha la più grande collezione di dipinti di artisti moderni e maestri classici dei secoli passati.

6

"Nudo sullo sfondo di foglie di busto e verde"

Autore

Pablo Picasso

Nazione Spagna, Francia
Anni di vita 1881–1973
Stile cubismo

Per origine, è uno spagnolo, e in spirito e luogo di residenza - un vero francese. Lo studio d'arte di Picasso è stato aperto a Barcellona quando aveva solo 16 anni. Poi è andato a Parigi e ha trascorso la maggior parte della vita lì. Ecco perché nel suo cognome doppio enfasi. Nel cuore dello stile, inventato Picasso, c'è una negazione di opinioni che l'oggetto raffigurato sulla tela può essere considerato solo sotto una vista.

130x162 cm
1932 anni
Costo
$ 106,482 milioni.
venduto nel 2010 anno
sull'asta Christie's.

Durante il suo lavoro a Roma, l'artista ha incontrato il ballerino di Olga Khokhlov, che presto divenne sua moglie. Ha finito con vagabondo, si muoveva con lei in un lussuoso appartamento. A quel tempo, il riconoscimento ha trovato un eroe, ma il matrimonio è stato distrutto. Uno dei dipinti più costosi del mondo è stato creato quasi per caso - in grande amore, che, come sempre, Picasso era breve. Nel 1927, fu portato via dal giovane Marie Terez Walter (aveva 17 anni, aveva 45 anni). In segreto, lasciò sua moglie con la sua amante della città vicino a Parigi, dove ha scritto un ritratto, raffigurante Marie Terez nell'immagine di Daphne. La tela ha acquisito il rivenditore di New York Paul Rosenberg, e nel 1951 lo ha venduto Sydney F. Brouda. I coniugi Brody hanno mostrato una foto del mondo solo un giorno e solo perché l'artista aveva 80 anni. Dopo la morte di suo marito, la signora Brody, nel marzo 2010, metti un'opera d'asta nella casa di Christie's. Per sei decenni, il prezzo è cresciuto più di 5.000 volte! Un collezionista sconosciuto la ha acquisito per $ 106,5 milioni. Nel 2011, "Esposizione di un modello" ha avuto luogo in Gran Bretagna, dove vide la luce della seconda volta, ma il nome del proprietario è ancora sconosciuto.

7

"Otto Elvis"

Autore

Andy Warhole

Nazione Stati Uniti d'America
Anni di vita 1928-1987
Stile
pop Art

"Sesso e feste sono gli unici luoghi in cui devi apparire con la tua persona", ha detto il culto Pop Art Art, direttore, uno dei fondatori della rivista Interview, Designer Andy Warhol. Ha lavorato con Vogue e Bazar Harper Bazar, che redige la copertina dei record, è venuta con le scarpe per I.miller. Negli anni '60 è apparso immagini di simboli america: zuppa di Campbell e Coca-Cola, Presley e Monroe - la fece legenda.

358x208 cm
1963 anni
Costo
$ 100 milioni.
venduto nel 2008
sul commercio privato

Warholovsky 60s - la cosiddetta epoca di Pop Art in America. Nel 1962, ha lavorato a Manhattan nella "fabbrica" \u200b\u200bdello studio, dove tutta la Boemia New York si è riunita. I suoi brillanti rappresentanti: Mick Jagger, Bob Dylan, Cappuccio Trueman e altre persone conosciute nel mondo. Allo stesso tempo, Warhol ha provato la tecnologia Silkographic: una ripetizione multipla di un'immagine. Ha usato questo metodo e quando si crea "Otto Elvis": lo spettatore sembra vedere i telai dal film, dove la stella prende vita. C'è tutto ciò che l'artista amava così tanto: l'immagine pubblica win-win, il colore d'argento e la premonizione della morte come promessa principale.

Ci sono due rivenditori d'arte che promuovono il lavoro di Warhol sul mercato mondiale oggi: Larry Gagosyan e Alberto Morbai. Il primo nel 2008 ha trascorso 200 milioni di dollari per acquisire più di 15 opere di Warhol. Il secondo acquista e vende i suoi dipinti come cartoline di Natale, solo più costosi. Ma non loro, e il modesto consulente d'arte francese Philip Segalo ha aiutato l'intenditore romano dell'arte di Annibal Berlinghiri a vendere l'acquirente sconosciuto "Otto Elvis" per un record per Warhol - $ 100 milioni.

8

"Arancia,rosso Giallo"

Autore

Mark Rotko.

Nazione Stati Uniti d'America
Anni di vita 1903–1970
Stile Espressionismo astratto

Uno dei creatori di dipingere il campo del colore è nato a Dvinsk, in Russia (ora - Daugavpils, Lettonia), in una grande famiglia del farmacista ebraico. Nel 1911, emigrarono negli Stati Uniti. Rotko studiato presso la Facoltà d'arte di Yale University, ha raggiunto borse di studio, ma i sentimenti antisemiti lo hanno costretto a lasciare i suoi studi. Nonostante tutto, l'arte critica dell'artista è stata custodita e i musei hanno perseguito tutta la sua vita.

206x236 cm
1961 anni
costo
$ 86,882 milioni.
venduto nel 2012
sull'asta Christie's.

I primi esperimenti artistici di Rotko erano un orientamento surreale, ma nel tempo semplificato la trama per colorare i punti privandoli di qualsiasi oggetto. All'inizio avevano sfumature luminose, e negli anni '60 versarono marrone, viola, ispessimento del nero al tempo della morte dell'artista. Mark Rotko ha avvertito contro la ricerca di qualsiasi significato nei suoi dipinti. L'autore voleva dire esattamente cosa ha detto: solo un colore che si dissolve nell'aria e nient'altro. Consigliato guardando il lavoro da una distanza di 45 cm in modo che lo spettatore "ritardava" di colore, come in un imbuto. Attenzione: alla ricerca di tutte le regole può portare all'effetto della meditazione, cioè gradualmente arriva alla consapevolezza dell'infinito, completa immersione in sé stesso, relax, purificante. Il colore dei suoi dipinti vive, respira e ha un impatto emotivo più forte (dicono, a volte guarigione). L'artista ha dichiarato: "Lo spettatore dovrebbe piangere, guardandoli" e tali casi erano davvero. Sulla teoria del Rotko, in questo momento le persone vivono la stessa esperienza spirituale di lui nel processo di lavoro sulla foto. Se sei riuscito a capirlo su un livello così sottile, allora non sarai sorpreso che queste opere di critiche di astrazione siano spesso confrontate con le icone.

Il lavoro "arancione, rosso, giallo" esprime l'intera essenza del marchio di pittura Rothko. Il suo costo iniziale presso l'asta di Christie a New York 35-45 milioni di dollari. Un acquirente sconosciuto ha offerto un prezzo due volte più alto sopra il preventivo. Il nome del felice proprietario della pittura, come accade spesso, non divulgato.

9

"Trittico"

Autore

Francesco Bacone

Nazione
Gran Bretagna
Anni di vita 1909–1992
Stile espressionismo

Le avventure di Francis Beckon, un omonimo completo e oltre a un lungo discendente del grande filosofo, iniziò quando il Padre lo ha rinunciato, incapace di accettare le tendenze omosessuali del figlio. La pancetta è andata prima a Berlino, poi a Parigi, e poi le sue tracce sono confuse in tutta Europa. Durante la sua vita, il suo lavoro è stato esposto nei principali centri culturali del mondo, tra cui il Museo Guggenheim e la Galleria Tretyakov.

147,5х198 cm (ciascuno)
1976.
Costo
$ 86,2 milioni.
venduto nel 2008
sull'asta Sotheby's.

I prestigiosi musei hanno cercato di possedere dipinti di Bekon, ma il pubblico principale inglese non ha fretta di sopravvivere su tale arte. Il leggendario primo ministro del British Margaret Thatcher ha parlato di lui: "Una persona che disegna questi orribili dipinti".

Il periodo di partenza nel suo lavoro, l'artista stesso considerava il tempo di dopoguerra. Tornando dal servizio, si è ancora impegnato nella pittura e ha creato i principali capolavori. Prima della partecipazione del trittico, il 1976 nell'asta del lavoro più costoso della pancetta era "etudio per il ritratto di Papa Innokentia X" ($ 52,7 milioni). In Trittykh, 1976, l'artista ha raffigurato un mitico appezzamento della persecuzione della furia di Oresta. Naturalmente, Oest è il bacon stesso, e Furi è il suo tormento. Per più di 30 anni, l'immagine era nella collezione privata e non ha partecipato alle mostre. Questo fatto gli conferisce un valore speciale e, di conseguenza, aumenta i costi. Ma ciò che sono alcuni milioni per un intenditore d'arte, e anche in russo generoso? Roman Abramovich ha iniziato a creare la sua collezione negli anni '90, la fidanzata Dasha Zhukov lo aveva colpita in modo significativo, il che è diventato una galleria alla moda nella Russia moderna. Secondo i dati non ufficiali, nella proprietà personale dell'uomo d'affari, ci sono opere di Alberto Dzhacometti e Pablo Picasso, acquistate per importi superiori a $ 100 milioni. Nel 2008 è diventato il proprietario del trittico. A proposito, nel 2011 è stato acquisito un altro prezioso lavoro di Bekon - "Tre schizzi al ritratto di Lucien Freud". Le fonti nascoste dicono che l'Arkadyevich romano è diventato di nuovo l'acquirente.

10

"Stagno con ninfea"

Autore

Claude Monet

Nazione Francia
Anni di vita 1840–1926
Stile impressionismo

L'artista è riconosciuto dall'antentato dell'impressionismo, "brevettato" questo metodo nelle sue tele. Il primo lavoro significativo era la pittura "colazione sull'erba" (la versione originale del lavoro di Edward Mane). Nella sua giovinezza, ha dipinto le caricature, e un vero dipinto prese durante i suoi viaggi lungo la costa e all'aperto. A Parigi, ha guidato lo stile di vita bohémien e non lo ha lasciato anche dopo il servizio nell'esercito.

210x100 cm
1919 anni
Costo
$ 80,5 milioni.
venduto nel 2008
sull'asta Christie's.

Oltre al fatto che Monet era un grande artista, ha anche impegnato con entusiasmo nel giardinaggio, la natura vivente adorata e i fiori. Nei suoi paesaggi, lo stato della natura è leggermente, gli articoli come se fossero sfocati dal movimento dell'aria. L'impressione è migliorata da grandi macchie, da una certa distanza diventano impercettibili e si fondono in un'immagine tridimensionale strutturata. Nel verniciatura del tardo monet, il tema dell'acqua e della vita in esso occupa un posto speciale. Nella città di Gerni, l'artista era il suo stagno, dove coltivava Pita dai semi, appositamente portati dal Giappone. Quando i loro fiori fioriscono, cercò di disegnare. Una serie di "dolci" è composta da 60 opere che l'artista ha scritto per quasi 30 anni a morte. La sua visione si è deteriorata con l'età, ma non si è fermato. A seconda del vento, del tempo dell'anno e del tempo, il laghetto è cambiato costantemente, questi cambiamenti volevano catturare il monito. Attraverso il lavoro accurato verso di lui, è venuta una comprensione dell'essenza della natura. Alcune delle conchiglie della serie sono conservate nelle principali gallerie del mondo: il Museo Nazionale dell'Arte occidentale (Tokyo), Orangery (Parigi). La versione del prossimo "laghetto con il giglio d'acqua" è entrato nelle mani di un acquirente sconosciuto per un importo del record.

11

False stella t.

Autore

Jasper Jones.

Nazione Stati Uniti d'America
Anno di nascita 1930
Stile pop Art

Nel 1949, Jones entrò nella scuola di design a New York. Insieme a Jackson Pollock, Willem de Cunning e altri, è riconosciuto come uno dei principali artisti del 20 ° secolo. Nel 2012, ha ricevuto la "Medaglia presidenziale della libertà" - il premio civile più alto degli Stati Uniti.

137.2х170,8 cm
1959.
Costo
$ 80 milioni.
venduto nel 2006
sul commercio privato

Come Marseille Dushan, Jones ha lavorato con oggetti reali, raffigurante loro su tela e nella scultura in piena conformità con l'originale. Per il loro lavoro, ha usato oggetti semplici e comprensibili: una bottiglia di birra, una bandiera o una carta. L'immagine falsa di avvio non ha una chiara composizione. L'artista come se gioca con il pubblico, spesso "sbagliato" firmando i colori nella foto, trasformando il concetto di colore stesso: "Volevo trovare un modo per ritrarre il colore in modo che possa essere determinato da un altro metodo." Il suo più esplosivo e "resistente in sé", secondo i critici, la foto è stata acquisita da un acquirente sconosciuto.

12

"Sedutanudo sul divano"

Autore

Amedeo Modiganiani.

Nazione Italia, Francia
Anni di vita 1884–1920
Stile espressionismo

Moodigaliani spesso malati fin dall'infanzia, durante un'assurdità febbrile, ha riconosciuto il suo designer dell'artista. Ha studiato la pittura a Livorno, Firenze, Venezia, e nel 1906 andò a Parigi, dove la sua arte fiorì.

65x100 cm
1917 anni
Costo
$ 68.962 milioni.
venduto nel 2010 anno
sull'asta Sotheby's.

Nel 1917, Modigliani incontrò il 19enne Jeanne Ebutern, che divenne la sua modella, e poi sua moglie. Nel 2004, uno dei suoi ritratti è stato venduto per $ 31,3 milioni, che è diventato l'ultimo disco prima di vendere "seduto nudo sul divano" nel 2010. L'immagine ha acquisito un acquirente sconosciuto per il massimo per modigliani al momento il prezzo. Le vendite attive di lavoro sono iniziate solo dopo la morte dell'artista. Morì in una povertà, tubercolosi malata, e il giorno successivo ha commesso con lui e Zhanna Ebutern, che è rimasto al nono mese di gravidanza.

13

"Aquila sul pino"

Autore

Qi Bayshi.

Nazione Cina
Anni di vita 1864–1957
Stile Gokhua.

L'interesse per la calligrafia ha guidato il qi baisha alla pittura. All'età di 28 anni, è diventato uno studente dell'artista Hu Zinyuan. Il Ministero della cultura della Cina lo ha stanziato il titolo di "Grande artista del popolo cinese", nel 1956 ha ricevuto un premio internazionale del mondo.

10x26 cm
1946.
Costo
$ 65,4 milioni.
venduto nel 2011
sull'asta Cina Guardian.

Qi Bayshi era interessato a quelle manifestazioni del mondo circostante, che molti non danno valori, e in questa sua grandezza. Un uomo senza educazione è diventato professore e un creatore eccezionale nella storia. Pablo Picasso ha parlato di lui: "Ho paura di andare nel tuo paese, perché in Cina ci sono qi baisha". La composizione "aquila su un pino" è riconosciuta come il più grande lavoro dell'artista. Oltre alla tela, include due rotoli geroglifici. Per la Cina, l'importo per il quale il lavoro è stato acquistato, rappresenta un record - 425,5 milioni di yuan. Solo un rotolo di un antico calligrafo Juan Tinjiang è stato venduto per 436,8 milioni.

14

"1949-A-№1"

Autore

Clifford Still.

Nazione Stati Uniti d'America
Anni di vita 1904–1980
Stile Espressionismo astratto

All'età di 20 anni ha visitato il Museo Metropolitan di New York ed è rimasto deluso. Più tardi, è stato iscritto per il corso della Lega Studente delle Arti, ma ha lasciato 45 minuti dopo l'inizio delle lezioni - si è rivelato essere "no". La prima mostra personale ha causato una risonanza, l'artista si è trovato, e con questo riconoscimento

79x93 cm
1949 anni
Costo
$ 61,7 milioni.
venduto nel 2011
sull'asta Sotheby's.

Tutte le loro opere, e questa è più di 800 tele e 1600 opere su carta, lo stilista ha vinto la città americana, dove verrà aperto il Museo del suo nome. Denver divenne una città del genere, ma solo la costruzione era costosa per le autorità, e per il suo completamento, quattro opere sono state poste all'asta. È improbabile che le opere di Stille partecipino all'asta ancora, che avanzavano il loro prezzo in anticipo. Il dipinto "1949-A-n. 1" è stato venduto per un record per l'artista, anche se gli esperti hanno previsto la vendita di 25-35 milioni di dollari.

15

"Composizione suprematica"

Autore

Kazimir Malevich.

Nazione Russia
Anni di vita 1878–1935
Stile suprematismo

Malevich ha imparato a pittura nella scuola d'arte di Kiev, poi alla Mosca Academy of Arts. Nel 1913, iniziò a scrivere dipinti geometrici astratti in stile, che chiamava il suprematismo (dal lat. "Dominance").

71x 88,5 cm
1916.
Costo
$ 60 milioni.
venduto nel 2008
sull'asta Sotheby's.

Nel Museo Urbano Amsterdam, la foto è stata tenuta a circa 50 anni, ma dopo una disputa di 17 anni con i parenti di Malevich, il museo le ha dato. L'artista ha scritto questo lavoro in un anno con il "manifesto del suprematismo", quindi Sotheby è stato annunciato prima dell'offerta, non sarebbe andato alla collezione privata in una collezione privata. Quindi è successo. È meglio guardarlo: le forme sulla tela assomigliano alla vista della terra dall'aria. A proposito, alcuni anni prima, gli stessi parenti espropri dal Muse Museo un'altra "composizione suprematica" per venderla all'asta di Phillips per $ 17 milioni.

16

"Fibbie"

Autore

Paul Gajen.

Nazione Francia
Anni di vita 1848–1903
Stile Pospressionismo.

Fino a sette anni, l'artista visse in Perù, poi con la sua famiglia tornò in Francia, ma i ricordi dei bambini lo spinse costantemente per viaggiare. In Francia, ha iniziato a scrivere pitture, era amico di Van Gogh. Ha persino trascorso diversi mesi con sé ad Arles, fino a quando Van Gogh durante una lite ha tagliato l'orecchio.

93,4х60,4 cm
1902 anni
costo
$ 55 milioni.
venduto nel 2005
sull'asta Sotheby's.

Nel 1891, Gauguen ha organizzato per vendere i suoi dipinti per andare in profondità nell'isola di Tahiti ai soldi invertiti. Lì ha creato il lavoro in cui viene sentito il raffinato rapporto della natura e dell'uomo. Gogen viveva in una capanna di paglia, e un paradiso tropicale fiorì sulle sue tele. Sua moglie è diventata il Taitiankah Tehra di 13 anni, che non ha impedito all'artista di unirsi a disordine. Syphilis di malattia, se ne andò per la Francia. Tuttavia, Mogen era da vicino, e tornò a Tahiti. Questo periodo è chiamato "Second Taitian" - è stato allora che l'immagine dei "nuotatori" è stata scritta, uno dei più lussuosi nel suo lavoro.

17

"Narciso e una tovaglia in toni blu e rosa"

Autore

Henri Matisse.

Nazione Francia
Anni di vita 1869–1954
Stile Fovisov.

Nel 1889, Henri Matisse aveva un attacco di appendicite. Quando è stato recuperato dall'operazione, la madre gli comprò dipinge. All'inizio, Matisse di Boedom copiava cartoline a colori copiati, quindi - Le opere di grandi pittori, che hanno visto nel Louvre, e all'inizio del XX secolo si sono innamorati di uno stile - formism.

65.2х81 cm
1911.
Costo
$ 46,4 milioni.
venduto nel 2009
sull'asta Christie's.

L'immagine "Narciso e una tovaglia nei toni blu e rosa" per molto tempo appartenevano all'Ida Saint-Laurent. Dopo la morte di Kuurier, tutta la sua collezione di arte si è trasferita nelle mani del suo amico e nell'amante Pierre Berez, che ha deciso di metterlo all'asta di Christie. La perla della collezione venduta era il dipinto "Narciso e una tovaglia nei toni blu e rosa", scritti su una normale tovaglia invece di tela. Come campione di foxism, è pieno di energia del colore, le vernici sembrano esplodere e urlare. Dalla famosa serie di dipinti scritti sulla tovaglia, oggi questo lavoro è l'unico, che è nella collezione privata.

18

"Ragazza addormentata"

Autore

Roy.Menzogna

khtenstein.

Nazione Stati Uniti d'America
Anni di vita 1923–1997
Stile pop Art

L'artista è nato a New York, e laureato da scuola, è andato all'Ohio, dove è andato a corsi d'arte. Nel 1949, Liechtenstein ha conseguito un master in eleganti arti. Interesse per i fumetti e la capacità di stirare l'artista del culto del secolo scorso.

91x91 cm
1964.
Costo
$ 44.882 milioni.
venduto nel 2012
sull'asta Sotheby's.

Un giorno una gomma da masticare ha colpito il Liechtenstein. Ha rinviato l'immagine dal fodera sulla tela e divenne famoso. In questa trama dalla sua biografia, l'intera missione Pop Art è conclusa: il consumo è un nuovo Dio, e nella caramella da Zhwachka non meno la bellezza che a Mont Lisa. I suoi dipinti assomigliano a fumetti e cartoni animati: Liechtenstein ha semplicemente aumentato l'immagine rifinita, disegnando i rastatori, la stampa stencil usata e lo schermo di seta. L'immagine "ragazza addormentata" apparteneva per quasi 50 anni ai collezionisti di Beatris e Philip Pearrs, i cui eredi lo hanno venduto all'asta.

19

"Vittoria. Boogie Woogie"

Autore

Pete Mondrian.

Nazione Olanda
Anni di vita 1872–1944
Stile Neolasticismo

Il suo vero cognome - Cornelis - L'artista è cambiato in Mondrian, quando nel 1912 si trasferì a Parigi. Insieme all'artista Teo Vann Dusburg fondò il movimento "Nexousticism". In onore di Mondrian, il linguaggio di programmazione PIET è nominato.

27x127 cm
1944.
costo
$ 40 milioni.
venduto nel 1998.
sull'asta Sotheby's.

Il più "musicale" degli artisti del 20 ° secolo ha guadagnato un vivo da vivendoli, anche se divenne famoso per un artista neoplastico. Negli Stati Uniti, si è trasferito negli anni '40 e ha trascorso lì il resto della vita. Jazz e New York - Questo è ciò che lo ha ispirato di più! Immagine "vittoria. Bogi-Vuy "è il miglior esempio di questo. I quadrati ordinati "marchiera" sono stati ottenuti a causa dell'uso del nastro adesivo - materiale preferito di Mondrian. In America, fu chiamato il "più famoso immigrato". Negli anni Sessanta, Yves Saint Laurent ha rilasciato i vestiti Mondrian noti a tutto il mondo con una stampa in una grande cella a colori.

20

"Numero composizione 5"

Autore

BasilicoKandinsky.

Nazione Russia
Anni di vita 1866–1944
Stile avanguardia

L'artista è nato a Mosca, e suo padre era dalla Siberia. Dopo la rivoluzione, ha cercato di collaborare con il potere sovietico, ma presto si rese conto che le leggi del proletariato non sono state create per lui, e non è stato emigrato in Germania senza difficoltà.

275x190 cm
1911.
costo
$ 40 milioni.
venduto nel 2007.
sull'asta Sotheby's.

Kandinsky Uno dei primi ha completamente rifiutato il dipinto soggetto, per il quale ha ricevuto il titolo di genio. Durante il nazismo in Germania, i suoi dipinti sono stati attribuiti a "Arte degenerativa" e non sono state esposte da nessuna parte. Nel 1939, Kandinsky ha adottato la cittadinanza francese, ha partecipato al processo artistico a Parigi. I suoi dipinti "Sound", come se la fuga, così tanti fossero chiamati "composizioni" (il primo è stato scritto nel 1910, quest'ultimo - nel 1939). "Composizione numero 5" è uno dei lavori chiave in questo genere: "La parola" composizione "suonava per me come preghiera", ha detto l'artista. A differenza di molti follower, ha pianificato ciò che avrebbe rappresentato su un'enorme tela, come se scrivesse note.

21

"Le donne etude in blu"

Autore

Fernian Leo.

Nazione Francia
Anni di vita 1881–1955
Stile cubismo-postopressioneismo

Leseway ha ricevuto l'educazione architettonica, e poi è stato ascoltatore della scuola di eleganti arti a Parigi. L'artista si considerava il seguace di Cezanna, era un apologedo del cubismo, e nel XX secolo ha avuto anche successo come scultore.

96,5х129,5 cm
1912-1913 anni
Costo
$ 39,2 milioni.
venduto nel 2008
sull'asta Sotheby's.

David Norman, Presidente del Dipartimento Internazionale dell'impressionismo e del Modernismo Sotheby, considera un importo enorme pagato per la "Lady in Blue", abbastanza giustificata. L'immagine appartiene alla famosa collezione Lesion (l'artista ha scritto tre immagini su una trama, in mani private oggi - l'ultimo. - Ed. Ed.), E la superficie della tela è conservata in incontaminata. Lo stesso autore ha dato a questo lavoro alla Galleria di Der Sturm, poi cadde nella collezione Hermann Lang, i raccoglitori tedeschi del modernismo e ora appartengono a un acquirente sconosciuto.

22

"Scena di strada. Berlino"

Autore

Ernst Ludwig.Kirchner.

Nazione Germania
Anni di vita 1880–1938
Stile espressionismo

Per l'espressionismo tedesco, Kirchner è diventato una persona del segno. Tuttavia, le autorità locali lo hanno accusato di impegno per "arte degenerativa", che ha influenzato tragicamente il destino dei suoi dipinti e nella vita dell'artista che si è suicidato nel 1938.

95x121 cm
1913 anni
costo
$ 38,096 milioni.
venduto nel 2006
sull'asta Christie's.

Dopo aver trasferito a Berlino, Kirchner ha creato 11 schizzi di scene di strada. Era ispirato dal tumulto e dal nervosismo di una grande città. Nel film venduto nel 2006 a New York, uno stato allarmante dell'artista è particolarmente acuto: le persone a Berlino Street assomigliano agli uccelli - elegante e pericoloso. È diventata l'ultimo lavoro della famosa serie venduta all'asta, il resto è conservato nei musei. Nel 1937, i nazisti erano crudelmente trattati con Kirchner: 639 delle sue opere sono state ritirate dalle gallerie tedesche, distrutte o vendute all'estero. L'artista non poteva sopravvivere a questo.

23

"Ricreazioneballerino"

Autore

Edgar Degas.

Nazione Francia
Anni di vita 1834–1917
Stile impressionismo

La storia di DEGI come artista ha iniziato con il fatto che ha lavorato come copywriter in Louvre. Sognava di diventare "famosi e sconosciuti" e alla fine era possibile. Alla fine della vita, i Degas sordi e lottanti di 80 anni hanno continuato a partecipare a mostre e aste.

64x59 cm
1879 anni
costo
$ 37.043 milioni.
venduto nel 2008
sull'asta Sotheby's.

"La ballerina è sempre stata per me solo un pretesto per ritrarre tessuti e afferrare il movimento", ha detto Degas. Trame dalla vita dei ballerini come se fidata: le ragazze non sono pubblicate da un artista, ma diventano solo parte dell'atmosfera catturata da degas. Il "ballerino di riposa" è stato venduto per $ 28 milioni nel 1999, e in meno di 10 anni lo hanno acquistato per 37 milioni - oggi è il lavoro più costoso dell'artista, mai sopportato all'asta. È stata prestata molta attenzione al Ramam, lui stesso li ha progettati e li ha banditi. Mi chiedo che tipo di frame è installato su un'immagine venduta?

24

"Pittura"

Autore

Juan Miro.

Nazione Spagna
Anni di vita 1893–1983
Stile arte astratta

Durante la guerra civile in Spagna, l'artista era dalla parte dei repubblicani. Nel 1937, corse dal potere fascista a Parigi, dove viveva in una povertà con la sua famiglia. Durante questo periodo, Miro scrive l'immagine "Aiuta la Spagna!", Prestando attenzione a tutto il mondo sul dominio del fascismo.

89x115 cm
1927 anni
Costo
$ 36,824 milioni.
venduto nel 2012
sull'asta Sotheby's.

Il secondo nome dell'immagine è la "Blue Star". L'artista lo ha scritto nello stesso anno in cui ha annunciato: "Voglio uccidere la pittura" e meritosamente deriso la tela, grattando la vernice con le unghie, incollando verso la tela di piume, coprendo il lavoro con la spazzatura. Il suo obiettivo era quello di debuniare i miti del sacramento della pittura, ma, a far fronte a questo, Miro ha creato il suo mito - astrazione surreale. La sua "pittura" si riferisce al ciclo di "snowstice". All'asta, quattro acquirenti combattevano per lei, ma una telefonata in incognito ha risolto la disputa, e "la pittura" divenne l'immagine più costosa dell'artista.

25

"Rosa blu"

Autore

Yves Klein.

Nazione Francia
Anni di vita 1928–1962
Stile Pittura monocromatica

L'artista è nato nella famiglia dei pittori, ma ha studiato orientale, marittimi di mare, artigianato della RAM dorata, Zen-Buddhism e molto. La sua personalità e i suoi trucchi sfacciato erano a volte più interessanti nei dipinti monocromatici.

153x199x16 cm
1960.
Costo
$ 36.779 milioni.
venduto nel 2012.
All'Asta di Christie

La prima mostra di lavoro giallo monofonico, arancione, rosa non ha causato interesse tra il pubblico. Klein è stata offesa e la prossima volta che ho presentato 11 identiche tela macchiate con ultramarine interspersed con una speciale resina sintetica. Ha anche brevettato questo metodo. Nella storia, il colore è entrato come il "colore blu internazionale di Klein". Un altro artista ha venduto il vuoto, creato foto, sostituendo la carta per la pioggia, ambientare sul cartone, facendo la tela dell'impronta del corpo umano. In una parola, sperimentato come poteva. Per creare una "rosa blu" usata pigmenti secchi, resine, ciottoli e una spugna naturale.

26

"Alla ricerca di Mosè"

Autore

SIR Lawrence Alma Tadema

Nazione Gran Bretagna
Anni di vita 1836–1912
Stile Neoclassicismo

Il prefisso "Alma" al suo cognome Sir Lawrence si è aggiunto per essere il primo nelle directory artistiche. Nell'Inghilterra vittoriana, i suoi dipinti erano così affermati che l'artista è stato assegnato il rango knightly.

213,4х136,7 cm
1902 anni
Costo
$ 35,922 milioni.
venduto nel 2011
sull'asta Sotheby's.

Il tema principale della creatività del Tadema Alma era antichità. Nelle foto, ha provato nei più piccoli dettagli per ritrarre l'epoca dell'impero romano, per questo persino impegnato negli scavi archeologici sulla penisola dell'Apenninsky, e nella sua casa di Londra riproduceva gli interni storici di quegli anni. I grafici mitologici sono diventati un'altra fonte di ispirazione per lui. L'artista era estremamente richiesto durante la sua vita, ma dopo la morte ha dimenticato rapidamente. Ora l'interesse è rinato, come il costo dell'immagine "Alla ricerca di Mosè", sette volte, superando il preventivo pre-vendita.

27

"Ritratto del funzionario nudo addormentato"

Autore

Lucien Freud.

Nazione Germania,
Gran Bretagna
Anni di vita 1922–2011
Stile Pittura figurativa

L'artista è il nipote Sigmund Freud, padre della psicoanalisi. Dopo aver stabilito il fascismo in Germania, la sua famiglia emigrò nel Regno Unito. Le opere di Freud si trovano nel Museo di Londra "Meeting of Wallace", dove nessun artista moderno è stato precedentemente esposto.

219.1х151,4 cm
1995.
Costo
$ 33,6 milioni.
venduto nel 2008
sull'asta Christie's.

Mentre gli artisti della moda del 20 ° secolo hanno creato "macchie di colore positive del muro" e vendetteli per milioni, Freud ha scritto dipinti estremamente naturalistici e li vendette ancora più costosi. "Catturarò le grida dell'anima e soffrendo la carne di sbiadimento", ha detto. I critici ritengono che tutta questa "ereditarietà" Sigmund Freud. I dipinti erano così attivamente esposti e venduti con successo che gli specialisti avevano una questione di dubbio: hanno avuto proprietà ipnotiche? Il "ritratto dell'Asta del Dormire Nude Official", secondo l'edizione del sole, ha acquisito un conoscitore del bellissimo e miliardario romano Abramovich.

28

"Violino e chitarra"

Autore

H.uAN Gras.

Nazione Spagna
Anni di vita 1887–1927
Stile cubismo

Nato a Madrid, dove si è laureato in arte scolastica e artigianato. Nel 1906 si trasferì a Parigi ed entrò nel cerchio degli artisti più influenti dell'era: Picasso, Modigliani, Matrimonio, Matisse, Lyzh, ha anche lavorato con Sergey Dyagilev e la sua troupe.

5x100 cm
1913 anni
Costo
$ 28.642 milioni.
venduto nel 2010 anno
sull'asta Christie's.

GRI, secondo le sue stesse parole, era impegnata in "Aereo, architettura a colori". I suoi dipinti sono pensati con precisione: non ha lasciato una singola striscia casuale, che racconta la creatività con la geometria. L'artista ha creato la sua versione del cubismo, anche se Pablo Picasso, il fondatore della direzione molto rispettato. Il successore è stato anche dedicato a lui il suo primo lavoro nello stile del cubismo "tributo a Picasso". Il dipinto "violino e chitarra" è riconosciuto come eccezionale nel lavoro dell'artista. Durante la vita, Gras era noto, clinicamente critici e storici dell'arte. Le sue opere sono esposte nei più grandi musei del mondo, immagazzinati in collezioni private.

29

"RitrattoCampi Elouar »

Autore

Salvador Dalì

Nazione Spagna
Anni di vita 1904–1989
Stile surrealismo

"Il surrealismo è io," disse Dali, quando fu escluso dal gruppo di surrealisti. Nel corso del tempo, è diventato l'artista surrealista più famoso. La creatività è stata data ovunque, e non solo nelle gallerie. Ad esempio, è venuta con un imballaggio per Chupa-Chupa.

25x33 cm
1929 anni
Costo
$ 20,6 milioni.
venduto nel 2011
sull'asta Sotheby's.

Nel 1929, visita il grande provocatore e lo scandalista Dali arrivò il poeta Paul Eluro con la sua moglie russa Galo. L'incontro è stato l'inizio della storia dell'amore che è durato più di mezzo secolo. L'immagine "Ritratto del campo Eloire" è scritto solo durante questa visita storica. "Ho sentito di essere stato accusato di un dovere di catturare il viso del poeta, con l'OlyMP di cui ho rapito una delle musiche", ha detto l'artista. Prima della conoscenza con Galo, era una vergine e sperimentato disgusto con il pensiero sul sesso con una donna. Il triangolo dell'amore esisteva davanti alla morte di Eluar, dopo di che è diventato un Duet Dali Gala.

30

"Anniversario"

Autore

Mark Shagal.

Nazione Russia, Francia
Anni di vita 1887–1985
Stile Avangard.

Moisha Segal è nato a Vitebsk, ma nel 1910 emigrò a Parigi, ha sostituito il nome, è diventato vicino ai principali avanguardi dell'era. Negli anni '30, quando catturano le autorità, i fascisti sono andati negli Stati Uniti con l'aiuto del console americano. Restituito in Francia solo nel 1948.

80x103 cm
1923.
Costo
$ 14,85 milioni.
venduto nel 1990.
All'asta di Sotheby

L'immagine "anniversario" è riconosciuta come una delle migliori opere dell'artista. Ha tutte le caratteristiche della sua creatività: le leggi fisiche del mondo hanno cancellato, rimane la sensazione di fiabe nello scenario della vita di Mashchansky, e nel centro della trama - amore. Chagall non ha disegnato persone dalla natura, ma solo in memoria o fantasticizzare. Nel quadro "anniversario" catturato dall'artista con sua moglie Bel. L'immagine è stata venduta nel 1990 e da allora non ha partecipato all'asta. È interessante notare che nel New York MoMA Museum MOMA è assolutamente lo stesso, chiamato solo "compleanno". A proposito, è stata scritta prima - nel 1915.

progetto preparato
Tatyana Palaceov.
valutazione composta
elenco www.art-spb.ru.
rivista tmn №13. (Maggio-giugno 2013)

"Il nuovo mondo è nato quando gli impressionisti lo hanno scritto"

Henri Canveyiler.

XIX secolo. Francia. Nel verniciatura è successo senza precedenti. Un gruppo di giovani artisti ha deciso di scosso una tradizione di 500 anni. Invece di un disegno trasparente, hanno usato una vasta striscia "incurante".

E dalle solite immagini e abbandonato, ritrarre tutto in fila. E le signore del comportamento polmonare e i signori della dubbiosa reputazione.

Il pubblico non era pronto per il dipinto di impressionisti. Erano ridicolizzati, rimproverati. E soprattutto, non hanno comprato nulla.

Ma la resistenza è stata rotta. E alcuni impressionisti vivevano al loro trionfo. Vero, erano già in 40. come Claude Monet o Auguste Renuar. Altri hanno aspettato il riconoscimento solo alla fine della vita come Camille Pissarro. Qualcuno prima di lui non viveva come Alfred Sisley.

Qual è il rivoluzionario commesso ciascuno di loro? Perché il pubblico non li ha accettati per così tanto tempo? Ecco i 7 impressionisti francesi più famosi che conoscono il mondo intero.

1. Eduard Mana (1832-1883)

Eduard Mana. Autoritratto con tavolozza. 1878 Collezione privata

Mana era più vecchio della maggior parte degli impressionisti. Era il loro principale ispiratore.

Mana stesso per il ruolo del capo dei rivoluzionari non ha rivendicato. Era un uomo secolare. Sognato di premi ufficiali.

Ma stava aspettando il riconoscimento per un tempo molto lungo. Il pubblico voleva vedere le dee greche o le sollevate ancora alla fine peggiore, per guardare magnificamente nella sala da pranzo. La criniera voleva scrivere la vita moderna. Ad esempio, le tende.

Di conseguenza, è apparso "Colazione sull'erba". Due dandies riposano nella società delle signore del comportamento leggero. Uno di loro come niente si siede accanto agli uomini vestiti.

Eduard Mana. Colazione sull'erba. 1863, Parigi

Confronta la sua "colazione sull'erba" con il lavoro di Tom Couture "Romani durante un declino". La pittura di couture ha prodotto un furore. L'artista è diventato immediatamente famoso.

"La colazione sull'erba" è stata accusata della volgarità. La gravidanza non era assolutamente raccomandata seriamente di guardarlo.

Tom Kutur. Romani del tempo di declino. 1847 Museum D'Ors, Parigi. Artchive.ru.

Nella foto di Couture, vediamo tutti gli attributi accademismo (pittura tradizionale dei secoli XVI-XIX). Colonne e statue. Aspetto della gente Apollo. Colori mobili tradizionali. Modifica pone e gesti. La trama dalla vita lontana di una persona completamente diversa.

"La colazione sull'erba" Mana è un altro formato. Prima di lui, nessuno raffigurava le tende del genere. Accanto ai cittadini rispettabili. Sebbene molti uomini del tempo abbiano trascorso il loro tempo libero. Era la vera vita delle persone reali.

Una volta ho raffigurato una signora rispettabile. Brutto. Non poteva adularla con un pennello. La signora è rimasta delusa. Andato da lui in lacrime.

Eduard Mana. Angelina. 1860 Museum D'Ors, Parigi. Wikimedia.commons.org.

Pertanto, ha continuato a sperimentare. Ad esempio, con il colore. Non ha provato a ritrarre il cosiddetto sapore naturale. Se l'acqua grigia-marrone lo sembra blu brillante, ha anche ritratto il suo blu brillante.

Questo, ovviamente, infastidito il pubblico. "Dopotutto, anche il Mar Mediterraneo non può vantare un tale blu come l'uomo d'acqua." - Yazvili loro.

Eduard Mana. Arzhante. 1874 Museo di Belle Arti, Tour, Belgio. Wikipedia.org.

Ma il fatto rimane un dato di fatto. Mana nella tenuta ha cambiato lo scopo della pittura. L'immagine divenne una forma di realizzazione dell'individualità dell'artista, che scrive come lui piace. Dimenticando i modelli e le tradizioni.

La nomatura non lo ha perdonato per molto tempo. I riconoscimenti hanno aspettato solo alla fine della vita. Ma non era già necessario. Ha saplosamente sbiadito dalla malattia incurabile.

2. Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet. Autoritratto in Take. 1886 Collezione privata

Claude Monet può essere chiamato un libro di testo impressionista. Dato che era fedele a quest'area tutta la sua lunga vita.

Scrisse non oggetti e persone, ma un design a colori singoli di abbagliamento e punti. Tratti separati. Air Shake.

Claude Monet. Piscina per bambini. 1869 Museo metropolitano, New York. Metmuseum.org.

Monet ha scritto non solo la natura. Gestito e paesaggi della città. Uno dei più famosi - .

In questa foto c'è molto dalla foto. Ad esempio, il movimento viene trasmesso utilizzando un'immagine sfocata.

Nota: alberi e figure a lungo raggio sono come se fossero nel fumo.

Claude Monet. Boulevard Kapuchin a Parigi. 1873 (Galleria d'arte d'Europa e America 19-20 vz.), Mosca

Prima di noi è un momento arrestato della rapida vita di Parigi. Nessuna agilità Nessuno pone. Le persone sono raffigurate come una totalità di macchie. Tale immunità e l'effetto della "cornice di arresto" è la caratteristica principale dell'impressionismo.

A metà degli anni '80, gli artisti sono rimasti delusi dall'impressionismo. L'estetica è, ovviamente, bene. Ma l'incoerenza di molti oppressi.

Solo Monet ha continuato a persistere, l'impressionismo ipertrofo. Si è trasformato in una serie di dipinti.

Lo stesso paesaggio ha ritratti dozzine di volte. In diversi momenti della giornata. In diversi momenti dell'anno. Per mostrare quante temperature e luce possono cambiare lo stesso aspetto oltre il riconoscimento.

Quindi c'erano innumerevoli pile di fieno.

Immagini di Claude Monet nel Museo delle Belle Arti a Boston. A sinistra: pile di fieno al tramonto a Zhiverny, 1891 a destra: una pila di fieno (effetto neve), 1891

Si prega di notare che le ombre in queste immagini sono colorate. E non grigio o nero, come era consuetudine agli impressionisti. Questa è un'altra la loro invenzione.

Monet è riuscito a godere del successo e del benessere del materiale. Dopo il 40, ha già dimenticato della povertà. Ho una casa e un bellissimo giardino. E per un lungo periodo trascorso per molti anni.

Sulla maggior parte del segno di pittura del master lettura nell'articolo

3. Auguste Renoir (1841-1919)

Pierre-Auguste Renoir. Auto ritratto. 1875 Institute of Art Sterling e Francin Clark, Massachusetts, USA. Pinterest.ru.

L'impressionismo è il dipinto più positivo. E il più positivo tra gli impressionisti era Renoir.

Nei suoi dipinti, non troverai i drammi. Anche la vernice nera che non ha usato. Solo la gioia dell'essere. Anche il remore più comune sembra bellissimo.

A differenza di Monet, Renoir ha scritto le persone più spesso. I paesaggi per lui erano meno significativi. Le immagini stanno riposando e godendo la vita dei suoi amici e conoscenti.

Pierre-Auguste Renoir. Vogatori della colazione. 1880-1881. Collezione di Phillips, Washington, USA. Wikimedia.commons.org.

Non puoi trovare Renoara e profondità. Era molto felice di unirsi agli impressionisti che sono stati inquinati da trame.

Come ha detto lui stesso, finalmente ha l'opportunità di scrivere fiori e chiamarli solo "fiori". E non inventare storie su di loro.

Pierre-Auguste Renoir. Donna con ombrello nel giardino. 1875 Museo di Tissen-Burnis, Madrid. Arteuam.com.

Il miglior renoir ha sentito nella società delle donne. Chiese la sua cameriera a cantare e scherzare. Più stupido e la canzone era più ingenua, è meglio per lui. E le chiacchiere degli uomini erano stanche. Non è sorprendente che il Renoir sia famoso per i panni nudi.

Il modello sulla foto "nudo alla luce del sole" come se si manifestasse su uno sfondo colorato astratto. Perché non c'è niente di minore per Renuara. L'occhio del modello o della sezione del fondo posteriore è equivalente.

Pierre-Auguste Renoir. Nudo alla luce del sole. 1876 \u200b\u200bMuseum D'Orsov, Parigi. wikimedia.commons.org.

Renoir ha vissuto una lunga vita. E non rimandare mai il pennello e la tavolozza. Anche quando le sue mani nutrono completamente il reumatismo, ha legato un pennello verso la sua mano con una corda. E dipinto.

Come Monte, ha aspettato il riconoscimento dopo 40 anni. E vide i suoi dipinti nel Louvre, accanto alle opere dei famosi maestri.

A proposito di uno dei ritratti più affascinanti di Renuara legge nell'articolo

4. Edgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas. Auto ritratto. 1863 Museo di Galbenkyan, Lisbona, Portogallo. Coltivato.com.

DEGI non era un classico impressionista. Non gli piaceva lavorare al prigioniero (all'aperto). Non troverà una tavolozza deliberata.

Al contrario, ha adorato una linea chiara. Ha un colore nero. E ha lavorato esclusivamente in studio.

Ma ancora è sempre messo in fila con altri grandi impressionisti. Perché era un gesto impressionante.

Prospettive inaspettate. Asimmetria nella posizione degli oggetti. Caratteri a sorpresa incrinati. Ecco gli attributi principali dei suoi dipinti.

Ha fermato i momenti della vita senza dare ai personaggi di venire nei suoi sensi. Guarda almeno sulla sua "Opera Orchestra".

Edgar Degas. Opera Orchestra. 1870 Museum D'Ors, Parigi. Commons.wikimedia.org.

In primo piano, la parte posteriore della sedia. Musicista per noi indietro. E sulla priorità bassa posteriore, la ballerina sul palcoscenico non si adattava alla "cornice". Le loro teste sono senza pietà "circoncisa" il bordo dei dipinti.

Quindi i ballerini li agli augurati non sono sempre raffigurati in belle pose. A volte fanno solo un tratto.

Ma questa improvvisazione è compromessa. Certo, Dega pensieroso ha pensato la composizione. Questo è solo l'effetto di un telaio di arresto e non un vero telaio del piede.

Edgar Degas. Due ballerini di balletto. 1879 Museo Shelbourne, Vermouth, USA

Edgar Degas amava scrivere donne. Ma la malattia o le caratteristiche del corpo non gli permetteva di avere un contatto fisico con loro. Non è mai stato sposato. Nessuno lo ha mai visto con la signora.

La mancanza di grafici reali nella sua vita personale ha aggiunto un'eroticità sottile e intensa alle sue immagini.

Edgar Degas. Stella di balletto. 1876-1878. MUSEO D'ORS, Parigi. wikimedia.coms.org.

Si prega di notare che solo la Ballerina stessa viene disegnata nell'immagine "Ballet Star". I suoi colleghi dietro le quinte a malapena distinguibili. È una poche gambe.

Questo non significa che Dega non abbia finito l'immagine. Questa è la reception. Partire a fuoco solo la cosa più importante. Il resto per far scomparire, illeggibile.

Su altri dipinti del Maestro lettura nell'articolo

5. Berta Morizo \u200b\u200b(1841-1895)

Eduard Mana. Ritratto di Borth Morizo. 1873 Museo Manot Museo, Parigi.

Bert Morizo \u200b\u200braramente ha messo nella prima fila di grandi impressionisti. Sono sicuro che è immeritato. Solo hai tutte le caratteristiche principali e le tecniche dell'impressionismo. E se ti piace questo stile, ami il suo lavoro con tutta l'anima.

Morizo \u200b\u200bha lavorato rapidamente e spingendo, spostando la sua impressione sulla tela. Figure come se per dissolversi nello spazio.

Bert Morizo. Estate. 1880 Museo di Famon, Montpellier, Francia.

Come un DEGI, spesso non ha insegnato alcuni dettagli. E persino parti del modello del corpo. Non possiamo distinguere tra le ragazze nella foto "Estate".

Il percorso per l'auto-espressione in Morizo \u200b\u200bera difficile. Non solo è stata impegnata in una pittura "incurante". Era ancora una donna. A quei tempi, la signora avrebbe dovuto sognare il matrimonio. Dopodiché, qualsiasi hobby è stato dimenticato.

Pertanto, Berta ha un lungo rifiuto del matrimonio. Fino a quando ho trovato un uomo che ha rispettosamente la sua lezione. Eugene Mana era il suo fratello nativo dell'artista Eduard Man. Inserito indossata un cavalletto e una vernice.

Bert Morizo. Eugene criniera con sua figlia a Buhval. 1881 MURA MOTOON MONET MUSEO, PARIGI.

Ma ancora il caso era nel XIX secolo. No, i pantaloni di Morizo \u200b\u200bnon indossarono. Ma non poteva permettersi la completa libertà di movimento.

Non poteva andare al parco per lavorare da solo, non accompagnati da qualcuno dei propri cari. Non potevo sedersi da solo nel caffè. Pertanto, i suoi dipinti sono persone del cerchio di famiglia. Marito, figlia, parenti, bambinaia.

Bert Morizo. Donna con un bambino nel giardino nel magazzino. 1881 Museo nazionale del Galles, Cardiff.

Il riconoscimento del Morizo \u200b\u200bnon ha aspettato. Morì in 54 anni dall'infiammazione dei polmoni, quasi nessuno funziona nella vita. Nella sua testimonianza della morte nella colonna "lezioni di rod" erano un fosso. Era impensabile a una donna chiamata l'artista. Anche se fosse davvero.

Sui dipinti del master lettura nell'articolo

6. Camille Pissarro (1830 - 1903)

Camille Pissarro. Auto ritratto. 1873 Museum D'Ors, Parigi. Wikipedia.org.

Camille Pissarro. Non conflitto, ragionevole. Molte persone percepivano come insegnanti. Anche i colleghi più temperamenti su Pissarro non parlavano male.

Era un follower fedele di impressionismo. Con fortemente bisogno, avendo una moglie e cinque figli, ha continuato a lavorare nel suo amato stile. E mai passati al salone di pittura per diventare più popolare. Non è noto dove ha preso il potere di credere in se stesso.

Per non morire affatto con la fame, Pisserro ha dipinto un fan, che sarebbe felice. E questo riconoscimento è arrivato dopo 60 anni! Allora finalmente è stato in grado di dimenticare la necessità.

Camille Pissarro. Diligenza in Luvezienne. 1869 Museum D'Ors, Parigi

Aria nei dipinti Pissarro spessa e densa. Lega insolita di colore e volume.

L'artista non aveva paura di scrivere i fenomeni più mutevoli della natura, che sono mostrati per un momento e scompaiono. Prima neve, sole gelido, lunghe ombre.

Camille Pissarro. Brina. 1873 Museo D'Orsov, Parigi

Le sue opere più famose sono i tipi di Parigi. Con ampi viale, una folla di Bay Etley. Di notte, nel pomeriggio, in condizioni meteorologiche diverse. Qualcosa che riecheggiano con la serie di immagini di Claude Monet.

La pittura francese del XIX all'inizio del XX secolo è rappresentata da approssimazioni 850 articoli. Cronologicamente, questa sezione inizia con opere di artisti dalla fine del XVIII e all'inizio del XIX secolo i cui contributi alla storia dell'arte variano enormemente, ma le cui opere incarnano le aspirazioni artistiche dell'età: Lethiere, Lefebre, Caraffa, C. Vernet, Girodet, P. Chauvin, artisti che erano molto popolari durante il periodo dell'impero come Guerin, F. Gerard e altri.

Ognuno dei maestri più celebrati è rappresentato qui: David dal suo superbo Sappho e Phaon.(1809), Gros by Napoleone sul ponte ad Arcole (Circa 1797), ingres da Ritratto del conte Guriev (1821), Delacroix, il più brillante degli artisti romantici francesi, di due tele: Marocchino sella un cavallo (1855) e Caccia al leone in Marocco (1854).

La collezione Hermitage offre una buona panoramica della Scuola Barbizon, un gruppo di artisti che si sono stabiliti nel villaggio di Barbizon vicino a Parigi: Theodore Rousseau, Dupre, Daubigny e altri, che avrebbero avuto un'influenza così importante sullo sviluppo della pittura del paesaggio francese E Corot, le cui opere contengono una combinazione peculiare di neoclassicismo, realismo e romanticismo. Uno dei punti focali del Museo è la collezione di lavori della fine del XIX e dell'inizio del XX secolo, che comprende oltre 250 opere.

Contiene sette opere di uno dei fondatori dell'impressionismo, Claude Monet, che ci consentono di giudicare non solo il suo lavoro creativo, ma anche l'evoluzione della scuola in generale: dal suo inizio Signora in un giardino (1867) Alla fine Ponte del waterlolo.(1903). Ci sono sei dipinti di Renoir, incluso il suo notevole Ritratto dell'attrice Jeanne Samary(1878); Due scene di Parigi di Pissarro; Tre paesaggi di Sisley; E una serie di disegni pastello di Degas.

Le opere di Cezanne, Gauguin e Van Gogh sono di altissima qualità. Cezanne ha lavorato in diversi generi, come si può vedere dalla selezione dei suoi dipinti in mostra. L'oeuvre di Gauguin è qui riprova da lavori dipinti durante la sua vita a Tahiti. Tra i dipinti di Van Gogh sono Il cespuglio lilla. (1889), uno dei suoi più grandi acivimenti, e Cottage di paglia. (1890), tra le sue ultime opere.

Carriere, Puvis de Chavannes, Odilon Redon e altri A tra i principali artisti simbolistici il cui lavoro può essere visto in mostra. Lavori del gruppo Nabis - Denis, Roussel, Vuillard, Bonnard, Vallotton - così come Marquet, Derain, Van Dongen, Vminarck e Manguin, la mostra Hermitage fornisce una visione completa dello sviluppo del dipinto francese al momento.

Il culmine della collezione di pittura francese del XX secolo viene fornito con la superba visualizzazione di opere di Matisse e Picasso. Con 37 dipinti di Matisse, comprese tali tele notevoli come La stanza rossa (1908), Ritratto di famiglia.(1911) e i pannelli importanti Danza e musica (Entrambi 1910) e 31 dipinti di Picasso, dal primo Il bevitore dell'assenzio. (1901), un importante lavoro del suo periodo blu - La visita.(1902), per opere vitale per la comprensione del cubismo - Danza con i veli. (1907), Tre donne, donna con un fan (1908) - Queste camere sono giustamente tra i più popolari nel museo.

Sono più che belle foto, questo è un riflesso della realtà. Nelle opere di grandi artisti, puoi vedere come è cambiato il mondo e la coscienza delle persone.

L'arte è anche un tentativo di creare una realtà alternativa in cui puoi nascondersi dagli orrori del tuo tempo, o il desiderio di cambiare il mondo. L'arte del XX secolo occupa giustamente un posto speciale nella storia. Le persone che vivevano e lavorate in quei giorni sono sopravvissute agli shock sociali, alla guerra, allo sviluppo scientifico senza precedenti; E tutto ciò ha trovato un'impronta digitale sulle loro tele. Gli artisti del 20 ° secolo hanno preso parte a creare una visione moderna del mondo.

I nomi di qualcuno sono ancora pronunciati con una nuotata, e qualcuno ha dimenticato ingiustamente. Qualcuno aveva un modo creativo così controverso che non potevamo ancora dargli una valutazione inequivocabile. Questa recensione è dedicata ai più grandi artisti del 20 ° secolo. Camille Pisarro.- Pittore francese. Un rappresentante eccezionale di impressionismo. Il lavoro dell'artista è stato influenzato da John Consshebla, Camille Coro, Jean Francois Mill.
Nato il 10 luglio 1830 nella città di Saint-Thomas, morì il 13 novembre 1903 a Parigi.

Eremo in Pontoise, 1868

Passaggio operabile a Parigi, 1898

Tramonto a Varenzhville, 1899

Edgar Degas -french Homeward, uno dei più grandi impressionisti. Al lavoro del DEGI, l'influenza della grafica giapponese è nata il 19 luglio 1834 a Parigi, morì il 27 settembre 1917 a Parigi.

Assunzione, 1876.

STAR, 1877.

Donna traspirante, 1885

Paul Cezanne -artista francese, uno dei maggiori rappresentanti del postionismo. Nel suo lavoro, si stava sforzando per la divulgazione di armonia ed equilibrio della natura. La sua creatività aveva un'enorme influenza sulla vista mondiale degli artisti del 20 ° secolo.
Nato il 19 gennaio 1839 nella città di ex-en-Provence, in Francia, morì il 22 ottobre 1906 in ex-en-Provence.

Giochi, 1893.

Olympia moderna, 1873

Natura morta con le tartarughe, 1900

Claude Monet - Un eccezionale pittore francese. Uno dei fondatori dell'impressionismo. Nelle sue opere, Monet stava sforzando di trasmettere la ricchezza e la saturazione del mondo. Per il suo ritardo, la decorazione e
Per il periodo tardo della creatività di Mone, la decorazione è caratterizzata, aumentando la dissoluzione dei moduli soggetti in combinazioni sofisticate di punti di colore.
Nato il 14 novembre 1840 a Parigi, morto il 5 dicembre 1926 nella pancia.

Rock Welk a Purville, 1882

Dopo pranzo, 1873-1876

Erthet, tramonto, 1883

Archka Queenji -famoso artista russo, padrone di pittura del paesaggio. Perduto presto i suoi genitori. Da una tenera età, l'amore per la pittura cominciò a manifestare. Il lavoro dell'ArcProun è una grande influenza su Nikolai Roerich.
Nato il 15 gennaio 1841 a Mariupol, morto l'11 luglio 1910 a San Pietroburgo.

VOLGA, 1890-1895.

"Nord", 1879

"Vista del Cremlino da Zamoskvorechye", 1882

Pierre Auguste Renoir -artista francese, programma, scultore, uno dei rappresentanti importanti dell'impressionismo. Conosciuto anche come maestro di un ritratto secolare. Auguste Roden divenne il primo impressionista che divenne popolare tra i ricchi parigini.
Nato il 25 febbraio 1841 a Limoges Francia, morto il 2 dicembre 1919 a Parigi.

Ponte d'arte a Parigi, 1867

Palla in Moulin de la Gatte, 1876

Zhanna Samari, 1877

Paul Gajen. - Artista francese, ceramista scultore, programma. In una pari con un campo di Cesan e Vincent van Goghom è uno dei rappresentanti più importanti della posturment. L'artista viveva in povertà, perché i suoi dipinti non erano richiesti.
Nato il 7 giugno 1848 a Parigi, morto il 8 maggio 1903 sull'isola di Hiva-Oa, Polinesia francese.

Paesaggio Breton, 1894

Breton Village nella neve, 1888

Sei geloso? 1892.

Santi Giorno, 1894

Vasily Kandinsky -artista russo e tedesco, poeta, teorico d'arte. È considerato uno dei leader dell'avanguardia della 1 metà del 20 ° secolo. È tra i fondatori dell'arte astratta.
Nato il 22 novembre 1866 a Mosca, morto il 13 dicembre 1944 nella città di Neu-sur-Sene, in Francia.

Coppia che viaggia cavalcando a cavallo, 1918

Pest Life, 1907

Mosca 1, 1916

In Grigio, 1919

Henri Matisse -uno dei più grandi artisti e scultori francesi. Uno dei fondatori del flusso di camminatori. Nel suo lavoro, si stava sforzando per il trasferimento di emozioni attraverso il colore. Nel suo lavoro ha sperimentato l'impatto della cultura islamica del Maghreb occidentale. Nato il 31 dicembre 1869 nella città di Le Kato, morì il 3 novembre 1954 nella città di Symode.

Quadrato a Saint-Tropez, 1904

Delinea Notre-Lads di notte, 1902

Donna in cappello, 1905

Danza, 1909.

Italiano, 1919.

Ritratto di Deleign, 1934

Nikolai Roerich. - Artista russo, scrittore, scienziato, mistico. Per la tua vita, ha scritto più di 7000 dipinti. Una delle eccezionali figure culturali del XX secolo, il fondatore del movimento "mondiale attraverso la cultura".
Nato il 27 ottobre 1874 a San Pietroburgo, morto il 13 dicembre 1947 nella città di Kulu, Himachal Pradesh, India.

Operture ospiti, 1901

Great Spirit Himalayev, 1923

Messaggio Shambhala, 1933

Kuzma Petrov-Vodkin -artista russo, programma, teorico, scrittore, insegnante. Era uno degli ideologi per riorganizzare l'educazione artistica nell'URSS.
Nato il 5 novembre 1878 nella città della provincia di Sharnsk Saratov, morto il 15 febbraio 1939 a Leningrado.

"1918 a Petrograd", 1920

"Giocare ai ragazzi", 1911

Nuoto rosso Kony, 1912

Ritratto di Anna Ahmatova.

Kazimir Malevich. - Artista russo, fondatore di suprematismo - Indicazioni in arte astratta, insegnante, teorico d'arte e filosofo
Nato il 23 febbraio 1879 a Kiev, morto il 15 maggio 1935 a Mosca.

Attività ricreative (società in cilindri), 1908

"Contadini con secchi", 1912-1913

Piazza Suprematica nera, 1915

Pittura suprematica, 1916

Su Boulevard, 1903

Pablo Picasso - Artista spagnolo, scultore, scultore, ceramista del designer. Uno dei fondatori del cubismo. La creatività Pablo Picasso ha avuto un impatto significativo sullo sviluppo della pittura del 20 ° secolo. Secondo i risultati del sondaggio dei lettori della rivista Time
Nato il 25 ottobre 1881 nella città di Malaga Spagna, è morto l'8 aprile 1973 nella musica, in Francia.

Ragazza su una ciotola, 1905

Ritratto di Ambruz Vallora, 1910

Tre gracelles.

Ritratto di Olga.

Danza, 1919.

Donna con fiore, 1930

Amadeo Modiganiani. - Artista italiano, scultore. Uno dei più brillanti rappresentanti dell'espressionismo. Durante la sua vita, aveva solo una mostra nel dicembre del 1917 a Parigi. Nato il 12 luglio 1884 nella città di Livorno, in Italia, morì il 24 gennaio 1920 dalla tubercolosi. Il riconoscimento mondiale ha ricevuto un riconoscimento imbarazzato in modo postumato ricevuto postumamente.

Violoncellista, 1909.

Coniugi, 1917.

Joan Ebutern, 1918

Paesaggio mediterraneo, 1918

Diego Rivera. - Pittore messicano, murale, politico. Era un coniuge Frida Calo. Nella loro casa, ho trovato un rifugio per un breve tempo Lion Trotsky.
Nato l'8 dicembre 1886 a Guanajuato, morì il 21 dicembre 1957 a Città del Messico.

Notre Dame de Beta sotto la pioggia, 1909

Donna al pozzo, 1913

Unione di contadina e lavoratore, 1924

Detroit Industry, 1932

Mark Shagal. - Pittore russo e francese, programma, illustratore, artista del teatro. Uno dei più grandi rappresentanti di Avangonds.
Nato il 24 giugno 1887 nella città di Lionezino, provincia di Mogilev, morto il 28 marzo 1985 a Saint-Paul-de-Provence.

Annie (ritratto di sorella), 1910

Sposa con fan, 1911

Io e il villaggio, 1911

Adamo ed Eva, 1912

Mark Rotko. (NAST. Mark Rotkovich) è un artista americano, uno dei fondatori dell'espressionismo astratto e del fondatore di dipingere il campo del colore.
Le prime opere dell'artista sono state create in spirito realistico, tuttavia, poi a metà dei 40s Mark Rotko fa appello al surrealismo. Nel 1947, la frattura più importante nel lavoro di Mark Rotko avviene, crea il proprio stile - espressionismo astratto, che parte dagli elementi soggetti.
Nato il 25 settembre 1903 nella città di Dvinsk (ora Daugavpils), morì il 25 febbraio 1970 a New York.

Senza titolo

Numero 7 o 11

Arancione e giallo

Salvador Dalì - Pittore, programma, scultore, scrittore, designer, regista. Forse il rappresentante più famoso del surrealismo e uno dei più grandi artisti del 20 ° secolo.
L'autore del design di Chupa Chups.
Nato l'11 maggio 1904 nella città di Figueras, in Spagna, morto il 23 gennaio 1989 in Spagna.

Tentazione di Sant'Antonio, 1946

Ultima cena, 1955

Donna con teste da rose, 1935

Mia moglie gala, nuda, guarda il suo corpo, 1945

Frida Kalo -artista e programma messicani, uno dei più brillanti rappresentanti del surrealismo.
Frida Kalo cominciò a disegnare dopo l'incidente d'auto, che era il risultato di un anno incatenato al letto per un anno.
Era sposato con il famoso fiume Diego Artist-Communist Mexican. Non hanno trovato un leone Trotsky in casa per molto tempo.
Nato il 6 luglio 1907 nella città di Koyoacan, in Messico, morto il 13 luglio 1954 a Koyoacan.

Abbracci dell'amore universale, della Terra, I, Diego e Cathl, 1949

Mosè (nucleo della creazione), 1945

Due Frida, 1939

Andy Warhole (Nasty. Andrei Varchol) - American Artist, Designer, Director, Producer, Publisher, Writer, Collector. Il fondatore di Pop Art, è di una delle personalità più antigultivatiche nella storia della cultura. Nella vita dell'artista, diversi film sono stati sparati.
Nato il 6 agosto 1928 a Pittsburgh, in Pennsylvania, morì nel 1963 a New York.

Impressionismo.

Eduard Mana (Fr. Édouard Manet, gennaio 23, 1832, Parigi - 30 aprile 1883, Parigi) - Artista francese, uno dei centesimi di impressionismo.

L'hobby della vecchia pittura ha portato numerose crinali di viaggio. Ha ripetutamente visitato i musei olandesi, dove ammirava il dipinto di Francia Hals. Nel 1853 ha fatto un viaggio tradizionale in Italia per gli artisti francesi, dove Venezia e Firenze hanno visitato. Fu allora che l'inizio dell'influenza sui giovani dipinti dell'artista del peggior e alto rinascita. Uno degli artisti che ha avuto la più grande influenza su Mana diventa Velasquez. Forse sono i suoi lavori in ritardo, particolarmente famosi bodegon, ha avuto un enorme impatto sulla formazione del movimento dell'impressionismo. Il viaggio di ritorno in Francia era lungo la criniera attraversata dall'Europa centrale, visitando i musei a Dresda, Praga, Vienna e Monaco.

Nel 1863 e nel 1864, Manne è posato sia nella cabina che nel salone ufficiale, dove i suoi nuovi dipinti, specialmente la "colazione sull'erba" ha causato una forte indignazione da parte dei critici. Il picco del rifiuto cade per il 1865, quando Manne ha messo fuori la sua (famosa) "Olympia" nella cabina - l'immagine trovata dai suoi contemporanei è estremamente oscena e volgare e provocò una grandiosa per quelle volte lo scandalo.

Durante l'assedio di Parigi nel 1870, Mana, come repubblicano convinto, rimase nella capitale. Dopo la guerra francese-prussiana e il Comune di Parigi, l'artista converge ancora più vicino con i giovani impressionisti. Questo è evidenziato, ad esempio, numerose immagini scritte nel pneaire, fianco a fianco con Claude Monet in Argenthe nel 1874. Tuttavia, Mana non voleva partecipare alle mostre degli Impressionisti. Preferiva a qualsiasi costo per raggiungere il riconoscimento della giuria dei saloni ufficiali. Un altro hype attorno al suo nome è nato nel 1874. "Ferrovia" ha ancora causato l'antipatia acuta della giuria. E solo nel 1879, il salone ha apprezzato la persistenza dell'artista: la tela "nella serra" e "nella barca" erano molto calorosamente incontrati.

"Assenzio Amateur", 1858-1859, New Gilipotka Karlsberg

"Musica in Tuitery", 1862, Galleria Nazionale, Londra

Olympia, 1863, Museo Orsay, Parigi

Musicista spagnolo (Gallerelo). 1860 Museo metropolitano, New York.

Esecuzione dell'imperatore Messico Massimiliano. 1867, Kunsthalla, Mannheim.

Edgar-Germain-ILher de GA, o Edgar Degas (fr. Edgar Degas) (19 luglio 1834, Parigi - 27 settembre 1917) - Pittore francese, uno dei rappresentanti più importanti e originali dell'impressionismo.

In 20 anni (1854), Degas entra nello studente nel laboratorio nel suo tempo l'artista della signora, che, a sua volta, lo studente della Grande Engrana. In una famiglia familiare di Degius, è avvenuta Entry, e aveva mantenuto a lungo la sua apparizione nel suo ricordo, e per la sua vita aveva mantenuto l'amore della linea di cantante incombovsky e chiaramente. Degi amava altri grandi cassetti - Nikola Poussna, Hans Golbien - e ha copiato il loro lavoro nel Louvre con tale diligenza e abilità, che era difficile distinguere una copia dell'originale.

I prodotti del DEGI con la loro composizione rigorosamente verificata e allo stesso tempo dinamica, spesso asimmetrica, un accurato schema flessibile, angoli inaspettati, l'interazione attiva della figura e dello spazio combina l'apparente imperfetto e la casualità del motivo e dell'architeraggio dell'immagine con attenta premurosità e calcolo. "Non c'era arte, meno direttamente direttamente del mio", l'artista stesso valuta la propria creatività. Ognuno dei suoi lavori è il risultato di lunghe osservazioni e lavori ostinati e scrupolosi sulla loro implementazione in un'immagine artistica. Nel lavoro dei maestri non c'è nulla dall'espressione. Il completamento e la conoscenza delle sue composizioni cause a volte di ricordare il web del Pussen. Ma di conseguenza, le immagini sorgono su tela che non saranno un'esagerazione da definire un'immacitazione istantanea e casuale. Nell'arte francese del XIX secolo, la degiatezza della degno in questo senso è l'opposto diametralico della creatività Cezann. A Cesanna, l'immagine svolge tutta l'immutabilità dell'ordine mondiale e sembra completamente completata dal microcosmo. I degas contiene solo una parte di un telaio tagliato di un potente flusso di vita. Le immagini della droga vengono eseguite dal dinamismo, incarnano i ritmi accelerati dell'artista moderno dell'era. Era la passione per la trasmissione del movimento - questo, secondo le parole identificate una storia di debito grafici: immagini di salto di cavalli, ballerine a prove, esclusivi e sylers al lavoro, vestiti o pettinati le donne.

Edgar Degas. Cavalli giusti davanti ai piedi. 1869-1872 Louvre, Parigi.

Ballerini blu. Museo. Pushkin, Mosca.

Ufficio sul trading di cotone a New Orleans. 1873.

Il lavaggio. Museo del banco del 1886, Farmington, Connecticut, USA.

Assenzio, 1876, Museo Orsay, Parigi

Prima di iniziare, 1862-1880, Museo OSA, Parigi

Prestazioni di balletto - Vista del palcoscenico dai lodge, 1885, Art Museum, Philadelphia

Scuola di balletto.

Miss Lala in Circus Fernando.

Bundoras con biancheria.

Al Modist.

Gladlinders.

Pierre Auguste Renoir (p. Pierre-Auguste Renoir, 25 febbraio 1841, Limoges - 2 dicembre 1919, Kan-sur-Mer) - Pittore francese, programma e scultore, uno dei principali rappresentanti dell'impressionismo. Renoir è conosciuto principalmente come maestro di un ritratto secolare, non privo di sentimentalità; Prima degli Impressionisti ha guadagnato successo nei ricchi parigini. A metà degli anni 1880. Infatti, rotto con l'impressionismo, tornando alla linearità del classicismo, all'incisismo. Direttore famoso del padre.

"Primavera bouquet" (1866). Museo dell'Università di Harvard

"Palla in Le Moulin de la Gatte" (1876). Museo Orsay.

"Big swimsters" (1887). Museo delle Arti, Philadelphia.

"Girls Piano" (1892). Museo Orsay.

"Gabriel in blusa rossa" (1910). Incontro M. Vestema, New York.

Oscar Claude Monet (fr. Oscar-Claude Monet, 1840-1926) - Pittore francese, uno dei fondatori dell'impressionismo.

Quando il ragazzo aveva cinque anni, la famiglia si trasferì in Normandia, a Gavr. Sulla costa del mare, la Normandia Monet ha incontrato Ezhen Budanene, un famoso lettore paesaggista e uno dei sovrani impressionanti dell'impressionismo. Budy ha mostrato un giovane artista qualche opera pittoresca dalla natura

L'immagine "Sulla via della Senna" (Bennecourt, 1868), questo è un primo esempio di un impressionismo prigioniero, in cui l'uso dell'immaginazione abile e del risveglio degli oli è stato presentato come prodotto finito dell'arte.

Deluso nell'arte tradizionale, che è stata insegnata nelle scuole d'arte, nel 1862 Monet entrò nell'Università che prende il nome da Charles Gleira a Parigi, dove incontrò Pierre-Auguste Renoir, Frederico Basil e Alfred Sisley. Hanno condiviso gli altri nuovi approcci all'arte, l'arte degli effetti dell'immagine della luce in uno stile di stile chiara con una violazione della combinazione di colori e dei tratti veloci, il fatto che in seguito è diventato noto come impressionismo. Immagine con un ritratto di Camilla Monet o "Donna in un vestito verde" (La Femme e La Robe Verte), scritta nel 1866, l'ha portata riconoscimento ed è stata una delle tante opere raffiguranti la sua futura moglie, Camillas Donsen; Un anno dopo, ha posato per le foto di "donne nel giardino" e "sulla via della Senna" (Bennecourt, 1868).

Dopo l'inizio della guerra di Franco Prussia (19 luglio 1870), Monte ha trovato un rifugio in Inghilterra nel settembre del 1870, dove ha studiato le opere di John Conspybla e Joseph Mallord William Turner, i cui dipinti di paesaggi diventano fonte di ispirazione per Monet Innovation in uno studio a colori.

"Impressione. Sun Ascendente ", 1872, Museo Monet Marmotan, Parigi

"Kapuchin Boulevard", 1873

"Porto"

"Stagno con gigli", 1899g., Galleria nazionale, Londra

"Regata ad Arzhate", 1872, Museum Orsay, Parigi

"Frog", 1869, Museo Metropolitano, New York, USA

"Donne in giardino", 1866-1867, Museo Orsay, Parigi, Francia

"Spiaggia a Purville", 1882, Museo Nazionale della Polonia, Poznan, Polonia

"Gigli d'acqua", 1915

Jacob Abraham Camille Pissarro (Franz. Jacob Abraham Camille Pissarro, 10 luglio 1830, Isola di Saint Thomas - 12 novembre 1903, Parigi) - Pittore francese, uno dei primi e più coerenti rappresentanti dell'impressionismo.

Pizarro ha iniziato come uno studente Camilla Coro. In questa selezione dell'insegnante ha già colpito l'amore innato dell'artista alla pittura del paesaggio. Ma non meno attenzione all'inizio del suo percorso creativo Camille Pisilo paga il disegno. Già nei primi lavori, l'artista ha prestato particolare attenzione all'immagine degli oggetti illuminati nell'aria. La luce e l'aria sono diventati il \u200b\u200btema principale nel lavoro di Pisarro.

A poco a poco, Pisarro cominciò a essere liberato dall'influenza del Coro, il suo stile maturato. Dal 1866, la tavolozza dell'artista diventa un accendino, il dominante della sua trama diventa lo spazio permeato di luce solare e aria leggera, e le peculiari toni neutrali del coro scompaiono.

Lavoro, glorificato da Pisarro, è una combinazione di trame tradizionali del paesaggio e attrezzature insolite nel disegno di oggetti luminosi e illuminati. Immagini di Pizarro maturo scritto con tratti densi e riempito con la sensazione fisica della luce, per esprimere il quale ha cercato.

Pissarro ha avuto una forte influenza sugli impressionisti, avendo indipendentemente generando molti principi basandosi sul loro stile di pittura. Era amico di tali artisti come Degas, Cezanne e Gajn. Pizarro è l'unico partecipante in tutte e otto le mostre di impressionisti.

"Montmartre Boulevard. Pomeriggio, soleggiato. " 1897.

Autoritratto, 1873.

Neo-Simepressionism.

Paul Signac (Fr. Paul Signac, 11 novembre 1863, Parigi - 15 agosto 1935, Parigi) - Gradi francesi-Postimigressisticistero, rappresentante della direzione del poentonismo.

Nel 1882, a Parigi e Bretagna iniziò a scrivere immagini sotto l'influenza degli impressionisti, principalmente Monet. Nel 1884, partecipa alla creazione di una "Società di artisti indipendenti", dove ha incontrato George Siera, con cui nel 1889 sviluppò la pittoresca tecnica della punctivity, anche se all'ultima mostra di impressionisti dei suoi dipinti rifletteva l'estetica della divisione.

Nella vita, l'artista era un classico riconosciuto. Nel 1911, gli è stato assegnato l'ordine della Legione onoraria.

Les andelys (1886)

Femme Lisant (1887), Museo Orsay, Parigi. Olio, albero

Château de Comblat (1887), Museo di Liegi, Belgio

La Bouée Rouge (1895) Orsay Museum

L'Orage, (1895) Musée de l "Annonciade,

Le Phare D'Antibes, (1909)

Pospressionismo.

Paul Cezanne (p. Paul Cézanne) è un artista francese, un rappresentante luminoso del postmentalismo.

Paul Cesann è nato in Francia il 19 gennaio 1839 nella città di ex-en-Provence nella famiglia di un ricco borghese. Al college, Borbon, in cui ha studiato, Paul divenne amico del futuro famoso scrittore Emil Zol. Paolo ha studiato il diritto all'Università di Exce, ma non si è laureato per il corso, decidendo interamente per dedicarsi alla pittura.

Dopo un breve studio presso la Scuola di Belle Arti, Ex-en-Provence Cesanne è andato a Parigi, dove ha incontrato Camiel Piserro, Pierre-Auguste Renoir, Claude Mona e Alfred Siseli. Insieme a loro, ha partecipato alla prima mostra di impressionisti nel 1874 nello studio fotografico di Nadar a Parigi.

Le opere di Cezanne portano l'impronta della vita interna dell'artista. Sono pieni di energia interna di attrazione e repulsione. Le contraddizioni erano originariamente peculiari del mondo mentale dell'artista e delle sue aspirazioni artistiche. Il temperamento meridionale fu combinato nella vita familiare Cezanna con pinnacolo e ascetismo, prevenzione - con tentativi di liberarsi dal temperamento delle tradizioni religiose. Fiducioso nel suo genio, Cezanne tuttavia era sempre ossessionato dal timore del fatto che non avrebbe trovato mezzi accurati per esprimere ciò che ha visto e voleva esprimere nella foto con la pittura della pittura. Ha sempre raccontato l'incapacità di "attuare" la sua visione, tutto il tempo dubitava di essere in grado di farlo, e ogni nuova immagine è diventata sia una confutazione che una conferma di questo.

Ragazza del pianoforte (Overture to "Tangseyzer"). OK. 1868. Eremo, San Pietroburgo

Bouquet di fiori in un vaso blu. 1873-1875. Eremo, San Pietroburgo

Il ponte su Marla nel torrente (Marn Bank). 1888-1894. GMI loro. A. S. Pushkin, Mosca

Fumatore. 1890-1892. Eremo, San Pietroburgo

Mount St. Victoria. 1897-1898. Eremo, San Pietroburgo

Vincent Villem van Gogh (Nonverlo. Vincent Willem van Gogh, 30 marzo 1853, Grottoes-Sunting, vicino a Breda, Paesi Bassi - 29 luglio 1890, Over-sur-Uz, Francia) - Artista di laurea in tutto il mondo olandese.

Nel 1880, Van Gogh ha fatto appello all'arte, ha visitato l'Accademia delle Arti a Bruxelles (1880-1881) e Antwerp (1885-1886), godendo le punte del pittore A. Mauwe a L'Aia, con hobby, miniere dipinte, contadini , Artisans. In una serie di dipinti ed etuti della metà del 1880. ("Peasantkaya", 1885, Museo di Kleller-Muller, Otterlo; "Eterie di patate", 1885, Museo di Stato di Vincent van Gogh, Amsterdam), scritto nella gamma pittoresca oscura contrassegnata con la percezione dolorosa della sofferenza e dei sentimenti della depressione L'artista ha ricreato opprimente l'atmosfera delle tensioni psicologiche.

Nel 1886-1888, Van Gogh visse a Parigi, ha visitato il prestigioso studio d'arte privata dell'insegnante P. Kormon famoso per tutta l'Europa, ha studiato il dipinto dell'impressionismo, incisione giapponese, lavori sintetici del campo di Gaugaen. Durante questo periodo, la palette di Gogh di Wan divenne leggera, il colletto della terracotta è scomparso, puro blu, giallo dorato, toni rossi, caratteristici di lui dinamico, come se il jogging striscio ("ponte sulla Senna", 1887, Museo di Stato Vincent Van Gogh, Amsterdam; "Papà Tangi", 1887, Museo di Roden, Parigi).

Nel 1888, Van Gogh si è trasferito ad Arles, dove fu definitivamente determinato dall'originalità del suo modo creativo. Temperamento artistico artistico, doloroso correre per armonia, bellezza e felicità e, allo stesso tempo, la paura delle forze dell'uomo ostile, trova la forma di realizzazione dei paesaggi del Sud che brillano da pitture solari ("vendemmia. Valle di La Cro", 1888, Stato Museo Vincent Van Gogh, Amsterdam), poi nel sinistro, che ricorda l'incubo delle immagini ("Cafe da notte", 1888, Museo del Kleller-Muller, Otterlo); La dinamica del colore e dello striscio riempie la vita spirituale e il movimento non solo la natura e abitando la sua gente ("vigneti rossi ad Arle", 1888, Museo di Stato di Belle Arti nominata come Pushkin, Mosca), ma anche articoli inanimati ( "Camera da letto Van Gogh a Arles, 1888, Vincent Van Gogh State Museum, Amsterdam). Nell'ultima settimana della sua vita, Van Gogh ha scritto la sua ultima e famosa immagine: un campo di grano con Corona. Era la prova della tragica morte dell'artista.

Eugene Henri Paul Gaugen (7 giugno 1848 - 8 maggio 1903) - Pittore francese, scultore-ceramista e programma.

Insieme a Cezanne e Van Gogh, era il più grande rappresentante del postopressione.

All'inizio del 1870 iniziò a impegnarsi a dipingere come dilettante. Il primo periodo di creatività (sotto l'influenza di Pissarro) è associato all'impressionismo. Dal 1880, ha partecipato alle mostre di impressionisti. Dal 1883, un artista professionista.

Test dall'infanzia trascorsa in Perù (sulla madre della madre), bramoso per luoghi esotici e considerando la civiltà "malattia", Gauguin, assetato di "unire con la natura", nel 1891 foglie per Tahiti, dove viveva in Papeete e dove lui scrive nel 1892 fino a 80 tele. Dopo un ritorno a breve termine (1893-1895) in Francia, a causa della malattia e dell'assenza di fondi, foglie per Oceania per sempre - prima a Tahiti, e dal 1901, all'isola di Khiva Oa (Isole Marchese), dove Si prende un giovane tahitiano e funziona in piena forza: scrive paesaggi, storie, opere di un giornalista. Su quest'isola, muore. Nonostante le malattie, la povertà e la depressione, che lo hanno portato al tentativo di suicidio, le migliori opere di hogen hanno scritto esattamente lì. Osservazione della vita reale e della vita dell'Oceania La gente è in loro con loro con i miti locali.

Donna da cucire (1880)

Cristo giallo (1889)

Donna con fiore (1891)

Lo spirito dei morti non dorme (1892)

Sei geloso? (1892)

Divertente spirito malvagio (1894)

Da dove veniamo? Chi siamo noi? Dove stiamo andando? (1897-1898)

Più mai (1897)

Francois Auguste Rene Roden (p. François-Auguste-René Rodin) (12 novembre 1840 - 17 novembre 1917) - Il famoso scultore francese, uno dei fondatori dell'impressionismo nella scultura.

Auguste Roden è nato a Parigi. Ha studiato alla scuola di Parigi di disegno e matematica, iscrivendo lì, contrariamente ai desideri del Padre e Antoine Bari nel Museo della storia naturale.

Nel 1864, il primo lavoro di Rodna - "un naso rotto" è stato respinto al salone di Parigi, mentre inseguiva la sfida ai canoni accademici della bellezza. Inoltre, Roden non è stato accettato nella Scuola di Belle Arti, e dal 1864 al 1870 ha lavorato nel laboratorio A.Karie-Belleza durante la produzione severica, guadagnando la creazione di una scultura decorativa.

scultura "pensatore"

"Cittadini cale". Museo di Roden a Philadelphia

Statua d'onore de Balzac. Museo di Roden a Philadelphia

"Gate Hell" del Museo di Rodin a Philadelphia

Un uomo con un naso rotto. Museo di Roden a Philadelphia

Theofile-Alexander Steinlen (fr. Théophile-Alexandre Steinlen; 10 novembre 1859, Losanna - 14 dicembre 1923, Parigi) - Artista francese e svizzero, programma e illustratore, lavorando sia in stile realistico che in stile moderno.

T.-a. Steinlen è diventato famoso grazie ai suoi poster di Parigi creati da circa il 1900, le sue scene della vita notturna di Montmartre e, naturalmente, la sua immagine "gatto" e il grafico che lo ha reso il nome. Altri bordi del talento dell'artista sono meno conosciuti: il suo dipinto, la scultura e la grafica dedicati agli eventi della prima guerra mondiale, in particolare gli eventi in Serbia e Belgio. Steinlen era autodidatta, e tuttavia, erede alle ricche tradizioni artistiche. Le sue opere ritiene l'influenza della creatività di Delacra, Domier, Dore e dell'uomo. Tale diffusa e la popolarità che Steinlen fece le opere a Parigi nel tempo di Belle Epoque, ha reso l'artista dalla figura centrale nell'artista europeo dell'inizio del XX secolo; Sono diventati fonte di ispirazione per numerosi maestri d'avanguardia, tra cui Picasso

Aristide Brian: à la Villette

Anatole Francia

Suzanna Valadon.

Georges Khorutlen: une canaille

Salva la Serbia!

Bevi latte bollito!

Cover Book Eugene Buffe "La mia vita, il mio amore, le mie avventure" lavora Steinlen

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