Arte di 1 metà del 19 ° secolo. Arte della prima metà del XIX secolo

Pittura della prima metà del XIX secolo La prima metà del XIX secolo è una pagina luminosa nella cultura della Russia. Tutte le direzioni sono dipinge, letteratura, architettura, scultura, il teatro di questa epoca è segnata dall'intera costellazione dei nomi che hanno portato la fama mondiale all'arte russa.

La pittura nella prima metà del XIX secolo ha avuto maggiore importanza nella società. Lo sviluppo di un'autocoscienza nazionale causata dalla vittoria nella guerra patriottica del 1812, ha sollevato l'interesse della gente alla cultura nazionale e alla storia, ai talenti domestici. Di conseguenza, durante il primo quarto di secolo, le organizzazioni pubbliche sono emerse per la prima volta, il compito principale è stato lo sviluppo delle arti: la società libera degli amanti della letteratura, delle scienze e delle arti, della società della promozione degli artisti. Apparvero riviste speciali, sono stati fatti i primi tentativi di raccogliere e mostrare l'arte russa. Un piccolo "museo russo privato" P. sinno ha acquisito fama, e nell'Ermitage imperiale nel 1825 è stata creata una galleria russa. Nella pratica dell'Accademia delle Arti dall'inizio del secolo, sono entrate mostre periodiche, che hanno attratto molti visitatori. Allo stesso tempo, c'è stato un grande risultato per l'ammissione a queste mostre in determinati giorni di persone semplici.

All'inizio del XIX secolo, il classicismo ha svolto un ruolo significativo nella pittura. Tuttavia, del 1830, questa direzione perde gradualmente la sua importanza sociale, e sempre più si trasforma in un sistema di canoni e tradizioni formali. La novità delle opinioni ha portato il romanticismo nell'arte russa - il flusso europeo in corso alla svolta dei secoli XVIII XIX. Uno dei principali postulati del romanticismo, il classicismo opposto, l'approvazione della personalità di una persona, dei suoi pensieri e della visione del mondo come un importante valore nell'art. Il consolidamento del diritto di una persona all'indipendenza personale ha dato origine a un interesse speciale nel suo mondo interiore e allo stesso tempo prevedeva la libertà della creatività dell'artista. In Russia, il romanticismo ha acquisito la sua peculiarità: all'inizio del secolo aveva un colore eroico, e durante gli anni della reazione Nikolaev - tragica. Avere la propria caratteristica, la conoscenza di una persona in particolare, il romanticismo divenne la base per la successiva origine e la formazione di una direzione realistica approvata nell'arte nella seconda metà del XIX secolo. Una caratteristica caratteristica del realismo era di appello al tema della moderna vita nazionale, approvazione dei nuovi argomenti dell'arte della vita dei contadini. Qui, prima di tutto, è necessario notare il nome dell'artista A.G. Venezianova. Le scoperte più realistiche della prima metà del XIX secolo sono state riflesse negli anni in opera di P.a. Fedotova.

Nella prima metà del XIX secolo nell'arte russa della prima metà del XIX secolo, la pittura ritratto è caratterizzata. Il ritratto russo è il genere della pittura, che gli artisti associati più direttamente con la società, con contemporanei eccezionali. La pittura ritratto fiorente è associata alla ricerca di nuovi principi di creatività artistica e la diffusione del romanticismo in Russia. Il romanticismo è inerente al ritratto di artisti o.a. Kiprensky, v.a.tropinina, KP Brullova. I ritratti più famosi di questa volta - Kiprensky O.a. e Tropinin v.a. Kiprensky o.a. "Autoritratto" Tropinin v.a. "Autoritratto", 1846

Kiprensky o.a. (). Pagina speciale in pittura russa - ritratti femminili dell'artista. Ognuno dei suoi ritratti cattura la penetrazione nelle profondità spirituali dell'immagine, l'unica originalità dell'aspetto, magnifiche competenze performanti. Ritratti E.S. ha ricevuto la più grande fama. Avdulina (1822), E.A. TV (1828), D.N. Coda (1814). Uno dei vertici della creatività dei minerali Adamovich Ritratto di E.P. Rostopchina (1809). Ritratto di E.S. Avduchina Ritratto di E.a.telosovoy Ritratto di D.N.Hvostovaya Ritratto di E.P.Rotopchina

Il famoso ritratto del poeta A.S. Pushkin (una delle migliori vite) pennelli kiprensky. Il poeta stesso ha scritto su questa immagine: "Se stesso, come allo specchio, vedo. Ma questo specchio mi batte. " Ritratto del colonnello Gusar Life-Gusar E.V. Dodavydova (1809). L'immagine di Davydov, creata dal cyprosen, appare al pubblico un simbolo dell'era delle guerre con Napoleone, alla vigilia della Guerra Patriottica del 1812.

Tropinina Vasily Andreevich (). Figlio di Serf, Serfs fino al 1823. La capacità di disegnare dipingere si è manifestata nell'infanzia, ha studiato all'Accademia delle Arti di San Pietroburgo, ha mostrato un brillante successo nei loro studi, ha ricevuto una medaglia d'argento e oro. Ma Barin lo mandò alla tenuta ucraina, dove l'artista visse per circa 20 anni, impegnata nella pittura, costruita e dipinse la Chiesa. Tropinin v.a. Scrisse un enorme numero di ritratti e non solo persone famose e famose, ma anche rappresentanti del popolo. Un'attenzione particolare è pagata dai ritratti a vita del grande poeta A.s. Pushkin e dell'eroe della guerra patriottica del 1812, I.P. Bagrition. "Ritratto di Bagrazione P.I." "Ritratto di A.S. Pushkin", 1827

In ritratti di contemporanei, persone del popolo, l'artista mostra la bellezza interiore di una persona. Quindi, nella pittura "Lacy" Tropinin v.a. Era possibile trovare una rara armonia della bellezza fisica e morale, certezza sociale del tipo di ragazza del popolo e della poesia dell'immagine. La "vista la" è caratteristica del dipinto russo del poro esperto: le tradizioni del XVIII secolo sono intrecciate qui con i segni della nuova era. "Ragazza con una pentola di rose", 1820 "Chitarrista", 1823 "Laneby", 1823 "Golder", 1826

Karl Pavlovich Bulllov () era uno dei più luminosi, e allo stesso tempo un artista contraddittorio in pittura russa del XIX secolo. Bryullov aveva un talento brillante e indipendentemente dai pensieri. Brusato in famiglia dell'artista, poiché l'infanzia è stata entusiasta di pittura, all'età di 10 anni è andata a studiare all'Accademia delle Arti. Nel 1822, Karl Brullov andò a Roma per studiare l'arte dei Maestri del Rinascimento. "Autoritratto", 1834 "Autoritratto", 1848 "Ritratto della contessa Yu. P. Samoilova con il ricevimento della figlia di amacilia Pacini" "Ritratto di Alexei Tolstoy" ", 1832

Nel periodo italiano della creatività, i bullelli hanno pagato un luogo significativo per la pittura ritratto, ha scritto il famoso "cavaliere" del ritratto di pittura. Nel quadro "Italiano mattina", si voltò a grafici storici e mitologici, ma alla scena quotidiana dell'annata. Nel 1836, Karl Pavlovich Bullylov diventa professore della Accademia delle Arti di San Pietroburgo, insegna all'Accademia, durante questo periodo ci sono anche circa 80 ritratti. "Clearing Svetlana", 1836 "Cavaliere", 1832 "Italiano mezzogiorno", 1832 "Ritratto di Sorelle di Shishmaryov, 1839

Il più alto dell'Accademia era considerato un genere storico. Le migliori opere di questo genere erano opera di K.P. Brullov, incluso l'ultimo giorno di Pompei ". Questa immagine è un brillante esempio di arte accademica, ma gli elementi del romanticismo sono già visibili.

La storia della creazione di un'immagine "L'ultimo giorno di Pompei". Nel 1827, in una delle tecniche, l'artista incontra la contessa Julia Pavlovna Samoylova, che è diventata un ideale artistico per lui, amico e amore più stretti. Insieme a lei, Karl parte per l'Italia per ispezionare le rovine delle antiche città di Pompei e Herkulanum, che sono morte a causa dell'eruzione del vulcano nel 79 N. e. Una descrizione impressionante del testimone oculare della tragedia dello scrittore romano Plinia Jr., Brialov ha capito che ha trovato l'argomento per il suo prossimo lavoro. Per tre anni, l'artista ha raccolto il materiale nei musei archeologici e sugli scavi in \u200b\u200bmodo che ogni articolo scritto sulla tela corrispondasse all'era. Tutto il lavoro sull'immagine è durato sei anni. Nel processo di lavoro sull'immagine, sono stati fatti molti schizzi, schizzi, etuti e la stessa composizione è stata ricostruita più volte. Quando a metà del 1833, il lavoro è stato presentato al pubblico in generale, ha causato un'esplosione di delizia e adorazione prima dell'artista. In precedenza, nessun dipinto della Scuola russa di pittura non cadeva tale gloria europea. Nel 1834, alle mostre di Milano e Parigi, il successo della foto è stato fantastico. In Italia, Bryulllov è eletto da un membro onorario di diverse accademie delle arti, e a Parigi ha ricevuto la medaglia d'oro. Il successo dell'immagine predeterminato non solo un terreno ben trovato che risponde alla coscienza romantica dell'era, ma anche come Brohlov divide la folla di persone morenti a gruppi locali, ognuno dei quali illustra uno o un altro effetto - Amore, Auto-Sacrificio , Disperazione, avidità. Sponling Tutto intorno al potere, invadendo l'armonia dell'essere umano, ha causato il pensiero della crisi delle illusioni dai contemporanei sulla crisi delle illusioni, sulle speranze impossibili. Questa tela ha portato l'artista in tutto il mondo gloria. Pittura del cliente - Anatoly Demidov - ha presentato il suo re Nicholas I.

Ivanov Alexander Andreevich (GG.) Un posto speciale nel genere storico occupa la tela monumentale A.A.IVANOV "il fenomeno di Cristo al popolo", su cui ha lavorato per 20 anni. Eseguito in conformità con le norme principali della pittura classica, combina ideali di romanticismo e realismo. L'idea principale dell'immagine è la fiducia nella necessità del rinnovamento morale delle persone.

La storia di creare un'immagine "il fenomeno di Cristo alla gente". Nel 1833 (dal 1830 al 1858, l'artista viveva in Italia) Alexander Andreevich sorge una nuova foto monumentale. Questa immagine famosa in tutto il mondo è diventata l'Apogee del suo lavoro, ha rivelato al pieno forte talento dell'artista. Il lavoro sulla foto ha preso tutti i pensieri e il tempo dell'artista; Più di trecento etudi preparatori sono stati eseguiti da schizzi di natura e album, molti dei quali sono diventati lavori indipendenti. Durante il lavoro sulla foto di Ivanov, la letteratura rilega sulla storia, la filosofia, gli insegnamenti religiosi, più volte ripensava l'idea e la trama. In Italia, l'artista era in una seria situazione materiale. Ivanov viveva sui benefici che è riuscito a salire da diverse istituzioni o clienti. Ha salvato su ogni piccola cosa. Quasi tutti i soldi che riuscì a ottenere, Alexander Andreyevich ha speso per il mantenimento di un enorme laboratorio, l'acquisto di materiali d'arte e il pagamento dei simulatori. Dopo diverse interruzioni nel lavoro sulla foto, l'artista lo ha ancora finito entro il 1857. Ma l'immagine "il fenomeno di Cristo alla gente", dimostrato dall'artista dopo il ritorno nel 1857 in Russia, prima nel Palazzo d'inverno, poi all'Accademia delle Arti, è stato accolto abbastanza trattenuto.

A proposito dell'abilità ritratto dell'artista Ivanova A.A. Il ritratto di N.V. Hogola scritto nel 1841, con il quale il pittore ha legato una stretta amicizia. L'immagine del periodo "italiano" della creatività del pittore "il fenomeno di Cristo Mary Maddalene dopo la risurrezione", su cui ha lavorato dal 1834 al 1836. Questa tela è stata inviata a Petersburg, dove ha ricevuto un feedback positivo. L'immagine è stata collocata nella galleria d'arte dell'Hermitage. Il Consiglio dell'Accademia ha apprezzato il lavoro dell'artista, che corrispondeva rigorosamente ai canoni classici e gli ha assegnato il titolo di Accademico.

Autoritratto, 1848 Fedotov Pavel Andreevich (). Il fondatore del realismo critico nella pittura russa. Nei suoi dipinti di genere, i principali problemi sociali espressi. Negli anni ho studiato nel primo Corpo di Cadet di Mosca. Grazie alla sua memoria fenomenale, Paul ha studiato bene, la scienza gli fu data facilmente. Già poi, nei primi anni di studio, Fedotov ha mostrato una spinta per la pittura. Nel tempo, il disegno è cresciuto in passione appassionata. I primi lavori di Fedotov erano associati a un tema militare. Entra nell'Accademia delle Arti. Non ha accettato pienamente la fede di tutto ciò che è stato insegnato all'Accademia, che ha portato alla formazione del proprio sguardo al dipinto diverso dai canoni congelati del accademismo. Entrando in rassegnazione, l'artista ha creato le opere di talento delle direzioni sociali, mostrando la posizione critica dell'autore in relazione alla realtà.

"Fresh Cavalier", 1846 "Bride personale", 1847 Il primo lavoro dell'artista Fedotova P.A., scritto da petrolio - "fresco cavalier" - si riferisce al 1846. Mi è piaciuto questo dipinto di genere e professori accademici e uno spettatore democratico. Un anno dopo, Fedotov ha scritto un altro dipinto "Smontaggio della sposa". Con la partecipazione diretta di Bryullov, questi due dipinti sono stati adottati presso la mostra accademica del 1847.

"Orario di guardia del Major", 1851 per la successiva immagine del "Guardata del Major", il Consiglio dell'Accademia ha assegnato Pavel Andreevich il titolo di Accademico. Ritratti, di cui "Ritratto di N. Zhdanovich si distingue", scritto nel 1849, ha occupato un posto importante nel lavoro di Fedotov. "Ritratto di N. Zhdanovich per pianoforte", 1849

Venetsianov Alexey Gavrilovich (), l'investigatore del genere domestico della famiglia (pittura di genere). I suoi dipinti hanno poeticizzato la vita di un semplice popolo russo dedicato al lavoro quotidiano e la vita quotidiana dei contadini. "Autoritratto", il 1811 è nato a Mosca, nella famiglia mercantile. Ha studiato in una casa d'imbarco privata, servita nel Dipartimento di Mail, dall'infanzia che amava la pittura. Era uno studente del famoso artista V.l. Borovikovsky. Nel 1811, A.G.Vetsianov è stato eletto accademico Academica San Pietroburgo Academy of Arts.

Nel 1818, VenetsOnov lascia il servizio civile, sposati e foglie con la sua famiglia nella tenuta di Safonkovo, che apparteneva alla sua nuova moglie. Era qui che, lontano dal trambusto della città di Alexey Gavrilovich trova il tema principale del suo lavoro. Venetsanova apre una fonte inesauribile di ispirazione, una varietà di grafici e immagini. L'enorme contributo di Alexei Gavrilovich Venetsianov allo sviluppo del dipinto russo è la creazione della loro scuola, il suo metodo. Dai ritratti privati \u200b\u200bdi contadini, l'artista arriva a magnifica composizioni d'arte in cui una vita popolare, la sua aura, trova un'espressione multi-tempo per lei. Nel 1822, il lavoro dell'artista A.G.VeteCianova era rappresentato dall'imperatore. Per lei, il pittore ha ricevuto mille rubli, e il lavoro stesso fu collocato nella stanza del diamante del palazzo invernale. È stata chiamata l'immagine "purificazione delle barbabietole". Questa tela è diventata una specie di "punto di svolta" nel dipinto russo, l'emergere di una nuova direzione nell'arte russa del genere della famiglia. Era Venetsianov che ha raggiunto la popolarità di questa direzione della pittura nella gente.

Nel 1820, Alexey Gavrilovich ha scritto diverse piccole immagini, i cosiddetti "ritratti contadini", raffiguranti le ragazze con il midollo del latte, poi con obliquo, con barbabietole, con fiordalisi, poi un ragazzo con un'ascia o si addormenta sotto il Albero, poi un uomo anziano o una vecchia. "Ragazza nella sciarpa", 1810 Zakharka "ragazza con un miliardo di latte", 1824 un contadino con fiordalisi.

"Sulla terra arabile. Primavera." 1820 nella vendemmia. Estate. Va notato la peculiarità delle immagini del contadino, caratteristica di molti dipinti dell'artista: la loro magy, calma dignità, un'espressione aziendale di individui. Il prototipo del contadino per il dipinto "su Arable Land. Primavera "servito come moglie dell'artista. È una donna giovane e sottile in un lungo prendisole che conduce sul campo di due cavalli. Nessuna immagine meno conosciuta "sulla vendemmia. Estate". Questo lavoro si distingue per l'armonia delle immagini artistiche: l'amore di Venetinov per il contadino del lavoro ha permesso di ritrarre la vera bellezza.

Controlla la conoscenza: 1. Quali direzioni d'arte coesistevano nella pittura nella prima metà del XIX secolo: a) Classismo, sentimentalismo, realismo b) realismo, astrazione, sentimentalismo c) classismo, romanticismo, realismo 2. Quali artisti hanno scritto un ritratto di come Pushkin che il poeta disse: "Se stesso, come allo specchio, vedo. Ma questo specchio mi lusinghiero ": a) cyprinen b) Tropinina d) Venetsians 3. Quale degli artisti della prima metà del XIX secolo è il sacerdote doppio del genere domestico del genere della famiglia: a) bullel b) venetsians d) Fedotov 4. Quale degli artisti del primo semestre del XIX di un secolo è il fondatore del realismo critico nella pittura russa: a) Tropinina B) Fedotov c) Ivanov A.A.

Risposte: 1.in) classicismo, romanticismo, realismo 2.a) cyprinen 3.b) veneziano 4.b) fedotov 5.k.p. Bryulllov "L'ultimo giorno Pompei" 6.a.g.vetsianov "su Pashnea. Spring "7.p.a. Fedotov "fresco cavalier" 8.a.a. Ivanov "il fenomeno della gente di Cristo" 9.v.a. Tropinin "Lacy" 10. O.A. Kiprensky "Ritratto di A.S. Pushkin "

La cultura artistica russa nella prima metà del XIX secolo ha raggiunto un alto successo. Era in questo momento quella Pushkin, Gogol, Lermontov, Griboedov, Zhukovsky, le ali sono state create. Questa rapida fioritura della cultura artistica è stata associata all'aumento dell'identità nazionale dei cerchi avanzati della società russa durante la guerra patriottica del 1812. La lotta per la liberazione della madrepatria di un intervento straniero, che ha causato un'ondata di elevati sentimenti patriottici, non poteva non influenzare i fenomeni dell'arte russa.

L'ideologia russa avanzata di questo periodo è stata sotto l'influenza diretta della guerra patriottica del 1812 e del nobile movimento rivoluzionario, che ha avuto luogo nel programma Decembrist.
La guerra patriottica è un'identità folk estremamente altamente sollevata, un senso di patriottismo e orgoglio nazionale. Il carattere della guerra del popolo e gli exploit patriottici del popolo normale russo per molto tempo incatenavano l'attenzione del pubblico avanzato della Russia e ha causato una specie di rivalutazione dei valori estetici: le immagini folk e le storie nazionali occupavano un luogo estremamente significativo in arte russa, incommensurabile con il ruolo episodico che hanno giocato nel lavoro della maggior parte dei maestri. XVIII secolo. Appello alle persone hanno versato nuove forze alla cultura artistica russa. Indicazioni creative avanzate sono state affidata alla cerchia di idee che nominero il nobile pensiero rivoluzionario.

La critica di quel tempo ha indicato la "potente direzione del genio moderno alla nazionalità" in tutte le aree dell'art. "Natura" divenne il problema centrale della cultura russa avanzata del ventesimo e degli anni Trenta del secolo scorso. Anche i pubblici reazionari stavano cercando di sfruttare la nazione, incluso lui nella formula ufficiale della politica governativa ("ortodossia, autocrazia, nazionalità"). Al contrario dell'interpretazione ufficiale della nazionalità in cerchi artistici avanzati, c'era una comprensione completamente diversa, formulata da uno dei progressivi teorici dell'arte all'inizio degli anni Trenta: "Immediatamente sotto la nazionalità, l'animazione patriottica delle arti graziose, Che, nutrire le sue impressioni e i suoi ricordi nativi, riflettono il suo grazioso grazioso nelle sue opere il cielo, la terra nativa santa, le leggende native preziose, le dogane native e la morale, la vita nativa, la gloria nativa, la grandezza nativa ".

La prima metà del 19 ° secolo è una pagina luminosa nella cultura della Russia. Tutte le direzioni sono la letteratura, l'architettura, la pittura di questa epoca sono contrassegnate dall'intera costellazione dei nomi che hanno portato la fama mondiale all'arte russa. Nel XVIII secolo nella pittura russa ha dominato lo stile del classicismo. Un ruolo significativo è il classicismo giocato all'inizio del XIX secolo. Tuttavia, del 1830, questa direzione perde gradualmente la sua importanza sociale, e sempre più si trasforma in un sistema di canoni e tradizioni formali. Tale dipinto tradizionale diventa freddo, arte ufficiale sostenuta dall'Accademia di Arti controllata di San Pietroburgo. Successivamente il concetto di "accademismo" Cominciarono a consumare di designare l'obliquo, strappato dalla vita dell'arte.

La novità delle opinioni portate all'arte russa romanticismo- Il flusso europeo in corso alla svolta dei secoli XVIII - XIX. Uno dei principali postulati del romanticismo, di fronte al classicismo, - approvazione della personalità dell'uomo, dei suoi pensieri e del mondo del mondo come valore principale dell'art. Il consolidamento del diritto di una persona all'indipendenza personale ha dato origine a un interesse speciale nel suo mondo interiore e allo stesso tempo prevedeva la libertà della creatività dell'artista. In Russia, il romanticismo ha acquisito la sua caratteristica: all'inizio del secolo aveva colore eroico, e durante gli anni della reazione Nikolaev - tragico. Allo stesso tempo, il romanticismo in Russia è sempre stato una forma di pensiero artistico, vicino allo spirito dei sentimenti rivoluzionari e winsted.

Avere la propria caratteristica, la conoscenza di una determinata persona, il romanticismo è diventato la base per l'origine successiva e formazione di direzione realisticaAccertarsi nell'arte nella seconda metà del 19 ° secolo. Una caratteristica caratteristica del realismo era di appello al tema della vita nazionale moderna, l'approvazione del nuovo tema dell'arte - la vita dei contadini. Qui, prima di tutto, è necessario notare il nome dell'artista A.G. Venezianova. Le scoperte più realistiche della prima metà del 19 ° secolo si riflettevano nel 1840 nel lavoro di P.a. Fedotova.

In generale, culturale la vita di questo periodo era ambigua e diversificata: Alcune tendenze prevalenti nell'arte sono state sostituite da altri. Pertanto, i ricercatori con una considerazione più dettagliata dell'arte del primo semestre del XIX secolo sono solitamente suddivisi in due periodi - il primo e il secondo trimestre del secolo. Tuttavia, vale la pena notare che questa separazione è condizionale. Inoltre, non è necessario parlare di classicismo, romanticismo e realismo nella sua forma pura durante questo periodo: la loro distinzione, sia cronologicamente, sia sulle caratteristiche non assolute.

La pittura nella prima metà del XIX secolo ha acquisito molta importanza nella vita della società di quanto fosse nel XVIII secolo. Lo sviluppo di un'autocoscienza nazionale causata dalla vittoria nella guerra patriottica del 1812, sollevata l'interesse della gente alla cultura nazionale e alla storia, ai talenti domestici. Di conseguenza, durante il primo quarto di secolo, le organizzazioni pubbliche sono emerse per la prima volta, il compito principale è stato lo sviluppo delle arti. Tra queste organizzazioni erano come Filtro società amanti della letteratura, scienze e arti, società per la promozione degli artisti. Apparvero riviste speciali, sono stati fatti i primi tentativi di raccogliere e mostrare l'arte russa. Così, un piccolo "museo russo" privato P. Svignina ha acquisito nei circoli istruiti, e una galleria russa è stata creata nell'Eremitage imperiale nel 1825. Nella pratica dell'Accademia delle Arti dall'inizio del secolo, sono entrate mostre periodiche, che hanno attratto molti visitatori. Allo stesso tempo, un grande risultato è stato tolleranza per queste mostre in determinati giorni di un popolo semplice, che ha causato, tuttavia, le obiezioni di alcuni critici del diario.

Risultati eccezionali nell'arte russa dell'inizio del XIX secolo caratterizzato pittura ritratto. Un ritratto russo durante tutto il secolo sarà il genere di pittura, che artisti più direttamente associati con la società, con contemporanei eccezionali. Dopotutto, come sai, gli artisti hanno ricevuto un gran numero di ordini da individui da individui.

OEST CYPROSENSKY (1782-1836)

Oest Cyprosensky, uno dei più grandi pittori della prima metà del XIX secolo - Autoritratto (1). L'arte di questo artista, come qualsiasi grande maestro è eterogeneo. Nelle loro aspirazioni creative, il cyprosen è soggetto a l'influenza del romanticismo e del classicismo. Le opere dell'artista di un altro periodo spesso non si preoccupano. Nei migliori dipinti del Cyproshensky c'è una comprensione romantica della persona umana. Nelle loro opere, l'artista dà alle qualità spirituali dell'uomo - Mente, nobiltà, carattere, capacità di riflettere e sentire. Ecco perché nei loro ritratti cyprosen principalmente contemporanei rappresentati o eccezionali - Tra le sue opere, ritratti Pushkin, Batyhkova, Zhukovsky, gli eroi della guerra patriottica del 1812, o i tuoi cari. Galleria dei ritratti, creata da lui, è l'orgoglio dell'arte visiva russa. Subito dopo la fine dell'Accademia delle Arti del Cipriano il tutto è dato alla pittura ritratto. Uno dei migliori lavori allora è apparso un altro giovane artista ritratto di Davydov. (2). Ciroposen ha creato l'immagine del responsabile russo che è caratteristico dell'era - un partecipante alla lotta per l'indipendenza della madrepatria. Nella raccolta emotiva del ritratto e dei suoi colori ricchezza, si manifestava un'elevata abilità pittoresca del Cyprosensky. In altri lavori ritratto e in tutta una serie di disegni a matita, le immagini dell'artista dei partecipanti della guerra, degli ufficiali, della milizia, con i quali è stato personalmente familiare. Nell'intero lavoro del ritratto del ciprosen, insieme alle caratteristiche dei tassi romantici, chiaramente colpisce il desiderio di una divulgazione realistica della psicologia umana.Interessi eccezionali è ritratto di A. S. Pushkin (3), impresso sinceramente per le generazioni future l'immagine del grande poeta. Il significato del ciprosen, un sottile riverman e colourista, nell'arte russa della prima metà del XIX secolo è enorme.

I contemporanei hanno confrontato il suo lavoro con generi di poesia lirica, dedizione poetica agli amici, che era ben distribuita in tempo di Pushkin. I ritratti Kiprensky sono sempre dotati di pensieri profondi, sembrano sbirciare nel mondo. Cipriansky ha ampiamente rivelato per se stesso nuove opportunità nella pittura. Tutti il \u200b\u200bsuo ritratto si distingue da un nuovo edificio pittoresco, la luce e l'ombra con competenza selezionate, una varietà di contrasto - "Ragazza napoletana con frutta" (4), "Gypsy con un ramo di Mirta" (5), "Ragazza in una ghirlanda di papavero con un garofano in mano (Maruochka)" (6), "Giovane giardiniere" (7), "Ritratto di EP. Rostopchina "(8). Passare sinceramente le singole caratteristiche dei modelli, K. è riuscita a incarnare nei suoi migliori ritratti un sacco di contenuti pubblici, mostrare la dignità umana e la profondità della cultura spirituale del popolo raffigurato: i sentimenti umani viventi sono sempre sentiti dietro la loro tranquillità esterna.

Dopo la sconfitta dei decembrist, la reazione di Nikolaev ha costretto l'artista a lasciare di nuovo nel 1828 in Italia, dove è morto.

Vasily Tropinin (1776-1857) - (9)

Un fenomeno significativo nella storia della pittura russa era la creatività V. Tropinina, meravigliosa artista-realistico., una parte significativa della tua vita ex servo.

Vasily Andreevich Tropinin era persino alcuni anziani Cyprosensky, ma le circostanze avverse detengono lo sviluppo del suo talento per molto tempo.
In quegli anni, quando Cyproshensky ha creato un ritratto di Davydov, che celebra la cima della pittura romantica russa, Tropinin era ancora un sfortunato artista servo nella tenuta ucraina del Conte Morkov e con lezioni di pittura combinate i doveri di conferma e laccato anziano. Secondo il capriccio del proprietario terriero, non poteva completare la sua istruzione presso l'Accademia delle Arti. Gli anni della gioventù della Tropinina sono partiti per auto-insegnati, sovrapposti ostacoli per padroneggiare la capacità tecnica e ottenere competenze professionali. Negli insegnamenti, ha scelto il sentiero che gli artisti - auto-insegnato il suo tempo di solito è stato camminato: ha ostinatamente e ricordato dalla natura e ha copiato i dipinti nelle collezioni di arte privata a cui aveva accesso alle relazioni del suo proprietario terriero. Ha studiato la tecnica della pittura non nel laboratorio accademico, ma sulla propria esperienza e sulle opere dei vecchi maestri, e la vita in Ucraina, mentre l'artista ha parlato in seguito, lo ha sostituito con un viaggio in Italia.

Questo sistema di auto-educazione potrebbe ancora avere alcuni partiti positivi per l'artista con talento fantastico e originale. La libertà dall'insegnamento accademico di routine ha parzialmente aiutato il Tropinino a preservare la purezza e l'originalità delle loro percezioni artistiche nell'immunità. Comunicazione dal vivo con la natura e la conoscenza della vita delle persone, supportata da un lavoro costante con la natura, ha contribuito allo sviluppo di tendenze realistiche inerenti a Tropinine. Ma nei giovani anni, strappati forzatamente dall'ambiente artistico, non ha ancora atteso il livello di compiti avanzati dell'arte del suo tempo. Creatività della Tropinina Anche alla fine del 1810, è più vicino allo stile non con le opere dei suoi pari, ma con l'arte del XVIII secolo.

La lunga tenuta libertà da Serfacean è arrivata solo nel 1823, quando il Tropinino era già quarantasette anni; A questo proposito, c'è un fiorente della sua datazione. Era durante questo periodo che il suo sistema artistico indipendente emerso, un patrimonio peculiamente rielaborato di classicismo e tecniche pittoresche del XVIII secolo, e infine ha preso forma creato da Tropical genere di intimo ritratto domestico.Gli esperti chiamano ritratti di Tropinin "Antipod" al ritratto di Cypresen, dal momento che i suoi dipinti mostrano una persona gratis, relativa, "casa".
"Il ritratto di una persona è scritto per la memoria per lui chiudere le persone, persone che lo amano", ha detto Tropinin stesso; In questa approvazione un po 'ingenua, in sostanza, un intero programma che caratterizza i compiti della Tropinina e il suo atteggiamento verso la realtà. In ritratti Tropininsky trasferiti aspetto intimo, "casa" di persone della sua era; I personaggi del Tropinino non "in posa" di fronte all'artista e al pubblico, ma sono catturati da tali quello che erano nella vita privata, attorno al focolare familiare.
Tropinin ha fatto appello al genere motivati, dedicando immagine di una persona del lavoratore semplice Un certo numero di lavori. Nelle loro opere, presta molta attenzione allo studio della natura - tutti i suoi ritratti sono veritosamente riprodotti l'ambiente della vita, non c'è niente di illecito, fiscale - "Ragazza con una bambola" (10), "il vecchio bilanciere, basato su Knutovishche" (11), "pizzo" (12). I suoi ritratti morbidamente prescritti si distinguono per alti vantaggi pittoreschi e semplicità della percezione, le immagini umane sono percepite dalla caratteristica verità e tranquillità senza eccitazione interna speciale . Alcuni di questi lavori, nonostante il loro carattere realistico abbastanza ovvio, inerente alle caratteristiche del sentimentalismo - "Ragazza con una pentola di rose" (13), "donna nella finestra. (Tesoro) "(14).

Alla fine del 1826, S. A. Sobolevsky, un amico intimo di Pushkin, rivolto a un tropinino con una proposta per scrivere un ritratto del poeta. Attributi "Homeowing" - Accappatoio, colletto di camicia sbottonato, capelli arruffati, sono percepiti non come prova della pericolo intima di positivo, ma, piuttosto, come un segno del "disturbo poetico", con quale arte romantica spesso ha collegato l'idea Ispirazione "Ritratto di Pushkin" (15). Secondo il suo sistema figurativo, il ritratto di Pushkin echeggia con opere del moderno pittura romantico Tropinun, ma allo stesso tempo Tropinin è riuscito a creare un'immagine romantica, non adottata da accuratezza realistica e veridicità dell'immagine. Pushkin è raffigurata seduta, in una posa naturale e rilassata. Una faccia a forma di camicia con bianchezza, il punto colorato più intenso nell'immagine è contemporaneamente il suo centro composito. L'artista non ha sforzato di "abbellire" "il viso di Pushkin e ammorbidire l'irregolarità dei suoi tratti; Ma, in buona fede, seguendo la natura, è riuscito a ricreare e catturarlo alta spiritualità.I contemporanei riconosciuti all'unanimità nel ritratto Tropininsky la somiglianza impeccabile con Pushkin. In confronto con il famoso ritratto di Pushkin, il lavoro del ritratto di Cypresen Tropininsky sembra più modesto e, forse, intimo, ma non inferiore a lui per espressività, né in forza pittoresca.

Nel primo trimestre del XIX secolo, i processi importanti si verificano nella regione Dipinto di paesaggio.Se i paesaggi degli artisti del tempo precedente sono stati ampiamente condizionati e deliberatamente costruiti, e, di regola, sono stati scritti nel laboratorio, senza natura o pochissimi erano collegati con esso, ora i giocatori del paesaggio contribuiscono molto di più verità vitale, osservazione vivente e inizio emotivo. Il posto più significativo qui appartiene, ovviamente, Silvestra è generosa.

Sylvester Shchedrin (1791-1830)

Maestro del romanticismo russo del paesaggio e della comprensione lirica della natura. La creatività del Sylvester Feodosievich Shchedrin era la frontiera del vecchio e nuovo nella storia del paesaggio russo. L'artista ha portato alla perfezione ciò che i suoi predecessori stavano cercando, e segnò l'inizio del nuovo sviluppo realistico del pittura russo del paesaggio. Nelle sue opere colpisce chiaramente lavorare dalla natura. Era il primo dei pittori russi per lavorare sul giocatore. Tutti i suoi paesaggi trasmettere accuratamente la natura. ShchedRin introduce nei suoi paesaggi e negli uomini, ma non più sotto forma di figure senza volto per la scala, come prima, ma le persone vivono effettivamente collegate con la natura. Nelle sue migliori opere, ha superato con successo il sapore condizionale, "museo" e sinceramente stato naturale trasmesso di natura - Le sfumature della luce solare, la foschia blu chiaro ha dato, trabocchi delicati del cielo blu. Era tipico di un sottile senso di natura lirico.

Dopo aver completato l'Accademia delle Arti a San Pietroburgo, nel 1818 arrivato in Italia E vissuto per più di 10 anni. Meritato incredibile in quel momento popolarità negli italiani Coloro che riuscero a comprare i suoi dipinti, a volte dovevano scrivere molte copie delle loro opere di maggior successo, che sono state rapidamente acquistate. Il suo famoso lavoro - "Nuova Roma" Castello del Santo Angelo "(17), Argankment di Mergellina a Napoli (18), Big Harbour sull'isola di Capri (19) e altri superano la tradizione del "paesaggio eroico" e sviluppato all'Accademia delle Arti una comprensione della natura come una ragione per i ricordi storici, contattando la vita, la realtà moderna e la natura reale, generin, allo stesso tempo, in eccesso e l'accademico condizionale Schema della decisione dell'argomento del paesaggio.

Avendo vissuto un breve, ma saturo di creatività, Shchedrin non è mai stato in grado di tornare in Russia. Magnifici paesaggi italiani riflettono tutta la bellezza unica della natura di questa regione, che presentava molti artisti russi del Paradiso - la terra promessa - "Grotta a Firenze" (20), "Paesaggio italiano. Capri "(21)," Moonlight Night a Napoli "(22)," Tipo di Lago Malmy nelle vicinanze di Roma ".

In questa piccola tela appartenente alle migliori creature dei dipinti russi del paesaggio, le caratteristiche principali del nuovo sistema artistico di Shchedrin sono pienamente visibili. "Il tipo di Lago Nemi" è alieno per gli effetti sbagliati che costituiscono la maggior parte della creatura del paesaggio accademico. Nel paesaggio shquedriano non ci sono boschetti classici, niente cascate, né maestose rovine; L'idealizzazione è sostituita da vivo e veritiera ricreando l'immagine della natura. La base del nuovo metodo non è il "saggio" del paesaggio, ma osservazione diretta e accurata della natura.
Una pista stretta, dispersa dai vecchi alberi, va lungo la costa e toglie la vista dello spettatore nella profondità dell'immagine. In primo piano, diverse figure: due contadini che chiacchierano sulla riva, c'è un monaco, e il ragazzo del ragazzo gli conduce a lui. Vedere ulteriormente le calme acque luminose del lago; Nel profondo, coprendo l'orizzonte, il punto culminante è alto, la montagna si rompe. La luce morbida sparsa versa l'immagine attraverso i rami degli alberi sul sentiero sabbioso che cade il rampicchio del sole, l'acqua glitters argento al sole e i padiglioni trasparenti avvolgono gli oggetti ravvicinati e lontani.

Lo spazio di masterizzazione realistico è uno dei principali risultati di generosi in questa immagine. Non c'è né Kulis, né miliari sostanziali che notano. La prospettiva lineare è stata cambiata in aereo. Vero, tre piani tradizionali sono ancora memorizzati nella foto, ma la strada che corre li lega profondamente insieme e rende lo spazio continuo. L'artista non è più soddisfatto dalla vera riproduzione dei singoli dettagli; Cerca l'integrità dell'impressione generale e l'unità organica di tutti gli elementi che compongono il paesaggio. Trasmissione di luce e aria, unità di illuminazioneQuesto elemento vincolante e piani spaziali sono i mezzi principali, grazie a cui l'immagine acquisisce questa integrità.
Il sistema pittoresco sviluppato da generoso sulla base dello studio della natura all'aperto (la cosiddetta pittura plenixa) apre una nuova pagina nella storia del paesaggio. Non sorprende che l'innovazione del Maestro russo non sia stato stimato immediatamente e ha causato proteste di critiche artistiche conservatrici. Gli ideologi dell'arte accademica sembravano che generin "aderito all'imitazione schiava della natura, non permettendo le deviazioni anche a favore dell'elegante". In effetti, l'artista ha deliberatamente rifiutato gli effetti condizionali e fittili, considerati "eleganti" nei circoli vicini all'Accademia delle Arti. Ma, naturalmente, era molto lontano dalla copia passiva della natura. Nella sua foto, non solo catturato la vera apparenza delle rive del lago Nemi, ma anche divulgate con una profonda e vera penetrazione della poesia della natura italiana, la sua calma solare e un'armonia luminosa e pacifica.
L'artista è stato portato via da un altro motivo - una terrazza fu presa con uve con vista sul mare - "Veranda, uva avvolta" (24).

Alexey VenetsOnov (1780-1847) - (25)

Venetian è chiamato il fondatore del genere russo (famiglia) dipinto. Non è vero - aveva predecessori nel XVIII secolo. Ma inizia da Venezianova sollevamento tendenze realistiche In arte russa, accompagnata da attrazioni al mondo delle immagini nazionali e popolari e un aumento di interesse nella vita moderna.

La creatività VenetoNov è penetrata da patriottica e veramente globalismo democratico. L'era dell'ascensore pubblico associata alla guerra patriottica, ha rivelato gli occhi dell'artista sulle profonde qualità morali di una semplice persona russa del popolo, sul suo eroismo e dignità umana. NEL pasantry fortezza russa VenetsOnov - Un artista-umanista - è riuscito a vedere le caratteristiche non schiave, ma, al contrario, il tipo umano più alto.

Meraviglioso russo artista-Gengver e ritrattista Alexey Gavrilovich Venetsanov per la prima volta in pittura russa collegato le immagini dei contadini e della natura nazionale. Veneticians - il creatore dell'intera galleria ritratti contadini - "Cowgirl addormentato" (26).

L'immagine "pulizia del sonno" occupa un posto eccezionale in questo ciclo. Appartiene al numero delle creature più poetiche del Venetian. L'artista con speciale calore e elevazione lirica raffigurati bambini contadini. La pulizia e la chiarezza armoniosa del suo pensiero artistico in quanto è impossibile rispondere ai compiti di ricreazione del mondo dei bambini. Nessuno dei maestri russi del suo tempo ha raggiunto tale penetrazione, tale veridicità acuta e allo stesso tempo un tale potere di una sensazione poetica nell'immagine delle immagini dei bambini e delle esperienze dei bambini. Questo, tuttavia, non esaurisce il contenuto del "sonno pastore". È chiaramente chiaramente e chiaramente eseguito tutte le caratteristiche principali del linguaggio artistico di Venetsianov, l'intero sistema del suo pensiero figurativo, tutti gli aspetti progressivi della sua arte, ma allo stesso tempo storicamente spiegando l'organizzazione del suo realismo. Non c'è alcuna azione nel "sonno shepherd". Un ragazzo contadinato raffigurato nel campo; Si siede sulla riva di un fiume stretto, appoggiato al tronco di una grande vecchia betulla, e dietro di lui nel piano distante del quadro apre un tipico paesaggio russo con una capanna gonfia, rari alberi di Natale e infiniti, fino all'orizzonte, campi. Ma in questa struttura senza complicazioni ha investito profondo contenuto emotivo. L'immagine di Venetsian è stata imbevuta di una sensazione di pace e pace, amore lirico per la natura e l'uomo.
Il tema principale dell'immagine è la fusione armoniosa di una persona con la natura, e veneti, indubbiamente, echeggia qui con sentimentalismo al 17 ° secolo, il XVIII secolo. Nel "pastore" non ci sono tracce di posa deliberata, al contrario, l'intera apparenza del ragazzo addormentato è segnato dalle caratteristiche della naturalezza vivente e rilassata. I veneticiani con cura speciale enfatizza il tipo nazionale russo in esso e dà il suo viso un'espressione di autentica purezza spirituale toccante. La critica a volte rafforzava il Venetoov per una postura un po 'educata del calderone, ma questo rimprovero è ingiusto - è stata la posa del ragazzo postale con il suo particolare deceity, lo stato del sonno ben trasmettendo, testimonia l'etichetta dell'osservazione dell'artista e della vicinanza delle sue immagini al natura vibrante. Un ruolo particolarmente significativo nell'immagine che gioca un paesaggio. Non diventa più uno "sfondo" per l'immagine di una persona, ma un mezzo indipendente ed essenziale nella trasmissione dei sentimenti e nella costruzione di un'immagine. Venetsianov ha specificato nel paesaggio come fondatore della nuova direzione, successivamente ampiamente sviluppato dall'arte russa del XIX secolo. VenetsOnov si rivolse a una natura semplice, "non skywill" del paese nativo e lo ricreava non solo con accuratezza attenta, ma anche con una sensazione lirica profonda.

L'immagine della natura, così come l'immagine di una persona, nell'arte di Venetsanov diventa il corriere di idilliaco globlity.

"Estero sulle carte" (27), "Rinnounzioni" (28), "Pearswoman con obliquo e robella (pelagia" (29), "fibbie" (30), "su terra arabile. Primavera" (31) . Nelle sue opere artistiche, il pittore esprime la sua posizione ideologica ed estetica. Venetian ha mostrato l'appeal spirituale dei contadini, Ho discusso in lui la personalità, difendendo così i suoi diritti umani. Nelle sue opere, raffigurante contadini, l'artista ha cercato di rivelare bellezza spirituale e fisica di un semplice uomo russo. Il pittore profondamente simpatizzato con i dollari contadini, molte forze apprezzate per facilitare la posizione degli artisti del Serf, ma allo stesso tempo lo era lontano dalle critiche sociali. Il lavoro di Venetianov è stato fortemente influenzato da un patrimonio classico: non aveva paura di usare i mezzi del vecchio dipinto nelle sue opere. Allo stesso tempo, essendo un realista per le aspirazioni, era strettamente rispetto per la personalità, caratteristica del romanticismo, insieme a un'elevata armonia dei classicisti. L'ampio fascino del "Padre del genere russo" al tema contadino era per quel tempo con una genuina rivelazione artistica ed è stato accolto calorosamente dalla parte avanzata della società russa.

L'innovazione di Venetsian si è manifestata non solo nel fatto che si rivolse alla cerchia di immagini, nuova in pittura russa, ma anche nel fatto che per la loro incarnazione ha sviluppato nuovi mezzi visivi realistici. Venetciani si sono aperti apertamente con la vecchia arte condizionale dell'Accademia e sollecitato ad imparare dalla vita, alla natura, studialo e imitare lei.

Il significato di Venetsanova è fantastico come insegnante. Nella sua tenuta, Safonkov, ha creato una scuola d'arte, in cui tutta la Pleiad dei pittori, i cosiddetti veneziani hanno ricevuto la formazione. Questi artisti, seguendo le alleanze del loro insegnante, lavorato principalmente nella regione del genere, raffigurante la vita fatta in casa, scene di strada, il lavoro dei contadini e degli artigiani, un paesaggio rustico.

I costi esorbitanti associati alla necessità di tenere la scuola e fornire ai loro alunni, stabilire un pesante fardello per la tenuta. Alla fine, è stato costretto a deporre la tenuta nel Consiglio dei Guardian. Cercando di raddrizzare in qualche modo la situazione finanziaria, Venetsian è stata presa per i clienti. Per la maggior parte, erano ritratti e icone per le chiese. Il 4 dicembre 1847, laureato da schizzi di icone per una delle chiese di Tver, voleva auto-prenderli a Tver. Sulla discesa dalla ripida montagna del cavallo sofferto, Venetsian fu gettato fuori dalla slitta, ed era confuso nel vento. Nel villaggio di Poddubye Troika catturò già il corpo inattivo.

Karl Brollov (1799-1852) - (32)

Karl Petrovich Bryulllov - un eccezionale pittore storico russo, ritrattista, ufficiale del paesaggio, autore di dipinti monumentali; Vincitore di premi onorari: grandi medaglie d'oro per i dipinti "fenomeno di Abramo tre angeli al quercia mamvriano" (1821) e "l'ultimo giorno di Pompei" (1834), forno Anna III laurea; Membro delle Accademie di Milano e del PARM, Accademia di St. Luke a Roma, Professore di San Pietroburgo e Accademie Florinentine di Arti, Accoglienza fresca onoraria dell'Accademia delle Arti di Parigi.

Nella famiglia della scultura ornamentale accademica P.I. Brulilo, tutti e sette i bambini avevano talenti artistici. Cinque figli: Fedor, Alexander, Karl, Paul e Ivan sono diventati artisti. Ma la gloria che cadeva alla quota di Karl, eclissata i successi di altri fratelli. Nel frattempo, è cresciuto un bambino debole e di vanità, sette anni quasi non è finito dal letto ed era esausto con oro così tanto che "divenne oggetto di disgusto per i suoi genitori".

Karl Pavlovich Brullov era uno dei più brillanti, e allo stesso tempo artista contraddittorio In pittura russa del XIX secolo. Bromlov aveva un talento luminoso e pensieri indipendenti. Nonostante le tendenze del tempo (l'effetto del romanticismo), l'artista non poteva liberarsi completamente di canoni classici. Forse è per questo che il suo lavoro è molto apprezzato per quanto lontano dalla Advanced Petersburg Academy of Arts: era il suo studente nella sua giovinezza, e in seguito divenne un meritato professore. Tuttavia, ad eccezione di Fedotov, l'artista non ha avuto studenti significativi nel talento. I suoi seguaci per la maggior parte sono diventati pittori del salone superficialmente, avendo imparato solo alcune tecniche esterne di Bryullov. Tuttavia, durante la vita di Bryullov, o il "Great Charles", come l'elite lo soprannomò, fu onorato non solo in Russia, ma molte persone eccezionali in Europa. Nella seconda metà del XIX secolo, durante il periodo di massimo splendore del realismo, gli artisti e le critiche videro a Bellav solo un rappresentante di una direzione "accademica" inaccettabile. Passarono molti anni prima che l'artista prese il posto giusto appartenente a lui nella storia dell'arte russa.

Bryullov era un uomo di un enorme talento mostrato da lui in un'ampia varietà di generi d'arte. Sviluppo pittura storica russa, ritratto, disegno, pittura decorativa Molti devono essere il suo lavoro. In ciascuno di questi generi, l'abilità virtuoso del meraviglioso artista ha lasciato un segno profondo.
Avendo ricevuto un'educazione iniziale da suo padre, professori dell'Accademia delle Arti, e in seguito nell'Academy stesso, i bulloni dei giovani hanno scoperto eccezionali capacità artistiche.

Come pensionato a Roma e ha studiato il patrimonio classico, ha fatto lavori con opere, in cui non solo la maturità della sua datazione apparve immediatamente, ma anche la fecondità della sua ricerca di espressività realistica dell'immagine artistica. Tali immagini del BOLLOV come "Italiano mattina" (33), "Mezzogiorno" e alcuni altri dedicati alla vita del popolo italiano, chiamati a San Pietroburgo dai difensori del classicismo che rimprovero nell'eccessivo impegno per il giovane artista alla vita reale. Non è stato imbarazzato dal Bandoro, e continuò a lavorare sul suo tessuto più grande "L'ultimo giorno di Pompei" (34), che gli ha portato la fama del miglior pittore dell'era. Avendo fatto un enorme pre-lavoro, ha creato un'epica veramente drammatica, l'elevazione romantica delle immagini dei quali ha fatto un'enorme impressione sui contemporanei. Questa foto era un trionfo dell'arte visiva russa, una testimonianza convincente della sua maturità.

Comprendere l'argomento storico, espresso nell'ultimo giorno di Pompei ", riecheggia direttamente il cerchio delle idee storiche sviluppate dalla letteratura russa avanzata e dal pensiero pubblico dei 1820-1830.
A differenza del precedente dipinto storico con il suo culto di eroi e ha sottolineato l'attenzione su una persona separata, la folla di impersonale opposta, Bandov è stato concepito dall'ultimo giorno di Pompei, come una scena di massa in cui l'unico e genuino eroe sarebbe la gente. Tutti gli attori principali dell'immagine sono quasi uguali espressioni del suo argomento; Il significato dell'immagine è incarnato non nell'immagine di un singolo atto eroico, ma nel trasferimento attento e accurato della psicologia delle masse. Il lavoro sull'ultimo giorno di Pompei "è stato ritardato per quasi sei anni.

L'argomento del dipinto è prelevato dalla storia romana antica.
POMPEY (o piuttosto Pompei) -Star della città romana, situata ai piedi della Vesuvia, - il 24 agosto 79 della nostra era, a causa della più forte eruzione vulcanica, era pieno di lava e allentato con pietre e ceneri. Duemila abitanti (che erano solo circa 30.000) sono morti per le strade della città durante la fuga di panico.
Più di uno e mezzo mila anni, la città rimase sepolta sotterranea e dimenticata. Solo alla fine del XVI secolo, durante la produzione di EarthWorks, un luogo è stato riscontrato accidentalmente, dove si trovava una volta l'insediamento romano morto. Dal 1748, gli scavi archeologici sono iniziati, particolarmente rianimati nei primi decenni del XIX secolo.

Nel centro della foto c'è una figura estesa di una giovane donna che ha rotto con una caduta del carro. Si può presumere che in questa figura, Bhorlov volesse simboleggiare l'intero mondo antico morente; Il suggerimento di tale interpretazione si verifica nelle recensioni dei contemporanei non per caso accanto alla figura centrale della donna uccisa, l'artista ritraeva un bellissimo bambino come un simbolo della forza inesausto della vita. L'immagine è anche un sacerdote pagano e il prete cristiano, come se personifichi il mondo antico in uscita e la civiltà cristiana emergente sul suo relitto.

Essendo un pittore di un grande talento, Bandoro ha distrutto lo stretto quadro di canoni accademici con le loro opere. Le sue opere sono state costantemente differite nel reticolo del piano.
Nel suo lavoro, l'artista è il principale attenzione pagata un uomo, rivelando la forza della sua mente e approvando la nobiltà delle sue aspirazioni. In ogni pezzo di Bryullov, in una qualsiasi delle sue tela e in qualsiasi disegno, amore e rispetto per l'uomo sono invariabilmente incorporati - "Il genio dell'arte" (35), "Narciso, guardando nell'acqua" (36), "Dormire Juno" (37).

Non sta accadendo per raggiungere l'artista e nel campo del ritratto. Bryullov ha portato un'intera serie di immagini dei suoi contemporanei. Insieme ai ritratti ufficiali registrati, ci ha lasciato un certo numero di immagini profonde realistiche di artisti, persone del loro cerchio - scrittori, artisti, attori - "Cavaliere" (38), "Falling Svetlana" (39), "Ritratto di Princess Volkonskaya" (40), "Turkhanka" (41), "Sleep of Monastery" (42), "Glinka's Head" (43).

Alexander Ivanov (1806-1858)

Una nuova e ancora più significativa pagina nella storia della pittura russa è stata opera di Alexander Ivanov. Avendo ricevuto un'educazione artistica a San Pietroburgo, Ivanov come pensionato della società di promozione dell'arte è stata inviata in Italia per migliorare e studiare l'arte classica.
Suo padre, professore presso la pittura storica dell'Accademia delle Arti, nelle tradizioni del classicismo russo, Ivanov ha sentito acutamente il declino di questo stile in nuove condizioni storiche e il collasso anche ha recentemente dominato gli idee e le idee estetiche. Il compito di tutta la sua vita ha stabilito il ritorno all'arte del suo significato sociale. Risultati creativi di grandi artisti classici, secondo il suo pensiero, dovrebbero essere associati alle nuove idee della società russa. "Per combinare la tecnica di Raffaello", ha scritto, "con le idee di una nuova civiltà - questo è il compito dell'arte al momento attuale".

"Il fenomeno di Cristo Mary Maddalene" (44), - Appartiene al primo periodo di creatività Ivanova e ha tutte le caratteristiche delle caratteristiche del classicismo: una composizione in equilibrata, distribuzione di figure e oggetti secondo piani, schemi liscia e colore locale, espressività emotiva nell'interpretazione dei tradizionali argomenti mitologici ed evangelici tradizionali.

La principale importanza per Ivanov ha immagini dell'arte del revival italiano. Completa il primo periodo dell'artista dell'artista "Apolon, giacinto e musica di cipresso e canto" (44a), creato da Ivanov già a Roma, che si distingue per una straordinaria armonia di colore sottile composizione e l'elevazione poetica dell'interpretazione delle immagini antiche MyPH. Questa è un'antichità percepita attraverso il revival. L'artista, come lo era, apre un significato divino nascosto della natura.

Il grande artista russo Alexander Andreevich Ivanov arricchito pittura russa ed europea della profondità del XIX secolo del pensiero filosofico. Nel suo lavoro, Ivanov ha sollevato molti problemi alla sua vita moderna: l'artista è stato il primo in pittura russo sollevato la questione della disuguaglianza sociale delle persone. La sua visione del mondo è stata formata sotto l'influenza del N. V. Gogol, con cui l'artista era amico durante questi anni. Gogol è stato in gran parte influenzato dalle idee di Ivanov sui compiti educativi dell'art. Ivanov realizzato ruolo educativo e profetico dell'artistaCredeva che l'arte debba servire come trasformazione e miglioramento morale dell'umanità. L'artista ha cercato odomono

La crisi del serfom inibisce lo sviluppo del sistema capitalista. Nei circoli secolari, nascono le idee amorose di Windno, la guerra patriottica del 1812, così come le truppe russe partecipano alla liberazione degli Stati europei di Napoleone, la rivolta decembrist nel 1825 contro lo scoramento, tutto ciò influisce sul dipinto.

Qual è il dipinto diverso nell'era di Geniya A.S. Pushkin?

Probabilmente, l'incarnazione degli ideali luminosi e umani della gente che ama la libertà ...

Insieme al classicismo, è stato sviluppato un corso romantico, il realismo è formato.

La romantica direzione del dipinto russo è stata l'inizio dello sviluppo nei decenni successivi - realismo. Così avviene artisti russi, Romantici con la vita reale, che era l'essenza del movimento degli artisti di questo periodo. Le mostre diffuse allo stesso tempo parla della convergenza del popolo russo con il mondo dell'arte, il popolo di tutte le lezioni cerca di visitare le mostre. Si ritiene che l'immagine k.p. Broulova "Ultimo giorno Pompei" ha servito tale riavvicinamento. Il popolo Peter di tutte le classi ha cercato di vederla.

La pittura russa diventa multinazionale, i dipinti acquisiscono sfumature nazionali, portano gli studenti di diverse nazionalità all'Accademia. Ci sono nativi dell'Ucraina, della Bielorussia, degli Stati baltici, della Transcaucasia e dell'Asia centrale qui.

Nella prima metà del XIX secolo, la pittura è rappresentata da tutti i generi: ritratto, paesaggio, natura morta, immagine storica.

Famosi artisti russi nella prima metà del XIX secolo:

Capolavori della pittura russa

• Pittura Bryulllov K.P. "L'ultimo giorno di Pompei"

• Picture Ivazovsky Ik. "Nono albero"

• Immagine di Bruni f.a. "Rame zmiy"

• Immagine di Venetsanov A.G. "Khumno"

• Pittura Tropinin v.a. "Laney"

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I primi decenni del XIX secolo. In Russia, si sono svolti nella situazione dell'ascensore nazionale associata alla guerra patriottica del 1812. Gli ideali di questo tempo sono stati trovati nella poesia del giovane Pushkin. La guerra del 1812 e la rivolta dei decifristi ha determinato in gran parte la natura della cultura russa del primo terzo secolo.

Soprattutto contraddizione acuta del tempo è stata contrassegnata negli anni '40. È stato allora che è iniziata l'attività rivoluzionaria. Erzen, con elementi critici brillanti V. G. Belinsky, controversie appassionate con Western e Slavofili.

I motivi romantici compaiono nella letteratura e nell'arte, che è naturale per la Russia, già più di un secolo coinvolto nel processo culturale paneuropeo. Il percorso dal classicismo al realismo critico attraverso il romanticismo ha determinato la separazione condizionale della storia dell'arte russa della prima metà del XIX secolo. Come per due stadi, il cui spartiacque c'erano gli anni '30.

Molto è cambiato rispetto al XVIII secolo. Nelle arti visive e di plastica. Il ruolo pubblico dell'artista, l'importanza della sua personalità, il suo diritto alla libertà di creatività, in cui i problemi sociali e morali ora hanno sollevato sempre più.

La crescita degli interessi nella vita russa della Russia è stata espressa nella costruzione di alcune società artistiche e la pubblicazione di riviste speciali: "Società gratuita di Literatures, Sciences and Arts" (1801), "Journal of Fine Arts" a Mosca (1807), e poi a San Pietroburgo (1823 e 1825), "Società per promuovere artisti" (1820), "Museo russo ..." P. Swistina (1810) e "Galleria russa" in Hermitage (1825), Scuole d'arte provinciali, come la scuola AV Stupina ad Arzama o A.G. Venezianova a San Pietroburgo e il villaggio di Safonkovo.

Gli ideali umanistici della società russa si sono riflessi nei campioni ad alto costo generale dell'architettura di questa volta e della scultura decorativa monumentale, nella sintesi con quale pittura decorativa e arte applicata, che spesso risulta nelle mani degli architetti loro stessi. Lo stile magistrale di questo tempo è maturo, o alto, classicismo, nella letteratura scientifica, in particolare l'inizio del 20 ° secolo, spesso denominato ampir russo.

Architettura

L'architettura del primo terzo del secolo è principalmente la soluzione di grandi compiti di pianificazione urbana. A St. Pietroburgo, il layout delle principali piazze della capitale è completata: Palazzo e Senato. I migliori ensemble della città sono creati. Soprattutto intensamente dopo il fuoco del 1812, è costruita Mosca. Un ideale diventa antichità nella sua versione greca (e persino arcaica); Cenning eroico dell'antichità ispira gli architetti russi. Viene utilizzato un mandato dorico (o toscano), che attira la sua gravità e laconicità. Alcuni elementi dell'ordine sono ingranditi, di solito riguarda il colonnato e gli archi, viene enfatizzato il potere delle pareti lisce. L'immagine architettonica è un ingranditore sorprendente e la monumentalità. Un ruolo enorme nell'aspetto generale dell'edificio è svolto da una scultura che ha un certo valore semantico. Molto risolve il colore, di solito l'architettura di alto classicismo a due colori: colonne e statue dello stucco - bianco, sfondo - giallo o grigio. Tra gli edifici sono il posto principale sono occupati da strutture pubbliche: teatri, dipartimenti, istituzioni educative, i palazzi e i templi sono molto meno probabili (ad eccezione delle cattedrali registrate sotto la caserma).

"Vista di Stroganovskaya Dacha" (1797, Museo russo, San Pietroburgo)
Big Cabinet S.V. Stroganova, acquerello dall'album della famiglia Stroganov, i 1830.

Il più grande architetto di questo tempo Andrei Nikiforovich Voronikhin (1759-1814) ha iniziato il suo percorso indipendente negli anni '90 con ristrutturazione dopo f.i. Demetsov. interni del Palazzo di Stroganov f.-b. Rastrelli a Petersburg. (1793, mobile minerale, galleria di immagini, corner angolo). La semplicità classica è caratteristica del cottage Stroganovsky sul fiume Nero (1795-1796, non conservato. Per burro del paesaggio "Cottage Stroganova su un fiume nero" , 1797, MRM, Voronikhin ha ricevuto il titolo di Accademico). Nel 1800, Voronikhin ha lavorato a Peterhof, ha adempiuto ai progetti di gallerie alla Buchet Fontana "Sansone" e partecipa alla ricostruzione complessiva di una grande grotta di fontane, per le quali l'Accademia dell'artista fu ufficialmente riconosciuta come architetto. Più tardi, Voronikhin ha spesso lavorato nella periferia di San Pietroburgo: ha progettato un certo numero di fontane per la strada Pulkovskaya, separava il cabinet "torcia" e la lobby egiziana nel Palazzo Pavlovsky,

Cattedrale di Kazan.
Istituto minerario

Ponte di Wiscontal e padiglione rosa nel parco di Pavlovsk. Il principale brainstorming di Voronikhina - Cattedrale di Kazan. (1801-1811). Il colonnato semi-curvo del tempio, che eretto non dalla parte del principale - occidentale, e dal lato - la facciata settentrionale, formava la piazza nel centro della prospettiva Nevsky, trasformando la cattedrale e l'edificio intorno a l'unità urbanistica più importante. Armenia, il secondo è completato dal colonnato, collega l'edificio con le strade circostanti. La proporzionalità del viaggio laterale e gli edifici della cattedrale, il disegno del portico e le colonne di Corinthiann, testimoniano l'eccellente conoscenza delle antiche tradizioni e l'abilità delle loro modifiche nel linguaggio dell'architettura moderna. Nel restante progetto incompiuto del 1811, il secondo colonnato era assunto dalla facciata meridionale e una grande area semicircolare del Western. È stato fatto solo un meraviglioso reticolo di ghisa davanti alla facciata occidentale di fronte alla facciata occidentale. Nel 1813, M.I. è stato sepolto nella cattedrale Kutuzov e l'edificio è diventato una specie di monumento alle vittorie delle armi russe. C'erano banner e altre reliquie, abbattuta dalle truppe napoleoniche. Più tardi, i monumenti di M.I. sono stati consegnati alla cattedrale. Kutuzov e m.b. Barclay de Tolly, eseguito da Sculptor B. I. Orlovsky.

Ancora più rigoroso, il personaggio anticipato ha dato a Voronikhin al monte Cadet Corps (1806-1811, ora l'Istituto montuoso), in cui tutto è subordinato a un potente portico dorico da 12 colonne di fronte alla Neva. Molto gravemente, l'immagine della scultura che decora la sua scultura, perfettamente combinata con la levigatura delle pareti laterali e delle colonne doriche. Cioè Grabar ha correttamente notato che se il classicismo della Catherine Epoch è uscito dall'ideale dell'architettura romana (quarti), poi "Aleksandrovsky" come assomigliava allo stile di pestum allo stato dell'articolo.

Voronikhin - L'architetto del classicismo - molta forza ha dato la creazione di un ensemble urbano, sintesi di architettura e scultura, combinazione organica di elementi scultorei con membri architettonici in grandi edifici e piccoli. La montagna Cadet Corps cerca la vista dell'isola di Vasilsvsky dal mare. Dall'altro lato dell'isola, sulla sua freccia, Tom de Tomon in questi anni costruisce un esemplare di scambio (1805-1810).

Tom de Tomon. (OK 1760-1813), svizzero per origine, venne in Russia alla fine del XVIII secolo, già lavorando in Italia, in Austria, forse dopo aver superato il corso nell'accademia di Parigi. Non ha ricevuto l'educazione architettonica completata, tuttavia, è stato affidato alla costruzione edificio

Vista dello scambio dalla grande Neva

Scambio E ha brillantemente affrontato con il compito (1805-1810). Tomon ha cambiato l'intero aspetto delle frecce dell'isola Vasilyevsky, ponendo il semicerchio della costa dei due letti della Neva, mettendo lungo i bordi colonne del faro rostrale. , formando in tal modo l'area di Exchange Square. Lo scambio stesso ha una forma di un tempio greco - periptera su una base elevata, destinata ai magazzini commerciali. L'arredamento è quasi assente. La semplicità e la chiarezza di forme e proporzioni conferiscono alla costruzione di un maestoso carattere monumentale, rendono la cosa principale non solo nella freccia ensemble, ma anche influenzando la percezione di entrambi gli argini come università e palazzo. La scultura allegorica decorativa dell'edificio della Borsa e delle colonne rostrale sottolinea la nomina di strutture. Il centro dello scambio con un antaincinetto laconico Doric è bloccato da un caesoso arco semi-curvo.

L'ensemble di Exchange non era l'unica conservazione di Tom de Tomon a San Pietroburgo. Costruito in residenze suburbane reali, usando il tipo greco di costruzione qui. L'umore romantico dell'artista è stato pienamente espresso nel Mausoleo "Benefattore del coniuge", eretto dall'imperatrice Maria

Mausoleo Benefattore-Benefattore a Pavlovsk

Fedorovna in memoria di Paul a Pavlovsk Park (1805-1808, una scultura commemorativa è eseguita da Martos). Il mausoleo assomiglia a un tipo arcaico di chiesa-perdonabile. All'interno della sala è anche bloccato da un arco cassonato. Le pareti lisce sono rivestite con marmo artificiale.

Il nuovo secolo fu segnato dalla creazione dei principali ensemble di San Pietroburgo. Laureato della St. Petersburg Academy e dello studente dell'architetto di Parigi J.-F. Shalgrena. Andreyan Dmitrievich Zakharov. (1761-1811), dal 1805 "l'architetto principale dell'ammiragliato", inizia la costruzione Ammiragliato (1806-1823). Riducendo il vecchio edificio Korobovskoye, lo trasformò nel principale ensemble di San Pietroburgo, invariabilmente in piedi nell'immaginazione, quando la città si riferisce alla città e oggi. La soluzione composita di Zakharov è estremamente semplice: la configurazione di due volumi e un volume è incorporata in un altro, di cui la forma esterna, a forma P, separata dal canale da due Fregenel interni, a forma di M nel piano. Il volume interno è la nave e il disegno di workshop, magazzini, agenzie esterne, istituzioni amministrative, museo, biblioteca, ecc. La facciata dell'ammiragliato ha allungato 406 m. Le facce laterali-ali vanno alla neva, la fine centrale in mezzo al trionfo Arco di viaggio con la guglia, che è un castello di composizione e attraverso il quale

Giardino Alexandrovsky e Ammiralty

corre l'ingresso principale all'interno. Zakharov ha mantenuto il brillante piano korobovsky della guglia, mostrando il ritmo e il rispetto della tradizione e seminalo per trasformare nella nuova immagine classica dell'edificio nel suo complesso. La monotonia della facciata quasi del chilometro è rotta dal portico situato in posizione uniforme. In un'unità sorprendente con l'architettura c'è un edificio plastico decorativo, con un significato architettonico e semantico: l'Ammiragliato è l'ufficio marino della Russia, un potente potere marino. L'intero sistema di sculture è stato sviluppato da Zakharov stesso e in modo brillante incorporato dai migliori scultori dell'inizio del secolo. Sopra il parapetto della piattaforma superiore del padiglione della torre, condita con una cupola, raffigurata allegorie di venti, costruzione navale, ecc. Negli angoli della soffitta - riempiti con F. Shchedrine quattro guerrieri seduti nei latte, basati su scudi, Sotto -mominale, fino a 22 m di lunghezza, fregio di rilievo "Installazione della flotta in Russia" I. Terebenev, poi in un'immagine di rilievo piatta di Nettuno, che trasmette Peter Trident come simbolo del dominio sul mare, e in alta rilievo - gloria alata Con Banner - Vittorie Symvari della flotta russa, anche gruppi scultoreli più bassi "Ninfa, holding globi" mentre lo stesso Zakharov li chiamava, pieno di F. Shchedrin. Questa è una combinazione di una scultura rotonda con terreno alto e basso, la statua plastica con composizioni ornamentali di sollievo, questo rapporto della scultura con una gamma fluida del muro è stata utilizzata in altre opere del classicismo russo del primo terzo del XIX secolo.

Zakharov è morto, non vedere l'ammiragliato nella forma finita. Nella seconda metà del XIX secolo. Il cantiere navale del cantiere è stato costruito con profitti, è stato distrutto molto nella decorazione scultorea, che distorceva l'idea originale della Grande Arco della Repubblica.

Le migliori tradizioni dell'architettura domestica erano collegate nell'ammiragliato a Zakharovsky (non è a caso che le sue mura e la torre centrale ricordino a molte delle pareti semplici dei vecchi monasteri russi con il loro dolce campanile) e i compiti più avanzati della pianificazione della città: l'edificio è strettamente correlato all'architettura del centro città. Da qui, prende l'inizio di tre viali: Voznesensky, pisello UL .. Prospettiva Nevsky (questo sistema di radiazione è stato concepito da Pietro). L'ago di Ammiragliato riecheggia alti guglie del Cattedrale di Pietro e Paolo e Castello di Mikhailovsky.

Il principale architetto di San Pietroburgo del primo terzo del XIX secolo. ("Ampury russo") era Karl Ivanovich Rossi. (1777-1849). L'educazione architettonica iniziale di Rossi ha ricevuto nel laboratorio di Brenna, quindi

Palazzo Mikhailovsky (Corpo principale del museo russo)

fatto un viaggio in Italia, dove ha studiato monumenti antichità. L'auto-indipendente il suo lavoro inizia a Mosca, continua a Tver. Uno dei primi lavori a San Pietroburgo -postroika sull'isola di Elagin (1818). Possiamo dire di Rossi che "pensava agli ensemble". Palazzo o il teatro si trasformò in un nodo di pianificazione della città dalle piazze e dalle nuove strade. Quindi, creando. Palazzo Mikhailovsky. (1819-1825, ora il museo russo), organizza la piazza di fronte al palazzo e stabilisce la strada per la prospettiva di Nevsky, e in questo caso, allo stesso tempo, con la sua intenzione con altri edifici vicini - Castello di Mikhailovsky e il Castello di Mikhailovsky e il Castello di Mikhailovsky e il Castello di Mikhailovsky e il Castello di Mikhailovsky e il Castello di Mikhailovsky e il Castello di Mikhailovsky spazio dei campi di Marsov. L'ingresso principale dell'edificio posto nella profondità del cortile anteriore dietro la griglia in ghisa guarda solennemente, monumentalmente, che è facilitato dal portico corinzio, a cui c'è una scala ampia e due rampe.

Costruzione del personale principale sul quadrato del Palazzo

Molto nella decorazione decorativa del Palazzo Rossi si è fatto se stesso, e con un gusto impeccabile - un disegno del recinto, gli interni della hall e la sala bianca, in cui bianco con oro prevaleva, caratteristico di una fiamma, come il dipinto di il Griezaile.

Nella decorazione Piazza del Palazzo (1819-1829) Prima che Rossi si fermò il compito più difficile - per combinare il Palazzo barocco di Rastrelli e la monotona facciata classica della costruzione del personale principale e dei ministeri. L'architetto ha violato la tristezza dell'ultimo arco trionfale che scopre l'uscita in una grande strada marittima per la prospettiva di Nevsky, e ha dato la giusta forma della zona - una delle più grandi tra le aree delle capitali europee. L'arco trionfale, coronato dal carro della gloria, riporta l'intero ensemble di un carattere molto importante.

Uno dei meravigliosi ensemble di Rossi è stato lanciato da lui alla fine del 10 e completato solo negli anni '30 e includeva l'edificio. Teatro Alexandrian. Costruito secondo la più recente tecnologia di quel tempo e con la perfezione artistica rara adiacente a lui piazza Alexandrian, teatrale

Facciata del teatro Alexandrinsky

la strada dietro la facciata del teatro, che ha ricevuto il nome del suo architetto, e la piazza del terrapieno di Fontanka del Fontanka. Inoltre, l'ensemble è entrato nell'edificio socolomico della biblioteca pubblica, modificata Rossi e il Palazzo Palace, costruito dalla Russia nel 1817-1818.

ULTIMA CREAZIONE ROSSI A St. PETERSBURG - edificio Senata. e Sinodo (1829-1834) sulla famosa piazza del Senato. Sebbene si sforza ancora alla portata penzolante del pensiero creativo dell'architetto, che combinato l'arco trionfale di due edifici, separato da una strada di galleria, non dovrebbe essere annotato l'emergere di nuove caratteristiche caratteristiche della tarda creatività dell'architetto e del ultimo periodo di un'ambiguità nel suo insieme: qualche frazione di forme architettoniche,

Senato e Sinodo, San Pietroburgo

sovraccarico con elementi scultorei, rigidità, freddezza e pomposatezza.

In generale, la creatività di Rossi è un campione generale della pianificazione urbana. Come una volta Restelli, lui stesso ha fatto un sistema di arredamento, progettando mobili, creando disegni di carta da parati e ha anche guidato l'enorme squadra di maestri di legno e metallo, pittori e scultori. L'integrità delle sue idee, l'Unified ha aiutato a creare ensemble immortali. Rossi costantemente collaborato con scultori S.S. PenENAL SENIOR AND V.I. Demoust-Malinovsky, gli autori dei famosi carri sull'arco trionfale del principale quartier generale e sculture sull'Alexandria Teatro.

"Il più severo" di tutti gli architetti del tardo classicismo era Vasily Petrovich Stasov. (1769–

Porta trionfante di Mosca.
Narva_vortota.

1848) Sia che fosse una caserma (caserme di Pavlovsk su un Mars a San Pietroburgo, nel 1817-1821), sia che le stalle imperiali ricostruite ("ufficio stabile" sul lavaggio del terrapieno presso la zona stabile, 1817-1823), se le cattedrali di scaffali sono stati eretti (Cattedrale di Izmailovsky, 1828-1835) o archi trionfali (cancelli di Narva e Mosca), o interni emessi (ad esempio. Palazzo d'inverno dopo il fuoco del 1837 o Ekaterininsky Tsarskosksky dopo il fuoco del 1820). Ovunque Stasov enfatizza la massa, la sua severità plastica: le sue cattedrali, la loro cupola merci e statiche, colonne, solitamente ordini dorici, sono impressionanti e pesanti, l'aspetto generale è privo di grazia. Se Stasov resort all'arredamento, è più spesso pesante fregi ornamentali.

Voronikhin, Zakharov, Toma de Tonon, Rossi e Stasov - Petersburg Architects. A Mosca in quel momento, non ha funzionato meno architetti meravigliosi. Nella guerra del 1812, oltre il 70% dell'intera fondazione residenziale della città sono stati distrutti - migliaia di case e più di cento chiese. Subito dopo l'espulsione dei francesi, è iniziato il restauro intensivo e la costruzione di nuovi edifici. Rifletteva tutte le innovazioni dell'Evocazione, ma rimase una tradizione nazionale vivente e fruttuosa. Questa è stata l'originalità della scuola di costruzione di Mosca.

Grande teatro

Prima di tutto, il quadrato rosso è stato cancellato, e su di esso O.i. Bove (1784-1834) sono stati ricostruiti, e in effetti, riecheggiavano la serie di trading, la cupola sulla parte centrale della cui parte era situata di fronte alla cupola del Senato Kazakovsky nel Cremlino. Su questo asse, un monumento a Minin e Pozhassky era un po 'più tardi.

Beauvais si è anche impegnata nella ricostruzione del territorio adiacente al Cremlino, incluso un ampio giardino alle sue mura con una porta dalla strada Mokhovaya, la grotta ai piedi del muro del Cremlino e del Rampus nella Trenity Tower. Bovy crea. ensemble teatrale quadrato (1816-1825), costruendo un grande teatro e legando una nuova architettura con un'antica parete di Kurtkoe. A differenza dei quadrati di Pietroburgo, è chiuso. L'OSIP Ivanovich appartiene anche agli edifici del primo ospedale (1828-1833) e Porte trionfali All'ingresso di Mosca da parte di San Pietroburgo (1827-1834, ora su Cutuzov Avenue), la Chiesa di tutta la gioia addolorata a Big Ordyanka in

Porta trionfale, O.I. Bove

Zamoskvorechye, che bevea attaccata al eretto alla fine del XVIII secolo. Bazhenovy Bell Torre e Refettory. Questa è la chiesa-rotonda, la cui cupola supporta il colonnato all'interno della cattedrale. Il Maestro continuò adeguatamente il caso del suo insegnante Kazakov.

Quasi sempre insieme fermamente lavorato Domenico (Demente Ivanovich) Libolddi (1788-1845) e Athanasio Grigorievich Grigoriev. (1782-1868). Liberadi ricostruita bruciata durante la guerra Cossack Moscow University (1817-1819). Come risultato dei riarrangiamenti, la cupola e il portico diventano più monumentali, dallo ionico trasformato in un dorico. Molti e con successo Liberadi e Grigoriev hanno lavorato in un'architettura maniera ( manor Usacheva. su Jauze, 1829-1831, con il suo splendido scenario; La tenuta di Golitsyny "Kuzminki", i 20 anni, con il suo famoso cortile equestre).

Capodrali usati

Il fascino speciale dell'amplificatore russo è stato trasmesso da noi dagli edifici residenziali di Mosca del primo terzo del XIX secolo: le solenne figure allegoriche sulle facciate che si confondano in modo pacifico - con il motivo dei balconi e delle barisade nello spirito degli usser provinciali. La facciata finale dell'edificio è solitamente allevata sulla linea rossa, mentre la casa stessa è nascosta nel profondo del cortile o del giardino. La composizione della pittura e della dinamica completa, in contrasto con l'equilibrio e l'ordine di San Pietroburgo (Casa del Lunin, nella Porta Nikitsky, costruita da D. Livilladi, 1818-1823); House Khrushchev, 1815-1817, ora Museo A.S. Pushkin, costruito da A. Grigoriev; La sua casa STANITSKAYA, 1817-1822, ORA MUSEO L.N. Tolstoy, sia sul prechistenka.

Liberadi e Grigoriev in molti modi hanno contribuito alla diffusione di un ambigue di Mosca, principalmente in legno, in tutta la Russia, da Vologda a Taganrog.

Dagli anni '40 del XIX secolo. Il classicismo ha perso la sua armonia, senza peso, complicata, lo vediamo sull'esempio

Cattedrale di Saint Isaac

Cattedrale di Sant'isaac a San Pietroburgo costruito Auguste Monferran. Quarant'anni (1818-1858), uno degli ultimi importanti monumenti di architettura di culto in Europa XIX secolo, che unisce le migliori forze di architetti, scultori, pittori, muratori e fondatori.

I modi per sviluppare la scultura della prima metà del secolo sono inseparabili con i sentieri dello sviluppo dell'architettura. Nella scultura, tali maestri continuano a lavorare come I.p. Martos. (1752-1835), negli anni '80 del XVIII secolo. HaPpresso dalle sue lapidi annotate dalla grandezza e dal silenzio, la saggia accettazione della morte, "come un antico" ("dolore la mia luce ..."). Dal XIX secolo. La sua calligrafia cambia molto. Il marmo è sostituito da bronzo, avviamento lirico - eroico, sensibile-rigoroso (gravestone E.i. Gagarina, 1803, HMGS). L'antichità greca diventa un campione diretto da imitare.

Monumento a Minin (vale la pena) e Pozharsky (si siede)

Nel 1804-1818. Martos sta lavorando monumento a Minin e un incendio I fondi su cui stavano andando in abbonamento pubblico. Creare un monumento e la sua installazione ha avuto luogo durante il più alto sollevamento pubblico e riflette l'umore di questi anni. Le idee del debito civile più alto e dell'impresa nel nome di Martos Motherland incarnate nelle immagini ordinarie e chiare, in forma artistica concisa. La mano di Minina è semplice per il Cremlino - il più grande santuario popolare. I suoi vestiti sono la camicia russa, e non un antico toga. Al Principe di Pozbassy, \u200b\u200bantica armatura russa, un casco isochih e uno scudo con una foto del salvataggio. Il monumento è rivelato in modo diverso da diversi punti di revisione: se guardi a destra, sembra che, appoggiato allo scudo, il Pozharsky sta verso Minin; Dalla posizione frontale, dal Cremlino, sembra che Minin convinca il Pozharsky ad assumere un'alta missione della difesa della patria, e il principe è già preso dopo la spada. La spada diventa un link

Mosè ha trasudato l'acqua dalla pietra

tutta la composizione.

Insieme a F. Shchedrian Martos lavora anche su sculture per la Cattedrale di Kazan. Sono eseguiti sollievo "Outflow Acqua Mosè" Sugli attici dell'ala orientale del colonnato. La chiara appartenenza alle figure su uno sfondo liscio del muro, il ritmo rigorosamente classico e l'armonia caratteristica di questo lavoro (fregio Attica Western Wing "rame Zmiy", come detto sopra, è stato eseguito da ProkoFiev).

Nei primi decenni del secolo, è stata creata la migliore creazione F. Shchedrin. - Le sculture dell'ammiragliato, come menzionato sopra.

La prossima generazione di scultori è rappresentata dai nomi STEPAN STEPANOVICH PIMENOVA. (1784-1833) e Vasily Ivanovich Demoust-Malinovsky (1779-1846). Loro, come nessun altro nel XIX secolo, raggiungi il loro lavoro sintesi organica della scultura con l'architettura - in gruppi scultorei da

"Abduzione di prosepsy"
Chariot Apollo.

piewostostic Stone per Voronikhinsky Mining Institute (1809-1811, Demoust-Malinovsky - "Abduzione di Proserpina Plutone" , Pimenov - "La battaglia di Ercole con Antehe"), la natura delle cui figure del carico è cospirata dal portico dorico, o eseguita dal foglio rame il carro della gloria e il carro di Apollo per la Repubblica di creazione nazionale di Il Dvorts Triumphal Arch e l'Alessandria.

Chariot of Glory Triumphal Arch (O, come viene anche chiamato, la composizione "vittoria") è progettata per la percezione delle sagome, chiaramente disegnata contro lo sfondo del cielo. Se li guardi direttamente, sembra che i possenti sei cavalli, dove il più estremamente rimosso sotto i concilisti, presentato in un ritmo calmo e rigoroso, regna su tutta la zona. Sul lato della composizione diventa più dinamico e compatto.

Monumento a Kutuzov.

Uno dei recenti esempi della sintesi della scultura e dell'architettura può essere considerata le statue di Barclay de Tolly e Kutuzov (1829-1836, consegnato nel 1837) presso la Cattedrale del lavoro di Kazan BI. Orlovsky. (1793-1837), che non viveva alcuni giorni prima dell'apertura di questi monumenti. Sebbene entrambe le statue venissero giustiziate in due decenni dopo la costruzione della cattedrale, si adattano brillantemente nei passaggi del colonnato, che diedero loro una bella cornice architettonica. L'idea dei monumenti di Orlovsky in modo conciso e luminoso esplicito Pushkin: "Ecco il formicolio di Barclay, e qui l'artista di Kutuzov", cioè le figure personificano l'inizio e la fine della guerra patriottica del 1812. Da qui resistenza , Tensione interna nella figura di Barclay - Simboli di resistenza eroica e davanti al gesto. Le mani di Kutuzov, banner napoleonici e aquile sotto le gambe.

Scultura

Il classicismo russo ha trovato un'espressione nella scultura della macchina, nella scultura di piccole forme, nell'arte della medaglia, ad esempio nei famosi rilievi del medaglione Fedor Tolstoy. (1783-1873), dedicato alla guerra del 1812, un esperto di antichità, in particolare la Grecia omerica, la migliore plastica, estesa

F. P. Tolstoy. Milizia della gente del 1812. 1816. Medaglione. Cera

disegnatore. Tolstoy è riuscito a combinare l'eroico, sublime con intimo, profondamente personale e lirico, a volte dipinto anche di umore romantico, che è così caratteristico del classicismo russo. I rilievi di Tolstoy sono stati eseguiti nella cera, e poi il "vecchio manir", mentre il senior seni ha fatto a Petrovsky, furono lanciati dal Maestro Metal stesso, e numerose opzioni di gesso sono state conservate, o tradotte in Cina, o riempito in mastice (" La milizia delle persone "," Battle Borodino "," Battaglia di Leipzig "," Mir of Europe ", ecc.).

È impossibile non parlare dell'illustrazione di F. Tolstoy al poema "Drain" I.f.

Tolstoy F. P. Illustrazione per "drenare". 1820-1833.

Bogdanovich, eseguita in una carcassa e piuma e bezed da una taglierina - un eccellente campione di grafica nemica russa sulla trama della "metamorfosi" di Ovidievsky sull'amore di Amur e Psymia, dove l'artista ha espresso la sua comprensione dell'armonia del mondo antico .

Scultura russa dei 30-40 del XIX secolo. Sta diventando più democratico. Non è per caso che questi anni appaiano opere come "un ragazzo che gioca nella nonna" N.S. PIMENOVA (PIMENOVA YOUNGER, 1836), "Il ragazzo che gioca a Pike" A.V. Loganovsky, ha incontrato caldamente da Pushkin, che ha scritto le famose poesie sulla loro esposizione.

Scultore interessante creatività I.p. Vitaly. (1794-1855), che ha eseguito la scultura tra gli altri lavori

Figure di angeli alle lampade agli angoli della cattedrale di Sant'isaac

per i cancelli trionfali in memoria della Guerra Patriottica del 1812 nel TVER OCPAIN a Mosca (Arch. O.I. Panchina, ora all'AVE. Kutuzov); Busto di Pushkin, fatto poco dopo la morte del poeta (marmo, 1837, WMD); Colossale figure di angeli alle lampade agli angoli della cattedrale di Sant'isaac - Possibili, gli elementi migliori e più espressivi dell'intero design scultoreo di questa gigantesca struttura architettonica. Per quanto riguarda i ritratti Vitaly (l'eccezione è un busto di Pushkin) e in particolare ritratti dello scultore S.I. Galberg, quindi sopportano le caratteristiche di stilizione diretta per l'antico orlo, precipitosamente premuroso, secondo una fair osservazione dei ricercatori, con persone quasi naturalistiche.

Genere Jet è chiaramente tracciato nei lavori Studenti defunti primitivi S.I. Galberg - P.a. Stavasser ("Pescatore", 1839, marmo, tempistica) e Anton Ivanova ("modelli di Lomonosov sul mare",

Stavasser. Pescatore

1845, marmo, tempistica).

A metà della secolo scultura, la principale - due direzioni: una, proveniente dai classici, ma che è venuto a accademismo secco; Un altro rileva il desiderio di una vetrina più diretta e multilaterale della realtà, si diffonde nella seconda metà del secolo, ma indubbiamente anche il fatto che entrambe le direzioni dello stile monumentale siano gradualmente perse.

Lo scultore, che negli anni di declino delle forme monumentali è riuscito a raggiungere un successo significativo in questo settore, nonché in "piccole forme", era Peter Karlovich Klodt. (1805-1867), Autore di cavalli per cancelli trionfanti di Narva a San Pietroburgo (Arch. V. Stasov), "Tweers of Konya" per Ponte Anichkova (1833-1850), monumento a Nicholas I on Isaac Square (1850-1859 ), IA. Kryona nel giardino estivo (1848-1855), così come un grande

Uno dei cavalli di Klodt

il numero di sculture di animali.

Arte decorativa e applicata, si esprimeva così fortemente in un unico flusso unico di design decorativo degli interni della "Abpiaccia russa" del primo terzo del XIX secolo, - l'arte del mobile, della porcellana, del tessuto, - anche al centro del secolo perde l'integrità e la purezza dello stile.

Pittura

La direzione principale di architettura e scultura del primo terzo del XIX secolo era il classicismo. Nella pittura, è stato sviluppato principalmente da artisti accademici nel genere storico (A.e. Egorov - "Studio del Salvatore", 1814, Timing; V.K. Shebeyev - "L'impresa del mercante di Igolekin", 1839, tempistica; f.a. Brunita Camilla, Sisters Horace ", 1824, temporizzazione;" rame fri ", 1826-1841, temporizzazione). Ma i veri successi della pittura giacevano, tuttavia, in un'altra fila - romanticismo. Le migliori aspirazioni dell'anima umana, l'UPS e la parrocchia dello Spirito hanno espresso il dipinto romantico di quel tempo, e soprattutto il ritratto. Nel genere del ritratto, il posto principale deve essere assegnato Kiprensky Oresa. (1782–1836).

Cyprinsky è nato nella provincia di San Pietroburgo ed è stato il figlio del proprietario terriero A.S. Dyaconov e Serf. Dal 1788 al 1803, ha studiato, a partire da una scuola educativa, presso l'Accademia delle Arti, dove ha lavorato nella classe di pittura storica dal Professor G.I. Ugryumov e pittore francese G.-F. Duyien, nel 1805 ha ricevuto una grande medaglia d'oro per l'immagine "Dmitry Donskaya per vincere la vittoria su Mama" (MRM) e il diritto a un viaggio di pensionato all'estero, che è stato effettuato solo nel 1816 nel 1809-1811. Cyprinsky visse a Mosca, dove ha aiutato Martos a lavorare su un monumento a Minin e un fuoco, poi a Tver, e nel 1812 tornò a San Pietroburgo. Anni dopo la fine dell'Accademia e prima della partenza all'estero, ricevuta da sentimenti romantici, il più alto fiorente della creatività di Cyprossky. Durante questo periodo, ruotava nel mezzo della nobile intelligentia russa sidicata. Conoscevo K. Batyhkova e P. Vyazemsky, ha posato v.a. Zhukovsky, e negli anni successivi - Pushkin. I suoi interessi intellettuali erano anche ampi, non c'è da meravigliarsi Goethe, che Kiprensky ritratte nei suoi anni maturi, lo ha notato non solo come artista di talento, ma anche come persona interessante. Complesso, premuroso, mutevole nell'umore - Compariamo davanti a noi rappresentato da Kiprensky E.P. Rostopina (1809, GTG), D.N. Coda (1814, GTG), Chelishchev Boy (circa 1809, GTG). In una postura gratuita, guardando al lato, guardando con noncuranza sulla lastra di pietra, stands colonnello Labigycapo E.b. Davydov (1809, temporizzazione). Questo ritratto è percepito come un'immagine collettiva dell'eroe di guerra 1812, anche se è piuttosto concreto. L'umore romantico è arricchito dall'immagine del paesaggio del temporale, contro lo sfondo di cui viene presentata la figura. Il sapore è costruito sul figlio sonoro, preso in piena forza dei colori del rosso con oro e bianco con argento, nei vestiti dell'Hussario - e sul contrasto di questi colori con toni scuri del paesaggio. Aprendo un volto diverso del personaggio umano e il mondo spirituale dell'uomo, Ciprorosensky ha usato varie opportunità di pittura ogni volta. Ogni ritratto di questi anni è segnato con un pittoresco maestro. La pittura è gratuita, costruita come nel ritratto della coda, sulle transizioni più sottili di un tono a un altro, su diverse luci di colore, poi sull'armonia di ascendere i punti di grande luce puliti, come nell'immagine del ragazzo chelischev. L'artista utilizza effetti colorati in grassetto che riguardano la modellazione della forma; La pittura pastomia avverrà espressione energetica, rafforza l'emotività dell'immagine. Secondo la fiera Destinazione D.V. Sarabenova, il romanticismo russo non è mai stato un movimento artistico così potente come in Francia o in Germania. Non c'è eccitazione estrema o tragica disperazione. Nel romanticismo del Cyprinsky c'è ancora molto dall'armonia del classicismo, dall'analisi sottile della "torsione" dell'anima umana, così caratteristica del sentimentalismo. "Il secolo della corrente ed età del passato", di fronte al lavoro dei primi anni di Cyprozen, che si è tenuta come persona creativa nei migliori anni di vittorie militari e arcobaleno speranze della società russa e ammontava all'originalità e inesprimibile Fascino dei suoi primi ritratti romantici.

Alla fine, italiano, il periodo in virtù di molte circostanze del suo destino personale, l'artista raramente è riuscito a creare qualcosa uguale ai lavori anticipati. Ma qui puoi chiamare tali capolavori come uno dei migliori ritratti di vita di Pushkin (1827, GTG), scritti dall'artista nell'ultimo periodo del suo soggiorno nella patria, o ritratto dell'Avdulina (circa 1822, temporizzazione), pieno di tristezza emacient.

La parte inestimabile della creatività di Cyproshensky - ritratti grafici realizzati nella matita italiana principalmente morbida con un pesce pastello, acquerello, matite colorate. Raffigura il generale e.i. CAPLICA (GTG), A.R. Tomilova (tempistica), p.a. Olenina (GTG). L'emergere di ritratti a matita veloce-abbozzare di per sé è significativo, caratteristico del nuovo tempo: qualsiasi mimatore del viso è facilmente fissato in loro, qualsiasi movimento mentale. Ma una certa evoluzione si verifica anche nella tabella Kiprensky: non ci sono direzze e calore nel lavoro successivo, ma sono virtuoser e squisiti per esecuzione (ritratto di S.S. Shcherbatova, IT. Auto., GTG).

Il romanticismo sequenziale può essere chiamato Pole A.o. Orlovsky. (1777-1832), 30 anni di coloro che vivevano in Russia e portando il tema della cultura russa, caratteristica dei romantici occidentali (Bivuaki, Horsemen, naufragio. "Prendi la tua matita rapida, disegna, Orlovsky, Sword e Sich", ha scritto Pushkin ). Assimilato rapidamente in terra russo, che è particolarmente evidente nei ritratti grafici. In loro, attraverso tutti gli attributi esterni del romanticismo europeo con la sua ribellione e tensione si affacciano su qualcosa di profondamente personale, nascosto, intimo (autoritratto, 1809, GTG). Oryolsky appartiene a un certo ruolo nel "scatenante" dei modi per realizzare a causa dei suoi schizzi di genere, disegni e litografie raffiguranti scene di strada di Petersburg e tipi che hanno causato i famosi Quarstains di PA, Vyazemsky:

La Russia è precedente, eliminando

Svitare la prole,

La hai afferrato vivo

Sotto la matita folk.

Infine, il romanticismo trova la sua espressione e nel paesaggio. Sylvester Shchedrin (1791-1830) ha iniziato il percorso creativo con uno studente di suo zio semi di generosi con composizioni classiche: una chiara divisione di tre piani (il terzo piano è sempre architettura), ai lati delle scene. Ma in Italia, dove ha lasciato la St. Petersburg Academy, queste caratteristiche non sono state riacquistate, non si trasformò in uno schema. Era in Italia, dove viveva Shchedrin per più di 10 anni e morì in un periodo di massimo splendore del talento, ha rivelato come artista romantico, divenne uno dei migliori pittori in Europa insieme a Constable e Coro. Ha scoperto per la prima volta una pittura prigioniera per la Russia. True, come i Barbiglioni, Shchedrin ha scritto negli Etudi di Air Air solo e completato l'immagine ("decorata", dalla sua definizione) nel laboratorio. Tuttavia, il motivo stesso cambia gli accenti. Quindi, Roma nelle sue tele non è le maestose rovine dei tempi antichi, ma una vivace città moderna di persone semplici -Enbakov, mercanti, marinai. Ma questa vita di tutti i giorni sotto il pennello Generno ha acquisito un suono elevato. Harbor Sorrento, Argine di Napoli, Tevere al Castello di St. Angel, persone che prendono pesci, semplicemente parlando sulla terrazza o in vacanza all'ombra degli alberi, - tutto è trasmesso nella complessa interazione dell'ambiente dell'aria leggera, nella deliziosa fusione di toni d'argento-grigio, uniti di solito dal colpo Di rosso - in abbigliamento e copricapo, in fogliame arrugginito di alberi dove un ramo rosso è stato perso. Nelle ultime opere di Shchedrin, un interesse per effetti in bianco e nero, prefigurando l'onda del nuovo romanticismo Maxim Vorobyov e i suoi studenti (per esempio ", è apparso vista di Napoli sulla notte lunare"). Come il ritrattista Cyprinsky e Battalist Orlovsky, l'ufficiale del paesaggio Generin scrive spesso scene di genere.

Una certa rifrazione del genere domestico trovato, suonata stranamente, nel ritratto, e soprattutto nel ritratto di Sant'Andreevich Tropinina (1776 - 1857), l'artista, solo per 45 anni di apice della dipendenza. Tropinina ha vissuto una lunga vita, ed era destinato ad imparare il vero riconoscimento, anche la gloria, per ottenere il titolo di Accademico e diventare l'artista più famoso della Scuola di ritratti di Mosca degli anni '20 e '30. Partendo dal sentimentalismo, la verità, in circolazione più sensibile del sentimentalismo di Borovikovsky, Tropinin acquisisce il proprio stile di immagine. Nei suoi modelli non c'è una raffica romantica della Cypriansky, ma la semplicità, l'ozio, la sincerità dell'espressione, la veridicità dei personaggi, l'accuratezza dei dettagli della famiglia sono brillati in loro. I migliori ritratti di Tropinine, come un ritratto di un figlio (circa 1818, GTG), ritratto di Bulakhov (1823, GTG), segnato con alta perfezione artistica. Questo è particolarmente visibile nel ritratto del figlio dell'Arsenia, un'immagine insolitamente sincera, la vivacità e l'immediatezza del quale è enfatizzata da un'illuminazione abile: il lato destro della figura, i capelli sono permeati, pieni di luce solare, maestro abilmente trasmesso . I colori della gamma di Golden-Ohloooo a Pink-Brown sono insolitamente ricchi, l'ampio uso del lusese assomiglia ancora alle pittoresche tradizioni del XVIII secolo.

Il Tropinina nel suo lavoro va lungo il percorso di impartire naturalezza, chiarezza, equilibrio con semplici composizioni dell'immagine del ritratto di cereale. Di norma, l'immagine viene data su uno sfondo neutro con un minimo di accessori. È così che il Tropinin A.s. ha rappresentato Pushkin (1827) - seduto al tavolo in una posa libera, vestita in un abito da casa, che enfatizza la naturalezza dell'aspetto.

Tropinin è il creatore di un tipo speciale di pittura ritratto, cioè il ritratto in cui sono portati i tratti del genere. "Laneby", "mano", "chitarrista", "Gold Summer" - Tested immagini con una certa trama, che non ha perso, tuttavia, dannazione concreta.

L'artista ha contribuito al suo lavoro per rafforzare il realismo nel dipinto russo e ha avuto una grande influenza sulla scuola di Mosca - per definizione D.V. Sarabaunova, una specie di "Moscow Bidermeer".

Il Tropinina è appena entrato nell'elemento del genere nel ritratto. Un Alexey Gavrilovich VenetsOnov (1780-1847) è stato il vero atteggiamento del genere domestico (1780-1847). Amerer per l'istruzione, Venetsanov ha lasciato il servizio per il bene della pittura, trasferito da Mosca a Petersburg e divenne uno studente di Borovikovsky. I primi passi nelle "arti" ha fatto nel genere del ritratto, creando pastello, matita, burro incredibilmente poetico, lirico, a volte ricevuto dall'umore romantico delle immagini (ritratto di B.C. Putyathy, GTG). Ma presto l'artista lascia un ritratto per il bene della caricatura, e per la caricatura della strega di "liqunozione" il primo numero della "rivista dei cartoni animati per il 1808 nei volti" è stato chiuso. L'incisione di Venetsanova era, infatti, un'illustrazione per Oda Derzhavin e raffigurata affollata in receptionist, mentre nello specchio era visibile per il Veric, che è tra le braccia della bellezza, si presume che questa sia una caricatura sul grafico del Krafamodko ).

Alla fine dei 10-20 anni, Venetsian è stato lasciato da San Pietroburgo a Tver Province, dove ha comprato una piccola tenuta. Qui ha acquisito il suo tema principale, dedicandosi all'immagine della vita contadina. Nella foto "Khumno" (1821-1822, MRM), ha mostrato la scena di lavoro all'interno. Nel tentativo di riprodurre accuratamente non solo le pose di lavoro, ma anche illuminazione, ha anche ordinato di tagliare un muro della gomma. La vita come è - è ciò che il Venetista voleva raffigurare, disegnare contadini per la pulizia della barbabietola; Il proprietario terriero che dà il compito del cortile; Shepherd addormentato; Una ragazza con un brunch in mano; ammirando la farfalla dei bambini contadini; Scene di raccolto, Senokos, ecc. Naturalmente, Venetsians non aprono le collisioni più acute della vita del contadino russo, non ha aumentato i "problemi malati" della modernità. Questa è una vita patriarcale, idilliaca. Ma l'artista non ha fatto una poesia dall'esterno, non l'ha venuta con lei, e la sua urla nel suo più raffigurata con un tale amore della vita delle persone. Non ci sono stringhe drammatiche nei dipinti di Venetsian, una trama dinamica, loro, al contrario, sono statiche, "non succede nulla in loro". Ma una persona è sempre nell'unità con la natura, nel lavoro eterno, e rende le immagini di Venetianov sono veramente monumentali. È realista? Nella comprensione di questa parola, artisti della seconda metà del XIX secolo - difficilmente. Nel suo concetto ci sono molte e da idee classiche (vale la pena ricordare la sua "primavera, sulla terra arabile", GTG), e soprattutto dal sentimentalista ("nella vendemmia. Estate", GTG), e nel comprendere lo spazio - e da romantico. E, tuttavia, il lavoro di Venetianov è un certo palcoscenico sulla via dell'aggiunta del realismo critico russo del XIX secolo, e in questo anche il significato di Incredit del suo dipinto. Questo determina il suo posto nell'arte russa nel suo complesso.

Venetcianov è stato un insegnante eccellente. Scuola di Venetsanova, Venetsanoventi sono un intero Pleiad di artisti degli anni '20 e 19, che ha lavorato con lui sia a San Pietroburgo che nella sua tenuta Safonkovo. Questo è A.V. Tyranov, E.F. Krendovsky, k.a. Zelentsov, A.A. Alekseev, S.K. Zarynko, L.K. Plakhov, N.S. Ali e molti altri. Tra i discepoli del Venetian è molte persone dei contadini. Sotto il pennello dei Venetsiani, non solo le scene della vita contadina sono nate, ma anche urbane: St. Petersburg Streets, Tipi folk, Paesaggi. A.V. Tyranov ha scritto scene all'interno, e ritratti e paesaggi e vita ancora. VenetSianovsy "Ritratti di famiglia negli interni" sono stati particolarmente amati - combinati la specificità delle immagini con i dettagli della narrativa, trasmettendo l'atmosfera dell'ambiente (ad esempio, l'immagine di Tyranchov "Workshop Workshop dei lavoratori Fratelli Chernetovsky", 1828, in che il ritratto e il genere e la natura morta sono combinati).

Lo studente più talentuoso di Venetsian è indubbiamente Grigory Grigory Soroka (1813-1864), l'artista del destino tragico. (Soroka è stata liberata dal Serfdom solo dalla riforma del 1861, ma a causa del contenzioso con l'ex proprietario terriero, è stato condannato a punizione corporeo, non ne ha pensato di pensarci e suicidarsi.) Sotto il pennello, Soroki e il paesaggio del suo nativo Lago Molino, e tutti gli oggetti nell'ufficio delle proprietà nelle isole, e le figure congelate sul colpo dei pescatori del lago si trasformano, piene di poesia più alta, silenzio benevolo, ma anche con una tristezza pendente. Questo è il mondo di oggetti reali, ma anche il mondo perfetto immaginario dell'artista.

Pittura storica russa dei 30-40 sviluppati sotto il segno del romanticismo. "Il genio di compromesso" tra gli ideali del classicismo e delle innovazioni del romanticismo chiamato un ricercatore (M.M. Allenov) Karl Pavlovich Bellav (1799-1852). Gloria a Bhorlylov è tornato all'Accademia: già, gli etudi ordinari si sono trasformati in Brullov nei dipinti finiti, poiché, per esempio, con il suo "Daffissism" (1819, MRM). Dopo la laurearsi dal corso con una medaglia d'oro, l'artista è andato in Italia. Nelle opere DWItalian, BOLLOV fa appello ai trame di biblico ("aspetto dei tre angeli dei tre angeli di mamvrian", 1821, tempismo) e antica ("Edip e Antigone", 1821, il Museo Regionale del Tyumen del Local Lore) , impegnati in litografia, scultura, scrive scenari teatrali, disegna costumi alle produzioni. Immagini "Italian Mattina" (1823, posizione sconosciuta) e "Italiano pomeriggio" (1827, MRM), in particolare il primo, mostrare quanto vicino al pittore si avvicinò ai problemi del Plenäer. Brullov stesso ha determinato il suo compito: "Ho coperto la modella al sole, suggerendo l'illuminazione da dietro, così che il viso e il petto all'ombra e riflettono la fontana illuminata dal sole, che rende tutte le ombre molto più piacevoli Confronto con semplice illuminazione dalla finestra. "

I compiti del dipinto plenaria sono così interessati a Bullova, ma il percorso dell'artista, tuttavia, giaceva in una direzione diversa. Dal 1828, dopo un viaggio a Pompei, Bryullov sta lavorando al suo lavoro uguale - "L'ultimo giorno Pompei" (1830-1833). Il vero evento della storia antica è la morte della città con un'eruzione del Vesuvio nel 79 N. e. - Ha permesso di mostrare l'artista di mostrare la grandezza e la dignità di una persona di fronte alla morte. La lava antincendio viene in città, gli edifici e le statue sono fatiscenti, ma i bambini lasciano i loro genitori; La madre copre il bambino, il giovane salva la sua amata; L'artista (in cui Bryullov raffigurato) prende pitture, ma lasciando la città, sembra occhi aperti spalancati, cercando di catturare una vista terribile. Anche nella morte di una persona rimane bella, come splendidamente scartato con il carro, una donna al centro della composizione. Nel dipinto di Bryullov, una delle caratteristiche essenziali del suo dipinto è stata chiaramente mostrata: il collegamento della classica stilista delle sue opere con le caratteristiche del romanticismo, con il quale il classicismo Bhorlylovsky unisce la fede nella nobiltà e la bellezza della natura umana. Da qui la straordinaria "sopravvivebilità" che conserva la chiarezza della forma di plastica, il disegno della massima professionalità prevalente su altri mezzi espressivi, con gli effetti romantici dell'illuminazione pittorica. Sì, e l'argomento stesso della morte inevitabile, la roccia inesorabile è così caratteristica con precisione per il romanticismo.

Come un determinato schema artistico di serie, stabilito, classicismo in gran parte limitato l'artista romantico. La Convenzione del linguaggio accademico, la lingua della scuola, come l'Accademia chiamata in Europa, è stata pienamente manifestata a Pompei: posture teatrali, gesti, espressioni facciali, effetti di illuminazione. Ma hai bisogno di ammettere che i bullelli hanno cercato di giocare la verità storica, cercando di riprodurre monumenti specifici, aprire gli archeologi il più vicino possibile e il mondo intero, riempire le scene descritte da Penny Younger in una lettera alla tacitite. Esposto prima a Milano, poi a Parigi, la foto è stata portata in Russia nel 1834 e aveva un successo rumoroso. Gogol lo ha riconsiderato con entusiasmo. Il valore delle opere di Bryulllov per la pittura russa è determinata dalle famose parole del poeta: "E l'ultimo giorno di Pompei" è stato il primo giorno per il pennello russo. "

Nel 1835, Brullov tornò in Russia, dove è stato incontrato come trionfo. Ma il genere storico stesso non era più fatto, per "Osada Pskov, il re polacco di Stefan Batory nel 1581" non è stato completato. I suoi interessi erano in una direzione diversa - un ritratto, a cui si voltò, lasciando la pittura storica, come il suo grande contemporaneo Cyprosensky, e in cui ha mostrato tutto il suo temperamento creativo e la sua abilità di lucentezza. Puoi rintracciare una certa evoluzione del Bandoro in questo genere: dal ritratto anteriore degli anni '30, il cui campione può anche essere un ritratto di quanto un'immagine generica, ad esempio, un brillante tela decorativa "cavaliere" (1832, GTG), dove è raffigurato il pupillo della contessa Samoyllava Jovanina Pachchini, non ha accidentalmente un nome generalizzato; o ritratto yu.p. Samoilova con un altro allievo - Amacylia (circa 1839, TRM), ai ritratti degli anni '40 - più camera, e una sottile e sfaccettata caratteristiche psicologiche (ritratto di un. Strigovshchikov, 1840, GRM; autoritratto, 1848, GTG). Di fronte al letteratore Strigovsk, la tensione della vita interna è letta. L'affaticamento e l'amarezza delusione soffia dalla comparsa dell'artista su un autoritratto. Faccia sottile triste con gli occhi astenticiosi, era impotente appesa a mani di pennello aristocraticamente sottili. In queste immagini, molto dalla lingua romantica, mentre in una delle ultime opere - il ritratto profondo e sincero dell'archeologo Michelangelo Pranzo (1851), vediamo che i bloods non sono alieni al concetto realistico nell'interpretazione del Immagine.

Dopo la morte del Brullov, i suoi studenti spesso usavano solo principi formali accuratamente sviluppati, puramente accademici della lettera, e il nome del Bryullov era quello di sopportare un sacco di houls dai critici di una scuola democratica e realistica della seconda metà di il XIX secolo, prima di tutto VV Stasova.

La figura centrale della pittura del centro del cuore era senza dubbio Alexander Andreevich Ivanov (1806-1858). Ivanov si è laureato alla St. Petersburg Academy con due medaglie. Ha ricevuto una piccola medaglia d'oro per il dipinto "ATAM, richiesto da Achille il corpo del Hector" (1824, GTG), in connessione con la quale la critica ha notato la lettura attenta dell'artista Homer e una grande medaglia d'oro - per il lavoro di " Giuseppe, interpretando i sogni con lui nella dungeon Vinolrypia e Khlebodar "(1827, TRM), espressione completa, espressa, tuttavia, semplicemente e chiara. Nel 1830, Ivanov lascia Dresden e Vienna in Italia, nel 1831 entra in Roma e solo un mese e mezzo prima della morte (morì dal colera) ritorna nella sua patria.

Il percorso di A. Ivanov non è mai stato facile, non ha volato la gloria alata, come per il "Grande Carl". Durante la sua vita, il suo talento è stato valutato Gogol, Herzen, Sequenov, ma non c'erano pittori tra loro. La vita di Ivanov in Italia è stata piena di lavoro e riflessioni sulla pittura. Né ricchezza, né intrattenimento secolare cercarono, trascorrendo i suoi giorni nelle mura del laboratorio e su Etudáh. La visione del mondo di Ivanova ha avuto una certa influenza della filosofia tedesca, prima di tutto, il programma con la sua idea della destinazione profetica dell'artista in questo mondo, poi la filosofia dello storico della religione D. Straus. Il fascino della storia della religione ha portato a uno studio quasi scientifico dei testi sacri, la conseguenza della quale la creazione di famosi schizzi biblici e appello per l'immagine del Messia apparve. I ricercatori della creatività Ivanova (D.V. Sarabianov) sono in modo equo il suo principio "il principio del romanticismo etico", cioè il romanticismo, in cui l'enfasi principale è stata rinviata dall'estetico all'inizio della morale. Fede appassionata dell'artista nella trasformazione morale delle persone, nel miglioramento di una persona alla ricerca di libertà e verità, ha guidato Ivanov al tema principale della sua creatività - alla foto ha dedicato 20 anni (1837 - 1857), "il fenomeno di Cristo Alla gente "(GTG, versione della versione dell'autore).

Ivanov è andato a lungo per questo lavoro. Ha studiato il dipinto di Jotto, Venetsians, in particolare Tiziano, Veronese e Tintoretto, ha scritto una composizione di due anni "il fenomeno di Cristo Mary Magdaline dopo la risurrezione" (1835, GRM), per la quale l'Accademia di San Pietroburgo gli ha dato Il titolo di Accademico ed estese il periodo di pensionamento in Italia per tre anni.

I primi schizzi dei "Messia fenomeni" si riferiscono al 1833, nel 1837 la composizione è stata trasferita in una grande tela. Inoltre, il lavoro è andato, che può essere giudicato dai numerosi schizzi, disegni, disegni, disegni, lungo la specifica di caratteri e paesaggio, la ricerca del tono totale dell'immagine.

Nel 1845, il "fenomeno di Cristo il popolo" era essenzialmente finito. La composizione di questo monumentale lavoro software si basa su base classica (simmetria, collocamento della figura principale espressiva del primo piano - Giovanni Battista - nel centro, la posizione di bassorilievo dell'intero gruppo nel suo complesso), ma Lo schema tradizionale è ripensato con un artista. Il pittore ha cercato di trasferire la dinamica della costruzione, la profondità dello spazio. Ivanov ha cercato questa decisione per molto tempo e lo ha raggiunto a causa del fatto che la figura di Cristo appare e si avvicina alle persone che prendono il battesimo di Giovanni nelle acque del Giordania, dalla profondità. Ma la cosa principale che colpisce nell'immagine è la straordinaria veridicità di una varietà di personaggi, le loro caratteristiche psicologiche che informano l'incredibile affidabilità dell'intera scena. Da qui la persuasiva della rinascita spirituale degli eroi.

L'evoluzione di Ivanov nel lavoro sul "fenomeno ..." può essere definita come il percorso dalla scena specifica-realistica al web monumentale-epico.

I cambiamenti nella visione del mondo di Ivanov-Pensatore, che si erano verificati per molti anni di lavoro sulla foto, hanno portato al fatto che l'artista non ha finito il suo lavoro principale. Ma ha fatto la cosa principale, come disse Kramskaya, "svegliava il lavoro interiore nelle menti degli artisti russi". E in questo senso, i ricercatori hanno ragione, dicendo che l'immagine di Ivanov era la "previsione dei processi nascosti", avvenuta nell'art. Le scoperte di Ivanov erano così nuove che lo spettatore era semplicemente in grado di valutarli. Non c'è da meravigliarsi n. Chernyshevsky chiamato Alexander Ivanov uno di quei genii, "che diventano fortemente persone del futuro, sacrificio ... verità e, avvicinandola già in anni matura, non hanno paura di ricominciare le loro attività con la dedizione della gioventù" ( Chernyshevsky n.g. Note sul precedente articolo // contemporaneo. 1858. T. XXI. Novembre. P. 178). Fino ad ora, la foto rimane una vera accademia per generazioni di maestri, come la "scuola di Atene" di Rafael o il plafon sequestinico Michelangelo.

Ivanov ha detto la sua parola nello sviluppo dei principi del Plenuer. Nei paesaggi scritti all'aperto, è riuscito a mostrare tutto il potere, la bellezza e l'intensità della natura della natura. E la cosa principale non è quella di schiacciare l'immagine nella ricerca di un'impressione istantanea, nel desiderio di accuratezza dei dettagli, e di preservare la sua sintetica, tale caratteristica arte classica. Da ciascuno dei suoi paesaggi c'è una chiarezza armonica, se raffigura un bere solitaria, un ramo separato, distese marittime o paludi ponticali. Questo è un maestoso mondo trasmesso, tuttavia, in tutta la vera ricchezza del mezzo di luce della luce, come se senti l'odore dell'erba, esitando l'aria calda. Nella stessa complessa interazione con il mercoledì, raffigura una figura umana nelle sue famose stupie di ragazzi nudi.

Nell'ultimo decennio, Ivanov ha un'idea di creare un ciclo di dipinti biblici-vangelici per qualsiasi edificio pubblico per ritrarre le trame delle Sacre Scritture nell'antico sapore di colore, ma non etnograficamente diretto, ma esaltato generalizzato. Gli schizzi biblici (GTG) eseguiti da schizzi biblici dell'acquerello (GTG) occupano un posto speciale nel lavoro di Ivanov e allo stesso tempo lo completò organicamente. Questi schizzi ci forniscono nuove opportunità per questa tecnica, la sua plastica e il ritmo lineare, la macchia dell'acquerello, per non parlare della straordinaria libertà creativa nell'interpretazione dei terreni stessi mostrando l'intera profondità di Ivanov-filosofo, e del suo più grande dono del Monumentalist ("Zaccaria di fronte all'angelo", "Dormire di Joseph", "Pelting sulla prua", ecc.). Il ciclo di Ivanov è il fatto che il lavoro e gli schizzi ingegnosi possono essere una nuova parola nell'art. "Nel XIX secolo, il secolo dell'Afrening Analytical Splitting della precedente integrità dell'arte nei singoli generi e dei singoli problemi scenici - Ivanov è il grande genio di sintesi, commesso dall'idea dell'arte universale, interpretata come un tipo di enciclopedia di ricerca spirituale, collisioni e crescite della storica conoscenza di sé dell'uomo e dell'umanità. (Allenov M.M. Arte della prima metà della XIX secolo // Allenov M.M., Evangulova OS, Lifani L.I. Arte russa X - Primo XX secolo. M., 1989. P. 335). Il monumentalista chiamando, Ivanov viveva, tuttavia, al momento in cui l'arte monumentale è andata rapidamente un declino. Il realismo delle forme Ivanovo è poco costante con l'arte di asserzione di una natura critica.

La direzione socio-critica, che è diventata la principale dell'arte della seconda metà del XIX secolo, nei 40-50 si è dichiarata nel grafico. Un ruolo indubbio qui ha giocato "scuola naturale" in letteratura, associata (molto convenzionalmente) con il nome n.v. Gogol.

Enorme successo ha avuto un album di cartoni animati litografici "Yelash" N.M. Nevakhovich, che, come la "rivista caricatura" veneziana ", è stata dedicata alla satira della morale. Su una pagina di un grande formato potrebbe essere posizionato diversi grafici, spesso i volti erano ritratti, abbastanza riconoscibili. "Elash" è stato chiuso il 16 ° problema.

Negli anni '40, l'edizione di V.F. era molto richiesta. Timma, illustratore e litografia. "La nostra, scritta da Nietaya Russians" (1841-1842) - Immagine dei tipi di Typi di Petersburg Street dai flankers-France ai bidelli, Caber, ecc. TIMM illustrati anche "Immagini di morali russi" (1842-1843) ed eseguiti disegni al poema II. Matlev sulla signora Kurdyukova, la larghezza provinciale, dalla noia che viaggia in Europa.

Il libro di questo tempo diventa più conveniente ed economico: le illustrazioni hanno iniziato a stampare con una tavola di legno con grandi circoli, a volte con l'aiuto di politiche - getti metallici. Le prime illustrazioni per le opere di Gogol - "cento disegni dal poema N.M. GOGOL "ANIMA MORTA" A.A. Azgin, incisa e.e. Vernadsky; Gli anni '50 sono stati segnati dall'attività di T. G. Shevchenko come un drawrewer ("parabola del figlio prodigo", impiantando la crudele morale nell'esercito). Cariceture e illustrazioni per libri e riviste Timma e i suoi associati Agina e Shevchenko hanno contribuito allo sviluppo del dipinto di genere russo della seconda metà del XIX secolo.

Ma la principale fonte di genere di genere la seconda metà del secolo era il lavoro del Pavel Andreevich Fedotov (1815-1852). In pochi anni ha dedicato il suo dipinto con la sua breve vita tragica, ma riuscì ad esprimere lo spirito della Russia per gli anni '40. Il figlio del soldato di Suvorov, adottato nel Corpo di Mosca Cadet per i meriti del Padre, Fedotov per 10 anni serviti nel reggimento delle guardie finlandesi. Avendo rassegnato, è impegnato nella classe di battaglia A.I. Cheeperweed. Fedotov ha iniziato con disegni e caricature per la casa, con una serie di sepii dalla vita di Fitelka, il cane Bararynina, che è stato in un Bose e una hostess confezionato, dalla serie, in cui si è dichiarato come un senso satirico - il russo Case del suo "Caricatyuran" (oltre alla spada - Seppia "Fashion Shop", 1844-1846, GTG; "L'artista che si è sposato senza dote nella speranza del suo talento", 1844, GTG, ecc.). Ha studiato sulle incisioni di Hogarth e gli olandesi, ma soprattutto - alla vita più russa, una figura aperta di un artista di talento in tutta la sua disarmonia e contraddizioni.

La cosa principale nel suo lavoro è la pittura a casa. Anche quando scrive ritratti, è facile rilevare elementi di genere (ad esempio, nei "giocatori" del ritratto dell'acquerello, GTG). La sua evoluzione nel dipinto di genere - dall'immagine della caricatura al tragico, dal sovraccarico in dettaglio, come nel "cavalier fresco" (1846, GTG), dove tutto è "succhiare": una chitarra, bottiglie, beffa della cameriera, Persino papillos sulla testa del cattivo eroe, - al limite del laconismo, come nella "vedova" (1851, Museo d'arte regionale Ivanovo, opzione - GTG, TRM), alla tragica sensazione di assenza di significato dell'esistenza, come nel suo ultimo immagine "Ancoraggio, ancora ancor!" (circa 1851, GTG). La stessa evoluzione e nella comprensione del colore: dal colore, dal suono strisciato, attraverso vernici pulite, luminose, intense, saturi, come nel "orologio principale" (orologio principale "(1848, GTG, tempismo) o" colazione aristocratica "(1849- 1851, GTG), prima dei colori squisiti dei "vedovi", che tradiscono il soggetto, come se si sciolse nella luce sparsa del giorno e dell'integrità del tono unico della sua ultima tela ("ancor ...") . Era un modo da una semplice vita della vita all'attuazione in immagini chiara e trattenute dei problemi più importanti della vita russa, perché ciò che è, per esempio, "Guarda il maggiore", come non incolpare uno dei fatti sociali della vita dei suoi bug temporali di nobili impoveriti con mercanti "borse in contanti"? E "raccogliendo la sposa, scritta sulla trama presa in prestito da I.A. Krylova (molto, a proposito, apprezzato dall'artista), come non è un matrimonio al calcolo? O o l'impassamento del vuoto di una corsa laica, polvere in polvere negli occhi, - nella "colazione aristocratica"?

Il potere di pittura di Fedotov non è solo nelle profondità dei problemi, nell'esistenza della trama, ma anche nell'incredibile abilità di esecuzione. Basta ricordare la camera di fascino full "ritratto di n.p. Zhdanovich per claviersin "(1849, TRM). Fedotov ama un vero mondo sostanziale, con delizia scoraggia ogni cosa, poeticandola. Ma questa delizia davanti al mondo non osserva l'amarezza di ciò che sta accadendo: la disperazione della posizione delle "vedove", la menzogna della transazione matrimoniale, il desiderio del servizio ufficiale nell'angolo "Orso". Se Fedotova sfonde attraverso Fedotov, allora questa è la stessa gogol "risata attraverso l'invisibile al mondo delle lacrime". Fedotov si è laureato alla vita nella "Sorrow House" sul fatidico 37 ° anno di vita.

L'arte di Fedotov termina lo sviluppo della pittura della prima metà del XIX secolo, e allo stesso tempo completamente organicamente - grazie alla sua previdenza sociale - la "direzione Fedotovsky" apre l'inizio di un nuovo stadio - l'arte del critico, O, come più spesso, dicono democratico, realismo.

Lyagin yana.

Questo lavoro ci introduce all'arte del XIX secolo. L'arte di qualsiasi momento, come una spugna, assorbe i principali problemi, idee e opinioni del loro tempo. Per l'arte russa, questa circostanza è più significativa, poiché non è stato sempre in grado di essere politicizzato, quindi, in ogni caso, è strettamente connesso con l'ideologia della parte dominante della società, la reazione dei suoi cerchi o radicali rivoluzionari.

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Anteprima:

Concorso municipale degli studenti di lavori di prova

Istituzione comunitaria di stato municipale

scuola secondaria con. Slastey.

Indirizzo completo: regione Saratov, distretto di Ekaterinovsky, s. Artificio

ul. Lavorare d. 1

Lavoro astratto:

"Arte russa nel XIX secolo"

Grado 10

Testa : Sazonova Julia Andreevna,

insegnante di arte.

2013-2014 anno accademico

Introduzione ................................................. .......................... ... ......... 3

1. Cultura della Russia del XIX secolo: caratteristica generale ............................... 4

2. Arte artificiale nel XIX secolo XIX .......................................... ................ 6.

2.1 Arte russa nella prima metà del XIX secolo - la "Età dell'oro della cultura" ................................... .................................................. ................ 6.

2.2 Arte russa nella seconda metà del XIX secolo ........................... .... 11

Conclusione ................................................. ............................................... 15.

Elenco di letteratura usato .............................................. .. ....... 16.

introduzione

L'arte di qualsiasi momento, come una spugna, assorbe i principali problemi, idee e opinioni del loro tempo. Per l'arte russa, questa circostanza è più significativa, poiché non è stato sempre in grado di essere politicizzato, quindi, in ogni caso, è strettamente connesso con l'ideologia della parte dominante della società, la reazione dei suoi cerchi o radicali rivoluzionari.

Scopo del lavoro - analizza l'arte russa del XIX secolo.

Compiti:

1. La caratteristica totale di questa epoca;

2. Descrivi brevemente l'arte russa del XIX secolo nelle sue opinioni.

1. Cultura della Russia XIX secolo: caratteristiche generali

La storia dell'arte russa del XIX secolo è consuetudine per condividere le fasi.

La prima metà è chiamata l'età dell'oro della cultura russa. Cominciò a coincidere con l'epoca del classicismo in letteratura e arte russa. Dopo che la sconfitta dei decembrist ha iniziato un nuovo sollevamento del movimento sociale. Questo institò la speranza che la Russia avrebbe gradualmente affrontato le sue difficoltà. Il paese ha raggiunto il successo più impressionante in questi anni nel campo della scienza e in particolare della cultura. La prima metà del secolo ha dato alla Russia e al mondo di Pushkin e Lermontov, Griboedov e Gogol, Belinsky e Herzen, Glinka e Dargomyzhsky, Bryullov, Ivanova e Fedotov.

L'arte della prima metà del XIX secolo ha una comunità interna e unità, fascino unico di ideali luminosi e umani. Il classicismo è arricchito con nuove funzionalità, i suoi punti di forza sono più chiaramente manifestati in architettura, pittura storica, in parte nella scultura. La percezione della cultura del mondo antico è diventata più storica che nel XVIII secolo, e più democratico. Insieme al classicismo, la direzione romantica è uno sviluppo intensivo e un nuovo metodo realistico inizia a formarsi.

La direzione romantica dell'arte russa del primo terzo del XIX secolo ha preparato lo sviluppo del realismo nei decenni successivi, perché in una certa misura riunì artisti romantici con realtà, con una semplice vita reale. Era l'essenza interiore del complesso movimento artistico dell'intero primo semestre del XIX secolo. In generale, l'arte del palcoscenico nominata è l'architettura, la pittura, la grafica, la scultura, la creatività applicata e la folk - un fenomeno eccezionale, completo di peculiarità nella storia della cultura artistica russa. Sviluppo di tradizioni progressiste del secolo precedente, ha creato molte opere eccellenti di grande valore estetico e sociale, contribuendo al patrimonio mondiale.

La seconda metà è il momento dell'approvazione finale e del consolidamento delle forme nazionali e delle tradizioni in arte russa. Nel mezzo del XIX secolo, la Russia è sopravvissuta agli urti forte: la Guerra Crimea del 1853-1856 si è conclusa con sconfitta. L'imperatore Nicholas morì, che ha scalato il trono, Alexander II, condotto l'abolizione tanto attesa di Serfdom e altre riforme. Popolare nell'arte è diventato tema russo. La cultura russa non è stata chiusa al quadro nazionale, non era separato dalla cultura del resto del mondo.

1. Arte russa nel XIX secolo

L'inizio del XIX secolo è il tempo di sollevamento culturale e spirituale in Russia. Lo sviluppo della cultura russa nel 19 ° secolo ha fatto valere la conversione del tempo precedente. La penetrazione di elementi di relazioni capitaliste con l'economia ha rafforzato la necessità di persone competenti ed istruite.I bibiti pubblici e i musei hanno svolto un ruolo positivo nella vita culturale del paese (la prima biblioteca pubblica è stata aperta a San Pietroburgo nel 1814). La Russia si è sviluppata contro lo sfondo di una crescente identità nazionale del popolo russo e in connessione con questo ha avuto un carattere nazionale pronunciato.

2.1 Arte russa nella prima metà del XIX secolo - l'età dell'oro della cultura

Il primo terzo dei secoli XIX è chiamato "Golden Age" della cultura russa. L'interesse nella storia domestica è stata la ragione per l'emergere di numerosi romanzi, storie, ballate, conducono su vari argomenti storici. I romanzi d'acciaio più famosi M.n. Zagoskin. (1789--1852) "Yuri Miloslavsky, o russi nel 1612", "Roslavlev o russi nel 1812", "Kuzma Roshchin",I.I. LAZHECHNIKOVA. (1792-- 1869) "Ice House", "Ultimo anno nuovo", "Basurman". Anche nei nomi è chiaro che queste e altre opere di prosa storica consideravano periodi di crisi della storia russa: la lotta civile dei principi russi, guerre di liberazione russa, intrighi politici ed eventi che hanno, dal punto di vista dei loro autori, essenziali importanza. Allo stesso tempo, le dipendenze politiche degli autori si sono opposte alla ribalta. Ad esempio, Mn Zagoskin era un ovvio sostenitore della monarchia, e questi punti di vista non si manifestano nelle dichiarazioni politiche dell'autore, ma nei suoi eroi, nelle descrizioni degli elementi della vita, a seconda della relazione personale dei personaggi del risultato di Molti eventi storici. Eppure, nel centro di tutti i Narches, è stata conclusa un'idea comune, che per lo più rilasciata dopo la guerra del 1812 e brevemente pronunciata II Alazennikov nella prefazione al romanzo "l'ultimo nuovo anno": "La sensazione che domina nel mio romanzo , c'è amore per i detriti ".

La storia dei suoi momenti estremi è il contenuto e gli ingegnosi "Taras of Bulba" Gogol, la "figlia del capitano" e "Arape Peter the Great" Pushkin, il suo dramma "Boris Godunov", le poesie "Poltava" e così tante lavorano che loro sono impossibili e trasferiti.COME. Pushkin. Divenne un simbolo della sua era quando il rapido si svolge nello sviluppo culturale della Russia. Pushkin è il creatore della lingua letteraria russa. È diventato un valore impassibile nello sviluppo solo russo, ma anche della cultura mondiale. Era un cantante di libertà e un patriota convinto. Il poeta in eredità ai discendenti: "Non è solo possibile orgoglioso di orgoglioso dei miei antenati, ma dovrebbe ... rispetto per l'ultimo - ecco una caratteristica che distingue la formazione della natura selvaggia ...."

Gli ideali umanistici della società russa si sono riflessi nei campioni ad alto costo generale dell'architettura di questa volta e della scultura decorativa monumentale, nella sintesi con quale pittura decorativa e arte applicata, che spesso risulta nelle mani degli architetti loro stessi. Nell'architettura del XIX secolo. Classicismo dominato. Gli edifici costruiti in questo stile si distinguono per un ritmo chiaro e calmo, la correttezza delle proporzioni. Differenze significative erano disponibili nell'architettura di San Pietroburgo e Mosca. Di ritorno nel mezzo del XVIII secolo. Pietroburgo era la città dei capolavori architettonici, annegati nella vegetazione delle proprietà ed era in molti modi simili a Mosca. Poi lo sviluppo regolare della città iniziò lungo i tagli dei suoi prospetti, raggi dall'ammiragliato. Petersburg Classicism è un'architettura di non singoli edifici, ma intero ensemble che influenzano la loro unità e armonia. . Un ruolo importante nella formazione dell'aspetto architettonico di San Pietroburgo è svolto dalla costruzione dell'ammiragliato, eretto dal progettoA.D. Zaharov (1761-1811). Facciata dell'ammiragliatoÈ stato allungato a 406 m. Nel centro si trova un arco trionfale con un'alta guglia dorata, che divenne uno dei simboli della città.

Il più grande architetto di questo tempoAndrei Nikiforovich Voronikhin. (1759-1814). La creazione principale di Voronikhina è la cattedrale di Kazan, il maestoso colonnato di cui formava la zona nel centro di Nevsky Prospekt, trasformando la cattedrale e l'ambiente nel più importante nodo della pianificazione della città del centro di San Pietroburgo. Nel 1813, nella cattedrale, Mi Kutuzov fu sepolta e la cattedrale divenne una specie di monumento alle vittorie delle armi russe nella guerra del 1812. Più tardi sulla piazza di fronte alla cattedrale, le statue di Kutuzov e Barclay de Tolly, eseguito da uno scultoreB.I. OORLOVSKY. Scultura russa dei 30-40 del XIX secolo. Sta diventando più democratico. A metà della secolo scultura, la principale - due direzioni: una, proveniente dai classici, ma che è venuto a accademismo secco; Un altro rileva il desiderio di una vetrina più diretta e multilaterale della realtà, si diffonde nella seconda metà del secolo, ma indubbiamente anche il fatto che entrambe le direzioni dello stile monumentale siano gradualmente perse.

Lo scultore, che negli anni di declino delle forme monumentali è riuscito a raggiungere un successo significativo in questo settore, nonché in "piccole forme", eraPeter Karlovich Klodt. (1805-1867), Autore di cavalli per cancelli trionfanti di Narva a San Pietroburgo (Arch. V. Stasov), "Tweers of Konya" per Ponte Anichkova (1833-1850), monumento a Nicholas I on Isaac Square (1850-1859 ), IA. Kryona nel giardino estivo (1848-1855), nonché un gran numero di sculture di animali. La direzione principale di architettura e scultura del primo terzo del XIX secolo era il classicismo. Nella pittura, è stato sviluppato principalmente da artisti accademici nel genere storico (A.e. Egorov - "Studio del Salvatore", 1814, Timing; V.K. Shebeyev - "L'impresa del mercante di Igolekin", 1839, tempistica; f.a. Brunita Camilla, Sisters Horace ", 1824, temporizzazione;" rame fri ", 1826-1841, temporizzazione). Ma i veri successi della pittura giacevano, tuttavia, in un'altra fila - romanticismo. Le migliori aspirazioni dell'anima umana, l'UPS e la parrocchia dello Spirito hanno espresso il dipinto romantico di quel tempo, e soprattutto il ritratto. Nel genere del ritratto il posto principale dovrebbe essere assegnato al cyprinen ORESA (1782-1836). La parte del test della creatività di Cyprosk è ritratti grafici, realizzati nella matita italiana principalmente morbida con un pastello di risparmio, acquerello, matite colorate. Raffigura il generale e.i. CAPLICA (GTG), A.R. Tomilova (tempistica), p.a. Olenina (GTG). L'emergere di ritratti a matita veloce-abbozzare di per sé è significativo, caratteristico del nuovo tempo: qualsiasi mimatore del viso è facilmente fissato in loro, qualsiasi movimento mentale. Ma una certa evoluzione si verifica anche nella tabella Kiprensky: non ci sono direzze e calore nel lavoro successivo, ma sono virtuoser e squisiti per esecuzione (ritratto di S.S. Shcherbatova, IT. Auto., GTG).

Il romanticismo sequenziale può essere chiamato PoleA.o. Orlovsky. (1777-1832), ha rapidamente assimilato in terra russo, che è particolarmente evidente nei ritratti grafici. In loro, attraverso tutti gli attributi esterni del romanticismo europeo con la sua ribellione e tensione si affacciano su qualcosa di profondamente personale, nascosto, intimo (autoritratto, 1809, GTG). Oryolsky appartiene a un certo ruolo nel "scatenante" dei modi per realizzare a causa dei suoi schizzi di genere, disegni e litografie raffiguranti scene di strada di Petersburg e tipi che hanno causato i famosi Quarstains di PA, Vyazemsky:

La Russia è precedente, eliminando

Svitare la prole,

La hai afferrato vivo

Sotto la matita folk.

La prima metà del XIX secolo. segnato dal fiorente musica russo correlato, prima di tutto, nominatoMikhail Ivanovich Glinka.(1804-1857), che è entrato nella storia come primo compositore russo di importanza mondiale. M.I. GLINKA è considerato il fondatore della musica classica russa. Le sue opere "La vita per il re" e "Ruslan e Lyudmila" hanno determinato in gran parte l'ulteriore sviluppo della musica d'opera russa per molti decenni in anticipo. Una caratteristica distintiva dell'approccio creativo del compositore era usare i motivi del folklore russo, musica folk. Ha scritto un luccichio e un romanticismo. Un contributo significativo allo sviluppo della cultura musicale russa ha reso i contemporanei GlinkaA.a.alabyev, a.e.vlamov, a.l.gurlev, famoso oggi, principalmente come gli autori del romanticismo.

A.A. Alyabyev. A.L.GURLEV A.E.Vinov.

2.2 Arte russa nella seconda metà del XIX secolo

Condizioni per lo sviluppo della cultura nella seconda metà del 19 ° secolo.

La seconda metà del XIX secolo. - il tempo di approvazione finale e consolidamento delle forme nazionali e delle tradizioni in arte russa. Nel mezzo del XIX secolo. La Russia ha sperimentato forti shock: la sconfitta ha concluso la Guerra della Crimea del 1853-1856, l'Imperatore Nicola sono morto, che ha scalato il trono Alexander II ha portato fuori la lunga data di cancellazione di Serfdom e altre riforme. Popolare nell'arte è diventato tema russo. La cultura russa non è stata chiusa al quadro nazionale, non era separato dalla cultura del resto del mondo. I risultati delle arti straniere hanno trovato una risposta in Russia. A loro volta, la cultura russa ha ricevuto riconoscimento in tutto il mondo. La cultura russa ha occupato un posto onorevole nella famiglia delle culture europee.

Le belle arti non potevano rimanere da parte dai processi che hanno avuto luogo nella coscienza pubblica. La Galleria di Stato Tretyakov di Mosca è uno dei più grandi incontri delle arti visive russe, il famoso centro culturale nazionale. Il museo è il nome del fondatore - Merchant Moscow P.M.Tretakova (1832-1898), che ha presentato la sua galleria fotografica nel 1892, nonché una piccola collezione di fratello e casa, che nel 1881 è stata aperta per i visitatori.

In questo momento, gli artisti russi hanno raggiunto un tale livello di abilità, che mettono le loro opere in una riga con i migliori esempi di arte europea. La corrente si basa sulle idee del realismo critico. Uno dei primi maestri di questa zona era Vasily Grigorievich Perov (1833-1882). I suoi lavori di genere ("viaggi rurali in Pasqua" del 1861, "Fili dei difetti" del 1865, Troika 1868) sono le storie dolorose della vita di una persona semplice esposta nel linguaggio della pittura.

Sheeyday senza precedenti ha raggiunto un paesaggio. Pittura del paesaggio trasformata in una delle aree avanzate della creatività artistica, questo genere è stato aumentato a una nuova altezza. I fondi espressivi sono stati migliorati, la tecnica sviluppata. Paesaggio II Half Xix non è più solo un'immagine della "specie di paesaggi" e dipingere, attraverso le immagini della natura, trasmettendo i migliori movimenti dell'anima umana. I più grandi maestri del paesaggio in Russia erano a.k. Savrasov ("Gracchi volò" del 1871), I.I. Chishkin ("Sosnovy Bor" 1873, "Rye" del 1878), A.I.KOUNEZHI ("BURCH GROVE" 1879, "Moonlight sul Dnieper "1880), VD Polenov (Moscow Dvorik, 1878), II Lemitan (" Sera "1892," Primavera. Big water "1897), k.a. Korovin (" inverno "1894" Parigi. Cappuccino Boulevard "1906).

I vertici sono l'arte realistica della metà del XIX secolo. raggiunto nella creativitàI.e. Pepina e v.i. surikova. La pittura storica ha trovato la sua massima espressione nel lavoro di Vasily Ivanovich Surikova (1848-1916). Nella storia dell'artista, le persone erano più interessate a: massa della gente e forti persone luminose.

Il primo lavoro che ha portato V.I. Suikov alla gloria, "Mattina Strelletsky Execution" (1881). La composizione è costruita al contrasto: il dolore, l'odio, la sofferenza incorporata nelle figure dei tiratori che vanno alla morte e nei loro cari, si oppongono alla spremitura a cavallo, una pietra congelata in lontananza.

Oltre a V.I. I dipinti di Surikova su argomenti storici hanno scritto v.m.vasnetsov. L'immagine della storia nelle sue opere ha un'epica tangibile, sfumatura favolosa: "Dopo aver corso a Igor Svyatoslavich con Polovsy" (1880), "Alenushka" (1881), in particolare il brillantemente composto dell'epica e della storia si manifestava nel Grand Canvase "Bogatyry" (1898 G.).

Nel 1898, una nuova associazione artistica è stata fondata a San Pietroburgo, il nome"World of Art" . L'artista dell'artista si alzò sulla testa del cerchioA.n. Benua e Messenat S.P. Dyagilev. Il nucleo principale dell'Associazione eraL.S. Bakst, E.e.lesser, K.a. Osov. Il "World of Art" ha organizzato la mostra e ha pubblicato una rivista con lo stesso nome. L'Unione includeva molti artisti:M.a.vrubel, v.a.serov, I.I. Levitan, M.V.Nesterov, A. P. Ryabushkin, N.K. Ryrich, B.M. Kustodiev, Z. Serbryakova, K. S.Petrov-Vodkin. Miriskussniks difese la libertà della creatività individuale. La principale fonte di ispirazione è stata riconosciuta come bellezza. Il mondo moderno secondo il loro parere è privo di bellezza e quindi invece di attenzione. Alla ricerca di splendidi artisti della "Pace del mondo" nelle loro opere spesso rivolgono ai monumenti del passato.

Anche la seconda metà del XIX secolo. - Questo è un periodo di eccezionali risultati della scienza e della tecnologia. Chimica, Fisica, Geografia, Biologia Sviluppa ...

Lo sviluppo di scienze naturali, le ampie collegamenti degli scienziati russi con occidentale testimoniano una posizione sufficiente in Russia nella comunità mondiale.

Conclusione.

bustine russe la tua architettura di pittura

L'arte del XIX secolo può essere paragonata a un mosaico multicolore, dove ogni pietra prende il suo posto, ha il suo significato. Quindi è impossibile rimuovere qualsiasi, anche il più piccolo, senza violare l'armonia del tutto. Tuttavia, in questo mosaico ci sono pietre il più prezioso, emettendo luce particolarmente forte.

Durante tutta la storia secolare, l'arte russa stava vivendo cambiamenti significativi, a volte indigeni: è stato arricchito, complicato, migliorato, ma sempre rimasto originale.

Architettura russa, arti visive, folk e applicate testimoniano il contributo inestimabile, che ha introdotto la nostra gente al tesoro della cultura artistica domestica e mondiale.

Il XIX secolo, forse, il periodo più difficile e interessante nella storia dell'arte russa. Questa era ha dato origine a una brillante creatività A.s. Pushkin, folk e tutta la vita, pieno sogno di libertà. Questo è un periodo di fiorente della cultura spirituale: letteratura, filosofia, musica, teatro e arte visiva.

Bibliografia.

1.Lina T.V. Storia dell'arte: arte domestica. Tutorial / TV. - m.: Scuola superiore, 2007. - 407 p.

2. Corsi di riferimento completo di Schoolboy Prenota 5-11 classi (2 volume). E.V. SIMONOVA.