Creatività B. Brecht. Epic Brecht Theatre. "Amico del coraggio".

Bertold Brecht. (1898-1956) Nato ad Augsburg, nel direttore della famiglia della fabbrica, studiato nella palestra, era impegnato in medicina a Monaco e fu chiamato nell'esercito come sanitario. Canzoni e poesie di Young Sanitar hanno attirato l'attenzione sullo spirito dell'odio alla guerra, al militare prussiano, all'imperialismo tedesco. Nei giorni rivoluzionari del novembre 1918, Brecht è stato eletto un membro del Consiglio di Augsburg Soldier, che ha testimoniato per l'autorità di un poeta completamente giovane.

Già nelle prime poesie di Breht, vediamo una combinazione di hatchy, progettata per la memorizzazione istantanea di slogan e modelli complessi che causano associazione con la letteratura tedesca classica. Queste associazioni non sono imitazione, ma un ripensamento inaspettato di vecchie situazioni e tecniche. Brecht sembra spostarli in una vita moderna, ti fa guardare in un modo nuovo, "Penso." Così nei primi testi, Brecht cresce la sua famosa (* 224) ricevimento drammaturgico della "osservazione". Nella poesia "Legend of the Dead Soldier", tecniche satiriche assomigliano a tecniche romantiche: un soldato che entra in battaglia sul nemico, è stato a lungo un fantasma, le persone che lo affliggono, sono fili ritrasferi, che la letteratura tedesca ha disegnato a lungo di animali. E allo stesso tempo, il poema di Brecht è un topico, in esso e intoniazione, e dipinti e l'odio della prima guerra mondiale. Militarismo tedesco, Magnifier Brecht di guerra e nella poesia del 1924 "Ballada su Madre e Soldati" Il poeta comprende che la Repubblica di Weimar non ha ancora sradicato il panthermanism militante.

Durante gli anni della Repubblica di Weimar, il mondo poetico di Brecht si espande. La realtà appare negli shock di classe acuta. Ma Brecht non è contento di ricreare solo dipinti di oppressione. La sua poesia è sempre una chiamata rivoluzionaria: queste sono la "canzone del singolo fronte", "Gloria di Forky di New York, città giganti", canzoni del nemico della classe ". Queste poesie sono chiaramente dimostrate, come nella fine degli anni '20, Brecht arriva alla visione del mondo comunista, poiché la sua rue spontanea della gioventù cresce nel rivoluzionismo proletario.

I testi di Brecht sono molto ampi nella sua portata, il poeta può catturare il quadro reale della vita tedesca in tutta la sua concretezza storica e psicologica, ma può creare un poem-pensiero, dove l'effetto poetico è ottenuto da non una descrizione, ma il Precisione e profondità di pensiero filosofico collegato con squisito, senza alcuna allegoria allegire. La poesia per Brecht è principalmente l'accuratezza del pensiero filosofico e civile. Brecht considerava la poesia anche i trattati filosofici o un paragrafo dei puzzle civili dei giornali proletari (ad esempio lo stile del poema "Messaggio del Comitato Dimitrov, che si unì a Lipsia con il Tribunale fascista" - un tentativo di portare la lingua di poesia e giornali) . Ma questi esperimenti alla fine hanno convinto Brecht che l'arte dovrebbe parlare lontano dalla lingua quotidiana. In questo senso, Brecht Lirik ha aiutato Brehtu-Drama.

Negli anni '20, Brecht affronta il teatro. A Monaco, diventa un regista, e poi il drammatourgo del teatro della città. Nel 1924, Brecht si sposta a Berlino, dove funziona nel teatro. Atti simultaneamente come drammaturgo e come teorica - riformatore del teatro. Già durante questi anni, l'estetica di Brecht, il suo aspetto innovativo dei compiti del dramma e del teatro, è stato sviluppato nelle sue decisive caratteristiche. Brecht ha delineato i suoi punti di vista teorica agli anni '20 in singoli articoli e discorsi, in seguito uniti nella collezione "contro la routine teatrale" e "sulla strada per il moderno teatro". Più tardi, negli anni '30, Brecht sistematizzò la sua teoria teatrale, chiarificando e sviluppando (* 225), nei trattati "sul dramma neoistotereleo", "nuovi principi di arte di recitazione", "Piccolo organone per teatro", "Acquisto di rame" e Alcuni altri.

Brecht chiama l'estetica e il drammaturgo "Epic", il teatro "Nearbothelevsky"; Con questo nome, sottolinea il suo disaccordo con il più importante, secondo Aristotele, il principio di un'antica tragedia, percepita più tardi in misura maggiore o minore da parte dell'intera tradizione del mondo del mondo. Il drammaturgo si oppone agli insegnamenti aristotelici sul Qatarsis. Catarsis è una tensione emotiva straordinaria e superiore. Questo lato del Qatarsis Brecht ha riconosciuto e mantenuto per il suo teatro; Potere emotivo, Pathos, manifestazione aperta delle passioni, vediamo nelle sue commedie. Ma la pulizia dei sentimenti del Qatarsis, secondo Breht, ha portato alla riconciliazione con la tragedia, l'orrore vitale è diventato teatrale e quindi attraente, lo spettatore non sarebbe nemmeno avverso per sopravvivere a sopravvivere qualcosa di simile. Brecht cercò costantemente di dissipare le leggende sulla bellezza della sofferenza e della pazienza. Nella "vita di Galileo" scrive che affamato non ha il diritto di sopportare la fame, cosa "fame" non è lì, e non mostrare pazienza, un cielo piacevole. "Brecht voleva la tragedia di eccitare riflessioni sui sentieri di prevenire la tragedia. Perciò considerava lo svantaggio dello shakespeare che sulle idee delle sue tragedie è impensabile, ad esempio, "la discussione sul comportamento del re lira" e l'impressione è creata, come se il Mount Lyra sia inevitabile: "Era sempre che è naturale. "

L'idea di Qatarsis, generata da un antico dramma, era strettamente correlata al concetto di predestinazione fatale del destino umano. I drammaturghi del loro talento hanno rivelato tutta la motivazione del comportamento umano, in pochi minuti di Qatarsis come se fulmini copriva tutte le cause delle azioni umane, e il potere di queste ragioni si è rivelato assoluto. Ecco perché Brecht ha chiamato il teatro aristotelico fatalistico.

Brecht ha visto una contraddizione tra il principio della reincarnazione nel teatro, il principio di dissolvere l'autore negli eroi e la necessità dell'identificazione visiva immediata e agitazionale della posizione filosofica e politica dello scrittore. Anche nel maggior successo e nella tendenza nel miglior senso della parola dei drammi tradizionali, la posizione dell'autore, secondo Brecht, era associata alle figure dei risonanti. Quindi il caso era anche nei dramma di Schiller, che Brecht ha apprezzato la sua cittadinanza ed i pathos etici. Il drammaturgo ha giustamente creduto che i personaggi dei personaggi non dovrebbero essere "modi di idee", che diminuiscono l'effetto artistico del gioco: "... sul palco del teatro realistico, il posto è solo persone viventi, persone in carne e sangue, con tutte le loro contraddizioni, passioni e azioni. La scena non è erbarium e non un museo dove il ripieno farcito ... "

Brecht trova la sua soluzione a questa domanda contraddittorale: prestazioni teatrali, l'azione del palcoscenico non coincide con lui con i pezzi. Fabul, la storia delle persone che recita è interrotta da commenti diretti sul copyright, dispositivi lirici e talvolta anche una dimostrazione di esperienze fisiche, leggere giornali e conferenza peculiare, sempre pertinente. Brecht rompe l'illusione del continuo sviluppo di eventi nel teatro, distrugge la magia della scrupolosa riproduzione della realtà. Teatro - Genuine creatività, oltre il superamento della semplice verità. Creatività per Brecht e il gioco degli attori, per cui solo il "comportamento naturale nelle circostanze proposto" è completamente insufficiente. Sviluppare la sua estetica, Brecht usa le tradizioni dedicate all'oblio nel teatro nazionale, psicologico del tardo XIX - inizio del XX secolo, introduce il coro e gli zoom del moderno cabaret politico a lui, deviazioni lirico caratteristica delle poesie e dei trattati filosofici. Brecht consente di cambiare il commento iniziale quando ha rinnovato i suoi giochi: a volte ha due varianti delle zone e dei cori allo stesso Fabul (ad esempio, vari procsi nella produzione della "Tre-China Opera" nel 1928 e nel 1946).

L'arte della reincarnazione Brecht considerava il obbligatorio, ma completamente insufficiente per l'attore. È molto più importante di quanto credesse alla capacità di mostrare, dimostrare la sua personalità sul palco - sia in termini civili e creativi. Nel gioco, la reincarnazione deve essere alternativa, da combinare con la dimostrazione dei dati artistici (declamazione, plastica, canto), che sono interessanti per la loro unicità, e, soprattutto, con la dimostrazione della posizione civile personale dell'attore, il suo credo umano.

Brecht credeva che una persona mantenga la capacità della libera scelta e una decisione responsabile nelle circostanze più difficili. In questa convinzione, il drammaturgo si è manifestato in una persona, la profonda convinzione è che la società borghese, con tutta la sua influenza decomposizione, non può bloccare l'umanità nello spirito dei suoi principi. Brecht scrive che il compito del "Epic Theatre" è costringere gli spettatori a "rifiutare ... dall'illusione che tutti nel luogo della figura dell'eroe si agiranno." Il drammaturgo è profondamente compreso dal dialetto dello sviluppo della società e quindi distruggere in modo crudamente la sociologia volgare associata al positivismo. Brecht sceglie sempre i modi complessi, "imperfetti" di esporre la società capitalista. "Primitivo politico", secondo il drammaturgo, è inaccettabile sul palco. Brecht voleva che la vita e le azioni degli eroi nei giochi dalla vita (* 227) della società proprietaria fecero sempre l'impressione di innaturalità. Mette un compito molto difficile davanti alla rappresentazione del teatro: confronta lo spettatore con l'idrostroiler, che "è in grado di vedere il fiume allo stesso tempo e nella sua direzione valida, e in quel immaginario, secondo cui poteva fluire, se La pendenza dell'altopiano e il livello dell'acqua sarebbe diverso..

Brecht credeva che l'immagine veritiera della realtà non sia limitata alla riproduzione delle circostanze sociali della vita che ci sono categorie universali che il determinismo sociale non può essere pienamente (l'amore dell'eroina del cerchio caucasico del cerchio cretaceo "pera a un bambino abbandonato difengato, un Impulso irresistibile di Shen de per buono). La loro immagine è possibile sotto forma di mito, simbolo, nel genere delle parabole di gioco o dei giochi-parabola. Ma in termini di realismo sociale e psicologico, il dramma di Brecht può essere messo in una fila con i maggiori risultati del World Theatre. Il drammaturgo ha seguito attentamente la legge fondamentale del realismo del X1x secolo. - la concretezza storica delle motivazioni sociali e psicologiche. La comprensione del collettore qualitativo del mondo è sempre stato un compito primario per lui. Riassumendo il suo percorso del drammaturgo, Brecht ha scritto: "Dobbiamo sforzarci per una descrizione sempre più accurata della realtà, e questo, dal punto di vista estetico, una comprensione sempre più sottile ed efficiente della descrizione".

L'innovazione di Brecht si è manifestata anche nel fatto che è riuscito a precipitarsi nelle tecniche tradizionali tradizionali armoniche non storiche ererette per la divulgazione di contenuti estetici (personaggi, conflitti, fabul) con un avvio riflettente astratto. Cosa dà un'incredibile integrità artistica, sembrerebbe che il collegamento contrastante di Fabul e il commento? Il famoso principio di Brehtov di "osservazione" - permea non solo il commento stesso, ma anche l'intero stabul. "Occupazione" di Breht e lo strumento di logica e poesia stessa, completa sorprese e brillantezza. Brecht rende la "osservazione" del principio più importante della conoscenza filosofica del mondo, la condizione più importante per la creatività realistica. Esaminando un ruolo, in circostanze non si rompono "visibilità oggettiva" e quindi meno serve realismo che "ostacolo". Brecht non è d'accordo con il fatto che la guida e la reincarnazione è il percorso della verità. K. S. Stanislavsky, che ha sostenuto questo, era, a suo parere, "impaziente". Perché il registro non rende distinzione tra la verità e la "visibilità oggettiva".

Il teatro epico - rappresenta una storia, mette lo spettatore alla posizione dell'osservatore, stimola l'attività dello spettatore, costringe lo spettatore a prendere decisioni, mostra lo spettatore un'altra fermata, eccita un interesse per lo spettatore alla linea d'azione, Si riferisce alla mente dello spettatore, e non al cuore e ai sentimenti !!!

In emigrazione, la drammatica creatività di Brecht fiorì nella lotta contro il fascismo. Era estremamente ricco di contenuti e di forma diversa. Tra i luoghi più famosi dell'Emigrazione - "Madre Coraggio e I suoi figli" (1939). Il conflitto più nitido e tragico, più critico dovrebbe esserci, secondo Brecht, il pensiero dell'uomo. Nelle condizioni degli anni '30, "Madre Coraggio" sembrava, naturalmente, come protesta contro la propagana demagogica della guerra con i fascisti ed è stata affrontata alla parte della popolazione tedesca che ha ceduto a questo demagogo. La guerra è raffigurata nel gioco come elemento, organicamente ostile all'esistenza umana.

L'essenza del "Epic Theatre" diventa particolarmente chiaro a causa del "coraggio della madre". Il commento teorico è combinato nel gioco con spietata nella sua sequenza in modo realistico. Brecht crede che sia realismo che sia il modo di esposizione più affidabile. Pertanto, nel "Coraggio della madre" così coerente e condito anche in piccoli dettagli "Genuine" volto della vita. Ma dovrebbe essere considerato in mente il biscotto di questo gioco - il contenuto estetico dei personaggi, cioè la riproduzione della vita, dove il bene e il male sono mescolati, indipendentemente dai nostri desideri, e la voce di Brecht stesso, non soddisfatto di una foto del genere cercando di approvare bene. La posizione di Brecht si manifesta direttamente nei procses. Inoltre, come deriva dalle istruzioni per la regista di Breht al gioco, il drammaturgo offre ai teatri ampie opportunità per dimostrare il pensiero dell'autore con l'aiuto di vari "ostacoli" (fotografie, progetti cinematografici, direttamente appello al pubblico).

I personaggi dei personaggi nel "Madre Coraggio" sono delineati in tutte le loro complesse contraddizioni. La più interessante è l'immagine di Anna Rassodante, coraggio della madre soprannominata. La sfaccettatezza di questo personaggio provoca una varietà di sensi di spettatori. L'eroina attira una sobria comprensione della vita. Ma lei è la produzione dello spirito mercantile, crudele e cinico della guerra dei trentani. Il coraggio è indifferente alle ragioni di questa guerra. A seconda della vaginità del destino, sta annaffiando il suo furgone, poi luterano, poi un banner cattolico. Il coraggio va in guerra nella speranza di Big Baryrs.

Il conflitto che si prende cura di Brecht tra la saggezza pratica e le raffiche etiche infetta l'intero gioco della passione della controversia e dell'energia del sermone. Nell'immagine di Catherine, il drammaturgo ha dipinto l'antipodio del coraggio della madre. Né la minaccia né la corona né la morte hanno causato Catherine ad abbandonare la soluzione dettata dal suo desiderio di aiutare almeno le persone. Un coraggio tangibile si oppone a un muto catherine, un'impresa silenziosa della ragazza, poiché risulta tutti gli ampi argomenti di sua madre.

Il realismo di Brecht si manifesta nel gioco non solo nel risultato dei personaggi principali e nella storico dei conflitti, ma anche nell'affidabilità della vita delle persone episodiche, nel multistrato di Shakespeare, simile a uno "sfondo falstfovsky". Ogni personaggio, ritrarre nel drammatico conflitto del gioco, vive la sua vita, indovremo del suo destino, della vita del passato e della vita futura e come se la voce di tutti nel coro non verniciata della guerra.

Oltre alla divulgazione del conflitto, dalla collisione dei personaggi, Breht completa l'immagine della vita nel gioco mediante progresso, in cui viene data la comprensione diretta del conflitto. La stazione più significativa è "una canzone sulla grande umiltà". Questa è una visione complessa della "osservazione" quando l'autore agisce come se dal suo volto della sua eroina, affilando le sue disposizioni errate e discute quindi con lei, ispirando il dubbio del lettore nella saggezza della "grande umiltà". Il cynical Irony Madre Coraggio Brecht incontra la propria ironia. E l'ironia di Brecht conduce lo spettatore, completamente già accesa la filosofia di prendere la vita come è, a un aspetto completamente diverso dal mondo, per comprendere la vulnerabilità e la fragranza del compromesso. La canzone dell'umiltà è una sorta di controparte straniera, che ti permette di capire il vero, opposto alla saggezza di Breht. L'intero gioco, critico della "saggezza" pratica, completa del compromesso dell'eroina, è una controversia continua con una "canzone sulla grande umiltà". La madre coraggio non gira nel gioco, essendo sopravvissuto a uno shock, lei saprà "sulla sua natura non è più di un coniglio sperimentale sulla legge della biologia". La tragica esperienza (personale e storico), arricchendo lo spettatore, non ha insegnato alla Madre del coraggio e non la ferita affatto. Catarsis, sperimentato da lei, si è rivelato essere completamente infruttuoso. Quindi Brecht sostiene che la percezione della tragedia della realtà è solo a livello di reazioni emotive in sé non è la conoscenza del mondo, c'è poco diverso dalla piena ignoranza.

Bertold Brecht era un eccezionale riformatore del Teatro occidentale, ha creato un nuovo tipo di dramma e una nuova teoria chiamata "epica".

Qual era l'essenza della teoria di Brecht? Secondo l'autore, doveva essere un dramma in cui il ruolo principale non era l'azione che giaceva alla base del "classico" teatro e della storia (da cui il nome "Epichny"). Nel processo di una storia del genere, la scena doveva rimanere la scena, e non l'imitazione della vita "plausibile", il carattere - il ruolo che l'attore si esibisce (in contrasto con la pratica tradizionale della "reincarnazione" dell'attore all'eroe), raffigurato - schizzo esclusivamente scenico, riluttanza speciale di illusione "somiglianze" della vita.

Nel tentativo di ricreare la "storia", Brecht ha sostituito la classica separazione del dramma su azioni e atti, una composizione cronaca, lungo la quale la trama dei giochi ha creato i dipinti cronologicamente correlati. Inoltre, una varietà di commenti è stata introdotta nel dramma epico, che lo ha anche portato a "Story": titoli che descrivevano il contenuto dei dipinti; Canzoni ("Sounds"), che ha spiegato inoltre quello che stava accadendo sulla scena; appello al pubblico al pubblico; Iscrizioni progettate sullo schermo, ecc.

Il teatro tradizionale ("drammatico" o "aristotelico", poiché le sue leggi erano ancora formulate da Aristotele) Enslaves lo spettatore, secondo Brecht, l'illusione della plausibilità, lo immette pienamente all'empatia, non permettendo l'opportunità di vedere cosa è accadendo dall'esterno. Brecht, che possiede un esacerba senso di socializzazione, considerato il compito principale del teatro che educava nel revisore della coscienza della classe e della prontezza per la lotta politica. Tale compito, a suo parere, potrebbe eseguire un "teatro epico", applicato, al contrario del teatro tradizionale - non ai sentimenti dello spettatore, ma alla sua mente. Introdotto da un'innovazione sulla scena degli eventi, ma una storia sul già impegnata, conserva una distanza emotiva tra la scena e la sala, costringendo così tanto empatizzare ciò che sta succedendo quanto analizzarlo.

Il principio di base del Teatro epico è l'effetto "Effetto dello scambio", un insieme di tecniche, con il quale il fenomeno familiare e familiare "è alienato", "rimosso", cioè apparentemente appare con un non familiare, il nuovo lato, causando La "sorpresa e curiosità" allo spettatore, stimolare la "posizione critica in relazione agli eventi raffigurati", incoraggiando l'azione sociale. Il "effetto dell'alienazione" nei giochi (e più tardi nelle esibizioni di Breht) è stato raggiunto da un complesso di mezzi espressivi. Uno di questi è un appello per i grafici già conosciuti ("Tre-China Opera", "Coraggio della mamma e dei suoi figli", "Cerchio caucasico chiamato", ecc.), Che concentrando l'attenzione del Vista non è su ciò che accade, ma su come Sarà avuto luogo. Altri - suoni, canzoni sono entrate nel tessuto dei giochi, ma non sono una continuazione dell'azione, ma fermalo. La stazione crea una distanza tra l'attore e il personaggio, perché esprime l'atteggiamento nei confronti di ciò che sta accadendo non il personaggio e l'autore e l'esecutore del ruolo. Da qui lo speciale, "su Brechtu", il metodo di esistenza di un attore nel ruolo, ricorda sempre lo spettatore che di fronte a lui è il teatro, non un "pezzo di vita".

Brecht ha sottolineato che l'effetto "effetto dello scambio" non è una caratteristica della sua sola estetica, ma inizialmente peculiare all'arte, che non è sempre identica alla vita. Nello sviluppo della teoria del teatro epico, ha fatto affidamento su molti stati dell'estetica dell'illuminazione e dell'esperienza del teatro orientale, in particolare del cinese. Le tesi principali di questa teoria furono finalmente formulate da Brecht nelle opere degli anni '40: "Acquisto di rame", "Scena di strada" (1940), "Piccolo organone" per il teatro "(1948).

L'effetto "effetto dell'alienazione" era un'asta che permeava tutti i livelli di "dramma epico": la trama, il sistema di immagini, parti artistiche, linguaggio, ecc., Fino allo scenario, caratteristiche dell'attrezzatura da recitazione e dell'illuminazione della fase.

"Ensemble Berliner"

Il teatro "Berlin Ensemble" è stato effettivamente creato da Bertolt Brecht nel tardo autunno del 1948. Dopo il suo ritorno in Europa dagli Stati Uniti, un uomo senza cittadinanza e senza una residenza permanente di Brecht e sua moglie - l'attrice Helena Waygel nell'ottobre del 1948 è stata accordata nel settore orientale di Berlino. Il teatro su Schiffbauerdam, che Brecht e il suo associato Erich Engel sono stati bruciati alla fine degli anni '20 (in questo teatro, in particolare, nell'agosto del 1928, Engel ha effettuato il primo stadio di Trechgros Opera Brecht e K. Weil, è stato occupato da Polksbün "il cui edificio si è rivelato completamente distrutto; Brecht non ha ritenuto possibile sopravvivere dal teatro su Schiffbauerdam guidato da Fritz Viston la squadra, e per i prossimi cinque anni la sua troupe ha riparato il teatro tedesco.

"Berliner Ensemble" è stato creato come un monolocale al teatro tedesco, che, poco prima, diretto a Wolfgang Langhof tornò dall'emigrazione. Sviluppato da Breht e Langhof "Studio Theater" è stato assunto in prima stagione per attirare famosi attori dall'emigrazione "da un tour a breve termine", tra cui Teresa Giza, Leonard Shtkekel e Peter Lorre. In futuro, "la creazione su questa base del suo ensemble" era supposta.

Per lavorare nel nuovo teatro Brecht ha attirato i suoi associati di lunga data - regista Erich Engel, artista Kaspar Neuer, compositori Hans Eisler e Paul Dessau.

Circa il teatro tedesco Brecht ha risposto imparzialmente: "... Effetti esterni e sensibilità falsa sono diventate la visione principale dell'attore. Campioni, imitazione decente, sono stati sostituiti con una pompa sottolineata e una genuina passione - un temperamento stretto. " La lotta per la conservazione del mondo, Brecht considerava il compito più importante per qualsiasi artista, e l'emblema del teatro posto sulla sua tenda, divenne il piccione del mondo Pablo Picasso.

Nel gennaio del 1949, la premiere del gioco di Brecht "Ammash Coraggio e dei suoi figli", produzioni congiunte di Erich Engel e dell'autore; Helena Waygel, Catherine ha giocato Angelik Hurwitz, Catherine - Paul Bildt. " Lavorare sul gioco Brecht è iniziata in emigrazione alla vigilia della seconda guerra mondiale. "Quando ho scritto," ha confessato più tardi, "l'avvertimento del drammaturgo suonerà con le quinte di diverse grandi città, un avvertimento che vuole fare colazione con un inferno dovrebbe essere peggiore di un lungo cucchiaio. Forse ho mostrato ingenua ... Le esibizioni che ho sognato, non hanno avuto luogo. Gli scrittori non possono scrivere con tale velocità, quale governo è scatenato dalla guerra: dopo tutto, per comporre, è necessario pensare ... "mamma coraggio e suoi figli" - tardi. " Iniziato in Danimarca, che Brecht aveva costretto a partire nell'aprile del 1939, il gioco è stato completato in Svezia nella caduta dello stesso anno in cui la guerra stava già camminando. Ma, nonostante l'opinione dell'autore stesso, la performance ha avuto un successo eccezionale, i suoi creatori ei dirigenti dei principali ruoli sono stati assegnati al premio nazionale; Nel 1954, Ammash Coraggio, già con una composizione aggiornata (il cuoco ha giocato Ernst Bush, il sacerdote - Erwin Geshonnek) è stato presentato al World Theatre Festival di Parigi e ha ricevuto il 1 ° premio - per il miglior gioco e una migliore produzione (Brecht ed Engel ).

Il 1 aprile 1949, il Politburo Sepg ha deciso di: "Crea un nuovo team teatro sotto la guida di Elena Vaigel. Questo ensemble inizierà le sue attività il 1 ° settembre 1949 e giocherà tre giochi di progressivo nella stagione 1949-1950. Le esibizioni saranno giocate sulla scena del teatro tedesco o sul teatro della camera a Berlino e si rivolgono entro sei mesi nel repertorio di questi teatri. " 1 settembre ed è stato il compleanno ufficiale di Berliner Ensemble; "Tre giochi di natura progressista", consegnati nel 1949, si sono rivelati "mamash coraggio" e "Mr. Puntila" di Breht e Vassa Zagronnova. A. M. Gorky, con Giza nel ruolo di piombo. Le prestazioni della troupe di Brecht hanno dato sul palcoscenico del teatro tedesco, hanno touiato molto nella GDR e in altri paesi. Nel 1954, la squadra ha ricevuto a sua disposizione l'edificio di Schiffbauerdamm.

Elenco di letteratura usata

http://goldlit.ru/bertTolt-brecht/83-brecht-epic-teatr.

https://ru.wikipedia.org/wiki/brecht, _bertTolt.

http://to-name.ru/biography/bertold-breht.htm.

http://lib.ru/inproz/breht/breht5_2_1.txt_with-big-pictures.html.

https://ru.wikipedia.org/wiki/mamasha_kour_i_eyu_deti.

http://dic.academic.ru/dic.nsf/bse/68831/berliner.

Bertold Brecht e il suo "Epic Theatre"

Bertolt Brecht è il più grande rappresentante della tedesca Lee-Terrace del XX secolo, l'artista della grande e sfaccettata Ta Lanta. Il suo Perù possiede giochi, poesie, romanzi. È la figura teatrale, il direttore e il teorico dell'arte del realismo social-streaming. I giochi di Brecht, sinceramente innovativi nel suo contenuto e forma, bypassare i teatri di molti paesi del mondo, e ovunque trovino il riconoscimento dal più ampio cerchio di spettatori.

Brecht è nato ad Augsburg, in una ricca famiglia del direttore di una fabbrica di secchi. Qui ha studiato nella palestra, ha quindi studiato medicina e scienze naturali presso l'Università di Monaco. Brecht ha iniziato a scrivere nella palestra. Dal 1914, nel quotidiano Augsburg Volksville, le sue poesie hanno cominciato ad apparire, gare, recensioni teatrali.

Nel 1918, Brecht fu chiamato all'esercito e per circa un anno ha servito come sanitar in un ospedale militare. Nell'ospedale, Brecht è stato ascoltato storie sugli orrori della guerra e ha scritto le sue prime poesie e canzoni anti-guerra. Lui stesso composto a loro semplici melodie e sotto la chitarra, pronunciava chiaramente le parole, parlava nei reparti prima dei feriti. Tra questi lavori soprattutto evidenziando "Ball Ladaa proposito del soldato morto "condannato la regione militare tedesca imposto dai lavoratori.

Quando nel 1918, la rivoluzione è iniziata in Germania, Brecht aveva una partecipazione attiva a essa, anche se ancora enon ha chiaramente immaginato i suoi obiettivi e i suoi compiti. È stato eletto membro del Consiglio di Augsburg Soldier. Ma la più grande impressione sul poeta ha fatto notizie sulla rivoluzione proletaria nelRussia, sulla designazione dei primi stati e dei contadini del mondo.

Era durante questo periodo che il giovane poeta finalmente si è rotto con la sua famiglia, con proprioclasse e "unito i ranghi dei poveri".

Il risultato del primo decennio di creatività poetica era una collezione di poesie di Brecht "Home Sermons" (1926). Per la maggior parte delle poesie della raccolta del serbatoio dei personaggi, deliberata maleducazione nell'immagine della brutta moralità della borghesia, così come la disperazione e il pessimismo causato dalla sconfitta della rivoluzione del novembre 1918

Questi ideo politicocaratteristiche della prima poesia di Breht caratteristico I.per le sue prime opere drammatiche - "Baal","Tamburi nella notte" e altri. Il potere di questi giochi - in sincero disprezzo econdanna della società borghese. Ricordando questi giochi in anni maturi, Brecht ha scritto che era "senza si rammaricaha mostrato come una grande alluvione riempie i borghesi pace".

Nel 1924, il famoso regista Max Renahardt.invita Brecht con drammaturgo nel suo teatro a Berlino. Qui Brecht Bitches. a partire dalscrittori progressivi F. Wolf, I. Becher, con il creatore del rivoluzionario lavorante teatroE. Pisitor, attore E. Bush, compositore G. Eisler e altro vicino a Kimi lui diartisti dello spirito. In questa atmosfera, Brecht gradualmentesuperando il suo pessimismo, le intoniazioni più coraggiose appaiono nelle sue opere. Young Drama-Turg crea opere di attualità satirici, in cui la pratica sociale e politica della borghesia imperialista è critica acuta. Tale è la commedia anti-war "che il soldato che questo" (1926). Lei èÈ stato scritto in quel periodo in cui l'imperialismo tedesco dopo la riduzione della rivoluzione è diventata vigorosamente per ripristinare l'industria con l'aiuto dei banchieri americani. Reazione ele-mentant.insieme ai nazisti, erano uniti in vari "Bund" e "Fera", hanno promosso idee revanconiste. I layout teatrali erano sempre più pieni di subacquei e militanti sostenibili.

In queste condizioni, Brecht si sforza consciamente per l'arte, vicino alle persone, arte che risveglia la coscienza di Lu-Dei, attiva la loro volontà. Rifiutando i giochi di decadenti, conducendo lo spettatore dai problemi più importanti della modernità, Brecht sta per un nuovo teatro, progettato per diventare un tipo astrovole, conduttore di idee avanzate.

Nei lavori "sulla strada per il moderno teatro", "Dialettica sul teatro", "sul dramma neoistotereleo", e altri, pubblicati alla fine degli anni '20 e all'inizio degli anni '30., Brecht critica la moderna arte moderna e stabilisce il principale Disposizioni della sua teoria "Epic teatro.Queste disposizioni riguardano il gioco di recitazione, la costruzione drammaticolavori, musica teatrale, scenario, con filmati, ecc., Brecht chiama "Horatetelian", "epico". Questo nome è dovuto al fatto che il drammo abituale si basa sulle leggi formulate da Aristotele nella sua "poetica" del lavoro e che richiedono il marciapiede obbligatorio dell'attore emotivo all'immagine.

La pietra angolare della sua teoria di Brecht rende la mente. "Epic Theatre", dice Brecht, "non fa appello così tanto da provare come spettatore alla mente". Il teatro dovrebbe diventare un pensiero Shko, mostrava la vita da una posizione veramente scientifica, in un'ampia prospettiva storica, promuovere l'idea più intemosa, aiutare lo spettatore a capire il mondo mutevole e cambiarsi. Brecht ha sottolineato che il suo teatro dovrebbe diventare teatro "per le persone che hanno deciso di prendere le proprie mani", che non avrebbe dovuto solo mostrare eventi, ma anche attivamente influenzarli, stimolare attivamente, svegliare l'aspetto dello spettatore, per costringerlo non empato, ma Per discutere, inibire la posizione critica nella disputa. Allo stesso tempo, Brecht non rinuncia al desiderio di influenzare anche il senso, le emozioni.

Per attuare le disposizioni del "Epic Theatre", Breht utilizza nella sua pratica creativa "Effetto dello scambio", cioè, l'appuntamento artistico, la nomina del quale - mostrare i fenomeni della vita da un lato insolito, per forzare guarda a Essi, valutano criticamente tutto ciò che accade sul palco. A tal fine, Brecht introduce spesso faccende e canzoni da solista nei loro giochi, spiegando e valutando gli eventi delle prestazioni, che sono solitamente ordinari da un lato inaspettato. L'effetto "effetto dello scambio" è raggiunto anche dal sistema di recitazione, scena decorata, musica. Tuttavia, Brecht non ha mai considerato la sua teoria finalmente formulata e prima della fine della vita di Ra-botal per il suo miglioramento.

Parlando con un audace innovatore, Brecht, tuttavia, usato, tutto il meglio, che è stato creato dal teatro tedesco e mondiale in passato.

Nonostante la polemica di alcune delle loro strutture teoriche, Brecht ha creato un combattimento di Drift-MITurgia davvero innovativo, che ha un orientamento ideologico acuto e vantaggi artistici dolorosi. Brecht Arts ha lottato per la liberazione della loro patria, per il suo futuro socialista e nelle migliori opere eseguite come il più grande rappresentante del realismo socialista in non Metsk e la letteratura mondiale.

Alla fine degli anni '20 - i primi anni '30. Brecht ha creato una serie di "giochi di insegnamento", che ha continuato le migliori tradizioni del teatro e destinate ad agitazione e propaganda di idee avanzate. Questi includono il "gioco di insegnamento di Badenskaya", "misura superiore", "parlando" sì "e un" animale domestico "di linguaggio e altri. Il meglio di loro -" santo john skotogen "e la scenografia della" madre "di Gorky.

Negli anni di emigrazione, l'abilità artistica di Brecht raggiunge il suo periodo di massimo splendore. Crea i suoi migliori opere che erano un grande contributo allo sviluppo della letteratura tedesca e mondiale del realismo socialista.

Plays-Pamphlet Satyrian "Testa circolare e ostrogol" - con una parodia del Reich di Hitler; Espone il de-magogo nazionalista. Non ricambio Brecht e persone normali tedesche che sono state affascinate dai fascisti a ingannare con false promesse.

Nella stessa maniera nettamente satirica, il gioco "Kar-Era Arthur Ui, che non potrebbe essere"

Nel gioco ricrea allegoricamente la storia dell'emergere della dittatura fascista. Entrambe le commedie della composizione erano una specie di dilgy antifascista. Abbinati dalle tecniche per l'effetto "effetto dello scambio", fantastico e grottesco nello spirito delle disposizioni teoriche del "Epic Theatre".

Va notato che, parlando contro il tradizionale dramma aristotelico, Brecht nella sua pratica non negarlo completamente. Quindi, nello spirito del dramma tradizionale, sono stati scritti 24 spettacoli singoli antifascisti, entrando nella collezione "paura e quadro nel terzo impero" (1935--1938). In loro, Brecht rifiuta uno sfondo convenzionale preferito e in modo molto diretto, realistico ma-nere.disegna un'immagine tragica della vita del popolo tedesco nei più grandi fascisti del paese.

Pezzo di questa collezione "fucile Teresa carrar "in ideologicola relazione continua la linea delineata nel palcoscenico"Madre" Gorky. Nel centro del gioco - eventi attuali della guerra di Gus-delta in Spagna e il debunk delle illusioni dannose dell'apoliticità e della non interferenza al momento della nazione storica dei testaniya. Semplice donna spagnola da Andalusia Rybankka Carrara.ha perso il marito e ora ha paura di perdere suo figlio, in ogni modogli impedisce di ottenere un volontario essere frantumato contro i fascisti. Crede ingenuamente nella certificazione di me - generalicosa vuoi nonlivetti pacifici neutri tride. Si rifiuta persino di rilasciare repubblicani fucilinascosto nel PSE. Nel frattempo, il figlio, pescato pacificamente catturato, le fa-shesoves vengono sparate dalla nave dalla mitragliatrice. Quindi nella consistenza di Carrara e l'illuminazione avviene. L'eroina è esente da un principio dannoso: "La mia capanna con il bordo" - eviene a te-acqua sulla necessità di proteggere la felicità nazionale con le armi nelle tue mani.

Brecht distingue due tipi di teatro: drammatico (OL "Aristoteliev-Sky") e Epic. Drammatico cerca di conquistare le emozioni dello spettatore in modo che abbia sperimentato la catarsi attraverso la paura e la compassione affinché venga dato a tutta la sua creatura sul palco sul palco, l'onda cadde, avendo perso la sensazione della differenza tra l'azione teatrale e La vita sotto-lino e sentiva che non sarebbe uno spettacolo, e il volto coinvolto in eventi validi. Il Teatro epico, al contrario, dovrebbe fare appello alla mente e imparare, deve dire allo spettatore di certe situazioni e problemi di vita, per rispettare le condizioni in cui avrebbe conservato se non calmo, quindi nel controllo del caso I suoi sentimenti e nell'adempimento della chiara co-conoscenza e del pensiero critico, non lasciando le illusioni dell'azione scenica, osservata, del pensiero, definero la sua posizione fondamentale e preleva decisioni.

Per rivelare chiaramente le differenze tra il teatro drammatico ed epico, Brecht ha programmato due file di segni.

Non meno espressive e comparative caratteristiche del teatro drammatico ed epico, formulato da Brecht nel 1936: "Lo spettatore del teatro drammatico dice: Sì, sono già un sentimento - albero .-- Questo è .-- È abbastanza naturale .-- Quindi sarà sempre .-- La sofferenza di questa persona mi colterà, perché non c'è uscita per lui .-- Questa è molta arte: tutto va senza dire in esso .-- Piango con il pianto , Rido di ridere.

Lo spettatore del teatro epico dice: che non penserei .-- Quindi non dovresti fare .-- Questo è estremamente sorprendente, quasi mai, probabilmente .-- Questo dovrebbe essere portato fine .-- La sofferenza di questa persona Mi scosse, per per lui, è ancora possibile uscire .-- Questa è un'ottima arte: niente arriva in esso .-- Rido del piano, ripenso a ridere. "

Per creare tra lo spettatore e la scena, la distanza richiesta per lo spettatore potrebbe cercare, così com'era: "Dal lato" per osservare e concludere che avrebbe "ridere di piangere e piangere sulla ridere", cioè, così che lui ha visto ulteriormente e capito quali personaggi panoramici in modo che la sua posizione in relazione all'azione sia stata la posizione di decisioni pre-atrighe spirituali e prese attive .-- Tale è il compito che, secondo il Theo RII del teatro epico, deve risolvere congiuntamente il drammaturgo, regista e attore. Per quest'ultimo, questo requisito è particolarmente vincolante. Pertanto, l'attore dovrebbe mostrare una certa persona nelle circostanze di difesa, e non essere solo. Deve in alcuni momenti del suo soggiorno sul palcoscenico stand accanto a una volta creati da lui, cioè non solo la sua forma di realizzazione, ma anche il suo giudice. Questo non significa che Brecht sia completamente negata nella pratica del teatro "educare", cioè la fusione dell'attore con l'immagine. Ma ritiene che tale stato possa verificarsi solo ai momenti e in generale deve essere subordinato alla ragionevolmente riflessiva e coscienza del ruolo del ruolo.

Brecht è teoricamente giustifica e introduce la sua creativa tika pratica come un punto fondamentalmente obbligatorio del cosiddetto "effetto dell'osservazione". Lo considera come il modo principale per creare una distanza tra lo spettatore e la scena, la creazione della teoria pianificata del teatro epico dell'atmosfera nel numero di pubblico all'azione del palcoscenico; Essenzialmente, l'effetto "effetto" è una certa formalità di formalizzazione dei perni raffigurati, è progettato per discutere l'automatismo sconveniente del pubblico per il pubblico. Lo spettatore riconosce il soggetto dell'immagine, ma allo stesso tempo, la percezione della sua immagine come qualcosa di insolito, "molto pensiero" ... in altre parole, con l'aiuto del "effetto del ricorso", del drammaturgo, del regista , l'attore mostra determinati fenomeni di vita e tipi umani non nel loro ordinario, familiare e nascondendo la forma, e da qualsiasi faccia inaspettata e nuova, costringendo lo spettatore di essere sorpreso, per guardare un nuovo modo, sembrerebbe. Le cose vecchie e famose sono più attive di interesse. Andare più in profondità per capirli. "Il significato di questa tecnica" Effetto per l'occupazione ", spiega Breht, - è ispirare un spettatore an-litico, una posizione critica in relazione agli eventi dell'evento" 19\u003e /

Nell'arte di Brecht in tutte le sue sfere (drammaturgia, direttore, ecc.), "Osservazione" viene utilizzata estremamente ampiamente nelle forme più diverse.

Ataman Robbing Shayiki è la tradizionale figura romantica della vecchia letteratura - raffigurata piegatura del libro consumabile di arrivo, in cui le operazioni finanziarie della sua "impresa" sono rappresentate in tutte le regole della contabilità italiana. Anche nelle ultime ore, prende un debito con un prestito. Tale prospettiva inaspettata e non elaborata nell'immagine del mondo criminale, nell'immagine del mondo criminale, attiva intensamente la coscienza dello spettatore, lo porta al pensiero, che era solito non venire in mente: a Gangster - Lo stesso borghese, quindi chi è borghese - non un gangster sia?

Nella forma di realizzazione del palcoscenico dei loro giochi, Brecht resorde anche ai "EF-Fekts of Operation". Introduce, ad esempio, nelle faccende di gioco e nelle canzoni da solista, il cosiddetto "Songi". Queste canzoni non sono sempre eseguite come "nel corso dell'azione", naturalmente adattate in quello che sta accadendo sulla scena. Al contrario, sono spesso enfatizzati di cadere fuori dall'azione, interrompono e "trovano" lui, viene eseguito sull'eccezionale e rivolto direttamente all'Auditorium. Brecht enfatizza anche in modo specifico questo modo a rompere l'azione e il trasferimento delle prestazioni su un altro piano: Durante le prestazioni delle canzoni della griglia, un emblema speciale è disceso o una speciale illuminazione "cellulare" non è inclusa. Le canzoni, da un lato, sono progettate per distruggere l'impatto ipnotico del teatro, non permettendo alle chapinazioni delle illusioni di palcoscenico, e, d'altra parte, sono commentati da eventi sul palco, valutarli, contribuiscono allo sviluppo di sentenze critiche del pubblico.

Tutta la tecnica stagionata nel teatro Breht è piena con gli "effetti dell'osservazione". Perestroika sulla scena viene spesso prodotto quando la tenda è spostata; Il design è "HINGING" in natura - è estremamente la mentalità del tè, contiene "solo necessaria", cioè, almeno decorazioni minime che trasmettono segni caratteristici del luogo etempo eminimo di requisito, usato e partecipazione all'azione; Le maschere si applicano; L'azione è talvolta accompagnata da iscrizioni proiettate sulla tenda o indietroe trasmettitori in forma aforistica o paradossale estremamente appuntita socialesenso fabuli.eccetera.

Brecht non ha considerato il "effetto dell'osservazione" come caratteristica di un tratto del suo metodo creativo esclusivamente. Al contrario, deriva dal fatto che questa tecnica è più o meno inerente in generale inerente alla natura di tutta l'arte, poiché non è la maggior parte della realtà, ma solo la sua immagine, che, non importa quanto vicino alla vita, ancora non può essere identicamente a lei epertanto, conclude quello o altra misuraconvenzioni, I.e. Rimotezza, "ostacoli" dall'immagine dell'immagine. Brecht ha trovato e ha dimostrato gli "effetti dell'osservazione" a forma diversa "nel teatro antico e asiatico, nella vita di Bruegel-senior e Cezanna, nel lavoro di Shakespeare, Goethe, Feichthanger, Joyce, e altri. Ma a differenza di altri artisti, In quali gatti "scoperte" possono indulgere spontaneamenteBrecht - Artista del realismo di co-cyalyst - ha portato consapevolmente questa tecnica in stretta connessione con gli oggetti pubblici che ha perseguito con il suo lavoro.

Copia la realtà per ottenere la massima somiglianza esterna per mantenere la massima approssimazione del suo aspetto direttamente sensuale o "organizzare" la realtà nel processo pro-processo della sua immagine artistica al fine di trasmettere completamente e veritosamente le sue caratteristiche essenziali (ovviamente, nel I tappeti hop specificamente a forma di formato), sono tali due poli nelle questioni estetiche dell'arte del mondo moderno. Brecht occupa una posizione completamente definita, a livello di report in relazione a questa alternativa. "La solita opinione di Ta-Cup," scrive in una delle note .-- Che il lavoro dell'arte è più realistico di quanto, più facile è scoprire la realtà. Ho controverlo alla definizione che il lavoro dell'arte è più realistico di più conveniente per la conoscenza di esso, la realtà è dominata. " Il più conveniente per la conoscenza della realtà di Brecht considerava i condizionali, "parons", che racchiudono un alto grado di generalizzazione della forma di arte realistica.

Essere artistapensieri e allegando l'eccezionale importanza dell'inizio Ra-Tsionalistic nel processo creativo, Brecht sempre, tuttavia, ha respinto una tecnica schematica, risonante e insensibile. Lui - I Can - Chiye Poet Scene p. Rivolgendosi alla mente spettatoreallo stesso tempo guardando etrova il Szvuk nei suoi sentimenti. L'impressione prodotta dai giochi e dalle produzioni di Breht può essere determinata come "bagno anticorpo intellettuale", cioè un tale stato dell'anima umana, in cui il paradiso est e l'intenso lavoro del pensiero eccitano come se l'induzione sia reazione emotiva meno grave.

La teoria del teatro epico e la teoria della "osservazione" sono la chiave dell'intero lavoro letterario di Brecht in tutti i generi. Aiutano a capire e spiegare le caratteristiche più significative e fondamentalmente importanti e la sua poesia e la prosa, per non parlare del dramma.

Se l'originalità individuale della prima creatività di Brchta in misura significativa ha influenzato il suo atteggiamento all'espressionismo, quindi nella seconda metà dei 20s, molte delle caratteristiche più importanti della visione del mondo e lo stile di Brecht acquisiscono speciali chiarezza e certezza, affrontando la "nuova businesslelenzezza". Molto senza dubbio collegato lo scrittore con questa direzione - la dipendenza avida ai segni del moderno nella vita, un interesse attivo per lo sport, la negazione del sogno sentimentale, la "bellezza" arcaica e la "profondità" "di bellezza" e "profondità" nel nome dei principi della praticità, Concretezza, organizzazione, ecc. E affatto con ciò, molto è stato separato da Brecht dalla "nuova businesslikeness", a partire dal suo atteggiamento bruscamente critico nei confronti dello stile di vita americano. Una visione del mondo marxista sempre più penetrante, lo scrittore è entrato nel conflitto non uguale con uno dii principali postulati filosofici della "nuova businesslelenzezza" - con la religione del tecnicismo. Si ribellato contro la tendenza ad approvare il primato della tecnologia è diminuito di social elamina umanistica vita:la perfezione della tecnologia moderna non lo ha accecato, in modo che non si adatta alle imperfezioni della società moderna scrisse alla vigilia della seconda guerra mondiale. Prima dello sguardo mentale dello scrittore, i contorni sinistri dell'imminente Kata-Stanza sono già stati identificati.

"Epico teatro"

teatro epico drammatico Brecht

Nel lavoro "sulla strada per il teatro moderno", "Dialettica sul teatro", "sul dramma neoistotereleo" e altri pubblicati alla fine degli anni '20, Brecht ha criticato l'arte moderna moderna e delinea le principali disposizioni del suo teoria del "teatro epico". Alcune disposizioni riguardano la recitazione, costruendo un lavoro drammatico, musica teatrale, scenario, uso del film, ecc. Brecht chiamato "NearVotelevskaya", "Epic" chiamato il suo dramma. Questo nome è dovuto al fatto che il dramma tradizionale si basa sulle leggi formulate da Aristotele nel suo lavoro "Poetics". Chiesero riccioli di attori emotivi obbligatori nell'immagine.

La base della sua teoria di Brecht ha messo una mente. "Il teatro epico appella non così tanto alla sensazione come spettatore alla mente", ha scritto Berrtold Brecht. A suo parere, il teatro doveva diventare una scuola di pensiero, per mostrare la vita da una posizione veramente scientifica, in un'ampia prospettiva storica, promuovere idee avanzate, aiutano lo spettatore a capire il mondo mutevole e cambiarsi. Brecht ha sottolineato che il suo teatro dovrebbe diventare teatro "per le persone che hanno deciso di prendere il loro destino nelle loro mani", che non avrebbe dovuto solo mostrare eventi, ma anche attivamente influenzarli, stimolare attivamente, svegliare l'attività dello spettatore, per forzarlo Per empatia, ma discutere, occupare una posizione critica, prendere il sostentamento. Allo stesso tempo, lo scrittore stesso non era affatto dal desiderio di influenzare i sentimenti e le emozioni.

Se il dramma implica un'azione attiva e un visualizzatore passivo, quindi EPE, al contrario, implica un ascoltatore o un lettore attivo. Proprio da questa comprensione del teatro e dell'idea di Brecht sullo spettatore attivo, pronto a pensare. E pensando, come ha detto Brecht, c'è qualcosa che precede le azioni.

Tuttavia, con l'aiuto dell'estetica da sola, il teatro esistente era impossibile. Brecht ha scritto: "Per eliminare questo teatro, cioè, per abolirlo, rimuovere, vendere dalle mani, è già necessario attirare la scienza, altrettanto per l'eliminazione di tutti i tipi di superstizioni, abbiamo anche attratto la scienza." B. Brecht "Conversazione nella radio di Colonia". E tale scienza, secondo lo scrittore, dovrebbe essere sociologia, cioè la dottrina sull'atteggiamento di una persona a una persona. Doveva dimostrare che il dramma di Shakespeare, che è la base dell'intero dramma, niente più diritti all'esistenza. Questo è spiegato dal fatto che quelle relazioni che hanno dato l'opportunità di comparire il dramma, se stessa sono state appese storicamente. Nell'articolo "ci eliminiamo l'estetica?" Brecht ha indicato direttamente che il capitalismo stesso distrugge il dramma e dà origine ai prerequisiti per il nuovo teatro. "Il teatro dovrebbe essere rivisto nel suo complesso - non solo i testi, non solo gli attori o anche l'intero carattere della performance, questa ristrutturazione dovrebbe coinvolgere lo spettatore, deve cambiarne la posizione", scrive Brecht nell'articolo "Drammatico dialettico". Nel teatro epico, l'individuo cessa di essere il centro della performance, quindi ci sono gruppi di persone in cui una persona separata occupa una certa posizione. Allo stesso tempo, Brecht sottolinea che non solo il teatro dovrebbe diventare un collezionista, ma il pubblico stesso. In altre parole, il teatro epico dovrebbe coinvolgere intere masse di persone. "Allora," prosegue Brecht, "una persona separata e come spettatore cessa di essere il centro del teatro. Non è più una persona privata che "onora" il teatro alla sua visita, permettendo agli attori di giocare qualcosa di fronte a lui consumando il lavoro del teatro; Non è più un consumatore, no, deve produrre. "

Per l'attuazione delle disposizioni del "Epic Theatre", Brecht utilizzato nel suo lavoro "Effetto dello scambio", cioè, l'appuntamento artistico, la nomina del quale - mostrare i fenomeni della vita da un lato insolito, per costringerli Per guardarli, valutare criticamente tutto ciò che è accaduto sul palco. A tal fine, Brecht introduce spesso faccende e canzoni da solista nei loro giochi, spiegando e valutando gli eventi della performance, rivelando il solito da un lato inaspettato. L'effetto "effetto dello scambio" è raggiunto anche dal sistema di recitazione. Con questo effetto, l'attore presenta il cosiddetto "gesto sociale" nella forma "aliennending". Sotto il "gesto sociale", Brecht comprende l'espressione nell'espressione facciale e il gesto delle relazioni sociali che esistono tra le persone di una certa epoca. Per fare questo, devi raffigurare qualsiasi evento come storico. "Un evento storico è un evento transitorio, un unico, associato a una certa epoca. Nel corso dei suoi rapporti di persone, e queste relazioni non sono solo un personaggio universale, eterno, sono caratterizzate dalla specificità, e sono criticati dal punto di vista dell'era successiva. Lo sviluppo continuo ci aliena dalle azioni delle persone che vivevano a noi "b. Bracht "Una breve descrizione del nuovo tecnico di recitazione, causando il cosiddetto" effetto di scambio ". Un tale effetto, secondo Breht, ti consente di realizzare quegli eventi della vita di tutti i giorni che sembrano essere naturali e familiari.

Secondo la teoria di Breht, il teatro epico dovrebbe dire allo spettatore di certe situazioni e problemi di vita, per osservare le condizioni in cui lo spettatore presterà se non calmo, quindi controlla i suoi sentimenti. In modo che lo spettatore non rinuncia alle illusioni dell'azione del palcoscenico, avrei pensato, definero la mia posizione principale e prendere decisioni.

Nel 1936, Brecht ha formulato le caratteristiche comparative del teatro drammatico ed epico: "Lo spettatore del teatro drammatico dice: Sì, l'ho già sentito anche io. Sono io. È abbastanza naturale. Sarà in questo modo per sempre. La sofferenza di questa persona mi scuote, perché per lui non c'è uscita. Questa è un'ottima arte: in esso, tutto va senza dire. Piango con il pianto, rido di ridere. Lo spettatore del teatro epico dice che non avrebbe pensato. Quindi non fare È estremamente sorprendente, quasi incredibile. Questo dovrebbe essere portato fine. La sofferenza di questa persona mi ridurrà, perché è ancora possibile uscire. Questa è un'ottima arte: niente da dire in esso. Rido di coloro che piangono, pago su quelli che ridono "B. B. Brecht" teoria del teatro epico ". Per creare tale teatro, gli sforzi congiunti del drammaturgo, del direttore e dell'attore sono richiesti. Inoltre, per l'attore, questo requisito è speciale. L'attore dovrebbe mostrare una certa persona in determinate circostanze, e non essere solo. Deve in alcuni momenti del suo soggiorno sul palcoscenico stand accanto alla strada creata da lui, cioè, non solo la sua forma di realizzazione, ma anche il suo giudice.

Questo non significa che Bertold Brecht sia completamente negata nella pratica teatrale del sentimento, cioè la fusione dell'attore con l'immagine. Tuttavia, credeva che un tale stato potesse verificarsi solo ai momenti e in generale dovrebbe essere subordinato al modo ragionevolmente premuroso e coscienza dell'interpretazione del ruolo.

Bigtold Brecht ha prestato grande attenzione alle decorazioni. Dal costruttore della scena, ha chiesto di studiare a fondo i giochi, tener conto dei desideri degli attori e del costante esperimento. Tutto ciò serviva come garanzia di successo creativo. "Il costruttore della scena non dovrebbe mettere nulla a volte e per sempre un luogo fisso", ha detto Brecht, "ma non dovrebbe essere in grado di cambiare o muovere nulla, perché dà una mappatura del mondo, e il mondo cambia secondo Le leggi, non completamente "B. Brecht" sul design della scena nel teatro di Nearbothelevsky. " Allo stesso tempo, il costruttore della scena deve essere ricordato della visione critica dello spettatore. E se lo spettatore non possiede un simile sguardo, il compito del costruttore della scena è dare loro uno spettatore.

Un significato importante nel teatro ha musica. Brecht credeva che nell'era della lotta per il socialismo, il suo significato sociale aumenta in modo significativo: "Chiunque creda che le masse che salivano alla lotta con la violenza svantaggiata, l'oppressione e il funzionamento, siano anche gravi e allo stesso tempo un piacevole e razionale Musica come mezzo di propaganda di idee sociali, che non ho capito un lato molto importante di questa lotta. Tuttavia, è chiaro che l'impatto di tale musica dipende in gran parte da come viene eseguito "B.Brcht" sull'uso della musica nel "Epic Theatre". Pertanto, l'appaltatore deve comprendere il significato sociale della musica, che causerà il corrispondente atteggiamento nei confronti dell'azione sul palco.

Un'altra caratteristica delle opere di Brecht è che hanno un sottotesto abbastanza franco. Quindi, uno dei giochi più famosi "Ammash Coraggio e suoi figli" è stato creato in un momento in cui Hitler suscitò la seconda guerra mondiale. E anche se la base storica di questo lavoro è stato gli eventi della guerra dei trent'anni, il gioco stesso, e in particolare l'immagine del suo personaggio principale, acquisiscono un suono senza tempo. In sostanza, questo è un lavoro sulla vita e sulla morte, sull'influenza degli eventi storici sulla vita umana.

Nel centro del gioco - Anna fircing, che è più famoso come il coraggio della mamma. Per lei, la guerra è un modo di esistenza: tira dopo l'esercito del suo furgone, dove tutti possono acquistare i beni necessari. La guerra ha portato i suoi tre figli che sono nati da diversi soldati provenienti da diversi eserciti, la guerra era la norma per il coraggio di Mamash. Per lei, cause indifferenti della guerra. Non importa chi diventerà il vincitore. Tuttavia, la stessa guerra prende tutto nella mamma masse un coraggio: uno degli stessi bambini muore uno per uno, e lei stessa rimane da sola. Il gioco di Brecht finisce con una scena in cui il coraggio di Milf si sta già trascina il furgone dopo l'esercito. Ma anche in finale, la madre non ha cambiato i suoi pensieri sulla guerra. Per Brecht, è importante che l'intuizione non fosse all'eroe, ma allo spettatore. Questo è il significato del "Epic Theatre": lo stesso spettatore deve condannare o sostenere l'eroe. Quindi, nel gioco "Ammash Coraggio e dei suoi figli", l'autore conduce alla principale eroina per condannare la guerra, alla fine capiva che la guerra è distruttiva e spietata a tutti e tutto. Ma la "intuizione" del coraggio non riceve. Inoltre, il Malash Coraggio stesso non esiste senza guerra. E quindi, nonostante il fatto che la guerra prese i suoi figli, il coraggio di Mamasha ha bisogno di una guerra, la guerra è l'unico modo per la sua esistenza.

Il termine "Epic Theatre" è stato introdotto per la prima volta da E. Pisitor, ma ha ricevuto un'ampia distribuzione estetica grazie alle opere regia e teoriche di Bertolt Brecht. Brecht ha dato il termine "Epic Theatre" una nuova interpretazione.

Bertolt Brecht (1898-1956) - Playwright tedesco, poeta, pubblicista, regista, teorica del teatro. È un partecipante alla rivoluzione tedesca del 1918. Il primo gioco è stato scritto nel 1918. Brecht ha sempre occupato una posizione pubblica attiva, che si è manifestata nelle sue commedie piene di uno spirito anti-burglais. "Mamash Coraggio e i suoi figli", "Life Galilea", "Ascent of Arthur Ui", "Cerchio Cretaceo caucasico" - il più famoso e repertorio delle sue commedie. Dopo l'arrivo di Hitler, Brecht emigrato dal paese. Viveva in molti paesi, anche in Finlandia, in Danimarca, negli Stati Uniti, creando il suo lavoro antifascista in questo momento.

Le viste teoriche di Brehtta sono riportate negli articoli: "Latitudine e diversità di modo realistico della lettera", "Natura e realismo", "Piccolo organone per teatro", "Dialettica sul teatro", "teatrale rotonda e inquietante " e altri. Brecht chiamò la sua teoria "Epic Theatre". Il compito principale del Teatro Brecht ha visto la capacità di trasmettere al pubblico le leggi di sviluppo dei dormitori umani. A suo parere, l'ex dramma, chiamato "Aristotelian", ha coltivato i sentimenti di pietà e compassione per le persone. Invece di questi sentimenti, Brecht incoraggia il teatro a causare le emozioni dell'Ordine sociale - rabbia contro gli asservitori e ammirare l'eroismo dei combattenti. Invece di drammaturgia, che contava sull'empatia del pubblico, Brecht propone i principi dei giochi di costruzione, che causerebbero sorpresa ed efficacia nel pubblico, consapevolezza dei problemi sociali. Brecht introduce la reception chiamata da loro l'effetto "effetto dello scambio", che è così conosciuto è presentato al pubblico da un lato inaspettato. Per questo, ricorre a una violazione dell'illusione panoramica della "autenticità". Cerca di fissare l'attenzione dello spettatore sui pensieri più importanti dell'autore usando l'introduzione della canzone (carcere), Chora. Brecht credeva che il compito principale dell'attore fosse pubblico. Raccomanda che l'attore si avvicina all'immagine creata dal drammaturgo, dal punto di vista di un testimone presso la Corte, appassionatamente interessata a scoprire la verità (metodo "da un testimone"), cioè, per analizzare esattamente gli atti dell'esistente persona e loro motivi. Brecht ammette reincarnazione di recitazione, ma solo nel periodo di prova, il "display" dell'immagine è "mostrando" sulla scena. MisanaSen deve essere estremamente espressivo e saturo - fino alla metafora, simbolo. Brecht, lavorando alle prestazioni, lo ha costruito sul principio del film. A tal fine, ha usato il modello "modello" del modello, cioè che fissa il film del più brillante micaneszen e poster individuale posa per consolidarli. Brecht era un avversario dell'illusione, ricreato sul palco del mezzo, un avversaro "atmosfera di stati d'animo".

Nel teatro Brecht del primo periodo, il metodo principale del lavoro è stato il metodo di induzione. Nel 1924, Brecht ha comportato per la prima volta come regista, mettendo nel Monaco di Baviera "Chamber Theatre" il gioco "Life of Eduard II English". Qui ha privato completamente le sue prestazioni abituali per la formulazione di questo tipo di pomposatezza e tempesta. La discussione sulla formulazione dei giochi classici in quel momento nel teatro tedesco era in pieno svolgimento. Gli espressionisti hanno parlato per un radicale alterazione dei giochi, poiché sono stati scritti in un'altra epoca storica. Brecht credeva anche che la candidatura dei classici non potesse essere evitata, ma credeva che il gioco non potesse essere completamente priva di storicismo. Ha prestato grande attenzione agli elementi della zona, il teatro del folklore, con il loro aiuto in rivalutare le sue esibizioni.

Nel gioco "Life of Edward ..." Brecht crea un'atmosfera piuttosto aspra e prosaica sul palco. Tutti i personaggi erano vestiti in costumi di tela. Insieme, il trono sul palcoscenico era situato una sedia rudemente colerata, e vicino a lui - una tribuna affrettata per i parlanti del parlamento inglese. King Edward in qualche modo goffamente e fu a disagio sulla sedia, e c'erano signori intorno a lui, avendo composto da un gruppo. La lotta dei leader di stato attuali nella performance si è trasformata in scandali e rosicchiare, gli incoraggianti e i pensieri delle persone attuali non differivano affatto. Ognuno di loro voleva circondare la tua lacca. Brecht, un materialista coordinato, riteneva che i registi moderni non tengano sempre in considerazione incentivi materiali nel comportamento delle persone che recitano. Lui, al contrario, era l'enfasi su di loro. In questa prima formulazione di Brehtov, il realismo del gioco è nato da un dettagliato, vicino alla ricerca dei più piccoli e insignificanti (a prima vista) eventi e dettagli. L'elemento principale della performance è stato un muro con un set di finestre, inserito nel secondo piano della scena. Quando, lungo il gioco, la perturbazione delle persone ha raggiunto il suo apogeo, tutte le persiane della finestra si aprirono, le facce arrabbiate sono apparse in loro, grida, sono state ascoltate repliche di indignazione. E tutto ciò si è fuso nel ronzio generale dell'indignazione. Si stava avvicinando la rivolta popolare. Ma come potresti risolvere le scene di battaglia? Brechtu è stato suggerito dal famoso clown nel suo tempo. Chiese Brecht Valentine - Qual è il soldato durante la battaglia? E il clown gli rispose: "Bel, come il gesso, non ucciderà - sarà intatto". Tutti i soldati della performance eseguiti in una solida Grima bianca. Ciò ha trovato il successo della ricezione di Brech verrà ripetutamente ripetutamente in diverse varianti.

Dopo aver trasferito a Berlino nel 1924, Brecht lavora per un po 'di tempo nella parte letteraria "Doycely Theater", sognando l'apertura del suo teatro. Nel frattempo, nel 1926, con i giovani attori "Doyce Theatre" mette il suo gioco iniziale "waal". Nel 1931 lavora sul palcoscenico "Pesteter", dove produce una performance sul suo gioco "che il soldato che questo" e nel 1932, sul palcoscenico "Teatro am Schiffbau-Erdamm" mette il gioco "madre".

Il teatro dell'edificio sul terrapieno di Schiffbauerdam è andato a Brechtu abbastanza per caso. Nel 1928, affitta un giovane attore Ernst Aufricht e inizia a raccogliere la sua compagnia. L'artista Kaspar Neeeer introduce Brecht con un teatro inquilino, e iniziano a lavorare insieme. Brecht, a sua volta, invita il regista Erich Engel (1891-1966), con il quale ha lavorato insieme a Monaco di Baviera e che, insieme a Brecht, ha sviluppato lo stilista del teatro epico.

Il "Teatro Am Schiffbauerdam" ha aperto la "Tre-China Opera" Brecht nella formulazione di Erich Engel. La performance, nella descrizione di Yurecht, aveva il seguente aspetto: "... Nel profondo della scena c'era un grande fascino fieristico, un jazz era situato nei gradini. Quando la musica ha giocato, le colorate lampadine sul Scarmer lampedò vivacemente. Il diritto e la sinistra sono stati collocati due schermi giganteschi per i quali sono stati progettati sulla sinistra. I dipinti del Neeeor. Durante la performance della canzone, i loro nomi sono nati con grandi lettere e lampade discendenti dalla grata. Per mescolare il Dilapidazione con la novità, lusso con un dio, la tenda era un pezzo piccolo, non molto pulito di Boshi, muovendosi intorno al filo. " Il direttore per ogni episodio ha trovato una forma teatrale abbastanza accurata. Ha usato ampiamente utilizzato il metodo di installazione. Ma tuttavia, Egnel ha preso il palcoscenico non solo maschere sociali e idee sul palco, ma i motivi psicologici del comportamento hanno visto in semplici azioni umane, e non solo sociale. In questa performance, la musica scritta da Kurt Vaile era essenziale. Questi erano i Zoys, ognuno dei quali era un numero separato ed è stato il "rimozione del monologo" del gioco dell'autore e del direttore della performance.

Durante l'esecuzione della stazione, l'attore si è opposto al proprio nome, e non per conto del suo personaggio. La performance si è rivelata acuta, paradossale, luminosa.

La troupe del teatro era piuttosto eterogenea. Ha incluso attori di varie esperienze e scuole diverse. Alcuni hanno iniziato la loro carriera artistica, altri erano già abituati alla gloria e alla popolarità. Ma il regista ha creato un ensemble di recitazione singolo nella sua performance. Brecht ha molto apprezzato questo lavoro di Engel e considerato la "opera a tre chip" un'importante forma di realizzazione pratica dell'idea del teatro epico.

Contemporaneamente con il lavoro in questo teatro, Brecht prova la sua forza e su altre scene, con altri attori. Nella formulazione di riferimento del 1931 del suo gioco "che il soldato che questo" Brecht ha organizzato sul palcoscenico del Balagan - con vestirsi, maschere, numeri del circo. Usa francamente i ricevimenti del fieno teatro, schierando prima della parabola pubblica. "Nella scena siamo andati, attaccando al filo, in modo da non cadere dal farcito nei pantaloni, i soldati giganti, spaventati da armi, i nodi, spalmati da calce, sangue ed escrementi ... due soldati , coperto con la colla e appese l'oppressione della maschera antigas, raffigurata nell'elefante anteriore ... L'ultima scena della performance - da una folla rotta su un extercase scappa con un coltello nei denti, spaventato da granate, in a Uniforme, puzzolente con fango trenchless, il timido e ben montato di ieri, la macchina di oggi per l'omicidio delle persone ", è stato detto il critico sul gioco. Brecht ha ritratti un soldato come una banda indesiderata. Loro, con la mossa delle prestazioni, hanno perso il loro aspetto umano, trasformati in brutti mostri, con proporzioni sproporzionate del corpo (mani di lunga durata). In questa parvenza di animali, li hanno trasformati, su Brecht, incapacità di pensare e valutare le loro azioni. Era il tempo - la Repubblica di Weimar delle abilità di fronte a tutti. C'era il fascismo davanti. Brecht ha detto che ha mantenuto nei suoi tempi di performance di tempo nati in 20 anni, ma lo ha rafforzato rispetto al confronto con la modernità.

Il lavoro di Brecht dell'ultimo regista di Brecht questo periodo è stato la lavorazione del gioco del romanzo di Gorky "Madre" (1932). È stato un tentativo di incarnare ancora una volta i principi del teatro epico sulla scena. Iscrizioni, poster che hanno commentato il corso di eventi, l'analisi del rafforzamento, il rifiuto di raffreddare nelle immagini, la costruzione razionale dell'intera esibizione, ha parlato della sua direzione - la performance chiamata non ai sentimenti, ma alla mente dello spettatore. La performance era ascetica in una relazione pittorica, il regista non voleva pensare che qualcosa avrebbe impedito nulla. Brecht addestrato - ha insegnato con l'aiuto della sua pedagogia rivoluzionaria. Questa performance dopo diverse rappresentazioni è stata bandita dalla polizia. La censura indignata la fase finale della performance, quando una madre con una bandiera rossa in mano era nei ranghi dei suoi compagni di combattere. La colonna dei manifestanti si è letteralmente spostata al pubblico ... e si fermò alla linea della rampa. Era l'ultima prestazione rivoluzionaria mostrata alla vigilia dell'arrivo di Hitler. Nel periodo dal 1933 al 1945, in Germania, in sostanza, c'erano due teatri: uno - il corpo di propaganda del regime di Hitler, l'altro - vivendo a Maleles, progetti e piani di tutti coloro che sono stati tagliati dal loro terreno, il Teatro di esuli. Tuttavia, l'esperienza dell'epico-teatro di Brecht è entrato nel salvadanaio delle idee teatrali del XX secolo. Non useranno più di una volta, anche sul nostro palco, specialmente nel teatro di Taganka.

B. Brecht tornerà alla Germania orientale e creerà uno dei più grandi teatri GDR - Ensemble Berliner.