Membro dell'artista dell'Associazione World of Art. Associazione creativa degli artisti "World of Art

Dettagli Categoria: Belle arti e architettura russa all'incrocio del XIX e XX secolo Pubturisces 07/08/2018 18:50 Visualizzazioni: 645

"L'opera d'arte non è importante in sé, ma solo come espressione della personalità del creatore" (Sergey Dyagilev).

In queste parole, S. Dyagilev ha espresso l'essenza degli artisti dell'unificazione del "mondo dell'arte". Per loro, l'inizio estetico nell'arte era una priorità, le idee degli animali non erano solo estranei - si oppongono loro.

Storia dell'associazione

I fondatori dell'associazione artistica "Il mondo dell'arte" erano l'artista di San Pietroburgo A.n. Benoit e figura teatrale S.P. Dyagilev.
"Il mondo dell'arte" esisteva dalla fine del 1890. E con le interruzioni fino al 1924, il nucleo principale dell'Associazione era A.N. Beno'a, L.S. Bakst, k.a. Somov, M.V. Dobuzhinsky, E.e. Lancer, I.YA. Bilibin. Adiacente all'Unione K.a. Korovin, A.ya. GOLOVIN, B.M. Kustodiev, n.k. Roerich, S.YU. Sud'eikin, B. I. Anelfeld, e altri. A vari momenti, V. Serov, I. Levitan, M. Nesterov, M. Vrubel è stato incluso nella composizione dell'Associazione. Ha condiviso le opinioni di Mirisknikov e ilya Repin.
Come abbiamo già detto, le attività dell'associazione "Il mondo dell'arte" si è contrastato ai movimenti e all'Accademia delle Arti. Ma cosa hanno offerto? Il loro programma era piuttosto controverso. Da un lato, gli artisti di questa associazione erano sostenitori della "arte pura". D'altra parte, non hanno migliorato il realismo e negli anni '10. "Il mondo dell'arte" affrontato decenni e formalismo, anche se all'inizio delle sue attività cercarono di moderno e simbolismo. La tendenza più forte del loro lavoro è stata una retrospettiva, passione per la cultura dei secoli XVII-XVIII.

Leon Bakst. Schizzo del vestito al balletto I. Stravinsky "Fire-Bird" (1910)
La maggior parte di tutte le attività del "mondo dell'arte" si è manifestata nella grafica del libro e nella scenari teatrali. Difendere il significato e l'integrità della soluzione della performance, un ruolo attivo nell'artista, "il mondo dell'arte" ha continuato la riforma dell'arte teatrale-decorativa, iniziata dai decoratori dell'opera S.I. Mamontov.

A. Benua. Illustrazione alla poesia A.S. Pushkin "rame cavaliere"
Le opere di decorazione degli artisti del mondo delle Arti sono caratterizzate da un'elevata cultura, arricchimento del teatro da parte dei risultati della pittura moderna, integrità artistica di soluzioni, un sapore sottile e profondità di interpretazione delle opere panoramiche, incluso il balletto.

Prerequisiti per la creazione dell'unificazione "World of Art"

B.M. Kustodiev "Ritratto di Artisti della Società" World of Art "" (1916-1920). Museo di stato russo (Petersburg)

Sfondo dettato tempo stesso. Alla fine del XIX secolo. Molti giovani artisti erano delusi dal dipinto accademico, che ha sostenuto ufficialmente l'Accademia delle Arti. All'inizio, diversi giovani artisti che non hanno sempre avuto una formazione d'arte (ad esempio, Alexander Benua ha studiato presso la Facoltà di Facoltà dell'Università di San Pietroburgo).
Gli artisti hanno unito il desiderio per il passato, la ricerca di ideali nell'arte dell'era di Pietro I, nel barocco del centro del XVIII secolo, nell'ampir di Pavlo I. hanno anche rispettato il patrimonio culturale dell'Europa occidentale.
Critico v.v. Stasov ostile ai membri della nuova Associazione, perché Erano lontani dall'arte democratica. Vide in loro solo i decenni rappresentanti.

"Seasons russors" S. Dyagileva

V. Serov. Ritratto di DyAgileva (1909)
Un ruolo importante apparteneva agli artisti della "Pace mondiale" nel design delle esibizioni delle "stagioni russe" all'estero organizzate da S.P. Dyagilev, uno dei leader e ispiratori ideologici della "Pace mondiale". Nel 1899-1904. Dyagilev è stato pubblicato a San Pietroburgo la stessa rivista.

B. Anisfeld "Regno sottomarino", composizione per lo stesso nome Balletto fantastico per la musica da Opera "Sadko" N. Rimsky-Korsakov. "Stagioni russe" all'estero, Anthrepriz S. Dyagileva (1911). Shatle Theatre (Parigi)
"Seasons Russors" - Verco a turismo degli artisti russi di Balletto e dell'Opera (1908-1929), organizzato dal famoso lavoratore della cultura e dell'imprenditore Dyagilev all'estero: dal 1908 - a Parigi, dal 1912 - a Londra, dal 1915 - in altri paesi . L'attività principale di Affriz è diventata Ballet. Le opere sono state fatte prevalentemente fino al 1914. Ma l'inizio delle "stagioni russe" era il 1906, quando Dyagilev ha portato la mostra di artisti russi a Parigi. Nel 1908, l'Opera Boris Godunov è stata adempiuta a Parigi, A. Benua, K. Yuon, E. Lancere ha partecipato a Seghe di costumi creati I. Bilibin; I solisti dell'Opera erano Chaliapin, Castor, Smirnov, Yermolenko-Youth e altri. Nel 1908-1909. Opera "Pskovtyanka" di Roman-Kororsakov, "Prince Igor" Borodin e altri sono stati eseguiti.

A. Benua. Schizzo del balletto "Silfuri"
Nel 1909, i balletti mm sono stati mostrati per la prima volta per la prima volta. Fokina: "Armid Pavilion" (Cappuccio. A.n. Benois), Danza Polovsy (Cappuccio. N.K. rerigh); "Sylphides" ("Shostenian") sulla musica di Chopin, "Cleopatra" ("Notti egiziane") dell'isola (cappuccio. L.S. Bakst) e il divertimento "Pier" sulla musica di Glinka, Tchaikovsky, Glazunov, Mussorgsky.
La troupe del balletto consisteva in artisti dei grandi teatri di San Pietroburgo Mariinsky e Mosca. Soloisti: A.P. Pavlova, v.f. Nizhinsky, T. P. Karsavina, E.V. Gelzer, S.F. Fedorova, M.M. Murdkin, v.a. Karalli, M. P. Fomanan e altri. Balletmaster - M.M. Fokin.
Dal 1910, le stagioni russe passarono senza la partecipazione dell'opera. Nel 1911, Dyagilev ha deciso di creare una troupe permanente, che è stata finalmente formata dal 1913 e ha ricevuto il nome "Balletto russo Dyagilev".

Leon Bakst. Schizzo del costume al balletto Nizhinsky "Pomerognoon Rest of Favna" (1912)
Con la nuova stagione del 1912, Dyagilev ha iniziato a cambiare il carattere dei suoi imprenditori, sempre più in partenza dall'idea tradizionale del balletto e passando verso nuove forme sperimentali. Dopo la morte di Dyagilev nel 1929, la sua troupe era rotta.
"Le stagioni russe" hanno svolto un ruolo enorme nella propaganda dell'arte russa all'estero e nello sviluppo del processo artistico globale del XX secolo.

Magazine "World of Art"

Leon Bakst. Rivista di copertina "World of Art" № 2 per il 1902

Uno degli organizzatori e degli ideologi dell'associazione artistica "Il mondo dell'arte" è stato Alexander Benoit, e la rivista ha organizzato Sergey Dyagilev ai mezzi della principessa M. Tenisheva e la Moscow PetShenate Savva Mamontov. Dopo la sua bancarotta, V. Serov si occupava della fornitura di riviste di sostegno pubblico. Il Segretario dell'edizione della Pubblicazione è stato il cantiere pubblico, artistico e letterario critico D. filosofi.

Ulteriore storia dell'associazione artistica "World of Art"

Il periodo classico nella vita dell'associazione si riferisce al 1900-1904. In questo momento, l'Associazione ha distinto la speciale unità dei principi estetici e ideologici. Il 24 febbraio 1900, una riunione dei partecipanti delle mostre delle riviste si è tenuta nella direzione editoriale del Journal of Art, che ha partecipato artisti L. Bakst, A. Benua, I. Bilibin, I. Braz, I. Walter , Ap. Vasnetsov, N. Dosekin, E. Lancere, I. Levitan, F. Malavin, M. Nesterov, A. Owber, A. Ostrumova, V. Purvitis, F. Rushitz, Sveoslavsky, K. Somov, V. Serov, Ya. Zesglinsky, S. Dyagilev.
Dopo il 1904, l'Unione si è espansa, ma ho perso l'unità ideologica. Nel 1904-1910. La maggior parte dei membri del "mondo dell'arte" faceva parte del "Unione degli artisti russi". Nel 1910, la società d'arte "il mondo dell'arte" è stato rianimato, il presidente è stato eletto n.k. Roerich.
Dopo la rivoluzione, molte delle sue figure emigrarono. L'Unione ha effettivamente fermato l'esistenza del 1924. L'ultima esibizione del "World of Art" si è tenuta a Parigi nel 1927.
Sul lavoro di alcuni artisti, membri dell'Unificazione "World of Art", racconteremo in articoli separati.

"ABC del mondo dell'arte"

Nel 1911, M. Dobuzhinsky ha fatto un comico "ABC del mondo dell'arte" - una serie di cartoni acquerelli su Miriskussnikov da A a Ya.

"Il mondo dell'arte" è un'organizzazione emersa nel 1898 e unita i maestri della più alta cultura artistica, l'art élite della Russia di quegli anni. L'inizio del "World of Art" ha posto le serate nella casa di A. Benois, dedicata all'arte, alla letteratura e alla musica. Le persone che hanno raccolto lì, unito l'amore della bella e della fiducia che si può trovare solo in artistico, come la realtà della mente. Arrivando, così come la reazione al bruciatore del movimento "tardivo", "il mondo dell'arte" si è trasformato presto in uno dei maggiori fenomeni della cultura artistica russa. Quasi tutti noti artisti, Benouua, Somov, Bakst, Lancer, Golovin, Dobuzhinsky, Vruzh, Serov, Korovin, Levitan, Nesti-fossa, Ryabushkin, Romanich, Kustodiev, Ryabushkin, Roerich, Kustodiev, Petrov-Vodkin, Malywin e Larion e Goncharov, hanno partecipato a questa Unione. Una grande importanza per la formazione di questa associazione è stata l'identità di Dyagileev, il patrocinio e la struttura delle mostre, e successivamente - il tour impresio del balletto russo e l'opera all'estero ("stagioni russe", introdotta in Europa con il lavoro di Chaliapina, Pavlova, Fokina, Nizhin-Skogo, ecc.). Alla fase iniziale dell'esistenza del "World of Art", Dyagilev ha organizzato una mostra di acquerelli inglesi e tedeschi a San Pietroburgo nel 1897 e la mostra di artisti russi e finlandesi nel 1898. Sotto i suoi redattori, dal 1899 al 1904, Una rivista è pubblicata sotto lo stesso nome composto da due dipartimenti: artistico e letterario (l'ultimo - piano religioso e filosofo, D. Merezhkovsky collaborato in esso e 3. Hybio prima della scoperta nel 1902 della sua rivista "New Path". Allora il suo Direzione religiosa e filosofica nella rivista "Il mondo dell'arte" ha dato il posto del luogo della teoria dell'estetica, e la rivista in questa parte era il tribuno dei simboli diretti da A. Bianco e V. Bryusov). La rivista aveva un profilo di almanacco letterario e artistico. Fortemente equipaggiato con illustrazioni, a, allo stesso tempo, è stato uno dei primi campioni dell'arte del design del libro - il campo dell'attività artistica, in cui Miriskusniki si è esibita con genuini innovatori. Disegno del carattere, composizione della pagina, screensaver, che termina sotto forma di vignette - tutto è completamente pensato.

Negli articoli editoriali delle prime questioni del Journal, le principali posizioni di "Miriskusenikov" sull'autonomia dell'arte sono state chiaramente formulate, che i problemi della cultura moderna sono esclusivamente i problemi della forma artistica e che il principale compito dell'arte è Per educare i gusti estetici della società russa principalmente attraverso la conoscenza dei lavori Miro Art. È necessario darli dovuti: grazie a Miriskusniki, l'arte inglese e tedesca è stata davvero valutata in un nuovo modo, e soprattutto, la scoperta per molti era il dipinto del XVIII secolo russo e l'architettura del classico di San Pietroburgo. "Miriskuseniki" ha combattuto per "critica come arte", proclamando lo storico ideale non scienziato-arte, ma una critica-artista con un'elevata cultura professionale e erudizione. Il tipo di tale critica ha incarnato uno dei creatori della "Pace mondiale" A.n. Benua.

Uno dei luoghi principali delle attività del Journal è stata promossa dai risultati della più recente arte russa e particolarmente occidentale. In parallelo, questo "World of Art" introduce la pratica delle mostre congiunte di artisti russi e occidentali europei nell'uso delle mostre congiunte. La mostra per-waja "Miriskusenikov" United United, oltre a russo, artisti di Francia, Inghilterra, Her-Mani, Italia, Belgio, Norvegia, Finlandia, ecc., Sia i pittori di San Pietroburgo e Moscow e la grafica ne hanno preso parte. Ma la crepa tra queste due scuole è San Pietroburgo-Gaska e Mosca - delineata per quasi un giorno. Nel marzo del 1903, l'ultima, la quinta mostra "World of Art" è stata chiusa, nel dicembre del 1904 è stata rilasciata l'ultima questione della rivista "World of Art". La maggior parte degli artisti si è trasferita all'unione organizzata "Artisti russi", gli scrittori - e il gruppo aperto della rivista Meriazhkovskogo "New Way", simboists di Mosca unito intorno alla rivista "Bilance", i musicisti hanno organizzato la "sera della musica moderna ", Dyagilev andò a balletto e teatro. La sua ultima attività significativa nell'arte visiva è stata la grande mostre storica del dipinto russo da icona pittura alla modernità nel salone autunnale di Parigi del 1906, esposto allora a Berlino e Venezia (1906 - 1907). Nella sezione del dipinto moderno il posto principale è stato occupato da Miriskusniki. Il primo atto del riconoscimento di tutto il mondo del "mondo dell'arte", nonché l'apertura del dipinto russo dei secoli XVIII - primitivi XX. In generale, per le critiche occidentali e il vero trionfo dell'arte russa.

Nel 1910, un tentativo è stato reso di nuovo inalando la vita nel "mondo dell'arte". Nell'ambiente dei pittori in questo momento c'è silenzio. Benoit e i suoi sostenitori sono aumentati con la "Unione degli artisti russi", con i muscoviti, e escono da questa organizzazione, ma capiscono che l'associazione secondaria chiamata "World of Art" non ha nulla a che fare con il primo. Benois con tristezza afferma che "nessuna riconciliazione sotto il banner è diventata uno slogan in tutte le sfere della vita, ma una feroce lotta". La gloria è venuta a Miriskusniki, ma il "mondo delle arti", infatti, non era più lì, anche se formalmente, l'unione esisteva prima dell'inizio degli anni '20 - sotto l'assenza di integrità, su tolleranza illimitata e flessibilità delle posizioni, recriminando Artisti da Rylov a Tatlin, da Grabar a Stegal. Come non ricordare gli impressionisti qui? Il Commonwealth, che un tempo era nato nel laboratorio di Gleira, nel "salone di raffinato", ai tavoli del caffè, Gerbua e che ha dovuto avere un enorme impatto su tutta la pittura europea, anche interrotto sulla soglia del suo riconoscimento . La seconda generazione di MIRISKUSENIKOV meno impegnati problemi della pittura della macchina, i loro interessi si trovano nel grafico, del libro principalmente e dell'arte teatrale-decorativa, in entrambe le sfere hanno prodotto una vera riforma artistica. Nella seconda generazione di "Miriskuseniki" c'erano grandi individui (Kustodiyiv, Sudyikin, Serebryakov, Chekhronin, Grigoriev, ecc.), Ma gli artisti degli innovatori non erano affatto, perché dai 10 "World of Art" si sovrappongono un'ondata di epigalismo. Pertanto, quando il "mondo dell'arte" è caratteristico, sarà principalmente sulla prima fase dell'esistenza di questa associazione e del suo kernel - Benouua, Somov, Bakx.

Pauluming con arte accademica-salone, da un lato, e con la fine del movimento - d'altra parte, il "mondo dell'arte" proclama il rifiuto della tendenza sociale diretta, come dal fatto che presumibilmente fa la libertà di sé Raffinazione nell'arte e viola il diritto di forma artistica. Successivamente, nel 1906, un artista leader e un'ideologo del raggruppamento A. Benua annuncerà lo slogan dell'individualismo, con il quale il "mondo dell'arte" parlava all'inizio, "eresia artistica". Quel individualismo, che ha proclamato il "mondo dell'arte" all'inizio dei suoi discorsi, non era altro che sostenere i diritti della libertà di un gioco creativo. Miriskusnikov non ha soddisfatto la prima metà del 19 ° secolo inerente all'arte visiva della seconda metà del XIX secolo, e al suo interno - su alcuni generi e sui grafici identificati (rilevanti) "con una tendenza". Tutto ciò che ama e ciò che l'artista adora in passato e presente, ha il diritto di essere incarnato nell'arte, indipendentemente dalla malizia del giorno, era un tale programma creativo del mondo dell'arte. Ma in questo primo sguardo un ampio programma era una limitazione significativa. Dal momento che "Miriskusniki" credeva, solo ammirazione per la bellezza genera genuino entusiasmo creativo, e diretto realtà, consideravano, alieni alla bellezza, l'unica pura fonte di bellezza, e, quindi, l'ispirazione stessa è l'arte stessa come la sfera di l'eccellente vantaggio. L'arte, quindi, diventa una specie di prisma, attraverso il quale "Miriskusniki" considera passato, presente e futuro. La vita è interessata a loro solo dentro, come si è già espressa nell'arte. Pertanto, nel loro lavoro, sono gli interpreti della bellezza già perfetta e pronti. Da qui l'interesse preferenziale degli artisti della "Pace mondiale" al passato, in particolare le epoche del dominio di un singolo stile, consentendo di evidenziare il principale, dominante ed esprimere spirito dell'epoca "linea di bellezza" - gli schemi geometrici Di classicismo, curlù capriccioso rococò, forme succose e luci barocche, ecc.

Alexander Nikolaevich Benua (1870-1960) è stato il principale legislatore principale e estetico del "mondo dell'arte" (1870-1960). Incontri questo artista si è distinto da una straordinaria versatilità, e il volume delle conoscenze professionali e il livello della cultura comune non si è uguale al cerchio altamente istruito di artisti del "mondo dell'arte". Painter e Schedule-Stankovist, Illustrator e Designer Book, Master of Teatrical Scenery, Director, Autore del Ballet Libretto, Benoita è stato simultaneamente uno storico eccezionale dell'arte russa e dell'Europa occidentale, un pubblico teorico e acuto, un critico approfondito, una grande figura del museo , un intenditore di intensità, musica e coreografia incomparabili. Tuttavia, il trasferimento delle sfere della cultura, profondamente studiato da Alexander Benua, non dà una vera idea dell'aspetto spirituale dell'artista. È essenziale che non c'era niente di pedante nella sua incredibile erudizione. La caratteristica principale del suo carattere dovrebbe essere chiamata amore per tutto il consumo per l'arte; La versatilità della conoscenza servita solo dall'espressione di questo amore. In tutte le sue attività, nella scienza, la critica artistica, in ogni movimento dei suoi pensieri, Benua è sempre rimasta un artista. I contemporanei hanno visto in esso una forma di realizzazione vivente dello spirito dell'artista.

Ma in Guise di Benua c'era un'altra caratteristica, si notava acutamente nelle memorie Andrei White, che si sentiva nell'artista principalmente "il diplomatico del partito responsabile della" Pace del mondo ", conducendo un grande caso culturale e sacrificando per il bene di un intero - a molti; UN. Benua era il principale politico in esso; Dyagilev è stato impresario, imprenditore, direttore; Benua ha dato, per così dire, testo messo in scena ... ". La politica d'arte di Benois unita a lui tutte le figure del "mondo dell'arte" intorno a lui. Non era solo un teorico, ma anche l'ispiratore delle tattiche del mondo dell'arte, il creatore dei suoi programmi estetici modificabili. L'incoerenza e l'incongruenza delle posizioni ideologiche della rivista è in gran parte dovuta alla incoerenza e alla incoerenza delle viste estetiche del Benoit in quella fase. Tuttavia, questa incoerenza stessa, che rifletteva le contraddizioni dell'era, dà la personalità dell'artista speciale interesse storico.

Benua posseduto, inoltre, un meraviglioso regalo pedagogico e ha condiviso generosamente la sua ricchezza spirituale non solo con gli amici, ma anche con "tutti coloro che volevano ascoltarlo. È questa circostanza che la forza dell'influenza di Beno'a è dovuta all'intera cerchia di artisti della "Pace mondiale", che, secondo A.P. Il simpatico cigno, passò "lui, inosservato per se stesso, una scuola di gusto artistico, cultura e conoscenza".

Con la nascita e la raccolta di Benouua appartenevano all'intelligenza artistica di San Pietroburgo. Per un certo numero di generazioni, l'arte era una professione ereditaria nella sua famiglia. Praded Benoit sul K.a Maternal Kavos era un compositore e un conduttore, nonno - architetto, costruito molto a San Pietroburgo e a Mosca; Il padre dell'artista era anche un importante architetto, il fratello maggiore godeva di fama come pittore-acquereo. La coscienza dei giovani benois si sviluppò in un'atmosfera d'arte e interessi artistici.

Successivamente, ricordando la sua infanzia, l'artista ha perfettamente enfatizzato due getti spirituali, due categorie di esperienze, hanno influenzato con forza la formazione delle sue opinioni e in un certo senso ha determinato la direzione di tutte le sue ulteriori attività. I primi e più forti di loro sono legati alle impressioni teatrali. Dai primi anni e, per tutta la sua vita, Benua ha sperimentato una sensazione che è difficile chiamare altrimenti come il culto del teatro. Il concetto di "artisticità" è stato invariabilmente associato a Beno'a con il concetto di "teatralità"; È nell'arte del teatro che ha visto l'unica opportunità di creare in condizioni moderne sintesi creativa di pittura, architettura, musica, plastica e poesia, per svolgere la fusione organica delle arti, che gli sembrava il più alto obiettivo di cultura artistica.

La seconda categoria di esperienze adolescenze, che ha avuto un'impronta indelebile sulle viste estetiche di Benoit, deriva dalle impressioni della residenza del paese e della periferia di San Pietroburgo - Pavlovsk, il centro storico di Kusheleva-Bezborodko sulla riva destra della Neva e , soprattutto, da Peterhof e ai suoi numerosi monumenti d'arte. "Da queste ... Le impressioni di Peterhof ... Probabilmente, il mio ulteriore culto di Peterhof, il villaggio Tsarsky, Versailles, stava accadendo", ha respinto l'artista. Le prime impressioni ed esperienze di Alexander Benua sono le origini della grassetto rivalutazione dell'arte del XVIII secolo, che, come detto sopra, è uno dei più grandi meriti del "mondo dell'arte".

I gusti artistici e le viste del giovane Benoit sono stati formati in opposizione alla sua famiglia, che hanno aderito a conservare le opinioni "accademiche". La decisione di diventare un artista lo ha maturato molto presto; Ma dopo un breve soggiorno all'Accademia delle Arti, che ha portato solo delusione, Benoit ha scelto di ricevere la formazione legale presso l'Università di San Pietroburgo, e la formazione artistica professionale per andare da sola, secondo il suo programma.

Successivamente, la critica ostile ha ripetutamente chiamato Benua al dilettante. Non era proprio vero: lezioni persistenti quotidiane, una formazione permanente nel disegno dalla natura, l'esercizio della fantasia nel lavorare su composizioni in collaborazione con uno studio approfondito della storia delle arti ha dato l'abilità fiduciosa dell'artista, non inferiore all'abilità dei suoi pari che hanno studiato all'Accademia. Con la stessa perseveranza, Benoit si stava preparando per le attività dello storico dell'arte, studiando l'eremo, lo styling la letteratura speciale, viaggiando attraverso città storiche e musei di Germania, Italia e Francia.

Immagine di Alexander Benoit "Walk of the King" (1906, lo stato Tretyakov Gale-Reia) è uno dei campioni più brillanti e tipici di dipingere il "mondo dell'arte". Questo lavoro è incluso nel ciclo di dipinti, resuscitando le scene dei Versailles dell'Epoca del "re del sole". Il ciclo del 1905-1906 a sua volta è una continuazione della precedente Suite Versailles del 1897-1898, intitolata "Liswick Louis Xiv", iniziata a Parigi sotto l'impressione delle Memorie del Duke de Saint-Simon. La ricostruzione storica del XVII secolo fu fusa nei paesaggi versati di Benua., Impressioni dell'artista moderno, la sua percezione del classicismo francese, incisione francese. Da qui la chiara composizione, la chiara spazialità, la grandezza e il freddo ritmo dei ritmi, l'opposizione della grandezza dei monumenti dell'arte e della piccolezza delle figure umane, che sono tra cui solo lo stafferage - la prima serie chiamata "Lisovika Louis Xiv" scorso.

Versailles di Benois è una specie di paesaggio elegia, un bel mondo che ha portato l'aspetto di un uomo moderno sotto forma di una scena deserta con le decorazioni tempestate di una lunga prestazione giocata. Precedentemente, grandi, suoni e vernici completi, questo mondo ora sembra leggermente spettrale, silenzio del cimitero contorto. Non è un caso che la "camminata del re" Benua raffigura il parco di Versailles in autunno e ad un'ora di sera leggera crepuscolo, quando una "architettura" senza fuoco di un normale giardino francese sullo sfondo di un cielo leggero si trasforma un pass-through, effimero pop-top. L'effetto di questa immagine è simile come se avessimo visto la vera scena grande in una distanza acuta dal balcone dell'ultimo livello, e poi, considerando questo mondo di grandi dimensioni in binocolo, combinerebbe queste due impressioni in una singola visione. Di gran lunga avvicinarsi e prende vita, rimanendo lontano, il valore del giocattolo Thewist. Come nelle romantiche fiabe, una certa azione è giocata in questa scena in questa scena: il re nel centro parla con Freillan, accompagnato dalla marcia esattamente agli intervalli stabiliti per loro e davanti a loro è cortigianato. Tutti loro, come se le figure delle corone vintage, sotto i suoni della luce del menu dimenticato, scorrere lungo il bordo del serbatoio. La natura teatrale di questa fantasia retrospettiva è sottilmente rivelata dall'artista stesso: rivive le figure di Amurov frisky che abitano la fontana - stanno compendendo un pubblico rumoroso, che ha un pubblico rumoroso situato ai piedi della scena e della presentazione dei burattini , giocato da persone.

Il motivo di solenne uscite, viaggi, passeggiate, come la caratteristica affiliazione del rituale domestico dei tempi passati dei tempi passati, era uno dei preferiti "Miriskusniki". Con una specie di variazione di questo motivo, ci incontriamo a Petra I "A v.a. Serov e nella foto G.E. Lancer "Imperatrice Elizabeth Petrovna in Tsarskoye Selo" (1905, GGT). A differenza di Beno'a con la sua estetizzazione della geometria razionalistica del classicismo, Lancer attrae il pacchetto sensuale del barocco russo, il materiale scultoreo delle forme. L'immagine dell'Antennale Elizabeth e del suo Pink, fracassato con un approssimativo Pomp è privato dell'ombra della bufala teatrale, che è peculiare della "King's Walk" di A. Benua.

Nel semi-succhiano, il re del giocattolo è allontanato da Benua che non è diverso da Louis XIV, la cui comitato si distingueva da un'incredibile magnitudine e splendore, ed era l'era del periodo di massimo splendore dello stato francese. In questo intenzionale riducendo l'ultima grandezza, è stato concluso una specie di programma filosofico - tutto serio e grande a sua volta è destinato a diventare una commedia e una farsa. Ma l'ironia di "Miriskusenikov" non significa solo scetticismo nihilista. Lo scopo di questa ironia non è affatto screditato il passato, e solo il contrario - la riabilitazione del passato di fronte alla possibilità di una relazione nichilistica con lui attraverso una dimostrazione artistica del fatto che l'autunno delle culture annette è Bello, come la loro primavera ed estate. Ma, quindi, il fascino malinconico speciale, che è notato il fenomeno della bellezza del "Mir of Tappeti", è stato acquistato dal prezzo della prigionia di questa bellezza della sua connessione con i periodi in cui si trovava nella completezza del potere vitale e grandezza. Estetica del "World of Art" Alien Categories del grande, elevato, bello; Bello, elegante, grazioso la sua più probabile. Nel suo limite espressione, entrambi questi momenti - un'ironia sobria, confinante con scetticismo nudo, ed estetismo, confinante con l'esaltazione sensibile, si combinano nel lavoro del più difficile dei maestri del Gruppo - K.a. Somov.

Le attività di Benoit - critiche artistiche e storico dell'arte, aggiornando i metodi, e gli argomenti dell'arte e dei temi russi, è un intero stadio nella storia della scienza della Storia della Scienza della Storia Art-Sovrani (vedi "La storia del dipinto del XIX secolo" R. Madre - Tom "Russian Painting", 1901-1902; "Scuola russa di pittura", edizione 1904; "Villaggio Tsarist nel regno dell'Elter-Tsy Elizabeth Petrovna", 1910; articoli nelle riviste "Il mondo dell'arte "E" vecchi anni "," arte e due tesori della Russia "ed ecc.).

Secondo il riconoscimento unanime degli associati più vicini, così come sulla testimonianza della crescita successiva, Somov era la cifra centrale tra gli artisti della "Pace del mondo" nel primo periodo della storia di questa associazione. I rappresentanti del cerchio del "mondo dell'arte" hanno visto in lui il grande maestro. "Il nome di Somov è noto a qualsiasi persona istruita non solo in Russia, ma anche in tutto il mondo. Questo è il mondo del mondo ... è stato a lungo fuori da entrambe le scuole e epoche, e persino la Russia e si unì all'Arena del mondo del genio ", ha scritto il poeta M. Kuzmin su di lui. E questo è lontano da una singola e nemmeno la revisione più entusiasta. Se Dyagileva dovrebbe essere definito l'organizzatore e il leader, e Benois - il leader ideologico e il principale teorico di un nuovo corso artistico, poi Somov apparteneva all'inizio il ruolo dell'artista principale. L'adorazione dei contemporanei è dovuta al fatto che era nel lavoro di Somov che i principali principi visivi sono stati emersi e formati, che erano nelle future orientamenti per l'intero gruppo della "Pace dell'arte-Protezione".

La biografia di questo maestro è molto tipica per il cerchio del "mondo artistico". Konstantin Andreevich Somom (1869-1939) era il figlio del guardiano dell'eremo - una famosa figura artistica e collezionista. L'atmosfera dell'arte lo circondava dall'infanzia. L'interesse per la pittura, il teatro, la letteratura e la musica sono originati da Somov molto presto e attraversato tutta la sua vita. Dopo aver lasciato la palestra (1888), dove la sua amicizia iniziò con Alexander Benoit e il filosofo, il giovane Somov entrò nell'accademia delle Arti e, in contrasto con tutti gli altri fondatori del mondo dell'arte, trascorsi quasi otto anni (1889-1897 ). Ha preso una fila di viaggiare all'estero - in Italia, Francia e Germania (1890, 1894, 1897-1898, 1899, 1905).

A differenza della maggior parte dei suoi argomenti sul "World of Art", Somov non ha mai insegnato, non ha scritto articoli, non ha provato a svolgere alcun ruolo nei circoli pubblici. La vita dell'artista procedette chiusa e isolata, tra i pochi amici - artisti dedicati solo al lavoro, leggere, musica e raccolta di oggetti antichità.

Due caratteristiche caratteristiche si distinguono per l'individualità artistica di Somov. Uno di questi è determinato dalla sua maturità creativa relativamente precoce. Somov era un maestro abile e un artista completamente originale, quando i suoi pari Bakst e Benois stavano appena cominciando a cercare un percorso indipendente nell'arte. Ma questo vantaggio presto si è trasformato in svantaggio. Già i contemporanei più sensibili sentono qualcosa di doloroso nella maturità prematura di Somov. La seconda caratteristica di Somova Zorkko è stata informata dal suo amico e dall'ammiratore S. Yaremich: "... Somov per natura un potente realista, un relativo Vermeleu-Wang Delft o Peter de Ghoke, e il dramma della sua posizione è di dividere che ogni pittore russo eccezionale. Da un lato, comporta e manetta la vita ..., d'altra parte, l'incoerenza della vita comune con la vita dell'artista lo distrae dai tempi moderni ... c'è un artista diverso, così dalla coda di L'osservazione più acuta e sincero del nostro Somov, che avrebbe dato così tanto posto nel tuo lavoro è compiti puramente decorativi e passato. " Sarebbe possibile presumere che le opere di Somov siano le più significative, più più strette rimangono a vivere, apprezzate in modo specifico in natura e più piccoli sono sentiti dividere e cuciture dalla vita reale, quale critico parla. Tuttavia, non lo è. L'infiammabilità della coscienza dell'artista, così tipica per la sua epoca, diventa la fonte di disegni creativi affilati e peculiari.

Uno dei ritratti più famosi di Somov è la "signora in blu. Ritratto di Elizabeth Mihaylovna Martynova "(1897-1900, State Tretyakov Gallery), è un prodotto software dell'artista. Vestito in un vecchio vestito, il ricordo impoverente di Pushkinskaya Tatiana "con una triste discarica di occhi, con un libro francese nelle sue mani," l'eroina del ritratto Somovsky, con un'espressione di affaticamento, desiderio, incapacità alla lotta vitale, Soprattutto dà allattamento il suo prototipo poetico, costringendo mentalmente la profondità dell'abisso che separa il passato dai tempi moderni. Era in questo lavoro che Somoov, dove artificiale si intreccia con un vero e proprio il gioco - con una serietà, dove una persona vivente sembra inappropriata, l'inappropriato, impotente e abbandonato il mezzo dei giardini boutaphorici, con una franchezza sottolineata espressa uno sfondo pessimistico Del "abbandono del passato in passato" e l'impossibilità per una persona moderna che trova la salvezza da se stesso, dal loro vero, non spettrale.

Alla "signora in blu" Chiudi immagine-ritratto di "echo l'ultima volta" (1903, carta su cartone, acquerello, gouache, galleria di stato Tretyakov), dove Somov crea caratteristiche poetiche della bellezza fragile e femminile anemica del decadente campione, Rifiutarsi di trasmettere la famiglia reale richiederà il nostro tempo. Sale la modella in costumi antichi, dà le loro caratteristiche dell'aspetto della sofferenza segreta, tristezza e sognibilità, lingotti dolorosi.

Ritratto brillante, Someomi nella seconda metà del 1900, crea suite matita e ritratti acquerello, che ci rappresentano un ambiente artistico e artistico, un noto artista e profondamente compreso da loro, l'élite intellettuale del suo tempo - V. Ivanov, BLOK, Cuzmin, Sologuba, Lancer, Dobuzhinsky, ecc. In Ritratti, consuma una reception generale: su uno sfondo bianco - in un certo campo senza tempo - disegna una persona, somiglianza in cui è raggiunta non attraverso la naturalizzazione, ma con grasseggiazioni generalizzazioni e Un'attività Selezione dei dettagli caratteristici. Questa assenza prenderà il tempo crea l'impressione di statica, glassa, freddezza, solitudine quasi tragica.

I lavori in ritardo di Somov sono festival pastorali e galanti ("Kiss Bisse", 1908, Museo di stato russo; "Marquise walking", 1909, Museo di stato russo), "lingua di Colombina" (1913-1915), piena di ironia, devastazione spirituale, persino senza speranza. Le scene d'amore del XVIII - I primi secoli XIX. Ci sono sempre dati con una tonalità di erotica. Quest'ultimo era particolarmente manifestato nelle sue figurine di porcellana dedicata alla ricerca dei piaceri dei ghost.

Gioco d'amore - date, note, baci nei vicoli, gazebo, giardini regolari, o in budaars magnificamente diluiti - il solito passatempo degli eroi Somov, che appaiono in parrucche vuote, acconciature elevate, camosole ricamate e abiti con crinolini. Ma nel divertimento dei dipinti di Somov non ci sono genuini allegria; Le persone si divertono non dalla completezza della vita, e perché non sanno nulla di altro, elevato, serio e rigoroso. Questo non è un mondo divertente, e il mondo è destinato a divertirsi, in una noiosa vacanza eterna, trasformando persone in pupazzi, un inseguimento spettrale per i piaceri della vita.

In precedenza, nel "mondo dell'arte" Somov ha affrontato i temi del passato, all'interpretazione del XVIII secolo. ("Lettera", 1896; "Confinizione", 1897), che era il predecessore dei paesaggi di Versailles di Benua. Prima crea un mondo irrilente, tessuto dai motivi della cultura nobile-maniero e della corte e le sue sensazioni artistiche puramente soggettive, permeate ironia. Lo storicismo di Miriskusenikov era un volo dalla realtà. Non il passato, e la sua drammatizzazione, desideroso per l'irrevocabilità di esso - questi sono il loro motivo principale. Non è vero divertimento, ma una partita in divertimento con baci in Ahimè - tale è tale.

Il tema di un mondo artificiale, una falsa vita, in cui non c'è nulla di significativo e importante, sta guidando nel lavoro di Somov. Ha la propria valutazione profondamente pessimistica prerequisita dall'artista di Mrams della moderna società borghese-aristocratica, sebbene fosse Somov che il più sorprendente espressivo dei gusti edonistici di questo cerchio. Somovsky Fadce - L'estensione della Tragic WorldView, che, tuttavia, viene raramente manifestata nella scelta di grafici appositamente tragici.

Le tecniche della pittura Somovsky offrono un isolamento coerente del mondo raffigurato da un semplice, senza documentirebriminato. L'uomo di Somov è recintato dalla natura naturale dei giardini artificiali, dei muri, coperti di schermo in seta, divani morbidi. Non è un caso che SOMOS stia anche utilizzando i motivi dell'illuminazione artificiale (serie di fuochi d'artificio "dell'inizio degli anni '10.). Un lampeggio inaspettato di fuochi d'artificio troverà persone in pose rischiose, casualmente ridicole e angolari, con pluviali motivando la simbolica probabilità del teatro della vita dei burattini.

Somov ha funzionato molto come un programma, ha rilasciato una monografia S. Dyagileva su Levitsky, un saggio di A. Benua sul villaggio reale. Il libro come un singolo organismo con la sua unità ritmica e stilistica è stata sollevata a loro ad un'altezza straordinaria. Somov non è un illustratore, lui "illustra non il testo e l'era, usando l'ammissione letteraria come un trampolino di lancio", storico dell'arte A.A. ha scritto su di lui Sidorov.

Il ruolo di M.V. Dobuzhinsky nella storia del "World of Art" nel suo significato non è inferiore al ruolo dei maestri senior di questo gruppo, anche se non apparteneva al numero dei suoi fondatori e non era un membro del cerchio giovanile di A.I. Benua. Solo nel 1902, la grafica di Dobuzhinsky è apparsa sulle pagine della rivista "World of Art", e dal 1903 iniziò a partecipare alle mostre sotto lo stesso nome. Ma, forse, nessuno degli artisti che compilano il gruppo nominato nel primo periodo delle sue attività non si è adattato come Dobuzhinsky, per comprendere le idee e i principi di un nuovo corso creativo, e nessuno di loro ha contribuito a tale significativo e Originariamente depositi nello sviluppo del metodo artistico del mondo dell'arte.

MSislav Valerianovich Dobuzhinsky (1875-1957) era un uomo con l'educazione universitaria e ampio interesse culturale. Era dipendente da riportare nell'infanzia e iniziò presto a prepararsi per le attività dell'artista. Insieme alle arti visive, la sua letteratura e la sua storia erano attratte; Legge molto e usato per illustrare la lettura. Le prime impressioni artistiche, per sempre ribaltate nella sua memoria, furono disegnate da libri per bambini con le illustrazioni di Bertal, Dore e V. Bush.

La grafica è sempre stata data a Dobuzhinsky più facile della pittura. Negli anni degli studenti era impegnato nella guida del film Dmitriev-Caucasian, che, tuttavia, non aveva alcuna influenza su di lui. "Fortunatamente", come ha detto l'artista, non è entrato nell'accademia delle Arti e non lo ha sperimentato affatto. Alla fine dell'Università, è andato a studiare arte a Monaco e per tre anni (1899-1901) ha studiato nei laboratori di A. Ashbe e S. Hollashi, dove I. Grabar, D. Kardovsky e alcuni altri artisti russi lavoravano . La formazione artistica di Dobuzhinsky si è conclusa qui e i suoi sapori estetici sono stati formati: apprezzava la criniera e Degas, amava per sempre la pre-faelite, ma l'impatto più potente su di lui i paesaggeri tedeschi del tardo XIX secolo e degli artisti "Simplessimus" avevano il più potente impatto. La preparazione e la formazione creativa di Young Dobuzhinsky lo ha portato in modo molto organico per contattare con il "mondo dell'arte". Al ritorno a San Pietroburgo, Dobuzhinsky ha incontrato il sostegno attivo da Grabar e Beno'a, ha molto apprezzato il suo talento. Nei primi disegni del Dreu-Zhinsky (1902-1905), la reminiscenza della scuola di Monaco è intrecciata con l'ovvia influenza dei principali maestri del "mondo dell'arte", prima di tutto, Somov e Benois.

Dobuzhinsky tra gli artisti del "World of Art" è drammaticamente assegnato da un repetite tematico-aroma di opere dedicate alla città moderna. Ma proprio come lo "spirito del passato" di Somov e Benois esprime attraverso la scrittura artistica dell'era, cancellata in architettura, mobili, costumi, ornamentik, così a Dobunsky, la moderna civiltà urbana esprime non nelle azioni e azioni delle persone, ma Attraverso la comparsa di moderne strutture urbane, fire fire di chiusura dell'orizzonte, bloccando il cielo, attraversato da camion di fabbrica, splendidi innumerevoli righe di Windows. La città moderna appare da DobAgenic come il regno di monotonia e la cancellazione standard e assorbendo l'individualità umana.

Lo stesso software di Somov "Lady in Blue" è per l'immagine Dobin-Tuzhinsky su "Man in bicchieri. Ritratto di Costantino Alexandrovich Sunnerberg (1905-1906, Galleria di Tretyakov di Stato). Sullo sfondo della finestra, dietro il quale il quartiere della città rappresentato davanti alla terra desolata abbandonata è dorso, raffigurato dalla parte posteriore, dalla parte non primaria, dove i tubi di fabbrica e i firewall nudi di dolore delle case redditizie sorgono sopra le vecchie case, La figura di un uomo sottile viene disegnata in cascante sulle spalle di sutile della giacca. I vetri tremolanti dei suoi occhiali, coincidendo con i contorni del polso, creano un'impressione di occhio vuoto wpadin. Nella modellazione nera della testa, il design di un cranio nudo è nudo - nei contorni del viso umano, appare un fantasma spaventoso della morte. In un frontale affetto, ha sottolineato la verticalità della figura, l'immobilità della postura di una persona è paragonata a un manichino, una macchina senza vita - così, come applicato all'era moderna, il tema della "performance dei burattini" è stato trasformato, giocato in un piano retrospettivo di Somov e Beno'a sui progressi del passato. Nell'uomo fantasma Dobuzhinsky c'è qualcosa di "demoniaco" e miserabile allo stesso tempo. È un effetto terribile e con il sacrificio della città moderna.

Dobuzhinsky ha lavorato molto e nell'illustrazione, dove il più meraviglioso può essere considerato il ciclo dei disegni alle "notti bianche" di Dostoevsky (1922). Dobuzhinsky ha anche lavorato nel teatro, decorato con Nichirovich-Danchenko "Nikolay Stavrogina" (il palcoscenico di "Demoni" di Dostoevsky), Turgenev Pieces "Mese nel villaggio" e "Nahlebnik".

La sofisticazione della fantasia rivolta a riunire e interpretare la lingua, la scrittura stilistica delle culture di altre persone, in generale, "la lingua di qualcun altro" in senso lato, si trovava la più naturale applicazione organica nell'area in cui questa qualità non è solo auspicabile, Ma è necessario - nel campo dell'illustrazione del libro. Quasi tutti gli artisti del "mondo dell'arte" erano bellissimi illustratori. I più grandi ed eccezionali cicli illustrativi dell'era, quando la direzione "Miriskusnysky" in quest'area era dominante, sono illustrazioni A. Benua al "cavaliere di rame" (1903-1905) ed E. Lancere ad Hadji Muratu (1912-1915) .

Evgeny Evgenievich Lanciere (1875-1946) Nel suo lavoro, tutti i problemi principali della grafica del libro hanno iniziato l'inizio del XX secolo. (Vedi le sue illustrazioni al libro "Leggende sui vecchi castelli della Bretagna", a Lermontov, la copertina per la "Nevsky Avenue" di Bozhershanov, ecc.), Lancer ha creato un certo numero di acquerelli e litografie di San Pietroburgo ("Kalinkin Ponte "," Nikolsky Market "e altri). L'architettura occupa un enorme posto nelle sue composizioni storiche ("Empress Elizaveta Petrovna nel villaggio del Tsarista", 1905, la Galleria di Tretyakov di Stato). Si può dire che nelle opere di Serov, Benouua, Lancer è stato creato un nuovo tipo di foto storica - è privata di Fabuli, ma ricrea perfettamente la comparsa dell'era, molte associazioni storiche e letterarie ed estetiche causano. Una delle migliori creature di lancer - 70 disegni e acquerelli per la storia L.n. Tolstoy "Haji Murat" (1912-1915), che Benua considerava la "canzone indipendente, piegata perfettamente nella possente musica di Tolstoy".

Illustratore Benois - un'intera pagina nella storia del libro. A differenza di Somov, Benouua crea una narrativa dell'illustrazione. L'aereo della pagina per questo non è SelfSelot. Illustrazioni per la "Peak Lady" erano piuttosto completate opere indipendenti, non così tanto l'arte del libro ", per definizione A.A. Sidorova, quanto "arte nel libro". Il capolavoro dell'illustrazione del libro era il design grafico del "Rame Rider" (1903, 1905, 1916, 1921-1922, mascara e acquerello, imitando l'incisione di colori sull'albero).

Pietroburgo - La città "Bello e terribile" è il personaggio principale delle illustrazioni di Beno'a. Nello stile di queste illustrazioni, lo rende tipico per "Miriskuseniki" in generale, ma in questo caso un "prisma del sistema" piuttosto complicato, in cui sono state ripetute immagini e dipinti della storia di Pushkin Petersburg molte volte, - qui e a Promemoria dello scenario del primo cantante "Northern Vienna" nella pittura - F. Alekyeva (in grafica che accompagna lo stesso ingresso di ostacoli), e il fascino poetico degli interni della scuola veneziana nelle scene interne e la grafica del primo Terzo del XIX secolo, e non solo Pushkin Petersburg, ma anche Petersburg Dostoevsky, per esempio, nella famosa scena della notte. Il tema centrale della storia di Podinsburg è un conflitto di una persona privata e personificata sotto forma di un cavaliere di rame del potere dello stato che serve per un individuo sotto forma di roccia minacciosa ", ha trovato la sua elevata forma di realizzazione artistica nella parte anteriore- Sito eseguito nel 1905. In questa figura acquerello, Benoa è stato acquistato per ottenere una semplice semplicità e chiarezza nell'espressione di un'idea complessa, cioè la qualità che è simile alla grande semplicità di Pushkin. Ma l'ombra della cupo "demonista" nella comparsa del pilota di rame, come la probabilità del Yevgeny perseguitato, l'immagine di un "verme insignificante", pronto a mescolare con le ceneri, non solo indica la presenza di un "prisma" Piuttosto caratteristico di "Miriskusenikov", ma significa anche un passaggio dall'obiettività di Pushkin sul lato di un senso puramente individualistico dell'orrore di fronte all'impassibilità della necessità storica - i sentimenti che Pushkin avevano no.

Paesaggio teatrale, arte del furto di un libro Illustrazione, poiché è anche associato all'interpretazione del piano di qualcun altro, è stata un'altra area in cui il "mondo dell'arte" era destinato a produrre una grande riforma artistica. Ha concluso nel ripensare il vecchio ruolo dell'artista teatrale. Ora questo non è più un'azione artista-designer e l'inventore di comodi piste di palcoscenico, ma lo stesso interprete di musica e dramma, lo stesso uguale creatore della performance del regista e gli attori. Quindi, nel processo di scrittura I. Musica Stravinsky al balletto "Petrushka" A. Benua dispiega le immagini visive delle prestazioni future di fronte a lui.

Lo scenario di prezzemolo, questo, secondo l'espressione dell'artista, il "balletto della strada", resuscitato lo spirito del festival dai capelli fieristici.

Il fiorente delle attività di Miriskusnikov nel campo dell'arte teatrale e ornamentale si applica già negli anni '10 ed è associato a S.P organizzato Dyagilev (l'idea apparteneva a A. Benua) "Russian Seasons" a Parigi, che includeva un'intera serie di concerti sinfonosi, operazioni di opera e balletti. Era nelle esibizioni delle "stagioni russe" il pubblico europeo ha sentito per la prima volta F. Shalyapin, ha visto A. Pavlov, ha incontrato la coreografia M. Fokina. È qui che ls concesso vividamente e brillantemente. Baksta è un artista che apparteneva al nucleo principale della "Pace mondiale".

Insieme a Benoit e Somov Lion Samolovich Bakst (1866-1924) è una delle figure centrali della storia della "Pace mondiale". Era un membro di una tazza junior, in cui sono nate le tendenze ideologiche e creative di questa zona; Era tra i fondatori e dipendenti più attivi del Journal che ha condotto un nuovo programma estetico; Lui, insieme a Dyagilev "esportato" arte russa all'Europa occidentale e ha raggiunto il suo riconoscimento; La fama mondiale del teatro russo e della pittura decorativa del "mondo dell'arte" è caduto prima alla quota di Bakst.

Nel frattempo, nel sistema di sviluppo di idee e principi del "mondo dell'arte", Bastca appartiene un luogo completamente separato e indipendente. Supporta attivamente le tattiche dell'associazione e la condivisione, in generale, le sue principali posizioni estetiche, Bakst, allo stesso tempo, era completamente indipendente. Il suo dipinto non è simile alla pittura Somov e Benois, Lancer e Dobuzhinsky; Viene da altre tradizioni, si basa sull'esperienza spirituale e della vita, si riferisce ad altri argomenti e immagini.

Il percorso dell'artista era più complesso e avvolgente, piuttosto che evoluzione persino e coerente, caratteristica della creatività di molti dei suoi amici e compagni. Nella ricerca e il lancio degli amari c'è un'ombra di paradossida; La linea del suo sviluppo è elaborata con ripidi zigzag. Bakst è venuto al "mondo dell'arte" come "giusto"; Ha portato con sé le abilità della vecchia scuola accademica e delle vette alle tradizioni del diciannovesimo secolo. Ma un po 'di tempo passò, e Bakst è diventato il più "lasciato" tra i partecipanti del mondo dell'arte; È diventato più attivo di altri con la pittura dell'Europa occidentale moderna e apprese organicamente le sue tecniche. Gli spettatori occidentali si sono rivelati più facili da riconoscere "il loro" Baksta, piuttosto che qualsiasi altro artista "pace dell'arte".

Bakst era più vecchio di Somo per tre anni, Benoita ha quattro anni, e Dyagileva per sei anni. La differenza di età, da sola insignificante, aveva un valore ben noto in quel momento in cui le figure "World of Art" erano giovani. Tra i giovani dilettanti, che stavano raggruppando intorno a Benoit e chi ha fatto il suo cerchio. Bakst è stato l'unico artista che ha avuto qualche esperienza professionale. Lui per quattro anni (1883-1887) ha studiato presso l'Accademia delle Arti, a volte effettuata ritratti e eseguita come illustratore nelle cosiddette "riviste sottili". Il museo russo immagazzina diversi paesaggio e ritratto etudes di Bakst, scritti nella prima metà del 1890. Non differiscono in alta qualità artistica, ma sono piuttosto professionali. Hanno già una caratteristica decorativa per il flair del barthast; Ma secondo i suoi principi, non vanno oltre i limiti del tardo pittura accademico.

Presto, tuttavia, la creatività di Baksta ha preso un altro personaggio. Alle prime mostre del mondo dell'arte, Bakst eseguita principalmente come ritrattista. Basta guardare la serie di ritratti creati da lui al turno dei secoli XIX-XX per capire come è stato inviato il dipinto di Bapti dall'inizio della sua attività e in quale direzione si è sviluppata in futuro.

Una delle opere più famose dell'artista è il ritratto di Alexander Benua (1898, il museo russo di stato). In questo precoce, eseguito il lavoro pastello, un'altra tendenza imperfetta e imperfetta illusionistica, puoi vedere un'intera gamma di idee creative che sono state determinate dal compito e dal significato del verniciatura ritratto. La natura è presa qui nel flusso delle sue condizioni di vita, in tutta la variabilità delle sue qualità specifiche, accuratamente notate. Il ruolo principale è svolto dal desiderio di rivelare la natura, identificare le caratteristiche individuali e psicologiche della persona raffigurata. Questa tendenza risale direttamente ai principi creativi della pittura realistica russa. Come ritrattisti nella seconda metà del XIX secolo, il compito dell'artista è qui la fissazione di qualche tipo di momento di realtà fluente, qualche frammento della vita reale. Da qui c'è un'idea di trama - per ritrarre Benua come se causi una sorpresa, senza alcun pensiero di posare; Da qui, la composizione del ritratto, sottolineando la facilità, come se la casualità della postura e dell'espressione del modello; Da qui, infine, c'è un interesse per le caratteristiche della famiglia, all'introduzione dell'interno e della natura morta nel ritratto.

Su principi simili, un altro, un po 'più tardi il lavoro dell'artista è un ritratto di uno scrittore V.V. Rosanova (Pastel, 1901, Galleria di Tretyakov di Stato). Tuttavia, la tendenza guida dello sviluppo del verniciatura del ritratto Baksta è già visibile, un tentativo di liberarsi dalle tradizioni del realismo psicologico del XIX secolo.

Nel ritratto di Rozanova, si manifesta il desiderio di caratteristiche psicologicamente dei consumatori, e nell'interpretazione della forma non è difficile notare le caratteristiche dell'illusionismo. Eppure, in confronto con il ritratto di Beno'a, qui sono immediatamente sorprendenti, nuove, nuove qualità. Il formato dell'immagine, stretto ed allungato, enfatizza consciamente le linee verticali della porta e degli scaffali. Su uno sfondo bianco, occupando quasi l'intero piano della tela, una silhouette scura della linea rigida circuita circolare e riquadrata. La figura viene spostata dall'asse centrale dell'immagine e non si fonde più con l'interno, e si oppone a lui. L'ombra dell'intimità sta scomparendo, caratteristica del ritratto Beno'a.

Rifiutando di capire la comprensione del ritratto come un momento registrato su tela, procedendo la realtà, Bakst - quasi simultaneamente con Somov - inizia a costruire il suo lavoro su altri fondamentali. Le riflessioni sono dominate da BAKSTA sulla supervisione diretta, la generalizzazione prevale sugli elementi di analisi.

Il contenuto caratteristico del ritratto non diventa più una natura nel flusso delle sue condizioni di vita, ma alcune, un'idea idealizzata peculiare della persona raffigurata. Bakst non rifiuta il compito di rivelare il mondo interiore di questa particolare persona nella sua duplice unicità individuale, ma allo stesso tempo cerca di concentrarsi nell'utente delle caratteristiche tipiche ritratte, caratteristiche della gente del "mondo dell'arte" fresco, Vende l'immagine di un "eroe positivo" della sua era e del suo ambiente ideologico stretto. Queste caratteristiche hanno trovato una forma piuttosto distinta e finita nel ritratto S.P. DyAgilev con bambinaia (1906, Museo di stato russo). Variazione dello stesso tema della figura umana all'interno dell'interno, l'artista sembra essere riorganizzato dagli accenti, in un nuovo modo completa per le tecniche precedenti, li conduce a un sistema consistente sottile e subordina l'immagine pianificata. Non ci sono tracce di illusionismo e cure naturalistiche, che hanno segnato ritratti precedenti. I ritmi compositi sono costruiti su asimmetria affilata. Le masse pittoresche non si bilanciano: la metà destra dell'immagine sembra sovraccaricata, la sinistra è quasi vuota. Con questa tecnica, l'artista crea nel ritratto dell'atmosfera di tensioni speciali, che è necessario per l'immagine caratteristica. Posa di DyAgileeVa è schivato un'insenza di parata. L'interno insieme all'immagine della seggioia anziana bambinaia diventa un commento che completa la caratteristica del ritratto.

Sarebbe un errore sostenere che l'immagine di Dyagilev in questo ritratto è al di fuori dello psicologico. Stretto, Bakst mette nell'immagine Un'intera serie di definizioni psicologiche acute e acute, ma vi è anche limitata intenzionalmente: abbiamo un ritratto di un uomo positivo. Il momento della posa è la parte più importante del piano, in cui non vi è alcuna accenzione di intimità domestica; Il posizionamento è enfatizzato da tutto il quadro dei dipinti: i contorni della silhouette di Dyagilev e la sua espressione e la costruzione spaziale della composizione e tutti i dettagli della situazione.

Nella grafica di Bakst, non ci sono motivi del XVIII secolo. E argomenti del maniero. È agilità, e per l'arcaico greco, spinto simbolicamente. Simboists della sua foto "TerroantQUS" (Tempera, 1908, Museo russo di stato) utilizzato in particolare il successo. Il terribile cielo del temporale, il fulmine, illuminando il mazzo del mare e la città antica, e la statua arcaica della dea con un misterioso sorriso congelato domina sull'intera catastrofe universale.

In futuro, BAKXT è entrato nel lavoro teatrale e della decorazione, e il suo scenario e i suoi costumi alle masse del balletto di Dyagilevsky Antenpuriza, piene di uno straordinario brillantezza, virtuoso, artisticamente, lo ha portato gloria del mondo. È stato eseguito nel suo design con Anna Pavlova, Balletti Fokina.

Est esotico, piccante a est, da un lato, arte dell'Egeo e arcaico greco, dall'altro - ecco due argomenti e due serbatoi stilistici che hanno costituito il tema degli hobby artistici di Baksta e formò la sua calligrafia individuale.

Si prepara prevalentemente produzioni di balletto, tra cui i suoi capolavori erano decorazioni e costumi per condividere la musica n.a. Roman Corsakov (1910), "Fire-Bird" I.F. Stravinsky (1910), "Daphnis and Chloe" M. Ravel (1912) e fornito v.f. Nizhinsky sulla musica di K. Debyussi Ballet "Afterfolishment di Favna" (1912). Nella combinazione paradossale del contrario, iniziò il contrario: la colorazione vacuicous, la sensuale crostata della colorazione e la grazia pigra di una linea fluente raddoppiata del disegno, preservando la connessione con l'ornamentale della modernità, è l'originalità dell'individuo Stile di Bakst. Esegui gli schizzi Abiti, l'artista trasmette carattere, umore dell'immagine a colori, ruolo di disegno in plastica, che combina la generalizzazione del contorno e la macchia di colore con gioielli e decorazione accurata di parti - decorazioni, modelli su tessuti, ecc. Ecco perché i suoi schizzi sono meno possibili per essere chiamati bozze, ma sono le opere d'arte completate in se stessi.

Nell'unificazione "World of Art" ha partecipato anche a.ya. Golovin è uno dei più grandi artisti del teatro del primo quarto del XX secolo, I.YA. Bilibin, A.P. Ostrumova-lebedev e altri.

Posto speciale nel "World of Art" è occupato da Nikolai Konstantinovich Roerich (1874-1947). Lo intenditore della filosofia ed etnografia dell'est, lo archeologo-scienziato, Roerich ricevette un'eccellente educazione all'inizio a casa, poi alla facoltà legale e storica e filologia, poi all'Accademia delle Arti, nel laboratorio di Kyunji, e a Parigi in studio F. Kormon. Ha trovato presto l'autorità dello scienziato. I suoi parenti con "Miriskusniki" lo stesso amore per la retrospezione, non solo il XVII-XVIII secolo, e l'antichità slava e scandinava pagana e l'antica russia, le tendenze styling, la decoratività del teatro ("gonot", 1897, la Galleria di Tretyakov dello Stato; "Elders Converge ", 1898, Museo russo di stato;" Minoso ", 1901, Museo di stato russo). Il Roerich più vicino è stato associato alla filosofia ed estetica del simbolismo russo, ma la sua arte non si adattava al quadro delle indicazioni esistenti, perché era come per tutta l'umanità con l'appello dell'Unione amichevole di tutti i popoli in conformità con la visione del mondo e popolazione mondana. Da qui il monumentalismo speciale e l'epissione delle sue tele. Dopo il 1905, l'umore del misticismo Pantheistico sta crescendo nel lavoro di Roerich. I temi storici sono inferiori alle leggende religiose ("combattimento paradisiaco", 1912, il museo russo di stato). L'icona russa ha avuto un'enorme influenza sul Roerich: i suoi pannelli decorativi "cantante a Kergents" (1911) sono stati esposti nell'esecuzione di un frammento con lo stesso nome dall'opera della Corsakov Romano "racconto della gradazione invisibile e della Fevronia Virgin Fevronia" nelle "stagioni russe" parigine.

Dall'evoluzione degli atteggiamenti estetici iniziali, la divisione all'interno della redazione della rivista, il Dipartimento del Gruppo di Artisti di Mosca "Il mondo dell'arte" del 1905 cessa le sue attività espositive ed editoriali. Nel 1910, il "mondo dell'arte" rinnova, ma è già funzioni esclusivamente come un'organizzazione espositiva, non fissata, come prima, l'unità di compiti creativi e orientamento stilistico, unire artisti di varie direzioni.

Tuttavia, ci sono stati un certo numero di artisti di Mirisk City "la seconda onda", nel cui lavoro i principi artistici dei principali maestri del "mondo dell'arte" sono ottenuti nel cui lavoro. Al loro numero appartenuto a B.M. Kustodiev.

Boris Mikhailovich Kustodiev (1878-1927) è nato a Astrakhan, nella famiglia dell'insegnante. Ha studiato disegno e dipinto all'artista p.a. Vlasov in Astrakhan (1893-1896) e nella Supreme Art School presso l'Accademia delle Arti di San Pietroburgo (1896-1503), dal 1898 - nel laboratorio di Pro-Fesser-Leader I.e. Repin. Nel 1902-1903, fu portata da Repin a un collegio Ra-Bote sull'immagine "Solener Meeting del Consiglio di Stato. Come studente dell'Accademia delle Arti, viaggiava nel Caucaso e nella Crimea in vacanza, e in futuro annualmente (dal 1900) trascorse l'estate nella provincia del Kostroma; Nel 1903 fece un viaggio lungo il Volga e con D.S. Stelclotz Kim a Novgorod.

Nel 1903, per il dipinto "Bazar nel villaggio" (fino al 1941, Kustodiev, che era situato nel Museo di Novgorod Isto Rico-Art), ha ricevuto il titolo di artista e il diritto di viaggiare all'estero. Alla fine dello stesso anno, come un pensionato dell'Accademia se ne andò a Parigi, dove un breve periodo lavorava nel laboratorio R. Menara e allo stesso tempo ha conosciuto l'arte moderna, musei e mostre visitate. Nell'aprile del 1904 ha lasciato Parigi alla Spagna per esplorare i vecchi maestri; All'inizio dell'estate, tornò in Russia. Nel 1909 gli è stato assegnato il titolo di Accademico.

Kustodiev e in seguito fecero ripetutamente un viaggio all'estero: nel 1907, insieme a D.S. Stelletsky, - in Italia; Nel 1909 - in Austria, Italia, Francia e Germania; Nel 1911 e nel 1912 - in Svizzera; Nel 1913 - a sud della Francia e in Italia. Estate nel 1917 trascorso in Finlandia.

Il genrisco e il ritrattista in pittura, Stankovist e illustratore nel grafico, decoratore teatrale, Kustodiev ha lavorato come scultore. Hanno fatto un numero di busti e composizioni ritratto. Nel 1904, Kustodiev diventa un membro della nuova società degli artisti, nel "World of Art" è del 1911.

L'oggetto della squisita stilizzazione di Kustodiyev nello spirito dei giocattoli dipinti e del lobel-Noka è la Russia Patriarcale, la morale e i mercanti, in cui l'artista prende in prestito un codice estetico speciale - il gusto di tutto il Motley, Transduzionalmente colorato, ornamentale intricato. Da qui, le "fiere" festive luminose, "maslenitsa", "Balangas", da qui i suoi dipinti della vita di Meshchansky e della vita mercantile, trasmessi con l'entusiasmo dell'ironia, ma non senza ammirazione da queste bellezze semi-secche rosse per A Samovar e piattini in dita paffute ("Kupchikha", 1915, Museo di stato russo; "Kupchikha for Tea", 1918, museo russo di stato).

"Bellezza" (1915, la Galleria di Stato Tretyakov) è il campione più avanzato della stilizzazione di stile Kustodiev nello spirito di un mercante "estetica del numero", espressa dall'iniezione iperbolica di questa quantità - corpo, fluff, atlante, decorazioni. Bellezza rosa perla nel regno delle coperte, cuscini, perin e mogano è una dea, un idolo di vita mercantile. L'artista consente di sentire la tipica distanza ironica "Miriskusnic" in relazione ai valori di questa vita, delizia intensamente vincolante con un Grin gentilmente.

"Il mondo dell'arte" è stato un importante movimento estetico del colpo di secoli, ha sopravvalutato tutta la moderna cultura artistica, approvata da nuovi gusti e problemi che hanno restituito l'arte - al più alto livello professionale - le forme persi di libri gras e teatrali e decorativi Pittura, che ha ricevuto i loro sforzi tutto il riconoscimento europeo "Ho creato una nuova critica artistica che ha promosso l'arte russa all'estero, infatti, anche chi scoprì alcune delle sue tappe, come il XVIII secolo russo. Miriskusniki ha creato un nuovo tipo di pittura storica, ritratto, paesaggio con i loro segni di stile (tendenze distinte dello stile, la predominanza di tecniche grafiche sulla pittoresca, la comprensione del colore pittoresca, puramente decorativa, ecc.). Questo determina il loro significato per l'arte domestica.

Le debolezze del "mondo dell'arte" sono state colpite principalmente nel promotore e incoerente del programma, proclamando il modello "Allora Böhklin, Mane"; In idealistic prende l'arte, colpita dall'indifferenza agli oggetti civili dell'arte, nell'apoliticità incorniciata da PROG, nella perdita del significato sociale dell'immagine. La Camera del "World of Art", le caratteristiche del limite iniziale identificato e brevemente la vita storica della sua vita nell'era della formidabile lungimiranza della imminente rivoluzione proletaria. Erano solo i primi passi sul sentiero della ricerca creativa, e molto presto "Miriskusnikov" ha superato i giovani.

"World of Art" "World of Art"

(1898-1904; 1910-1924), Associazione degli artisti di San Pietroburgo e figure culturali (A. N. Beno'a., K. A. Somov., L. S. Bakst.M. V. Dobuzhinsky., SUA. Lancer, E IO. Golovin., E IO. Bilibina, Z. E. Serebryakova, B. M. Kustodiyev., N. K. Roerich., S. P. Dyagilev., D. V. Filosofi, V. F. Nouvel, ecc.) Chi ha pubblicato la stessa rivista. Scrittori e filosofi D. S. Merezhkovsky, N. M. Minsk, L. I. Shealetov, V. Rozanov, collaborato con la rivista. Con il suo software letterario e materiale raffinato, il desiderio di guidare il movimento artistico del "World Art" era un nuovo tipo di pubblicazione periodica per la Russia. La prima stanza è stata pubblicata nel novembre del 1898. Ogni rivista, a partire dalla copertina e finendo con un font nel font, era un solido lavoro d'arte. Sollevò la pubblicazione conosciuti Patrons S. I. Mammut E la principessa M. K. Tenishev, il suo focus ideologico è stato determinato dagli articoli di Dygilev e Beno'a. La rivista è stata pubblicata fino al 1904. Grazie alle attività di Miriskuseniki, un fiorente fiorente non precedenti sta anche vivendo l'arte del design del libro.

Il Commonwealth of Artists, che successivamente, il nucleo dell'Associazione, cominciò a svilupparsi a cavallo del 1880-90. Ufficialmente, l'unificazione del "World of Art" è stata obbligata solo nell'inverno del 1900, quando il suo charter è stato sviluppato ed eletto il comitato di regolamentazione (A. N. Benua, S. P. Dyagilev, V. A. Sierov.) ed esisteva fino al 1904. Mettendo consapevolmente la missione dei riformatori di vita artistici, Miriskuseniki si oppone attivamente akademismismo e più tardi movimenti. Tuttavia, sono sempre rimasti vicini, secondo Benoit, "Depositi di genuino idealismo" e "Utopia umanitaria" 19 V. Nell'arte precedente, Miriskuseniki soprattutto ha apprezzato la tradizione romanticismo, considerando la conclusione logica simbolismoAlla formazione di cui in Russia sono stati direttamente coinvolti.

Per il suo aumento di interesse per l'arte straniera, molti Miriskusniki meritavano la reputazione degli occidentali nell'ambiente letterario e artistico. La rivista "Il mondo dell'arte" conosce regolarmente il pubblico russo con macchina e specie applicate di creatività di artigiani stranieri, sia vecchi che moderni (inglese prerafaelitov., P. Puwi de Chavanna, artisti del gruppo " Nabi" e così via.). Nel suo lavoro, Miriskusniki si concentrava principalmente sulla cultura artistica tedesca. Nella storia domestica, furono attratti dall'epoca del XVIII secolo, le sue abitudini e la morale. Nella cultura del 18 - il primo terzo del 19 ° secolo. Miriskusniki stava cercando una chiave poetica per i solutori di segreti di tutta la successiva storia russa. Presto furono chiamati "sognatori retrospettivi". Gli artisti hanno avuto una speciale capacità di sentire l'aroma poetico dell'epoca passata e creare un sogno della "età dell'oro" della cultura russa. Le loro opere sono venute allo spettatore il fascino emozionante della vita festiva e teatrale (cerimonie del tribunale, fuochi d'artificio), ricreare accuratamente i dettagli dei servizi igienici, parrucche, volantini. Miriskusniki Scrivi scene nei parchi, dove sofisticate signore e cavarre sono adiacenti ai personaggi della commedia italiana del Arte - Harlequins, Colombines, ecc. (K. A. Somov. "Arlecchino e morte", 1907). Affascinato dal passato, si uniscono al sogno di lui con triste malinconia e ironia, consapevole dell'impossibilità di tornare all'ultimo (K. A. Somov ". Serata", 1902). I personaggi dei loro dipinti ricordano le persone non viventi, ma le bambole che giocano una performance storica (A. N. Benua. "Camminata del re", 1906).

Esposizione sulle sue mostre di mostre di vecchi maestri, Miriskusniki allo stesso tempo ha cercato di attirare quei pittori, scultori e orari per loro che hanno avuto la reputazione nei forenswhelters di nuovi sentieri nell'art. Cinque mostre della rivista "Il mondo dell'arte" si è svolta a San Pietroburgo nel 1899-1903. Oltre alla pittura e alla grafica di Miriskuseniki, le opere dei più grandi maestri russi del turno di 19-20 secoli sono stati presentati nelle esposizioni. (M. A. Vrubel, V. A. Serov, K. A. Korovina., FA. Malyavina. e così via.). Posto speciale alle mostre prodotti assegnati arte applicata decorativa, nei lavori di cui i membri dell'Associazione videro la manifestazione della bellezza "pulita". Un evento significativo di vita artistica è stato organizzato da DyAgilev nelle sale del Palazzo Tauride a San Pietroburgo una grande "Esposizione storica e arte dei ritratti russi" (1905).
Nel 1910, le mostre chiamate "World of Art" (continuavano in Russia fino al 1924; l'ultima fiera sotto questo segno si è svolta nel 1927 a Parigi, dove molti Miriskuseniki emigrarono dopo la rivoluzione). Tuttavia, solo il nome era unito alle precedenti esposizioni. I fondatori dell'Unione hanno lasciato il posto al loro ruolo principale nella vita artistica della prossima generazione di pittori. Molti membri di Miriski si sono uniti a una nuova organizzazione - Unione degli artisti russicreato sull'iniziativa dei muscoviti.

(Fonte: "Arte. Enciclopedia illustrata moderna." Ed. Prof. Gorkina A.P.; M.: Rosman; 2007.)

Guarda cos'è "" The World of Art "" in altri dizionari:

"World of Art" - "World of Art", Associazione Artistica. Incorporato alla fine del 1890 x (La Carta approvata nel 1900) sulla base di un cerchio di giovani artisti, storici dell'arte e amanti dell'arte ("Società di auto-educazione"), guidata da A. N. Benua e ... ...

Associazione artistica russa. Incorporato alla fine del 1890 x (ufficialmente nel 1900) sulla base di un cerchio di giovani artisti e amanti dell'arte, guidati da A. N. Benua e S. P. Dyagilev. Come un'unione espositiva sotto gli auspici della rivista, il mondo ... ... Enciclopedia artistica.

- "World of Art", Associazione russa. Incorporato alla fine del 1890 x (Ufficialmente nel 1900) a San Pietroburgo sulla base di una cerchia di giovani artisti e amanti dell'arte, guidati da A. N. Benua e S. P. Dyagilev. Come un'unione espositiva sotto ... ...

1) Associazione artistica. Incorporato alla fine del 1890 x (La Carta approvata nel 1900) sulla base di un cerchio di giovani artisti, storici artistici e amanti dell'arte ("Società di auto-educazione"), diretto da A. N. Benua e S. P. Dyagilev. Come … San Pietroburgo (Encyclopedia)

"World of Art" - "Il mondo dell'arte", illustrato dal Journal letterario e dell'arte dell'unificazione del mondo dell'arte e (fino al 1903) di scrittori simbolistici. È stato pubblicato nel 1899-1904 (fino al 1901 1 volta in 2 settimane, dal 1901 mensile). Editore M. K. Tenisheva e S. I. Mammoths (in ... Directory enciclopedica "St. Petersburg"

Il mondo dell'arte: il mondo dell'arte (sociologia) è un sacco di persone impegnate nella creatività artistica o nella creazione, consumo, stoccaggio, distribuzione, critica delle opere d'arte. World of Art (Organizzazione) Artistico ... ... Wikipedia

- "Il mondo dell'arte", una rivista illustrata artistica letteraria, il corpo dell'Associazione dell'arte dell'arte e degli scrittori dei simboistici. È stato pubblicato nel 1898/99 1904 a San Pietroburgo (fino al 1901 alle 2 settimane, dal 1901 mensile). Editori nel 1899 Prince M. K. ... ... Grande enciclopedia sovietica.

La rivista illustrata artistica letteraria, il corpo dell'Associazione del mondo dell'arte e (fino al 1903) scrittori di simboists. È stato pubblicato nel 1898/99 del 1904 a San Pietroburgo. Editori M. K. Tenisheva e S. I. Mammoths (nel 1899), poi S. P. Dyagilev (il principale ... ... Enciclopedia artistica.

- "World of Art", Associazione russa (1898 1924), è stato creato a St. Petersburg A. N. Benua (vedi Benoit Alexander Nikolaevich) e S. P. Dyagilev (vedi Dyagilov Sergey Pavlovich). Spostando gli slogan di "pure" arte e "trasfigurazione" ... ... ... Dizionario enciclopedico

L'Associazione russa (1898 1924) è stata creata a St. Petersburg A. N. Benua e S. P. Dyagilev. Spostando gli slogan di Pure Art e la trasformazione della vita con l'arte, i rappresentanti del mondo dell'arte hanno rifiutato sia l'accademismo che ... ... Big Encyclopedic Dizionario.

- "The World of Art" è una rivista artistica illustrata, che è stata pubblicata a San Pietroburgo dal 1899 al 1904. Nel 1899, gli editori del Journal erano cn. M. K. Tenisheva e S. I. I. Mammoth, Editor S. P. Dyagilev. L'ultimo, a partire dal 1900, diventa l'unico ... ... Enciclopedia letteraria

Libri

• World of Art. 1898-1927, G. B. ROMOROV, questa pubblicazione è dedicata al periodo di 30 anni della storia dell'Unione dell'arte. La pubblicazione mostra ritratti, biografie e opere di artisti. Quando si prepara questa enciclopedia per ... Categoria: Storia dell'arte russa Editore:

Associazione artistica "World of Art"

Il mondo dell'arte (1898-1924) è un'associazione artistica formata in Russia alla fine del 1890. Lo stesso nome è stato la rivista pubblicata dal 1898 dai membri del Gruppo. Artista di San Pietroburgo A. N. Benoit e figura teatrale S. P. Dyagilev divenne i fondatori del "mondo dell'arte". Ha affermato ad alta voce, organizzando la "mostra di artisti russi e finlandesi" nel 1898 al Museo della Scuola Centrale del Disegno tecnico del Baron A. L. Stiglitsa. Il periodo classico nella vita dell'Associazione è arrivato al 1900-1904. - in questo momento, il Gruppo è stato caratterizzato da una particolare unità di principi estetici e ideologici. Gli artisti hanno organizzato mostre sotto gli auspici della rivista "World of Art". Dopo il 1904, l'Unione ha ampliato e perse l'unità ideologica. Nel 1904-1910. La maggior parte dei membri del "mondo dell'arte" faceva parte dell'Unione degli artisti russi. Dopo la rivoluzione, molte delle sue figure furono costrette ad emigrare. L'Unione ha effettivamente cessato di esistere nel 1924. Gli artisti del "World of Art" consideravano una priorità estetica a partire dall'arte e cercò di moderno e simbolismo, opposto alle idee dei film. Arte, secondo loro, dovrebbe esprimere la personalità dell'artista.

La composizione includeva artisti:

Bakst, Lev Samoilovich

Roerich, Nikolai Konstantinovich

Dobuzhinsky, Mstislav Valerianovich

Lancer, Evgeny Evgenievich

Mitrokhin, Dmitry Isidovich

Ostrumova-lebedeva, Anna Petrovna

Chember, Vladimir Yakovlevich

Yakovlev, Alexander Evgenievich

Somov, Konstantin Andreevich

Izglinsky, Jan FranVentovich

Purvit, Wilhelm.

Sunnerberg, Konstantin Aleksandrovich, critico

"Ritratto di gruppo dei membri dell'Unione dell'Art". 1916-1920. M. Kustodiev.

ritratto - DyAgilov Sergey Petrovich (1872 - 1925)

Sergey Dyagilev è nato 19 (31) del marzo 1872 nella provincia di Seliachi Novgorod, nella famiglia dei militari, il nobile ereditario Pavel Pavlovich Dyagilev. La madre è morta alcuni mesi dopo la nascita di Sergey, e la sua matrigna Elena, la figlia V. A. Panayev, è stata sollevata. Da bambino, Sergey viveva a San Pietroburgo, poi in Perm, dove serviva suo padre. Il fratello del padre, Ivan Pavlovich Dyagilev, era il patter e il fondatore del circolo musicale. In Perm all'angolo delle strade di Siberian e Pushkin (precedentemente Big Yamskaya), la Casa Generica di Sergey Dyagilev è stata conservata, dove si trova il Gymnasium. Il tardo villa classicism russo è stato costruito negli anni '50 del XIX secolo sul progetto dell'architetto R. O. Karvovsky. Per tre decenni, la casa apparteneva a una grande e amichevole famiglia di Dyagilev. Nella casa chiamata contemporanei "Permiano Atene", la città intelligentia è stata riunita il giovedì. Qui hanno ascoltato, cantò, ha giocato performance fatte in casa. Dopo la fine del Perm Gymnasium nel 1890, tornò a San Pietroburgo ed entrò nella Facoltà di Giurisprudenza dell'Università, in parallelo ha studiato musica da N. A. Rimsky-Korsakov nel Conservatorio di San Pietroburgo. Nel 1896, Dyagilev si è laureato all'università, ma invece di coinvolgere la giurisprudenza, ha iniziato la sua carriera dell'operaio d'arte. Alcuni anni dopo, dopo aver ricevuto un diploma, ha creato insieme a A. N. Benua, l'Unione del "World of Art", ha modificato lo stesso nome (dal 1898 al 1904) e gli articoli storici dell'arte hanno scritto. Mostre organizzate che hanno causato un'ampia risonanza: nel 1897 - una mostra di acquerelli inglesi e tedeschi che hanno conosciuto il pubblico russo con una serie di grandi maestri di questi paesi e le tendenze moderne nelle arti visive, quindi la mostra degli artisti scandinavi nelle sale del Promozione della società Arts, la mostra di artisti russi e finlandesi nel Museo Schtiglitz (1898) Il Miriskuseniki stessi considerava la loro prima performance (Dyagilev è riuscita ad attrarre per partecipare alla mostra, oltre al gruppo principale della tazza iniziale della tazza iniziale, da Quale dell'Unione del "World of Art" è nato, gli altri principali rappresentanti di giovani art - Vrubel, Sierov, Levitan, ecc.), Esposizione storica e d'arte dei ritratti russi a San Pietroburgo (1905); Esposizione dell'arte russa nel salone autunnale a Parigi con la partecipazione di opere di Benouua, Grabar, Kuznetsova, Malyavina, Repin, Serov, Yale (1906), e altri.

Benua Alexander Nikolaevich (1870 - 1960)

Alexander Nikolaevich Benoita (21 aprile (3 maggio 3) 1870 - 9 febbraio 1960) - Artista russo, storico dell'arte, critico d'arte, fondatore e ideologia principale del "mondo dell'arte". Nato il 21 aprile (3 maggio 3) del 1870 a San Pietroburgo, nella famiglia dell'architetto russo Nikolai Leontievich Benoit e Camillas Albertovna Benoit (la figlia dell'architetto A. Kavos). Si è laureato al prestigioso 2 ° Gymnasium di San Pietroburgo. Per qualche tempo ha studiato all'Accademia delle Arti, impegnata anche in arte visiva da sola e sotto la guida del fratello maggiore Albert. Nel 1894, ha iniziato il suo teorico di carriera e il suo storico dell'arte, scrivendo il capitolo sugli artisti russi per la collezione tedesca "Storia della pittura XIX secolo". Nel 1896-1898 e nel 1905-1907 ha lavorato in Francia. È diventato uno degli organizzatori e gli ideologi dell'associazione artistica "il mondo dell'arte", fondò la stessa rivista. Nel 1916-1918, l'artista ha creato illustrazioni per il poema A. S. Pushkin "Copper Horseman". Nel 1918, Benois ha guidato la galleria d'arte dell'Hermitage, ha pubblicato il suo nuovo catalogo. Continua a lavorare come artista del libro e del teatro, in particolare, ha lavorato sul design della performance di BDT. Nel 1925, ha preso parte alla mostra internazionale delle moderne arti decorative e industriali a Parigi. Nel 1926, Benoit ha lasciato l'URSS senza tornare da un viaggio d'affari straniero. Viveva a Parigi, ha lavorato principalmente sugli schizzi di scenari teatrali e costumi. Alexander Benois ha svolto un ruolo significativo nelle produzioni degli imprenditori di balletto S. Dyagileva "Ballets Russes", come artista e autore - il produttore di spettacoli. Benua è morto il 9 febbraio 1960 a Parigi.

Ritratto di Benoian.

"Autoritratto", 1896

- Seconda serie Versailles (1906), Compreso:

La prima delle opere retrospettive di Benua è associata al suo lavoro a Versailles. Nel 1897-1898, una serie di piccoli dipinti realizzati da acquerelli e gouache e gli argomenti condivisi unitari sono "l'ultima passeggiata di Louis Xiv". La seconda serie di Versailles di Beno'a, creata nel 1905-1906, è molto ampia dell'ultima "Louis Wide XIV" e più diversificati nel contenuto e nella tecnologia. Comprende gli etuti dalla natura scritta nel parco di Versailles, dei dipinti storici e di genere retrospettivi, peculiari "fantasie" su argomenti di architettura-paesaggio, immagini di tribunale idee teatrali a Versailles. La serie include opere con vernici ad olio, tempera, gouache e acquerelli, disegni obangognosi e seppia. Queste opere possono essere condizionatamente condizionate condizionatamente la "serie", poiché sono collegate l'una con l'altro solo da qualche unità dell'umore, che fingeva in quel momento, quando Benua, secondo lui, era "mersenato Versaille" e "completamente trasferito in Il passato ", cercando di dimenticare la tragica realtà russa del 1905. L'artista cerca di informare lo spettatore come molte informazioni effettive sull'era, sulle forme di architettura, sui costumi, un po 'trascurando il compito della riqualificazione poetica dell'immagine del passato. Tuttavia, la stessa serie comprende opere appartenenti al numero delle opere di maggior successo del Beno'a, che usano meritatamente la grande fama: "Parade con Pavel I" (1907, stato. Museo russo;), "Imperatrice Ekaterina II nel Tsarskoye Palace "(1909, stato. Galleria d'arte dell'Armenia, Yerevan)," Petersburg Street at Peter I "(1910, Assemblea privata a Mosca) e" Peter I on a Walk in the Summer Garden "(1910, Stato. Museo russo ). In questi lavori, puoi vedere qualche cambiamento nel principio stesso del pensiero dell'artista storico. Al centro dei suoi interessi, infine, non monumenti di antica art caduta, non cose e costumi, ma persone. Scene storiche e famiglie multifigure Scritte da Benua, ricreano l'aspetto dell'ultima vita, vedendo gli occhi del contemporaneo.

- "King's Walk" (GTG)

48x62.

Carta su tela, acquerello, gouache, vernice in bronzo, vernice d'argento, matita grafite, piuma, pennello.

Galleria di Tretyakov di stato. Mosca.

Nella foto, la passeggiata del re Alexander Benua trasferisce lo spettatore al brillante parco di Versailles di Louis Xiv. Descrivendo il re Walks, l'autore non ha interessato: nessuna vista sul parco con architettura del giardino (sono scritte dalla natura), né performance teatrali, molto alla moda nei tempi più anziani, né scene domestiche, disegnate dopo uno studio approfondito del materiale storico. "Camminando per il re" - lavoro molto spettacolare. Lo spettatore si incontra con Louis Xiv, camminando sul suo cervello. A Versailles, autunno: alberi e arbusti caduti fogliame, i loro rami nudi sono soliti guardando il cielo grigio. Acqua calma. Sembra che nulla possa disturbare lo stagno silenzioso, nello specchio di cui si riflette il gruppo scultoreo della fontana e la genuina processione monarca e il suo approssimativo. Contro lo sfondo del paesaggio autunnale, l'artista raffigura una solenne processione del monarca con i suoi cortigiani. La modellazione piatta delle figure di marcia sembra trasformarle in fantasmi dell'era sinistra. Tra i Suite Court, è difficile trovare la Louis XIV. L'artista non è importante per il re del sole. Benua è molto più preoccupato per l'atmosfera dell'era, il respiro del parco di Versailles del tempo del suo proprietario di stand-old. Questo lavoro è incluso nel secondo ciclo di dipinti, resuscitando le scene dei Versailles dell'Epoca del "re del sole". Benua Versailles è una specie di paesaggio elegia, un bel mondo, che ha portato l'aspetto di un uomo moderno sotto forma di una scena deserta con le decorazioni tempeste di un lungo gioco giocoso. Precedentemente, grandi, suoni e vernici completi, questo mondo ora sembra leggermente spettrale, silenzio del cimitero contorto. Non per caso nella "passeggiata del re", Benua raffigura il Parco Versaili in autunno e un'ora di crepuscolo della serata leggera, quando un'architettura di "architettura" senza fuoco di un normale giardino francese sullo sfondo di un cielo leggero si trasforma in un passaggio -Prough, edificio effimero. Il vecchio re, chiacchierando con Freillan, accompagnato dalla marcia esattamente negli intervalli stabiliti e davanti a loro, come se le figure degli orologi d'orologio vintage sotto la luce chime per il menu dimenticato, scorrere lungo il bordo del serbatoio. La natura teatrale di questa fantasia retrospettiva è sottilmente rivelata dall'artista stesso: rianima le figurine degli ameristi frisini che abitano la fontana, raffigurano comicamente un pubblico rumoroso che ha una scena di montaggio e le prestazioni dei burattini interpretate da persone.

- "Bagno del markism"

1906.

Paesaggio storico pittoresco russo

51x47.5.

cartone, gouache

Il dipinto "Badzalnya Marquise" raffigura un angolo appartato del parco di Versailles tra il verde denso. I raggi del sole, penetrando in questo rifugio ombreggiato, illuminano la superficie dell'acqua e il marchese di balneazione. Quasi simmetrico sulla composizione, costruita secondo la prospettiva anteriore, l'immagine esegue l'impressione della bellezza impeccabile del disegno e dei colori. Ha elaborato con attenzione i volumi di forme geometriche chiare (orizzontale leggero - terra, discese in acqua e pareti illuminate verticali di boselli, colonne perloni). Il gazebo di matrimonio bianco elegante illuminato dal sole, che vediamo nel lume degli alberi, è raffigurato in cima all'immagine, proprio sopra la testa della Marchese. Maschere decorative, di cui i getti d'acqua biondi fluiscono nel bagno, rompere il muro bianco della piscina. E persino i marchesi di lightwood gettati sulla panchina (coincidendo quasi con un punto di profondità della profondità delle linee) entra nell'elemento compositivo necessario in questo motivo accuratamente premuroso. Il centro composito è, ovviamente, non una panchina con vestiti, sebbene situato nel centro geometrico, ma l'intero complesso "quadrangolo" con un asse verticale centrale, dove il gazebo illuminato dal sole sopra la testa del marchese sembra un Ornamento prezioso come una corona. Il capo del marchese completa organicamente questo complesso schema simmetrico del disegno di orizzontali, verticali e diagonali. In un parco rigorosamente ben progettato e programmato, anche i suoi abitanti con la loro presenza completando solo la sua perfezione. Sono solo un elemento della composizione, enfatizzando la sua bellezza e splendore.

Mirrussiano spesso rimprovera in assenza di "pittura" nel loro lavoro pittoresco. Puoi dire in risposta a questo che il "bagno di marchese" è una celebrazione verde con la varietà delle sue sfumature. L'artista sta semplicemente ammirando la bellezza e una violenza di verde fresco. Il piano frontale dell'immagine è scritto in generale. Luce morbida, punzonatura attraverso il fogliame, illuminava le discese all'acqua di bagno, acqua scura, scritta attraverso colori blu-grigio e blu-verde saturo. Il piano lontano è stato lavorato in modo più dettagliato: il fogliame degli alberi è scritto con attenzione e virtuoso, la foglia alle foglie, il moire del fogliame sui depuscioni è composto dai più piccoli punti, strisci colorati. All'ombra ci vediamo e verdi e luminosi e luminosi colori freddi di diverse tonalità. Il fogliame lussuoso, illuminato illuminato nel centro è scritto da piccoli, freddi custodini bluasistri e caldi. L'artista sembra fare il bagno in verde nei raggi della luce, esplorando la natura del verde. Ombre blu profonde, terra grigia-viola, abito viola con motivo blu, sciarpa gialla, cappello con fiori blu intorno a nastro, punti bianchi su un pendio verde e gocce rosse su un acconciatura di marchese, sulla testa di donne nere non danno il lavoro diventare verde monocromatico. "Balena da balze di marchesa" - un paesaggio storico.

- Illustrazioni per poesia A.S. Pushkin "rame cavaliere" (1904-22),),compreso:

Nei primi decenni del ventesimo secolo, Alexander Nikolayevich Benoit (1870 - 1960) sono stati fatti al "Rame Rider" - il meglio che è stato creato nella storia dellustrante Pushkin. Benua ha iniziato a lavorare sul "Rame Rider" nel 1903. Nei prossimi 20 anni, hanno creato un ciclo di disegni, screensaver e terminazioni, nonché un enorme numero di opzioni e schizzi. La prima edizione di queste illustrazioni, che stava preparando per una pubblicazione tascabile, è stata fondata nel 1903 a Roma e San Pietroburgo. Li ha stampati in un altro formato DyAgiLev nel primo numero della rivista "World of Art" per il 1904. Il primo ciclo di illustrazioni consisteva in 32 disegni eseguiti in mascara e acquerello. Nel 1905, A.n. Benua, essendo a Versaille, riciclato sei delle sue precedenti illustrazioni e completato il frontispis al "rame rame". Nei nuovi disegni al "cavaliere di rame" il tema della persecuzione del cavaliere di un piccolo uomo diventa la cosa principale: un cavaliere nero sopra un fuggiasco non è tanto un capolavoro del Falcone, quanta impersazione di potenza crudele, potere. E Pietroburgo non è colui che conquista la perfezione artistica e una portata di pensieri di costruzione, e la città svizzera è un cluster di case cupa, filari commerciali, recinzioni. Ansia e ansia che ha spazzato l'artista durante questo periodo, si gira qui in un vero grido sul destino di una persona in Russia. Nel 1916, 1921-1922, il ciclo è stato rielaborato per la terza volta e integrata con nuovi disegni.

- "scena del palco" (frontispis)

Schizzo del frontispis al poema A. S. Pushkin "Copper Horseman", 1905

Libro grafico

23,7 x 17.6.

carta, acquerello

Museo di A.S. Pushkin, San Pietroburgo

Nel 1905, un Benua, essendo a Versaille, riciclato sei delle sue precedenti illustrazioni e ha eseguito il frontispis (frontispis - una pagina dell'immagine che genera un turno con la pagina frontale di Tit. L., e questa immagine stessa.) Alla "rame Cavaliere ". Nei nuovi disegni al "cavaliere di rame" il tema della persecuzione del cavaliere di un piccolo uomo diventa la cosa principale: un cavaliere nero sopra un fuggiasco non è tanto un capolavoro del Falcone, quanta impersazione di potenza crudele, potere. E Pietroburgo non è colui che conquista la perfezione artistica e una portata di pensieri di costruzione, e la città svizzera è un cluster di case cupa, filari commerciali, recinzioni. Ansia e ansia che ha spazzato l'artista durante questo periodo, si gira qui in un vero grido sul destino di una persona in Russia. A sinistra in primo piano, la figura di esecuzione Eugene, a destra - il cavaliere sorpasso a cavallo. Nel secondo piano - il paesaggio della città. A causa delle nuvole, la luna è visibile a destra. Un'ombra enorme dalla forma del cavaliere cade sul ponte. Quando si lavora sul "Rame Rider" ha identificato il più alto aumento della creatività Beno'a in questi anni.

Somov Konstantin Andreevich (1869 - 1939)

Konstantin Andreevich Somom (30 novembre 1869, San Pietroburgo - 6 maggio 1939, Parigi) - Pittore e programma russo, Maestro di ritratto e paesaggio, illustratore, uno dei fondatori della società "il mondo dell'arte" e la rivista con lo stesso nome. Konstantin Somov è nata nella famiglia di una famosa figura del museo, il custode dell'Eremo, Andrei Ivanovich Somo. Anche nella palestra Somov Met A. Benua, V. Nuellev, D. Filosofico, che in seguito ha partecipato alla creazione della società "World of Art". Somov ha preso la partecipazione più attiva alla registrazione della rivista "World of Art", così come l'edizione periodica dei tesori d'arte della Russia (1901-1907), pubblicati da A. Benua, creato illustrazioni a "Conta Nulin" a . Pushkin (1899) N. Gogol "naso" e "Nevsky prospekt" (1901), dipinto la copertura delle collezioni poetiche K. Balmont "Firebird. Slavel Slavyanina, "V. Ivanova" Cor Ardens ", la pagina del libro del libro di A. Blok" Theatre "e altri. La prima mostra personale di dipinti, schizzi e disegni (162 opere) si è svolta a San Pietroburgo nel 1903 ; A Amburgo e Berlino, sono stati mostrati 95 opere nello stesso anno. Insieme al paesaggio e alla pittura e al programma del ritratto, Somov ha lavorato nel campo delle materie plastiche poco profonde, creando squisite composizioni di porcellana "Count Nulin" (1899), "Lovers" (1905), ecc. Nel gennaio 1914, ha ricevuto lo stato di un membro valido dell'Accademia delle Arti. Nel 1918, la più famosa e la piena edizione con disegni erotici, i disegni erotici di Somov sono stati pubblicati nel 1918 nella casa editrice: "il libro del marchese", dove l'artista ha creato non solo tutti gli elementi del design del libro, ma Ho anche raccolto i testi in francese. Nel 1918 divenne professore di laboratori artistici di proprietà dello stato di Petrogrado; Ha lavorato alla scuola E. N. Zvantantseva. Nel 1919 ha avuto luogo il suo esposizione personale dell'anniversario, nella Galleria Tretyakov. Nel 1923, Somov ha lasciato la Russia in America come una "mostra russa" autorizzata; Nel gennaio 1924, 38 opere sono state rappresentate alla mostra di New York Somov. Non è tornato in Russia. Dal 1925 viveva in Francia; Successivamente morto il 6 maggio 1939 a Parigi.

Ritratto di Somov.

"Autoritratto", 1895

"Autoritratto", 1898

46 x 32.6.

Acquerello, matita, pastello, carta su cartone

"Autoritratto", 1909

45,5 x 31.

Acquerello, guazzo, carta

Stato Tretyakov Gallery, Mosca

- "Lady in Blue. Ritratto di un artista Elizabeth Martynova "(1897-1900, GTG)

L'artista è stato a lungo amichevole con Elizabeth Mikhailovna Martynova, ha studiato con lei all'Accademia delle Arti. Nel 1897, K. Somov iniziò a lavorare su un ritratto di E.M. Martynova, con un piano dettagliato. L'artista era un modello molto interessante, e il suo pensiero era preoccupato per il ritratto, in cui poteva catturare l'immagine poetica profonda. La giovane donna in un vestito magnifico, fortemente debole, con un tomik di poesie nella mano abbassata è raffigurata nella parete verde di un arbusto sfregabile. MANGIARE. Martynov L'artista trasferisce al mondo del passato, lo scala in un vecchio vestito, mette il modello sullo sfondo di un parco decorativo condizionale. Il cielo serale con nuvole rosa leggera, alberi di un vecchio parco, la superficie oscura del serbatoio - tutto questo è elegante a colori, ma come un vero "Miriskusnik", K. Somov stilizza il paesaggio. Guardando questa donna solitaria e desiderosa, lo spettatore non la percepisce come una persona dall'altro mondo, il passato e distante. Questa è una donna fine del XIX secolo. Tutto in esso è caratteristico: e fragilità dolorosa, e una sensazione di un desiderio grumoso, tristezza nei suoi grandi occhi e una linea densa di labbra sfregarte. Contro lo sfondo del cielo con l'eccitazione del cielo, la figura fragile di E.M. Martynova è piena di grazia speciale e femminilità, nonostante il collo sottile, sottili mostrando le spalle, la tristezza e il dolore coperti. Nel frattempo, nella vita di E.M. Martynov tutti sapevano come una giovane donna allegra e allegra. MANGIARE. Martynov ha sognato un grande futuro, voleva realizzarsi nella presente arte e disprezza la vita della vita. E è successo in modo che in 30 anni con alcuni anni morì di tubercolosi polmonare, non ha avuto il tempo di adempiere a nulla dal concepito. Nonostante la parata del ritratto, in esso c'è una nota sincera nascosta. E rende lo spettatore per sopravvivere all'umore dell'eroina, per penetrarlo con la simpatia, come lo era lo stesso artista. "Lady in Blue" è apparso alla mostra "The World of Arts" nel 1900 (A causa della partenza dell'artista a Parigi e della malattia del modello, questa immagine è stata scritta tre anni) chiamata "ritratto", e in tre anni è stata acquisita dalla Galleria Tretyakov.

- "Serata" (1902, GTG)

142.3 x 205.3.

Tela, olio

Stato Tretyakov Gallery, Mosca

Somova Poeta Valery Brousev ha chiamato i poeti di Somov degli autobus di Valery. Dopotutto, i romanzi Somovsky attraverso la teatrale. Nella "serata", è stata rianimata una scena Somiv sopravvissuta da una vita da giardino del XVIII secolo. Contro lo sfondo di vitigni abbondanti con cluster rosa-goldy, magnifiche valute della bellissima diga positiva di Zhemunno. La "realtà" di Somovskaya nella foto "sera" (1902) appare stilisticamente completata. Tutto qui incontra un singolo ritmo snello e cerimoniale: replay di arcade, alternanza del flusso Nella distanza degli aerei dei boss, il rallentamento, come se il rituale, il movimento delle signore. Anche la natura qui - l'arte del lavoro, le caratteristiche di stile di trasporto ispirate al XVIII secolo. Ma prima di tutto, questo è il mondo "Somovsky", incantato, strano il mondo mondo più severo del cielo dorato e sculture placcate in oro, dove una persona, la natura e l'arte sono in un'unità armoniosa. Stendendo i grappoli di uva, la luce del sole, attraversando le foglie, lancia riflessi su vestiti e facce delle persone, ammorbidendo lo smeraldo ammorbido e vernici scarlatti d. Delizia la visualizzazione di dettagli della toilette sottilmente eseguiti, anelli, nastri, scarpe con tacco rosso. Nella foto "sera" non esiste una genuina monumentalità. Il mondo Somov porta l'effimerilità dello scenario, quindi le grandi dimensioni della tela sono casuali. Questa è una miniatura ingrandita. Il miniaturismo è sempre la camera, un talento intimo Somov. I contemporanei percepivano la "serata" come opposizione alla realtà: "L'epoca, che appare a noi ingenua, con i muscoli di fissaggio, senza locomotive a vapore - la gravità, strisciando (relativamente con il nostro), - come padroneggiare può essere in natura, da sedurre natura, quasi rendendolo una continuazione del suo costume ". La retrospezione di Somov ha spesso un'ombra di fantasticamente immaginaria, la fantasia ha quasi sempre un'ombra retrospettiva.

- "Harlequin e Dama" (1912, GTG)

1912 1921

62.2 x 47.5.

Stato Tretyakov Gallery, Mosca

Il concetto artistico di Somov acquisisce un completamento speciale qui. Tutta la costruzione dell'immagine è fissata francamente dalla scena teatrale. Due personaggi principali si trovano in primo piano, nel centro dell'immagine, affrontano lo spettatore, come gli attori della commedia Marivo, il dialogo leader. Le figure nelle profondità sono simili ai caratteri secondari. Gli alberi coperti da fuochi d'artificio leggeri errati, come faretti teatrali, la piscina, parte del quale è visibile in primo piano, ti fa ricordare l'inceppamento orchestrale. Anche il punto di vista sulle persone che agisce dall'aspetto inferiore sembra guardare lo spettatore dalla sala teatrale. L'artista ammira questo Pestrem Masquerad, dove la piegatura arlecchino nel suo vestito da rosso, giallo e blu looskuts zhemunno abbraccia una signora in Robron, ha rimosso la maschera, dove le rose rosse sono luminose, e i fuochi d'artificio festivi sono dipinti nel cielo. Per Somov, questo mondo ingannevole di fantasmi con la loro esistenza fugace della stessa realtà è.

Una serie di ritratti grafici, incl. -

- "Ritratto di A. Blok" (1907, GTG.)

"Ritratto di Alexander Alexandrovich Bloka", 1907

38 x 30.

Carta, gravame e matite colorate, gouache

Stato Tretyakov Gallery, Mosca

Nel 1907, Somov crea immagini di L. A. Bloka. Possono vedere le tracce dello studio più stretto del ritratto della matita francese (usando la sangina) della fine del XVI e soprattutto il XVII secolo, anche se i ritratti di Somov in nessun modo sono imitazione diretta. Le tradizioni del ritratto della matita francese sono implementate Somov oltre il riconoscimento. La natura dell'immagine è completamente diversa. Nei ritratti del blocco e del lanciere (sia nello stato. La Galleria Tretyakov) Somov cerca di limitare la concisione. Ora nel ritratto del blocco è un'immagine all'aperto. Tutti i dettagli insignificanti vengono scartati. Somom Skupo grafico il contorno solo la silhouette delle spalle e quei dettagli del costume che sono integrali dall'aspetto del raffigurato, sono collare posticipati che indossavano sempre un blocco. In contrasto con il Lakonis nell'immagine della figura e del vestito, la faccia ritratta con attenzione lavorava attentamente, e nella loro trasmissione l'artista introduce pochi accenti di colore, che nel ritratto del blocco suona particolarmente espressivo. L'artista trasferisce le matite fredde fredde, la vista "inverno" del blocco degli occhi blu grigio, il ritiro delle labbra semi-open, erboris - piegatura verticale, tagliando la fronte liscia. Il volto del blocco incorniciato dalla protezione dei capelli ricci spessi ricorda una maschera ghiacciata. Ritratto ha colpito la somiglianza contemporanea. Molti di loro hanno notato nella vita inerente al blocco "protezione della ceretta". Somiv nel loro sudore alzato l'inferno in assoluto di questo morto, e l'immagine del blocco della versatilità, della ricchezza spirituale, che costituiva l'essenza della sua personalità è stata privata. Il blocco stesso è stato riconosciuto che, anche se gli piaceva il ritratto, "spinse".

Bakst Lev Samoilovich (Life-Haim Israelich Rosenberg, 1866 - 1924)

Per iscriversi alla Voltopper all'Accademia delle Arti, L. S. Bastca ha dovuto superare la resistenza del Padre, un piccolo commerciante. Ha studiato quattro anni (1883-87), ma deluso dalla preparazione accademica e ha lasciato un'istituzione educativa. Ha iniziato a impegnarsi in pittura sulla sua tecnica ad acquerello studiata, guadagnando una vita che illustra i libri e le riviste per bambini. Nel 1889, l'artista per la prima volta ha mostrato il suo lavoro, adottando uno pseudonimo - il nome abbreviato della nonna sulla linea materna (Bakster). 1893-99. Ha trascorso a Parigi, spesso colpendo Petersburg, e ha ostinatamente lavorato alla ricerca del suo stile. Ragli con A. N. Benua, K. A. A. Somov e S. P. Dyagilev, Bakst divenne uno degli iniziatori della creazione dell'unificazione del mondo dell'arte (1898). Fame Bastca ha portato il suo lavoro grafico per la rivista "World of Art". Ha continuato a impegnarsi e macchine art - ha eseguito eccellenti ritratti grafici I. I. Levitan, F. A. Malyavina (1899), A. Bianco (1905) e 3. N. Hippius (1906) e ritratti pittoreschi V. V. Rosanova (1901), SP Dyagilev con bambinaia ( 1906). Le dispute furiose dei critici hanno causato la sua foto "cena" (1902), che divenne un manifesto particolare di stile moderno in arte russa. Più tardi, una forte impressione sul pubblico ha prodotto il suo quadro "antico horror" (1906-08), in cui è incorporata l'idea simboistica della inevitabilità del destino. Entro la fine del 1900. Continuarsi con il lavoro nel teatro, occasionalmente facendo eccezioni per i ritratti grafici delle persone vicine a lui, ed entrò nella storia proprio come un artista del teatro eccezionale dell'era moderna. Ha fatto il suo debutto nel teatro nel 1902, emettendo il pantomime del cuore Markism. Poi il balletto "Fairy Dolls" (1903), che aveva successo principalmente a causa delle sue decorazioni. Ho fatto altre performance, ha reso i costumi separati per gli artisti, in particolare per A. P. Pavlova nel famoso "Swan" M. M. Fokina (1907). Ma veramente talento Bakst si trasformò in prestazioni di balletto delle "stagioni russe", e poi il "Balletto russo S. P. Dyagileva". "Cleopatra" (1909), "Sherryzad" e "Carnevale" (1910), "Vision of Roses" e "Narcissy" (1911), "Blue God", "Daphnis and Chloe" e "Pomerogo Resto di Favna" (1912 ), "Giochi" (1913) colpiscono il pubblico occidentale fissato con fantasia decorativa, ricchezza e forza del colore, e le tecniche di design sviluppate da Bakstoma rilassarono l'inizio di una nuova era in scenografia di balletto. Il nome del Baksta, il principale artista "stagioni russe", minacciata insieme ai nomi dei migliori artisti e famosi ballerri. Gli ordini interessanti sono stati filmati su di esso e da altri teatri. Tutti questi anni, Bakst viveva in Europa, solo occasionalmente tornando in patria. Ha continuato a collaborare con la troupe del Dyagilevskoye, tuttavia, tra lui e S. P. Dyagilev gradualmente aumentò le contraddizioni, e nel 1918 Bakst ha lasciato la troupe. Ha lavorato instancabilmente, ma non è più riuscito a creare nulla di fondamentalmente nuovo. La morte dal gonfiore dei polmoni del baksta agnello al momento della sua gloria, la verità sta iniziando a sbiadire, ma ancora brillante.

Ritratto di un artista

"Autoritratto", 1893

34 x 21.

Cartone, olio

Museo russo di stato, San Pietroburgo, Russia

- Elysium (1906, GTG)

Pannello decorativo, 1906.

158 x 40.

Acquerello, guazzo, carta su cartone

Stato Tretyakov Gallery, Mosca

- "Antico (antico) horror" (1908, tempismo)

250 x 270Holt, Olio

Museo russo di stato, San Pietroburgo

"Antico horror" - l'immagine di Leon Baksta, raffigurante la morte della civiltà antica (possibilmente Atlantis) nel cataclisma naturale. Nel "antico horror" del mondo pagano - questo è l'orrore della vita nel mondo sotto il dominio del fuso cupo e inumano, l'orrore dell'impotenza di una persona, schiavita da lei ed estremamente sottomessa (fatum); E anche l'orrore di fronte al caos come una non esistenza priva di abisso, l'immersione in cui non è piaciuta. Sotto l'antico orrore, intendeva l'orrore del destino. Voleva dimostrare che non solo l'intero umano, ma tutto il divino amaro fu percepito dall'antico come un parente e transitorio. Una grande tela di un formato praticamente quadrato è occupata da un panorama del paesaggio scritto da un alto punto di vista. Il paesaggio è illuminato da Flash Lightning. Lo spazio principale della tela occupa un mare infuriato che distrugge navi e batti sulle pareti delle fortezze. In primo piano mostra la figura di una statua arcaica in un raccolto generato. Il contrasto di una calma faccia sorridente della statua particolarmente colpita rispetto all'austerità degli elementi per la schiena. L'artista trasferisce lo spettatore ad un'elevazione invisibile, con cui questa prospettiva panoramica è possibile solo, che dispiegava da qualche parte nella profondità sotto i nostri piedi. Più vicino alla collina dello spettatore, portando una statua colossale dell'Afrodite arcaica cipriota; Ma la collina, e il piede, e la maggior parte delle gambe dell'idolo fuori dalla tela: così com'era, libero dal destino della terra, la dea sorge vicino a noi, proprio sull'oscurità di un mare profondo. La statua femminile depressa è il tipo di corteccia arcaica, che sorride ad un misterioso sorriso arcaico e tiene un uccello blu (o un piccione - simbolo Afrodite). Tradizionalmente, è consuetudine chiamare la statua raffigurata da Bakstom - Afrodite, anche se non è stata ancora stabilita, quali credie sono state raffigurate. Il prototipo della statua era la statua trovata durante gli scavi sull'acropoli. Per una mano incompleta a mano posata la moglie di Bakst. Il paesaggio dell'isola si svolge dietro la dea è una vista dall'Acropoli Ateniese. Ai piedi delle montagne nella parte giusta della foto in primo piano, gli edifici sono collocati, secondo Pruzhana - Mycenaeine Lion Gates e il resto del palazzo a Tirinf. Questi sono edifici legati all'inizio, il periodo di mix critico della storia della Grecia. A sinistra, il gruppo che corre nell'orrore delle persone tra gli edifici caratteristici della Grecia classica - Apparentemente, questa è un'Acropoli con i suoi dormire e le sue enormi statue. Per l'Acropoli - illuminato da cerniere della valle, accovacciata da Silver Oliv.

Design balletto, incl. -

"Schizzo di Cleopatra Costume per Ida Rubinstein al balletto" Cleopatra "alla musica di A.S.Arensky"

1909

28 x 21.

Matita, acquerello

"Sheherezada" (1910, musica. Rimsky-Korsakov)

"Schizzo dello scenario al balletto" Shehherazada "sulla musica di N.A. Rimsky-Korsakov", 1910

110 x 130.

Tela, olio

Nikita e Nina Lobanov-Rostov, Londra

"Schizzo del costume del blu Sulshi al balletto" Shehherazada ""

1910

29,5 x 23.

Acquerello, matita

Nikita e Nina Lobanov-Rostov, Londra

Dobuzhinsky Msislav Valerianovich (1875 - 1957)

M. V. Dobuzhinsky era il figlio di un ufficiale di artiglieria. Dopo il primo anno della Facoltà della Legge dell'Università di San Pietroburgo, Dobuzhinsky ha cercato di entrare nella San Pietroburgo Academy of Arts, ma non è stata accettata e impegnata in monolocali privati \u200b\u200bfino al 1899. Tornando nel 1901 a San Pietroburgo, è diventato vicino L'unificazione del mondo dell'arte ed era tra i suoi rappresentanti più notevoli. Debuttato Dobuzhinsky in grafica - Disegni in riviste e libri, paesaggi urbani, in cui è riuscito a trasmettere in modo impressionante la loro percezione di San Pietroburgo come città. L'argomento della città divenne immediatamente uno dei principali nel suo lavoro. Dobuzhinsky era impegnata in snack grafica e pittura, insegnata con successo - in diverse scuole. Presto l'MHT lo ha invitato a mettere il gioco I. S. Turgenev "mese nel villaggio" (1909). Il grande successo dello scenario adeguato da lui ha posato l'inizio della stretta collaborazione dell'artista con il famoso teatro. La parte superiore di questa collaborazione è stata le decorazioni per lo spettrale "Nikolay Stavrogin" (1913) sul romanzo di F. M. Dostoevsky "Demoni". L'espressività acuta e il laconismo raro hanno fatto questo lavoro innovativo con un fenomeno che anticipa future scoperte della scenografia nazionale. La percezione del suono degli eventi che si svolge nella Russia post-rivoluzionaria costretti Dobuzhinsky nel 1925 per adottare la cittadinanza lituana e passare a Kaunas. Nel 1939, Dobuzhinsky è andato negli Stati Uniti a lavorare con attore e regista M. A. Chekhov oltre il gioco "Demes", ma a causa della seconda guerra mondiale, la Lituania non ha ritornato. Gli ultimi anni di vita erano i più difficili per lui - fallì e non voleva adattarsi ad un alieno allo stile di vita americano per lui e ai nrli del mercato dell'arte americana. Spesso ha sperimentato difficoltà materiali, vivevano da solo, comunicando solo con uno stretto cerchio di emigranti russi e ha cercato di usare ogni occasione per almeno arrivare all'Europa almeno.

Ritratto di un artista

Auto ritratto. 1901.

55x42.

Tela, olio

Stato museo russo

Il lavoro svolto presso la Scuola di Monaco di Shandor Holloşi, sul pittoresco compito di vicino alle composizioni simboistiche della carriera di Ezhen, che amava immergere i suoi personaggi in un ambiente denso ed emotivamente attivo. La misteriosa foschia, il modello circostante, vibrante la luce "colore" sul viso e dalla figura, sembra aumentare l'espressione acutamente energica e misteriosa degli occhi ombreggiati. Questo dà all'immagine di un giovane uomo indipendente e a sangue freddo presenta alcuni demoniis.

- "Provincia degli anni 1830" (1907-1909, MRM)

60 x 83.5.

Cartone, matita, acquerello, Belil

Museo russo di stato, San Pietroburgo

"La provincia del 18 ° anniversario" registra l'occhiata dell'artista, un flusso diligente della vita di tutti i giorni di una città russa di oltre mezzo secolo fa. Le immagini "Calcolo" con la pubblicazione deliberata del pilastro quasi nel centro della composizione contribuiscono alla percezione di ciò che sta accadendo come un telaio a film visto a caso. L'assenza del personaggio principale e del dissavorio del dipinto è una specie di gioco artistico con le aspettative vane dello spettatore. Domeri skidden, cupole di antiche chiese e dormendo nella sua città della città - questo è il tipo di piazza principale della città. L'agitazione delle signore, affrettando, a quanto pare, al modista di nuovi abiti, è stato scritto da Dobuzhinsky quasi caricatura. Il lavoro è permeato dall'umore della bontà innocua dell'artista. Un sapore luminoso di lavoro lo rende simile a una cartolina così popolare al turno dei secoli. Nel 1907, l'immagine della provincia russa dei 1830 (acquerello, contare. Matita, stato Museo russo). Raffigura la piazza assonnata della città provinciale con le file di trading, dormiente, appoggiandosi il suo sicuro, una barca, un maiale seppellico, sfregando un lampione, alcuni passanti e un povle inevitabile nel mezzo. Indubbiamente la reminiscenza di Gogol. Ma la foto di Dobuzhinsky è privata di qualsiasi sarcasmo. La grafica grafica dell'artista qui trova tutto a qualcosa di toccare. Sotto la matita e il pennello, Dobuzhinsky, la bellezza delle proporzioni del soggiorno ampioso, un elegante abito degli anni '30 con un cappello "cesto" nello spazio di transito di una signora con lo shopping, una silhouette sottile di un campanile. Il delicato stilistico di Dobuzhinsky trionfa la sua prossima vittoria.

- "Casa a San Pietroburgo" (1905, GTG)

37 x 49.

Pastello, gouache, carta su cartone

Stato Tretyakov Gallery, Mosca

- "uomo in bicchieri" (ritratto di scrittore Konstantin sunnerberg, 1905-1906, GTG)

Ritratto di critico d'arte e poeta Konstantin Sunnerberg

1905

63,3 x 99.6.

Carbone, acquerello, carta su cartone

Stato Tretyakov Gallery, Mosca

Non essendo un ritrattista, Dobuzhinsky ha creato uno dei personaggi più capaci, incarnando un'intera generazione di cittadini intellettuali. Nel dipinto "uomo in bicchieri" (1905-1906), il poeta e il critico d'arte K. A. Sunnerberg, che ha trascorso sotto lo pseudonimo della Const. Erberg. Un uomo si chiuse strettamente in un guscio rigido di un vestito rispettabile, i suoi occhi, illuminati dal mondo con gli occhiali con gli occhiali, non sono quasi visibili. L'intera figura, come se privo di privata della terza dimensione, sciogliersi, è bloccata in uno spazio stretto impensabile. Una persona come se fossi esposti, collocati tra due bicchieri - un esemplare della fauna fantasia di una città fantastica - San Pietroburgo, visibile fuori dalla finestra, aprendo lo spettatore, un'altra persona è una miscela di urbanistica multi-piano e multi-tube e backyards provinciali.

Lancervgeny Evgenievich (1875 - 1946)

artista russo e sovietico. Laureato del primo ginnasio di San Pietroburgo. Dal 1892 ha studiato nella scuola di disegno della società per la promozione delle arti, Pietroburgo, dove le classi di Ya. F. Zhestklinsky visitato, N. S. Samokish, E. K. Lipgarta. Dal 1895 al 1898, Lancer ha viaggiato molto in Europa e migliorato abilità nelle accademie francesi di F. Kalalari e R. Zhülen. Dal 1899, un membro dell'unificazione del mondo dell'arte. Nel 1905 andò in Estremo Oriente. Nel 1907-1908, divenne uno dei creatori del "antico teatro" - un fenomeno a breve termine, ma interessante e notevole nella vita culturale della Russia dell'inizio del secolo. Lancer ha continuato a lavorare con il teatro nel 1913-1914. 1912-1915 - Direttore artistico della fabbrica di porcellana e laboratori di incisione di vetro a San Pietroburgo e Ekaterinburg. 1914-1915 - Artista corrispondente militare nel fronte caucasico durante la seconda guerra mondiale. 1917-1919 trascorso a Daghestan. Nel 1919, ha collaborato come artista nell'ufficio informativo e agitazionale dell'esercito volontario A. I. Denikin (OSVAG). Nel 1920, si trasferì a Rostov-on-Don, poi in Nakhichevan-on-Don e Tiflis. Dal 1920, un disegnatore nel Museo di Etnografia, ha viaggiato in spedizioni etnografiche con il Caucaso Archaeological Institute. Dal 1922 - Professore dell'Accademia delle Arti della Georgia, Marhi. Nel 1927 fu inviato per sei mesi a Parigi dall'Accademia delle Arti della Georgia. Nel 1934 si è trasferito per la residenza permanente da Tiflis a Mosca. Dal 1934 al 1938 ha insegnato all'Accademia Accademia di Arti All-Russian a Leningrado. SUA. Lancer è morto il 13 settembre 1946.

Ritratto di un artista

- "Empress Elizabeth Petrovna in Tsarskoye Selo" (1905, GTG)

43,5 x 62.

Guazzo, carta su cartone

Stato Tretyakov Gallery, Mosca

Evgeny Evgenievich Lancere è un artista versatile. L'autore di dipinti e pannelli monumentali che adornano le stazioni della metropolitana di Mosca, della stazione di Kazan, dell'hotel "Mosca", dei paesaggi, dei dipinti sulla storia russa del XVIII secolo, allo stesso tempo, era un meraviglioso illustratore delle opere classiche Della letteratura russa ("Dubrovsky" e "sparato" a. S. Pushkin, "Haji Murat" L. N. Tolstoy), il creatore di cartoni animati acuti in riviste satyrics del 1905, artista teatrale e teatrale. L'immagine riprodotta qui è una delle macchine più interessanti e significative dell'artista. Cartina testimonia la comprensione della pittura storica nell'arte del primo XX secolo. Pertanto, l'atmosfera dell'era è qui divulgata attraverso immagini dell'arte, incarnate in architettura e parchi ensemble, costumi e acconciature di persone, attraverso il paesaggio, mostrando la vita della corte, i rituali. Soprattutto i preferiti sono diventati il \u200b\u200btema delle processioni reali. Lanciere raffigura il cortile solenne del Yelizabeth Petrovna nella sua residenza suburbana. Come se la scena avviene davanti allo spettatore. Il redium-lente d'ingrandimento nuota l'imperatrice grassa, vestita in vestiti tessuti della bellezza incredibile. Avanti, signore e Cavaliers sono seguiti in abiti lussureggianti e parrucche in polvere. Nei loro volti, pose e gesti, l'artista rivela diversi personaggi e tipi. Vediamo che i corti dannosi-timidi, poi arroganti e famosi. Nello spettacolo di Elizabeth e del suo cortile, è impossibile non notare l'ironia dell'artista e persino un po 'grottesco. Lancer è contrario al popolo della nobile gravità della sospensione della statua bianca e della genuina grandezza, incarnata nella magnifica architettura del Palazzo Rastrelievsky e della bellezza di un parco regolare.

Ostrumova-lebedeva Anna Petrovna (1871 - 1955)

A. P. Ostrumova-Lebedev era una figlia di un importante funzionario P. I. Ostrumov. Un'altra ginnastica ha iniziato a frequentare la scuola elementare a Zuut. Poi ha studiato nella scuola stessa, dove le tecniche di incisione erano affascinate, e in Ah, dove era impegnata nella pittura nel workshop I. E. Repin. Nel 1898-99. Ha lavorato a Parigi, migliorando nella pittura (J. Whistler) e incisione. Il punto di svolta nel suo destino si è rivelato il 1900, l'artista ha debuttato con le sue stesse incisioni alla mostra "World of Art" (con cui in futuro saldamente correlato la sua creatività), quindi ha ricevuto il secondo premio per incisioni al concorso OPH e finito ah con il grado di artista, presentando 14 incisioni. Outrusaum-Lebebeva apparteneva al ruolo principale nel Rinascimento in Russia, incisioni cavalloni su un albero come tipo indipendente di creatività - dopo una lunga esistenza come tecnica di riproduzione; Particolarmente grande il merito dell'artista nella rinascita delle incisioni del colletto. Metodi originali di generalizzazione della forma e del colore prodotti da Esso sono stati appresi e utilizzati da molti altri artisti. L'argomento principale delle sue incisioni era Pietroburgo, l'immagine di cui ha dedicato diversi decenni di instancabilmente. Le sue incisioni colorate e in bianco e nero - entrambe le macchine, combinate nei cicli ("Pietroburgo", 1908-10; "Pavlovsk", 1922-23, ecc.), Ed eseguito per i libri V. Ya. Kurbatova "Petersburg" (1912 ) e NP AntsiFerov "Soul of St. Petersburg" (1920) - Ancora insuperabile con la precisione della sensazione e il trasferimento della maestosa bellezza della città e dal laconismo raro dei mezzi espressivi. Riproducibile per ricordare i tempi e, ma con diversi motivi, sono rimasti a lungo un shittomest e sono una popolarità eccezionale. Nelle propri, le opere create dall'artista sulle impressioni di frequenti viaggi - sia all'estero (Italia, Francia, Spagna, Olanda) e paese (Baku, Crimea) erano interessanti. Alcuni di loro sono stati eseguiti nell'incisione e parte dell'acquerello. Il pittore dotato e ben addestrato, Ostrmova-Lebedev non ha funzionato con vernici ad olio, perché il loro odore ha causato attacchi di asma. Ma ha perfettamente padroneggiato la tecnica dura e capricciosa dell'acquerello di pittura e ha lavorato con sé tutta la sua vita, creando ottimi paesaggi e ritratti ("ritratto dell'artista IV Yershova", 1923; "ritratto di Andrei White", 1924; "Ritratto di un artista Es Kruglikova ", 1925, ecc.). La guerra di Ostrumov-Lebedev ha trascorso nel blocco Leningrado, non lasciando i suoi amati affari e completando il lavoro sul terzo volume di "note autobiografiche". Gli ultimi anni della vita dell'artista sono stati oscurati dalla cecità imminente, ma, mentre era possibile, ha continuato a lavorare.

Una serie di incisioni e disegni "Tipi di San Pietroburgo e dei suoi sobborghi", incl. -

Durante la vita creativa matura nel grafico dell'AP Otruoumova-Lebedeva, il tema di San Pietroburgo, a partire dalla specie di Pavlovsk nel 1900 fino a metà degli anni '40, è già seriamente malata, si è laureata alla serie delle sue opere di Pietroburgo dalla xilografia. Sulla fortezza di notte. " In totale, in base alle proprie stime, ha creato 85 opere dedicate alla grande città. L'immagine di San Pietroburgo nel Stice-Swan è stata formata per quasi mezzo secolo. Tuttavia, le sue caratteristiche principali sono state trovate dall'artista negli anni più gioiose e calme - durante il primo decennio del ventesimo secolo. Fu allora che la combinazione di liricismo acuto, levigato, persino tagliente con potente stabilità e monumentalità sorse nelle sue opere, nelle sue prospettive geometriche e versanti e nella loro e della stessa e della libertà emotiva,

- "Neva attraverso le colonne dello scambio" (1908)

Come i piedi dei giganti, ci sono colonne angolari dello scambio sulla freccia dell'isola Vasilyevsky, e nella distanza lontana lascia la prospettiva dell'altra neva, l'ala di Ammiragliato e la magnifica parabola dei principali edifici del quartier generale sul palazzo Piazza. Non meno sorprendente prospettiva del buio e potente, diventando il volto dello spazio architettonico della vegetazione del parco, convergendo via a malapena distinguibile al Palazzo Elagin. Il frammento del reticolo del giardino estivo è impensabile, discendente alla veste di granito del lavaggio incluso nella Neva. Qui ogni linea non è accidentale, e la camera e monumentale simultaneamente, qui il genio dell'architetto collegato con una visione squisita attenta alla bellezza dell'artista. Sopra il canale del gancio scuro viene calpestato da un cielo al tramonto, e la silhouette del campanile della cattedrale di Nikolsky Marine sorge dall'acqua.

Artisti "World of Art".

"Il mondo dell'arte" è un'organizzazione che è emersa a San Pietroburgo nel 1898 e unendo i maestri della più alta cultura artistica, l'art élite della Russia di quegli anni. L'inizio del "World of Art" ha posto le serate nella casa di A. Benois, dedicata all'arte, alla letteratura e alla musica. Le persone che sono state raccolte lì, unito l'amore della bellissima e fiducia che può essere trovato solo nell'arte, come la realtà della mente. Arrivando oltre a una reazione al bruciatore del movimento tardivo, la sua aspirazione e illustrativa, il "mondo dell'arte" si è trasformato presto in uno dei fenomeni principali della cultura artistica russa. Quasi tutti gli artisti famosi -benua, Somov, Bakst, E.e. ha partecipato a questa Unione. Lancer, Golovin, Dobuzhinsky, Vrubel, Serov, K. Korovin, Levitan, Nesterov, Ostrumova-Lebedev, Bilibin, Sapunov, Sudieticin, Ryabushkin, Roerich, Kustoticin, Petrov-Vodkin, Malyavin, così come Larion e Goncharov. Qualsiasi importanza per la formazione di questa associazione era la personalità Dyagilev., patrocinio e organizzatore di mostre, e in seguito - tour impresio del balletto russo e dell'opera all'estero ("stagioni russe", introdotta in Europa con il lavoro di Shalyapin, Pavlova, Karsavina, Fokina, Nizhinsky, e altri. E l'aspetto del mondo di La più alta cultura della forma di diverse arti: musica, danza, pittura, scenografia). Alla fase iniziale della formazione del "World of Art", Dyagilev ha organizzato una mostra di acquerelli inglesi e tedeschi a San Pietroburgo nel 1897, quindi la mostra di artisti russi e finlandesi nel 1898. Sotto i suoi redattori dal 1899 al 1904, Una rivista è pubblicata sotto lo stesso nome composto da due dipartimenti: artistico e letterario. Negli articoli editoriali dei primi numeri del Journal erano chiaramente formulato le principali disposizioni di "Miriskusnikov» a proposito di autonomia dell'arteche i problemi della cultura moderna sono esclusivamente i problemi della forma artistica e qual è il principale compito dell'arte - l'educazione dei gusti estetici della società russa, principalmente attraverso la conoscenza con le opere dell'arte mondiale. È necessario darli dovuti: grazie a Miriskusniki, l'arte inglese e tedesca è stata davvero valutata in un nuovo modo, e soprattutto, la scoperta per molti era il dipinto del XVIII secolo russo e l'architettura del classico di San Pietroburgo. Miriskusniki ha combattuto per "critica come arte", proclamò l'ideale delle critiche-artisti con un'elevata cultura professionale e erudizione. Il tipo di tale critica ha incarnato uno dei creatori della "Pace mondiale" A.n. Benua.

Mostre "Miriskusniki" organizzate. Il primo è stato l'unico internazionale, unito, oltre a russo, artisti di Francia, Inghilterra, Germania, Italia, Belgio, Norvegia, Finlandia, ecc., Entrambi i pittori della San Pietroburgo e Mosca e la grafica hanno preso parte ad esso. Ma la crepa tra queste due scuole è San Pietroburgo e Mosca - delineata per quasi il primo giorno. Nel marzo del 1903, l'ultima, la quinta mostra "World of Art" è stata chiusa, nel dicembre del 1904 è stata rilasciata l'ultima questione della rivista "World of Art". La maggior parte degli artisti si è trasferita al "36" "Unione degli artisti russi" organizzato sulla base della mostra di Mosca. Dyagilev è andato a balletto e teatro. L'ultima attività significativa nell'arte visiva è stata la grande mostra storica della pittura russa dall'icona pittura alla modernità nel salone autunnale di Parigi 1906, esposto a Berlino e Venezia (1906-1907). Nella sezione della pittura moderna, Miriskusniki si è tenuta il posto principale. È stato il primo atto del riconoscimento del "Mondo" di tutto il mondo Pace ", così come l'apertura della pittura russa del XVIII XX secolo. Nel complesso per le critiche occidentali e il vero trionfo dell'arte russa

L'artista principale "World Art" era Konstantin Andreevich Somov. (1869-1939). Il figlio del capo guardiano dell'eremo, che si è laureato all'Accademia delle Arti e dall'educazione correlata, Somov ha ricevuto un'educazione brillante. La maturità creativa venne a lui presto, ma, come il ricercatore (V.n. Petrov), è sempre stato osservato, alcune dividità lo colpì sempre - la lotta tra potenti allarmi realistici e globalismo doloroso-emotivo.

Somiv, come lo conosciamo, lo ha manifestato nel ritratto dell'artista Martynova ("Lady in Blue", 1897-1900, GTG), nell'immagine-ritratto di "Echo del passato" (1903, b. Sulle mappe , AKV., Guazzo, GTG), dove crea le caratteristiche poetiche della bellezza femmina fragile e anemica del campione decadente, rifiutando di trasferire la famiglia reale al presente. Ha un modello in costumi vintage, dà le loro caratteristiche dell'aspetto della sofferenza segreta, tristezza e sognabilità, morte dolorosa.

In precedenza, nel "mondo dell'arte" Somov ha affrontato i temi del passato, all'interpretazione del XVIII secolo. ("Lettera", 1896; "Confinizione", 1897), che era il predecessore dei paesaggi di Versailles di Benua. Prima crea un mondo irrilente, tessuto dai motivi della cultura nobile-maniero e della corte e le sue sensazioni artistiche puramente soggettive, permeate ironia. Lo storicismo di Miriskusenikov era un volo dalla realtà. Non il passato, e la sua drammatizzazione, desideroso per l'irrevocabilità di esso - questi sono il loro motivo principale. Non è vero divertimento, ma una partita in divertimento con baci in Ahimè - tale è tale.

Altre opere di Somov sono festival pastorali e garant ("Kissonded Kiss", 1908, tempismo; "Marquise walking", 1909, tempismo), pieno di ironia, devastazione spirituale, persino disperazione. Le scene d'amore del XVIII - nel primo XIX secolo. Sono sempre stati dati con una tinta di Somov erotico ha funzionato molto come un programma, ha rilasciato una monografia S. Dyagileva su D. Levitsky, un saggio di A. Benua sul villaggio reale. Il libro come un singolo organismo con la sua unità ritmica e stilistica è stata sollevata a loro ad un'altezza straordinaria. Somov non è un illustratore, lui "illustra non il testo, ma era, usando il ricevimento letterario come un trampolino di lancio", A.A. Scrisse su di lui Sidorov, ed è molto vero.

Somov "Lady in Blue" "sulla pista" Benua. A. "Cammina verso il re"

Il leader ideologico del "mondo dell'arte" era Alexander Nikolaevich Benois. (1870-1960) - talento versatile una tantum. Pittore, pila grafica e illustratore, artista teatrale, regista, autore di Ballet Libretto, teorico e storico dell'arte, figura musicale, era, secondo A. Bianco, il principale politico e diplomatico "del mondo dell'arte". Dal più alto livello dell'Intelligia artistica di San Pietroburgo (compositori e conduttori, architetti e pittori), ha studiato prima presso la Facoltà di Facoltà di St. Petersburg University.

Come artista, si riferisce alle eleganti tendenze e alla dipendenza dal passato ("Sarò esperto di Versaille, questa è una specie di malattia, amore, una passione criminale ... Mi sono completamente trasferito nel passato ...") . La ricostruzione storica del XVII secolo fu fusa nei paesaggi versati di Benua. E le moderne impressioni dell'artista, la sua percezione del classicismo francese, incisione francese. Da qui la chiara composizione, la chiara spazialità, la grandezza e il freddo ritmo dei ritmi, l'opposizione della grandiosità dei monumenti dell'arte e della piccolezza delle figure umane, che sono tra loro solo lo stafferage (1st Versailles Series 1896-1898. Chiamato "l'ultima passeggiata di Louis Xiv"). Nella seconda serie di Versailles (1905-1906), l'ironia, che è caratteristica di entrambi i primi fogli, è dipinta quasi note della tragedia ("camminando il re",). Pensando Benois - Pensare all'artista teatrale per il vantaggio che sapeva perfettamente e sentiva il teatro.

La natura è percepita da Benoit nelle comunicazioni associative con la storia (Pavlovska, Peterhof, villaggio di Tsarskoye, eseguita da loro nella tecnica dell'acquerello).

In una serie di dipinti del passato russo, eseguiti nell'ordine della casa editrice di Mosca, Knebel (illustrazioni per la "caccia reale"), nelle quinte del nobile, proprietario del proprietario del XVIII secolo. Benoit ha creato un'immagine intima di questa epoca, anche se una "parata di Pavel I" un po 'teatrale. Benois Illustrator (Pushkin, Hoffman) - Un'intera pagina nella storia del libro. A differenza di Somov, Benouua crea una narrativa dell'illustrazione. L'aereo della pagina per questo non è SelfSelot. Illustrazioni per la "Peak Lady" erano piuttosto completate opere indipendenti, non così tanto l'arte del libro ", per definizione A.A. Sidorova, quanto "arte nel libro". Il capolavoro dell'illustrazione del libro era il design grafico del "Rame Rider" (1903,1905,1916,1921-1922, mascara e acquerello, imitando l'incisione dei colori sull'albero). In una serie di illustrazioni a un grande poema, il paesaggio architettonico di San Pietroburgo diventa il personaggio principale, il solenne-patetico, poi pacifico, poi il sinistro, contro il quale la figura di Eugene è ancora insignificante. Quindi Benois esprime un tragico conflitto tra il destino della stato russo e il destino personale di un piccolo uomo ("e tutta la notte di un brutto pazzo, / dove i piedi si girano, / 3a lui ovunque il rame del cavaliere / con grave escursionismo cavallo").

"Bronzo cavaliere"

"Parata con Paul I"

Come artista del teatro, Benois ha fatto le esibizioni delle "stagioni russe", di cui il balletto più famoso "prezzemolo" sulla musica di Stravinsky, ha lavorato molto nel teatro di Moscow Art, successivamente - quasi tutte le principali scene europee.

Benoit - critica artistica e storico dell'arte, aggiornamento dei metodi e temi dell'arte e dei temi russi, è un intero stadio nella storia della scienza storica dell'arte (vedi "La storia del dipinto del XIX secolo" R. Madre - Tom "Pittura russa", 1901-1902; "Scuola russa di pittura", edizione del 1904; "Villaggio zarosista nel regno dell'imperatrice Elizabeth Petrovna", 1910; articoli nel "mondo dell'arte" e "antico", "Arte Tesori della Russia ", ecc.).

Il terzo nel cuore del "mondo dell'arte" era Lev Samuilovich Bakst. (1866-1924), famoso come artista teatrale e prima tra Miriskusenikov, ha acquisito fama in Europa. È venuto al "World of Art" dall'Accademia delle Arti, poi ha confessato lo stile del moderno, adiacente alle correnti di sinistra nella pittura europea. Nelle prime mostre del "mondo dell'arte", esibì un certo numero di ritratti pittoreschi e grafici (Beno'a, bianco, Somov, Rozanova, Hippo, Dyagilev), dove la natura, la prossima condizioni di vita, è stata trasformata in una certa idea ideale di un uomo contemporaneo. Bakst ha creato la rivista "World of Art" Magazine, che è diventata l'emblema delle "stagioni russe" di Dyagilev a Parigi. Non ci sono motivi del XVIII nel grafico Baksta. E argomenti del maniero. È agilità, e per l'arcaico greco, spinto simbolicamente. Simbolisti del suo quadro "antico horror" usato in particolare successo - "terrore antiquato" (tempera, 1908, tempistica). Il terribile cielo del temporale, il fulmine, illuminando il mazzo del mare e la città antica, e la corteccia arcaica con un misterioso sorriso congelato domina sull'intera catastrofe universale. Presto, Bakster andò nel lavoro teatrale e scenario, e il suo scenario e i suoi costumi alle masse del balletto di imprenditori Dyagilevsky, piene di straordinaria lucentezza, magistralmente, artisticamente, gli portò gloria del mondo. È stato eseguito nel suo design con Anna Pavlova, Balletti Fokina. L'artista ha fatto decorazioni e costumi per "shehherazade" romano-kororsakov, "fuoco di fuoco" di Stravinsky (entrambi -1910), "Dafnis e Chloe" Ravel, al balletto per la musica di Debussy "il resto di Favna" ( entrambi -1912).

"Antico horror" Pomeriggio Tempo libero di Faun »Ritratto Hippius

Dalla prima generazione di "Miriskusnikov" più giovane per età Evgeny Evgenievich Lancer (1875-1946), Nel suo lavoro, ha colpito tutti i principali problemi della grafica del libro dell'inizio del XX secolo. (Vedi le sue illustrazioni al libro "Leggende sui vecchi castelli della Bretagna" a Lermontov, la copertina alla "Prospettiva Nevsky" di Bozhershanov, ecc.). Lancer ha creato una fila di acquerelli e litografie di San Pietroburgo ("Kalinkin Bridge", "Nikolsky Market", ecc.). L'architettura occupa un posto enorme nelle sue composizioni storiche ("Imperatrice Elizabeth Petrovna in Tsarskoye Selo", 1905, GTG). Si può dire che nelle opere di Serov, Benouua, Lancer è stato creato un nuovo tipo di foto storica - è privata di Fabuli, ma ricrea perfettamente la comparsa dell'era, molte associazioni storiche e letterarie ed estetiche causano. Una delle migliori creature di lancer - 70 disegni e acquerelli per la storia L.n. Tolstoy "Haji Murat" (1912-1915), che Benua considerava la "canzone indipendente, piegata perfettamente nella possente musica di Tolstoy".

Nel grafico di Msislav Valerianovich Dobuzhinsky (1875-1957) Non tanta Polvere di Pushkin Petersburg o il XVIII secolo, quanto la città moderna, che sapeva come trasmettere con un'espressività quasi tragica ("vecchia casa", 1905, acquerello, GTG), così come una persona -Bener di tali città ("uomo in bicchieri", 1905-1906, pastello, GTG: Solitario, sullo sfondo delle case tristi, un uomo triste la cui testa assomiglia a un cranio). L'urbanistica del futuro ha ispirato alla paura di Panico di Dobun. Ha lavorato molto e nell'illustrazione dove il suo meraviglioso ciclo di disegno di Dostoevsky (1922) può essere considerato il più meraviglioso. Dobuzhinsky ha anche lavorato nel teatro, decorato con Nichirovich-Danchenko "Nikolay Stavrogina" (il palcoscenico di "Demoni" di Dostoevsky), Turgenev Pieces "Mese nel villaggio" e "Nahlebnik".

Un posto speciale nel "mondo dell'arte" occupa Nikolai Konstantinovich Roerich.(1874-1947). Lo intenditore della filosofia ed etnografia dell'est, lo archeologo-scienziato, Roerich ha ricevuto un'eccellente educazione in un primo momento a casa, poi alle facoltà legali e storiche e filologiche dell'Università di San Pietroburgo, poi all'Accademia delle Arti, in Il laboratorio di Kyunji, e a Parigi in studio F. Kormon. Ha trovato presto l'autorità dello scienziato. I suoi parenti con "Miriskusniki" lo stesso amore per la retrospezione, non solo i secoli XVII-XVIII, e l'antichità slava e scandinava pagana, all'antica russia; Tendenze di stilizione, decoratività del teatro ("gonole", 1897, GTG; "Elders convergono", 1898, tempismo; "inquietante", 1901, tempistica). Il Roerich più vicino è stato associato alla filosofia ed estetica del simbolismo russo, ma la sua arte non si adattava al quadro delle direzioni esistenti, perché era in accordo con la visione del mondo dell'artista, così com'era a tutta l'umanità con il fascino dell'amichevole amichevole Unione di tutte le nazioni. Da qui la particolare dell'epità delle sue tele.

"Fight Heavenly"

"Ospiti d'oltremare"

Dopo il 1905, l'umore del misticismo Pantheistico sta crescendo nel lavoro di Roerich. I temi storici sono inferiori alle leggende religiose ("combattimento paradisiaco", 1912, MRM). L'icona russa ha avuto un'enorme influenza sul Roerich: i suoi pannelli decorativi "cantante a Kergents" (1911) sono stati esposti nell'esecuzione di un frammento con lo stesso nome dall'opera della Corsakov Romano "racconto della gradazione invisibile e della Fevronia Virgin Fevronia" nelle "stagioni russe" parigine.

Nella seconda generazione di "il mondo dell'arte" uno degli artisti dotati era Boris Mikhailovich Kustodiev (1878-1927), uno studente di repin, che lo ha aiutato nel lavoro sul "Consiglio di Stato". Kustodiev è anche caratterizzato da stiliizzazione, ma questa è la stilizzazione del lobo folk. Da qui le "fiere" festive luminose, "maslenitsa", "Balagans", da qui i dipinti della vita di Meshchansky e mercantili, trasmessi con una leggera ironia, ma non senza ammirazione da queste bellezze rosse e mezzo per un samovar e con salse in dita paffute ("Kupchikha", 1915, tempismo; "Kupchikha for Tea", 1918, cronometraggio).

Nell'unificazione "World of Art" ha partecipato anche a.ya. GOLOVIN - Uno dei più grandi artisti del teatro del primo quarto del XX secolo, I. Ya. Bilibin, A.P. Ostrumova-lebedev e altri.

"Il mondo dell'arte" è stato un importante movimento estetico del colpo dei secoli dei secoli, ha sopravvalutato tutta la moderna cultura artistica, che ha approvato nuovi gusti e problemi che hanno restituito l'arte - nel livello professionale più alto: le forme fattuali di grafica del libro e teatrale Dipinti -Decorativi, che hanno acquisito i loro sforzi per il riconoscimento interamente terpecifico creato da nuove critiche artistiche, promuovendo l'arte russa all'estero, infatti, anche coloro che hanno scoperto alcune delle sue tappe, come il XVIII secolo russo. Miriskuseniki ha creato un nuovo tipo di pittura storica, ritratto, paesaggio con le loro caratteristiche di stile (tendenze distinte dello stile, la predominanza delle tecniche grafiche.