Caratteristiche della letteratura straniera del XVII secolo. Letteratura straniera dei secoli XVII-XVIII Secoli Letteratura europea 17 XVIII secolo

11. Il lavoro di Cornell.
Cornel (1606-1684)
Nato a Ruang, nel funzionario del funzionario. Si è laureato al Gesuit College, ha ricevuto un avvocato. Un giorno, dice alla leggenda, uno degli amici di Cornell lo introduceva alla sua amata, ma ha scelto Pierre per il loro ex riciclo. Questa storia ha spinto Cornel a scrivere una commedia. Quindi è apparso "melita" (1629). Poi - "Design pulito", "vedova", "Galleria di corte", "Royal Square" - Ora dimenticata. Dopo l'incredibile viaggio, con il suo incredibile viaggio di fantastici creature e incidenti, Cornelel ha creato un "lato" - la tragedia, che ha aperto la gloriosa storia del teatro nazionale francese, ammontava all'orgoglio nazionale dei francesi. "LED" ha portato l'autore della lode del popolo e dell'irritazione Richelieu (perché ci sono motivi politici - l'eroe spagnolo). Richelieu invidiata, perché Lui stesso era un brutto poeta. Attaccato Cornell. L'Accademia ha iniziato a cercare errori e deviazioni da "regole" del classicismo. Il drammaturgo era silenzioso per un po '. Nel 1639-1640 - le tragedie di "Horace" e "Qinna", 1643 - "Polyevk". Nel 1652 - la tragedia di "pertril" - un fallimento completo. Silenzio per sette anni, poi nel 1659 - "Edip". Racin viene a sostituirlo. Cornell non vuole rinunciare. Voltaire nel 1731 nel poema "Tempio del gusto" raffigurato Cornell per sparare le sue ultime tragedie - "Freddo centro storico della creatività". Nel 1674 K. ha smesso di scrivere, dopo 10 anni è morto.
Creatività precoce
Il primo gioco di Cornelel è solitamente considerato una commedia "melita" (Mélite, 1629), ma nel 1946 è stato trovato un manoscritto anonimo nella tradizione di "Astey" sul D'Ministry of Pastoral Plays "Alidor o indifferente" (Alidor Ou L'Indifférent ,. Tra il 1626 e il 1628, PUBBLIC. Nel 2001), che può essere considerato il vero debutto del grande drammaturgo (secondo le altre versioni, il suo autore è Jean Rottra). Per la "melita", sono stati seguiti un numero di commedie, che Cornelel ha creato una posizione e posizionato Riccel.
Dal 1635, Cornell scrive la tragedia, prima imitando Seneke; Per il numero di questi primi, i tentativi piuttosto deboli appartengono a Médée. Poi, ispirato al teatro spagnolo, ha scritto "L'illusione comico" (1636) - grave farsa, la cui persona principale è spagnolo Matamor.
"GUIDATO"
Alla fine del 1636, apparve un'altra tragedia di Cornell, che costituisce l'era della storia del teatro francese: è stato "guidato", immediatamente riconosciuto come capolavoro; Anche il proverbio è stato creato: "Beautiful Led" (Beau Comme Le Cid) ". Parigi, e dopo di lui, tutta la Francia ha continuato a" guardare gli occhi di Cyda Himena "anche dopo che la Accademia di Parigi ha condannato questa tragedia, in sentimenti de l ' Académie sur le cid ": L'autore di questa critica di Shachlin ha trovato la scelta della trama della tragedia infruttuosa, l'Unione è insoddisfacente, stile - privo di dignità.
La tragedia "Horace" scritta in Ruang è stata messa a Parigi all'inizio del 1640, apparentemente, sul palcoscenico dell'hotel Burgundy. La premiere della tragedia non è diventata un trionfo del drammaturgo, ma dal gioco allo spettrale, il successo del gioco stava godendo. Incluso nel repertorio del teatro "Commedia Frances", la tragedia ha trasmesso questa scena il numero di spettacoli, inferiori solo al "lato". Nei ruoli principali dei giochi con glitter, tali attori famosi, come Mademoiselle Clareron, Rashel, Muna-Sully e altri.
Per la prima volta, "Horace" è stato pubblicato nel gennaio del 1641 di Augusten Kurba.
Inoltre, il matrimonio di Cornell su Marie de Lamprier (Marie de Lamprière), l'altezza della sua vita laica, rapporti permanenti con l'Hotel Rambulé. Uno dopo l'altro è apparso la sua bella commedia "Le Menteur" e le tragedie molto più deboli:
Poesia religiosa
A partire dal 1651, Cornelel cedette all'influenza degli amici dei suoi gesuiti, cercando di distrarre il suo ex allievo dal teatro. Cornell prese la poesia religiosa, così com'era, nella redenzione della sua creatività laica degli anni precedenti e stampato presto la traduzione poetica di "imitazione di Gesù Cristo" ("imitazione de Jésus Christ"). La traduzione di questo è stata un enorme successo e resisti in 20 anni di 130 pubblicazioni. Seguì da diverse altre traduzioni, anche sotto l'influenza dei gesuiti: i panelist della Vergine Maria, i Psalms, ecc.

13. Creatività racina.
Inizio di un percorso creativo
Nel 1658 Rasin ha iniziato a studiare il diritto a Parigi e ha iniziato i primi collegamenti nell'ambiente letterario. Nel 1660, scrisse la poesia della ninfa seina, per la quale ha ricevuto una pensione dal re, e ha anche creato due spettacoli, mai messo sul palco e non ha raggiunto questo giorno. La famiglia della madre ha deciso di prepararlo per le spiagge religiose e nel 1661 se ne andò per il consto con sacerdote in Linguadoca, dove trascorse due anni nella speranza di ottenere denaro dalla Chiesa, che gli avrebbe permesso di dedicarsi al lavoro letterario. Questa idea è finita in fallimento, e circa il 1663 Rasin è tornato a Parigi. Il cerchio della sua datazione letteraria si espanse, le porte dei saloni della corte si aprirono davanti a lui. Il primo dei suoi giochi conservati - "Fivaida" (1664) e "Alexander Great" (1665) - sono stati consegnati al moliere. Il successo del palco ha spinto Rasin a unirsi alla polemica con il suo ex insegnante - Yansenistal Pierre Nikolem, che ha proclamato che qualsiasi scrittore e drammaturgo è una prova pubblica delle anime.

Decidente trionfante
Nel 1665 Rasin ha strappato le relazioni con il teatro di Moliere e si trasferì al teatro dell'hotel Burgundan insieme alla sua amante, famosa per l'attrice Teresa Du Park, che ha svolto il ruolo del titolo in Andromache. Era il primo capolavoro di Racina, che aveva un enorme successo nel pubblico. Il noto trama mitologico è già stato sviluppato da Euripid, ma il drammaturgo francese ha cambiato l'essenza del conflitto della tragedia in modo che "l'immagine di Andromaha consisteva in quella presentazione, che ha approvato con noi". Il figlio di Achilles Pierre è impegnato con la figlia di Menaley Hermione, ma ama appassionatamente la vedova di Hector Andromaha. Per cercare il suo consenso al matrimonio, minaccia in caso di rifiuto di dare il figlio Grekam Hector Astianax. L'ambasciata greca testa Oest, innamorato di Hermione. In Andromache, non vi è alcun conflitto tra il debito e il sentimento: il rapporto di reciproco dipendenza creano un dilemma irrisolvibile e conduce ad una inevitabile catastrofe - quando Andromaha accetta di sposare il Pyrrhr, Hermione ordina i minerali per uccidere il suo sposo, dopodiché il killer Curse e maledizioni. Questa tragedia mostra la persona prese in giro, che rende impossibile una soluzione "ragionevole".

Dalla produzione di "Andromaha" iniziò il periodo più fruttuoso nel lavoro di Rasin: seguendo la sua esclusiva commedia "Soutagi" (1668), le tragedie "Brenik" apparivano (1670), "Brenika" (1672), "Mitridat" ( 1673), "Iphigenment" (1674). Il drammaturgo era sulla cresta della gloria e del successo: nel 1672 fu eletto all'Accademia francese, e il re favorevole a lui lo conferì il titolo nobile. Il punto di svolta di questa carriera estremamente riuscita è stata la produzione di "Fedry" (1677). I nemici di Rasina hanno fatto ogni sforzo di fallire il gioco: un leggero drammaturismo Pradon ha usato lo stesso tragame nella sua tragedia, che è stato cresciuto simultaneamente con Fedra, e la più grande tragedia del teatro francese (che il drammaturgo si considerava il suo miglior gioco) a Prima sottomissione fallita. L'amore non pianificato della moglie dell'Atene Tsar Tereus a Steyka Gippolit in una volta ha attirato l'attenzione di Euripid, per la quale il personaggio principale era un giovane pulito, crudelmente punito dalla dea Afrodite. Rasin ha messo nel centro della sua tragedia Fedra, mostrando la dolorosa lotta di una donna con la passione peccaminosa bruciata. Ci sono almeno due interpretazioni di questo conflitto - "Pagan" e "Christian". Da un lato, Racin mostra il mondo abitato dai mostri (uno di loro rovina un ippolito) e controllato da dei malvagi. Allo stesso tempo, qui puoi trovare l'esistenza del "Dio nascosto" dagli Yansenist: non dà alle persone "segni", ma solo in esso è possibile ottenere la salvezza. Non è un caso che il gioco con gioia abbia adottato un insegnante Rasin Antoine Arno, che possiede la definizione famosa: "Fedra è un cristiano che non ha condensato grazia". L'eroina della tragedia acquisisce la "salvezza", condannando se stesso alla morte e salvando l'onore dell'Ippolit agli occhi del Padre. In questo gioco, Racin è riuscita a precipitarsi insieme il concetto di Pagan Rock dall'idea calvinista della predestinazione.

Cura dal teatro.

Intrigo intorno alla Federdia ha causato una polemica tempestosa in cui Rasin non ha preso parte. All'improvviso lasciando il palco, sposò un pioso, ma una ragazza normale che gli diede sette figli, e ha preso l'ufficio del retrografo reale con il suo amico Bouquer. Le uniche commedie per questo periodo sono diventate "Esphyr" (1689) e "Hofolya" (1690), scritto per le ragazze scolastiche a Saint-Sira su richiesta dei loro clienti del Marquise de Martenon, Morganatic Sposo Louis Xiv.

Il lavoro di Racin è il palcoscenico più alto del classicismo francese: nelle sue tragedie, la gravità armoniosa della costruzione e chiarezza del pensiero è combinata con profonda penetrazione nelle cache dell'anima umana.

15. Creatività di Moliere.
Moliere proviene da una ricca famiglia formata. Quando il Molver aveva 15 anni. Padre ha insistito che è andato a Sarbor. Moliere si è laureato con successo di Zhurfak, ma quando aveva 19 anni, nella sua vita c'era una svolta molto ripida, "cadde male" il teatro. A Parigi, il teatro è stato visitato dalla provincia. Moliere lasciato a casa e per 10 anni e rimase in provincia. Le presentazioni sono state riportate nella stanza dell'hotna, poi nella sala del cavaliere, poi da qualche altra parte. Paris Moliere è tornato sotto i 30 anni. A poco a poco, Moliere cominciò a scrivere giochi, commedia, ha giocato come attore comico.
Una delle prime commedie era "divertenti chemmeters" - lezioni di comiche, lezioni, personaggi per i primi anni del suo Moliere rimangono a Parigi (una lezione di mogli e una lezione ai mariti), nello stesso letto, la commedia "Georges Denden" era scritto. Il suo eroe stava diventando ricco agricoltore, un uomo è relativamente giovane e ambizioso, ha deciso di sposare la nobiltà a qualsiasi costo. E porta il suo sogno. L'impoveristica Noblewoman sposa un ricco George. Sul matrimonio, prende per ridurre i punteggi con George Danden - è impuro per lei, ignorante: sostiene il malcontento del marito e crede che gli amanti debbano avere il rimborso. Include suo marito a suo marito in ogni caso comodo. L'immagine del personaggio principale è dipinta in modo speciale. Questa è una persona incline a auto-riflesso: è principalmente incolpato. Questo lo rende simultaneamente vulnerabile, infelice e aumenta il rapporto tra il lettore all'eroe. "Volevi te stesso, Georges Danden."
L'Amphitrion occupa un posto speciale nel lavoro di Moliere. Marito Alcmena (madre Ercole). Nessuno si imbava su suo onore e bellezza, era una moglie fedele. Zeus si innamora di Alcmen e ha deciso che dovrebbe appartenere a lui. Zeus ha preso la comparsa di anfitririon. La commedia "Amphitrion" era un prodotto di simultaneamente galante e ambiguo: in esso, in esso, Louis 14 fu raffigurato sotto forma di Zeus di risorse. Il re era lusingato da questo lavoro, e questa commedia è andata. Nei primi anni del suo soggiorno a Parigi, Moliere e il suo teatro hanno usato la simpatia del re, il re era sulle idee, particolarmente amato la commedia-balletto.
Ad esempio, "paziente immaginario" - il protagonista è una persona che ha solo un ramoscello - impercettibile impertinente. Muore tutto il giorno senza danni alla salute. Capisce che questa pretesa, solo la cameriera. Immagina come curare un paziente immaginario con una volta: dovrebbe essere dedicato ai medici orientali. Alla fine della commedia, la stanza del paziente include un intero gruppo di droghe, sono armati di armature professionali - pinzette. Tutta questa guardia balla e canta, dedicando il paziente al clan di Ta-Shi, cioè. Nei dottori illuminati. Su Macaronicamente - p. + Lat. Queste danze erano balletti comici. L'età di Louis 14 era un secolo di balletti, piuttosto peculiare. In questi balletti, il re, la regina, il principe, gli ambasciatori ballano. Courtful contemplato.
Il favore del re era così bello che fosse il doppio del padrino dei figli di Moliere, evidenziando il Sumino, ma i figli di Moliere e non sono sopravvissuti.
Negli anni '70. La riverenza reale è arrivata alla fine, questo è dovuto alla commedia tartartuf. Quando è nata la prima versione, è stato seguito il divieto immediato. Nella commedia hanno visto Satira sull'autorità della Chiesa. Anche la seconda opzione non ha seguito il divieto. E al fine di garantire la stabilità economica della troupe scrive la commedia "Don Juan" in 40 giorni, quindi crea la terza versione di Tartuf.
Moliere è morto quasi sul palco: parlando nel ruolo del carattere principale del "paziente immaginario" e ha finito la performance, i dolori erano genuini, e dopo la tenda si chiuse e lo trasferiscono a casa sua.
Non riuscivo a trovare un sacerdote singolo in modo che il Moliere confessò quando è arrivato il prete, il Moliere era già morto. Sulla base di ciò, la Chiesa ha rifiutato di seppellirlo nel cimitero, fu sepolto sul cimitero, ma non la terra sacra.

17. Creatività Lope de Vega.
Uno dei brillanti rappresentanti del Realismo del Rinascimento del XVII secolo fu Lope Felix de Vega Carpio (1562-1635) - il grande drammaturgo spagnolo, il poeta, la cima del secolo d'oro della letteratura spagnola.
Lope de Vega è nato nella famiglia del salemaker d'oro. Ha studiato all'Università di Alcala. Da cinque anni ha scritto poesie. A 22 anni aveva il successo del drammaturgo. La sua vita era piena di hobby appassionati e eventi drammatici.
Il 29 dicembre 1587, durante la performance, Lope de Vega è stato arrestato e inviato in prigione. La causa dell'arresto è stata le poesie satiriche offensive rivolte alla sua antica Elena Osorio e alla sua famiglia, il quale X. Velasquez era il direttore dei primi giochi di Lope. Con la decisione della Corte, il giovane è stato espulso da Madrid e Castiglia per molti anni. Lasciando la capitale, ha rapito Dona Isavel de Urbina e la sposò contro la volontà del Padre. Al matrimonio dello sposo rappresentavano un parente, poiché LOPE ha minacciato la pena di morte per l'aspetto a Madrid in violazione della frase.
Il 29 maggio 1588, Lope de Vega è dotato di un volontario per la nave San Juan e va alla campagna "Invincible Armada". Dopo molte avventure, le perdite di Brother Lope ritorna in Spagna, sistemate a Valencia e pubblica il poema "Beauty Angelica" (1602).
Dopo la morte della prima moglie nel 1593, Lope sposa le figlie del commercio di carne Huan de Guargo. Negli stessi anni, è dato all'hobby appassionato con l'attrice Mikaele de Luhhan, con l'immagine di Lucinda Camilla. Per molti anni, il poeta viaggia dopo l'amato e vive dove suona.
Dal 1605, Lope serve come segretario del Duke de Siss, scrive molto per il teatro. Nel 1610, dopo la cancellazione della sentenza della Corte, finalmente si è trasferito a Madrid.
Nel 1609, grazie alla partecipazione del Duke de Siss, Lope de Vega riceve il titolo, che lo protegge dagli attacchi della Chiesa - "Inquisizione approssimativa", cioè, è fuori sospetto. Nel 1614, dopo la morte del Figlio e la morte della seconda moglie, Lope prende il San Priest, ma non cambia i suoi principi secolari della vita. La chiesa san non ha impedito agli ambientato di sopravvivere ancora una volta la sensazione di tutti i consumatori per Marta de Neverse. Dal suo amore, Lope non si rifiutava e dopo Martha accecava e perse la mente.
Nel 1625, il Consiglio Castile proibisce ai pezzi di Lope de Vega. Le disgrazie perseguono il poeta e nella vita personale.
Nel 1632, Marta de Neversea muore. Nel 1634 il figlio muore, una delle figlie - Marsona - va al monastero, un'altra figlia - Anthony-Clara - Abduisce un nobile di fessura. Le disgrazie hanno reso completamente solida, ma non ha spezzato il suo spirito e non ha ucciso interesse per la vita. Poco prima della morte, ha completato la poesia "Golden Age" (1635), in cui ha espresso il suo sogno, continuando ad approvare l'ideale rinascimentale.
La creatività di Baste si basa sulle idee dell'umanesimo rinascimentale e delle tradizioni della Spagna patriarcale. Il patrimonio è fantastico. Comprende varie forme di genere: poesie, dramma, commedia, sonetti, eco-ragazzi, parodie, romanzi prosaici. Lope de Vega possiede più di 1.500 opere. Secondo i nomi, 726 drams e 47 auto, 470 testi dei giochi sono sopravvissuti. Lo scrittore è stato sviluppato attivamente insieme alle tradizioni letterarie dei motivi popolari rinascimentali, temi.
Nelle poesie, la sua abilità poetica si è manifestata, lo spirito patriottico, il desiderio di dichiararsi nel mondo della letteratura. Sono stati creati circa venti poesie su varie trame, incluso l'antico. Competendo con ARIOSTO, ha sviluppato un episodio dal suo poema - la storia dell'amore Angelica e Natorot - nel poema "Beauty Angelica"; Arrivando con Tetscatto Tasso, scrisse "Cucinato da Gerusalemme" (Ed. 1609), avendo affonda le imprese degli spagnoli nella lotta per la liberazione della bara del Signore.
Gradualmente, i sentimenti patriottici sono inferiori al luogo dell'ironia. Nel poema "Guerra Kotov" (1634), il poeta, da un lato, descrivendo le avventure di gatti di Martov e la loro guerra per un gatto di bellezza, ride ai pantaloncini moderni, dall'altro, nega le norme artificiali, tecniche di classica Poesie create da bookpets.
Nel 1609, secondo l'ordine dell'Accademia letteraria di Madrid, il Baste scrive il trattato "Nuova arte per comporre come commedie nel nostro tempo". A questo punto, era già l'autore di brillanti comedies - "Dance Teacher" (1594), "Tollel Night" (1605), "cane sulla Senna" (circa 1604) e altri. Nel trattato poetico della mezza razza, il LOPE ha delineato importanti principi estetici e dei suoi punti di vista sul dramma, diretto, da un lato, contro il classicismo, dall'altro - contro il barocco.

19. Il lavoro di Calderon.
La drammaturgia di Calderon è un completamento barocco del modello teatrale creato alla fine del XVI - l'inizio del XVIII secolo Lope de Vega. Secondo l'elenco dei lavori, redatti dallo stesso autore da poco prima della morte, il Perù Calderon è di circa 120 commedie e dram, 80 Autos Sacramentales, 20 intermedie e un numero considerevole di altre opere, comprese poesie e poesie. Sebbene il Calderon sia meno frutto del suo predecessore, porta alla perfezione creata dalla "formula" di Lope de Vega Drammatica, pulendola da elementi liricati e poco funzionali e trasformando il gioco in un'azione barocca lussureggiante. Per lui, in contrasto con Lope de Vega, particolare attenzione è caratterizzata dal lato scenografico e musicale della performance.
Ci sono molte classificazioni dei giochi di Calderon. Più spesso, i ricercatori assegnano i seguenti gruppi:
Dram d'onore. In queste opere, tradizionale barocco per lo spagnolo barocco è dominato: amore, religione e onore. Il conflitto è collegato con il ritiro di questi principi, o con la tragica necessità di rispettare anche il prezzo della vita umana. Sebbene l'azione accada spesso in passato in Spagna, la situazione e il problema sono vicini al moderno Calderon. Esempi: "Salameic Alcald", "Dottore del suo onore", "Pittore del suo disonore".
Drami filosofici. I giochi di questo tipo influenzano le questioni fondamentali di essere, prima di tutto - il destino umano, la libertà di volontà, le cause della sofferenza umana. L'azione si verifica più spesso in paesi "esotici" per i paesi della Spagna (ad esempio Irlanda, Polonia, Muscovy); Il sapore storico e locale è sottolineato ed è progettato per enfatizzare i loro problemi senza tempo. Esempi: "La vita è un sogno", "Magic Magic", "Purgatorio di St. Patricks".
Intrigo commedia. Il gruppo più "tradizionale" di Piez Calderon comprende commedie costruite lungo i canoni del teatro Lope de Vega, con un incurto di amore confuso ed eccitante. Gli iniziatori e i partecipanti più attivi nell'intriga sono più spesso donne. Le commedie sono inerenti ai cosiddetti "calderoni" - oggetti casuali che sono venuti agli eroi, le lettere che sono venute per errore, mosse segrete e porte nascoste. Esempi: "Lady invisibile", "nelle acque ancora ...", "Segreto ad alta voce".
Indipendentemente dal genere, lo stile di Calderon è inerente a una maggiore metaforicità, un linguaggio poetico a forma luminosa, ha costruito logicamente dialoghi e monologhi, dove viene rivelato il carattere degli eroi. Le opere di Calderon sono ricche di reminiscenze dall'antica mitologia e letteratura, le Sacre Scritture, altri scrittori dell'età dell'oro (ad esempio, suggerimenti su personaggi e situazioni "Don Chisciotte" hanno nel testo "Signore dei Ghosts" e "Salamesky Alcald "). I personaggi dei suoi giochi possiedono simultaneamente una caratteristica primaria (Cyprian ("Magic Magic") - La sete di conoscenza, Shismundo ("La vita è un sogno") - l'incapacità di distinguere il bene e il male, Pedro Crespo ("Salamesky Alcald") - Il desiderio di giustizia) e il complesso dispositivo interno.
L'ultimo drammatico significativo dell'età dell'oro, Calderon, dopo un periodo di oblivion nel XVIII secolo, è stato riaperto in Germania. Goethe ha messo i suoi giochi nel teatro di Weimar; L'influenza della "magia magica" sull'intenzione del "Faust" è evidente. Grazie alle opere dei fratelli Schlegel, che erano particolarmente attratti dalla componente filosofica-religiosa delle sue opere ("Calderon è Catholic Shakespeare"), il dramma spagnolo ha acquisito un'ampia popolarità e prese fermamente un posto come classico della letteratura europea. L'influenza del Calderon sulla letteratura di lingua tedesca nel XX secolo ha detto nel lavoro di Hugo Background of Hoffmanstal.
20. I testi principali dei motivi di Burns.
Dopo l'unione della Scozia e dell'Inghilterra, gli scozzesi istruiti hanno cercato di parlare inglese. Burns è venuto alla letteratura scozzese quando due tradizioni combattevano in essa: imitare i campioni inglesi e il desiderio di preservare le caratteristiche nazionali, la lingua nazionale. All'inizio, Robert Burns ha cercato di scrivere le sue poesie "seri" in inglese e solo in canzoni e messaggi comici ai suoi amici hanno permesso di parlare scozzese. Ma leggendo Ferguson, vide che scrive sul "dialetto scozzese" la luce solitaria e le poesie singole, scrive semplicemente, comprensibili e allo stesso tempo con grazia, con divertimento nella finzione. Tutti i versi, tutte le canzoni e le lettere di ustioni parlano dell'amore, come la più alta felicità, mortale a prezzi accessibili. Nelle delicate linee lirico, nelle targhe targhe di una ragazza abbandonata, nei pettinici disturbati delle guardie virtuose e delle canzoni senza liberare senza liberare, - ovunque possente il potente potenza dell'inizio della passione, voce di sangue, la legge immutabile della vita. Burns odia le vendite di amore, mercenario, fegnete.
Burns ha aperto l'arte incomprensibile di fare poesia dalle situazioni più ordiniere, quotidiane, dalla maggior parte delle parole "grossolane", "non efficienti" che hanno risolutamente respinto dalla poetica classica. come "basso", "plebeo". Burns ha forzato sua mamma per parlare il contadino, gli artigiani. La sua poesia potente, veramente popolare, Burns ha creato un nuovo pubblico di lettore. Questo ha cercato in gran parte l'ulteriore destino non solo la letteratura scozzese, ma anche inglese. I romantici che sono venuti all'Arena letteraria a metà degli anni '90, si basarono su quel circolo di lettori dal fondo della società, che è stato creato dalla poesia di Burns.
Le origini di Burns Poetry - Folk, i suoi testi è lo sviluppo diretto della canzone folk. Nei suoi versi, rifletteva la vita del popolo, il suo dolore, la gioia. Il lavoro dell'agricoltura e del suo carattere indipendente. Ma con tutta la comunicazione inseparabile, brucia la poesia con le canzoni folk e le leggende non possono essere negate che i precursori sentimentalisti avessero avuto un impatto sulla sua formazione. Ma avendo raggiunto la maturità creativa, le bruciature hanno respinto le lettere di scrivere i suoi predecessori e persino ha parlato il servizio "cimitero" poesie. Nel "Elegia alla morte delle mie pecore, che il nome di Meili" brucia comicamente la sconfitta e "arriva" le virtù delle pecore in un modo non meno toccante. Di solito il sentimentalista. Da tali parodie Berns, così com'era, il genere di Eledia è amato dai poeti dall'interno. L'approvazione della dignità umana del lavoratore è combinata da ustioni dalla condanna di Lords e Borgeois. Anche nel testo dell'amore notevolmente l'atteggiamento critico del poeta ai rappresentanti delle classi elementi:

Le persone non riconoscono le persone
Camere ospite.
Single alcuni - lavoro pesante
Il sacco di altri è la dissolutezza.
In ozio,
In sbornia
Passano giorni.
Né nel giardino del paradiso
In nessuna inferno
Loro non credono. ("Sicuramente, davy, io e tu ...")
Ma la maggior parte degli eroi e delle eroine bruciano - coraggioso, audace. Adoro le persone in amore e amicizia. Le sue eroine spesso vanno "all'assalto del proprio destino", combattendo coraggiosamente per la felicità, con gesti patriarcali. Le ragazze scelgono il loro marito a cuore, contrariamente alla volontà dei genitori duri:

Non ho bisogno di un tale giovane
Paura del destino del cambiamento.
Sarò la povertà di Rada
Sarebbe solo con me Tam Glen ...
Mia madre parlava arrabbiata:
- La paura dei cambiamenti degli uomini,
In alto presto ti rifiuta
Ma cambierà il tem Glen? ("Tem Glen")
Immagini dei patrioti scozzesi - Bruce, Walves, Macpherson, - creato
Burns ha segnato l'inizio dell'aspetto di un'intera galleria di ritratti di leader folk, immigrati dalle basi folk. A poco a poco, il poeta si è convinto che se il sistema sociale dell'impero britannico sia ingiusto e criminale, allora non c'è vergogna, in ciò che contraddirebbe il giudice o il poliziotto; Di fronte, i miglia dei miglias che vengono in combattimento la legge reale non sono meno degni di gloria. Di Robin Hood. Quindi il tema dell'Indipendenza nazionale si è fusa nelle opere di ustioni con una protesta contro l'ingiustizia nazionale.

21. La creatività di Grimmelsgausen.
Il più grande rappresentante della linea romana democratica è stata Hans Jacob Christoph Grimmelshausen (Hans Jakob Christoph Grimmelshausen, ca. 1622-1676). Tutte le opere di Grimmelshausen sono uscite sotto vari pseudonimi, solitamente anagrammi dello scrittore nominato. Solo nel XIX secolo. Come risultato di una lunga ricerca, è stato possibile stabilire il nome dell'autore "Simplicesimimus" e alcuni dati della sua biografia. Grimmelsgausen è nato nella città imperiale di Gelnausen ad Assia, nella famiglia di un ricco burno. Era stretto con un adolescente nella vasca idromassaggio della guerra dei trentani. Le strade militari hanno proceduto quasi a tutta la Germania, risultandola in una, poi in un altro campo di garanzia, era una stalla, messaggero, moschettiera, uno scrittore. La guerra ha concluso il Segretario dell'ufficio Regimentale, quindi le lezioni spesso cambiano: era il collettore fiscale e i filtri, poi il locandiere, poi la tenuta di proprietà. Dal 1667 e fino alla fine della vita, ha servito come il capo della piccola città priena di Renkhhen, non lontano da Strasburgo, dove sono state create quasi tutte le sue opere.
Durante i suoi vagabondi, lo scrittore ha accumulato non solo un'esperienza di vita ricca, ma anche solida erudizione. Il numero di libri letti da lui, che si riflettevano nei suoi romanzi, Veliko in termini di volume e diversità. Nel 1668, il romanzo "Comticable Simplicio Simplessimimus" è uscito dalla stampa, ha seguito immediatamente molti dei suoi paillettes e altre opere "semplicistiche": "Slims superiore o la vasta e meravigliosa biografia degli imbroglioni e della colazione ingannata", "Springinsfeld", "Magic Bird Nest", "Simplicin Eternal Calendar" e altri. Grimmelsgausen ha anche scritto romanzi pastorali e "storici" ("Caste Joseph", "Ditvald e Amelind").
Grimeshelsgausen, come nessun altro scrittore tedesco XVII secolo, è stato associato alla vita e al destino del popolo tedesco ed era un espressante di una visione del mondo genuino. La visione del mondo dello scrittore ha assorbito i vari elementi filosofici dell'era, che ha imparato dalla borsa di studio "Libro", e da esercizi mistici distribuiti in tutta la Germania e identificando la mentalità degli ampi strati delle persone.
La creatività di Grimmelshausen è una sintesi artistica dell'intero sviluppo precedente della prosa narrativa tedesca e una varietà di influenze letterarie del linguaggio straniero, principalmente lo spagnolo Plutov Roman. Grimmelsgausen romanzi - un vivido esempio dell'originalità del barocco tedesco.
La cima della creatività di Grimmelsgausen è il romanzo "Simplcyssimus".

Letteratura XVII secolo.

Dal XVII secolo, è consuetudine contare un nuovo tempo nella storia della civiltà umana. Occupando la posizione di confine tra il Rinascimento (XIV-XVI secolo) e l'epoca dell'illuminazione (XVIII secolo), il XVII secolo percepì molto dal Rinascimento e lasciato molto dopo se stesso.

Barocco e classicismo divennero le principali direzioni letterarie del XVII secolo.

Un ruolo significativo è giocato nella letteratura del barocco del XVII secolo. I segni del nuovo stile cominciarono ad apparire alla fine del XVI secolo, ma il XVII secolo stava fiorendo. Baroque è una risposta a instabilità pubblica, politica, economica, la crisi ideologica, la tensione psicologica dell'era del confine, è il desiderio di ripensare in modo creativo il tragico risultato del programma rinascimentale umanistico, questa è la ricerca dell'uscita dallo stato di la crisi spirituale.

Il contenuto tragico-sublime ha determinato le caratteristiche principali del barocco come metodo artistico. Le opere di teatralicità barocca, illusività (non per caso del dramma P. Calderon chiamato "la vita è un sogno"), antinomicità (collisione dell'inizio personale e del debito pubblico), il contrasto della natura sensuale e spirituale dell'uomo, il Opposizione di fantastici e reali, esotici e ordinari, tragici e comici. Barocco pieno di metafore complesse, allegorie, simbolismo, distingue l'espressività della parola, esaltazione dei sentimenti, significato significativa, mescolando i motivi della mitologia antica con simbolismo cristiano. I poeti Barochko hanno prestato grande attenzione alla forma grafica del verso, ha creato le poesie "figurate", le cui linee sono state formate dall'immagine del cuore, le stelle T. P.

Un tale lavoro non poteva solo leggere, ma anche visto come un prodotto di pittura. Gli scrittori hanno proclamato l'originalità del suo vantaggio più importante, e le caratteristiche necessarie sono difficili da percepire e la possibilità di varie interpretazioni. Il filosofo spagnolo ha scritto: "Più è difficile conoscere la verità, più bello da comprendere". Artisti delle parole molto apprezzati con spirito, paradossalità dei giudizi: "Nel nome della vita, non affrettati a nascere. / Sbrigati di nascere - Sbrigati a morire "(Gonong).

I più famosi scrittori barocchi erano: in Spagna Louis de Gongor (1561-1627), Pedro Calderon (1600-1681), in Italia Tarkwato Tasso (1544-1595), Jambattista Marino (1569-1625), in Germania Hans Jacob von Grimelsgausen (OK. 1621-1676), in Bielorussia e Russia Simeon Poolotsk (1629-1680). I ricercatori annotano l'influenza dello stile barocco sul lavoro degli scrittori inglesi W. Shakespeare e J. Milton.

La seconda direzione letteraria, che ha ricevuto diffuso nel XVII secolo, è il classicismo. La sua patria è stata l'Italia (XVI secolo). Qui, il classicismo sorge insieme al teatro antico rianimato e ha originariamente pensato alla diretta opposizione al dramma medievale. Gli umanisti del Rinascimento hanno deciso speculativamente, senza tenere conto dell'originalità di specifiche epoche storiche e dei popoli per far rivivere la tragedia di Euripid e Seneki, la commedia di galleggiante e terreggiante. Erano i primi teorici del classicismo. Pertanto, il classicismo originariamente eseguito come teoria e pratica dell'imitazione da parte dell'arte antica: rigidità razionalistica e logicità dell'azione del palcoscenico, l'abstractezza dell'immagine artistica, la pazienza del discorso, le pose e i gesti maestosi, il verso undici dimensionale. Tali sono le caratteristiche della tragedia del Trissino (1478-1550) "Sophonizba", scritta nel campione della tragedia di Sofokla e Euripid e che ha aperto l'era del classicismo europeo.

I campioni di arte classica sono stati creati nel XVII secolo in Francia. Qui, la sua teoria ha digerito.

La base filosofica del metodo classico era l'insegnamento razionalistico di Descartes. Il filosofo credeva che l'unica fonte di verità fosse la mente. Avendo accettato questa affermazione per l'originale, classicisti hanno creato un rigoroso sistema di regole, abbinabile l'arte con i requisiti di ragionevole necessità di rispettare le leggi artistiche dell'antichità. Il razionalismo è diventato la qualità del domicilio dell'arte classica.

L'orientamento della teoria classica sull'antichità era associato principalmente all'idea dell'eternità e all'assolutezza dell'ideale della bellissima. Questo insegnamento ha confermato la necessità di seguire: se i campioni ideali dei belli sono creati in qualche ora, viene creato il compito degli scrittori delle seguenti epoche - il più possibile per affrontarli. Da qui un rigoroso sistema di regole, il cui osservanza obbligatoria è stato considerato una garanzia di perfezione dell'opera d'arte e un indicatore della padronanza dello scrittore.

I classicisti installati e una gerarchia chiaramente regolamentata di generi letterari: i confini esatti del genere, sono stati determinati le sue caratteristiche. Tragedia alta trattata, epica, lati. Concludevano la sfera della vita statale, gli eventi fatidici, agivano con un elevato genere di eroi - monarchi, signori della guerra, feste nobili. Una caratteristica distintiva era uno stile elevato, sentimenti elevati, nella tragedia - drammatici conflitti, passioni disastrose, sofferenza disumana. Il compito di generi elevati è scuotere lo spettatore.

Nei generici bassi (commedia, satira, epigramma, favola) riflettevano la sfera della vita privata, la sua vita e la sua morale. Gli eroi erano persone comuni. Tali opere sono state scritte da un semplice linguaggio di conversazione.

I drammaturghi classicisti dovevano seguire le regole delle "tre unità": tempo (non più di un giorno), luoghi (una decorazione), azioni (mancanza di linee di trama laterali). Le regole sono state stabilite per il bene di creare un'illusione di affidabilità.

Un componente importante della teoria classica è il concetto di tipi generali di carattere umano. Da qui il famoso astratto delle immagini artistiche. Hanno sottolineato le caratteristiche universali, "eternali" (misantrop, avaro). Eroi condivisi su positivi e negativi.

Il carattere del palcoscenico in classicisti è vantaggioso a senso unico, statico, senza contraddizioni e sviluppo. Questa è un'idea di caratteri: è così rivelato quanto l'idea attaccata ad esso. La tendenza dell'autore, si manifesta così completamente semplice. Senza un'immagine nel carattere umano di un singolo classicista individuale individuale, è stato difficile evitare schematici, le convenzioni delle immagini. L'eroe coraggioso è coraggioso in tutto fino alla fine; La donna amorevole ama la bara; L'ipocrita alla bara degli ipocristi, e il miser scivolerà. La qualità distintiva del classicismo era la dottrina del ruolo educativo dell'art. La virtù di rosa e gratificante, gli scrittori classicisti hanno cercato di migliorare la natura morale dell'uomo. Le migliori opere di classicismo sono piene di alti patos civili.

Letteratura Spagna

All'inizio del XVII secolo, la Spagna era in uno stato di una profonda crisi economica. La sconfitta dell'armada "invincibile" (1588) al largo della costa dell'Inghilterra, la politica coloniale irragionevole, la debolezza dell'assolutismo spagnolo, la sua ampia avvistamento politica ha reso la Spagna un paese europeo secondario. Nella cultura spagnola, al contrario, nuove tendenze, che non hanno solo importanza nazionale, ma anche il significato paneuropeo.

Potente cultura rinascimentale ECHO è il lavoro del drammaturgo spagnolo di talento LOPE DE VEGA (1562-1635). Rappresentante del realismo rinascimentale, si è opposto alla tragedia dell'energia ottimistica barocca, del mondo brillante, fiducia nell'imoscauribilità della vitalità. Il drammaturgo è sceso e "scienziato" la normatività della teoria classica. Lo scrittore ha sostenuto il tipo di ideale, cercato di riavviare con il famoso spettatore, pronunciato per l'ispirazione gratuita dell'artista.

Ampio e diverso nel contenuto della drammatica eredità di Lope de Vega - è scritto, secondo la testimonianza dei contemporanei, più di 2000 spettacoli, di cui circa 500 sono stati pubblicati - di solito è consuetudine dividere in tre gruppi. Il primo costituisce drammi socio-politici, costruiti più spesso sul materiale storico (Fuente ovlev, il "Grande Duca di Moskovsky").

Il secondo gruppo comprende come commedie domestiche di un personaggio d'amore ("insegnante di danza", "cane sulla Senna", "ragazza con una brocca", "contadina di Getafe", "stella di Siviglia"); A volte sono chiamati come commedie di "impermeabile e spade", dal momento che il ruolo principale in loro appartiene alla nobile gioventù che agisce in questo atteggiamento per loro (nella impermeabile e della spada).

Il terzo gruppo include giochi religiosi.

Per capire le peculiarità delle opere drammatiche di Lope de VEGI, il trattato "Nuova arte della composizione al giorno d'oggi" (1609) ha una grande importanza. In ES, in sostanza, sono formulate le principali disposizioni del dramma nazionale spagnolo con l'orientamento sulla tradizione del teatro popolare, con il desiderio di soddisfare le richieste del pubblico, con la positività dell'intriga mostrata sul palcoscenico e il Costruzione abile di intrighi, il cui nodo stretto non darebbe l'opportunità di disintegrarsi su episodi separati.

Le opere d'arte che hanno seguito il trattato sono diventate l'attuazione dei principi estetici dello scrittore. Il meglio di questi giochi è il dramma "Osservazione Fuente" ("OveChy Source", 1614). Il dramma ha una base storica. Nel 1476, nella città di Fuente Ovelev, una rivolta contadina risentita contro le decentrazioni del Katvar Katavra e il suo comandante di Fernan Gomes de Gusman, che stava facendo il desiderio e ogni sorta di violenza. La rivolta si è conclusa con l'omicidio del comandante. Nel Drammatico Lope de Vehi Commander - Tyrant e lo stupratore, invasore sull'onore delle borse contadine, uno dei quali - orgoglioso di Laurencia - invita i compagni abitanti della retta vendetta. Ci sono molte immagini luminose nel gioco, eppure il protagonista qui è quello nella sua aspirazione per ripristinare la giustizia del popolo.

Pezzi di Lope de Vehi distinguono i pasti che affermano la vita, l'atteggiamento simpatico verso le persone comuni, la fede nella loro resistenza morale.

Dopo il ritiro rapido, l'altezza della Spagna nell'era rinascimentale, dalla fine degli anni '30 del XVII secolo, i segni di declino dovuti principalmente a cause socio-politici sono sempre più distinti. La cessazione dell'infloto d'oro dall'America, un completo disturbo della vita economica interna nel paese, una serie di fallimenti di politica estera - tutto ciò ha infine minato il potere economico e politico della Spagna.

Lo svantaggio socio-politico, la crisi della coscienza umanistica, la più grave reazione feudale-cattolica, la distruzione del sistema feudale nel suo complesso ha causato umori falnifici nella società. Un tentativo di comprendere ciò che sta accadendo, di uscire dallo stato della crisi spirituale, per trovare basi morali nelle nuove condizioni storiche è diventato il barocco, il più visivamente presentato nel lavoro Louis de Gongory (1561-1627) e Pedro Calderon (1600-1681).

Gonong era il più grande poeta del barocco spagnolo. Lo stile Gongor è caratterizzato da saturazione metaforica, l'uso di neologismi, arcaismi. Il poeta rifiuta la sintassi tradizionale. Il vocabolario è traboccante di parole multivalose: "I rubini delle tue labbra nella neve del cerchio" - riguardo al candore del viso, "flying snow" - su un uccello bianco "a corto di neve" - \u200b\u200bsu Galatae che corre dallo Polyfem. Nonostante la ricchezza figurativa, Gonbra crea "poesia per la mente", richiedendo un lavoro intellettuale attivo dal lettore. L'abilità più pienamente poetica Gongor si è manifestata nelle poesie "racconto di Polyfem and Galatae" (1612) e "solitudine" (1614). La poesia "solitudine" è strettamente intrecciata da un'idea rinascimentale della coesistenza armoniosa dell'uomo e della natura con un concetto barocco dell'eterna solitudine di un uomo nel mondo.

L'arte di Calderon ha assorbito le migliori tradizioni della rinascita, ma generata da un'altra epoca, dà una visione completamente diversa del mondo. Calderon è scritto 120 pezzi di vari contenuti, 80 "Outos Sacramentsles" (o "Atti sacri") e 20 intermedi. Calderon è associato alla sua coscienza artistica, sia con il revival spagnolo che con i fenomeni di crisi del suo tempo.

Continuando la tradizione del grande predecessore di Lope de Vega, Calderon ha scritto una commedia "Cloak and Swords". La più grande fama di loro è apprezzata da una leggera ed elegante lingua pari e allegra "Dama-Invisible" (Dama-Invisible "(1629). È stato espresso dall'idea del gioco dominante del gioco. Incidente qui, come in altre commedie, svolge un ruolo di formazione della trama.

Tuttavia, le commedie non rinascimentali e i drammi di pace-realistici hanno portato la fama mondiale di Calderon in tutto il mondo. La salogna e l'ottimismo non sono diventati la tonalità del suo lavoro. Un genuino calderon dovrebbe essere ricercato nei suoi "sacramenti di outos" e dei suoni filosofici e simbolici, pieni di sentimento escatologico, problemi esistenti che sono eccessivi inutili, contraddizioni che desiderano la coscienza. Già nel dramma della gioventù del Calderon "Adorazione della croce" (1620) per sostituire l'umore scettico alla religione, caratteristica degli umanisti, arriva un effetto religioso cupo. Il Dio di Calderon è una forza formidabile e spietata, di fronte a cui una persona si sente insignificante e persa.

Nel dramma filosofico-allegico "La vita è un sogno" (1634) la glorificazione della durezza cattolica è combinata con la predicazione della necessità di umiltà e sottomissione al Divino. Il principale concetto drammatico di Calderon è l'idea che il destino umano è predeterminato dal rock, quella vita temporanea terrena è illusoria, è solo una preparazione per l'eterna alferenza.

Tempo e medio definiti non solo la natura della visione del mondo, il focus generale della creatività di Calderon, ma anche l'originalità di lui come artista. Dramaturgia Calderon è caratterizzato da profondità filosofica, la raffinatezza dei conflitti psicologici, eccitati dal lirismo dei monologi. La trama dei pezzi di Calderon svolge un ruolo minore, tutta l'attenzione è stata attirata dalla divulgazione del mondo interiore degli eroi. Lo sviluppo dell'azione è sostituito dal gioco delle idee. Il fango del Calderon è caratterizzato da Pathos retorico, alta metaforicità di immagini, che lo riguarda a un gongorismo - una delle correnti del barocco letterario spagnolo.

L'audacia poetica di Calderon ha ricevuto un'alta valutazione di A. S. Pushkin.

Letteratura Italia.

Nel XVII secolo, l'Italia sta vivendo una crisi di ideali umanistici.

In questa situazione, Barochko appare alla ribalta, che ha espresso il più luminoso nel marrone, che ha ricevuto il suo nome per conto del poeta italiano di Jambattist Marino (1569-1625). Nei lavori di marinisti, seguaci di Marino, la forma delle loro deliberazioni verbali e proliferazione è stata ossessionata. Non ci sono argomenti socialmente importanti, non ci sono problemi topici della modernità. La peculiarità della lettera è complesse metafore, immagini bizzarre, confronti imprevisti. Marino era l'inventore della cosiddetta "Concupidity" - frasi virtuoso, un paradosso verbale, epiteti insolitamente applicati, rivoluzioni insolite di discorso ("scienziato ignorante", "dolore allegro").

Gloria a Marino in Italia era onnipresente. Tuttavia, i contemporanei del poeta videro il pericolo di marinomismo e si opposero a lui una poesia politicamente acquosa, esprimendo i bisogni e le aspirazioni del popolo italiano, parlando della sua sofferenza (Fulvio Test, Vincenzo Filicaya, Alessandro Tassoni).

Alessandro Tassoni (1565-1635) respinto entrambi i poeti della direzione barocca (marinisti) e del protettore di imitazione e autoritarismo in poesia italiana (classicisti). Come un poeta patriota, è intervenuto attivamente nella vita politica del paese, ha parlato contro la frammentazione regionale dell'Italia, ha invitato la lotta per la sua indipendenza (il poema "secchio rapito").

La prosa italiana del XVII secolo è presentata da nomi Galileo Galilea (1564-1642),l'arte polemica user-friendly del giornalismo per diffondere le sue idee scientifiche ("Dialogo su due sistemi principali del mondo"), TRAJANO BOCCALINI (1556-1613)Protestando contro lo Zasil degli spagnoli in Italia, contro gli snob aristocratici, contro gli apologei del classicismo, riconoscendo solo i canoni estetici di Aristotele (Satira "Izvestia da Parnassa").

Letteratura Francia

Le politiche dello stato assolutista, finalizzate ad eliminare il petrolio feudale e la trasformazione della Francia in un potere potente dell'Europa occidentale, corrispondeva alla tendenza storicamente progressiva dell'era, che ha portato al carattere avanzato del classicismo come fenomeno letterario per il suo tempo . Il principale metodo artistico, ufficialmente riconosciuto dal governo di Absolutizio Francia, è diventato classicismo. La letteratura classica ha riscontrato un riflesso dell'aumento dell'identità nazionale dei progressivi strati della società francese durante la transizione dalla frammentazione feudale all'unità nazionale.

Con il cardinale RICHELIEU (1624-1642), la creazione di un potente stato monarchico è stato completato principalmente, che ha iniziato il suo predecessore di Louis Xiii - Heinrich IV. Richelieu regolamentò e soggiogato al trono tutti gli aspetti dello stato, della vita pubblica, della vita culturale. Nel 1634 hanno creato l'Accademia francese. Richeliete patrocinata in stampa periodica della Francia.

Nell'era del suo regno, Theooprast di Renodo fondò il primo quotidiano francese Gazett de France (1631). (Il premium teoferista di Renodo è uno dei più alti premi letterari della moderna Francia).

La progressività storica del classicismo si manifesta nella sua stretta connessione con le correnti avanzate dell'era, in particolare, con la filosofia razionalistica Rene Descartes (1596-1650), il cosiddetto cartotesianismo. Descartes combattuto con coraggio con un'ideologia feudale medievale, la sua filosofia ha fatto affidamento sui dati delle esatte scienze. Il criterio della verità per Descartes era una mente. "Penso che significhi che esisto," disse.

Il razionalismo è diventato la base filosofica del classicismo. Contemporari Descartes, Titories del classicismo Francois maller (1555-1628) e Nikola Boooye (1636-1711) Mi è creduto di essere ragione. Credevano che le esigenze elementari della mente - il più alto criterio del valore obiettivo del lavoro artistico - obbligare l'arte alla veridicità, la chiarezza, la logicità, la chiarezza e la liderità composita delle parti e del tutto. Hanno chiesto questo e in nome della conformità con le leggi dell'arte antica, che si è concentrata sulla creazione di un programma classicista.

L'adorazione degli scrittori del XVII secolo prima che la ragione si riflettesse nelle notorie regole sulle "tre unità" (tempo, luogo e azione) - uno dei principi steli del dramma classico.

Il poema didattico N. BALO "Poetic Art" (1674) è diventato il codice del classicismo francese.

È stato notato sopra quel classicista, come gli artisti del Rinascimento, nelle loro estetiche e nelle opere artistiche si basavano sull'arte antica. Tuttavia, in contrasto con gli scrittori del Rinascimento, le Titories del classicismo appellarono principalmente non all'antico greco, ma alla letteratura romana del periodo dell'impero. La monarchia di Luigi XIV, il "re del sole", come chiamato, fu paragonato all'impero romano, gli eroi delle classiche tragedie sono stati dotati di valori romani e grandezza. Da qui la conoscenza conosciuta della letteratura del classicismo, il suo carattere pomposo e decorativo.

Ciononostante, i classisti francesi non erano pazzi epigoni di antichi scrittori. La loro creatività aveva un carattere profondamente nazionale, è stato strettamente correlato alle condizioni sociali in Francia il tempo del periodo di massimo splendore dell'Absolutismo. I classicisti, non sono riusciti a combinare l'esperienza della letteratura antica con le tradizioni della loro gente, ha creato il loro stile artistico originale. Cornel, Rasin e Moliere hanno creato campioni di arte classica in un genere drammatico.

Il classico concetto di arte, con tutta la sua monumentalità, non può essere immaginato come qualcosa di congelato e invariato. All'interno del campo classico non c'era alcuna unità completa di opinioni socio-politiche, filosofiche ed etiche. Persino Cornel e Rasin - I creatori di un'alta tragedia classica - in gran parte si sono divermiti a vicenda.

A differenza dei Cartesiani ortodossi, Baual e Racina Moliere e Lafontae erano studenti del materialista Gassendi (1592-1655), eccezionale scienziato francese, che considerava sensoriale l'esperienza della principale fonte di tutte le conoscenze. Il suo insegnamento si rifletteva sia nell'estetica di questi scrittori che in democrativis, ottimismo e dell'orientamento umanistico della loro creatività.

Il genere principale del classicismo era la tragedia, raffigurando gli eroi elevati e le passioni idealizzate. Il creatore del teatro della tragedia francese era Pierre Cornel (1608-1684). Le attività letterarie di Cornell sono iniziate con poesie e commedie che non avevano molto successo.

Gloria arriva al coronel con l'aspetto sulla scena della tragedia "LED" (1636). Basato sul gioco - il tragico conflitto tra passione e debito su cui è costruita la tragedia.

Il cavaliere giovane e valoroso Rodrigo, Mushy per l'insulto, ha inflitto suo padre, uccide il padre del suo amato Himena sul duello. Himena giustifica l'atto di Rodrigo, che ha realizzato il dovere dell'onore familiare ed esegue il suo - richiede la morte della morte della sua amata. Esecuzione del tuo debito familiare, Rodrigo e Heren diventano profondamente infelici. Dopo un attacco al castello di Mauris, una brillante vittoria su di loro, Rodrigo diventa un eroe nazionale. Il nome Dolga Cornel si oppone il debito in patria. L'onore feudale dovrebbe lasciare il posto al luogo dell'onore civile. Heren sta cercando di convincere l'insolvenza delle sue esigenze: gli interessi della famiglia devono sacrificare il nome della necessità pubblica. Heren prende una nuova moralità, specialmente da quando incontra i suoi sentimenti personali. Cornelel ha dimostrato convincenti che la nuova moralità statale è molta moralità di feudale. Ha mostrato l'emergere di un nuovo stato ideale nel secolo di assolutismo. King Castille Don Fernando è raffigurato nel gioco dall'Autocratico ideale, il garante del benessere generale e la felicità personale dei suoi soggetti, se convertono le loro azioni con interessi governativi.

Quindi, in parte, è approvata l'idea della progressività della monarchia assolutista, che in condizioni storiche concrete ha risposto alle esigenze del tempo.

Nonostante il successo del pubblico, "LED" ha causato una seria controversia nei circoli letterari. Wo "L'opinione della Accademia francese sul lato (1638) del gioco di Cornel è stato condannato per l'inconvenzione dei canoni del classicismo. Nello stato oppresso, Cornel lascia alla sua patria. Tuttavia, quattro anni dopo, Rouen Cornell porta due nuove tragedie, che sono già abbastanza coerenti con i canoni classici ("Horace", "Qinna"). Quanto tragico Cornelel preferiva la tragedia storica e politica. Le questioni politiche della tragedia hanno determinato la norma del comportamento che Cornelel voleva insegnare lo spettatore: questa è l'idea di consapevolezza eroica, patriottismo.

Nella tragedia di "Horace" (1640), il drammaturgo ha usato Fabul dalla storia del titolo della Libia. Nel cuore del conflitto drammaturgico - le arti marziali delle due città - Roma e Alba Long, che dovrebbero consentire la partita dei fratelli Goraciyev e dei Kuriani collegati dall'amicizia Uza e dalla parentela. Nel gioco, il debito è decisamente compreso - questo è un debito patrizio.

Incapace di perdonare mio fratello, la morte del suo sposo, Camilla maledice Roma, che ha distrutto la sua felicità. Orazio, considerando la sorella con un cambiamento, la uccide. La morte di Camillas diventa la causa di un nuovo conflitto: secondo le leggi romane, l'assassino deve essere eseguito. Padre Horace dimostra che l'omicidio di suo figlio ha spinto la giusta rabbia, il debito civile, una sensazione patriottica. Salvato Roma Horace è necessario per la sua patria: farà molte altre imprese. Tsar Tull offre la vita di Horace. Civil Valor ha riscattato un crimine. La tragedia di "Horace" è diventata la apoteosi dell'eroismo civile.

La tragedia di "Qinna o la misericordia di agosto" (1642) dipinge i primi giorni del dominio dell'imperatore Ottaviana-agosto, che apprende che una cospirazione si sta preparando contro di lui. Lo scopo della tragedia è mostrare quali tattiche sceglieranno un sovrano verso i cospiratori. Cornell convince che gli interessi dello stato possano coincidere con le aspirazioni private delle persone, se il potere è un monarca intelligente e solo monarca.

Consegni nella tragedia - Qinna, Maxim, Emilia - atto, seguendo due motivi. La prima causa è politica: vogliono restituire Roma dalla forma repubblicana di governo, non consapevole della loro miopia politica. I sostenitori delle libertà politiche, non capiscono il fatto che la Repubblica ha portato a se stessa e Roma ha bisogno di un potere solido. Il secondo motivo è personale: Emilia vuole vendicare il Padre ucciso da agosto; Qinna e Maxim, gli amanti in Emily, vogliono ottenere una risposta.

L'imperatore, sopprimere l'ambulanza, la crudeltà decide di perdonare i cospiratori. Stanno vivendo un processo di rinascita. La misericordia ha vinto le loro passioni egoistiche. Videro il saggio monarca ad agosto ed è diventato i suoi sostenitori.

La saggezza di stato più alta, la corneccia, si manifesta in misericordia. La politica di stato saggia dovrebbe combinare ragionevole con umani. L'atto della misericordia è quindi l'atto di politico, impegnato non un buon uomo ottavo, e il saggio imperatore agosto.

Durante il "primo modo" (circa 1645), Cornell chiamò un culto di ragionevole stato ragionevole, creduto nella giustizia del francese assolutismo ("Martire Polyevk", 1643; "Morte Pompeo", 1643; "Theodore - Virgo e Martire", 1645; Commedia "Lyun", 1645).

Cornell "Second modo" sovrastima molte persone che sembravano così forti atteggiamenti politici della monarchia francese ("Rodogunda - Parfyan Tsarevna", 1644; "Irakli - Imperatore dell'est", 1646; "Nikomed", 1651, ecc.). Cornell continua a scrivere tragedie storiche e politiche, ma gli accenti sono spostati. Ciò è dovuto ai cambiamenti nella vita politica della società francese dopo essere entrato nel trono di Louis XIV, il che significava l'istituzione di dominio illimitato del regime assolutista. Ora Cornell, il cantante di Rational Stationhood, riscaldato nell'atmosfera dell'absolutismo vincente. L'idea del ministero dello stato sacrificale, interpretato come il dazio più alto, non era più un incentivo del comportamento degli eroi dei giochi di Cornev. L'azione drammaturgica di primavera funge da interessi ristretti, ambiziosi ambizioni di eroi. L'amore da sentimenti morali e sublimi si trasforma in una partita di passioni sfrenate. Perde la stabilità morale e politica del trono monarca. Non una mente, ma il caso punta il destino degli eroi e dello stato. Il mondo diventa irrazionale e traballante.

Settima tragedies Cornell, vicino al genere di Tragicomedy Barochko, - prova della partenza da rigide norme classiche.

Il classicismo francese ha ricevuto la sua espressione più completa e completata nelle opere di un altro grande poeta nazionale della Francia Jean Rasina (1639-1690). Con il suo nome, un nuovo stadio è collegato nello sviluppo di una classica tragedia. Se Cornelel ha sviluppato un genere prevalentemente dell'eroico tragedia storica e politica, Rasin ha reso il creatore di una piacevole tragedia psicologica, saturi allo stesso tempo e grande contenuto politico.

Uno dei principi creativi più importanti di Rasin è stato il desiderio di semplicità e la plausibilità rispetto a Cornanev, uno straordinario ed esclusivo. Inoltre, questo desiderio era diffuso da Racin non solo per costruire il Fabul della tragedia e i personaggi dei suoi personaggi, ma anche nella lingua e della sillaba del lavoro del palcoscenico.

Basandosi sull'autorità di Aristotele, Rasin ha rifiutato l'elemento principale del teatro di Cornel - dal "eroe perfetto". "Aristotele non è solo molto lontano dal richiedente dagli eroi perfetti degli Stati Uniti, ma, al contrario, desideri che i personaggi tragici, cioè quelli le cui disgrazie creano una catastrofe nella tragedia, non erano alla fine del bene, non la fine del male. "

Rasin era importante per approvare il diritto dell'artista di ritrarre il "mezzo uomo" (non in social, ma in senso psicologico), per ritrarre la debolezza umana. Gli eroi, secondo Rasin, dovrebbero avere vantaggi medi, cioè una virtù capace di debolezza.

La prima grande tragedia di Rasin era "Andromaha" (1667). Passando ai temi mitologici greci già sviluppati in tempi antichi Omero, Vergilio e Euripid, Rasin, tuttavia, in un nuovo modo interpretato l'atterraggio classico. Amendato agli effetti delle passioni, gli eroi della tragedia - Pyrr, Hermione, Oest - nel suo egoismo si è rivelato crudele, capace di crimine.

Creare l'immagine del pirro, Rasin risolve il problema politico. Pierre (Monarch) deve essere responsabile per il beneficio dello stato, ma, lasciando la passione, porta gli interessi dello stato al suo sacrificio.

Hermione è anche vittima di passione, una delle immagini della tragedia più convincente, lo stato interno dei quali è eccellentemente motivato psicologicamente. Rifiuto da Pyrrh, orgoglioso e ribellerio Hermione diventa egoista e dispotico nelle loro aspirazioni e azioni.

"Britanik" (1669) seguì "Andromaha" - la prima tragedia di Rasin dedicata alla storia dell'antica Roma. Come in "Andromache", il monarca è rappresentato qui con un tiranno spietato. Giovane neron rovina pericolosamente il suo fratello di pilone degli inglesi, il trono di cui occupava illegalmente e che amava da solo di Junior stesso. Ma Racin non era limitata alla condanna del Nero Despoty. Ha mostrato il potere del popolo romano che agisce come il più alto giudice della storia.

"Cantante di amanti delle donne e dei re" (Pushkin), Rasin ha creato un'intera galleria delle immagini delle eroine positive, combinando un senso della dignità umana, la resistenza moralmente, la capacità di sacrificio di sé, la capacità di affrontare eroicamente ogni violenza e arbitrarietà. Questi sono Androma, Yuni, Berenica ("Brenika", 1670), Monima (Mitridato, 1673), Iphigenias ("Iphigenia in Avlida", 1674).

Il vertice della creatività poetica di racina sulla forza artistica delle passioni umane, secondo la perfezione di un verso è scritta nel 1677, "Fedra", che si è considerata la sua migliore creazione.

La regina Fedra ama con passione il suo gap di Ippolit, innamorato della principessa Atenia Arikia. Avendo ricevuto una falsa notizia sulla morte di suo marito Tezay, Fedra confessa ad Hippolit, ma la respinge. Al ritorno a Teza Fedra in attacco di disperazione, paura e gelosia decide di calunnare l'ippolito. Quindi, tormentando la farina del pentimento e dell'amore, prende il veleno; In tutto confessando suo marito, muore.

La principale innovazione di Racina è collegata al carattere di Fedry. Rasina Fedra ha una donna sofferente. I suoi tragici vini nell'impossibilità di far fronte alla sensazione che Fedra si chiama criminale. Rasin comprende e incarna nella sua tragedia non solo i conflitti morali e psicologici della sua epoca, ma apre i modelli generali della psicologia umana.

Il primo traduttore russo di Racina era Sumarokov, che ha ricevuto il soprannome "Russian Racina". Nel XIX secolo, un atteggiamento premuroso nei confronti di Racin ha mostrato A. S. Pushkin. Ha attirato l'attenzione sul fatto che il drammaturgo francese è riuscito a investire nella forma gallant-squisita del suo contenuto profondo della tragedia, e questo gli ha permesso di mettere Rasin accanto a Shakespeare. Nell'articolo incompiuto del 1830 sullo sviluppo dell'arte drammatica che ha servito l'ingresso nell'analisi del dramma M. P. Poshodina "Marfa Posadanny", Pushkin ha scritto: "Cosa si sta sviluppando nella tragedia, che tipo di scopo è? Uomo e persone. Il destino di umani, folk folk. Ecco perché Rasin è fantastico, nonostante la stretta forma della sua tragedia. Ecco perché Shakespeare è fantastico, nonostante la disuguaglianza, negligenza, uglyness del traguardo "(Pushkin - critico". - M., 1950, pag. 279).

Se i migliori campioni della classica tragedia sono stati creati da Cornell e Racin, la classica commedia è apparsa interamente creando Moliere (1622-1673).

La biografia dello scrittore di Moliere (Jean Batista Poblelo) inizia con un poesia di cinque agenti della "Sham" (1655) - una tipica commedia di intrighi. Nel 1658, la fama arriverà al Molver. Le sue esibizioni si godranno di un enorme successo, patrocenterà il re stesso, ma anche invidioso, avversari pericolosi, da tra coloro che il Moliere si è rivolto nelle loro commedie, fu perseguito dal suo.

Moliere rise, esposto, accusato. Le frecce la sua satira non ha risparmiato o dei rappresentanti ordinari della società, né i nobili di alto rango.

Nella prefazione alla commedia "Tartuf", Moliere ha scritto: "Il teatro ha una grande forza correttiva". "Applichiamo una malformazione di un colpo pesante, esponendoli a morire universale." "Il dovere della commedia è quello di correggere le persone, divertendandole". Il drammaturgo ha perfettamente compreso l'importanza sociale di Satira: "La cosa migliore che posso fare è denunciare immagini divertenti dei vizi del mio secolo".

Nelle commedie "Tartuf", "avaro", "misantrop", "Don Juan", "Misena" Moliere solleva profonde problemi sociali e morali, suggerisce risate come farmaci più efficaci.

Moliere era il creatore del "carattere comico", in cui un ruolo importante non era un'azione esterna (anche se il drammaturgo costruito abilmente un intrigo di comico), e lo stato morale e psicologico dell'eroe. Il personaggio del Moliere è dotato, in conformità con la legge del classicismo, un carattere dominante. Ciò consente allo scrittore di dare un'immagine generalizzata di vizi umani - disgrazie, vanità, ipocrisia. Non c'è da meravigliarsi alcuni dei nomi dei personaggi di Molière, ad esempio, Tartuf, Harpagon, divennero nominale; Tartuf è chiamato Hangu e ipocrisia, arpagono - maia. Il Moliere ha osservato le regole del classicismo nei suoi giochi, ma non ha alienato la tradizione tradizionale del teatro FARCE, non solo "alta commedia", in cui ha sollevato gravi problemi sociali, ma anche divertenti "comedies-balletti". Una delle famose commedie di Moliere - "Moderbanism" combina con successo la serietà e la rilevanza del problema con la funizia e la grazia di "Commedia-Ballet". Il moliere dipinge un'immagine luminosa satirica dei ricchi borghesi di Jourden, che adotta davanti alla nobiltà, sognando di unirsi agli aristocratici.

Lo spettatore ride di affermazioni irragionevoli di una persona ignorante e grossa. Sebbene Moliere ride al suo eroe, non lo disprezza. Il credulone e non lontano da Zhurden è più attraente di quelli che vivono sui suoi soldi, ma disprezzano gli aristocratici giuristici.

Un campione della commedia classica "seria" è diventata la commedia "misantrop", dove il problema dell'umanismismo è risolto nelle controversie di allente e filint. Nella completa disperazione delle parole di Allenta sul regno del mondo umano, vizi e ingiustizie contiene una critica acuta delle relazioni pubbliche. Nelle esposizioni di Allest, il contenuto sociale della commedia è rivelato.

Moliere ha fatto una scoperta nel campo della commedia. Usando il metodo di generalizzazione, il drammaturgo attraverso un'immagine individuale ha espresso l'essenza del vizio pubblico, raffigurato caratteristiche sociali tipiche del suo tempo, il livello e la qualità delle sue relazioni morali.

Il classicismo francese ha manifestato il più luminoso nel dramma, ma anche in prosa, ha anche espresso abbastanza chiaramente.

Campioni classici del genere di aborismo creato in Francia Larocheter, Labryuer, Vyanka, Chamof. Brilliant Master Aborism era Francois de larancyfort (1613-1689). Nel libro "Riflessioni o detti morali e maxims" (1665), lo scrittore ha creato un modello peculiare di "uomo in generale", delineato la psicologia universale, il ritratto morale dell'umanità. Il dipinto era uno spettacolo cupo. Lo scrittore non crede nella verità, né in buono stato. Anche umano e nobiltà, sul pensiero dello scrittore, è solo una postura spettacolare, una maschera, coprendo una carrozza e una vanità. Generalizzando le sue osservazioni, vedendo nel fenomeno storico della legge universale, la Liancy arriva ai pensieri sull'essenza egoistica della natura umana. Assistrato come istinto naturale, come un potente meccanismo, sulla quale le azioni di una persona dipendono dalla sua motivazione morale. Per una persona, l'odio della sofferenza e il desiderio di piacere è naturale, quindi la moralità è un egoismo sofisticato, l'intelligente "interesse" comprensibile di una persona. Per frenare l'altruismo naturale, una persona resorta all'aiuto della mente. Seguendo Descartes, la Larcy chiama a un ragionevole controllo sulle passioni. Tale è l'organizzazione ideale del comportamento umano.

Jean Labryuer (1645-1696) Noto come autore del solo libro "personaggi o morali di questo secolo" (1688). Nell'ultima nona edizione del libro, Labryuier ha descritto 1120 caratteri. Passando alla composizione del teopro come campione, Labryuer complicasse significativamente il maneru dell'antico greco: non solo rileva le cause dei difetti e delle debolezze delle persone. Lo scrittore stabilisce una dipendenza umana dall'ambiente sociale. Delle varietà concrete e individuali, Labryuer mostra i modelli tipici, i più comuni. In "Personaggi" raffigura vari strati della società parigina e provinciale di Louis XIV. Dividendo il libro alle teste "Dvor", "Città", "Sovrana", "Velmazby", ecc., L'autore costruisce la sua composizione in conformità con la classificazione interna dei ritratti (Khanzy, poppers, pettegolezzi, chatters, Lytz, Corte, banchieri, monaci, borghesi, ecc.). Labryuer, l'ultimo grande classicista del XVII secolo, combinando vari generi nel suo libro (massime, dialogo, ritratto, romanzo, satira, morale morale), segue con rigida logica, subordina le loro osservazioni con un'idea comune, crea personaggi tipici.

Nel 1678, un romanzo "Princess Klevskaya" è apparso, scritto Marie de Lafayette (1634-1693). Il romanzo si è distinto da un'interpretazione approfondita delle immagini e uno spettacolo accurato di circostanze reali. Lafayette racconta la storia dell'amore della moglie del principe Klevsky a Duke Nemurian, sottolineando la lotta tra passione e dovere. Avendo sperimentato una passione d'amore, la principessa Clevskaya supera il suo sforzo di volontà. Dopo aver rimosso la dimora pacifica, è riuscita a salvare la pace e la purezza spirituale con l'aiuto della mente.

Letteratura Germania.

Nel XVII secolo, la Germania porta una tragica impronta della guerra trentennale (1618-1648). Il mondo di Westfaliano si assicurava ufficialmente la sua divisione in molti piccoli principati. La frammentazione, la selezione del commercio, la produzione artigianale ha portato al declino della cultura.

Un ruolo enorme nel revival della cultura tedesca del nuovo tempo è stato giocato dal poeta Martin Opole (1597-1639) E il suo trattato teorico "Libro sulla poesia tedesca".

Canon classico instillare nella letteratura tedesca, l'Ofiz chiama per studiare l'esperienza poetica dell'antichità, formula i principali compiti della letteratura, mette l'accento sul problema dell'istruzione morale. Gli OPACS hanno introdotto un sistema di tempesta di Silhlor-Tonic, cercò di regolare la letteratura, stabilire la gerarchia dei generi. Prima dell'Owin, i poeti tedeschi hanno scritto principalmente in latino. Gli operi cercavano di dimostrare che entrambi i capolavori poetici possono essere creati in tedesco.

L'Opiz è diventato una delle prime cronache della guerra trentennale. Una delle migliori opere è la poesia "Parola di consolazione del disastro del salario" (1633). Il poeta incoraggia i compatrioti ad alzare il caos della vita, trova un supporto nella sua stessa anima. L'argomento della condanna della guerra suona nelle poesie "Zlatna" (1623) e "lode a Dio della guerra" (1628). Il "classicismo scientifico" obian non ha ricevuto uno sviluppo diffuso, e già nel lavoro dei suoi studenti di Fleming e Loga, un'influenza di poetica barocca è chiaramente evidente.

Il poeta eccezionale del barocco tedesco è diventato Andreas Griphius (1616-1664), impresso nel piercing tonalità lucernari, la brevità dell'era della guerra dei trentani.

La poesia di Griffus è sorvegliata con emotivi, auditorium, simboli, emblemi. Tecniche preferite di Griffius-Transazione, Viaggio intenzionale di immagini, Confronto Confronto. "Fredda foresta scura, grotta, cranio, osso - // tutto dice che sono alla luce dell'ospite, // cosa non sono evitato né delicato, né Tlen."

Grirano è anche il fondatore del dramma tedesco, il creatore della tragedia tedesca Barochko ("Lev Armenian o Tsarubiyism" (1646), "ucciso Majesty o Karl Stewart, re della Gran Bretagna" (1649), ecc.).

La figura brillante del barocco tedesco era un poeta distintivo Johann Gunter (1695-1723). Gunter sviluppa il pensiero di Griffus sui migliori sentimenti, saccheggiati dalla guerra, sulla madrepatria che ha dimenticato i suoi figli ("alla patria"). Il poeta si oppone alla vita della vita, miseria, realtà tedesca, la sua arretratezza e intimità. Molti motivi della sua poesia saranno percepiti in seguito e sviluppati dai rappresentanti del movimento "Storm e Natiska".

Il più grande rappresentante di prosa barocco è Hans Jacob Christoffel Grimmelshausen (1622-1676). I suoi migliori lavori sono il romanzo "Simplcysssimus" (1669). L'autore descrive l'insolito vagabondaggio dell'eroe, il cui nome è la semplificazione del Simplicisimus - si traduce come "semplice del più semplice". Italiano e disinteressato giovane contadino, camminando su una strada di vita, incontra i rappresentanti di varie sezioni sociali della società tedesca. L'eroe affronta l'arbitrarietà, la crudeltà, regnando nel mondo, la mancanza di onestà, giustizia, gentilezza.

Nel palazzo del governante Ghanau dalla sillama, vogliono fare un giullare: indossano una pelle del celso su di esso, hanno messo la corda, piangono, deridendoli. L'ingenuità e la sincerità dell'eroe sono tutte percepite come follia. Attraverso Allegoria, GrimesGausen vuole dire al lettore della cosa più importante: il mondo è terribile, in cui lo sfortunato di una persona funge da divertimento. La guerra ha persone temprate. Simplcysssimus è alla ricerca di gentilezza nei cuori umani, esorta tutti al mondo. Tuttavia, la pace spirituale dell'eroe acquista su un'isola deserta, lontano dalla civiltà viziosa.

Grimmelshausen è stato il primo della letteratura tedesca che l'azione distruttiva fornisce guerra alle anime umane. Nel suo eroe, lo scrittore ha incarnato il sogno di un intero, uomo naturale, vivendo secondo le leggi del Morrel del popolo. Ecco perché oggi il romanzo è percepito come un lavoro anti-guerra luminoso.

Letteratura dell'Inghilterra

Nello sviluppo della letteratura inglese del XVII secolo, che è inestricabilmente legata con eventi politici, tre periodi sono tradizionalmente assegnati:

1. Periodo pre-rivoluzionario (1620-1630).

2. Il periodo della rivoluzione, la guerra civile e la Repubblica (1640-1650).

3. Periodo di restauro (1660-1680).

Nel primo periodo (20-30s. XVII secolo) nella letteratura inglese c'è un declino di drammaturgia e teatro. L'ideologia della reazione assolutista trionfante trova un'espressione nelle attività della cosiddetta "scuola metafisica", creando una letteratura speculativa, distratta, così come la "scuola di carolinskaya", in cui inclusi i royalisti del poeta. Nell'opera della D. Donna, D. Webster,

T. Decker è ascoltato i motivi della solitudine, predestinazione fatale, disperazione.

Così è stato il più giovane Shakespeare contemporaneo Ben Johnson (1573-1637), Autore delle persone che affermano e delle commedie realistiche "Wolpon" (1607), "Epicin, o donna silenziosa" (1609), "Alchemist" (1610), "Varfolomeev Fair" (1610).

Nel 1640-1650, il giornalismo (trattati, opuscoli, sermoni) acquisisce grande importanza. Le opere pubbliche e artistiche di scrittori puritani spesso avevano colore religioso e allo stesso tempo erano saturi con una protesta, spirito di feroce lotta di classe. Hanno riflesso non solo le aspirazioni dirette da Cromwell della borghesia, ma gli stati d'animo e le aspettative delle ampie masse, espresse nell'ideologia dei livelli ("equalizzatori"), e in particolare i "veri vettori di Levell" o "Digger" ("Digger "), basato su poveri rurali.

L'opposizione democratica del 1640-1650s ha nominato il talentuoso pubblico-Levelller John Lilbn (1618-1657). Famoso nel suo tempo Pamflet Lilber "Nuove catene d'Inghilterra" è stata diretta contro gli ordini di Cromwell, che si voltò dal comandante-rivoluzionario nel Signore, il battistrada con sacchi dispotizzati. Segnala tendenze democratiche nelle opere di Gerald Winsenley (1609 - circa 1652). I suoi trattato e opuscoli preventivi ("Banner cresciuto da vere Levelllers", 1649; "Dichiarazione di poveri, oppresse Luda Inghilterra," 1649) diretto contro la borghesia e una nuova nobiltà.

Il rappresentante più luminoso del campo rivoluzionario della letteratura inglese dei 40-50 del XVII secolo era John Milton (1608-1674).

Nel primo periodo del suo lavoro (1630S), Milton scrive un certo numero di poesie liriche e due poesie "allegre" e "pensieroso", in cui sono previste le principali contraddizioni della successiva creatività: coesistenza di puritani e umanesimo rinascimentale. Nel 1640-1650, Milton partecipa attivamente alla lotta politica. Non fa quasi appello alla poesia (scrive solo 20 sonetti) ed è completamente somministrato al giornalismo, a causa dei campioni eccezionali del XVII secolo di prosa pubblicalista. Il terzo periodo della creatività di Milton (1660-1674) coincide con l'era del restauro (1660-1680). Milton parte dalla politica. Il poeta si trasforma in creatività artistica e scrive poesie epiche su larga scala "Lost Paradise" (1667), "restituito paradiso" (1671) e la tragedia "Sakson-Wings" (1671).

Scritto su trame bibliche, queste opere sono intrise di uno spirito rivoluzionario infuocato. Nel poema "Lost Paradise", Milton racconta la storia di Bunt Satana contro Dio. Nel lavoro ci sono molte caratteristiche del moderno Milton dell'era. Anche durante la reazione più alta, Milton conserva la lealtà verso i suoi principi tirantabici repubblicani. La seconda trama è collegata alla storia della caduta di Adamo ed Eva - questa è una comprensione del modo dell'umanità alla rinascita morale.

Nel poema "restituito paradiso", Milton continua a pensare alla rivoluzione. La glorificazione della resistenza spirituale di Cristo, rifiutando tutte le tentazioni di Satana, serviva come recente reazione rivoluzionaria alla reazione e in frettamente consacrata sul lato dei Royalisti.

L'ultimo lavoro di Milton è la tragedia di Samson-Wings - allegoricamente anche associata agli eventi della rivoluzione inglese. In esso, i nemici politici, Milton chiama la vendetta e continuare la lotta delle persone per un'esistenza degna.

Il processo letterario in Europa nel XVII secolo è molto importante e incoerente. Il XVII secolo è un'epoca, che denota la transizione dalla rinascita dell'illuminazione, e questo determinato le caratteristiche dello sviluppo storico e culturale nei paesi europei c'è un rafforzamento della posizione della reazione feudale-cattolica, e questo ha causato una crisi del Rinascimento L'umanesimo, con la più grande forza espressa nell'arte del barocco.

Barocco come stile è formato non solo in letteratura, ma anche nella pittura, nella musica. Poiché il flusso letterario barocco ha un numero di principi ideologici e artistici comuni.

La base del barocco si basa sulle tradizioni rinascimentali, è prescritto il concetto di una persona. La creatura è debole e fragile, l'uomo, come credevano scrittori barocchi, è condannato a vagare nei tragici caos della vita. Il profondo concetto pessimistico di essere conduce la letteratura barocca agli ideali religiosi ascetici.

Baroque crea la teoria dell'arte d'élite, approva uno speciale stile ornamentale metaforico. Sulla base dell'idea della disarmonia del mondo, degli scrittori di Barochko, cercando di esprimere l'idea di disarmonia nel sistema più figurativo del lavoro, sono appassionati di contrasti semantici e pittoreschi. L'incarnazione più sorprendente, i principi del barocco sono stati trovati nel lavoro del grande drammaturgo spagnolo P. Kalderon.

Nel barocco europeo ci sono due correnti - alto e inferiore, o democratico, barocco. Idee d'élite, retorica elevata dell'alto barocco rappresentata dal teatro P. Kalderon, dalla poesia L. de Gongor, D. Donna, il romanzo pastorale e galano-eroico, il barocco inferiore si oppone allo stile del fumetto burlesque, in molti modi consacamente parodiando consciamente modelli elevati ( Le più luminose queste tendenze espresse nel romanzo Plutovsky del XVII secolo).

Un'altra direzione letteraria del XVII secolo era il classicismo, che ha ricevuto uno speciale fiorente in Francia. Deve essere ricordato che le origini del classicismo vanno all'estetica del Rinascimento, che ha creato il culto dell'antichità a fuoco di un ideale artistico. Il classicismo rifletteva l'ascesa della nazionale autocoscienza della società francese. Nel primo terzo del XVII secolo in Francia, si verifica la formazione di una monarchia assoluta, che conduce all'eliminazione di interdesquet feudale e la formazione di un unico stato centralizzato. Questo processo storicamente progressivo crea prerequisiti oggettivi per lo sviluppo del classicismo. Le idee di R. Dekart, il creatore della scuola filosofica razionalistica furono resi a un profondo effetto sulla suddetta del classicismo.

Nel suo sviluppo, il classicismo del XVII secolo ha superato due fasi principali. Nella prima metà del 17 ° secolo, sosteneva le elevate idee di cittadinanza ed eroismo, che si rifletteva nelle tragedie politiche di P. Cornel.

Nella seconda metà del 17 ° secolo, dopo che i tragici eventi del fronte, i motivi tragici sono approfonditi nel classicismo. Il classicismo ha creato una teoria estetica snella che ha ricevuto una forma di realizzazione completa nell'arma N. Balo "Poetic Art". I classicisti hanno sviluppato una teoria dell'arte di regolamentazione, compresa una chiara differenziazione di canoni "elevati" e "bassi", severi di genere e styling. L'installazione razionalistica ha determinato il concetto di una persona, le caratteristiche del conflitto in lavori classici. Allo stesso tempo, i classicisti hanno difeso il principio di "imitazione della natura", "ritenuto ragionevole", che ha permesso loro di ricreare le caratteristiche tipiche della vita pubblica del XVII secolo nelle loro opere.
^ XVII secolo nello sviluppo letterario mondiale

Rinascimento è difficile da separare dalla storia e dalla cultura del XVII secolo. All'inizio del XVII secolo, le coreferazioni rinascimentali continuano a creare. La transizione tra epoche è molto liscia e continuano diverse generazioni. La stessa cosa accade sui limiti superiori del periodo. Il XVII - XVIII secolo è un'era fondamentale per lo sviluppo della moderna cultura europea. Questa era crea moderno dal tipo di stato. In Francia, sotto l'influenza della cultura del classicismo, vengono create norme di letteratura e linguaggio, radicata fino al XX secolo. Una simile funzione normativa in Inghilterra ha avuto un movimento educativo e una letteratura razionalista.

L'era del Rinascimento è l'era dell'ottimismo sociale, l'apertura dell'universo e delle capacità umane. Il sistema sociale diventa più dinamico, le possibilità della personalità umana stanno aprendo, il destino. C'è fede nel superare gli ostacoli sociali in una varietà di sfere. L'ideale dell'età rinascimentale del Rinascimento è tipologicamente simile in diverse culture. L'ideale universale ha incorporato la Trinità della bellezza, buona e verità. Ma sul risultato del Rinascimento, nel XVI secolo, questo ideale inizia a scoppiare. Nel XVI secolo, si verificano guerre religiose, la lotta degli Stati per le colonie, la concorrenza nell'arena europea. Una singola cultura europea è allentata. L'effetto generalizzante dell'origine latina è perso. La cultura nazionale appare, e vengono creati vari tipi di stati: Bourgeois (rivoluzione in Holland e Inghilterra), che è apparso come risultato del processo di referenzializzazione, ritorna alle vecchie relazioni sociali (Spagna, Germania, Italia). In Germania, il "Absolutismo Dwarf" regnava, lo stato era in uno stato di frammentazione. La situazione ha aggravato la guerra trentennale nel XVI secolo. In Francia, si è gradualmente spostato al capitalismo. La Francia di quell'era è una delle principali potenze europee. È considerato classico per la letteratura dell'era. È chiaramente manifestato dalle tendenze della centralizzazione: le differenze regionali scompaiono, il Centro è intensificato, il sistema giuridico e culturale unificato - e l'assolutismo (il ruolo eccezionale del potere reale) è stato creato.

Nel XVII secolo, appare il concetto di alimentazione. Il governo diventa una forza notturna che non può essere controllata. Il filosofo inglese GOBBS ha rappresentato lo stato sotto forma del Monster Leviafan, che controlla tutto, richiede sottomissione e agisce con metodi rigidi. C'è una completa unificazione della vita, la sottomissione al re. Il principale nell'era diventa la categoria di gestibilità. In Europa, vengono introdotti i rituali che controllano la vita culturale e sociale, l'etichetta viene introdotta. Nell'era di Louis Xiv l'etichetta era ipertrofica. Il controllo del duro stato diventa costrizione. Le rivoluzioni sono condensate, sostituendo la dittatura e il successivo restauro della monarchia.

Durante il XVII secolo, è formato un nuovo ideale religioso. C'è una ricerca di un dio "personale", il suo approccio alla vita di tutti i giorni. BOURGEOISIE suggerisce un'iniziativa personale. La forma di realizzazione di questa ricerca diventa la riforma nelle sue manifestazioni estreme (puritanismo, calvinismo). Il lato rituale è scartato e rimane la nuda fede. Il principale postulato del protestantesimo è una prova individuale che sei degno di salvezza divina. Il contenuto dell'era diventa anche un movimento di controversia, in particolare lo sviluppo in Spagna e in Italia. Secondo il pensiero dei controrologgi, Dio si muove in imperi, agisce come potere cieco e irrazionale. Il corriere di questa fede diventa la chiesa, si è anche spostato in imperi. Questa strategia incarna l'ordine dei gesuiti, il cui slogan - "L'obiettivo giustifica i fondi".

Il XVII secolo è un punto di svolta quando i valori di una persona sono spostati catastrofici. I simboli dell'era sono le ricerche infinite, la fiducia nella categoria irrazionale e la rivolta, un fruscio della propria volontà. L'uomo dell'era è alla ricerca di un supporto nella ricerca. Questo supporto diventa la mente o il sentimento. La verità, il bene e la bellezza iniziano ad esistere separatamente l'uno dall'altro. Di conseguenza, ci sono due tendenze opposte: il razionalismo e l'irrazionalità, rispettivamente.

Il sintomo più retto del razionalismo è la formazione della scienza. Negli studi degli empiristici c'è un problema di un metodo, si avvicina alla scienza con la letteratura (Rene Descart, Spinosa, Hobbes). Queste ricerche scientifiche rilevano la loro continuazione fino al 20 ° secolo.

Il lato girevole di queste ricerche è irrazionalità. L'irrazionalità dubita delle possibilità della conoscenza umana. Cerca di evidenziare le zone sconosciute, mostrare una varietà e una partita di fenomeni. Nell'irrazionalismo, è assegnata una categoria di concetto - il riavvicinamento delle categorie diverse, ma misticamente correlate. La metafora si sviluppa dal concetto. La letteratura di questa epoca metaforica. La scelta tra verità private dipende dalla propria volontà.

Una delle università dell'era è la sensazione di crisi, una frattura, rivalutazione degli ideali del Rinascimento. Epoch letteratura polemica e propaganda. L'ideale della rinascita sta cercando di ripristinare o negarlo. C'è anche un rifiuto del principio di armonia. Nel XVII secolo, impostare le categorie dominanti. La dialettica è determinata dall'unità e dalla lotta degli opposti: l'interazione della mente e dei sentimenti, della personalità e della società. L'era del barocco è interessata ai processi personali. Cambiamenti dell'umanismo - diventa "umanesimo nonostante" Il valore dell'uomo non è specificato inizialmente, è stato acquistato. Un'altra caratteristica dell'era è l'analizzazione, l'approccio di ricerca. Il metodo di smembramento della realtà sui dettagli e la sua combinazione imprevista è prodotto. L'epoca è impegnata in un ampio panorama epico. Gli scrittori fanno un'enfasi sulla centralizzazione dell'idea. Grazie alla scoperta dell'idea, l'interazione tra la creatività giornalistica e artistica ha luogo. L'idea stessa nel testo artistico è rivelata attraverso Pathos e Logic. Logica organizza la composizione, le parti di comunicazione. Uno dei principali temi dell'era diventa verità e plausibilità. Cerca i criteri di verità.
^ Letteratura barocca (totale HAR-KA).

Gli scrittori e i poeti nell'era barocca percepiscono il mondo reale come illusione e sonno. Le descrizioni realistiche sono state spesso combinate con la loro immagine allegorica. Simboli, metafore, tecniche teatrali, immagini grafiche sono ampiamente utilizzate (linee di poesie formano un disegno), saturazione di figure retoriche, antitesi, parallelismo, gradazioni, oxuimoni. C'è un atteggiamento benedetto-satirico verso la realtà. Per la letteratura, il barocco è caratterizzato da un desiderio di una varietà, alla somma della conoscenza del mondo, della comprensione, dell'enciclopedismo, che a volte si gira con curiosità caotiche e raccolta, lo sforzo per lo studio dell'esistenza nei suoi contrasti (spirito e carne, oscurità e luce, tempo ed eternità). Etica Barochko è segnato da un tag ai simboli della notte, il tema della fragilità e dell'impermanenza, il sogno di un sogno (F. de Kesvedo, P. Calderon). Il gioco conosciuto Calderon "La vita è un sogno." Tali generi si stanno sviluppando come un romanzo HARANE-Heroic (J. de Schuderi, M. de Schuderi), un vero romanzo domestico e satirico (Fyweier, Sh. Soret, P. Scarron). Come parte dello stile barocco, nasce le sue varietà, indicazioni: Marinesimo, Gongorismo (Cultura), Conservazione (Italia, Spagna), Scuola Metafisica ed Eufismo (Inghilterra) (Vedi letteratura precisa).

Le azioni dei romanzi sono spesso trasferite al mondo immaginario dell'antichità, in Grecia, i Cavaliers e le signore della corte sono raffigurati sotto forma di pastori e pastori, che hanno ottenuto il nome di Pastoral (Onor D'Iurf, Astrey). L'uso di metafore complesse prosperano in poesia. Ci sono forme comuni come Sonet, Rondo, una povertà (una piccola poesia che esprime qualsiasi pensiero spiritoso), madrigali.

A ovest nella zona del romanzo, un eccezionale rappresentante - G. Grimmelsgausen (Roman "Simplisisimimus"), nella zona del dramma - P. Calderon (Spagna). V. Wuiatur (Francia), D. Marino (Italia), Don Luis de Gongora-I-Dogoth (Spagna), D. Donn (Inghilterra) divenne famoso nella poesia. In Russia, la letteratura barocca comprende S. Polotsky, F. Prokopovich. In Francia, "letteratura preventiva" fiorì durante questo periodo. Coltivato poi, principalmente nel salone Madame de Rambiye, uno dei saloni aristocratici di Parigi, il più alla moda e famoso. In Spagna, la direzione barocca nella letteratura è stata chiamata "gongorismo" con il nome di un rappresentante prominente (vedi sopra).
letteratura barocca (caratteristica generale).

gli universali dell'epoca appaiono in barocco e classicismo. Nella letteratura europea, il classicismo sembra essere una versione semplificata di barocco, barocco e classicità è considerata nella letteratura russa come varie direzioni artistiche. Ma nel lavoro di uno scrittore, entrambe queste direzioni possono convergere. In Spagna, il barocco era dominante. La sua estetica e la sua poetica hanno sviluppato rappresentanti della scuola Lope de Vega. Il classicismo si sviluppa lì solo teoricamente. In Inghilterra, nessuno dei metodi era dominante, dal momento che c'erano forti le tradizioni del Rinascimento. Solo a metà del secolo nell'arte inglese, le caratteristiche classiche stanno crescendo (la teoria di Ben Johnson), ma non sono radicate in questo paese. In Germania, lo sviluppo del barocco inferiore si sviluppa, i generi preferiti dei quali sono forniti il \u200b\u200bdramma sanguinoso e il romanzo Plutuvskaya. Il metodo fondamentale del classicismo diventa in Francia, ma le tendenze del barocco appaiono qui. Insieme al classicista, c'è anche la letteratura del salone, la poesia della libertà.

Barocco è realizzato non solo in letteratura. Inizialmente, è stato assegnato in architettura (Bernini, fontane versali). La musica barocca era rappresentata dalla creatività di Baha e Handel, nella pittura - Tiziano e Caravaggio, nella letteratura - Jean-Batista Marino e Calderon. Baroque è strettamente collegato al Rinascimento. Yu.b. Il wipper parla di manierismo - la tragica altezza del tardo revival. Questa è una via d'uscita negli spazi allegorici con conflitti filosofici che dimostrano la fede in una persona e la tragedia dell'essere umano.

La parola barocco non ha una spiegazione accurata. A questo termine significa una vasta gamma di fenomeni. Nel barocco, per definizione non ci sono canoni. Canon è individuale, una varietà regna qui.
Intestazioni ideologiche barocche:
1. Sentendo la controversi del mondo, la mancanza di forme stabilite, la lotta senza fine. Il compito dell'autore è prendere la realtà nella sua variabilità.

2. Tono emotivo pessimistico. Viene dalla Dualità Torn, del mondo. Nella letteratura di quest'area spesso incontra il motivo del gemello.

3. Motivi principali - la lotta della carne e dello spirito, visibile ed essenziale. Un argomento preferito è la lotta della vita e della morte. I veicoli del barocco spesso raffigurano una persona nei suoi stati di confine (sonno, malattia, follia, festa durante la peste).

4. Teatricalità, gioco, esperimenti di eroi con la vita, atteggiamento riverente nei confronti della gioia terrena, ammiremento di piccole cose. Le opere del barocco riflettono un caleidoscopio della vita.

5. L'eroe barocco è un individualista finito. Questo è un luminoso, ma inizialmente una creatura viziosa che ha bisogno di riscattare i suoi peccati, o inizialmente è una personalità di personalità reciproca. Il secondo tipo di eroe cerca di sfuggire al mondo sia nella creatività, o creando la vita utopia.
L'estetica barocca è rivolta nella "ostrività o dell'arte della rapida mente" (Balthazar Grassian) e "Aristotele's Tube" (Emmanuel Tezauro). Arte dal punto di vista del barocco - creatività soggettiva. Non esprime la verità e crea l'illusione, obbedendo alla volontà dell'autore. Il compito dello scrittore è la trasformazione della realtà. Il volo dei pensieri dovrebbe essere esagerato. Gli autori del barocco interessano tutto insolito. Fai conoscenza con il non precedenti, il lettore è in grado di sorprendere. Mezzi artistici principali - metafora. La metafora si interseca con l'amplificazione - esagerazione. Lo stesso oggetto gira da diversi lati.
^ Caratteristiche della letteratura inglese del 17 ° secolo.

La prima metà del 17 ° secolo fu contrassegnata in Inghilterra, la fioritura della poesia barocca, presentata principalmente dalla scuola di poetapyicista metafisica. Uno dei poeti più talentuosi di quest'area, che ha aperto nuovi orizzonti della poesia europea del nuovo tempo era John Donn (1572 - 1631), con il cui lavoro si consiglia di conoscere agli studenti. La rivoluzione inglese borghese (1640 - 1650) era fondamentale per lo sviluppo della letteratura inglese del 17 ° secolo (1640 - 1650). Si è svolto sotto slogan puritani religiosi, che ha determinato le specifiche del pensiero artistico dell'era.

L'attenzione principale nell'apprendimento della letteratura inglese del 17 ° secolo dovrebbe essere data al lavoro di D. Milton (1608 - 1674). Un pubblico rivoluzionario eccezionale, Milton rifletteva nelle sue poesie i conflitti politici aggiornati della modernità. Il suo poema "Lost Paradise" è un tentativo della comprensione socio-filosofica dello sviluppo della pace e dell'umanità nel suo complesso. Nel mondo artistico delle poesie, le tendenze barocche e classiche sono combinate organicamente, a cui è necessario prestare attenzione ad esso.

Caratteristica del 17 ° secolo come epoca speciale nella storia della letteratura occidentale

Il XVII secolo è un secolo di guerre, conflitti politici e religiosi, l'età, quando vanno alle passate idee rinascimentali utopiche sul dominio, lasciando dietro la sensazione di il caos del mondo assoluto. Un uomo in questo caos cessa di essere la misura più alta di tutte le cose, è costretto a conquistare nuove leggi e regole. E il rafforzamento della persecuzione di eretici, stringere la censura solo rafforzare i tragici stati d'animo che si riflettono in letteratura. Due concetto di visione del mondo appaiono: il concetto cattolico di libero arbitrio e il concetto protestante di predestinazione. Per il primo concetto, la percezione di una persona gratuita, libera di scegliere tra il bene e il male, prevedendo così il suo futuro. Il concetto protestante suggerisce che la salvezza di una persona non dipende da come vive, e tutto è già predeterminato. Ma questo non allevia una persona dall'obbligo di essere virtuoso. Nonostante i contro del concetto cattolico di libero arbitrio, che coinvolge un certo scambio tra Dio e l'uomo (buone azioni con il calcolo della retribuzione divina), questo concetto ha maggiormente influenzato la letteratura del XVII secolo.

Altre idee popolari che si riflettevano nella letteratura del XVII secolo erano idee di stoicismo e neoscologia. Il principio di base e il motto di aderenti di queste idee erano la conservazione della calma interiore. Per il neosco, una sensazione religiosa molto forte, parallela a credenze e premonizioni evangeliche, è anche caratterizzata.

Nel XVII secolo, si formano due sistemi artistici opposti: barocco e classicismo.

Generale caratteristico barocco.

Baroque è tradotto dall'italiano come "pittoresco", e questa parola è meglio caratterizzata da questa direzione letteraria. Si tratta di sostituire il Rinascimento e porta forme fantasia, espressive, dinamiche, disarmonia, espressione in letteratura. Una strana prospettiva barocca viene per sostituire la prospettiva lineare: doppi angoli, mapping specchio, scale spostate. Tutto questo è progettato per esprimere l'elusività del mondo e l'illusione delle nostre idee su di lui. Il barocco si oppone a alto e scienza, terreno e paradiso, spirituale e corporeo, realtà e illusione. Non c'è chiarezza, integrità. Il mondo si sta dividendo, in infinito movimento e tempo. Questa corsa rende la vita umana terribilmente fugace, da cui il tema della persona a breve termine, la Struinnure di tutto ciò che è essenziale.

Nella drammaturgia, il gioco barocco è inizialmente manifestato nell'intrattenimento, illusionismo, la transizione dalla realtà alla fantasia. La vita umana è paragonata al teatro. Dio sta giocando il teatro della vita, alzando la tenda del caos. Questa è una visione drammatica del mondo e della persona in generale il barocco. È esposto dalla comicità dell'esistenza umana, quando il desiderio di felicità è solo un processo storico crudele.

La caratteristica generale del classicismo.

Di solito la caratteristica più importante del classicismo chiama il suo carattere normativo, vale a dire il codice delle leggi e le regole, obbligatorio per tutti gli artisti. Tuttavia, molti sostenitori del classicismo non hanno sempre strettamente seguite rigorosamente queste regole.

Avendo studiato questo capitolo, lo studente sarà:

conoscere

• Sull'esistenza di vari principi di periodizzazione del processo culturale e storico;
• Le ragioni della crisi del Rinascimento umanesimo;
• Il contenuto del nuovo concetto di una persona formata nel XVII secolo;
• Principi di base dell'estetica e della poetica del classicismo e del barocco;

essere in grado di

• Seleziona un vantaggio nel contenuto del XVII secolo., Definire la sua specificità come un'era culturale e storica speciale;
• caratterizzare i cambiamenti nel peso mondiale e nel mondo umano del XVII secolo;
• Identificare elementi di poetica barocca e classica nel lavoro artistico;

proprio

• dalla presentazione delle tendenze principali nel processo storico e culturale del XVII secolo;
• dalla presentazione della relatività del confronto del barocco e del classicismo;
• Le principali disposizioni della poetica ed estetica del classicismo.

Tra gli storici moderni e i ricercatori culturali, ci sono quelli che, con diffidenza relativi ai principi esistenti di periodizzazione della storia della società umana. Alcuni di loro credono che "la natura umana è in ogni momento lottare per costante" e quindi la ricerca delle differenze tra le generazioni seguenti sono fondamentalmente prive di significato. Altri sono fiduciosi che i cambiamenti non si verificano in conformità con una logica storica, ma sotto l'influenza delle singole personalità luminose, quindi i periodi storici sarebbero stati sacrificamente chiamati i nomi di tali figure ("l'epoca di Beethoven", "Epoca di Napoleone", ecc.). Tuttavia, queste idee non hanno ancora avuto un impatto notevole sulla scienza storica e la maggior parte delle discipline umanitarie si basa sulla periodizzazione tradizionale.

Allo stesso tempo, il XVII secolo crea alcune difficoltà nel determinare la sua specificità come un'era culturale e storica indipendente. In difficoltà, la designazione terminologica è già il "diciassettesimo secolo" stesso. Le epoche correlate sono chiamate "revival" e "illuminazione", e già nei nomi stessi, viene posata un'indicazione del contenuto di queste epoche e impianti ideologici fondamentali. Il termine "diciassettesimo secolo" note solo una posizione sull'asse cronologico. I tentativi hanno ripetutamente fatto per trovare altre designazioni per questo periodo (l'era della contro-elaborazione, dell'epoca di assolutismo, dell'era barocca, ecc.), Ma nessuno di loro è stato catturato, poiché non è stato completamente riflesso nella natura completa dell'era. Eppure, nonostante la contraddizione ed eterogeneità di questo segmento storico, molti scienziati indicano transitività Come la caratteristica principale del XVII secolo come epoca culturale storica.

In un'ampia prospettiva storica, qualsiasi epoca è transitoria da un palcoscenico storico all'altro, ma il XVII secolo prende una posizione speciale in questa fila: agisce come un collegamento tra la rinascita e l'illuminazione. Molte tendenze in una varietà di sfere della Società europea, che hanno avuto origine nelle profondità del Rinascimento, hanno ricevuto una conclusione logica e design solo nel XVIII secolo., Pertanto, il "secolo intermedio è diventato un tempo di cambiamento radicale. Questi cambiamenti sono stati colpiti principalmente l'economia: le relazioni feudali sono state integrate attivamente dal capitalista, che ha comportato il rafforzamento della posizione della borghesia, che ha iniziato a rivendicare un ruolo più influente nella società dell'Europa occidentale. In larga misura, la lotta di una nuova classe per il luogo del sole di iodio ha servito la ragione per i cataclismi sociali in vari paesi - la rivoluzione borghese in Inghilterra, che si è conclusa con l'esecuzione del re Charles I, tentando il colpo di stato in Francia in Francia La metà del secolo, il nome della fronda, le rivolte contadine, appese in Italia e in Spagna.

Dal momento che il rafforzamento delle nuove relazioni economiche nei paesi dell'Europa occidentale si è verificato in diversi ritmi, anche il rapporto tra forze nell'arena internazionale ha subito cambiamenti nel XVII secolo. Hanno perso l'ex potere economico e l'influenza politica della Spagna e del Portogallo, dell'Inghilterra, dell'Olanda e della Francia, dove il capitalismo si è sviluppato più dinamicamente, è stato rilasciato in prima linea nella storia europea. Questa nuova ridistribuzione dell'Europa occidentale è diventata una ragione per la guerra trentennale (1618-1648), una delle guerre più lunghe e sanguinose del nuovo tempo. In questo conflitto militare, in cui la GABSBoursk League, che unitava principalmente paesi cattolici (Spagna, Austria, i principi cattolici della Germania), si opposero ai principi protestanti della Germania, della Francia, della Svezia, della Danimarca, sostenuti dall'Inghilterra e dall'Olanda. Secondo le stime storiche, oltre 7 milioni di persone sono morte per 20 milioni di popolazione solo dalla Gäbsburg League. Non sorprende che i contemporanei siano confrontati questo evento con un terribile campo. La descrizione degli orrori della guerra trentennale si trova spesso nelle opere della letteratura tedesca di questo periodo. L'immagine spiegata e molto cupo dei disastri, che è crollata in Germania negli anni della guerra, ha presentato Hans Jacob Christophilic Fel Grimmelsgausen nel suo romanzo "l'avventura della sillaba della semplificazione della sillaba" (1669).

La base per il conflitto tra gli Stati europei non era solo contraddizioni economiche e politiche, ma anche religiose. Nel XVII secolo Chiesa cattolica per sistemare le loro posizioni scosse e restituire la propria influenza, inizia un nuovo round di lotta contro la Riforma. Questo movimento ha ricevuto un nome Controcesso. La Chiesa, ben consapevole della capacità dell'arte della propaganda, incoraggia la penetrazione di argomenti religiosi e motivi. La cultura di Barochko si è rivelata più aperta a tale introduzione, era più probabile che si rivolga alle scene e alle immagini religiose. È naturale che uno dei paesi in cui il barocco è sopravvissuto al suo fiorente, era la Spagna, la principale roccaforte della Koitreformation in Europa.