Gustave Moro ha divorato con i suoi cavalli. Dieci dipinti strappati da artisti famosi che non tutti vogliono rimanere a casa
Di solito, i pittori creano immagini che vuoi considerare ancora e ancora, ammirando la bellezza trasmessa sulla tela. Ma non tutta la tela di artisti eccezionali causa solo emozioni positive. Ci sono anche queste immagini nelle collezioni dei musei, dopo aver visto il quale il sangue è bloccato nelle vene e c'è una sensazione spiacevole di ansia. In questa recensione, capolavori della pittura del mondo, che è impossibile da guardare senza rabbrividire.
Artemisia Gezheliski "Judith, Decapiti di OolFerna
L'immagine "Judith, decapitante Oloferna" riporta il trama biblico in cui la vedova, seducendo il comandante-invasore assiro, lo uccide dopo il letto del letto. Per l'Artemisia italiana Artemisia, Jegeniski era una tela con conseguente esperienza personale. All'età di 18 anni, è stato scontato dall'artista Agrostino Tassy, \u200b\u200bche ha lavorato nel workshop di suo padre. La ragazza ha dovuto posticipare l'umiliante processo di 7 mesi, dopo di che è stato costretto a muoversi da Roma a Firenze, dove ha scritto la sua famosa famosa immagine.
Heinrich Fusli "Nightmare Nightmare"
Quasi tutte le tela dell'artista svizzero Heinrich Fusli contengono un componente erotico. Nella foto "Montagna notturna" L'artista ha raffigurato un demone dell'Incuba, che apparve alla donna a sedurla. Secondo le credenze medievali, i desideri sessuali depressi si sono manifestati nelle persone sotto forma di incubi.
Gustav Mora "morto, divorato dai suoi cavalli"
L'artista francese Gustav Moro nel suo lavoro spesso applicato al tema mitologico. La sua immagine "Diomed, divorata dai suoi cavalli", serve come riferimento alle 12 exploit di Ercole. L'eroe doveva andare al re delisea in tracia per ottenere cavalli feroci, che il proprietario ha nutrito la carne umana. Ercole si occupava del re e lo gettò su un animale confuso.
Jerome Bosch "Giardino dei piaceri terreni"
Trittico "Giardino dei piaceri terreni" è considerato la più famosa immagine di Jerome Bosch. La sua parte centrale è dedicata al peccato di solventi. Una varietà di immagini piuttosto strane travolge l'immagine, come se avesse avvertito lo spettatore su ciò che può accadere se può verificarsi una tentazione.
Peter Paul Rubens "Saturno, divorando suo figlio"
La tela incrinata di Peter Paul Rubens passa il terreno mitologico di Dio Saturno (in mitologia greca - Kronos), che è stato nutrito che uno dei suoi figli avrebbe distrutto il Padre. Ecco perché Saturno ha divorato ciascuna delle sue prole.
Hans Memling "Pelly Buy"
Non le impressioni più piacevoli provoca il pannello sinistro del trittico "Justa of Earth". Su di esso, l'autore ha raffigurato la sua visione dell'inferno. Guardando una tela terribile, un uomo che viveva alcuni secoli fa era pensare alla vita più giusta, per non entrare nella caldaia infernale dopo la morte.
William Bugro "Dante e Vergili all'inferno"
Per iniziare a creare il tuo lavoro "Dante e Vergil all'inferno", il pittore francese William Bugro è stato ispirato dalla poesia "Divina Commedia". L'azione nella foto si svolge nell'ottavo cerchio del diavolo, dove i falsi e i falsificatori sono puniti. Anime maledette e dopo la morte non possono calmarsi, mordersi a vicenda. Pose ipertrophoted di peccatori, la tensione dei muscoli - tutto questo è progettato per dare allo spettatore e all'orrore di ciò che sta accadendo allo spettatore.
Francisco Goya "Disastré della guerra"
Nel periodo tra il 1810-1820, Francisco Goya ha creato 82 incisioni che in seguito hanno ricevuto il nome del "disastro della guerra". Nelle loro opere, l'artista ha fatto attenzione non sull'eroismo del comandante, ma sulle sofferenze della gente comune. Goya intende soddisfare il lavoro in toni in bianco e nero per "non distrarre" lo spettatore dall'idea principale che non ci sono scuse.
Per il bene dell'art Gustave Moro. Volontariamente isolato da noi stessi dalla società. Il mistero, che ha circondato la sua vita, trasformata in una leggenda sull'artista.
Moro è nato il 6 aprile 1826 a Parigi. Suo padre, Louis Moro, era un architetto, i cui obblighi inclusi per mantenere edifici pubblici urbani e monumenti nella forma corretta. La morte dell'unica sorella Moreau, Camillas, radunò la famiglia. La madre dell'artista, Polina, fu legata a suo figlio e, Ovdov, non ha colto a lui fino alla sua morte nel 1884.
Dalla prima infanzia, i genitori hanno incoraggiato l'interesse del bambino nel disegnare e si unì a lui all'arte classica. Gusti Legge molto, amava considerare gli album con le riproduzioni dei capolavori della collezione del Louvre, e nel 1844 alla fine della scuola ricevette una laurea piuttosto che un raro risultato per i giovani borghesi. Soddisfatto del successo del figlio, Louis Moro lo ha definito nell'artista artista-neoclassicista Francois-Eduard Pico (1786-1868), dove il giovane Moro ha ottenuto la formazione necessaria per l'ammissione alla scuola di belle arti, dove nel 1846 con successo superato gli esami.
Saint George and Dragon (1890)
Griffin (1865)
La formazione qui è stata estremamente conservatrice e principalmente ridotta a copiare le tende in gesso da antiche statue, disegnando una natura nuda maschile, studio di anatomia, prospettive e storia della pittura. Nel frattempo, Moro è diventato sempre più appassionato del colorato dipinto di Delacroix e soprattutto il suo seguace di Teodore Chasserio. Non potevo vincere il prestigioso premio romano (i vincitori di questa scuola di competizione a sua spesa sono andati a studiare a Roma), nel 1849, Moro ha lasciato le mura della scuola.
Il giovane artista ha prestato la sua attenzione al salone - la mostra ufficiale annuale su cui ogni inizio per entrare nella speranza di essere visto critica. I dipinti rappresentati da Moro nella cabina negli anni '50, ad esempio, "Canzone della canzone" (1853), ha trovato una forte influenza del Sasserio, fatto in modo romantico, si sono distinti dal sapore penetrante e dallo erotismo frenetico.
Moro non ne ha mai negato che molti nel lavoro fossero obbligati a Shazerio, la sua amica, presto dalla vita (37 anni di età). Scioccato dalla sua morte, Moro lo dedicò al ricordo della tela "Giovane uomo e morte".
L'influenza di Theodore Chasserio è ovvia e in due grandi tele che Moro ha iniziato a scrivere negli anni '50 - nelle "Briangie di Penels" e "Figlie del Tezay". Lavorando su questi enormi, con un sacco di dettagli, dipinti, quasi non ha lasciato il workshop. Tuttavia, questo elevato impegnativo per se stesso è diventato la causa secondo cui l'artista ha lasciato il lavoro incompiuto.
Nell'autunno del 1857, cercando di reintegrare il divario nell'educazione, Moro ha fatto un viaggio di due anni in Italia. L'artista è stato affascinato da questo paese e ha fatto centinaia di copie e schizzi dei capolavori dei Maestri del Rinascimento. A Roma, si innamorò di Michelangelo, a Firenze - negli affreschi di Andrea del Sarto e A Angeliko, a Venezia, Meshoyo ha copiato il carpaccio, e a Napoli, ha studiato i famosi affreschi di Pompei e Herkulanum. A Roma, il giovane ha incontrato Edgar Degas, insieme hanno ripetutamente andato su schizzi. L'ispirata dall'atmosfera creativa, Moro ha scritto ad un amico a Parigi: "Da quel momento, e per sempre, diventerò un eremita ... Sono convinto: niente mi farà minimizzare da questo modo."
Pary (elefante sacro). 1881-82.
Tornando a casa nell'autunno del 1859, Gustave Moro con Zeal ha iniziato a scrivere, ma ci si aspettava di cambiare. A quel tempo, incontrò la governante, che serviva in casa vicino al suo laboratorio. Giovane donna chiamata Alexandrin Durou. Moro si innamorò e, nonostante il fatto che sia stato categoricamente rifiutato di sposarsi, era fedele a lei oltre 30 anni. Dopo la morte di Alexandrina nel 1890, l'artista ha dedicato una delle migliori vesti: "Orfeo nella tomba di Eurydika".
Orfeo alla tomba di Euridic (1890)
Nel 1862, il padre dell'artista è morto, e non sapeva quale successo attende suo figlio nei prossimi decenni. Durante il 1860, Moro ha scritto una serie di dipinti (è curioso che fossero tutti verticali nel formato), che erano molto ben incontrati nella cabina. La maggior parte degli allori è andata a Frees e Sfhinx Canvas esposti nel 1864 (l'immagine era di 8.000 franchi acquistati all'asta di Prince Napoleone). Quello era il momento del trionfo della scuola realistica, che era diretta da Kurba, e i critici dichiararono Moro con uno dei Salvatore del genere del dipinto storico.
La guerra franco-prussiana, lampeggiata nel 1870 e gli eventi successivi associati al Comune di Parigi hanno avuto un impatto profondo sul Moro. Per diversi anni, fino al 1876, non è stato esposto nella cabina e si è persino rifiutato di partecipare alla decorazione del Pantheon. Quando, infine, l'artista tornò al salone, ha introdotto due dipinti creati su una trama - un complesso per la percezione di una tela scritta da olio, "Salome" E grande acquerello "Fenomeno", incontrato disapprovamente critiche.
Questa immagine di Moro è un'interpretazione insolita della scena biblica, in cui bellissime balze salome di fronte al re di Erode, che hanno promesso a questa danza per soddisfare chiunque. Per portare la madre della madre Iodiada Salome ha chiesto al capo del re di Giovanni Battista. Quindi la regina voleva vendicarsi di Giovanni il Forerun, che condannò il suo matrimonio con Erode. Nel capolavoro di Moro, il capo di Giovanni il Battista è rappresentato come una visione, che era Salome in OleOle Heavenly Light. Alcuni critici ritengono che l'immagine mostri il momento che precede il Celave del capo di Giovanni il Forerunner, e quindi Salome vede le conseguenze del suo atto. Altri credono che la scena, che l'artista raffigurata, sta accadendo dopo l'esecuzione del santo. Essere così come può, ma su questo buio, saturo di parti della tela, osserviamo quanto salome scioccato nuotava attraverso l'aria con un terribile fantasma.
Gli occhi di John guardano dritto su Salome e lungo i lunghi capelli dei flussi precursore nel pavimento flussi di sangue spesso. La testa tritata è il traghetto nell'aria circondata da luminosa luminosa. Questo alone è costituito da raggi radiali, quindi la luminosità era brillata nel Medioevo e nell'epoca rinascimentale, erano i raggi taglienti che enfatizzano l'atmosfera allarmante dell'immagine.
Salome, ballo di fronte a Herod (1876)
Tuttavia, gli ammiratori della creatività di Moro percepiscono il suo nuovo lavoro come una chiamata per la fantasia. È diventato gli scrittori simbolistici dell'idolo, tra i quali i Gyuismans, Lorren e Peladan. Tuttavia, Moro non è d'accordo con il fatto che è stato contato per i simbolisti, in ogni caso, quando nel 1892 Peladan chiese a Moro di scrivere un feedback di laudazione sui simbobilisti simbolizzati e incrociati, l'artista rifiutato risolutamente.
Saint Sebastian e Angel (1876)
Nel frattempo, l'ostile per la gloria del Moro non ha privato i suoi clienti privati \u200b\u200bche ha comunque comprato i suoi piccoli vestiti scritti, di regola, su terreni mitologici e religiosi. Per il periodo dal 1879 al 1883, ha creato quattro volte più dipinti rispetto ai 18 anni precedenti (la serie più redditizia di 64 acquerelli, creata sul basso di Lafontaine per Marsiglia ricco Antoni Roa - per ogni acquerello Moro ricevuto da 1000 a 1500 franchi). E la carriera dell'artista è andata in salita.
Nel 1888 fu eletto un membro dell'Accademia delle Belle Arti, e nel 1892, il 66enne Moro divenne il capo di uno dei tre laboratori della Scuola di Arti eleganti. I suoi discepoli erano giovani artisti, glorificati nel XX secolo, - Georges Ruo, Henri Matisse, Marco Albert.
Nel 1890, la salute di Moro si è deteriorata, pensò al completamento della sua carriera. L'artista ha deciso di tornare al lavoro incompiuto e invitato alcuni dei suoi studenti agli assistenti, compreso il Ruo di PET. Allo stesso tempo, Moro ha iniziato il suo ultimo capolavoro "Giove e Semele".
L'unica cosa che l'artista è ora cercato, per trasformare la sua casa nel Memorial Museum. Aveva fretta, ha collocato con entusiasmo la futura posizione dei dipinti, sosteneva, li ha licenziati - ma sfortunatamente non ha avuto il tempo. Moro è morto per cancro il 18 aprile 1898 e fu sepolto nel cimitero di Montparnasse in una tomba con i suoi genitori. Ha lasciato la sua villa insieme al laboratorio, dove sono stati mantenuti circa 1.200 dipinti e acquerelli, oltre a oltre 10.000 disegni.
Gustave Moro ha sempre scritto ciò che voleva. Trovare una fonte di ispirazione in fotografie e riviste, arazzi medievali, sculture antiche e arte orientale, è riuscito a creare il suo fantastico mondo esistente per il tempo.
Musica lasciando suo padre Apollo (1868) 
Se consideri la creatività del Moro attraverso il prisma della storia dell'arte, può sembrare anchronico e strano. La dipendenza dell'artista ai terreni mitologici e il suo modo di scrivere è stato scarsamente combinato con l'era del periodo di massimo splendore del realismo e dell'origine dell'impressionismo. Tuttavia, durante la vita di Mora, le sue tele sono state riconosciute e audaci e innovative. Vedere l'acquerello Moreau. "Phaeton" Alla mostra mondiale del 1878, l'artista Odon Redon, scioccato dal lavoro, ha scritto: "Questo lavoro è in grado di versare il nuovo vino nella pelliccia della vecchia arte. La visione dell'artista si distingue per la freschezza e la novità ... allo stesso modo Tempo, segue le inclinazioni della sua stessa natura. "
Redon, come molti critici del tempo, vide il merito principale del Moro nel fatto che riusciva a dare una nuova direzione del dipinto tradizionale, trasferire il ponte tra il passato e il futuro. I Gyuismans simbolistici dello scrittore, l'autore del romanzo decadente del culto "al contrario" (1884), considerato Moro "un artista unico", non avendo "né reali predecessori o possibili follower".
Non tutto, ovviamente, pensò allo stesso modo. I critici del salone erano spesso chiamati il \u200b\u200bMoro Moro "eccentrico". Nel 1864, quando l'artista ha mostrato "Edip e Sfinge" - la prima immagine, ha davvero attirato l'attenzione dei critici, uno di loro ha notato che questa tela gli ricordava "Popourry sui temi del Manteny, creato da uno studente tedesco, Avere riposare durante il lavoro per leggere Shopenhauer. "
Odyssey batte gli sposi (1852)
Odyssey batte gli stendi (parte)
Lo stesso Moro non voleva riconoscere se stesso o unico né strappato dal tempo, né più, incomprensibile. Vide come un artista-pensatore, ma allo stesso tempo, che soprattutto enfatizzato, mettere il sapore, la linea e la forma al primo posto e non le immagini verbali. Volendo proteggersi da interpretazioni indesiderate, spesso accompagnava i suoi dipinti con commenti dettagliati e sinceramente deprimendosi che "non una sola persona che potesse seriamente discutere del mio dipinto".
Hercules e Lernei Hydra (1876)
Moro ha sempre pagato una maggiore attenzione alle opere dei vecchi maestri, quindi "vecchie pellicce", in cui, definendo Redon, voleva versare il suo "nuovo vino". Per molti anni, Moro ha studiato i capolavori degli artisti dell'Europa occidentale, e prima di tutti i rappresentanti della rinascita italiana, ma gli aspetti eroici e monumentali erano interessati a molto meno del lato spirituale e mistico della creatività dei grandi predecessori.
Il più profondo rispetto di Moro è stato testato a Leonardo da Vinci, che era 19 V. considerato il precursore del romanticismo europeo. Nella casa del Moro, le riproduzioni di tutti i dipinti di Leonardo presentati nel Louvre erano tenute, e l'artista spesso si rivolse a loro, specialmente quando aveva bisogno di ritrarre il paesaggio roccioso (come, per esempio, sul "Orfeo" e " Prometheus "tele) o simili uomini che hanno ricordato a Leonardo l'immagine di San Giovanni. "Non avrei mai imparato ad esprimermi", dice Moro, essendo un artista maturo, - senza meditazioni permanenti di fronte al lavoro dei geni: "Sikstinskaya Madonna" e alcune creazioni di Leonardo. "
Ragazza di Thracian con Orpheus Head sulla sua lira (1864)
L'adorazione del Moro di fronte ai maestri del Rinascimento era caratteristica di molti artisti del XIX secolo. A quel tempo, anche gli artisti-classicisti come Engr, alla ricerca di nuovi, non tipici delle trame di pittura classica, e la rapida crescita dell'impero francese coloniale ha risvegliato l'interesse del pubblico, specialmente il popolo creativo, a tutti gli esotici.
Peacock, lamentato da Junon (1881)
Gli archivi del Museo di Gustava Moro ci permettono di giudicare l'incredibile latitudine degli interessi dell'artista - dagli arazzi medievali all'Antico VAZ, dalle incisioni in legno giapponese a una scultura indiana erotica. A differenza dell'incra, che era limitata esclusivamente da fonti storiche, Moro si unì coraggiosamente alle immagini prelevate da diverse culture e epoche sulla tela. Il suo "Unicorni"Ad esempio, come se preso in prestito dalla galleria di pittura medievale, e il fenomeno tela è una vera collezione di esotica orientale.
Unicorns (1887-88)
Moro ha deliberatamente cercato di soddisfare i suoi dipinti come i dettagli incredibili il più possibile, è stata la sua strategia che ha chiamato "la necessità del lusso". Per i suoi dipinti, Moro ha lavorato a lungo, a volte per diversi anni, aggiungendo costantemente tutti i nuovi e nuovi dettagli, che moltiplicati sulla tela come se si riflettono negli specchi. Quando l'artista non ha abbastanza spazio su tela, è durata ulteriori strisce. È così accaduto, per esempio, con l'immagine "Giove e Semele" e con il web sconosciuto "Jason e Argonauts".
L'atteggiamento di Moro verso l'immagine assomigliava all'atteggiamento nei confronti delle loro poesie sinfoniche del suo grande Wagner contemporaneo - entrambi i creatori il più difficile portare i loro lavori alla corda finale. Anche Moro Moro Leonardo da Vinci ha lasciato molti lavori incompiuti. I dipinti presentati nell'esposizione del Museo del Museo Moro sono chiaramente dimostrati che l'artista non poteva appoggiare appieno i piani delle immagini previste sulla tela.
Nel corso degli anni, Moro, sempre più credeva che rimane l'ultimo custode delle tradizioni, e raramente ha risposto con l'approvazione sugli artisti moderni, anche quelli con cui è stato amichevole. Moro credeva che il dipinto di impressionisti fosse superficiale, privo di moralità e non poteva non condurre questi artisti alla morte spirituale.
Dimed divorato dai suoi cavalli (1865) 
Tuttavia, i collegamenti di Moro con il modernismo sono molto più complicati e più sottili di quanto sembrano amare la sua creatività decenni. I discepoli di Moro sulla Scuola di Belle Arti, Matisse e Ruo, sempre con grande calore e apprezzamento hanno risposto alla loro insegnante, e il suo laboratorio fu spesso chiamato la "culla modernismo". Per il radar, il modernismo Moro era nella sua "seguendo la sua stessa natura". È questa qualità in combinazione con la capacità di fare un'espressione di auto-espressione in ogni modo per sviluppare Moro nei suoi discepoli. Ha insegnato loro non solo le basi tradizionali di abilità e copia i capolavori del Louvre, ma anche l'indipendenza creativa - e le lezioni del Maestro non passarono invano. Matisse e Roo hanno fatto uno dei fondatori del formism, il primo flusso artistico influente del 20 ° secolo, basato sulle idee classiche sul colore e dalla forma. Quindi Moro, sembrava dall'intenso conservatore, divenne il padrino della direzione che ha aperto nuovi orizzonti nel dipinto del 20 ° secolo.
L'ultimo romanzo del XIX secolo Gustave Moro ha chiamato la sua arte "appassionata silenzio". Nel suo lavoro, una gamma di colori affilata era armoniosamente combinata con l'espressione di immagini mitologiche e bibliche. "Non ho mai cercato sogni in realtà o realtà nei sogni, ho dato la libertà di immaginazione," amavo ripetere Moro, considerando la fantasia di una delle forze più importanti dell'anima. I critici videro un rappresentante del simbolismo in esso, sebbene l'artista stesso sia ripetutamente e risolutamente respinto questa etichetta. E non importa come il trasferimento del Moro sul gioco della sua fantasia, ha sempre pensato profondamente il sapore e la composizione della tela, tutte le caratteristiche delle linee e delle forme e mai paura degli esperimenti più audaci.
Autoritratto (1850)
Per il bene dell'art Gustave Moro. Volontariamente isolato da noi stessi dalla società. Il mistero, che ha circondato la sua vita, trasformata in una leggenda sull'artista.
Gustava Moro Life. (1826 - 1898), come il suo lavoro, sembra completamente strappato dalle realtà della vita francese 19 V. Elenco il cerchio della comunicazione con i familiari e gli amici intimi, l'artista si dedica interamente alla pittura. Avere un buon guadagno dalle sue tele, non era interessato alle modifiche del mercato dell'arte. I famosi Gyuismans francesi-simbolistici-simbolistici chiamati molto accuratamente chiamati Moro "Hermit, sistemati nel cuore di Parigi".
EDIP e SPHINX (1864)
Moro è nato il 6 aprile 1826 a Parigi. Suo padre, Louis Moro, era un architetto, i cui obblighi inclusi per mantenere edifici pubblici urbani e monumenti nella forma corretta. La morte dell'unica sorella Moreau, Camillas, radunò la famiglia. La madre dell'artista, Polina, fu legata a suo figlio e, Ovdov, non ha colto a lui fino alla sua morte nel 1884.
Dalla prima infanzia, i genitori hanno incoraggiato l'interesse del bambino nel disegnare e si unì a lui all'arte classica. Gusti Legge molto, amava considerare gli album con le riproduzioni dei capolavori della collezione del Louvre, e nel 1844 alla fine della scuola ricevette una laurea piuttosto che un raro risultato per i giovani borghesi. Il successo del figlio sonatale, Louis Moro lo definiva nell'artista artista-neoclassicista Francois-Eduard Pico (1786-1868), dove il giovane Moro ha ricevuto la formazione necessaria per l'ammissione alla Scuola di Belle Arti, dove nel 1846 passò con successo gli esami
Saint George and Dragon (1890)
Griffin (1865)
La formazione qui è stata estremamente conservatrice e principalmente ridotta a copiare le tende in gesso da antiche statue, disegnando una natura nuda maschile, studio di anatomia, prospettive e storia della pittura. Nel frattempo, Moro è diventato sempre più appassionato del colorato dipinto di Delacroix e soprattutto il suo seguace di Teodore Chasserio. Non potevo vincere il prestigioso premio romano (i vincitori di questa scuola di competizione a sua spesa sono andati a studiare a Roma), nel 1849, Moro ha lasciato le mura della scuola.
Il giovane artista ha prestato la sua attenzione al salone - la mostra ufficiale annuale su cui ogni inizio per entrare nella speranza di essere visto critica. I dipinti rappresentati da Moro nella cabina negli anni '50, ad esempio, "Canzone della canzone" (1853), ha trovato una forte influenza del Sasserio, fatto in modo romantico, si sono distinti dal sapore penetrante e dallo erotismo frenetico.
Moro non ne ha mai negato che molti nel lavoro fossero obbligati a Shazerio, la sua amica, presto dalla vita (37 anni di età). Scioccato dalla sua morte, Moro lo dedicò al ricordo della tela "Giovane uomo e morte".
Salome, ballo di fronte a Herod (1876)
Tuttavia, gli ammiratori della creatività di Moro percepiscono il suo nuovo lavoro come una chiamata per la fantasia. È diventato gli scrittori simbolistici dell'idolo, tra i quali i Gyuismans, Lorren e Peladan. Tuttavia, Moro non è d'accordo con il fatto che è stato contato per i simbolizzati, in ogni caso, quando nel 1892 PELADAN ha chiesto a Moro di scrivere una revisione laculotoria sui simbobilisti simbolistici simbolistici e croce, l'artista ha risolutamente rifiutato
Nel frattempo, l'ostile per la gloria del Moro non ha privato i suoi clienti privati \u200b\u200bche ha comunque comprato i suoi piccoli vestiti scritti, di regola, su terreni mitologici e religiosi. Per il periodo dal 1879 al 1883, ha creato quattro volte più dipinti rispetto ai 18 anni precedenti (la serie più redditizia di 64 acquerelli, creata sul basso di Lafontaine per Marsiglia ricco Antoni Roa - per ogni acquerello Moro ricevuto da 1000 a 1500 franchi). E la carriera dell'artista è andata in salita.
Odyssey batte gli stendi (parte)
Lo stesso Moro non voleva riconoscere se stesso o unico né strappato dal tempo, né più, incomprensibile. Vide come un artista-pensatore, ma allo stesso tempo, che soprattutto enfatizzato, mettere il sapore, la linea e la forma al primo posto e non le immagini verbali. Volendo proteggersi da interpretazioni indesiderate, spesso accompagnava i suoi dipinti con commenti dettagliati e sinceramente deprimendosi che "non una sola persona che potesse seriamente discutere del mio dipinto".
Hercules e Lernei Hydra (1876)
Moro ha sempre pagato una maggiore attenzione alle opere dei vecchi maestri, quindi "vecchie pellicce", in cui, definendo Redon, voleva versare il suo "nuovo vino". Per molti anni, Moro ha studiato i capolavori degli artisti dell'Europa occidentale, e prima di tutti i rappresentanti della rinascita italiana, ma gli aspetti eroici e monumentali erano interessati a molto meno del lato spirituale e mistico della creatività dei grandi predecessori.
Il più profondo rispetto di Moro è stato testato a Leonardo da Vinci, che era 19 V. considerato il precursore del romanticismo europeo. Nella casa del Moro, le riproduzioni di tutti i dipinti di Leonardo presentati nel Louvre erano tenute, e l'artista spesso si rivolse a loro, specialmente quando aveva bisogno di ritrarre il paesaggio roccioso (come, per esempio, sul "Orfeo" e " Prometheus "tele) o simili uomini che hanno ricordato a Leonardo l'immagine di San Giovanni. "Non avrei mai imparato ad esprimermi", dice Moro, essendo un artista maturo, - senza meditazioni permanenti di fronte al lavoro dei geni: "Sikstinskaya Madonna" e alcune creazioni di Leonardo. "
Ragazza di Thracian con Orpheus Head sulla sua lira (1864)
L'adorazione del Moro di fronte ai maestri del Rinascimento era caratteristica di molti artisti del XIX secolo. A quel tempo, anche gli artisti-classicisti come Engr, alla ricerca di nuovi, non tipici delle trame di pittura classica, e la rapida crescita dell'impero francese coloniale ha risvegliato l'interesse del pubblico, specialmente il popolo creativo, a tutti gli esotici.
Peacock, lamentato da Junon (1881)
Gli archivi del Museo di Gustava Moro ci permettono di giudicare l'incredibile latitudine degli interessi dell'artista - dagli arazzi medievali all'Antico VAZ, dalle incisioni in legno giapponese a una scultura indiana erotica. A differenza dell'incra, che era limitata esclusivamente da fonti storiche, Moro si unì coraggiosamente alle immagini prelevate da diverse culture e epoche sulla tela. Il suo"Unicorni"Ad esempio, come se preso in prestito dalla galleria di pittura medievale, e il fenomeno tela è una vera collezione di esotica orientale.
Unicorns (1887-88)
Moro ha deliberatamente cercato di soddisfare i suoi dipinti come i dettagli incredibili il più possibile, è stata la sua strategia che ha chiamato "la necessità del lusso". Per i suoi dipinti, Moro ha lavorato a lungo, a volte per diversi anni, aggiungendo costantemente tutti i nuovi e nuovi dettagli, che moltiplicati sulla tela come se si riflettono negli specchi. Quando l'artista non ha abbastanza spazio su tela, è durata ulteriori strisce. È così accaduto, per esempio, con l'immagine "Giove e Semele" e con il web sconosciuto "Jason e Argonauts".
Dimed divorato dai suoi cavalli (1865)
Tuttavia, i collegamenti di Moro con il modernismo sono molto più complicati e più sottili di quanto sembrano amare la sua creatività decenni. I discepoli di Moro sulla Scuola di Belle Arti, Matisse e Ruo, sempre con grande calore e apprezzamento hanno risposto alla loro insegnante, e il suo laboratorio fu spesso chiamato la "culla modernismo". Per il radar, il modernismo Moro era nella sua "seguendo la sua stessa natura". È questa qualità in combinazione con la capacità di fare un'espressione di auto-espressione in ogni modo per sviluppare Moro nei suoi discepoli. Ha insegnato loro non solo le basi tradizionali di abilità e copia i capolavori del Louvre, ma anche l'indipendenza creativa - e le lezioni del Maestro non passarono invano. Matisse e Roo hanno fatto uno dei fondatori del formism, il primo flusso artistico influente del 20 ° secolo, basato sulle idee classiche sul colore e dalla forma. Quindi Moro, sembrava dall'intenso conservatore, divenne il padrino della direzione che ha aperto nuovi orizzonti nel dipinto del 20 ° secolo.
L'ultimo romanzo del XIX secolo Gustave Moro ha chiamato la sua arte "appassionata silenzio". Nel suo lavoro, una gamma di colori affilata era armoniosamente combinata con l'espressione di immagini mitologiche e bibliche. "Non ho mai cercato sogni in realtà o realtà nei sogni, ho dato la libertà di immaginazione," amavo ripetere Moro, considerando la fantasia di una delle forze più importanti dell'anima. I critici videro un rappresentante del simbolismo in esso, sebbene l'artista stesso sia ripetutamente e risolutamente respinto questa etichetta. E non importa come il trasferimento del Moro sul gioco della sua fantasia, ha sempre pensato profondamente il sapore e la composizione della tela, tutte le caratteristiche delle linee e delle forme e mai paura degli esperimenti più audaci.
Autoritratto (1850)