Raffaello

Tutta l'arte italiana è di 15-16 secoli. Nella sua stessa essenza, armonia, grazia, un senso di misura; La mente e la logica dominano un senso, umile gli impulsi più sfrenati. E c'è un artista, mentre dal più grande nella storia del mondo intero, che ha trovato un punto di sostegno per le sue più alte aspirazioni.

Questo artista è Rafael. Il figlio dell'artista e il poeta - umanista, Rafael Santi ha raggiunto presto i più alti onori. Già le prime opere sono evidenti del nuovo ideale.

Un esempio di questo può servire come "Madonna concatenata". Questo è uno dei loro fracacci nelle forme di realizzazione di Raffaele dell'immagine della Madonna, che occupava un posto importante nella sua arte. A differenza dei maestri del XV secolo, nella foto del giovane Raffaello c'erano nuove qualità, quando la costruzione composita armonica non solo non splende immagini, ma, al contrario, percepita come condizione necessaria per la sensazione di naturalezza e libertà che generano.

Per ancora più alto, queste qualità hanno influenzato il meglio dei suoi primi lavori - "Maria's Thising", in cui l'organizzazione artistica di tutti gli elementi dell'immagine è stata molto chiaramente manifestata.

Il progresso creativo di Raffaello era così veloce che il workshop di Perugino divenne troppo vicino per lui. Nel 1504, il pittore si è trasferito a Firenze. Lui con la passione studia la creazione di tali maestri come Leonardo e Michelangelo. L'arte per Raffaello è immaginare con tutte le prove e la perfetta chiarezza della verità della teologia e della storia. Dal punto di vista del pittore, l'arte ripete l'atto della rivelazione divina. La correttezza delle forme rappresentate da Rafael mostra non da rappresentazioni ideali, ma dall'esperienza di vita. Bello non è altro che il meglio tra ciò che esiste in natura ed è cercato per selezione e confronti.

In generale, i successi di Rafael a Firenze erano così significativi che hanno reso ampiamente conosciuto il suo nome. Nel 1508, è invitato a Roma al Dvor Papal. Diventando come se il pittore ufficiale della corte papale, si avvicina involontariamente le sue creature all'espressione di un ideale religioso completo, è l'ideale della bellezza impareggiabile e pacifica e dell'armonia generale dell'anima e del corpo.

Rafael è stato accusato di dipinti degli appartamenti di Papa - i cosiddetti stanits (cioè le stanze). Il meglio degli affreschi vaticani di Rafael appartengono alle più grandi creature dell'arte rinascimentale. Danno l'opportunità di rintracciare i modelli di base dell'evoluzione della creatività di Rafael e dell'arte di questo periodo nel suo complesso.

Invece di mitologia, decorata con queste pareti, Rafael ha immediatamente fatto un'atmosfera rinata qui. In quattro ampie composizioni, ha raffigurato allegoricamente religione, arte, filosofia e legge.

Ognuno degli affreschi è l'apotosi della bellezza eterna. Ogni - apoteosi della felicità dell'uomo, trasformata, ascendendo l'anima e pensava al divino. È difficile trovare nella storia delle arti di qualsiasi altro ensemble d'arte, che avrebbe fatto l'impressione di tale saturazione figurativa nel piano di ideologico e raffinato decorativo come i villaggi vaticani Rafael. A differenza di Leonardo, Rafael non ci strapperà con i suoi segreti, non si schiaccia con il suo a tutto via, ma vi invita delicatamente a cadere nella bellezza terrena con lui.

"Rafael era consapevole," scrive Vazari, "che in Anatomia non può raggiungere la superiorità su Michelangelo. Come uomo di una grande ragione, si rese conto che la pittura non era solo nell'immagine di un corpo nudo, che la sua tutela è più ampia ... non essere in grado di confrontare con Michelangelo in questa zona, Rafael ha cercato di essere uguale a un altro. "

Raphael ha cercato la sintesi più alta, al completamento radioso di tutto ciò che è stato raggiunto davanti a lui, e questa sintesi è stata trovata e incorporata.

Il passato si fonde con il presente. I poeti di antichità classica comunicano con poeti rinascimentali ("Parnas"). Lode ("giurisprudenza") è dato alla legislazione laica e alla Chiesa.

Ma il miglior affresco e il più grande lavoro di Rafael dovrebbero generalmente essere riconosciuti come "scuola Ateniese". Questa composizione è una delle prove più vivide della celebrazione nell'arte rinascimentale delle idee umanistiche e dei loro profondi legami con antica cultura. L'immagine di una persona perfetta ha acquisito un'espressione concreta è Aristotele.

Nella foto, il portico ampio nello stile del Rinascimento. In cima a una scala ampia stand accanto a Platon e Aristotele, disputa occupata. Platone è un rappresentante dell'idealismo - indica la mano sul cielo. Sembra un profeta biblico. Aristotele, al contrario, si estende con la mano, indicando il terreno, e come dimostrando che la base del sistema dovrebbe essere lo studio dei fenomeni della natura sulla Terra.

Aristotele è la creazione più bella della Terra. La sua faccia si voltò verso Platone, contro lo sfondo di nuvole galleggianti, si illumina di ragione e gentilezza. La calma, la moderazione, il potere genuino che comanda le passioni umane è catturato nella sua immagine. Il tipo ideale di uomo nato dall'ispirazione di Baldassare Castiglion e il genio di Rafael è salito alla vera perfezione, ha trovato la personificazione più integrale e completa in esso.

Su tutti i lati, queste figure sono circondate da gruppi di filosofi, scienziati e studenti. Hanno avidamente ascoltato la disputa di due grandi insegnanti, altri sono impegnati con le loro dispute. Sollievo speciale acquisito caratteristiche di recitazione.

Scuole diverse appaiono qui. Pitagora, Eraclit, Democrito, Socrate, ecc. È impossibile elencare tutte le pose vive ed espressive qui.

L'intero quadro è un mondo intero di scienza, filosofia e sarà sempre deliziato e sorprendentemente lo spettatore della bellezza insolita del tutto armonico e sdraiata su di esso il sigillo dell'Autore ispirato.

Come prima, un posto importante nel tema di Raffaello è stato occupato dall'immagine della Madonna. La Madonna fiorentina Rafael è anche bella, bella, toccata e affascinante giovani madri. Madonne create da lui a Roma, cioè nel periodo di completa maturità artistica, acquisire altre caratteristiche. Questo è già i signori, le dee del bene e della bellezza, che migliorano il mondo che l'armonia spiritualizzata, che si esprimono. "Madonna in una sedia", "Madonna con pesce", "Madonna del Foligno" e altri, significano una nuova ricerca di Rafael, la sua strada verso la perfezione nella forma di realizzazione dell'immagine ideale della Madonna.

"Sicstinskaya Madonna" (così chiamata con il nome del monastero per il quale è stata scritta questa immagine altare) è la foto più famosa di Raffaello.

Maria va sulle nuvole, portando il suo figlio. La gloria non è enfatizzata da nulla. Gambe di Bosa. Ma come una signora la incontra, tenendo le ginocchia, Papa Sikst, vestita di un passaggio; Santo Varbara abbassa gli occhi con soggezione, e due angeli precipitano gli occhi sognanti pensierosi.

Lei va a persone, giovani e ingrandendo, qualcosa di ansioso saltando nella sua anima; Il vento pioli i capelli di un bambino, ei suoi occhi ci guardano, come se vedesse il suo destino, e il destino di tutta la razza umana.

Questa non è una realtà, ma uno spettacolo. Non c'è da stupirsi che l'artista stesso allargava la tenda pesante nella foto. Lo spettacolo, trasformando la realtà nella grandezza delle cose, della saggezza e della bellezza, lo spettacolo che torreggia l'anima della sua assoluta armonia, conquistando e la raffinata, la maggior parte dello spettacolo che ha desideroso e guadagnato, infine, l'Italia è un'alta rinascita in un sogno il miglior mondo.

Nella vista della stessa sequenza Madonna c'è qualcosa che come se ci permetta di esaminare la sua anima. Non sembrava da noi, ma da o attraverso di noi, - c'è un'ombra di ansia e l'espressione che appare in una persona quando si apre il suo destino. Il dramma dell'immagine della madre è condiviso nella sua unità con l'immagine del Bambino di Cristo, che l'artista ha dotato una gravità senza senso e la svolta.

Sicstinskaya Madonna dà un esempio visivo inerente alle immagini Rafaelevsky di movimenti e gesti. Nel movimento delle sue mani portando un bambino, una raffica istintiva della madre, premendo il bambino, è indovinato, e allo stesso tempo la sensazione che suo figlio non appartenga solo a lei che è sacrificata alle persone.

Rafael ha disegnato l'immagine della Madonna dalla stretta sfera delle viste cattoliche e l'ha attraversata in carne e sangue. D'altra parte, nella bellezza dell'uomo, ha trovato una divinità.

Lo stato dell'anima che ha già lasciato la terra e un cielo decente, c'è una sensazione profonda e costante, un elevato, che ha iniziato il mistero del cielo, la felicità silenziosa e immutabile che tutto si trova in parole: mi sento e conoscere!

"Sikstinskaya Madonna" - l'incarnazione dell'ideale della bellezza e del bene, che ha improvvisamente ispirato vagamente la coscienza del popolo nell'età di Raffaello e che Rafael espresse fino alla fine, diffondendo la tenda, quella che separa la vita quotidiana dal sogno ispirato, e Ha mostrato questo ideale per la pace, tutti noi e quelli che ci vengono dopo di noi.

La creatività di Rafael ha avuto una grande influenza sullo sviluppo della pittura europea. Parole giuste appartenenti ad un amico dell'artista Castiglione: "Ha concluso la sua prima vita: la sua seconda vita - nella sua fama postumo - continuerà per sempre nelle sue opere e che gli scienziati diranno nella sua lode".

Università tecnologica dello stato del Caucaso del Nord

SAGGIO

Sull'argomento: "La storia dell'idea dell'umanesimo"

Gruppo dello studente ACSU 01-2

Barasheva Vasily.

Vladikavkaz, 2001.

Il termine "umanesimo" viene dal latino "umanitas" (umanità), che era ancora nella I B. AVANTI CRISTO. Famoso altoparlante romano Cicerone (106-43 aC. ER). Per lui, l'umanitas è l'educazione e l'educazione di una persona che contribuisce alla sua elevazione.

Il principio dell'umanesimo destinato ad attribuire a una persona come un valore più alto, il rispetto della dignità di ogni personalità, il suo diritto alla vita, lo sviluppo libero, la realizzazione delle loro abilità e desiderio di felicità. L'umanesimo implica il riconoscimento di tutti i diritti umani fondamentali, approva il beneficio della personalità come un criterio più elevato per valutare qualsiasi attività sociale.

Come un tratto della cultura mondiale, l'umanesimo si è manifestato nel mondo antico. Già dall'era del regno antico in Egitto (III Millennium BC) a noi ci ha raggiunto il tipo di iscrizioni dei sacerdoti della Sheshi: "Ho salvato lo sfortunato dal più forte ... Ho dato il pane affamato, la veste nuda . Ho trasportato la barca senza averla. Ho seppellito non avendo il mio figlio ... "Un gran numero di testi simili indica l'esistenza di un forte getto umanistico, permeando la cultura dell'antico Egitto.

Gli antichi egizi riuscì a sviluppare meravigliosi principi del comportamento morale di un individuo, umanesimo. I libri di saggezza Amenmona testimoniano un livello molto elevato di moralità. Nella cultura antica egiziana, tutto è immerso nell'atmosfera della religiosità, ma allo stesso tempo, tutti allo stesso tempo ha radici potenti nelle profondità di puro umanità.

Come direzione in coltura, l'umanesimo sorto nel XIV secolo in Italia e diffuso nell'Europa occidentale dal XV secolo. Revival, o Rinascimento (da p. Renaitre - Reborn) è diventato una delle epoche più luminose nello sviluppo della cultura europea, coprendo quasi tre secoli dal centro del XIV secolo. fino ai primi decenni del XVII secolo. Era l'era di grandi cambiamenti nella storia dei popoli dell'Europa. Sotto le condizioni di alto livello di civiltà della città, il processo dell'origine delle relazioni capitaliste e la crisi del feudalesimo è iniziata, è iniziata le nazioni e la creazione di grandi stati nazionali, c'era una nuova forma di sistema politico - una monarchia assoluta, Sono stati formati nuovi gruppi pubblici di borghesia e la persona di lavoro assuncata. Il mondo spirituale dell'uomo è cambiato. L'uomo rinascimentale è stato coperto dalla sete di autoaffermazione, grandi risultati, coinvolti attivamente nella vita pubblica, ri-aprì il mondo della natura, cercava di comprendere profondamente, ammirato la sua bellezza. Per la cultura del Rinascimento, la percezione laica e la comprensione del mondo sono caratterizzate, l'approvazione del valore della Terra Essere, la grandezza della mente e le capacità creative di una persona, la dignità dell'individuo. La base ideologica della cultura del Rinascimento era l'umanesimo.

Gli umanisti si sono opposti alla dittatura della Chiesa cattolica nella vita spirituale della società. Hanno criticato il metodo della scienza scolastica, basata sulla logica formale (dialettica), respingeva il suo dogmatismo e la fede nelle autorità, schiacciando in tal modo il percorso per lo sviluppo libero del pensiero scientifico. Inizialmente, si è manifestato sotto forma di protezione dei valori secolari contro l'oppressione dalla Chiesa medievale ascetica. In alcune università italiane, sono tornati in un semi-libero e respinto nel Medioevo un antico patrimonio culturale e scientifico. Nel migliorare la natura spirituale umana, il ruolo principale è stato assegnato un complesso di discipline costituito da grammatica, retorica, poesia, storia, etica. Sono state queste discipline che sono diventate la base teorica della cultura rinascimentale e ottenne il nome "Studia Humanitatis" (discipline umanitarie). Il concetto latino di "umanitas" intendeva quindi il desiderio di sviluppare dignità umana, contrariamente alla precisione a lungo termine del valore di tutto ciò che è associato alla vita umana. L'ideale è stato visto in armonia tra illuminato e attività.

Gli umanisti hanno chiesto lo studio della cultura antica, che la chiesa ha negato come pagano, percependo da esso solo che non contraddice la dottrina cristiana. Il restauro dell'antico patrimonio non era per loro di per sé, ma è servito come base per risolvere i problemi topici della modernità, per costruire una nuova cultura. L'origine della letteratura rinascimentale nella seconda metà del XIV secolo. Associato ai nomi di Francesco Petrorski e Giovanni Boccaccio. Hanno sostenuto le idee umanistiche della dignità dell'individuo, non lo tieding non con la difficilezza, ma con gli atti valorosi dell'uomo, la sua libertà e il diritto di godersi la gioia della vita terrena.

Il poeta e il filosofo Francesca Petrack (1304-1374) è considerato all'unanimità dall'umanesimo. Petraka era il primo grande umanista, un poeta e un cittadino che riuscì a trascurare l'integrità della previsione del pensiero e combinarli nella sintesi poetica, che divenne il programma delle imminenti generazioni europee. Con il suo lavoro, è riuscito ad instillare in questa imminente generazione della coscienza occidentale e dell'Europa dell'Europa - anche se non sempre un chiaro - alcune unità spirituali e culturali, la cui beneficialità colpisce il nostro secolo moderno.

Nel suo lavoro - l'inizio di molti percorsi che lo sviluppo della cultura rinascimentale in Italia è andata. Nel trattato "sull'ignoranza dei suoi stessi e molti altri", respinge fortemente una borsa di studio scolastica intrinseca, in relazione al quale proclama la sua presunta ignoranza, perché considera una tale borsa di studio di un uomo completamente inutile del suo tempo.

Nel trattato menzionato, si manifesta un approccio fondamentalmente nuovo alla valutazione di un antico patrimonio. Secondo Petrarca, vieni ad una nuova fioritura della letteratura, arte, la scienza consentirà l'imitazione cieca dei pensieri di notevoli predecessori, ma il desiderio di salire alle altezze dell'antica cultura e allo stesso tempo ripensare e trascenderlo in qualcosa . Questa linea, programmata da Petrarca, è diventata conducendo contro l'umanesimo all'antico patrimonio.

Il primo umanista credeva che il contenuto della filosofia genuina dovrebbe essere la scienza dell'uomo, e in tutto il suo lavoro suona una chiamata per riorientare la filosofia su questo valore degno di conoscenza.

I suoi argomenti di Petraque deposero la fondazione per la formazione di un'auto-consapevolezza personale del Rinascimento. In diverse epoche, la personalità è consapevole di se stessi in modi diversi. La persona medievale è stata percepita dal più prezioso come una persona, più il suo comportamento corrispondeva agli standard adottati nella società. Si è sostenuto attraverso l'inclusione più attiva nel gruppo sociale, alla Corporation, in un ordine non valido è un valore pubblico che richiede dall'individuo. L'uomo rinascimentale rifiuta gradualmente i concetti medievali universali, riferendosi a uno specifico individuo.

Gli umanisti producono un nuovo approccio alla comprensione di una persona in cui è svolto il concetto di attività un ruolo enorme. Il valore della personalità umana è determinato non per origine o affiliazione sociale, ma il merito personale e la fecondità delle sue attività.

La vivida forma di realizzazione di questo approccio può servire, ad esempio, le attività versatili dei famosi battisti dell'umanista Leona Alberta (1404-1472). Era un architetto, un pittore, l'autore dei trattati sull'arte, formulato i principi della composizione pittorica - l'equilibrio e la simmetria del colore, dei gesti e dei personaggi pose. Secondo Albert, una persona è in grado di sconfiggere la vicinanza del destino solo con la propria attività. "Sconfiggi facilmente colui che non vuole essere sconfitto. Tollera il capo del destino che è usato per obbedire. "

Pensiero umanistico della seconda metà del XV secolo. Era arricchito con nuove idee, il più importante del quale era l'idea della dignità della persona, indicando le proprietà speciali di una persona rispetto ad altre creature e la sua particolare posizione nel mondo. Giovanni Pico della Mirandola (1463-1494) Nel suo luminoso "discorso sulla dignità di una persona" lo colloca nel centro del mondo:

"Non ti diamo, su Adam, né del tuo posto, nessuna immagine definitiva, né doveri speciali, per il luogo, e la persona, e le mansioni che hai a tua richiesta, secondo la tua volontà e la tua decisione".

È sostenuto che Dio (contrario alla Chiesa dogma) non ha creato una persona nella sua immagine e somiglianza, ma gli ha fornito l'opportunità di creare se stesso. Il culmine dell'antropocentrismo umanistico diventa l'idea di Pico che la dignità di una persona è conclusa nella sua libertà: può essere colui che desidera.

Glorificando il potere di una persona e della sua grandezza, ammirando le sue incredibili creazioni, il pensiero dell'era rinascita inevitabilmente arrivò al riavvicinamento di una persona con Dio.

"Una persona addomesticato e vince il mare, conosce il periodo di tempo ... Inoltre, gira la notte con una lampada del giorno. Infine, la divinità di una persona rivela la nostra magia. Crea meraviglie con le mani, come quelle che possono creare la natura e quelle che solo Dio può creare ".

In tale ragionamento, Dzhannozzo Manetti (1396-1472), Martyo Fechino (1433-1499), Tommaso Campanella (1568-1639), Pico (1463-1494), ecc. Le caratteristiche più importanti dell'antropocentrismo umanistico si sono manifestate - una tendenza per Deifica uomo.

Tuttavia, gli umanisti non erano né eretici né atei. Al contrario, nella maggioranza travolgente rimasero credenti. Ma se una visione del mondo cristiana sosteneva che Dio dovrebbe essere in primo luogo, e poi un uomo, gli umanisti avanzarono una persona alla ribalta, e poi parlava di Dio.

La presenza di Dio nella filosofia di persino i pensatori più radicalmente conquistati del Rinascimento fu imposto allo stesso tempo un atteggiamento critico nei confronti della Chiesa come istituto sociale. La visione del mondo umanistico, quindi, comprende anticlericali (dal lat. Vista anti-contro, clericalis - chiesa), cioè le opinioni dirette contro le rivendicazioni della Chiesa e il clero per il dominio nella società.

Negli scritti di Lorenzo Valya, Leonardo Bruni (1374-1444), Pozho Bracolini (1380-1459), Erasca Rotterdam (1469-1536) e altri contengono spettacoli contro il potere secolare dei padri romani, esposizione all'ammissibilità dei ministri del Chiesa e depravazione morale del monachesimo. Tuttavia, ciò non ha impedito che molti umanisti diventino servitori della Chiesa, e due di loro sono Tommaso Parentachelli e Enia Silvio Piccolomini - anche furono eretti nel XV secolo. sul trono papale.

Devo dire che fino alla metà del XVI secolo. Pursuit di umanisti della Chiesa cattolica - il fenomeno è estremamente raro. I sostenitori della nuova cultura laica non avevano paura dei fuochi dell'inquisizione e sono stati ascoltati dei buoni cristiani. E solo la Riforma - (da Lat.Reformatio - Trasformazione) Movimento per l'aggiornamento della fede, indirizzata al Papato - ha costretto la Chiesa per andare all'offensiva.

Relazione relazioni e rinascimento contraddittorie. Da un lato, gli umanisti del Rinascimento e dei rappresentanti della Riforma della Antipara per Scholastics, la sete di rinnovamento religioso, l'idea di tornare alle origini (in un caso - ad antico, nell'altro - a Evangelico). D'altra parte, la Riforma è una protesta contro l'esaltazione rinascimentale di una persona.

In totale, questa incoerenza si manifesta rispetto ai punti di vista del team generico della Riforma di Martin Lutero e dell'Erasma dell'Umanità olandese Rotterdam. I pensieri di Erasma spesso riecheggiano con gli argomenti di Lutero: questo è un aspetto sarcastico ai privilegi dei gerarchi cattolici e osservazioni pungenti sull'immagine dei pensieri dei teologi romani. Ma si disperdono in relazione alla libertà di volontà. Lutero difese l'idea che una persona non avesse nulla di fronte a Dio, né alla dignità. Solo se una persona si rende conto che non può essere il creatore del suo destino, può scappare. E l'unica e sufficiente condizione di salvezza è la fede. Per l'erasma, la libertà umana significava non meno di Dio. La Scrittura per lui è una chiamata affrontata da Dio a una persona, e quest'ultimo risponderà a lui o no.

Ad ogni modo, l'era del Rinascimento, sostituita dal Medioevo, "toccato" l'etica cristiana e ha contribuito all'ulteriore sviluppo dell'umanesimo.

Lo sviluppo di idee dell'umanismo in Russia.

Già ai primi significativi poeti russi del XVIII secolo - Lomonosov e Derzhavin - troviamo il nazionalismo secolari, collegato all'umanismismo. Non c'è più il Santo Rus, ma il grande Rus li ispira; Eros National, l'uso della magnitudine della Russia riguarda l'esistenza empirica della Russia al di fuori di tutta la giustificazione storiosofica. In questo appello alla Russia, c'è, naturalmente, la reazione contro il cieco culto dell'ovest e l'atteggiamento sprezzante nei confronti dell'intero russo, che era così vivacemente manifestato nella tenuta russa. Lomonosov era un patriota caldo e credeva che:

Può possedere Platonov.

E una rapida mente di sciocchezze

La terra russa partorisce.

Derzhavin, il vero "cantante della gloria russa", protegge la libertà e la dignità dell'uomo; Nei versi scritti sulla nascita del nipote di Catherine II (il futuro dell'imperatore Alexander I), esclama:

Se le passioni del tuo Signore,

Questo motivo del puro umanesimo è sempre più il nucleo di cristallizzazione della nuova ideologia. Per non fermarti in materiale incommensurabile, qui siamo collegati, dimoremo solo ai due brillanti rappresentanti dell'umanesimo russo del XVIII secolo - Novikov e Radishchev.

Novikov (1744-1818) è nato nella famiglia di un povero proprietario terriero, ha ricevuto una formazione piuttosto debole della casa, ma molto lavorato sulla sua auto-educazione. A 25 anni, ha preso la pubblicazione della rivista ("drone"), in cui si è manifestata con un uomo di un grande pubblico, un appassionato accusatore di vari innocenti della vita russa, un idealista caldo. Combattere con culto cieco dell'ovest, ridicando la crudele morale della vita russa di quel tempo, il nuovo dolore scrive sul gravit dei contadini russi. Il lavoro del pensiero era sotto il segno della reazione agli anni "Wessengers" e lo sviluppo di una nuova autocoscienza nazionale. Ma nell'umanesimo del XVIII secolo, i russi iniziano sempre più a spostare la principale importanza della moralità e persino predicato il campionato della moralità sulla mente. Nei sogni pedagogici, così vicini in Russia del XVIII secolo al piano utopico per la creazione di una nuova razza di persone, "lo sviluppo di un cuore esistente", e non motivo, lo sviluppo di "intonificante del bene" è stato proposto al primo posto. Fonvizyn nel "poco costoso" esprime tale Aborismo: "La mente, dal momento che è solo la mente, - il cinturino molto; il prezzo diretto della mente dà riluttanza". In queste parole, il moralismo è in genere espresso, come una nuova caratteristica della coscienza russa.

Passiamo ad un'altra luminosa espressiva dell 'umanesimo russo del XVIII secolo - A. N. Radishchev, da cui troveremo ancora più contenuti filosofici.

Il nome di Radishchev è circondato da un alone di martirio (anche come Novikov), ma, inoltre, per le generazioni successive dell'Intelligianza russa, Raishchev divenne una specie di banner, come un umanista luminoso e radicale, come un hot sostenterlo di un primato di un problema sociale.

Di fronte a Raishchev, abbiamo a che fare con un serio pensatore, che sotto altre condizioni potrebbe dare un sacco di preziosi nella regione filosofica, ma il suo destino era sfavorevole. La creatività di Radishchev ha ricevuto l'illuminazione unilaterale nelle generazioni successive - si è trasformato in un "eroe" del movimento radicale russo, in un brillante combattente per la liberazione dei contadini, un rappresentante del nazionalismo rivoluzionario russo. Tutto questo, ovviamente, era in esso; Il nazionalismo russo, e prima che sia secolarizzato, Radishchev assorbe le conclusioni radicali della "legge naturale", diventa un sedilerio di quell'enzima rivoluzionario che si manifesta per la prima volta da Rousseau per la prima volta.

Il destino pesante di Radishchev gli dà il diritto all'attenzione esclusiva degli storici del movimento nazionale russo nel XVIII secolo - è indubbiamente la cima di questo movimento, come un rappresentante luminoso e caldo del radicalismo. La secolarizzazione del pensiero era in Russia il XVIII secolo molto rapidamente e ha portato al radicalismo laico dei discendenti di coloro che erano abituati al radicalismo della Chiesa. Radishchev più luminoso di altri, in qualche modo più di altri si affidarono alle idee della legge naturale, che nel XVIII secolo si fermò con la Russia, con critiche del moderno inappropriato. Ma, naturalmente, Radishchev non è solo in questo - è solo più luminoso di altri ha espresso una nuova ideologia, ha approvato fulfiguamente il primato di un argomento sociale e morale nella costruzione di una nuova ideologia. Ma Radishcheva deve essere inserito principalmente in relazione all'ultimo compito - con lo sviluppo di ideologia libera, extracurrica e secolarizzata. La conferma filosofica di questa ideologia è stata sulla coda - e il Radishchev cerca prima di dare una sua sostanza indipendente (ovviamente, affidarsi ai pensatori dell'ovest, ma loro sintetizzandoli a modo loro). Sviluppare all'interno dei confini del nazionalismo e dell'umanesimo, Radishchev penetrerà la calda Pathos della libertà e il restauro dell'ordine "naturale" delle cose.

Nella mobilitazione spirituale delle forze creative della Russia ha svolto un enorme ruolo della Massoneria russa dei XVIII e dei primi secoli XIX. Da un lato, attraeva persone che cercano un contrappeso alle correnti atei del XVIII secolo, e in questo senso, l'espressione delle esigenze religiose del popolo russo di questo periodo. D'altra parte, la Massoneria, la fascia con il loro idealismo e nobili sogni umanisti di servire l'umanità, per sé il fenomeno dell'estinzione della religiosità, libera da tutta l'autorità della Chiesa. Catturando gli strati significativi della società russa, la Massoneria, indubbiamente sollevato movimenti creativi nella doccia, era una scuola di umanesimo e allo stesso tempo risvegliava gli interessi mentali. Dando lo spirito ampio e dall'aspetto libero, la Massoneria licenziata dalla convalida russa superficiale e volgare.

L'umanesimo che mangia dalla Massoneria, accediamo già alla figura N. I. Novikov. La base di questo umanesimo era la reazione contro l'intellettualismo unilaterale dell'era. L'amata formula era l'idea qui che "l'illuminazione senza un ideale morale porta il veleno". Qui, naturalmente, c'è una vicinanza alla predicazione di Rousseau, per cantare sentimenti - ma c'è un'eco e la corrente nell'Europa occidentale, che era associata a moralisti inglesi, con la formazione di una "persona estetica" (specialmente in Inghilterra e Germania), cioè con tutto ciò che ha preceduto la comparsa del romanticismo in Europa. Ma qui, naturalmente, ha influenzato i vari flussi occulti, sollevò la testa appena in mezzo all'illuminazione europea. Nell'umanesimo russo associato alla Massoneria, i motivi sono stati giocati puramente morali. A questo proposito, l'umanesimo del XVIII secolo è in una stretta connessione con la patimonia morale del giornalismo russo del XIX secolo.

Passando alle tendenze religiose e filosofiche in Massoneria, notiamo che la Massoneria si applica dal nostro secolo di Mid-XVIII - al regno di Elizabeth. La società più alta russa di questo periodo è già stata finalmente allontanata dalla sua antichità nativa. Alcuni di loro erano appassionati di "freddezza" economica, come esprimevano i Boltons, qualcuno è andato agli interessi nazionalisti, in puro umanesimo, occasionalmente - in formazione scientifica (specialmente la storia russa). Ma c'erano persone e altri magazzini che avevano richieste spirituali e ha sperimentato dolorosamente il vuoto creato con una partenza dalla coscienza della Chiesa. I successi della Massoneria nella Società russa hanno dimostrato che c'erano molte persone simili: la Massoneria li ha aperti la via per una vita spirituale concentrata, per un idealismo serio e genuino e persino alla vita religiosa (fuori dalla Chiesa, tuttavia). Nella traduzione e nella letteratura originale massonica, il principale tema religioso e filosofico è abbastanza chiaro: la dottrina della vita più intima nell'uomo, sul senso più intimo della vita in generale. Qui, interesse teorico e pratico si è fuso insieme; L'attrattiva speciale di questo mystifsi è stata attaccata alla sua indipendenza dalla dottrina ufficiale della Chiesa, e allo stesso tempo, ovvia superiorità, rispetto agli insegnamenti scientifici e filosofici a piedi dell'era. Per la società russa, gli insegnamenti, che sono stati aperti in muratura, sono stati dimostrati dalla manifestazione di precisamente - nel suo flusso più profondo. La massoneria, come l'intera cultura secolarizzata, creduta nella "età dell'oro di fronte", per progredire, ha definito la creatività, alla "filantropia". Nella massoneria russa, sono state formate tutte le caratteristiche principali del futuro intelligentia intelligentia "avanzato" - e in primo luogo c'era un primato di moralità e la coscienza del debito per servire la società, in generale idealismo pratico. Era il percorso della vita ideologica e l'ideale per servire efficace.

Nella moderna filosofia, con cambiamenti nella vita e nei pensieri, che si sono verificati dalla fine del XIX secolo con un'accelerazione crescente, molti principi, compreso l'umanesimo classico, sono stati interrogati.

Il peculiare umanesimo della nuova ondata sembra essere la filosofia dell'esistenzialismo (da LateLatinsky Existentia - esistenza). Martin Heidegger divenne il padre del pensiero esistenziale per il moderno esistenzialismo. Aveva un'influenza decisiva sull'esistenzialismo francese.

La tesi centrale dell'esistenzialismo è la dichiarazione secondo cui "Essenza dell'essere umano è la eksistenza, in un crimine", in uscita di tutte le altre creature e .. Questo significa non solo quello che volevo mostrare Sartre nella composizione "L'esistenzialismo è L'umanesimo, "una persona è aperta al mondo, e non aprendo la predestinabilità ... ma anche che dentro di sé è una persona - una costante pre-passo, una confusione infinita.

Hydegger si oppone al suo concetto al tradizionale umanesimo in forma razionale e ottimistica dei secoli XVIII-XIX, nonché la forma dogmatica di approvazione dei valori invariati. Tuttavia, l'umanesimo, confuta non nel nome dell'antigumanismo, ma nel nome della eksistence di una persona, la sua incompletezza, la sua conoscenza creativa.

Esistenzialismo - la filosofia di duro e sobria, al centro della sua ricerca costa una persona che è diventata l'esperienza di due guerre mondiali ideologia ostili, una persona le cui forze solo sufficienti da esistere e perseguire l'unico obiettivo: esternamente e internamente affronta il peso del suo destino.

L'umanesimo ha portato al riconoscimento del pensiero etico dell'intrinsieme della persona umana e della vita terrena. Quindi, le idee della felicità, della giustizia e della parità di persone sono state gradualmente sviluppate. Volto o involontariamente, ma la corrente umanistica del Rinascimento ha contribuito all'approvazione dei diritti personali e, in particolare, riconoscendo il diritto a una vita felice. Non è essere sorpreso che in futuro, l'umanesimo fosse stato biologico organicamente trasformato nell'umanità, promuovendo la morbidezza nelle relazioni, nella compassione, nella misericordia, della cordialità e con il tempo e la tolleranza per i dissidenti. Molti flussi filosofici hanno assorbito caratteristiche dell'umanesimo. L'umanesimo come fenomeno si è rivelato un sistema di viste storicamente cambiato. Osservare nell'arte, ha aperto la strada per la scienza, la rivoluzione scientifica e tecnica, ha contribuito al boom economico, all'istruzione, alle trasformazioni sociali e alle rivoluzioni.

Lista di referenze:

1. L.m.BrArna "socialmente - le opinioni etiche della gomma italiana

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4. Estetica. Vocabolario. Politicizzazione, M., 1989

· Orientamento anti-carbonio;

· Il riconoscimento di una persona con un'unità armoniosa di corporali e spirituali è iniziata, mente e passione;

· Capire una persona come attività, persona attiva;

· Riconoscimento della libertà di mente e dei pensieri;

· Riconoscimento della creatività della più alta manifestazione delle abilità umane;

· View ottimista del mondo, desiderio per la completezza della vita.

"Le" menti talentose, irrequiete, senza sbrinaroste, lavorando rapidamente, sono proibitivamente orgogliose, mai soddisfatte, con discorsi stoici nella lingua, ma caddero sui soldi, sul bene della vita, per gli onori e il rispetto, l'imbarazzo non imbarazzante per il più nobile e ricco, vizialmente rivale Tra loro "- tali è il ritratto di queste nuove persone di razza, chiamato orgogliosamente gli umanisti (A.Stepanov).

F. Petrack, il padre spirituale degli umanisti, esclamò: "Per quanto l'eloquenza è più costosa della vita stessa per tutti noi, ruotando nella polvere del Polista letterario, ci sforziamo di gloria così forte della virtù!" .

Le idee dell'umanesimo che le sue qualità personali sono importanti nell'uomo, come la mente, l'energia creativa, l'impresa, il sentimento di autostima, la volontà e l'educazione, e non uno status sociale e un'origine, diventerà la base della cultura del nuovo tempo.

La prova di nuove opinioni su una persona è persino il nome dei trattati del Rinascimento: "A vantaggio del vantaggio dell'uomo" (FAZIO) o "discorso sulla dignità di una persona" (Pico della Mirandol) (per il confronto, puoi Richiama il messaggio medievale del Papa Romano: "sulla negligenza della condizione umana").

Un esempio di una nuova personalità può servire come filosofo-umanista italiano Pico della Mirandola (1463 - 1494). All'età di 20 anni, conosceva 28 lingue, e la sua convinzione nell'infinito della mente umana e la sua educazione è stata così grande che ha accettato di invitare 20 persone intelligenti da tutto il mondo per rispondere al 700 dei problemi più difficili. Tale fiducia in se stessi non conosceva la cultura europea, soprattutto dopo mille anni di rifiuto di una persona medievale.

L'era del Rinascimento ha portato la logica per una tale esaltazione dell'uomo. Pico della Mirandol in un nuovo modo ha interpretato la storia di creare un uomo da Dio: avendo creato un uomo e "... mettendolo nel centro del mondo, Dio si rivolse a lui con parole come parole:" Non ti diamo, A proposito di Adamo, né un certo posto, nessuna modalità, né obblighi speciali in modo che il luogo e il volto e il dovere che hai a tua richiesta, secondo la tua volontà e la tua decisione. "

La libertà e l'indipendenza sono state dichiarate, quindi, le caratteristiche inalienabili di una persona, ma ancora più significativa è stata il pensiero dell'uomo come il centro del mondo. Era lei che è diventata la base della nuova visione del mondo - antropocentrismo, secondo cui la persona era considerata il più alto obiettivo dell'universo.

5. Appello all'antichità.

La cultura antica è diventata l'era del rilancio della fonte di ispirazione e nuove idee. Gli umanisti videro nell'antichità campione di armonia, un ragionevole dispositivo sociale e ha cercato di avvicinarsi alla globlibilità degli antichi. Ritorna ai risultati dimenticati della cultura antica si sono verificati nel campo della scienza, della filosofia, della letteratura, dell'arte, della latino d'oro classica. Così, in Italia, i manoscritti di antichi scrittori erano voluti, rimossi dall'oblio del lavoro di un'antica scultura, architettura e sono diventati campioni per studiare e imitare (ad esempio, Michelangelo raffigura Biblical David nell'immagine di un antico eroe).

A Firenze nel XV secolo. Si è formata una Accademia di Platonev, dove il pubblico aristocratico illuminato studiò l'eloquenza, la proprietà del latino e del greco, la grazia del modo e l'arte dell'amore.

L'imitazione dell'antichità era spesso paradossale. Ad esempio, l'architetto Alberti ha creato a Rimini nel tempio gotico della tomba di una signora notabile, su cui l'iscrizione latina era: "Divae isotta Sacrum", cioè. "Divina Isa", come hanno scritto in lapidi romane. Questo esempio è molto indicativo: da un lato, l'era rinascimentale ha cercato di far rivivere l'antichità pagana, ma d'altra parte, i creatori del Rinascimento erano persone della cultura cristiana e l'antichità non poteva diventare organicamente vicina a loro.

L'era del Rinascimento era quindi l'esperienza del composto di non bisogna: culture pagane e cristiane. Un vivido esempio di tale esperienza può essere chiamato il lavoro di Botticelli, che ha raffigurato le dee pagane con i volti della Madonna.

È degno di nota a questo proposito, il punto di vista di O. Spengor, che considera l'era del rilancio da regressione culturale: l'Europa non ha creato nulla di nuovo, ma solo ripetute meccanicamente vecchie scoperte.

6. Capire la creatività.

L'era del Rinascimento non era infondata, mettendo una persona al centro del mondo, al luogo di Dio. I pensatori rinascimentali hanno scoperto che prove convincenti: una persona è come Dio, perché È in grado di creare. La capacità di lavorare è diventata per l'era della rinascita del principale vantaggio dell'uomo. La creatività è stata valutata sopra la ricchezza e i titoli (una peculiarità dell'umanesimo può essere definita una sorta di ostilità al potere dell'oro e della ricchezza).

Un sacco di esempi di riconoscimento per l'artista dello status più alto rappresenta il Rinascimento, tra i quali Jotto, che si è permesso essere appassionato e commenta il re napoletano, o Michelangelo, la cui fama era così grande che il suo nome non aveva bisogno di titoli e persino i nomi.

L'ideale del Rinascimento è una persona - il Creatore, un genio universale, che non conosce i confini, cercando di coprire l'impossibile, unire il divino e l'umano. Un esempio è Michelangelo, che, come il creatore, crea un nuovo mondo negli affreschi della cappella sistina. Tale comprensione dell'uomo ha ricevuto il nome del titanio rianimato. L'esempio migliore è la figura Leonardo Da Vinci.

Nel suo lavoro, sembrava gareggiato con la natura e il Creatore, come se progettato e costruito il mondo dal caos della natura. La sua "joconda" è un esempio di "più alta sintesi" basata su tutta la conoscenza della natura e dell'uomo. Quando lo spettatore sta cercando di metterlo con certe emozioni o è attribuita a suo o altro stato di stato, distrugge il design di Leonardo: per Leonardo, queste categorie di pastelli; Etica, anima, fede è troppo umana. La sua intenzione è prevista - tutto immediatamente e niente in particolare: personalità, età e pavimento di Joconda (c'è una versione che è autoritratto Leonardo in giovane età e l'immagine di una donna), ora del giorno, del tempo dell'anno, La geografia del paesaggio e persino la sua origine terrena rimane una domanda per lo spettatore. "Mona Lisa sorride come l'universo stesso" (A.yakimovich).

7. "Il retro del titanismo".

Senza precedenti all'era della rinascita del tentativo dell'artista di superare la natura si girò e un tentativo di superare la persona. La "tentazione satanica" ha chiamato questo ricercatore di cultura A.f. Solev e vide la manifestazione dell'idoranismo nelle idee rianimate.

In effetti, la realtà quotidiana dell'era ha profondamente particolarmente particolarmente le idee degli umanisti sulla libertà umana. La libertà non limitata è diventata permissività e disprezzo per tutti i tipi di norme morali. Ci sono molti esempi. Per la vendetta nelle chiese avvelenate ciotole con acqua santa. Papa Alexander iv stesso veleno avvelenato accidentalmente la propria preparazione. Le orge sono state organizzate nella residenza del Papa romano, i papà romani con un fermo sono andati a caccia. I sacerdoti erano vietati "per il sapore di denaro da fare da parte degli amici delle prostitute", i monaci si stavano indulgendo in orgiy e gli scrittori hanno confrontato i monasteri con i vertici. Il re napoletano di Ferrande ha mantenuto i suoi nemici nelle cellule, rifiutati, uccisi, li ha catturati e serviva i suoi nemici al tavolo, e Ferrarsky Duke era abituato a camminare sulla città nuda. "Il lato girevole del titanismo" ha chiamato questo A.F. Solev.

L'antichità ha dato una base peculiare per la doppia moralità: appoggiarsi, guardando attraverso circostanze, poi su Christian, poi sulle autorità antiche, una persona rinascimentale potrebbe facilmente giustificare qualsiasi pensiero, qualsiasi atto.

Antipode dell'umanesimo è diventato, infatti, le opinioni del pensatore italiano Nikolo Makiavelli. (1469-1527), giustificando l'uso di qualsiasi mezzo per raggiungere l'obiettivo. Machiavelli nel suo libro "Sovrano" ha espresso l'idea che il politico fosse libero dai proibizioni della moralità, confrontandolo con un centauro: "un nuovo stato ha bisogno di possedere la natura della bestia e di una persona". Questa è stata la prima consapevolezza della tragica contraddizione tra la moralità universale e gli interessi politici.

L'auto-denial del rilancio dell'umanismismo era anche le idee dell'umanista inglese di Thomas Moura (1478-1535) e il filosofo italiano Tommaso Campanella (1568-1639), che ha visto l'ideale dell'armonia sociale nella società costruita lungo un sistema gerarchico rigido regolando tutte le sfere della vita. Successivamente, questo modello sarà chiamato "Barrage Communism". Nel cuore di questa metamorfosi risiede una sensazione abbastanza profonda di pensatori della rinascita della duplice natura della libertà.

L'epoca rinascita italiana è convenzionalmente suddivisa in un certo numero di fasi:

Pratinessans (Kripoto) - la fine dei secoli XIII - XIV.

Prima rinascita (Quattrici) - XV secolo.

High Revival (Ginkovento) -1 mezzo XVIV.

Più tardi rinascita - 2 mezza XVI - l'inizio dei secoli XVII.

Prastoresans. (Il periodo XIII - l'inizio dei secoli XIV) in gran parte preparato il terreno per l'arte del revival. Questo periodo è stato caratterizzato dal lavoro del grande poeta Dante Aligiery, Arnolfo Disc Cambio, Scultore Nikolae Pisano, e autore degli affreschi di Jotto di Bondone (1266/1267 - 1337) con il cui nome è il turno di arte realistica,

Rinascimento anticipato. Dal periodo dei primi rinascimenti si riferisce alla creatività letteraria Francesco Petrarca.(1304-1374). Rimase nella storia del Rinascimento come il primo umanista e un appassionato divulgazione del patrimonio del patrimonio degli autori antichi, come evidenziato dal suo trattato "sui grandi mariti dell'antichità". La fama mondiale ha ricevuto Sonnets Petrarchs sulla vita e la morte della Madonna Laura, cantando il sublime amore per una donna.

L'alunno e il seguace di Petrarca erano Brokecchetto. (1313-1375) - L'autore della collezione di romanzo realistico "Decameron", che è diventato satira sulla Chiesa, ricco di osservazioni sottili, eccellente conoscenza della psicologia, dell'umorismo e dell'ottimismo.

L'eredità di un mago eccezionale del primo rinascimento di Sandro Botticelli. (1445-1510), che lavoravano al cortile dei Medici a Firenze, distinguere un sapore sottile e l'umore di tristezza.

Scultore Donatello. (OK.1386-1466), rivivendo le antiche tradizioni, ha introdotto per la prima volta un corpo nudo nella scultura. Perché la sua arte è caratterizzata da modo realistico.

Uno dei fondatori dell'architettura Rinascimentale Philippe Bruneland. (1377-1446) rianimato gli elementi principali dell'architettura antica, ha risolto talento i compiti tecnici più complicati (la costruzione della cupola della cattedrale fiorentina), ha dato un grande contributo alla scienza fondamentale (la teoria della prospettiva lineare).

Alto Rinascimento. L'alto periodo rinascimentale era relativamente breve. È principalmente connesso con i nomi di tre maestri ingegnosi, i Titani del Rinascimento - Leonardo da Vinci, Rafael Santi e Michelangelo Buonarot. Nel lavoro di alto revival rappresentanti raggiunsero i migliori fondati realistici e umanistici della cultura rinascimentale.

Leonardo Da Vinci (1452-1519) difficilmente è uguale a se stessi secondo il grado di genuità e versatilità tra i rappresentanti del Rinascimento. Leonardo era simultaneamente un artista, teorico d'arte, scultore, architetto, matematico, fisico, meccanico, astronomo, fisiologo, botanica, un anatom, arricchendo questi e molti altri settori delle scoperte della conoscenza e deipotesi ingegnosi.

Nelle opere di Leonardo, l'universalismo dei rappresentanti del Rinascimento è stato più pienamente espresso, dove è difficile scoprire i volti taglienti tra la scienza, la finzione e l'incarnazione delle intenzioni.

Junior contemporaneo Leonardo Great Painter Italy Rafael Santia. (1483-1520) entrato nella storia della cultura mondiale come creatore di capolavori pittorici, intrisa di grazia e lirismo morbido ("Sicstinskaya Madonna"). Il Maestro è anche famoso per i dipinti delle sale paradinarie del Palazzo Vaticano (Affresco "Atene") e progetti architettonici.

L'ultimo master di alto rinascimento era Michelangelo Buonarroti. (1475-1564) - Grande scultore, pittore, architetto e poeta. Nonostante i suoi talenti versatili, è chiamato principalmente il primo drawrewrewer dell'Italia grazie al lavoro più significativo di un artista maturo - il dipinto della Sistine Capella nel Palazzo Vaticano (l'Affresco totale è di 600 metri quadrati).

Come scultore Michelangelo divenne noto grazie al suo lavoro iniziale "David". Ma il riconoscimento genuino come architetto e scultore Michelangelo acquisito come designer e a capo della costruzione della parte principale della costruzione della Cattedrale di Sant'altra Pietro a Roma, rimanendo e finora il più grande tempio cattolico del mondo. Non meno fama gli ha portato un lavoro architettonico e scultoreo a Firenze, in particolare, la composizione scultorea a Capelli Medici. Quattro figure nude sui sarcofagas del sovrano di Firenze "sera", "figlia", "mattina" e "giorno" illustrano molto intensamente la consapevolezza del maestro del limite delle caratteristiche umane, disperazione prima di una rapida torre. Questi umori tragici suonano nel poema dell'ultimo titanio del Rinascimento, scritto a nome della scultura "notte":

"Sta rafforzando dormire, c'è una pietra espressa da essere

Oh, in questa età, criminale e vergognoso,

Non vivere, non sentire - il lotto di invidiabile.
Per favore, silenziosamente, non osare svegliarmi. "

Arte di Venezia. Per il periodo di alto e tardo revival, la fioritura dell'arte a Venezia era caduta. Nella seconda metà del XVI secolo. Venezia, che ha conservato il dispositivo repubblicano, diventa una specie di oasi e il centro rinascimentale. Tra gli artisti della scuola veneziana - Georgeon. (1476-1510), Desister rispetto al suo nome, sulle tele "Judith", "Sleeping Venere", "Concerto rurale". Il più grande rappresentante della scuola veneziana - Tiziano Veerieierio. (1477 o 1487 -1576). Durante la sua vita, ha ricevuto riconoscimento in Europa. Le opere di Tiziano attraggono una decisione della novità principalmente di compiti colorati e compositi ("Little Maddalene", "Amore terreno e paradisiaco", "Venere", "Dana", "Saint Sebastian", ecc.)

Tardo rinascimentale. Il periodo tardo revival è stato notato dall'inizio della Chiesa cattolica. La chiesa ha cercato di ripristinare il potere indiviso parzialmente perso sulle menti, incoraggiando figure culturali, da un lato, e utilizzando misure repressive in merito a quello non redditizio - dall'altro. Così, molti pittori, poeti, scultori, architetti abbandonarono le idee dell'umanesimo, ereditando solo la maniera, la tecnica dei grandi maestri del Rinascimento (il cosiddetto manierismo). Tra i più grandi artisti del maschio Jacopo Pontormamo (1494-1557), Francesco Parmjanino (1503 - 1540), Angelo Brazino (1503-1572), per il quale l'ideale di freddo e allo stesso tempo sensualmente misterioso bellezza è caratteristica.

Rinascimento respinto la filosofia, basata sul concetto di una persona schiava e si è opposta a una diversa filosofia basata sul concetto di Lord Man, una persona che conosce e conquista la pace (S. D. Artamonov).

L'arte del rinascita è nata in condizioni di tempo transitorio dal feudalesimo al capitalismo. Come ulteriore approvazione delle relazioni capitaliste in Europa, la cultura del Rinascimento doveva inevitabilmente disintegrare. Il suo fiorente era associato al periodo in cui le fondamenta dello stile di vita pubblico feudale e della visione del mondo erano, specialmente nelle città, allentate a fondo, e le relazioni di borghesi-capitalista non sono state ancora formate in tutti i loro scambi, con tutte le loro sottosezione "moralità" e un'ipocrisia senz'anima.

Alla prima tappa del revival, il lavoro personale dell'artigianato, in particolare nel campo della produzione di articoli per la casa, non è stato ancora completamente insufficiente, distrutto da manubri; Un commerciante intraprendente o un banchiere non si trasformò in un'appendice senza volto nella sua capitale. Personalizzazione, coraggio, l'intraprendenza non ha ancora perso il suo significato. Pertanto, il valore della persona umana è stato determinato non tanto il "prezzo" del suo capitale, ma anche dalle sue qualità valide. La partecipazione attiva di ciascun cittadino nella vita pubblica ha creato circostanze particolarmente favorevoli per il fiorente della personalità di energia attiva, piena.

Per cambiare i criteri della moralità della Chiesa, l'ideale di un uomo del Medioevo (il monaco-asia o il guerriero-cavaliere "senza paura e rimproveri") arriva l'ideale di una persona forte brillante, lo sforzo di felicità sulla terra, coperto da un appassionato desiderio di sviluppare e approvare le capacità creative della sua natura attiva.

Enorme importanza nella formazione della cultura del Rinascimento fu l'appello al grande patrimonio dell'antichità, non completamente perso nell'Europa medievale. Paphos di cultura antica era un desiderio gioioso e appassionato per la conoscenza del mondo reale in tutto il suo fascino sensuale. Ma l'immagine di una persona di rinascita fin dall'inizio differiva più individualizzazione e concretezza psicologica rispetto all'arte di un classico antico.

Nel XVI secolo In Italia, il termine umanista è apparso per la prima volta, e nel XIX secolo. - Umanesimo (tradotto dal latino "umanità:"). I rappresentanti dei nuovi (indicazioni da parte di questi termini volevano mostrare la natura secolare dei loro ragni e letteratura, la liberazione di loro dall'ambulanza della teologia.

La bellezza dei sentimenti umani naturali, la poesia della vera vita umana è permeata da tutta l'arte del risveglio dei secoli XV-XVI.

Nell'architettura, gli ideali dell'umanesimo che affermano la vita, il desiderio di forme di bellezza armoniosamente chiari si sono manifestati nelle strutture dello scopo secolare. Municipio, loggia, fontane di mercato, case di beneficenza sono particolarmente diffuse e monumentali e il carattere laico acquistano. Un luminoso esempio di una nuova architettura di tipo può servire come una casa scolastica dell'architettura italiana Filippo Brunlellelski (1377-1446). Costruito a Firenze. È aperto in direzione della piazza del colonnato con splendidi archi semi-curvi espressa la sua amichevole e ospitalità.

Insieme all'architettura civile che serve interessi pubblici della città, c'è un tipo di architettura completamente nuovo. La dimora del ricco hamburger si trasforma in un monumentale, permeato dallo spirito della festività allegria del palazzo - Palazzo. Palazzo insieme ai municipio e alle templi, l'aspetto architettonico della città rinascimentale in Italia era in gran parte determinata.

Vi è stata una particolare importanza per cui fare appello all'antico sistema d'ordine, alla razionalità, alla logica della costruzione della struttura architettonica, l'identificazione della logica tettonica dell'edificio. La base umanistica del sistema dell'ordine, la correlazione della sua scala e proporzioni con la scala e le proporzioni del corpo umano non ha meno importante.

Lo studente e il seguace di Bruntelleski Leon Battista Alberti (1404-1472) hanno sviluppato l'uso sistematico di antico o-deris e ha dimostrato nella sua costruzione Palazzo Perechelai a Firenze Metodi del loro uso e combinazione.

È molto caratteristico di rilanciare un ampio appeal per le strutture architettoniche solenne festive, contro lo sfondo di cui agisce nelle monumentali opere scultoree e pittoresche di una persona che domina il mondo o attivamente lottando in esso per raggiungere i suoi obiettivi. Da qui e terreni, il carattere secolare, peculiare della maggior parte delle strutture della chiesa creata in Italia durante tutto il XV secolo.

Un vivido esempio di questo può servire come cattedrale di San Peter a Roma. Progettato dal grande architetto italiano Donato D "Angelo Bramte (1444-1514) sotto forma di una struttura centralizzata sotto forma di una croce greca con rami arrotondati, una potente cupola sferica su un mezzo, la cattedrale doveva rappresentare un Completamente nuovo tipo della Chiesa cattolica, dove lo spazio prevale sulla massa, creando un effetto insolito di "Airiness" e facilità di costruzione. Dopo la morte di Bramte nella costruzione della cattedrale, quasi tutti i noti architetti, situati A Roma nella prima metà del XVI secolo, è stata presa. La costruzione è particolarmente importante in relazione al desiderio di papà di rafforzare le posizioni del cattolicesimo e dello stato papale. La costruzione avrebbe dovuto eclissare le rovine del pagano Templi e gli edifici cristiani che lo precedono.

Nel 1546, la gestione della costruzione della cattedrale è stata trasferita al Great Genius del revival italiano di Michelangelo BUONAROTI (1475-1564). Nonostante molti cambiamenti portati al progetto di predecessori, Michelangelo ha raggiunto una maggiore fusione di tutta la composizione, dove lo spazio principale (la cupola centrale con il tamburo, circondata da colonnato) ha ottenuto una predominanza incondizionata di cellule secondarie della struttura (quattro piccole cupole ). Così, Michelangelo è tornato al piano centrico, che si è manifestato dalla celebrazione degli ideali umanistici.

Se in Italia, il divario con l'architettura medievale era più aperta e costantemente, poi a nord delle Alpi (Paesi Bassi, Germania), il nuovo tipo di architettura della città rinascimentale è stato creato principalmente elaborando l'architettura gotica nello spirito di maggiore armonia e aumento delle forme di festa .

Nell'era del risveglio, l'arte ha svolto un ruolo eccezionale nella cultura e determinato, in larga misura, il volto dell'era. Obiettivi separati, in competizione con l'altro, templi e piazze decorati con belle opere. Rappresentanti del ricco patriciano che dà la nascita sia dall'ambizione personale che dal calcolo politico, e dal desiderio di completare il piacere del piacere con la loro ricchezza, i magnifici palazzi eretti, costruiti costose strutture pubbliche, organizzate lussureggianti spettacoli festivi e processioni per i cittadini.

Pittori, Wawie, gli architetti, spostando lo spirito della nobile concorrenza, hanno cercato di raggiungere la massima perfezione nelle loro opere.

La caratteristica caratteristica dell'arte del Rinascimento era un fiorente fiorente senza precedenti di pittura realistica. La pittura per la prima volta rivela le possibilità di un'ampia copertura della vita, l'immagine dell'attività umana e il suo ambiente circostante.

La passione per la scienza ha contribuito alla padronanza dell'anatomia umana, lo sviluppo di una prospettiva realistica, il primo successo nel trasferire l'ambiente dell'aria, le competenze dell'angolo dell'edificio, cioè la necessaria quantità di conoscenza, che ha permesso ai pittori di rappresentare realisticamente veritosamente una persona e la realtà circostante. Pertanto, l'artista brillante Leonardo da Vinci era e un grande scienziato. E le opere dei migliori scienziati e pensatori non erano solo intrisori con lo spirito di poesia e immagini peculiari, come Francis Beckon nel suo "nuovo organone", ma spesso l'intima essenza di questi scienziati alla società è stata espressa sotto forma di fiction ("Utopia" di Thomas Mora).

Gli scienziati italiani hanno avanzato un ideale di una persona universale che ha conoscenze di base in tutte le aree della cultura. L'idea di universalismo inerente al Rinascimento ha portato al pensiero della cultura dell'universale, superando lo stretto quadro dei paesi e delle nazioni. "Colui che ha imparato tutto, non da nessun'altra parte; Anche senza stato e amici, è un cittadino di ogni città e può disprezzare in modo sicuro tutte le vicissitudini del destino ", ha scritto Hibey, uno degli umanisti del XV secolo.

L'arte del rinascita per la prima volta nella storia del realismo ha trovato il modo di creare un'immagine, che ha combinato la luminosa divulgazione dell'identità individuale della persona con l'identificazione delle qualità più tipiche e caratteristiche di una persona. Il ritratto realistico del rinascita è inestricabilmente collegato con il periodo del suo più alto periodo di massimo splendore, con i nomi di Wang Eyka, Leonardo da Vinci, Raffaello, Durera, Tiziano. Un ritratto di rinascita permeata da Paphos dell'approvazione della persona, la coscienza che la diversità e la luminosità dell'individualità di esso è la condizione necessaria per la società normalmente in via di sviluppo.

Risolvere nuovi compiti nella sua natura, la pittura ha sviluppato e migliorato i suoi mezzi tecnici. Ampio sviluppo, specialmente in Italia, in pittura monumentale ha ricevuto affresco (Jotto, Mazacho, Rafael, Michelangelo). Il mosaico è quasi completamente scomparso, raggiungendo ricchi effetti di colore, ma meno adatti alla trasmissione realistica di volumi e forme. Tempera Tecnica, specialmente nell'arte del revival precoce, raggiunge la sua massima perfezione.

Gli affreschi vaticani di Rafael appartengono ai più grandi edifici dell'arte rinascimentale. Il programma ideologico totale degli affreschi negli Stans (sale) del Vaticano, secondo il Piano di Papa Julia II, doveva essere la glorificazione dell'autorità della Chiesa cattolica e delle sue teste - il sacerdote romano.

Il tema della stazione di pittura della Senyatura (Sala firma - Le decisioni papali sono state legate qui - quattro aree dell'attività spirituale umana. La teologia rappresenta l'affresco "dispan", filosofia - "scuola di Atene", poesia - "Parnas", giustizia - "Saggezza, moderazione e potenza".

La scuola di Atene dovrebbe essere considerata il miglior affresco e il più grande lavoro di Rafael. I famosi filosofi del passato - Diogen, Zenon, Socrates, Pythagoras, Platone e Aristotele - personifica il mondo dell'energia creativa creativa in nome della libertà spirituale e della conoscenza dell'universo.

Ulteriore sviluppo della pittura di Stansova, interesse per la modellazione di forma plasticamente espressiva e anche risvegliata. 20-30. XVI in. L'interesse in uno striscio appuntito emotivamente ha causato l'arricchimento delle tecniche di pittura ad olio. Nel suo sviluppo, il Maestro del Rinascimento settentrionale è stato giocato dal Maestro del Rinascimento settentrionale: Yang Van Eyk, Rogir van Der Wayden, Boauts, Jerome Bosch, ecc.

Nel XVI secolo La tecnologia di pittura ad olio diventa dominante. I più grandi maestri di questa tecnica erano rappresentanti della scuola veneziana: Georgeon, Tiziano, Veronese, Tintoretto.

L'espansione del cerchio dei consumatori dell'arte guidata, in particolare nei paesi settentrionali dell'Europa, al fiorente dell'incisione. Migliorato dall'incisione su un albero, l'incisione di taglio del metallo PA, ha origine e raggiunge il suo primo successo. Incisione e incisione prese un posto significativo nel lavoro di Rembrandt, Durera, Golbien e Bruegel.

L'apertura e la stampa diffusa di tipografia era di grande importanza per il periodo di massimo splendore dell'incisione. L'incisione è stata ampiamente utilizzata per la decorazione e illustrante un libro stampato. Un certo numero di editori in Italia, Paesi Bassi, Germania, Francia crea pubblicazioni artistiche uniche nelle loro alte capacità. L'avvocato francese De Tu ha scritto: "La Francia è più costretta a ROBRE Etienne, un edificio di libri migliorato rispetto al più grande comandante che espandeva i suoi confini".

Per quanto riguarda il cerchio delle trame, l'arte visiva del rinascita continua principalmente a riferirsi a motivi tradizionali, sperando di miti e testicoli cristiani, che stanno ampiamente complementando le loro trame dell'antica mitologia.

Il grande artista del Rinascimento tedesco Albrecht Dürer ha scritto, riferendosi all'autorità degli antichi maestri: "Non uccidere con il male della nobile arte, che è stato trovato e accumulato con una grande difficoltà e sforzi. Dopo tutto, l'arte è grande, difficile e nobile, e possiamo trasformarlo nella gloria di Dio. Perché, come hanno dato le loro proporzioni di Apollon dell'idolo della figura umana più bella, quindi vogliamo approfittare del nostro Cristo per il Signore, il più bello in tutto il mondo ". Inoltre, Durer approva il suo diritto di incarnare l'immagine di Mary nell'aspetto della donna più bella Venere e Samson nell'aspetto di Ercole.

Essenzialmente, ciò significava un cambiamento decisivo nell'intero contenuto di vecchi grafici e motivi cristiani. La bellezza dei sentimenti umani naturali, la poesia della vita reale spostava risolutamente l'alienazione mistica delle immagini del Medioevo.

Una parte significativa delle opere scritte su argomenti religiosi avevano una destinazione di culto, cioè, era destinato a chiese e cattedrali. Ma nel suo contenuto, questi lavori sono stati sottolineati dal carattere realistico ed essenzialmente sono stati dedicati all'approvazione della bellezza terrena di una persona.

Tale è, ad esempio, la Sistina Madonna Rafael Santi (1483-1520), eseguita per il monastero di Piacere. L'insolito fascino dei contemporanei di Madonna ha designato il termine "grazia" (grazia). "Per scrivere una bellezza", dice Rafael in una delle sue lettere, "Devi vedere molte belle donne; Ma poiché le bellezze sono rare, e la giusta scelta è difficile, l'artista gode di una "qualche idea", che si sviluppa nella sua testa e che cerca di seguire ".

Tuttavia, sorgono come generi indipendenti e nascita puramente secolare di pittura: un ritratto individuale e di gruppo. Nel tardo rinascita, i generi del paesaggio e della natura morta stanno iniziando a formarsi.

Nella scultura, specialmente nello stato dedicato a figure mitologiche, bibliche, e vere, sono approvate nell'eroisano e nella forma monumentale di caratteristiche e qualità tipiche della persona di quel tempo, la forza appassionata e l'energia del suo carattere è rivelato.

Un esempio luminoso è la gigantesca statua in marmo di David (5,3 m) Michelangelo. Il grande scultore, contrario al mito biblico e alla tradizione consolidata, raffigurato questo vincitore non è un ragazzo, ma giovani, e non dopo la vittoria, ma prima della battaglia. La Commissione speciale dei più grandi artisti nel 1504 ha deciso di stabilire questa statua di fronte al palazzo della Signoria a Firenze come simbolo di ciò che i "governanti devono proteggere coraggiosamente la gente e gestirli giustamente".

L'ampia distribuzione è ottenuta da un promettente sollievo multifigure. In esso, l'artista ha combinato la chiarezza di plastica della scultura e caratteristica della pittura la profondità dello spazio promettente, ha cercato di ritrarre eventi complessi con la partecipazione di un gran numero di persone.

Un'illustrazione luminosa può essere il sollievo della "battaglia dei centauri" - uno dei primi, che è venuto da noi, opere scultorei Michelangelo. Nonostante il fatto che il lavoro sia stato eseguito dai giovani diciassette anni, in esso il principale argomento dell'arte di Michelangelo è proposto - il tema della lotta come apoteosi di una persona eroica, la sua forza e bellezza.

Se nelle fasi iniziali del rinascita, tutti i tipi di arte sono ancora strettamente correlati al mestiere artistico, allora il pittore e lo scultore del mezzo degli artigiani si verificano all'inizio dell'alto rinascita. Maestro di pittura o scultura è un artista, una personalità creativa brillante e dotata, completamente separata dal resto delle masse di artigiani. In caso di successo, è il ricco, che è un posto prominente nella società. Ma la libertà di creatività è stata nominata in sé e il pericolo di scongibilità dei destini personali, elementi di concorrenza e rivalità. La nuova posizione dell'artista nella vita pubblica ha anche tagliato il pericolo del divario tra l'arte "alta" e "artigianale".

Significativamente più tardi, questo pericolo è particolarmente influenzato dalle arti applicate. Nel periodo di rinascita, la relazione non era completamente rotta. Ad esempio, vale solo per ricordare i meravigliosi gioielli del wjaber del tardo revival dei Cellini, le attività del Frenchman Palleyi, che sono collegate nella sua faccia un grande umanista e maestro dei madri.

Non è un caso che nell'era del Rinascimento, quasi tutti i tipi di arti applicate che hanno precedentemente noto precedentemente noto sono stati ulteriormente sviluppati dal suo settore come un gioiello, un bicchiere d'arte, la pittura sulla fatania, ecc. Allegria e raffinatezza di Dipinge, eleganti forme di nobiltà, profondo senso di stile unità caratteristica dell'arte applicata del revival.

Puoi riassumere tutto quanto sopra con le parole del Great Hegel: "La rinascita delle scienze, il fiorente delle belle arti e l'apertura dell'America e la strada per Ost Uordy possono essere confrontati con il mattino Zage, che dopo una lunga tempesta per La prima volta prefigura una giornata meravigliosa. Questo giorno è stato il giorno della celebrazione dell'universalità, che, infine, viene dopo le lunghe e ricche conseguenze e la terribile notte del Medioevo. Questo giorno è segnato dallo sviluppo della scienza, dell'arte e del desiderio di scoperte ... "

5. Vecchia arte russa (IX-XVII secolo)

La vecchia arte russa è la creazione di un genio collettivo di lunga qualità della tradizione popolare.

N. A. Dmitriev.

Più settecento anni copre il periodo dell'antica cultura artistica russa. Le sue origini risalgono alla vita delle tribù slaviche orientali del periodo Docyan. Le caratteristiche comuni sono visitate anche attraverso la varietà di fenomeni culturali e forme: caratteristiche comuni: una forte influenza della religione (cristiana-dualità pagana), tradizionale e chiusa (località), nonché la perdita di aderenza predominante e l'anonimato (impersonalità).

L'arte dell'antica Russia comprende l'arte del potere di Kiev, un potente principato di Vladimir-Suzdal, la Repubblica di Novgorod Boyar e l'arte di Mosca, che ha guidato la lotta per l'Unione del paese dopo i gravi test dell'invasione della Mongol-Tatar .

L'antico stato russo è il nostro orgoglio nazionale, la luminosa forma di realizzazione degli ideali del popolo russo. Il desiderio di purezza spirituale e la capacità di compassione, durata ed eroica portata, amore per terreni nativi, laboriosi, tolleranza e suscettibilità - queste migliori caratteristiche della natura nazionale hanno sentito le grandi creazioni della vecchia arte russa.

Verità e sincerità, spinta per l'armonia e l'unità con una vita popolare, con natura nativa, cordialità speciale e implare, profonda penetrazione negli esseri umani e il suo scopo costituiscono il contributo originale degli antichi master russi nel tesoro dei valori universali.

Rus Domongolskaya (IX - I primi secoli XII)

La formazione dell'antico stato russo - Kievskaya rus - si è conclusa al secolo IX. Uno dei più grandi stati dell'Europa medievale - Rus-storicamente rappresentava una zona di contatti politici, commerciali e culturali tra Scandinavia Byzantium, Europa occidentale e l'Arab East e apprese creativamente l'influenza dell'esterno, affidandosi alla propria cultura che fingeva al era del paganesimo.

Autore russo sconosciuto "Parole su idoli" (XII secolo) hanno assegnato tre fasi dello sviluppo del paganesimo slavo. Alle prime slave "Metti le richieste (vittime) con i gibs e i tregristi, il male e i bei spiriti che gestiscono gli elementi. Alla seconda fase hanno adorato l'antica divinità agricola dell'universo e Rozhannikam, le divinità del benessere e della fertilità. La festa del genere e il rotolamento è un festival del raccolto. Il genere ha dato vita a tutta la vita e divenne la fonte di concetti di radice: la gente, la natura, i parenti, la madrepatria ... nel terzo stadio, il culto di stato del dio principesco dubita della guerra di Perun, che aveva In precedenza riverisse la Godfast, e il genere divenne un santo patrono della famiglia, a casa. "

Tra le divinità più importanti di Pernoranov, il tempo - Svarog (il dio del cielo e il fuoco celeste), i suoi figli - gallese (Dio del fuoco terreno) e dazhbog (il dio del sole e della luce, il sottomante di tutti i beni ), Tra gli dei solari (solare) - il blocco, catturato, Yarilo, in seguito - cavallo. Striboga è stata venerata dal Dio degli elementi dell'aria, e Veles (capelli) è un santo patrono di bestiame e ricchezza. Il culto di Veles è stato distribuito in tutte le terre slave, il suo nome era giurato. Nei Wedes di Druzhnaya, consideravano il patrono dell'arte - musica e canzoni; Non c'è da meravigliarsi nella "Parola del reggimento di Igor" Il leggendario cantante Boyang è chiamato con un nipote di Velel.

Il luogo di partenza del culto era il Kapiche, il Tribus, i templi, in cui i Magi (Sacerdoti) pregarono, rendendo i riti e hanno portato gli dei della vittima.

Le aspirazioni spirituali dei nostri antenati erano più luminose nel culto della natura, profondamente poetico e sviluppato. La vita dell'antica Slavica ha obbedito al calendario e al circolo agricolo ed è stato accompagnato da festival solenni. Il nuovo anno di slav è iniziato da marzo, quando, in leggenda, gli dei brillanti procedevano alla creazione del loro regno fertile, il mondo e la prima persona è stata creata. Maslenitsa e promettente, una semit, o una settimana senza rugna, la vacanza estiva Ivan Klapala, passi da inverno, ecc. Sono stati accompagnati dal rituale giocando con canzoni corali e balli. È in folclore e arti popolari decorative e applicate, la maggior parte di tutta la cultura artistica degli antichi slavi, i secoli che sono stati conservati la cultura musicale e la letteratura russa. Dopotutto, la nascita e le fiabe sono collegate con il passato pagano e l'epica epica.

La cultura artistica delle tribù slave, così come l'antica e la regione del Mar Nero del Scito ha contribuito alla creazione della cultura originale della Russia medievale. D'altra parte, è stato formato nel processo di percezione creativa della cultura cristiana del campione bizantino.

La transizione dal poliesimo pagano (Polyterism) con la sua uguaglianza primitiva al monoteismo (monoteismo) della religione cristiana, potere centralizzato consacrato e disuguaglianza sociale, ha continuato con il potere centralizzato e la disuguaglianza sociale, continuò. Il cristianesimo in Russia è stato talvolta sostenuto dalla forza, ma più spesso è adattato alla visione del mondo pagano.

Secondo le cronache, nel 980, Kiev Prince Vladimir Svyatoslavich, vedendo le "delusioni del paganesimo", ha fatto un secondo, decisivo (dopo l'adozione del cristianesimo dai principi di Kiev Askold e Dirz nell'860.) Battesimo della Russia. La scelta della fede, secondo la leggenda, era il carattere estetico: gli ambasciatori di Vladimir hanno scioccato la bellezza, la grandezza e la magnificenza del culto bizantino.

Con l'adozione del cristianesimo, la formazione della cultura ufficiale, statale e un complesso processo di interazione con la cultura popolare inizia.

L'adozione di ortodossia, che ammette l'adorazione nelle lingue nazionali, ha contribuito alla diffusione della scrittura, così come la formazione dell'antica letteratura russa, fu nutrita sia dalla creatività popolare orale, sia dalla letteratura di traduzione della Grecia, dell'Egitto, della Giudea e della Siria . Tra i generi letterari sono la cronaca del monaco del monastero di Kiev-Pechersk di Nestor), la vita dei santi ("Vita di St. Feodosia Pecoresky" Nestor), Insegnamento (Vladimir Monomakh) e "Walking" (Igume Daniel circa pellegrinaggio in Palestina). Alcuni dei monumenti letterari di Kiev Rus sono sopravvissuti, ma testimoniano la cittadinanza, il patriottismo, la nobiltà di immagini di persone e eventi storici reali.

In generale, l'arte del primo medioevo, il Pore Domongol, è inerente a una caratteristica così distintiva della monumentalità delle forme. L'architettura occupa un posto speciale. Usando la forma byzantino croce del tempio, i maestri russi hanno anche usato la tradizione dell'architettura in legno - mulidropioni.

Il primo, menzionato nella cronaca, il famoso tempio in pietra del Kievan rus - il tempio dell'Assunzione della Vergine, o la millecinanza della Chiesa - un'enorme struttura a sei pilastri del 25 capitolo. Intorno a lui c'erano il Palazzo principesco, gli scoiattoli di Chorus e la nobiltà urbana. Durante l'invasione, la chiesa fu distrutta.

Il più famoso dei monumenti è Sofia Kievskaya. Questa cattedrale principale, costruita sotto Mudrome Yaroslav, è un tempio a cinque vie, a cinque gesso, a 13 dome. L'interno è ricco e pittoresco. Le cattedrali di Sophia a Novgorod e Poolotsk sono state costruite secondo Sofia Kievskaya. Sebbene la costruzione in pietra sia stata condotta in Russia X-XI secoli. Principalmente architetti bizantini, questi edifici si distinguissi dalle mulidropizioni bizantine, della piramide e dei nuovi materiali da costruzione.

Pittura Kiev Rus è anche rappresentato da forme monumentali - mosaico e affresco. I templi del sistema di pittura dei templi i maestri russi sono stati percepiti da bizantini, facendo tratti nazionali. Il pittoresco canone è un "vangelo per analfabeta". I mosaici coprivano la cupola centrale, lo spazio della corruzione (Cristo Onnipotente nella cupola centrale e la Vergine Oranta nell'altare). Il resto del tempio è decorato con affreschi (scene della vita di Cristo, madre di Dio, predicatori, martiri, ecc.). Murales secolari unici. Ad esempio, due ritratti di gruppo di Yaroslav saggio con famiglia, fragranze, musicisti, ecc.

Nel XI secolo Il primo periodo di massimo splendore è monitorabile. Sono state create molte opere di questo tipo di pittura macchina. Il nome del famoso pittore Icon Painter Aliimpia Pechersky è preservato, è attribuito alla creazione di un'icona di arance Yaroslavl, o grande Panagi. Le icone hanno letto come simbolo visibile del mondo invisibile. Dando, le icone più antiche erano miracolosamente ("salvato il torto") o scritto dalla natura (il Virgin Evangelist Luke).

La Chiesa richiedeva la conformità con il canone di pittura dell'icona. Condizioni di scrittura: piattezza, allungamento di figure, prospettiva inversa e altezza, sfondo dorato come simbolo della luce divina - ha sottolineato la spiritualità elevata delle immagini. La teologia nelle immagini, le vernici, i gesti, le iscrizioni e i testi - tali sono lo scopo dell'icona. Per seguire il canone iconografico, i maestri utilizzavano i dipinti dell'icona, oltre a intelligente (descrizione verbale della trama) e del viso sede.

La fioritura della cultura del Rus domongolo (XII - L'inizio dei secoli XIII)

Dopo il crollo dello stato di Kiev, sono stati formati un certo numero di principati indipendenti - Vladimir-Suzdal, Repubblica Novgorod, ecc.; Il processo storico e culturale unificato era diviso in diversi flussi, ma l'unità spirituale originale della Russia è stata conservata.

A quel tempo, la grande "parola sul reggimento di Igor" e "Daniel Charpeter" è nata. L'architettura è caratterizzata da una diminuzione del volume e semplificando la configurazione degli edifici in pietra. A Novgorod, c'era il proprio tipo di chiesa. Il fattore di trading era alieno per il lusso squisito di Kiev. Una piccola chiesa cubica e modanatura con uno o uno diventa tradizionale. Tre absidi senza un arredamento scolpito, poiché la pietra locale era gravemente filettata (la Chiesa del Salvatore in Neretric).

In Vladimir - Suzdal Principato, la costruzione in pietra è stata particolarmente attiva con Andrei Bogolyubsky. La famosa Cattedrale dell'Assunzione è un maestoso tempio a cinque chiave, decorato con una cintura arcata scolpita - la casa della Madonna. E quando il nervo viene spostato a Klyazma, la Chiesa dell'intermediazione, un monumento dell'architettura mondiale, è stato asceso su un'alta collina artificiale. Dedicato alla nuova vacanza del ciclo vergine, questo tempio, di Legend, costruito il principe Andrei Bogolyubsky, triste per la morte del figlio di Iaslav. La chiesa singola dell'intercessione sta colpendo l'armonia delle proporzioni e l'allettamento dell'immagine, aspirando al cielo.

Con un tramonto del potere di Kiev, l'arte passata e costosa del mosaico o della pittura "tremolante".

A quel tempo, l'icona "Our Lady Lening" appare in Russia da Bisanzio, chiamato "Vladimir LentedIfier", (GTG), costruito dalla cattedrale dell'Assunzione a Vladimir. Drammatiche icone del destino e incredibile bellezza e penetrazione hanno reso uno dei più famosi in Russia.

La scuola di Novgorod di questo periodo può essere rappresentata dalle icone della tradizione bizantina-kiev. "Salvato non manuale" (GTG). All'oregruga militare russa, è stata questa immagine di Christ-Triumph. Icona monumentale "Annunciazione Ustyugovsky" (tempistica). L'icona "Angel of Zlagy Vlassee" (TRM) è ampiamente conosciuta. La gravità e l'impressività delle immagini, una combinazione di colori contrastanti, il consolidamento delle forme - caratteristiche distintive della scuola di Novgorod.

A livello più alto, lo sviluppo dell'antica cultura russa è stata interrotta dall'invasione mongol-tatar.

Cultura russa della seconda metà dei secoli XIII-XV.

Se il tempo dal 1240 al centro del XIV secolo. Notato da un notevole declino in tutte le aree della cultura dovuta all'invasione e all'invasione dei feudalisti occidentali (tedesco, tver, danese, ungherese, lituano e polacco), quindi il periodo della seconda metà del XIV secolo. fino alla fine del XV secolo. È l'aumento di un'autocoscienza nazionale, il desiderio di unificazione della terra russa guidata da Mosca. La sconfitta del Bisanzio e dello stabilimento nei Balcani del domino turco ha rafforzato il significato di Mosca Russia come centro di ortodossia.

La lotta contro Mongol-Tatars è diventata il tema principale del folklore nell'omonimo e il nuovo genere della canzone storica (ad esempio, su Avdiet-Ryazanchka, dirigendosi la costruzione di un nuovo Ryazan). Il genere leader in letteratura, la storia militare diventa ("la parola sulla terra della terra russa", "The Tale of Ryazan Ryazan"), e in seguito ci sono lavori storici sulla vittoria sui TATAR ("Tale of Mamaev Battle ", la cronaca della battaglia Kulikovsky," Zadonchina ", vicino alla" parola sul reggimento di Igor ").

Lo sviluppo indipendente dell'architettura di Novgorod ha portato alla creazione di un tipo chiaro e costruttivo, classico tipo di tempio con un occhio con un ricco decorativo esterno (Chiesa di Fyodor Prattylate, la trasfigurazione salvatore di Pa Iyin), non c'è analogo nell'architettura di altri paesi.

Pskov ha sviluppato fondamentalmente l'architettura della difesa. Fortezza Izborsk - una delle strutture più grandi dell'antica Russia. XV secolo. - Il tempo del rapido sviluppo dell'architettura di Pskov è stata eretta 22 chiese.

Nel periodo "Postchelikovsky", la costruzione in pietra e nel Principato di Mosca acquisisce grande portata. Chiese a Mosca, Kolomna, Zvenigorod, Mozhaysk, Dmitrov, architettura di Rannonoskovskoye, architettura di Rannonoskovskoye ha creato un nuovo tipo di tempio con un bell'uomo del design simile a una base su un'alta base, con una passeggiata complessa, sormontata da Tiers Cosaar e Kokoshnikov, con una cupola Un alto tamburo e un sistema di scale per promettere i portali (Cattedrale di Troitsky del Trinity Sergius Monastery, Cattedrale di Spassky del Monastero di Salvatore Andronnikova a Mosca).

L'isolamento a lungo termine della Russia da Bisanzio e la separazione delle terre russe ha spinto la formazione nel XIII secolo. Scuole di pittura di Novgorod e Rostov e nel XV. - Tverskaya, Pskov, Mosca e Vologda. La maggior parte di tutti i monumenti preservati Novgorod. Una peculiare "rivolta" contro la tradizione bizantina è stata le icone redsore ("Sainry John Superworkger, Georgy and Mills", MRM). Dalla parte anteriore in essi, vernici brillanti, ornamentalità, formazione grafica della forma ("Nicola Lipensky", Museo Novgorod).

Nel XV secolo La pittura monumentale affresco Novgorod sta vivendo fiorente. Una grande influenza era sulla sua grande Bizantian Faofan Greco. Nel 1378, dipinse la Chiesa di Sava Pa Iyin.

Nella cupola - Cristo Pantokrator (Onnipotente), e il tamburo - su Rocky, in Apsid - Comunione (Eucaristia) e St. Pittoresco Mae Nera F. Greco è lanciato per potenza e coraggio: ampio colpi del pennello, bagliore confidenza (come i segni dell'energia divina), la predominanza di ocra rossa-marrone e giallo - tutti i mezzi espressivi sono sulla sentenza forma di realizzazione di combustione spirituale appassionata.

Secondo le icone originali, la "patria" di Novgorod appartiene, che la Trinità non è sotto forma di tre angeli Dio, il vecchio del trono, il dio-son-figlio - il modello, lo Spirito Santo - il piccione. Una forma così specifica era necessaria per combattere l'eresia, respinto il dogma della Santissima Trinità. Nel XV secolo Un nuovo tipo di icone di due-tre ore è apparire, percepito come un quadro storico ("Miracolo dall'icona del segno della Santissima Virgin" Pli "Battaglia di Novgorod, con Suzdaltsy").

Pittura di Mosca sul campo di applicazione e ramificazione nei secoli XIV-- XV. Non conoscevo te stesso uguale. Al momento della muoversi F. Greco a Mosca, è stata sviluppata una tradizione d'arte originale. I maestri di Mosca imparano da Feofan, ma non lo imitano. Sotto la guida dei maestri greci, la Chiesa dell'Assunzione della Vergine, Arkhangelsky e la Cattedrale dell'Annunciazione del Cremlino di Mosca furono dipinte. La migliore delle icone conservate della cerchia di Faofan è la "Madonna di Donskaya" dalla Cattedrale dell'Assunzione di Kolomna con la "Assunzione della Vergine" sul fatturato (GTG).

Nel lavoro sulla creazione dell'iconostasi della cattedrale dell'Annunciazione del Cremlino, Feofan Greco e Andrei Rublev - il più grande artista dell'antica Russia incontrata. L'alta iconostasi è un fenomeno nazionale russo, queste eccezionali vernici per l'icona hanno svolto un ruolo importante nella sua formazione.

Completezza dell'unità con Dio in preghiera: questa idea nel suono del coro incarna la composizione dell'icomitasi e saldate così come ritmo artistico e edificio a colori. Righe di icone (ranghi) correlati con l'architettura del tempio e dipinto sulle pareti. Pyhyraulic Iconostasis "Chronologicamente" è letto: dall'alto - la fila francese della chiesa dell'Antico Testamento da Adamo a Mosè con il New Testament Trinity nel centro; Sotto - doppia fila e la madre di Dio con un bambino sull'icona centrale; Inoltre, un grado festivo di eventi dalla vita di Cristo e della Vergine dal Natale all'ipotesi; Poi una serie di icone di Deusus di recupero di preghiere (al centro) sulla grazia; Il grado locale era situato alle icone del fondo - lieto, soprattutto venerato in questa zona e l'icona del tempio (a destra dei cancelli reali).

Le spazzole Faofan della Grek nella cattedrale di Blagoveshchensky appartengono a 7 icone di Deusus e 7 icone di vacanze apparentemente scritte da Andrei Rublev. Un po 'conosciuto su questo ingegnoso pittore di icone. Nella cattedrale dell'Assunzione di Vladimir, ha partecipato alla creazione di un'ochoostasi monumentale in 6 m di 61 icone, tra le migliori icone "Lady Vladimir". Mento Zvenigorodsky miracolosamente conservato: "Arcangelo Mikhail", "Apostolo Paolo", "Salvatore" - L'immagine brillante di Cristo - l'insegnante della verità.

La creazione più perfetta di A. Rublev - "Trinità", scritto nella lode del Maestro Spirituale Sergio Radonezh per la Trinità Cattedrale del Monastero Trinity-Sergian. Il contenuto dell'icona non è limitato alle idee teologiche del sacramento della Comunione e della Trinità del Divino, porta in sé la maestosa idea del bestiame, unità spirituale delle persone come condizioni di genuina libertà dell'umanità.

Cultura russa dei secoli recenti XV-XVI.

Dopo due e mezzo secolo di isolamento quasi completo, la cultura del giovane stato russo è entrato in contatto con la cultura rinascimentale dell'Occidente, rafforzando la sua posizione tra gli stati europei.

Insieme alla canzone storica, appare una ballata folk ("rabbia di Ivan il terribile per figlio", "Difesa di Pskov"). Il pubblicità sessuale e la letteratura storica, intrisa con l'idea di rafforzare l'autocrazia e la sua unione con la Chiesa, si sviluppa. Appare un nuovo genere della storia israging, il suo eroe è diventato una persona commerciale attiva.

La nomina di Mosca è stata accompagnata dallo scopo della costruzione. Accanto ai più bei maestri, i migliori architetti dell'Europa hanno lavorato con tutta la Russia, creando uno stile architettonico comunionale. Nel Cremlino, sul sito dei vecchi templi del tempo di Ivan Kalita, sono stati eretti nuovi. Il primo è stato costruito dalla cattedrale dell'Assunzione (architetto italiano Aristotele Phioravanti) è un maestoso tempio a cinque chiavi incrociato con un unico spazio interno. La Cattedrale Blagoveshchensky, il Maestro Pskov dei Grandi Principi è stato costruito. Tra le immagini tradizionali dei santi, ritratti condizionali dei grandi principi russi e degli imperatori bizantici. La cattedrale dell'Arcangelo (architetto italiano Aleviz è nuovo) combinato elementi tradizionali e caratteristiche del XV secolo dell'architettura del Palazzo italiano. (Conchiglie nelle teste, portali ornamentati, finestre veneziane rotonde). In questa cattedrale - la necropoli dello stato - sepolto i grandi principi e re. Completa l'ensemble del quadrato della Cattedrale della Camera Granuisa (Marco Ruffo, Pietro Antonio Solari), che aveva una camera quadrata di 500 metri, sovrapposti con quattro crociate con un potente post di riferimento nel mezzo.

All'inizio del XVI secolo. Un nuovo tipo di chiesa tenda nasce nell'architettura in pietra, che ha rianimato la tradizione dell'architettura in legno russa. Famosi due templi associati al nome di Ivan il terribile. La Chiesa dell'Ascensione a Kolomensky è eretta in onore della nascita di un piccolo Ivan IV (il futuro di Grozny) - l'erede del trono; Chiesa-monumento alla gloria della terra nativa. Un facoltativo della chiesa della tenda era la cattedrale di Basil Blessed

(Cover on the Ravy) - Il Tempio del Memoriale in Memoria della Conquista di Kazan Khanate, costruita dall'architetto Barma e dal Stayer sotto i muri del Cremlino. Intorno alla tenda centrale "pilastro", otto minore, coronata con capitoli bizzarri - un poema di pietra favolosa multinazionale. Era un aumento del genio architettonico del popolo russo. La cattedrale di 100 tempi di 1551 edifici tende come contraddizionamento dei campioni bizantini è stato proibito.

Tra i pittori della seconda metà del XV secolo. Dionisio è assegnato. Continua la direzione "Rublevskoye", e si ritira da lui. Il laico, apparentemente, di origine nobile, Dionisio ha guidato un grande Artel, che ha eseguito ordini principesosi, monastici e metropolitani. Le sue icone sono conosciute "Salvatore nelle Forze" e "Crocifisso" (GTG) e Zhith-Metropolitan Peter e Alexy. Il monumento più meraviglioso Dionisio è gli affreschi del monastero del Ferrapontov del monastero del monastero di Pavoga, uniti da un tono brillante azzurro - la leccata del novizio nei colori. Il luogo della profondità della rublo e la semplicità occupa una solennità festosa, equilibrata e decorativa. Dopo Dionisio, la canzone epica dell'antica Russia diminuisce gradualmente. Le decisioni della cattedrale di precisione, l'arte diventa uno strumento nelle mani della Chiesa, e lei stessa è uno strumento di autocrazia dispotica. Nelle condizioni della supervisione della Chiesa, questa creatività è stata soffiata, prevalse il modello e l'artigianato.

Lo stato dell'arte cercava di esaltare le idee politiche ufficiali negli iconopy del genere storico e allegorico del solenne ritorno di Ivan il terribile dal conquistato Kazan - "benedisse della guerra del Re Heavenly King". L'idea di "Mosca - la terza roma" è stata incarnata nel dipinto del monastero di Novodevichy.

È nel XVI secolo. C'era una cultura della grande natura russa e la storia della cultura del popolo russo inizia nel suo senso della Parola, e lo sviluppo dell'antica coltura artistica russa entra nella fase finale.

6. Cultura dell'arte dell'antica Roma

Secoli e tribù che canticchiano le dispute, ... Diamo un destino sulla piuma universale. Roma sopra il terreno ala il suo shock. Tutte le verità che giocavano alla luce, sotto il ronzio delle vittorie, sotto i diritti romani di Senyu, si sono sciolti con forza in una nuova lega. -... Roma fino alla fine ha eseguito il lavoro di Vladyka, è stato raggiunto quando l'Impero ha scaricato l'Impero verso l'urlo e urla.

V. Bryusov. "Pensieri Sveta"

La libertà Roma è aumentata e Slavei Publin.

A. Pushkin. "Licinia"

La civiltà romana è diventata l'epoca del più alto fiorente della cultura antica e allo stesso tempo la sua ultima pagina. Lo stato romano passò la strada dalla comunità rurale sul fiume. Tevere ai poteri mondiali. La "Città Eterna" ha esteso il suo potere dalle isole britanniche alle rive del Nord Africa, dai pilastri Hercules (Gibilterra) alle profonde regioni dell'Asia.

Cultura romana (VIII secolo. A p. E. - V. P. E.) era una questione di molto più complessa del greco. Nella sua formazione, molte tribù e popoli hanno partecipato, presentato dal potere romano - la popolazione d'Italia, le regioni greche, gli stati ellenistici (Egitto, Pergami, ecc.). La sintesi di culture greche e romane è stata formata - la cultura greco-romana latitudine (I-V secoli. N. E.). Era stata lei che ha formato la base della civiltà medievale di Byzantium, Europa occidentale e molti stati slavi.

La parola "Roma" è diventata sinonimo di grandezza, fama e valore militare, ricchezza e alta cultura. "Tutte le strade portano a Roma", disse il famoso detto della capitale del mondo. E la notizia della caduta della "Città Eterna" (476 N. E.) era simile allo sciopero del tuono, colpendo i contemporanei.

A Roma, l'idea del boganismo speciale del popolo romano e del destino delle vittorie se stessa era sempre dominata. Patriottismo, disponibilità a sacrificare la vita per la loro patria, rispetto e amore per il passato eroico, le tradizioni degli antenati - su questo c'era un'ideologia romana.

Affari, l'unico degno di romano, particolarmente nobile patrizio, politico riconosciuto, guerra, agricoltura e legislazione. Amministrazione statale e diritto, costruzione stradale e arte militare hanno raggiunto la perfezione dai romani, dalla letteratura e dall'arte sono stati attaccati con successo al tronco greco. Tuttavia, il lavoro dello scultore è stato osservato come un mestiere, come evidenziato dall'anonimato del ritratto scultoreo romano, in particolare.

L'antico umanesimo dei Romani ha fatto le caratteristiche della visione del mondo analitico: la prosa dura, la precisione e la storicismo del pensiero erano basate sulla base della cultura, lontana dalla poesia sublime del mito greco. La praticità permea tutte le sfere della cultura romana.

Se il genio del popolo greco è un genio artistico, poi il genio romano-politico, costantemente lo sforzo di espandere la sua influenza e gli interessi governativi. La storia esterna di Roma è la storia di continue guerre. La storia interiore è irrequieta e insanguinata. La lotta tra i Plebies e i patrizi non stava morendo, tra partiti politici, famiglie aristocratiche.

Tutta la storia scritta, leggende e religione, vari tipi di arte dovevano approvare l'idea del potere militare dei romani, presumibilmente predeterminato, eterno e incrollabile.

Una religione è stata particolarmente particolarmente influenzata da una religione di sviluppo dalla religione delle comunità (famiglia, vicina e civile) alla religione mondiale del cristianesimo nell'era della crisi dell'Impero di proprietà slave.

"Grecia, catturato, vincitori selvaggiamente catturati" - questa frase del poeta romano Horace dice di prendere in prestito il Pantheon greco degli dei.

È nei greci che i Romani adottero la consuetudine per sollevare gli dei della statua e adorarli e dei templi. Greco Zeus è stato identificato con Jupiter romano, sua moglie, Hera con Junoa, Aida con Plutone, Aresa con Marte, Afrodite con Venere, Artemida con Diana, Athena con Minerway, Hephaesta con un vulcano, Hermes con Mercurio, Poseidone con Nettuno, Dioniso con Vakhich e t d.

Era una scultura greca, più precisamente, la sua copia dei maestri romani, ha svolto un ruolo speciale nell'approvazione e nella distribuzione del culto imperiale dall'ottaviana di Augusto. Tuttavia, nel centro della mitologia e della religione romana - il mito romano, che si è formato alla vigilia delle guerre puniche vittoriose con Cartagine e dopo di loro. Nonostante la tremenda superiorità militare di Roma, i paesi con una cultura più antica consideravano i "barbari" dei Romani. La necessità di sostenere il posto "legittimo" tra i "grandi potenze" era maturo. Da qui la passione per la cultura greca, il desiderio di collegare l'origine dei romani e Italiks con i greci e i trojan. C'erano storie sugli atti eroici di "antenati": dell'eroe etere, figlio della dea dell'amore Venere, accompagnato da sotto il Troy, sui suoi discendenti di Romule e Remime, focalizzati dal lupo, e così via.

L'antica tradizione attribuisce la fondazione di Roma, che è accaduta nel 753 aC. er, leggendario Romolu, quando REM riordinava il solco, segnò i confini della nuova città, ed è stato ucciso da suo fratello durante una lite. Romulus divenne il primo re romano, e la nuova città ha ricevuto il suo nome.

Con la diffusione del culto imperiale del Caesey, il Senato ha anche classificato l'imperatore all'Host degli dei, stabilendo templi per lui. La personalità del Signore ha simboleggiato il potere di Roma. Il suo culto unito al culto della dea rom, che ha catturato la città eterna.

Il conquistato Etrury e Grecia hanno dato risultati di Roma nell'architettura che l'architettura romana è stata incarnata con un'ulisurazione urbana senza precedenti in conformità con i piani strategici e le ambizioni imperiali. L'architettura romana del Grandeno, maestoso, pomposo e ha un contenuto storico specifico, nonché un alto grado di opportunità pratica, metodi di costruzione novità e soluzioni costruttive. I risultati romani includono l'invenzione del calcestruzzo, uso diffuso dell'arco e della costruzione della cupola sferica.

I bisogni della Società Romana hanno dato origine a nuovi tipi di strutture: anfiteratori per giochi del gladiatore e persecuzione animale, termini - Grand Roman Baths, archi trionfali e colonne e colonne, forum imperiali e sterline (baalbek), ecc. Palazzi, palazzi, ville, teatri , Templi, ponti, monumenti inpomballi, ecc. Ricevuto una nuova soluzione architettonica sul suolo romano. Il razionalismo alla base dell'architettura romana si è manifestata in diffiaria diff, l'integrità dei complessi architettonici giganti, rigorosa simmetria di forme geometriche.

I famosi corsi d'acqua acquedotto romano, la prima delle strade asfaltate - Appeiyev - "Queen of Roads", che è stata costruita oltre 100 anni, dal 312 aC. er e nominato nel VII secolo. Una delle meraviglie del mondo.

Gli archi dei trionfali commemorativi degli Immeria del titolo (in onore della cattura di Gerusalemme) e Costantino sono stati conservati. Il monumento originale era la colonna di 30 metri di Emperor Trajan davanti al suo tempio, decorata con un sollievo a duecento nastro, che ha dato campioni luminosi di sollievo storico, con la precisione documentaria dell'immagine di trasmissione della vita di campagna e episodi di campagna Guerre con lotte.

Indubbiamente, i monumenti più ambiziosi di un antico colosise di Roma e Pantheon.

La struttura spettacolare più gigante dell'antica Roma è l'anfiteatro di Flaviev (75-82. N. ER) - circa 50 mila spettatori accompagnati nella sua ciotola di pietra.

Il nome del Colosseo si è verificato dalla posizione colossosio nelle vicinanze - statue di Nero, in seguito convertite nella figura di Helios. L'aspetto del Colosseo con il suo potente ovale elastico viene eseguito da gravi energia. Questa sensazione di dare alla luce non solo la scala dell'edificio (altezza è di circa 50 m, il diametro è di 156 m e 188 m), ma anche il potere solenne di semplici ritmi ad arco. Quattro livelli sono decorati con elementi di tre ordini: sotto - toscano (presa in prestito), semi-colonna sopra ionica, terzo livello e quarta (potente cintura di pietra sopra) in stile corinzio; L'anello di pietra che completa la composizione dell'anfiteatro ad arco, crea una sensazione di potere trattenuto. Anche nelle rovine, senza statue, una volta adornati, il Colosseo respira il potere senza complicazioni.

Secondo la grandinalità del piano e l'ampiezza della soluzione spaziale con il Colosseo, il Pantheon (118-125) - il "Tempio di tutti gli dei", costruito dall'architetto greco Apollodor di Damasco sotto l'imperatore Adriana e dedicato al principale Dei romani.

All'interno in sette nicchie, Giove, Marte, Venere, Roma e altre divinità sono state spremute. Pantheon è un monumentale roundda liscia, sormontato da una cupola emisferica, l'ingresso del tempio è decorato con una larga porzione a sei pieni: mandato composito (misto). Alcuni pesi massimi della comparsa del tempio stanno bypassando lo spazio senza precedenti della luce dal foro rotondo di nove metri, l'soprannominato "Oko Pantheon", il magnifico spazio a sfera (il diametro del tempio rotondo e l'altezza di oltre 40 metri). L'interno del Pantheon provoca una sensazione di pace e una magnifica armonia sublime. Fino alla fine del XIX secolo. La sua cupola è rimasta la più grande del mondo. Nell'era del Medioevo, il Pantheon è stato trasformato in una chiesa cristiana, e B, 1520. Sono stati sepolti in lui dal Grande Rafael. Questo è un edificio maestoso, come se la particella dell'universo, lo spazio antico, fosse l'ultimo capolavoro dell'architettura durante il periodo di massimo splendore dell'Impero e la cima dell'architettura romana.

Inoltre, i fenomeni di importanza e valore del mondo includono il ritratto scultoreo romano - la storia dell'antica Roma nei volti, il "documento" storico dell'elevazione senza precedenti e la tragica morte del grande impero. Il ritratto romano è associato al culto sepolto di etruschi conquistati, con una scultura greca ellenistica, così come con un culto romano di antenati: siamo abituati a sparare con la maschera di cera deceata e mantenere ritratti scultorei dei familiari. Da qui l'accuratezza sorprendente, anche il "naturalismo" e la veridicità spietata delle caratteristiche plastiche. Questo è particolarmente vero per l'ampia galleria degli imperatori romani.

Nell'epoca del primo impero, dell'arte romana, che soddisfa l'ordine ufficiale per l'elevazione e la divulgazione dell'identità dell'imperatore, ha imparato a adulare le autorità.

I ritratti scultorei di Augusto sono preservati all'immagine del comandante repubblicano (dal porto del porto), scultura nelle tradizioni dei classici greci eroi, agosto, che rende il rito solenne del giro sacrificale in Toga, pestata sulla testa , e infine. Agosto nell'immagine di Giove (secondo un campione delle Olympic Fidiyevsky Zeus). Su un polo ritratti spietate di viziosi tiranici di Nero, Caligules, Karakalla, la Galleria degli "Imperatori del soldato", e dall'altro - le immagini scultoree di Traiano, Vespasian, Adriana, Anthony, Fiuma, che hanno cercato un'attività statale ragionevole. L'imperatore-filosoforatore Mark Aurelius apparteneva anche alle migliori persone di Roma, la calma della Soltanto fiduciosa romana, il sovrano del mondo è scomparso nel suo ragionamento filosofico, lo stregone del mondo, cercando sostegni del pensiero di febbrelmente, chi è Pinza più accuratamente verso le pile predicate da pile. Tuttavia, è stato il contrassegno Azeri, in nessun modo un eroico imperatore, il primo del monumento equestre è stato creato.

Indubbiamente, l'emblema scultoreo di Roma è il famoso Bronzo Capitol Wolf, cast, presumibilmente, un maestro etrusco. È stato messo sulla collina Capitol per commemorare il rovesciamento dei re etrosidi dopo le guerre quasi centenarie.

Una pagina eccezionale dell'antica cultura artistica romana è collegata con il latino dorato. La più fruttuosa "età agosto" si è rivelata precisamente per la poesia romana. Il suo fiorente è associato ai nomi di Vergilia, Horace e Ovid.

Virgil Marona è chiamato "Roman Homer" per la creazione del poema epico "Aneida" dei vagabondi "del Trojan dell'Enai e dei suoi compagni, allo stesso tempo c'è un altro eroe di Roma nel poema. Nel centro di "aneida" l'ideale della sua immortalità basata sulla pesca divina. La morte di Troia, il tragico amore di Eneja e la regina di Carthagen Didona, il viaggio dell'eroe sul regno dell 'regno, dove la sua missione si apre - la fondazione del Grand City, e altri eventi vengono ricreati nell'epica nazionale del popolo romano. Nei dodici libri di "aneida" sveglia inestricabilmente il guanto di Roma e dell'imperatore Augusto., Lodando gli antenati mitici, il patriottismo e la comprensione sincera dei sentimenti umani.

Se Vergili ha creato un classico epico romano, poi Horace (Quinte Horace Flycc), un amico e un contemporaneo Vergil, ha creato un classico testo romano.

Horace ha anche sfidato la prodezza degli antenati, chiamati contemporanei di essere degni di padri, ma è stato spazzato via per l'antica bellezza della morale, ha insegnato a godersi la "media d'oro" della modesta ricchezza, ha scritto sull'amore, su Merry Pirushi con amici. Quasi le migliori poesie di Horace ha dedicato poesia, tra il suo "od" c'è un famoso "monumento"; Ispirato da questo Odoy A. S. Pushkin ha scritto un poema "Sono un monumento per me stesso erectifico ..."

Il lavoro di Vergilia e Horace ha aperto il modo in cui il loro contemporaneo più giovane pubblicherà pubblicamente pubblicamente ovidendo la Noron. "Cantante dell'amore e tenero passione", un poeta brillante, il sofferente di Ovidid ha concluso il secolo, indicato come Augusto ottaviano sul Drosser del Mar Nero e dimenticato. Apparentemente, l'imperatore era insoddisfatto della poesia di Ovid, che non ha incontrato la sua politica.

Il principale lavoro poetico dell'ovido "metamorfosi" è una collezione di miti antichi sulle trasformazioni di alcuni tel per gli altri. Quindi, Narciso Narciso è diventato un fiore; Una meravigliosa statua della ragazza è venuta alla vita, che il pigmalione è stato raccolto e messo l'amore con lei; La ninfa di Daphne, perseguita da Apollo, trasformata in un albero di alloro, ecc., Di conseguenza, è nata l'assemblea più ricca (oltre duecento) delle immagini più poetiche della mitologia greca e romana.

La lingua latina è morta, ma senza che sia impensabile moderna, cultura mondiale. Chi studia il latino assimila la cultura mondiale. All'inizio del X secolo. AVANTI CRISTO e. Sul latino, solo la popolazione di una piccola area su Appennes ha detto, poi il latino arcaico ha cambiato il classico, questa lingua ha raggiunto un periodo di massimo splendore nella prosa di Cicerone e Caesar, in poesia romana. Lingue romaniche (italiano, francese, spagnolo, portoghese, rumeno, francese, spagnolo, portoghese, rumeno, ecc.) Sono stati formati nella mezza età latina (italiana, ecc.), E il latino diventa la lingua del cattolico Chiesa e ragno. E la scienza moderna è strettamente legata al latino; Insieme al greco, serve come fonte di educazione della terminologia scientifica.

I detti latine alati decorano e arricchiscono il discorso di una persona culturale moderna. Attraverso il latino "Terra Incognita" ("Sconosciuto Terra") della cultura e della storia romana diventa sempre più comprensibile. "Urbi-Orbi" ("City and Miru") - L'elefante di Caesar ha suonato le informazioni universali: "Veni, Visa, Vici (" Venita, ha visto, ha vinto "), così come la legge della politica:" Divide Emper "(" Dividi e regola "). Tuttavia, "Roman Sao-Yense") della società romana ha capito che la cosa principale della vita è conoscere se stesso ("Tee Ipsum Wood"), la vita si muove attraverso il superamento, attraverso la spina per le stelle ("Asper Asper"). E per sempre nell'anima della scintilla di speranza di una persona - "finora respiro, spero" ("Duma spira, sferico"), anche se so che "la gloria della terra passa" ("SIK Transit Gloria Mundi"), e Quindi il silenzio è silenzio e silenzio.

Forse un Testamento spirituale: il mondo greco-romano può diventare le parole del saggio greco Bianco - "Mea Mekum Porto" ("Tutto il mio abbigliamento con te") è la vera ricchezza di una persona nel suo contenuto interno.

7. Cultura dell'arte dell'antica Grecia

Sulla terra antica Ellala infanzia dell'umanità ... è diventato tutto più bello e ha un eterno affascinante per noi, come mai un passo ripetitivo.

"La cultura artistica dell'antica Grecia è chiamata antica (dal lat," antica "). Così cominciò a chiamare gli umanisti culturali culturali greci-romani del Rinascimento come il primo del noto. Il concetto è stato conservato come Un sinonimo di antichità classica e separa la cultura greco-romana dall'antico est.

La storia e la cultura del mondo antico è consuetudine di dividere per diversi periodi.

1. Arte Egeo (cultura del crito-Miktena) - 3-2 mila aC. e.

L'arte della Grecia è il periodo omerico - i secoli XI-VIII. AVANTI CRISTO e.; Archaic - VII-VI secoli. AVANTI CRISTO e.; CLASSICI - secoli V-IV. AVANTI CRISTO e.; Ellenistico - fine dei secoli IV-I. AVANTI CRISTO e.

Arte di Etrusov - VIII-II secoli. AVANTI CRISTO e.

L'arte di Roma - l'era dei re - i secoli VIII-VI. AVANTI CRISTO e.; Repubblica - V-i secoli. AVANTI CRISTO e.; Impero - I B. AVANTI CRISTO. ANNO DOMINI

La cultura dell'Egeo prevale nelle coperture della piscina dell'Egeo. Creta, Grecia continentale (Mycenae e Tirinf), la costa del Malaya Asia (Troy) e le isole cicladiche.

Gli scavi degli Englishman Arthur Evans a Creta (dal 1900 al 1941) hanno scoperto il mondo una cultura "dogreica" di Dotol sconosciuta, nominata da lui Minoan chiamato dal leggendario re di Mi-Nosa.

Il potente potere marino con la capitale di Knosse ha creato la cultura originale del palazzo, in cui i motivi naturali e religiosi erano organicamente svegli. La pagina più interessante dell'arte Aege-art è il Palazzo di Knos, con la leggenda associata al re Minos, un labirinto e un terribile minotauro.

Apparentemente, questo palazzo era un centro amministrativo e religioso dello stato, il suo residente principale e la "casa" del commercio. Il cortile centrale ampio era circondato da 300 diversi locali situati a diversi livelli e collegati da molte scale, vicino a cui erano localizzati i pozzetti. Le cosiddette colonne di legno irrazionali servivano l'elemento strutturale più importante della composizione architettonica del palazzo, erano frustrati e verniciati luminosi (in rosso - tronco, nero - un tappo rotondo). Il palazzo si è accurato sabbiamente, come se ripeti i contorni del terreno montuoso, adatto al paesaggio cretese.

La decorazione principale delle camere del palazzo era la pittura del fresco, che sotto forma di fregi o pannelli riempiva le pareti. La luminosa tavolozza colorata di artisti cretesi è vicino a colorare i trabocchi dell'onda del mare. La pittura (a differenza dell'egiziana) dà l'impressione di assoluta discrepanza e libertà interna del creatore. Famosi affreschi che raccontano dei festeggiamenti: "Signore in blu", "parigino", "Tsar-Priest", "Acrobats con un toro".

I ceramisti cretani hanno anche creato opere eleganti. Tra questi ci sono i vasi dello stile di "camares" (trovato nell'omonimo PEP-SHR). Ad esempio, un vaso con il polpo, dove la forma sferica della nave è armoniosamente combinata con le linee di avvolgimento nell'immagine dell'animale marino. Monumenti monumenti sconosciuti di Creta. Ci siamo raggiunti solo campioni di piccole materie plastiche dalla fasi di colore e da avorio ("Dea con serpenti"). In generale, l'arte di Creta lascia l'impressione di un aereo festivo, colorato, decorativo e orientale e ornamentale.

La morte della civiltà creta è dovuta, apparentemente, due ragioni. Nel mezzo del XV secolo. AVANTI CRISTO e. Creta ha sperimentato il terremoto più forte e le conseguenze dell'eruzione del vulcano sottomarino santorin. Fera. Ha giocato il ruolo e la conquista dell'isola dell'Ahetis greco. Il bastone della cultura dell'Egeo è stato adottato dalla Grecia continentale.

A differenza del cretese, la civiltà di Mycken era più grave e coraggiosa. Ha creato un'architettura difensiva monumentale (Acropoli nei Mixes e Tyrinfs con un passo in muratura "ciclopico", una porta del Grand Lion nei MIXES, decorata con una composizione araldica con due lionessi).

Nel 1876, l'archeologo tedesco Henry Schliman ha aperto le "tombe della miniera" rocciosa a Myxa con una varietà di prodotti oro, argento e avorio; Grand "Dome Tombs", o Tolzoli trovati.

Un nuovo tipo di premessa - Megaron appare nell'architettura del Palazzo. La sua composizione con un portico, la lobby e la sala, nel centro di cui si trovava il focolare, circondato da quattro colonne, anticipa l'architettura del tempio greco.

Il potere miceneo era inteso a turno dei secoli XII-XI. AVANTI CRISTO e. Nuova invasione da nord: Dorians Fire e Sword si sono tenuti sul Peloponneso, in seguito fondati Sparta. Tuttavia, l'onda del Dorian ha superato l'area di soffitte, abitata dalle tribù ioniche, che ha svolto un ruolo speciale nel prospetto degli Eldlas.

Contro lo sfondo del declino generale della cultura greca e della rinascita lenta, due tipi di arte sono assegnati nel periodo omerico: Vazopanis e letteratura epica. I migliori campioni di vasi sono ampi vasi dipligile (trovati vicino alle porte del Dipilon ad Atene) - Amphoras e crateri della lapide, decorati con nastri geometrici ornamento con composizioni schematiche tra loro.

La principale fonte di conoscenza di questa epoca è due capolavori della letteratura greca antica - "Iliad" e "Odyssey" di Homer. Il primo racconta gli eventi dell'ultimo anno di un decennio della guerra greca-Ahetsevs con i trojan e sulla prossima presa di Troy. Fino alla metà del XIX secolo. Troy (Ilion) è stato considerato un immaginario, ma la sua esistenza ha dimostrato Henry Schliman, avendo completato il sogno della sua vita. Nel secondo poema dell'assedio dell'isola del re, Ithaca Odyssey si sviluppa sullo sfondo delle storie fantastiche delle prime stagioni nautiche greche sui colori dei mari occidentali sconosciuti. Si ritiene che entrambe le poesie siano cresciute da epiche canzoni di antichi cantanti greci (stupri o regolamenti), possono essere chiamati "enciclopedia dell'antichità" sulla ricchezza di contenuti storici, mitologici, morali e filosofici, leggendari ed estetici.

In Iliad, tre gruppi di persone esistenti: 1 - Trojan, diretti dal re del regno, i suoi figli - il grande eroe Hector e Parigi (dopo il rapimento di Elena, la moglie dello zar Spartan Mellaya, e inizia la guerra di Troia ) Inizia la guerra Trojan), Hector Tsar, Andromoma. 2 - Greci-Ahaeis, diretti da Agamennone, il grande eroe Achill, all'inizio della poesia arrabbiata ad Agaamennone, rifiuta di combattere i Troiani, che porta alla morte della sua amica Patrole dalla mano di Hector, Movey per un amico , Ahill uccide un coraggioso Trojan, in seguito tornando (per la redenzione) il suo corpo è un vecchio; Tiezna a Hector e il poema della condanna della guerra e della vendetta di cereali è completata ... 3 - Gods olimpici, interferire attivamente con le persone.

Filosofia e scienza greca, generi principali della letteratura, del teatro, dell'architettura del mandato e della scultura arcaica originati nell'era dell'Archaika.

Una caratteristica distintiva della cultura degli antichi greci era Agon - competizione. Nel 776 aC. e. Per la prima volta, i giochi olimpici sono stati organizzati (nell'Olympia, dal nome da Zeus). Per cinque giorni il mondo sacro proclamato. "Olympionics" (tre volte vinto) è stato assegnato il ramo d'ulivo e il diritto di installare una statua nel sacro boschetto del Tempio di Zeus Olimpico. In onore di Apollo, gli atleti gareggiarono nei Giochi di Pyhi a Delfa, la ricompensa servita come una corona di alloro. Nell'istimi - in onore del mare Dio Poseidon il premio era una corona di pino. Anche in onore del Supremo Lord Zeus organizzato dai giochi Nemyei. Il bellissimo corpo atleta è stato un incentivo per sviluppare un'antica scultura.

L'era degli eroi lasciati con homer. L'arte della parola ha fatto appello ai sentimenti e alle esperienze di una persona separata - i testi sono nati (la dichiarazione di poesie accompagnate dal Lyra). I grandi testi chiamano l'arcologo appassionato con circa. Paros, allegro Anacreonta, alkey sublime e sottile poetess safico. Nell'antico Sparta, i testi di Choral si sono sviluppati (diffidabili in onore di Dio Dioniso). Grande era la gloria e il poeta Pindara.

In questo momento, il suo sistema statale è stato creato in Grecia, che ha portato alla creazione di democrazia di proprietà slave. Rispetto ai despoti orientali, è stato un passo progressivo. GRATUITO, i greci hanno visto l'ideale nel loro stesso miglioramento, come una persona e un cittadino dello smalto, lo spirito valoroso e un grande corpo.

Creatività artistica Ellala, per la prima volta nella storia del mondo, il realismo approvato come una norma assoluta di arte. Non esatto la copia della natura e il desiderio di immagini completamente eccellenti a cui la natura ha solo accennato. Chi sono gli dei di Olimpo (Zeus, Afrodite, Athena), come non persone che hanno coinvolto nella loro perfezione umana dell'immortalità? Seguendo l'arte del mito, l'arte ha iniziato a ritrarre un uomo dotato di quel valore e bellezza che dovrebbe rivelare in se stesso.

La scultura arcaica ha sviluppato due tipi: questi sono i karos (scultura del giovane nudo che aveva un valore di culto come immagine di Apollo, oltre a una figura maschile sviluppata in generale) e la corteccia (le sculture di culto del maschio Nel decorativo drappeggio dei vestiti e luminosamente degradato; in seguito l'acciaio corteccia nell'architettura dei Caryatidi - colonne sotto forma di figura femminile). I campioni di prestito in Egitto e in Mesopotamia, la scultura monumentale arcaica (fino a 3 m di altezza) è stata molto rapidamente migliorata nel realismo, pur mantenendo i volti del Kouros e il re il famoso "sorriso arcaico" come un tentativo dall'artista di riscaldare Su, evidenziando l'immagine statica ancora dall'interno.

L'architettura dell'architettura è prevalentemente tempio. A poco a poco, i Greci hanno sviluppato un sistema che in seguito, nei romani, nel nome dell'ordine (ordine, sistema). Tuttavia, ogni tempio dà luogo a un senso di unicità, poiché il sistema di garanzia è stato utilizzato in modo creativo, tenendo conto dell'ambiente naturale e architettonico. Archaica ha formato due opzioni per l'ordine greco: massiccio Doric, incarnato l'idea di mascolinità, armonia di forza e rigore, e snella ed elegante, elegante. Più tardi (in V c. BC. E.) apparve un ordine corinzio lussureggiante e spettacolare. Tutti e tre gli ordini differivano dalle proporzioni e dalle caratteristiche dell'arredamento delle colonne (supporti) e antablement (sovrapposizione).

A quel tempo, c'era un classico tipo di cromo greco-peripter (il aperto), rettangolare nel piano, circondato da tutti i lati dal colonnato. Il tempio greco serviva come "abitazioni" per la statua del Divino, che è stata fondata nel Santuario (NAO).

Così come la natura dell'Eldla, l'arte greca era luminosa e multicolore e brillava festamente al sole. Parti architettoniche e decorazioni scultoree del Tempio, Polychrome era anche una scultura in marmo, che si trovava in tutti i luoghi pubblici della città, così come il Golden Glitter della pigrazza delle sculture in bronzo con intarsi a colori. Ora tutto questo è quasi perso, e il bronzo ha perso la sua lucentezza originale.

Il colore in plastica greca indica la sua connessione con la pittura e il desiderio di trasmettere la bellezza del mondo visibile. Un brillante riflessioni di pittura greca è un vaso. Anfore, cratere, elegante idria, cilintre piatte, conferenze allungate - non solo perfette in forma, ma anche armoniosamente dipinte da scene mitologiche. Inizialmente, un pittore nero e figura sviluppato, e successivamente è apparso la redfigure più perfetta.

L'età dell'oro della cultura greca, che segna la "più alta fioritura interna della Grecia" (K. Marx), è stata preceduta dalla grande prova di Elda formidabile invasione dei persiani e della rovina di Atene.

La gloria delle vittorie greche di Athos, durante la maratona, durante la salamina e i pagamenti, così come nella gola del Farmopil, illuminata la storia di Eldlant per molti secoli. Atene è stata guidata dall'Unione del mare greco e dopo la vittoria è stata presa da un luogo dominante nell'ascensore culturale ed economico. I governanti di Atene (prima di tutto, il Pericle) cercarono di rendere la loro città il più grande centro culturale del mondo greco. Nella foce di Pericla, lo storico del fucidide ha investito le parole: "La nostra città è una scuola di tutti gli Eldla, e credo che ognuno di noi possa facilmente mostrare la loro individualità in un'ampia varietà di condizioni di vita". Sport per tutti, sistema educativo, visite regolari al teatro e festival religiosi. Nello sviluppo completo dell'identità dei greci, molti altri popoli erano in vantaggio. Tutto ciò ha fornito un fiorente raffinato della cultura artistica greca.

Ad Atene, il Protagor viveva ad Atene ("L'uomo c'è una misura di tutte le cose") e Anaksagor, il pensatore universale Democrito ("povertà nella democrazia è meglio del benessere con i re, per quanto riguarda la libertà schiavitù"). L'incarnazione della saggezza Ellin era il grande Socrate, un insegnante di Platone.

Anche la scienza di fronte a Ippocratico - "Padre della medicina" e Herodota - "Padre della storia" si è sviluppata.

Durante le vacanze teatrali (3 giorni), i greci hanno eletto il miglior drammaturgo, ambientazione, attore e l'orga (organizzatore della presentazione). La gloria del mondo della tragedia mansarda ha portato "Padre Tragedy" Eschil ("Persiani", "concatenato Prometheus", "Oresteya", ecc.), Sofokl ("King Edip", "Antigona", "Electra") e EURIPID (" Medea "," Fedra "). La tintura a colori è associata al lavoro di Aristofan, che ha trascinato le trame della vita politica moderna di Atene (" cavalieri "," nuvole "," rane "," Lisuctor ", ecc.) . Il teatro è diventato una vera vita scolastica e un caregiver di un cittadino.

L'orgoglio di Atene iniziò un ensemble meraviglioso ribaltato - Acropoli Ateniese. Sono stati eretti edifici di classe bianca: Parfenon, propilene (solenne ingresso all'Acropoli), il Tempio di Nicky Aptereros (PRESSENTE VICTORIA), il Tempio di Ereheheton e Pinakotek (Collezione di dipinti). La pianificazione e la costruzione dell'Acropoli è stata guidata dal più grande scultore della Grecia - FIDI. Il magnifico enchemble architettonico ha incarnato il potere del potere ateniese e per la prima volta - l'idea di un'unità generalmente.

Parfenon - Il Tempio di Athena Vergine - The Pearl of World Architecture (Architects e Kallicrat, Scultore FIDI). Sorge sopra l'Acropoli, proprio come l'Acropolis Towers su Atene. Il Partenone è bello ed eroico-monumentale. Questo è un perplecco dorico con elementi di un ordine ionico. Anche nella sua forma dilapidata, l'Acropoli produce un'impressione indelebile.

Nel 1687, il nucleo veneziano soffiava sulla cantina in polvere, disposti dai conquistatori Turkis in Parfenone. E all'inizio del XIX secolo, il diplomatico inglese Lord Eljin ordinò la parte delle famose patatine fritte del parfenone (decorando la cima del muro) e rimuovono le sculture sopravvissute sulle fronzioni. Nel corso del tempo, hanno acquisito il governo inglese, e la scultura del Parfenon - l'orgoglio del British Museum di Londra. Tuttavia, l'atteggiamento barbarico verso le opere d'arte ha ricevuto il nome dell'elcoorismo.

In precedenza, nell'era dell'Archaika, il Santuario di Artemis era anche famoso nella città di Efecus (Malaya Asia) - una delle "sette meraviglie del mondo", e più tardi, nel tempo ellenistico - Mausoleo in Galicarnas, faro Alexandrovsky ( in Egitto), incluso anche in "Seven Meraviglioso", così come l'altare di Zeus a Pergamma (N in BC). Se la paternità della scultura arcaica non è stata stabilita, l'era classica e l'Ellinismo ha sostituito i nomi dei loro più grandi maestri di sculture.

Apre questo glorioso elenco di sette grandi, ovviamente FIDI. La sua statua di 12 metri di Athena Parfenos, che era una volta nel Santuario del Parfenone, è stata realizzata in tecnica Chrysoeeleaffic (exes in legno coperto di avorio e oro), venerato da top art. Nella mano destra di Athena teneva una statua (2 m) soprannomi (vittoria), e sinistra si basava su uno scudo con un sollievo, una lancia si appoggiava alla spalla. La statua non è conservata, il software è stato ricostruito sulla descrizione dei contemporanei. La statua di Fidievskaya di Zeus ("Miracle of Light") è famosa per il tempio di Olympia. Zeus seduto sul trono. Fidia Wall in appositamente foderato per questo workshop. Scettro con un'aquila del Sacro Messenger-Com sulla destra, e il soprannome scontato nella sua mano sinistra stava tenendo "Padre di Dio e persone". Decorazione dorata, come creduto, pesava circa 200 chilogrammi, e gli occhi delle gemme erano le dimensioni di un pugno. La statua del twelvemeter è stata per quasi 900 anni e morì in un incendio in V c.

Uno dei primi scultori che riuscì a trasferire realisticamente il movimento del corpo possente, era Mirone, con il suo famoso "discobolo". Lo scultore Polylet ha definito le proporzioni del corpo e li ha consegnati in plastica. Il suo "Dorino" (Spear) fu creato dal Canon, dominato da oltre cento anni. Bronzo "Discobole" e "Dorifina" ci raggiunsero in copie romane di marmo. Per sostituire la stretta magistrata di immagini in plastica di tre maestri ateniesi nel VI secolo. Il Drama Pathos degli Skopas (Meneada) arrivò e la grazia da sogno delle immagini di Praxitor ("Hermes con il dionysysis", "Afrodite" - su. Il libro, che ha acquisito una statua della dea nuda, dissero, era Un vero pellegrinaggio ad affascinare per ammirare la sua bellezza).

Nell'epoca dell'inizio dell'ellisismo, quando, grazie alle campagne conquistatorie di Alexander Macedonsky, il mondo greco ha ampliato un insolito e attivamente interagito con le culture orientali, Lisipp (lo scultore della corte Alexander, che ha creato i suoi ritratti scultorei, così come Il famoso "Apoxiomen" - Atleta pulisce il corpo con un raschietto e cattivo "Erota" con una frazione di frecce e un fiocco dietro le spalle).

Un Leohara artistico con il suo "Apollo Belvedere" (copia in marmo dall'originale Bronzo è ora valutato (una copia in marmo dal Bronzo originale). La spettacolare posa del teatro di Dio della luce e dell'arte con la mano sinistra e casualmente mediti con un mantello.

Tra i famosi capolavori ellenistici monumentali Monumental Monumental (Parigi, Louvre), "Laocoon con figli" (Roma, Vaticano) e il fregio scultoreo dell'altare Zeus (da Pergamum, Malaya Asia), i resti di esso sono conservati a Berlino "Pergamon - Museo". Gloria in tutto il mondo ha acquisito la statua di Venere Miloso (Parigi, Louvre).

L'arte greca ha completato il loro percorso storico. Un nuovo stadio della sua "esistenza" ha iniziato - come il campione più alto per tutte le successive culture artistiche. E il primo "studente" era un'antica Roma.

8. Cultura artistica dell'antico Egitto

C'è qualcosa davanti all'indifferenza delle costellazioni, e il sussurro eterno delle onde, gli atti dell'uomo che prende la preda dalla morte.

Dall'antico testo egizio

Lo stato dell'antico Egitto nella Valle del Nilo ha creato una cultura alta e sofisticata. Si manifestavano caratteristiche comuni della slave netta del vecchio slave despoty (Babylon, Sumer, Assiria, Urartu) con la loro "giantomania", ma l'arte dell'antica Egitto ha superato i pesi massimi lordi e sviluppato forme artistiche di nobiltà e purezza incomparabile.

Piramidi giganti a Giza, Grande Sfinge Pharaoh Hefren e il ritratto scultoreo del Tsaritsa Nefertiti - Emblemi d'arte famosi in tutto il mondo dell'Egitto, che provenivano dalle profondità dei secoli.

Ottenere un paio dei millenni IV e III a N. e., la cultura dell'antico Egitto ha superato diverse fasi del suo sviluppo, raggiungendo un periodo di massimo splendore nell'epoca antica (XXVIII-XXIIII secolo aC), la media (XXI-XVIIII secolo aC) e il nuovo regno (XVI-XI Bbuss BC) .

Le caratteristiche della cultura antica egiziana sono associate al primo sviluppo di stato, posizione geografica isolata, nonché con l'influenza profonda e completa della religione (in particolare un rituale funebre) su tutte le aree delle attività artistiche.

La guida nell'ensemble delle arti dell'antica Egitto diventa architettura come espressiva di idee religiose e statali dominanti, che cristallizzate nell'immagine della piramide (in greco "sacra altezza"). Il simbolo della gerarchia divina e terrestre, i legami dei tre mondi (dei, delle persone e dei morti) - la piramide riflette l'immagine del mondo che prevaleva nelle menti degli antichi egiziani. Nel suo centro, il faraone deificato come forma di realizzazione del monte di Dio (coro) e il mediatore tra i mondi.

Vieni dalle profondità dei secoli, perché furono costruiti il \u200b\u200bsecolo come le case dell'eternità, le piramidi del regno antico (l'ensemble di Giza) rimase l'unica delle "meraviglie del mondo", che è venuta a casa.

Erano preceduti dalla "madre delle piramidi" - la tomba a sei marce del faraone Jossera (60 m), costruita dal Grande Architen, divenne anche il simbolo del potere illimitato.

La piramide è inclusa nei monumentali complessi funebri - necropoli - con i templi di Requiem, le strade per le sfinge rampicanti, le piramidi satellitari, la torre sacra e un potente muro della fortezza.

La posizione centrale della piramide nella composizione architettonica della sepoltura reale è dovuta al suo simbolismo solare, perché il culto solare era più alto nel sistema di rappresentazioni religiose. L'Egitto ha chiamato il paese del sole, e i faraoni dei suoi figli. Tale raggio del sole che cade a terra, la piramide simboleggiava il sentiero del faraone al paradiso. La forma significava l'eternità, e l'atteggiamento dei volti è l'armonia divina dell'universo.

Le tombe giganti dei faraoni di Giza di Heops (146,6 m), Hefren (143,5 m) e micherine (66,5 m) sono già più di quaranta navi, monumenti straordinari della volontà inflessibile dei faraoni, molti anni di lavoro, centinaia di migliaia di contadini e schiavi e arte di alta costruzione, così come l'intermediazione di un'antica conoscenza. Le piramidi stanno ancora prendendo molti misteri.

Se nell'era del regno antico e medio nelle rocce delle tombe fu sepolto la cortesia, poi nel nuovo regno e il faraone cominciò a costruire le loro tombe nelle rocce nella valle dei re e del re, invano, sperando Per proteggere contro i ladri, e le piramidi sono rimaste decorazioni di sepoltura architettonica e simbolica.

Gli antichi egizi consideravano il tempio dal luogo del soggiorno della Terra di Dio e dal modello dell'universo. Durante il nuovo regno, l'architettura del tempio sta vivendo fiorente.

I templi conosciuti a livello globale del soleggiato Divino di Amona-Ra a Karnak e Luxor. Se un'antica piramide è come una montagna, allora questi templi assomigliano a una fitta foresta. Collegato i templi quasi un Dunth a due chilometri - un vicolo di sfingi, segnali solari di Sunny Obelski sono aumentati. Potenti piloni hanno formato un maestoso portale decorato con colosum scultoreo di faraoni. Ogni righello successivo allegato ai nuovi templi nuovi, che per secoli, per secoli, i complessi di Karnak e Luxor si sono trasformati in città in pietra con vicoli e piazze, colonnati e templi. Seguendo il layout lineare, la composizione del tempio è stata schierata nel profondo del santuario con la statua del divino, attraverso la cupa sala hypostylene (colonna). Nella Carnan, l'ipostillo comprende 134 colonne (imitano le forme vegetali dell'Egitto): papirali, loumino, a forma di palma fino a 23 m di altezza. Karnaki Hypostille-uno degli interni più monumentali dell'antica architettura egiziana.

L'ultimo decollo dell'architettura monumentale è associata all'era di ramsenides - questo è senza precedenti dalle scale del tempio rocky Ramses II in Abu-Simbel.

Pilone gigante decora i colossili di ventiquattro metri del conquistatore del faraone. Negli anni '50 del nostro secolo, l'UNE e l'UNESCO hanno organizzato un'operazione unica sulle preoccupazioni di Abu Simbel durante la costruzione della diga assuana. Il tempio fu tagliato in blocchi giganteschi e si trasferì in un nuovo posto. La creazione di antichi architetti egiziani è stata salvata.

Nella sintesi di culto delle arti, l'architettura ha accompagnato la scultura, che era canonica e monumentale, pur mantenendo tradizioni artistiche sostenibili.

Tra i capolavori della scultura rotonda è una grande sfinge, la guardia della necropoli di Gizekh, la creazione della natura e dell'uomo (il massiccio della roccia di un corpo del leone con il capo del re). "Il padre dell'orrore" non ha sofferto di tempo, i suoi soldati napoleonici isurodo-vali (dal suo naso) all'inizio del XIX secolo. Più tardi, gli inglesi prese la barba di pietra. Ora Sphinx Hefren disturba seriamente gli scienziati europei con le sue condizioni.

In conformità con il appuntamento culto di una scultura rotonda per essere i meravigliosi ritratti creati l'anima del defunto.

Tale è il gruppo scultoreo di Tsarevich Rakhhhotpa e il suo culo nofret (Cairo, il museo egizio), seduto sul trono. Canonic non solo è grande - calma, posture, ma anche colorando una statua maschile in un colore rosso-ruggito, femmina - in giallo, capelli - nero, vestiti - bianco e rosso. Il canone della figura del polso riproduce la famosa statuetta dello scriba di Kai dal Louvre.

Nell'arte del rilievo della scultura (bassorilievo e sollievo incorporato), gli egiziani hanno anche raggiunto l'espressività di plastica, creando una silhouette unica della figura, come se si fonda sull'aereo. L'inizio di Canon ha posato un'immagine del faraone di Narre sul famoso Palet, e una brillante continuazione era il rilievo di legno ribaltabile "HAUSHIRE HAUFRE". I rilievi nelle tombe e nei templi si distinguono da un principio del fregio (nastro) di posizione, della constallazione della convenzionalità e della comunicazione con la scrittura. Speciale sofisticazione marcata rilievi dal sopravvissuto aperto già nel XX secolo. Tomba del giovane Pharaoh Tutankhamon.

Nei trentacinque secoli di oblivion è stato il mondo e la regina Nefertiti dal nuovo regno. Un certo numero delle sue immagini scultoreli è stato trovato negli scavi del laboratorio dello scultore della Shmery, il Maestro della Corte del Faraone-Aretico, o il maledetto faraone di Ehnaton, che non solo ha introdotto il culto del singolo divine-Aton solare , ma anche influenzato l'arte che si distingue in uno speciale periodo amarny del nuovo regno (sul posto della nuova città di Ehnaton chiamato Achetanon si trova moderno Telel-Amarne. Rimuovi dai vecchi canoni e avvicinati alla vita - questo compito è stato risolto Con gli artisti di Ehnaton, e l'interpretazione lirica sincera dell'immagine di una persona che abbiamo trovato nelle creazioni dei famosi TAsme (ritratti di famiglia, il ritratto scultoreo di Nefertiti in alta tiara e il ritratto incompleto di arenaria dorata sono immagazzinati nello stato Musei di Berlino).

A proposito della cultura musicale dell'antico Egitto, da cui sono conservati solo pochi strumenti e l'immagine dei musicisti in rilievi e dipinti, ci sono ipotesi. Apparentemente, la musica di folk, tempio e palazzo, melodia con i capelli unica è stata rotta dai timbri dell'arpa, flauto, tamburi.

Letteratura antica egiziana si distingue per una varietà di generi: fiabe: fiabe, insegnamenti, inni di divinità e re, canzoni laculoonali, e dal nuovo regno - testi di amore con elevati vantaggi poetici.

L'antico Egitto ha aperto il mondo lontano da tutti i suoi segreti. Il suo ruolo enorme nella storia della cultura mondiale non è ancora apprezzato. Lo studio della cultura antica è iniziata dopo la spedizione militare di Napoleone, Dominica Vivan denon, illustratore del famoso lavoro di 24 volumi "Descrizione dell'Egitto" partecipato a esso. Quindi l'Europa ha incontrato il paese misterioso ed esotico, ma i suoi scritti erano lingue morte. La grande scoperta scientifica, grazie alla "Rosett Stone", ha fatto un altro brillante francese, "Sunniturismo dei geroglifici" - Jean Francois ChampoP. Quindi è iniziata l'egittologia. Immagini artistiche dell'antico Egitto, che hanno influenzato la nostra era a tutta la cultura del Mediterraneo (specialmente nell'era dell'ellisismo) e poi incluso nella cultura europea del XIX secolo, e oggi mantiene la definizione della grandezza spirituale e della perfezione estetica.

9. Caratteristiche della cultura artistica del Medioevo

Sarebbe una lateralità da vedere nel Middlecakes solo "infanzia" dei popoli europei, un passo preparatorio per una nuova storia ... hanno un valore storico e artistico indipendente.

A. Ya. Gurevich

Quando ricorda il Medioevo, di solito rappresentano i cavalieri incatenati nei lats, la pesante spada del nemico, crociate, la pietra romantica del castello feudale della cattedrale della cattedrale, il lavoro estenuante della fortezza contadini, un monaco che respinto da tentazioni mondane, l'inquisizione. Ferro. Una pietra. Preghiere, fuoco e sangue.

Molto nel Medioevo è scelto pesante, oscuro, inumano. Forse, quindi, gli umanisti dell'era rinascimentale chiamarono il millennio (secoli V-XV) tra il tramonto antichità e il nuovo tempo dell'era della stagnazione mentale, "buio di notte", palpebre medi, cercando di disperdere l'oscurità del Medioevo i raggi radiosi della cultura antica rianimata.

Storiografia moderna e coscienza artistica vedi nel Medioevo, Abisso non separatore e la legislazione antica e la cultura moderna del ponte, un'epoca complessa, che ha le sue caratteristiche uniche, come la fase dello sviluppo culturale e storico dell'umanità, corrispondente all'origine, allo sviluppo e alla decomposizione del feudalesimo.

Tra i lati tragici della vita medievale: infinite guerre feudali e religiose, l'arbitrarietà del popolo e delle chiese, epidemie di massa della peste e delle ulcere marine, appese costantemente un terribile campo e aspettando la fine del mondo - l'uomo del centro Le età sapevano come rallegrarsi nella vita, tesa alla luce e all'amore, videro nella bellezza dei simboli del mondo della bellezza divina; Sapeva come lavorare disinteressatamente, premiando il creatore nel grande e delicato atto; Non c'è da meravigliarsi la cultura medievale lasciata dopo se stessa un'eredità artistica ottima e di lunga durata creata da "piccole persone", che erano grandi maestri.

Un ruolo speciale nella formazione della cultura medievale è stata interpretata dal cristianesimo, che ha creato una grande sintesi storica, ereditari e trasformando idee e immagini delle religioni del Medio Oriente e della tradizione della filosofia antica Greco-Roman. Il cristianesimo per la prima volta nella storia del mondo ha proposto le idee di uguaglianza di tutte le persone davanti a Dio, la condanna della violenza, superando l'imperfezione del mondo per migliorare moralmente tutti, l'idea dell'unità spirituale di tutte le persone. "La tragedia della persona di Cristo riempie nel mondo, vive in ogni persona" (D. S. Likhachev). L'esperienza acuta di questa tragedia è il principale contenuto dei capolavori della cultura artistica del Medioevo.

Adottato più di una storia millenino del Medioevo da condividere per tre periodi principali: precoce (V-XI secolo), maturo o classico (secoli XII-XV) e successivi medioevo (XVI - inizio del XVII secolo) , osservato da una manifestazione diffusa e a livello nazionale - semplice nell'arte delle idee rianimate.

Con tutta la complessità, l'eterogeneità, la multi-formato, la paradossalità e le contraddizioni della vita e della cultura medievale, c'è anche un inizio unificante - il "modello geocentrico del mondo", che trova nell'arte perfetta forma di realizzazione umanistica.

In precedenza, la religiosità cristiana si è presentata nell'aggiunta del sistema artistico bizantino. Nel primo periodo, il Medioevo di Bisanzio rimase l'unico portiere delle tradizioni della cultura antica ellenistica, dando questo relè culturale nel X secolo. Antica Russia insieme a ortodossia.

Bisanzio ha creato i principali tipi di templi cristiani (basilici, centrici e incrociati), ripensando l'antica architettura in conformità con l'insegnamento religioso cristiano sul tempio come un modello terrestre della Chiesa celeste, come una nave salata per i credenti, come a Casa per pregare. Pertanto, l'attenzione principale è stata prestata un aumento dello spazio interno e della divina magnificenza della decorazione interna del tempio.

Il principale nell'impero bizantino era il tempio di San Sofia a Costantinopoli, eretta nel VI secolo. Sotto Giustiniano, architetto Anfimi e Isidoro (un raro caso di preservare i nomi dei costruttori medievali, perché a nessuno importa di questo nell'era del Medioevo, dal momento che i Maestri che la bellezza erano in piedi sui gradini inferiori della scala feudale , il loro lavoro era considerato collettivo e, significa estremo e quasi sempre rimasto Innominato, Anonimo).

A St. Sofia ha combinato i principi di progettazione dell'antico Pantheon romano e la basilica paleocristiana, il centro del rettangolo è stato coronato con un emisfero gigante della cupola (diametro di 31,5 m). L'architettura del tempio sembra misteriosamente cambiando da diversi punti di vista, implementato in miracolo di pietra.

Nell'era del Medioevo, nasce una nuova sintesi del tempio delle arti, avendo differenze di ortodossia e cattolicesimo, diviso nel 1054: in un grand ensemble, magnitudine mozzafiato e spiritualità straordinaria, architettura e scultura sono collegate, pittura (affresco, mosaico , Icona o vetro colorato) e crosta decorativa, musica vocale e strumentale (organo).

Per la prima volta, tale sintesi artistica è stata effettuata nel solenne rituale del culto bizantino, che è stato adottato dall'antica russia e altri stati del ramo ortodosso del cristianesimo.

Se in Oriente, la transizione dall'antichità al Medioevo si è verificata gradualmente, poi nell'ovest - attraverso la distruzione e la rottura delle tradizioni culturali dell'antichità. La caduta dell'antica Roma, la grande trasferzione dei popoli e della "varvarizione" dell'Europa - nell'accensione della nascita di una civiltà medievale è stata formata anche dalla cultura artistica dell'Europa occidentale.

L'arte medievale dell'Europa occidentale e centrale nel loro tenero sviluppo ha superato tre fasi: Domanian (Wed. V-X secoli), romanico (XI - XII secoli) e Gothic (secoli XII - XIV). In alcuni stati, arte gotica nei secoli XV-XVI. ("Flaming Gothic") coesisteva con l'arte del Rinascimento.

Di tutti i "regni barbarici", il Regno di Frankov, il Regno dei Franchi, inizialmente, erano i più grandi e forti, il regno del meroving, che ha accettato il cristianesimo sul rituale cattolico, e poi i franchi stanno vivendo il Rinascimento caroling (VI - IX secoli), questo l'era completa l'impero di Karl il grande, coronato dal papà romano come "imperatore romani".

In questo momento, arti decorative e applicate (elementi di fissaggio, fibbie, armi, utensili, croci, stipendi dei libri della chiesa, con inserti da gemme, vetro colorato o smalto, sorprendono la ricchezza dell'ornamento in combinazione con lo "stile animale") e Arte delle miniature di libri.

Con IV secolo. I monasteri emergenti diventano centri per la creazione di libri cristiani (il Vangelo, gli insegnamenti dei Padri della Chiesa, i libri liturgici), che sono stati fatti di pergamena e decorati con miniature colorate, dove oro, viola, gouache. Il tema preferito era le immagini degli evangelisti.

Campioni di progettazione artistica medievale precoce di un libro, che si trasformò in un regalo costoso ed squisito, dimostrando un sofisticato stile ornamentale finito che ha avuto una grande influenza su tutta la cultura europea.

Durante le invasioni distruttive dei Normanni, molti fuochi di cultura e monumenti d'arte, sono stati uccisi architetti, ricchezza indispensabili da monasteri e palazzi sono stati cancellati. A suo breve, la fioritura dell'arte di caroling ha rianimato molto dai risultati dell'antichità tardiva, ma non ha creato un nuovo sistema completato, che era sotto il potere dell'era Ro-Mansk che è venuta a sostituire il primo artistico paneuropeo stile.

Il termine è apparso nel XIX secolo, quando gli archeologi nella costruzione dei secoli X-XII. Trovarono tratti di somiglianze con l'architettura romana, in seguito Romanese ha iniziato a chiamare l'arte dell'epoca in generale.

In un frammentato, ermeticamente in Europa, i principali tipi di strutture architettoniche erano un castello cavaliere, un ensemble monastico e un tempio distrutto con massicci mura di pietra, finestre strette, alte torri.

Il desiderio di una maggiore spiritualità si distingue per i campioni di arte romanica e il bizantino, tuttavia, l'immagine di uno spiritualmente perfetto ed esausto dal mondo reale dell'uomo non ha ricevuto lo stesso sviluppo di Azioni di Bisanzio, nell'arte dell'Europa occidentale, Un atteggiamento attivo verso la vita è stato combinato con la religiosità. Architettura romanica Amazes Power, Sculpture - Viaggio Spirito. In una maggiore espressione dei sentimenti, le tradizioni dell'arte barbarica sono sentite, il carattere rapido e terribile dell'era delle guerre feudale e delle crociate. Il tipo basilico del tempio cristiano si sta sviluppando in cattedrali romanici. Un potente alloggiamento longitudinale esteso (navata) piace il tempio della nave. Oli laterali sotto centrale. Sono attraversati da un Traduct, e la croce latina è formata nel piano. Una massiccia, torre, da est, il tempio è chiuso dal semicuircuito con l'est dell'abside (con un altare all'interno). Tempio stretto del watchdog ad alta torre (due dall'estremità orientale e ovest). L'architettura del tempio romanico è chiaro in tutte le parti, distinto e visivo, differisce da coraggiose bellezza, impressionalità e potere solenne.

Il nuovo nella decorazione della chiesa cristiana dell'era romanica era un design scultoreo esterno e interno, che ti permette di confrontare la cattedrale con un libro di pietra che cattura l'anima del Medioevo. Sebbene le figure della chiesa e la "gestite" arte - spesso non potevano né capire né approvare la decorazione scultorea dei templi.

Maestri romanici Pareti dipinti, porte e colonne del mondo precedente: immagini dei santi, apostoli, evangelisti spaders, uomini, uomini, esplicitamente origine comune, in timpani semicircolari sopra il portale (ingresso) chiese particolarmente messi in rilievo con l'immagine di un terribile campo , dove Cristo è un giudice e difendere i suoi vassalli, e intorno al bizzarro ornamento ci sono "immagini strane-brutte" - centauri, scimmie, leoni e tutti i tipi di chimere di pietra, a volte sono impastati nella santa campagna e sono presente alle "interviste sacre". Apparentemente, queste fantastiche immagini sono arrivate all'arte romanica da culti folk pagani, fiabe e folia, epica folk, esprimendo la comprensione e l'idea della gente della lotta della bontà della bontà e del male per l'anima dell'uomo.

All'interno dei templi, gli stessi, come nell'era della caroling, è stato decorato con affreschi multicolori, il nuovo fenomeno era colorato vetrata colorata vetrata di vetro sulle trame della storia sacra; Questo tipo di pittura del tempio ha ricevuto uno sviluppo speciale nell'era gotica. Le famose cattedrali romaniche sono state preservate in Germania (Waimar, Speyer, Mainz) e in Francia (Notre Dame a Poitiers, Saint-Pierre a Moissaca, Saint-Lazar in altri).

Fino al XII secolo I principali centri culturali dell'Europa sono stati monasteri, dove c'erano persone più istruite, sono stati discussi problemi di costruzione, i libri stavano riscrivendo. Tuttavia, nel XII secolo. Il campionato cominciava a muoversi verso nuovi centri economici e culturali - città che hanno combattuto feudità per la loro indipendenza. Non c'è da stupirsi che avessero detto: "L'aria della città è gratis". Nel mezzo, i cittadini sono nati la libertà e un atteggiamento critico nei confronti del sistema feudale, della Chiesa consacrata, come presuntamente stabilita in paradiso, e quindi incrollabile.

High Sheeyday raggiunge la letteratura e la poesia di Knightly Secolari, c'è la letteratura del mondo della città, la creazione dell'epope eroica del Medioevo è stata completata.

Le più famose poesie epiche francesi "Canzone di Roland", "Sing-side" e l'epica tedesca "Song of Nibelunga".

Al centro della "canzone di Roland", l'episodio della campagna spagnola di Karl il grande 778, nella poesia, una campagna conquistante sta diventando una bella guerra con "errata", saracins. La tregua cucinata della Marilia Saracensky, il tradimento del Karl Vytnaya Ganeleon Advisor, la sanguinosa battaglia del cavaliere di Roland con saracine e la morte del personaggio principale, sconfiggere l'esercito di Saracinov, la morte della sposa di Roland e dell'esecuzione di Hanelon - questi Sono i principali eventi della storia epica, glorificando il patriottismo della Chiesa cristiana, il francese e il coraggio del giovane cavaliere.

La "Canzone di Nibelungakh" in piedi per diversi secoli è un enorme racconto canzon-epic, comprende dipinti con una brillante vita del giudice della corte, i vaghi ricordi di antichità lontana del grande reinsediamento dei popoli di Ventures IV-V, immagini mitologiche, leggendarie e favolose fantastiche . I principali argomenti della leggenda: accecando il potere distruttivo dell'oro (cassello di Nibelung), il desiderio per l'amore e la felicità del coraggioso cavaliere di Siegfried - l'eroe ideale di Nekovna occidentale, vendetta nelle sue speranze per l'amore di Siegfried Mighty Brunglilda, di cui becca un cupo malvagio haigh, uccidendo un eroe, così come la terribile vendetta di risposta di sua moglie, la crimchia e la morte di tutti i principali eroi della leggenda. La storia di un autore medievale che penetrava nella psicologia dell'uomo e allo stesso tempo decidendo le sue atti da fantastiche immagini dell'anello magico, una spada meravigliosa, il sangue miracoloso del drago siegfried, così come la "canzone di Nibelungakh" è ricco di insignificazioni umanistiche che l'addebito distruttivo della missione ritorna alla mandata, condanna la morte e il mondo degli dei, e il mondo delle persone.

È nel Medioevo che la poesia diventa la regina della letteratura europea. Anche le cronache sono state apprezzate in una forma poetica, e le Sacre Scritture hanno acquisito ritmi poetici ricordati meglio, e i testi di bordatura hanno acquisito la bellezza della poesia.

Etichetta della corte della leggera cultura cavalini dei secoli XII e XIII. Chiese che, insieme alla tradizionale validità militare, il cavaliere aveva maniere eleganti, osservata in ogni cosa "misura", era attaccata all'arte e leggi le meravigliose signore, cioè, era un campione del tribunale sacerdotale, indicato come Courtsia.

La brillante pagina della poesia knightly era il lavoro di Troubadurov ("Winkers") della Provenza francese, il culto della bella signora prendeva lo stesso posto del culto della Madonna alla poesia religiosa. L'amore di Trubadurov era una specie di sommossa contro le barriere di classe rigide tra le persone. La poesia provenzale ha espresso riverenza prima della bellezza della fauna selvatica per sempre; Dante, Petrak e altri poeti dell'era rinascimentale furono studiati nei migliori campioni di testi di MOBOVEN, perché è stata la Rhymes dei Troubadura in un ampio uso letterario. In Germania, i testi medievali Knightly ha chiamato Minnezang e i suoi poeti - Agersing. Nell'opera "Tangayizer" Richard Wagner erettili e XIX secolo. Monumento maestoso, e ha anche dato omaggio all'EPS nazionale nell'opera tetralogy "Anello Nibelung"; L'arte della Urban, Burgers Shop Maesterzant Wagner dedicato all'Opera Norimberga Masonzinger; Molti romanzi europei nello xix-inwork simili a lui. Ispirato alle immagini medievali nazionali.

In generale, la creatività letteraria novoeuropea è variata nel genere. Oltre all'epica Eroica nazionale e all'epografia e all'aula, la storia cavalidezza e il romanzo esisteva ("romano su Tristan"), poesia latina "scientifica", la poesia di Vagatov - studenti randagi, monaci e altre persone, letteratura cristiana - "alto "Teologico e" basso "per" Opposses "(vite dei santi e" visioni "delle scene dell'aldilà), la letteratura urbana è rappresentata dai generi poetici comici della famiglia di Fabio e Schwankami, così come i testi Ballad e Rondo.

Il teatro della chiesa è stato bandito. Gli occhiali da chiesa e folk possono essere attribuiti all'arte teatrale con tratto. Tra i generi della chiesa "teatro" il dramma liturgico (cantando con elementi teatrali), miracolo (miracoli della vita dei santi), mistero - i sacramenti, mostrando giusti e ingiustificanti, moralità sulla lotta delle virtù e delle virtù. C'erano una varietà di teatri folk di attori randagi.

Con lo sviluppo della cultura gotica urbana, la cattedrale gotica diventa il centro di tutta la vita sociale. Il termine "madre del gotico" - "maniera gotico" (dal nome della tribù tedesca) ha originato anche nell'epoca del Rinascimento come condanna di arte grossa e barbarica del Medioevo. Nel tempo, il contenuto del termine è cambiato. Gothic ha iniziato a chiamare la fase finale del Medioevo Europa occidentale ..

Nell'arte gotica con un'enorme forza impressionante è espressa "confessione inconscia" dell'umanità medievale. E il Medioevo sembra "Maestoso, come un tempio gotico colossale, scuro, buio, come le sue volte intersecate da sole, eterogeneo, come finestre multicolori e un'abbondanza delle sue decorazioni, elevate, piene di raffiche, come volando verso il cielo Pilletti e steppe che terminano la flasher tra le nuvole degli studi "(Gogol).

Maestri Gothic, migliorando il sistema di supporto, ha fatto una rivoluzione in architettura. Il massiccio muro romanico è scomparso, l'edificio era ubriaco al Cozoi, al ribasso lungo la cornice a costine (costole) in pietra. Gothic sviluppa il tipo basilico del tempio cristiano. Il carattere trasversale della galleria che separa una navata dall'altra, sottolinea l'apertura e la relazione reciproca di parti dello spazio interno e ampie finestre openwork - ad arco e rotondo ("rosa gothic") con vetrine colorate - fare una luce , Illusory e crescente barriera tra la cattedrale interna e il mondo esterno. Il potere travolgente e la straordinaria apertura dello spazio, la grandezza e il dinamismo della costruzione in pietra, il colore verniciato la luce, che versa attraverso le finestre di vetro macchiato, è tutto fuso in un'unica immagine artistica monumentale.

La cattedrale gotica contiene il mondo intero della città medievale, diventa la sua enciclopedia. Lo stile del tempementario gotico e drammaticamente, come la vita tesa di una città medievale. La Motherland Gothic divenne Francia, un po 'più tardi si è diffusa in Germania (Cattedrale di Colonia, "Brick Gothic"), Inghilterra (Abbazia di Westminster a Londra), Repubblica Ceca (Cattedrale di Santa Vita) e altri paesi del mondo cattolico.

Le cattedrali più famose della Francia sono dedicate alla madre Notre Dame di Amiens, Chartres, Rueng e, naturalmente, a Reims e Parigi. Queste sono "enormi sinfonie di pietra" (V. Hugo) con un arredamento scultoreo complesso, dove ogni elemento dell'architettura "Oblivochchenchencheeni" è popolato da vari esseri viventi, e le statue gotiche stanno colpendo l'espressione dell'estasi ispirata, che si trasforma, incise Corpi esasuiti. Infatti, in arte gotica, la terza tenuta con i suoi sogni e la sofferenza, la disperazione e le speranze.

Nella sintesi del Tempio delle Arti, nella creazione dell'immagine del mondo di Dio, il punto finale stabilito dalla musica. Lo sviluppo della musica della Chiesa si basava sui canti di preghiera con i capelli con i capelli con il latino-gregoriano Khoral (si è creato piano cottura dei canti sull'iniziativa di Papa Gregorio I). Con IX secolo. Ha ricevuto un riconoscimento del corpo che è venuto in Europa da Bisanzio. Successivamente sulla base delle melodie del Gregory Khorala, si verifica molta musica vocale di moto e massa cattolica. Le immagini sublime del Khorala gregoriano ispirarono al XVIII secolo. GRANDE I.-S. Bach.

La cultura artistica medievale è un complesso, sviluppato drammaticamente e simultaneamente chiuso nel quadro della gerarchia classica e dell'immagine "geocentrica del modello" del mondo. Medioevo appartiene a una delle pagine più drammatiche di un grande libro su una persona che crea la storia dell'arte.

10. Cultura dell'arte dell'India, della Cina e del Giappone

L'arte dell'India, la Cina e il Giappone appartengono alla cultura artistica dei popoli dell'est. Sono uniti dalla somiglianza dei percorsi dello sviluppo storico, nonché la distribuzione in questi paesi buddhismi, che ha influenzato il verificarsi di nuove arti alla svolta dell'antichità e del Medioevo. Questa arte è stata distinta per l'ampiezza della realtà, la consapevolezza della profonda parentela dell'uomo e della natura, un grande potassio emotivo. Scultura indiana, pittura cinese del paesaggio, monasteri e giardini giapponesi sono solo esempi famosi separati.

L'arte dell'India dei tempi antichi nutre una potente fantasia, la gradazione delle scale delle idee sull'universo. I mezzi di espressione artistica sono colpibili da varietà e colorato, simile alla natura fiorita dell'India. L'idea dell'unità della vita in tutte le sue manifestazioni permea sia insegnamenti filosofici, estetica e arte. Pertanto, il ruolo della sintesi - architettura e sculture, architettura e pittura, così come la poesia, la pittura e la musica, così come la poesia, la pittura e la musica sono così grandi nell'arte indiana. Le famose idee teatrali sui temi dell'antica Epica Ramayana e Mahabharata divennero la fonte di pose classiche catturate nelle arti visive, che sono caratterizzate da espressione e coraggio. Numerose tribù della più grande penisola della pace (Industan) hanno preso parte alla formazione dell'arte indiana.

Il periodo dal Medio II al centro del millennio BC. e. È principalmente connesso alla fiorente filosofia di Brahmanism e letteratura nel più antico sanskrit. Tuttavia, molto prima della nostra epoca, quando le civiltà dell'Egitto, della Mesopotamia, dell'Iran e della Cina sono state sviluppate, artigianato, scienza e arte sono apparse in India. Grande sviluppo ricevuto grammatica, matematica e medicina. Gli indiani hanno glorificato il mondo "Bharat Country", prendendo l'umanità di un sistema digitale e un gioco di scacchi, rendendo i tessuti colorati più sottili e l'acciaio per perle,

Diversità eccezionale di forme, finzione inarrestabile, potere ottimistico e persistenza delle tradizioni folk contrarie a cult, restrizioni canoniche - il più meraviglioso nel lavoro artistico degli indiani. Non sorprende che l'India abbia attratto numerosi viaggiatori. Di nuovo nel XV secolo. Tver Acquisto di Athanasius Nikitin ha commesso "camminare in tre mari". Nel XVIII secolo Gerasim Lebedev ha creato il teatro a Calcutta. E nel XIX secolo. Immagini dell'India catturata sulla tela A.D. Saltykov, V. B. Vereshchagin (circa 150 dipinti), I. K. Roerich. La creatività Roerich (padre e figlio) è una pagina speciale di legami culturali russi-indiani.

A metà del 2 ° millennia, la civiltà in fiore è morta sotto l'assalto delle tribù nomadi - Ariev. Solo le rovine delle città paesaggistiche di Mohenjo-Daro e Harappa sono conservate, così come molti oggetti di arte decorativa e applicata sviluppata e plastica superficiale. L'emergere di Aria è considerata i creatori dei più antichi "Vedas" ("conoscenza"), e sono inni e preghiere per divinità, molte informazioni diverse sulla vita e sulla vita di Ariyev, sulla divisione della società per quattro gruppi di casting ( Varna): Sacerdoti - Brahmins, Guerrieri - Kshatriyev, Agricoltori, Artigiani e commercianti - Vaisiyev e il più basso Varna - Speud, che, insieme a schiavi, obbediti ai primi tre.

Durante la formazione di potenti stati di proprietà slave (secoli VI-IV. BC) Letteratura epica sorge - Grandi poesie sul Sanskrit "Ramayana" e "Mahabharata" (EPO greco antico superiore in volume 8 volte), che ha riferito leggende su eroi coraggiosi e coraggiosi , per combattere e rafforzare nuove potenti dinastie.

L'idea della celebrazione del male sul male è alla base dell'antica epica indiana, permea la storia dei fratelli di Sonde e Epusund, che ha deciso di comprendere il mistero dell'universo, la storia poetica di Nale e Krasanice Damanti. In generale, la trama di 18 libri "Mahabharata" racconta la lotta ostinata di due parto reale per il potere. Le immagini nobili sono create in Ramayan. Trasporto e valori di Tsarevich Rama, la devozione di suo fratello Lakshman, il fedele amore per il Sita, dividendo l'espulsione con il telaio nella foresta, e l'astuzia del Signore dei Demoni Ravana è rimasto a lungo entrò negli indiani nei detti. E alcune delle montagne sono ancora onorate come gli dei, e le scene di Ramayana sono suonate nelle vacanze in vacanza. "L'oceano della saggezza e della bellezza" si chiama indiani la loro epica.

Dopo l'espulsione delle truppe di A. Macedonsky, la dinastia Maury viene al potere. Il re di Ashka, unire l'India in un enorme impero, iniziò la grande costruzione di stoneworn di edifici del culto buddista. La religione buddista è stata ufficialmente adottata a Ashok nel 261 aC. e.

Il buddismo (inizialmente non una religione, ma insegnamenti etici), secondo la leggenda, fu fondata nel VI secolo. AVANTI CRISTO e. Tsarevichi dal genere Shakiev, per nome-Namedhaartha Gautama, poi Ninked di Buddha ("illuminato"). Il Buddha ha predicato l'idea del miglioramento dell'auto-miglioramento, dell'assenza del male, della rinuncia da tentazioni mondane. Il Buddha di Religione di Bhrchman ha preso in prestito il concetto di reincarnazione, ma ha insegnato che lo stato del più alto riposo - Nirvana può raggiungere ciascuno, anche un sudra impotente, e non solo la casta più alta.

I principi religiosi ed etici del buddismo si sono riflessi nella letteratura buddista (leggende canoniche, trattati religiosi e filosofici). A Giataks - leggende sulle reincarnazioni del Buddha - un sacco di folcloristico e materiale domestico. Le trame di loro erano spesso usate da scultori e pittori per decorare le strutture di culto.

Il più comune: reliquie - Stupa, Gaolas - Stambhi, Templi della Caverna - Teja, Monasteri - Vihar.

Stupa - monumento di culto buddista: una sfera di terra corvinato, fiancheggiata da mattoni o pietra, in piedi a tamburo basso, in alto - una camera per riporre le reliquie di Buddha - Dente, ricciolo, Bone e libri religiosi; Nella parte superiore dei gradini: una canna con gli ombrelloni dischi che simboleggiano il livello di conoscenza sul percorso verso il nirvana; Il recinto e le porte (4) sono stati ricreati in pietra il design di recinzioni in legno e le porte dei Vedas. Un esempio classico è uno stupa in santi (altezza con una barra - 23,6 m, il diametro di base è di 36,6 m). Il recinto e le porte sono riccamente decorati con rilievi e una scultura rotonda a base di jack con una grande sensazione di verità e amore per la natura. Le porte scolpite di Stupas a Santi "presentaci al mondo della vecchia arte indiana".

Stambhi - Le colonne commemorative di pietra, sono state erette con Ashok nei luoghi storici del buddismo. 10 pali sopravvissuti a 15 m di altezza e peso oltre 250 tonnellate. Al posto, i decreti reali di contenuti religiosi ed etici erano solitamente intagliati. La più grande fama ha vinto il "Leone's Cap" dallo Stambay in Sarnata (Medio III secolo. BC). È come sosteggi fragili, quattro leoni. I capitali Abaca sono decorati con simboli di quattro lati del mondo - figure di rilievo dell'elefante, leone, cavalli e tori, tra loro - la "ruota della legge" (chakra) è un simbolo del simbolo di insegnamento del Buddha. "Lion Capita" è attualmente l'emblema dello stato della Repubblica dell'India.

Secondo la leggenda, il Buddha ha invitato i discepoli per ritirarsi dal mondo del Thiege. I primi templi e monasteri di Ashoka segnò l'inizio di un'architettura rock monolitica, che esisteva dal II secolo. AVANTI CRISTO e. Prima del VII secolo ANNO DOMINI

Una delle strutture più maestose del primo periodo - le marmellate di Karli con una lunghezza di 37,8 m e un'altezza di 13,7 m. All'interno, come altri templi, è diviso da due file di colonne su tre NEF longitudinali. Un francobollo monolitico è posto nel completamento semi-culinario della neopa centrale. Il flusso sparso di luce morbida è persa nel crepuscolo di un'enorme grotta piena con il fumo sizistico di fumo fragile. Il più famoso è creato in seguito, all'alba del Medioevo indiano, nell'era dei guetti, il complesso della grotta di Ajanta. Come una gigantesca ghirlanda, 29 templi e monasteri della caverna lungo la pura banca del fiume Waghora, Ajanta combina organicamente architettura, scultura e pittura,

Le prime strutture del buddismo non avevano immagini scultoree del Lawpower. All'inizio della nostra era, l'India era già strettamente collegata dal commercio con l'impero romano. Lo scambio di valori culturali ha contribuito all'aggiunta della nuova arte "Greco-Buddhist". La usanza romana della divinità dei governanti ha portato all'immagine nella scultura di re e alcune divinità nella posizione degli imperatori romani o di Fidiyevsky Zeus. La sintesi dell'antica e indiana nell'arte di Gandahara nell'immagine del grande insegnante e del Bodhisattvas, che ha raggiunto la perfezione, ma rimanendo volontariamente tra le persone ad istruirle. I canoni di scultura sono gradualmente piegati. Questo è particolarmente evidente nelle immagini del Buddha (quindi, le orecchie lunghe sono una delle 32 qualità inerente ad essa). Tuttavia, nonostante il quadro restrittivo dei canoni, i maestri senza riserve hanno cercato di individuare l'individualizzazione, la particolarità creativa.

Periodo III-V GBS, quando la dinastia Gupta è riuscita a unire il paese, è il fiorente della vita economica e culturale dell'India. Questo è un eccellente preludio per il Medioevo, l'età dell'oro, l'arte indiana. Questo è il classico periodo di poesia sanscrita e dramma, arte scenica, inestricabilmente legata con musica, canto e ballo.

I capolavori hanno riconosciuto il poema lirico "Vestnik" e il dramma "riconosciuto Shakuntala" il più grande poeta e il drammaturgo v c. Kalidasi. Il dramma racconta le prove dell'amore dei giovani lanci di Shakuntala e del re del Dicky. A nome del loro figlio, Bharata e il nome antico dell'India si è verificato - "Paesi Bharat". Poetry Kalidasi è una fonte vivace per molti poeti indiani e altri paesi finora. È stato conservato un po 'di estesa costruzione del tempio. La chiesa del grande illuminato "(Mahabothi) II-III secolo, costruito lì, dove, secondo la leggenda, Buddha sedeva sotto l'albero sacro nella notte dell'illuminazione, è una torre monumentale di 55 m di altezza decorata con scultura: la destinazione Del tempio sta cambiando, questo non è un luogo di raccolta che prega e la dimora del divino con la sua statua.

Nell'era dei gulti, vengono creati i famosi dipinti murali dei templi della caverna, ad ancordiali, applicati su uno strato di gesso di temperature di vernici di toni caldi e oleosi. Siamo rivelati al colorato mondo della vita, mitologia e storia, la natura dell'India, spesso i grafici sono tratti dai prese buddisti preferite. Ai capolavori di dipinti ad angoiamenti includono il pittoresco ritratto di Tsarevich Buddha - "Bodhisattva con loto" e la scena "morente principessa". Le immagini femminili Ajanta sono particolari, come se fossero riecheggiano con le immagini del poeta dell'eroina Kalidas. Ajanta è i monumenti di importanza mondiale e valore artistico, "queste sono grotte, dove e ora nella profonda oscurità della notte brucia la torcia della vita"; "I dipinti dell'Ajanta hanno lo stesso significato per la storia dell'Asia, Affreschi Kakalian per l'Europa" (M. Slengh). L'arte medievale dell'India è difficile in composizione, contraddittorie e separate. Nei secoli VII-VIII. Il brahmanism è di nuovo proposto, che in una nuova forma modificata è diventata nota come induismo. Le divinità principali erano Trinity - "Trimurti": Brahma - il creatore del mondo, Vishnu - il suo guardiano, Shiva - il cacciatorpediniere nel nome della creazione di uno nuovo; Varie forme di realizzazione di Vishnu - Krishna, Rama, Buddha; Il culto dei coniugi Shiva è diffuso - parvati; Ganesh con il corpo di un bambino e la testa di un elefante è un patrono di mercanti, studenti, autori, ecc.

Il più grande fattore di culto dell'induismo è il tempio shivaista del Kylisanath (VIII secolo), creato dal modo originale: nel pendio della montagna scolpita sotto forma della lettera "P", dallo array monolitico interno ed era "invano" da cima a fondo dell'edificio del tempio (lunghezza 61 m, 30 m altezza). La superficie è piena con sculture di divinità, bei fantastici e animali. "Nella caverna così tante immagini che possono essere onorate con un libro di mitologia indiana", ma questa abbondanza è sentita un po 'di sovraccarico, preoccupazioni di preoccupazione.

Nei secoli XI-XII. L'uso include lingue "novo indian" - hindi, urdu, bengalese, marathi. Antico Sanskrit rimane praticamente il linguaggio della scienza come latino del Medioevo europeo. In questo momento, sorge un nuovo tipo di templi della Torre - Shikhara, sulla forma di meloni che assomigliano alla frutta. Nonostante il fantastico look, il tempio fu costruito su canoni rigorosi. Questo è torrente su una piattaforma monolitica un tempio maestoso a Khad-Juraudo. Sotto l'influenza dell'estetica del Brahmanist del sacerdote, la scultura si allontana gradualmente dalle osservazioni immediate della vita, diventando sempre più canonica e distratta, esprimendo simbolicamente le idee dell'induismo.

Dal XIII secolo. I principati indiani sparsi sono soggetti all'invasione dei musulmani, portati con loro l'Islam e la sua estetica, ha influenzato attivamente l'arte dell'India quasi davanti al XIX secolo. C'erano nuove forme in architettura - Moschea, Minareto, Mausoleo. Più tardi c'è un'architettura medievale dell'India, un sintetizzante locale e portato, due stili si fondono in uno "indo-musulmano".

Per quanto successi, può essere giudicato dalla famosa Tomba Taj Mahal (1632-1650), che è meritatamente chiamata la perla dell'architettura indiana, "il poema in marmo", "Signore del cigno dell'architettura della Grande Mughal Era . Cupola del Mausoleo, come dicono gli indiani, sembra una "nuvola, riposando dal trono d'aria".

Il mausoleo è stato creato nell'ordine dell'imperatore Shah-Jahan in memoria della sua amata moglie Mumtaz-sventolando i migliori architetti dell'est.

Nell'era del Medioevo, l'arte delle miniature del libro arricchita con campioni iraniani fiorisce. Uno dei monumenti della Scuola di Clero - Babubername (XVI secolo), la vita di Sultan Babura, è tenuta nel Museo dello Stato dell'arte delle Nazioni dell'Est a Mosca.

Il mestiere artistico dell'India è uno dei più antichi del mondo. Questo paese è stato famoso per gustoso da cotone e lana fino ad oggi (apprezzati nell'antica Babilonia), infortuni in avorio e legno, lavorazione dei metalli (inseguimento, intaglio, filigrana, intarsio), gioielli e prodotti di vernice.

Colonizzazione inglese alla fine del XVIII secolo. Ha fermato lo sviluppo di architettura e scultura monumentale nazionale, ma sono stati conservati mestieri artistici locali. Schizzare la pittura e la scultura che ha sviluppato le tradizioni nazionali sono state in grado di rivivere solo con l'aumento del movimento di liberazione nazionale all'inizio del XX secolo.

La cultura artistica dell'India ha avuto un enorme impatto sui paesi del sud-est e dell'Asia centrale.

La cultura artistica della Cina ha circa cinque millenni nel suo sviluppo. Durante questo periodo sono state create molte opere d'arte. La grandezza della cultura cinese si è manifestata nel fatto che, nonostante gli shock storici, ha continuato a esistere, affidando a forti tradizioni nazionali. Al contrario, i conquistorie della Cina hanno perso la loro lingua madre e la scrittura, la caduta interamente sotto il suo impatto culturale. L'abbondanza dei monumenti dell'arte dell'antichità e del poro del periodo di mano della cultura medievale è veramente grande, nonostante le mostruose perdite. E attualmente in arrivo in Cina colpisce facilmente il collo del piede della modernità e la cultura antica conservata con cura.

Nel II Millennium BC. e. Insieme alle prime formazioni statali, le città sono apparse con il layout corretto, conservato nel Medioevo e in seguito fino ai giorni nostri. C'è una scrittura geroglifica, nel tempo, diventando un'arte grafica della calligrafia, che è entrata in una snella sintesi artistica con la pittura cinese. In questo momento, il simbolismo mitologico tradizionale e il parallelismo artistico della natura della natura e della vita di una persona si stanno sviluppando, che determina le caratteristiche poetiche dell'arte cinese e il suo richiedendo la lingua d'arte dell'apprendimento.

L'antico bronzo cinese II millennio è il mondo artistico finito. I vasi rituali di bronzo "Stile animale", che sono stati pagati in forme di argilla e hanno raggiunto il peso fino a 600 kg, sono stati trattati con tale accuratezza e virtuosismo dell'ornamento, che è l'abilità della loro fabbricazione e ora stupisce come una sorta di mistero.

Nel I Millennio, i cinesi hanno creato un calendario solare lunarly e il primo catalogo della stella del mondo. I più antichi insegnamenti filosofici appaiono - confucienismo e taoismo. Gli insegnamenti etici di Confucio con il culto di antiche tradizioni, antenati, la famiglia fu imposto al conservatorismo e alla cultura tradizionale, mentre il taoismo ha predicato il seguente "Tao" - il sentiero che riflette l'essenza della natura: variabilità e costante movimento delle forze, passando gradualmente nel loro opposto. Il taoismo ha influenzato il culto della natura nell'arte cinese, correlando tutte le azioni umane con i fenomeni della natura, scegliendo la natura del comportamento umano. "La virtù più alta è come l'acqua. Benefici d'acqua a tutti gli esseri e non combatte "- Una delle numerose scintille attribuite al leggendario fondatore del Taoism Lao Zi.

L'emergere della pittura cinese è preceduta dall'arte sviluppata della scultura sviluppata, i campioni di cui nel set sono stati trovati nelle antiche sepolture della nobiltà cinese dell'Impero Han, molti scienziati hanno iniziato l'inizio del dipinto cinese dai rilievi di Han con La loro composizione del fregio e la ricchezza di relazioni ritmiche di sagome aeree. Nel Medioevo (secoli III-IV. N. E.) La Cina fa parte delle tradizioni persistenti in vari campi della vita culturale.

La rinascita dopo l'invasione delle tribù nomadi, il rafforzamento e l'unificazione dello stato sulle basi feudale è stato anche facilitato dalla nuova ideologia, che proveniva dall'India - Buddhismo. Il primo medioevo cinese è il momento della relazione attiva tra la Cina con paesi e culture adiacenti, così come il tempo della ricerca artistica. Sotto l'influenza del buddismo, l'architettura monumentale, la scultura e la pittura dei monasteri rocciosi, i templi e le pagodas sorgono. Fucizzare antico e nuovo, i cinesi creano uno stile artistico solenne e insolitamente decorativo, che riflette lo spirito filosofico allegro della cultura medievale. Come un pittore, l'architetto cinese era un poeta e pensatore, possedeva un senso elevato ed esacerbico della natura. Il segreto dell'impressione insolitamente poetica dell'architettura della Cina è nella sua posizione abile non è isolata, ma in un ampio spazio della natura in modo che le foreste e i vertici lontani delle montagne sembravano parte di un'enorme grandiosità.

L'antico grande muro cinese è evidenziato sulla latitudine dei piani architettonici degli architetti cinesi (costruiti nei secoli secoli secoli. BC), uno dei monumenti più maestosi dell'architettura mondiale; Dopo pareti secolari, il muro ha superato i 3000 km. Il duro paesaggio delle montagne nord-cinesi è un consonanza armoniosa con la dura facilità di questa struttura strategica che difese la Cina da nord.

Oltre ai templi della grotta, costruiti nel corso dei secoli come peculiari musei di scultura medievale e pittura murale, monumenti commemorativi buddisti in onore dei santi e pellegrini sono notevolmente distribuiti - Pagoda.

Ricordando gli strumenti della torre indiana all'inizio, ai secoli VII VIII. Le pagode cinesi sono caratterizzate dalla chiarezza dei membri del Longline e dalla calma magy, mentre le strutture della torre del sud-est asiatico sono caratterizzate da gonfiore di forme plastiche in pietra, e in Oriente - l'infinita aspirazione degli aghi di avvolgimento dei minareti musulmani dei minareti musulmani. La pagoda più famosa del tempo dell'Impero di Tang - Danyan (grande pagoda delle oche selvatiche), alta 60 m, consiste di 7 restringersi uniformemente gli stessi livelli. Il sublime impulso spirituale e la mente sono stati combinati nella nobile semplicità e chiarezza di questa struttura.

Dal XV secolo, dopo l'espulsione dei mongoli, Pechino divenne la capitale della Cina, in Bajin cinese (Capitale del Nord), esistente per più di tremila anni. Il suo piano, grandi ensemble di palazzi, giardini e templi sono creati in antichi campioni e charter di costruzione. La città si trova secondo le regole di Geomantici "Fyn Shui" - un vecchio sistema di orientamento di edifici sul terreno, a seconda delle rose dei venti che scorrevano e delle catene montuose circostanti. Layout rigorosamente simmetrico delle autostrade e delle strade completa efficacemente i giardini ombreggiati e i parchi sulle colline sfuse, gli stroits dei laghi artificiali, che si estendono liberamente e pittoreschi. The Emperorsky Palace - "Forbidden City" - un favoloso labirinto di strutture architettoniche e giardino-parco. L'edificio principale del Palazzo - Taiha-Dyan - il padiglione di una maggiore armonia, come tutti i padiglioni in legno del palazzo, combina la semplicità e la logicità del design con la pittoresca elezione dell'arredamento. Dal XV secolo La città decora il maestoso ensemble del tempio del paradiso, associato ai recidi più antichi del cielo e dalla terra come un donatore del raccolto. L'edificio principale è il tempio della preghiera per il raccolto annuale - con una tripla tetto conico piastrellato in piastrelle a tre fili, colonne rosse e un'elevata terrazza rotonda bianca con rampe di marmo, snack su tutto l'ensemble, come un picco di montagna brillante della preziosa latta .

Scopo spaziale, peculiare all'architettura cinese dei secoli XV-XVII. E il risultato dell'esperienza di millenni, groviglio e nella gigantesca necropoli della dinastia Ming vicino a Pechino. Il percorso verso di esso sta attraverso un arco di marmo a cinque span - l'inizio del sentiero, e poi - il vicolo di ottantatore, la strada degli spiriti, che le figure di animali e guerrieri sono custodite dalle guardie della necropoli. Rango (cancelli, Templi, tombe e palazzi sotterranei, in ciascuno), come se fosse un'oasi verde tra le catene montuose; Luoghi di privacy, silenzio e pace.

La pittura come tipo di arte sincecore gode di un grande rispetto in Cina. Conservati dipinti dedicati poesie e trattati, descrizioni di dipinti e storie consolidate su maestri di pittura su secolare e culto, prima inestricabilmente interconnesso. La pittura di culto decora le pareti dei templi buddisti, secolari - rotoli di seta e pareti di palazzi. La pittura cinese è inestricabilmente legata alla poesia. La maggior parte dei pittori erano entrambi i poeti (al momento del Medioevo cinese dalla persona istruita, era necessario che fosse sia un poeta, sia un musicista, e un pittore, e spesso un filosofo). La combinazione di dipinti e iscrizioni è insolita per la percezione europea, e l'immagine costa completamente senza un fotogramma, sotto forma di scorrimento immagazzinato in scatole speciali e dispiegata in casi rari per considerazione. Apparentemente, alla svolta di una nuova era, è stata sviluppata questa forma di scorrimenti pittoreschi con due tipi. I rotoli verticali di solito non superano i 3 metri, mentre l'orizzontale (Panorama, una storia illustrativa: una serie di paesaggi, o una scena di vita urbana) raggiunge i 10 metri.

Il genere del paesaggio cinese è noto come uno dei più grandi successi dell'arte mondiale. L'artista cinese percepisce il paesaggio come parte di un mondo immenso e spazioso, come uno spazio grandioso, dove la personalità umana è sciolta nella contemplazione del grande, incomprensibile e lo spazio assorbente. Il pittore cinese raffigura la natura in due aspetti. Uno - scenario di montagne e acque - "Shanshui", il tipo di paesaggio classico cinese su lungo rotoli, dove non i dettagli sono importanti, ma la sensazione filosofica e poetica generale della grandezza e dell'armonia del mondo. L'altro è piuttosto, il genere di "colori e uccelli", quando su piccoli pergamene e fogli dell'album, vene e shirms dipinse un fiore, un uccello su un ramo, una scimmia con un giovane o una libellula sopra un fiore di loto. L'immagine è infinitamente vicina allo spettatore e allo stesso tempo, iscrizione a un'immagine singola e monopezzo della natura.

Molti trattati poetici sono dedicati all'arte del paesaggio. Nella "Segreta Rivelazione della Scienza della pittura" Si dice: "A volte nella foto solo a piedi (lunghi) paesaggio, scriverà centinaia di migliaia di miglia." Qui stiamo parlando delle peculiarità del promettente spazio di costruzione su rotoli verticali. L'autore dell'immagine come può contemplare la terra "Se un volo di uccello", motivo per cui l'orizzonte sorge a un'altezza straordinaria, - diversi piani del paesaggio sono altamente sollevati uno sopra l'altro, gli articoli più lontani sono i più alti. I piani del paesaggio sono separati da uno spazio acquatico o da una foschia nebbiosa; La svolta dell'aria tra loro condivide i piani anteriore e posteriore per la distanza, apparentemente infinita. Per rafforzare l'impressione della Grandiosnosi del mondo, il pittore si oppone continuamente alle piccole forme di grande (gli alberi sembrano enormi accanto alle minuscole figure di persone dal loro piede).

L'impressione della plausibilità conferisce una linea espressiva e premurosa ai più piccoli dettagli, creando un'immagine di un oggetto, la sua forma e il volume. Dai tempi antichi, i maestri cinesi combinavano tecniche lineari con la miglior sfumatura scenica, combinando la grafica e la pittura insieme. La pittura cinese è l'arte di un accenno di una fantasia di sveglia, questa è l'arte del dettaglio che si sviluppa nell'immagine filosofica del mondo, è profondamente poetica di spiritualità della natura e dell'uomo.

I cinesi con la sua fantasia più ricca, sollevarono millenni con un sottile gusto artistico creato grandi ed eccellenti tradizioni nell'arte applicata. Basta nominare la porcellana artistica cinese, che ha servito la valuta per molto tempo, essendo un monopolio e un segreto della Cina.

Non so come penetrare nel mistero della scrittura geroglifica, il mondo occidentale non conosceva quasi la poesia classica cinese per molto tempo. L'antico classico "Shizhin" è la pura fonte di ispirazione per i poeti cinesi degli ultimi due millenni - "Song Book", dove i testi sono raccolti su canzoni native e inni rituali dei secoli XII-VII. AVANTI CRISTO e.

Dal XVII secolo. I prodotti artistici cinesi penetrano in Europa, Cina e seta sono valutati dal peso dell'oro. L'influenza dell'arte cinese è tangibile nello stile di Rococò e nel paese, architettura del parco del XIX secolo, che era solo una stilizzazione superficiale. I più profondi dell'arte cinese con la tradizione europea romantica della poesia simbolica dei secoli XIX e XX. I poeti simbolisti hanno notato che la vecchia pittura cinese "lascia la realtà ai sogni nella realtà", gli artisti della Cina hanno la capacità di "incantare gli oggetti", li raffigurano con l'aiuto del sentimento, delle esperienze, dei ricordi.

L'arte del Giappone è un tipo d'arte storico indipendente. La sua comparsa è persa nei secoli. Per molto tempo, non c'era nulla di noto alla negoziazione dell'antico Giappone. Solo al secolo all'inizio. Sono stati trovati monumenti dei millenni II-I. e. Lungo periodo di antica cultura con IV mille a n. e. Quasi prima della nuova era, il Dzevel ("corda sentiero") è chiamato il metodo di produzione di antiche ceramiche. I vasi rituali erano per un uomo antico con una preziosa architettura della conoscenza del mondo, i suoi elementi, il magico collegamento della persona e dell'universo. Secondo i ricercatori, è per l'inizio dell'agricoltura appartiene alle figure di argilla - gli dei della fertilità del cane.

Si ritiene che il contributo più significativo alla cultura mondiale, il Giappone contribuì all'era del Medioevo feudale (da VI-VIII a metà del XIX B,), avendo sperimentato la forte influenza culturale della Corea e in particolare la Cina. Tutte le caratteristiche principali dell'arte cinese sono state sviluppate, tuttavia, la formazione di uno stile artistico nazionale era quello di superare l'impatto e portando ad un alto grado di perfezione degli individui presi in prestito nella specie d'arte della Cina. Una caratteristica distintiva della cultura giapponese è la sua democrazia. Di particolare importanza è stata attaccata alla decorazione dell'interno nelle abitazioni dei diversi strati della società.

In ciascuno dei periodi del lungo Medioevo, vengono creati opere artistiche eccezionali. Nei secoli VII-VIII. - Questi sono ensemble architettoniche e scultorei dei monasteri buddisti.

Nell'antica legge dei templi sono stati costruiti per 20 anni, poi furono distrutti e costruiti nuovi sullo stesso piano. I più antichi templi shintoti ("Sintoism" - il "percorso degli dei" la più antica religione politetica nazionale) costruita da legno prezioso. Buddismo, che dal VI secolo. Diventa una religione di stato, predeterminata la grande scala dell'architettura. Il tempio di Khoryuji, il Tempio d'oro vicino all'antica capitale di Nara e il più grande edificio in legno nel mondo - "Tempio Todaji. "Il grande tempio orientale", il principale santuario di stato con un'enorme statua in bronzo del Buddha dentro. I complessi del tempio buddista sono diventati il \u200b\u200bprototipo dei primi insediamenti urbani.

Nei secoli IX-XII. Appare e preoccupa il fiorente pittura giapponese - Yamato E. Su seta e carta, colori vivaci con l'aggiunta di oro e argento, artisti dipinti paesaggi, scene di corte, a volte illustrano i famosi romanzi dei loro contemporanei. Immagini sotto forma di pergamene orizzontali - Zkomono - considerato sul tavolo e il verticale - Kakomono - decorato le pareti delle stanze anteriori. Immagini di Yamato-E ("Pittura giapponese") Lascia l'impressione di un gioiello festivo.

Nell'era del Medioevo antico, sono create opere d'origine dell'architettura del paesaggio - famosi giardini giapponesi. Il più famoso "Giardino del Mukhov" e "Giardino delle Pietre" Buddhist a Kyoto (XVI secolo). Un peculiare composto di buddismo con un'antica religione ha contribuito alla formazione di estetiche tradizionali giapponesi - forme naturali e naturali. L'obiettivo è creare le migliori condizioni per la contemplazione e l'associazione di esperienza legate alla natura. Gli alberi furono coltivati \u200b\u200bin modo che abbiano contrastato nella forma e dal colore del fogliame, senza chiudere la notte pubblicata sulla luna. Palma avrebbe dovuto essere vicino alla finestra in modo che durante la pioggia per ascoltare la "musica delle goccioline", e le pietre della cascata nelle profondità del giardino erano così che il suono dell'acqua fosse sentito da lontano. In questi giardini che circondano i palazzi e i padiglioni, furono costruite capanne per conversazioni sulla poesia e sull'arte e tenendo famose cerimonie del tè - Tenuy. Uno dei padiglioni più famosi è il padiglione dorato di Kyoto (XV secolo).

Nei secoli XVII-XVIII. Creato lavori meravigliosi nel campo dei dipinti decorativi su shims e pareti di palazzi. L'accuratezza impeccabile delle linee sviluppata nella pittura ai documenti è iniziata nei murales del passaggio della garanzia della espressività di ciascuna silhouette, il rigoroso ordinamento ritmico dei punti di colore; La squisita decorata dei rotoli acquisiti qui i tratti della monumentalità.

La fase finale del Medioevo è stata contrassegnata da un fiorente della xilografia - incisione su un albero che serviva come cartellone teatrale, un libro illustrazione, un biglietto di auguri e solo decorazione della vita. La collettività della creatività, così come il virtuosismo dell'esecuzione di ogni colpo, la composizione totale e la gamma sonora dei colori Rodnith incisione con la pittura (Yamato-E) e l'arte decorativa. Maestri delle incisioni sono stati riconosciuti da Kitagawa Utamaro ("Sei famose bellezze") e Katsusik Hokusai ("Viaggiare attraverso le cascate di varie province").

L'estetica giapponese sostiene: "Tutto è inutile brutto". Pertanto, nell'interno giapponese, a differenza del minimo europeo degli articoli: se il vaso è, poi uno, un bouquet nello stile di Iketibana - uno, Shirma è uno, un rotolo con un'iscrizione calligrafica o con un singolo geroglifico sul muro - troppo da solo.

Specifico per il Giappone era l'arte decorativa di Netzke - figurine (catene chiave) dall'osso e dal legno, raffigurante il Dio della saggezza, poi una cycade su un foglio, poi la maschera della dea del divertimento. Generalmente l'abitante della città dei secoli XVII-XIX. Possedeva un'elevata cultura della percezione della convenzionalità nell'arte associata al simbolismo religioso e folcloristico, ed era circondato da un'arte panoramica e decorativa e applicata. Si è goduto nel teatro "Kabuki" con un gioco condizionale di attori, lui stesso ha composto trecento-hokka e il fivè e il carro armato, sapeva come apprezzare il capotavola poetico Mondaemon e Bas.

L'arte giapponese ha un impatto sull'Europa da circa il XVII secolo, quando i mobili in stile giapponese sono apparsi in Inghilterra.

Nel XIX secolo I fratelli francesi furono scritti da articoli entusiasti sull'arte giapponese, e presto "Japaupaua" diventa una moda di Parigi. Le grandi collezioni di incisioni giapponesi sono state raccolte dallo scrittore E. Zola, dei pittori E. Mana ed E. Degas. Otzvuki Esotic World è ascoltato in musica impressionistica K. Debussy. In Russia, la prima mostra dell'arte giapponese si è tenuta nelle sale della San Pietroburgo Academy of Arts nel 1896

La cultura artistica dell'India, la Cina e il Giappone è un fenomeno indipendente nell'arte mondiale, che si apre solo con uno studio profondo e una sottile penetrazione nel mondo artistico dell'est.

Università tecnologica dello stato del Caucaso del Nord

SAGGIO

Sull'argomento: "La storia dell'idea dell'umanesimo"

Gruppo dello studente ACSU 01-2

Barasheva Vasily.

Vladikavkaz, 2001.

Il termine "umanesimo" viene dal latino "umanitas" (umanità), che era ancora nella I B. AVANTI CRISTO. Dal famoso Romator Cicerone (106-43 aC). Per Himanitas è l'educazione e l'educazione di una persona che contribuisce alla sua elevazione.

Il principio dell'umanesimo destinato ad attribuire a una persona come un valore più alto, il rispetto della dignità di ogni personalità, il suo diritto alla vita, lo sviluppo libero, la realizzazione delle loro abilità e desiderio di felicità. L'umanesimo implica il riconoscimento di tutti i diritti umani fondamentali, approva il beneficio della personalità come un criterio più elevato per valutare qualsiasi attività sociale.

Come un tratto della cultura mondiale, l'umanesimo si è manifestato nel mondo antico. Già dall'era del regno antico in Egitto (III Millennium BC) a noi ci ha raggiunto il tipo di iscrizioni dei sacerdoti della Sheshi: "Ho salvato lo sfortunato dal più forte ... Ho dato il pane affamato, la veste nuda . Ho trasportato la barca senza averla. Ho seppellito non avendo il mio figlio ... "Un gran numero di testi simili indica l'esistenza di un forte getto umanistico, permeando la cultura dell'antico Egitto.

Gli antichi egizi riuscì a sviluppare meravigliosi principi del comportamento morale di un individuo, umanesimo. I libri di saggezza Amenmona testimoniano un livello molto elevato di moralità. Nella cultura antica egiziana, tutto è immerso nell'atmosfera della religiosità, ma allo stesso tempo, tutti allo stesso tempo ha radici potenti nelle profondità di puro umanità.

Come direzione in coltura, l'umanesimo sorto nel XIV secolo in Italia e diffuso nell'Europa occidentale dal XV secolo. Revival, o Rinascimento (da p. Renaitre - Reborn) è diventato una delle epoche più luminose nello sviluppo della cultura europea, coprendo quasi tre secoli dal centro del XIV secolo. fino ai primi decenni del XVII secolo. Era l'era di grandi cambiamenti nella storia dei popoli dell'Europa. Sotto le condizioni di alto livello di civiltà della città, il processo dell'origine delle relazioni capitaliste e la crisi del feudalesimo è iniziata, è iniziata le nazioni e la creazione di grandi stati nazionali, c'era una nuova forma di sistema politico - una monarchia assoluta, Sono stati formati nuovi gruppi pubblici di borghesia e la persona di lavoro assuncata. Il mondo spirituale dell'uomo è cambiato. L'uomo rinascimentale è stato coperto dalla sete di autoaffermazione, grandi risultati, coinvolti attivamente nella vita pubblica, ri-aprì il mondo della natura, cercava di comprendere profondamente, ammirato la sua bellezza. Per la cultura del Rinascimento, la percezione laica e la comprensione del mondo sono caratterizzate, l'approvazione del valore della Terra Essere, la grandezza della mente e le capacità creative di una persona, la dignità dell'individuo. La base ideologica della cultura del Rinascimento era l'umanesimo.

Gli umanisti si sono opposti alla dittatura della Chiesa cattolica nella vita spirituale della società. Hanno criticato il metodo della scienza scolastica, basata sulla logica formale (dialettica), respingeva il suo dogmatismo e la fede nelle autorità, schiacciando in tal modo il percorso per lo sviluppo libero del pensiero scientifico. Inizialmente, si è manifestato sotto forma di protezione dei valori secolari contro l'oppressione dalla Chiesa medievale ascetica. In alcune università italiane, sono tornati in un semi-libero e respinto nel Medioevo un antico patrimonio culturale e scientifico. Nel miglioramento della natura spirituale della persona, il ruolo principale è stato assegnato un complesso di discipline, costituito da grammatica, retorica, poesia, storia, etica. Solo queste discipline divennero la base teorica della cultura rinascimentale e ottenuto il nome "Studiahumanitatis" (Discipline umanitarie). Il concetto latino di "umanitas" intendeva quindi il desiderio di sviluppare dignità umana, contrariamente alla precisione a lungo termine del valore di tutto ciò che è associato alla vita umana. L'ideale è stato visto in armonia tra illuminato e attività.

Gli umanisti hanno chiesto lo studio della cultura antica, che la chiesa ha negato come pagano, percependo da esso solo che non contraddice la dottrina cristiana. Il restauro dell'antico patrimonio non era per loro di per sé, ma è servito come base per risolvere i problemi topici della modernità, per costruire una nuova cultura. L'origine della letteratura rinascimentale nella seconda metà del XIV secolo. Associato ai nomi di Francesco Petrorski e Giovanni Boccaccio. Hanno sostenuto le idee umanistiche della dignità dell'individuo, non lo tieding non con la difficilezza, ma con gli atti valorosi dell'uomo, la sua libertà e il diritto di godersi la gioia della vita terrena.

Il poeta dell'IFILOSOPHER Francesca Petrarca (1304-1374) è considerato all'unanimità dall'umanesimo. Petraka era il primo grande umanista, un poeta e un cittadino che riuscì a trascurare l'integrità della previsione del pensiero e combinarli nella sintesi poetica, che divenne il programma delle imminenti generazioni europee. Con il suo lavoro, è riuscito ad instillare in questa imminente generazione della coscienza occidentale e dell'Europa dell'Europa - anche se non sempre un chiaro - alcune unità spirituali e culturali, la cui beneficialità colpisce il nostro secolo moderno.

Nel suo lavoro - l'inizio di molti modi in cui lo sviluppo della cultura rinascimentale dell'Italia è andata. Nel trattato "sull'ignoranza dei tuoi e molti altri", respinge fortemente lo scolasticità intrinseco inerente al Medioevo, in relazione al quale proclamava dimostrativamente la presunta ignoranza, perché considera una tale borsa di studio della giornata perfetta del suo tempo.

Nel trattato menzionato, si manifesta un contributo fondamentalmente nuovo alla valutazione di un antico patrimonio. Secondo Petrarki, vieni ad una nuova fioritura della letteratura, arte, la scienza consentirà l'imitazione cieca dei pensieri di notevoli precursori, e il desiderio di salire alle altezze della cultura antica e allo stesso tempo di ripensare e continuare a superarlo . Questa linea, programmata da Petrarca, è diventata un patrimonio cortico principale in relazione all'umanismismo.

Il primo umanista credeva che il contenuto della filosofia genuina dovrebbe essere la scienza di una persona, e in tutta la sua chiamata saggia creativa per riorientare la filosofia su questo oggetto degno di conoscenza.

I suoi argomenti di Petraque deposero la fondazione per la formazione di un'auto-consapevolezza personale del Rinascimento. In modi diversi, la personalità consapevole di se stessi in modi diversi. La persona medievale è stata percepita dal più prezioso come una persona, più il suo comportamento corrispondeva agli standard adottati nella società. Attratto da solo attraverso l'inclusione più attiva nel gruppo sociale, alla Corporation, nell'ordine non valido della prodezza pubblica che richiedeva dall'individuo. L'uomo rinascimentale rifiuta gradualmente i concetti medievali universali, riferendosi a uno specifico individuo.

Gli umanisti producono un nuovo approccio alla comprensione di una persona, in cui il concetto di attività è un ruolo enorme. Il valore della personalità umana è determinato non per origine o affiliazione sociale, ma i meriti personali e la fecondità delle sue attività.

L'incarnazione vivida di questo approccio può servire, ad esempio, le attività versatili dei famosi Leonbattisti dell'Umanità Alberta (1404-1472). Era un architetto, un pittore, l'autore dei trattati sull'arte, formulato i principi della composizione pittorica - l'equilibrio e la simmetria del colore, dei gesti e dei personaggi pose. Secondo Albert, è consigliabile sconfiggere la vicinanza del destino solo con la propria attività. "Sconfiggi facilmente colui che non vuole annoiarsi. Tollera il capo del destino che è usato per obbedire. "

Tuttavia, sarebbe sbagliato idealizzare l'umanesimo, non notare le sue tendenze individualistiche. La creatività di Lorenzo Valya può essere considerata come individualismo genuino (1407-1457). Nel principale saggio filosofico di "onlase", una proprietà integrale di Human Valla proclama il desiderio di piacere. Il merito della stessa moralità è un beneficio personale. "Non riesco a capire come capire perché qualcuno vuole morire per la loro patria. Sono arrabbiato, come non vuoi, uccidere la loro patria, come se la morte non morirà e lei morirà ". Una posizione ideologica simile sembra asociale.

Pensiero umanistico della seconda metà del XV secolo. È stato arricchito con nuove idee, il più importante di cui è stata l'idea della dignità della persona, indicando le proprietà speciali di una persona all'avvelenamento con altre creature e la sua particolare posizione nel mondo. Giovanni Pico della Mirandola (1463-1494) Nel suo luminoso "discorso sulla dignità di una persona" lo colloca nel centro del mondo:

"Non ti diamo, su Adam, né del tuo posto, nessuna immagine definitiva, né doveri speciali, per il luogo, e la persona, e le mansioni che hai a tua richiesta, secondo la tua volontà e la tua decisione".

È sostenuto che Dio (contrario alla Chiesa dogma) non ha creato una persona nella sua immagine e somiglianza, ma gli ha fornito l'opportunità di creare se stesso. Il culmine dell'Andantropocentrismo umanistico diventa l'idea di Pico che la dignità di una persona è conclusa nella sua libertà: può essere una campagna.

Glorificando il potere di una persona e della sua grandezza, ammirando le sue incredibili creazioni, il pensiero dell'era rinascita inevitabilmente arrivò al riavvicinamento di una persona con Dio.

"Una persona addomesticata e vince il mare, conosce il periodo di tempo ... Inoltre, gira la notte con una lampada da ingua. Infine, la divinità di una persona ci rivela la magia degli Stati Uniti. Ci sono le mani di un uomo con le mani - come quelle che possono creare la natura e quelle che solo Dio può creare ".

In tale ragionamento, Dzhannozzo Manetti (1396-1472), Martyo Fechino (1433-1499), Tommaso Campanella (1568-1639), Pico (1463-1494), ecc. Le caratteristiche più importanti dell'antropocentrismo umanistico si sono manifestate - una tendenza per Deifica uomo.

Tuttavia, gli umanisti non erano né eretici né atei. Al contrario, nella maggioranza travolgente rimase credenti. Ma se la visione del mondo cristiana sosteneva che Dio dovrebbe stare sul primo, e poi un uomo, gli umanisti avanzarono una persona alla ribalta, e poi parlava di Dio.

La presenza di Dio nella filosofia di persino i pensatori costruiti più radicali del Rinascimento avrebbe dovuto stare insieme un atteggiamento critico nei confronti della Chiesa come istituto sociale. La visione del mondo umanistico, quindi, include la janticleric (dal lat. Viste anti-contro, clericicalis - chiesa), cioè le opinioni dirette contro le attrazioni di Acercy e il clero per il dominio nella società.

Nelle composizioni di Lorenzo Valya, Leonardo Bruni (1374-1444), Podzhio Braccholini (1380-1459), Erasca Rotterdam (1469-1536), ecc. Contiene esibizioni contro il potere secolare del Popolo, l'esposizione delle vitti del servi della Chiesa e della depravazione morale del monachesimo. Tuttavia, questo non è un supplemento di umanisti per diventare servitori della Chiesa, e due di loro -Mommazo Parentachelli e Enia Silvio Piccolomini - è stato eretto nel XV secolo. sul trono papale.

Devo dire che fino alla metà del XVI secolo. Pursuit degli umanisti della Chiesa cattolica - il fenomeno è estremamente raro. Le opere della nuova cultura laica non avevano paura dei falò dell'Inquisizione e sono stati ascoltati da buoni cristiani. E solo la Riforma - (da Lat.Reformatio - Trasformazione) Movimento per l'aggiornamento della fede, indirizzata al Papato - ha costretto la Chiesa per andare all'offensiva.

Relazione relazioni e rinascimento contraddittorie. Da un lato, gli umanisti del Rinascimento e dei rappresentanti della Riforma della Antipara per Scholastics, la sete di rinnovamento religioso, l'idea di tornare alle origini (in un caso - ad antico, nell'altro - a Evangelico). D'altra parte, la Riforma è una protesta contro l'esaltazione rinascimentale di una persona.

In totale, questa incoerenza si manifesta rispetto ai punti di vista del team generico della Riforma di Martin Lutero e dell'Erasma dell'Umanità olandese Rotterdam. I pensieri di Erasma spesso riecheggiano con gli argomenti di Lutero: questo è un aspetto sarcastico ai privilegi dei gerarchi cattolici e osservazioni pungenti sull'immagine dei pensieri dei teologi romani. Ma si disperdono in relazione alla libertà di volontà. Lutero difese l'idea che una persona non avesse nulla di fronte a Dio, né alla dignità. Solo se una persona si rende conto che non può essere il creatore del suo destino, può scappare. E l'unica e sufficiente condizione di salvezza è la fede. Per l'erasma, la libertà umana significava non meno di Dio. La Scrittura per lui è una chiamata affrontata da Dio a una persona, e quest'ultimo risponderà a lui o no.

Ad ogni modo, l'era del Rinascimento, sostituita dal Medioevo, "toccato" l'etica cristiana e ha contribuito all'ulteriore sviluppo dell'umanesimo.

Lo sviluppo di idee dell'umanismo in Russia.

Già ai primi significativi poeti russi del XVIII secolo - Lomonosov e Derzhavin - troviamo il nazionalismo secolari, collegato all'umanismismo. Non c'è più il Santo Rus, ma il grande Rus li ispira; Eros National, l'uso della magnitudine della Russia riguarda l'esistenza empirica della Russia al di fuori di tutta la giustificazione storiosofica. In questo appello alla Russia, c'è, naturalmente, la reazione contro il cieco culto dell'ovest e l'atteggiamento sprezzante nei confronti dell'intero russo, che era così vivacemente manifestato nella tenuta russa. Lomonosov era un patriota caldo e credeva che:

Può possedere Platonov.

E una rapida mente di sciocchezze

La terra russa partorisce.

Derzhavin, il vero "cantante della gloria russa", protegge la libertà e la dignità dell'uomo; Nei versi scritti sulla nascita del nipote di Catherine II (il futuro dell'imperatore Alexander I), esclama:

Se le passioni del tuo Signore,

Essere sull'uomo del trono.

Questo motivo del puro umanesimo è sempre più il nucleo di cristallizzazione della nuova ideologia. Per non fermarti in materiale incommensurabile, qui siamo collegati, dimoremo solo ai due brillanti rappresentanti dell'umanesimo russo del XVIII secolo - Novikov e Radishchev.

Novikov (1744-1818) è nato nella famiglia di un povero proprietario terriero, ha ricevuto una formazione piuttosto debole della casa, ma molto lavorato sulla sua auto-educazione. A 25 anni, ha preso la pubblicazione della rivista ("drone"), in cui si è manifestata con un uomo di un grande pubblico, un appassionato accusatore di vari innocenti della vita russa, un idealista caldo. Combattere con culto cieco dell'ovest, ridicando la crudele morale della vita russa di quel tempo, il nuovo dolore scrive sul gravit dei contadini russi. Il lavoro del pensiero era sotto il segno della reazione agli anni "Wessengers" e lo sviluppo di una nuova autocoscienza nazionale. Ma nell'umanesimo del XVIII secolo, i russi iniziano sempre più a spostare la principale importanza della moralità e persino predicato il campionato della moralità sulla mente. Nei sogni pedagogici, così vicini in Russia del XVIII secolo al piano utopico per la creazione di una nuova razza di persone, "lo sviluppo di un cuore esistente", e non motivo, lo sviluppo di "intonificante del bene" è stato proposto al primo posto. Fonvizyn nel "poco costoso" esprime tale Aborismo: "La mente, dal momento che è solo la mente, - il cinturino molto; il prezzo diretto della mente dà riluttanza". In queste parole, il moralismo è in genere espresso, come una nuova caratteristica della coscienza russa.

Passiamo ad un'altra luminosa espressiva dell 'umanesimo russo del XVIII secolo - A. N. Radishchev, da cui troveremo ancora più contenuti filosofici.

Il nome di Radishchev è circondato da un alone di martirio (anche come Novikov), ma, inoltre, per le generazioni successive dell'Intelligianza russa, Raishchev divenne una specie di banner, come un umanista luminoso e radicale, come un hot sostenterlo di un primato di un problema sociale.

Di fronte a Raishchev, abbiamo a che fare con un serio pensatore, che sotto altre condizioni potrebbe dare un sacco di preziosi nella regione filosofica, ma il suo destino era sfavorevole. La creatività di Radishchev ha ricevuto l'illuminazione unilaterale nelle generazioni successive - si è trasformato in un "eroe" del movimento radicale russo, in un brillante combattente per la liberazione dei contadini, un rappresentante del nazionalismo rivoluzionario russo. Tutto questo, ovviamente, era in esso; Il nazionalismo russo, e prima che sia secolarizzato, Radishchev assorbe le conclusioni radicali della "legge naturale", diventa un sedilerio di quell'enzima rivoluzionario che si manifesta per la prima volta da Rousseau per la prima volta.

Il destino pesante di Radishchev gli dà il diritto all'attenzione esclusiva degli storici del movimento nazionale russo nel XVIII secolo - è indubbiamente la cima di questo movimento, come un rappresentante luminoso e caldo del radicalismo. La secolarizzazione del pensiero era in Russia il XVIII secolo molto rapidamente e ha portato al radicalismo laico dei discendenti di coloro che erano abituati al radicalismo della Chiesa. Radishchev più luminoso di altri, in qualche modo più di altri si affidarono alle idee della legge naturale, che nel XVIII secolo si fermò con la Russia, con critiche del moderno inappropriato. Ma, naturalmente, Radishchev non è solo in questo - è solo più luminoso di altri ha espresso una nuova ideologia, ha approvato fulfiguamente il primato di un argomento sociale e morale nella costruzione di una nuova ideologia. Ma Radishcheva deve essere inserito principalmente in relazione all'ultimo compito - con lo sviluppo di ideologia libera, extracurrica e secolarizzata. La conferma filosofica di questa ideologia è stata sulla coda - e il Radishchev cerca prima di dare una sua sostanza indipendente (ovviamente, affidarsi ai pensatori dell'ovest, ma loro sintetizzandoli a modo loro). Sviluppare all'interno dei confini del nazionalismo e dell'umanesimo, Radishchev penetrerà la calda Pathos della libertà e il restauro dell'ordine "naturale" delle cose.

Nella mobilitazione spirituale delle forze creative della Russia ha svolto un enorme ruolo della Massoneria russa dei XVIII e dei primi secoli XIX. Da un lato, attraeva persone che cercano un contrappeso alle correnti atei del XVIII secolo, e in questo senso, l'espressione delle esigenze religiose del popolo russo di questo periodo. D'altra parte, la Massoneria, la fascia con il loro idealismo e nobili sogni umanisti di servire l'umanità, per sé il fenomeno dell'estinzione della religiosità, libera da tutta l'autorità della Chiesa. Catturando gli strati significativi della società russa, la Massoneria, indubbiamente sollevato movimenti creativi nella doccia, era una scuola di umanesimo e allo stesso tempo risvegliava gli interessi mentali. Dando lo spirito ampio e dall'aspetto libero, la Massoneria licenziata dalla convalida russa superficiale e volgare.

L'umanesimo che mangia dalla Massoneria, accediamo già alla figura N. I. Novikov. La base di questo umanesimo era la reazione contro l'intellettualismo unilaterale dell'era. L'amata formula era l'idea qui che "l'illuminazione senza un ideale morale porta il veleno". Qui, naturalmente, c'è una vicinanza alla predicazione di Rousseau, per cantare sentimenti - ma c'è un'eco e la corrente nell'Europa occidentale, che era associata a moralisti inglesi, con la formazione di una "persona estetica" (specialmente in Inghilterra e Germania), cioè con tutto ciò che ha preceduto la comparsa del romanticismo in Europa. Ma qui, naturalmente, ha influenzato i vari flussi occulti, sollevò la testa appena in mezzo all'illuminazione europea. Nell'umanesimo russo associato alla Massoneria, i motivi sono stati giocati puramente morali. A questo proposito, l'umanesimo del XVIII secolo è in una stretta connessione con la patimonia morale del giornalismo russo del XIX secolo.

Passando alle tendenze religiose e filosofiche in Massoneria, notiamo che la Massoneria si applica dal nostro secolo di Mid-XVIII - al regno di Elizabeth. La società più alta russa di questo periodo è già stata finalmente allontanata dalla sua antichità nativa. Alcuni di loro erano appassionati di "freddezza" economica, come esprimevano i Boltons, qualcuno è andato agli interessi nazionalisti, in puro umanesimo, occasionalmente - in formazione scientifica (specialmente la storia russa). Ma c'erano persone e altri magazzini che avevano richieste spirituali e ha sperimentato dolorosamente il vuoto creato con una partenza dalla coscienza della Chiesa. I successi della Massoneria nella Società russa hanno dimostrato che c'erano molte persone simili: la Massoneria li ha aperti la via per una vita spirituale concentrata, per un idealismo serio e genuino e persino alla vita religiosa (fuori dalla Chiesa, tuttavia). Nella traduzione e nella letteratura originale massonica, il principale tema religioso e filosofico è abbastanza chiaro: la dottrina della vita più intima nell'uomo, sul senso più intimo della vita in generale. Qui, interesse teorico e pratico si è fuso insieme; L'attrattiva speciale di questo mystifsi è stata attaccata alla sua indipendenza dalla dottrina ufficiale della Chiesa, e allo stesso tempo, ovvia superiorità, rispetto agli insegnamenti scientifici e filosofici a piedi dell'era. Per la società russa, gli insegnamenti, che sono stati aperti in muratura, sono stati dimostrati dalla manifestazione di precisamente - nel suo flusso più profondo. La massoneria, come l'intera cultura secolarizzata, creduta nella "età dell'oro di fronte", per progredire, ha definito la creatività, alla "filantropia". Nella massoneria russa, sono state formate tutte le caratteristiche principali del futuro intelligentia intelligentia "avanzato" - e in primo luogo c'era un primato di moralità e la coscienza del debito per servire la società, in generale idealismo pratico. Era il percorso della vita ideologica e l'ideale per servire efficace.

Nella moderna filosofia, con cambiamenti nella vita e nei pensieri, che si sono verificati dalla fine del XIX secolo con un'accelerazione crescente, molti principi, compreso l'umanesimo classico, sono stati interrogati.

Il peculiare umanesimo della nuova ondata sembra essere la filosofia dell'esistenzialismo (da LateLatinsky Existentia - esistenza). Martin Heidegger divenne il padre del pensiero esistenziale per il moderno esistenzialismo. Aveva un'influenza decisiva sull'esistenzialismo francese.

La tesi centrale dell'esistenzialismo è la dichiarazione secondo cui "Essenza dell'essere umano è la eksistenza, in un crimine", in uscita di tutte le altre creature e .. Questo significa non solo quello che volevo mostrare Sartre nella composizione "L'esistenzialismo è L'umanesimo, "una persona è aperta al mondo, e non aprendo la predestinabilità ... ma anche che dentro di sé è una persona - una costante pre-passo, una confusione infinita.

Hydegger si oppone al suo concetto al tradizionale umanesimo in forma razionale e ottimistica dei secoli XVIII-XIX, nonché la forma dogmatica di approvazione dei valori invariati. Tuttavia, l'umanesimo, confuta non nel nome dell'antigumanismo, ma nel nome della eksistence di una persona, la sua incompletezza, la sua conoscenza creativa.

Esistenzialismo - la filosofia di duro e sobria, al centro della sua ricerca costa una persona che è diventata l'esperienza di due guerre mondiali ideologia ostili, una persona le cui forze solo sufficienti da esistere e perseguire l'unico obiettivo: esternamente e internamente affronta il peso del suo destino.

L'umanesimo ha portato al riconoscimento del pensiero etico dell'intrinsieme della persona umana e della vita terrena. Quindi, le idee della felicità, della giustizia e della parità di persone sono state gradualmente sviluppate. Volto o involontariamente, ma la corrente umanistica del Rinascimento ha contribuito all'approvazione dei diritti personali e, in particolare, riconoscendo il diritto a una vita felice. Non è essere sorpreso che in futuro, l'umanesimo fosse stato biologico organicamente trasformato nell'umanità, promuovendo la morbidezza nelle relazioni, nella compassione, nella misericordia, della cordialità e con il tempo e la tolleranza per i dissidenti. Molti flussi filosofici hanno assorbito caratteristiche dell'umanesimo. L'umanesimo come fenomeno si è rivelato un sistema di viste storicamente cambiato. Osservare nell'arte, ha aperto la strada per la scienza, la rivoluzione scientifica e tecnica, ha contribuito al boom economico, all'istruzione, alle trasformazioni sociali e alle rivoluzioni.

Lista di referenze:

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