Holland XVII ha dato la pace senza precedenti nella storia del mondo della costellazione di grandi artisti. Questo non era prima. Questo non era dopo. Rembrandt ingegnoso impensabile. È il primo in un certo numero di artisti olandesi, tra le altre cose, a causa della sua super-tecnologia, super-pittura. Per fare questo, vale la pena guardare la "donna di balneazione" di Londra, o l'eremitage "flora" (e questo non sto toccando il tema del più importante umanesimo, il più bello psicologismo, incredibile inventario, più profonda auto-riflessione , esperienze come un'altra). Dal mio punto di vista, e in effetti oggettivamente, Rembrandt è un artista numero uno nella storia dell'umanità. Vermeer con la sua prigionia, colore pulito, mistico silenzioso. F. Hals con il suo pizzo antisommossa, incresparsi. Terbino con i suoi fluidi, trame di tessuti e crepuscolo. Metasu con il suo qualche tipo di eternamente non attaccato, ma ovunque rompere e stupida pittura assoluta. Gobbema con il suo ritmo speciale, una persona molto speciale firmata in natura. I. Reydal con la propria monumentalità ingenua, qualche speciale capacità di riconoscere nel posto Arena per la battaglia, una tendenza molto strana all'ornamentalità. Potter con la sua fiducia fotografica e i dettagli fisiologici inappropriati per sempre. Hech (up-aristocratico) con i suoi idoli e esperimenti di fantasia della geometria di stato familiare. Posso elencare molti più artisti non meno significativi e magistrali, Bercher, Peynaker, Miris, Calph, Beyen, Heba, Ast, Witte, Doe, Fabrichius, Mas, Hogstraten, Golder, Flink, Wauveman, Goyen, Pareti, Head e eccetera. ecc. ... ma anche in questa fila "piccola" ci sono un numero molto piccolo di artisti. Li chiamo "silenzioso" per me stesso. Tutti hanno sperimentato l'influenza di Peter de Hoha. Hanno dipinto il silenzio. Erano molto magistrali. Non tutti sono nell'eremo. Ma le eremitative opere del loro lavoro possono essere attribuite al numero dei più importanti. Ascoltali.
Jacob Vronel.
Eremo

Da altri musei.












Isaia Bursa.
Eremo

Olanda. 17 ° secolo. Il paese sta vivendo un fiorente fiorente senza precedenti. La cosiddetta "età dell'oro". Alla fine del XVI secolo, diverse province del paese hanno raggiunto l'indipendenza dalla Spagna.

Ora i Paesi Bassi Simplystan andarono a modo loro. E le fianchette cattoliche (l'attuale Belgio) sotto l'ala della Spagna - sono propri.

In Olanda indipendente, dipinto religioso quasi nessuno necessario. La chiesa protestante non ha approvato il lusso della decorazione. Ma questa circostanza "giocava sulla mano" della pittura laica.

L'amore per questo tipo di arte si è svegliato letteralmente ogni residente del nuovo paese. L'olandese voleva vedere la propria vita nelle immagini. E gli artisti si avvicinarono volentieri per incontrarli.

Mai aver mai raffigurato la realtà circostante. Gente comune, camere ordinarie e la colazione più ordinaria del cittadino.

Il realismo fiorì. Fino al XX secolo, sarà un degno concorrente per l'accademismo con le sue ninfe e le sue dee greche.

Questi artisti chiamano il "piccolo" olandese. Perché? Le immagini erano di piccole dimensioni, perché sono state create per piccole case. Quindi, quasi tutte le immagini di Jan Vermeer in un'altezza di non più di mezzo metro.

Ma mi piace più un'altra versione. Nei Paesi Bassi nel 17 ° secolo vivevano e ha lavorato il grande Maestro, il "Big" Dutchman. E tutti gli altri rispetto a lui erano "piccoli".

Stiamo parlando, ovviamente, su Rembrandte. Da lui e inizio.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Autoritratto di 63 anni. 1669 Galleria nazionale di Londra

Rembrandt è stato in grado di sperimentare la gamma di emozioni più ampie durante la sua vita. Pertanto, nei suoi primi lavori così tanto divertimento e Bravadas. E così tanti sentimenti complessi - in seguito.

Qui è giovane e deluso nella foto "The Blind Figlio in Taverna". Sulle ginocchia - l'amata moglie Saskovia. È un artista popolare. Gli ordini versano il fiume.

Rembrandt. Il figlio prodigo nella taverna. 1635 Galleria di Vecchi Maestri, Dresda

Ma tutto questo scomparirà dopo circa 10 anni. Sasquia morirà di consumare. La popolarità si dissolverà come fumo. La grande casa con una collezione unica sarà presa per i debiti.

Ma lo stesso Rembrandt apparirà, che rimarrà il secolo. Grandi sentimenti di eroi. I loro pensieri più intimi.

2. Francia Hals (1583-1666)

Francia Hals. Auto ritratto. 1650 Museo Metropolitan, New York

Francia Hals è uno dei più grandi ritratti di tutti i tempi. Pertanto, lo considererei anche per il "grande" olandese.

In Olanda, in quel momento era consuetudine ordinare i ritratti di gruppo. Così tante opere simili sono apparse con l'immagine delle persone che lavorano insieme: le frecce della stessa gilda, i dottori di una città, gestendo la casa di riposo.

In questo genere, Hals ha assegnato la maggior parte di tutti. Dopotutto, la maggior parte di questi ritratti erano come un mazzo di carte. Le persone sono sedute al tavolo con la stessa espressione del viso e semplicemente guardano. Hals aveva diversamente.

Guarda il suo ritratto di gruppo della "Gilda della freccia di St. Giorgio.

Francia Hals. Frecce gilda hild. Giorgio. 1627 Museo di Francia Hals, Garel, Paesi Bassi

Qui non troverai una singola ripetizione nella posizione o nella espressione del viso. Allo stesso tempo, non ci sono caos. Ci sono molti personaggi, ma nessuno sembra essere superfluo. A causa del posizionamento sorprendentemente corretto delle figure.

Sì, e in un singolo ritratto Hals ha superato molti artisti. I suoi modelli sono naturali. Le persone della società più alta dei suoi dipinti sono prive di ingrandimenti contrastati, e il modello dal fondo non sembra umiliato.

E i suoi eroi sono molto emotivi: sorridono, ridono, gesticolano. Come, ad esempio, è una "zingara" con un look allentato.

Francia Hals. Gypsy. 1625-1630.

Hals, come Rembrandt, ha finito la vita in povertà. Per la stessa ragione. Il suo realismo è venuto contro i gusti dei clienti. Chi voleva che il loro aspetto abbellisca. Hals non è andato in frank adulazione, e quindi ha firmato una frase - "Oblivion".

3. Gerard Terborh (1617-1681)

Gerard Terboro. Auto ritratto. 1668 Royal Gallery MauritShais, Aia, Paesi Bassi

Terboro era un mago di un genere domestico. Ricco e non molto Burghers stanno lentamente parlando, le signore leggono le lettere, e il pioniere sta guardando il corteggiamento. Due o tre figure strettamente disposte.

Era questo maestro che ha funzionato i canoni del genere domestico. Che poi preso in prestito da Yang Vermeer, Peter de heh e molti altri "piccoli" olandesi.

Gerard Terboro. Bicchiere di limonata. 1660. State Hermitage, San Pietroburgo

"Il bicchiere di limonata" è una delle famose opere di Terborch. Può vedere ancora un vantaggio dell'artista. Immagine incredibilmente realistica del tessuto del vestito.

C'è Terboro e lavoro insolito. Cosa parla del suo desiderio di andare oltre le esigenze dei clienti.

Il suo "smerigliatore" mostra la vita degli abitanti più poveri dell'Olanda. Siamo abituati a vedere cortili accoglienti e camere pulite nelle immagini di "Piccolo" olandese. Ma Terboro ha osato mostrare antiestetico Olanda.

Gerard Terboro. Macinino. 1653-1655. Musei governativi Berlino.

Come capisci, tali lavori non erano richiesti. E sono un fenomeno raro anche a Terborh.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jan Vermeer. Laboratorio dell'artista. 1666-1667. Museo della storia dell'arte, Vienna

Ciò che Yang Vermeer ha guardato, non è riconosciuto in modo affidabile. È solo ovvio che si è ritratto nel dipinto "Artist's Workshop". Vero dalla parte posteriore.

Pertanto, è sorprendente che un nuovo fatto dalla vita del Maestro sia diventato recentemente noto. È collegato con il suo capolavoro "Delft Street".

Jan Vermeer. Delft Street. 1657 Museo del governo ad Amsterdam

Si è scoperto che l'infanzia di Vermeer è passata su questa strada. La casa raffigurata apparteneva a sua zia. Ha sollevato i suoi cinque figli in esso. Forse si siede sulla soglia con cucito, e due dei suoi figli giocano sul marciapiede. Vermeer stesso viveva in casa di fronte.

Ma più spesso ritrae la situazione interna di queste case e i loro abitanti. Sembrerebbe che le trame dei dipinti siano molto semplici. Ecco una signora Miloid, un town to neoncino protetto, controlla il lavoro delle mie scale.

Jan Vermeer. Donna con pesi. 1662-1663. Galleria nazionale d'arte, Washington

Cosa distinguerò Vermeer tra migliaia di altri "piccoli" olandesi?

Era un maestro leggero insuperabile. Nella foto "Donna con pesi" avvolge dolcemente il volto dell'eroina, tessuto e pareti. Dare una spiritualità insopportabile raffigurata.

E le composizioni dei dipinti vermeer vengono accuratamente recuperati. Non troverai dettagli in eccesso. Basta rimuovere uno di loro, il dipinto "crollare" e la magia andrà via.

Tutto ciò è stato dato a Vermeleu non è facile. Tale straordinaria qualità richiedeva il lavoro scrupoloso. Totale 2-3 immagini all'anno. Di conseguenza, l'incapacità di nutrire la famiglia. Vermeer ha lavorato come rivenditore d'arte, vendendo il lavoro di altri artisti.

5. Peter de heh (1629-1884)

Peter de heh. Auto ritratto. 1648-1649. Reyxmuseum, Amsterdam.

Hoha spesso confrontato con vermeer. Hanno lavorato in una volta, anche c'era un periodo che in una città. E in un genere - domestico. A Hoha, vediamo anche una o due figure negli accoglienti cortili o speciali olandesi.

Le porte e le finestre aperte rendono lo spazio dei suoi dipinti multistrato e divertenti. E le figure sono inscritte in questo spazio molto armoniosamente. Come, per esempio, nella sua foto "il servo con una ragazza nel cortile".

Peter de heh. La cameriera con la ragazza nel cortile. 1658 Galleria nazionale di Londra

Fino al 20 ° secolo, l'ech è stato valutato molto alto. Ma le piccole opere del suo concorrente di Vermeer sono pochi che notarono.

Ma nel 20 ° secolo tutto è cambiato. Slava Hoha Faming. Tuttavia, i suoi risultati nella pittura sono difficili da riconoscere. Pochi, chi potrebbe concordare con competenza l'ambiente circostante e le persone.

Peter de heh. Giocatori sulla mappa nella stanza del sole. 1658 Royal Art Assembly, Londra

Si prega di notare che in una casa modesta sui "giocatori in mappe" può appendere un'immagine in una cornice di nota.

Questo ancora una volta parla di come tra il normale pittura olandese era popolare. I dipinti erano decorati con ogni casa: sia la casa del ricco hamburger, sia un modesto cittadino, e persino un contadino.

6. Yang Walls (1626-1679)

Muri yang. Autoritratto con liuto. 1670. Museo di Tissen-Bornemis, Madrid

Yang Walls, forse, il più allegro "piccolo" olandese. Ma morali amorevoli. Spesso raffigurava taverne o povere case in cui c'era un vizio.

I suoi personaggi principali - passeggiate e signore di facile comportamento. Voleva intrattenere lo spettatore, ma lo avvertì in modo imputuito dalla vita viziosa.

Muri yang. Kavardak. 1663 Museo della storia dell'arte, Vienna

C'è un muro e un lavoro più tranquillo. Come, ad esempio, la "WC del mattino". Ma qui l'artista sorprende lo spettatore troppo elementi franchi. Qui e tracce dalla calza Gum, e non una pentola notturna vuota. Sì, e in qualche modo per niente dal modo in cui il cane si trova proprio sul cuscino.

Muri yang. WC del mattino. 1661-1665. Reyxmuseum, Amsterdam.

Ma nonostante tutto il frivolezza, le soluzioni a colori del muro sono molto professionali. In questo, era superiore a molti "piccoli olandesi". Guarda quanto la calza rossa è perfettamente combinata con una giacca blu e un tappeto brillante beige.

7. Jacobs Wang Reydal (1629-1882)

Ritratto di un raisdale. Litografia del libro del XIX secolo.

Arte

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Qualcuno ha calcolato che sarebbe necessario trascorrere otto anni per aggirare l'intero Eremo, pagando solo un minuto per l'ispezione di ogni mostra. Quindi, partendo per nuove impressioni estetiche in uno dei principali musei del paese, è necessario fare scorta di tempo sufficiente e umore appropriato.

Il principale museo dell'Hermitage è una combinazione di cinque edifici costruiti in momenti diversi con vari architetti per scopi diversi, e collegati di conseguenza tra loro, ma visivamente distintamente distintamente nel colore delle facciate (specialmente bene, può essere osservato dalle frecce di L'isola Vasilyevsky): Palazzo d'inverno - Creazione Bartalameo Rastrelli, l'imperatrice di Erizabeth creata, poi c'è un piccolo eremo. Teatro.

Obbligatorio per visualizzare i capolavori sono contrassegnati nel Piano del Museo da parte dei Arrorders e delle immagini - In linea di principio, questa è la via tradizionale della maggior parte delle guide e dei turisti.

Di seguito l'elenco ottimale dell'Hermitage deve vedere.

Un classico percorso di escursione sul Museo principale dell'Hermitage inizia con la scala giordana, o, come è ancora chiamata - l'ambasciata (era su di esso un nobile ospite visita gli imperatori e i messaggeri delle potenze straniere). Dopo il bianco con la scala in marmo oro, la strada si divide: in avanti e in lontananza, un imfilade delle sale anteriori, la zona maresciallo a sinistra. Le sale frontali che si estendono lungo la Neva, sembrano un po 'deserte e oggi sono usate per posizionare mostre temporanee. A sinistra inizia la seconda anfilade delle anteriori sale, riposando in una stanza del trono, che in contrasto con la scala anteriore sembra abbastanza modesta.

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Parte del primo piano dove è possibile ottenere, discendere dalla scala di ottobre (direttamente dagli impressionisti), è dedicata all'arte degli antichi abitanti dell'Asia - Scittici. Nella stanza 26 presenta cose abbastanza ben conservate dal materiale organico, trovato durante gli scavi della necropoli reale nell'Altai, il cosiddetto quinto Pazyryk Kurgan. La cultura di Pasyryk si riferisce ai secoli VI-III. AVANTI CRISTO e. - Epoca della prima età del ferro. Tutte le cose che hanno trovato sono state conservate in condizioni eccellenti, grazie a speciali condizioni climatiche - un lente del ghiaccio è apparso intorno a Kurgan, con conseguente tipo di "frigorifero naturale", in cui le cose possono essere salvate per un periodo molto lungo. Gli archeologi hanno scoperto la camera di sepoltura, che era una casa di tronchi di legno con un'altezza di quattro metri, all'interno della quale sono stati collocati i corpi mummificati di uomini e donne, così come la sepoltura dei cavalli, che erano fuori dal tronco. Trovato durante gli scavi Le cose indicano lo stato sociale elevato dei sepolti. Nell'antichità, Kurgan è stato derubato, ma la sepoltura del cavallo è rimasta intatta. Il carro è stato trovato in forma smontato, presumibilmente, bruciava quattro cavalli. L'orgoglio speciale della collezione è un tappeto feltro perfettamente conservato, raffigurante un fiore fantastico, un uomo di pilota e un uomo superiore alla sua donna, apparentemente una divinità. Gli archeologi non sono venuti a una singola opinione su quando e per il quale è stato fatto questo tappeto, gli studi dettagliati hanno dimostrato che è stato successivamente adottato, può essere specificamente per la sepoltura. Altre interessanti mostre situate nella vetrina di fronte sono le figure del feltro di swag ripieno di una pelliccia di renna. I cigni hanno le ali nere, presumibilmente sono stati presi da avvoltoi (uccelli funebri). Pertanto, gli antichi hanno dotato la proprietà dell'argano della transcendenza, trasformandola nell'abitante di tutti e tre i livelli dell'universo: celeste, terreni e acqua. In totale, sono stati trovati quattro figure di feltro di uccelli, il che rende possibile effettuare il suggerimento che i cigni avessero una relazione con il carro in cui dovevano essere portati nel mondo dell'anima dei morti (durante gli scavi, i cigni erano trovato tra il carro e il tappeto). Anche a Kurgan trovò "reperti importati", ad esempio, cavallo Chapraki, decorato con stoffa di lana iraniana e stoffa dalla Cina, che consente di parlare dei contatti della popolazione falciata di montagna Altai con culture dell'Asia centrale e dell'Antico East già nei secoli VI-III. AVANTI CRISTO e.

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Complesso del museo principale, Palazzo d'inverno, II Piano, Salari 151, 153

Se sei cresciuto un po 'dalla varietà di dipinti e sculture, puoi distrarre un po', passando alla piccola sala dell'arte francese dei secoli XV-XVII., Dove è rappresentata la ceramica di Saint-Powder e Bernard Palssi. Ci sono solo circa 70 prodotti della polvere di Saint in tutto il mondo, e nell'eremo è possibile vedere intere quattro copie. La tecnica di Saint-Pisther (chiamata così sulla previsione del luogo di origine) può essere schematicamente descritta in questo modo: l'argilla ordinaria era posta in forme, e poi l'ornamento fu spremuto con matrici metalliche nelle forme (quanti ornamenti tante matrici), Quindi le recessi riempivano l'argilla di colore contrastante, il prodotto era coperto da glassa trasparente e scavava nella fornace. Dopo aver sparato, è stato aggiunto un dipinto decorativo. Come puoi vedere, come risultato di un processo così intricato e di manodopera, è stata ottenuta una cosa estremamente elegante e fragile. Un altro tipo di ceramica è rappresentato nella vetrina - la ceramica del cerchio di Bernard Palisse è il ceramista dei maestri più famosi XVI secolo. Colorato, insolito, cosiddetto "argilla rurale" - i piatti raffiguranti gli abitanti degli elementi dell'acqua vengono immediatamente gettati negli occhi. La tecnica di eseguire questi piatti è ancora un mistero, ma gli storici dell'arte ritengono che siano fabbricati con l'aiuto di cast dall'impronta. Come se lo spaventapasseri delle scarpe del mare fosse ingannato di grasso, e in cima si mettono un pezzo di argilla e bruciava. Dall'argilla bruciata, tirarono lo spaventapasseri e hanno ricevuto stampe. Si ritiene che i rettili, mentre fossero imposti sulla loro argilla, erano solo immobilizzati dall'etere, ma non sono morti. Dall'impressione risultante, furono lanciati, che erano attaccati ai piatti, tutto era dipinto con glassa colorata, poi ricoperta di trasparente e bruciata. Gli utensili di Bernard Palisi erano così popolari che aveva un numero irragionevole di seguaci e imitatori.

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Complesso del museo principale, Palazzo d'inverno, II Piano, Padiglioni 272-292

Se attraversi l'imilade delle sale anteriori lungo la Neva, arriverete alla metà di ricambio in stanze con interni residenziali - qui e interni rigorosamente classici e salotti decorati nello stile dello storicismo e dei mobili intricati e di Rockey-intricati, e Mobili Ar Deco e Biblioteca a castello in legno gotica di Nicholas II con folchi antichi, con facilità di immergerti nell'atmosfera del Medioevo.

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Complesso del museo principale, Palazzo d'inverno, II Piano, Padiglioni 187-176

Al terzo piano, nel Dipartimento dei Paesi dell'est, poche persone ottengono. Se vai un po 'più lontano dal mondo di Matisgea-Picasso-Dereny, superando la tentazione di scendere le scale di legno, allora sarai portato alla divisione dei paesi dell'Est. In diverse sale dell'esposizione "Estremo Oriente e Asia centrale", parzialmente persi, parzialmente recuperati murali a muro, la cui età non è cento anni. Rappresentano un'arte incredibilmente sofisticata di dipinti di grotte e templi buddisti a terra da Karashar, Turfan e Kucharsky Oases situato sulla rotta del grande sentiero Shelkovaya. Gli affreschi servono come testimonianza unica dell'unità del mondo buddista in India, Asia centrale e la Cina del periodo domongolo. Qualche anno fa, parte degli affreschi della collezione è stato trasportato al restauro e al centro storpio "vecchio villaggio", dove ora sono esposti.

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Complesso del museo principale, Palazzo d'inverno, Pavimento III, Sala 359-367, Esposizione "Cultura e arte dell'Asia centrale"

Il lavoro di impressionisti (Monet, Renoir, Degas, Sisley, Pizarro) sono presentati al terzo piano del Palazzo d'inverno. Una delle vere collezione perle - il tessuto di Claude Monet "Lady nel Giardino di Santa Address" (Claude Monet, Femme Au Jardin, 1867). Accanto alla ragazza, probabilmente puoi determinare l'anno di scrivere l'immagine - è stato allora che tali abiti erano di moda. Ed è questo prodotto che ha decorato la copertina del catalogo commerciale delle opere di Monte di tutto il mondo, che si è svolta diversi anni fa a Parigi a Grand Pale. La collezione è anche piena con le opere dei postmipresions di Cesan, Gaugugen, Van Gogh e altri artisti francesi dell'inizio del 20 ° secolo: Matisse, Dereyr, Picasso, Marco, Valtone. In che modo questa ricchezza si è rivelata nella collezione del museo? Tutte le immagini erano precedentemente nelle riunioni dei mercanti russi Morozov e Schukin, che hanno comprato il lavoro dei pittori francesi a Parigi, salvandoli così dalla morte affamata. Dopo la rivoluzione, la pittura nazionalizza lo stato sovietico e li colloca nel Museo di Mosca di New Western Art. In quegli anni, Alfred Barr ha soggiornato a Mosca - il fondatore del Museo di New York dell'Arte Contemporanea, per i quali collezioni Schukinskaya e Morozovskaya sono servite come prototipo del suo futuro cerebrio. Dopo la guerra, il museo è sciolto a causa del suo contenuto anti-popolo e formalistico, e la collezione è divisa tra i due più grandi musei della Russia - Pushkinsky a Mosca e dell'Hermitage di San Pietroburgo. Grazie speciali, l'allora direttore dell'Hermitage - Joseph Orbelli, che non aveva paura di assumersi la responsabilità e prendere le opere più radicali di Kandinsky, Matisse e Picasso. La seconda parte della collezione Morozova-Shkukin oggi può essere ammirata nella Galleria Arte dell'Europa e dell'America dei secoli XIX-XX. Museo di Pushkin di Mosca, quello sul Magnaya.

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Complesso del museo principale, Palazzo invernale, Pavimento III, Padiglioni 316-350

Entrambe le strade vanno a Roma, e tutte le vie per l'eremo passano attraverso una sala padiglione con famosi orologi, familiare a tutti nello screensaver della "cultura" del canale televisivo. La meravigliosa bellezza di Peacock è stata fatta alla moda in quei giorni dal Maestro inglese James Koksok, acquisito dal Prince Grigori Potemkin-Taurica come regalo Catherine Great, è stato portato a San Pietroburgo in una forma smontato e già sul posto è stato raccolto Ivan Kulibin. Per capire dove si trova l'orologio, è necessario penetrare la recinzione e guardare sotto i piedi di Pavline - c'è un piccolo fungo al centro, ed è nel suo cappello che si trova l'orologio. Il meccanismo è in condizioni di lavoro, una volta alla settimana (il mercoledì), l'orologiaio entra nella cella di vetro, e il pavone gira e rivela la coda, le cavallette del gallo e il gufo nella cellula sta girando attorno al suo asse. La sala del padiglione si trova in un piccolo eremo, e si affaccia sul giardino pensile di Catherine, - una volta c'era un vero giardino con cespugli, alberi e persino animali, parzialmente chiusi con un tetto di vetro. Piccolo eremo stesso è stato costruito su richiesta Catherine II per pranzi e serate in una cerchia intima di amici - "Hermitagers", dove non è stato permesso anche i servitori. Il design della sala padiglione appartiene al periodo successivo, pomeriggio ed è fatto in uno stile eclettico: marmo, cristallo, oro, mosaico. Nella hall è possibile trovare molte più mostre estremamente interessanti - è anche posizionata intorno alla sala qua e là, intarsiato smalto e pietre semipreziose (suocera, moclipo, melograno, onice, lapis) tavolini eleganti e fontane di lacrime di Bakhchisaray situato simmetricamente di fronte a vicenda su entrambe le pareti. Secondo la leggenda, la Crimea Khan Garyray, soffiata amaramente la morte della sua cucitura preferita Dyra, ordinò ai maestri di costruire fontane in memoria del suo dolore - una goccia di una goccia, da un guscio, cade in un altro, come lacrime, acqua.

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Complesso del museo principale, piccolo Eremo, II Piano, Sala 204

Il percorso abituale della sala del trono sta con dritto verso l'orologio con Pavlin, che immediatamente sulla galleria con l'arte applicata del Medioevo a sinistra. Ma se giri a destra e fai una piccola passeggiata, puoi vedere una collezione molto interessante della pittura olandese dei secoli XVI-XVII. Quindi, ad esempio, qui è rappresentato dall'immagine dell'altare di Jean Belgamba, dedicata all'Annunciazione. La chiesa una volta in possesso della Chiesa, il trittico è prezioso dal fatto che è arrivato fino ad oggi. Nel centro del trittico, accanto all'Arcangelo Gavriil, ha portato Maria Buone notizie, raffigurato Donatore (quadro del cliente), che è per il pittura olandese del XVI secolo. Era un passo molto audace. La parte centrale è costruita come se fosse in futuro: il primo piano è occupato dalla scena dell'Annunciazione, e nella priorità bassa vergine Maria è già impegnata nei suoi affari quotidiani - cuce i pannolini in previsione della nascita del bambino. Vale la pena di prestare attenzione ai due ritratti di gruppo della Corporation (Gilda) dell'Amsterdam Arrow Arms Dirk Jacobs, che di per sé è una grande rarità per qualsiasi collezione di pittura del museo, situata al di fuori dei Paesi Bassi. I ritratti di gruppo sono uno speciale pittoresco genere caratteristico di questo paese. Tali immagini sono state scritte per ordine di associazioni (ad esempio, frecce, medici, fiduciari di istituzioni caritatevoli), e, di norma, rimasero nel paese e non hanno esportato nei suoi limiti. Non molto tempo fa, l'eremo tenutava una mostra di ritratti di gruppo portati dal Museo di Amsterdam, anche tra cui due dipinti della collezione Hermitage sono stati presentati lì.

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Complesso del museo principale, piccolo Eremo, II Piano, Sala 262

Attualmente nel mondo ci sono 14 opere conservate dal pennello del famoso pittore del Rinascimento Leonardo da Vinci. Nell'eremo ci sono due immagini della sua autorità indiscutibile - "Madonna Benua" e "Madonna Litt". E questa è una ricchezza enorme! Artista eccezionale, umanista, inventore, architetto, scienziato, scrittore, in una parola, Genius - Leonardo da Vinci è la pietra angolare dell'intera arte del Rinascimento europeo. Era colui che ha messo la tradizione della pittura ad olio (sempre più temperatura - una miscela di pigmenti colorati naturali e tuorlo d'uovo è stato usato), ha anche dato una composizione triangolare dell'immagine in cui Madonna fu costruita con un bambino e il Santo e angeli che li circondano. Inoltre, assicurati di prestare attenzione alle sei porte di questa stanza, incorporate da parti metalliche dorate e una guaina della tartaruga.

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Main Museum Complex, Big (Old) Hermitage, II Piano, Sala 214

La scala frontale del nuovo Eremo sale dallo storico ingresso al museo con una milionetica strada, e il portico ha dichiarato dieci Atlanta dal granito grigio Serdobol. Gli Atlant sono stati fabbricati sotto la guida della scultura russa di Terrabnev, da qui e il secondo nome delle scale. Una volta da questo portico, è iniziata il percorso dei primi visitatori del museo (fino alla metà degli anni venti del secolo scorso). Per tradizione - per buona fortuna e ritorno - devi perdere il tallone di uno qualsiasi degli Atlanta.

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Complesso del museo principale, nuovo Hermitage

Passato di questa stanza non sarà in grado di passare, "il figlio prodigo" è uno degli ultimi e più famosi dipinti di Rembrandt - segnato su tutti i piani e le guide, e di fronte a lui, così come tutte le folle sono sempre raccolte davanti a lui. L'immagine è sfidata, ed è possibile considerarlo solo con una testa rialzata, o un po 'di lontano - dal sito della scala sovietica (chiamata non in onore del paese dei sovietici, ma in onore del Consiglio di Stato , che è stato accompagnato nelle vicinanze, nella sala al primo piano). Hermitage ha la seconda più grande collezione di dipinti di Rembrandt, e solo Rembrandt Museum di Amsterdam può competere con esso. Qui e il purtroppo famoso "Dana" (assicurati di confrontare con Danay Tiziano - due grandi maestri interpretano una storia), - negli anni ottanta, il museo dei visitatori schizzò sulla tela con acido solforico e ha causato due coltelli. L'immagine è stata accuratamente restaurata nei laboratori dell'eremo per 12 anni. C'è anche una bella "flora" mystical, su cui, presumibilmente, raffigurato nel ruolo della fertilità della dea della moglie dell'artista - Saskia, così come meno popolare, da quello come se un'immagine intima sia "addio a David con Ionafan. " Raffigura l'addio del giovane comandante di Davide e il suo fedele amico di Jonabhan - il figlio del King invidioso Saul. Gli uomini dicono addio da Azel di pietra, il che significa "separazione" nella traduzione. La trama è presa dall'Antico Testamento, e a Rembrandt la tradizione dell'immagine iconografica delle scene dell'Antico Testamento non esisteva. Una foto piena di sottile tristezza della luce è stata scritta dopo la morte della amata moglie Rembrandt e riflette il suo addio da Saskiy.

La pittura olandese nella collezione di Pavlovsky Palace rappresenta uno dei suoi componenti principali e occupa un posto significativo sia nella composizione sia nella qualità delle opere pittoriche. L'Assemblea ha più di 80 opere.

La caratteristica della collezione è che il paesaggio è presentato meglio di altri generi, e il cosiddetto paesaggio "italianizzante". Questa direzione è sorta e ha ottenuto il suo sviluppo a causa degli artisti olandesi che hanno visitato l'Italia. I dipinti della natura luminosa e succosa del paese meridionale servivano come impulso per creare opere, completamente diverso dal paesaggio "nazionale". Un campione della fase iniziale dello sviluppo del paesaggio "italiana", chiamato "Arcade", è il dipinto B. Brenberg "Toviy and Angel". BARTOLOMEUS Brenberg (1599 / 1600-1657) e i Maestri che lo circondano, che hanno lavorato in Italia negli anni 1620, creato foto del panorama condizionale italiano, assicurati di abitare dai suoi personaggi mitologici o biblici. Il genere più alto di mixey del paesaggio italiano raggiunge nel mezzo del XVII secolo nel lavoro di Jan Bota (1610-1652). Pavlovsk possiede due lavori di abbonamento di questo Master - I dipinti "Paesaggio italiano" e "Vista su Ponte Lukano vicino a Roma". L'artista non solo riproduce con la massima accuratezza di angoli specifici del paesaggio italiano, ma cerca anche di superare lo stato di un certo periodo della giornata con la sua caratteristica illuminazione solare. Junior Contemporary Ya. Bota era Adrian Van Emonte (ok.1627-1666), che appartiene al "paesaggio meridionale", che è caratterizzato dall'effetto della luce del sole: la radiazione dorata del sole al tramonto crea un'immagine affascinante di un tranquillo italiano sera.

In arte olandese, dal centro del XVII secolo, le immagini di usser e parchi suburbani sono inclusi. Tale "paesaggio del parco" Frederica de Musheron (1633-1686), dove sullo sfondo di un muro di pietra con vasi decorativi, signore e cavalieri si trovano. Il figlio del musheron è specializzato nel genere del parco del parco - Izaak musheron, un padre leggermente inferiore in abilità pittoresca. La collezione del museo ha tre del suo paesaggio del parco.

Una caratteristica caratteristica dell'arte olandese è una stretta specializzazione dei maestri in un genere particolare. Tra i giocatori del paesaggio, i "italiano" erano artisti che preferivano scrivere porti del sud, come Thomas Wake (circa 1616-1677). Il suo "porto italiano" nell'incontro del museo colpisce la luminosità delle vernici, facilità d'immagine una folla affollata sul lungomare. Un altro Karel Karel Duzharden (circa 1622-1678) Preferito con l'immagine di pastori e pastori con un bestiame per acqua-acqua - "acqua". In un secondo periodo di sviluppo del paesaggio italiano, alla svolta dei secoli XVII - XVIII, i maestri appaiono per il paesaggio verniciato. Questi sono infiniti "Southern Harbour" con l'architettura inventata dei marini, con barche a vela rigogliose e un polotto e "paesaggi italiani" con frammenti obbligatori di antichi antichità antichità. "Paesaggio con una fontana" e "Sea Harbor" Yana Griffing of the Senior (1645-1718) appartiene a questo tipo di opere. Sono perfettamente eseguiti e distinti da effetti decorativi espressivi.

Nella seconda metà del XVII secolo, i maestri olandesi ottengono un grande successo nello sviluppo del genere del paesaggio della città. Uno dei maestri eccezionali lavorato in lui è stato Gerrit Adrieses Berkheide (1638-1698). La "fiera equestre" nella riunione del museo è stata firmata e datata 1682 anni, cioè. si riferisce al periodo maturo del suo lavoro. La strada riprodotta nella foto è così tipica per l'Olanda, che difficilmente può parlare di un particolare luogo di azione. Per la maggior parte dei maestri olandesi che lavoravano nel genere del paesaggio della città, la specificità dell'immagine è caratteristica. L'autore della "Piazza del mercato" Lyudolf de Jong (1616-1679) ha raffigurato un normale edificio della città, ma ha messo la statua di Erasmus Rotterdam, installata sulla grande piazza del mercato a Rotterdam nel 1622. Dei pochi campioni della natura olandese della collezione del museo, ci dovrebbero essere due pazienti dipinti di Otto Marso Wang Scrica (1620-1678) - "Snake, Attaccando una lucertola" e "Serpente, Attaccando Suslik". Sono una specie di natura morta, che ha avuto luogo, forse, solo nell'arte tedesca è un'immagine di insetti e rettili nel loro ambiente naturale. In relazione a tali opere, il concetto non è giusto per "morto natura" (natura morta), ma una "vita tranquilla" (Stil Living). I contemporanei Wang Scrik dimostrano che l'artista sotto Amsterdam aveva la sua scuola materna con vari grani, dove osservò la vita degli animali.

Significativamente più debole, rispetto al pittura del paesaggio, presentato nel genere olandese Pavlovsk e il cosiddetto pittura storico. Il primo può scattare una foto del "fumatore", che è attribuito alla villa di Cornelis Deisther (circa 1599-1635). La posizione intermedia tra il ritratto e il dipinto del genere occupa il "ragazzo con un uccello" di pittura, eseguito negli anni 1630 con uno degli studenti importanti di Rembrandt di Jacob's Adrienis Backer (1608-1651). I capelli lussureggianti del bambino sono decorati con filo perla, orecchie - orecchino. Un ritratto "pulito" include un lavoro attribuito a Cornenav van Vorhtor (1576-1624). L'immagine generica di un giovane in abbigliamento scuro modesto con un lussureggiante collare grassoccia è caratteristico della fase iniziale dello sviluppo di un genere ritratto in Olanda. Grazie alle iscrizioni nell'angolo in alto a destra, i dipinti sono noti che il ritratto viene eseguito nel 1622. Il requisito principale che è stato presentato in questo momento all'artista - accuratezza marginale. Pertanto, l'attenzione principale è stata rivolta alle singole caratteristiche della persona che è stata rappresentata da sinceramente senza abbellimenti. Un lavoro peculiare del genere storico olandese è il dipinto "San Francesco Xaveri tra i pazienti" Yana Debria (1627-1697). L'immagine mostra la vera faccia storica - Francis Xaveri, che viveva nella prima metà del XVI secolo e, che era il più vicino associato Ignatia Loool, il fondatore dell'ordine dei gesuiti. Per le attività missionarie in India e in Estremo Oriente, è stato canonizzato nel 1622. Secondo la leggenda, il santo possedeva il dono della guarigione.

3. Raccolta di pittura olandese nell'eremo

generi domestici della pittura olandese

L'eremitage di stato ha una delle più grandi collezioni di pittura olandese del mondo. Le sue prime esibizioni sono apparse sulle rive della Neva nel 1716, molto tempo prima che il museo fosse fondata. Quest'anno, OSIP Solovyov ha acquisito un'immagine cento ventuno per Pietro I, e, dopo che Yuri Kologsyvov comprò a Bruxelles e Antwerp per altre cento diciassette tele. Alcune diciannove opere inviate dal re dai mercanti russi inviati in questo incontro in qualche modo più tardi. Dipinti olandesi, insieme a fiamminghi, qui prevalsi: Secondo il biografo di Pietro I, Yakov Schlyanin, i suoi artisti preferiti del re erano rubens, Wang Dyk, Rembrandt, mura, Wauvera, Bruegel, van der Verf e Van Ostay e Preferito Trame - scene dalla vita "uomini e donne olandesi. In questo impegno per tutti gli olandesi non dovrebbe vedere la manifestazione del solo gusto personale di "Skiper Pietro", come Pietro chiamato durante il suo soggiorno in Olanda. Il democratismo degli hamburger olandesi, che ha trovato un'espressione vivida nella pittura nazionale, era particolarmente vicina al carattere delle trasformazioni democratiche in Russia del tempo nel campo della cultura e della vita. Ma, naturalmente, non solo l'interesse artistico è stato murato nel revisore russo del dipinto dei pittori olandesi. Le opere di tali maestri, come un re marino preferito Adam Silo, soddisfatto principalmente l'interesse cognitivo della giovane nazione russa che si affaccia sulle distese marittime. La collezione di Petrovska di Olandese ha già incluso questi capolavori come "David e Jonafan" Rembrandt - il primo prodotto del brillante pittore, che cadde in Russia.

Nella seconda metà del XVIII secolo, molte opere significative di pittura olandesi si sono trasferite a San Pietroburgo. Come parte della collezione della città di Brunel, acquisita a Dresda (nel 1769), Hermitage ha ricevuto quattro ritratto di Rembrandt, quattro paesaggio J. Rydaldala, dipinti di Terborh, F. Mirisa, A. Van Odete, A. Wauverman e altri . Assemblea del Crose a Parigi, che è arrivato nel 1772, ha portato il museo tali capolavori di Rembrandt come "Dana" e "Santa Famiglia".

Ancora più arricchito la collezione di eremitage della collezione olandese della collezione di bodoyne (Parigi), Walpola (Inghilterra) e la prima moglie di Napoleone I Imperatrice Josephine, acquisita per l'eremo alla fine del XVIII - primitivo XIX secolo. Hermitage è stato in grado di includere nella sua esposizione "sacrificio di Abramo", "rimuovendo dalla croce" e una dozzina di altre tele Rembrandt, il lavoro di moda nel XVIII secolo Dow, le tre migliori foto di P. Potter (tra cui il capolavoro del Maestro di P. - "Azienda agricola"), "Un bicchiere di limonata" Terboroch, "Colazione" Misty, due incredibili sulla finezza della performance della natura floreale di J. Van Haisum e molti altri non meno significativi opere.

Un piano divertente, una piccola dimensione e prezzi relativamente bassi hanno reso i dipinti olandesi disponibili per una grande cerchia di collezionisti russi. Furono acquisiti non solo membri della Reign House e il più alto Pietroburgo da sapere, ma anche rappresentanti di cerchi più democratici della popolazione. Queste riunioni saranno successivamente diventate la principale fonte di rifornimento della collezione Hermitage. Quindi, nel 1915, l'enorme collezione di "Piccoli olandesi" del famoso scienziato russo e viaggiatore P. P. Semenova-Tian-Shansky, che ha raccolto settecentodiciani foto di trecentoquaranta anni, è stato accettato nel museo nel 1910. Un centinaio di novanta nuovi nomi apparve con questo incontro nel catalogo del museo. Così, se prima, la collezione olandese dell'eremo era evidenziata in una serie di altri musei del mondo per il numero di capolavori, ora si è classificata uno dei primi posti e dal numero di nomi presentati in esso, compreso il più raro.

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