Formazione e sviluppo del pensiero musicale figurativo. Musica e pensiero

Distretto di Mbudo Vyazemskaya con nome A.S.Dargomyzhsky

Lavoro metodico

sull'argomento: "Sviluppo del pensiero figurativo musicale".

Insegnante preparato

prende il nome dopo A.S. Dargomyzhsky.

Kursina E. A.

2016 anno.

1. Come interessare, catturare un bambino con la musica.

2. Comunicazione del mondo dell'arte con un mondo personale di un bambino.

3. Alfabetizzazione musicale.

4. Musica e letteratura.

5. Musica e arte visiva.

6. Conclusione.

7. Letteratura.

Come interessare, catturare un bambino con la musica.

Lo scopo principale della moderna educazione primaria musicale è l'educazione morale ed estetica e lo sviluppo della personalità del bambino. Tutte le forme di classi con lui dovrebbero essere rivolte al suo sviluppo spirituale e, soprattutto, per educare in esso la cultura spirituale. È l'età di uno scolaro junior, in cui prevale la percezione emotiva e sensuale della realtà, è la più favorevole nell'educazione morale ed estetica.

L'insegnamento iniziale dei bambini alla musica è rivolto allo sviluppo dei dati musicali del bambino. È in questo momento che il successo di un'ulteriore formazione è predeterminata, il che dipende più dalla presenza di un figlio del desiderio e dell'interesse nelle classi. Se analizziamo il percorso dello sviluppo dei dati musicali dal bambino, è convinto che vi sia un interesse che si manifesta ai suoni. Ma l'interesse non sorge non a qualsiasi combinazione arbitraria di suoni. Questa combinazione dovrebbe causare un figlio o un'esperienza emotiva o una visione figurativa che crea uno o un altro umore. Trova il tono giusto, crea un'atmosfera appropriata - significa garantire la lezione di successo. Lancia e parlare con uno studente su un piano di parità., Ma non dimenticare che il bambino è caratteristico della propria opinione. L'esperienza congiunta della musica è il contatto più importante che è spesso decisivo per il successo. Tirando questi fili invisibili e risvegliando nello studente, creiamo condizioni per impressioni musicali luminose.

Le lezioni con uno studente è un processo creativo. Tutto ciò che vogliamo insegnare, non dovresti dettare, ma insieme, come lo era, per aprire, tra cui un figlio in lavorazione attivo - questo è il compito principale del metodo di ricerca dei problemi.

Usando abilmente questo metodo, è possibile effettuare i compiti più elementari per rendere interessanti ed eccitanti. A volte sottovalutiamo la capacità del bambino di pensare e capire, e, desiderando fingerlo, cadere in un tono primitivo e falso. I bambini lo sentono all'istante - li respinge. E poi cerca senza meta di risvegliare un interesse per il bambino a ciò che offri, poiché viene assorbito da esso preso in modo errato tono e chiuso per percepire qualsiasi altra cosa.

È importante causare un figlio la fiducia nell'insegnante. Da questo l'autorità dell'insegnante, necessaria per ulteriori lavori con il bambino inizia.

Dalle prime lezioni è necessario spiegare il bambino che la musica è una lingua. Immagina, sono andato a un bambino a scuola, non sapendo le lettere, senza sapere come scrivere, e gli è stato detto: "Scrivi a domani, un saggio su un dato argomento". L'orrore del bambino negli occhi - "Non so come." Arriva anche alla musica, non sapendo nulla, e cominciò - udito, ritmo, memoria e molto altro "bello". (Appunti!). E vuole giocare immediatamente. Qui è necessario creare condizioni in modo che voglia conoscere termini teorici in modo che volesse sviluppare le competenze necessarie per tenere lo strumento per ascoltarti. Dopotutto, l'udito è la capacità di ascoltare e comprendere.

Alla prima lezione, è necessario piantare un bambino per lo strumento. Dare i pulsanti del tatto e spiega del Bayan, la fisarmonica è simile al corpo umano. La pelliccia è più leggera. Il movimento della pelliccia è un respiro umano e il suono dei pulsanti della mano destra - voce, bella e singaina.

Come presenta naturalmente uno studente nel mondo delle immagini musicali? La soluzione più efficace a questo problema è associata a un supporto sul principio del gioco di gioco nella musica. Consiste nel creare situazioni che richiedono il reincarnazione dei bambini, il lavoro di fantasia. Ad esempio, puoi iniziare con Pantomime. Questa occupazione è utile e interessante per i bambini a qualsiasi età, specialmente quelli che hanno una brutta immaginazione. Poiché la musica è un'arte intonazionale-ritmica, quindi al di fuori dell'immagine per ottenere il risultato desiderato, cioè è impossibile trasmettere la natura della musica interpretabile. Dai primi giorni nel repertorio del bambino, gli esercizi e i giochi associati a immagini specifiche dovrebbero apparire. Software e immagini specifiche: la caratteristica caratteristica dei giochi per bambini, che appare anche nei casi in cui il programma non è indicato.

Per chiarezza della percezione figurativa della musica, puoi, ad esempio, eseguire i racconti musicali di "Kolobok", "Teremok". Per rapportare le immagini per attirare un bambino. Usa vari tratti, timbri, mostrano una varietà di disegni ritmici, ecc. - Lo studente incontra i concetti di "ragazzo", "metro", "ritmo", "solidità". Nuovo per le informazioni del bambino da raccontare, giocando sullo strumento. Ad esempio, mostrare il bunker, giocando Arpeggio in maggiore e minore. Chiedi ai bambini alcuni Kobobok come questo. Solitamente scegli un importante panino. Cioè, chiama il lavoro congiunto. Tutto dipende dalla fantasia dell'insegnante.

Lavorare su modo artistico dovrebbe iniziare con i primi passi di musica. Dopo aver insegnato un bambino per la prima volta, l'insegnante deve rendere l'insegnante dal recentemente appreso dallo studente dei segni per disegnare un pareggio di qualsiasi melodia, se possibile, già familiare (è più conveniente d'accordo con l'orecchio visibile con l'occhio) e insegnarlo a riprodurre questa melodia sullo strumento.

Se il bambino è già in grado di riprodurre qualsiasi melodia, deve essere raggiunto che questa esecuzione è espressiva per garantire che la natura della performance sia esattamente il carattere di questa melodia. Per fare ciò, si consiglia di utilizzare melodie folk, in cui il cominciatore poetico emotivo eseguirà molto più luminoso che anche nei migliori scritti didattici per i bambini. Il più presto possibile, è necessario cercare il bambino a suonare una triste melodia triste, allegra - divertente, melodia solenne - solennemente, ecc. Porterei il mio intento artistico e musicale a chiarezza.

La connessione del mondo dell'arte con un mondo personale di un bambino.

Puoi ricordare nella musica solo ciò che è chiaro ed emotivamente sentito. Pertanto, è così importante mostrare allo studente sulla connessione del mondo dell'arte con il suo mondo personale, acquisendo il bambino alla musica sul materiale personale per lui.

L'insegnante non dovrebbe imporre uno studente di qualche conformità del software non ambigua, riducendo il volo della fantasia dei bambini. L'iniziativa del bambino risvegliava, proprio, le immagini e i confronti trovati da lui nel lavorare insieme all'insegnante.

Cosa succede se il bambino non gioca non un gioco di guida, e la presente opera d'arte? Innanzitutto, il suo stato emotivo sarà completamente diverso, elevato rispetto a ciò che accade quando gli scudi secchi stanno imparando. In secondo luogo, può essere suggerito con molto più facilmente (perché la sua comprensione andrà a questo suggerimento) con quale suono, in cui il ritmo, con ciò che sfumature, e, quindi, che tipo di tecniche "di gioco" dovranno essere eseguite da Un dato lavoro, in modo da sembrare chiaro, in modo significativo ed espressivo, cioè adeguatamente al suo contenuto. Questo lavoro, il lavoro del bambino sopra il lavoro musicale e artistico e poetico sarà in una forma germinale di lavoro, che caratterizza le classi di un artista maturo.

Un ruolo elevato nello sviluppo del pensiero a forma di musicale è svolto da un'audizione di musica software, che include un sistema di domande e compiti, contribuendo a rivelare ai bambini un contenuto figurativo dell'arte musicale. Dovrebbe essere, infatti, un dialogo e dare alla luce nei bambini le opzioni per letture creative degli scritti musicali. La domanda può essere espressa attraverso il confronto delle composizioni musicali tra loro e attraverso il confronto delle opere musicali di altri tipi di arte. Il focus della questione è importante: è necessario che frigge l'attenzione del bambino non sia sul calcolo dei mezzi individuali di espressività (rumoroso, silenziosamente, lentamente, rapidamente), ma lo trasformarono nel suo mondo interiore, inoltre, a I suoi sentimenti coscienti e inconscia, reazioni, impressioni, manifestati nella sua anima sotto l'influenza della musica.

È importante non solo chiedere alle figli una domanda, ma anche a sentire la risposta, spesso originale, non sterootica, perché non c'è niente di più ricco delle dichiarazioni del bambino. E lasciarlo a volte incoerenza, poco costoso, ma sarà l'individualità in esso, la recessione personale è e deve sentire e apprezzare l'insegnante.

Solo quando i bambini si sentono e consapevoli della natura della musica, lo esprimono nelle loro attività creative, acquisite competenze e abilità beneficeranno lo sviluppo musicale. La creatività dei bambini è basata su impressioni musicali luminose. Ascoltando la musica, il bambino sente sempre non solo che si contenga che il compositore è posato in esso (e, naturalmente, il performer), ma anche che sotto la sua influenza è nato nella sua anima, nella sua mente, cioè, cioè Cosa crea la propria immaginazione creativa. Quindi, il prodotto ascoltato dà origine a una lega complessa del contenuto oggettivo della musica e della sua percezione soggettiva. Il lavoro dell'ascoltatore è attaccato al lavoro del compositore e del lavoro dell'artista! L'immaginazione dei ragazzi, in particolare dell'età della scuola più giovane, di regola, luminosa, viva e "immagini musicali" che ascoltano con piacere.

Per lo sviluppo artistico e figurativo del bambino, è molto più prezioso venire al lavoro come risultato della propria creatività. Quindi l'intero contenuto figurativo della musica, l'intera organizzazione e la sequenza del tessuto musicale diventa "esperto" selezionato dai bambini stessi.

Quelle intonazioni che trovano i bambini nel processo della loro creatività non dovrebbero essere in grado di "personalizzare" il più vicino possibile all'originale dell'autore. È importante entrare nell'umore, nella sfera a forma emotiva del lavoro. Quindi, contro lo sfondo dei bambini creati da soli, e l'originale dell'autore diventa una delle possibilità per l'incarnazione di uno o di un altro contenuto di vita espresso in questa immaginazione musicale.

Da queste posizioni, è necessario prestare grande attenzione alla parola sulla musica, dovrebbe essere luminosa, figurativa, ma estremamente accurata e sottile, per non imporre con il figlio della sua interpretazione del lavoro, inviare abilmente la sua percezione, La sua immaginazione, la sua fantasia creativa alla musica, e non da lei.

Alfabetizzazione musicale.

Insieme all'alfabetizzazione della nota elementare c'è qualcosa di più importante - questa è l'alfabetizzazione musicale. L'alfabetizzazione musicale è, in sostanza, cultura musicale, il cui livello non dipende direttamente dal grado di assimilazione del vantaggio. L'alfabetizzazione musicale è la capacità di percepire la musica come arte vivente, figurativa, nata dalla vita e inestricabilmente con la vita associata. Questa capacità di guadagnare la natura della musica e sentire la relazione interiore tra la natura della musica e la natura della sua esecuzione. Qualsiasi tipo di arte sta pensando con immagini e l'immagine è destinata alla sua natura artistica. E in qualsiasi immagine artistica, come in una goccia d'acqua, il mondo intero si riflette. L'arte musicale ha le proprie leggi del movimento del ritmo, dell'armonia, delle forme, ecc. Che trascurano queste leggi, lo studente viene spesso da privato a quello comune. È necessario costruire un processo di apprendimento non da uno specifico, ma al contrario. Particolarmente grande importanza gioca nella creatività musicale dei bambini nelle prime fasi, quando il bambino ha la formazione delle principali abilità dell'esecuzione - atterraggio, mani, recupero del suono. È attraverso la divulgazione di una o un'altra immagine che lo studente è in grado di ottenere la corretta esecuzione dei tratti, toccando la tastiera, quindi, nell'insegnamento del bambino, è necessario il materiale educativo, in cui i compiti tecnici sarebbero in una combinazione con immagini. Tale mezzi dà risultati sorprendenti nell'acquisizione delle competenze tecniche necessarie.

Per quanto riguarda la conoscenza pratica dei giovani musicisti di tecniche tecniche, il ruolo di ritmo, timbro, lada, ecc. È anche difficile sopravvalutare il valore dell'immagine artistica. Ad esempio, su un semplice esempio di UPR. "Locomotiva a vapore", il bambino è dato diversi concetti: la durata delle note, pause, la loro relazione. Si incontra le intonazioni pittoriche nella musica, allo stesso tempo, il concetto di musica come arte temporanea è data, a differenza di altri tipi di arti con cui si dovrebbe tenere il parallelo. Il software svolge svolge un ruolo significativo nello sviluppo dell'udito Timbre-Dynamic. Metafora, un'associazione di immagini contribuisce allo sviluppo dell'immaginazione uditiva.

Per giocare espressamente, è necessario frase correttamente. La frase musicale può essere eseguita espressivamente sullo strumento solo se sei soddisfatto, almeno tre condizioni principali. Quando il contraente è a conoscenza della struttura della frase (divisione in motivi), le sue dinamiche (inizio, aumento, climax, declino), indipendentemente dallo strumento; 2) possiede sufficientemente lo strumento utensile per attuare il loro intento artistico; 3) sa come ascoltare se stesso, la sua esecuzione come da lato e correggere i difetti osservati. Queste informazioni specifiche sono necessarie per qualsiasi esecutore. Lo studente deve determinare (prima con l'aiuto di un insegnante) la forma di un saggio che impara, conosce saldamente la tonalità del gioco, il numero e il nome dei segni con la chiave, ecc.

Musica e letteratura.

La letteratura e la musica, la parola e la musica sono due grandi inizi, due elementi dell'art. Per molti secoli, interagiscono continuamente, spesso litigando e combattendo, spesso vengono in armonia e comprensione reciproca. La loro collisione e riconciliazione a volte danno origine ai capolavori - canzoni, romanzi, opere. Il testo poetico è in grado di dare musica un nuovo suono; Arricchisce il suo significato, le sfumature dei sentimenti, la colorazione dei timbri. Nel lontano passato, la letteratura e la musica ammontavano a un intero unico.

Il pensiero figurativo del bambino, o meglio, il grado del suo sviluppo, colpisce molto i risultati della musica. Dopo tutto, le immagini esprimono sempre le emozioni e le emozioni sono il contenuto principale di quasi tutte le musica.

E per questo è estremamente importante che per l'inizio di queste immagini abbia ascoltato la musica. Ma nei bambini di quell'età, in cui la musica sta iniziando, il pensiero astratto è ancora sviluppato, quindi la musica del suono non sempre causa loro una serie associativa di immagini vicine a quelle con cui hanno già familiarità dalla vita dei loro figli.

A questo proposito, è estremamente importante spingere il bambino a stabilire consapevolmente ponti tra il contenuto emotivo della musica, che svolge sia le immagini, le emozioni, le impressioni che riceve dalla sua esperienza di vita e dal contatto con altre arti correlate.

Una musica simile adiacente e molto vicina di specie artistiche è il misuratore. Soprattutto se stiamo parlando di bonifica letteraria e poetica. Ci sono termini in musica: "Offerta", "frase". Usiamo anche i concetti: "segni di punteggiatura", "cesura". Ma la cosa più importante è che si riferisce alla musica con un discorso espressivo e questa è una delle principali fondamenta dell'esecuzione musicale espressiva - questa è l'intonazione.

Il significato del lavoro letterario è espresso da parole, quindi il bambino è facile da capire il contenuto del testo. Nella musica, questo contenuto si manifesta molto più astratto, è nascosto dietro i simboli del suono e per capire il significato, è necessario conoscere la decrittografia di questi personaggi.

L'intonazione espressiva è uno dei personaggi principali che il contesto emotivo nella musica viene trasmesso. Dove sono arrivati \u200b\u200bquesti simboli di intonazione in musica e perché sono più o meno di tutte le nazioni (cosa rende la lingua musicale universale)? La ragione qui è che vennero dal nostro discorso conversazionale, più precisamente, dalle intonazioni che accompagnano espressivo discorso. Di conseguenza, che il bambino ha imparato a sentire queste intonazioni nella musica, devi prima insegnargli a sentirli nel normale discorso umano.

Poiché la musica è la lingua delle emozioni, quindi il discorso con cui "rimosso" viene copiato dall'intonazione, deve necessariamente emozionare. Pertanto, affinché il gioco musicista sia espressivo, deve imparare a dichiarazioni espressive e emotive.

Se il bambino sa come pronunciare le parole emotivamente, con un'intonazione espressiva, quindi portare questa intonazione alla musica sarà molto più facile, e il significato della musica stessa diventerà molto più vicino e più chiaro.

Molte racconti popolari comprendono personaggi di canto (ad esempio, racconti popolari russi "Teremok", "Kolobok", "Cat, Gallo e Lisa", ecc.).

Ogni eroe favoloso ha la sua immagine musicale, che consiste in un certo ritmo, l'altitudine del suono, i colpi che determinano il suo carattere.

Musica e arte visiva.

Lavorando al pensiero a forma di musicale, spesso appello alle arti visive. Questo succede quando si lavora su software funziona.

Studiando un'ampia area di musica software, ci incontriamo in esso non solo canzoni e fiabe, poesie e ballatori, non solo i nomi ispirati alle immagini letterarie - come, ad esempio "Shahryzada" N. Rimsky-Korsakov, " Per gunt "e.grega o" misel "Sviridova. Nella musica, si scopre che non ci sono schemi sinfonici, affreschi ed ethambes. I nomi dei lavori musicali riflettono le immagini ispirate alle loro immagini - "Foresta" e "Sea", "Nuvole" e "Nebbi". Così come il "Bogatyr Gate a Kiev", "Castello antico", "Fontane romane".

Cosa fa la musica e l'arte visiva? Prima di tutto, la dinamica, la distribuzione dei livelli di volume. Questi livelli hanno ricevuto in musica i nomi delle sfumature o delle sfumature - e questa è la definizione dell'area di pittura! Un contrasto di fiori nella pittura può essere paragonato dal contrasto di Maggiori e Minoriisti nella musica che corrisponde all'umore. Registri a contrasto, creando un suono più "scuro" e più "leggero".

Natura nell'arte spiritualizzata, è triste e gioioso, premuroso e magnaricità; Lei è la seguente dal suo uomo. Il tema della natura è stato a lungo attratto e musicisti. La natura ha dato suoni musicali e timbri, che sono stati ascoltati nel canto degli uccelli, nel mormorio dei ruscelli, nel rumore dei temporali.

Il paesaggio nella musica può essere paragonato al paesaggio nelle opere di pittura - così diversi dipinti della natura, a cui i compositori trattati.

Non solo le stagioni, ma anche momenti di giorno, pioggia e neve, forestali e elementi di mare, prati e campi, terra e cielo - tutto trova la loro espressione del suono, a volte letteralmente influenzando la precisione visiva e il potere di influenza sull'ascoltatore.

Lavorare con gli studenti sopra i lavori del software, appello alla percezione dell'auditorium dell'immagine eseguibile.

Conclusione.

Prima di tutti gli insegnanti - i musicisti sono un compito difficile: l'educazione delle abilità di giochi di alta qualità e il completamento della forma di realizzazione del design artistico degli studenti. Uno degli impegni della fecondità delle attività didattiche è il contatto stretto dell'insegnante con lo studente. La loro comprensione reciproca si basa sull'interesse creativo per la conoscenza della musica. Di interesse dovrebbe essere costantemente mantenuto espandendo il repertorio educativo e pedagogico, con più complesso nel genere stilistico e strutturato con opere. Una completa analisi pedagogica-pedagogica dei metodi di studio di questi lavori rivela le specifiche della loro esplorazione da parte degli studenti.

Letteratura:

1. Alexseev A. Metodi per imparare al pianoforte. Musica, M. 1991

2. GRYUKOVA V. Pedagogia musicale. Musica, M., 1989

3. Fineberg S. Pianismo come arte. Fenice. 2003.

4.a.sobolev, a.potanina "Imposta la musica nella casa" Moscow.2005.

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Uno dei compiti dell'istruzione della musica scolastica è fornire al bambino l'opportunità di "ascoltare il contenuto essenziale della musica ..., per formare ... una voce musicale come organo cerca una bellezza senza precedenti". Anche una persona che è nata, già stabilisce le sue connessioni con il mondo attraverso l'intonazione. Quale fase di sviluppo non era un bambino, risponde alla sua espressività emotiva.

L'intonazione è un micro-focus dei pensieri nella struttura del suono, l'espressione dei sentimenti e l'abis di plastica nella micro-materia del suono. Come se una persona non si fosse posizionata al mondo, non importa come non gli ha fatto appello a lui, non importa come ha percepito il mondo, opera con intonazioni che ci sono l'essenza del discorso e l'essenza della musica. Intonazione, secondo V. Medhevsky, è il nostro "Io artistico". La sfera di intonazione riguarda tutti i tipi di arte, poiché le origini della musica, dell'arte visiva, della letteratura, della coreografia, del teatro, ecc. Vale la pena che la relazione sia, l'essenza dei quali può essere trasmessa da F. Tyutchev: "tutto è in io e io sono in tutto! "

L'intonazione è anche un ricordo musicale e linguistico in cui melodia-ritmica, sagomata, plastica e altro catturare l'esperienza vitale dell'umanità sono nascoste. Per comprendere l'intonazione, sentire la sua individualità e unicità, sentire la sua immagine, penetra nella sua natura intima, ammirare la concisione della costruzione, per predire il suo sviluppo è difficile, ma incredibilmente interessante. Aprendo il segreto di questa microstruttura, inizi più sottilmente e profondamente capire e sentire il mondo, oltre a capire e sentirti in questo mondo. Pertanto, è ovvio che lo sviluppo del pensiero di intonazione - la capacità di pensare per intonificazione e attraverso l'intonazione - il percorso dell'appello del bambino dentro di sé stesso, nelle profondità della sua anima e della loro mente, il modo di accumulare l'esperienza della vita attraverso Musica, e, in definitiva, uno dei modi giusti per superare la crisi spirituale e morale della crisi dell'umanità.

Il set educativo e metodologico "musica", sviluppato dal team creativo sotto la guida di G. P. Sergeyeva e E. D. Crytskaya, dà le opportunità più ampie per affrontare i compiti sopra indicati. La struttura concentrica dell'UMK, della divisione in blocchi, una fila associativa variegata consentono di formare un "dizionario intonazionale" di scolari, in base alla comprensione dell'intonazionalismo come modello dell'arte. Il materiale del software è costruito in modo tale che il "bagaglio intonazionale" sia gradualmente accumulato, l'esperienza intonazionale è stata arricchita. Confronti focalizzati di diverse opere con intoniazioni di genere simili, intoniazioni di un determinato stile sviluppano intuizione musicale e aumentare significativamente la qualità della percezione della musica.

La base per lo sviluppo del pensiero dei bambini diventa l'ambiguità della loro percezione, la pluralità delle interpretazioni e una varietà di "HA Hearing Options". Il kit educativo e metodologico "Musica" persegue costantemente il bambino a cercare legami di musica a forma di intonizzazione con arte visiva, storia, letteratura, scultura, foto artistica. Pertanto, l'enfasi nell'educazione musicale basata sulla "musica" dei muschi cambia con la teoria e la storia della musica verso l'espansione del bagaglio a forma di intonizzazione del Bambino, lo sviluppo della sua risposta alla musica e al desiderio di esprimersi nell'arte. Le lezioni condotte dal presente Programma consentono, secondo B. Asafyev, "e rallegrati, e tristezza, e sentire energia e duramente coraggio ... non sulla musica o alla musica, ma per sperimentarlo in intonazione."

Il metodo "Prospetti e retrospettivi" proposto da un altro D. B. Kabalevsky e sviluppato con successo in questo CMB consente di passare la strada dalla nascita dell'intonazione e del suo sviluppo alla forma di realizzazione dell'immagine e della divulgazione dell'orientamento ideologico di grandi opere musicali. Ovvio e comprensibile per il bambino sono quei pensieri e sentimenti che sono stati posati dall'autore in grandi forme musicali. Appello alla sfera intonazionale ti consente di "decifrare" il contenuto del lavoro stesso, comprendere, con conseguente idea artistica nata, riflettendo su una certa collisione morale ed estetica. E poi considera il drammaturgo del lavoro, la posizione delle immagini musicali, il grado del loro conflitto e interazione. Di conseguenza, il pensiero di intonazione è formato come componente del pensiero artistico e creativo, il bambino diventa sul percorso della ricerca, sul percorso del Creatore, comprende l'arte come "Esperienza della relazione" (S. KH. Rappoport).

Considerando l'evoluzione delle forme musicali, confrontando varie interpretazioni di opere e la loro esecuzione, padroneggiando vari strati di arte musicale (dal folclore e dalla tradizione religiosa alla musica accademica e popolare moderna nel loro dialogo), gradualmente linee nella coscienza degli studenti "immagine artistica olistica del mondo." Appello all'arte musicale come esperienza di generazioni, la loro vita nella propria attività musicale consente di formare attivamente l'esperienza emotiva, la morale ed estetica ed esperienza della creatività musicale e artistica.

Cosa riceve l'insegnante nel senso pratico insegnando il soggetto sulla base della "musica" di CMK?

Innanzitutto, i bambini non hanno paura di comporre musica, perché la natura della creatività è familiare, è chiaro e familiare. Completamente compongono e eseguono i loro lavori. Naturalmente, questi non sono grandi scritti musicali, ma solo piccole forme, ma tra loro ci sono già canzoni presentate in competizioni municipali e federali.

In secondo luogo, i bambini sviluppano un pensiero creativo. L'insegnante raramente dà ai concetti teorici agli scolari nella forma finita, più spesso sono compresi durante la cooperazione e la creazione dell'insegnante e degli studenti, o nel processo di lavoro indipendente nella lezione. Ad esempio, i modelli di costruzione di forme cicliche nel secondo grado, i bambini hanno portato se stessi e se stessi hanno suggerito che le parti del ciclo dovrebbero associare l'intonazione o la melodia, il ciclo otterrà una maggiore integrità. E quale piacere ha consegnato a loro per seguire i cambiamenti nel suono del "camminare" nelle "immagini della mostra" M. P. Mussorgsky.

In terzo luogo, i bambini acquisiscono un certo "Orecchio sociale" (B. Asafyev), sentono meglio lo stile del tempo, le caratteristiche nazionali della musica, ottengono una sensazione del "ritratto di stile del compositore".

In quarto luogo, sono interessati a grandi forme musicali. Ascoltando i gradi primari non separati frammenti dell'opera, balletti, concerti e sinfonia e tutte le azioni e le parti, nelle scuole superiori - tutto il lavoro è completamente, il lavoro dell'anima e della mente degli studenti è visibile e viene compreso a capire Quel niente può sostituire tali momenti nella vita di una persona, quando una persona conduce un dialogo con il suo "I" interiore quando imparando a vivere con la musica!

BIBLIOGRAFIA:

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2. Sergeeva G. P., Cretskaya E. D. MUSIC: metodo. beneficio. - M., 2005. - 205 p.
3. Critsky E. D., Sergeeva G. P., Shmagin T. S. Metodi di lavoro con i libri di testo Musica 1-4 cl. - M., 2002. - 206 p.

Riferimento bibliografico

Talalaeva n.v. Sviluppo del pensiero dell'intonazione basato sull'insegnamento musicale e sul set metodologico // studi fondamentali. - 2008. - № 5. - P. 125-126;
URL: http://fundamental-research.ru/ru/article/view?id\u003d3002 (data di gestione: 10/10/2019). Portiamo alla vostra attenzione le riviste che pubblicano nella casa editrice "Academy of Natural Sciences"

Nella psicologia, la situazione è stata stabilita che il pensiero artistico stia pensando da immagini in base alle idee specifiche. Nella moderna psicologia musicale, l'immagine artistica del lavoro musicale è considerata come l'unità dei tre principi - materiale, spirituale e logico.

La base materiale del lavoro musicale appare sotto forma di caratteristiche acustiche della materia da sondaggio, che può essere analizzata da parametri come melodia, armonia, metrocchiti, dinamica, timbro, registro, texture. Ma tutte queste caratteristiche esterne del lavoro non possono dare il fenomeno dell'immagine artistica. Un'immagine simile può verificarsi solo nella coscienza dell'ascoltatore e del performer, quando collegherà la sua immaginazione, dipingerà il tessuto sonoro con i suoi sentimenti e gli stati d'animo per questi parametri acustici. Pertanto, il testo stretto e i parametri acustici del prodotto musicale costituiscono la sua base materiale. La base materiale del lavoro musicale, il suo tessuto musicale è costruito secondo le leggi della logica musicale. Mezzi fondamentali di espressività musicale - melodia, armonia, metrochrome, dinamica, texture, - ci sono modi per comporre, generalizzare l'intonazione musicale, che è nella musica, secondo la definizione di B.V. Asefyev, il principale corridore dell'espressione del significato

Base spirituale - stati d'animo, associazioni, varie visioni sagomate che creano un'immagine musicale.

La base logica è l'organizzazione formale del lavoro musicale, dal punto di vista della sua struttura armonica e sequenza di parti, formando il componente logico dell'immagine musicale. L'intonazione subordinata alle leggi del pensiero musicale diventa nel prodotto musicale della categoria estetica che collega il principio emotivo e razionale. L'esperienza dell'essenza espressiva dell'immagine artistica musicale, una comprensione dei principi della progettazione materiale del tessuto sonoro, della capacità di incarnare questa unità nell'atto della creatività - il saggio o l'interpretazione della musica - questo è ciò che è il pensiero musicale in azione.

Quando c'è una comprensione di tutti questi lanciati un'immagine musicale nella coscienza e nella compositrice e nell'artista, e l'ascoltatore, solo allora possiamo parlare della presenza di genuino pensiero musicale.

Oltre alla presenza dell'immagine musicale dei tre principi sopra menzionati - sentimenti, materie del suono e la sua organizzazione logica, - c'è un altro componente importante dell'immagine musicale - la volontà dell'artista che collega i loro sentimenti con uno strato acustico di un lavoro musicale e che arriva all'ascoltatore in tutta la brillantezza della possibile perfezione è la questione del suono. Succede che il musicista si senta molto sottilmente e comprende il contenuto del lavoro musicale, ma nella sua stessa esecuzione per vari motivi (mancanza di preparazione tecnica, eccitazione ...) La vera esecuzione risulta essere fatalized. Ed I processi volitation sono responsabili della superamento delle difficoltà nel raggiungere l'obiettivo, rivelarsi un fattore decisivo nella forma di realizzazione del previsto e sperimentato nel processo di preparazione della casa.

Per lo sviluppo e l'auto-sviluppo del musicista, sulla base di quanto sopra, risulta essere una comprensione molto significativa e la corretta organizzazione di tutte le parti del processo creativo musicale, che vanno dal suo piano a una particolare forma di realizzazione nella composizione o eseguita. Pertanto, il pensiero del musicista risulta essere concentrato principalmente sui seguenti aspetti delle attività:

• - Pensare all'edificio figurativo del lavoro - possibili associazioni, stati d'animo e pensieri dietro di loro.
• - Pensare al tessuto materiale del lavoro - la logica dello sviluppo del pensiero nella costruzione armonica, singolarità della melodia, ritmo, trame, dinamiche, AGG, formazione.
• - Trovare i modi più avanzati, i modi e i mezzi di incarnazione sullo strumento o sui brani di pensieri e sentimenti.

"Ho raggiunto ciò che volevo," questo è il punto finale del pensiero musicale nel processo di esecuzione e scrittura della musica "- ha detto G.G.nughause.

Amateurantismo professionale. Nella moderna formazione musicale, le simultanee abilità professionali di gioco degli studenti, in cui il rifornimento della conoscenza della natura teorica avviene lentamente. La povertà della conoscenza dei musicisti sulla musica dà la ragione per parlare del famigerato "dilettantismo professionale" di musicisti strumentali che non sanno nulla che esce per lo stretto cerchio della loro specializzazione diretta. La necessità di imparare durante l'anno scolastico di diverse opere su un dato programma non lascia il tempo per tali specie necessarie per un'attività musicista, come una selezione di udito, trasposizione, lettura da un foglio, gioco nell'ensemble.

Come risultato del suddetto, si può distinguere una serie di circostanze, che impediscono lo sviluppo del pensiero musicale nel processo educativo:

• 1. Imparare all'esecuzione musicale nella loro pratica quotidiana si occupa di un numero limitato di opere, padroneggiare la formazione minima e il repertorio pedagogico.
• 2. La lezione nella classe di performance, girando in sostanza nella formazione delle qualità professionali di gioco, spesso impartendo nel contenuto - il rifornimento della conoscenza della natura teorica e di generalizzazione deriva da studenti strumentali lentamente e in modo inefficace, la parte cognitiva della formazione è bassa .
• 3. L'insegnamento in un certo numero di casi è una natura autoritaria pronunciata, orienta lo studente a seguire il modello interpretatorio come un dato insegnante, senza sviluppare l'indipendenza, l'attività e l'iniziativa creativa.
• 4. Le competenze e le competenze formate nel processo di apprendimento del gioco sullo strumento musicale sono limitate, non ampie e universali. (Lo studente dimostra l'incapacità di uscire in attività pratiche di gioco al di fuori della stretta cerchia di mano trascorsa in mano con un pedagogo di giochi).

L'espansione dell'orizzonte intellettuale musicale e generale dovrebbe essere una costante cura di un giovane musicista, perché aumenta le sue opportunità professionali.

Per lo sviluppo di competenze di pensiero nel processo di percezione musicale, è consigliato:

• - identificare il grano di intonazione principale nel lavoro;
• - determinare la direzione stilistica del lavoro musicale all'orecchio;
• - identificare le caratteristiche dello stile di esecuzione durante l'interpretazione con diversi musicisti dello stesso lavoro;
• - determinare le sequenze armoniche per l'udito;
• - Scegli la composizione musicale del lavoro della letteratura e della pittura in conformità con il suo sistema figurativo.

Per lo sviluppo delle capacità di pensiero nel processo di esecuzione, segue:

• - confronta i piani di esecuzione di opere musicali nelle loro varie modifiche;
• - trovare nel lavoro musicale le principali intonazioni e punti di sostegno per i quali si sta sviluppando il pensiero musicale;
• - costituire diversi piani di esecuzione per lo stesso lavoro musicale;
• - Esegui opere con diversa orchestrazione immaginaria.

A seconda del tipo specifico di attività nel pensiero musicale, può prevalere un principio a forma di vista visiva che possiamo osservare con la percezione della musica, o chiaramente efficace, come succede al momento del gioco su uno strumento musicale o astratto con l'esperienza vitale dell'ascoltatore.

In tutte queste attività, la creazione della musica, la sua esecuzione, la percezione è necessariamente presentare immagini dell'immaginazione, senza il cui lavoro non è possibile alcuna attività musicale a pieno titolo. Creare un lavoro musicale, il compositore funziona con suoni immaginari, ritenga la logica della loro implementazione, seleziona l'intonazione, la migliore trasmissione di sentimenti e pensieri al momento della creazione di musica. Quando il contraente inizia a lavorare con il testo fornito da lui dal compositore, la sua abilità tecnica è il mezzo principale nel trasferimento di un'immagine musicale, con cui trova il ritmo giusto, il ritmo, la dinamica, il timbro agogico, il timbro. Il successo dell'esecuzione è molto spesso associato a quanto bene lo spettacolo si sente e comprende l'immagine olistica del lavoro musicale. L'ascoltatore sarà in grado di capire cosa volesse anche il compositore per esprimere, se i suoni di musica, immagini e associazioni che rispondono allo spirito del lavoro musicale saranno in grado di causare suoni musicali di musica nelle sue idee interne. Spesso una persona con un'esperienza di vita più ricca, un sacco di resa e che avevano mai avuto, avevano mai avuto una speciale esperienza musicale, risponde alla musica più profondamente, piuttosto che una persona con allenamento musicale, ma un po 'esperto.

Comunicazione dell'immaginazione musicale con l'esperienza della vita dell'ascoltatore

A seconda della mia esperienza di vita, due persone che ascoltano lo stesso lavoro musicale possono capire completamente in modo diverso e apprezzarlo, vedere diverse immagini in esso. Tutte queste caratteristiche della percezione della musica, la sua esecuzione e la creazione sono causate dal lavoro di immaginazione, che, come le impronte digitali, non possono mai essere uguali anche in due persone. L'attività dell'immaginazione musicale è più strettamente associata alle idee musicali e udito, cioè. La capacità di ascoltare musica senza supporto sul suo suono reale. Queste osservazioni si stanno sviluppando sulla base della percezione della musica che offre le private impressioni della musica diretta. Tuttavia, le attività dell'immaginazione musicale non dovrebbero finire al lavoro dell'udito interiore. Ciò giustamente indicò B.M. Peplov, dicendo che le prestazioni uditive non sono quasi mai controllate e dovrebbero includere visivi, motore e altri momenti.

È improbabile che tu abbia bisogno di provare a tradurre completamente il linguaggio delle immagini musicali per il significato concettuale, espresso da parole. La dichiarazione di Pi Tchaikovsky sulla sua quarta sinfonia, "Symphony", credeva PI Tchaikovsky, - dovrebbe esprimere ciò che nessuna parola per cosa, ma quello che chiede all'anima e ciò che vuole essere espresso ". Tuttavia, lo studio delle circostanze in cui il compositore ha creato il suo saggio, la sua visione del mondo e la visione del mondo dell'era in cui viveva, influenzare la formazione di un design artistico del compimento del lavoro musicale. È noto che il software funziona, I.e. Coloro che compositore danno nome o sono preceduti da speciali spiegazioni del copyright, sono più facili per la percezione. In questo caso, il compositore occlò che la pista, secondo la quale l'immaginazione dell'artista e dell'ascoltatore si muoverà quando incontrerà la sua musica.

A scuola i.p. Pavlova condivide le persone all'arte e ai tipi mentali, a seconda del quale un sistema di segnalazione è basato su una persona. Quando si supporta il primo sistema di segnale, che opera principalmente da idee specifiche, riferendosi direttamente al senso, dicono del tipo artistico. Quando si supporta il secondo sistema di segnalazione, regolando il comportamento con le parole, parla del tipo di assottigliamento.

Quando si lavora con figli di tipo artistico, l'insegnante non dovrebbe spendere molte parole, perché in questo caso lo studente comprende in modo intuitivo il contenuto del lavoro, concentrandosi sulla natura della melodia, dell'armonia, del ritmo, di altri mezzi di espressività musicale. Si trattava di tali studenti G.G.Nugughause che non avevano bisogno di ulteriori spiegazioni verbali.

Quando si lavora con gli studenti del tipo di pensiero, un impulso esterno dall'insegnante, che, con l'aiuto di vari confronti, la metafora, le associazioni figurative, è attivata dall'immaginazione del suo allievo e causa esperienze emotive simili a quelle vicine all'emotivo sistema di lavoro di apprendimento.

Il pensiero musicale e figurativo è una condizione necessaria per percepire o riprodurre il contenuto artistico del lavoro musicale. È caratterizzato dal fatto che si basa sul materiale figurativo. Le immagini musicali sono un suono significativo intontazionale successivo, il cui contenuto dei quali sono sentimenti, emozioni e esperienze umane.
È noto che il contenuto artistico del lavoro musicale è espresso da melodia, ritmo, tempo, dinamica, ecc., Che è generalmente un linguaggio specifico di musica. Lo sviluppo del pensiero musicale e figurativo impedisce, quindi, comprendendo principalmente il linguaggio della musica e la consapevolezza del fatto che la musica non raffigura il mondo visibile, ma esprime principalmente un atteggiamento sensuale di una persona a questo mondo. E le sue immagini sono limitate solo dalla resistenza sana (ad esempio, cantando di uccelli), collegamenti tra sensazioni uditive e visive, associazione (canto degli uccelli - pittura della foresta, suoni elevati - luminosi, polmoni, sottili; basso -sms, pesante, spesso ).

Una caratteristica caratteristica della musica è che è privata della chiarezza del soggetto. Gli stessi sentimenti, e di conseguenza l'intonazione del suono della loro espressione, può essere causata da varie circostanze, fenomeni o oggetti. Pertanto, la percezione dell'immagine musicale è una certa difficoltà. Di conseguenza, uno dei principali metodi per lo sviluppo di una comprensione dell'espressività figurativa della musica è il metodo di specificare l'immagine analizzando la catena seriale: rappresentazione dell'immagine dell'oggetto (ad esempio, una scena di danza), i sentimenti causati da Questo argomento, il mezzo di espressione musicale di questi sentimenti.

Il contenuto della vista musicale e sagomata suggerisce principalmente il genere del gioco, la sua forma, il nome, la canzone - testo, ecc. E i mezzi di espressività sono sempre predeterminati dall'autore del lavoro musicale. Pertanto, l'intera domanda è quella di scoprire con gli studenti, quali sentimenti causano un'immagine presentata, e di indicargli come i sentimenti hanno causato la loro riflessione in questo lavoro musicale.
Nel processo di analisi di questa catena, è necessario evitare di sovraccaricare il pensiero del dettaglio eccessivo degli studenti dell'immagine dell'oggetto e lo sforzo di minimizzare le generalizzazioni. Lo scopo dell'analisi è quello di scoprire quale stato emotivo (umore) o la qualità del volitizionale di una persona provoca questa immagine oggetto, cioè, la notizia, il divertimento, l'allegria, la tenerezza, lo sconforto, la tristezza; O - premurosità, decisione, energia, moderazione, perseveranza, doratura, serietà, ecc. Dopo di ciò, i mezzi di espressività musicale, caratteristica di uno o un altro umore o qualità di volitional, è analizzato, caratteristica di uno o un altro umore o qualità del voto: Lad, tempo, altoparlante, attacco sonoro (solido o morbido) altro.
Il principale strumento espressivo è, ovviamente, la melodia è il suo carattere intonazionale, un'organizzazione ritmica, un abbonamento alle motivazioni, frasi, periodi, ecc., Che è percepito in modo simile alla parola, influenzando non solo il suono, ma anche il significato. Questa circostanza è molto importante per lo sviluppo del pensiero a forma musicale, in particolare l'analogia del significato di intonazione della melodia del discorso emotivamente saturo. Dopotutto, dall'inizio della formazione, il gioco sullo studente del Bayan ha già qualche esperienza di vita: può distinguere gli stati emotivi delle persone intorno a lui, distinguere le loro qualità volitive, sa come percepire e riprodurre il discorso emotivamente ricco, e ha qualche musica musicale Esperienza. Tutto questo è un prerequisito necessario e naturale per il successo dello sviluppo di una comprensione del significato dell'intonazione della melodia, e di conseguenza, lo sviluppo del pensiero a forma di musicale. L'intera domanda è abilmente affidarsi a questa esperienza usandolo come conoscenze e competenze pre-acquisite.

Il bambino, o meglio, il grado del suo sviluppo, colpisce molto i risultati nell'insegnamento della musica. Dopo tutto, le immagini esprimono sempre le emozioni e le emozioni sono il contenuto principale di quasi tutte le musica.

Sfortunatamente, il gioco di bambini molto raramente è interessante in una forma emotiva, il più delle volte è possibile ascoltare secco secco e accademico dei suoni. Bene, se questo è il suono che il compositore ha concepito. Ancora meglio se la durata delle note è calcolata di sicuro.

Bene, se il tempo è vicino a questo, allora cos'altro desiderare? Tutte le attività sono risolte. Questo sta solo ascoltando una tale partita incredibilmente noiosa. A volte pensi: "Sarebbe meglio se qualcosa non fosse sbagliato, ma con una reazione emotiva vivente".

Ma in modo che lei, questa reazione, apparve, ha bisogno di un interesse molto sincero del bambino da ciò che sta facendo dietro il pianoforte. In questa questione, il compito principale è quello di ottenere una reazione emotiva brillante alla musica. Tale reazione in modo che il bambino fosse solo "annegato" dall'impazienza per dire ai suoni di tutte le immagini luminose che vivono nella musica.

E per questo è estremamente importante che per l'inizio di queste immagini abbia ascoltato la musica. Ma nei bambini di quell'età, in cui la musica sta iniziando, il pensiero astratto è ancora sviluppato, quindi la musica del suono non sempre causa loro una serie associativa di immagini vicine a quelle con cui hanno già familiarità dalla vita dei loro figli.

A questo proposito, è estremamente importante spingere il bambino a stabilire consapevolmente ponti tra il contenuto emotivo della musica, che svolge sia le immagini, le emozioni, le impressioni che riceve dalla sua esperienza di vita e dal contatto con altre arti correlate.

Una di queste musica adiacenti e molto vicine delle specie artistiche è la letteratura. Soprattutto se stiamo parlando di bonifica letteraria e poetica.

Ci sono termini in musica: "Offerta", "frase". Usiamo anche i concetti: "segni di punteggiatura", "cesura". Ma la cosa più importante è che si riferisce alla musica con un discorso espressivo e questa è una delle principali fondamenta dell'esecuzione musicale espressiva - questa è l'intonazione.

Il significato del lavoro letterario è espresso da parole, quindi il bambino è facile da capire il contenuto del testo. Nella musica, questo contenuto si manifesta molto più astratto, è nascosto dietro i simboli del suono e per capire il significato, è necessario conoscere la decrittografia di questi personaggi.

L'intonazione espressiva è uno dei personaggi principali che il contesto emotivo nella musica viene trasmesso. Dove sono arrivati \u200b\u200bquesti simboli di intonazione in musica e perché sono più o meno di tutte le nazioni (cosa rende la lingua musicale universale)?

La ragione qui è che vennero dal nostro discorso conversazionale, più precisamente, dalle intonazioni che accompagnano espressivo discorso. Di conseguenza, che il bambino ha imparato a sentire queste intonazioni nella musica, devi prima insegnargli a sentirli nel normale discorso umano.

Poiché la musica è la lingua delle emozioni, quindi il discorso con cui "rimosso" viene copiato dall'intonazione, deve necessariamente emozionare. Pertanto, affinché il gioco musicista sia espressivo, deve imparare a dichiarazioni espressive e emotive.

Naturalmente, a scuola, viene chiesto a tutti di apprendere poesie per la memoria, ci sono compiti per letture espressive di lettura dei testi prosaici. Ma cercheremo l'insegnante? Più precisamente, può lavorare con ogni bambino questa abilità? Dopo tutto, per correggere le intonazioni imprecise, "finte", e anche le intuizioni possono lasciare un sacco di tempo.

Pasticciare con ogni bambino quando sono in classe non una dozzina, nessuno diventerà. Fallo solo per la mamma che è interessata a ottenere una buona educazione e

In questo caso, siamo "solo" per lo sviluppo del pensiero creativo, che è così necessario per qualsiasi tipo di attività umana e che è così raramente trovata (proprio perché non si sono sviluppati nell'infanzia)!

E allo stesso tempo, si sta sviluppando la discorso dell'artista e libera - tali qualità necessarie per l'adattamento in qualsiasi società! Ma questo è solo se non impari il testo con il bambino, ma insegnala intonazione espressiva.

E l'insegnante di musica trova cosa fare con questa abilità nella lezione. Nei voti primari, un sottotesto verbale ("Switch") è inventato sotto ogni melodia.

Se il bambino sa come pronunciare le parole emotivamente, con un'intonazione espressiva, quindi portare questa intonazione alla musica sarà molto più facile, e il significato della musica stessa diventerà molto più vicino e più chiaro.