Metodi fiamminghi e italiani. Pittura fiamminga

La pittura fiamminga è considerata una delle prime esperienze di artisti per scrivere dipinti per olio. La paternità di questo stile, così come l'invenzione di da sole di vernici petrolifere, è attribuita alle Eyk del bagno dei fratelli. La stilistica del dipinto fiammingo è inerente a quasi tutti gli autori del Rinascimento, in particolare, il famigerato Leonardo da Vinci, Peter Bruegel e Petrin Cryslus rimasta dietro la massa delle opere d'arte inestimabili in questo genere.

Per scrivere una foto di questa tecnica, dovrai pre-creare un disegno su carta, e ovviamente non dimenticare di comprare un cavalletto. La dimensione dello stencil della carta deve corrispondere con precisione delle dimensioni dell'immagine futura. Successivamente, il disegno viene trasferito in terra adesiva bianca. Per fare ciò, attorno al perimetro dell'immagine è fatto dalla massa dei più piccoli fori degli aghi. Protezione del disegno nel piano orizzontale, prendere polvere di carbone e cospargere aree con fori. Dopo aver rimosso la carta, i punti separati sono collegati da una punta tagliente del pennello, una penna o una matita. Se si utilizza l'inchiostro, dovrebbero essere rigorosamente trasparenti, per non disturbare il candore del terreno, che effettivamente dà l'immagine finita all'immagine.

I disegni trasferiti devono essere arrossiti con vernice marrone trasparente. Durante il processo, dovrebbe essere destinato a garantire che il terreno continui a rimanere visibile attraverso gli strati applicati. L'olio o le temperature potrebbero essere usati come vasca. Per evitare l'assorbimento del tubo dell'olio nel terreno, era pre-coperto di colla. Jerome Bosch ha usato la vernice marrone per questo scopo, grazie a cui i suoi dipinti hanno mantenuto il colore nel tempo.

In questa fase viene eseguito il più grande volume di lavoro, quindi è stata sicuramente la pena di acquistare una tavoletta del cavalletto, per ogni artista che si rispetti ha un paio di tali strumenti. Se l'immagine è stata pianificata per finire a colori, lo strato preliminare ha eseguito il freddo, i toni della luce. Su di loro, di nuovo le vernici ad olio sono state applicate allo strato della cinghia sottile. Di conseguenza, l'immagine ha acquisito sfumature di vita e sembrava molto più efficacemente.

Leonardo da Vinci ha ancora urlato nell'ombra tutto il terreno con un tono, che è una combinazione di tre colori: ocra rossa, spray e nero. Ha prescritto abiti e sfondo di opere mediante sovrapposizione di strati di vernice trasparente. Questa tecnica ha permesso di trasferire l'immagine una caratteristica speciale dell'illuminazione.

Ha lavorato nella tecnica di Chyaroskuro (ombreggiatura), in cui l'oppressione di contrasto delle sezioni scure della luce dell'immagine. È interessante notare che non è stato trovato un singolo schizzo di caravaggio. Ha lavorato immediatamente sulla versione fine del lavoro.

Dipingere il 17 ° secolo in Italia, la Spagna e i Paesi Bassi percepisci nuove tendenze come sorso di aria fresca. In tale tecnica, gli italiani de Forei e Jentelish, Spaniard Ribera, Terbrewsgen e Barburen hanno lavorato.
Inoltre, il carovagismo ha avuto una forte influenza sulle fasi della creatività di tali maestri, come Peter Paul Rubens, Georges de Latour e Rembrandt.

La tela volumetrica di Karavagisti è influenzata dalla loro profondità e attenzione ai dettagli. Parliamo di più sui pittori olandesi lavorati con questa tecnica.

La prima idea ha preso Hendrik Terbrujgen. All'inizio del XVII secolo, ha visitato Roma, dove ha incontrato Manfredi, Saratin e Jentelly. Era l'olandese che ha segnato l'inizio della scuola di pittura di Utrecht con questa tecnica.

I grafici dei panni sono realistici, sono caratterizzati da un umorismo morbido delle scene raffigurate. Terbrujgen ha mostrato non solo alcuni momenti della vita moderna, ma anche il naturalismo tradizionale ripensato.

Più avanti nello sviluppo della scuola, Honthorst è andato. Si rivolse a storie bibliche, ma la trama costruita dal punto di vista domestico del XVII secolo olandese. Quindi, nei suoi dipinti, vediamo l'influenza esplicita della tecnica di chiaroskuro. Erano le opere sotto l'influenza di Karavaggiars che lo hanno portato fama in Italia. Per i suoi geni scene con le candele, ha ricevuto il soprannome "notte".

A differenza della scuola di Utrecht, i pittori fiammini come Rubens e Wang Dequee non sono diventati sostenitori del caravagismo. Questo stile è indicato nelle loro opere solo come stadio separato della formazione di stile personale.

Adrian Bruver e David Tairs

Per diversi secoli, il dipinto dei maestri fiammingo subisce cambiamenti significativi. Inizieremo la nostra revisione degli artisti con le fasi successive, quando c'era una partenza da panni monumentali a trame controllate da ristretto.

In primo luogo, il Browver, e dopo la creatività del Tairst Junior ha messo scene della vita quotidiana dell'ordinario olandese. Quindi, Adrian, continuando i motivi di Peter Bruegel, alquanto cambia la tecnica della scrittura e del focus dei loro dipinti.

È focalizzato sul lato più antiestetico della vita. Come per i vestiti, sta cercando in bolle più piccole e taverne. Ciononostante, i dipinti di Truevier stanno colpendo la loro espressione e profondità di personaggi. L'artista nasconde gli eroi principali nella profondità, esponendo i fegati ancora alla ribalta.

Una lotta per il gioco nell'osso o nella carta, fumatore a dormire o Dusty Dbunkards. Erano questi trame interessati al pittore.

Ma le opere successive di Marauper diventano morbide, in loro l'umorismo prevale su Grottesco e senza increspain. Ora la tela contiene umori filosofici e mostra i personaggi non molto premurosi.

I ricercatori dicono che nel XVII secolo, gli artisti fiamministici iniziano a bene rispetto alla precedente generazione di maestri. Tuttavia, vediamo semplicemente la transizione dall'espressione luminosa delle miche trame di rubens e il burlesco di yordans alla calma quotidiana dei contadini nei teneri del minore.

Quest'ultimo, in particolare, concentrato sui momenti spensierati delle vacanze dei villaggi. Cercò di ritrarre i matrimoni e camminare agricoltori ordinari. Inoltre, particolare attenzione è stata prestata a dettagli esterni e idealizzazione dello stile di vita.

Francia Snakers.

Come Anton Wang Dake, che parleremo più tardi, ha iniziato ad imparare da Hendrik Wang Balogen. Inoltre, il suo mentore era anche Peter Bruegel Jr ..

Considerando il lavoro di questo maestro, conosciamo un volto di creatività, che è così ricco di pittura fiamminga. Le immagini di Sneider sono completamente diverse sulla tela dei suoi contemporanei. La França è riuscita a trovare la sua nicchia e svilupparsi in esso alle alture dei maestri insuperabili.

È diventato il migliore nell'immagine di ancora viti e animali. Come artista animale, è stato spesso invitato da altri pittori, in particolare rubine, per creare alcune parti dei loro capolavori.

Nel lavoro di Snyders, c'è una transizione graduale da parte dei livelli ancora nei primi anni per andare a caccia scene nei periodi successivi. Con tutta la antipatia per i ritratti e l'immagine delle persone, sono ancora presenti sulla tela. Come è uscito dalla posizione?

Tutto è semplice, la Francia ha invitato a creare le immagini dei cacciatori di Gestione, Yordans e altre conoscenze sulla Gilda dei Maestri.

Pertanto, vediamo che il dipinto del XVII secolo nelle Fiandre riflette la fase disomogenea della transizione dalle precedenti tecniche e opinioni. Si è svolto non molto liscio come in Italia, ma ha dato al mondo le creazioni completamente insolite di maestri fiammini.

Giacob Yordans.

La pittura fiamminga del XVII secolo è caratterizzata da una maggiore libertà rispetto al periodo precedente. Qui puoi vedere non solo scene viventi dalla vita, ma anche il desiderio dell'umorismo. In particolare, spesso si è permesso di fare una parte burlessa nella sua tela.

Nel suo lavoro, non ha ottenuto altezze significative come riqualitiste, ma tuttavia, era quasi il migliore nella trasmissione del personaggio nella foto. Quindi, una delle sue principali serie - i "festeggiamenti del re Bobovka" - costruito sull'illustrazione del folclore, delle scuole folk, degli additivi e dei detti. Su queste tele, raffigura una vita affollata, allegra, precedente della società olandese del XVII secolo.

Parlando dell'arte olandese della pittura questo periodo, menzioneremo spesso il nome di Peter Paul Rubens. Era la sua influenza che si rifletteva nelle opere degli artisti fiamminghi.

I Yordans hanno anche evitato questo destino. Ha lavorato per un po 'nei workshop di rubens, creando schizzi per i vestiti. Tuttavia, era meglio a Jacob creare tendenismo e cjaroskuro nella tecnica.

Se guardi i capolavori di Yordans, confrontali con le opere di Peter Paul, vedremo l'effetto esplicito di quest'ultimo. Ma la tela Jacob è caratterizzata da colori più caldi, libertà e morbidezza.

Peter Rubens.

Discutere i capolavori di pittura fiamminga, è impossibile non parlare delle rubine. Peter Paul è stato un maestro riconosciuto con la sua vita. È considerato un virtuoso di argomenti religiosi e mitici, ma non meno talento, l'artista ha mostrato una tecnica di paesaggio e ritratto.

È cresciuto in famiglia, che cadde in opale a causa del trucco del padre nella sua giovinezza. Poco dopo la morte del genitore, la loro reputazione viene restaurata, e rubine con una madre torna ad Anversa.

Qui il giovane acquisisce rapidamente le connessioni necessarie, è fatto dalla fiera Contess de Lyalen. Inoltre, Peter Paul ha familiarità con Tobias, Verhaht, Van Nord. Ma un impatto speciale su di lui come mentore ha fornito Otto van Veen. Era questo artista che ha svolto un ruolo decisivo nella formazione dello stile del futuro master.

Dopo quattro anni di stage, Otto Rubens porta all'Associazione dell'officina di artisti, incisori e scultori chiamati "Gild of St. Luke". La fine dell'apprendimento, nella lunga tradizione dei maestri olandesi, è stato un viaggio in Italia. Lì Peter Paul stava studiando e copiando i migliori capolavori di questa epoca.

Non sorprende che i dipinti di artisti fiamminghi con le loro caratteristiche assomigliano alla tecnica di alcuni maestri italiani del Rinascimento.

In Italia, Rubens viveva e ha lavorato con un famoso patrono e collezionista Vincenzo Gonzag. Questo periodo dei suoi ricercatori di lavoro si chiama Mantuan, perché in questa città c'era una prevenzione del patrono di Peter Paul.

Ma il posto provinciale e il desiderio del Gonzaga lo usano non piacciono le rubine. In una lettera, scrive che Vicizzo potrebbe approfittare dei servizi di lavoratori ritratti con lo stesso successo. Due anni dopo, un giovane trova clienti e ordini a Roma.

Il principale raggiungimento del periodo romano era il dipinto di Santa Maria-in-Vowella e dell'altare del monastero di Farmo.

Dopo la morte della madre, Rubens ritorna ad Anversa, dove diventa rapidamente il mago più pagato. Il salario ricevuto da lui nel cortile di Bruxelles ha permesso di vivere su un ampio piede, avere un grande laboratorio, molti sommatori.

Inoltre, Peter Paul ha mantenuto il rapporto con l'ordine dei Gesuites, che è stato allevato nell'infanzia. Da loro, riceve ordini per la decorazione degli interni della Chiesa Anversa di Santa Carla Borryei. Qui aiuta il miglior studente - Anton Wang Duck, su cui parleremo dopo.

Rubens ha trascorso la seconda metà della sua vita nelle missioni diplomatiche. Poco prima della morte, comprò un maniero che asino, impegnato in paesaggi e l'immagine della vita dei contadini.

Nel lavoro di questo grande maestro, l'influenza di Tiziano e Bruegel è particolarmente tracciata. Le opere più famose sono la tela di Samson e Dalila, "Ippopotam Ippola", "Abduzione delle figlie di Levkippa".

Rubens ha fatto tanta influenza sul dipinto dell'Europa occidentale che nel 1843 il monumento fu fatto ad Anversa sulla piazza verde ad Anversa.

Anton Wang Duck.

Ritratto della corte, un maestro di grafici mitici e religiosi nella pittura, l'artista è tutte le caratteristiche del dequee Anton Wang, il miglior studente di Peter Paul Rubens.

Le tecniche di pittura di questo maestro furono formate durante la formazione del corrimano Wang Balogen, che è stato dato agli apprendisti. Erano gli anni trascorsi nel laboratorio di questo pittore che ha permesso ad Anton di ottenere rapidamente gloria locale.

A quattordici anni, scrive il primo capolavoro, quindici apre il suo primo workshop. Quindi, alla giovane età, Wang Duck diventa una celebrità di Antwerp.

Secondo diciassette anni, Anton è preso nella Santa Gilda Luke, dove diventa un apprendista da Rubens. Per due anni (dal 1918 al 1920), Wang Dyk scrive i ritratti di Gesù Cristo e dei dodici Apostoli per tredici tavole. Oggi questi lavori sono conservati in molti musei mondiali.

L'arte di pittura di Anton è stata più focalizzata su argomenti religiosi. Scrive nel laboratorio di Rubens la sua famosa tela "cantando la corona" e "bacio juda".

Dal 1621, inizia il periodo di viaggio. All'inizio, il giovane artista lavora a Londra, al re Yakov, dopo andare in Italia. Nel 1632, Anton ritorna a Londra, dove Karl lo dedica ai Cavalieri e dà la posizione dell'artista della corte. Qui ha lavorato fino alla sua morte.

Le sue tele sono esposte a Munich Museums, Vienna, Louvre, Washington, New York e molte altre sale del mondo.

Quindi, oggi siamo con te, cari lettori, imparato a conoscere la pittura fiamminga. Hai ricevuto un'idea della storia della sua formazione e tecnica di creare cauldoni. Inoltre, ci siamo incontrati in breve con i più grandi maestri olandesi di questo periodo.

Studiando la tecnica di alcuni vecchi maestri, siamo di fronte al cosiddetto "metodo fiammingo" della pittura ad olio. Questo è un metodo di scrittura multistrato, tecnicamente complesso opposto alla tecnica di "A la Prima". Il multistrato ha suggerito una profondità speciale dell'immagine, sfarfallio e radiazione delle vernici. Tuttavia, nella descrizione di questo metodo, tale fase misteriosa è invariabilmente trovata come lo strato "morto". Nonostante il nome intrigante, non c'è il misticismo in esso.

Ma perché è stato usato?

Il termine "pizzica morta" (Doodverf - NID. La morte della vernice) per la prima volta si trova nel lavoro di Charles Van Mandera "Libro degli artisti". Potrebbe essere chiamato così vernice, da un lato, letteralmente, a causa dei morti, che dà l'immagine, d'altra parte, metaforicamente, poiché questo pallore è come "muore" sotto il colore successivo. Tali vernici hanno colori gialli, neri e rossi deliberati in diversi rapporti. Ad esempio, è grigio freddo, ottenuto quando mescolato bianco e nero, e nero e giallo, collegamento, formato oliva formato.

Lo strato scritto dalle "Dead Paints" è considerato uno "strato morto".

Fasi della pittura "strato morto"

Saremo trasferiti al laboratorio dell'artista olandese del Medioevo e scoprire come ha scritto.

Innanzitutto, il disegno è stato trasferito sulla superficie innescata.

Il prossimo passo era la modellazione del volume con posti trasparenti, sottili alla luce del terreno.

L'aspettativa è stata ulteriormente applicata - uno strato colorato liquido. Ha permesso di preservare il disegno, non dare particelle di carbone o matita per entrare negli strati colorati superiori, e proteggere anche i colori dall'ulteriore Borderline. È grazie all'interruzione fino ad oggi, quasi invariato, vernici saturi sono conservate nei dipinti di Wang Eyka, Rogira van der Vagen e altri maestri del Rinascimento settentrionale.

Il quarto stadio era lo "strato morto", in cui le vernici schiacciate sono state applicate al sottomarke bulk. L'artista aveva bisogno di preservare la forma di oggetti senza disturbare il contrasto della luce ombra, che porterebbe alla noia dell'ulteriore pittura. "Dead Phints" sono stati applicati solo sulle parti luminose dell'immagine, a volte, imitando i raggi scorrevoli, candeggiati con clantiche con piccoli punti di punta. L'immagine ha acquisito un volume aggiuntivo e un pallore mortale minaccioso, che, già nello strato successivo "rianimato" grazie ai beesters multistrato. Un insolitamente profondo e brillante sembra un dipinto così complesso quando la luce si riflette da ogni strato, come dallo specchio scintillante.

Oggi, questo metodo non è usato spesso, tuttavia, è importante sapere sui segreti dei vecchi maestri. Usando la loro esperienza, puoi sperimentare nel tuo lavoro e cercare la tua strada in tutti i tipi di stili e tecniche.

"Metodo di lavoro fiammingo con vernici ad olio."

A. Arzamassev.
"Giovane artista" №3 1983.

Prima di lavorare artisti del Rinascimento: Yana Wang Eki, Petrus Cristus, Peter Bruegel e Leonardo da Vinci. Queste opere di diversi autori e diversi nella trama combina una ricezione della lettera - il metodo fiammingo di pittura.

Storicamente, questo è il primo metodo di lavoro con vernici petrolifere, e la leggenda attribuisce la sua invenzione, così come l'invenzione delle vernici stesse, Van Eyk Brothers. Metodo fiammingo goduto popolare non solo nell'Europa settentrionale.

Fu portato in Italia, dove tutti i più grandi artisti del Rinascimento di Tiziano e Georgeon furono ricorsero a lui. Si ritiene che gli artisti italiani abbiano scritto il loro lavoro molto prima dei fratelli Van Eyk.

Non approfondiremo nella storia e chiariremo chi lo ha applicato il primo, ma cercheremo di parlare del metodo stesso.

Fratelli Wang Eyk.
Gent Altar. Adamo. Frammento.
1432.
Olio, albero.

Fratelli Wang Eyk.
Gent Altar. Frammento.
1432.
Olio, albero.

Studi moderni delle opere d'arte consentono di concludere che la pittura nei vecchi maestri fiamminghi è sempre stato eseguito sul terreno adesivo bianco.

Le vernici sono state applicate con uno strato di rivestimento sottile, in modo che non solo tutti i livelli di pittura hanno preso parte alla creazione di un effetto pittorico comune, ma anche il colore del suolo bianco, che brilla attraverso la vernice illumina l'immagine dall'interno.

Attira anche l'attenzione sull'assenza pratica nella pittura Belil, tranne nei casi in cui è stato scritto vestiti bianchi o drappeggi. A volte si trovano ancora nelle luci più forti, ma anche solo nella forma dei migliori lussari.

Christo petrian.
Ritratto di una ragazza.
XV secolo.
Olio, albero.

Tutto il lavoro sulla foto è stato effettuato in una sequenza rigorosa. Ha iniziato con un disegno su carta densa delle dimensioni della futura immagine. Il cosiddetto "cartone" è stato ottenuto. Un esempio di tale cartone può servire un disegno di Leonardo da Vinci al ritratto di Isabella D'Est.

Leonardo Da Vinci.
Cartone al ritratto di Isabella D "Este. Frammento.
1499.
Carbone, Sangin, pastello.

La prossima fase del lavoro è il trasferimento del disegno a terra. Per questo, fu punito con un ago per tutto il contorno e i confini delle ombre. Quindi il cartone è stato messo su un terreno lucido bianco, applicato al tabellone e ha tradotto il disegno con polvere di carbone. Trovare i fori realizzati nel cartone, il carbone ha lasciato i contorni polmonari dell'immagine in base all'immagine.

Per fissarlo, la pista di carbone è stata iniettata con una matita, una penna o una punta tagliente del pennello. Allo stesso tempo usato o inchiostro, o qualche vernice trasparente. Gli artisti non hanno mai dipinto proprio a terra, poiché avevano paura di romperlo il bianchezza, che, come già menzionato, ha giocato a dipingere il ruolo del tono più brillante.

Dopo aver trasferito il disegno, è stato proceduto allo scavo con vernice marrone trasparente, seguendo il terreno per attraversare il suo strato ovunque. Il tubo è stato prodotto da temperatura o burro. Nel secondo caso, che il legante delle vernici non assorbe nel terreno, era coperto da uno strato aggiuntivo di colla.

In questa fase del lavoro, l'artista ha permesso quasi tutti i compiti della foto futura, ad eccezione del colore. In futuro, non sono stati introdotti cambiamenti nel disegno e nella composizione, e in questa forma, il lavoro è stato un lavoro artistico.

A volte, prima di finire l'immagine a colori, tutta la pittura preparata nelle cosiddette "dolori morti", cioè, freddo, leggero, toni a basso intenso. Questa preparazione ha assunto l'ultimo strato inferiore di vernici, con il quale l'intero lavoro ha dato la vita.

Naturalmente, abbiamo disegnato lo schema generale del metodo fiammingo di pittura. Naturalmente, ogni artista che li ha gustati ha portato qualsiasi cosa per questo. Ad esempio, sappiamo dalla biografia dell'artista Jerome Bosch che ha scritto in una ricezione utilizzando un metodo fiammingo semplificato.

Allo stesso tempo, i suoi dipinti sono molto belli, e le vernici non hanno cambiato il colore di volta in volta. Come tutti i suoi contemporanei, ha preparato uno sfortunato terreno bianco, a cui tollerare un disegno dettagliato. Dietro la vernice di Tempera marrone, dopo di che copriva l'immagine con uno strato di vernice corporale trasparente, isolando il terreno dalla penetrazione dell'olio dai successivi strati colorati.

Dopo aver asciugato l'immagine, è rimasto per registrare lo sfondo con il selezione dei toni pre-compilati e il lavoro è stato completato. Solo a volte alcuni luoghi erano inoltre prescritti dal secondo strato per migliorare il colore. Peter Bruegel ha scritto il suo lavoro come o molto vicino.

Peter Bruegel.
Cacciatori nella neve. Frammento.
1565.
Olio, albero.

Un altro tipo di metodo fiammingo può essere rintracciato sull'esempio della creatività di Leonardo da Vinci. Se guardi il suo lavoro infedele "adorazione dei Magi", allora puoi assicurarti che stia iniziando sul terreno bianco. Il disegno tradotto dal cartone era il tipo di vernice trasparente cerchiata di terra verde.

Figura Ottuno, nelle tonalità con un tono marrone, vicino a seppia, composto da tre colori: nero, spray e rosso ocra. Il lavoro di Tsucevan è tutto, il terreno bianco non è lasciato da nessuna parte, anche il cielo è preparato dallo stesso tono marrone.

Leonardo Da Vinci.
Adorazione dei Magi. Frammento.
1481-1482.
Olio, albero.

Nelle opere finite delle luci Leonardo da Vinci sono state ottenute a causa del terreno bianco. Lo sfondo di opere e vestiti, ha scritto con i livelli di vernice trasparenti sovrastantemente sovrapposti.

Usando il metodo fiammingo, Leonardo da Vinci è stato in grado di ottenere una straordinaria trasmissione di illuminazione. In questo caso, lo strato colorato si distingue per uniformità e uno spessore molto insignificante.

Il metodo fiammingo non è stato usato da tempo dagli artisti. Esisteva nella sua pura forma di non più di due secoli, ma molte grandi opere sono state create in questo modo particolare. Oltre ai già citati maestri, hanno usato Golbaine, Duer, Perugino, Rogir van der Wayden, indizio e altri artisti.

Le opere di pittura, eseguite dal metodo fiammingo differiscono, si distinguono per eccellente sicurezza. Fatto su tavole stagionate, terreni resistenti, sono ben opposti alla distruzione.

L'assenza pratica nello strato pittoresco di Belil, che perde la forza di taglio di volta in volta e il sapore generale del lavoro, garantiva che vediamo i dipinti quasi allo stesso modo di uscire dai laboratori dei loro creatori.

Le principali condizioni che dovrebbero essere osservate quando si utilizzano questo metodo è un motivo scrupoloso, il calcolo migliore, la sequenza corretta del lavoro e la grande pazienza.

Compilato dai materiali raccolti da V. E. Makukhin.

Consulente: V. E. Makuchin.

Sulla copertina: una copia da Rembrandt Autoportist, realizzata da M. M. Nithyatov.

Prefazione.

Mikhail Mikhailovich Ninthov è un eccezionale artista sovietico e russo, un tecnologo di pittura, un restauratore, uno dei fondatori e dirigersi per molti anni di reparto restauro presso l'Accademia delle Arti. Repin, il fondatore del laboratorio della tecnologia e della tecnologia di pittura, dell'iniziatore della creazione della sezione di restauro dell'Unione degli artisti, ha onorato la lavoratori delle arti, il candidato della storia dell'arte, il professore.

Mikhail Mikhailovich ha fatto un enorme contributo allo sviluppo dell'arte visiva con la sua ricerca nel campo della tecnologia pittura e dello studio del tecnico dei vecchi maestri. Riuscì a afferrare l'essenza stessa dei fenomeni e distinguirlo in un linguaggio semplice e comprensibile. Nove-one è scritto una serie di articoli eccellenti sulla tecnica della pittura, le leggi di base e le condizioni di forza dell'immagine, sul significato e sui compiti principali della copia. Inoltre, il nono è stato scritto la dissertazione "la conservazione delle opere di pittura ad olio sulla tela e le caratteristiche della composizione dei terreni", che viene letto facilmente come un libro emozionante.

Non è un segreto che dopo la rivoluzione di ottobre, la pittura classica ha subito gravi persecuzioni e molte conoscenze sono andate perse. (Sebbene sia iniziata qualche perdita di conoscenza della tecnologia di pittura prima, è stato notato da molti ricercatori (J. Vieber "Pittura e dei suoi fondi", A. Rybnikov Articolo introduttivo a "Trattato su Livipisi" Chennino Chennini ")).

Mikhail Mikhailovich prima (nel tempo post-rivoluzionario) ha introdotto la pratica della copia del processo educativo. La sua impresa ha raccolto la sua accademia ilya Glazunov.

Nel laboratorio articolato creato dai nove laboratori e dalla tecnologia, sotto la guida del Maestro, c'erano test di un enorme numero di terreni, sulle ricette raccolte dalle fonti storiche conservate, nonché un moderno terreno sintetico. Quindi i terreni selezionati per sperimentare studenti e insegnanti dell'Accademia delle Arti.

Una delle parti di questi studi è stata dei diari-relazioni che avrebbero dovuto scrivere studenti. Dal momento che non abbiamo raggiunto la prova esatta del processo di lavoro dei maestri eccezionali, allora questi diari sembrano aprire il velo sulla creazione segreta delle opere. Inoltre, i diari possono essere rintracciati tra i materiali utilizzati, la tecnica del loro uso e la sicurezza della cosa (copia). E anche su di loro puoi tracciare se lo studente ha imparato i materiali di conferenza, come si applicano alla pratica, così come le scoperte personali dello studente.

I diari sono stati condotti da circa il 1969 al 1987, allora questa pratica gradualmente discese. Ciononostante, abbiamo un materiale molto interessante che può essere molto utile per artisti e amanti dell'arte. Nei loro diari, gli studenti descrivono non solo il corso del lavoro, ma anche i commenti degli insegnanti che possono essere molto preziosi per le prossime generazioni di artisti. Pertanto, leggendo questi diari, puoi "ricaricare" le migliori opere dell'Hermitage e del museo russo.

Secondo un composto da M. M. Un nono curriculum, nel primo anno, gli studenti gli hanno insegnato un corso di conferenza sulla tecnica e sulla tecnologia di pittura. Nel secondo anno, gli studenti copiano le migliori copie fatte da studenti senior nell'eremo. E nel terzo anno, gli studenti procedono a copiare diretto nel museo. Quindi, prima del lavoro pratico, una parte molto grande è assegnata all'assimilazione della conoscenza teorica necessaria e molto importante.

Per capire meglio ciò che è descritto nei diari, sarebbe utile leggere articoli e conferenze M. M. Devyatova, così come sotto la guida di Ninetov, un manuale metodologico per il corso dei tecnici di pittura "Domande e risposte". Tuttavia, qui, nella prefazione, cercherò di rimanere nei punti più importanti, basati sui libri sopra riportati, oltre a ricordi, conferenze e consultazioni dello studente e dell'amico Mikhail Mikhailovich - Vladimir Emelyanovich Makukhina, che attualmente legge questo corso all'Accademia delle Arti.

Terreni.

Nelle sue conferenze, Mikhail Mikhailovich ha detto che gli artisti sono divisi in due categorie - coloro che amano la pittura opaca, e coloro che amano la pittura lucida. Coloro che amano la pittura lucida, vedendo pezzi glassati sul loro lavoro, di solito dicono: "traghetto!", E molto turbato. Quindi, lo stesso fenomeno per alcuni è gioia, ma per gli altri è il dolore. I terreni svolgono un ruolo molto importante in questo processo. La loro composizione determina il loro impatto sulle pitture e sull'artista, è necessario comprendere questi processi. Ora gli artisti hanno l'opportunità di acquistare materiali nei negozi, e non per produrlo da soli, (come ha fatto i vecchi maestri, fornendo, quindi la massima qualità delle loro opere). Come dicono molti esperti, questa opportunità, facilitando, apparentemente il lavoro dell'artista, è la causa della perdita di conoscenza della natura dei materiali e, in definitiva, al declino della pittura. Nelle moderne descrizioni di negoziazione dei terreni, le informazioni sulle loro proprietà non sono presenti e anche la composizione non è elencata. A questo proposito, è molto strano ascoltare l'approvazione di alcuni insegnanti moderni che l'artista non ha bisogno di essere in grado di fare il terreno da solo, perché può sempre comprarlo. Assicurati di capire le composizioni e le proprietà dei materiali, anche per comprare ciò di cui hai bisogno e non essere ingannato dalla pubblicità.

La lucentezza (superficie lucida) mostra colori profondi e ricchi che la mattinazione rende monotono sbiancare, più leggero e incolore. Tuttavia, la lucentezza può interferire con una grande immagine, come riflessi e abbagliamento interferire con tutto allo stesso tempo. Pertanto, spesso in pittura monumentale preferiscono la superficie del mascherino.

Generalmente parlando, lucidezza è una proprietà naturale di vernici ad olio, poiché l'olio stesso luccica. E la materia della pittura ad olio è entrata nella moda relativamente recente, alla fine del XIX, all'inizio del XX secolo (recinzione, Borisov-Musatov, ecc.). Poiché la superficie opaca produce colori scuri e ricchi meno espressivi, quindi di solito la pittura opaca ha i toni della luce, enfatizzando in modo vincente il loro vellutato. E la pittura lucida di solito ha toni ricchi e persino scuri (ad esempio, vecchi maestri).

Burro, particelle di pigmento avvolgente, li rende lucidi. E meno olio, e più il pigmento è preso - più diventa opaco, vellutato. Esempio visivo - Pastel. Questo è quasi pigio puro, senza un legante. Quando l'olio lascia la vernice e la vernice diventa opaca o "fruner", quindi cambia il suo tono (scuro chiaro) e persino il colore. I colori scuri sono illuminati e perdendo la colorazione del colore e i colori chiari sono un po 'più scuri. Ciò è dovuto al cambiamento nella rifrazione dei raggi di luce.

A seconda della quantità di olio nella vernice, le sue proprietà fisiche cambiano.

L'olio si asciuga dall'alto verso il basso, formando un film. Quando si asciuga, l'olio è rugoso. (Pertanto, è impossibile usare la vernice, in cui ci sono un sacco di petrolio per la pittura pastosa, strutturata). Inoltre, l'olio ha una proprietà di un po 'di ingiallimento al buio (specialmente durante il periodo di asciugatura), viene ripristinato di nuovo. (Tuttavia, l'immagine non dovrebbe asciugare al buio, poiché in questo caso alcuni ingiallimenti si verificano più evidenti). Le vernici per tirare i terreni, (vernici errata) stanno ingiallire meno, poiché sono meno dell'olio. Ma in linea di principio, l'ingiallimento, che proviene da una grande quantità di olio nei colori non è significativa. La ragione principale per l'ingiallimento e l'oscuramento dei vecchi dipinti è la vecchia vernice. È sofisticato e sostituito dai restauratori e sotto di di solito è di solito luminoso e fresco. Un altro motivo per l'oscuramento dei vecchi dipinti è suolo scuro, poiché le vernici ad olio nel tempo sono rese più trasparenti e terreni scuri come se "li mangia".

I terreni sono suddivisi in due categorie - sulla tiratura e non tirano (nella loro capacità di tirare l'olio dalla vernice e, quindi, per renderlo opaco o lucido).

La combustione può verificarsi non solo dal terreno tirandolo, ma anche dall'imposizione dello strato di vernice sull'incontanto vergogna (formato solo il film) il precedente strato di vernici. In questo caso, lo strato inferiore essiccato insufficiente inizia a tirare l'olio dall'alto, nuovo livello. Aiuta a prevenire questo fenomeno del trattamento con intercalamento con olio compattato e additivo alle vernici della raffinata vernice di olio e resina, che accelera l'essiccazione delle vernici e rendono più uniforme.

Vernice del monastero (vernice in cui c'è poco olio) diventa più denso (pastorale), è più facile fare uno striscio piatto. Si asciuga più velocemente (come è meno olio). È più pesante diffondere sulla superficie (pennelli rigidi e mastikhin sono richiesti). Inoltre, la vernice di monitoraggio è meno gialla, poiché c'è poca olio in esso. Il terreno tirandolo, allungando l'olio dalla vernice, come se "la afferra", la vernice, come lo era, esitava e si congela, "diventa". Pertanto, scorrevole, striscio sottile su un tale terreno è impossibile. Per tirare i terreni, l'essiccazione è più veloce e perché l'essiccazione passa dall'alto, e dal basso, poiché questi terreni danno il cosiddetto "attraverso i bagagli". L'asciugatura rapida e la peeling possono guadagnare rapidamente texture. Un vivido esempio di pittura passata sul terreno tirandolo - Igor Grabar.

L'esatto opposto della pittura sui terreni tiranti "traspiranti" sta dipingendo su terreni impenetrabili e terreni semifiti. (Il terreno dell'olio è uno strato di vernice ad olio (spesso con alcuni additivi), applicato al dimensionamento. Il terreno semifilato è anche uno strato di vernice ad olio, ma applicata a qualsiasi altro terreno. Il terreno semi -sciugh è considerato Semplicemente essiccato (o riferendosi) pittura, che in qualche momento l'artista vuole aggiungere, causando un nuovo strato di vernice su di esso).

Lo strato di olio essiccato è un film impenetrabile. Pertanto, le vernici ad olio applicate a un altro terreno non possono dargli una parte del suo olio (e quindi entrata in essa), e, quindi, non può e "cane", cioè diventando opaco. Cioè, a causa del fatto che l'olio di vernice vada nel terreno non può, la vernice stessa rimane lucida. Uno strato di pittura per un terreno così impenetrabile è sottile e striscia scorrevole e luce. Il pericolo principale di terreni di petrolio e semi-cera è la cattiva adesione con le vernici, poiché non vi è alcuna adesione penetrante. (Sono noti un gran numero di opere di opere di artisti anche famosi del periodo sovietico, con vernice di vernice. Questo momento non era abbastanza coperto nel sistema educativo dell'artista). Quando si lavora su terreni olio e semi-dai capelli, è necessario un mezzo aggiuntivo, incollando un nuovo strato di vernice al suolo.

Tirando i terreni.

Il terreno Clee-Chalk è composto da colla (gelatina o colla di pesce) e gesso. (A volte il gesso è stato sostituito con un gesso - simile alle proprietà della sostanza).

Mel ha la capacità di attingere a se stesso olio. Quindi, la vernice applicata al terreno in cui il gesso è presente in quantità sufficienti, come se fosse germogliare in esso, dando parte del suo petrolio. Questo è un tipo piuttosto resistente di adesione penetrante. Tuttavia, spesso artisti, sforzandosi per la pittura opaca, utilizzare non solo un terreno molto semplice, ma anche monitora fortemente le vernici, (pre-stringendole su carta assorbente). In questo caso, il legante (olio) può diventare così poco che il pigmento sarà cattivo nella vernice, trasformando in quasi pastello (esempio - alcune immagini di festa). Tenendo una mano in un'immagine del genere, puoi rimuovere parte della vernice come polvere.

Vecchio metodo di pittura fiamminga.

Tirare i terreni di gesso di colla sono i più antichi. Erano usati sull'albero e scrissero su di loro con temperature. Poi, all'inizio del XV secolo furono inventate vernici petrolifere (la loro apertura è attribuita a Van Eyka, pittore fiammingo). Le vernici ad olio hanno attratto artisti con la loro natura lucida, che era molto diversa dai tempesti opachi. Dal momento che è stato noto solo il terreno di lancio della colla-gesso, gli artisti si sono inventati tutti i tipi di segreti per renderlo non tirandolo, e quindi prenderli come uno stile di vita e saturazione del colore che dà olio. Il cosiddetto metodo di pittura infiammabile è apparso.

(Sulla storia del verificarsi del dipinto ad olio ci sono dispute. Alcuni credono che sia apparso gradualmente: prima il dipinto iniziato da Tever, si sono conclusi con olio, quindi è stata ottenuta la cosiddetta tecnica mista (di Kiplik "Tecnica di pittura") . Altri ricercatori ritengono che la pittura ad olio sia nata nell'Europa settentrionale contemporaneamente con la pittura a temperatura e sviluppata in parallelo, e nell'Europa meridionale (con il centro in Italia) varie opzioni per tecniche divertenti apparvero fin dall'inizio dell'emergere della pittura del cavalletto (Yu. I. Grenberg "Tecnologia pittura macchina"). Recentemente è stato il restauro di Wang Eki "Annunciation" è stato restaurato e si è scoperto che il blu impermeabile è stato scritto da acquerello (sul restauro di questo dipinto è stato filmato un documentario). Quindi si gira La tecnica mista fin dall'inizio era nel nord dell'Europa).

Il metodo di donazione di Storoflamandian (di Kiklik), che ha usato Van Eyki, Duer, Peter Bruegel, e altri, era il seguente: il terreno colla è stato applicato sulla base in legno. Quindi, l'immagine è stata tradotta in questo terreno senza intoppi ", che è stato precedentemente eseguito sulla grandezza naturale dell'immagine separatamente su carta (" cartone "), poiché è stato evitato direttamente per disegnare sul terreno in modo da non romperlo. " Poi il disegno è annegato, vernici idrosolubili. Se il disegno è tradotto con il carbone, il disegno con vernici idrosolubili lo fissano. (Il disegno può essere trasferito, salvando dove è necessario per il lato opposto del modello di carbone, impartendolo alla base dell'immagine futura e del cerchio lungo il contorno). Il disegno era annegato con una penna o un pennello. Il pennello da disegno è stato trasparente in modo trasparente dalla vernice marrone "in modo che il suolo lo proteggisse". Un esempio di questa fase di lavoro - "Santo Varvara" Wang Eyka. Quindi l'immagine potrebbe continuare a scrivere da Tempera, e solo completa di vernici ad olio.

Se l'artista volesse continuare il lavoro della vernice con vernici ad olio dopo aver agitato un'immagine solubile d'acqua, poi ha dovuto in qualche modo isolare il terreno che tirava da pitture ad olio, altrimenti le vernici avrebbero perso i compiti, per il quale gli artisti amavano. Pertanto, in cima all'immagine "applicato uno strato di colla trasparente e uno o due strati di vernice ad olio". La lacca a olio che colpisce, ha creato un film impenetrabile e l'olio dalle vernici non poteva più andare nel terreno.

I terreni adesivi hanno una caratteristica molto importante - un olio applicato a un tale terreno forma un punto giallo-marrone, come il gesso, che collega ingiallimento e bolle con olio, cioè perde il colore bianco. Pertanto, i vecchi maestri fiamminghi coprirono per la prima volta il terreno con colla debole (probabilmente non più del 2%) e poi con la vernice ad olio (la vernice più piccola, meno la sua penetrazione nel terreno).

Se la pittura si è conclusa solo con olio, e gli strati precedenti sono stati compiuti da tempera, quindi il pigmento di tempera lemine e il loro legante era isolato il terreno dall'olio, e non si è asciugato. (Prima di lavorare con l'olio, la pittura a temperatura è solitamente ricoperta di vernice intercalante, al fine di mostrare il colore della tempera, e per una migliore occorrenza dello strato dell'olio).

La composizione del terreno adesivo, sviluppato da M. M. Nithyat, comprende il pigmento di zinco blees. Il pigmento non dà il terreno al giallo e alla bestia dell'olio. Il pigmento dei blees di zinco può essere parzialmente o completamente sostituito da un altro pigmento (quindi il suolo di colore si rivelerà). Il rapporto tra pigmento e gesso dovrebbe rimanere invariato (di solito la quantità di gesso è uguale al numero di pigmenti). Se lasci solo il pigmento nel terreno, e il gesso viene rimosso, allora non ci saranno vernici su un tale terreno, perché il pigmento non disegna olio mentre il gesso lo fa, e non ci sarà alcuna adesione penetrante.

Un'altra caratteristica molto importante dei terreni di gesso di colla è la loro fragilità derivata da adesivi fragili di ossatura della pelle (gelatina, colla di pesce). Pertanto, è molto pericoloso aumentare la quantità richiesta di colla, può portare a crabelle a terra con bordi rialzati. Questo è particolarmente vero per tali terreni su tela, poiché questa è una base più vulnerabile della base solida del tabellone.

Si ritiene che in questo strato isolante di vernice, i vecchi flagranti potessero aggiungere la vernice di colore della salamoia: "In cima a un modello eseguito da tempera, una vernice dell'olio è stata applicata con una miscela di vernice trasparente di un colore del corpo, attraverso il quale il modello asta è stato spostato. Questo tono è stato applicato all'intera area dell'immagine o sugli unici luoghi in cui il corpo è stato raffigurato "(D. I. Tecnica Kiplik" tecnica della pittura "). Tuttavia, nel "Varvar santo", senza tono corporeo traslucido, coprendo il disegno che non vediamo, anche se è ovvio che l'immagine è già stata elaborata in cima al lavoro in vernici. È probabile che per la pittura tecnologica Staroflamand, è ancora caratteristica della pittura sul terreno bianco.

Più tardi, quando l'influenza dei maestri italiani con i loro terreni colorati cominciò a penetrare nelle Fiandre, hanno ancora caratteristici impmimature traslucidi e luminose per i maestri fiamminghi (ad esempio, rubens).

L'antisettico è stato usato fenolo o catamina. Ma puoi fare a meno antisettico, specialmente se si utilizza rapidamente il terreno e non memorizzando per molto tempo.

Invece della colla di pesce, puoi usare la gelatina.

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