L'era dell'arte del revival nei Paesi Bassi. Arte della Germania e Paesi Bassi dei secoli XV-XVI secolari Dutch Painting del XV secolo
Capitolo "Belle arti 16 ° secolo", sezione "L'arte dei Paesi Bassi". Storia dell'arte universale. Volume III. L'arte del Rinascimento. Pubblicato da: E.I. Rothenberg; Sotto l'edizione Generale di Yu.D. Kolpinsky ed E.I. Rothenberg (Mosca, Casa editrice di stato "Art", 1962)
Durante i primi decenni del XVI secolo. La pittura nei Paesi Bassi ha subito cambiamenti complessi, come risultato della quale sono stati definiti i principi dell'art 15 V. E furono sviluppati (tuttavia, è incomparabilmente meno fruttuoso che in Italia) le caratteristiche di alta rinascita. Sebbene i vantaggi artistici della pittura 16 pollici., Ad eccezione del Bruegel, non raggiungano il livello del XV secolo, in storico e dell'evoluzionalità il suo ruolo è stato molto significativo. Prima di tutto, è determinato dall'approccio dell'arte ad un riflesso diretto e diretto della realtà.
Un interesse autosufficiente in una realtà specifica è stato ugualmente portato alla scoperta di nuovi, promettenti percorsi e metodi e per restringere gli orizzonti del pittore. Quindi, concentrando l'idea della realtà quotidiana, molti pittori sono venuti a soluzioni prive di un ampio significato generalizzando. Tuttavia, in cui l'artista era strettamente correlato ai principali problemi del tempo, che è ragionevole nel suo lavoro le principali contraddizioni dell'era, questo processo ha dato risultati artistici straordinariamente significativi, un esempio di cui il lavoro di Peter Bruegel è possibile servire come un esempio.
Diventare con l'arte pittorica del XVI secolo, è necessario tenere a mente il forte aumento quantitativo dei prodotti artistici e della sua penetrazione nell'ampio mercato, che si manifesta con l'impatto delle nuove condizioni storiche e sociali.
In economicamente, la vita dei Paesi Bassi dell'inizio del secolo è caratterizzata da un fiore rapido. L'apertura dell'America ha messo il paese nel focus del commercio internazionale. Attivamente proceduto dal processo di spostamento del negozio del negozio da parte di una manifattura. Produzione sviluppata. Anversa, ad est di Brugge, divenne il più grande centro per il commercio transito e le operazioni monetarie. Nelle città dell'Olanda viveva quasi la metà dell'intera popolazione di questa provincia. La guida dell'economia passata nelle mani dei cosiddetti nuovi ricchi volti dell'influente non appartenente al patrizio urbano, la punta del negozio, ma solo dalla loro impresa e ricchezza.
Lo sviluppo borghese dei Paesi Bassi ha stimolato la vita sociale. La vista del filosofo più grande, dell'insegnante, ecc. Erashma Rotterdamsky è costantemente razionalistico e umanistico. Vari trucchi protestanti e principalmente il calvinismo con il suo spirito di razionalismo pratico sono molto riusciti. Il ruolo di una persona nell'evoluzione pubblica è sempre più rivelato. Le tendenze della liberazione nazionale sono migliorate. La protesta e l'insoddisfazione per le masse sono attivate, e l'ultimo terzo secolo è segnato da un potente aumento - la rivoluzione olandese.
Questi fatti hanno completamente modificato la visione del mondo degli artisti.
Dipingere 16 in. Considereremo in tre le sue fasi. L'iniziale ed eccitante per i primi tre decenni è associata ai complessi processi di consapevolezza della nuova posizione di una persona nella vita, con una fase più alta dell'aggiunta del capitalismo precoce ed è caratterizzato dall'estrema varietà di missione e demolizione dei metodi . In Stadyly, corrisponde ad un alto revival in Italia.
La seconda fase, completata del 1570, è stata contrassegnata dalla maturità della nuova visione del mondo e dal più evidente successo delle tendenze realistiche e insieme al fatto che l'attivazione delle direzioni opposte e aperta contrastando queste due linee nello sviluppo dell'art. Essenzialmente, questo è il momento della crisi rinascimentale.
Il terzo periodo, abbracciando l'ultimo terzo del secolo, è determinato dalla completa scomparsa dei principi ridaziosi e dall'emergere delle fondamenta dell'arte del XVII secolo.
Uno dei più grandi maestri del primo terzo del terzo del secolo - Quentin Massais (nato nel 1465 o 1466 in Louplee, nella mente. Nel 1530 ad Anversa).
Le prime opere di Quentin Massais portano un'impronta distinta di vecchie tradizioni. Il primo lavoro significativo è trittimo, dedicato a St. Anne (1507 - 1509; Bruxelles, Museo). Le scene sui lati esterni dei lembi laterali si distinguono per il dramma contenuto. Poche immagini coltivate di una maestosa, le figure sono ingrandite e strettamente compilate, lo spazio sembra compattato. Nell'altare divulgato, l'altare è più armonioso - la posizione delle persone che recita è gratuita, la calma dimensione del ritmo e della composizione è rivelata. La base del concetto di Mass Maker è il desiderio indirettamente, più spesso con l'aiuto di mezzi artistici e formali, elevare l'immagine di una persona.
Nel prossimo lavoro - "lutto" (1509-1511; Antwerp, museo) Non è più limitato all'esposizione generale delle immagini; Sta cercando di introdurre un'azione nella composizione, più specificamente per rivelare le esperienze degli eroi. Senza vedere, tuttavia, qual è la vera grandezza dell'uomo, non può risolvere organicamente questo compito e combinare la sua decisione con i vantaggi dell'altare di St. Anna.
L'artista arriva alle soluzioni è nervoso e confuso, che di solito viene spiegato dai resti gotici. È più corretto, tuttavia, vedere il risultato della fusione di due tendenze ancora insufficienti: il desiderio di esaltare l'immagine di una persona e un'altra tendenza associata ai tentativi di presentare la situazione nella sua naturalità della vita. In ogni caso, lo stesso altare rappresenta sia queste tendenze che a parte; Le immagini sono generalizzate adiacenti a caratteristiche grottesche.
L'inizio vitale ha portato a un produttore di massa per creare uno dei primi dell'arte del nuovo tempo di genere, dipinti domestici. Voglio dire "cambiare con sua moglie" (1514; Parigi, Louvre). Allo stesso tempo, l'interesse che l'artista costantemente persisteva all'artista lo spinse (forse il primo nei Paesi Bassi) appellarsi all'arte di Leonardo da Vinci ("Maria e Baby"; Poznan, Museo), anche se qui puoi Parla di più sul prestito o sull'imitazione.
Nel lavoro di Massa, entrambi chiamati tendenze sono congiuntamente o prevalenti uno sopra l'altro. Negli stessi casi, quando il desiderio di concretezza domina, si può notare che un fenomeno eccezionali o singoli attirarlo in realtà. Queste sono manifestazioni o deformità estreme o caratteristiche (ritratto del vecchio; Parigi, Jacmar-Andre Museum).
Negli stessi casi, quando entrambe le tendenze sono sintetizzate, loro o servono come espressione dell'energia vitale delle persone (che è avvenuta già in "lutto"), o sono abituati a trasmettere la sfera mentale umana ("St. Maddalena"; Antwerp, Museo) .
Tale sintesi è stata particolarmente comunemente raggiunta da un evento di massa nell'area ritratto. Ritratti di Erashma Rotterdam (Roma, Palazzo di Corsini) e del suo amico Peter Egidia (Salisbury, Riunione di Radnor), Ritratto di Etienne Gardiner dalla Galleria del Liechtenstein in vadetti e l'altro - profondo, con un complesso stato interno - dall'istituto internazionale di Francoforte appartiene alla data dei migliori campioni di questo genere. Nel ritratto, come in un certo numero di altre opere, raggiunge il successo speciale quando si trasferisce un comune, non smantellato per i singoli sentimenti e la qualità, la spiritualità dell'immagine.
Nella sua trasformazione, le fondamenta della produzione di pittura dei Paesi Bassi tengono in gran parte in considerazione la tradizione. Allo stesso tempo, i maestri che preferivano un aggiornamento più decisivo delle arte sono stati lavorati - i cosiddetti romanzieri.
Tuttavia, hanno scelto il modo in cui alla fine avevano screditato tutti i loro sforzi. Erano poco interessati alla realtà in quanto tale, cercarono di monumentalizzare l'immagine di una persona. Ma le loro immagini ideali non hanno riflettuto tanto il nuovo concetto di pace e uomo e un'elevata idea di una persona mentre era distratta la fantasia sui temi dei miti antichi, una specie di auto-espressione artistica condizionata. Nel loro lavoro, l'assenza di opinioni veramente umanistiche è stata particolarmente influenzata, e il fascino costante dell'arte italiana (determinata il nome di questa direzione) non ha seguito il prestito vuoto. La pittura dei romanzieri è una vivida prova della nuova comprensione del luogo dell'uomo nel mondo e non una prova meno luminosa di impotenza sul suolo olandese per risolvere questo problema in forme italianizzate. Le formule panegiche dei romanzieri sono essenzialmente rimaste il risultato della pura formulazione.
Il più grande rappresentante del nomanismo del primo terzo del secolo fu Yang Gossart sul soprannome Mabuse (nato nel 1478 vicino a Utrecht o Marezhe, nella mente. Tra il 1533 e il 1536 a Middelburg).
Primi lavori (altare a Lisabone) stencil e arcaico, come, tuttavia, ed eseguito immediatamente dopo il ritorno dall'Italia (Altare al Museo Nazionale di Palermo, "Wolf Whale" nella Galleria nazionale di Londra).
Il cambiamento nelle opere di Gossarth avviene a metà del 1510 ° secolo, quando esegue molti dipinti su trame mitologiche. La natura nuda appare qui e nelle opere successive non come un motivo privato, ma come il contenuto principale del lavoro (Nettuno e Amphitriti, 1516, Berlino; "Ercole e Omfala", 1517, Richmond, riunione del cuoco; "Venere e Amur", Bruxelles, Museo; "Dana", 1527, Monaco di Baviera, Pinakotek, nonché numerose immagini di Adamo ed EVA). Tuttavia, tutte queste opere soffrono di non convincimento. La postura trionfale dell'eroe, uno schema di composito stretto e una modellazione a porta, morti sono combinati con una precisione quasi naturalistica dei singoli dettagli.
Gossart ha proceduto da uno schema umanistico limitato. Le sue varianti su una o due figure nude rimangono sempre un design abbastanza condizionale. Le osservazioni affidabili non li rivivono nemmeno e fanno solo il pensiero dell'autore contraddittorio.
La più attenta della creatività del Gossarta con cornici strette è particolarmente sentita in quei rari casi quando il Master è riuscito a superare questo quadro in una certa misura.
In "St. Luca, scritta Maria "(Praga, Galleria nazionale) Gosart, ritirata dal proprio sistema, ha cercato di legare le figure con uno spazio architettonico complesso e ha creato un concetto un po 'fantastico, ma impressionante di uomo e medio.
Al contrario, in una precedente "rimozione dalla croce" (Hermitage), ha affrontato l'incapacità di ricreare la drammatica narrazione con i suoi metodi - e in gran parte rifiutata di vedere la prova della loro inadeguatezza di risolvere grandi compiti.
Infine, la terza e la prova più importante della limitata dei regimi di novità del Gossarta è il suo ritrattista (Dittico raffigurante il cancelliere Caronondel, 1517, Parigi, Louvre; Aspirature ritratto nel museo di Bruxelles; ritratto da uomo, Berlino); Per le loro elevate qualità artistiche sono raggiunti dal prezzo di una nota partenza da questi schemi. La ricreazione del vero aspetto ritratto, il Maestro è monumentalizzato, e l'assenza di caratteristiche psicologiche dettagliate rende anche questi ritratti più impressionanti. La volontà del genere costretta ad aderire alla natura, lo Staterst raggiunge qui i tassi dell'immagine che è così privo di opere in cui ha osservato il suo sistema con tutto il rigore.
Un altro grande romanziere - Bernard Wang Oreley (OK. 1488-1541) Il sistema di System of State è stato espanso. Già nel suo altare in anticipo (Vienna, Museo e Bruxelles, Museo), insieme al modello provinciale-olandese e scenario nello spirito degli italiani, stiamo vedendo elementi di una storia dettagliata e accurata.
Nel cosiddetto lavoro dell'altare (1521; Bruxelles, il museo) di Orel cerca alle dinamiche della decisione generale e alla narrazione. Eroi a basso congelato di Gosselta, coinvolge attivamente. Usa molte parti osservate. Figure urgentemente, naturalisticamente caratteristiche (immagine della calamità cattiva) sono adiacenti ai prestiti diretti dei campioni italiani (ricchi dell'inferno), e solo in episodi secondari e privati, l'artista è deciso di combinarli in una vera scena di vita (il medico considera urina morente). Gli piace coprire l'architettura di tutti i tipi di modelli e i contorni degli altari danno un'incredibile intricatezza.
La seconda metà del suo lavoro è associata ai tentativi di uno sviluppo più organico della pittura italiana. Questo è stato un grado considerevole da conoscere con il cartone Rafael inviato per realizzare lo steller a Bruxelles, dove Orel visse. Il lavoro principale di questo periodo, il "terribile tribunale" (1525; Anversa, Museo), è privato degli eccessi dell'altare Iova, e l'introduzione di osservazioni sul campo è più organicamente.
Orel è uno dei notevoli ritratto del suo tempo. Nel suo migliore lavoro di questo genere, un ritratto di Medica Georg van Keller (1519; Bruxelles, Museo), non mette un obiettivo di penetrazione profonda nella sfera spirituale del modello. Viene da espressività decorativa; Le caratteristiche del viso sono regolate sotto una certa formula stilistica. Tuttavia, è luminoso, un master completo espressivo sa come introdurre dettagli finemente osservati. Altri i suoi ritratti sono altrettanto decorativi, ma più stilizzati. In questi lavori ci sono più espressione artistica che rivelare un'immagine reale.
Come tutti i romanzieri (e, forse, altri altri altri), Orel era interessato all'arte decorativa, nella cui area ha lavorato molto e fruttuosamente. Il suo lavoro è noto per la produzione di auto da Bruxelles, vetrate (ad esempio, nella chiesa di San Guadula a Bruxelles).
Se Massaes e Novelist (Gossart, Orel) hanno cercato di aggiornare fortemente il dipinto olandese, la maggior parte della travolgente maggioranza dei loro contemporanei era più tradizionale nelle loro opere. Tuttavia, la loro creatività deve essere tenuta a mente, poiché caratterizza la diversità delle tendenze nell'arte dei Paesi Bassi.
Tra i contemporanei di Antwerp di Massa troviamo Maestri, anche strettamente collegati con 15 V. (Maestro da Francoforte, Maestro di Morrison Trittych), e artisti che cercano di rompere gli ex canoni, introducendo drammatici (Master "Maddalen" Cancels di Manzi) o narrativi (Master of Home-Protection) Elements. L'indecisione nella formulazione di nuovi problemi è combinata con questi pittori con un interesse incondizionato. Notevoli di più - Tendenze per un'immagine letterale, accurata della natura, esperimenti sulla rinascita del dramma sotto forma di una convinzione di una storia quotidiana e tenta di individuare le ex immagini liriche.
Quest'ultimo, di regola, ha caratterizzato gli artigiani meno radicali, ed è molto significativo che questa tendenza è diventata decisiva per Bruges, la città che è caduta sia in economica che culturalmente. Qui, quasi senza pauramente dominato i principi del Gerard David. Sono stati obbediti come maestri per il loro livello artistico mediocre e il filo di yang (ca. 1465-1529) e adrian isorebrandt (mente nel 1551). Immagini di Isaenbrandt con il loro lento ritmo sbiadito e atmosfera di concentrazione poetica (Maria sullo sfondo di sette passioni, Brugge, Chiesa di Notre Dame; Ritratto maschile, New York, Metropolitan-Museum) - Forse il più prezioso nei prodotti di Brugge. In quei rari casi in cui gli artisti hanno cercato di rompere i limiti stretti della tradizione di Bruges (il lavoro del Lombarde di Ambrosio Benson, nella mente. Nel 1550), inevitabilmente si sono rivelati nell'eclettismo energetico, se le decisioni dura-prosatiche o, su Il contrario, non privato del noteelismo impressionante.
Altre aspirazioni creative hanno caratterizzato le province settentrionali. Qui, lo sviluppo ha proceduto in forme più contenute, non così cosmopolitiche e talvolta stravaganti, come ad Anversa, e allo stesso tempo era privo di stagnazione caratteristica di Brugge. Stile di vita e allo stesso tempo la cultura era modesta e democratica.
Il lavoro della vecchia generazione di pittori olandesi è piuttosto imbarazzante, ma sono già esposti all'osservazione innocente dei loro autori e al loro impegno per una vita specifica (Maestro da Delphta, Maestro di Amsterdam "Maria"). Questa qualità ha formato la base dell'intera arte olandese del XVI secolo.
Distinto in 15 V. L'interesse per la relazione reciproca umana (Gertgen) inizia a portare frutta. A volte si combina con un senso vivente dell'individualità umana e determina la peculiarità del ritratto (il ritratto degli uomini di Yana MostiRa (circa 1475-1555 / 56) nel museo di Bruxelles. È più spesso manifestato nel rafforzamento delle tendenze del genere - Ad esempio, nell'Iost di Calco (circa 1460-1519) tra il 1505 e il 1508. Altare della Chiesa di San Nicola in Calco. Nell'opera del Maestro di Alcmara (lavorato dopo il 1490), è nato in a genere veramente urbano, familiare, narrativo. Nel ciclo di "sette casi di misericordia" (1504; Amsterdam, reixmuse) L'azione è stata trasferita in strada - è rappresentata tra le case olandesi, con la partecipazione di passanti casuali, in Tutta la precisione del flusso quotidiano.
Pertanto, il panorama generale del dipinto dei Paesi Bassi del primo terzo del secolo prende i seguenti contorni: I romanzieri cercano di porre fine alle vecchie tradizioni e alla ricerca della monumentale formale imitare gli italiani, Massa sta cercando di informare l'immagine dell'elevazione, Senza rinunciare allo stesso tempo con la realtà vivo, e sviluppa in modo creativo nelle nuove condizioni di tradizione art realistica della seconda metà del XV secolo. Infine, piccoli maestri rispondono a nuove richieste a modo loro - ecco la diversità della ricerca dei maestri Antwerp, e i testi arcaici di Brajeztsev, e il ricorso decisivo per l'inizio domestico dell'olandese. Dovrebbe essere aggiunto che in questo momento i maestri del 15 V.- Bosch, Gerard David, vivono ancora e lavorano.
Ad eccezione dei romanzielli (e data la riduzione delle famiglie delle loro soluzioni eroiche esternamente, quindi insieme a loro), l'arte olandese sta vivendo un periodo di specificazione attiva del suo metodo creativo, si riferisce a un'immagine diretta e auto-concreta della realtà.
Il gruppo di cosiddetti "maneristi di Antwerp" occupa una posizione speciale. (Questo termine è completamente condizionale e dovrebbe indicare una personalità della personalità della personalità. Non dovremmo essere mescolati con manierismo nel solito significato di questa parola.). Vivi realtà dell'immagine e la precisione dell'immagine non li attirava. Ma le opere condizionali, retoriche e fredde dei romanzieri erano anche aliene. Il loro tema preferito è "Adorazione dei Magi". Figure fantastiche sofisticate, un effetto multifigure confuso, collocato tra le rovine e il complesso scenario architettonico, infine, abbondanza di accessori e dipendenza quasi dolorosa alla molteplicità (personaggi, parti, piani spaziali) sono caratteristiche differenze nei loro dipinti. Attraverso tutto questo, la spinta per le grandi soluzioni generalizzanti, che rimase la sensazione di universo illimitata è indovinato. Ma in questo il suo desiderio, "Maschiesta" invariabilmente ha lasciato la vita concreta. Senza l'opportunità di saturare i loro ideali con nuovi contenuti, senza avere forze per resistere alle tendenze del loro tempo, hanno creato arte, fantasia che combina la realtà e la finzione, la solennità e la frammentazione, il benessere e l'anedidotismo. Ma il corso è sintomatico - indica che la concretezza della famiglia ha attratto lontano da tutti i pittori olandesi. Inoltre, molti maestri (specialmente in Olanda) hanno usato tecniche "manieristiche" in un modo speciale, per far rivivere le loro composizioni narrative e segnalarle più dramma. In questo modo, Cornelis Engelbrechteste (nato nel 1468 a Leiden è la mente. Nel 1535, nello stesso posto; Altari con un "crocifisso" e "lutto" nel museo Leiden), Jacob Cornelis Wang è Ostzanen (circa 1470- 1533) e altri.
Infine, un noto contatto con i principi del "manenteismo" è catturato nel lavoro di uno dei più grandi maestri del suo tempo del Joachim Patiner (circa 1474-1524), un artista che può essere considerato completo a destra del Generatori principali della pittura europea del paesaggio del nuovo tempo.
La maggior parte del suo lavoro rappresenta una vista ampia, tra cui rocce, valli fluviali, ecc., Impedanti, tuttavia, della spazialità non armonia. Patiner pone anche piccole figure di personaggi di varie scene religiose nei suoi dipinti. True, a differenza dei "manuristi", la sua evoluzione è costruita su una costante convergenza con la realtà, e i paesaggi stanno gradualmente liberando del dominio di un argomento religioso (cfr. "Battesimo" a Vienna e "Paesaggio con il volo in Egitto" ad Anversa). La costruzione del paesaggio, un alto punto di vista e in particolare la soluzione di colore (dal primo piano marrone attraverso il verde e il verde e giallo intermedio per il DALA blu) ha avuto una grande influenza sui master successivi. Dai padroni vicino a Time Patinir, dovrebbe essere chiamato Herrimmet de Blis (OK. OK. 1550), così come già menzionato in un altro collegamento Jan MostArt, una scena della conquista dell'America (Harlem, il Museo di Francia Gals) di che la tradizione di Bosch rileva anche.
Per il primo terzo del XVI secolo - con la sua rottura dei precedenti principi e il fissaggio dei nuovi percorsi - caratteristica e una combinazione eclettica di varie tendenze e. Al contrario, quasi la perseveranza fanatica nella consapevolezza e sulla risoluzione dei compiti artistici.
La prima di queste caratteristiche svaluta la creatività abbastanza professionale, a volte magistralmente lavorava iOS Van Kleve (è il principale "Assunzione di Maria", ca. 1464-1540); Le sue immagini poetiche di Maria con bambino e Giuseppe, oltre a ritratti tardivi, identificando il carattere del modello. Ma la seconda caratteristica nominata determina il pathos interno della più grande procedura guidata dei pori in esame - lutensky (circa 1489-1533). La sua arte completa e scarica la pittura del primo terzo secolo.
Nelle prime incisioni (fu glorificato come maestro di incisioni, e con le sue attività sono collegate dai primi grandi successi del taglio "incisioni nei Paesi Bassi), non è solo accurato nel trasferimento della realtà, ma cerca anche creare una scena olistica ed espressiva. Allo stesso tempo, a differenza dei suoi contemporanei olandesi (ad esempio, maestri di Alcmara), Luka cerca un'espressione psicologica acuta. Queste sono le sue lenzuola "magomet con un monaco morto" (1508) e soprattutto "David e Saul "(circa 1509). L'immagine di Saul (nella seconda delle opere nominate) si distingue per l'eccezionale complessità per quel tempo: qui e follia - anche l'ultima, ma inizia anche a lasciare che le truppe esaurissero l'anima, e la solitudine e il tragico condannato. L'emotività di questa soluzione è più creata da mezzi formali - la composizione (Saul sembra essere isolata e linee composite compresse), il grado di concretezza nel risultato delle persone esistenti, il Piano posteriore a David Va l'ascesa delle caratteristiche della famiglia, in modo che nell'immagine di Saul cambi drammaticamente Dramma stressante) E, infine, confrontando i dettagli opposti opposti nella loro espressività (un occhio di Saul è una distanza sorprendente, una vista aggressiva, la vista di un altro vivace, causando, scuro, vicino).
Le cipolle caratteristiche di questo periodo dovrebbero essere considerate un appello decisivo alla realtà e allo stesso tempo subordinato rinforzato del suo concetto artistico del lavoro. I motivi di generi puri servono come compito speciale - un tentativo di evidenziare i movimenti dell'anima, per presentarli all'estremo, al limite dell'espressione esacerbata. Quest'ultimo dà gli esperimenti psicologici di Luke una strana dualità: la loro eccitante espressività è combinata con un verme, a volte anche una punizione dura. Non ha un'altra arte di creare singoli personaggi, gira il suo, sembrerebbe che eroi piuttosto veri eroi nei mezzi per l'incarnazione di alcune emozioni. Nel suo interesse per i motivi psicologici - il desiderio di rendere l'ovvia forza oggettiva del movimento mentale come tale, la sua complessità e incongruenza.
Un enorme passo avanti nell'approccio a una realtà specifica è visibile nelle sue opere di Genere Ordine ("Gioco a Chess", Berlino; "La moglie porta i vestiti di Potifara di Joseph", Rotterdam, il Museo di Bumansvan Bainingen), ma anche qui L'inizio domestico è evidenziato dall'artista piuttosto come una sorta di categoria distratta e indipendente.
Simile al problema del ritratto. In Autoritratto Luke Leidensky (Brown-Schpet, Museo) ha creato una delle immagini più vitale dell'era. E la suddetta Kerenclation, il sottolineato del vero inizio ha detto a questa immagine e ad altre preziose qualità - il suo carattere burno è approvato dall'artista con un software che causa Pathos.
Ma con una forza speciale "concetto realistico", Luke si manifesò in uno dei suoi lavori più profondi - l'incisione Korovnica (1510). Le impressioni straniere qui sono espresse con grossolantà. Ma la disposizione geometricamente chiara e ritmica delle mucche e la complessa subordinazione di tutte le parti del sistema di assi verticali porta lo spirito di rigore impeccabile a questo foglio e proporzionalità. Una figura seriamente impressionante di un ragazzo e un ruvido, ma non privato della grazia dell'ambiente ritmico di Korovnice appropriato - nel primo caso è dritto e chiaro, nella seconda forma costruita su forme curve.
Le loro figure si bloccarono e i gesti sono stabili. Tuttavia, Luke Leidensky trasmette la relazione dei suoi eroi - con l'aiuto di una linea di corsa liscia di montagne lontane e diverse altre tecniche composite, riuscì ad esprimere il ragazzo e la cittadina della ragazza e stabilire un contatto tra questi, sembrerebbe figure completamente scollegate .
Luke Leidensky, con una rara nitidezza che trasferisce la sua realtà circostante, evita soluzioni di genere e tenta di monumentare la realtà. In Korovnice, raggiunge una famosa armonia - la generalizzazione della realtà gli conferisce i tratti della monumentalità, ma non porta alla convention.
I seguenti dieci anni della sua creatività di questa armonia sono privati.
È più organico introduce osservazioni private, migliorano l'elemento narrativo del genere, ma immediatamente neutralizzarlo all'allocazione persistente di qualsiasi persona che agisce - immersa in sé e come se fosse spenta dall'ambiente domestico.
Tono emotivo emozionato e nervoso "St. Anthony "(1511; Bruxelles, Museo), Introduzione in, sembrerebbe, ogni giorno" Game Card "(circa 1514; Wilton Hauz, un incontro di Pembrok), misterioso nel suo stato astratto, incerto della figura centrale, alla fine di modifica" Madonna con un bambino e angeli "di un membro del parto, dove nell'immagine perfetta del 15 V. Le note di disperazione (Berlino) sono fatte - Tutto ciò indica un nuovo stadio in Luke Art.
L'unità naturale dei momenti di famiglia e generalizzata acquisisce tensioni. L'artista rafforza nelle sue opere il ruolo della realtà concreta. Allo stesso tempo, l'aumento del nervosismo dell'interpretazione delle immagini parla della perdita della precedente chiarezza della visione del mondo. Tuttavia, è impossibile notare l'altro - nei lavori di questo periodo un'idea di realtà come una chiusa in sé chiusa in sé, un denso isolato è inferiore a un senso della vita come fenomeno olistico, profondo e complesso. E opere del 1510 °. Distingue non solo l'eccitazione, ma anche l'ombra dell'umanità diretta.
L'espressione più completa di questi diavolo porta il "Sermone nella Chiesa" (Amsterdam, Reynxmuss). Il Maestro distingue chiaramente tre componenti: la scena domestica del sermone, lo spazio della Chiesa è vuoto, saturo emotivamente, tirando e forma di un uomo con un cappello nelle loro mani, che attira l'attenzione dello spettatore con un trattenuto, distratto da un'espressione e un'elevata dignità. L'immagine e il genere qui sono esacerbati, nudi e connessi dalla costruzione artificiale dell'intera scena. Qui e quasi la ricerca degli interessi della vita, e la famosa confusione, le fluttuazioni causate dalla domanda che non comprendevano i contemporanei dell'artista in forma così distinta è ciò che è significativo.
"La predicazione nella Chiesa" è vicina nel tempo da un ritratto maschile (circa 1520; Londra, la Galleria nazionale), dove è stata data la fredda decisione della vista una tonalità di sincerità estrema e agitata. In questo ritratto, è ancora più evidente che nei "sermoni nella Chiesa" che Luka è già interessato a non una realtà stretta o staticamente fissata, ma la vita come complessa, che è il processo. L'immagine dell'intoniazione allegata, impensabile con la precedente comprensione della realtà (una gamma di colori corrisponde a una larga misura: uno sfondo verde, una faccia fredda senza sangue, labbra incolore).
Tuttavia, qui luten lutensky dormì compiti, in quel punto della cultura olandese praticamente intrattabili. Il suo senso di un processo vitale alla fine ha portato al livellamento della persona; Per la sua eroica esaltazione, lui stesso non ha visto la fondazione, e per l'approvazione autosufficiente, mancava l'idea di un mondo spirituale olistico di individualità. Il Maestro era in un vicolo cieco, e il terzo periodo del suo lavoro, il 1520, è il tragico tentativo di trovare una via d'uscita.
Nel "Annunciazione" (parte del ditticech, 1522; Monaco di Baviera, Pinakotek) e "Maria con un bambino" (Amsterdam, Reyxmuss), le cifre sono coinvolte in un movimento indefinito, completamente a prova che esprimono la fluidità della vita, ma solo preoccupazione irrazionale e fuorosa. Insieme alla crescita del nervosismo, le note sono sarcastiche, quasi beffarie (la stessa "Annunciazione", incisione 1525 "Vergilia nel cestino"). Consegna nelle tue ricerche precedenti, il Maestro si rivolge al romanismo.
Nell'altare con un "terribile tribunale" (1521-1527; Leida, Museo), le figure dei peccatori e le giuste persone hanno indubbiamente un significato (il più lontano da loro - fino alla comica alla sua natura domestica del piccolo suo padre , - Più velocemente questo significato diminuisce). Ma non è per caso che l'artista sposta queste figure alla figura laterale e al centro della composizione rimangono solo le spade deserte della terra. I tentativi di soluzioni monumentalmente eroi equivalenti sopportano il collasso. Leida Altare, essendo una delle opere più notevoli del dipinto olandese, indicano contemporaneamente il destino della ricerca del suo creatore.
Ultimi due opere, Luke Leidensky parla della crisi mentale: "Maria con un bambino" (Oslo, Museo) è un'idealizzazione puramente formale, "guarigione dei ciechi" (1531; Eremo) è una combinazione di esagerazioni manieristiche e dettagli naturalistiche .
La creatività di Lutensky Lutensky chiude l'arte del primo terzo secolo. Già all'inizio dei 1530. Paesi Bassi La pittura si unisce a nuovi modi.
Per questo periodo, il rapido sviluppo dei principi realistici è caratterizzato, attivazione parallela di novità e la loro frequente combinazione.
1530-1540s. - Questi sono anni di ulteriore successo nello sviluppo borghese del paese. Nella scienza, questo è il momento dell'espansione e sistematizzazione della conoscenza. Nella storia civile - riformare la religione nello spirito del razionalismo e del praticismo (calvinismo) e lento, ancora sottodivulgante la rassicurazione dell'attività rivoluzionaria delle masse, i primi conflitti tra la crescente autocoscienza nazionale e il dominio del potere inngenico-assolutistico degli Asburgo.
Nell'arte, il più notevole è la distribuzione diffusa del genere domestico. Le tendenze domestiche assumono la forma di un grosso genere, o un'immagine piccola-falso, o si manifesta indirettamente, determinando la natura speciale del ritratto e della pittura religiosa.
Il genere di grandi dimensioni è stato distribuito ad Anversa. I suoi rappresentanti principali - Yang Sanders Wang Hemessen (OK. 1500--1575) e Marinus Van Roymers-Vale (circa 1493 - Forse 1567) - Facilmente affidamento sulla tradizione di Quentin Massais (varie opzioni "cambiato" Roimmerssvale e "Merry Society" Da Karlsruhe Hemessen). Loro, in sostanza, ha completamente distrutto il confine tra la famiglia e il modello religioso. Per entrambi, la grottesquità è caratterizzata dall'incrementazione di osservazioni reali. Ma i principi di Hemsesense sono più difficili, evidenziando due o tre grandi figure statiche rispetto alla ribalta, nelle profondità pone piccole scene di genere, suonando il ruolo del commento. Qui puoi vedere un tentativo di coinvolgere un caso domestico in una vitalità comune, il desiderio di dare un fatto specifico un significato più generale. Questi dipinti stretti sull'argomento (cambiamento, ragazze da case pubbliche) e riflettono la completa mancanza di un'idea della comunità umana.
Quest'ultimo trova una forma di realizzazione in pittura olandese e determina la sua originalità. Era più luminoso di tutto nel lavoro di Yana Van Amstel ("meravigliosa saturazione di cinquemila" dal Museo Brunshweag (l'autore di questo lavoro è stato sconosciuto e fu nominato monograograno Brunshweigsky. Allo stesso tempo è stato attribuito ad Emasssen.). Amstel (genere. OK. 1500; ha lavorato ad Anversa fino al 1540) il genere non appare nella forma di una scena singola spostata nello spettatore, ma come panorama con molti partecipanti, il paesaggio sviluppato, ecc. Questo tipo di immagine era molto promettente E in una certa misura influenzava l'aggiunta del dipinto di Bruegel. Amstel vede un fatto per la casa nel suo immediato corso vitale.
Ancor più chiaramente, le tendenze della famiglia si sono manifestate nel ritratto, e il ritratto di olandese - in Olanda, la borghesia era più vicina agli strati popolari ed era forte nello spirito della comunità aziendale.
Nei lavori di pittori Amsterdam, Dirk Jacobs (circa 1497-1567) e Cornelis Tainissen (lavorato dal 1533 al 1561) un'immagine individuale è già comprensibile nella sua realtà quotidiana. Scevano la solita postura, danno un gesto naturale a rappresentato e, che è particolarmente importante, fare un passo significativo verso una comprensione più precisa dell'Abis spirituale di una persona particolare. Nelle sue immagini in Burgher, Jacob cerca di trasferire l'alta autocoscienza del modello (un ritratto da uomo di Torino), e non c'è più una traccia di quella subordinazione del concetto dell'autore, che era così tipico del primo terzo di il secolo.
La ricerca della naturalezza della famiglia dell'immagine ritratto è stata chiusa con un senso di comunità burgher, in un'altra connessione, manifestata con Amstel, e di conseguenza c'era un genere completamente originale - un ritratto di gruppo olandese. I suoi migliori campioni sono stati creati in seguito, ma i primi successi sono associati al lavoro dello stesso D. Jacobs (ritratto del 1532 nell'eremo) e K. Tainissen (ritratto del 1533 ad Amsterdam). Erano coloro che hanno delineato i due principali tipi di ritratti di gruppo - come una quantità di semi-imaging isolata e sotto forma di un pasto schematicamente rappresentato. Questi ritratti sono piuttosto primitivi, ma in loro, così come nelle immagini solitarie, appare chiaramente la spinta a una particolare immagine e successo nel padroneggiare. In una certa misura, l'artista ha introdotto deliberatamente anche gli elementi delle caratteristiche socio-famiglia dei personaggi raffigurati.
Queste tendenze non passarono dal romanzia, ha nettamente cambiato il volto. Monumentalizzazione dell'immagine nel romanismismo della fine 1520 e 1530. Non ricorda più i metodi di proprietà statale.
Tuttavia, il nomanismo di questo tempo è eterogeneo. Peter Cook Wang Alst (1502-1550) attira la nostra attenzione non tanto con le sue opere, quante latitudine di interesse e istruzione umanistica: visita la Turchia, esegue molte opere decorative, traduce il trattato Serlio, ecc. Yang Rod (1495-1562 ) Era anche personalità multiformed - clergyman, ingegnere, musicista, ritirizer, custode delle collezioni di ADRIAN VI, ecc., Ma, inoltre, e un pittore molto grande.
Già nelle prime opere, è per l'impossibilità dell'immagine (altare da Ober-Vellaha, 1520) e forti confronti contrastanti di uomo e paesaggio (Altar Van Lochorst, Utrecht, Museo). L'idea della "crocifissione" (Detroit, Institute of Art) è divulgata qui.
La composizione si basa su un confronto tra John, sostenere Maria e il tipo di Gerusalemme lontano. Entrambi questi componenti sono combinati: ai piedi della sua Maddalena, correlati in gran parte al Gruppo John, e al guerriero con una donna appartenente allo spazio del paesaggio. Quindi le figure di FirstPland sono associate allo sfondo, ma la natura a forma di salto e intermittente di questa connessione è piena di dramma. L'espressità grossolane delle figure (Grave John, "Menzitsky" Cristo) trova una partita inaspettata in un panorama rapido e eccitato del paesaggio. Nel drammatismo del "Crocifisso", le rallette sono alla ricerca della comunicazione con la vita, concentra l'immagine e lo informa un'essenza audace, causando espressività.
In queste condizioni, affronta l'esperienza degli italiani. La coscienza delle reliquie dell'immagine porta all'idea della possibilità per una persona di trovare un'unità armonica con il mondo.
L'artista cambia la strada. Da qualche parte sull'orlo del 1520-1530. Crea diversi impersonali, ma equilibrati, combinando naturalmente persone e lo scenario della decisione. E se all'inizio il paesaggio si riduce al ruolo di un accompagnamento romanzesco-retorico (Novonidenny da storici dell'arte sovietica "Madonna con un bambino"), e l'immagine nel suo complesso sembra un po 'condizionale, anche se non privata di Paphos ("predicando John ", Aia, l'incontro dei turchi;" Battesimo ", Harlem, Museo di França Ghorts), i suoi ulteriori esperimenti riflettono un'elevata idea di una persona (" portando al tempio "; Vienna). Negli stessi anni, i Rawls lavorano duramente sul ritratto, cercando l'imponenza di una singola immagine: Ritratto di Agatha van shothonhoven (1529; Roma, Galleria Doria Pamphili), un ritratto maschio con cui la suddetta Madonna era una volta dittico ( Berlino), "Shkolyar" (1531; Rotterdam, il Museo di Bumans-van Bainingen). I ritratti di burroni sono privati \u200b\u200bdi quelle caratteristiche viventi che sono attratte da Jacobs e Teinissen nelle opere di Giacobbe, è meno interessato alle caratteristiche individuali del modello, ma è indubbiamente in grado di dare l'immagine del sollevamento monumentale. Quest'ultimo è confermato dai ritratti di gruppo di una stretta, avendo una forma di fregi composti da semi-imaging abbastanza equivalente, ma impressionante. È particolarmente evidente per la mancanza di un senso di generalità, che era il gambo interno delle composizioni di Jacobs e Tainissen. Ogni immagine sta pensando isolato; Diverse monumentallizzazione distratta qui si trasforma in un lato negativo - priva i ritratti dei raduni di quei tratti sociali, i tratti sociali che i contemporanei olandesi dell'artista catturarono e proprio in questi anni introdotti nel campo della pittura. Tuttavia, l'acquisizione del significato di una persona non è affatto, e la persona del suo tempo - non passò senza una traccia. Martin van Chemskerk (1498-1574), uno studente, un maestro molto controverso, ha provato le immagini del suo insegnante di tradurre in una base diversa e più socievole. Nel ritratto di famiglia (Kassel, Museum) e il ritratto di Anna Codda (Amsterdam, Reixmuss), Paphos delle Burgers Auto-Affermation suona chiaramente. In entrambi i ritratti ritratti, il nomanismo è abbastanza vicino all'ala realistica del dipinto olandese. Tuttavia, questa situazione esisteva per un breve periodo.
Per i prossimi due o tre decenni, l'attivazione del romanzia e il guadagno in esso, artisti artisti-realisti opposti in esso. A loro volta, le tendenze realistiche acquisiscono persone, le cui caratteristiche erano solo indovinate nelle opere dei maestri del primo terzo del XVI secolo. Allo stesso tempo, se negli anni '30, il romanziere ha sperimentato l'influenza più forte dei principi realistici, ora è piuttosto parlare del processo inverso.
È particolarmente importante notare il verificarsi dei fenomeni associati alla crisi della visione del mondo rinascimentale. In molti modi, assomigliano ai processi pertinenti che sono accaduti in Italia, e, così come lì, determinano l'aggiunta di tendenze manieristiche. Questi ultimi nei Paesi Bassi nella maggior parte dei casi sono cresciuti sulla base del romanzia.
Tuttavia, la crisi del sistema ideologico del Rinascimento ha proceduto nei Paesi Bassi in una forma molto meno esplicita che in Italia. L'aumento simultaneo dell'oppressione spagnola e, in contrasto con questo, il rapido aumento delle aspirazioni nazionali-patriottiche e della pace-democratica, che incoronata la rivoluzione dei Paesi Bassi la rivoluzione borghese ha avuto un impatto diretto. Questa complessa situazione storica non ha causato conseguenze meno complesse nel campo della cultura. Se 1540-1560. - Questo è il momento di importanti scoperte scientifiche nel campo della geografia, della matematica, della scienza naturale, del tempo di attività del Mercator, Ortelus, Cornert e degli altri, quindi allo stesso tempo è anche un periodo di aumento della reazione (per esempio , la pubblicazione nel 1540 a Bruxelles una lista di libri proibiti, proibizione di Erasma e Thrors. P.).
Tutti questi fenomeni hanno identificato percorsi speciali di sviluppo della pittura. Prima di tutto, avanza che molti maestri cambiano il loro orientamento artistico (questo processo, tuttavia, è iniziato prima). Martin Van Chemskerk, che ci è familiare da ritratto (famiglia e A. Kodda) può essere l'esempio più sorprendente. Ora il prevalente nel suo lavoro diventa l'Altari con molti riser, colpendo sulle croci, figure gesticolanti di espressività quasi grottesca o tela condizionatamente monumentale, impressionante, ma vuota e sgradevole con la loro stereoscopicità poverata ("St. Luca scrive Maria"; Harlem, Museo di Francia Gals). Nel lavoro di alcuni artisti-romanzieri (ad esempio, Lombert Lombard, ok. 1506-1566) È possibile notare la maggiore penetrazione dei motivi ideali e armonici dell'alto rinascimento italiano, che porta ad un crescente spostamento di osservazioni reali , e dopo l'aspetto del manierismo.
Lo swing più alto Questo processo raggiunge uno studente di Lombard, Anversa Francia Floris (De Veriendt, 1516 / 20-1570). Il viaggio dell'artista in Italia ha portato molte caratteristiche del suo dipinto - sia positive che negative. Il primo dovrebbe includere più organico (che, ad esempio, il pegno) possesso di forme generalizzate, conosciuta Artistry. Il secondo include principalmente i tentativi ingenui di rivalità con Michelangelo, l'impegno per i canoni manieristici.
In molte opere di Floris, le caratteristiche manieristiche appaiono distintamente ("Angeli di carico", 1554, Antwerp, Museo; "Corte spaventosa", 1566, Bruxelles, Museo). Si sforza di composizioni in teso, un movimento ricco, eseguita da tutto-braccio, quasi surreale eccitazione. Essenzialmente, Floris uno dei primi nel 16 ° secolo ha cercato di restituire l'arte del contenuto ideologico. Tuttavia, la mancanza di pensiero profondo e una forte comunicazione con la vita di solito lo priva di un significato genuino. Rifiutando una specifica visualizzazione della realtà, non raggiunge una monumentalità eroica, nessuna concentrazione. L'esempio caratteristico è il suo "Angeli del loop": il Boding, costruito sugli angoli più complessi, tessuti dalle figure della fica ideale e ingenua, questa composizione si distingue per fragilità, secchezza inespressiva del colore e il luogo di lavoro inappropriato delle singole parti ( Un'enorme mosca è seduta sulla coscia di uno degli angeli dell'apostolato).
Il lavoro di Floris (e il suo successo in contemporanei) suggerisce che le posizioni principali dell'olandese dei Paesi Bassi si stanno passando verso il tardo romanismismo, il Romanismma, remando già apertamente il manierismo. Tuttavia, questo fenomeno dovrebbe vedere non solo le caratteristiche della crisi della precedente visione del mondo, ma anche l'emergere di condizioni per uno stadio più maturo di sviluppo della pittura olandese.
La stessa Floris fa i tentativi di creare un'immagine schiacciata di una persona (un ritratto di un uomo con Salol, 1558; Braunschweig), e in alcuni lavori con l'aiuto di un'unità composita di figure cerca di esprimere sentimenti di calore spirituale, riunendo insieme persone. In questi ultimi, ricorreva persino a uno speciale modo colorato - pittoresco, morbido, trasparente (vedi lo studente di una testa femminile nell'eremo). La massima espressione chiamata la tendenza raggiunge il "culto dei pastori" (Antwerp, Museum). In questa grande tela multi-digurizzata, scritta in tonalità leggeri giallastre-limoni e brunastri, il tema della reciproca vicinanza delle persone, la loro umanità acquisisce la sincero sincrezza, e la solita eccitazione per Floris è una profondità eccitante.
Ciononostante, è necessario riconoscere che il luogo di Floris nell'arte olandese non è determinato da queste opere. Piuttosto, dovrebbe essere definito come un master, pronunciato fenomeni di crisi nell'art 1540-1560s.
Un particolare riflesso delle specifiche della pittura olandese di quegli anni che troviamo nel ritratto. Si distingue mescolando e metà di varie tendenze. Da un lato, è determinato dallo sviluppo del ritratto del gruppo olandese. Tuttavia, sebbene la posizione composita delle figure sia diventata più libera e le immagini dei modelli sono più vivi, queste opere sono lontane dal raggiungimento del genere e della vitalità caratteristica delle opere di questo tipo, realizzate in seguito, nel 1580. Allo stesso tempo, perdono già il loro semplice pathos di cittadinanza burgica, tipico del 1530 °. (Ritratti tardivi D. Jacobs - Ad esempio, 1561, Eremo, e precoce Dirk Bentse - 1564 e 1566, Amsterdam).
È significativo che il ritratto più talentuoso di quel tempo è Antonis Mor (Van Dashorst, 1517/19 -15 -1575/76) - risulta essere associato al vantaggio con i cerchi aristocratici. Un'altra cosa è la più creatura dell'arte Mora Double: è un maestro di soluzioni psicologiche taglienti, ma hanno elementi di maschio (ritratto di Wilhelm Orange, 1556, un ritratto di I. Gallus; Cassel), è il più grande rappresentante di Il Corpus, ritratto della corte, ma dà una tagliente caratteristiche socialmente verniciate con i suoi modelli (ritratti dei governatori Philip II nei Paesi Bassi Margarita Parm, il suo consulente cardinale Granvella, 1549, Vienna e altri).
Autoritratti Mora indicano un forte aumento dell'aumento dell'autospiranza dell'artista olandese, ma la base di questa autocoscienza è in gran parte determinata dal riconoscimento ufficiale del suo successo (MOR visitato Roma, Inghilterra, Spagna, Portogallo, ha eseguito ordini di Philip II e Duke Alba). Allo stesso tempo, si dovrebbe dire che entro la fine della vita del Maestro che aveva l'influenza più forte sul ritratto anteriore e sui Paesi Bassi e in Spagna (Sanchez Coelho, Patoha de la Cruz), nel suo lavoro, scritto gentilmente Ritratti pensierosi pensievoli occupano un posto crescente nel suo posto interiore. Ritratti di cavalletta - Amsterdam, Reynxmus e governatore Golzio - Bruxelles, museo).
Nelle opere di altri ritratti 1550-1560. (Willem Kay, Cornelis Wang Kleve, Francia Puburbus) può essere annotato l'origine dell'immagine, a volte - un maggiore interesse nello stato spirituale del modello.
L'attivazione della crisi, del tardo motore e delle tendenze, le tendenze quantitativamente ristrettevano il cerchio dei maestri aziendali, ma allo stesso tempo hanno esposto l'inizio sociale nelle opere di coloro che si trovavano sulle posizioni di riflessione oggettiva della realtà. Dipinto di genere realistico 1550-1560s. Ha applicato al riflesso diretto della vita delle masse e, in sostanza, per la prima volta ha creato l'immagine di una persona dalla gente. Questi risultati sono collegati al lavoro di Peter Artesna (1508/09-1575).
La formazione della sua arte ha proceduto nei Paesi Bassi meridionali - ad Anversa. Lì ha incontrato i principi dei romanzieri Antwerp e lì nel 1535 hanno ricevuto il titolo di Master. Le sue opere del 1540. Distributori: I lavori vicini ai romantisti Antwerp sono mescolati con fotoslegazione medica e famiglia in natura, in cui il concetto di Van Amstel è chiaramente affacciato. I. Forse solo il "contadino" (1543; Lille, il museo) porta un tentativo di monumentare un tipo folk.
Negli anni '50. L'Arsen occasionalmente ricorre a composizioni di piccole dimensioni ("Apostoli Peter e John guariranno i pazienti"; Eremo), ma si riferisce principalmente a soluzioni potenti e ampie. La maggior parte di lui attira il genere contadino e la natura morta, specialmente nella loro combinazione. Diverse figure reali maleducate; Trasferito con notevole secchezza, ma sinceramente e con convinzione rettilinea, unisce con immagini tali veritiere di verdure, carne, ecc. Tuttavia, all'inizio del 1550. Il collegamento naturale del genere e del tutto il giorno di salvataggio ha iniziato l'Artsen non raggiunge. Molto spesso, uno di loro ottiene una prevalenza decisiva. Quindi, se nella "vacanza contadina" (1550; Vienna, Museo), la vita morta gioca un ruolo appropriato, poi nel "negozio di carne" (1551; gli articoli dell'Università, del museo universitario), ha completamente spinto la persona.
Il breve fiorente fiorente dell'arte dell'Arsena si verifica nel mezzo del 1550. Nei "contadini al focolare" (1556; Anversa, Museo Mayer Van Den.berg) e "Dance tra le uova" (1557; Amsterdam) L'artista monumenta i soliti episodi di ego contadinato. Tuttavia, nella prima delle reti nominate, i partecipanti alle azioni sembrano ancora sufficientemente composti e con tutta l'affidabilità realistica - senza volto. Essenzialmente, l'approvazione di Paphos è rivolta a un evento, sul palco, e non sui suoi eroi. Allevamento del genere, Artsen lo priva di vivere ogni giorno. I contadini raffigurati come rappresentanti tipici della loro classe sembrano completamente livellati e privati \u200b\u200bdel significato individuale.
Nella "danza tra le uova", l'Arsen viola l'equivalenza delle persone che recita e la staticità dimostrativa della scena. Prende la parte profonda dell'immagine al festival del contadino, mentre la figura di un uomo è messa in prima linea in una posa deve assistere alla sua allegria spensierata. Anche se qui, l'Arsen non lascia la solita statica di gesti, stati e immagini per lui, e nei principi compositi, rileva una connessione con il genere Anversa, ma l'assegnazione del personaggio principale testimonia il suo desiderio di presentare il contadino e Più personalmente (la figura evidenziata più indipendente di tutti i "contadini al focolare") e più maestosamente.
Durante questi anni, il lavoro dell'Arsena rileva varie tendenze. Esegue opere puramente genere (il più ovvio, ma anche l'unico esempio è "Madre con un figlio"; Anversa, Antiquariato), opere, monumentalizzare un'immagine separata di un contadino ("contadini nel mercato"; Vienna, museo) o Still life contadina ("cucina"; Copenaghen, Museo degli arti dello stato), e, inoltre, opere di argomenti religiosi.
"Madre con un figlio" è interessante per l'anticipazione dei principi del genere dell'arte olandese del XVII secolo, ma nel lavoro dell'Artssen si svolge piuttosto eccezionale. Ma la "cucina" e "contadini sul mercato" sono legami importanti della sua evoluzione artistica.
Entrambi questi dipinti sono dedicati alla glorificazione dei contadini (e in questo senso sono strettamente correlati alla "danza tra le uova"). Ma nella "cucina" questo obiettivo si ottiene indirettamente, con l'aiuto della natura morta, e nei "contadini sul mercato" - l'esaltazione di un'immagine separata.
Nel primo di loro, l'intero primo piano fu dato alla natura morta e la natura morta definisce l'asse centrale dell'immagine. La scena del genere nelle profondità della sinistra porta la nostra opinione alla famiglia contadina, raffigurata sulla destra, a sua volta da lei (grazie alla vista dell'uomo e al movimento della sua mano, indicando la natura morta), appello alla natura morta del Forefolder. Tale sequenza di contemplazione dell'immagine è rigorosamente predeterminata dall'artista e consente di fondere le immagini di persone e oggetti che caratterizzano la sfera della loro esistenza. Non è un caso che la scena nella profondità del maggior genere - svolga un ruolo di servizio; Le figure sulla destra sono monumentale, e nel loro denso gruppo equilibrato inizia a suonare lo stile di vita ancora (statico, alcune pose artificialità, composizione di quattro mani reciproche); Infine, in primo piano la vita ancora domina. Tale costruzione dà arsen l'opportunità di saturare gradualmente la natura morta delle caratteristiche del contadino, popolare.
Nei "contadini sul mercato" l'artista è andato in modo diverso. Questa immagine stupisce il realismo delle caratteristiche e del consolidamento delle forme. L'Arsen ha cercato di evidenziare la semi-figure contadina. Tuttavia, come nel lavoro precedente, non può dare l'immagine del suo eroe la caratteristica del significato interno e ricorre a un complesso schema composito. Sharp, il movimento dimostrativo di una donna a sinistra del contadino concentra la nostra attenzione su di esso, la signora con la cameriera è indicata su di esso. Lo stesso effetto contribuisce al rapido aumento (quasi stereoscopico) volumi dallo sfondo al primo piano (cioè, in definitiva, alla figura del contadino). In questo caso, possiamo parlare del desiderio persistente dell'artista per creare un'immagine monumentale del contadino.
Tuttavia, è necessario, tuttavia, dire che l'Arsen, di regola, rivela la grandezza di una persona del popolo, non appena lo dà a questa qualità del suo individuo, il confine dei rappresentanti selezionati. Lo spettatore non sente il contatto dell'artista con i suoi eroi. Da qui l'inconvenzione delle sue numerose composizioni, a volte quasi dolorosa chiusura, alienazione delle immagini.
È profondamente sintomatico che, per la forma di realizzazione dei suoi ideali realistici e democratici, Artssen ha quasi costantemente ricorso ai ricevimenti del romanzia. Sigillatura, la levigatura delle forme nell'immagine del volto umano, l'accompagnamento di figure di primo piano con quelle piccole, spazialmente strappate da loro figure dello sfondo, qualche allungamento di figure - tutto ciò ha molto in comune con il romanzia e a volte con manierismo.
L'arte della Artssen riflette indirettamente sia l'attivazione delle masse che un forte rafforzamento della reazione pubblica. Tuttavia, nelle sue opere considerate, il ruolo dell'immagine di una persona della gente è in costante aumento. Le cime di questa tendenza raggiungono alla fine del 1550, quando il Maestro crea un certo numero di singole immagini contadine eroiisale (due "cuochi", 1559, Bruxelles, Museo, "Trader del Dich", Eremo e "Contadino", 1561 , Budapest, museo, altro). Qui ha anche usato il romanzi. Ma l'obiettivo è l'esaltazione del rappresentante del popolo, la sua eroica dimostrazione e apoteosi - non solo hanno reso questi momenti formali idealizzanti pertinenti, ma ha anche fatto un nuovo significato in loro. Essenzialmente, i nomi sono l'unica integrazione dei principi realistici e di novembre nell'arte olandese. A questo proposito, sviluppano un granello sano del ritratto di famiglia Kassel e ritratto di Anna Codda Chemaster.
Devo dire che nel 1559-1560s. Gli stati d'animo democratici nel paese hanno subito una forte attivazione. L'opinione pubblica è stata indignata dagli spagnoli (in particolare a causa del fatto che dopo la conclusione del mondo a Kato-Kammbrezy (1559), gli spagnoli non hanno portato le loro truppe dai Paesi Bassi, così come in connessione con le intenzioni della Spagna, Per stabilire 14 nuovi vescovi nei Paesi Bassi per servire da fortezza di cattolicesimo). La possibilità che la protesta interna dell'artista e il rafforzamento delle sue simpatie folk siano apparse la causa della creazione di queste opere.
Nei lavori come nominati, l'Arsen ha superato la sua intrinseca incoerenza inerente alle sue cose precedenti. Ma in loro, con tutta l'importanza progressiva di queste opere, l'atteggiamento alienato nei confronti dei suoi eroi è preservato. Di conseguenza, si allontanò rapidamente dal cerchio delle immagini popolari eroiche (è caratteristica che questo rifiuto corrispondeva al tempo in tempo nella vita pubblica del paese - nei Paesi Bassi gli spagnoli passarono al terrore e soppresso temporaneamente qualsiasi resistenza. ). Il suo lavoro tardivo è segnato dal dominio completo della natura morta è iniziata. C'è un'ipotesi che negli ultimi anni di vita gettò la pittura.
L'arte dell'Arsena è stata un'importante pietra miliare nello sviluppo di un getto realistico dell'arte olandese. Eppure può essere sostenuto che non questi percorsi erano i più promettenti. In ogni caso, la creatività dello studente e del nipote dell'Arsena, Joachim Beikelara (circa 1530 - ca. 1574), avendo perso le caratteristiche limitate del dipinto dell'Arsen, allo stesso tempo la sua significato. La monumentale dei singoli fatti reali è già stato insufficiente. Prima dell'arte ci fu un grande compito - riflettere il principio nazionale, storico in realtà, non limitato all'immagine delle sue manifestazioni presentate come una sorta di mostre isolate, dare una potente interpretazione generalizzata della vita. La complessità di questo compito è stata aggravata dalla caratteristica delle caratteristiche tarde rivivali della crisi delle vecchie idee. Una forte sensazione di nuove forme di vita fusa con la tragica consapevolezza della sua imperfezione, e drammatici conflitti di svilupping violentemente e spontaneamente e spontaneamente i processi storici hanno portato all'idea dell'innocenza di una persona separata, le idee precedenti sulla relazione tra l'individuo E l'ambiente sociale circostante, il mondo. Allo stesso tempo, in questo momento, l'arte è consapevole del significato e dell'espressività estetica della massa umana, della folla. Questo dei periodi più informativi dell'arte dei periodi olandesi è associata al lavoro di Breygel.
Peter Bruegel Sr., secondo il soprannome, Menzitsky (tra il 1525 e il 1530-1569) è stato formato come artista ad Anversa (ha studiato a P. Buck van Alsta), visitato l'Italia (nel 1551-1552), era vicino al Pensatori radicali dei Paesi Bassi.
Nelle prime opere pittoresche e grafiche del Master combinate impronte alpine e italiane e motivazioni della loro natura nativa, principi artistici della pittura olandese (principalmente Bosch) e alcune caratteristiche manieristiche. In tutte queste opere, un ovvio desiderio di trasformare una piccola immagine nel Grandioso Panorama ("Porto Napropolitario", Roma, Galleria Doria-Pamphili, incisa I. Disegni Kok Koki).
Lo scopo dell'artista è l'espressione di una lunghezza infinita, una comprensività del mondo, come se si assorbe le persone. Anche la crisi dell'ex fede in una persona colpita anche qui e l'espansione illimitata degli orizzonti. In una "seminatrice" più matura (1557; Washington, la Galleria nazionale), la natura è interpretata con una maggiore naturalezza, e la figura di una persona non sembra essere una aggiunta accidentale. Vero, il seminatore raffigurato gli uccelli, aperti dal grano gettato nella terra, ma questa illustrazione della parabola del Vangelo è il momento della storia piuttosto che quella artistica. Nella "caduta di Ikara" (Bruxelles, Museo), c'è anche un'allegoria: il mondo vive la sua vita, e la morte di una persona separata non interromperà la sua disastrosa. Ma qui la scena dell'aratura e il panorama costiero significano più di questo pensiero. L'immagine è impressionante dalla sensazione della vita misurata e maestosa del mondo (è determinata dal manodopera pacifica del pahar e dal sublime costruzione della natura).
Tuttavia, sarebbe sbagliato negare la tonalità filosofica e pessimistica delle prime opere di Bruegel. Ma lui non si trova così tanto nel lato letterario e allegorico dei suoi dipinti e nemmeno nella moralizzazione dei suoi modelli satirici eseguiti per l'incisione ("Vice cicli" - 1557, "virtù" - 1559), ma nelle caratteristiche del Vista generale dell'artista per il mondo. Contemplando la pace dall'alto, dall'esterno, il pittore come sarebbe rimasto con lui uno su uno, alienato dalla gente raffigurata nella foto.
Tuttavia, è essenziale che la sua idea dell'umanità come maestoso insieme di magnitudini trascurabili sia incarna sull'esempio degli elementi della vita urbana, della vita popolare.
Le stesse idee Bruegel si sviluppa nelle immagini dei proverbi fiamminghi (1559; Berlino) e soprattutto i "giochi per bambini" (1560; Vienna, museo). In quest'ultimo, la strada era raffigurata, coperta da giocando a bambini, ma la prospettiva di non ha un limite di come deve essere sostenuto che i bambini divertenti e divertenti divertenti sono una specie di simbolo di attività ugualmente assurde di tutta l'umanità. Nelle opere della fine del 1550. Bruegel con la precedente arte sconosciuta si riferisce al problema del posto di una persona nel mondo.
Il periodo considerato improvvisamente si rompe nel 1561, quando Bruegel crea scene, la loro minacciosità eccessivamente eccedente Bosch. Gli scheletri uccidono le persone, e sono in vana cercando di trovare rifugio in un gigantesco trappola per topi, segnato con il segno della croce ("trionfo della morte"; Madrid, Prado). Il cielo è rafforzato con i marines rossi, la miriada di meravigliose e terribili creature strisciano sulla terra, dalle rovine sorgono le teste che rivelano gli enormi occhi e a loro volta generano i brutti mostri, e le persone non cercano più la salvezza: il gigante inquietante Sta urlando da sola e le persone si mettono a vicenda, prendendo che sono per l'oro ("pazza greta", 1562; Anversa, Museo Mayer Van Den Berg).
Allo stesso tempo, nelle opere nominate di Bruegel, appare una sfumatura personale - la condanna della follia umana, avida e crudeltà si sviluppa in profondi riflessioni sul destino delle persone, conduce maestri ai dipinti dal grande e tragico. E con tutta la sua fantasia, portano una forte sensazione di realtà. La realtà di loro è nella sensazione insolitamente immediata dello spirito del tempo. Hanno persistentemente, incombono deliberatamente la tragedia del vero e moderno artista della vita. E sembra naturale che entrambe queste immagini siano apparse all'inizio del 1560. - Nei giorni in cui l'oppressione, dagli spagnoli nei Paesi Bassi, ha raggiunto il limite più alto quando sono state impegnate più esecuzioni della morte che mai nella storia del paese (ricordiamo che l'arte dell'Arsena è stata ammirata durante questi anni. Bruegel, Apparentemente dovuto con repressioni spagnole, dovevo trasferirmi a Bruxelles.). Quindi, nel 1561-1562. Bruegel per la prima volta in arte olandese ha creato composizioni, in un indiretto, in modo figurativo riflettendo specifici conflitti pubblici del loro tempo.
Gradualmente, la globlibilità tragica ed espressiva dell'artista è sostituita da una riflessione filosofica amara, dall'umore della tristezza e dello sfregamento. Bruegel fa di nuovo appello alle forme reali, crea di nuovo dipinti con paesaggi distanti e senza fine, conduce di nuovo lo spettatore a un panorama infinito e immenso. Ora, nel suo lavoro, le note sono dominate da morbidezza mentale, solitudine e dovrebbero dire, buone strutture per il mondo. Sono nella sua catena di rossa "Monkeys" (1562; Berlino), si allontanarono dalle spaziose barra del fiume e del paradiso, scolpite in aria dolcemente e calda. Sono - ma in scale più potenti incommensurabili - nella "Torre Babilonese" (1563; Vienna, Museo). Sebbene il secondo di queste due opere sia ancora allegoria (similmente la vita moderna della Babilonia biblica), l'immagine nella sua grandiosa e forma poetica è data dalla sensazione di vita. È nelle innumerevoli figure dei costruttori, nel movimento dei carrelli, nel paesaggio (specialmente nell'immagine dei tetti che emettono sui lati della torre del mare - Piccolo, in piedi a parte e, allo stesso tempo, strettamente vicino l'un l'altro, lanciando toni delicati). È caratteristico che nella foto scritta sulla stessa trama prima (apparentemente, circa 1554-1555; Rotterdam), la torre ha completamente soppresso l'inizio umano. Qui Bruegel non solo evita un tale effetto, ma va avanti - lui, per la quale la natura era incomparabilmente più bella di una persona, sta cercando un inizio umano.
La vita, il respiro delle abitazioni umane, le attività delle persone superano i pensieri sulla follia dei loro pensieri, sull'affrontare le loro opere. Bruegel ne rivela prima uno nuovo, non ancora noto a lui né il suo valore contemporaneo del valore della vita, anche se è ancora nascosto sotto il sottocoprire il suo ex - Vista cosmica e non umanistica. Le stesse conclusioni portano "il suicidio di Saula" (1562; Vienna, Museo) e "Paesaggio con un volo per Egitto" (1563; Londra, Collezione di Zeiler). Ma soprattutto la croce (Vienna, museo), dove questa tradizionale trama del Vangelo è interpretata come un'enorme scena di massa con la partecipazione di molti curiosi - soldati, ragazzi e contadini.
Tutte queste opere sono state preparate dall'aspetto (nel 1565) il ciclo dei paesaggi, aprendo un nuovo periodo di creatività di Bruegel e appartenente alle migliori opere di pittura mondiale. Il ciclo è costituito da dipinti dedicati ai tempi dell'anno (si ritiene che questa sia una serie sparsa di dodici (o sei) dipinti. L'autore di questo capitolo proviene dal presupposto che c'erano quattro di loro e "Senokos" (Praga, la Galleria nazionale) non si applica al ciclo...).
Queste opere occupano nella storia dell'arte. Il posto è abbastanza eccezionale - non ci sono immagini della natura, dove l'aspetto completo, quasi spaziale dell'attuazione sarebbe così organicamente fusa con un senso della vita.
"Giorno GUARDY" (Vienna, Museo) con i suoi nastri, nuvole gonfie, lampeggiando lentamente i toni rossi-marroni della terra, rivivono rami nudi e venti crudi di sollevamento a braccioli; Come se oscurato dal Zhvat (New York, Museo Metropolitano); "Ritorno di Stud" (Vienna, Museo) con lentamente incassare con un cuneo, la scorsa incendio di vernici autunnali rosse e un duro silenzio della natura; Infine, i "cacciatori di neve" (Vienna, Museo) - Città maschile, figure figure figure vivaci sugli stagni ghiacciati, una vita tranquilla, calda dal calore della crisi umana, è così accadendo il ciclo della natura, il suo indulge sta cambiando , il suo ritmo interiore.
Mantenere la natura completa dei suoi panorami, il Bruegel sostiene fondamentalmente la base e, in definitiva, un concreto senso della realtà. Basta ricordare la conversazione nello spazio della scena dedicata alla primavera, l'equilibrio dei ritmi calmi di "raccolto", in altre spazialità - come lo era, un taglio, compressivo - paesaggio autunnale e combinando tutte le linee compositive attorno a una tranquillità -La città in "Cacciatori" per sentirsi la stessa creatura La struttura compositiva di questi dipinti è progettata per esprimere lo stato della natura.
Lo stesso senso della realtà definisce la costruzione del colore - nella prima foto, i toni rossi-marroni della terra, entrando in una collisione con i toni freddi e verdi del piano posteriore, diventano più intensi, svasati; Ma nel secondo domina il colore del giallo brunastro - caldo e liscio; Nel "ritorno della Stad", acquisisce arrossamento e ridda, che sembra essere immediatamente dato al posto della gamma morta blu-grigio; Nei "cacciatori", il colore generale freddo-verdastro sembra essere riscaldato con toni caldi marroni di case e figure umane.
La natura di Bruegel e Grand Cinema e completamente vicino a una persona, affidabile. Ma sarebbe sbagliato vedere nel ciclo "Seasons" la vita di una natura. Ricreggiato da Bruegel Mir è popolato da persone.
Queste persone sono difficili da dire più che sono fisicamente fisicamente, sono attivi, laboriosi. Ma i modelli del ciclo non lasciano dubbi che l'esistenza di persone è piena di un vero significato che è subordinato alle regolarità dell'ordine più alto e profondamente naturale. Questa condanna nasce dalla coscienza della completa fusione di persone e natura. È in questa confluenza del lavoro e i giorni delle persone guadagnano il sistema significativo e alto. Le figure umane non deviano semplicemente la vista, formano un principio speciale, naturale naturale, ma anche diverso da lui. E non è un caso che le figure dei contadini siano al centro di tutte le linee di colore e composito (i colori principali del primo motivo del primo ciclo sono chiaramente espressi nei vestiti dei contadini e il momento del risveglio della natura trova un parallelo All'inizio del lavoro contadino; nel "ritorno della mandria", i trafficanti sono in se stessi tutti gli esseri viventi e la cosa attiva in questo paesaggio, tutte le linee composite convergono nel loro gruppo, a loro volta, passando verso case vicine visibili del loro villaggio natale).
Bruegel e precedentemente cercato di trasmettere il movimento della vita, ha cercato di trovare l'unica proporzione corretta nel rapporto su larga scala di pace e dell'uomo. Raggiunse l'obiettivo, prendendo il punto originale della sua vita di ricerca nel suo aspetto naturale, lavoro, folk. Il mondo, l'universo, non avendo perso la sua maestosa grandezza, ha acquisito caratteristiche concrete del paese nativo. La persona ha ricevuto il significato dell'esistenza nel lavoro naturale, nella vita intelligente e armoniosa della squadra umana, nella fusione di questa squadra con la natura.
In realtà, questo determina l'esclusività dei paesaggi delle "stagioni". Erano eccezionali nel lavoro di Bruegel. Aprendo la strada a un'immagine specifica della vita delle persone, Bruegel nel suo futuro sviluppo si allontana dai maestosi motivi del paesaggio e perde l'unità naturale della natura e dell'uomo.
Creato dopo il "Tempo dell'anno", nel 1566, dipinti - "Censimento a Betlemme" (Bruxelles), "Beating Babies" (Vienna, Museo), "Predicando John Baptist" (Budapest, Muse) - Significato la nascita dell'arte , Principale Il tema del quale è la vita di una parodia non è nel suo senza tempo, così com'era, un aspetto universale, ma in un piano sociale sociale e specifico. Tutti sono impressionanti dalla coscienza della precisione di ciò che sta accadendo, e la trama del Vangelo serve essenzialmente solo da travestimento (in "Beatings" raffigurato un attacco di soldati spagnoli al villaggio fiammingo).
Il fatto della creazione, forse il primo dipinti storici e allo stesso tempo domestici sul terreno moderno e l'emergere non solo vitale e domestico, ma anche pubblico, i momenti sociali sono spiegati da eventi storici di quegli anni: il tempo di creazione di questi Lavori - l'ora di inizio della rivoluzione dei Paesi Bassi, l'inizio della lotta attiva olandese contro il feudalesimo spagnolo e il cattolicesimo. A partire dal 1566, la creatività di Bruegel si sviluppa nella connessione più diretta con questi eventi.
Apparentemente, nel 1567, Bruegel ha eseguito una delle sue opere più capitali di "Dance contadina" (Vienna, Museo). La sua trama non contiene allegoria, il carico forte figure dei contadini sono raffigurati in una scala di broig su larga scala, e il carattere generale si distingue da un Paphos chiuso in sé.
L'artista è interessato a non tanto l'atmosfera del festival contadino o del pittura di singoli gruppi, ma i contadini stessi sono i loro simili, le caratteristiche del viso, delle abitudini, del carattere del gesto e della mossa.
Ogni figura è collocata nel ferro, permeando l'intera immagine del sistema di assi compositi. E ogni figura sembra interrotta - in danza, controversia o bacio. Le figure sono come in crescita, esagerate sulle loro scale e significatività. CIRCLING quasi urgente persuasivanza, sono pieni di monumentalità scortese, persino spietata, ma audacemente impressionante, e la scena nel suo complesso è implementata in un certo gruppo di caratteristiche caratteristiche dei contadini, la sua forza spontanea, potente.
In questa immagine, un particolare genere contadino nasce nel suo metodo. Ma, in contrasto con le opere successive di questo tipo, Bruegel informa le sue suole Eccezionale potenza e pathos sociale.
Quando questa immagine è stata scritta, la più forte ribellione delle masse è stata appena soppressa - Iconobor. L'atteggiamento nei confronti di lui di Breygel è sconosciuto. Ma questo movimento era fin dall'inizio alla fine del popolo, ha scioccato i contemporanei con un testimone oculare della sua classe, e, è necessario credere che il desiderio di Bruegel si concentri nella sua foto le principali caratteristiche distintive della gente in piedi con questo Fatto nella comunicazione diretta (è significativo che ha distrutto ciò che ha distrutto, questo dei disegni, apparentemente, carattere politico).
È legato all'iconocrusa e altri lavori di Bruegel - "matrimonio contadino" (Vienna). Qui, la gravità della visione di una natura popolare è aumentata ancora di più, le figure principali hanno acquisito ancora più grande, ma già un po 'esagerato, e un principio allegorico è rinato nel tessuto del tessuto artistico (tre contadini con orrore o in Sconoscimento, presumibilmente affermato di fronte al dipinto. Forse questo è un pizzico di una storia biblicazione su Pira Valstasar, quando le parole che prevedono la morte di coloro che hanno rapito il tempio del tesoro sul muro e desiderava uscire dal suo stato insignificante. Ricordiamo che i ribelli dei contadini che hanno combattuto con la Chiesa cattolica e cattolica). L'ombra di qualche idealizzazione e l'insolita morbidezza dei vantaggi è persino un assaggio del rammarico di Gorky e la buona umanità - le qualità che non erano in una "danza contadina" chiara e coerente. Alcuni partenze dai principi e dalle idee della "danza contadina" possono essere trovati nella figura "estate" (Amburgo), a prima vista, chiamata strettamente chiamata la foto.
Tuttavia, la partenza completa dalle precedenti speranze è stata compiuta un po 'più tardi, quando il Maestro ha creato un certo numero di dipinti cupo e crudele ("misantrop", 1568, Napoli; "Pittura", 1568, Louvre; "Inghias nidi", 1568, Vienna , Museo), e includendo il famoso "cieco" (1568; Napoli, Capodimont Museum). Indirettamente sono associati alla prima crisi nello sviluppo della rivoluzione dei Paesi Bassi.
I volti del tessuto spontaneo della cecità mendicante sono disumanamente brutti e allo stesso tempo sono reali. Vista dello spettatore, come se li stimasse, saltando su un'altra figura all'altra, prende il loro cambiamento coerente - da stupidità e carnivitie animali attraverso l'avidità, l'astuzia e la rabbia per aumentare rapidamente significato, e insieme a lei e una disgustosa deformità spirituale di persone sfigurate . E oltre, apparentemente la cecità spirituale prende la cima sulle ulcere fisiche e spirituali, sono sempre più sempre più, forse. Essenzialmente, Bruegel prende un fatto reale. Ma lo porta a una concentrazione così figurativa che ha ottenuto un'universalità, aumenta la tragedia della forza senza precedenti.
Solo uno, che cade accecante disegna una faccia a noi - rovinava la bocca e un aspetto malvagio di giocatori vuoti a occhi umidi. Questo sguardo completa il percorso del cieco - il percorso della vita delle persone.
Ma più pulito è inutile e pulito - il paesaggio, davanti a cui un cieco è inciampato e che non ne soprafferà più un altro. Chiesa rustica, dolci colline, dolci verdi di alberi sono pieni di silenzio e freschezza. Solo un tronco senza vita secco mangia il suo movimento di curvatura della caduta. Il mondo è calmo ed eterno.
Natura umana, non persone. Bruegel crea un'immagine non filosofica del mondo, ma la tragedia dell'umanità. E anche se cerca di dare la sua foto il sistema è chiaro e freddo, il suo colore è acciaio, ma con un leggero chip tremante lilla - dà la sua tragica e tesa disperatezza.
Dopo che il Bruegel "cieco" ha eseguito una sola foto - "Dareamstadt, un museo), dove l'ultima delusione dell'artista e il desiderio di tornare all'ex armonia e la coscienza dell'impossibilità di tale ritorno (altamente coerente con La vista del mondo, i contadini, i raggi frivolalmente penzolanti delle porte giganti del gigante, il paesaggio, scolpito da polvere solare trasparente, distante, incomprensibile).
Il percorso creativo del percorso creativo di Bruegel con look mentale, dovrebbe essere riconosciuto che si è concentrato nella sua arte tutti i risultati della pittura olandese del Pore precedente. I tentativi infruttuosi del tardo romanfeismo per respingere le loro vite in forme generalizzate, maggior successo, ma gli esperimenti limitati dell'Arsen sull'esaltazione dell'immagine della gente è entrato nel Bruegel a potente sintesi. In realtà, che marcatamente all'inizio del secolo, il desiderio di concretizzazione realistica del metodo creativo, spruzzando con insignificazioni ideologiche profonde del Maestro, ha portato i frutti grandiosi.
La prossima generazione dei pittori olandesi è nettamente diversa da Bruegel. Sebbene i principali eventi della rivoluzione dei Paesi Bassi cadono per questo periodo, rivoluzionario pathos nell'arte dell'ultimo terzo del XVI secolo. Non troveremo. La sua influenza interessata indirettamente nella formazione della visione del mondo che riflette lo sviluppo borghese della società. Per i metodi artistici di pittura, la concretizzazione acuta e l'avvicinarsi alla natura sono caratteristici dei principi del 17 ° secolo. Allo stesso tempo, la decomposizione dell'universalità rinascimentale, l'universalità nell'interpretazione e la riflessione dei fenomeni della vita conferisce a questi nuovi metodi le caratteristiche del meschino e dello stretto spirituale.
I limiti della percezione del mondo in vari modi hanno influenzato i romanzi e i flussi realistici nella pittura. Il nomanismo, nonostante il suo molto diffuso, svolge tutti i segni della degenerazione. Molto spesso, agisce in un aspetto manieristico, aristocratico e sembra essere devastato internamente. È una penetrazione sintomatica e più crescente nei regimi nomanici del genere, molto spesso elementi naturalisticamente intesi (K. Cornellissen, 1562-1638, K. Van Mandender, 1548-1606). La famosa importanza qui è stata la stretta comunicazione dei pittori olandesi con fiammingo, molti dei quali nel 1580. Emigrato dai Paesi Bassi del sud a causa del ramo delle province del Nord. Solo in rari casi, combinando osservazioni sul campo con la soggettività acuta della loro interpretazione, i romanzieri riescono a raggiungere un effetto impressionante (A. BluMart, 1564-1651).
Le tendenze realistiche trovano principalmente espressione in una visualizzazione più specifica della realtà. Estremamente in questo senso è un fenomeno indicativo per considerare una stretta specializzazione dei singoli generi. C'è anche un interesse a creare situazioni di trama diverse (iniziano a svolgere un ruolo crescente nel tessuto artistico del lavoro).
Il dipinto di genere nell'ultimo terzo del secolo sta vivendo fiorente (che è anche espresso nella menzionata la penetrazione di esso nel romanziere). Ma le sue opere sono private del significato interno. Le tradizioni di Bruegel sono private di una creatura profonda (almeno suo figlio P. Bruegel Jr., inferno soprannominato, 1564-1638). La scena del genere è solitamente o subordinata al paesaggio, come Lucas (fino al 1535-1597) e Martin (1535-1612) Valkenborkhov, o agisce nell'utente dell'episodio domestico insignificante della vita urbana, riprodotto esattamente, ma con alcuni Arroganza fredda - Martin van Kleve (1527-1581; vedi la sua "vacanza St. Martin", 1579, eremitage).
Il ritratto domina anche il principio del genere del genere, che, tuttavia, ha contribuito allo sviluppo del 1580. Composizioni di gruppo. La più significativa tra queste ultime - "Associazione remizzata del Capitano Rosencranse" (1588; Amsterdam, Reyxmuss) di Cornelis Ketil e Rifle Company (1583; Harlem, Museo) Cornelis Cornelissen. In entrambi i casi, gli artisti cercano di rompere l'aritmetica secca delle antiche costruzioni del gruppo (Ketil - la solenne parata del gruppo, Cornelissen - le sue vittime della famiglia). Infine, negli ultimi anni 16 in. Nuovi tipi di ritratti di gruppo aziendale sorgono, ad esempio "Reget" e "anatomia" di Peter e Art Peters.
La pittura del paesaggio è un intero più confuso - è stato più forte qui e schiacciante su specie separate di dipinti. Ma le piccole opere di Ruiland Savere, incredibilmente sovraccarichi di Ruiland (1576 / 78-1679), e più potente Giliss van Koninksloo (1544-1606) e romantico-spaziale ios de madre (1564-1635), e imbevuto con l'emozione soggettiva di Abraham Bloumrt - Tutto anche se in diversi livelli in modi diversi, riflettono la crescita dell'inizio personale nella percezione della natura.
Le caratteristiche dei generi, le soluzioni di paesaggio e ritratto non consentono loro di parlare del loro significato interno. Non appartengono al numero di grandi fenomeni di belle arti. Se li valutano correlati al lavoro dei grandi pittori olandesi di 15 e 16 secoli, sembrano evidenti evidenti del pieno rifiuto dei più principi del Rinascimento. Tuttavia, il dipinto dell'ultimo terzo del XVI secolo. Ha per noi in gran parte interesse indiretto - come un passo transitorio e come la radice generale da cui le scuole nazionali delle Fiandre e dei Paesi Bassi del XVII secolo sono cresciute.
Nel primo terzo del XV secolo, quasi simultaneamente con l'inizio del Rinascimento in Italia arriva una frattura nello sviluppo dell'arte dei paesi settentrionali - Paesi Bassi, Francia, Germania. Nonostante le singole caratteristiche nazionali, l'arte di questi paesi è caratterizzata nel XV secolo la presenza di un certo numero di caratteristiche, specialmente parlando chiaramente quando si confronta con l'Italia. La più luminosa e costantemente questa frattura si verifica nella pittura, mentre la scultura conserva i tratti gotici per molto tempo, e l'architettura fino ai primi decenni del XVI secolo continua a svilupparsi come parte dello stile gotico. Il ruolo guida nello sviluppo della pittura del XV secolo appartiene ai Paesi Bassi che hanno un impatto significativo su Francia e Germania; Nel primo trimestre del XVI secolo, la Germania è proposta in primo luogo.
Comune per l'arte della rinascita in Italia e nel nord è il desiderio di un'immagine realistica di una persona e del mondo circostante. Questi compiti sono stati risolti, tuttavia, in modo diverso, secondo varie natura culturale.
L'attenzione dei Maestri dei Paesi Bassi ha attirato la ricchezza inesauribile delle forme della natura e della varietà dell'aspetto individuale delle persone prima dello sguardo. Caratteristico e speciale prevale nel lavoro degli artisti dei paesi nordici su comune e tipico. Sono alieni alla ricerca di artisti del Rinascimento italiano, finalizzati a rivelare i modelli di natura e percezione visiva. Fino al XVI secolo, quando l'influenza dell'Italia, sia in una cultura comune, sia nell'arte svolgerà un ruolo importante, la loro attenzione non attirerà la teoria della prospettiva né la dottrina delle proporzioni. I pittori dei Paesi Bassi hanno sviluppato, tuttavia, puramente empiricamente da tecniche che consentono loro senza meno persuasive degli italiani, trasmettono l'impressione delle profondità dello spazio. L'osservazione rivela con molteplici funzioni di luce; Sono ampiamente utilizzati da vari effetti ottici - si rifratta, riflessa e sparsa, passando mentre l'impressione di estensione ha dato il paesaggio e l'aria piena di aria e luce, e le migliori differenze nelle caratteristiche del materiale delle cose (pietra, metallo, vetro, pelliccia , eccetera.). Riproducendo con l'estrema accuratezza dei più piccoli dettagli, ricreano la scintillante ricchezza delle vernici con lo stesso testicolo aggravato. Questi nuovi compiti pittoreschi potrebbero essere risolti solo con l'aiuto della nuova tecnologia pittoresca della pittura ad olio, la "scoperta" di cui le legenda storica attribuisce Jan Van Eica; Dalla metà del XV secolo, questo nuovo "modo fiammingo" sposta la vecchia tecnica della temperatura e in Italia.
A differenza dell'Italia nei paesi nordici non c'erano condizioni per qualsiasi sviluppo significativo di pittura monumentale; Un posto di rilievo appartiene al XV secolo in Francia e nei Paesi Bassi del Libro in miniatura, che aveva robuste tradizioni qui. Una caratteristica essenziale dell'arte dei paesi settentrionali è stata la mancanza di prerequisiti per l'interesse per l'antichità, che aveva una grande importanza in Italia. L'antichità attirerà l'attenzione degli artisti solo nel 16 ° secolo, insieme allo sviluppo di studi umanistici. Il posto principale nei prodotti del laboratori d'arte appartiene alle immagini dell'altare (pieghe intagliate e pittoresche), le cui alette su entrambi i lati erano coperte da immagini. Le scene religiose vengono trasferite in una situazione di vita reale, l'azione viene spesso tra il paesaggio o all'interno. Sviluppo significativo riceve nei Paesi Bassi nel XV secolo, e in Germania, all'inizio del XVI secolo, Pittura ritratto.
Durante il XVI secolo, c'è una graduale assegnazione di pittura domestica, paesaggio, natura morta, dipinti mitologici e allegorici. Nel XV secolo, c'è un nuovo tipo di arte visiva - l'incisione sull'albero e sul metallo, raggiungendo un rapido periodo di massimo splendore alla fine del secolo e la prima metà del XVI secolo; Particolarmente ottimo posto occupano nell'arte della Germania, che colpisce lo sviluppo dei Paesi Bassi e della grafica francese.
È interessante notare che i primi germogli della nuova arte di rinascita nei Paesi Bassi sono osservati nel libro in miniatura, sembrerebbe più correlato alle tradizioni medievali.
Paesi Bassi la rinascita nella pittura inizia con l'altare "Gentsky Altar" dei fratelli del Gubert (morto nel 1426) e Yana (circa 130-1441) Wang Eykov, finito da Jan Eyk in 1432 Genta Altare (Gent, Chiesa di San Bavone) è cuccetta Piega, su 12 tavole di cui (nella forma aperta) 12 scene sono rappresentate. In cima, Cristo è raffigurato sul trono con il prossimo Maria e Giovanni, cantando e musitizzanti angeli e Adamo ed Eva; Sotto su cinque tavole - la scena "culto dell'Agnello". Ci sono altri, non meno importanti caratteristiche per l'arte: i Maestri dei Paesi Bassi sembrano guardare al mondo, che trasmettono con una straordinaria completezza e dettaglio; Ogni vescica, ogni pezzo di tessuto è un oggetto elevato di arte per loro. Wang Eyki ha migliorato la tecnica dell'olio: l'olio ha permesso di trasmettere più agevolmente glitter, profondità, ricchezza del mondo oggettivo, attirando l'attenzione degli artisti olandesi, la sua colorata singhism.
Dal numeroso Madonn Yana Van Eyka è il più famoso "Madonna Rollen Chancellor" (circa 1435), chiamato così perché prima della Madonna raffigura il Donatore Wordshling a lei - Chancellor Rolllin. Yang van Eyk e con successo impegnati in un ritratto, rimanendo sempre accurato in modo affidabile, creando un'immagine profondamente individuale, ma non perdendo i dettagli della caratteristica generale di una persona come parte dell'universo ("uomo con un garofano"; "Uomo in turbante ", 1433; ritratto della moglie dell'artista Margarita van Eyk, 1439). Invece di azione attiva, che è caratteristica dei ritratti del Rinascimento italiano, Van Eyk evidenzia la contemplazione come qualità che determina il luogo di una persona nel mondo, contribuendo a comprendere la bellezza del suo infinito collettore.
L'arte dei fratelli Van Eykov, che ha tenuto un luogo eccezionale nella moderna cultura artistica, era di grande importanza per l'ulteriore sviluppo del Rinascimento dei Paesi Bassi. Negli anni '40 del XV secolo In arte olandese, la chiarezza panteistica multicolore e armonica, peculiare di van Eyk, gradualmente scompare. Ma l'anima umana rivela più profonda in tutti i suoi segreti.
Molto nel risolvere questi problemi, i Paesi Bassi sono obbligati da Rogir van Der Wayden (1400? -1464). Alla fine degli anni '40, Rogir van der Wayden ha viaggiato in Italia. "Rimozione dalla croce" è un tipico lavoro di Vaden. La composizione è stata costruita in diagonale. Il disegno è duro, le figure sono presentate in angoli acuti. I vestiti sono certificati, sono contorti con turbinio. Le persone sono distorte dal dolore. Tutti hanno una stampa di un'osservazione analitica fredda, una dichiarazione quasi spietata.
Sulla seconda metà del XV secolo. Conta il lavoro del Master of Esclusivo Diving Gogo van der Gus (circa 1435-1482), la cui vita è passata principalmente a Gand. La scena centrale della sua grande dimensioni e monumentale nelle immagini dell'altare Portinari (dal nome dei clienti) è la scena dell'adorazione del bambino. L'artista trasmette lo shock spirituale dei pastori e degli angeli, l'espressione di persone le cui persone dicono che sembrano prevedere il vero significato dell'evento. L'aspetto lugubre e delicato di Maria, quasi fisicamente sentito dal vuoto dello spazio attorno alla figura infantile e l'umore clone per lui ancora più enfatizzato l'umore della insolizia di ciò che sta accadendo. La pittura Gogo van der Gus ha avuto una certa influenza sul quattrochet fiorentino. I lavori tardivi di Gus acquisiscono sempre più le caratteristiche di disarmonia del diavolo, doni spirituali, tragedia, disunione con il mondo, essendo un riflesso dello stesso stato doloroso dell'artista ("morte di Maria").
La creatività di Hans Memling (1433-1494), che si è glorificata con le immagini lirico di Madonn, era inseparabilmente collegata con la città di Brugge. Le composizioni della Meming sono chiare e misurate, le immagini sono poetiche e morbide. Il sublime va d'accordo con tutti i giorni. Uno dei lavori più caratteristici di un meschinismo - cozer di St. Ursula (circa 1489 g)
Jerome Bosch (1450-1516), il creatore di cupo visioni mistiche, in cui si riferisce al allegorismo medievale ea una realtà concreta vivente. La demonologia va d'accordo con Bosch con un umorismo folk sano, un sottile senso della natura - con una fredda analisi dei vizi umani e con una moltitudine grottesca nell'immagine delle persone ("nave degli sciocchi"). In uno dei lavori più grandi - "Giardino del piacere" - Bosch crea l'immagine dell'immagine della vita peccaminosa delle persone. Nei lavori del defunto Bosch ("Sant'Antonio) aumenta il tema della solitudine. Rubbroze tra i secoli XV e XVI nell'arte dei Paesi Bassi è significativamente più evidente di, diciamo, tra la Quattrici e l'alto revival in Italia, che apparve conseguenza organica e logica dell'arte del poro precedente. L'arte dei Paesi Bassi del XVI secolo. Sempre più rifiuta di utilizzare le tradizioni medievali, che erano in gran parte basate sugli artisti del secolo scorso.
La cima del Rinascimento dei Paesi Bassi è stata indubbiamente il lavoro di Peter Bruegel senior, soprannominato mentale (1525 / 30-1569). Con il nome di Bruegel, l'aggiunta finale del paesaggio nel dipinto olandese è associato a un genere indipendente. La fama speciale dai discendenti ha guadagnato il "paesaggio invernale" dal ciclo "Seasons" (un altro nome - "Cacciatori di neve", 1565): sottile penetrazione in natura, lisismo e paludia che la tristezza soffia da queste sagome di alberi marrone scuro, cacciatori e forme di cane Contro lo sfondo della neve bianca e che scorre nella distanza delle colline, minuscole figure di persone sul ghiaccio e dall'uccello volante, cercando di minaccioso in questo teso, quasi tangibile silenzio di squillo.
Nei primi anni '60, Bruegel crea una serie di opere tragiche superiori all'espressività di tutta la fantasmagoria di Bosch. Il linguaggio allegorico ha espresso la tragedia Bruegel della vita moderna dell'intero paese, in cui il desiderio degli oppressori spagnoli ha raggiunto il punto più alto. Ha affrontato i terreni religiosi, rivelando gli eventi topici "Betlemme's Beating of Babies" (1566)
Nella rinascita olandese è stato anche italianizzando la corrente, il cosiddetto romanzo. Seguirono artisti di questa zona (se possibile) le tradizioni della scuola romana e principalmente Rafael. Nel lavoro di tali maestri, come Y. Gossart, P. Cook Wang in Alst, Ya. Relorl, F. Floris, ecc. Sorprendentemente combinato il desiderio di idealizzazione, alle forme di plasticità italiana con un amore puramente olandese per i dettagli, la narrazione e naturalismo. Come è vero (V. Vlasov), l'imitazione dei romanzieri dei Paesi Bassi è stata in grado di superare solo il genio di Rubens - già nel XVII secolo.
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Il genere motivati \u200b\u200bgradualmente penetrava i gradimenti religiosi della pittura dei Paesi Bassi, come parte dello stile decorativo e raffinato dell'arte latamica, i dettagli concreti sono stati accumulati, gli accenti emotivi sono aumentati. Il ruolo di primo piano in questo processo è stato svolto in miniatura, ampiamente diffuso tra 13-15 secoli con i tribunali dell'aristocrazia francese e bordeaux, che ha raccolto i maestri di talento da workshop urbani intorno a loro. Tra questi, i Paesi Bassi hanno goduto di ampia fama (fratelli Limburg, Marshal Beadere). Carattere (più precisamente il libro degli orari - il genere di Praggiù, dove le preghiere dedicate a una certa ora sono situate per mesi) cominciarono a decorare scene di lavoro e intrattenimento in vari momenti dell'anno e dei rispettivi paesaggi. Con l'amore dei maestri catturato la loro bellezza intorno a loro, creando opere altamente artistiche, grazia colorata, eseguita (Torino-Milan Class 1400-1450). Nelle cronache storiche, le miniature raffiguranti eventi storici e ritratti sono apparsi. Nel XV secolo, la pittura ritratto si diffonde. Per il XVI secolo, la pittura domestica, il paesaggio, la natura morta, i dipinti su terreni mitologici e allegorici sono evidenziati in generi indipendenti.
Dalle anni '40 del XV secolo nella pittura dei Paesi Bassi, da un lato, elementi della narrativa, sull'altro - azione e umore drammatico. Con la distruzione dei legami patriarcali, cementando la vita di una società medievale, la sensazione di armonia, ordine e unità di pace e uomo scompare. Una persona è consapevole della sua importanza vitale indipendente, comincia a credere nella sua mente e nella sua volontà. La sua immagine nell'arte sta diventando sempre più singolarmente, si rivelando sentimenti e pensieri nascosti individualmente, in profondità, nascosti, la loro complessità. Si trasforma in un volto centrale di recitazione di scene di trama o un eroe di ritratti di macchine, proprietario di un'intelligenza sottile, una specie di spirito aristocratico. Allo stesso tempo, la persona scopre la sua solitudine, la tragedia della sua vita, il suo destino. Nel suo aspetto, l'allarme è iniziato, il pessimismo. Questo nuovo concetto di pace e uomo che non crede nella forza della felicità terrena, si rifletteva nell'arte tragica di Rogyr van der Vadena (circa il 1400-1464), nelle sue tele composite su grafici religiosi ("rimozione dalla croce" , Madrid, Prado) e meravigliosi ritratti psicologici, il cui più grande maestro era.
La sensazione di mistero e ansia, la sensazione del bellissimo, senza precedenti e profondamente tragico in tutti i giorni, determinano la creatività dell'artista di una personalità fortemente pronunciata ed esclusiva occhiali di Gogo Van Gus (1440-1482), l'autore di un potente, Affascinante il suo patetico umore e la forza plastica dell'altare Portinari (1476-1478, Firenze, Uffizi). Gus è stato il primo a creare un'immagine olistica di un'esistenza puramente terrena nella sua concretezza materiale. Tenendo interesse per la conoscenza della diversità della vita, si concentrò sull'uomo, la sua energia spirituale e forza, introdusse i tipi puramente folk nelle sue composizioni, il vero paesaggio, e nel suo suono emotivo. La tragedia del ministero era nascosta nella sua coraggiosa arte con l'approvazione del valore dell'esistenza della Terra, osservata dalle contraddizioni, ma degno ammirazione.
Nell'ultimo trimestre del XV secolo, viene attivata la vita artistica delle province settentrire (in particolare l'Olanda). Nell'arte del lavoro qui, gli artisti sono più forti del sud dei Paesi Bassi, c'è una connessione con credenze popolari, con il folclore, una brama di caratteristica, basso vicolo, brutto, alla satira sociale, vestita in un allegorico, religioso o il modulo di finzione scuro è espresso bruscamente.
Queste caratteristiche sono acutamente designate in imbosco di profondo pessimismo di pittura del appassionato accusatore di Bosch Jeronimus (circa 1450 - 1516), che ha scoperto il terribile regno del male nel mondo circostante del suo mondo, che aveva comprato i sapori di un pelo, impotente, montato nei peccati dell'umanità. Le tendenze moralificanti anticonforiche della sua creatività, un atteggiamento spietato nei confronti di una persona sono chiaramente espresse nell'immagine allegorica della "nave degli sciocchi" (Parigi, Louvre), monaci ridica. L'espressività delle immagini artistiche di Bosch, il suo lavoro di casa, la tendenza a Groutasca e Sarcazma nell'immagine della razza umana ha determinato l'impressionante forza delle sue opere, caratterizzata dalla raffinatezza e dalla perfezione della performance pittorica. L'arte di Bosch rifletteva il sentimento di crisi, che ha afferrato la società olandese nel contesto della crescita dei conflitti sociali della fine del XV secolo. In questo momento, le antiche città olandesi (Bruges, tenda da sole) associate allo stretto regolamento economico locale hanno perso il loro ex potere, la loro cultura è stata nutrita.
Diverso in relazioni etniche, economiche e politiche, parlato a vari avverbi di origine romanica e germanica, queste province e le loro città non creano un singolo stato nazionale fino alla fine del XVI secolo. Insieme al rapido sollevamento economico, il movimento democratico del libero scambio e le città artigianali e il risveglio della smorzamento nazionale fiorisce la cultura, in molti modi simili al revival italiano. I principali centri della nuova arte e cultura erano le ricche città delle province meridionali di Fiandre e Brabant (Bruges, Gand, Bruxelles, Turna, in seguito Anversa). La cultura della città Burgher con il suo culto della sobria praticità si è sviluppata qui accanto alla magnifica cultura del cortile principesco, è cresciuto sul suolo francese-bordeaux. Pertanto, non sorprende che il posto dominante tra le scuole d'arte dell'Europa settentrionale prendesse il minimo del XV secolo Hans, Jacques Daré, Gertgen che Sint-Jan e altri pittori (vedi ulteriormente il testo).
Caratteristiche dello sviluppo storico dei Paesi Bassi ha portato a un particolare colore dell'arte. Le fondamenta e le tradizioni feudali hanno perseguitato qui fino alla fine del XVI secolo, anche se l'emergere dell'atteggiamento capitalista che ha violato la chiusura della classe, ha portato a un cambiamento nella valutazione della persona umana in conformità con il posto reale, che ha iniziato a occupano nella vita. Le città olandesi non hanno vinto l'indipendenza politica che il Comune della città aveva in Italia. Allo stesso tempo, grazie al movimento costante del settore al villaggio, lo sviluppo capitalista sequestrato nei bacinioni più profondi della società, ponendo la fondazione per un'ulteriore unità nazionale e rafforzando lo spirito sociale che lega alcuni gruppi sociali tra loro. Il movimento della liberazione non era limitato alle città. La decisiva forza di combattimento era il contadini. La lotta contro il feudalesimo ora ha acquisito forme più acute. Alla fine del XVI secolo, ha rotto il possente movimento della Riforma e si è conclusa con la vittoria della rivoluzione borghese.
Paesi Bassi ha acquisito un carattere più democratico rispetto all'italiano. È caratteristiche forti del folclore, della fiction, della satira grottesca, acuta, ma la sua caratteristica principale è un profondo senso di nazionalità della vita, forme folk di cultura, vita, morale, tipi, così come la visualizzazione dei contrasti sociali nelle vite di vari settori della società. Le contraddizioni sociali della società, il regno di ostilità e violenza in esso, la diversità delle forze opposte ha aggravato la consapevolezza della sua disarmonia. Quindi le tendenze critiche del Rinascimento dei Paesi Bassi, manifestate nel periodo di massimo splendore dell'espressivo e talvolta tragico grottesco nell'arte e della letteratura, spesso nascondendo sotto la maschera delle battute "in modo che la verità dei re con un sorriso a parlare" (Erasmus Rotterdamsky. "Parola dell'ombra di sciocchezze"). Un'altra caratteristica della cultura artistica olandese del Rinascimento - la sostenibilità delle tradizioni medievali, che ha determinato la natura del realismo olandese di 15-16 secoli. Tutte le nuove persone hanno aperto per un lungo periodo di tempo, applicato al vecchio sistema di visione medievale, che limitava la capacità di sviluppare indipendentemente nuovi punti di vista, ma allo stesso tempo costretti ad assimilare gli elementi preziosi contenuti in questo sistema.
L'interesse per le scienze precise, l'antico patrimonio e la rinascita italiana si sono manifestati nei Paesi Bassi già nel XV secolo. Nel XVI secolo, con l'aiuto dei loro "detti" (1500), l'Erazm del Rotterdam "ha rotto il mistero" eruditi e introdusse la vita, eseguita dalla libertà e dall'antica saggezza nell'uso di ampi circoli di "non iniziato ". Tuttavia, nell'arte, riferendosi ai risultati dell'antico patrimonio e degli italiani del Rinascimento, gli artisti dei Paesi Bassi hanno camminato sulla loro strada. L'intuizione ha sostituito un approccio scientifico all'immagine della natura. Lo sviluppo dei principali problemi di arte realistica è lo sviluppo delle proporzioni della figura umana, la costruzione dello spazio, del volume, ecc. - È stata raggiunta dall'osservazione diretta acuta di specifici fenomeni individuali. In questo, i maghi dei Paesi Bassi provenivano dalla tradizione gotica nazionale, che, da un lato, furono superati, e d'altra parte, furono ripensanti e sviluppati verso la generalizzazione cosciente e propositiva dell'immagine, complicazioni delle caratteristiche individuali. I successi raggiunti dall'arte olandese in questa direzione hanno preparato i risultati del realismo del XVII secolo.
A differenza del italiano, l'arte olandese del Rinascimento non ha avuto l'approvazione del dominio infinito dell'immagine del perfetto uomo-titanio. Come nel Medioevo, una persona sembrava essere i Paesi Bassi una parte integrante dell'universo, tessuta nel suo complesso intero spiritualizzato. L'essenza rinascimentale di una persona è stata determinata solo dal fatto che è stato riconosciuto come il maggior valore tra più fenomeni dell'universo. Per l'arte olandese, una nuova visione realistica del mondo è caratterizzata, l'approvazione del valore artistico della realtà è così com'è, l'espressione della comunicazione organica di una persona e del suo ambiente circostante, comprensivo di tali capacità che la natura umana e la vita dà Nell'immagine di una persona, gli artisti sono interessati alla caratteristica e speciale, sfera della vita ordinaria e spirituale; Giustamente catturare i pittori dei Paesi Bassi del XV secolo dalla diversità degli individualità delle persone, l'inesauribile ricchezza colorata della natura, la sua diversità materiale, sentirsi delicatamente la poesia di tutti i giorni, invisibili, ma vicino alla persona delle cose, l'accogliente dell'oblio di gli interni. Queste caratteristiche della percezione del mondo si sono manifestate nella pittura olandese e nel grafico di 15 e 16 secoli nel genere domestico, ritratto, interno, paesaggio. Sono stati trovati tipici dell'amore olandese per i dettagli, specifiche della loro immagine, narrazione, sottigliezza nel trasferimento di stati d'animo e, allo stesso tempo, la sorprendente capacità di riprodurre un'immagine olistica dell'universo con la sua infinita spaziale.
Le nuove tendenze si manifestano in modo non uniforme in vari tipi di arte. Architettura e scultura fino al XVI secolo sviluppata come parte dello stile gotico. La frattura commessa nell'arte del primo terzo del XV secolo, la pittura più colpita. Il suo più grande risultato è associato all'emergere di un dipinto a macchina nell'Europa occidentale, che è venuto a sostituire i dipinti murali di chiese romantiche e vetrate gotiche. I dipinti della macchina su argomenti religiosi sono stati originariamente effettivamente lavori di pittura dell'icona. A forma di cartelle dipinte con vangeli e grafici biblici, hanno decorato gli altari delle chiese. A poco a poco, le composizioni dell'altare hanno iniziato a includere storie secolari, in seguito hanno ricevuto un significato indipendente. L'immagine di vetro separata dall'iconopus, trasformata in appartenenza integrale degli interni delle case ricche e aristocratiche.
Per gli artisti olandesi, il principale mezzo di espressività artistica - colore, che apre le possibilità di ricreare le immagini visive nella loro ricchezza colorata con la tangibilità limitante. I Paesi Bassi sono sfuggiti alle migliori differenze tra gli oggetti, riproducendo la consistenza dei materiali, gli effetti ottici - lucidatura del metallo, trasparenza di vetro, riflesso dello specchio, le caratteristiche della riflettanza della luce riflessa e sparsa, l'impressione dell'atmosfera dell'aria della distanza nella distanza dello scenario. Come nelle finestre di vetro macchiato gotiche, la cui tradizione ha svolto un ruolo importante nello sviluppo della percezione pittorica del mondo, il colore serviva come mezzo principale per trasmettere la saturazione emotiva dell'immagine. Lo sviluppo del realismo ha causato la transizione da tempera la pittura ad olio nei Paesi Bassi, che ha permesso la materialità del mondo in modo più illusivo.
Migliorare la tecnica del dipinto ad olio conosciuto nel Medioevo, lo sviluppo di nuove composizioni è attribuito a Jan Van Eyka. L'uso della pittura ad olio e delle sostanze resinose in pittura del cavalletto, sovrapponendolo con uno strato trasparente e sottile sulla schiumatura e il suolo di gesso bianco o rosso accentuato la saturazione, la profondità e la purezza dei colori vivaci, le funzionalità di pittura ampliata - permesso di raggiungere ricchezza e diversità , transizioni tonali più sottili. Pittura di pittura Yana Van Eyka e il suo metodo ha continuato a vivere quasi invariato in 15-16 secoli, nella pratica degli artisti d'Italia, Francia, Germania e altri paesi.