Arte decorativa e applicata nel XVIII secolo. Arti decorative e applicate del XVIII secolo decorativo applicato il 17 ° secolo

Nella seconda metà del XVIII secolo, l'arte applicata russa ha raggiunto un sollevamento significativo. Questo è stato facilitato dallo sviluppo dell'economia, del commercio, della scienza e della tecnologia e del considerevole grado di stretti legami con architettura e arte visiva. Il numero di grandi e piccole fabbriche, piante, workshop, tessuti di produzione, vetro, porcellana, mobili crescevano. I proprietari terrieri nelle loro proprietà hanno organizzato vari workshop basati sul lavoro di fortezza.

Le idee umanistiche dell'illuminazione sono state particolarmente riflesse nell'arte applicata del tardo XVIII secolo. I maestri di questo tempo hanno distinto l'attenzione sui gusti personali e sui bisogni umani, cerca convenienza nell'ambiente.

Nuovo stile - classicismo russo - alla svolta del 1770-1780, dichiarato in tutti i tipi di arte applicata. Architetti M. F. Kazakov, I. E. Storov, D. Kaprengeny, Ch. Cameron, A. N. Voronikhin ha creato interni nello spirito della nobile semplicità e moderazione con una parte chiara delle parti, con una disposizione costruttivamente giustificata di arredamento architettonico sia plastico che pittoresco.

Negli stessi principi, mobili, candelabri, lampadari sono stati progettati per locali del palazzo. Nell'ornamare di mobili, piatti, tessuti costruiti in un ritmo limpido, appaiono motivi antichi - Akant, Meander, Ioniki, fiori vivili, ghirlande, immagini di amari, sfingi. Doratura, la combinazione di colori divenne più morbida e mantenuta che nel mezzo del XVIII secolo.

Alla fine del XVIII secolo, la passione per l'antichità fatta per rifiutare anche da un completo complesso e lussureggiante. Abiti gratis leggeri con pieghe fluenti, con una cintura alta sul modo antico (V. L. Borovikovsky. "Ritratto di M. I. Lopukhina". 1797).

La sintesi delle arti del classicismo russo si basa sul principio di una combinazione armoniosa di tutti i tipi di arti.

Mobilia. Durante il periodo del classicismo, la sua forma è semplice, equilibrata, chiaramente costruita, i ritmi sono calmi. I contorni hanno ancora mantenuto della morbidezza, nella rotondità, ma le linee verticali e orizzontali sono già state distinte. Le decorazioni (in basso intaglio, pittura, bronzo e fodera in ottone) hanno sottolineato l'espressività delle strutture. Preoccupazioni più manifestate sulla convenienza. Per le stanze anteriori di vari scopi, set e cuffie sono stati progettati: un soggiorno, un armadietto, una camera da letto anteriore, una sala. Nuove forme di mobili sono sorti: tavoli per gioco di carte, cucito, tavoli portatili leggeri (con un coperchio sotto forma di Bob), vari tipi di cassettiera. Sono stati ottenuti i divani, e nei mobili dell'armadio, i segretari, un ufficio con un coperchio circolare cilindrico.

Come nei periodi precedenti, i mobili russi rispetto al massiccio occidentale sono generalizzati, più facili dettagliatamente. Il materiale per esso servito da specie locali di legno - Linden, betulla (con doratura e colorazione in toni chiari), dado, rovere, pioppo, cenere, pera, rovere noioso. Alla fine del XVIII secolo cominciarono a utilizzare la betulla kareliana e il colore brillante di mogano, amaranto, rospera e altre razze. I maestri sono stati in grado di mostrare la loro bellezza, struttura, colore, lucentezza, abilmente sottolineati dalla lucidatura.

Grandi risultati Russian Masters hanno raggiunto un set di (intarsio). La sua essenza è nella compilazione di vernici ornamentali non colorate (di solito secondo incisioni) sulla superficie degli oggetti in legno. Questo tipo di lavoro è noto non solo per i mobili metropolitani di cortetteria, ma anche dagli ex Serfs che lavoravano a Mosca e nella regione di Mosca: Nikifora Vasilyeva (Il. 78), Matteo Veretennikova e Maestri senza nome TRVER, Arkhangelsk, che mettono in un set di osso walrucbile. I campioni di scultura di alta arte dei mobili del Palazzo di Ostankinsky appartengono alla fortezza Ivan Mochiline, Gavrile Ninku e altri. A St. Pietroburgo, i mobili e il lavoro scolpito dei maestri di Ohta, tradotto nella capitale da diversi posti, erano famosi per Pietro I. L'aspetto artistico dei mobili ha completato la tappezzeria con sete a motivi, velluto, setacci stampati, tessuti di biancheria, armonizzato con la decorazione delle pareti.

Tessuti. Di tutte le industrie nella seconda metà del XVIII secolo, tessile (Mosca, Ivanovo, Yaroslavl, provincia di Vladimir) è stata sviluppata con successo. Il suo ascensore è stato determinato non solo grandi manifatture, ma anche piccole imprese contadine. La perfezione speciale ha raggiunto un master in nuovi tessuti di biancheria a motivi con tessi complessi, con il gioco delle sfumature naturali di lino bianco argento-bianco. Qui, le tradizioni della tessitura contadina, una profonda comprensione del materiale. La massiccia foca e incidente a buon mercato è stata prodotta. Qualità decorative significativamente migliorate di tessuti colorati e tessuti di lana.

La produzione di tessuti di seta per abiti e tessuti ornamentali, sciarpe, nastri (IL 80) è stato rapidamente sviluppato. Alla fine del XVIII secolo, non hanno inferiori in qualità francese - il meglio in Europa. Le persone estese russe hanno imparato ad applicare una varietà di fili, la tessitura più complessa, simile a ricamo. Tecniche composite, la ricchezza della tavolozza in tessuti decorativi ha raggiunto il trasferimento dello spazio, la sottigliezza delle transizioni del tono, la precisione del colore dei colori, degli uccelli, dei paesaggi. Tali tessuti sono stati usati nella finitura dei palazzi, inviato come regali all'estero.

Nei tessuti per gli abiti, specialmente nei tessuti sarafiniti, fino ai 1780 - 1790, modelli di ghirlande complesse, floreali ondulate, nastri, perline furono utilizzate. Ma gradualmente le ghirlande furono sostituite dalle band, i modelli divennero più facili, i loro ritmi sono più liscianti, lo schema dei colori è più leggero, più morbido.

Nel 1750-1760 a San Pietroburgo e in seguito a Mosca, a p. Ivanovo (ora G. Ivanovo) ha sviluppato la produzione di setacci (tessuto di cotone con motivo stampato con crema pasticcera, vernici non relittiche e tappeti successivi). Nei modelli dei siti del Maestro, in particolare Ivanovo, i motivi dei tessuti di seta erano peculiari. Sulla base dell'audit popolare, hanno combinato un succoso punto pittoresco e un taglio grafico (contorni del modello, griglia, punto di sfondo). Innanzitutto, i siedi erano molto costosi. Alla fine del XVIII secolo cominciarono a produrre le loro varietà economiche.

Porcellana. Alla fine del XVIII secolo, la porcellana russa diventa una delle migliori in Europa. Ha lavorato con successo una fabbrica di porcellana statale a St. Petersburg. I suoi prodotti erano diversi bianchezza di una leggera tonalità calda, glassa lucida, alta qualità tecnica. Forme di piatti, Vaz, il loro dipinto non era inferiore a Western.

Crea il più significativo delle impostazioni - Arabesque per ricevimenti giudiziari (1784, IL. 77). La decorazione del desktop di questo servizio da nove sculture allegoriche glorifica l'adesione della Georgia e della Crimea, le "virtù" Catherine II (Scultore J. D. RASS). È dominato dalle pose tranquille, caratteristiche di doratura leggera della fine del XVIII secolo, rigorose sulle proporzioni della forma di piatti di servizio con pittura sotto forma di arabesque, a base di ornamenti antichi.

Negli anni '80, vengono create una serie di sculture "Popoli della Russia" (lavorazione creativa delle incisioni) - Decorative brillantemente, con immagini caratteristiche - rappresentanti di individui (yakut, samoiedo, tatar). Figure scultorei dei venditori ambulanti, gli artigiani mostrati in movimento sono stati prodotti. Scultura in porcellana per molti decenni diventa la decorazione preferita degli interni nobili.

Delle fabbriche di porcellana privata, Franz Gardner (1765) (p. Verbilki vicino a Mosca) è più praticabile. Già alla fine del XVIII secolo, serve per la casa reale con l'uso originale degli ordini russi nei dipinti. Piatti in porcellana piuttosto economici, caratterizzati dalla semplicità delle forme, succosa pittura floreale vicino alle tradizioni popolari, ha avuto successo nella capitale e nella provincia (IL 79).

Bicchiere. Genuina gloria al vetro russo dell'ultimo terzo del XVIII secolo porta il vetro colorato. M. V. Lomonosov Lavora sulla teoria del colore e della tecnologia degli occhiali colorati hanno aperto nuovi modi per i glassmodi russi, arricchiti la tavolozza di vetro, rianimò il mosaico russo. Organizzato nel villaggio di Ust-Rutica della provincia di San Pietroburgo una fabbrica per la produzione di smalt, perline e bicchieri. Maestri della pianta statale a San Pietroburgo Druzhinin e Kirillov hanno avuto luogo la formazione di vetro colorato con Lomonosov. La pianta maestra la produzione di un bicchiere di toni profondi e puliti - blu, viola, rosa-rosso, verde smeraldo. Ora nella sua produzione non è più inciso il cristallo, ma un vetro colorato sottile e incolore. Bicchieri da vino, occhiali, decantatori ottengono forme lisce, in cui Tulovo entrano senza intoppi nella gamba, creando contorni morbidi ed eleganti. Murali con ghirlande d'oro e argento, archi, stelle, monogrammi sono calmi dal ritmo, enfatizzano volumi di plastica delle navi.

Il cosiddetto vetro bianco-bianco (tazze, decantatori, articoli della Chiesa) sono prodotti, simile all'aspetto e alle caratteristiche dei dipinti più costosi porcellane.

Alla fine del XVIII secolo, piante di vetro privato di Bakhmetyev nella provincia della Penza, Maltsev in Vladimir e Protokers Oryol e molti altri si stanno sviluppando e raggiunti. Il loro vetro colorato e colorato, il cristallo si è diffuso in tutta la Russia.

Opera d'arte in metallo. Il periodo di tiro dei gioielli in Russia arriva a metà del XVIII secolo e continua per tutto il secolo. Ha materiali artistici di bellezza straordinaria: questi sono diamanti, smeraldi, zaffiri e altre pietre preziose e semipreziose, smalti scenici, metalli non ferrosi (oro, argento, platino, leghe). L'arte delle pietre tagliate raggiunge un alto grado di perfezione. Per rafforzare il gioco di pietra, i gioiellieri trovano una varietà di artistiche e tecniche di montaggio, parti mobili di fissaggio. Artisti di gioielli Creare forme stravaganti, decorazioni multicolari: orecchini, anelli, togneer, fibbia per scarpe, pulsanti per costumi lussuosi sia maschi che femmina.

Nell'ultimo terzo del XVIII secolo, le forme di gioielli acquisiscono il saldo, la gamma di colori di pietre preziose diventa più severa.

Durante questo periodo, i Master of Silver Business raggiungono un grande successo. In conformità con i nuovi sapori della forma di impostazioni d'argento, semplici e rosari. Sono decorati con flauti, ornamenti antichi. Su occhiali d'argento, i maestri Tabakerki del Grande Ustyug si riproducono con l'immagine di una scena antica, vittorie di truppe russe.

Fenomeno eccezionale nell'arte applicata del XVIII secolo - Articoli artistici in acciaio dei maestri di Tula: mobili, casket, candelabri, pulsanti, fibbie, tobacker. L'effetto decorativo delle sue opere costruiscono sull'opposizione per lisciare l'acciaio leggero e le decorazioni sotto forma di pezzi sfaccettati, frizzanti come diamanti. I maestri utilizzano vincolanti (trattamento termico in montagna a temperature diverse) del metallo, che dà varie sfumature - verde, blu, viola, da spessa alle fiamme. Le tradizioni dell'arte folk influenzano l'amore del colore brillante, in una profonda comprensione del materiale.

Pietra colorata Nella seconda metà del XVIII secolo, depositi di marmi, orlet rosa-ciliegio negli Urali, Yasme, Busticolor Yasme, Staffa PORECH, Porphyirov Altai, Bay Baikal Lazurites si aprono. Oltre a Peterhof (1722-1723) e Ekaterinburg (inizio del 1730), nel cuore stesso dell'Altai inizia a lavorare nel 1787, la fabbrica locale (dal 1802 sostituisce il Kolyvan). Ci sono ampie possibilità per l'utilizzo di pietra colorata nel traguardo e nella decorazione delle opere monumentali e decorative degli interni del Palazzo.

La capacità di identificare la qualità del materiale estetico del materiale ha sempre distinto i maestri russi, ma era particolarmente espresso in modo luminoso nell'arte di pietra. Lavorando ai progetti di architetti, Kamnerase rivelano artisticamente la favolosa bellezza della pietra, il suo modello naturale, le straordinarie sfumature di colore, brillare, migliorandole con un'eccellente lucidatura. Bronzo dorato sotto forma di una maniglia, quali sonde completano solo, enfatizza il modulo. Progetti per prodotti clinker, Obeliskov, VAZ, basati su forme antiche, creato i quarti, Voronikhin.

Il fiorente arti applicato russo del XVIII secolo è stato associato al lavoro degli architetti di Kazakov, Starov, Kaprengeny, Cameron, Voronikhina e una serie di artisti popolari formati. Ma la sua genuina gloria è stata creata per la maggior parte dei loro restanti maestri di fortezza senza riservi - produttori di mobili, intagliatori, wealne, allevatori di pietra, gioiellieri, glasswer, ceramisti.

La storia della Russia del tardo XVII - il primo trimestre del XVIII secolo è inseparabile per conto di uno dei più grandi politici della Russia - Pietro I. Innovazioni significative invadono questa volta non solo nel campo della cultura e dell'arte, ma anche nell'industria - Metallurgia, Costruzione navale, ecc. L'inizio del XVIII secolo, i primi meccanismi e le macchine per la lavorazione dei metalli appaiono. Molto in questa zona è realizzato con meccanica russa Narla, Sinnin, Dogian, ecc.

Allo stesso tempo, le basi del sistema di stato dell'istruzione generale e speciale sono posate. Nel 1725 è stabilita l'Accademia delle Scienze, in cui offre la separazione degli artigianato artigianato.

A. Narov.Tornio. Era di Petrovskaya. XVIII secolo.

Nel XVIII secolo, sono formati nuovi principi di architettura e pianificazione urbana. Questo periodo è segnato con un rafforzamento degli articoli delle caratteristiche caratteristiche del barocco europeo occidentale (Holland, Inghilterra).

Come risultato delle imprese di Pietro I, i prodotti delle forme tradizionalmente russe scompaiono rapidamente dalla vita reale e aristocratica del Palazzo, mentre persistono ancora nelle abitazioni della massa della popolazione rurale e urbana, così come in uso della chiesa. Fu nel primo trimestre del XVIII secolo che è prevista una differenza significativa nello stile dello sviluppo, che è rimasta per molta caratteristica di creatività professionale e campi artistici folk. In quest'ultimo, le antiche tradizioni di età del russo, ucraino, estone, ecc. Di arte applicata sono sviluppate direttamente e sviluppate in modo organico.

Le norme della vita nobile richiedono una dimostrazione di ricchezza, raffinatezza e lucentezza nella vita della persona riservata. Le forme della vecchia vita, tra cui Petrovsky (anche un business, severa), a metà del XVIII secolo sono infine sfollate. Le posizioni dominanti in arte russa prendono il cosiddetto stile rococò, ha completato logicamente le tendenze del tardo barocco. Interni parate di questo tempo, ad esempio, alcuni locali dei palazzi Peterhof e Tsarskoral, quasi completamente decorati con fili di accoppiamento.

Caratteristiche generali dell'orlo di rockey (linee curve, layout abbondante e asimmetrico di stilizzato o vicino alla natura, foglie, conchiglie, occhi, ecc.) Sono completamente riprodotte in architettura russa e mobili di quel tempo, ceramica, abbigliamento, carattere, armi da parata e T. D. Ma lo sviluppo dell'arte applicata russa è ancora andato su un percorso molto indipendente. Nonostante la somiglianza incondizionata delle forme dei propri prodotti con l'Europa occidentale, non è difficile notare le differenze tra loro. Quindi, ma rispetto ai francesi, i prodotti dei mobili russi hanno forme molto più strette e più morbide lungo i contorni, il disegno. I Maestri hanno ancora tenuto le abilità del filo folk, più grandi e generalizzate che in ovest. Non meno caratteristiche policromicità dei prodotti russi e una combinazione di doratura con pittura, trovata raramente in Francia, e in Russia accettata ovunque.

Dall'età degli anni '60 del XVIII secolo, la transizione al classicismo con le sue forme concrete e rigide che affronta l'antichità e segnato da un alto contenimento inizia nell'architettura russa. Lo stesso processo avviene nell'arte applicata.

Nella pianificazione, attrezzature e decorazione di palazzi e palazzi urbani (architetti di Kokorinov, Bazhenov, Kaprengy, Starov, ecc.), La chiara simmetria appare proporzionale alla chiarezza. Le pareti dei locali (tra le finestre o opposte) sono nascoste da specchi e pannelli realizzati con valvole di seta, tessuti decorativi in \u200b\u200bcotone, panno.

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Divano - stile rococò. Russia (frammento). Mid XVIII secolo.

Sedia in stile classicismo. Russia. La seconda metà del XVIII secolo.

I pavimenti sono reclutati dal legno di varie razze, e talvolta serrati con tela o stoffa; I soffitti sono descritti (ad esempio, una tecnica Griezaile che imita la modellazione goffrata). Invece di un set di parquet, i militanti abeti "sotto la cera" sono usati i pavimenti. Le pareti e i soffitti sono spesso sopraffatti di stoffa o superati con carta da parati. Se le imponenti taglie di caminetti in marmo sono disposti nei locali anteriori, poi le fornaci più tradizionali sui divani o sulle gambe rivestite con piastrelle sono elevate in camere intime. La differenza nelle lampade è notevole: nelle sale - sono gioielli e costosi lampadari, candelabri, applique, nel resto - portacandele e lampade significativamente più modeste. Ancora più contrasto nelle forme dei mobili anteriori e domestici. Tutto ciò dice non tanto del desiderio dei proprietari dei palazzi e delle dimore per risparmiare, quanto riguarda la contabilità dell'ambiente oggettivo come un fattore importante dell'atmosfera psicologicamente rilevante.

La maggior parte dei mobili e una serie di altri prodotti alla fine della XVIII, la prima metà del XIX secolo non erano costantemente necessarie; In assenza di necessità, sono stati puliti, o sono stati trasferiti a parti inattive dei locali. I mobili per i posti a sedere devono aver funzionato. Allo stesso modo, un grande sviluppo è stato ottenuto da mobili trasformabili con un piano di lavoro - tavoli da tè e card, un tavolo da pranzo pieghevole, una tavola artigianale, un tavolo artigianale, un sistema di diversioni che si adattano sotto gli altri tavoli e altri. Tutto ciò ha aumentato significativamente il Comfort della vita, la sottile differenziazione del suo supporto funzionale e una varietà di locali in varie situazioni quotidiane. Allo stesso tempo, sono stati evidenziati un certo numero di processi familiari, tenuti nella calda stagione fuori dall'edificio - sulla terrazza e nel parco. Di conseguenza, i nuovi tipi di prodotti sono distribuiti - mobili da giardinaggio, tende da giardino, lampade a ombrellone, lampade del parco, ecc. Nel XVIII secolo, i serbs sono organizzati da Serfs, producendo feste abbastanza grandi di mobili, porcellane, palazzi e altri prodotti.

Alla fine del XVIII secolo, il ramo della progettazione di prodotti (mobili, lampade, ore, involucri e altri mobili, apparecchi, orologi, twer, ecc. E altri oggetti della decorazione) sono già stati significativamente influenzati nell'attrezzatura di grandi palazzi. Il ruolo dei progettisti è per lo più architetti e artisti professionali. Nella produzione di prodotti al mercato di massa, vengono utilizzate macchine e metodi meccanici di materiali di lavorazione, trasformando l'ingegnere nella principale figura di produzione. Ciò porta alla distorsione e alla perdita di prodotti invocati di qualità altamente estetici, alla separazione dell'industria dall'art. Questa tendenza era naturale nelle condizioni dello sviluppo capitalista della società e uno dei principali XIX secolo.

Nel corso dello sviluppo intensivo delle relazioni capitaliste in Russia del XIX secolo, aumenta la capacità di produzione industriale. A metà del XIX secolo, la necessità di personale artisticamente professionale di prodotti e maestri è già in terribile. Le istituzioni educative specializzate a Mosca (grafico Stroganova) e San Pietroburgo (Baron Stiglitz) si stanno aprirono per prepararsi. Il loro nome è "Scuola di disegno tecnico" - indica l'aspetto dell'artista di un nuovo tipo. Dal 1860, sarà sviluppata una speciale formazione artigianale di artisti. Sono disponibili molti libri sulla tecnologia della lavorazione dei vari materiali: legno, bronzo, ferro da stiro, oro, ecc. Esci cataloghi commerciali, ha sostituito la rivista di negozi economici precedentemente pubblicati. Dalla metà del XIX secolo, si formano scienze associate alle questioni dell'igiene del lavoro e all'uso degli oggetti della vita. Tuttavia, in tutto il XIX secolo, tutti i prodotti della fabbrica di massa nelle relazioni artistiche rimangono completamente subordinati alla predominanza pertinente della bellezza come un design decorativo e ornamentale di prodotti. La conseguenza di ciò è stato introdotto nella forma della maggior parte dei prodotti degli elementi di stile del classicismo: complessi completi del profilo, colonne del profilo, prese, ghirlande, ornamentali per motivi antichi, ecc. In alcuni casi, questi elementi sono stati introdotti nelle forme di anche attrezzature industriali - macchine.

Nello stile di sviluppo dell'arte applicata e dei prodotti per la casa nel XIX secolo, tre periodi principali sono cronologicamente distinti: la continuazione delle tendenze del classicismo nel corso del cosiddetto ampir (primo trimestre di un secolo); Late classicismo (circa 1830-1860) ed eclettismo (dopo il 1860).

Il primo trimestre del XIX secolo è stato segnato dall'ascensore generale dell'ambito ideologico e dell'edilizia nell'architettura russa, che ha causato un significativo revival nell'arte applicata.

Sedia in stile impero. Il primo quarto del X1x secolo.

La vittoria della guerra del 1812 accelera in una certa misura e completa il processo di formazione della cultura nazionale russa, acquisendo importanza paneuropea. L'attività degli architetti più famosi - Voronikhina, Kvarengi, Kazakov, strettamente associati al classicismo del Poro precedente, è solo per il primo decennio del secolo. La Pleiad di tali meravigliosi maestri, come Rossi, Stasov, Grigoriev, in fiocco, che ha portato nuove idee all'arte russa, una nuova idea all'arte russa, viene spostato.

La situazione e la monumentalità sono caratteristiche di architettura e forme di varie materie dell'ascensore dello stile AMPIR. In quest'ultimo, i motivi decorativi cambiano marcatamente, e la loro tipologia si sta espandendo a causa dell'uso di simboli decorativi dell'antico Egitto e di Roma - Griffins, sfingi, fascia, attributi militari ("trofei"), inviati da ghirlande, ecc. Rispetto a I campioni del classicismo precoce in generale il numero di decorazioni, il suo "peso visivo" nella soluzione compositiva dei prodotti aumenta. La monumentale, a volte, come se le forme di taglio, si verificano a causa della maggiore generalizzazione e della geometricità dei motivi ornamentali classici - estremità, ghirlande, lira, armatura, ecc., Che sono sempre più rimossi dalle loro reali pre-conversazioni. Pittoresco (scene, paesaggi, mazzi) dipinti oggetti di pittura quasi completamente scompare. L'ornamento si sforza per una macchia, contorno, appligenza. I prodotti nella maggior parte, in particolare i mobili, diventano grandi, massicci, ma una varietà di configurazione generale, silhouette. Il peso di un ampiente negli articoli del mobile scompare quasi negli anni '30.

Dal mezzo della XIX, nuove ricerche nel campo dell'architettura, della creatività applicata e industriale iniziano.

La direzione artistica paneuropea, che ha ricevuto il nome "Biedermeyer", denominato borghese di uno dei personaggi dello scrittore tedesco L. Eichrodta (il lavoro è stato pubblicato negli anni '70) con il suo comfort ideale, Intima.

Produzione di fabbrica di ferro. Russia. La seconda metà del X1x secolo.

Nella seconda metà del XIX secolo, c'è un ulteriore spostamento del lavoro manuale dalla produzione di prodotti utilitaristici. Per secoli, i metodi di piegatura e le tecniche delle loro decisioni, i principi della formazione entrano in conflitto con nuove tendenze economiche della massa e della redditività della produzione di cose sul mercato. La reazione alla situazione che cambia è doppia. Alcuni maestri sono la maggior parte dei loro compromessi. Considerando un'occhiata tradizionale infrangibile a tutte le cose familiari come una questione di arte decorativa e applicata, iniziano ad irrigare i motivi ornamentali del classicismo a macchina e tecnologie seriali. Appaiono i tipi di prodotti "efficaci" di prodotti decorativi e finiture. Torna negli anni 1830, in Inghilterra, Henry Kul mette in avanti uno slogan riformista esternamente per decorare prodotti di fabbrica con elementi "dal mondo delle arti del mondo". Molti industrialisti raccolgono volentieri lo slogan, cercando di massimizzare l'uso dell'attacco di massa del consumatore a forme ornamentalmente arricchite e arricchite esternamente di arredi per la casa.

Altri teorici e pratiche di arte applicata (D. Reskin, W. Morris), al contrario, sono offerte per organizzare un settore boicottante. Il loro credo è la purezza delle tradizioni del mestiere medievale.

Nei paesi dell'Europa occidentale e in Russia, attirano per la prima volta l'attenzione dei teorici e degli artisti professionisti, dell'artigianato dell'artigianato e dei maestri, nel cui lavoro le tradizioni folk profonde sono ancora conservate. In Russia, le fiere Nizhny Novgorod del 1870-1890 dimostrano la redditività di queste tradizioni nelle nuove condizioni. Molti artisti professionisti - V. Vasnetsov, M. Vrubel, E. Polenova, K. Korovin, N. Roerich, et al. - entusiasmo di appello alle origini folk dell'arte decorativa. In vari campi e province della Russia, in cittadini come Pskov, Voronezh, Tambov, Mosca, Kamenets-Podolsk, ecc., I mestieri sorgono, la base dei quali si basa il lavoro manuale. I laboratori a Abramtsov vicino a Mosca, a Talashkin vicino a Smolensk, l'impresa P. Valinin vicino a San Pietroburgo, l'Arte di ceramica "Murava" a San Pietroburgo, era particolarmente importante per la rinascita dei fritti creativi.

Samovar. XIX secolo.

Russia. Seconda metà

Pompa industriale. XIX secolo.

Tuttavia, i prodotti di tutti questi workshop costituivano una parte così piccola del consumo generale, che non poteva essere notevolmente influenzato dai prodotti di massa, sebbene dimostrino la legittimità dell'esistenza insieme alla produzione di macchine di massa di cose della creatività decorativa, che memorizza le tradizioni folk . In futuro, ciò è stato confermato l'invasione di macchinari in tali aree di arte decorativa e applicata, come gioielli (bijouterie), tappeti, sartoria, che ha portato a una forte calo della loro qualità artistica.

Nelle forme della massa principale dei prodotti della seconda metà del XIX secolo, nulla di nuovo non è ancora stato sviluppato. Tuttavia, la novità della situazione più generale già in questo momento contribuisce all'aggiunta di prerequisiti interni per la coscienza di ricerca innovativa delle ricerche di stile come una necessità creativa importante, come manifestazioni della personalità artistica del Maestro. Se lo stile delle direzioni stilistiche (Gothic, il Rinascimento, il barocco, l'era classicism) è nato e ha ricevuto la distribuzione, di norma, a causa del generale, quasi "globale", le tendenze cristallizzate spontanee dello sviluppo estetico del mondo, quindi Dal mezzo dell'originalità dello stile del XIX secolo è considerata un conseguimento creativo diretto di un artista separato, architetto. A questo proposito, l'interesse per l'eredità dell'arte di tutti i tempi e dei popoli è attivato bruscamente. Questa eredità più ricca diventa fonte di imitazione, prestito diretto o sottoposto a bizzarra elaborazione creativa.

Tavolo con sedia in stile moderno. Fine del XIX secolo.

Di conseguenza, la maggior parte dei prodotti è un'immagine insolitamente un'immagine di una scadenza, che lamontano chiaramente, quindi intima la remissione dell'antichità, l'epoca romantica, il rinascita gotica, italiana o francese, l'arte di Byzantium e l'antica russia, barocco, ecc., Spesso ecletticamente mescolato nella registrazione di un prodotto, interno, edifici. Pertanto, questo periodo nella storia dell'architettura e dell'arte applicata ha ricevuto il nome di Eclettico. Prodotti (lampade, secchi metallici, trogoli, piatti, sgabelli, ecc.) Stanno iniziando ad essere introdotti nella vita delle persone, e più di qualsiasi obiettivo artistico, spesso in brutti forme e scarsa qualità.

La ricerca di un nuovo stile si basa sulla reale necessità nelle condizioni della produzione della macchina, un approccio fondamentalmente nuovo alla formazione di prodotti, da un lato, e la conservazione delle tradizioni decorative del passato - sull'altro. La borghesia che si è svolta alla fine delle forti posizioni del XIX secolo nell'economia russa, ha cercato la propria ideologia artistica in architettura e design - il culto della libertà razionale e relativa dagli arcaismi della cultura nobile, incoraggiando nell'arte, tutto ciò potrebbe discutere con gli stili del passato. Così alla fine del XIX secolo, lo stile moderno è stata "nuova arte" in Belgio, Gran Bretagna e negli Stati Uniti, "YighdStil" in Germania, "Steetà Style" in Austria, "stile libero" in Italia. Il nome di esso è "moderno" (da p. Moderne) significava "nuovo, moderno" - dal lat. Modo - "Solo, di recente." Nella sua forma pura, sbiadendo e mescolando con altre correnti di stile, è durato relativamente lungo, circa il 1920, cioè circa 20-25 anni, come quasi tutte le direzioni di stile dei secoli XVII-XX.

Il moderno è diverso in paesi diversi e nel lavoro dei singoli maestri, che complica la comprensione dei compiti esitatiti. Tuttavia, l'eradicazione quasi completa di tutti i motivi e le tecniche decorativi e ornamentali precedentemente utilizzati sono stati caratterizzati, i loro aggiornamenti indigeni. Grondati tradizionali, prese, capitali, fluti, cinture della "onda in arrivo" e così via. Sostituito con piante stilizzate di crescita locale (gigli, iris, garofani, ecc.), Teste da donna con lunghi capelli ricci, ecc. Spesso la decorazione è assente a tutti e l'effetto artistico è raggiunto dall'eprezzo della silhouette, dalla forma, le linee, di regola, sono sotterraneamente verniciate, come se fosse liberamente attuale, pulsante. Nelle forme di prodotti moderni, qualche volontà frenetica dell'artista, la stringa a tensione strettamente tesa, l'esagerazione delle proporzioni è quasi sempre evidente. In manifestazioni estreme, tutto ciò è nettamente aggravato, elevato in linea di principio. A volte c'è una negligenza della logica costruttiva della forma, quasi una passione di boutoform per il lato spettacolare del problema, specialmente per risolvere gli interni, spesso efficacemente teatrhylic.

Con tutte le debolezze - stripping, a volte forme all'uncinetti, c'era un nuovo approccio alla soluzione dell'edificio, interno, la situazione con la logicità della soluzione funzionale, costruttiva e tecnologica.

Candeliere di stile moderno. L'inizio del ventesimo secolo

Set di piatti. La fine del X1x secolo.

Tabella del water della modalità di modernità. Inizia il XX secolo.

Moderno nella parte travolgente dei suoi campioni non ha rifiutato di decorare prodotti e sostituirono solo vecchi motivi decorativi e tecniche con nuove. Già all'inizio del 20 ° secolo, al momento dei trionfi di un nuovo stile, ancora, lei prima, e poi la moda alla moda per i vecchi stili è ampiamente restituita, che aveva una famosa connessione con la preparazione per la celebrazione del centro Giubileo della guerra patriottica del 1812. La mostra "Arte contemporanea", organizzata a San Pietroburgo nel 1903, ha chiaramente mostrato la nascita del "classico Moda Modern".

I risultati della modernità sono complessi. Questa purificazione dell'arte applicata e dall'eclettismo, e da "antimashinismo" delle camere d'artigianato delle camere e dai tentativi falliti di ripristinare gli stili del passato. Questo è il primo sintomo della produzione di architettura e arte applicata sul percorso di funzionalismo e costruttivismo, sul percorso del design moderno. Allo stesso tempo, troverò presto la tendenza della nazionalizzazione dello stile, moderno ha causato una nuova ondata di ricerca puramente decorativa. Molti pittori (S. Malyutin, V. Vasnetsov, A. Benua, S. Golovin, ecc.) Sono applicati all'arte applicata e all'interior design, a S. Golovin, e altri), a "Gingerbread", ecc. In futuro , Soluzioni ai problemi attuali della produzione industriale di massa, tali esperimenti non potevano avere un serio significato ideologico e artistico, sebbene abbiano dato un impulso allo sviluppo di un altro ramo di artigianato artistico applicato e particolarmente teatrale e scenografico.

Moderno, così com'era, cancellato e ha preparato la strada all'approvazione nell'arte di creare famiglie di nuovi principi estetici e creativi, accelerarono l'emergere di una nuova professione artistica - design artistico (design).

La registrazione del funzionalismo e del costruttivismo in direzioni speciali nell'architettura e la progettazione artistica dei paesi occidentali avvenne alla fine degli anni '10 a causa della stabilizzazione della vita e del successo dell'economia dopo la prima guerra mondiale. Ma i principi fondamentali della nuova architettura moderna sono stati determinati nel periodo prebellico nel lavoro di tali architetti, come T. Garnier e O. Perre (Francia), X. Bergrand (Olanda), A. LOOS (AUSTRIA), P. Berens (Germania), F. Wright (USA), I. Shechtel, I. Reberg (Russia), ecc. Ognuno di loro supera l'impatto del moderno e combattuto.

Nel 1918, il Dipartimento di Narkompros è formato da modalità speciali sulle questioni di architettura e industria dell'arte. L'attenzione seria è versata alla formazione degli specialisti. Nel 1920, V.I. Lenin ha firmato un decreto sulla creazione del più alto stato statale e laboratori tecnici (vHutemas). Laureati creati nuovi campioni di tessuti, mobili, piatti, ecc.

Formazione in workshop (nel 1927, l'Istituto Art-tecnico di All-Union è stato trasformato in Vhutein), condotto alle facoltà: architettonico, ceramica, tessile, ecc. Alla facoltà di legno e lavorazione dei metalli sotto la direzione di A. Rodchenko, . Lisitsky, V. Tatlin e altri maestri stavano cercando nuove forme e disegni di vari articoli. Tutte le attività di Vhowemas erano finalizzate alla formazione di studenti negli studenti in un approccio globale alla progettazione dell'ambiente oggettivo e produzione.

Negli anni '20, il flusso di "arte industriale", che ha sviluppato i principi del funzionalismo e del costruttivismo, sforzandosi di approvare l'ideale estetico di produzione materiale organizzato razionalmente nella coscienza degli artisti. Eventuali precedenti forme d'arte sono state annunciate dagli "industriali" borghesi, inaccettabili per il proletariato. Da qui, i rifiuti di loro non solo "praticamente inutili" sono le arti visive, ma anche l'intera creatività puramente decorativa, ad esempio i gioielli. Negli anni '20, le condizioni tecniche ed economiche per la realizzazione delle loro idee non sono ancora maturate.

Vhutemas e "produzione" degli anni '20 erano ideologici ed esteticamente erano strettamente correlati a Bauhauz e in una serie di punti importanti rappresentati con lui essenzialmente un corso comune nella progettazione artistica del tempo. Come parte di questo nuovo movimento, è stata formata l'estetica del design moderno, superando le contraddizioni nell'arte applicata del periodo precedente. Le pratiche attività artistiche dei fondatori del design erano anche uno sviluppo dell'Arsenale di mezzi artistici ed espressivi per creare cose. Nelle loro opere (mobili, lampade, piatti, tessuti, ecc.), La stretta attenzione è stata versata a tali proprietà di materiali e forme, come texture, colore, espressività in plastica, sistema ritmico, sagoma, ecc., Che hanno acquisito cruciale Importanza nei prodotti della composizione senza entrare nel conflitto con i requisiti della logica strutturale e della formabilità del modulo. Un'altra direzione sviluppata con successo nel nostro paese negli anni '20, progettazione ingegneristica. Nel 1925, a Mosca, il famoso vagone radio è stato eretto a Mosca dal progetto di un ingegnere eccezionale V. Shukhov, la sagoma openwork del quale era il simbolo della radio sovietica per lungo tempo. Un anno prima, Ya. Gakkel crea sulla base degli ultimi risultati della tecnica, la prima locomotiva diesel sovietica, la cui forma anche oggi sembra abbastanza moderna. Negli anni '20, la necessità di studi scientifici dell'attività umana in artificialmente creati dall'articolo sono realizzati. L'Istituto centrale del lavoro è organizzato, sono in corso studi sull'organizzazione scientifica del lavoro, della cultura della produzione. L'attenzione degli scienziati e dei designer attira la biomeccanica, gli organolettici, ecc. Tra le notevoli opere di quegli anni - il progetto del posto di lavoro del conducente del tram (N. Kornstein).

Ya. Gakkel.Locomotiva. Iniziare anni '30.

Riflessione di un punto di svolta dell'era di Petrovsk in arte decorativa e applicata. Influenze artistiche europee occidentali (Olanda, Inghilterra, Francia, Italia). I processi di aggiunta della tenuta e del rafforzamento della cultura laica e della loro influenza sullo sviluppo di arte decorativa e applicata. La multi-dimensionalità delle arti decorative e applicate, l'irregolarità dello sviluppo delle sue singole sfere. Conservazione e sviluppo delle direzioni tradizionali (cultura provinciale e folk, arte della Chiesa).

Migliorare la tecnica dell'artigianato e della produzione di manifatture. L'origine del settore dell'arte (produttore, vetro d'arte, faience, faugs, tomba, seta e produzione di stoffa). Fabbricazione di cose alla moda, merci di lusso. Apertura e sviluppo di rame, stagno, argento, pietra colorata, argilla di alta qualità.

Il ruolo dell'Accademia delle Scienze nella "prosperità dell'arte e della manifattura libera", il riflesso di nuove scienze naturali e interessi tecnici in arti decorative e applicate. Nuove forme di formazione e master di formazione sul manubrio artistico. Chiudendo il laboratorio dell'Armeria. Pensionati e il suo ruolo nello sviluppo di determinati tipi di arti decorative e applicate. L'emergere di workshop di artigiani in Russia. Il lavoro dei maestri stranieri in diversi campi di arti decorative e applicate.

Stile d'arte in arte decorativa e applicata. Modo, il suo impatto sul cambiamento dei gusti, cambiamenti nell'ambiente obiettivo. L'emergere di nuovi tipi di oggetti, aggiornando idee estetiche in arti decorative e applicate. Tendenze nella sintesi delle Arti. Il ruolo dell'architettura, dell'arte monumentale, della grafica e delle pubblicazioni illustrate nello sviluppo di arte decorativa e applicata. Tendenze decorative della cultura barocca nel design delle festività, complessi del cancello trionfale, arte del giardinaggio.

L'arte dell'interior design come tipo speciale di attività artistica nel lavoro di architetti del primo trimestre del XVIII secolo. Primi lavori interni e tendenze di base in stile base (barocco, rococò, classicismo). Nuovi tipi di locali (armadi, camere da letto anteriori, salotti, "Tokarni", "Immagini") e il loro ripieno soggetto (Palazzo estivo, Palazzo A.D. Veshikova, Big Peterhof Palace, Montplezir). Lavori di maestri francesi. "Shinoazeri" negli interni dell'era Petrovsky.

Soluzione ensemble dell'ambiente obiettivo. L'emergere delle attività del progetto nel campo della cultura materiale e dell'arte decorativa e applicata.

Sviluppo del business dei mobili. Nuovi tipi e forme di mobili, materiali e modi di decorazione. Effetto dei mobili inglesi e olandesi. Barocco e rococò in mobili.

Scultura del legno, il suo ruolo all'interno. Rilievi scolpiti. Iconostasi della cattedrale di Petropavlovsky. Scultura della nave e regime.

Affari d'argento. Conservazione delle tradizioni del XVII secolo. Creazione di workshop di maestri di business oro e argento. Arte dei gioielli. Ritratto in miniatura su smalto. Segni d'ordine e persona "umoristica". I primi maestri di miniature pittoresche sono musicisti e evati Andrei.

Ceramica e Fayans Petrovskaya Era. Piastrelle olandesi all'interno. Espansione dell'importazione di prodotti per la fiera dall'Inghilterra e dall'Olanda. La prima manifattura privata di A. Grebenshchikov a Mosca, l'emergere di una raffinata faciata domestica.

Un aumento del consumo di vetro, la base di piante di vetro a Yamburg e Zhabino vicino a San Pietroburgo. Specchi e dispositivi di illuminazione. Formazione di stile dei piatti del palazzo anteriore con incisione opaca. Il primo vetro privato e fabbrica di cristallo Maltsov nel distretto di Mozhaisk.

Scultura in pietra e grunge grunge. La base della prima fabbrica granulare di Peterhof e in Ekaterinburg. Filo osseo. Tecniche di base per le sculture, tecniche stilistiche. Tradizioni Holmogor. L'aspetto dei torni, cambiando le forme di prodotti. Petrovskaya Tokarnya e A. Narov. Influenza dell'incisione e del libro illustrato sui fili delle ossa. La Fondazione dell'Armeria Tula, lo sviluppo della lavorazione artistica in acciaio artistico in prodotti ornamentali.

Tipologia. Cambio di abiti medievali su un costume da campionamento europeo. Stabilimento di Pietro le regole di indossare e tipi di abito nobile. Introduzione di vestiti e uniformi autorizzati per l'esercito e la flotta per i funzionari. L'emergere di nuove manifatture dovute a cambiamenti nel costume. Sostituzione dei tessuti orientali sull'Europa occidentale. Campioni di un costume maschio in armadio Pietro I.

La fondazione della manifattura del titolare di San Pietroburgo. Formazione dei maestri russi.

L'arte decorativa e applicata dell'era di Anna John. Art Silver. La base della fabbrica di vetro eseguita sulla fontana di San Pietroburgo. Attività di una manufatica calda. Stile Steller e applicazione all'interno. L. Karavak e i suoi progetti nel campo dell'arte decorativa.

Revival in cultura artistica nel regno di Elizabeth Petrovna. La predominanza delle influenze francesi. Barocco e rococò in arte russa. Rococo in interno, costume, gioielli, giardinaggio e parchi art. Sintesi di architettura e arte decorativa e applicata negli interni del barocco e del rococò. Lavori v.V. Rastrelli e A.Rinaldi nel campo dell'interno. Materiali decorativi e taglio di interni. Tipi di mobili barocco e rococò. Tessuti all'interno. Illuminazione. Ensemble in vari tipi di arte decorativa e applicata del centro e della seconda metà del secolo.

Affari d'argento. Approvazione del barocco dello stilato. Lavori decorativi monumentali. Big Front Service. Modifica delle forme di oggetti, nuovi tipi di piatti per nuovi prodotti. Arte dei gioielli. Le attività dei artigiani della Corte. Stile rococò in gioielleria Art. Tipi di decorazioni da donna. Pietra colorata nell'arte dei gioielli.

Vestito, la sua immagine, tipo di taglio, materiali, accessori, carattere di finitura. Influenza della moda francese. Barocco e rococò in una femmina e un costume maschio.

L'invenzione della porcellana domestica. La fondazione della produzione di porcellana a San Pietroburgo. Attività D.I.VinoGradova e "Vinogradovsky" periodo di sviluppo della porcellana russa. I primi set di palazzi, vasi, piccola plastica. Creazione di una pianta di faience apolidi a San Pietroburgo.

Bicchiere inciso dell'era elizavtiana. L'attività della fabbrica di vetro del governo di San Pietroburgo e della pianta sul fiume. Nome. Barocco e rococò nel bicchiere d'arte. Vetro nella decorazione degli interni del palazzo V.V. Rastrelli. Fabbriche private di Nemchinovy \u200b\u200be Maltshova. Esperimenti M.V. Lomonosov nel campo del vetro colorato, l'inizio della sua produzione sulla fabbrica di Ust-Ruditsky.

Filo osseo. Stilista Rococò, Creatività Cutter OSIP Dudina.

Arte decorativa e applicata della seconda metà del XVIII secolo.

Classicismo in arte decorativa e applicata 1760-1790. Collegamento dello stilista Rococo con motivi antichi. Il ruolo degli architetti nell'arte decorativa e applicata dell'era del classicismo. Formazione di maestri di arte decorativa e applicata presso l'Accademia delle Arti.

Interno del precoce classicismo. Materiali e forme, sapore, scultura, decorazioni decorative decorative. Interni opere di Cameron. Cerchio di tecniche decorative, nuovi materiali, immagine di locali e ensemble. Interiors V. Brenna.

Mobili di classicismo, carattere, forma, influenza. Prototipi antichi. Nuovi tipi di mobili. La partecipazione di architetti nello sviluppo di Art Art in Russia (Brenna, Lviv, Cameron, Voronichin). Mobili D. Xentgen in Russia. Workshop gamba e i.otta. Stile di Jacob in mobili russi. Cambio di materiali nell'arte del mobile (mogano, albero dorato, pioppo, betulla kareliana). Tessuto e ricamo in mobili.

Spread Workshop a Mosca. Decorazione intagliata negli interni M. Kazakova. Mobili intagliati del Palazzo di Ostankino. La tecnica di fioritura del set in mobili russi è la seconda metà del secolo, modi di prestazioni e materiali. Produzione di mobili su Ohta a San Pietroburgo. Carta-Masha come materiale di mobili e arte decorativa.

Bronzo artistico russo e francese. I principali tipi di prodotti e tecniche decorative. Bronzo e vetro nei dispositivi di illuminazione. Bronzo nella finitura di vasi di pietra e porcellana e mobili. Le attività della casa della fonderia. Maestri stranieri-Bronzevillers a San Pietroburgo (P. Azhi, I. ZH, ecc.).

Costume. Cambiando i tipi e le sagome di abbigliamento nel 1770-1780. Introduzione degli abiti da nobiltà uniforme. Vestito da tribunale di parata, l'uso di forme nazionali stilizzate. Stile greco 1790 in tuta e acconciature. Cambiare il design del vestito. Moda su scialli, sciarpe, mantelli, mantiglia, scialle.

Arte dei gioielli. Attività I.pozier, Dubyulon, J. Adora, I.G. Sciarpa, I.V. Bug, Duval Brothers. Grande corona imperiale. Laboratorio di diamanti del tribunale. Art Silver. Effetto dello stile d'argento francese di Louis XVI. Arte del cellulare in argento. Aumentare il ruolo dei centri di gioielli settentrionale - Vologda, grande Ustyug. Fabbrica di prodotti di ciliegia e prodotti finifel Popov Brothers in Veliky Ustyug. Smalto con fodera d'argento.

Tecniche di porcellana, produzione e decorazione. Fabbrica di porcellana imperiale. Primo classicismo in forme e decorazione di prodotti. Effetto della porcellana e della fatania europea. Attività J.-D. Rasuste. Contatti di IFS con l'Accademia delle Arti. Vasi decorativi e set di palazzi all'interno dell'era del classicismo. Grande servizio anteriore, la loro composizione, la natura del design. Ricerche per le forme di articoli e tecniche per la decorazione dei prodotti per la decorazione. Plastiche in porcellana (serie "People della Russia" figure, "mercanti e peddles"). Genere disegnando e incisione nella scultura in porcellana e nella pittura cinese. Prodotti da biscotti. Porcellana Pavlovsky della fine del 1790.

Fabbrica F. Garder a Vorbilki. Set di ordini.

Vetro d'arte. Pianta G.Potemkin a Ozerkov. Vetro colorato e cristallo. Vetro in interni ch. Cameron. Fabbrica di vetro imperiale nel 1790. Comunicazione dei prodotti delle piante imperiali in porcellana e vetro. Pianta Bakhmetev nella provincia di Penza. Pavimentazione di pittura sul vetro nel 1780-90. Motivi gotici nel bicchiere d'arte.

Attività di una manufatica calda. Stelter di comunicazione con una direzione comune in pittura russa (tema storico, allegoria, ritratto in un sonno). Transizione da Rococo al classicismo. Trelliers nel design degli interni.

Scultura in pietra. Il ruolo del CH. Kameron nello sviluppo di una cultura della pietra culturale e del suo uso all'interno. Nuove tecniche di utilizzo di pietra, "mosaico russo". Attività della fabbrica granellata di Peterhof. Apertura di nuovi depositi di pietra colorati negli Urali e in Altai. Fabbrica di Ekaterinburg e pianta di Kolyvan. L'invenzione di macchine per la lavorazione della pietra. Vasi nei disegni A. Voronikhina e D. Kvrengy.

Il fiorente acciaio Tula (mobili e prodotti decorativi). Fabbriche nobili e commercianti. Fabbrica della lacca miniatura pi Scatola Il verificarsi della pesca nel manubrio artistico. Sviluppo di artigianato artistico nella seconda metà del XVIII secolo: pittura khokhloma, lacewood, tessitura a motivi, falegnameria, metallo artistico, ecc.

Esposizione aggiornata

"L'arte decorativa e applicata della Russia XVIII - il primo terzo del XIX secolo"

Come parte del 35 ° anniversario del Museo All-Russian di Arti decorative e applicate, un'esposizione permanente aggiornata "Arte decorativa e applicata della Russia del XVIII - il primo terzo del XIX secolo" aperto.

"Peter la grande russia sfidata, e lei rispose a Pushkin," la frase alata a A.n. Herzen determina in modo accattivante il significato e i confini dell'Epoch, che è dedicato all'esposizione di queste sale. Gli articoli presentati qui vivono pietre miliari che hanno segnato la formazione e fiorente della cultura domestica nel villaggio della tradizione culturale europea del nuovo tempo. Sono catturati da cambiamenti nel testo della vita e dei punti di riferimento artistici, della trasformazione del vecchio e dell'emergere di nuove forme sostanziali, tecniche e persino specie di arte decorativa e applicata.

Il design della nuova esposizione si basa sul principio di dimostrazione di mostre come oggetti artistici unici, che sono combinati in blocchi tematici, stilistici e tipologici. Tale soluzione ti consente di stimare il valore di ciascun elemento dal punto di vista del tempo, dello stile, dello sviluppo di un tipo separato di arte decorativa e si concentra sulla sua intrinseca artistica.

Lo scenario di ispezione si basa sulla soluzione spaziale dell'esposizione, non solo significativo (secondo la tipologia, il tema, la stilistica e la cronologia), ma anche visivamente - da Tempo di Petrovsky a Bidermeier.

Temi centrali della nuova esposizione: "Epoca dei cambiamenti: luci dei secoli XVII -XVIII", a cui i cosiddetti "primitivi del XVIII secolo" adiacente alle realtà del nuovo tempo nelle forme dell'arte tradizionale; "Il classico del XVIII secolo russo", che rappresenta l'era di Pietro a Paul in alto campione di arte del tribunale, così come il "ampire russo" e "nelle stanze", mostrando due prese d'aria della cultura russa del primo terzo terzo del XIX secolo - il brillante stile imperiale e la formazione di una cultura della vita privata, corrispondente al fenomeno del Bidermayer tedesco. Allo stesso tempo, l'esposizione ci consente di considerare le opere e nella solita fila - per arte dell'arte, evidenziando mobili, metallo artistico, vetro, porcellana, ceramica, arte in pietra, osso e perline.

Un'attenzione particolare è pagata a tali articoli della chiesa unica come tastiera croce e Panagia, che risalgono al XVII secolo. Sono fatti in una tecnica costosa in quel momento - smalto dalla scansione. Tra le prime esposizioni sono i petti con metallo con un rivestimento in metallo e decorativo, inkwell, i piatti dell'ingramma dell'oral del XVII - I primi XVIII secolo. Un campione luminoso dei piatti in metallo del front office per servire il tavolo sono drenaggi in ottone dello stabilimento di Demidov negli Urali.

La tabella che serve elementi e vassoio sono state eseguite cose quindi in diverse tecniche. Ad esempio, due bicchieri, bicchieri scuri con tensel EML e WGS, la produzione di una pianta di vetro imperiale, sono un raro esempio di prodotti dipinti della fine del XVIII - primitivo secolo XIX. I vestelli latini nelle tazze appartengono al Messaggero svedese in Russia nel 1793 da Vernera Gottibu von Schlenir - "WGS" - e sua madre EBBE MARIA Lagerbrings - "EML". Le tazze furono tenute due più di un secolo nel castello della Scarhult, Scone (Svezia), essendo un patrimonio familiare.

Nella mostra, puoi familiarizzare con i campioni unici dei mobili del palazzo russo dei secoli XVIII-XIX, tra i quali i tavoli da scacchi e i tavoli solitario della tecnica della calamità sono di particolare interesse. Tra i mobili esibisce caratteristici della prima metà del XIX secolo, due rari scivoli nello stile di "Jacob" prestare attenzione. Lo stesso tempo è anche di proprietà di due sedie, eseguita sul progetto dell'arco Osipa Ivanovich. Di interesse sono gli orologio del camino "Minin e Pozharski" fabbricati dal Pyarrian Bronzevel Pierre-Philipp Tomir e, riproducendo in formato interno, il famoso monumento di Ivan Martos, in piedi sulla piazza rossa.

Un posto speciale nell'esposizione è occupato dal Sperler "Rescue Rybakov", che è stato eseguito nelle Fiandre in un laboratorio sconosciuto nella seconda metà dei secoli XVII - primitivi XVIII. Entrò nella NSDPNI nel 1999 con la collezione del Museo dell'arte folk. S.t. Morozova. La trama dei Trelliers è presa in prestito dalla Bibbia: una delle meraviglie è raffigurata al centro della composizione - "Conclusione dell'acqua". Il Twer è ristrutturato in diverse fasi - è stato parzialmente restaurato dagli specialisti del Museo dell'arte folk. S.t. Morozova, e, nel 2014, il complesso restauro è stato completato da specialisti e restauratori del Museo Tutto Russo di Arte decorativa e applicata e folk. Pertanto, lo Slear ha guadagnato una nuova vita e sarà presentato per la prima volta sull'esposizione.

Nelle sezioni tematiche appropriate, dispositivi di illuminazione in vetro e cristallo, prodotti interni da porcellana e bronzo dei secoli tardo XVIII-XIX. Ogni esibizione è un modello di riferimento di uno stile particolare, cattura lo spirito del suo tempo e rappresenta le possibilità di abilità artistiche e tecniche.

Una soluzione di esposizione spaziale simile consente al museo di essere in modo più efficace e interessante per organizzare escursioni e programmi speciali. Le annotazioni avanzate saranno presentate alle mostre più interessanti e significative, nonché il supporto dei codici QR, grazie ai quali, i visitatori saranno in grado di ottenere informazioni più dettagliate. L'esposizione è dotata di un moderno sistema di apparecchiature di illuminazione. Grazie alla sua elevata interattività, la nuova esposizione promette di essere più vivace e interessante, oltre a contribuire al dialogo creativo con i visitatori, in particolare con il pubblico dei bambini e della gioventù.

L'esposizione si trova al secondo piano del Corpo meridionale del complesso storico e architettonico dei secoli XVIII-XIX. "Equestre". Introduce i visitatori al museo con una vasta gamma di mostre che rappresentano la pesca e la produzione di arte tradizionale della Russia. Questa è la lavorazione dei famosi centri e ossa di lavorazione degli alberi in tutto il mondo, la verniciatura della lacca su papier-mache e il metallo, i giocatori di argilla leader, nonché prodotti da maestri russi stampati e sciarpe in oro, prodotti in vetro, porcellana, faience.

Questi centri sono concentrati a Mosca, Vladimir, Vologda, Ivanovo, Nizhny Novgorod e altre aree. L'inizio dell'incontro è stato trovato negli anni '20, quando le poche opere di persone che erano tra tesori nazionalizzati della Trinity-Sergiev Lavra sono state completate dalle mostre del Museo del territorio locale e dal museo "Optina Desert". Nel 1941, il museo è stato trasferito a Sergiev-Posadsky (A quel tempo Zagorsky) il museo è stato trasferito alla vasta collezione del Museo dell'artigianato artistico del Museo (MNHR). Si è numerata di quarantamila mostre, inclusa una serie di opere uniche di artigianato folk e lavori sperimentali eseguiti da maestri di vari centri artistici nei laboratori creati da MNHR. Dal 1950, il museo ha iniziato un'acquisizione sistematica mirata, sistematica di un incontro delle arti decorative tradizionali russe, e questo lavoro è diventato una delle direzioni prioritarie delle sue attività.

Un posto significativo nelle sale delle esposizioni assegnata opere da parte delle opere dei maestri e degli artisti delle persone della regione di Sergiev-Posad. La fama speciale della città ha portato giocattoli. Erano fatti di legno - scolpito, girando, falegname; Dalle macchine papier e mastiche - con movimento e suono. Il museo espone scolpiti da bulli tripli e bambole dipinte - Bararyni, Hussars, Kormititsa, famoso Matryoshki, popolare nella seconda metà del XIX - prima del XX secolo. Set di giocattoli architettonici, tra cui "Trinity-Sergiyev Lavra".

Con SergiyeVoposad Toy Pesca giocattolo è inestricabilmente legata alla produzione di giocattoli con. Bogorodskoe. La collezione di musei della plastica scolpita di Bogorodskaya include giocattoli, sculture, composizioni scultoree e ha circa quattromila mostre. Di grande interesse sono le opere di XIX c.: "General Skobelev a Kone" - P.F. Bardakova, "Guida con un orso" - D.I. Puchkov; Intrattenere composizioni multifigure sui temi delle fiabe popolari russe e della nuova realtà sovietica, eseguita negli anni '30 del ventesimo secolo. (Lavora A.F. BALAEVA, N.E. EROSHKINA, V.T. Polynova, A.G. Shishkin).

Il museo è ampiamente rappresentato una collezione di opere entro la fine del XIX - Inizio. Xx in. Toy Educational Toy e Artistic e Carpentry Workshop Sergiyev Posada e Abramsev. Questi sono colleghi, lars, articoli per mobili realizzati secondo campioni sviluppati da famosi artisti S.V. Malyutin, E.D. Polenova, AP. M. VASnetsov, n.d. Bartmom, Vl.i. Sokolov e altri. Il lavoro del laboratorio Abramtsevsky, che è stato guidato da E.D. Polenova, ha avuto un impatto diretto sulla formazione e lo sviluppo della pesca della scultura di Abramtsevsky-Kudrinskaya di un albero con un caratteristico motivo vegetativo per rifiuti piatti. Uno dei fondatori della pesca era V.P. Macinazione. Il museo immagazzina diverse opere del Maestro, tra cui piatti decorativi dell'inizio del ventesimo secolo., Portale di Porogoganhran 1937

Insieme alla pesca della lavorazione del legno, l'onnipresente diffusione in Russia aveva la ceramica, di solito i giocattoli erano adden accanto ai piatti. Questa arte torna al paganesimo, quando piccole figure di argilla, partecipando a riti magici, ha eseguito il ruolo di particolari oggetti religiosi. Il museo presenta le collezioni di Kargopol (regione di Arkhangelsk), Filimonovskaya (Regione di Tula), Abashevsky (Regione di Penza), Giocattoli Skopinskaya (Regione di Ryazan). Il giocattolo Dymkovsky (regione di Kirov) della fine dei secoli XIX del XIX - XX è di grande interesse. Queste sono le opere di autori sconosciuti e A.A. Mezrina: Kormilitsa, Cavaller, Coppie danzanti, ecc. La preziosa parte della collezione Dymkov è il lavoro degli anni '30. Tra le opere della seconda metà del ventesimo secolo. È assegnato alla composizione multifigure "matrimonio", realizzata da un gruppo di artigiani Dymkovsky diretti da E.I. COSCA-GIORNO.

L'albero era uno dei materiali più popolari in Russia, e la pesca sulla sua lavorazione artistica esisteva in diverse regioni. Insieme a Sergievoposad, il museo è più pienamente rappresentato dalla pesca della regione Nizhny Novgorod - Khokhloma e Gorodets. Le ciotole di Khokhloma di legno leggero, i fratelli, i saloni dipinti con un modello di verdure brillante e che similino i preziosi vasi d'oro erano ampiamente conosciuti nel XIIV secolo. La loro produzione è stata tradizionalmente impegnata nei contadini di una serie di villaggi e villaggi situati sul territorio del moderno distretto di Kourninsky della regione Nizhny Novgorod. Tra le mostre della collezione del museo - campioni dei piatti contadini del XIX secolo. E mobili degli anni '30 con un insolito per la pittura "Khokhloma" su sfondi bianchi e argento.

La pesca Gorodetsky ha iniziato a formarsi alla fine del XVIII secolo, quando i contadini di un certo numero di piccoli villaggi situati vicino al grande villaggio commerciale di Gorodza, cominciò a fare un asino per snack. Erano seduti su di loro durante il lavoro, rafforzando in un forno speciale pettine con lino o kudle di lana. Tuttavia, la Donette ha cercato di fare bella: era il soggetto dell'orgoglio della hostess, è stato apprezzato e bruciato, e dopo il lavoro è stato posto sul muro come decorazione della casa. Nello scenario, i Donets hanno usato un apporto di arte popolare in russo molto rara da parte di pezzi di rovere moraine scure. Dal 1870, i fili con intarsio furono trasferiti al dipinto, strisci pittoreschi veloci raffigurati lussureggianti "Rosans", ciclisti, scene di bere e festività del tè. Negli anni '20, la necessità delle venditori era caduta, e le loro pittoresche abilità di Grodetsky Masters iniziarono a usare ampiamente nella decorazione di altri articoli: scatole, lars, pannelli decorativi, giocattoli.

La collezione Gorodetskaya del museo non solo consente di tracciare le principali fasi dello sviluppo di questo centro dalla fine del XVIII alla fine dei secoli XX, ma dà anche un'idea del lavoro di quasi tutti i maestri che se ne sono andati un segno notevole nella sua storia. La collezione include opere riconosciute dai "classici" campioni di Gorodetsky Art: Donz A.V. e l.v. Melnikovy, G.L. Polyakova, V.K.Smirnova, Panel I.K. Mazina, Shima I.K. Lebedeva e D.I. Kryukov et al.
Le vernici artistiche russe gode del mondo fama. L'assemblea del museo ti consente di riflettere la loro storia e introduce tutti i principali centri di pittura laccata. L'esposizione del museo ai vassoi metallici dipinti di Nizhny Tagil e Zhostov (regione di Mosca), prodotti "laccati" da Carta-Masha XIX - XX secoli. Vicino a Mosca. Feduroskino, così come i centri delle regioni di Ivanovo e Vladimir: Phane, Hooi e Msters, dove l'arte delle miniature laccate è stata sviluppata solo nei tempi sovietici e si basava sulle tradizioni consolidate del dipinto dell'icona. Dal 1830 nel workshop, o.f. Vishnyakova, situato nel villaggio di Zhostovo, insieme ai prodotti di Papier-Masha, ha iniziato a fare vassoi dal metallo. A poco a poco, la pesca ha acquisito un valore indipendente. Nella decorazione dei vassoi, la preferenza ha iniziato a dare alle composizioni dei fiori scritte da succose tratti pittoreschi.

Un valore speciale è la raccolta di Palekh Lakova Miniature 1920-1930, che include opere di un livello artistico molto elevato. Tra questi ci sono le opere di artisti che facevano parte del Plyhan Artel of Ancient Painting ": A.V. Kotukhina, I.V. Markacheva, im. Bakanova, I.P. Vakurova, I.I. Zubkov et al., Incluso il virtuoso sull'esecuzione del lavoro della pittura di pittura ripprofellente in Palekh I.I. Golikova.

La storia dei villaggi dei centri (p. Fedoskino e P. Zhostovo) lascia le radici alla fine del XVIII secolo, quando il mercante p.i. Korobov è stato organizzato un'impresa per la produzione di prodotti laccati da Papier-Masha con. Danilkov, situato vicino a s. Fedoskino. Presto la pesca si diffuse in tutto il distretto. L'Assemblea del museo presenta le opere della fabbrica di lukutina (successori di P.i. Korobov) e piccole imprese contadine del villaggio di Ostashkovo, Zhostovo, Sorokino e altri situati nella parrocchia della Trinità della contea di Mosca. Le prime opere della collezione appartengono al centro del XIX secolo. I prodotti di questi workshop sono stilisticamente omogenei: scatole, filtri, sigarette, portafogli, papiedi-mahas, sono decorati con miniature pittoresche e realistiche trascurate con un tema nazionale pronunciato. Immagini tradizionali di "Trok", "Tè bere", scene della vita contadina, di regola, sono copie gratuite di pittura a macchina e opere grafiche di artisti russi.
Un posto di rilievo nell'esposizione è dato alle collezioni di velo russo e chalese. Queste sono sciarpe e altri prodotti di Tver e Nizhny Novgorod Artigianato e altri prodotti di Tverskaya e Nizhny Novgorod Tarmers e le eleganti scale della XIX - III secolo XIX. Il più grande, e al momento, e l'unico in Russia, il produttore di Scuffers e Chalecs di lana è il vicino a Mosca Pavlovsky Posad, dove il loro rilascio è stato padroneggiato nei primi anni del 1860 in una fabbrica appartenente ai mercanti Ya.I. Labsin e v.i. Sporco. La produzione di chales è stata quasi completamente manuale. I modelli sul tessuto sono stati applicati con tavole di legno scolpite, "fiore" e "manuale". Il motivo preferito dei disegni del cavo Pavlovsky e dei vassoi di Zhostovsky, immagini dipinte di fiori. Tra le mostre del Museo Pavlovoposad rasato tempi diversi. Questi sono il lunotto del leggendario Dreamider del XIX secolo. S.v. Postigova "Horseshoe" e "Diversion" e opere dei nostri contemporanei E.P. Regovoy, K.S. Zinovieva, I.P. Dondovaya et al.

Gli artigiani artistici sono una parte significativa della cultura nazionale della Russia. Il lavoro presentato nel museo indica il grande gifting dei maestri russi, un sapore artistico sottile e l'identità del loro talento.

Il materiale per i maestri russi è molto attraente e varia nelle loro qualità decorative e capacità tecniche. Già nel XVII secolo. Le tradizioni di Costelle Art hanno iniziato a svilupparsi nella zona della provincia di Posada Kholmogora Arkhangelsk. Maestri Holmogorsk insieme al set (Ordinary Animal Bone) ha usato l'osso del tricheco, meno spesso il mammut, i cui prodotti erano particolarmente valutati. La maggior parte dei telai c'erano le creste, le scatole, le casse e le casket, decorate con i migliori modelli di verdure, immagini di animali e uccelli, fedeli filettatura a quadri e incisione. Nella seconda metà del XIX - inizio del XX secolo. Le incisioni ossee erano impegnate nel monastero di Trinity-Sergiev e nel Sergiev Posad, come evidenziato dall'icona di subitage "Trinità" del 1869, eseguita da Ivan Iliin (Monk Ion) e una piccola icona dall'Ivorio raffigurante il Sergius del Maestro locale e .da . Khrustacheva.

Le tradizioni dell'osso e del legno in miniatura, le tradizioni dei fili in miniatura e dell'albero, hanno avuto un impatto sulla formazione di cosmili nella seconda metà degli anni '40 del secolo scorso, situato vicino a Sergiyev Posad, Khotkovo. L'originalità di questo centro si è manifestata nell'applicazione di varie tecniche di elaborazione ossea, combinando l'osso con un albero, un ampio uso del set. Queste caratteristiche hanno trovato una forma di realizzazione particolarmente luminosa nelle opere degli anni '50, in particolare, in Basque V.E. Loginova "Michurin", gli inserti ossei sono stati effettuati virtualmente nella tecnica originale del sollievo multidimensionale. L'esposizione del museo consente inoltre di conoscere le opere della pesca tradizionale delle ossa, che si sono sviluppate nell'est della Russia: Tyumen (Tobolsk), Yakutia, Chukotka. L'identità di ciascuna di esse si basa sulle tradizioni etniche e artistiche della popolazione locale.

Nel corso degli anni del museo, la ricca collezione di vetro russo e porcellana viene raccolta. Questi tipi di arte applicata hanno ottenuto uno sviluppo rapido in Russia nei secoli XVIII-XIX. Nelle sale del museo è possibile vedere una varietà di utilizzo di piante di quel tempo: porcellana imperiale e compagno di vetro a San Pietroburgo, piante da porcellana privata Gardner, Popov, Kuznetsov, Kormov, acqua di vetro - Maltshie, Bakhmetyevaya, e altri. Tra le mostre Campioni più rari di vetro russo e ceramiche, che, per esempio, sono tazze di vetro incise XVIII secolo. o prodotti in maiolica eseguiti su una delle prime piante in ceramica in Russia, aperto nel 1724 a Mosca a A a A.k. Grebenchikov. Il museo immagazzina una meravigliosa collezione di plastiche in porcellana, che comprende una varietà di sculture di genere e un'intera serie - "popoli della Russia", che nel XIX secolo. Riprese ripetutamente alle piante di Mosca di Gardner e Kuznetsov.
La collezione di vetro e porcellana del periodo sovietico e post-sovietico è rappresentata principalmente da opere del 1960-19080, condotta da maestri conduttori e artisti delle più grandi piante in Russia. Nella storia della porcellana domestica, la posizione principale è sempre stata occupata dalla fabbrica di porcellana di Leningrado che prende il nome dopo M.V. Lomonosov (ex imperiale) e due impianto regione di Mosca: fabbrica di porcellana Dmitrovsky (ex Gardner) e fabbrica di porcellana Dulevsky che prende il nome dal giornale Pravda (ex Kuznetvsky). Queste imprese sono due scuole originali e luminose con il loro stile, un'elevata cultura del lavoro con le tradizioni materiali e più ricche. La differenza tra le due scuole della porcellana nel fatto che hanno ereditato diversi strati storici della cultura russa: Mosca era focalizzata sulla tradizione nazionale, Leningradskaya - sull'arte altamente professionale dei secoli XVIII - XIX nella routine della Pan- Sviluppo europeo.

Nell'assemblea del museo ci sono distinti da un sottile gusto artistico e da un classico senso di misure, lavori squisiti e solenni di artisti di San Pietroburgo (Leningrado): A.V. Vorobyevsky, A.a. Yatskevich, V.m. Gododetsky, n.p. Slavina, I.S. Olevskaya; Consonant in forma e dipinto la comprensione del popolo delle belle opere di artisti della Bellissima, luminosa, che affermano la regione di Mosca: P.V. Leonov. Vc. Yasnetsova, n.n. Ropova e altri. Nella mostra, puoi anche conoscere la collezione di vetro e il cristallo la seconda metà del ventesimo secolo. Possedere forme, vasi decorativi e set, composizioni spaziali di volume, la plastica di vetro è realizzata utilizzando un'ampia varietà di tecniche e tecnologie da parte di artisti principali delle più antiche piante di acqua di vetro in Russia. Questa è una pianta nella città della regione di Gus-Crystal Vladimir (E.I. Rogov, S.P. Verin, V.V. Korneev, v.a. Filatav, V.S. Muratov); Impianti di vetro "Red May" nel distretto di Vyshnevoltsky della Regione Tver (A.M. Silko, S.M. Beskinskaya); Pianta di cristallo Dyatkovsky (M.V. Grabar, V.V. Soyver, V.ya. Shevchenko).

L'orgoglio dell'Assemblea del Museo è una collezione abbastanza significativa dell'impianto di vetro di Leningrado Art, con le attività di cui il lavoro di tali maestri di arte applicata è associata a L.O. Jürgen, A.A. Actitzaturyan, A.m. Ostrumov, E.V. Yanovskaya, HM. PULD, B.A. Eremin, Yu.m. Bzyaks. La maggior parte delle opere di vetro e porcellana sono campioni unici creati per le più grandi mostre internazionali o interamente russe. Pertanto, nel suo collettore, la completezza della presentazione dei singoli centri, il livello artistico dell'ottima opera dell'Assemblea del museo delle arti decorative tradizionali russe può essere attribuito a uno dei migliori del paese. I componenti delle sue opere indicano il grande aumentazione dei maestri russi, un sottile gusto artistico e l'identità del loro talento.