Arte decorativa e applicata e musica del XVIII secolo. Arte decorativa e applicata del XVIII - il primo terzo del XIX secolo decorativo russo APPLICATO ARTE XVIII secolo brevemente

Sviluppo e arte applicata Migliorare la tecnica dell'artigianato e produzione manifatturiera, l'origine dell'industria dell'arte (produzione di un Steller, Glass Art Glass, Faience, una gravità di produzione di pietra, di seta e di stoffa), Fabbricazione di cose alla moda, beni di lusso, apertura e sviluppo del rame , stagno, argento, pietra colorata, argilla di alta qualità.

Il ruolo dell'Accademia delle Scienze nella "Prosperità delle arti e dei mangiuffi liberi", riflettendo nuove scienze naturali e interessi tecnici in arti decorative e applicate, è significativa. Nella prima metà del XVIII secolo, nuove forme di formazione e maestri di formazione appaiono su manifestazioni artistiche; La celebrazione degli artigiani in Russia sorge, che non annulla la distribuzione diffusa dei maestri stranieri in diversi campi di arte decorativa e applicata.

Nelle arti decorative e applicate (articoli interni, mobili, arredamento) dettano attivamente lo stile della moda. Di conseguenza, appaiono nuovi tipi di oggetti, le idee estetiche sono aggiornate in arte decorativa e applicata. Nell'arte decorativa e applicata del secolo di metà XVIII, è pianificata la tendenza della sintesi delle Arti, dove architettura, scultura, pittura, mestieri applicati sono fusi insieme in un ensemble decorativo.

Di conseguenza, l'arte del design degli interni diventa un tipo speciale di attività artistica nel lavoro di architetti del XVIII secolo. Questo tipo di attività artistica provoca l'emergere di nuovi tipi di locali (armadi, parata, camere da letto, salotti, "immagini") e il loro soggetto riempimento (Palazzo estivo, Palazzo A.D. Veshikova, Big Peterhof Palace, Montplezir).

Tutto ciò contribuisce allo sviluppo di mobili, nuovi tipi e forme di arredamento, materiali e modi per decorare la sua decorazione. C'è una molta influenza dei mobili inglesi e olandesi. Sotto l'influenza dell'Europa in Russia, anche lo stile del barocco e del rococò nei mobili.

I mobili del classicismo hanno caratteristici e forme. I motivi antichi possono essere rintracciati in gran parte nelle forme e nella finitura dei mobili. Nel mezzo del XVIII secolo, gli architetti sono coinvolti nello sviluppo di nuovi tipi di mobili, l'arte del mobile appare in Russia e dei mobili dell'autore (Brenna, Lviv, Cameron, Voronichin). Nella seconda metà del XVIII secolo, appaiono i primi workshop di mobili (laboratorio di Gamba e I.otta). Per questo periodo nell'arte dei mobili, lo stile di "Jacob" è caratteristico. Per la seconda metà del XVIII secolo, i materiali stanno cambiando nell'arte dei mobili: ci sono legno rosso, albero dorato, pioppo, betulla kareliana; Sempre più, tessuto e ricamo sono utilizzati nella produzione di mobili.

Un posto speciale in arte decorativa e applicata è occupata da ceramiche e favibilità. Ciò accade all'inizio a causa dell'espansione dell'importazione di prodotti di fabbricazione da parte dell'Inghilterra e dell'Olanda. Tuttavia, la prima manifattura privata di A. Grebenchikov a Mosca, la produzione di sottili fasi russi appare. Più tardi, lo stile del Palazzo Paradinale è formato con incisione opaca e la moda del cristallo come oggetto dell'interno è distribuito. Ciò comporta l'apertura del primo vetro privato e fabbrica di cristallo Maltsov in Mozhaisk Ureet.

Nel XVIII secolo, in modo significativo a causa dell'aumento della popolarità dell'arte decorativa e applicata, arredamento dei locali, il consumo di vetro aumenta, che va a creare una varietà di specchi e dispositivi di illuminazione.

Scultura e pittura della seconda metà del XVIII secolo.

È stato giocato un ruolo importante nello sviluppo della pittura del XVIII secolo creazione Vladimir Lukich Borovikovsky. Nonostante il fatto che l'artista non fosse ufficialmente elencato dallo studente dell'Accademia, lui, senza dubbio, goduto il consiglio dei suoi insegnanti e soprattutto Levitsky. Il talento naturale e il ferro perseveranza di un giovane artista portò presto che Borovikovsky nominò i primi maestri del tardo XVIII secolo. Ha creato una serie di eccellenti ritratti dei suoi contemporanei, tra cui G. Kedzhavin, v.arsenyeva, M. Hallina, O. Filippova e molti altri. Un interesse costante per le esperienze mentali umane, ha sottolineato la liricità e la contemplazione, ascoltate da uno schiaffo di sentimentalismo, così caratteristico dell'epoca, è caratteristica della maggior parte dei lavori di Borovikovsky. L'artista non ha mai camminato lungo il percorso della caratteristica esterna e superficiale dell'immagine, costantemente impegnata per il trasferimento dei migliori movimenti mentali delle persone ritratte.

Nel suo lavoro prevale un ritratto da camera. Borovikovsky cerca di approvare la intrinseca e la purezza morale della persona (il ritratto di "Lysyanki e Dashinki", il ritratto di E.n.arsenyeva, ecc.). Alla fine del XVIII-XIX secolo di Borovikovsky attrae la personalità forte ed energica, si concentra sulla cittadinanza, sulla nobiltà, sulla dignità del ritratto. L'aspetto dei suoi modelli viene reso trattenuto, lo sfondo del paesaggio è sostituito dall'immagine dell'interno (ritratti A.A. Dolgorukova, M.I. Dolgruk, ecc.).

Borovikovsky è anche un maestro riconosciuto di miniature ritratto. Le collezioni del negozio del museo russo lavorano alle sue spazzole - ritratti A.a. Romelas, V.V. Kapnista, n.i. Lvovova e altri. Come base per la tua miniatura, l'artista usava spesso la latta.

Genuine Peak Russo Ritratto Ritratto Pittura XVIII secolo raggiunge il lavoro D.g.levitsky. . Già in una delle prime opere - il ritratto dell'architetto A. Kokorinova - Levitsky ha mostrato le eccezionali capacità del pittore. I vantaggi artistici elevati sono il ritratto del Great French Philosopher-Materialist D. Drro, scritto da Levitsky a San Pietroburgo nel 1773 e una serie di ritratti di alunni dell'istituto smolny creato dall'artista. Le immagini di queste ragazze sono contrassegnate da sincerità e calore, la creatività di ognuna di esse è delicata.

Ritratti dei seguenti anni - Lvovaya, Padre dell'artista, Bakuuni, Anna Davia e molti altri capolavori di Levitsky - una testimonianza luminosa del suo brillante talento.

Levitsky ha creato una vasta galleria di ritratti dei suoi contemporanei, impressionata in generale e pienamente, come nessun'altra immagine vivace dell'era delle persone. L'arte di Levitsky completa la storia del ritratto russo della pittura nel XVIII secolo. Tuttavia, va notato e alcuni limiti storicamente determinati della sua creatività: come altri meravigliosi artisti del suo tempo, Levitsky non poteva riflettere le contraddizioni sociali della realtà. Le persone rappresentate dall'artista in conformità con le idee estetiche dominanti sono sempre in qualche modo pose, sembrano mostrarsi allo spettatore nella luce "Carrier". Tuttavia, in un certo numero del loro lavoro, l'artista raggiunge un'incredibile semplicità e vitalità.

Le Levitsky's Legacy è enorme e causa ancora il pubblico un senso di piacere estetico diretto. La perfezione professionale delle sue opere e il loro obiettivo realistico ha messo un artista per uno dei luoghi più onorevoli dell'intera storia dell'arte russa.

Tra le opere più famose di d.g.levitsky sono le seguenti: "Ritratto di E.a. Vorontsova", "Ritratto di architetto A.F. Kocorinova", "Ritratto di N.A. Lvov", "Ritratto di M.A.DYAKOVA", "Ritratto di Ursula Mnishek", "Ritratto di La figlia di Agashi in costume russo ", ecc.

Nel campo della pittura ritratto, gli artisti russi della seconda metà del XVIII secolo hanno anche detto la loro nuova parola. L'acutezza della caratteristica psicologica, che ha segnato molti ritratti di questo periodo, sta colpendo - il pennello dei migliori maestri russi è sempre più verso la trasmissione veritiera dell'immagine di una persona. È significativo che in questo momento già ritratti sono creati non solo per la nobiltà e "il mondo forte di questo", ma anche un certo numero di figure pubbliche progressiste. In questi ritratti, non ci sono elementi della parata e lucido esterno; Gli artisti cercano la loro attenzione al trasferimento del contenuto interno di una persona, per rivelare la forza della sua mente, la nobiltà dei suoi pensieri e aspirazioni.

Lo sviluppo del ritratto russo ha trovato la sua espressione in creatività F. Crotov.

Fedor Stepanovich Rokotov. - uno dei migliori ritratti russi. Avendo ricevuto un'educazione artistica sotto la direzione di L.-zh. Le Lorrena e il Conte Pietrotari, ha lavorato alla maniera di quest'ultimo, ma aveva più in natura ed è stato eseguito diligentemente. Nel 1762, adottato da aggiunta a Novo-Conctenespb. L'Accademia delle Arti per il film "Venere" e per il ritratto dell'imperatore Pietro III.

La sottile abilità pittoresca distingue i ritratti di questo artista. Spiritualità intima dell'immagine, specialmente nei ritratti delle donne, i rockots portano a grande espressività e forza. La perfezione tecnica del lavoro dell'artista è caratterizzare il disegno e la pittoresca abilità con lui, è possibile confrontare con una levitsky. I ritratti creati da rocker sono caratterizzati da raffinatezza del modello e della grazia del colore.

Le opere più famose di Rokotov includono: "Ritratto di uno sconosciuto in un vestito rosa", "Ritratto di A.i. Vorontsova", "Ritratto di G. Vorlova in Lettvas", "Ritratto di incoronazione di Catherine II", "Ritratto di A.P. Struskaya" "Ritratto del poeta VI Maikov", "Ritratto di Srotovtsevaya", ecc.

Nella seconda metà del XVIII secolo. Nel dipinto russo iniziò a svilupparsi genere per la casa. Tuttavia, il dipinto di genere è stato considerato dalla leadership dell'Accademia delle Arti e dagli strati preferiti della società, come qualcosa di sannalino, pennelli indegni dell'artista. Nonostante questo, dopo la guerra contadina sotto la guida di E. Pugachev, sia in letteratura, teatro che musica e della pittura 1770-1780 G.G. Cominciò a manifestare interesse per i contadini, la sua vita, lo stile di vita. Spesso queste erano immagini sentimentali di pastori idilliaci e pastori che non hanno nulla a che fare con la vera vita contadina. Tuttavia, c'erano eccezioni.

Uno dei primi in dipinto russo il tema contadino ha sviluppato la fortezza Prince G. A. Potemkin Mikhail Shibanov. . Erano scritti dipinti "Pranzo contadino", "Festival della collusione del matrimonio" e altri. Nei dipinti di Shibowa, non c'è caso di servued, ma non ci sono idealizzazione della vita contadina nei nomi delle tele. L'artista distingue la conoscenza e la comprensione della vita e della natura del contadino russo.

Il tema contadino si riflette nel lavoro dell'artista IM Tankova (1739 - 1799), l'autore della pittura "vacanze nel villaggio" e Ia Ermenheva (1746 - dopo il 1792), scrittura dell'acquerello "Pranzo contadino", "I cantanti del mendicante "E DR.). Per la prima volta nella storia dell'arte domestica, l'artista ha consegnato i lati oscuri della vita popolare, la povertà della povertà.

Nella seconda metà del XVIII secolo. Inizia il vero fiorente della scultura russa. Si è sviluppata lentamente, ma il pensiero educativo russo e il classicismo russo sono stati i più grandi incentivi per lo sviluppo dell'arte di grandi idee civili, problemi su larga scala, che ha reso necessario l'interesse per la produzione durante questo periodo. Shubin, Gordeev, Kozlovsky, Shchedrin, Prokofiev, Martos - Ogni di per sé era la personalità più luminosa, ha lasciato il segno nell'arte. Ma tutti erano uniti dai principi generali creativi, che hanno imparato dal professor Nicolas, dal 1758 al 1777. Ha diretto la lezione di scultura all'Accademia, idee comuni di cittadinanza e patriottismo, ideali elevati dell'antichità.

La ricerca di Generalizzabile-Meravigliosa non esclude l'intera profondità della comprensione di una natura umana, il desiderio di trasferire la sua versatilità. Questo desiderio è evidente nella monumentale scultura di plastica e rivalutaria decorativa della seconda metà del secolo, ma soprattutto nel genere del ritratto.

I suoi più alti risultati sono associati principalmente alla creatività. FEDOT IVANOVICH SCHUBINA. (1740-1805), Countryman Lomonosov, che è arrivato a San Pietroburgo dall'artista, compreso dalle sottigliezze del caso più fresco. Il primo lavoro di Schubin a casa - Busto A.M. Golitsyn sta già testimoniando la piena maturità del Maestro. Tutte le caratteristiche sfaccettate del modello sono divulgate con un'ispezione circolare, anche se non vi è dubbio il principale punto di osservazione della scultura.

Shubin ha funzionato non solo come ritrattista, ma anche come decoratore. Ha eseguito 58 ritratti storici di marmo ovale per il Palazzo Chesme (situato nell'armeria), sculture per il Marble Palace e per Peterhof, la statua di Catherine II - legislazione (1789-1790). Non c'è dubbio che Shubin è il fenomeno più grande della cultura artistica russa del XVIII secolo. Insieme ai maestri domestici in Russia, lo scultore francese Etienne-Maurice Falcone ha lavorato in Russia, che al monumento a Pietro I sulla piazza del Senato di San Pietroburgo ha espresso la sua comprensione della personalità di Pietro, il suo ruolo storico nel destino della Russia .

Fedor Fedorovich Shchedrin. (1751-1825). Ha superato le stesse fasi di formazione presso l'Accademia e Pensionati in Italia e Francia come Shubin. Eseguito da lui nel 1776, "Mariji" è pieno di movimento rapido e tragico minigue. Come tutti gli scultori dell'era del classicismo, Generin è portato via da immagini antiche ("imdimi del sonno"; Venere), mostrando una penetrazione particoetica nel loro mondo.

Come parte della celebrazione del 35 ° anniversario nel Museo All-Russian di Arti decorative e applicate Arti e Arte Folk, un'esposizione permanente aggiornata "L'arte decorativa e applicata della Russia del XVIII - il primo terzo del XIX secolo" si apre.

"Peter The Great ha sfidato la Russia, e lei rispose a Pushkin," la frase alata A. N. Herzen determina in modo accattivante il significato e i confini dell'epoca, che è dedicata all'esposizione di queste sale. Gli articoli presentati qui vivono pietre miliari che hanno segnato la formazione e fiorente della cultura domestica nel villaggio della tradizione culturale europea del nuovo tempo. Sono catturati da cambiamenti nel testo della vita e dei punti di riferimento artistici, della trasformazione del vecchio e dell'emergere di nuove forme sostanziali, tecniche e persino specie di arte decorativa e applicata.

Il design della nuova esposizione si basa sul principio di dimostrazione di mostre come oggetti artistici unici, che sono combinati in blocchi tematici, stilistici e tipologici. Tale soluzione ti consente di stimare il valore di ciascun elemento dal punto di vista del tempo, dello stile, dello sviluppo di un tipo separato di arte decorativa e si concentra sulla sua intrinseca artistica.

Lo scenario di ispezione si basa sulla soluzione spaziale dell'esposizione, non solo significativo (secondo la tipologia, il tema, la stilistica e la cronologia), ma anche visivamente - da Tempo di Petrovsky a Bidermeier.

Terry (abiti) con un coperchio del 1795

Temi centrali della nuova esposizione: "Epoca dei cambiamenti: luci dei secoli XVII -XVIII", a cui i cosiddetti "primitivi del XVIII secolo" adiacente alle realtà del nuovo tempo nelle forme dell'arte tradizionale; "Il classico del XVIII secolo russo", che rappresenta l'era di Pietro a Paul in alto campione di arte del tribunale, così come il "ampire russo" e "nelle stanze", mostrando due prese d'aria della cultura russa del primo terzo terzo del XIX secolo - il brillante stile imperiale e la formazione di una cultura della vita privata, corrispondente al fenomeno del Bidermayer tedesco. Allo stesso tempo, l'esposizione ci consente di considerare le opere e nella solita fila - per arte dell'arte, evidenziando mobili, metallo artistico, vetro, porcellana, ceramica, arte in pietra, osso e perline.

Un'attenzione particolare è pagata a tali articoli della chiesa unica come tastiera croce e Panagia, che risalgono al XVII secolo. Sono fatti in una tecnica costosa in quel momento - smalto dalla scansione. Tra le prime esposizioni sono i petti con metallo con un rivestimento in metallo e decorativo, inkwell, i piatti dell'ingramma dell'oral del XVII - I primi XVIII secolo. Un campione luminoso dei piatti in metallo del front office per servire il tavolo sono drenaggi in ottone dello stabilimento di Demidov negli Urali.

La tabella che serve elementi e vassoio sono state eseguite cose quindi in diverse tecniche. Ad esempio, due bicchieri, bicchieri scuri con tensel EML e WGS, la produzione di una pianta di vetro imperiale, sono un raro esempio di prodotti dipinti della fine del XVIII - primitivo secolo XIX. I vestelli latini nelle tazze appartengono al Messaggero svedese in Russia nel 1793 da Vernera Gottibu von Schlenir - "WGS" - e sua madre EBBE MARIA Lagerbrings - "EML". Le tazze furono tenute due più di un secolo nel castello della Scarhult, Scone (Svezia), essendo un patrimonio familiare.

Nella mostra, sarà possibile familiarizzare con i campioni unici dei mobili del palazzo russo dei secoli XVIII-XIX, tra i quali i tavoli da scacchi e i tavoli solitali nella tecnica della marchetteria sono di particolare interesse. Tra i mobili esibisce caratteristici della prima metà del XIX secolo, due rari scivoli nello stile di "Jacob" prestare attenzione. Lo stesso tempo è anche di proprietà di due sedie, eseguita sul progetto dell'arco Osipa Ivanovich. Di interesse sono gli orologio del camino "Minin e Pozharski" fabbricati dal Pyarrian Bronzevel Pierre-Philipp Tomir e, riproducendo in formato interno, il famoso monumento di Ivan Martos, in piedi sulla piazza rossa.

Beauvais I.O. La sedia è il primo trimestre della XIX in

Un posto speciale nell'esposizione è occupato dal Sperler "Rescue Rybakov", che è stato eseguito nelle Fiandre in un laboratorio sconosciuto nella seconda metà dei secoli XVII - primitivi XVIII. Entrò nella NSDPNI nel 1999 con la collezione del Museo dell'arte folk. S. T. morozova. La trama dei Trelliers è presa in prestito dalla Bibbia: una delle meraviglie è raffigurata al centro della composizione - "Conclusione dell'acqua". Il Twer è ristrutturato in diverse fasi - è stato parzialmente restaurato dagli specialisti del Museo dell'arte folk. S. T. Morozova, e, già nel 2014, il restauro pienamente è stato completato da specialisti-restauratori del Museo Tutto russo di arte decorativa e applicata e folk. Pertanto, lo Slear ha guadagnato una nuova vita e sarà presentato per la prima volta sull'esposizione.

Nelle sezioni tematiche appropriate, dispositivi di illuminazione in vetro e cristallo, prodotti interni da porcellana e bronzo dei secoli tardo XVIII-XIX. Ogni esibizione è un modello di riferimento di uno stile particolare, cattura lo spirito del suo tempo e rappresenta le possibilità di abilità artistiche e tecniche.

Una soluzione di esposizione spaziale simile consentirà al museo di essere in modo più efficace e interessante per organizzare escursioni e programmi speciali. Le annotazioni avanzate saranno presentate alle mostre più interessanti e significative, nonché il supporto dei codici QR, grazie ai quali, i visitatori saranno in grado di ottenere informazioni più dettagliate. L'esposizione è dotata di un moderno sistema di apparecchiature di illuminazione. Grazie alla sua elevata interattività, la nuova esposizione promette di essere più vivace e interessante, oltre a contribuire al dialogo creativo con i visitatori, in particolare con il pubblico dei bambini e della gioventù.

Nella seconda metà del XVIII secolo, l'arte applicata russa ha raggiunto un sollevamento significativo. Questo è stato facilitato dallo sviluppo dell'economia, del commercio, della scienza e della tecnologia e del considerevole grado di stretti legami con architettura e arte visiva. Il numero di grandi e piccole fabbriche, piante, workshop, tessuti di produzione, vetro, porcellana, mobili crescevano. I proprietari terrieri nelle loro proprietà hanno organizzato vari workshop basati sul lavoro di fortezza.

Le idee umanistiche dell'illuminazione sono state particolarmente riflesse nell'arte applicata del tardo XVIII secolo. I maestri di questo tempo hanno distinto l'attenzione sui gusti personali e sui bisogni umani, cerca convenienza nell'ambiente.

Nuovo stile - classicismo russo - alla svolta del 1770-1780, dichiarato in tutti i tipi di arte applicata. Architetti M. F. Kazakov, I. E. Storov, D. Kaprengeny, Ch. Cameron, A. N. Voronikhin ha creato interni nello spirito della nobile semplicità e moderazione con una parte chiara delle parti, con una disposizione costruttivamente giustificata di arredamento architettonico sia plastico che pittoresco.

Negli stessi principi, mobili, candelabri, lampadari sono stati progettati per locali del palazzo. Nell'ornamare di mobili, piatti, tessuti costruiti in un ritmo limpido, appaiono motivi antichi - Akant, Meander, Ioniki, fiori vivili, ghirlande, immagini di amari, sfingi. Doratura, la combinazione di colori divenne più morbida e mantenuta che nel mezzo del XVIII secolo.

Alla fine del XVIII secolo, la passione per l'antichità fatta per rifiutare anche da un completo complesso e lussureggiante. Abiti gratis leggeri con pieghe fluenti, con una cintura alta sul modo antico (V. L. Borovikovsky. "Ritratto di M. I. Lopukhina". 1797).

La sintesi delle arti del classicismo russo si basa sul principio di una combinazione armoniosa di tutti i tipi di arti.

Mobilia. Durante il periodo del classicismo, la sua forma è semplice, equilibrata, chiaramente costruita, i ritmi sono calmi. I contorni hanno ancora mantenuto della morbidezza, nella rotondità, ma le linee verticali e orizzontali sono già state distinte. Le decorazioni (in basso intaglio, pittura, bronzo e fodera in ottone) hanno sottolineato l'espressività delle strutture. Preoccupazioni più manifestate sulla convenienza. Per le stanze anteriori di vari scopi, set e cuffie sono stati progettati: un soggiorno, un armadietto, una camera da letto anteriore, una sala. Nuove forme di mobili sono sorti: tavoli per gioco di carte, cucito, tavoli portatili leggeri (con un coperchio sotto forma di Bob), vari tipi di cassettiera. Sono stati ottenuti i divani, e nei mobili dell'armadio, i segretari, un ufficio con un coperchio circolare cilindrico.

Come nei periodi precedenti, i mobili russi rispetto al massiccio occidentale sono generalizzati, più facili dettagliatamente. Il materiale per esso servito da specie locali di legno - Linden, betulla (con doratura e colorazione in toni chiari), dado, rovere, pioppo, cenere, pera, rovere noioso. Alla fine del XVIII secolo cominciarono a utilizzare la betulla kareliana e il colore brillante di mogano, amaranto, rospera e altre razze. I maestri sono stati in grado di mostrare la loro bellezza, struttura, colore, lucentezza, abilmente sottolineati dalla lucidatura.

Grandi risultati Russian Masters hanno raggiunto un set di (intarsio). La sua essenza è nella compilazione di vernici ornamentali non colorate (di solito secondo incisioni) sulla superficie degli oggetti in legno. Questo tipo di lavoro è noto non solo per i mobili metropolitani di cortetteria, ma anche dagli ex Serfs che lavoravano a Mosca e nella regione di Mosca: Nikifora Vasilyeva (Il. 78), Matteo Veretennikova e Maestri senza nome TRVER, Arkhangelsk, che mettono in un set di osso walrucbile. I campioni di scultura di alta arte dei mobili del Palazzo di Ostankinsky appartengono alla fortezza Ivan Mochiline, Gavrile Ninku e altri. A St. Pietroburgo, i mobili e il lavoro scolpito dei maestri di Ohta, tradotto nella capitale da diversi posti, erano famosi per Pietro I. L'aspetto artistico dei mobili ha completato la tappezzeria con sete a motivi, velluto, setacci stampati, tessuti di biancheria, armonizzato con la decorazione delle pareti.

Tessuti. Di tutte le industrie nella seconda metà del XVIII secolo, tessile (Mosca, Ivanovo, Yaroslavl, provincia di Vladimir) è stata sviluppata con successo. Il suo ascensore è stato determinato non solo grandi manifatture, ma anche piccole imprese contadine. La perfezione speciale ha raggiunto un master in nuovi tessuti di biancheria a motivi con tessi complessi, con il gioco delle sfumature naturali di lino bianco argento-bianco. Qui, le tradizioni della tessitura contadina, una profonda comprensione del materiale. La massiccia foca e incidente a buon mercato è stata prodotta. Qualità decorative significativamente migliorate di tessuti colorati e tessuti di lana.

La produzione di tessuti di seta per abiti e tessuti ornamentali, sciarpe, nastri (IL 80) è stato rapidamente sviluppato. Alla fine del XVIII secolo, non hanno inferiori in qualità francese - il meglio in Europa. Le persone estese russe hanno imparato ad applicare una varietà di fili, la tessitura più complessa, simile a ricamo. Tecniche composite, la ricchezza della tavolozza in tessuti decorativi ha raggiunto il trasferimento dello spazio, la sottigliezza delle transizioni del tono, la precisione del colore dei colori, degli uccelli, dei paesaggi. Tali tessuti sono stati usati nella finitura dei palazzi, inviato come regali all'estero.

Nei tessuti per gli abiti, specialmente nei tessuti sarafiniti, fino ai 1780 - 1790, modelli di ghirlande complesse, floreali ondulate, nastri, perline furono utilizzate. Ma gradualmente le ghirlande furono sostituite dalle band, i modelli divennero più facili, i loro ritmi sono più liscianti, lo schema dei colori è più leggero, più morbido.

Nel 1750-1760 a San Pietroburgo e in seguito a Mosca, a p. Ivanovo (ora G. Ivanovo) ha sviluppato la produzione di setacci (tessuto di cotone con motivo stampato con crema pasticcera, vernici non relittiche e tappeti successivi). Nei modelli dei siti del Maestro, in particolare Ivanovo, i motivi dei tessuti di seta erano peculiari. Sulla base dell'audit popolare, hanno combinato un succoso punto pittoresco e un taglio grafico (contorni del modello, griglia, punto di sfondo). Innanzitutto, i siedi erano molto costosi. Alla fine del XVIII secolo cominciarono a produrre le loro varietà economiche.

Porcellana. Alla fine del XVIII secolo, la porcellana russa diventa una delle migliori in Europa. Ha lavorato con successo una fabbrica di porcellana statale a St. Petersburg. I suoi prodotti erano diversi bianchezza di una leggera tonalità calda, glassa lucida, alta qualità tecnica. Forme di piatti, Vaz, il loro dipinto non era inferiore a Western.

Crea il più significativo delle impostazioni - Arabesque per ricevimenti giudiziari (1784, IL. 77). La decorazione del desktop di questo servizio da nove sculture allegoriche glorifica l'adesione della Georgia e della Crimea, le "virtù" Catherine II (Scultore J. D. RASS). È dominato dalle pose tranquille, caratteristiche di doratura leggera della fine del XVIII secolo, rigorose sulle proporzioni della forma di piatti di servizio con pittura sotto forma di arabesque, a base di ornamenti antichi.

Negli anni '80, vengono create una serie di sculture "Popoli della Russia" (lavorazione creativa delle incisioni) - Decorative brillantemente, con immagini caratteristiche - rappresentanti di individui (yakut, samoiedo, tatar). Figure scultorei dei venditori ambulanti, gli artigiani mostrati in movimento sono stati prodotti. Scultura in porcellana per molti decenni diventa la decorazione preferita degli interni nobili.

Delle fabbriche di porcellana privata, Franz Gardner (1765) (p. Verbilki vicino a Mosca) è più praticabile. Già alla fine del XVIII secolo, serve per la casa reale con l'uso originale degli ordini russi nei dipinti. Piatti in porcellana piuttosto economici, caratterizzati dalla semplicità delle forme, succosa pittura floreale vicino alle tradizioni popolari, ha avuto successo nella capitale e nella provincia (IL 79).

Bicchiere. Genuina gloria al vetro russo dell'ultimo terzo del XVIII secolo porta il vetro colorato. M. V. Lomonosov Lavora sulla teoria del colore e della tecnologia degli occhiali colorati hanno aperto nuovi modi per i glassmodi russi, arricchiti la tavolozza di vetro, rianimò il mosaico russo. Organizzato nel villaggio di Ust-Rutica della provincia di San Pietroburgo una fabbrica per la produzione di smalt, perline e bicchieri. Maestri della pianta statale a San Pietroburgo Druzhinin e Kirillov hanno avuto luogo la formazione di vetro colorato con Lomonosov. La pianta maestra la produzione di un bicchiere di toni profondi e puliti - blu, viola, rosa-rosso, verde smeraldo. Ora nella sua produzione non è più inciso il cristallo, ma un vetro colorato sottile e incolore. Bicchieri da vino, occhiali, decantatori ottengono forme lisce, in cui Tulovo entrano senza intoppi nella gamba, creando contorni morbidi ed eleganti. Murali con ghirlande d'oro e argento, archi, stelle, monogrammi sono calmi dal ritmo, enfatizzano volumi di plastica delle navi.

Il cosiddetto vetro bianco-bianco (tazze, decantatori, articoli della Chiesa) sono prodotti, simile all'aspetto e alle caratteristiche dei dipinti più costosi porcellane.

Alla fine del XVIII secolo, piante di vetro privato di Bakhmetyev nella provincia della Penza, Maltsev in Vladimir e Protokers Oryol e molti altri si stanno sviluppando e raggiunti. Il loro vetro colorato e colorato, il cristallo si è diffuso in tutta la Russia.

Opera d'arte in metallo. Il periodo di tiro dei gioielli in Russia arriva a metà del XVIII secolo e continua per tutto il secolo. Ha materiali artistici di bellezza straordinaria: questi sono diamanti, smeraldi, zaffiri e altre pietre preziose e semipreziose, smalti scenici, metalli non ferrosi (oro, argento, platino, leghe). L'arte delle pietre tagliate raggiunge un alto grado di perfezione. Per rafforzare il gioco di pietra, i gioiellieri trovano una varietà di artistiche e tecniche di montaggio, parti mobili di fissaggio. Artisti di gioielli Creare forme stravaganti, decorazioni multicolari: orecchini, anelli, togneer, fibbia per scarpe, pulsanti per costumi lussuosi sia maschi che femmina.

Nell'ultimo terzo del XVIII secolo, le forme di gioielli acquisiscono il saldo, la gamma di colori di pietre preziose diventa più severa.

Durante questo periodo, i Master of Silver Business raggiungono un grande successo. In conformità con i nuovi sapori della forma di impostazioni d'argento, semplici e rosari. Sono decorati con flauti, ornamenti antichi. Su occhiali d'argento, i maestri Tabakerki del Grande Ustyug si riproducono con l'immagine di una scena antica, vittorie di truppe russe.

Fenomeno eccezionale nell'arte applicata del XVIII secolo - Articoli artistici in acciaio dei maestri di Tula: mobili, casket, candelabri, pulsanti, fibbie, tobacker. L'effetto decorativo delle sue opere costruiscono sull'opposizione per lisciare l'acciaio leggero e le decorazioni sotto forma di pezzi sfaccettati, frizzanti come diamanti. I maestri utilizzano vincolanti (trattamento termico in montagna a temperature diverse) del metallo, che dà varie sfumature - verde, blu, viola, da spessa alle fiamme. Le tradizioni dell'arte folk influenzano l'amore del colore brillante, in una profonda comprensione del materiale.

Pietra colorata Nella seconda metà del XVIII secolo, depositi di marmi, orlet rosa-ciliegio negli Urali, Yasme, Busticolor Yasme, Staffa PORECH, Porphyirov Altai, Bay Baikal Lazurites si aprono. Oltre a Peterhof (1722-1723) e Ekaterinburg (inizio del 1730), nel cuore stesso dell'Altai inizia a lavorare nel 1787, la fabbrica locale (dal 1802 sostituisce il Kolyvan). Ci sono ampie possibilità per l'utilizzo di pietra colorata nel traguardo e nella decorazione delle opere monumentali e decorative degli interni del Palazzo.

La capacità di identificare la qualità del materiale estetico del materiale ha sempre distinto i maestri russi, ma era particolarmente espresso in modo luminoso nell'arte di pietra. Lavorando ai progetti di architetti, Kamnerase rivelano artisticamente la favolosa bellezza della pietra, il suo modello naturale, le straordinarie sfumature di colore, brillare, migliorandole con un'eccellente lucidatura. Bronzo dorato sotto forma di una maniglia, quali sonde completano solo, enfatizza il modulo. Progetti per prodotti clinker, Obeliskov, VAZ, basati su forme antiche, creato i quarti, Voronikhin.

Il fiorente arti applicato russo del XVIII secolo è stato associato al lavoro degli architetti di Kazakov, Starov, Kaprengeny, Cameron, Voronikhina e una serie di artisti popolari formati. Ma la sua genuina gloria è stata creata per la maggior parte dei loro restanti maestri di fortezza senza riservi - produttori di mobili, intagliatori, wealne, allevatori di pietra, gioiellieri, glasswer, ceramisti.

La storia della Russia del tardo XVII - il primo trimestre del XVIII secolo è inseparabile per conto di uno dei più grandi politici della Russia - Pietro I. Innovazioni significative invadono questa volta non solo nel campo della cultura e dell'arte, ma anche nell'industria - Metallurgia, Costruzione navale, ecc. L'inizio del XVIII secolo, i primi meccanismi e le macchine per la lavorazione dei metalli appaiono. Molto in questa zona è realizzato con meccanica russa Narla, Sinnin, Dogian, ecc.

Allo stesso tempo, le basi del sistema di stato dell'istruzione generale e speciale sono posate. Nel 1725 è stabilita l'Accademia delle Scienze, in cui offre la separazione degli artigianato artigianato.

A. Narov.Tornio. Era di Petrovskaya. XVIII secolo.

Nel XVIII secolo, sono formati nuovi principi di architettura e pianificazione urbana. Questo periodo è segnato con un rafforzamento degli articoli delle caratteristiche caratteristiche del barocco europeo occidentale (Holland, Inghilterra).

Come risultato delle imprese di Pietro I, i prodotti delle forme tradizionalmente russe scompaiono rapidamente dalla vita reale e aristocratica del Palazzo, mentre persistono ancora nelle abitazioni della massa della popolazione rurale e urbana, così come in uso della chiesa. Fu nel primo trimestre del XVIII secolo che è prevista una differenza significativa nello stile dello sviluppo, che è rimasta per molta caratteristica di creatività professionale e campi artistici folk. In quest'ultimo, le antiche tradizioni di età del russo, ucraino, estone, ecc. Di arte applicata sono sviluppate direttamente e sviluppate in modo organico.

Le norme della vita nobile richiedono una dimostrazione di ricchezza, raffinatezza e lucentezza nella vita della persona riservata. Le forme della vecchia vita, tra cui Petrovsky (anche un business, severa), a metà del XVIII secolo sono infine sfollate. Le posizioni dominanti in arte russa prendono il cosiddetto stile rococò, ha completato logicamente le tendenze del tardo barocco. Interni parate di questo tempo, ad esempio, alcuni locali dei palazzi Peterhof e Tsarskoral, quasi completamente decorati con fili di accoppiamento.

Caratteristiche generali dell'orlo di rockey (linee curve, layout abbondante e asimmetrico di stilizzato o vicino alla natura, foglie, conchiglie, occhi, ecc.) Sono completamente riprodotte in architettura russa e mobili di quel tempo, ceramica, abbigliamento, carattere, armi da parata e T. D. Ma lo sviluppo dell'arte applicata russa è ancora andato su un percorso molto indipendente. Nonostante la somiglianza incondizionata delle forme dei propri prodotti con l'Europa occidentale, non è difficile notare le differenze tra loro. Quindi, ma rispetto ai francesi, i prodotti dei mobili russi hanno forme molto più strette e più morbide lungo i contorni, il disegno. I Maestri hanno ancora tenuto le abilità del filo folk, più grandi e generalizzate che in ovest. Non meno caratteristiche policromicità dei prodotti russi e una combinazione di doratura con pittura, trovata raramente in Francia, e in Russia accettata ovunque.

Dall'età degli anni '60 del XVIII secolo, la transizione al classicismo con le sue forme concrete e rigide che affronta l'antichità e segnato da un alto contenimento inizia nell'architettura russa. Lo stesso processo avviene nell'arte applicata.

Nella pianificazione, attrezzature e decorazione di palazzi e palazzi urbani (architetti di Kokorinov, Bazhenov, Kaprengy, Starov, ecc.), La chiara simmetria appare proporzionale alla chiarezza. Le pareti dei locali (tra le finestre o opposte) sono nascoste da specchi e pannelli realizzati con valvole di seta, tessuti decorativi in \u200b\u200bcotone, panno.

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Divano - stile rococò. Russia (frammento). Mid XVIII secolo.

Sedia in stile classicismo. Russia. La seconda metà del XVIII secolo.

I pavimenti sono reclutati dal legno di varie razze, e talvolta serrati con tela o stoffa; I soffitti sono descritti (ad esempio, una tecnica Griezaile che imita la modellazione goffrata). Invece di un set di parquet, i militanti abeti "sotto la cera" sono usati i pavimenti. Le pareti e i soffitti sono spesso sopraffatti di stoffa o superati con carta da parati. Se le imponenti taglie di caminetti in marmo sono disposti nei locali anteriori, poi le fornaci più tradizionali sui divani o sulle gambe rivestite con piastrelle sono elevate in camere intime. La differenza nelle lampade è notevole: nelle sale - sono gioielli e costosi lampadari, candelabri, applique, nel resto - portacandele e lampade significativamente più modeste. Ancora più contrasto nelle forme dei mobili anteriori e domestici. Tutto ciò dice non tanto del desiderio dei proprietari dei palazzi e delle dimore per risparmiare, quanto riguarda la contabilità dell'ambiente oggettivo come un fattore importante dell'atmosfera psicologicamente rilevante.

La maggior parte dei mobili e una serie di altri prodotti alla fine della XVIII, la prima metà del XIX secolo non erano costantemente necessarie; In assenza di necessità, sono stati puliti, o sono stati trasferiti a parti inattive dei locali. I mobili per i posti a sedere devono aver funzionato. Allo stesso modo, un grande sviluppo è stato ottenuto da mobili trasformabili con un piano di lavoro - tavoli da tè e card, un tavolo da pranzo pieghevole, una tavola artigianale, un tavolo artigianale, un sistema di diversioni che si adattano sotto gli altri tavoli e altri. Tutto ciò ha aumentato significativamente il Comfort della vita, la sottile differenziazione del suo supporto funzionale e una varietà di locali in varie situazioni quotidiane. Allo stesso tempo, sono stati evidenziati un certo numero di processi familiari, tenuti nella calda stagione fuori dall'edificio - sulla terrazza e nel parco. Di conseguenza, i nuovi tipi di prodotti sono distribuiti - mobili da giardinaggio, tende da giardino, lampade a ombrellone, lampade del parco, ecc. Nel XVIII secolo, i serbs sono organizzati da Serfs, producendo feste abbastanza grandi di mobili, porcellane, palazzi e altri prodotti.

Alla fine del XVIII secolo, il ramo della progettazione di prodotti (mobili, lampade, ore, involucri e altri mobili, apparecchi, orologi, twer, ecc. E altri oggetti della decorazione) sono già stati significativamente influenzati nell'attrezzatura di grandi palazzi. Il ruolo dei progettisti è per lo più architetti e artisti professionali. Nella produzione di prodotti al mercato di massa, vengono utilizzate macchine e metodi meccanici di materiali di lavorazione, trasformando l'ingegnere nella principale figura di produzione. Ciò porta alla distorsione e alla perdita di prodotti invocati di qualità altamente estetici, alla separazione dell'industria dall'art. Questa tendenza era naturale nelle condizioni dello sviluppo capitalista della società e uno dei principali XIX secolo.

Nel corso dello sviluppo intensivo delle relazioni capitaliste in Russia del XIX secolo, aumenta la capacità di produzione industriale. A metà del XIX secolo, la necessità di personale artisticamente professionale di prodotti e maestri è già in terribile. Le istituzioni educative specializzate a Mosca (grafico Stroganova) e San Pietroburgo (Baron Stiglitz) si stanno aprirono per prepararsi. Il loro nome è "Scuola di disegno tecnico" - indica l'aspetto dell'artista di un nuovo tipo. Dal 1860, sarà sviluppata una speciale formazione artigianale di artisti. Sono disponibili molti libri sulla tecnologia della lavorazione dei vari materiali: legno, bronzo, ferro da stiro, oro, ecc. Esci cataloghi commerciali, ha sostituito la rivista di negozi economici precedentemente pubblicati. Dalla metà del XIX secolo, si formano scienze associate alle questioni dell'igiene del lavoro e all'uso degli oggetti della vita. Tuttavia, in tutto il XIX secolo, tutti i prodotti della fabbrica di massa nelle relazioni artistiche rimangono completamente subordinati alla predominanza pertinente della bellezza come un design decorativo e ornamentale di prodotti. La conseguenza di ciò è stato introdotto nella forma della maggior parte dei prodotti degli elementi di stile del classicismo: complessi completi del profilo, colonne del profilo, prese, ghirlande, ornamentali per motivi antichi, ecc. In alcuni casi, questi elementi sono stati introdotti nelle forme di anche attrezzature industriali - macchine.

Nello stile di sviluppo dell'arte applicata e dei prodotti per la casa nel XIX secolo, tre periodi principali sono cronologicamente distinti: la continuazione delle tendenze del classicismo nel corso del cosiddetto ampir (primo trimestre di un secolo); Late classicismo (circa 1830-1860) ed eclettismo (dopo il 1860).

Il primo trimestre del XIX secolo è stato segnato dall'ascensore generale dell'ambito ideologico e dell'edilizia nell'architettura russa, che ha causato un significativo revival nell'arte applicata.

Sedia in stile impero. Il primo quarto del X1x secolo.

La vittoria della guerra del 1812 accelera in una certa misura e completa il processo di formazione della cultura nazionale russa, acquisendo importanza paneuropea. L'attività degli architetti più famosi - Voronikhina, Kvarengi, Kazakov, strettamente associati al classicismo del Poro precedente, è solo per il primo decennio del secolo. La Pleiad di tali meravigliosi maestri, come Rossi, Stasov, Grigoriev, in fiocco, che ha portato nuove idee all'arte russa, una nuova idea all'arte russa, viene spostato.

La situazione e la monumentalità sono caratteristiche di architettura e forme di varie materie dell'ascensore dello stile AMPIR. In quest'ultimo, i motivi decorativi cambiano marcatamente, e la loro tipologia si sta espandendo a causa dell'uso di simboli decorativi dell'antico Egitto e di Roma - Griffins, sfingi, fascia, attributi militari ("trofei"), inviati da ghirlande, ecc. Rispetto a I campioni del classicismo precoce in generale il numero di decorazioni, il suo "peso visivo" nella soluzione compositiva dei prodotti aumenta. La monumentale, a volte, come se le forme di taglio, si verificano a causa della maggiore generalizzazione e della geometricità dei motivi ornamentali classici - estremità, ghirlande, lira, armatura, ecc., Che sono sempre più rimossi dalle loro reali pre-conversazioni. Pittoresco (scene, paesaggi, mazzi) dipinti oggetti di pittura quasi completamente scompare. L'ornamento si sforza per una macchia, contorno, appligenza. I prodotti nella maggior parte, in particolare i mobili, diventano grandi, massicci, ma una varietà di configurazione generale, silhouette. Il peso di un ampiente negli articoli del mobile scompare quasi negli anni '30.

Dal mezzo della XIX, nuove ricerche nel campo dell'architettura, della creatività applicata e industriale iniziano.

La direzione artistica paneuropea, che ha ricevuto il nome "Biedermeyer", denominato borghese di uno dei personaggi dello scrittore tedesco L. Eichrodta (il lavoro è stato pubblicato negli anni '70) con il suo comfort ideale, Intima.

Produzione di fabbrica di ferro. Russia. La seconda metà del X1x secolo.

Nella seconda metà del XIX secolo, c'è un ulteriore spostamento del lavoro manuale dalla produzione di prodotti utilitaristici. Per secoli, i metodi di piegatura e le tecniche delle loro decisioni, i principi della formazione entrano in conflitto con nuove tendenze economiche della massa e della redditività della produzione di cose sul mercato. La reazione alla situazione che cambia è doppia. Alcuni maestri sono la maggior parte dei loro compromessi. Considerando un'occhiata tradizionale infrangibile a tutte le cose familiari come una questione di arte decorativa e applicata, iniziano ad irrigare i motivi ornamentali del classicismo a macchina e tecnologie seriali. Appaiono i tipi di prodotti "efficaci" di prodotti decorativi e finiture. Torna negli anni 1830, in Inghilterra, Henry Kul mette in avanti uno slogan riformista esternamente per decorare prodotti di fabbrica con elementi "dal mondo delle arti del mondo". Molti industrialisti raccolgono volentieri lo slogan, cercando di massimizzare l'uso dell'attacco di massa del consumatore a forme ornamentalmente arricchite e arricchite esternamente di arredi per la casa.

Altri teorici e pratiche di arte applicata (D. Reskin, W. Morris), al contrario, sono offerte per organizzare un settore boicottante. Il loro credo è la purezza delle tradizioni del mestiere medievale.

Nei paesi dell'Europa occidentale e in Russia, attirano per la prima volta l'attenzione dei teorici e degli artisti professionisti, dell'artigianato dell'artigianato e dei maestri, nel cui lavoro le tradizioni folk profonde sono ancora conservate. In Russia, le fiere Nizhny Novgorod del 1870-1890 dimostrano la redditività di queste tradizioni nelle nuove condizioni. Molti artisti professionisti - V. Vasnetsov, M. Vrubel, E. Polenova, K. Korovin, N. Roerich, et al. - entusiasmo di appello alle origini folk dell'arte decorativa. In vari campi e province della Russia, in cittadini come Pskov, Voronezh, Tambov, Mosca, Kamenets-Podolsk, ecc., I mestieri sorgono, la base dei quali si basa il lavoro manuale. I laboratori a Abramtsov vicino a Mosca, a Talashkin vicino a Smolensk, l'impresa P. Valinin vicino a San Pietroburgo, l'Arte di ceramica "Murava" a San Pietroburgo, era particolarmente importante per la rinascita dei fritti creativi.

Samovar. XIX secolo.

Russia. Seconda metà

Pompa industriale. XIX secolo.

Tuttavia, i prodotti di tutti questi workshop costituivano una parte così piccola del consumo generale, che non poteva essere notevolmente influenzato dai prodotti di massa, sebbene dimostrino la legittimità dell'esistenza insieme alla produzione di macchine di massa di cose della creatività decorativa, che memorizza le tradizioni folk . In futuro, ciò è stato confermato l'invasione di macchinari in tali aree di arte decorativa e applicata, come gioielli (bijouterie), tappeti, sartoria, che ha portato a una forte calo della loro qualità artistica.

Nelle forme della massa principale dei prodotti della seconda metà del XIX secolo, nulla di nuovo non è ancora stato sviluppato. Tuttavia, la novità della situazione più generale già in questo momento contribuisce all'aggiunta di prerequisiti interni per la coscienza di ricerca innovativa delle ricerche di stile come una necessità creativa importante, come manifestazioni della personalità artistica del Maestro. Se lo stile delle direzioni stilistiche (Gothic, il Rinascimento, il barocco, l'era classicism) è nato e ha ricevuto la distribuzione, di norma, a causa del generale, quasi "globale", le tendenze cristallizzate spontanee dello sviluppo estetico del mondo, quindi Dal mezzo dell'originalità dello stile del XIX secolo è considerata un conseguimento creativo diretto di un artista separato, architetto. A questo proposito, l'interesse per l'eredità dell'arte di tutti i tempi e dei popoli è attivato bruscamente. Questa eredità più ricca diventa fonte di imitazione, prestito diretto o sottoposto a bizzarra elaborazione creativa.

Tavolo con sedia in stile moderno. Fine del XIX secolo.

Di conseguenza, la maggior parte dei prodotti è un'immagine insolitamente un'immagine di una scadenza, che lamontano chiaramente, quindi intima la remissione dell'antichità, l'epoca romantica, il rinascita gotica, italiana o francese, l'arte di Byzantium e l'antica russia, barocco, ecc., Spesso ecletticamente mescolato nella registrazione di un prodotto, interno, edifici. Pertanto, questo periodo nella storia dell'architettura e dell'arte applicata ha ricevuto il nome di Eclettico. Prodotti (lampade, secchi metallici, trogoli, piatti, sgabelli, ecc.) Stanno iniziando ad essere introdotti nella vita delle persone, e più di qualsiasi obiettivo artistico, spesso in brutti forme e scarsa qualità.

La ricerca di un nuovo stile si basa sulla reale necessità nelle condizioni della produzione della macchina, un approccio fondamentalmente nuovo alla formazione di prodotti, da un lato, e la conservazione delle tradizioni decorative del passato - sull'altro. La borghesia che si è svolta alla fine delle forti posizioni del XIX secolo nell'economia russa, ha cercato la propria ideologia artistica in architettura e design - il culto della libertà razionale e relativa dagli arcaismi della cultura nobile, incoraggiando nell'arte, tutto ciò potrebbe discutere con gli stili del passato. Così alla fine del XIX secolo, lo stile moderno è stata "nuova arte" in Belgio, Gran Bretagna e negli Stati Uniti, "YighdStil" in Germania, "Steetà Style" in Austria, "stile libero" in Italia. Il nome di esso è "moderno" (da p. Moderne) significava "nuovo, moderno" - dal lat. Modo - "Solo, di recente." Nella sua forma pura, sbiadendo e mescolando con altre correnti di stile, è durato relativamente lungo, circa il 1920, cioè circa 20-25 anni, come quasi tutte le direzioni di stile dei secoli XVII-XX.

Il moderno è diverso in paesi diversi e nel lavoro dei singoli maestri, che complica la comprensione dei compiti esitatiti. Tuttavia, l'eradicazione quasi completa di tutti i motivi e le tecniche decorativi e ornamentali precedentemente utilizzati sono stati caratterizzati, i loro aggiornamenti indigeni. Grondati tradizionali, prese, capitali, fluti, cinture della "onda in arrivo" e così via. Sostituito con piante stilizzate di crescita locale (gigli, iris, garofani, ecc.), Teste da donna con lunghi capelli ricci, ecc. Spesso la decorazione è assente a tutti e l'effetto artistico è raggiunto dall'eprezzo della silhouette, dalla forma, le linee, di regola, sono sotterraneamente verniciate, come se fosse liberamente attuale, pulsante. Nelle forme di prodotti moderni, qualche volontà frenetica dell'artista, la stringa a tensione strettamente tesa, l'esagerazione delle proporzioni è quasi sempre evidente. In manifestazioni estreme, tutto ciò è nettamente aggravato, elevato in linea di principio. A volte c'è una negligenza della logica costruttiva della forma, quasi una passione di boutoform per il lato spettacolare del problema, specialmente per risolvere gli interni, spesso efficacemente teatrhylic.

Con tutte le debolezze - stripping, a volte forme all'uncinetti, c'era un nuovo approccio alla soluzione dell'edificio, interno, la situazione con la logicità della soluzione funzionale, costruttiva e tecnologica.

Candeliere di stile moderno. L'inizio del ventesimo secolo

Set di piatti. La fine del X1x secolo.

Tabella del water della modalità di modernità. Inizia il XX secolo.

Moderno nella parte travolgente dei suoi campioni non ha rifiutato di decorare prodotti e sostituirono solo vecchi motivi decorativi e tecniche con nuove. Già all'inizio del 20 ° secolo, al momento dei trionfi di un nuovo stile, ancora, lei prima, e poi la moda alla moda per i vecchi stili è ampiamente restituita, che aveva una famosa connessione con la preparazione per la celebrazione del centro Giubileo della guerra patriottica del 1812. La mostra "Arte contemporanea", organizzata a San Pietroburgo nel 1903, ha chiaramente mostrato la nascita del "classico Moda Modern".

I risultati della modernità sono complessi. Questa purificazione dell'arte applicata e dall'eclettismo, e da "antimashinismo" delle camere d'artigianato delle camere e dai tentativi falliti di ripristinare gli stili del passato. Questo è il primo sintomo della produzione di architettura e arte applicata sul percorso di funzionalismo e costruttivismo, sul percorso del design moderno. Allo stesso tempo, troverò presto la tendenza della nazionalizzazione dello stile, moderno ha causato una nuova ondata di ricerca puramente decorativa. Molti pittori (S. Malyutin, V. Vasnetsov, A. Benua, S. GOLOVIN, ecc.) Vengono applicati all'arte applicata e all'interior design, a S. Golovin, ecc.), A "Gingerbread", ecc. In futuro , il seguente processo storico, soluzioni ai problemi attuali della produzione industriale di massa, tali esperimenti non avrebbero potuto avere un grave significato ideologico e artistico, sebbene abbiano dato un impulso allo sviluppo di un altro ramo di artigianato artistico applicato e particolarmente teatrale e scenografico .

Moderno, così com'era, cancellato e ha preparato la strada all'approvazione nell'arte di creare famiglie di nuovi principi estetici e creativi, accelerarono l'emergere di una nuova professione artistica - design artistico (design).

La registrazione del funzionalismo e del costruttivismo in direzioni speciali nell'architettura e la progettazione artistica dei paesi occidentali avvenne alla fine degli anni '10 a causa della stabilizzazione della vita e del successo dell'economia dopo la prima guerra mondiale. Ma i principi fondamentali della nuova architettura moderna sono stati determinati nel periodo prebellico nel lavoro di tali architetti, come T. Garnier e O. Perre (Francia), X. Bergrand (Olanda), A. LOOS (AUSTRIA), P. Berens (Germania), F. Wright (USA), I. Shechtel, I. Reberg (Russia), ecc. Ognuno di loro supera l'impatto del moderno e combattuto.

Nel 1918, il Dipartimento di Narkompros è formato da modalità speciali sulle questioni di architettura e industria dell'arte. L'attenzione seria è versata alla formazione degli specialisti. Nel 1920, V.I. Lenin ha firmato un decreto sulla creazione del più alto stato statale e laboratori tecnici (vHutemas). Laureati creati nuovi campioni di tessuti, mobili, piatti, ecc.

Formazione in workshop (nel 1927, l'Istituto Art-tecnico di All-Union è stato trasformato in Vhutein), condotto alle facoltà: architettonico, ceramica, tessile, ecc. Alla facoltà di legno e lavorazione dei metalli sotto la direzione di A. Rodchenko, . Lisitsky, V. Tatlin e altri maestri stavano cercando nuove forme e disegni di vari articoli. Tutte le attività di Vhowemas erano finalizzate alla formazione di studenti negli studenti in un approccio globale alla progettazione dell'ambiente oggettivo e produzione.

Negli anni '20, il flusso di "arte industriale", che ha sviluppato i principi del funzionalismo e del costruttivismo, sforzandosi di approvare l'ideale estetico di produzione materiale organizzato razionalmente nella coscienza degli artisti. Eventuali precedenti forme d'arte sono state annunciate dagli "industriali" borghesi, inaccettabili per il proletariato. Da qui, i rifiuti di loro non solo "praticamente inutili" sono le arti visive, ma anche l'intera creatività puramente decorativa, ad esempio i gioielli. Negli anni '20, le condizioni tecniche ed economiche per la realizzazione delle loro idee non sono ancora maturate.

Vhutemas e "produzione" degli anni '20 erano ideologici ed esteticamente erano strettamente correlati a Bauhauz e in una serie di punti importanti rappresentati con lui essenzialmente un corso comune nella progettazione artistica del tempo. Come parte di questo nuovo movimento, è stata formata l'estetica del design moderno, superando le contraddizioni nell'arte applicata del periodo precedente. Le pratiche attività artistiche dei fondatori del design erano anche uno sviluppo dell'Arsenale di mezzi artistici ed espressivi per creare cose. Nelle loro opere (mobili, lampade, piatti, tessuti, ecc.), La stretta attenzione è stata versata a tali proprietà di materiali e forme, come texture, colore, espressività in plastica, sistema ritmico, sagoma, ecc., Che hanno acquisito cruciale Importanza nei prodotti della composizione senza entrare nel conflitto con i requisiti della logica strutturale e della formabilità del modulo. Un'altra direzione sviluppata con successo nel nostro paese negli anni '20, progettazione ingegneristica. Nel 1925, a Mosca, il famoso vagone radio è stato eretto a Mosca dal progetto di un ingegnere eccezionale V. Shukhov, la sagoma openwork del quale era il simbolo della radio sovietica per lungo tempo. Un anno prima, Ya. Gakkel crea sulla base degli ultimi risultati della tecnica, la prima locomotiva diesel sovietica, la cui forma anche oggi sembra abbastanza moderna. Negli anni '20, la necessità di studi scientifici dell'attività umana in artificialmente creati dall'articolo sono realizzati. L'Istituto centrale del lavoro è organizzato, sono in corso studi sull'organizzazione scientifica del lavoro, della cultura della produzione. L'attenzione degli scienziati e dei designer attira la biomeccanica, gli organolettici, ecc. Tra le notevoli opere di quegli anni - il progetto del posto di lavoro del conducente del tram (N. Kornstein).

Ya. Gakkel.Locomotiva. Iniziare anni '30.

Matrimonio. Italia. XVII secolo.

Gruppo scultoreo "Inverno". Dalla serie "quattro tempi dell'anno". Germania. Meissen.

Oggetti di servizio. Francia. Sevr. 1780-1784. Porcellana morbida, pittura. Congelatore

Sala d'arte della Francia XVIII-XIX secoli

Consiglio dei ministri. Augsburg. XVII secolo. Legno, intaglio, metallo bianco, doratura, 196x135x61

Bureau-cilindro. Russia. Fine del XVIII secolo.

Vaso. Russia. Il primo quarto del XIX secolo. Vetro, verniciatura d'oro. Altezza 35.5.

Congelatore. Russia. Fabbrica di porcellana imperiale. Il primo quarto del XIX secolo. Porcellana, pittura. Altezza 40.

Le collezioni di arte decorativa e applicata sono anche associate al nome di A. P. Bogolyubov, che ha presentato 40 oggetti della vecchia porcellana all'apertura del museo, principalmente sassone. Vari utensili e mobili numerano 92 nomi. Nel 1897, dopo la morte di Bogolyubov, aveva un altro gruppo di cose, compresi i mobili, il vetro, il bronzo, i prodotti d'argento, si imbattono nel suo testamento.

Le collezioni Bogolyubovsky, in particolare la porcellana, sono state significativamente reintegrate nei primi anni post-rivoluzionari del Fondo del Museo dello Stato, dove tutte le opere nazionalizzate sono state affollate. Nel 1970, il museo ha ricevuto campioni della porcellana russa e occidentale (oltre 300 articoli), testata da O. A. Hordeva, un famoso dottore okulista saratov.

La storia di questa arte sottile e squisita va in profondità nei secoli. La porcellana è sorsata alla svolta dei secoli VII-VIII in Cina. In Europa, hanno saputo di lui nel XIII secolo. Il famoso viaggiatore veneziano Marco Polo ha portato fuori diverse navi in \u200b\u200bporcellana da parte dell'Est. L'Europa ha coperto la "febbre della porcellana", tutti volevano avere prodotti da questo bianco brillante dipinto con vernici luminose e non cocktail. Le informazioni sono state preservate che quando le cose dalla porcellana furono rotte, continuavano a conservarle, spesso i frammenti furono inviati ai preziosi metalli e indossavano gioielli. In Cina, ha apprezzato non solo la bellezza, ma anche proprietà senza precedenti. La superficie vetrata della porcellana non era soggetta ad impatti chimici, era impenetrabile. Sulle leggende porporated. Il segreto della sua produzione non poteva risolvere fino all'inizio del XVIII secolo. Ma c'erano anche molti nuovi materiali, in apparenza simile ai maestri cinesi. Quindi c'era un bicchiere di latte a Venezia, ceramica spagnola-moresta, faience in Inghilterra e Olanda.

Il primo in Europa ha ricevuto la porcellana I. F. Beter, che ha trovato i depositi di argilla bianca (Kaolina) vicino a Meisen in Sassonia. Il segreto della produzione di porcellana, sul quale ha combattuto in Europa per secoli, è stato aperto. Presto la porcellana della fabbrica di Maissen è diventata nota per tutta Europa. E ora i prodotti di questa fabbrica sono popolari con gli amanti dell'art.

Nell'incontro del nostro museo, la porcellana Maissen è presentata molto bene e pienamente. Questo include oggetti che visitano Bogolyubov e prodotti in porcellana della collezione O. A. Gordeva, così come altre mostre.

Maisen China XVIII secolo è il più grande interesse. Questa era è considerata un periodo classico nello sviluppo della porcellana europea. In questo momento, il Master cerca di enfatizzare la bianchezza e la sottigliezza della porcellana, rifornisce il materiale, tenendo conto delle sue proprietà naturali.

La fama speciale di Maisna - la prima produzione europea in porcellana è la piccola plastica. Nelle immagini di donne, Cavaliers, composizioni allegoriche e pastorali, una delle qualità dello stile di Rococò si è manifestata con una forza speciale - l'illusione di una linea di flusso fluido continuo. I nomi di Johanna Joachim Kendler e Peter Reynike sono collegati con la formazione di Plastle Meisen. Le loro opere si sono unite agli elementi della scultura e in realtà arte decorativa e applicata. La caprazza dei contorni e la bellezza del colore è che caratterizza le sculture prodotte dai loro modelli.

Due figure allegoriche della serie "Four Time of the Year" - "Winter" e "Spring", realizzate secondo i modelli di Johann Joachim Kendler, rileva le caratteristiche caratteristiche dello stile rococò in Cina. Le stagioni sono presentate nelle immagini degli antichi dei, spremuta sulle nuvole. L'inverno personifica Saturno e Hebia, primavera - Marte e flora. I gruppi scultorei sono decorati con sottili lavori con stucco, dipinti con colori vivaci, nel XVIII secolo, Maisensky Caresty era famosa.

Le qualità artistiche elevate si distinguono per una piccola collezione di prodotti della pianta di Berlino. Questi sono principalmente soggetti a impostazione della tabella e decorazione d'interni. Il dolce viola, che ha fatto la gloria di questa produzione, è dipinto da A.vatto "Kareny Cup". Adoro nei pastorali del XVIII secolo, ornamento floreale Decorato strumenti di teiere, caffettiera, vasi ornamentali.

Il gruppo di oggetti dell'impianto di Vienna è rappresentato dal XVIII - l'inizio del XIX secolo, quando le caratteristiche di un nuovo stile - un amplificatore è stato ripiegato in porcellana europea. Prendersi cura dell'alta decoratività, i maestri viennesi hanno dato la propria versione del dipinto. Nello specchio di piatti in una ricca cornice d'oro dell'ornamento, le copie dai dipinti dell'era rinascimentale erano più spesso posizionate.

Ogni paese è andato alla porcellana, produzione e tecnologia speciale e il carattere speciale dell'ornamento, a volte all'interno dello stesso stile. Su tutta Europa, i piatti francesi erano famosi per sfondi colorati: turchese, rosa, blu, con pittura in medaglioni incorniciati dall'ornamento dorato. Tale porcellana è stata fatta alla manifattura dei SEVRA - la principale produzione di porcellana di Francia.

È così dipinto da gelato blu, un vassoio e un dispositivo per spezie incluse nel servizio appartenente al Principe di Yusupov. Questo servizio è stato reso più di un anno e ha decorato i più grandi pittori della porcellana. Il gelato ha dipinto Vensan Jr., l'autore del dipinto del famoso servizio con telecamere ordinato da Severa Catherine II e ora immagazzinata nell'eremo. Il set di yusupov è stato fatto di una "porcellana morbida". E le proprietà specifiche di questo materiale, in quanto è impossibile, lo stile rococò è più abbinato ai contorni delicati e dalle linee ondulate. Le peculiarità della massa severa erano determinate dalla natura della pittura: non ci sono materiali ceramici con tali tonalità profonde di Belling con molte sfumature.

In Russia, la porcellana è stata ottenuta per la prima volta nel mezzo del XVIII secolo D. I. Vinogradov presso la pianta di porcellana imperiale (IFS) a San Pietroburgo. L'Assemblea russa del museo della porcellana rappresenta i prodotti di numerose imprese private. Il museo può essere orgoglioso dei grandi campioni di IFS, piante Gardner, Popov, Cornilov, Gullina, Safronov, avendo il loro fascino unico.

I risultati dei maestri russi nello stile del classicismo dell'inizio del XIX secolo o di un amplificatore. La porcellana russa come parte di questo stile, nonché altre industrie artistiche industriali, dà campioni eccellenti.

AMPIRE L'antichità ispirata. Nei motivi dell'arredamento, laurel ghirlande, leoni, griffins, attributi militari, ecc. Prevalga. Nelle forme, viene rivelato il monolite della massa, il loro carattere statico. Secondo le leggi di questo stile, maestri del vaso IPHS della decorazione desktop sotto forma di due figure classiche che supportano la forma ovale della ciotola. Il colore bianco di figure realizzato in biscotti (porcellana illegittima) si oppone al tono blu e alla doratura dell'oro. L'amore di un amplificatore alla luminosità e al contrasto del colore è interessato. Un altro vaso è anche un gruppo scultoreo: Venere mette la faretra con le frecce sull'amur. Tali vasi sono stati realizzati per grandi ambienti anteriori o anniversari e installati nel centro del tavolo solenne.

Le caratteristiche dello stesso stile sono distinte nel gelato sulle zampe di tre leoni di colore scuro, sotto il vecchio bronzo. Il suo colore era splendidamente combinato con glitter dorato.

I prodotti delle piante private sono di maggiore identità. Puoi parlare di porcellana Popovsky, Gardner o Safronovsky. Queste piante sono rappresentate dai soggetti non sono uniche, in contrasto con gli IFS, e i cosiddetti piatti ordinari associati alla vita di una particolare classe. L'affiliazione sociale delle cosiddette "intricate" luminose teiere luminose luminose, decorate con una pittura floreale imperiosa creata presso la pianta Popov nel 1830-1850, è facilmente indovinabile.

La fonte da cui i maghi inzuppò la forma di piatti e i motivi della pittura sono tradizionali art folk russian. Questo percorso sarà il più fruttuoso al momento dell'imminente interstille, salverà in gran parte le piante private russe in questo momento difficile da perdita, ceramica, "inevitabile in ecclimenti eclettici. Nella caffettiera della pianta di Kornilov, dipinta in un bianco Sfondo con piccole foglie d'oro e rose, le tazze verdi realizzate dai maestri della pianta Popovsky non hanno avuto alcuna maggioranza: l'equilibrio della forma e lo scopo funzionale del soggetto.

La collezione di porcellana sovietica è relativamente piccola. È rappresentato dalla porcellana di campagna, che negli anni '20 era uno dei mezzi di propaganda rivoluzionaria.

Piatto e tazze dipinte nei disegni di S. Chehonin e N. Altman, sculture N. Danko, Tarelki A. Shchchatikhina-pototsky con slogan rivoluzionari e gli emblemi del giovane stato sovietico - questo primo paese cinese dei consigli parlò con la lingua del loro tempo. È stato esposto in negozi speciali a Mosca su Kuznetsky Bridge e a Petrogrado a Nevsky. "Questa porcellana era una notizia del meraviglioso futuro, per il quale il paese sovietico ha combattuto in battaglie terribili con fame, devastazione, con intervento", scrivendo nelle sue memorie di E. Yidanko, artista e storiografo della pianta di Lomonosov (ex fabbrica di porcellana imperiale) .

Prodotti in vetro immagazzinati nel museo che prende il nome A. N. Radishchev, è stato allo stesso modo della Cina: nel 1897, dalla volontà di A.P. Bogolyubova, attraverso il Fondo del Museo di Stato, dalle collezioni private.

Una piccola, ma interessante collezione di bicchiere russa del tardo XVIII - i primi secoli XIX nel 1973 è stato dato un museo di EP.

Piante di vetro russe, pubblico e privato, sorgono all'inizio del XVIII secolo a Mosca e San Pietroburgo, vicino a Smolensk e Kaluga. La domanda di articoli in vetro sta crescendo. Il numero di piante sta crescendo. Appare sul Gus sotto il fiume Vladimir, il famoso Plant Maltsev, sotto Penza nel villaggio di Nikolsky, Plant Bakhmetyev.

Le prime opere dell'industria del vetro del XVIII secolo nella nostra collezione sono prodotti di piante private. Questo è principalmente una pendenza di vetro verde con un ornamento floreale imperioso e un'iscrizione: "Rendendo questo nella fabbrica di Gavrilovaya 726 ..." Questo è un campione precoce di piatti normali russi, che hanno fatto in grandi quantità, non ne pentiva e non si preoccupava. Invece di perduto e rotto comprato uno nuovo. Pertanto, tali piatti sono sopravvissuti a poco. Shtof è anche interessante perché è sottoscritto. Mostra la data e il luogo della fabbricazione. È noto che nel 1724 viene fondata l'impianto Gavrilov e Loginov nel distretto di Mosca. Non ci sono informazioni su questa produzione. Il nostro SHTOF dà un'idea della natura dei prodotti. Poco alla famosa impresa.

Il vetro in Russia non era praticamente segnato. Solo a partire dai 20 anni del XIX secolo (dall'era di Nicholas I) l'impianto di vetro imperiale cominciò a mettere i marchi sui suoi prodotti. La presenza di un marchio, ovviamente, non è l'unico modo per determinare il luogo e il tempo di fabbricare uno o un altro oggetto. Meravigliosi monumenti di plastica sono le tazze del XVIII secolo, alta, forma conica, spesso con coperchi, ornamenti con stemma scolpito dei campioni regnanti o di censels. I benzels sono stati incorniciati da germogli di piante e riccioli, che erano chiamati Rocail. Nella parte superiore delle tazze, il bordo avviene il modello da "pozzi" incisi e lucidati con le braccia. I rack delle gambe sono stati realizzati sotto forma di una balaustra con "mele", che si precipitò al rack a volte fino a cinque pezzi. L'incisione in questi prodotti era poco profonda e spazzata. Queste qualità si distinguono per tazze russe da tazze Boemia e Germania, immagazzinate nel museo.

Ovviamente, numerosi occhiali colorati, decantatori, fiale sono fatti su fabbriche private. Vetro colorato amato in Russia. A differenza dell'Europa occidentale, i piatti sono stati fatti qui da vetro colorato solido, che in gran numero apparsi nel mezzo del XVIII secolo. Ciò è dovuto agli esperimenti di successo di M.lonosov.

Alla fine del XVIII - i primi secoli XIX, i decanzioni ad alta sfaccettatura appaiono con tappi di forme diverse, occhiali raccolti su gambe sottili, occhiali eleganti, frizzanti con bordi e piatti consegnati, quali tavoli e forniture festive decorate. I piatti sfaccettati sono fatti di vetro incolore con l'aggiunta di piombo, dando uno splendore speciale. Si chiama cristallino e cimitero il cosiddetto "Facet Diamond". Questa tecnica è ancora utilizzata nei GlassModes.

La seconda metà del XIX secolo è stata un periodo di interesse esacerbato per l'arte decorativa e applicata, specialmente la sua storia. Ampia distribuzione riceve la raccolta di oggetti antichità. Non per caso allo stesso tempo, è stato determinato un maggiore interesse per i vecchi mobili. I collezionisti raccolgono mobili oro intagliato XVIII secolo, workshop, armadietti, cassapanche di nozze italiane e tedesche, mobili massicci di quercia e noce della Germania XVII secolo. Articoli simili erano nella riunione di Bogolyubov.

La passione per mobili antichi genera falsi, inondazioni di negozi antichi. Uno dopo l'altro a Parigi, Venezia, San Pietroburgo, laboratori che producono mobili per la produzione antica, a volte indistinguibili da genuini - l'albero è così fluido lucido, quindi le proporzioni delle sue parti strutturali sono valide.

I primi mobili dell'Assemblea del museo risale ai secoli XVI-XVII. Questo arredamento di Germania, Francia, Italia, Olanda, raccolta da A. P. Bogolyubov. Naturalmente, la nostra collezione di mobili del poro non dà motivo di parlare degli interni attuali, ma consente di presentare le caratteristiche nazionali delle opere di arte del mobile di diversi paesi in un quadro cronologico abbastanza ampio.

I mobili sono a breve durata, il materiale per la sua fabbricazione serve legno, che è facilmente sottoposto a una varietà di influenze. Morì molto sia dai disastri naturali o come risultato di guerre e per ragioni associate all'influenza della moda. I mobili si riferiscono agli articoli dei consumatori. Ciò significa che nel tempo si consuma e deve sostituire il nuovo. Poco mobili sopravvissuti dall'alloggiamento delle persone semplici. Tuttavia, le principali fasi della storia dell'arte dei mobili di alcuni paesi europei possono essere rintracciate sui soggetti del nostro incontro.

In Italia del XVI secolo, una sedia in legno massello è stata realizzata con una schiena scolpita, stallo di nozze, una fornitura di lavori veneziani, altare. Per la fabbricazione di questo mobile, è stata utilizzata una noce di un tono marrone, caratteristico del materiale in Italia, che consente al Maestro di raggiungere un grande effetto artistico. I motivi del filo sono stati disegnati dal patrimonio dell'arte antica. Nella legge nuziale, ovviamente, il lavoro fiorentino sorprende la rara unità della forma e dell'ornamento, che ha distinto i lavoratori dei mobili dell'Italia XVI - l'inizio dei secoli XVII.

I mobili di questa epoca nella sua logica costruttiva sono simili alle strutture architettoniche. L'altare viene risolto sotto forma di un portale con colonne, un vitigno alato, con un podio in una nicchia per una figura della Madonna - questi elementi di architettura sono estremamente caratteristici dei mobili dei secoli XVI-XVII. Questo è particolarmente sentito nei mobili dell'armadio realizzati nel sud della Germania. L'armadietto si trasforma in una somiglianza di un edificio a due piani, ogni piano del piano che è separato da una cornice. I livelli sono redatti da colonne o pilastri. Armadi pieghevoli Assomigliano a portali o Windows condivisi con platbands o frontoni. Tutti questi dettagli architettonici sono rafforzati con colla e sono ancora, infatti, una decorazione che nasconde il design del cabinet composto da due casse. Questa impressione è migliorata dai trigger pieghevoli sulle sue facciate laterali. È così progettato da un armadio, decorato con un tappo (coscia su un albero, un difetto di legno che dà una ricca trama bella). Gli armadietti sono stati necessariamente forniti con ripiani, e i vestiti in loro sono stati conservati in piegati. Potrebbero anche servire per lo stoccaggio di vari utensili.

Tradizionale per la Germania dei secoli XVI-XVII può anche essere considerata la forma di una sedia da cernio pieghevole e la cosiddetta. Negli antichi era un simbolo di potere. Solo seduto su tale poltrona, era possibile finire la corte e il massacro. Una tale sedia era solitamente indossata dietro i consoli, i più alti leader militari, i dittatori. I supporti curvi lisci, realizzati con diverse doghe strette, sono incrociate e per la forza sono collegate da barre trasversali, e la scheda rimovibile inserita nella parte superiore della sedia come un montante.

Dal XVI secolo, una forma peculiare della sedia apparve in Germania, che è stata distribuita nell'arte del mobile di questo paese nel XVII secolo - la cosiddetta sedia contadina. Un'intera serie di prodotti simili con varie opzioni per lo stesso ornamento ha il nostro museo. Il prototipo di tale sedia è stato il primo semplicemente in legno massello, purificato da rami e fortificato per la stabilità di tre gambe. E per un confortevole custodia urbana, le sedie sono state realizzate su quattro gambe - campioni di alta padronanza. In alternativa, hanno solo una tavola che serve indietro. Può non essere solo di dado, ma da quercia e pino. Dipende dal luogo di produzione del soggetto. Nel filo, di regola, vengono utilizzati i motivi di un ornamento grottesco, che è spesso fantasia da trasformare in un modello favoloso.

Il XVII secolo fa molte cose nuove nell'arte dei mobili. Ciò è dovuto principalmente alle trasformazioni sociali in Europa, che ha portato a un cambiamento nella posizione della terza tenuta. Essendo arrivato al potere, coltiva la modestia, la semplicità, la santità di un focolare familiare. I mobili olandesi sono molto richiesti, esportati in tutti i paesi. Sull'altro polo - Francia, nell'arte del quale il magnifico stile solenne è trionfo.

Nella nostra collezione di mobili c'è solo un articolo caratteristico del fumetto del palazzo del XVII secolo. Questo è il cosiddetto armadio - un armadio con un sacco di cassetti, uffici, con un consiglio retrattile. È fatto dai maestri della città di Augsburg, decorato con la facciata di sovrapposizioni in metallo con un'immagine di animali, colonne dorate contorte. Il consiglio è realizzato con preziose specie di legno.

Tali cabine apparvero nel XVI secolo. La loro patria è la Spagna. I primi armadi erano filtri sulla previsione. Nel XVII secolo, questi sono già grandi armadi che sono diventati parte della decorazione della stanza chiamato il gabinetto. Gli armadietti mantenevano medaglie, lettere, gioielli.

La maggior parte della collezione di mobili russi, che comprende opere dei secoli XVIII-XIX, è realizzata in piccoli workshop privati, o lavoratori mobili della nobile tenuta. I maestri hanno contribuito alle loro opere una varietà di gusti artistici, tutte le conoscenze e le abilità accumulate da loro, lavorazione del legno, decorazione e arredamento. Si riflettono principalmente sulle forme di mobili domestici del tempo che ha sperimentato l'enorme influenza dell'arte folk. Questo si manifestava non solo in forme e decorazioni, ma nella scelta e nella lavorazione del legno. La betulla e il pioppo Karelian stanno diventando un materiale preferito alla fine del XVIII secolo. Si applicano solo in Russia.

Ogni paese dell'arte dei mobili era o un altro stile, come l'Italia nell'epoca del Rinascimento, o il luogo di nascita dei famosi maestri principianti, come T. Chippendal in Inghilterra o J.Jacob in Francia.

I mobili russi sono rappresentati principalmente dagli articoli degli interni nobili del primo terzo del XIX secolo. È stata una delle epoche più brillanti della storia dell'arte decorativa e applicata della Russia e dei mobili in particolare. Nell'arte dei primi decenni del XIX secolo, lo stile Ampire, originario della Francia e divenne proprietà dell'intera Europa. La sua speciale, la versione originale di questo stile è data dalla Russia in cui è diventato espressivo di idee elevate e progressive. Caratteristica della decorazione dell'ampira, il desiderio di monumentalità e la generalizzazione di forme è stato determinato nel mobile stesso e nella selezione del materiale e della natura della sua interazione con la forma e l'arredamento. Il materiale principale dei maestri russi-moreitureeeeeeeers sarà un mogano e una betulla kareliana, che li amavano per la bella consistenza del legno.

I mobili immagazzinati nel nostro museo sono presi principalmente dalle mani dei maestri della fortezza ed è la possibilità di un'emergenza che è ampiamente entrata nella vita della nobiltà russa. È più semplice del mobile del palazzo. Questo mobile è entrato nel museo dopo la rivoluzione socialista del grande ottobre dalle proprietà circostanti, nelle case urbane e non solo il valore artistico, ma anche storico.

Mobili particolarmente vari per i sedili. Due sedie accoppiate con schiena scalata openwork decorate con bugie dorate - un esempio di mobili per la casa russa del primo quarto del XIX secolo. Ci sono forme, quasi private di gioielli, betulla kareliana di fan del colore dorato con gli occhi neri.

In questo momento, un'altra stanza appare all'interno della nobile tenuta, il cosiddetto divano, e la sua appartenenza indispensabile è un divano. Tipicamente, questi sono divani morbidi, rettangolari, avvitati e gomiti attraverso la betulla kareliana o l'albero rosso, che hanno ricevuto diffuso in quegli anni. Nell'interno, il divano è stato combinato con poltrone e un tavolo predominante. Tali varianti si trovano nella nostra esposizione e prove già sugli interni attuali in un'era di Ampyr. Questo mobile è diverso dalla parata: c'è meno doratura, invece di bronzo, viene applicato un albero, dorato a Levvka, una delle tradizionali tecniche di lavorazione del legno sono conservate, così amate dai maestri russi, intagliando.

I collezionisti del museo continuano. Negli ultimi anni, la raccolta di arti decorative e applicate è stata rifornita con mostre interessanti, il meglio di cui ha trovato il loro posto nell'esposizione.