Arti decorative e applicate. arti e mestieri

Folk e arti e mestieri sono parte integrante della cultura artistica. Le opere d'arte applicata riflettono le tradizioni artistiche della nazione, la visione del mondo, la percezione del mondo e l'esperienza artistica delle persone, preservano la memoria storica.

Oggi è ovvio che l'arte popolare è una parte a tutti gli effetti della cultura artistica e solo pochi decenni fa gli scienziati dovevano dimostrarlo.

L'arte popolare si sviluppa secondo le proprie leggi, determinate dalla sua essenza, e come un tipo indipendente di creatività interagisce con un altro tipo di creatività: l'arte degli artisti professionisti.

È particolarmente importante notare che l'arte popolare, come parte della cultura spirituale, può essere fonte di idee e ispirazione per artisti professionisti. I dipinti dei notevoli maestri antichi A. Venetsianov, V. Vasnetsov, M. Vrubel, K. Petrov-Vodkin, V. Popov incarnano idee popolari sul mondo, la grandezza dell'uomo e della natura, la comunanza delle tradizioni nell'antica arte russa e arte popolare.

Un certo numero di artisti professionisti contemporanei che lavorano nel campo della pittura, della grafica, del tessile, della tessitura dei tappeti, della lavorazione artistica

vetro, ceramica, legno, metallo si riferiscono anche all'arte popolare.

In senso lato arte popolare (folklore) -è creato "dal popolo sulla base dell'esperienza creativa collettiva, delle tradizioni nazionali e della poesia popolare (leggende, fiabe, poemi epici), musica (canti, melodie, commedie), teatro (dramma", teatro dei burattini, commedie satiriche), architettura della danza, arti visive e decorative applicate.

Le opere d'arte popolare hanno valore spirituale e materiale, si distinguono per la loro bellezza e utilità. Gli artigiani delle arti e dei mestieri popolari creano le loro opere da una varietà di materiali. I più comuni sono la ceramica artistica, la tessitura, il merletto, il ricamo, la pittura, l'intaglio del legno o della pietra, la forgiatura, la fusione, l'incisione, la cesellatura, ecc...

Di grande importanza nell'arte popolare è ornamento, che adorna l'oggetto (cosa) o ne è l'elemento strutturale. Motivo: Gli ornamenti hanno antiche radici mitologiche.

Ci sono due direzioni nell'arte popolare: artigianato artistico urbano e arti e mestieri popolari. Come esempio di artigianato artistico tradizionale, si possono citare: pittura su legno Khokhloma, Gorodets, Severnaya Dvina) e su porcellana (Gzhel), giocattoli di argilla (Dymka, Kargopol, Filimonovo), matrioske (Sergiev Posad, Polkhov - Maidan), vassoi (Zhostovo), miniature in lacca (Fedoskino, Palekh, Kholui), sciarpe (Pavlovsky Posad), giocattoli in legno intagliato (Sergiev Posad, Bogorodskoe), gioielli (Kubachi), ecc.

L'arte popolare vive da secoli. Le abilità dell'artigianato tecnico e le immagini trovate vengono tramandate di generazione in generazione, rimanendo nella memoria degli artisti popolari. Per questo la tradizione, consolidata da secoli, riflette solo le migliori realizzazioni creative.

Arte decorativa - questo è uno dei tipi di arti plastiche. Le arti decorative sono divise in quelle direttamente legate all'architettura - arte decorativa monumentale(vetrate, mosaici, murales su facciate e interni, sculture decorative di giardini e parchi, ecc. arti e mestieri (prodotti d'arte per la casa)

Le arti decorative hanno molto a che fare con l'industria delle arti e design. Insieme all'architettura e al design, forma un ambiente materiale-oggetto-spaziale, introducendo in esso un principio estetico e figurativo. Recentemente, l'arte della decorazione è stata attribuita al design. Le opere d'arte decorativa sono sempre legate all'ambiente cui sono destinate, e di solito costituiscono insieme.

Arti decorative e applicate - l'area delle arti decorative: con la costruzione di prodotti artistici che hanno uno scopo pratico nella vita di tutti i giorni: e si differenziano per immagini decorative (stoviglie, mobili, tessuti, vestiti, gioielli, giocattoli, ecc.). Tutti gli oggetti che circondano una persona dovrebbero essere non solo comodi, pratici, ma anche belli. Il soggetto dovrebbe essere espressivo nel suo insieme: nel design, nelle proporzioni, nei dettagli e nella decorazione. Decorare una brocca con motivi, intagliare un tagliere, legare un tovagliolo di pizzo, tessere motivi su tessuto: tutto ciò richiede una grande abilità. Probabilmente, tali oggetti decorati con ornamenti sono riferiti ad arti e mestieri anche perché è necessario metterci le mani per creare questa straordinaria bellezza. Il beneficio e la bellezza sono sempre vicini quando gli artisti si mettono al lavoro e da una varietà di materiali (legno, metallo, vetro, argilla, pietra, tessuto, ecc.) creano oggetti per la casa che sono opere d'arte.

Un'altra area di arti e mestieri è associata alla decorazione della persona stessa: la creazione di un costume artisticamente eseguito che costituisce un insieme insieme a un copricapo, scarpe e gioielli. Ma ultimamente si fa sempre più riferimento al costume al design della moda. Tuttavia, gli oggetti decorativi dimostrano non solo il gusto estetico e l'immaginazione dell'artista. Loro, così come nelle opere di altri tipi d'arte, riflettono gli interessi materiali e spirituali delle persone. "E sebbene oggi i prodotti dell'arte applicata siano creati dall'industria dell'arte, conservano in gran parte caratteristiche nazionali. Tutto ciò ci consente di dire che nell'arte decorativa di determinate epoche storiche, le caratteristiche dell'unità stilistica sono chiaramente espresse, ad esempio il periodo del gotico, dell'Art Nouveau, del Classicismo, ecc.

Come si può sapere se un determinato pezzo è un'opera d'arte e artigianato? A volte ragionano in questo modo: se un vaso ha una bella forma, ma non è decorato con nulla, allora non è un'opera d'arte decorativa, ma vale la pena metterci una specie di motivo, quindi si trasformerà immediatamente in un lavoro. Questo non è vero. A volte gli ornamenti che adornano il vaso lo rendono un falso insipido, lo trasformano in kitsch. Al contrario, un vaso fatto di pura argilla o legno può essere così sorprendente nella sua perfezione che il suo valore artistico diventa evidente.

Quali sono le somiglianze e le differenze tra le opere di arti e mestieri popolari e professionali? Come si fa a sapere se un vaso o un tappeto è un'opera d'arte decorativa popolare o professionale?

Forse il livello di istruzione di un maestro o di un artista aiuterà qui? No, non aiuterà, sebbene sia generalmente accettato che un maestro popolare non abbia un'istruzione speciale, ma un artista di arte applicata deve assolutamente laurearsi in un'istituzione educativa speciale. Tuttavia, oggi ci sono istituzioni educative specializzate che formano specialisti per centri come Gzhel, Fedoskino, Semenov, ecc.

A volte, secondo il metodo di creazione di una cosa, la quota di lavoro manuale in questo processo, la circolazione di massa di opere d'arte applicata, cercano di fare riferimento all'arte decorativa popolare o professionale. È estremamente difficile farlo, poiché a volte i prodotti dell'arte popolare vengono creati nelle fabbriche e talvolta le opere decorative di artisti professionisti vengono create in una copia.

Un'opera d'arte oggi, così come cento anni fa, viene eseguita principalmente da un artigiano popolare a mano. Allo stesso tempo, il maestro può lavorare sia da solo che in squadra, così come in laboratori organizzati e persino nelle fabbriche nei centri di arti e mestieri popolari tradizionali. Di norma, le opere di arte decorativa e applicata sono create da artisti di imprese del settore artistico o laboratori. Sono coinvolti sia nella produzione di oggetti decorativi prodotti in serie, sia nella creazione di disegni individuali dell'autore. Gli artisti professionisti nel loro lavoro possono fare affidamento sulle immagini della cultura artistica mondiale, a loro modo rifrangere le tradizioni dell'arte popolare o seguire completamente solo la loro individualità e immaginazione.

Probabilmente, la cosa più importante nel determinare quale tipo è abile, per portare questa o quella cosa, è determinare nell'ambito di quale composizione artistica è stata creata, se le caratteristiche del tipo di immagine di uno specifico vengono osservate durante l'elaborazione il materiale.

Le creazioni di maestri popolari e artisti applicati sono unite dalla premurosità delle forme, dall'opportunità delle proporzioni, dalla disposizione stilistica di tutti gli elementi.

La capacità di analizzare i mezzi espressivi dell'immagine artistica nell'arte popolare e decorativa è necessaria affinché il top senta e impari a comprendere meglio il generale e lo speciale in essi.

A questo proposito, una delle più importanti diventa la questione del rapporto tra la fisicità pittorica nelle opere decorative, ciò che in esse è predominante. rappresentazione o plasticità. Va detto della complessa interazione degli inizi di plastica e pancia nell'arte decorativa. In alcuni oggetti la plastica porta l'inizio dei pittoreschi: ceramiche Skopinskaya, Kargopol, giocattoli Dymkovo. La sintesi della parte e del tutto è obbligatoria per un maestro folk, come se la sua tavolozza si espandesse, qualunque cosa prevalga: il principio visivo o mentale.

L'espressività della linea, della silhouette, del ritmo, del colore, delle proporzioni, della forma, dello spazio in ciascuno dei tipi di arte decorativa dipende in gran parte dai materiali utilizzati e dalla tecnologia della loro lavorazione.

Il rapporto tra forma e materiale è evidente. La plasticità dell'argilla, del legno, la fragilità e la trasparenza del vetro, la forza del metallo consentono di creare vasi di varie forme, la sua migliore soluzione artistica è dovuta alle proprietà del materiale.

Un artista popolare o un artista di arti e mestieri nel suo lavoro cerca di mostrare nel modo migliore le proprietà estetiche dei materiali: legno, tessuti, metallo, ceramica, vetro, carta, pelle, pietra, ecc.

La decoratività nelle arti popolari e decorative applicate è il mezzo principale per esprimere la bellezza, allo stesso tempo è una caratteristica di opere di altri tipi di arte.

Va tenuto presente che in ogni tipo di arte, arte: l'immagine ha una sua struttura, dovuta, da un lato, alle peculiarità dell'espressione del contenuto spirituale, e dall'altro alla natura tecnologica del il materiale in cui questo contenuto è incarnato. L'immagine artistica nell'arte applicata popolare e decorativa ha entrambe le caratteristiche distintive.

Un'immagine decorativa non esprime una singola, ma generale - "specifica", specifica "(foglia, fiore, albero, uccello, cavallo, ecc.). Un'immagine decorativa richiede un pensiero artistico e figurativo, un atteggiamento mito-poetico nei confronti della realtà.

Pertanto, nell'arte popolare, è consuetudine distinguere i tipi di immagini di prodotti dell'artigianato artistico tradizionale, che riflettono le idee mitologiche ed estetiche delle persone. Ad esempio, l'immagine di un uccello, un cavallo, un albero della vita, una donna, segni-simboli della terra, dell'acqua, del sole può essere vista in vari materiali artistici: ricamo, tessitura, pizzo, pittura su legno e metallo, scultura in legno, ceramica, ecc. il carattere tradizionale di queste immagini, la loro natura archetipica per molti aspetti determinano l'alto valore artistico ed estetico delle opere d'arte popolare.

Allo stesso tempo, l'universalità dei tipi di immagine nell'arte dei diversi popoli del mondo mostra la loro unità, associata alla comunanza degli approcci al processo di conoscenza estetica dei fenomeni naturali e sociali.

Le immagini nelle arti decorative professionali riflettono anche le idee di un particolare popolo sulla bellezza. Anch'essi sono spesso creati sulla base di motivi naturali o geometrici, ma qui è consentita una grande libertà nell'interpretazione delle immagini. Trame storiche o temi della vita moderna sono attivamente utilizzati nelle opere d'arte applicata.

Ora consideriamo le somiglianze e le differenze nei concetti di "immagine artistica", "simbolo" e "segno" sull'esempio di opere di arte decorativa popolare. Il concetto più capiente e sfaccettato sarà quello di “immagine artistica”. In alcuni casi, un simbolo è un segno dotato di una polisemia organica e inesauribile di un'immagine. In altri, il simbolo non equivale all'artistico

immagine, ma, cosa particolarmente importante, deve sempre avere un valore artistico. Pertanto, un'immagine artistica non ha sempre un significato simbolico e un simbolo non è sempre figurativamente espressivo. Un'immagine del segno, di regola, non ha alcun significato figurativo e simbolico, sebbene nell'arte popolare molto spesso tutti i segni siano simboli, e talvolta "anche immagini. Takal la polisemia delle immagini-simboli e segni-simboli nell'arte decorativa popolare presenta una certa difficoltà. Ad esempio, un uccello nella pittura di Gorodets o nella ceramica di Gzhel ha immagini diverse. Se parliamo di un uccello in generale, non sarà l'immagine di un uccello specifico, e nemmeno l'immagine di un uccello nel tradizioni di alcuni mestieri, ma un'immagine vicina al segno. il simbolo del sole può essere un'immagine decorativa di un gallo. D'altra parte, un certo numero di simboli può avere non uno, ma diversi significati. Quindi, un simbolo di il sole può essere non solo un gallo, ma anche un cavallo.Un tale sistema simbolico-poetico trae origine da segni-simboli, associati al culto delle divinità naturali.

Analizzando i meriti artistici di una particolare opera di arte decorativa popolare o professionale, è necessario prestare attenzione alla sua soluzione figurativa, tenendo conto delle peculiarità del materiale, dell'espressività della forma e delle proporzioni, della soluzione cromatica, della connessione dell'ornamento con la forma di prodotti, pregi plastici, pittorici o grafici della cosa. Allo stesso tempo, è importante notare come le ripetizioni ritmiche, le caratteristiche compositive della costruzione di un ornamento e delle cose in generale influenzino la sua soluzione figurativa.

Se impari ad analizzare bene l'immagine in uno qualsiasi dei sistemi artistici, si apriranno le opportunità più ricche per rivelare le interconnessioni tra mezzi artistici ed espressivi.

Arti e mestieri popolari e professionali sono interpretati come arti che servono i bisogni di una persona e allo stesso tempo soddisfano i suoi bisogni estetici, dando vita alla bellezza.

Tuttavia, è necessario essere consapevoli delle differenze significative tra questi tipi di arti. L'arte popolare, trasformando la realtà, è considerata dai critici d'arte moderna come un tipo speciale di creazione artistica, le cui caratteristiche distintive sono: l'origine e le tradizioni collettive, la stabilità di temi e immagini, l'universalità del linguaggio, comprensibile a tutti i popoli del mondo, l'umanità universale dei valori spirituali. Tutte queste caratteristiche dell'arte sono determinate da una percezione olistica del mondo.

Le qualità indicate sono ugualmente inerenti sia alle arti e ai mestieri popolari, sia al folklore orale, musicale e poetico, al gioco, alle forme drammatiche e di altro tipo di arte popolare.

L'arte popolare è un fenomeno olistico, poiché la sua base è la vita e la vita quotidiana delle persone, le loro idee sull'universo, il lavoro, i rituali e le vacanze. Il pensiero figurativo della gente si materializza negli oggetti dell'arte popolare. Nel corso dei secoli, vari tipi di arte popolare si sono sviluppati e migliorati in unità: arte popolare orale, folklore musicale, arti e mestieri, architettura.

I risultati dell'attività artistica e creativa delle persone riflettono la loro vita, i punti di vista, gli ideali, quindi l'esperienza di sentimenti morali, conoscenza, comportamento è contenuta nelle opere di arte popolare. Unica e ricca di contenuti, l'esperienza conferisce all'arte popolare un valore unico come mezzo di educazione morale ed estetica di una persona. Pertanto, in questo contesto, costituisce un'area così importante della vita sociale come la pedagogia popolare. La multifunzionalità dell'arte popolare ci permette di considerarla come un'enorme forza che influenza l'individuo e la società.

L'arte popolare è, prima di tutto, un enorme mondo di esperienza spirituale delle persone, le sue idee artistiche sono parte integrante della cultura. L'arte popolare si basa sull'attività creativa delle persone, che riflette la loro autocoscienza e memoria storica. La comunicazione con l'arte popolare, con i suoi ideali morali ed estetici sviluppati nel corso dei secoli, svolge un importante ruolo educativo. L'attrazione dell'arte popolare per una persona e l'impatto sulle sue sfere intellettuale ed emotivo-sensuale aprono grandi opportunità per l'uso di prodotti dell'artigianato tradizionale dell'arte popolare nel sistema educativo.

I fondamenti teorici dell'arte popolare, la sua essenza e il suo significato come sistema artistico nel suo insieme sono stati confermati dai principali scienziati russi A.B. Bakushinsky, I.Ya. Bagusslavskaya, G.K. Wagner, V.S. Voronov, M.A. Nekrasova, S. B. Rozhdestvenskaya, AB Saltykov e altri. Nei loro scritti, le principali leggi dello sviluppo dell'arte popolare erano determinate dal "principio collettivo" e dalla "nazionalità".

Uno dei primi ricercatori dell'arte popolare, che riconobbe l'alto valore artistico e scientifico dell'arte "contadina", fu VS Voronov. Ha definito le tradizioni artistiche come "stile folk". Lo scienziato credeva che la tradizione fosse in grado di cambiare, internamente ed esternamente, mobile.

Per molto tempo, il tradizionalismo dell'arte popolare è stato inteso principalmente come l'antichità delle sue immagini, forme e tecniche, la stabilità della loro conservazione e continuità nello sviluppo.

Gli autori di studi moderni nel campo della storia dell'arte vedono le tradizioni come un fenomeno dialettico associato non solo al passato, ma anche al presente e al futuro. Nella comprensione di S.B., la tradizione natalizia è un tesoro di tutto ciò che è esteticamente perfetto che è stato tramandato di generazione in generazione, un complesso di mezzi visivi che sono stabili e mutevoli allo stesso tempo.

La formazione e lo sviluppo delle tradizioni dell'arte popolare di una particolare area è avvenuta sotto l'influenza di fattori naturali-geografici, culturali e socio-economici.

MA Nekrasova considera l'arte popolare come un sistema creativo, culturale, storico che si afferma attraverso la continuità di tradizioni, funzioni come un tipo speciale di creazione artistica nell'attività collettiva del popolo. E ogni nazione porta con sé la propria cultura di tradizioni poetico-figurative e artigianali. Hanno preso forma nel corso dei secoli e sono stati lucidati da molte generazioni di persone. Le tradizioni nell'arte popolare trasmettono non solo l'artigianato, ma anche immagini, motivi popolari, principi e tecniche artistiche. Le tradizioni costituiscono gli strati principali della cultura dell'arte popolare - scuole e allo stesso tempo determinano la particolare vitalità dell'arte popolare.

Il potere della tradizione per lo sviluppo dell'arte popolare non può essere sottovalutato. M.A. Nekrasova sostanzia giustamente la ricchezza artistica di immagini, forme, mezzi e tecnologia proprio con questo. Lei crede che solo particolarmente peculiare nei sistemi nazionali, nei sistemi regionali, nei sistemi di scuole di arte popolare, può determinare la vita dell'arte popolare come centro culturale, solo una tradizione viva fornisce un modo per il suo sviluppo. Legge della tradizione si scopre la forza principale dello sviluppo.

La tradizione, portata avanti nei secoli, non interferisce con la manifestazione di un senso di modernità. Nell'arte popolare, si esprime non tanto nei segni esteriori del tempo, sebbene, ovviamente, si verifichino anche nella capacità di rispondere alle esigenze di oggi in una forma tradizionale. Ciò si riflette principalmente nella percezione del mondo, nell'idea di bellezza.

È molto importante che l'arte popolare, con la sua metafora e il suo simbolismo - creatività vivente e allo stesso tempo memoria storica vivente, memoria delle origini della cultura. Porta l'esperienza di conoscere il mondo. L'integrità dell'arte popolare come struttura artistica è la chiave per comprenderla. Tradizione in questo caso - metodo creativo.

“Considerando la tradizione come vivente, dobbiamo prima di tutto intenderla come un rapporto olistico con il mondo. Solo allora l'arte popolare sarà rivelata nell'intero volume del suo significato, contenuto ideologico ed estetico-emotivo. Tuttavia, l'integrità non significa l'immutabilità dell'arte popolare.

Le immagini sono i motivi originali della costante arte popolare reinterpretati in nuove relazioni, allegando loro nuove esperienze e idee. Da qui deriva la sua varietà di forme. Tuttavia, allo stesso tempo, lo speciale non dovrebbe scomparire, mettendo in evidenza questo o quel centro di arte popolare nelle sue caratteristiche nazionali e regionali; al contrario, risulta essere una condizione necessaria per la diversità artistica ”, - ritiene MA Nekrasova 1.

La tradizione agisce nell'arte popolare sotto forma di un sistema per il quale sono importanti i seguenti aspetti: il legame tra l'uomo e la natura, l'espressione nazionale, le scuole di arte popolare (nazionale, regionale, regionale, scuola di artigianato individuale).

La definizione più completa del concetto Skodaè stato dato da M.A. Nekrasova. Crede che questo concetto includa necessariamente la continuità culturale, cioè l'arte popolare - artistica y / nostro, plasmato dalla tradizione. Così, nell'arte popolare, la scuola è considerata come le abilità di artigianato, tecniche professionali e sistemi artistici che sono fissati dalla continuità delle tradizioni e caratteristici di un dato centro di arte popolare, e non nel significato di un luogo di formazione per maestri.

La continuità delle tradizioni forma la cultura popolare artistica della regione, mantiene l'alta professionalità dell'arte popolare. È questa qualità che consente di evidenziare le caratteristiche di una particolare scuola come comunità creativa. Solo la scuola, come continuità culturale, determinata dall'esistenza della tradizione, è in grado di fornire una tale base artistica che rende viva l'arte popolare nel tempo, consente lo sviluppo dell'artigianato artistico.

La persona principale nell'artigianato artistico è un maestro popolare, una personalità creativa speciale, connessa spiritualmente con la gente, la cultura, la natura, la stola, la portatrice di tradizioni e di esperienza collettiva.

"In ogni tocco delle mani del maestro alla grotta creata, la sensazione di bellezza, organica alla struttura interna della percezione delle persone, è ingrassante. espresso temperamento nazionale e carattere nazionale. Sono loro che determinano in gran parte la diversità delle forme di arte popolare.

Nell'arte popolare, l'abilità artistica, l'abilità tecnica, i metodi di lavoro, i motivi vengono passati da maestro a studente. Il sistema dell'arte è elaborato collettivamente".

Dopo averli padroneggiati, gli studenti hanno l'opportunità di variare i loro motivi preferiti per la pittura. E solo sulla base dell'esperienza acquisita passano all'improvvisazione basata sulla pittura, componendo le proprie composizioni. Se tutto passa attraverso la fase della ripetizione e della variazione senza fallo, allora a livello di improvvisazione possono lavorare solo gli studenti più talentuosi, che possono diventare veri maestri del loro mestiere.

Opere di arte decorativa popolare e professionale decorano e trasformano la vita.

3. Composizione nelle arti popolari e decorative

La composizione come rapporto significativo di parti di un'opera d'arte nell'arte popolare e decorativa può essere costruita secondo vari schemi. I seguenti elementi attivi della composizione decorativa si distinguono convenzionalmente: colore, ornamento, trama (tema), soluzione plastica planare o volumetrica.

Per comprendere le leggi compositive è necessario percepire l'immagine di una cosa artistica o di una composizione spazio-volumetrica nel suo insieme.

Il colore (uno dei mezzi di espressione nell'arte popolare e decorativa) è considerato il componente più importante di un'immagine decorativa. Non è associato a caratteristiche specifiche dell'oggetto o del fenomeno rappresentato. Ogni centro di arte popolare crea le proprie soluzioni coloristiche per le cose artistiche associate alla tecnologia tradizionale di lavorazione dei materiali, alla conservazione degli archetipi e ad altre condizioni della creatività collettiva. Il raggiungimento dell'espressività nel lavoro decorativo è associato ai contrasti tonali e di colore.

Nel lavoro decorativo, gli artisti si occupano anche dell'equilibrio armonioso dei colori e i colori reali degli oggetti possono essere sostituiti da quelli simbolici. L'unità coloristica di tutti gli elementi ornamentali si ottiene attraverso contrasti di colore o sfumature. Quando si scelgono le relazioni cromatiche nel lavoro decorativo, vengono prese in considerazione le dimensioni delle parti del disegno, la loro disposizione ritmica, lo scopo della cosa e il materiale con cui è realizzato.

L'ornamento come parte dell'immagine decorativa di una cosa gioca un ruolo molto importante nel plasmare il suo aspetto. Uno stesso vaso, decorato con ornamenti diversi, acquisisce ogni volta un nuovo immaginario, e quindi una diversa espressività. La posizione dell'ornamento e

solo con una striscia sottile, altrimenti la sua intera superficie può essere ornata. Quando si decora un oggetto, è indispensabile tenere conto della relazione tra l'ornamento e la forma dell'oggetto. Un fiore grande e un fiore altrettanto piccolo decorano la tazza in modi completamente diversi.

Piatti in ceramica, vassoi di metallo o scatole di cartapesta sono decorati non solo con ornamenti, ma anche con disegni di trama. Di solito vengono eseguiti senza riguardo alla prospettiva, poiché i disegni dovrebbero enfatizzare il piano e non mostrare la profondità.

Nella scultura decorativa o su vasi di ceramica, tema e trama possono essere espressi in modi diversi. Ad esempio, nelle ceramiche Gzhel, la scena del bere il tè è raffigurata su piatti o modellata in piccola plastica. E la nave si trasforma facilmente in un animale o in un uccello.

La composizione decorativa tematica ha le sue leggi, il suo linguaggio artistico. Lei, come ogni opera d'arte, parla di persone, cose o eventi. Ma allo stesso tempo, la storia pittorica è subordinata a scopi decorativi, di regola serve per decorare il soggetto. Pertanto, la composizione decorativa è anche correlata all'ornamento. Le sue opzioni sono innumerevoli a seconda di compiti specifici e le possibilità artistiche possono essere ampliate utilizzando una varietà di materiali e tecniche, cambiando lo scopo e la scala dell'immagine.

Il tema di una composizione decorativa può essere espresso in modi che lo distinguono fondamentalmente dalla composizione di un dipinto. Le relazioni spaziali di natura reale possono essere completamente assenti. L'immagine del paesaggio può svolgersi non in profondità, ma verso l'alto, in questo caso, i piani distanti sono posizionati sopra quelli vicini.

Una composizione tematica decorativa è un mondo artistico speciale con un proprio ordine condizionale, e talvolta con una propria architettura e caratteri specifici, facilmente riconoscibili, che si relazionano tra loro in modo completamente diverso rispetto alla realtà.

Spesso l'immagine è combinata con un ornamento e acquisisce un carattere quasi ornamentale, come se si "diffondesse" lungo un piano, dovuto alla generalizzazione delle forme, alle caratteristiche cromatiche convenzionali. Nonostante tutta l'originalità dell'immagine decorativa, non esclude affatto la narrazione, non è privata dell'opportunità di condurre una trama divertente. Anche le illustrazioni per il libro possono essere realizzate in modo decorativo.

Nella composizione decorativa, l'espressività della silhouette, la bellezza grafica dei contorni e delle linee delle figure acquisiscono un ruolo speciale; è molto importante trovare il corretto rapporto di colore e tonalità delle figure e dello sfondo della composizione, poiché sono quelli che sono importanti nella stilizzazione.

I principali schemi compositivi e modelli di composizione decorativa sono gli stessi di quando si costruisce un'immagine (cerchio, triangolo, quadrato, ovale, ecc.). La composizione può essere simmetrica e asimmetrica, aperta e chiusa. Il movimento rapido può essere trasmesso da una composizione disposta in diagonale. Ciascuno dei suddetti mezzi espressivi in ​​una composizione decorativa ha la sua particolarità.

Uno dei principali mezzi di espressione artistica di una composizione decorativa è il ritmo. Una chiara organizzazione ritmica di forme, linee, macchie di colore, relazioni di tono è la chiave per costruire immagini e motivi decorativi.

Una proprietà organica di una composizione tematica decorativa è una trasformazione decorativa di qualsiasi natura, che rivela l'eleganza, il colore, l'ornamento del mondo circostante, il rispetto di una certa misura della convenzionalità dell'immagine. La generalizzazione abile della forma non danneggia minimamente l'espressività. Il rifiuto dei dettagli minori rende più visibili i dettagli principali, li fa suonare in piena forza.

Il tema in una composizione decorativa può essere generalizzato quasi a un simbolo e avere un'adeguata soluzione artistica. Una composizione decorativa tematica può essere paragonata a un ornamento, dove è evidente la necessità di collegare gli elementi, e non solo dove c'è una ripetizione di motivi, ma anche in un motivo che riempie liberamente il piano.

Soffermiamoci ancora un po' sul problema del colore. La principale caratteristica distintiva di un'immagine decorativa da una realistica è che il colore di un oggetto può essere dato senza tenere conto di luci e ombre, è possibile anche un completo rifiuto del colore di un oggetto in natura. La cosa principale è creare un'immagine artistica con l'aiuto del colore.

Ma non bisogna abbandonare frettolosamente il colore reale, può essere preso come base, tanto più che in natura una mela, ad esempio, può essere gialla, rossa e verde. Inoltre, anche un solo colore può essere chiaro e scuro, caldo e freddo, e contenere molte sfumature.

La legge dell'integrità gioca un ruolo molto importante nella composizione decorativa. Ciò non esclude la possibilità di combinare in un'opera immagini di silhouette e volumetriche, utilizzando immagini generalizzate e dettagliate, perché una risalta meglio, contrastando con l'altra. Allo stesso tempo, non bisogna dimenticare l'equilibrio delle parti, che può essere ottenuto rifiutando le piccole cose, rafforzando la cosa principale, combinando tutto con la luce o il colore, ecc.

Inoltre, le tecniche compositive nell'arte applicata popolare e decorativa possono enfatizzare il volume o la planarità dell'oggetto decorato, quindi la posizione e la natura dell'arredamento e dei dettagli saranno subordinate a questo obiettivo. L'espressività della composizione volumetrico-spaziale nel suo insieme è in gran parte raggiunta attraverso la disposizione compositiva delle sue parti. Ad esempio, le composizioni decorative a mosaico di Z. Tsereteli, realizzate per un complesso di sanatorio-resort ad Adler, sono di varie forme, liberamente sparse. Alcuni di essi fluiscono dolcemente l'uno nell'altro, mentre altri mantengono la loro struttura.

Forme ludiche e sculture nei cortili degli edifici residenziali si distinguono per una speciale varietà di tecniche compositive.

L'analisi delle caratteristiche compositive delle opere di arte popolare e decorativa-applicata viene svolta tenendo conto delle leggi generali delle arti plastiche: dall'analisi della forma generale si passa alla valutazione della collocazione delle parti e poi ancora l'espressività generale dell'oggetto.

4. L'arte dell'ornamento

L'ornamento è la parte più importante dell'arte popolare, decorativa e applicata. È usato per decorare edifici, vestiti, articoli per la casa (utensili, mobili, strumenti, ecc.), armi, è ampiamente usato in libri e grafica applicata, poster, ecc. Un ornamento può essere disegnato con materiale grafico e dipinto con vernici, ricamato o tessuto da filo, scolpito su legno o sbalzato su metallo, ecc. Un ornamento può diventare una cosa se è tessuto sotto forma di pizzo (tovagliolo, colletto, tovaglia, ecc.), stuoie o forgiato in metallo (lampada, fornitore, recinzione, cancello, ecc.). L'ornamento può essere multicolore (policromo) e monocromatico (monocromo),è realizzato sulla superficie dell'oggetto convesso, in rilievo o, al contrario, approfondito. Le caratteristiche stilistiche generali dell'arte ornamentale sono determinate dalle caratteristiche e dalle tradizioni della cultura visiva di ciascuna nazione, hanno una certa stabilità nel lungo periodo storico e hanno un carattere nazionale pronunciato. Pertanto, possiamo dire che l'ornamento è lo stile dell'epoca, segno attendibile dell'appartenenza di un'opera a un certo tempo ea un certo paese. (gotico, barocco, moderno e così via.).

Per molti secoli, le persone hanno creduto nel potere protettivo dell'ornamento, credevano che proteggesse dai problemi e portasse felicità e prosperità. A poco a poco, la funzione dell'amuleto fu persa, ma rimase il compito principale dell'ornamento: rendere l'oggetto più elegante e attraente, artisticamente espressivo.

Le proprietà di un ornamento dipendono dallo scopo, dalla forma, dalla struttura e dal materiale della cosa che decora. L'ornamento contribuisce ad enfatizzare le caratteristiche plastiche e di design dell'oggetto, ad esaltarne la soluzione figurativa, a rivelare al meglio la naturale bellezza della materia. Tutto questo è possibile a condizione che l'ornamento e la forma dell'oggetto siano armoniosamente combinati.

Che copre vari rami dell'attività creativa finalizzati alla creazione di prodotti artistici con funzioni utilitarie e artistiche. Termine collettivo che unisce convenzionalmente due grandi tipologie di arti: decorativo e applicato... A differenza delle opere d'arte destinate al godimento estetico e relative a arte pura, numerose manifestazioni di arti e mestieri possono avere un uso pratico nella vita di tutti i giorni.

Le opere d'arte decorativa e applicata soddisfano diverse caratteristiche: hanno una qualità estetica; progettato per effetto artistico; servire per la decorazione della vita quotidiana e degli interni. Tali opere sono: abiti e tessuti decorativi, mobili, vetri artistici, porcellane, maioliche, gioielli e altri prodotti artistici.
Nella letteratura accademica, dalla seconda metà del XIX secolo, è stata stabilita la classificazione dei rami delle arti decorative e applicate. per materiale (metallo, ceramica, tessile, legno), sulla tecnica di esecuzione (intaglio, pittura, ricamo, stampa, fusione, goffratura, ecc.) e per caratteristiche funzionali uso dell'oggetto (mobili, giocattoli). Questa classificazione è dovuta al ruolo importante del principio costruttivo e tecnologico nelle arti e nei mestieri e al suo collegamento diretto con la produzione.

Traliccio, disegno per carta da parati (1862)

Tipi di arti e mestieri[ | ]

• Applicazione: un modo per ottenere un'immagine; tecnica delle arti e dei mestieri.
• Feltro: creazione di sculture, accessori e composizioni in lana naturale. A seconda della tecnica utilizzata, viene fatta una distinzione tra infeltrimento a secco e ad umido. La tecnica si basa sulla proprietà unica della lana di cadere - per formare un feltro.
• Il ricamo è l'arte di decorare tutti i tipi di tessuti e materiali con una varietà di motivi, dai più grossolani e densi, come stoffa, tela, pelle, ai tessuti più fini: cambric, mussola, garza, tulle e così via. Strumenti e materiali per il ricamo: aghi, fili, cerchi, forbici.
• Il lavoro a maglia è il processo per realizzare prodotti da fili continui piegandoli in anelli e collegandoli tra loro utilizzando semplici strumenti manualmente o su una macchina speciale.
• Cucitura: creazione di punti e cuciture su un materiale utilizzando ago e filo, lenza e simili. Il cucito è una delle più antiche tecnologie di produzione, risalente all'età della pietra.
• La tessitura è la produzione di tessuto su telai per tessitura, uno dei più antichi mestieri umani.
• Tessitura di tappeti - produzione di tappeti.
• Burning out: un disegno viene applicato sulla superficie di qualsiasi materiale organico usando un ago rovente.
• - uno dei più antichi e diffusi tipi di lavorazione dei materiali.
• Quadri di paglia.
• Il vetro colorato è un'opera d'arte decorativa di natura visiva o ornamentale realizzata in vetro colorato, progettata per l'illuminazione attraverso e destinata a riempire un'apertura, il più delle volte una finestra, in qualsiasi struttura architettonica o interno.
• Il decoupage è una tecnica decorativa per tessuti, stoviglie, mobili e altro, che consiste nel ritagliare meticolosamente immagini dalla carta, che vengono poi incollate o fissate in modo diverso a varie superfici per la decorazione.
• Modellare, scolpire, - modellare la materia plastica con l'ausilio delle mani e degli strumenti ausiliari.
• Mosaico - la formazione di un'immagine disponendo, raccogliendo e fissando pietre colorate, smalti, piastrelle di ceramica e altri materiali sulla superficie.
• La tessitura è un metodo per realizzare strutture e materiali più rigidi da materiali meno durevoli: fili, steli di piante, fibre, corteccia, ramoscelli, radici e altre materie prime morbide simili.
• Artigianato da fiammiferi e bastoncini.
• La pittura:
• Scrapbooking è la progettazione di album fotografici.
• Lavorazione artistica della pelle - la produzione di vari articoli in pelle, sia per uso domestico che decorativo e artistico.
• L'arte topiaria è l'arte di creare alberi decorativi (tavolo e pavimento) da materiale naturale e decorazioni artificiali.

arti e mestieri(dal lat. decoro - decorare) - una sezione di arte decorativa, che copre la creazione di prodotti artistici che hanno uno scopo utilitaristico.

Le opere d'arte decorativa e applicata soddisfano diversi requisiti: hanno una qualità estetica; progettato per effetto artistico; servire per la decorazione della vita quotidiana e degli interni. Tali opere sono: abbigliamento, abiti e tessuti decorativi, tappeti, mobili, vetri artistici, porcellane, maioliche, gioielli e altri prodotti artistici. Nella letteratura scientifica, a partire dalla seconda metà dell'Ottocento, la classificazione dei rami delle arti decorative e applicate per materiale (metallo, ceramica, tessile, legno), per tecnica di esecuzione (intaglio, pittura, ricamo, stampa, fusione , inseguimento, intarsio, ecc.) e dai segni funzionali di utilizzo dell'oggetto (mobili, stoviglie, giocattoli). Questa classificazione è dovuta al ruolo importante del principio costruttivo e tecnologico nelle arti e nei mestieri e al suo collegamento diretto con la produzione.

Batik, dipinto a mano su tessuto utilizzando composti di riserva. Sul tessuto - seta, cotone, lana, sintetici - viene applicata la vernice appropriata al tessuto. Per ottenere confini chiari all'incrocio delle vernici, viene utilizzato un fissatore speciale, chiamato riserva. Ci sono diversi tipi, come fame e caldo.

Arazzo, tappeto da parete senza pelucchi con un tema o una composizione ornamentale, tessuto a mano con intreccio incrociato di fili.

"Offerta del Cuore". Arazzo. OK. 1410. Museo di Cluny

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Grafica del filo(opzioni nome: isothread, immagine con filo, disegno filo), tecnica, ottenendo un'immagine con fili su cartone o altra base solida.

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Intaglio artistico:

calcolo:

L'acrolite è una tecnica mista utilizzata nella scultura antica, in cui le parti nude della statua erano di marmo, e le vesti erano di legno dipinto o dorato. Anche il busto (la cornice principale nascosta della statua) potrebbe essere di legno.

Glittica - l'arte di intagliare su pietre colorate e preziose, gemme. Una delle arti più antiche. Fare riferimento anche all'arte dei gioielli.

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Intaglio artistico:
su legno:

Uno dei tipi più antichi e comuni di lavorazione artistica del legno, in cui un modello viene applicato a un prodotto utilizzando un'ascia, un coltello, scalpelli, scalpelli, scalpelli e altri strumenti simili. Con il miglioramento delle tecnologie, sono apparse la tornitura e la fresatura del legno, che hanno notevolmente semplificato il lavoro dell'intagliatore. L'intaglio viene utilizzato nell'arredamento della casa, per decorare utensili domestici e mobili, per realizzare piccoli giocattoli e plastica in legno.

Il filo passante è suddiviso in filo passante e filo sopraelevato, ha due sottospecie:

Filettatura scanalata- (le sezioni passanti vengono tagliate con scalpelli e scalpelli) Il filo da taglio (in realtà lo stesso, ma tali sezioni vengono tagliate con una sega o un seghetto alternativo) Il filo tagliato o tagliato con un ornamento in rilievo si chiama traforato.

Filettatura a faccia piatta L'intaglio è caratterizzato dal fatto che si basa su uno sfondo piatto e gli elementi dell'intaglio vanno più in profondità, cioè il livello inferiore degli elementi scolpiti si trova al di sotto del livello di sfondo. Esistono diverse sottospecie di tale thread:

Filo di contorno- il più semplice, il suo unico elemento è un solco. Queste scanalature creano un motivo su uno sfondo piatto. A seconda dello scalpello selezionato, la scanalatura può essere semicircolare o triangolare.

INSIEME A filo acciottolato (chiodo)- l'elemento principale è una parentesi (sembra una traccia lasciata da un chiodo quando si preme su qualsiasi materiale morbido, da cui il nome simile a un chiodo) - una tacca semicircolare su uno sfondo piatto. Molte di queste parentesi di diverse dimensioni e direzioni e creano un'immagine o i suoi singoli elementi.

G filettatura geometrica (triangolare, triangolare smussata)- ha due elementi principali: un piolo e una piramide (una piramide triangolare incassata all'interno). L'intaglio viene eseguito in due fasi: foratura e rifilatura. Innanzitutto, i settori che devono essere tagliati vengono perforati (delineati) con uno scalpello, quindi vengono tagliati. L'uso ripetuto di piramidi e di un piolo a distanze diverse e ad angoli diversi dà una grande varietà di forme geometriche, tra le quali si distinguono: rombi, bianchi, favi, catene, luci, ecc.

Intaglio smaltato nero- lo sfondo è una superficie piana ricoperta di vernice o vernice nera. Come in una filettatura di contorno, le scanalature vengono tagliate sullo sfondo, da cui viene costruito il motivo. Le diverse profondità delle scanalature e i loro diversi profili danno un interessante gioco di luci e ombre e il contrasto tra il fondo nero e le scanalature a taglio chiaro.

Intaglio in rilievo caratterizzato dal fatto che gli elementi filo sono sopra lo sfondo o allo stesso livello con esso. Di norma, tutti i pannelli intagliati vengono eseguiti utilizzando questa tecnica. Esistono diverse sottospecie di tale thread:

Filo a rilievo piatto con uno sfondo a cuscino - può essere paragonato all'intaglio del contorno, ma tutti i bordi delle scanalature sono bloccati e talvolta con vari gradi di pendenza (dal lato del disegno, più nettamente, dal lato dello sfondo, gradualmente, inclinato ). A causa di tali contorni, lo sfondo sembra essere fatto di cuscini, da cui il nome. Lo sfondo è a filo con il motivo.

Filo a rilievo piatto con lo sfondo selezionato - lo stesso filo, ma solo lo sfondo è selezionato con scalpelli un livello sotto. Anche i contorni del disegno sono oscurati.

Abramtsevo-Kudrinskaja (Kudrinskaja)- ha avuto origine nella tenuta di Abramtsevo vicino a Mosca, nel villaggio di Kudrino. L'autore è considerato Vasily Vornoskov. L'intaglio si distingue per un caratteristico ornamento "riccio" - ghirlande ricci di petali e fiori. Spesso vengono utilizzate le stesse immagini caratteristiche di uccelli e animali. Oltre al rilievo piatto, succede con un cuscino e uno sfondo selezionato.

Discussione "Tatyanka"- questo tipo di intaglio è apparso negli anni '90 del XX secolo. L'autore (Shamil Sasykov) ha chiamato questo stile formato come sua moglie e lo ha brevettato. Di norma, tale intaglio contiene disegni floreali. Una caratteristica è l'assenza di uno sfondo in quanto tale: un elemento scolpito passa gradualmente in un altro o si sovrappone ad esso, riempiendo così l'intero spazio.

Intaglio artistico:
per osso:

Netsuke è una scultura in miniatura, un'opera di arti e mestieri giapponesi, che è un piccolo portachiavi intagliato.

Ceramiche, prodotti in argilla realizzati sotto l'influenza di alte temperature con successivo raffreddamento.

Ricamo, un'arte artigianale ben nota e diffusa per decorare con una varietà di motivi, tutti i tipi di tessuti e materiali possono essere punto raso, croce, cucito facciale antico russo.

Lavoro a maglia, il processo per realizzare prodotti da fili continui piegandoli in anelli e collegando i passanti tra loro utilizzando semplici strumenti manualmente (uncinetto, ferri da maglia, ago) o su una macchina speciale (maglia meccanica).

Macrame, tecnica di tessitura a nodi.

Arte dei gioielli.

(dal tedesco Juwel o olandese juweel - una pietra preziosa), la fabbricazione di prodotti artistici (gioielli personali, articoli per la casa, culto, armi, ecc.) principalmente da preziosi (oro, argento, platino), nonché alcuni preziosi non metalli ferrosi, spesso in combinazione con pietre preziose e semipreziose, perle, vetro, ambra, madreperla, osso, ecc. In gioielleria, vengono utilizzati forgiatura, fusione, cesellatura artistica e fustellatura), goffratura, intaglio o incisione , deflessione (tecnica in cui viene ritagliato lo sfondo attorno al motivo), filigrana, granulazione, niello, smalto (smalto), intarsio, incisione, lucidatura, ecc., tecniche di lavorazione meccanica - stampaggio, laminazione, ecc. ...

Lavorazione artistica della pelle.

Tecniche per la lavorazione artistica della pelle.

Goffratura. Esistono diversi tipi di goffratura. Nella produzione industriale vengono utilizzati vari metodi di stampaggio, quando un motivo sulla pelle viene spremuto usando stampi. Nella fabbricazione di prodotti d'arte, viene utilizzata anche la stampa, ma vengono utilizzati timbri e goffrature per la composizione. Un altro metodo è la goffratura con riempimento: ritagliare elementi del futuro rilievo da cartone (lignina) o pezzi di paraocchi e posizionarli sotto uno strato di pelle preumidificata, che viene quindi schiacciata lungo il contorno del rilievo. Piccoli dettagli vengono spremuti senza fodera a causa dello spessore della pelle stessa. Una volta asciutto, si indurisce e "ricorda" il decoro in rilievo. Goffratura termica - estrusione di decori sulla superficie della pelle mediante stampi metallici riscaldati.

La perforazione o fustellatura è una delle tecniche più antiche. In realtà, si riduce al fatto che con l'aiuto di punzoni di varie forme, i buchi vengono tagliati nella pelle sotto forma di ornamento.

La tessitura è uno dei metodi di lavorazione, che consiste nell'unire più strisce di pelle mediante una tecnica speciale. In gioielleria vengono spesso utilizzati elementi macramè, costituiti da un cordone "cilindrico". In combinazione con la perforazione, la tessitura viene utilizzata per intrecciare i bordi dei prodotti (utilizzati per rifinire vestiti, scarpe, borse).

La pirografia (bruciatura) è una tecnica nuova, ma con un antico pedigree. Apparentemente, inizialmente il bruciore sulla pelle era un effetto collaterale della goffratura a caldo, ma poi è stato ampiamente utilizzato come tecnica indipendente. Con l'aiuto della pirografia, è possibile applicare sulla pelle modelli molto delicati e complessi. Spesso utilizzato in combinazione con incisione, pittura, goffratura durante la creazione di pannelli, gioielli, creazione di souvenir.

L'incisione (intaglio) viene utilizzata quando si lavora con pelle pesante e densa. Un motivo viene applicato sulla superficie anteriore della pelle imbevuta usando un cutter. Quindi, con qualsiasi oggetto metallico di forma oblunga, le fessure vengono allargate e riempite con vernice acrilica. Quando è asciutto, il disegno del contorno mantiene la sua nitidezza e le linee - il loro spessore.

Applicazione in pelletteria - incollare o cucire pezzi di pelle su un prodotto. A seconda del tipo di prodotto da decorare, i metodi di applicazione differiscono leggermente.

L'intarsio è essenzialmente lo stesso dell'intarsio e del mosaico: frammenti dell'immagine sono montati ad incastro. L'intarsio viene eseguito su una base tessile o di legno. A seconda di ciò, vengono selezionati i gradi di pelle. Per ottenere la qualità adeguata, secondo lo schizzo preliminare, vengono realizzati modelli accurati di tutti i frammenti della composizione. Quindi, secondo questi schemi, gli elementi vengono ritagliati dalla pelle preverniciata e incollati alla base utilizzando colla per ossa o emulsione PVA. La tecnica dell'intarsio viene utilizzata principalmente per creare pannelli murali, ma in combinazione con altre tecniche può essere utilizzata per realizzare bottiglie, souvenir e decorare mobili.

Inoltre la pelle può essere verniciata, può essere modellata, conferendo qualsiasi forma e rilievo (mediante ammollo, incollaggio, riempimento).

Lavorazione artistica del metallo:

Lavoro in filigrana

Casting. Oro, argento, bronzo hanno un'elevata fusibilità e possono essere facilmente versati negli stampi. I getti riproducono bene il modello. Prima della fusione, il maestro realizza un modello in cera. Quelle parti dell'oggetto che devono essere particolarmente resistenti, come le maniglie di vasi, maniglie o chiavistelli, nonché ornamenti e figure, vengono colate in stampi di sabbia. Per oggetti complessi, sono necessari diversi modelli, poiché diverse parti vengono fuse separatamente e quindi collegate mediante saldatura o avvitamento.

Forgiatura artistica- uno dei più antichi metodi di lavorazione dei metalli. Viene eseguito colpendo il pezzo con un martello. Sotto i suoi impatti, il pezzo si deforma e assume la forma desiderata, ma tale deformazione senza rotture e crepe è caratteristica principalmente dei metalli preziosi, che hanno sufficiente plasticità, tenacità e duttilità.

L'inseguimento è una tecnica di produzione davvero unica, artistica e allo stesso tempo laboriosa. I metalli preziosi si prestano alla laminazione in una sottile lamina, poi la forma dell'oggetto assume la sua forma a freddo con l'ausilio di martelli acceleratori. Spesso un prodotto artistico viene lavorato su una base (cuscinetto in piombo o resina), che viene selezionata in base al grado di malleabilità del metallo. Con brevi e frequenti colpi di martello con pressione e rotazione costanti, il metallo viene trafilato fino ad ottenere la forma desiderata. Quindi passano all'inseguimento (decorazioni a rilievo). L'arredamento è eliminato mediante goffratura (barre d'acciaio di un certo profilo). I prodotti forgiati da un unico pezzo sono le opere d'arte più alte. È più facile lavorare con due o più pezzi di un pezzo, che vengono poi saldati insieme.

1. Goffratura da un foglio.
2. Goffratura mediante fusione o caduta.
Nel primo caso, a partire da un foglio bianco mediante goffratura, viene creata una nuova opera d'arte; nel secondo, si limita a rivelare e completare una forma d'arte già fusa nel metallo (o ritagliata dal metallo con la tecnica della deflessione ).

Metallo-plastica. Le opere d'arte realizzate con questa tecnica assomigliano a un inseguimento della lamiera, ma in sostanza differiscono in modo significativo, principalmente nello spessore della lamiera.
Per la goffratura vengono utilizzati fogli con uno spessore di 0,5 mm e oltre e per metallo-plastica vengono utilizzati fogli fino a 0,5 mm. Tuttavia, la principale differenza tra metallo-plastica è nel processo tecnologico stesso e nel set di strumenti. Nella goffratura, la forma è formata martellando la goffratura, e in metallo-plastica, la forma è modellata mediante deformazioni lisce eseguite con strumenti speciali simili a pile scultoree.

L'incisione è una delle forme più antiche di lavorazione artistica dei metalli. La sua essenza è l'applicazione di un motivo lineare o rilievo al materiale utilizzando un cutter. Nella tecnologia dell'incisione artistica, si può distinguere tra:
- incisione aereo(bidimensionale), in cui il
solo superficie; Il suo scopo è decorare la superficie del prodotto applicando un disegno o un motivo di contorno, composizioni complesse di ritratti, multi-figure o paesaggi, nonché l'esecuzione di varie iscrizioni e opere di caratteri. Sia gli oggetti piatti che quelli volumetrici sono decorati con incisioni.
L'incisione piana, chiamata anche incisione lucida o incisione per un tipo, include anche l'incisione nera, che differisce tecnologicamente dal solito solo in quanto viene eseguita un po 'più in profondità, quindi il motivo selezionato viene riempito di nero.
—incisione a goccia(tridimensionale).
L'incisione di Obronny è un metodo in cui viene creato un rilievo o addirittura una scultura volumetrica in metallo. Nell'incisione inversa si distinguono due opzioni: incisione convessa (positiva), quando il motivo del rilievo è più alto dello sfondo (lo sfondo viene approfondito, rimosso), incisione approfondita (negativo), quando il motivo o il rilievo viene tagliato verso l'interno.

Acquaforte. Questa è un'altra tecnica simile alla grafica. Come nell'acquaforte, l'oggetto è stato ricoperto di resina o cera, quindi il decoro è stato graffiato su di esso. Quando il prodotto veniva immerso in acido o alcali, i punti graffiati venivano incisi e la superficie circostante, spesso danneggiata dall'intervento dell'utensile, si offuscava. Così, è sorto un rilievo molto superficiale e dolcemente emergente.

La filigrana è un tipo di lavorazione artistica del metallo, che ha occupato un posto importante nella gioielleria fin dall'antichità.
Il termine "filigrana" è più antico, deriva da due parole latine: "phylum" - filo e "granum" - grano. Il termine "filigrana" è di origine russa. Ha origine dal verbo slavo antico "skati" - torcere, torcere. Entrambi i termini riflettono l'essenza tecnologica di questa arte. Il termine "filigrana" unisce i nomi di due principali elementi primari dai quali producono una caratteristica per la produzione della filigrana, ovvero che il filo viene utilizzato in questa forma d'arte ritorto, attorcigliato in corde.
Più sottile è il filo e più stretto, più ripido è attorcigliato, più bello è il prodotto, soprattutto se questo modello completa la grana (le palline più piccole).

Smaltatura. Lo smalto è una massa vetrosa solidificata di composizione inorganica, principalmente di ossido, formata da fusione parziale o completa, a volte con additivi metallici, applicata a una base metallica.

Elaborazione decorativa
La descrizione della finitura decorativa del prodotto dovrebbe contenere informazioni sulla posizione, le dimensioni individuali, la quantità, le caratteristiche degli elementi della lavorazione artistica. Gli elementi tipici inclusi in una descrizione generale sono elencati di seguito.
1. Stuoia.
2. Annerimento.
3. Ossidazione.
stuoia
La superficie opaca, o testurizzata, dei prodotti è considerata una superficie diversa da quella lucida, che porta un carico decorativo.
La struttura superficiale può essere superficiale, con piccole striature, opaca. Molto spesso viene utilizzato l'effetto dell'elaborazione combinata delle trame con la lucentezza. Le sezioni di una superficie strutturata sono ottenute utilizzando una crosta di prodotto colato, una superficie lucida (dopo aver precedentemente lavorato una superficie di lavoro di sabbiatura di uno stampo), utilizzando l'incisione in varie composizioni acide, opacizzazione meccanica (con una grattugia, pietra pomice macinata, spazzolatura) .
annerimento
Il nero (una lega a basso punto di fusione della composizione: argento, rame, piombo, zolfo) viene applicato su un prodotto preparato per il nero, cioè con depressioni con un motivo inciso. La profondità del motivo entro 0,2-0,3 mm dipende dalle dimensioni del prodotto. La superficie del prodotto, che non è ricoperta di nero, deve essere lucida, priva di segni, graffi e altri difetti.
Ossidazione
Gli articoli in argento e con un rivestimento in argento vengono ossidati (lavorati) sia con metodi chimici che elettrochimici. I processi di ossidazione incolore chimica ed elettrochimica vengono eseguiti in soluzioni ed elettroliti, il cui componente principale è il dicromato di potassio. Nel processo di ossidazione colorata, i prodotti vengono tinti con una varietà di sfumature: blu, nero, grigio, marrone scuro, ecc. I prodotti ossidati vengono spazzolati con spazzole in ottone morbido per conferire ai film una bella lucentezza. La superficie ossidata deve essere uniformemente opaca, senza differenze di tonalità di colore.
Rivestimenti elettrolitici
Nell'industria della gioielleria, oro, argento e rodio vengono utilizzati come rivestimenti galvanici. Sui rivestimenti zincati possono esserci piccole tracce di punti di contatto con dispositivi conduttivi, che non violano lo strato di rivestimento e non peggiorano l'aspetto del prodotto.

Pirografia, combustione su legno, pelle, tessuto, ecc.

Vetrata, un'opera d'arte decorativa di carattere visivo realizzata in vetro colorato, progettata per l'illuminazione attraverso e destinata a riempire un'apertura, il più delle volte una finestra, in una struttura architettonica.

La metà superiore della finestra della Bibbia dei poveri, Cattedrale di Canterbury, UK

Attualmente esistono diversi tipi di vetrate, a seconda della tecnica di fabbricazione:

Vetrata classica (intarsiata o a mosaico)- formato da vetri trasparenti trattenuti da tramezzi di piombo, rame, ottone. Le vetrate classiche si suddividono in saldate a piombo (montate su profilo in piombo) e vetrate con tecnologia Tiffany (montate su nastro di rame).

Vetro colorato per saldatura al piombo (saldatura)- la classica tecnica del vetro colorato che apparve nel Medioevo e servì come base per tutte le altre tecniche. Questa è una vetrata assemblata da pezzi di vetro in un telaio di piombo, sigillato alle giunture. I vetri possono essere colorati e verniciati con vetro fusibile e vernice agli ossidi metallici, che viene poi cotta in forni appositamente predisposti. La vernice è saldamente fusa nella base di vetro, formando un tutt'uno con essa.

Vetrata sfaccettata - una vetrata realizzata in vetro con una smussatura (sfaccettatura, sfaccettatura) rimossa lungo il perimetro del vetro o vetro tagliato volumetrico, molato e lucidato. Per ottenere un'ampia bisellatura (che migliora l'effetto di rifrazione della luce), è necessario un vetro più spesso, che aumenta il peso della vetrata. Pertanto, le parti smussate finite sono assemblate in un telaio più resistente (ottone o rame). È meglio posizionare una tale vetrata nelle porte interne, nelle porte dei mobili, poiché un tale telaio è in grado di sopportare i carichi di apertura / chiusura e in questo caso il piombo si abbassa. La tonalità dorata delle cornici in rame o ottone conferisce alle cose un aspetto prezioso, essendo visibili non solo alla luce, ma anche alla luce riflessa, che è particolarmente importante per le vetrate dei mobili.

Vetro colorato dipinto- un disegno viene applicato sulla superficie del vetro con vernici trasparenti.

Vetrate combinate- è formato da una combinazione di varie tecnologie per la creazione di una vetrata.

Vetro colorato sabbiato creato con attrezzature speciali

Vetro colorato sinterizzato (fusione)- tecnica del vetro colorato, in cui un disegno viene creato mediante cottura congiunta di pezzi di vetro multicolori o sinterizzazione di elementi estranei (ad esempio filo metallico) nel vetro.

Vetro colorato acidato- una tecnica basata sulla capacità dell'acido fluoridrico di interagire con il biossido di silicio (il principale componente del vetro). Questa interazione con l'acido rompe il vetro. Gli stencil protettivi consentono di ottenere un disegno di qualsiasi complessità e profondità richiesta.

Vetro colorato colato - Ogni modulo di vetro è fuso a mano o soffiato. Al vetro, il cui spessore varia da 5 a 30 mm, viene inoltre conferita una texture superficiale che, rifrangendo la luce, ne esalta l'espressività. Per il fissaggio dei vetri vengono utilizzati malta cementizia e accessori metallici.

La vetrata di composizione è il tipo più semplice di vetrata, di regola, senza pittura, che viene creata sul tavolo di composizione da pezzi di vetro immediatamente tagliato o pretagliato.

Imitazione di una vetrata.

Vetrata con pellicola- un nastro di piombo e una pellicola autoadesiva multicolore (tecnologia inglese) sono incollati sulla superficie del vetro.

Vetro colorato riempitivo di contorno- un disegno con polimeri acrilici viene applicato sulla superficie del vetro in due fasi: il contorno imita una vena di una classica vetrata, nelle aree chiuse formate disegnando un contorno, gli elementi colorati vengono riempiti manualmente (tecnologia inglese) .

Vetrate dall'alto- ottenuto incollando gli elementi sulla base.

Mosaico, un'opera che prevede la formazione di un'immagine disponendo, raccogliendo e fissando su una superficie (di solito su un piano) pietre multicolori, smalti, piastrelle di ceramica e altri materiali.

Il simbolo dell'anima - un uccello - sul mosaico bizantino di una chiesa ortodossa del VI secolo.

Tecnica. Metodi di stile.

Con selezione diretta gli elementi del mosaico sono premuti nel terreno. Selezione inversa il mosaico viene assemblato su cartone o tessuto, quindi trasferito su una superficie innescata.

Installazione del mosaico: la tecnica è simile all'installazione delle piastrelle, la colla e la malta per mosaico sono disponibili in ogni supermercato dell'edilizia.

La base viene esaminata per verificarne la resistenza, vengono identificati tutti i difetti: crepe, cavità, tasche di ghiaia, rinforzo o altri oggetti estranei non inclusi nel progetto, nonché aree problematiche, ad esempio macchie d'olio, base allentata o insufficientemente resistente, vuoti. Il supporto deve essere forte, portante, asciutto, oltre che planare e privo di agenti che riducano l'adesione (ad esempio additivi che riducono l'adesione e facilitano lo smontaggio del cassero), esente da tracce di lattime, polvere, sporco, residui di vernice, gomma abrasiva, ecc. • Se necessario, pulire il supporto meccanicamente, ad es. mediante sabbiatura. Prima di iniziare a posare il mosaico, la superficie dovrebbe essere visivamente uniforme, senza cedimenti, buche e crepe, nonché asciutta e innescata.

Posa del mosaico su carta. L'installazione inizia con l'applicazione della colla sulla superficie preparata, dopo di che viene distribuita uniformemente su tutta la superficie. Nella maggior parte dei casi, si consiglia di utilizzare adesivi in ​​lattice. Il mosaico è incollato di nuovo alla carta. La posa deve essere ordinata, quindi la distanza tra i fogli deve corrispondere alla distanza tra le piastrelle, una pressione eccessiva è inaccettabile. Al termine dell'installazione, le lastre devono essere fissate con leggeri colpi di piattaforma con base in gomma. Dopo un giorno, la carta può essere rimossa: inumidita con una spugna umida, rimane indietro. Prima della stuccatura è necessario pulire la superficie del mosaico da carta e residui di colla, dopodiché si può procedere alla stuccatura con frattazzo di gomma. Per la stuccatura si consiglia di utilizzare un composto consigliato dal produttore del mosaico. Quando la stuccatura è completa, puoi pulire il mosaico e lucidare la superficie del mosaico.

Posa del mosaico sulla griglia. A differenza dei mosaici di carta, i mosaici a rete sono incollati a faccia in su. Per la tecnologia della sua posa, è caratteristico che dopo che la colla si è asciugata, puoi procedere immediatamente alla stuccatura.

Nelle arti e nei mestieri, ci sono molti altri tipi diversi. Con ogni anno di scoperta di nuove tecnologie, ce ne sono sempre di più.

Informazioni più dettagliate con materiale visivo possono essere trovate sulle pagine dei noti motori di ricerca.

arti decorative e mestieri

L'arte decorativa e applicata è uno dei tipi di arte plastica: la creazione di prodotti artistici che hanno uno scopo pratico nella vita pubblica e privata e la lavorazione artistica di oggetti utilitari (utensili, mobili, tessuti, strumenti, veicoli, abbigliamento, gioielli , giocattoli, ecc.) ecc.). Le opere d'arte decorativa e applicata fanno parte dell'ambiente oggettivo che circonda una persona e lo arricchiscono esteticamente. Nata nell'antichità, l'arte decorativa e applicata è diventata una delle aree più importanti dell'arte popolare, la sua storia è associata all'artigianato artistico, all'industria artistica, alle attività di artisti professionisti e artigiani popolari, dall'inizio del XX secolo. anche con disegno artistico. Grande Dizionario Enciclopedico 1997

S.V. Pogodina dà una definizione di arte decorativa e applicata popolare: “L'arte decorativa e applicata popolare è definita come una forma d'arte volta a creare prodotti artistici che hanno uno scopo pratico nella vita pubblica e privata e la lavorazione artistica di oggetti utilitari (utensili, mobili, stoffa, attrezzi, vestiti, giocattoli".

L'arte decorativa e applicata esisteva già in una fase iniziale dello sviluppo della società umana e per molti secoli è stata la più importante, e per un certo numero di tribù e nazionalità, l'area principale della creatività artistica. Le più antiche opere d'arte decorativa e applicata sono caratterizzate da un eccezionale contenuto di immagini, attenzione all'estetica del materiale, alla costruzione razionale della forma, enfatizzata dal decoro. Nell'arte popolare tradizionale, questa tendenza è stata mantenuta fino ai giorni nostri. Con l'inizio della stratificazione di classe della società, diventa sempre più importante l'interesse per la ricchezza dei materiali e del decoro, per la loro rarità e raffinatezza. Si distinguono i prodotti che servono ai fini della rappresentatività (oggetti per riti di culto o cerimonie di corte, per decorare le case della nobiltà), in cui, per aumentare il loro suono emotivo, gli artigiani spesso sacrificano l'opportunità quotidiana di costruire una forma.

L'arte decorativa e applicata è un fenomeno multifunzionale. Le funzioni pratiche, cerimoniali, estetiche, ideologiche e semantiche, educative sono indissolubilmente legate. Tuttavia, la funzione principale dei prodotti è quella di essere utili e belli.

Ci sono due direzioni nelle arti e nei mestieri popolari:

• -artigianato artistico cittadino;
• - arti e mestieri popolari

Quando si parla di arti e mestieri, l'arte popolare è un concetto importante: una forma di organizzazione del lavoro artistico basata sulla creatività collettiva, che sviluppa una tradizione culturale locale e si concentra sulla vendita di prodotti artigianali. L'artigianato è una struttura insolitamente flessibile e mobile, che si sviluppa, sebbene nell'ambito del canone, ma tuttavia sensibile ai cambiamenti di stile nell'arte professionale, alla creatività individuale, alle esigenze del tempo e di un ambiente sociale specifico. I bambini in età prescolare vengono introdotti ad alcuni mestieri: bambole matrioska, dipinti Gorodets e Khokhloma, giocattoli Filimonov e Dymkovo e ceramiche Gzhel. La forza dell'arte artigianale risiede nella trasmissione delle tecniche originali dell'artigianato professionale locale.

L'arte decorativa e applicata ha caratteristiche che la distinguono da altre forme d'arte:

• - utilità, appartenenza pratica;
• - sincretismo o indivisibilità dei vari aspetti della cultura del popolo (il rapporto tra il mondo e l'uomo, che consolida i principi morali ed estetici sia della creatività che del comportamento), la cui essenza è stata creata e trasmessa nel corso di molti millenni;
• - la collettività della creatività, ad es. il lavoro è di natura collettiva, l'esperienza secolare dell'arte popolare viene trasmessa di generazione in generazione;
• - La tradizione è caratterizzata dall'osservanza delle tradizioni, ma nasce anche da esigenze urgenti e spirituali, rivelando la sfera dell'individualità;
• - la realtà che sta nella sua secolare attualità.

La categoria dell'integrità ci permette di tracciare una linea di demarcazione tra le arti popolari e le arti decorative propriamente dette. Una caratteristica distintiva dell'arte decorativa tradizionale dell'arte popolare risiede proprio nell'assenza dell'integrità della percezione del mondo.

Conoscendo la varietà e la ricchezza dell'artigianato popolare, i bambini sono intrisi di buoni sentimenti per coloro che hanno creato cose straordinarie. Nel suo libro S.V. Scrive Pogodina: "L'arte popolare alimenta la percezione artistica dei bambini, contribuisce all'esperienza estetica e ai primi giudizi estetici".

Conoscendo le opere di arte popolare, si arricchisce non solo l'esperienza cognitiva del bambino, ma anche la sua attività emotiva ed estetica. Ogni regione ha i suoi mestieri popolari e la percezione delle loro opere da parte dei bambini contribuisce alla formazione di sentimenti estetici, un atteggiamento emotivamente positivo nei confronti degli artigiani e delle tradizioni popolari. La bellezza come categoria filosofica ed estetica nell'arte popolare ha vere forme di riflessione. Ciò che chiamiamo bello nel lavoro è creato da mezzi espressivi, che il maestro combina secondo le tradizioni di un determinato mestiere o mestiere. Nelle opere d'arte decorativa e applicata, uno dei componenti principali che attirano l'attenzione è la forma. Ti permette di combinare il lato funzionale e quello estetico, in modo che la bellezza e la grazia esteriori non neghino lo scopo pratico della cosa. La forma è uno dei componenti principali che attirano l'attenzione. Diverse caratteristiche sono stabilite nel modulo. In primo luogo, determina in gran parte il significato del soggetto. In secondo luogo, la forma esprime l'intenzione creativa del maestro e rivela un'idea specifica. In terzo luogo, serve come una sorta di simbolo, il cui significato è stato tramandato di generazione in generazione.

Nell'arte popolare, il rapporto tra scopo e materiale, l'interazione tra forma e funzione sono importanti. Il materiale può contribuire alla divulgazione dell'essenza dell'oggetto, può violare la sua integrità e renderlo inutilizzabile. Grazie al materiale, il maestro riesce a creare una base materica per la sua idea, tuttavia, il materiale stesso, quando percepisce l'oggetto, rimane in secondo piano, l'arredamento viene in primo piano. L'arredamento è il momento finale nella progettazione di una cosa. Le decorazioni distinguono le opere d'arte popolare tra loro, le rendono uniche e quindi preziose. Non ci sono oggetti dello stesso tipo nell'arredamento. Quando si esegue lo stesso ornamento, è difficile ripetere tutti i dettagli in dettaglio.

Le tecniche per eseguire il lavoro dipendono dalle attività che devono affrontare la procedura guidata.

Tecnologia. L'arte popolare tradizionale e la tecnologia non si escludono a vicenda. Tutto dipende da come viene utilizzata la tecnologia nel processo di creazione di una cosa che porta l'impronta dell'esperienza passata delle persone. La cosa più importante è che nel perseguimento di migliorare o facilitare il processo di creazione di un oggetto di arte popolare, la sua unicità culturale e storica non viene persa.

L'oggetto acquista valore estetico grazie all'ornamento. L'ornamento è una decorazione pittorica, grafica o scultorea che decora artisticamente una cosa, che è caratterizzata da una disposizione ritmica di elementi di disegno

La costruzione ritmica dell'ornamento costituisce la base artistica di molti prodotti: piatti, mobili, tappeti, vestiti. Il linguaggio ornamentale è estremamente ricco. A seconda della natura dei motivi, si distinguono i seguenti tipi di ornamenti: geometrici, vegetali, zoomorfi, antropomorfi, combinati.

L'ornamento geometrico può essere costituito da punti, linee, cerchi, rombi, poliedri, stelle, croci, spirali. Questo tipo di ornamento è uno dei più antichi. All'inizio, questi erano segni-simboli facili da ricordare. A poco a poco, le persone hanno iniziato ad arricchirlo con osservazioni reali e motivi fantastici, osservando il principio ritmico, complicandone il contenuto e il significato estetico.

Verdura l'ornamento è composto da foglie stilizzate, fiori, frutti, rami. Il motivo "albero della vita" si incontra spesso: è un ornamento floreale. È raffigurato come un cespuglio fiorito e in modo più decorativo.

L'ornamento zoomorfo raffigura figure stilizzate o parti di figure di animali reali e fantastici. Anche le immagini decorative di uccelli e pesci appartengono a questo tipo di ornamento.

L'ornamento antropomorfo utilizza figure stilizzate maschili e femminili o parti del viso e del corpo di una persona come motivi. Questo include anche creature fantastiche come l'uccello fanciulla, l'uomo-cavallo.

Si trova spesso una combinazione di motivi molto diversi. Un tale ornamento può essere chiamato combinato . L.V. Kosogorova e L.V. Neretina distingue anche ornamenti calligrafici (da lettere ed elementi testuali) e araldici (cornucopia, lira, torce, scudi).

Per la natura degli schemi compositivi, gli ornamenti sono:

• - nastro
• - maglia
• - Chiuso.

L'ornamento è il tratto più caratteristico, segno speciale degli oggetti della creatività contadina. L'ornamento ci permette di parlare dell'estetica dell'oggetto, della sua arte.

I seguenti materiali sono utilizzati nelle arti e nei mestieri: legno, argilla, metallo, osso, piuma, lana, pelliccia, tessuti, pietra, vetro, pasta.

Per tecnica, arti e mestieri sono suddivisi nei seguenti tipi.

Filo. Decorare il prodotto applicando un motivo utilizzando varie frese e coltelli. Viene utilizzato quando si lavora con legno, pietra, osso.

La pittura. La decorazione viene applicata con coloranti sulla superficie preparata (il più delle volte legno o metallo). Tipi di verniciatura: legno, metallo, tessuto.

Ricamo. Un tipo diffuso di arte decorativa e applicata, in cui il motivo e l'immagine sono realizzati a mano (con un ago, a volte all'uncinetto) o per mezzo di una macchina da ricamo su vari tessuti, pelle, feltro e altri materiali. Ricamato con fili di lino, cotone, lana, seta (di solito colorati), nonché capelli, perline, perle, pietre preziose, paillettes, monete, ecc.

Tipi di ricamo: su una griglia, punto croce, punto pieno, ritaglio (il tessuto viene ritagliato sotto forma di un motivo, che viene successivamente elaborato con varie cuciture), composizione (eseguita con fili rossi, neri con l'aggiunta di toni dorati o blu), impunture (consente di creare motivi volumetrici su piani di grandi dimensioni) ...

Per le applicazioni cucite (un tipo di ricamo, spesso con cucitura in rilievo), vengono utilizzati tessuti, pelliccia, feltro e pelle. Il ricamo viene utilizzato per decorare vestiti, articoli per la casa, per creare pannelli decorativi indipendenti. I principali mezzi espressivi del ricamo come forma d'arte: rivelare le proprietà estetiche del materiale (lucentezza iridescente della seta, persino luccichio del lino, lucentezza dell'oro, scintillii, pietre, morbidezza e opacità della lana, ecc.); utilizzare le proprietà delle linee e delle macchie di colore del motivo da ricamo per influenzare ulteriormente il gioco ritmicamente chiaro o stravagante delle cuciture; effetti derivati ​​dalla combinazione di un motivo e di un'immagine con uno sfondo (tessuto o altra base), simile o contrastante al ricamo per trama e colore.

Maglieria. Realizzare prodotti (di solito capi di abbigliamento) da fili continui piegandoli in anelli e collegando i passanti tra loro utilizzando strumenti semplici manualmente (uncinetto, ferri da maglia) o su una macchina speciale (maglia meccanica).

Tessitura. Si riferisce a una tecnica basata sull'intreccio di strisce sotto forma di rete, che ha varie configurazioni e motivi.

Tipi di tessitura: pizzo e perline, tessitura da corteccia di betulla e viti, da fili (macrame), da carta.

Tallone (imbottitura). Ottenere a mano un motivo, motivi monocromatici e colorati su tessuto utilizzando forme con motivo in rilievo, nonché tessuto con motivo ottenuto con questo metodo. Le forme per i tacchi sono fatte di legno intagliato (maniere) o di composizione (piastre di rame di composizione con garofani), in cui il motivo è digitato da lastre o filo di rame. Durante l'imbottitura, sul tessuto viene applicata una forma ricoperta di vernice e colpita con un martello speciale (mazzuolo) (da cui il nome "stampato", "imbottitura"). Per i disegni multicolori, il numero di lastre deve corrispondere al numero di colori.

La stampa è inefficace e quasi completamente soppiantata dalla stampa di un motivo su tessuto su macchine da stampa.

Casting. Utilizzato quando si lavora con metalli preziosi. Sotto l'influenza delle alte temperature, il metallo viene portato allo stato fuso e quindi versato in stampi preparati.

Inseguendo. In uno stato riscaldato, il metallo viene accelerato in un foglio sottile, mentre la sua elasticità ed elasticità non vengono perse. La forma dell'oggetto viene creata già allo stato raffreddato mediante martelli acceleratori, a seguito dei quali si ottengono prodotti di forma convessa e concava.

Forgiatura. Uno dei modi per elaborare il ferro. I colpi di martello conferiscono al pezzo riscaldato la forma desiderata.

Doratura. Un'operazione di oreficeria in cui i metalli meno preziosi diventano oro. Tipi di doratura: fredda, a fuoco, liquida.

Scansione (filigrana); (da lat.wire). Si tratta di una decorazione costituita da sottili fili d'oro o d'argento lisci o sbalzati, che vengono arrotolati in spirali, antenne, reticoli e saldati all'oggetto. Il tessuto è realizzato in oro puro o argento, che, per l'assenza di impurità, sono morbidi e capaci di allungarsi in fili molto sottili. Anche gli oggetti scansionati economici erano fatti di filo di rame rosso e poi dorati o argentati.

Smalto. Un particolare tipo di vetro che viene verniciato in vari colori con ossidi metallici. È usato per decorare prodotti in metallo, è un pittoresco accompagnamento a un prodotto in oro. La smaltatura è un rivestimento completo o parziale di una superficie metallica con una massa di vetro, seguito dalla cottura del prodotto.

Nero. Una miscela di argento con rame, zolfo e piombo, compilata secondo alcune ricette, viene applicata su oggetti incisi di metallo leggero, e poi il tutto viene cotto a fuoco lento. Il nero è una massa nera - una lega speciale di argento, simile al carbone.

Soffiando. La tecnica utilizzata quando si lavora con il vetro. Il vetro, portato allo stato liquido, viene soffiato allo stato rovente con l'aiuto di tubi speciali, creando così prodotti di qualsiasi forma.

Modellazione. Una delle tecniche più diffuse di arti e mestieri, grazie alla quale vengono creati molti giocattoli e ceramiche. Si tratta della modellatura di materiale plastico (plastilina, argilla, plastica, plastica, ecc.) con l'ausilio di mani e strumenti ausiliari.

batik. Pittura a mano su tessuto utilizzando composti di riserva. Il tessuto - seta, cotone, lana, sintetici - è dipinto con la vernice per tessuti appropriata. Per ottenere confini chiari alla giunzione delle vernici, viene utilizzato uno speciale fissatore, chiamato riserva (una composizione di riserva, a base di paraffina, benzina, a base d'acqua - a seconda della tecnica scelta, del tessuto e delle vernici).

Mosaico. Arte decorativa e applicata e monumentale di vari generi, le cui opere comportano la formazione di un'immagine disponendo, raccogliendo e fissando su una superficie (di solito su un piano) pietre multicolori, smalti, piastrelle di ceramica e altri materiali.

Origami. L'antica arte di piegare le figure di carta. L'origami classico prescrive l'uso di un foglio di carta senza l'uso di colla e forbici. Allo stesso tempo, l'impregnazione del foglio originale con adesivi contenenti metilcellulosa viene spesso utilizzata per modellare un modello complesso o per preservarlo.

Su appuntamento: utensili, mobili, tessuti, arazzi, tappeti, attrezzi, armi, abbigliamento e decorazioni, giocattoli, prodotti culinari.

Per ruolo funzionale:

L'arte pratica è associata all'uso nella vita economica e quotidiana di una persona per uso pratico.

Artistico ed estetico, per l'attuazione dei bisogni estetici umani.

Tempo libero, volto a soddisfare i bisogni umani del bambino) nell'intrattenimento e nel gioco.

Tecnologia di produzione:

Automatizzato. I prodotti vengono realizzati automaticamente secondo un determinato programma, schema, modelli (pan di zenzero Tula, sciarpe stampate, ecc.).

Misto. Viene utilizzato sia il lavoro automatizzato che manuale.

Manuale. I prodotti sono realizzati solo a mano e ogni prodotto è individuale.

Un certo numero di mezzi di espressione artistica sono utilizzati nelle arti e nei mestieri.

1) Proporzione

Le proporzioni in un'opera d'arte sono il rapporto tra i valori dei suoi elementi, così come i singoli elementi della composizione, con l'intera opera nel suo insieme. L'osservanza delle proporzioni gioca un ruolo importante nella composizione, poiché crea un rapporto favorevole tra il tutto e le sue parti.

2) Scala e scala

I concetti di scala e scala vengono utilizzati se è necessario caratterizzare la proporzionalità del tutto o delle sue singole parti.

Gli oggetti dell'ambiente soggetto, creati da una persona, dovrebbero essere su larga scala in relazione a lui, ad es. la loro massa dovrebbe essere correlata alla massa del corpo umano.

La scala è una caratteristica relativa delle dimensioni di un oggetto, è il rapporto tra le dimensioni di un'immagine in un dipinto, uno schizzo, un disegno rispetto alla sua dimensione effettiva in natura.

Scala: la proporzionalità della forma e dei suoi elementi in relazione alla persona, allo spazio circostante e ad altre forme. Ogni oggetto ha la sua scala, ma è tutt'altro che sempre possibile parlare della sua scala, proporzionalità in relazione a una persona. La scala è una caratteristica qualitativa, soprattutto nelle composizioni volumetriche e volumetriche-spaziali. Come mezzo di composizione, dovrebbe essere usato abbastanza liberamente, guidato da considerazioni di espressione artistica.

Il ritmo è un mezzo importante per portare varie forme e i loro elementi all'unità armoniosa.

Il ritmo (flusso greco) è un'alternanza di elementi commisurati di un insieme, che si verificano con una sequenza e una frequenza regolari.

Il ritmo è inerente a vari fenomeni e forme della natura: il cambio delle stagioni, il giorno e la notte, la disposizione delle foglie sul ramo di un albero, le strisce e le macchie nel colore degli animali, ecc. Esiste in tutte le opere d'arte: la musica ( alternanza di suoni), poesia (alternanza di rime), architettura, belle arti e arti decorative-applicate (ripetizione varia e alternanza di forme su un piano o nello spazio).

Il colore è uno dei mezzi importanti di espressione artistica, trasmette l'atteggiamento nei confronti dell'immagine creata. Aiuta a identificare le proprietà di base degli oggetti, offre a tutti l'opportunità di mostrare la propria individualità.

5) Composizione

Questo è il principio strutturale più importante di un'opera, che organizza la disposizione reciproca delle sue parti, la loro subordinazione l'una rispetto all'altra e al tutto, che conferisce all'opera l'unità, l'integrità e la completezza.

6) Trama

Questa è la natura della superficie di un oggetto, che è determinata dalle proprietà del materiale di cui è composto e dal modo in cui viene lavorato.

7) Simmetria

Simmetria - Disposizione appropriata e proporzionale di parti di smth. rispetto al centro, medio.

Una silhouette è un'immagine di contorno a un colore di una persona, un oggetto su uno sfondo di un colore diverso, disegnato o ritagliato.

La percezione estetica dei bambini dei segni pittorici, plastici e delle proprietà testurizzate dei materiali che caratterizzano i campioni di arte applicata popolare è stata relativamente poco studiata. Numerose osservazioni e conversazioni ci permettono di dire che i bambini mostrano un vivo interesse per i temi dell'arte popolare russa. I bambini sono vividamente impressionati dai dipinti a pennello colorati su legno nelle opere di artigiani popolari della pittura di Gorodets e Khokhloma, modelli di piante, fiori e uccelli, ricchi di colori, vassoi decorativi Zhostovo, matrioska dipinta Semenovskaya. I prodotti degli intagliatori di Bogorodsk evocano sorrisi allegri e simpatia nei bambini: orsi che possono costruire case e andare in bicicletta, uccelli e cervi, decorati con il famoso taglio di Bogorodsk. I bambini mostrano in modo molto emotivo e diretto la loro attitudine alla decoratività, all'espressività delle immagini, alla bellezza della trama dei materiali delle opere popolari di arte applicata, rifiutando, di regola, naturalistica e sovraccarica di campioni di arredamento.

Attraverso la comunicazione con l'arte popolare, l'anima del bambino si arricchisce, si infonde l'amore per la sua terra. L'arte popolare conserva e trasmette alle nuove generazioni tradizioni nazionali e forme di atteggiamento estetico nei confronti del mondo sviluppate dalle persone. Perché l'esperienza di millenni è stata incarnata nell'arte popolare.

Quando si parla dell'uso di opere d'arte decorativa e applicata nella scuola materna, viene prestata particolare attenzione agli oggetti dei tipi tradizionali di arte popolare. In effetti, i prodotti degli artigiani popolari: sculture in legno e pittura, miniature e cesellature in lacca, vetro e ceramica, tessuti, pizzi e prodotti ricamati, giocattoli popolari sono una manifestazione del talento, dell'abilità e dell'inesauribile ottimismo degli artisti del popolo. Bellissimi esempi di arte decorativa e applicata aiutano a instillare nei bambini il rispetto e l'amore per la cultura del loro popolo, la Patria e la loro terra. La predominanza delle forme vegetali è una caratteristica dell'arte popolare russa.

L'arte degli artigiani popolari aiuta a rivelare il mondo della bellezza ai bambini, a sviluppare il loro gusto artistico. L'arte popolare contribuisce a un profondo impatto sul mondo del bambino, ha un valore morale, estetico, cognitivo, incarna l'esperienza storica di molte generazioni ed è considerata parte della cultura materiale.

Le arti e i mestieri popolari sono un fenomeno complesso di culture artistiche storiche, sociologiche, etnografiche e nazionali e allo stesso tempo il più democratico e accessibile a una persona fin dall'infanzia.

La capacità di creare è geneticamente inerente a una persona. L'arte nasce come risultato del naturale bisogno dell'uomo per la bellezza, nella soddisfazione sensuale di ciò che ha creato o visto.
Il tipo più antico di attività artistica è l'arte decorativa e applicata (DPI). Le persone hanno sempre cercato di decorare se stesse, le loro case e le cose che usavano.Dai materiali più comuni - pietra, metallo, legno, argilla - le persone hanno creato vere e proprie opere d'arte che hanno espresso la percezione emotiva ed estetica del maestro del mondo che lo circonda.

Tutte le opere di DPI possono essere divise in due gruppi. Il primo è rappresentato dagli oggetti per la casa (vestiti, utensili vari, stoviglie, mobili, tessuti), dove la bellezza di un oggetto è indissolubilmente legata al suo utilizzo.

Il secondo gruppo è rappresentato dagli oggetti decorativi, qui è possibile un'interpretazione più libera dei mezzi espressivi, si tratta di pannelli, vasi decorativi, souvenir, ecc.

Statue decorative, arazzi, mosaici, pannelli occupano un posto speciale; possono essere sia un mezzo per decorare l'ambiente architettonico che opere indipendenti.

L'arte decorativa e applicata ha un legame diretto con le esigenze quotidiane delle persone, un proprio mezzo di espressione. Nel corso della vita, l'umanità è impegnata in una varietà di attività: vita domestica, sport, creatività, una vasta gamma di funzioni sociali, lavorative, di culto, ecc. Esiste un numero enorme di diversi articoli per la casa, cose che aiutano una persona a eseguire azioni diverse. Molti di loro sono legati al campo dei DPI. Tali articoli sono realizzati con materiali diversi e allo stesso tempo possono essere utilizzate diverse tecniche di esecuzione. Tenendo conto dell'importante ruolo del principio costruttivo e tecnologico nelle arti e dei mestieri e del suo collegamento diretto con la produzione, le opere di DPI sono classificate secondo le caratteristiche funzionali dell'uso degli oggetti DPI, secondo la loro appartenenza a diversi tipi di materiali e secondo la tecnologia di produzione.

Classificazione dei DPI per segni d'uso funzionali.

Bigiotteria.

Gioielleria.

Gioielli realizzati con materiali naturali.

Illuminazione.

Articoli per la decorazione d'interni, ecc.

Tipi di DPI per tecnologia di esecuzione.

Tessitura di tappeti.

Tessitura.

Pittura artistica delle uova.

Fabbricazione di prodotti in vetro.

Ceramica.

Lavorazione artistica del metallo.

Vytynanka.

Tessitura della vite.

Floristica.

Pittura popolare.

Lavorazione artistica dell'osso, ecc.

Classificazione dei materiali.
Tessuti artistici.

Tessuti artistici.

Ceramiche artistiche.

Vetro d'arte.

Metallo artistico.

Lavorazione artistica del legno (intaglio, falegnameria, botti).

Lavorazione artistica della pelle.

I tipi di DPI saranno discussi più dettagliatamente nei seguenti articoli.

Con il metodo di produzione di articoli del moderno DPI esistono in due forme: industriale e artigianale.

La divisione sociale del lavoro nella fase di fabbricazione, lo sviluppo dell'industria hanno portato al fatto che l'uso e la bellezza, lo scopo e il design dei prodotti fabbricati sono diventati prerogativa di diversi specialisti.

Nel tempo, appare l'industria dell'arte: la produzione meccanica di prodotti decorativi e applicati, che vengono utilizzati per decorare edifici residenziali e pubblici, articoli per la casa. Ai nostri tempi, oltre all'artigianato artistico, la produzione di massa di arti e mestieri è fornita da imprese speciali nel settore dell'arte.

I prodotti delle arti e dei mestieri professionali e popolari sono per molti versi simili, ma ci sono differenze. L'artista folk esegue principalmente il suo lavoro a mano. Il master può lavorare sia da solo che in team. L'artigianato non è prodotto in serie. Anche se gli artisti folk realizzano una serie di prodotti in un laboratorio, ogni pezzo è comunque individuale.

Le opere di DPI, create presso le imprese dell'industria dell'arte o in laboratori, sono solitamente prodotte nella circolazione di massa.La standardizzazione impone alcune restrizioni alla creatività degli artisti, rende le cose, gli oggetti simili.Inoltre, gli specialisti devono tenere conto della domanda di il prodotto, la qualità dei materiali da cui verrà realizzata la cosa, la disponibilità di attrezzature la potenza richiesta, ecc. Ma gli artisti professionisti creano anche progetti originali che esistono in una singola copia Se uno specialista riceve un ordine individuale, è libero dalle restrizioni e può creare una cosa così unica che il suo talento creativo e le esigenze del cliente lo consentiranno.

L'unità organica della forma dell'oggetto, che ne definisce chiaramente lo scopo, ei mezzi artistici e pittorici che rendono bello l'oggetto, riflettono la capacità professionale dell'autore.

C'è la terza direzione nella creazione di prodotti DPI, può anche essere attribuito alla forma artigianale.È un enorme esercito di ammiratori dell'attività creativa, l'artigianato nella vita di tutti i giorni. Queste sono persone che non hanno un'istruzione speciale, dilettanti, per i quali è un certo tipo di esibizione amatoriale, una forma particolare di ricreazione e ora la possibilità di guadagni aggiuntivi.Lavoro a maglia, ricamo, falegnameria, creazione di fiori, caccia, intaglio, ecc. attività "in casa" che introducono le persone alla creatività artistica, al gusto della forma, alle elevate esigenze artistiche.

La creatività a casa nel nostro tempo ha ricevuto il nome "fatto a mano", dall'inglese "fatto a mano" - artigianato, e questo nome è anche il processo di creazione di prodotti unici.

La moda per il fatto a mano è arrivata dall'Occidente nel 21° secolo. Ora questa parola è usata praticamente per denotare tutto ciò che è creativo e originale, qualsiasi artigianato, in cui è investita una particella del calore dell'autore.

"Sii felice di usarmi" - un maestro della lontana epoca romana inciso su un piccolo cucchiaio d'argento. Questo motto può ancora essere applicato a tutti i tipi di arti applicate: lascia che le persone siano felici, per le quali beneficio e bellezza sono inseparabili.