Colore nel dipinto di impressionisti. Le migliori foto di impressionisti con nomi e foto

Per me, l'impressionismo è principalmente qualcosa di aria, effimero, fuga in modo incoerente. Questo è un momento straordinario, che l'occhio ha a malapena il tempo di fissare e che in seguito rimane in memoria del MIG della massima armonia. Il Maestro dell'impressionismo era famoso per la capacità di trasferire facilmente questo momento alla tela, avendo lo doverlo con sensazioni tangibili e sottili vibrazioni che sorgono con tutta la realtà quando interagire con l'immagine. Quando guardi il lavoro di artisti eccezionali di questo stile rimane sempre un certo retrogusto di umore.

Impressionismo (Dall'impressione - l'impressione) è una direzione dell'arte, originata in Francia alla fine del 1860. I suoi rappresentanti hanno cercato il più naturale e inutile di catturare il mondo reale nella sua mobilità e variabilità, trasferire le loro impressioni di borbottanza. Attenzione particolare è stata prestata al trasferimento di colore e luce.

La parola "impressionismo" deriva dal nome dell'impressione di Mone Picture. Sunrise presentato alla mostra 1874. Un giornalista poco conosciuto Louis Lerua nella sua rivista allineato con gli artisti "impressionisti" per esprimere il loro disprezzo. Tuttavia, il nome ha preso radici e ha perso il suo significato originale negativo.

La prima importante mostra di impressionisti si è svolta dal 15 aprile al 15 maggio 1874 nel laboratorio del fotografo del Nadar. C'erano 30 artisti, solo 165 opere. I giovani artisti hanno rimproverato nella "incompletezza" e "arrugginito della pittura", l'assenza di gusto e significato nelle loro opere, "tentò arte vera", umori ribelli e persino immoralità.

Rappresentanti principali dell'impressionismo -, Alfred Sisley e Frederick Basil. Insieme a loro mettono le loro foto Edward Mana e. Gli impressionisti classificano anche il Johd John ,.

Paesaggi e scene dalla vita urbana - Forse i generi più caratteristici di pittura impressionista - scrivevano "al Plenier", cioè. Direttamente dalla natura, e non sulla base di schizzi e schizzi preparatori. Gli impressionisti sbircirono brevemente nella natura, notando colori e sfumature, solitamente invisibili, come il blu nell'ombra.

Il loro metodo artistico era nella decomposizione dei toni complessi al loro spettro di colore puro. Ombre colorate e pittura di trepidazione luminosa pulita. Gli impressionisti hanno imposto vernici con tratti separati, a volte usando i toni di contrasto su una sezione dell'immagine. La caratteristica principale dei dipinti impressionisti è l'effetto del vivace tremolante delle vernici.

Per trasferire il colore dell'oggetto, gli impressionisti hanno iniziato a preferire usare colori, si rinforzano reciprocamente: rosso e verde, giallo e viola, arancione e blu. Gli stessi colori creano un effetto contrasto coerente. Ad esempio, se guardiamo il colore rosso per un po ', e quindi trasferiremo lo sguardo al bianco, sembreremo verdure noi.

L'impressionismo non ha sollevato problemi filosofici e non ha nemmeno provato a penetrare nella superficie del colore della restrizione. Invece, gli artisti si concentrano sulla superficie, lo slancio di momenti, umore, illuminazione o carbone visivo. I loro dipinti erano rappresentati solo dai lati positivi della vita senza influire sui problemi sociali acuti.

Gli artisti hanno spesso dipinto la gente in movimento durante il divertimento o il riposo. Le trame flirt sono state prese, ballano, soggiornando in un caffè e teatro, passeggiate in barca, sulle spiagge e nei giardini. Se giudichi le immagini degli impressionisti, allora la vita è una serie solida di piccole vacanze, feste, padiglioni piacevoli al di fuori della città o in un ambiente amichevole.

L'impressionismo ha lasciato il ricco patrimonio nella pittura. Prima di tutto, è un interesse per problemi di colore e tecniche non standard. L'impressionismo ha espresso il desiderio di aggiornare il linguaggio artistico e una sospensione con una tradizione, come protesta contro la tecnica accattivante dei maestri della scuola classica. Bene, ora possiamo ammirare queste magnifiche opere di artisti eccezionali.

Ora i capolavori degli artisti impressionisti sono percepiti da noi nel contesto dell'arte mondiale: per noi hanno da tempo diventato un classico. Tuttavia, non era sempre così. È successo che le loro tele non hanno mancato mostre ufficiali, criticate nella stampa, non volevano comprare nemmeno per una tassa simbolica. C'erano anni di disperazione, bisogni e privazione. E la lotta per l'opportunità di dipingere il mondo poiché sono della sua fede. Ci sono voluti molti decenni, in modo che la maggioranza potesse comprendere e percepire, vedere se stessi con i loro occhi. Cos'era, il mondo, in cui l'impressionismo invase nei primi anni del 1860, come se il vento vigile, la trasformazione?

Copussioni pubbliche del tardo XVIII secolo, Rivoluzione in Francia e America, trasformò l'essenza della cultura occidentale stessa, che non poteva non influire sul ruolo dell'arte in una società in rapida evoluzione. Abituato all'ordine sociale dalla dinastia regnante o dalla chiesa, gli artisti improvvisamente scoprono che sono stati lasciati senza i loro clienti. Nobiltà e clero, i clienti di base dell'arte, hanno sperimentato serie difficoltà. C'è stato un nuovo tempo, l'era del capitalismo, le regole e le priorità pienamente trasformanti.

A poco a poco, nelle repubbliche stabilite e dei poteri democraticamente disposti, è stata cresciuta la ricca classe media, a causa della quale il nuovo mercato dell'arte cominciò a svilupparsi. Sfortunatamente, imprenditori e commercianti, di regola, non avevano abbastanza cultura ereditaria e educazione, senza la quale era impossibile valutare correttamente la diversità della trama allegoria o abilità esecutive abile, che aveva fatto l'aristocrazia.

Non emettere un'educazione aristocratica e l'istruzione, i rappresentanti della classe media, realizzati dai consumatori dell'arte, sono stati obbligati a navigare in originariamente per le considerazioni dei critici dei giornali e degli esperti ufficiali. Old Academy of Arts, che sono custodi di uomini classici, divennero arbitri centrali in questioni artistiche. Non è paradossalmente che alcuni giovani e in cerca di pittori che si oppongono al conformismo, ribellati contro l'ambizione formale dell'isoscademismo nell'arte.

Una delle ottiche essenziali del accademismo di quei tempi è stata patrocinata dalle autorità della mostra dell'arte contemporanea. Tali mostre erano chiamate saloni - secondo la tradizione, contattando il nome della sala del Louvre, dove una volta artisti della Corte esibivano la loro tela.

La partecipazione al salone è stata una singola possibilità di intrufolarsi nelle loro opere di interesse della stampa e dei clienti. Auguste Renoir in una delle lettere a Durane-Rueel parla delle disposizioni stabilite delle cose: "In tutta Parigi, non è a malapena un quindici ammiratori che possono riconoscere l'artista senza l'aiuto del salone, e migliaia di ottanta persone che non lo faranno Anche ottenere un centimetro quadrato in tela se l'artista non è accettato nel salone. "

I giovani pittori non brillavano nient'altro, oltre a come capire nei saloni: potevano sentire parole non estreme non solo dai membri della giuria, ma anche dei pittori profondamente rispettati, come Eugene Delacroix, Gustave Kourba, Eduard Mana , ex pets giovanili, ricevendo così spinta alla successiva creatività. Inoltre, il salone è stata un'opportunità unica per acquistare il cliente, essere notato, organizzare una carriera nell'arte. Il premio del salone segnato per l'artista, la chiave del riconoscimento professionale. E al contrario, se la giuria ha respinto il lavoro presentato, era equivalente alla rimozione estetica.

L'immagine spesso proposta per la considerazione non corrispondeva ai soliti canoni, per i quali la giuria del salone è stata respinta: nell'ambiente artistico, questo episodio ha sollevato lo scandalo e la sensazione.

Uno degli artisti il \u200b\u200bcui coinvolgimento nella cabina ha creato invariabilmente uno scandalo e ha causato accademiche accademiche molte preoccupazioni, Eduard Mana era. Il grande scandalo è stato accompagnato da dimostrazioni delle sue tele "colazione sull'erba" (1863) e "Olympia" (1865), creata in modo insolitamente acuto, contenente alieno all'estetica. E nell'immagine "Incidente sulla Corrida", presentato nel salone del 1864, la passione dell'artista per la creatività di Goya colpita. In primo piano, la criniera ha dipinto la figura aperta del torero. Lo sfondo dell'immagine è stato un carico di contrattazione e una file di spettatori scoraggiati, onmali. Una composizione così acuta e che causa ha provocato una massa di feedback sarcastici e cartoni animati di giornali. Critiche pazze, mana strappava la sua immagine in due parti.

Va notato che i critici e i fumettisti non si vergognano nella selezione di parole e modi per insultare rapidamente l'artista, spingerlo ad alcune azioni di risposta. "L'artista, respinto dal salone", e in seguito il "impressionista", divenne gli obiettivi preferiti dei giornalisti che guadagnano in scandali pubblici. Discords inquietanti della cabina con pittori di altri concetti e onere che sono stanchi dei severi confini del accademismo obsoleto, significativamente segnato sul grave declino, che è abbandonato da quel momento nell'arte della 2a metà del XIX secolo. La giuria del salone conservatrice del 1863 ha respinto così tanti vestiti che l'imperatore Napoleone III ha trovato necessario sostenere personalmente una mostra diversa e parallela in modo che lo spettatore potesse confrontare i lavori accettati con respinto. Questa mostra, che ha acquisito il nome "Il salone del paesaggio" è diventato un luogo di busta estremamente alla moda - è andato qui per ridere ed evidenziare.

Per essere abituati alla giuria accademica, i pittori di imaging potrebbero stabilire mostre individuali indipendenti. L'idea della mostra di un artista ha annunciato per la prima volta l'artista-realista Gustina Kourba. Ha presentato una serie di opere per la Mostra World Paris del 1855. Il comitato di qualificazione ha approvato i suoi paesaggi, ma ha rifiutato le immagini del programma tematico. Quindi Kourba, contrariamente ad esso, eretto in prossimità del Padiglione personale della mostra mondiale. Sebbene l'ampio modo pittoresco del vivaio fosse impressionato dagli anziani Delacroe, il pubblico nel suo padiglione era un po '. Durante la mostra mondiale nel 1867, Kursbe ha ripreso questa esperienza con un grande trionfo - questa volta ha vinto tutte le sue opere in una stanza separata. Eduard Mana Prendendo un esempio di Kourba, ha aperto la propria galleria durante la stessa mostra per una dimostrazione retrospettiva delle sue tele.

La creazione di gallerie personali e la pubblicazione privata dei cataloghi assunse il costo tangibile delle risorse - incomparabilmente grandi di quelli che spesso possiedono artisti. Tuttavia, i casi con Kourba e Mana hanno spinto i giovani pittori sul piano di una mostra di gruppo di artisti di nuove tendenze non prese dal salone ufficiale.

Oltre ai cambiamenti sociali dell'arte del XIX secolo, la ricerca scientifica era in groviglio. Nel 1839, Louis Dagerr a Parigi e Henry Fox Talbot a Londra hanno dimostrato dispositivi fotografici creati da loro indipendentemente l'uno dall'altro. Poco dopo questo evento, la foto si è liberata di artisti e orari dal dovere semplicemente perpetuando persone, luoghi e incidenti. L'oggetto liberato dal debito, molti pittori si sono precipitati alla sfera di trasferimento della propria, soggettiva, espressione sulla tela di emozione.

La fotografia ha dato origine ad altre opinioni nell'arte europea. L'obiettivo, con un altro angolo di vista, piuttosto che gli occhi di una persona, formava una rappresentazione frammentaria della composizione. Cambiare l'angolo delle riprese di artisti spinti a nuove visioni compositive che sono diventate la base dell'estetica dell'impressionismo. Uno dei principali principi di questo flusso era spontaneità.

Nello stesso 1839, quando è stata creata una telecamera, un chimico dal laboratorio della fabbricazione parigina di arazzi Michel Eugene Shevreyl ha pubblicato per la prima volta un'interpretazione logica della percezione del colore da parte di un occhio umano. Creare coloranti per tessuti, si è assicurato nell'esistenza di tre colori principali - rosso, giallo e blu, quando si mescolano tutti gli altri colori sorgono. Con l'assistenza del cerchio di colore, Chevreyl ha dimostrato come nasce le sfumature che non solo illustrabilmente illustrato un'idea scientifica difficile, ma presentata anche agli artisti un concetto di lavoro della miscela di vernici. American Physicist Odden Rud e Scienziato tedesco Sportisti Hermann Hermgoli per la sua parte completa la presente invenzione dagli sviluppi nel campo dell'ottica.

Nel 1841, lo scienziato americano e il pittore John Rand hanno brevettato i tubi di latta creati da lui per le vernici deperibili. Prima dell'artista, lasciando a scrivere al Pleair, fu costretto ad essere miscelato per la prima volta nel laboratorio delle vernici di cui avevano bisogno e dopo averli versandoli in contenitori di vetro, che erano spesso combattuti, o in bolle dall'animale internamente, che furono rapidamente somministrati flusso. Con l'arrivo dei tubi Randovsky, la gente dell'arte ha ottenuto il vantaggio di portare con sé tutta la varietà di colori e sfumature. Questa scoperta era in larga misura influenzata l'abbondanza della combinazione di artisti del colore, e in aggiunta loro convinse per uscire dai loro laboratori in natura. In breve tempo, come notato da solo, nei dintorni rurali dei giocatori del paesaggio divenne più dei contadini.

I pionieri di pittura al per favore erano artisti di una scuola di Barbizon, che ha acquisito il loro soprannome dal villaggio Barbizon vicino alla Foresta Fontaineblo, dove furono creati la maggior parte dei paesaggi.

Se i più anziani della Scuola Barbizon (T. Rousseau, J. Dupre) nel loro lavoro erano ancora basati sul patrimonio del paesaggio eroico, poi i rappresentanti della Generazione più giovane (S. Kotovi, K. Coro) hanno ricevuto questo genere al realismo Sulle loro tele specializzate paesaggi, idealizzazione accademica aliena.

Nei loro dipinti, il barbizontsy ha cercato di ricreare la diversità degli stati della natura. Ecco perché hanno dipinto dalla natura, cercando di catturare l'immediatezza della loro percezione. Tuttavia, l'uso dei metodi e dei fondi accademici solari nella pittura non li ha aiutati a raggiungere ciò che è stato in seguito gestito da impressionisti. Contrariamente a questo, il contributo degli artisti della Scuola Barbizonskaya nella formazione del genere è irreversibile: lasciando i laboratori per il bene del afflitto, hanno suggerito il paesaggio che vernicia i nuovi modi di sviluppo.

Uno dei sostenitori della pittura sulla natura, Eugene Budy, ha incaricato il suo giovane allievo di Claude Monet, che è necessario creare sul Plenier - tra la luce e l'aria, per dipingere ciò che sta contemplando. Questa regola è diventata la base della pittura plenaria. Borzina Moneta presentata ai suoi amici, Auguste Renuar, Alfred Sisley e Frederick Basile, una nuova teoria: per dipingere solo ciò che osserviamo su una distanza specifica e con un'illuminazione specifica. Nelle sera, i giovani pittori nei caffè parigini erano felicemente condivisi da considerazioni e discernendo le loro nuove scoperte con il fervore.

Così l'impressionismo è apparso - una direzione rivoluzionaria dell'arte dell'ultimo terzo dei secoli XIX - primitivi XX. I pittori che hanno inserito il sentiero dell'impressionismo, cercarono di catturare più naturalmente e veritieri il mondo circostante nelle loro opere e la realtà quotidiana nella loro infinita mobilità e incostanza, esprimono le loro sensazioni fugaci.

L'impressionismo è diventato risposta alla stagnazione dell'arte dell'Accademismo in quegli anni, il desiderio di liberare pittura da quella posizione senza speranza in cui è stata soddisfatta della colpa degli artisti del salone. Il fatto che l'arte moderna è in declino, molti progressivi hanno detto: Eugene Delacroix, Gustav Kourbe, Charles Bodler. L'impressionismo è apparso per un "corpo sofferente" di una specie di terapia d'urto.

Con l'Avvento dei giovani Artisti-Ufficiali di Geniress Edward Man, Auguste Renuara, Edgar Dega Cambio del vento esplosiva in pittura francese, dando l'impedita della contemplazione della vita, alimentando il casuale, come se fosse inaspettata situazioni e movimenti, puzzosità illusorio e impassibilità del lassore Forme, capacità della composizione, punti di vista imprevedibili e prospettive.

Di sera, quando gli artisti non avevano più l'opportunità di scrivere la loro tela a causa di a malapena chiarimenti, hanno lasciato i loro laboratori e si accovacciò dietro a mangiare dispute nei caffè parigini. Quindi Cafe Arboua è diventato uno dei luoghi immutabili per incontrare la manciata di artisti che si univano intorno all'Edward Man. Il giovedì ha tenuto incontri regolari, e in altri giorni c'era un gruppo di artisti vivaci o archivi vivaci. Claude Moneta ha descritto gli incontri nella caffetteria Gerbua: "Non potrebbe essere nulla di più eccitante di questi incontri e un incontro infinito di opinioni. Accolsero la nostra mente, hanno incoraggiato le nostre aspirazioni nobili e cardiache, ci ha dato l'accusa di entusiasmo, ci ha rinforzati per molte settimane fino a quando l'idea è stata soddisfatta. Abbiamo lasciato questi incontri in un umore rialzato, con una volontà rafforzata, con le briciole più reviste e chiare. "

Alla vigilia degli anni 1870, l'impressionismo è stato fondato e nel paesaggio francese: Claude Monet, Camille Pissarro, Alfred Soleele il primo ha sviluppato un sistema prigioniero coerente. Hanno scritto la propria tela senza schizzi e schizzi all'aria aperta subito su tela, incarnando la luce del sole scintillante nei loro dipinti, una favolosa abbondanza di natura della natura, dissolvendo gli oggetti rappresentati nel mezzo, vibrazione della luce e dell'aria, la rivolta dei riflessi. Per raggiungere questo obiettivo, un sistema colouristico studiato da loro in tutte le parti è stato finto, in cui il colore naturale del colore dello spettro solare. Per creare una struttura colorata insolitamente luminosa e colorata, gli artisti mettono un colore pulito sulla tela con macchie separate, mentre la miscelazione ottica negli occhi di una persona era prevista. Questa tecnica, in seguito trasformata e teoricamente sostenuta, è diventata la più straordinaria aspirazione artistica eccezionale - il punto di testa, chiamato "Divisionism" (da Franz. "Diviser" - per dividere).

Aumento degli interessi Gli impressionisti hanno mostrato ai collegamenti dell'oggetto e dell'ambiente. L'oggetto della loro scrupolosa analisi creativa è stata la conversione del colore e della natura dell'oggetto nell'ambiente che cambia. Per raggiungere questa idea, lo stesso oggetto è stato rappresentato ripetutamente. Con l'aggiunta di colore puro in ombra e riflessi, la vernice nera ha quasi lasciato la tavolozza.

Critico Jules Lafort ha quindi risposto sul fenomeno dell'impressionismo: "Impressionista vede e trasferisce la natura come è, cioè le uniche vibrazioni incantevoli. Figura, luce, volume, prospettiva, luce - tutto ciò che è partito per una classificazione gratuita. Si scopre che tutto è determinato dalle vibrazioni del colore e deve essere sigillato sulla tela di vibrazione del colore.

Grazie all'aria aperta e alle riunioni nella caffetteria il 27 dicembre 1873, anonimo, scultori, incisori, ecc. "Apparve. - Quindi prima sono stati giocati gli impressionisti. La prima mostra della società si è svolta in primavera un anno dopo nella galleria commerciale del Nadar, il fotografo-sperimentale, che ha viaggiato in aggiunta alle creazioni dell'arte moderna.

Il debutto è arrivato il 15 aprile 1874. La mostra è stata progettata per trascorrere un mese, il tempo delle visite - da dieci a sei e, che è diventato anche innovazione, da otto a dieci di sera. Il biglietto d'ingresso valeva un franco, i cataloghi potrebbero essere acquistati a cinquanta centesimi. All'inizio, la mostra sembrava essere piena di visitatori, ma la folla ha solo saltato là fuori. Qualcuno ha scherzato che il compito di questi artisti può essere raggiunto se la pistola è accusata di diversi tubi di vernice, poi spara in tela e laureata dal business firmato.

Le opinioni sono state divise: o la mostra non è stata presa sul serio, o criticata in fluff e polvere. La percezione generale può essere espressa nel prossimo articolo dell'aspirazione sarcastica "Esposizione di impressionisti", con la firma di Louis Lerew, pubblicata sotto forma di Fakon. Il dialogo dell'autore è qui descritto con un sistema accademico-paesaggistico, medaglie assegnate, insieme passano attraverso le sale espositive:

"... L'artista imprudente è arrivato lì, non suggerendo nulla di male, si aspettava di vedere la tela lì, che può essere trovata ovunque, esponenziale e nidigital, più che qualsiasi definita, ma non distante per alcuni standard artistici, cultura della forma e Rispetto per la vecchia matrah.

Ahimè, modulo! Ahimè, vecchi maestri! Non li leggiamo più, il mio povero amico! Siamo tutti trasformati! "

La mostra ha anche messo il paesaggio di Claude Monet, che era l'alba del mattino nella baia della foga avvolta - il pittore lo chiamava "impressione. Sunrise "(impressione). Ecco un commento di uno dei personaggi dell'articolo satirico Louis Lerua per questa tela, che ha dato il nome al corso più sensoriale e noto nell'arte del XIX secolo:

"...- Cosa viene disegnato qui? Condividi nel catalogo. - "Impressione. Alba". - Impressione - quindi ho assunto. Ho appena ragione se stesso in me stesso che da quando sono impressionato, dovrebbe essere dato un'impressione in esso ... e che tipo di dedizione, qual è la levigatezza della performance! Carta da parati nel grado iniziale di lavorazione è più perfetto di questo seascape ... ".

Personalmente, Monet non era contro un tale nome del ricevimento artistico, che ha applicato in pratica. L'essenza principale del suo lavoro è precisamente la Corte e catturando lo slittamento dei momenti della vita, su ciò che ha lavorato, generando le sue innumerevoli serie di vestiti: "Pile", "Poplar", "Cattedrale di Rueny", "Stazione Saint-Lazar", "Pond in Zevny", "Londra. Edificio del Parlamento "e altri. Un altro caso, Edgar Dega, che amava rendersi "indipendente", perché non ha partecipato alla cabina. Il suo stile tagliente e grottesco di Scrittura, che ha servito come esempio per molti sostenitori (tra cui Tolosa-Lotrek era particolarmente eccezionale), era un'imcuperabilità della giuria accademica. Entrambi questi pittori sono diventati gli organizzatori più iniziali delle successive mostre di impressionisti, sia in Francia che all'estero - in Inghilterra, Germania, Stati Uniti.

Auguste Renoir, al contrario, appaiono alle prime mostre di impressionisti, non ha perso la speranza di conquistare il salone, inviando due dipinti ogni anno alla sua mostra. La caratteristica dualità delle sue azioni, si diffonde nella corrispondenza con il suo compagno e il patrono di Durane-Rueley: "... Non sostengo opinioni dolorose che il lavoro è degno o indegno a seconda del luogo in cui è dimostrato. In breve, non voglio uccidere il tempo invano e sii arrabbiato con il salone. Non voglio nemmeno fingere di essere arrabbiato. Penso solo che tu abbia bisogno di disegnare non appena è meglio, è tutto. Wah che avrei rimproverato di essere stato incompiuto nella mia arte o dalla ridicola ambizione rinnovata dalle mie opinioni, prenderei così accuse. Ma da quando non è simile, allora ho bisogno di rovinarmi. "

Non considerarsi ufficialmente coinvolto nella direzione degli Impressionisti, Eduard Mana ha letto un pittore-realista. Tuttavia, incessante stretta relazione con impressionisti, visitando le loro mostre, ha trasformato impercettibilmente lo stile del pittore, portandolo impressionante. Negli anni della morte della sua vita, vernici nei suoi dipinti sono illuminanti, striscio di oscillazione, composizione - frammentaria. Come Renoir, Mana attese la posizione degli esperti ufficiali nel campo dell'arte e si precipitò a prendere parte alle mostre del salone. Ma nonostante il suo desiderio, divenne l'idolo delle avanguardieristiche parigine, il loro regevole re. Contrariamente a tutto, ha ostinato scatenato il suo salone di lino. Poco prima della morte, è stato fortunato ad acquisire la posizione ufficiale della cabina. Lo ha trovato e Auguste Renoir.

Descrivendo l'impressionismo delle persone chiave, sarebbe brutto non ricordare almeno frammentario su una persona, con l'aiuto di cui una direzione artistica ripetutamente crollata diventava una significativa acquisizione artistica del XIX secolo, conquistato il mondo intero. Il nome di questa persona è Paul Duran-Ruel, un collezionista, un trader dell'arte, reso ripetutamente sull'orlo della bancarotta, ma non ha rifiutato di stabilire l'impressionismo come nuova arte, che raggiungerà il suo apogeo. Era impegnato nell'organizzazione di mostre di impressionisti a Parigi ea Londra, organizzate mostre personali di pittori nella sua galleria, aste organizzate, semplicemente promosse artisti finanziariamente: c'erano momenti in cui molti di loro non avevano una vernice e tela. La prova dell'apprezzamento della fiamma e il rispetto degli artisti - le loro lettere di Durane-Ruelè, che rimane abbondante. La personalità di Durane-Rueel è un campione di un collezionista e un benefattore intelligente.

"Impressionismo" è il concetto di relativo. Tutti i pittori che consideriamo a questo flusso hanno superato la formazione accademica che assunse la scrupolosa allenamento delle parti e una superficie pittoresca piana e lucida. Tuttavia, presto hanno scelto i soliti argomenti e grafici prescritti dagli interni, dai dipinti nella direzione realistica, riflettendo la realtà reale, ogni giorno. Successivamente, ognuno di loro ha scritto un certo tempo nello stile dell'impressionismo, cercando di trasmettere obiettivi obiettivi nei suoi dipinti con un'illuminazione diversa. Dopo una fase così impressionistica, la maggior parte di questi artisti anti-garde si è trasferita in una ricerca indipendente, che ha acquisito il nome di raccolta "il postopressione"; Più tardi, la loro creatività contribuì alla formazione dell'astrattismo del XX secolo.

Negli anni '70 del XIX secolo, l'Europa era dipendente dall'arte giapponese. Edmond de Gonkur nei suoi rapporti di registrazioni: "... La passione della passione dell'arte giapponese ... Ho fatto di tutto, dalla pittura alla moda. All'inizio, è stata la mania di tali eccentrici, come mio fratello e io, .. successivamente si unì agli artisti-impressionisti. " Infatti, nelle immagini degli impressionisti di quel tempo, gli attributi della cultura giapponese furono spesso catturati: acqua, kimono, shirm. Hanno anche imparato metodi stilistici e soluzioni di plastica da incisioni giapponesi. Molti impressionisti erano collezionisti entusiasti di incisioni giapponesi. Ad esempio, Eduard Mana, Claude Monet, Edgar Degas.

In generale, i cosiddetti impressionisti dal 1874 al 1886 hanno messo in scena 8 mostre con intervalli ineguali; La metà dei 55 pittori apparteneva a una società anonima, per diverse circostanze, è apparso solo nel 1 °. Il partecipante esclusivo di tutte le 8 mostre era Camille Pissarro, rilasciato da un calmo calma pacifico.

Nel 1886, la fiera finale degli impressionisti ha avuto luogo, ma come metodo d'arte, ha continuato a esistere. Le vernici non hanno lasciato un duro lavoro. Anche se l'ex partnership, l'unità, non era più lì. Tutti hanno gettato la sua strada. Gli scontri storici finirono, si sono conclusi con il trionfo di nuove opinioni, e non c'era bisogno di unirsi alla forza. Gli Adestratori degli Artisti-Impressionisti si dividono, e non potevano non dividere: erano dolorosi, erano tutti, non solo sul temperamento, ma anche nei panorami, su credenze artistiche.

Impressionismo, come direzione, secondo il suo tempo, non ha mancato di lasciare i confini della Francia. Tali domande sono state richieste pittori e in altri paesi (James Whistler in Inghilterra e Stati Uniti, Max Lieberman e pesce corrintrico in Germania, Konstantin Korovin e Igor Grabar in Russia). L'appassibilità del movimento immediato dell'impressionismo, la forma del fluido è stata adottata e scultore (Auguste Roden in Francia, Paolo Trubetskoy e Anna Golbubank in Russia).

Dopo aver completato un colpo di stato nelle opinioni dei contemporanei, espandendo la sua visione del mondo, gli impressionisti hanno quindi preparato il terreno per la successiva formazione dell'arte e l'emergere di nuove aspirazioni e idee estetiche, nuove forme che non erano lunghe per aspettare. Arrivando dall'impressionismo, il neo-simulazione, il pastepressionismo, la piumasismo, successivamente ha stimolato la formazione e la formazione di nuove tendenze e orientamenti estetici.

L'impressionismo è un corso di funzionalità emerso negli anni '70. XIX secolo in pittura francese, e poi manifestata in musica, letteratura, teatro.

L'impressionismo nella pittura ha iniziato a svilupparsi molto prima della famosa mostra del 1874. Il principale corriere di impressionisti è tradizionalmente considerato Edward Mana. Era molto ispirato dalle classiche opere di Tiziano, Rembrandt, Rubens, Velasqueza. La sua visione delle immagini di Mana espresse sulle sue tele, aggiungendo "vibranti" tratti che hanno creato l'effetto dell'incompletezza. Nel 1863, Manne ha creato Olympia, che ha causato un grande scandalo nella società culturale.

A prima vista, l'immagine è stata realizzata in linea con i canoni tradizionali, ma allo stesso tempo era già trasportata e tendenze innovative. Circa 87 giudizi sono stati scritti in varie edizioni di Parigi su Olympia. Una massa di critiche negative è stata raccolta su di lei - l'artista è stato accusato di volgarità. E solo alcuni articoli potrebbero essere chiamati benevoli.

Mana nel suo lavoro ha usato gli elettrodomestici di sovrapposizione della vernice di un livello, che ha creato l'effetto dei punti. Successivamente, questo metodo di applicazione delle vernici è stato trasportato da artisti-impressionisti come base per le immagini su tesi pittoresche.

Una caratteristica distintiva dell'impressionismo era per la migliore fissazione delle impressioni di borbottatura, in modo speciale di interpretare il mezzo luminoso con l'aiuto di un complesso mosaico di vernici pulite, tratti decorativi in \u200b\u200bfuga.

È curioso che all'inizio dei suoi artisti di ricerca ha usato un cyanometer - uno strumento per determinare il cielo blu. Il colore nero è stato escluso dalla tavolozza, è stato sostituito con altre sfumature di colore, che ha reso possibile non rovinare l'umore soleggiato dei dipinti.

Gli impressionisti si sono concentrati sulle ultime scoperte scientifiche del loro tempo. La teoria del colore tempio e Helmholtz è ridotta a quanto segue: Il raggio di sole è diviso nei componenti dei colori, e, di conseguenza, le due vernici indossate su tela migliorano l'effetto pittorico, e quando la vernice è miscelata, l'intensità perde l'intensità.

L'estetica dell'impressionismo si stava in evoluzione, in parte, come un tentativo di liberare decisamente dalla Convenzione del classicismo nell'arte, così come dal simbolismo persistente e dalla profondità del dipinto tardivo, che offriva a tutti di vedere le intenzioni crittografate che hanno bisogno di attenti interpretazione. L'impressionismo ha sostenuto non solo la bellezza della realtà quotidiana, ma la fissazione dell'atmosfera colorata, non dettagliata e non estinguente, raffigurante il mondo come un fenomeno ottico eternamente che cambia.

Gli artisti-impressionisti hanno sviluppato un sistema prigioniero finito. I predecessori di questa caratteristica stilistica sono stati artisti dipinti, immigrati della Scuola Barbizon, i principali rappresentanti dei quali erano Camille Coro e John Constable.

Il lavoro nello spazio aperto ha dato più opportunità per catturare i minimi cambiamenti di colore in diversi momenti della giornata.

Claude Monet è stata creata diverse serie di dipinti sulla stessa trama, ad esempio, la cattedrale di Rueny (serie di 50 dipinti), "pile" (serie di 15 dipinti), "laghetto con gigli d'acqua", ecc. L'indicatore principale di questi Serie C'è stato un cambiamento nella combinazione di luce e colore nell'immagine dello stesso oggetto scritto in diversi momenti della giornata.

Un altro risultato dell'impressionismo è lo sviluppo di un sistema scenico originale, in cui i toni complessi sono decomposti su colori puri trasmessi dai singoli colpi. Gli artisti non mescolissero i colori sulla tavolozza, ma preferivano imporre tratti direttamente sulla tela. Tale apparato attaccato ai dipinti speciali riverenza, variabilità e sollievo. Le opere degli artisti erano piene di colore e luce.

La mostra il 15 aprile 1874 a Parigi è stata il risultato del periodo della formazione e della sottomissione al pubblico in generale di un nuovo corso. L'esposizione è stata implementata nel fotografo Studio Felix Nadar sul Boulevard Kapuchin.

Il nome "Impressionismo" è sorto dopo la mostra, su cui è stata esposta l'immagine dell'impressione di Monet. Alba". Il critico L. Lerua nella sua recensione nella pubblicazione "Charivari" ha dato una caratteristica scherzante della mostra del 1874, portando all'esempio di Monet. Un altro critico, Maurice Denis, ha rimproverato impressionisti in assenza di individualità, sentimenti, poesia.

Alla prima mostra, circa 30 artisti hanno dimostrato le loro opere. Era il più grande, rispetto alle mostre successive fino al 1886.

È impossibile non dire sul feedback positivo dalla società russa. Artisti russi e critici-democratici, sempre vividamente interessati alla vita artistica della Francia - I. V. Kramskaya, I. E. Repin e V. V. Stasov - molto valutato i risultati degli impressionisti della prima fiera.

La nuova fase della storia dell'arte, iniziata dalla mostra del 1874, non era un'improvvisa esplosione di tendenze rivoluzionarie - era il culmine di uno sviluppo lento e coerente.

Con tutto ciò che tutti i grandi maestri del passato hanno dato il loro contributo allo sviluppo dei principi dell'impressionismo, le radici immediate del flusso possono essere facilmente rilevate negli anni venti precedenti la mostra storica.

Nelle mostre parallele in cabina hanno acquisito il loro fatturato dell'impressionisti della mostra. Le nuove tendenze nella pittura sono state dimostrate nelle loro opere. Stava rimproverando la cultura del salone e le tradizioni espositive. In ulteriori artisti, gli impressionisti sono riusciti ad attrarre ammiratori di nuove tendenze nell'art.

La conoscenza teorica e la formulazione dell'impressionismo cominciarono a svilupparsi piuttosto tardi. Gli artisti preferivano più pratiche e i propri esperimenti su luce e colore. Nell'impressionismo, prima di tutto pittoresco, tracciato l'eredità del realismo, l'orientamento anti-accademico, antisalonico e l'installazione dell'immagine della realtà circostante di quel tempo sono pronunciati in esso. Alcuni ricercatori notano che l'impressionismo è diventato un ramo speciale del realismo.

Indubbiamente, in arte impressionistica, come in ogni flusso artistico, derivante durante il periodo di frattura e la crisi delle antiche tradizioni, sono state tessute, con tutta la sua integrità esterna, varie e persino tendenze contraddittorie.

Le principali caratteristiche erano nel tema delle opere di artisti, nei mezzi di espressività artistica. Il libro di Irina Vladimirova sugli impressionisti include diversi capitoli: "Paesaggio, natura, impressioni", "Città, luoghi di riunioni e separazione", "Hobbys, come stile di vita", "Persone e personaggi", "ritratti e autoritratti" , "Natura morta". Descrive anche la storia della creazione e la posizione di ogni lavoro.

Durante il periodo di tiro, gli artisti dell'impressionismo hanno trovato un equilibrio armonico tra la realtà oggettiva e la sua percezione. Gli artisti hanno cercato di catturare ogni raggio di luce, il movimento della brezza, la variabilità della natura. Per preservare la freschezza dei dipinti, gli impressionisti hanno creato il sistema pittoresco originale, che è stato successivamente molto importante per lo sviluppo dell'arte in futuro. Nonostante le tendenze generali nelle direzioni di pittura, ogni artista ha trovato il suo percorso creativo e i generi principali della pittura.

L'impressionismo classico è rappresentato da artisti come Eduard Mana, Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Edgar Alfred Sisley, Camille Pissarro, Jean Frederick Basil, Berta Morizo, Edgar Dega.

Considera il contributo di alcuni artisti alla formazione dell'impressionismo.

Eduard Mana (1832-1883)

Le prime lezioni della pittura di criniera ricevute da T. Couture, grazie a questo, il futuro artista ha acquisito molte competenze professionali necessarie. A causa della mancanza di adeguata attenzione all'insegnante, la criniera lascia il Maestro del Maestro e affronta l'auto-educazione. Visita le mostre nei musei, i vecchi Maestri hanno avuto una grande influenza sulla sua formazione creativa, specialmente spagnolo.

Nel 1860, la criniera scrive due opere, in cui i principi di base del suoderscore artistico sono visti. "Lola di Valencia" (1862) e "Fleetista" (1866) Show Show Mane come artista che rivela la natura del modello attraverso la trasmissione del colore.

Le sue idee sulla tecnica di applicare le macchie e l'atteggiamento nei confronti del colore sono state accettate da altri artisti-impressionisti. Nel 1870, la criniera si avvicina ai suoi seguaci e lavora al Plenier senza nero sulla tavolozza. L'impressionismo venuta è stato il risultato dell'evoluzione creativa della criniera. Le immagini più impressionistiche di mana sono considerate "nella barca" (1874) e "Claude Monet nella barca" (1874).

Mana ha anche scritto un sacco di ritratti di diverse signore lacolari, attrici, simulatori, belle donne. In ogni ritratto, l'unicità e l'individualità del modello è stato trasferito.

Poco prima della sua morte, Mana scrive uno dei suoi capolavori - "Bar Fo foli-Berger" (1881-1882). In questa immagine, diversi generi sono combinati contemporaneamente: ritratto, natura morta, scena della famiglia.

N. N. Kalitina scrive: "La magia magica magica è che la ragazza si oppone al circostante, rivela così chiaramente il suo umore, e allo stesso tempo fa parte dell'intero piano posteriore, indovinando vagamente, indefinito, preoccupante, anche risolto in blu-nero , toni bluashi-bianchi e gialli. "

Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet è stato un capo indubbio e fondatore del classico impressionismo. Il genere principale del suo dipinto era un paesaggio.

Nella sua giovinezza, Mone era appassionato di caricatura e cartone animato. I primi modelli per i loro lavori erano il suo insegnante, compagni. Per il campione, ha usato caricature in giornali e riviste. Ha copiato i disegni in "Golua" E. Karzha, poeta e fumettista, un amico di Gustava Kouris.

Al college, la pittura moneta ha insegnato Jacques-Francois Oshar. Ma giustamente notare l'influenza sul Monte Budene, che ha sostenuto l'artista, gli ha dato un consiglio, motivato a continuare la creatività.

Nel novembre del 1862, a Paris Monet ha continuato i suoi studi a Parigi a Gleira. Grazie a questo Monet, lo incontrò in un laboratorio con una basale, Renoir, Sisty. I giovani artisti si stavano preparando per l'ammissione alla scuola di arti graziose, rispettando la loro insegnante, che hanno preso poche lezioni per le loro lezioni e in una forma morbida ha dato consigli.

Monet ha creato i suoi dipinti non come una storia, non come un'illustrazione di un'idea o di un tema. Il suo dipinto, come la vita, non aveva obiettivi chiari. Vide il mondo, non concentrandosi sui dettagli, su alcuni principi, camminava verso la "visione del paesaggio" (il termine storico dell'arte A. A. Fedorova-Davydova). Monet ha cercato di incubazione, la fusione dei generi sulla tela. I mezzi di incarnazione delle sue innovazioni erano Etudi, che avrebbero dovuto completare i dipinti. Tutti gli schizzi sono stati tratti dalla natura.

Scrisse un prato, e colline, fiori e rocce, e giardini e strade rustiche, e il mare, le spiagge e molto altro ancora, ha affrontato l'immagine della natura in diversi momenti della giornata. Spesso ha scritto lo stesso posto in momenti diversi, creando così cicli intere dai loro lavori. Il principio del suo lavoro non era un'immagine di oggetti nella foto, ma una trasmissione accurata della luce.

Diamo alcuni esempi del lavoro dell'artista - "Campo di Makov da Argentei" (1873), "Piano" (1869), "Pond with Water Lily" (1899), "Pile di grano" (1891).

Pierre Auguste Renoir (1841-1919)

Renoir si riferisce ai maestri eccezionali di un ritratto laico, oltre a questo, ha lavorato nei generi del paesaggio, della scena domestica, della natura morta.

La caratteristica del suo lavoro è un interesse per la personalità di una persona, la divulgazione del suo carattere e dell'anima. Nelle sue tele, Renoir sta cercando di sottolineare la sensazione di completezza dell'essere. L'artista attira intrattenimento e vacanze, scrive palle, passeggiate con il loro movimento e una varietà di personaggi, ballando.

Le opere più famose dell'artista - "Ritratto di un'attrice Zhanna Samari", "ombrelli", "nuotare sulla Senna" e altri.

Interessante che Renoir si distingueva per la musicalità e cantava nella chiesa coro sotto la guida del compositore eccezionale e dell'insegnante Charles Guno a Parigi nella Cattedrale di Saint-Istash. Sh. Gunno consigliato vivamente il ragazzo di impegnarsi nella musica. Ma allo stesso tempo, Renoir ha scoperto il talento artistico - da 13 anni ha già imparato a dipingere i piatti in porcellana.

Le classi musicali hanno influenzato la formazione della personalità dell'artista. Un certo numero delle sue opere è associato a temi musicali. Hanno trovato il loro gioco di riflessione su pianoforte, chitarra, mandolino. Questi sono dipinti "chitarra chitarra", "Giovane donna spagnola con una chitarra", "Giovane signora per pianoforte", "donna che suona la chitarra", "lezione di pianoforte" e altri.

Jean Frederick Basil (1841-1870)

Secondo gli amici dei suoi artisti, Bazil era il più promettente ed eccezionale impressionista.

Le sue opere si distinguono per una combinazione di colori vivaci e immagini dai capelli a mano. Pierre Auguste Renoir, Alfred Sisley e Claude Monet furono fortemente influenzati dal suo percorso creativo. Jean Frederica Appartamento per i pittori principianti era una specie di studio e alloggio.

Basilico ha preferibilmente scritto al Plenier. L'idea principale della sua creatività era un'immagine di un uomo contro lo sfondo della natura. I primi eroi dei dipinti erano i suoi artisti di amici; Molti impressionisti amavano disegnarsi a vicenda nelle loro opere.

Frederick Basil in Molto creatività ha identificato il corso dell'impressionismo realistico. L'immagine più famosa della sua foto è "Family Reunion" (1867) - Autobiografico. L'artista raffigura i membri della sua famiglia. Questo lavoro è stato presentato nel salone e ha ricevuto una valutazione approvante del pubblico.

Nel 1870, l'artista è morto nella guerra prussiana-francese. Già dopo la morte dell'artista, i suoi amici-artisti hanno organizzato la terza mostra di impressionisti, dove sono stati esposti anche la sua tela.

Camille Pissarro (1830-1903)

Camille Pissarro è uno dei più grandi rappresentanti di artisti di vernice dopo K. Monet. Le sue opere furono costantemente esposte nelle esposizioni degli impressionisti. Nelle loro opere, Pissarro preferivano campi arato, vita contadina e manodopera. I suoi dipinti erano caratterizzati dalla struttura delle forme e dalla chiarezza della composizione.

Più tardi, l'artista ha iniziato a scrivere dipinti su argomenti urbani. N. N. Kalitina nel suo libro Note: "Guarda le strade della città dalle finestre dei piani superiori o dai balconi, senza introdurli nella composizione".

Sotto l'influenza di Georges Pierre Syra, l'artista prese il poentilismo. Questa tecnica implica l'imposizione di ciascun striscio separatamente, come se fossero impostando il punto. Ma le prospettive creative in quest'area non sono state realizzate, e Pissarro è tornato in impressionismo.

I dipinti più famosi di Pissarro divennero "Montmartre Boulevard. Pomeriggio, Sunny, "Opera Pass a Paris", "Piazza del Teatro Francese a Parigi", "Giardino a Pontoise", "Havita", "Senokos" e altri.

Alfred Sisley (1839-1899)

Il genere principale della pittura di Alfred Sisley era un paesaggio. Nei suoi primi lavori, può essere visto principalmente influenzato da K. Coro. A poco a poco, nel processo di collaborazione con K. Monte, J. F. Bazil, P. O. Renoir, i toni della luce inizia ad apparire nelle sue opere.

L'artista attrae il gioco della luce, cambiando lo stato dell'atmosfera. Allo stesso paesaggio di Sisley si appellava più volte, catturandolo in momenti diversi della giornata. La priorità nelle sue opere L'artista ha dato l'immagine dell'acqua e del cielo, che ha cambiato ogni secondo. L'artista è riuscito a raggiungere la perfezione con l'aiuto di un colore, ogni ombra nel suo lavoro porta una specie di simbolismo.

Le sue opere più famose: "Vicolo rurale" (1864), "Gelo in Luveseyne" (1873), "Tipo di Montmartre con un'isola di fiori" (1869), "Neve antica a Luvurezenne" (1872), "Ponte in Argente" ( 1872).

Edgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas è un artista che ha iniziato il suo modo creativo con imparare nella scuola di arti graziose. Fu ispirato dagli artisti del Rinascimento italiano, che ha avuto un impatto sul suo lavoro nel suo complesso. All'inizio di Degas ha scritto dipinti storici, ad esempio, "le ragazze spartan sono causate da ragazzi spartani. (1860). Il genere principale del suo dipinto è un ritratto. Nelle loro opere, l'artista si affida alle tradizioni classiche. Crea opere contrassegnate con una forte sensazione del loro tempo.

A differenza dei suoi colleghi, Dega non condivide una visione gioiosa, all'aperto della vita e delle cose inerenti impressionismo. L'artista è più vicino alla tradizione critica dell'arte: la compassione del destino di una persona semplice, la capacità di vedere le anime delle persone, il loro mondo interiore, l'inconsistenza, la tragedia.

Per un ruolo importante nella creazione di un ritratto, oggetti e interni, il gioco dell'uomo che circonda. Diamo un po 'di lavoro come esempio: "Innancere dio con orchestra" (1868-1869), "ritratto femminile" (1868), "Chet Morbilli" (1867) e altri.

Il principio del ritratto nelle opere del DEGI è tracciato per tutto il suo percorso creativo. Nel 1870, l'artista della gloria completa raffigura la Società della Francia, in particolare Parigi nelle sue opere. Nell'interesse dell'artista - vita urbana in movimento. "Il movimento era una delle più importanti manifestazioni della vita, e la sua capacità di trasmettere è la conquista più importante della pittura moderna", scrive n. Kalitin.

Durante questo periodo di tempo, tali immagini sono create come "stella" (1878), "Miss Lola in Circus Fernando", "Racing in Epsoma" e altri.

La nuova svolta della creatività di DEGI diventa il suo interesse per il balletto. Mostra la vita del backstage del ballerina, racconta il loro lavoro pesante e gli allenamenti testardi. Ma nonostante questo, l'artista riesce a trovare ariosità e facilità di trasmettere le loro immagini.

In una serie di balletti di immagini di DEGI, i risultati nel quadro della trasmissione di rampe luminose artificiali sono visibili, parlano della concessione colorata dell'artista. I dipinti più famosi "Blue Dancers" (1897), "Dance Class" (1874), "Dancer con un bouquet" (1877), "ballerini in rosa" (1885) e altri.

Alla fine della vita, a causa della compromissione della degno, tenta la sua forza nella scultura. I suoi oggetti sono le stesse ballerine, donne, cavalli. Nella scultura del Degi prova a superare il movimento, e per valutare la scultura, è necessario considerarlo dai lati diversi.

"Il nuovo mondo è nato quando gli impressionisti lo hanno scritto"

Henri Canveyiler.

XIX secolo. Francia. Nel verniciatura è successo senza precedenti. Un gruppo di giovani artisti ha deciso di scosso una tradizione di 500 anni. Invece di un disegno trasparente, hanno usato una vasta striscia "incurante".

E dalle solite immagini e abbandonato, ritrarre tutto in fila. E le signore del comportamento polmonare e i signori della dubbiosa reputazione.

Il pubblico non era pronto per il dipinto di impressionisti. Erano ridicolizzati, rimproverati. E soprattutto, non hanno comprato nulla.

Ma la resistenza è stata rotta. E alcuni impressionisti vivevano al loro trionfo. Vero, erano già in 40. come Claude Monet o Auguste Renuar. Altri hanno aspettato il riconoscimento solo alla fine della vita come Camille Pissarro. Qualcuno prima di lui non viveva come Alfred Sisley.

Qual è il rivoluzionario commesso ciascuno di loro? Perché il pubblico non li ha accettati per così tanto tempo? Ecco i 7 impressionisti francesi più famosi che conoscono il mondo intero.

1. Eduard Mana (1832-1883)

Eduard Mana. Autoritratto con tavolozza. 1878 Collezione privata

Mana era più vecchio della maggior parte degli impressionisti. Era il loro principale ispiratore.

Mana stesso per il ruolo del capo dei rivoluzionari non ha rivendicato. Era un uomo secolare. Sognato di premi ufficiali.

Ma stava aspettando il riconoscimento per un tempo molto lungo. Il pubblico voleva vedere le dee greche o le sollevate ancora alla fine peggiore, per guardare magnificamente nella sala da pranzo. La criniera voleva scrivere la vita moderna. Ad esempio, le tende.

Di conseguenza, è apparso "Colazione sull'erba". Due dandies riposano nella società delle signore del comportamento leggero. Uno di loro come niente si siede accanto agli uomini vestiti.

Eduard Mana. Colazione sull'erba. 1863, Parigi

Confronta la sua "colazione sull'erba" con il lavoro di Tom Couture "Romani durante un declino". La pittura di couture ha prodotto un furore. L'artista è diventato immediatamente famoso.

"La colazione sull'erba" è stata accusata della volgarità. La gravidanza non era assolutamente raccomandata seriamente di guardarlo.

Tom Kutur. Romani del tempo di declino. 1847 Museum D'Ors, Parigi. Artchive.ru.

Nella foto di Couture, vediamo tutti gli attributi accademismo (pittura tradizionale dei secoli XVI-XIX). Colonne e statue. Aspetto della gente Apollo. Colori mobili tradizionali. Modifica pone e gesti. La trama dalla vita lontana di una persona completamente diversa.

"La colazione sull'erba" Mana è un altro formato. Prima di lui, nessuno raffigurava le tende del genere. Accanto ai cittadini rispettabili. Sebbene molti uomini del tempo abbiano trascorso il loro tempo libero. Era la vera vita delle persone reali.

Una volta ho raffigurato una signora rispettabile. Brutto. Non poteva adularla con un pennello. La signora è rimasta delusa. Andato da lui in lacrime.

Eduard Mana. Angelina. 1860 Museum D'Ors, Parigi. Wikimedia.commons.org.

Pertanto, ha continuato a sperimentare. Ad esempio, con il colore. Non ha provato a ritrarre il cosiddetto sapore naturale. Se l'acqua grigia-marrone lo sembra blu brillante, ha anche ritratto il suo blu brillante.

Questo, ovviamente, infastidito il pubblico. "Dopotutto, anche il Mar Mediterraneo non può vantare un tale blu come l'uomo d'acqua." - Yazvili loro.

Eduard Mana. Arzhante. 1874 Museo di Belle Arti, Tour, Belgio. Wikipedia.org.

Ma il fatto rimane un dato di fatto. Mana nella tenuta ha cambiato lo scopo della pittura. L'immagine divenne una forma di realizzazione dell'individualità dell'artista, che scrive come lui piace. Dimenticando i modelli e le tradizioni.

La nomatura non lo ha perdonato per molto tempo. I riconoscimenti hanno aspettato solo alla fine della vita. Ma non era già necessario. Ha saplosamente sbiadito dalla malattia incurabile.

2. Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet. Autoritratto in Take. 1886 Collezione privata

Claude Monet può essere chiamato un libro di testo impressionista. Dato che era fedele a quest'area tutta la sua lunga vita.

Scrisse non oggetti e persone, ma un design a colori singoli di abbagliamento e punti. Tratti separati. Air Shake.

Claude Monet. Piscina per bambini. 1869 Museo metropolitano, New York. Metmuseum.org.

Monet ha scritto non solo la natura. Gestito e paesaggi della città. Uno dei più famosi - .

In questa foto c'è molto dalla foto. Ad esempio, il movimento viene trasmesso utilizzando un'immagine sfocata.

Nota: alberi e figure a lungo raggio sono come se fossero nel fumo.

Claude Monet. Boulevard Kapuchin a Parigi. 1873 (Galleria d'arte d'Europa e America 19-20 vz.), Mosca

Prima di noi è un momento arrestato della rapida vita di Parigi. Nessuna agilità Nessuno pone. Le persone sono raffigurate come una totalità di macchie. Tale immunità e l'effetto della "cornice di arresto" è la caratteristica principale dell'impressionismo.

A metà degli anni '80, gli artisti sono rimasti delusi dall'impressionismo. L'estetica è, ovviamente, bene. Ma l'incoerenza di molti oppressi.

Solo Monet ha continuato a persistere, l'impressionismo ipertrofo. Si è trasformato in una serie di dipinti.

Lo stesso paesaggio ha ritratti dozzine di volte. In diversi momenti della giornata. In diversi momenti dell'anno. Per mostrare quante temperature e luce possono cambiare lo stesso aspetto oltre il riconoscimento.

Quindi c'erano innumerevoli pile di fieno.

Immagini di Claude Monet nel Museo delle Belle Arti a Boston. A sinistra: pile di fieno al tramonto a Zhiverny, 1891 a destra: una pila di fieno (effetto neve), 1891

Si prega di notare che le ombre in queste immagini sono colorate. E non grigio o nero, come era consuetudine agli impressionisti. Questa è un'altra la loro invenzione.

Monet è riuscito a godere del successo e del benessere del materiale. Dopo il 40, ha già dimenticato della povertà. Ho una casa e un bellissimo giardino. E per un lungo periodo trascorso per molti anni.

Sulla maggior parte del segno di pittura del master lettura nell'articolo

3. Auguste Renoir (1841-1919)

Pierre-Auguste Renoir. Auto ritratto. 1875 Institute of Art Sterling e Francin Clark, Massachusetts, USA. Pinterest.ru.

L'impressionismo è il dipinto più positivo. E il più positivo tra gli impressionisti era Renoir.

Nei suoi dipinti, non troverai i drammi. Anche la vernice nera che non ha usato. Solo la gioia dell'essere. Anche il remore più comune sembra bellissimo.

A differenza di Monet, Renoir ha scritto le persone più spesso. I paesaggi per lui erano meno significativi. Le immagini stanno riposando e godendo la vita dei suoi amici e conoscenti.

Pierre-Auguste Renoir. Vogatori della colazione. 1880-1881. Collezione di Phillips, Washington, USA. Wikimedia.commons.org.

Non puoi trovare Renoara e profondità. Era molto felice di unirsi agli impressionisti che sono stati inquinati da trame.

Come ha detto lui stesso, finalmente ha l'opportunità di scrivere fiori e chiamarli solo "fiori". E non inventare storie su di loro.

Pierre-Auguste Renoir. Donna con ombrello nel giardino. 1875 Museo di Tissen-Burnis, Madrid. Arteuam.com.

Il miglior renoir ha sentito nella società delle donne. Chiese la sua cameriera a cantare e scherzare. Più stupido e la canzone era più ingenua, è meglio per lui. E le chiacchiere degli uomini erano stanche. Non è sorprendente che il Renoir sia famoso per i panni nudi.

Il modello sulla foto "nudo alla luce del sole" come se si manifestasse su uno sfondo colorato astratto. Perché non c'è niente di minore per Renuara. L'occhio del modello o della sezione del fondo posteriore è equivalente.

Pierre-Auguste Renoir. Nudo alla luce del sole. 1876 \u200b\u200bMuseum D'Orsov, Parigi. wikimedia.commons.org.

Renoir ha vissuto una lunga vita. E non rimandare mai il pennello e la tavolozza. Anche quando le sue mani nutrono completamente il reumatismo, ha legato un pennello verso la sua mano con una corda. E dipinto.

Come Monte, ha aspettato il riconoscimento dopo 40 anni. E vide i suoi dipinti nel Louvre, accanto alle opere dei famosi maestri.

A proposito di uno dei ritratti più affascinanti di Renuara legge nell'articolo

4. Edgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas. Auto ritratto. 1863 Museo di Galbenkyan, Lisbona, Portogallo. Coltivato.com.

DEGI non era un classico impressionista. Non gli piaceva lavorare al prigioniero (all'aperto). Non troverà una tavolozza deliberata.

Al contrario, ha adorato una linea chiara. Ha un colore nero. E ha lavorato esclusivamente in studio.

Ma ancora è sempre messo in fila con altri grandi impressionisti. Perché era un gesto impressionante.

Prospettive inaspettate. Asimmetria nella posizione degli oggetti. Caratteri a sorpresa incrinati. Ecco gli attributi principali dei suoi dipinti.

Ha fermato i momenti della vita senza dare ai personaggi di venire nei suoi sensi. Guarda almeno sulla sua "Opera Orchestra".

Edgar Degas. Opera Orchestra. 1870 Museum D'Ors, Parigi. Commons.wikimedia.org.

In primo piano, la parte posteriore della sedia. Musicista per noi indietro. E sulla priorità bassa posteriore, la ballerina sul palcoscenico non si adattava alla "cornice". Le loro teste sono senza pietà "circoncisa" il bordo dei dipinti.

Quindi i ballerini li agli augurati non sono sempre raffigurati in belle pose. A volte fanno solo un tratto.

Ma questa improvvisazione è compromessa. Certo, Dega pensieroso ha pensato la composizione. Questo è solo l'effetto di un telaio di arresto e non un vero telaio del piede.

Edgar Degas. Due ballerini di balletto. 1879 Museo Shelbourne, Vermouth, USA

Edgar Degas amava scrivere donne. Ma la malattia o le caratteristiche del corpo non gli permetteva di avere un contatto fisico con loro. Non è mai stato sposato. Nessuno lo ha mai visto con la signora.

La mancanza di grafici reali nella sua vita personale ha aggiunto un'eroticità sottile e intensa alle sue immagini.

Edgar Degas. Stella di balletto. 1876-1878. MUSEO D'ORS, Parigi. wikimedia.coms.org.

Si prega di notare che solo la Ballerina stessa viene disegnata nell'immagine "Ballet Star". I suoi colleghi dietro le quinte a malapena distinguibili. È una poche gambe.

Questo non significa che Dega non abbia finito l'immagine. Questa è la reception. Partire a fuoco solo la cosa più importante. Il resto per far scomparire, illeggibile.

Su altri dipinti del Maestro lettura nell'articolo

5. Berta Morizo \u200b\u200b(1841-1895)

Eduard Mana. Ritratto di Borth Morizo. 1873 Museo Manot Museo, Parigi.

Bert Morizo \u200b\u200braramente ha messo nella prima fila di grandi impressionisti. Sono sicuro che è immeritato. Solo hai tutte le caratteristiche principali e le tecniche dell'impressionismo. E se ti piace questo stile, ami il suo lavoro con tutta l'anima.

Morizo \u200b\u200bha lavorato rapidamente e spingendo, spostando la sua impressione sulla tela. Figure come se per dissolversi nello spazio.

Bert Morizo. Estate. 1880 Museo di Famon, Montpellier, Francia.

Come un DEGI, spesso non ha insegnato alcuni dettagli. E persino parti del modello del corpo. Non possiamo distinguere tra le ragazze nella foto "Estate".

Il percorso per l'auto-espressione in Morizo \u200b\u200bera difficile. Non solo è stata impegnata in una pittura "incurante". Era ancora una donna. A quei tempi, la signora avrebbe dovuto sognare il matrimonio. Dopodiché, qualsiasi hobby è stato dimenticato.

Pertanto, Berta ha un lungo rifiuto del matrimonio. Fino a quando ho trovato un uomo che ha rispettosamente la sua lezione. Eugene Mana era il suo fratello nativo dell'artista Eduard Man. Inserito indossata un cavalletto e una vernice.

Bert Morizo. Eugene criniera con sua figlia a Buhval. 1881 MURA MOTOON MONET MUSEO, PARIGI.

Ma ancora il caso era nel XIX secolo. No, i pantaloni di Morizo \u200b\u200bnon indossarono. Ma non poteva permettersi la completa libertà di movimento.

Non poteva andare al parco per lavorare da solo, non accompagnati da qualcuno dei propri cari. Non potevo sedersi da solo nel caffè. Pertanto, i suoi dipinti sono persone del cerchio di famiglia. Marito, figlia, parenti, bambinaia.

Bert Morizo. Donna con un bambino nel giardino nel magazzino. 1881 Museo nazionale del Galles, Cardiff.

Il riconoscimento del Morizo \u200b\u200bnon ha aspettato. Morì in 54 anni dall'infiammazione dei polmoni, quasi nessuno funziona nella vita. Nella sua testimonianza della morte nella colonna "lezioni di rod" erano un fosso. Era impensabile a una donna chiamata l'artista. Anche se fosse davvero.

Sui dipinti del master lettura nell'articolo

6. Camille Pissarro (1830 - 1903)

Camille Pissarro. Auto ritratto. 1873 Museum D'Ors, Parigi. Wikipedia.org.

Camille Pissarro. Non conflitto, ragionevole. Molte persone percepivano come insegnanti. Anche i colleghi più temperamenti su Pissarro non parlavano male.

Era un follower fedele di impressionismo. Con fortemente bisogno, avendo una moglie e cinque figli, ha continuato a lavorare nel suo amato stile. E mai passati al salone di pittura per diventare più popolare. Non è noto dove ha preso il potere di credere in se stesso.

Per non morire affatto con la fame, Pisserro ha dipinto un fan, che sarebbe felice. E questo riconoscimento è arrivato dopo 60 anni! Allora finalmente è stato in grado di dimenticare la necessità.

Camille Pissarro. Diligenza in Luvezienne. 1869 Museum D'Ors, Parigi

Aria nei dipinti Pissarro spessa e densa. Lega insolita di colore e volume.

L'artista non aveva paura di scrivere i fenomeni più mutevoli della natura, che sono mostrati per un momento e scompaiono. Prima neve, sole gelido, lunghe ombre.

Camille Pissarro. Brina. 1873 Museo D'Orsov, Parigi

Le sue opere più famose sono i tipi di Parigi. Con ampi viale, una folla di Bay Etley. Di notte, nel pomeriggio, in condizioni meteorologiche diverse. Qualcosa che riecheggiano con la serie di immagini di Claude Monet.

Impressionismo (fr. impressionnisme., OT. impressione - Impressione) - Direzione dell'arte dell'ultimo terzo dello XIX - L'inizio del XX secolo, originato in Francia e poi diffuso in tutto il mondo, i cui rappresentanti hanno cercato di sviluppare metodi e adottanti che hanno permesso il più naturale e vibrante di catturare Il mondo reale nella sua mobilità e variabilità, trasferisci le loro impressioni di agitazione. Di solito sotto il termine "impressionismo" significa una direzione nella pittura (ma questo è, prima di tutto, un gruppo di metodi), anche se le sue idee hanno anche trovato la loro forma di realizzazione in letteratura e musica, dove l'impressionismo ha anche eseguito in un determinato insieme di metodi e tecniche per la creazione di opere letterarie e musicali, in cui gli autori hanno cercato di trasmettere la vita in forma sensuale, diretta, come riflesso delle loro impressioni

Il compito dell'artista in quel momento era l'immagine più plausibile della realtà, non mostrando le sensazioni soggettive dell'artista. Se fosse stato ordinato un ritratto di parata - allora era necessario mostrare al cliente in una luce favorevole: senza deformità, stupida espressione facciale, ecc. Se un terreno religioso - allora era necessario causare una sensazione di riverenza e stupore. Se il paesaggio è quello di mostrare la bellezza della natura. Tuttavia, se l'artista disprezzò i ricchi, che ordinò a un ritratto, o non era incredibile, non c'era scelta e rimase solo per produrre la sua tecnica unica e la sua speranza per fortuna. Tuttavia, nella seconda metà del diciannovesimo secolo, la fotografia iniziò a svilupparsi attivamente e la pittura realistica cominciò a lasciare gradualmente da parte, poiché anche allora era estremamente difficile trasmettere la realtà così credibile come nella foto.

Per molti aspetti, con l'avvento degli impressionisti, è diventato chiaro che l'arte potrebbe presentare valore come rappresentanza soggettiva dell'autore. Dopo tutto, ogni persona percepisce la realtà in modi diversi e risponde anche ad esso, a modo suo. L'aspetto più interessante, come negli occhi di persone diverse, la realtà si riflette e quali emozioni stanno vivendo.

L'artista ha un incredibile numero di opportunità per l'auto-espressione. Inoltre, in sé, l'auto-espressione è diventata molto più grande: prendere una trama non standard, l'argomento, per dire qualcosa di diverso dagli argomenti religiosi o storici, usa la tua tecnica unica, ecc. Ad esempio, gli impressionisti volevano esprimere un'impressione bornica, la prima emozione. Ecco perché le loro opere sono vaghe e come se mancassero. È stato fatto per mostrare un'impressione moltiplicata, quando non c'erano oggetti nella coscienza e sono visibili solo overlord di luce di luce, mezzitoni e contorni sfocati. Le persone di maggior parte mi capiranno) Immagina di non aver selezionato il soggetto dell'intera cosa, vederlo da lontano o semplicemente non peer, ma già forma un'impressione a riguardo. Se provi a ritratterlo, allora è probabile che otterrai qualcosa come le immagini di impressionisti. Qualcosa come un contorno. Pertanto, si è scoperto che era più importante per gli impressionisti che è stato mostrato, ma come.

I principali rappresentanti di questo genere nella pittura erano: Monet, Mana, Sislai, Degas, Renoir, Cezanne. Separatamente, è necessario notare il Turnner Umlama come il loro predecessore.

Parlando della trama:

I loro dipinti erano rappresentati solo dai lati positivi della vita, senza influire sui problemi sociali, compreso come la fame, la malattia, la morte. Questo ha portato più tardi alla divisione tra gli impressionisti stessi.

Schemi di colore

Gli impressionisti hanno prestato molta attenzione al colore, un rifiuto fondamentalmente a sfumature cupa, specialmente dal nero. Tale attenzione al colore dei suoi lavori è stata offerta il colore in sé in un posto molto importante nella foto e ha spinto attentamente le ulteriori generazioni di artisti e designer per il colore.

Composizione

La composizione degli impressionisti ricordava la pittura giapponese, sono stati usati schemi compositi complessi, altri canoni (non una sezione o un centro dorato). In generale, la struttura del dipinto è diventata più comune asimmetrica, più complessa e interessante da questo punto di vista.

La composizione degli impressionisti ha iniziato ad avere un significato più indipendente, è diventato uno degli oggetti di pittura, a differenza del classico, dove trasportava più spesso (ma non sempre) il ruolo del regime su cui è stato costruito qualsiasi lavoro. Alla fine del XIX secolo divenne chiaro che era un vicolo cieco, e la stessa composizione poteva portare certe emozioni e mantenere la trama dei dipinti.

Previste

El Greco - perché usavo tecniche simili nella vernice e il colore acquisito un valore simbolico. Si distingue anche in modo molto originale, individualità, che ha anche cercato impressionisti.

Incisione giapponese - perché ha acquisito grande popolarità in Europa per quegli anni e ha dimostrato che l'immagine può essere costruita a tutte le altre regole rispetto ai classici canoni dell'arte europea. Questo vale per la composizione, l'uso del colore, dei dettagli, ecc. Anche in giapponese e in generale, i disegni e le incisioni orientali erano molto più spesso rappresentati da scene domestiche, che non era quasi mai in arte europea.

Valore

Gli impressionisti hanno lasciato un impronta luminosa nell'arte mondiale, avendo sviluppato tecniche uniche di lettere e avere un enorme impatto su tutte le generazioni successive di artisti con il loro lavoro luminoso e memorabile, una protesta in relazione alla scuola classica e un lavoro unico con il colore. Ancora al massimo Immediatezza e precisione Nel trasferimento del mondo viscoso, hanno iniziato a scrivere principalmente all'aperto e ha sollevato il significato dell'Etiude dalla natura, quasi il tipo tradizionale di immagine, accuratamente e lentamente creato nel laboratorio.

Costantemente illuminando la sua tavolozza, gli impressionisti liberarono la pittura da vernici e vernici terrose e marroni. Il Black Conditional, "Museum" nella loro tela è inferiore al gioco infinitamente diverso dei riflessi e delle ombre di colore. Si espandevano incommensurabilmente le possibilità di arte visiva, aprendo non solo il mondo del sole, luce e aria, ma anche la bellezza delle nebbie di Londra, un'atmosfera irrequieta della vita di una grande città, la dispersione delle sue luci notturne e del ritmo del movimento incessante.

In virtù del metodo di lavoro presso la Plenuera, il paesaggio, incluso il paesaggio della città, ha preso un posto molto importante nell'arte degli impressionisti. Non dovrebbe, tuttavia, credere che il loro dipinto fosse caratterizzato dalla percezione della realtà "paesaggistica" della realtà, cosa spesso rimproveravano. La gamma tematica e scena della loro creatività era abbastanza ampia. Interesse di persona, e soprattutto alla vita moderna della Francia, in senso lato c'era un numero di rappresentanti di questa direzione. La sua affermazione della vita, l'idea democratica di Paphos si opponeva chiaramente all'Ordine mondiale borghese.

Allo stesso tempo, l'impressionismo e, come vedremo, il postopressione è due lati, o meglio, due fasi temporanee consecutive di quella frattura della radice, che ha posato la frontiera tra l'arte del nuovo e il più recente tempo. In questo senso, l'impressionismo, da un lato, completa lo sviluppo di tutto il resto dell'arte rinascimentale, il cui principale principio è stato il riflesso del mondo circostante in forme visivamente affidabili della realtà stessa, e dall'altro - è l'inizio del più grande colpo di stato nella storia delle belle arti, che ha posato la fondazione di un palcoscenico qualitativamente nuovo -

arte del ventesimo secolo.