Colleghi, grande fortuna: recentemente ho comprato sul crollo buccinistico della strada della palla del libro Aronovna Erengroso "secondo le leggi della bellezza", 1961 della pubblicazione. Il libro è scritto per gli adolescenti, ma ti assicuro: il libro è lontano dai bambini. Questo libro proviene dalla categoria di quei libri che danno il giusto "punto di ingresso" in una nuova area tematica. È scritto estremamente semplice e comprensibile. Mi sono permesso tagli minori sul testo. Imprendiamo a capire la pittura, la grafica, la scultura. Il libro sarà pubblicato sulle parti del nostro sito web.

Circa l'auth.

Balla Aronovna Erengross - Rettore, professore della cultura della cultura della GIOVENTUA universitaria russa ", Vincitore del premio Stato dell'URSS, autore di numerosi libri d'arte per i giovani.

Dall'autore

L'arte ti insegnerà a vedere e capire la natura delle persone, la gente faranno affascinare la vita. Ascolta come lo scrittore spagnolo sopravvara a questa abilità dell'arte, l'autore del famoso romanzo "Don Chisciotte": "Né una nave né un passeggino, nessun cavallo da equitazione, né le tue gambe ti permetteranno così lontano e così profondamente penetrano Nei paesi degli altri come fa un buon libro. " Negli "altri paesi" non sei solo un libro, ma anche una foto, un film, un gioco e una musica.

Diciamo "arte", ma sai bene che l'arte è chiamata fiction e cinema, sia teatro, che pittura e scultura, grafica, e musica, ecc. Ognuno di loro ha le sue caratteristiche, le loro caratteristiche distintive. Per capire meglio ogni arte per sentirsi meglio per sentirsi e divertirsi di più la sua percezione, è necessario imparare a capire le sue caratteristiche, la sua lingua.

In questo libro, stiamo parlando solo di Art Visual-Oh dipinto, sulla grafica, sulla scultura. Hai visto le opere di quadri raffinati, disegni, sculture?

"Ho visto" "Dici, senza pensare a come hai visto.

Sei venuto alla galleria d'arte. Passata lentamente attraverso le sale, indugiata in alcune tele e sculture. Ho pensato a me stesso: "Bene, sì, questo è noto dove Ivan Grozny uccide il figlio ... mi chiedo ..." e continuò. Così in un'ora sei andato in giro un sacco di stanze, e anche se poco ha attirato la tua attenzione, parlerai quindi: "Ho visto le foto nella galleria d'arte."

E quando sei trovato opere o autori sconosciuti, allora è ancora più facile. Non ci sono più riconosciuti dall'umanità dei dipinti, testati da tempo e intenditori. E, guardando una tale mostra, tu dici: "Sì, lo è stato, ho visto, ma niente di speciale, quindi io stesso."

Non,. Non hai visto! Hai appena guardato i dipinti, le sculture, i disegni. Ho guardato, ma non ho ancora visto.

Sai che per ogni stoffa, per ogni lavoro dell'artista costa un enorme lavoro, ricerche tese, la gioia dei reperti e amarezza dei fallimenti? Sai che l'artista e il poeta Taras Shevchenko, dato ai soldati e esiliato nella steppa, quasi impazziti della gioia, quando gli amici gli mandarono dipinti con il quale poteva lavorare di nuovo? E l'artista Pavel Andreevich Fedotov? Ha lavorato prima dell'esaurimento, metti le compresse agli occhi per la notte in modo da riposare, ma si considerava felice, perché poteva vedere e scrivere dipinti. L'intero anno di Fedotov ha speso solo per scrivere un cassettone di mogano, e sopra la piccola immagine di "vedova", dove solo una figura femminile, ha lavorato per due anni. Due anni! Ti sei laureato in due lezioni durante questo periodo, è andato al campo in estate, ha fatto un sacco di cose diverse. E lui? E due anni ha scritto tutto il tempo la mattina e prima della notte, guardava, rielaborato e scrisse di nuovo.

Sì, solo Fedotov! E Rembrandt? E Michelangelo? Qualsiasi delle persone che ha dato alla luce l'arte potrebbe, insieme a un paesaggio di talento, defunto defunto di F. A. Vasilyev, per dire: "Non sono dipinto ogni immagine, e poi con il sangue".

Sai che I. N. N. Kramskaya e I. K. Aivazovsky morì con un pennello nelle sue mani, e V. I. Surikov ha sognato una tale morte? Perché là! Ogni vero artista vive con il suo lavoro, dà il suo lavoro tutti i pensieri, tutto il cuore, tutto il suo tempo. Quindi, il lavoro mobotanico dell'artista merita di osservare il suo lavoro, i suoi dipinti, in cui ha messo la sua anima dal vivo, e allo stesso tempo disse indifferentemente: "Molto bello, quanto bene è scritto un vestito! voglio anche toccare. " O qualcos'altro.

Non! L'arte in cui l'artista investe tutto il meglio del fatto che gli ha dato la natura - tale arte non può guardare gli occhi indifferenti. Deve essere in grado di vedere, sentire, capire. E questo deve essere imparato. Andiamo attraverso le sale di mostre e gallerie d'arte. Guarderemo attentamente immagini, disegni, sculture. Cercheremo di scoprire cosa volesse darci l'autore perché l'ha fatto, e non altrimenti. Andiamo lungo le strade della città; Anche lì un sacco di opere di belle arti. Ma non saremo sbrigati.

Quindi, iniziamo!

Che colore nebbia?

E qui siamo nella sala dove vengono collocate le opere di pittura, grafica e sculture. Sulle pareti appese dipinti scritti nei dipinti di tela dipinti con disegni a matita, e negli angoli e nel centro della sala ci sono lavori volumetrici fatti da materiali solidi e raffiguranti persone, e talvolta animali. Sono sculture. Immagini, Disegni, Sculture sono diversi tipi di belle arti.

Eppure, tutti questi diversi tipi di arte hanno molto in comune: raffigurano vari oggetti, eventi, fenomeni della vita, percepiti dalla visione. E vediamo molto. Sulla strada - case e altri edifici, autobus, autobus trolley, tram; lasciando la città - foresta e fiume, strade autostradali e fiori o alberi da frutto; Nella stanza - tavoli, sedie, libri, armadietti e cose diverse. E ovunque in strada, fuori città ea casa - vediamo persone. Lavorano, riposano, parlano o si precipitano da qualche parte.
Ecco tutto il mondo che ci circonda, puoi rappresentare sull'aereo e nello spazio. Sono chiamati le arti trasmittente sull'aereo e in spazio visibile fenomeni della vita bene.

Ma dopotutto, i vari eventi e fenomeni della vita che vediamo nel cinema e nel teatro, impariamo di loro dalla letteratura. Cosa differiscono da quelli che mostra le arti visive?

Nella letteratura, nel cinema e nel teatro, tutti gli eventi si verificano in azione e si sviluppano nel tempo. Ad esempio, nel film l'immagine sta cambiando tutto il tempo. Puoi vedere tutta la vita di una persona dal momento della sua nascita ea morte. Ma, se improvvisamente il dispositivo si deteriora e l'immagine smetterà di muoversi, si stancherai presto di guardare lo schermo. Una persona cessa di essere vivi, si blocca in una posa fissa e talvolta ridicola, e se è la natura, allora tutto il tempo per guardare le nuvole e i fiori saranno semplicemente noiosi.

E nella foto può essere raffigurata del fenomeno della natura o persino inserire frutta o un vaso con fiori sul tavolo. I. Anche se nient'altro che frutta o bouquet di fiori, non c'è tela. Le persone guardano l'immagine con piacere e trovano qualcosa di interessante per se stessi in questa immagine.

A differenza di altri tipi di arte, dove lo sviluppo avviene in tempo, Visual Art può mostrare solo un istante della vita umana o nello stato della natura. Questa è la sua caratteristica principale, ma in questa e la sua complessità.

Ma come in una catturata nel momento in cui è possibile rappresentare la vita, la natura e la natura in continua evoluzione e mutevoli in modo che questo momento abbia raccontato di molte cose?
Dopotutto, è interessante sapere tutto su una persona o almeno alcuni degli episodi più importanti della sua vita. E non ci sono episodi e nessuna storia di vita. È semplicemente raffigurato un istante. Ma se una persona sembra essere inefficace nel Kinokadra, se l'incompletezza dei suoi movimenti provoca risate, allora qui ...

Guarda l'immagine di una persona, la natura, sul palco dalla vita, e vedrai che il movimento umano è naturale, la natura non è congelata, non morta e allo stesso tempo sia la gente che la natura sono simili e allo stesso tempo Non sembrare reale. Quando l'artista raffigura una persona, cerca di trovare un tale stato che è più caratteristico di una determinata persona, quando tutte le sue forze creative sono completamente rivelate. Poi ci vediamo solo uno di questi momento della vita nel lavoro dell'arte visiva, possiamo scoprire che tipo di persona è e cosa fa. La forza e la caratteristica dell'arte visiva è che porta immediatamente a mente e il cuore dei suoi spettatori è che il libro verrà detto in molte pagine, nel cinema - in migliaia di cornici. Films.

Qui abbiamo una piccola immagine di dimensioni. L'evento principale che viene mostrato qui è comprensibile immediatamente.

Camera leggera, versata dal sole. È appena entrato nell'uomo. È stranamente vestito. Gli occhi stanchi e profondamente frizzanti guardano nella domanda. Nel giro della testa, in tutta la sua apparizione c'è una sorta di incertezza. Si è fermato in indecisione. Nessuno ha aspettato per lui, e il suo arrivo è una sorpresa. Può essere visto da come tutte le persone nella stanza hanno reagito al suo aspetto. Teneti dalla sedia una donna anziana in nero. Piena perdita e paura della paura, lasciando gli alieni. La curiosità guarda fuori dalla parte anteriore anziana anziana. Completamento e donna felice che si siede al pianoforte. Cirocchio, seriamente e rigorosamente lo guarda a una ragazza. È abbastanza ovvio che lei non lo conosce o non ricorda. E ragazzo! Guarda, con ciò che si delizia guarda l'incluso. Lo riconosceva. lieto. Un altro momento, e con un grido di delizia, si precipita a lui.

L'artista quindi tutto rappresentava che le spiegazioni non sono necessarie: è abbastanza chiaro che è stato inaspettatamente tornato nella sua famiglia dopo una lunga mancanza del suo capitolo. L'immagine è chiamata: "Non hanno aspettato", e lei è stata scritta da Ilya Efimovich Repin. E, anche se tutti abbiamo capito a prima vista, vediamo ancora più da vicino.

L'uomo è entrato nella stanza restituito dal link. Dice non solo i suoi vestiti, ma il viso esausto e gli occhi profondamente brillavano giustamente, è cambiato molto se anche i loro parenti non lo riconoscono immediatamente. Una donna seduta al pianoforte, la moglie si riferisce sembra debole, dolorosa. Il suo aspetto esprime gioia e qualche confusione. Figura materna L'artista ha messo la schiena allo spettatore. Vale la pena solo vedere questa schiena sutuosa, poiché diventa immediatamente chiaro che non solo la vecchiaia, ma anche Yura e le difficoltà la pregustavano.

Quindi, considerando gradualmente ogni persona di recitazione, puoi imparare e notare molto. Da questo contenuto di pittura diventa più profondo, più completamente. Lo stato spirituale di ciascuno trasmesso attraverso l'espressione del viso, posa, movimento, gesti sono feltro più sottili. Tutto è così sincero, vitale, in modo convincente, sembra come se il raffigurato sia eseguito nei nostri occhi e siamo testimoni involontari e invisibili di ciò che è successo.

Scrivi un'immagine con una simile semplicità estrema e persuasiva, molto difficile. L'artista deve scegliere un momento in cui il carattere di ciascuno degli attori si sarebbe manifestato particolarmente completamente completamente. Immagina di aver scelto questo momento, e l'altro. Tutti hanno già imparato gli alieni. Il figlio corse più di altri sul collo di suo padre. La mamma è venuta da una parte, sua moglie - dall'altra. Ecco una ragazza, probabilmente muore e meraviglia e la cameriera continua a stare alla porta. O forse non è più: mi sono reso conto che sono venuto il mio stesso uomo, e ho lasciato non interferire. Sii tutto così, comprenderemmo cosa è successo? Perché il ragazzo si rallegra, perché una ragazza che guarda gli occhi, e la madre e la moglie si affrettono all'incluso?

O l'artista ritrarrebbe anche un punto successivo: il nuovo arrivato lavato, cambiò la sua faccia e nel cerchio familiare racconta qualcosa di sperimentato. Di nuovo tutto sarebbe lontano come ora. Penseremmo che si trattava di una storia interessante che tutti stanno ascoltando così attentamente. È possibile scoprire in una tale trama di un dramma complesso sperimentato dalla famiglia? Ovviamente no. Ecco perché la scelta del momento che sarà raffigurata nella foto è così insolita. A volte dicono anche: "Il momento sarà trovato - c'è una foto, non trovata - no." Pensi, trova questo momento giusto? Non. Molto difficile.

Ecco la repin, ad esempio, quanto batte su di esso. Sì, e non solo lui. Ogni artista. In questo, l'abilità dell'artista è che può scegliere un simile momento, un tale evento che consente di vedere meglio i personaggi delle persone, la loro essenza. Inoltre: l'artista raffigura questo evento che lo spettatore può facilmente immaginare che fosse prima del momento rappresentato che accadrà più tardi. E quello. Che siamo così facili e appena capiti e percepiti, ho iniziato l'artista di un'enorme tensione e difficoltà. Quanto è stato bello conoscere le persone che scrive, la situazione in cui vivono per riprodurlo sulla cierata! E quanto è stato necessario trascorrere del tempo e lavorare per trovare persone adatte, raffigurante quale era meglio rivelare l'idea di base del lavoro!

Ma dopotutto, l'idea del lavoro rivela non solo una persona, ma anche qualsiasi oggetto nella foto. Artista Paul Andreyevich Fedotov è una piccola immagine del "Guardavo del maggiore". Certo che la conosci.

Uno degli amici di Fedotov racconta come l'artista ha raccolto il materiale per questo dipinto: "Quando finisci il" Matchmaker "Fedotov, prima di tutto, ha impiegato un campione della stanza, una trama decente dei dipinti." Sotto diversi pretesti, è andato a molte case mercantili, inventata, guardando fuori e rimase insoddisfatta. C'erano solo le mura che c'erano buone, ma le cose non erano posate con loro; c'era una situazione, ma le camere erano troppo luminose e fantastiche ... una volta, passando vicino Qualche ristorante russo, l'artista notato attraverso le finestre del lampadario della stanza principale con vetro avvolto. Immediatamente andò alla taverna e con il piacere indescrivibile trovò quello che stava cercando così a lungo. Pareti, spalmati da vernice marrone scuro, le immagini del Finitura più grande, il soffitto, dipinto da "Popicamn" dipinto. Porte ingiallite - Tutto questo è stato completamente concordato con l'ideale, così tanti giorni indossati nell'immaginazione Fedotov ".
Lo stesso Fedotov racconta il lavoro sul suo figura seguendo: "Quando avevo bisogno del tipo di mercante per il mio" Maggiore ", ho spesso camminato intorno al salotto e nel cortile di Afraxin, guardando il popolo dei mercanti. Ascoltando il loro Govaru e studiando Il loro adesivo; camminava lungo la prospettiva nevsky con lo stesso scopo, ma per molto tempo non riuscivo a trovare quello che volevo.
Infine, un giorno, Bridge Anichkova, ho incontrato il mio ideale, e non ho fortunato a NEVSKY, il più piacevole Randene, non poteva più fare riferimento alla sua bellezza, poiché ero felice della mia barba rossa e di una pancia grassa.
Ho trascorso la mia scoperta a casa, poi ho trovato un caso con lui per conoscere, reso difficile per lui per un intero anno, ho studiato il suo personaggio, ha ricevuto il permesso di cancellare dalla mia rispettabile zia (anche se lo considerava peccato e un brutto presagio) e poi lo ha fatto solo nella sua foto.
Per un anno intero, ho studiato una persona, e cosa mi sono costati altri! "

Quindi l'artista funziona sopra l'immagine. Quindi sceglie, studia ciascuno dei suoi personaggi. Ma nella vita l'artista scriverà non solo, ma molti dipinti. E i loro argomenti saranno diversi, e le persone e tutto saranno diversi. E così che i dipinti erano vere, convincenti, in modo che lo spettatore assorbisse e spremere la cosa principale di quanto devi sapere, capire, studiare! Di tutte le circostanze della vita, l'artista sceglie il più caratteristico. Dopotutto, mostrando non casuali, ma caratteri tipici e metterli in modo casuale, ma in circostanze tipiche, l'artista nelle sue opere rivela la verità della vita. Nella vita, l'artista ha visto le trame, ha trovato i campioni per i suoi eroi, la vita gli diede contenuti per i suoi dipinti. Guarda "entrambi gli occhi", ma non è abbastanza. Non è solo in memoria tutto il tempo, ma anche su carta cerca di sistemare ciò che ha visto.

In qualche modo chiedi, prendi gli album degli artisti di Fedotov. Surikova. Repin, Serov. Quanti in loro sono simili e non simili, simili, identici e diversi disegni, disegni!
Fedotova, ad esempio, c'è un foglio "mentre le persone si siedono", dove i più diversi movimenti che una persona fa quando si siede sulla sedia. Gli album sono i taccuini - c'è ogni artista. Se le parole dello scrittore scrive le sue osservazioni, le espressioni più memorabili, le parole caratteristiche, l'artista è tutto, riproducendo le figure, pose, gesti, movimento. O forse dovevi mai vedere l'artista in un incontro o la sera tra gli altri? Altrimenti. Guarda, e lo sai sempre. Quindi ascolta il rapporto, ma all'improvviso la sua mano si estende dietro la carta, correva rapidamente sulla sua matita. Guardi - ha fatto a pezzi dal relatore o da uno dei suoi vicini. Uno ha notato un modo interessante per enfatizzare il gesto particolarmente importanti luoghi del suo discorso e un altro. Come si estende a un bicchiere con acqua. Gesti, giri, movimenti, caratteristiche del mimici - tutto ciò raffigura l'artista. Per che cosa? Forse nulla di queste osservazioni quindi esattamente in questa forma entrerà nel lavoro futuro, ma gli schizzi permanenti sviluppano l'osservazione e loro stessi sono una conseguenza dell'osservazione. E poi, tutto questo materiale richiesto dall'artista per ulteriori lavori. Se farà un contorno dell'altoparlante centinaia di volte, allora lo useranno quando creerà un lavoro su questo argomento. Da numerose osservazioni, avrà un intero, che gli darà l'opportunità di rappresentare sinceramente e in modo convincente di ritrarre una persona che parlava sul podio. Naturalmente, allora l'artista non controllerà le sue impressioni più di una volta, ma le osservazioni della vita sono necessarie per lui.
Ma succede che nessuno degli schizzi fatti direttamente nel suo lavoro. Tutto lo stesso - il lavoro dell'artista non passa per lui senza una traccia. Sarà in grado di trasmettere più liberamente tutto ciò che è visto e riprodotto molte volte. E, inoltre, l'osservazione stesse suggeriscono l'artista e il soggetto e la trama.

L'artista vive in una società specifica. Ha le sue opinioni sulla vita, la gente, sulle relazioni umane, le sue opinioni su buono e cattivo, bello e brutto, il loro gusto, così come le altre persone. Questo è uno sguardo al mondo - la visione del mondo. Mimono che passa l'artista, non notando, e qualcosa li attrae, interessi, preoccupazioni e cattura la sua immaginazione. Ma la creazione di un lavoro dell'artista non è così semplice come può sembrare a prima vista. Ho pensato e ho deciso: "Scriverò a riguardo". No, quando nasce il piano, l'artista non ha solo un evento (trama), che vuole trasmettere, ma anche quelli significa che pensa di esprimere la sua idea: la posizione principale delle figure e dei principali rapporti di colore. Sembrerebbe, ora tutto - vai al laboratorio, siediti e scrivi! Ma in precedenza, l'artista è molto lontano. L'artista è il primo, lo schizzo preliminare del suo lavoro futuro è la base delle osservazioni. schizzo. Quindi raccoglie già il materiale e conduce le osservazioni direttamente per questo lavoro, alla ricerca di persone e alla situazione di cui ha bisogno per il dipinto. Ad esempio, se gli eventi si verificano all'interno, allora la stanza corrispondente, se in strada, allora devi trovare e scrivere questo posto direttamente dalla natura. Sì, non è facile copiarlo, ma per dargli un'immagine in un certo periodo dell'anno, a un certo periodo della giornata e ad una certa illuminazione. Dipende da come tutti i rappresentati e quali sentimenti e pensieri porterà ai futuri spettatori. Per questo, l'artista scrive, disegna e scolpisce, guardando direttamente la natura e l'uomo, cioè dalla natura.

Piccoli lavori preparatori scritti direttamente dalla natura sono chiamati etudami.. In ogni etudio, l'artista risolve alcuni definiti e necessari per questo lavoro: trova un certo movimento della persona necessaria per l'immagine la posizione delle figure o degli oggetti, un certo stato di natura. E solo quando l'artista è stato chiaramente sviluppato in L'immaginazione dell'artista, quando tutto il materiale preparatorio necessario è assemblato, procede a dirigere il lavoro su di esso. E quindi non immediatamente. Dopotutto, prima di procedere con il lavoro, ogni persona deve ancora una volta pensare e controllare.

Qui il lavoratore ha ricevuto il materiale da cui dovrebbe fare un dettaglio, una macchina e uno strumento. Ma inizierà immediatamente a elaborare l'oggetto. Guarda cosa e dove rimuovere quel congedo, quali strumenti per fare un lavoro, quale altro. E lo strumento sarà posizionato così. In modo che il più necessario sia stato a portata di mano, e meno necessario sdraiarsi.
Anche l'architetto va. Prima di intraprendere la costruzione, fa prima un progetto di casa, in cui vi è una vista generale, posizione di camere, pavimenti, scale.
Lo scrittore è il piano del suo lavoro futuro. Anche l'artista prima di procedere al lavoro finale, fa un piano del lavoro, ma lo scrive con le parole, ma raffigurano pienamente su tela o su carta. Per questo, all'inizio sta pianificando un piano generale: cosa dovrebbe essere al centro ed è mostrato in grande, quello da un lato, che dall'altro, che dovrebbe prima di tutto prestare attenzione e ovunque il lavoro dovrebbe andare. Tutto Elementi del lavoro non dovrebbero essere accidentalmente, ma in accordo con l'idea principale che l'artista vuole esprimere nel suo lavoro.

La costruzione generale del lavoro e la combinazione di tutti gli elementi, consentendo l'idea ideologica con la massima completezza, è chiamata composizione (dalla composizione della parola latina - compilazione).

Il desiderio per la più grande espressività crea a volte nuove immagini. Quindi, lavorando all'immagine "non stava aspettando", I. E. Repin è andato oltre diverse opzioni. Inizialmente, è stata concepita come un improvviso ritorno della cresta (studente).

Le maledizioni al momento erano le ragazze rivoluzionarie più progressivamente e persino. Spesso contro la volontà dei genitori, lasciarono a casa per ottenere un'educazione. Pertanto, l'arrivo del riverkit nella casa nativa potrebbe essere un evento che ha dato il materiale per il lavoro. Repin ha persino scritto un'opzione di pittura. Ma poi, lavorando all'immagine, l'artista la cambiò, approfondendo il contenuto. E non più una cresta torna a casa, e il rivoluzionario ritorna dal link. Nuovi dettagli sono apparsi nell'immagine - l'elegante cameriera, lasciando il riferimento, che tutta la sua specie enfatizza ancora di più, poiché l'arrivo di tale persona in questa casa è insolito. Nella versione finale, il carattere di ciascun carattere, il rapporto al Sudiale di riferimento è estremamente chiaro e l'immagine ha acquisito un significato completamente diverso.

E quanti artisti lavora in ogni modo, quante volte si rientra, cambia! Repein non ha ricevuto un rivoluzionario per molto tempo. L'artista non riuscì a trovare la sua postura, o piuttosto il movimento, era insoddisfatto di se stesso, ho sofferto, rielaborato e persino rumby di sfidare l'immagine. Repin ha cercato di garantire che il rivoluzionario nella sua foto fosse un eroe e allo stesso tempo semplice, persona comune. Voleva mostrare la sua posa e qualche indecisione - sarebbe in qualche modo accettare? - e immediatamente lampeggiava la gioia dal fatto che la famiglia lo accettava.
Pensi solo, perché tali sentimenti complessi - la gioia del ritorno e l'indecisione a causa del modo in cui il suo approssimativamente è apparso un vago sensazione - comprensero, accettati, rada, n\u003e comunque: tali sentimenti e parole complesse sono difficili da descrivere , e immaginando ancora più difficile. Così ha combattuto su questo repin per quattro anni.
E anche dopo che la foto è stata completata e mostrata al pubblico, è tornato ripetutamente all'immagine del rivoluzionario e l'ha aggiunto. È così che gli artisti funzionano quasi le immagini.

E a volte succede. L'artista sta lavorando per molto tempo su qualsiasi figura, e poi si scopre che è superfluo, e ... lo rimuove dalla tela, perché nulla che non parlano figure o oggetti possono distrarre l'attenzione del pubblico dalla cosa principale . Ad esempio, il film "non ha aspettato" la repin ha rimosso la figura del vecchio che entra nella sinistra del balcone. E quanti problemi è stato speso per scriverlo!

Vediamo un'altra immagine. Questo è anche un lavoro molto famoso scritto da Vasily Ivanovich Suikov, "Menshikov a Berezov".

Chi è Menshikov, ti ricordi dalla storia. Comunione e amico Peter I Artist raffigurato nel link in cui ha ottenuto la morte di Pietro. Nella capanna oscura e fredda è seduta, Menshikov circondata dalla figlia dei suoi figli più giovani della figlia. Ma nessuno li ascolta tutti pensano a lei. Menshikov, Sulln, Concentrated, Gone Memories. Egli sperimenta di nuovo il passato. Esternamente, è calmo, ma non ha concilistico con il suo destino. La potente postura orgogliosa, compressa in un pugno, la mano darà una forza infuriata. Lui, come un enorme masso pesante, scatta il resto. I suoi piedi hanno una figlia anziana. Snella, fredda respirando in una pelliccia, guardò la sua occhiata e ... non vede nulla. Un simile sguardo invisibile è di un uomo profondamente concepito. Anche il figlio di Menshikov non nota il circostante, ascolta le voci della sorella minore. Le sue dita considerano automaticamente la cera con un candelabro. Dalla finestra ghiacciata dello skapore c'è una luce, un soffitto basso, sembra, preme su di loro.

Se non sai nemmeno chi queste persone e cosa è successo a loro, non può essere calmo, guardando la foto. E ancora, come "non ha aspettato" "Repin, più guardi, più si nota, apri di più, inizi a vedere cosa non ho prestato attenzione. Da vicino, quasi toccandoti, la famiglia Menshikov si siede, ma come da soli ognuno di loro! Quanto sono lontani l'uno dall'altro. Tutti pensano al suo. E come sono i loro vestiti, ^ Icura orso sul pavimento e costosa tovaglia di un miserabile, stordente!

Guarda entrambe le sorelle. Anziano, pallido, con i capelli sciolti, e forse non riconosciuti, avvolti in una pelliccia. Più giovane accuratamente pettinato, vestito è intelligente. Noterai e capisci: il maggiore non crede in niente, non spera per niente, e sua sorella non ha ancora perso le stesse abitudini per il lusso. Più guardi nella foto, più vedrai in esso, e il significato di ciò che sta accadendo diventerà ancora più profondo. Ma non importa quanto guardavamo, i nostri occhi ritornano tutto il tempo a Menshikov, e quindi la figura fragile della figlia maggiore, da loro a suo figlio, figlia più giovane e di nuovo a lui, a Menshikov. E non è per caso. L'artista coscientemente costruisce il suo lavoro in modo che la vista dello spettatore sia passata da una figura all'altra, da un soggetto all'altro. Nella capacità di scrivere un lavoro in modo che lo spettatore abbia ottenuto un'impressione dalla foto, e poi passò a considerare le parti che lo aiuteranno a cancellare il contenuto più a fondo, consiste in una delle basi delle abilità composite.

Come è raggiunto?

Forse il principale artista di recitazione scrive più grande o portarlo allo spettatore? Se esistesse una regola così semplice, tutte le immagini sarebbero molto simili l'una con l'altra. E non sarebbe interessante guardarli. Ma ancora c'è qualche ragione che fa sì che lo spettatore prestasse attenzione alla cosa principale nella foto, ma da lui per andare alle feste.
Naturalmente, l'artista ha una figura nell'immagine in modo tale che alcuni erano immediatamente notevoli, mentre altri sono andati al secondo piano. La cosa principale rimane nel campo visivo, c'è una regola: non dovrebbe esserci altro che qualsiasi cosa casual nella foto. L'artista introduce vari dettagli nell'immagine non è facile perché voleva entrare nell'immagine e per rendere l'idea del lavoro con il loro aiuto. Altrimenti, tutti questi dettagli distrarrebbero lo spettatore dal principale. Ma così in buone opere non succede. Questo artista non introduce nulla accidentale nella foto, e se non è stato molto significativo durante il lavoro e ha introdotto qualsiasi cosa, lo rimuoverà sicuramente.

Naturalmente, in ogni lavoro non c'è solo la cosa principale, ma anche una secondaria. Dopotutto, le persone rappresentate nella foto vivono in un graffio, ma in un certo ambiente e tutto ciò che accade tra loro è a casa, per strada, nel campo, nei boschi, al lavoro. E l'artista mostra una tale situazione che ancora meglio aiuta a capire le persone e la loro relazione.
Ricorda l'immagine di repin "non ha aspettato". Sulle pareti della stanza vediamo ritratti di Nekrasov e Shevchenko. Entrambi il poeta erano cantanti e intercessore del popolo. Quindi, nella stanza in cui i loro ritratti si bloccano, le persone che amano e rispettano le persone semplici che vivono. Immagina che invece di questi ritratti sarebbero appeti solo immagini di alcune persone non familiari a noi, allora la certa certezza scomparirebbe immediatamente che ci ha aiutato a capire meglio il significato.

Guarda la cameriera. Mantiene ancora la maniglia della porta. Pensa per caso? Non. Questo gesto sottolinea la sua paura e la sua smarrimento: lei ha leggermente aperto la porta, ma non la aprì aperta e lasciò timidamente la persona sconosciuta. E la palestra? Ha un abbigliamento sottile, sottile, è un po 'grande, comprato in crescita. Non dice per lo scarso della famiglia? Ti sei assicurato che l'artista entrasse dall'immagine solo tali dettagli che aiutano a capire il significato. E non importa quanto sia buono di per sé una specie di dettaglio, i dettagli, ma se non contribuisce a una comprensione più profonda del contenuto, danneggia solo il lavoro. Ma l'artista non solo lascia i dettagli necessari nella sua foto, ma Ha tutto in esso, in modo che la cosa principale sia evidente, in modo che il secondario non si allontana e ha aiutato a capire la cosa principale che i dettagli non violano l'integrità della percezione. E anche le dimensioni dell'immagine non sono accidentali, sia che sia costruito stile verticalmente o teso.

Ogni immagine non ha solo una certa dimensione, una composizione rigorosa, ma anche scritta da vernici, dipinta.

La pittura riceve quindi il suo nome, il che significa un design, cioè un'immagine sul piano di vari oggetti con il colore.
Il fatto che l'immagine è data con il colore sia una caratteristica distintiva significativa della pittura. Per percepire il lavoro pittoresco, il colore è molto importante, ma è importante non solo nella pittura.

Immagina che davanti a te ad una discreta distanza sia un sacco di persone. A chi rivolgi per la prima volta? Certo, su colui che è vestito dai colori vivaci, specialmente se i colori si alternano l'uno con l'altro: nero - con bianco, rosso - con blu, ecc. D. E immagina che tutti saranno vestiti allo stesso modo dei consulenti fisici sul Parade, quindi noterete non tutte le persone separatamente, ma la colonna nel suo complesso. Ecco le stesse leggi, solo, naturalmente, in una combinazione più complessa, si applica l'artista.

Nel film repin "Non stavo aspettando", prima l'aspetto si ferma sulla madre, perché è vestito in nero e la sua grande figura in nero è particolarmente evidente contro lo sfondo di pareti luminose della stanza.
Nella foto di Surikov, la testa grigia di Menshikov si distingue sullo sfondo della cupo capanna e le sue pareti sporche. Tutte le immagini di Surikov sono costruite su contrasti di colore taglienti. Macchie luminose di finestre, volti, libri, pelli di orso bianchi sono evidenziati contro lo sfondo dei toni scuri del muro e dei cappotti di pelliccia della figlia anziana.

Significa che l'artista costruisce la composizione non solo sullo sviluppo coerente della trama, ma anche sul contrasto di punti di colore. E tutto questo si rivela insieme il contenuto.
Immagina che l'artista organizzerebbe tutte le figure nell'immagine per caso, li renderà lo stesso di dimensioni e ha vinto in abiti altrettanto luminosi. Quindi la vista del Viewer si spostava irrequieta da una figura all'altra, non sapendo cosa fermarsi. Tutto si attirerebbe allo stesso modo, e il significato del lavoro non sarebbe evidente a noi.
Per identificare l'idea del suo lavoro, l'artista non è solo figure e oggetti, ma anche i punti di colore nella foto sono molto premurosi, in conformità con l'idea del lavoro.

Questo è quando tutto ciò viene preso in considerazione, è assemblato quando tutto è situato, è successo finalmente ai nostri posti, allora il lavoro diventa sorprendentemente solido, e sembra che tutto dovrebbe essere e non può essere diverso. E ora è impossibile rimuovere qualsiasi cosa dal lavoro e non aggiungerli nulla per non modificarlo.
E noi, il pubblico, vieni, vediamo, alzano dieci e quindici minuti, e prima che sembriamo tutti bene e solo che non avremo nemmeno l'idea di quanto lavoro, pensare, eccitazione e sentimenti investiti l'artista nel suo cervello. E il segno più fedele che il lavoro è completamente, ciò che non notiamo come è fatto. Guardiamo, divertiti, l'immagine piace agli occhi, sveglia pensieri, fa sentire qualcosa e pensa a qualcosa. Vediamo e notiamo il contenuto, quasi prestando attenzione all'esecuzione. E, in tal caso, allora lo scopo dell'artista è raggiunto.

Ma se qualcosa nella foto non ha avuto successo, avremmo improvvisamente prestare attenzione ad alcuni dettagli o non sarebbe chiaro cosa veniva mostrato ciò che l'artista voleva dire. O solo le persone sembrerebbero, ammiravano, ma ... per niente ciò che dovrebbe ammirare.
Probabilmente dovevi sentire il pubblico, in piedi vicino all'immagine, dicono: "Oh, che fascino! Vedi come questo pulsante è meraviglioso qui: Vuoi solo toccare. E il vestito? Bene, giusto reale." Oppure, tornando a casa, consiglia di familiarità e dei vicini a vedere l'immagine, ma lodate il lavoro per l'esecuzione in esso qualche dettaglio, un po 'di sciocchezze.
O forse te stesso a volte guardato le foto e così parlava di loro?

Bene, ecco due motivi: o l'artista non è riuscito a trasferire la cosa principale e i dettagli sono partiti da te l'entità, o non puoi guardare le foto. E meglio, entrambi.
Ricorda Menshikov a Berezov. Con quale abilità insuperabile è scritta da un cappotto di velluto, confuso da pelliccia bianca, una gonna braching, lampade leggere nell'angolo, una finestra evocata! Sì, qualsiasi pezzo di pittura. Se il volto di una persona o di abbigliamento, i dintorni della capanna - tutto è scritto con estrema perfezione.
Ma dopotutto, non tocca nessuno per dire: "Vai alla Galleria Tretyakov, vedi come la gonna parchka è scritta a figlia di Menshikov!" Dirai diversamente: "Guarda la foto di Surikova, che una forte personalità di Menshikov è solo un leone in una gabbia! Che tragedia ha sperimentato un uomo!"
Ma non ammiriamo come questa immagine è scritta? Certo, ammira. Avvicinandosi per la prima volta, a volte lo consideriamo per molto tempo, poiché è finemente fatto, sono sorpreso che sembra essere mescolato alla vernice, molto casualmente, i colpi incomprensibili eterogne, ma. Vale la pena di allontanarsi, le stesse vernici nella stessa immagine sembrano essere al loro posto e non sembrano più non essere né vernici né sbavature, ma trasmettono con precisione il colore dei diversi oggetti.

Cosa fa l'artista che raggiunge tale espressività, la persuasività delle sue opere?
Abbiamo già detto che nel nostro lavoro ha persone e oggetti in modo che i dettagli siano subordinati alla cosa principale. Ma ha anche notato che nella vita e nella foto stiamo colpendo ciò che si distingue per luminosità, a colori. E questa funzione, anche l'artista prende in considerazione, combinando l'immagine.
E osservazioni, e ricerche, e la scelta degli eroi delle opere future e la selezione della situazione in cui agirà e la subordinazione dell'intero lavoro del design ideologico - tutto questo è inerente a ogni tipo di arte , inclusa l'arte visiva.

Poi parleremo di scultura e grafica, e vedremo che la principale differenza di pittura da queste specie di belle arti è che l'artista crea un'immagine del colore. Sembra essere il fatto che ogni oggetto nella foto è simile al suo prototipo in realtà.
L'artista prende le vernici più ordinarie dal tubo e. Avendoli su tela in un certo modo, raggiunge il fatto che la persona e le mani della persona stessa sono di colore del corpo, l'albero sembra un albero, e ogni stoffa sembrerà pesante o leggero, trasparente o lucido.

Ma poiché questo è un artista con vernici ad olio convenzionali, cioè composto da oli vegetali, ciò che tutti possono scrivere, raggiunge un risultato così straordinario? Ci sono molte tecniche delicate, modi, leggi, ma diremo solo il più semplice.
Si può dire che l'artista mescola quindi le vernici che acquisiscono quel colore speciale inerente all'immagine. Quindi la vernice del tubo cessa di essere semplicemente blu o bianco, e diventa la neve rossa e il cielo blu.

Probabilmente sarai sorpreso e pensarai:
"E che dire di questo? E perché hai bisogno di mescolare la vernice? Bianco è bianco, blu - blu, blu - blu."
Si scopre che non lo è. Il cielo blu è una cosa, e l'abito blu è completamente diverso. Neve bianca, cappello di pelliccia bianco, accappatoio del medico bianco, nuvole bianche e molti altri fenomeni di natura e oggetti di White Willa è tutto diverso.
E non perché la neve è soffice, ma una veste è liscia, cioè, non solo a causa della qualità del materiale stesso, ma anche a colori.

Guarda in qualche modo quanto sembrano le tazze bianche su una tovaglia bianca. O cappotto di pelliccia bianca nella neve. E non puoi fare a meno di notare che ci sono molte sfumature di un colore bianco. La pelliccia bianca nella neve può sembrare un po 'più scura della neve, ea casa, tra gli altri cappotti, sembra insolitamente bianco.
E anche la neve: al mattino è un colore, sarà diverso nel pomeriggio, la sera - il terzo. E non perché sarà inquinato per un giorno, ma perché al mattino, nel pomeriggio e la sera ci sarà diversa illuminazione e sembrerà altrimenti sul colore.
E così ogni oggetto ha il suo colore, ma in diversi momenti della giornata. Con un'illuminazione diversa, a seconda di quale colore è circondato, il colore sembrerà diverso.
Pertanto, scrivere un semplice pezzo di tela bianca, non abbastanza da prendere una vernice bianca e dipingere l'immagine del tessuto. Ci sarà dipinto, e i colori non lo faranno.
"Quindi cosa ti serve," chiedi di nuovo, "in modo che la vernice diventa colore nella foto dell'artista?"
È necessario che la vernice sia combinata con gli altri, che è nella foto, per ogni oggetto verniciato dà un altro della sua ombra.
È necessario che le vernici nell'immagine siano combinate così. In modo che tutti insieme abbiano creato un intero pittoresco.

Prendi qualsiasi pezzo della foto e lo esaurito dal resto di esso cosa è successo?
Il nero cessò di essere nero, e divenne gray. E il bianco divenne una sorta di opaco, sporco e non affatto come un meraviglioso vestito bianco, che sembrava quando abbiamo guardato l'intera immagine in generale.
Ora apri il resto dei dipinti, e tutto sarà di nuovo in atto: il bianco è diventato bianco, nero - nero.

Trova l'unità delle relazioni colorate - significa iniziare a girare la vernice di colore. Questa combinazione di diversi colori nell'immagine che forma una singola impressione visiva ha il proprio nome speciale. È chiamato coltite. (dal colore della parola latina - colore).

L'artista dovrebbe determinare esattamente, trova il colore del soggetto, mostra come sembrerà a seconda dell'illuminazione.
Ed è anche necessario tenere conto che se una parte del soggetto è accesa, e l'altra non lo è. Sembra che siano diversi, anche se il loro colore è uno.
Dal momento che l'artista crea il suo lavoro con il colore, quindi dalla giusta riproduzione dei colori, dalla capacità di trovare la loro conformità con la relazione in molti modi, non solo le qualità artistiche, ma anche la veridicità del lavoro.

Tutto ciò che abbiamo detto ora, può essere tracciato su qualsiasi lavoro pittoresco e su coloro che abbiamo considerato. Ma vediamo anche altre foto. Guarda, cos'è?

Un uomo in una giacca di pelle nera e un gilet a strisce marinaio, con le mani posate dietro la schiena con calma in piedi, diffondendo le gambe larghe. Vicino a lui ragazza a Tuluru. Questi sono sotterranei che lavoravano nella parte posteriore in bianco. Sono stati catturati e interrogati. L'immagine è chiamata. "Interrogazione dei comunisti" e ha scritto il suo famoso sovietico dipinto B. V. Johanson.
Il marinaio e la ragazza non sono semplicemente in piedi, ma si oppongono al gruppo di interrogativi delle loro guardie bianche. Interrogata vecchio uomo generale e due giovani
ufficiale.

Ora vediamo attentamente sugli interrogati.
Un uomo tiene con calma, la ragazza sta trattenendo l'eccitazione. Strinse le mani (così la gente fa quando vogliono aggirare il tremolio interiore in modo che nessuno la notò) e gli stortò leggermente gli occhi.
E bianco?
Il generale non è quasi notevole a causa della sedia in cui si siede, solo le sue teste e un collo di bugger sono visibili.
Un aspetto arrabbiato di un giovane ufficiale nel Cherkysk, con una pila in mano. Il terzo, ufficiale con pettinati agevolmente con i capelli di esempio dritti, considera una specie di pezzo di carta.
Che erano così indignati - il silenzio dei comunisti o una forte risposta del marinaio, è sconosciuto. Sì, e non così importante. Altro IMPORTANTE: i comunisti sono più forti di queste persone. Hanno sostenuto, sopravvissuto.
E, anche se si sente che gli ufficiali che si precipitarono dalla loro persistenza possono spararli, sai che la forza è vera - dalla parte dei comunisti. Sono così calme, perché sono fiduciosi, relativi alla loro attività. E non possiamo non ammirarli e la loro impresa.

Abbiamo visto con te ciò che è scritto nell'immagine "Interrogazione dei comunisti", abbiamo parlato del suo contenuto.
Vediamo come l'artista ha scritto la sua foto, quale pittorico significa che ha consegnato il suo contenuto, e su questo ci fermeremo di più, perché abbiamo bisogno di imparare a capire le caratteristiche della pittura e, in particolare, è ancora meglio capire cosa Il colore è e quale ruolo gioca in un lavoro pittoresco.
La nostra attenzione è focalizzata sui comunisti, perché la luce che cade dall'alto, con la più grande forza illumina i loro volti e figure. Sui ufficiali PU del Gruppo, la luce cade non così bruscamente, essi, come lo erano, all'ombra, e quindi notarli in seguito.
Tutto ciò non è direttamente correlato a questa collisione delle due forze. È dato un artista solo tanto per determinare il soggetto, ma non ritardare l'attenzione del visualizzatore su di esso. Non appena notevolmente la finestra con una neve dagli occhi azzurri dalla serata illuminazione con neve, le pareti della stanza sono leggermente scritte.

Le cifre comuniste sono particolarmente espressive a causa del loro contrasto con l'ambiente. Ricorda, abbiamo detto che il contrasto è un mezzo importante di composizione espressiva. Ma lì ci preoccupavamo solo un lato di contrasto - il contrasto del colore. Ora aggiungi a cosa è stato detto che il contrasto può essere psicologico come. Ad esempio, in questa immagine.
Sta contrastando l'intera situazione per queste persone insolite in esso, il che sembra avere il popolo degli altri qui. Questo contrasto aiuta a sentire la lotta acuta che l'artista riprodotto. Il tappeto sul pavimento, uniformi luminosi di ufficiali, sedie con una buona tappezzeria, da un lato, e avvolgimenti grossolani, giacca di pelle e gilet marinaio, semplice tuluochik e un cappello da ragazza non turbido - sull'altro; Il pieno, il popolo elegante di ufficiali e semplici facce nobili sono interrogati - tutto ciò è contrario all'altro.

L'intensità della situazione è enfatizzata con i contrasti di colore di rosso, blu, a griglia, nero.
Con l'aiuto del colore, l'artista trasmette l'illuminazione, la forma di oggetti, il materiale, e se né la vernice luminosa, che è scritta nell'immagine, sono coerenti tra loro, sono associati, costituiscono un'unità.
Se non fosse, ogni figura nell'immagine sarebbe percepita separatamente, l'immagine sarebbe Motley e sarebbe molto difficile guardarlo.

E nella foto "Non stavo aspettando", su cui conosci già, vernici completamente diverse: carta da parati blu brillante, cameriera abito lilla, colore morbido della tappezzeria delle sedie. Con tali colori, non potrebbe essere immobile. ma. Se l'artista ha fatto tutto un po 'meno meno di blu, lilla, ecc., Inevitabilmente ci sarebbe stata un'interiorogiatura, un soffio, come dicono gli artisti. E non ci sarebbe nessuna gioiosa e leggera sensazione, che dà origine alla foto di Repin.

Un po 'di più, un po' meno - e sarebbe male, e quando giusto - è buono.
Questa è una faccia molto sottile, e non è per caso che la pittura "detenga un po '".
Se con l'aiuto del colore, l'artista trasmette il dipinto dell'oggetto, la sua forma, il materiale da cui è fatto, allora il sapore fa il dipinto intero e non solo rivela lo spettatore tutta la ricchezza colorata del mondo, ma contribuisce anche all'espressione del contenuto. E quanto è importante trovare il sapore desiderato per risolvere l'immagine, per rivelare l'idea, seguire al lavoro B. V. Johanson sul "interrogatorio dei comunisti".

Quando l'idea dell'immagine era chiara (rispetto alle forze di classe inconciliabili), è stata trovata la trama (l'interrogazione dei comunisti da parte delle guardie bianche) è stata trovata, la situazione (casa del produttore) è stata specificata e persino i dettagli di esso ( I pavimenti sono stati dipinti, c'era un tappeto su di loro, nell'angolo - icone, giorni gelidi, le finestre di Zeindeva), l'artista ha iniziato a cercare la decisione molto pittoresca.
In uno degli schizzi, ha cercato di dare una scena nell'illuminazione del giorno. Si è scoperto, secondo lui, qualcosa di allegro: "Finestra congelata, il sole splende attraverso di esso", i coniglietti del sole corrono sulle pareti e il pavimento.
Tale illuminazione può essere in grado di esprimere tutta la nitidezza del momento che doveva essere nella foto? Ovviamente no.
E l'artista in un altro schizzo raffigurato questa scena di notte, con illuminazione serale. Si è rivelato intenso, drammatico. Allo stesso tempo, la composizione dell'immagine. Tutto questo insieme - l'illuminazione e l'altra posizione delle figure - ha dato un altro significato: i comunisti, sebbene siano collegati, come se vengano su guardie bianche.
Figura del marinaio, vestita in nero e ragazza in giallo chiaramente visibile su un tappeto rosso in un raggio luminoso di luce. A causa dell'illuminazione, entrambe le figure sembrano bruscamente delineate.

Il dipinto B. V. Johanson è stato scritto in toni rossi-marroni, nel "sapore caldo", come direbbe l'artista. Ed era necessario creare tensioni necessarie nella foto.
Come puoi vedere, non è comunque comunque per il significato dell'immagine, quando l'immagine: arrabbiata cosa sta succedendo, pomeriggio o di notte, in una combinazione di colori brillante o buio.
L'artista non solo trasmette visibile, non solo dà la sua valutazione degli eventi, ma anche il modo stesso della lettera contribuisce alla divulgazione del significato del raffigurato.

Quindi il colore e soprattutto il sapore contribuiscono alla divulgazione del contenuto del lavoro pittorico, l'espressione dell'idea. La colorazione crea un umore, aiuta a trasmettere la gioia o la tristezza, la sensazione di spazio, la latitudine della natura e molto altro, e ha un sacco di significato semantico nella foto.

Alcuni artisti credono persino che una sensazione colorata, cioè la capacità di vedere e combinare la bellezza delle relazioni del colore, c'è la qualità più importante dell'artista.
"C'è un sapore - c'è un artista, non c'è colore - nessun artista", ha detto Surikov.
Possiamo dire che il colore è la visione del colore del mondo dall'artista. Dopotutto, pensando a un nuovo lavoro, non trova non solo un evento che vuole ritrarre, ma anche quelle relazioni colorate che possono esprimerla pittoresca.
E l'artista che sa come vedere, indovinare e trasferire vernici, di cui questo colore consiste, trova un sapore.
A volte l'artista lo sentirà subito, a volte alla ricerca di molto tempo. E per trovare un sapore - significa fare molto per risolvere l'immagine.
Ma sarebbe sbagliato se decidi che l'evento gioioso dovrebbe essere scritto con colori luminosi e luminosi e tragici - buio, cupo. Non. Se fosse conosciuto in anticipo quale vernice potrebbe essere espressa quale umore, allora sarebbe semplice. Vuoi esprimere gioia - scrivere rosso, dolore - nero. E, anche se è davvero un colore rosso con noi è associato alla vacanza e al nero - con il lutto, nel dipingere tutto è molto più complicato.

Abbiamo detto che l'immagine di Johanson "Interrogazione dei comunisti" è stata scritta nella Gamma rossa marrone, nel "sapore caldo", e questo colore aiuta a rivelare il dramma rappresentato dall'artista.
Ma un'altra immagine, il cui sapore può anche essere determinato dalla parola "hot". Certo, non è così simile al "interrogatorio dei comunisti", ma qui dominano anche toni marroni e rossi e caldi. Questa è la "cena dei driver del trattore" A. A. Plastov.

Sera d'estate Quella ora in cui il sole, prima di nascondersi dietro l'orizzonte, illumina la terra con gli ultimi raggi rossi arancioni. Questi raggi sono pieni di grandi pavimenti fattici e che allungano la terra e le persone in primo piano. Driver del trattore in una t-shirt rossa e toccata sopra. In piedi sulle ginocchia, taglia una pagnotta di grandi fette. Una ragazza in una birra bianca e un cappotto bianco versa il latte in una ciotola. Il giovane, apparentemente l'assistente del conducente del trattore, giace a terra e guarda il latte dal Bidon.
Non c'è narrazione grande e dettagliata. L'artista ha mostrato molto poco, ma disse molto di queste persone.

Si può vedere che è un PRAD, quando è particolarmente costoso. Il driver del trattore interruppe solo il lavoro per un minuto e qui, non la doccia del motore del trattore, sta per mangiare rapidamente e riprenderlo. Ha lavoratori, mani nude, un pollice del viso con setole dure, i capelli dai capelli lunghi vengono eliminati da sotto il tappo. Ora non ha tempo per seguire la sua apparizione. Ma ha bellezza. Questa è la bellezza della persona stessa, il lavoratore dimenticando il lavoro su se stesso. L'immagine aspra e coraggiosa del conducente del trattore è ancora più enfatizzata dall'aspetto delicato della ragazza.
Tutto questo gruppo è un autista del trattore, un giovane e una ragazza - produce un'impressione di integrità e poesia. Nella creazione dell'immagine poetica, Torista è anche coinvolta nella natura che sembra particolarmente impressionante nella luminosa luce serale, e sapore i dipinti.

Immagina che l'artista scriverebbe lo stesso gruppo non nell'anno caldo, non di sera, ma in un giorno cupo o quando il sole è già andato. Sarebbe scomparso un senso di tensione del lavoro.
E qui - i raggi del sole stanno cadendo direttamente sul conducente del trattore e il suo assistente, e questa illuminazione lancia vernici e ombre taglienti sui loro volti e figure.
La ragazza è illuminata in modo diverso rispetto ai conducenti del trattore; Si affaccia sulla faccia a loro. E il sole illumina la schiena, quindi sul suo viso non ci sono più così taglienti, e morbide ombre leggere, e rafforza l'impressione della morbidezza questa immagine e ha ancora ne sottolinea bruscamente il contrasto: il tantrais e la ragazza sono deposti e taglienti .
Una grande ombra fredda cade dal trattore, coprendo la testa della ragazza, la sua mano che tiene un Bidon e una ciotola con latte. Da questo colore bianco, Brafer, il colore bianco dell'accappatoio e del latte acquisisce sfumature diverse. Latte sembra spessa e fredda, perché i raggi cadono ancora sul golfo, e non ci sono più sul latte, e quindi il suo colore bianco è più freddo, e il colore bianco del Brakers è più caldo.

Ma, parlando della foto, abbiamo usato sconosciuto, e forse le parole sono incomprensibili per te. Abbiamo detto: "White Braker Warmer del latte bianco". Ma di solito il concetto di calore viene applicato a ciò che ha una temperatura. E sulle vernici che dicono - luminoso o opaco o semplicemente chiamato colore: rosso, blu, blu.
Ma l'artista distingue ancora le vernici sul caldo: giallo, arancione, rosso, marrone e freddo: blu, blu, verde, viola.
Ora capisci perché puoi dire: "L'immagine è scritta in un tono freddo o in sapore caldo".

I libri già per molti millenni formano e riflettono e accompagnano la civiltà umana. Hanno già 4,5 mila anni. Il libro è stampato (in un moderno senso della parola) stesso diventa oggetto dell'arte fin dal suo inizio (circa dal 1440; in Russia - nella seconda metà del XVI secolo).

Sandro Botticelli. "Madonna con un libro"

Giuseppe Archimboldo. "Bibliotecario"

La relazione di una persona con un libro è sempre rimasta un esempio di sincerità, fiducia e necessità l'una con l'altra. Raccolta del materiale sull'argomento, siamo rimasti stupiti dalla varietà di specie (a partire da icona pittura e terminando con arti decorative e applicate) e generi che hanno mostrato il libro e il lettore (questo è un ritratto, pittoresco e scultoreo e natura morta, e Computer Graphics). In loro, l'arte sembra essere riconosciuta nell'amore per il libro - una creazione incredibile e, allo stesso tempo, una fonte di intelligenza umana. Per alcuni artisti, è il personaggio principale e il centro semantico (nel genere della natura morta). Ma soprattutto il libro nelle mani di una persona è un modo per rivelare il suo mondo interiore, enfatizza il suo stato mentale e la sua bellezza.

Più di 570 monumenti di arte sul libro e la lettura dell'antichità al tempo più recente sono raccolti e hanno commentato il noto lavoro del libro di Germania occidentale della Z. Taubert "Bibooflac". Queste sono opere di Georgeon, Tiziano, A. Bronzino, D. Velasquez, Rafael, Rembrandt, Rubens, K. Coro e molti altri Titani dei secoli XV-XVIII. Nel 19 ° secolo, questo è un tema preferito di impressionisti: O. Renoara e K. Monet, Van Gogh ed E. Mana, A. Tuluz-Lotrek e B. Morizo. Lavori di maestri russi dell'era classica - o.a. Kiprensky, v.a. Tropinin, I.n. Kramsky, I.e. Repina, V.I. Surikova, Ma. Vrubel, v.a. Sierov, n.n. GE, e questi artisti del secolo scorso, come M.V. Nesterov, I.e. Grabar, n.p. Ulyanov, a.a. Daeneck e altri ci mostrano come il libro in Russia si è diffuso ampiamente, poiché il suo lettore è cambiato.

È impossibile raccontare tutto. Abbiamo scelto cosa, a nostro avviso, può sorprendere il contemporaneo nella mappatura "di una persona che legge" nell'art. Un lavoro di talento con i suoi dettagli specifici può dire all'occhio attento più delle pubblicazioni storiche multi-volume. E poi le immagini stesse acquisiscono la forza e la precisione dei documenti. Ma prima di tutto, siamo interessati a come con l'aiuto del libro il carattere di una persona che legge, e attraverso di esso - e la natura dell'era. I primi libri appaiono sulle icone dei Maestri nelle mani dei santi, questo è, naturalmente, scrittura sacra. Poi - sui ritratti anteriori dei nobili medievali. I libri sono molto costosi e parlano non solo sulla ricchezza dei loro proprietari, ma anche del coinvolgimento nell'elità intellettuale del loro tempo.

Il ritratto di Lucretia Panchatika appartiene alle migliori opere di Anolo Bronzino (1503-1572) e a una delle più belle immagini femminili della pittura mondiale. Il ritratto è stato creato come un bagno turco per un ritratto di suo marito Lucretia - Ambasciatore del Duca fiorentino sotto il cortile francese Bartolomeo Panchatiki. A Parigi, i coniugi caddero sotto l'influenza di Huguenots. Dopo essere tornato a Firenze, dovevano passare attraverso la Corte d'Inquisizione. Tuttavia, in seguito è stata restituita la misericordia del Duca. A questo periodo e si riferisce alla creazione di un capolavoro. Tutti i ritratti "di cortesia" Bronzino distinguono la rimozione olimpica dalla vita quotidiana e dalla sua prosa. Prima di noi è un'immagine di un bellissimo giovane aristocratico. Postura orgogliosa. Calma fiducia in proprio irresistibile e mano destra - sul "Presidente della Madonna", che è appreso sulla preghiera dedicata alla Vergine Maria. Filigrana scaricata e costosa satinata, decorazioni costose enfatizzano la pelle del colore degli occhi avorio e di cristallo. Sulla catena d'oro con smalto (forse ha presentato Bartolomeo sull'impegno o il matrimonio) l'iscrizione: "L'amore non ha fine".

Nell'arte italiana del Rinascimento, il pittore, il direttore delle idee festive, decoratore, rappresentante del maschio Juseppe Archimbold (1527-1593) si distingue nell'arte italiana del Rinascimento. Archimboldo era un artista che si è concluso con un'immaginazione inesauribile e un'incurizione universale. Le opere più famose create da lui sono le cosiddette "teste composite" dalla serie "Seasons" (1562-1563) e "Quattro elementi" (1569). Insolitamente originali e colpisce dalla loro unicità, e spesso ritratti la somiglianza, il suo lavoro è costituito completamente da magnifici frutti, verdure, colori, crostacei, pesci, perle, strumenti musicali, libri, ecc. Quindi, ad esempio, un disegno "cucinato" è costituito da elementi da cucina. Le persone sono stilizzate; L'effetto della forma e dell'illuminazione nello spazio è creato molto abilità con layout di elementi. Prima di te, il suo "bibliotecario", un libro uomo. Bene, cosa non è un collage elaborato in Photoshop? Ora l'artista ha dimenticato il proclamato nel 20 ° secolo il precursore del surrealismo, e il dipinto "Bibliotecario" è stato nominato "Triumpham of Abstract Art nel 16 ° secolo".

Jean-Onor Fragonar. "Ragazza per la lettura"

Nei secoli successivi, il libro è diventato la letteratura laica più economica e laica sviluppata, l'aspetto del lettore è cambiato. Nel 1769, l'artista parigino Jean-Onor Fragonar (1732-1806) pensa che una serie unica di panni della stessa dimensione, le cosiddette "figure fantastiche". La maggior parte di loro non ha prototipi reali ed è creato per un tempo incredibilmente breve, circa un'ora. Questa è la sua "ragazza per la lettura". Nel luogo della persona che legge la ragazza, un artista francese prima ha disegnato una testa maschile. Forse la faccia femminile non è anche un ritratto dalla natura e quindi può essere considerata una delle "figure fantastiche". Ma la posa naturale assorbita leggendo (amore romanzo, poesie?) Le ragazze la fa vivere e calde, che ha dato l'opportunità di scriverlo nel 1844 dalla storia dell'arte francese: "Incanta la faccia fresca di una ragazza, con un delicato , come la pesca, la pelle. È vestita con un luminoso, giallo limone giallo, generosamente riflettente leggero vestito leggero ... L'eroina dell'immagine è seduta, appoggiata a un cuscino lilla, che cade nelle ombre viola profonde. Il ritratto è colpendo con la sua profondità e vitalità. "

Nelle opere di artisti del XIX secolo, il libro appare sempre più spesso. I libri allungano un semplice contadino e una signora laica, un aristocratico e un commerciante. Il libro è incluso come una figura centrale in genere e canvasi storiche: "Menshikov a Berezov"

V. Surikova, "Colazione dell'Aristocratico" P. Fedotova ", nella panca del libro" V. Vasnetsov e molti altri.

Gli impressionisti hanno un sacco di foto sul lettore e del libro. Il libro nelle mani di una persona, situato in natura, è un argomento preferito: Claude Monet ("nel prato", "famiglia dell'artista nel giardino", "nelle foreste del governo", "onore") ; Henri Tolosa-Lotreka ("Desire Dio"), Keibott Gustava (albero arancione). Il libro come parte della vita familiare è stato ampiamente riflesso da O. Renuara. I personaggi dei suoi dipinti sono stati letti a colazione ("Colazione a Bernavale"), un libro per due ragazze Leggi ("Legging Girls"), ha una "ragazza che legge un libro", "leggendo una donna" e in particolare molti bambini di lettura affascinanti .

L'elenco dei nomi e dei lavori interessanti di impressionisti può essere continuato. Tuttavia, questo è un argomento per una monografia del volume, che sta aspettando il suo autore. E non possiamo bypassare il volto del predecessore eccezionale degli impressionisti del pittore francese, il Maestro del paesaggio e il ritratto di Jean-Batista Camille Koro (1796-1875). Come paesaggio di K. Koro ha avuto una grande influenza sul lavoro di impressionisti con la sua eccellente trasmissione dell'ambiente di luce dell'aria, la ricchezza del colore e la capacità di creare un'impressione indimenticabile del paesaggio nel suo complesso. Coro amava includere composizioni figurate nei paesaggi. Totale conosciuto 323 dipinti con figure. Di solito l'artista posò i suoi amici e parenti. Proprio come i paesaggi, le composizioni ricci del coro sono inerenti al suo umore definito. Spesso, queste sono immagini di belle ragazze, sootimia e completa, attirando la purezza e il fascino della giovinezza, l'allettamento, immerso nella lettura o dei sogni. Questa è una "Muse di lettura" e "Ragazza per l'insegnamento", "Foresta a Fontainebleau" e "La ragazza di lettura in una camicia rossa". Nel ritratto "Lettura interrotta" raffigura uno di questi modelli solo al momento della meditazione profonda, deve essere ispirato a leggere. Nel suo aspetto, la bellezza e la femminilità sono combinate con la mente. La caratteristica della famiglia del personaggio è molto semplice, la modesta gamma marrone chiaro a colori con sfumature di rosa, il sottile sistema coloratico corrisponde esattamente all'umore della contemplazione lirica e all'aspetto tenero di una donna da sogno, ideale, spiritualmente vicino all'autore.

V. Surikov. "Menshikov in Berezov"

V. Vasnetsov. "Nella panca del libro"

Claude Monet. "Nel prato"

In Russia nel XIX secolo, il libro e la lettura cominciano a svolgere un ruolo di primo piano nella società, e un verniciatura ritratto in rapido sviluppo in tutta la varietà riflette questo argomento. Uno dei migliori ritratti russi, un'ideologo e organizzatore della "Associazione delle mostre d'arte mobile" (1870), autore di un capolavoro di un famoso mondo, come "Cristo nel deserto", I.n. KRAMSKAYA (1837-1887), essendo un uomo di famiglia esemplare, in molti crea ritratti delle persone costose, soprattutto sua moglie. Sophia Nikolaevna era un grande amico, un assistente affidabile negli affari di Kramsky. Prima ha mostrato il suo lavoro, la sua opinione era molto importante per lui. L'artista ha raffigurato una moglie per leggere in giardino illuminato dal sole pre-ordinario. Questa è una camera, ritratto intimo, intriso di amore e il più raffinato lirismo. La combinazione di toni caldi dorati e rosa fredda di un vestito da seta e Satin Shawli crea un'aspetto sorprendentemente leggero di Sofia Nikolaevna, dotato di una speciale raffinatezza aristocratica e calore spirituale. Guardando una posa calma di lettura, capiamo che l'artista della famiglia vide quella fortezza, dove è possibile rilassarsi dalle battaglie incessanti (e non sempre riuscite) per una nuova arte, sentiamo il suo rispetto, amore e tenerezza.

NEL. Kramskoy ha lasciato i discendenti dell'immagine dei più famosi contemporanei con un libro nelle sue mani. Basta ricordare le opere come "n.a. Nekrasov durante le ultime canzoni "," Ritratto di A.S. Suvorin. " Ma molto davanti a lui nel dipinto mondiale c'era un argomento che può essere designato condizionatamente come "ritratto di un pensatore", cioè. Una persona con l'aiuto di un libro creando nuove conoscenze (sia un filosofo, scrittore o artista). Il libro diventa un elemento del segno nella loro immagine, un dettaglio indispensabile. "Ritratto di Erasmus Rotterdam" Golbaine, Etude Kurba "Leggendo Baudelaire", "Ritratto di Emil Zol" e "Ritratto di Stephen Mallarme Poeta" E. Mana, "Lev Nikolaevich Tolstoy in vacanza nella foresta" e "ritratto di D.I. Mendeleev nel mantello del professore dell'Università di Edimburgo "I.e. Repin, "Ritratto di N.N. Ge »n.a. Yaroshenko, "Ritratto di un fisiologo I.P. Pavlova "M.V. Nesterova e molti, molti altri.

È impossibile non raccontare il "ritratto del filosofo V.S. Solovyov "(1885) I.n. Kramsky. Filosofo russo, teologo, poeta, pubblicista, critico letterario Vladimir Sergeevich Solovyov (1853-1900) si trovava alle origini del "revival spirituale" della Russia della fine XIX - XX secolo. Kramsky è riuscito a vedere e sottolineare l'originalità della sua personalità. L'artista lo mette in un'alta sedia enorme, incoronata da incisioni in legno, e, come se esita il suo modello dalla normale prosa della vita, rafforzando il momento di rivelare filosofo, la sua immersione nei suoi pensieri e Duma. Il ritratto irradia nobiltà, mente, umanità. Questo è sicuramente uno dei migliori rappresentanti della razza umana. Non c'è da stupirsi che i contemporanei mescolassero la sua somiglianza con Cristo ("Cristo nel deserto"), e ora, nei nostri giorni, un giovane blogger lo ha confrontato con ATOS. Lo scienziato è arrivato regolarmente alle sessioni dell'artista e accestare pazientemente alla fine. Era interessato a guardare il miracolo della creatività dell'arte, e il ritratto ha mantenuto l'espressione interessata degli occhi attentitivi del grande filosofo. Involontariamente rompe il sospiro di rimpianto che tali volti meravigliose non vedano non solo nella folla di passanti, ma anche tra i più alti intellettuali.

NEL. Kramskaya. "Ritratto della moglie di Sophia Nikolaevna"

G. Kurbe. "Leggere Baudelaire"

SUL. Yaroshenko. "Ritratto di n.n. Ge "

Una sezione molto speciale ed estesa dell'argomento - lettura dei bambini. I bambini si dissolvono nel libro, immergiti in un mondo immaginario, dove un sacco di bellissimo, eroico, misterioso, allo stesso tempo rimanente naturale. Questo è anche attratto da artisti, a partire dalle tele F. Hals e Rembrandt (XVII secolo) agli impressionisti, l'arte dell'avanguardia, del realismo sociale e del postmodernismo. Dimoiamoci su ciò che è difficile attraversare, - il ritratto del ritratto della figlia della spazzola di Natasha M. Nesterova (1862-1942). La gravità e la dignità dell'incantevole piccolo modello attirano l'attenzione, la sorprendente spiritualità della sua immagine. Nel ritratto di una figlia di undici anni, l'autore è riuscito a trasmettere principalmente che in futuro sarà decisivo nel suo carattere: la nobiltà, la purezza spirituale, la tortura della mente e dell'atteggiamento attivo verso la vita. Una squisita combinazione di dorata con verde neutro blu, ombreggiato, crea la migliore armonia di un mondo speciale, meraviglioso, non è più un bambino, ma anche non una donna adulta. "E la ragazza nella foto di Mikhail Nesterov" Natasha on a Garden Bench "sembra molto moderno. Poteva bene adattarsi al nostro tempo ", commenta la LJ.

Fino ad ora, abbiamo parlato di dipinti scritti in un modo classico realistico. Ma è difficile aspettarsi che quasi un secolo (XX secolo!) L'arte e l'atteggiamento nei confronti di lui non cambieranno, quando la realtà è cambiata così raddrizzata. L'artista Yosef Ostrovsky (1935-1993) non piaceva le definizioni stilistiche della sua creatività: "Sono un artista. Non "realista" e non "modernista". Solo un artista. Solo così sono libero e può esprimere la mia filosofia su tela. " Non era come nessuno e insolitamente talentuoso. Già all'età di 15 anni, è stato adottato nella Odessa State Art Academy, in 20 anni divenne membro dell'Unione degli artisti dell'URSS. Le sue opere, basate sui ricordi dei bambini della vita del luogo ebraico, trasportano luce e calore. Sono su semplici ed eterni. Scrisse i volti dei vecchi che avevano trascorso i secoli fa, e oggi vediamo che la loro saggezza e gentilezza non sono andate con loro.

Qui e l'uomo "uomo con un libro" è attratto dalla sua ingenuità e purezza immediatamente. Il vecchio grigio-fila è incantato guardando il libro, come miracolo. Ma è così! J. Ostrovsky ha creato il suo mondo, un complesso, gioioso e triste, è il mondo del filosofo e di un narratore. L'artista ha dimostrato che nella sua cara Odessa, non c'era solo una pittura formale-squisita, ma anche calda e umana. La luce interiore è piena della sua tela e il più famoso di loro è nei musei e nelle collezioni private di Israele, Russia, Stati Uniti e altri paesi.

L'artista, che sarà discusso di seguito, - Rob Gonzalves, è nato a Toronto (Canada) nel 1959. Dopo aver esaminato la tecnica delle prospettive e delle fondamenta dell'architettura, ha già iniziato a disegnare i suoi primi dipinti in 12 anni. Dopo essere diventato un adulto, ha lavorato come architetto, dipinto scenario teatrale e ha continuato a impegnarsi nella pittura. Dopo un discorso di successo alla mostra nel 1990, Gonzalves si era completamente dedicato alla pittura. Alcuni storici artistici si riferiscono al suo lavoro al surrealismo, considerandolo dal follower S. Dali. Ma non è così. Piuttosto, il suo stile può essere chiamato "realismo magico", quando fa la sua straordinaria fantasia in scene reali.

Il suo dipinto è un tentativo di dimostrare che è impossibile che il mistero di qualcos'altro sia nascosto dietro la realtà ordinaria - saggia e leggera. Per quanto riguarda l'artista, per giudicare gli esperti e gli appassionati di pittura, ma qualcosa di speciale e attraente nel suo lavoro non può essere notato. Nella foto "Persone e libri" Vediamo i lettori di diverse età che sceglieno libri. Tutti trovano quello giusto, aprelo e cade nel suo, non simile ad altri, insolitamente interessanti e anche in qualcosa del mondo magico. Brillante, inaspettato, sorprendente, che soddisfatto del loro insolito lavoro dell'artista è popolare nella loro patria e negli Stati Uniti. I suoi dipinti sono stati esposti sulle più grandi e prestigiose mostre dell'arte contemporanea nel continente. Molte persone eccezionali, società famose, ambasciate, raccolgono le opere di Gonzalves.

Sul sito "Planet of People" http://www.planet-l.ru/catalog1 puoi conoscere i suoi dipinti. Dal commento del visitatore della mostra virtuale Rob Gonzalves: "Mi piace questa elusiva di immagini, passando da uno all'altro, finemente trasmesso dalla mano dell'artista e dal suo composto fantasy, scorrere l'uno nell'altro in mondi diversi".

È così che la moderna arte vede i lettori.

E cosa significava lo scultore cinese brillante, creando uno scimpanzé "pensatore" nel famoso parco delle scimmie? Forse il fatto che, se l'uomo "generazione high-tech" userà un libro come questa scimmia o come i nostri antenati dell'inizio del secolo scorso, che offrivano di "resettare i classici dalla nave della modernità", la civiltà umana lo farà cessare di esistere? Nel mondo, tutto è collegato, la catastrofe ecologica è completata dal disastro dell'intellettuale ed evoluzione tornerà al suo inizio, il cerchio sarà chiuso? Speriamo che questo sia solo un avvertimento molto spiritoso e visivo: ragazzi, ognuno è abbastanza spazio nel mondo della mente. E l'e-book, che sta rapidamente sviluppando e prende forme interessanti, e un tale nativo e vicino al nostro amico in un legame con pagine di carta. Il lettore, ovviamente, cambierà, la sua immagine cambierà nell'art. Crediamo che sarà una persona e sarà migliore di noi.

Natalia Gorbunova,

testa Settore della biblioteca scientifica TOGU.

Lyudmila Kononova,

lead Librarian NB TOGU

Fotografie

Alexander Grigoriev Savrasov. 2015-11-20 alle 01:11.

Molte persone pensano che l'arte visiva sia il più semplice da percepire da tutte le arti esistenti, ma questo è tutt'altro che quello. La mancanza di lavoro, come ad esempio, la lettura o la contemplazione a lungo termine dell'azione teatrale, è ingannevole.

Di norma, siamo in vigore formano la nostra opinione sulla foto che abbiamo visto, decidendo per la frazione di un secondo - come questo o meno. Ho già scritto del fatto che l'arte e l'attività generalmente intellettuale sono lontane dal pesce salato, che forse qualcuno non ha sapore.

Per prima cosa vogliamo cambiare il mondo, senza cambiare nulla in se stesso. Pesci da fuoriuscire, e l'immagine sta salendo il solito "amore - non mi piace" e correre.

Molti stavano pensando al fatto che non è semplice questa semplicità, e una occhiata non è sufficiente per determinare quale valore di una particolare immagine.

L'immagine è principalmente un aereo su cui viene mostrata l'imitazione di un terreno reale o condizionale, e dovrebbe essere focalizzato solo sull'illusione del raffigurato?

Domanda sulla spina dorsale: devo avere pesce dipinto? È un tale obiettivo perseguito dall'autore, ha cercato di ingannarti creando l'illusione della realtà?

Molte persone pensano che il processo creativo sia solo la creazione, cioè imitando il mondo reale. Ma la distruzione è anche creatività, e il cubismo Picasso è il miglior esempio. Distruggere la forma, crea, le sue immagini di inimitabili, create da lui il mondo è unico.

Ritratto di Ambruz Volatra, Picasso.

È facile capire i dipinti, come sembra a prima vista, ed è le arti visive per la percezione a tutti coloro che infastidiscono le mosche con cotolette e dipinti con pesce?

A differenza del cinema, del teatro e degli altri tipi di arte, l'immagine non esiste nel tempo, cioè, non abbiamo bisogno di seguire l'azione per capire cosa sta succedendo. Immagine su tela statica. Semplici parole, l'immagine non si muove, vediamo solo l'autore che viene fermato dall'autore, che sta valutando il momentaneo, non delizia nei dettagli.

Per fare un'impressione del film, devi guardarlo per due ore, e l'immagine è degna di un'occhiata. Una percentuale piuttosto grande del pubblico è esattamente i trucchi sull'intera arte visiva.

Non siamo in giro per le sale del museo? Immagini Come le diapositive lampeggiano davanti agli occhi, fusione in un film, e che come risultato - porridge da dozzine di immagini che noi domani e non ricordo.

Idealmente, il museo dovrebbe essere visitato ogni volta per il bene di un dipinto, è un intero film stesso, rappresentazione teatrale, se vuoi. Lei è degna di te per darle più di un istante.

Se parliamo della comprensione classica dell'arte visiva, l'immagine ha il tempo e l'azione che descrive, la sua trama si sviluppa in modo coerente.

Immagini, ripeto, nella sua comprensione classica (non stiamo parlando di arte moderna ora) c'è un ingresso alla composizione e il movimento specificato dall'autore. Lo spettatore non contempla solo la trama, ma si muove sull'immagine come autore concepito.

Nella foto c'è sia il passato che il futuro, possiamo facilmente immaginarlo, in base al fatto che l'artista ha catturato. Naturalmente, tutto ciò sarà possibile se cesseremo di trattare l'arte visiva come il più facile da percepire.

Gli antichi greci hanno provato l'abilità dell'artista su come poteva ingannare il pubblico dal realismo del raffigurato. Nella storia, raccontata dallo scrittore, della parrocchia senior (I secolo. N. E.), gli uccelli sono confusi dalle uve raffigurate con reale.

Ammireremo oggi la trama simile? Qualcuno, ovviamente, sarà tra coloro che confondono il pesce con l'immagine e corre sulla corsa di giudizi su certe opere, ma sicuro di non tutti.

Prendi, per esempio, io, perché andare lontano? Non sto convincendo uve realistiche raffigurate, non sono un uccello, ne ho abbastanza. Ammira l'immagine fotografica nel ventunesimo secolo, almeno stranamente.

Non è abbastanza per me che la trama visualizzata è identica all'originale. Voglio vedere, e soprattutto, sentire che l'autore è preoccupato. Voglio tenere traccia di come pensa, come comunicare con lo spettatore, quali tecniche usano, tecniche e compositive.

Ho le mie preferenze, dal momento che sono un pittore - Colore IT, colore. Questo è ciò che mi affascina. Sottolineo esattamente il colore, non dipingere, come molti non vedono alcuna differenza. Va notato che la pittura è il gioco delle sfumature e non il piano dipinto.

Ammiro e fa piacere respirare la superficie dei lavori da parte mia dai miei artisti preferiti, posso considerare la trama sulle tele che hanno facilità e freschezza della pittura.

Vedo in una pittura moderna un genere pulito ha liberato dai significati ideologici e piacevoli. Per me, la pittura è indipendente, ea volte mi sto solo colorando solo per capire, sentire, empatizzare all'autore.

Certo, sono venuto a questo non immediatamente, i vini della ricerca creativa e conoscenza costantemente acquisita. Ho scritto che eravamo tutti auto-insegnati, altrimenti e non potevamo. È difficile per me immaginare di poter completare la formazione ad un certo punto e dire che ho abbastanza conoscenza.

È nella mia conoscenza che la riluttanza di essere ingannata, non mi aspetto dall'artista dell'identità del raffigurato, sono importante per me la sua individualità, il suo linguaggio creativo, la sua onestà. Queste qualità non possono ripetere alcun dispositivo tecnico. Sono quelli che sono unici e interessanti per il pubblico preparato, che è vicino, prima di tutto, decisioni fresche e francobolli non testati.

Torniamo alla domanda che hai impostato - come capire l'immagine? La prima - fermata, ottieni un po 'più del solito del solito. Avendo sopravvissuto alla prima impressione emotivamente, chiediti quali compiti metti l'autore di fronte a me e li ha raggiunti?

Se l'immagine è trama, storica, concettuale, dovresti conoscere il sottotesto.

Oltre a comprendere la trama, i principi della visione artistica sarebbero d'aiuto, ad esempio, poiché l'autore manipola la macchia sull'aereo.

Avere conoscenza, avresti visto il mondo in altre cose, e le opere precedenti il \u200b\u200blavoro ti hanno rivelato.

Riassumendo, dirò che l'opera d'arte senza spettatore non esiste, per capire l'immagine - significa partecipare all'autore nella sua creazione. Certo, non dico che dovresti prendere nelle mani del pennello e correggere qualcosa o aggiungere. No, partecipare - significa aiutare nell'ambito delle serie associative dell'autore, per leggere le immagini, per vedere l'unità del piano, ecc.

Fai attenzione alla foto. In fretta, non puoi mai vedere il principale. L'appetito arriva durante i pasti, e la passione per l'arte visiva sta crescendo mentre apri nuovi orizzonti dove c'era una nebbia di fraintendimento prima del muro.

Vi auguro un successo creativo e voglio ricordarvi che c'è una forma di abbonamento sul blog nell'angolo in alto a destra. Ti consiglio di iscriversi, sarai a conoscenza degli aggiornamenti del blog.

Lettura e libro in Visual Art - L'argomento è abbastanza popolare. Nel corso degli anni, ha giustamente e chiaramente riflettere quei cambiamenti avvenuti nella società. La vita è cambiata, si è verificata la rivalutazione dei valori e allo stesso tempo l'atteggiamento umano verso il libro è stato cambiato. Con la riga illustrativa, composta da più di 100 opere, sembra che abbiamo ricreato un'immagine abbastanza completa, il cui nome è fatto nel titolo di questo articolo. Un'immagine di un libro come il satellite di una persona nell'arte è apparso molti secoli fa. Qui puoi menzionare l'immagine di Rembrandt Wang Raina "Reading Titus" (ok.1656-1657), creato in quasi cento anni di lavoro Jean-Onor Fragonar "Lettura ragazza" (OK.1769), ecc. Lo studio di questo periodo non è troppo interessante: il libro in quei tempi era abbastanza raro, ed è disponibile molto pochi. Ma lo sviluppo dinamico della società negli ultimi 100 anni ha causato una tale trasformazione interessante dell'interesse di una persona al libro e leggere che abbiamo deciso di prestare attenzione a questo particolare periodo. A metà del XIX secolo in Russia, la cui popolazione nella sua massa era analfabeta, il libro era un sacco di persone quasi esclusivamente della società più alta. Il desiderio di apprendere un diploma da rappresentanti delle proprietà inferiori era molto grande. Nell'immagine N. Selivanovich, vediamo, a quanto pare, un soldato analfabeta, a cui il ragazzo legge un libro interessante. Sulla tela v.m.vasnetnesov ha raffigurato una panca del libro di strada. Filmato attorno alle sue persone in modo scarsamente vestito dimostrano genuino interesse nei prodotti stampati, ma sono costretti a considerare solo le immagini. Allo stesso tempo, le persone della luce più alta trattavano il libro come uno dei valori più alti. I.n. Kramskaya ha scritto un ritratto di sua moglie, Sofia Nikolaevna (OK.1866) leggendo in giardino sullo sfondo del cielo della sera. Senza un libro, i filosofi non potevano fare (ritratto di S.S.solovyev spazzole I.n. Kramsky, 1885), scienziati (ritratto di D.I. I. I. I. I.EndEleev's Work I.e. Pepina, 1885), scrittori (ritratto di L.nolstogo Repin, 1891), artisti - ritratto di ln Benua, creato da LS Bakstom nel 1898, compositori (ritratto di Na Rimsky-Korsakov, scritto da VA Serovov nel 1898). Il libro è stato letto in famiglia, sia a casa che in natura. Ad esempio, puoi dare il ritratto plenaria menzionato di L.n. Tolstoy, sdraiato con un libro nella foresta ombreggiata. L'impatto dell'impressionismo, che proveniva dall'Europa, ha causato artisti negli artisti nell'immagine della lettura all'aperto, il che ha permesso di rendere più luminoso il mezzo di luce a colori. In un certo numero di queste opere, il lavoro di K. Korovina "nella barca" (1888), "Ritratto di A.y.sonovich" ha creato un anno dopo V.A. Serov. Ha dato omaggio al libro nel loro lavoro e simbolisti. L'esempio più sorprendente è la famosa "Lady in Blue" (1897-1900) k.a. Osov. La fine del XIX secolo ha portato i cambiamenti più vivi e significativi nel genere del ritratto, strettamente legati con la prigionia. Se il modello era in posa davanti all'artista seduto in sedie domestiche sullo sfondo di scaffali, ora l'immagine è stata trasferita in natura. Spesso il libro era solo un attributo della produzione - il ritratto di M.e. Treyanova A.ya.golovin (1916). A volte è stato utilizzato nel piano umoristico - "Poeta preferito. Lettera aperta »L.S. BAKSTA (1902). Ma allo stesso tempo, M.V. Sester è stata scritta una pittura completamente sorprendente "Natasha Nesterov su una panchina del giardino" (1914). Nell'ultimo terzo del XIX secolo, gli impressionisti francesi hanno creato un gran numero di opere meravigliose in cui il libro e la lettura hanno svolto un ruolo molto significativo. Nonostante il fatto che la nostra escursione sia dedicata principalmente alla Russia, passando da un fenomeno così luminoso nella pittura mondiale, che ha avuto un impatto indubbio e sullo sviluppo dell'arte in Russia sarebbe ingiusto. Un libro come parte della vita familiare inclusa in un gran numero delle sue opere di P.O.Renuar. I personaggi dei suoi dipinti hanno letto il libro per colazione ("colazione a Bernavale"), le sue amiche sono lette ("bambini"), amanti ("privacy"), bambini piccoli ("Jane e Genevieve Keibott", "Bambini a Warrémnev" ). Eduara Mana che legge un libro è usato come un modo per dare una ragazza (lettura "), è un avvocato satellitare (" ritratto di Julie de Juju'swyer "), poeta (" Ritratto di Stephen Mallarme poet "), leggi al treno Stazione in attesa di un treno ("ferrovia"). Henri Tolosa-Lesrere e Gustave Cabott adorarono per ritrarre la lettura nel giardino ("Desire Dio", "Arancione", rispettivamente). Ma torna in Russia. Qui, dopo la rivoluzione, il libro ha iniziato a svolgere un ruolo completamente diverso rispetto a prima. Naturalmente, per coloro che hanno impedito nell'attacco dell'anima alle vecchie tradizioni, è rimasto lo stesso valore - "Ritratto di K. B. Kustodieviev" B.M. Kustota (1922), "Inverno sulla terrazza" S.S. Meretsky (1922), "Ritratto di Ma Kuzmina "n.adlova (1925). Allo stesso tempo, tali immagini apparivano come "Rabafak va" di B.V. Iooganson (1928). I giovani nella massa della loro proprietà hanno negato ferocemente il significato della proprietà culturale accumulata alla rivoluzione. Il paese passò attraverso gli sport, un culto di un corpo sano. L'istituzione educativa artistica più popolare di quegli anni - Vhutemas è stata focalizzata principalmente sulla formazione per la crescente industria, sollevando nel primo posto dei tecnologi e non dei creatori. Non sorprende che i libri nei dipinti degli anni '20 non si incontreranno quasi. E solo a metà degli anni '30 - il tempo di combattimento con formalismo e vittoria Ahrra, il libro ritorna al dipinto. V.N. Yakovlev scrive un ritratto dell'artista popolare dell'URSS M.M. KLOVA (1935), I.I. Grabar - "Ritratto di K.i. Chukovsky" (1935). A partire dalla seconda metà degli anni '40, il libro prende nuovamente le posizioni precedenti. Lei è nelle mani dello scrittore L.m. Leonov (artista v.g.tsyplakov, 1949), K.S. Stanislavsky (pittore n.p. Yulianov, 1947), lei, tanto valore, preme la ragazza del Kirghizistan Soviet (Artista S.A. Chuikov, 1948). Viene letto in estate in giardino (artista S.P. Balzamov, 1953), su una panchina al fiume (artista A.i. Laktonov, 1951-1954), sua figlia dell'artista A.m. Gerasimov (1951) e la moglie dell'artista Ansamumukhlova ( 1957). Allo stesso tempo, viene disegnata qualche ripetibilità di motivi e tecniche. Negli anni '60, il libro è ancora popolare. La ragazza di lettura nel dipinto di Yu.I. Pimenova non può attirare l'attenzione di un giovane uomo. L'immagine è chiamata "l'inizio dell'amore". Gli studenti sono stati letti da libri ("primavera, studenti" G.K.Tetibadze, 1962), si legge nel giardino fiorito ("poesie" di D.D. Zilinsky, 1973), il suo scrittore E. Reader (pittura B.V. Shcherbakova, 1966), famoso programma e insegnante VA Favorsky (pittura DD Zhilinsky, 1962). Il libro della casa, in vacanza e negli intervalli tra il lavoro rimane rapporto qualità / prezzo per artisti e sedici, tra cui V.E. Popkov - Dipinti "Madre e figlio", 1970, "Estate", 1968, "Brigade Rest", 1965. Nel 1980 -1990, il libro perde gradualmente il suo valore spiritualizzato. Si rivolge al solito attributo. E solo il libro, pubblicato alla fine del 19 ° e all'inizio del XX secolo, continua ad ispirare i maestri del pennello. Un buon stile è quello di rappresentare un libro antico in natura morta ("lampada a cherosene e vecchi libri" S.n. Anjaki, il "vecchio libro" I.M. Chevereva). Circa gli anni vissuti assomiglia a un libro in un legame in pelle affittato nella foto di I.A.Soldatenkov "Zio Petya". Nostalgia nei vecchi libri ha permeato la vita storica ancora N. Sirnovova (

In quasi tutte le notevoli opere d'arte, c'è un mistero, "doppio fondo" o una storia segreta che vuoi rivelare.

Musica sui glutei

Jerome Bosch, "Garden of Earth Delights", 1500-1510.

Frammento di parte del trittico

Le controversie sui significati e sui significati nascosti del lavoro più famoso dell'artista olandese non calpestano dal momento del suo aspetto. Sulla giusta fascia di trittico chiamato "musica infernale", i peccatori sono raffigurati, che torturano negli inferi con l'aiuto di strumenti musicali. Uno di loro ha note sui glutei. Uno studente dell'Università cristiana Oklahoma Amelia Amelia, che ha studiato la foto, spostò la notazione del XVI secolo in modo moderno e ha registrato "una canzone del culo dall'inferno, che aveva 500 anni".

Nude mona lisa.

La famosa "Joconda" esiste in due versioni: la versione nuda è chiamata "Bagno di Monta", le ha scritto un artista poco conosciuto Salaya, che era uno studente e un simulatore del grande Leonardo da Vinci. Molti critici d'arte sono fiduciosi che è stato colui che era un modello per i dipinti di Leonardo "John Baptist" e "Bakhus". Ci sono anche versioni che la salaya vestita con un vestito da donna servito come la stessa Mona Lisa.

Vecchio pescatore

Nel 1902, l'artista ungherese Tivadar Kostya Chongwari ha scritto una foto del vecchio pescatore. Sembrerebbe che non ci sia nulla di insolito nella foto, ma Tivar ha posato il sottotesto in esso, durante la vita dell'artista e non dichiarato.

Poche persone si sono verificate per applicare lo specchio al centro dell'immagine. Ogni persona può essere come Dio (la spalla destra del vecchio destrorsa) e il diavolo (la spalla sinistra del vecchio è duplicata).

Ed è stato il kit?

Hendrik van Antonissen "Scena sulla riva".

Sembrerebbe il solito paesaggio. Barche, persone sulla riva e mare deserto. E solo uno studio a raggi X ha mostrato che le persone riunite sulla riva non sono solo così - nell'originale consideravano la carcassa della Cina, gettata a terra.

Tuttavia, l'artista ha deciso che nessuno vorrebbe guardare la balena morta e riscritto l'immagine.

Due "colazione sull'erba"

Eduard Mana, "Colazione sull'erba", 1863.

Claude Monet, "colazione sull'erba", 1865.

Gli artisti Eduard Mana e Claude Monet sono talvolta confusi - dopotutto, erano entrambi francesi, vissero in una volta e lavoravano nello stile dell'impressionismo. Anche il nome di uno dei dipinti più famosi di Mana "colazione sull'erba" Monet prese in prestito e ha scritto la sua "colazione sull'erba".

Doppi sulla "la scorsa serata"

Leonardo da Vinci, "Ultima Cena", 1495-1498.

Quando Leonardo da Vinci ha scritto una "serata segreta", ha attaccato un significato speciale a due figure: Cristo e Giuda. Stava cercando simulatori per loro per un tempo molto lungo. Infine, è riuscito a trovare un modello per l'immagine di Cristo tra i giovani cantanti. Per prendere un simulatore per Giuda Leonardo non è stato in grado di tre anni. Ma un giorno incontrava la strada su un ubriacone, che stava sdraiata in una reflue. Era un giovane uomo che era una non digestione. Leonardo lo invitò al ristorante, dove iniziò immediatamente a scrivere da lui Giuda. Quando il bevitore arrivò a se stesso, disse all'artista che un giorno già lo posò. Era qualche anno fa quando ha cantato nel coro della chiesa, Leonardo ha scritto da lui Cristo.

"Night watch" o "giorno"?

Rembrandt, "Night Watch", 1642.

Uno dei dipinti più famosi di Rembrandt "discorso della compagnia del fucile Capitano Francia Bannang Coca e luogotenente Villem van Ryuteitbürga" Circa duecento anni ha controllato sale diverse e fu scoperta dagli storici dell'arte solo nel XIX secolo. Dal momento che sembrava che le figure si esibiscano su uno sfondo scuro, si chiamava "orologi notturni", e sotto questo titolo entrò nel tesoro dell'arte mondiale.

E solo durante il restauro speso nel 1947, fu scoperto che nella sala l'immagine riuscì a essere coperta da uno strato di fuliggine, distorcendo il suo sapore. Dopo aver cancellato il dipinto originale, si è scoperto che la scena rappresentata da Rembrandt si verifica effettivamente durante il giorno. La posizione dell'ombra dalla mano sinistra del capitano Coca mostra che il momento dell'azione non è superiore a 14 ore.

Barca invertita

Henri Matisse, "barca", 1937.

Nel New York Museum of Contemporary Art nel 1961, è stata esposta una foto di Henri Matisse "Boat". Solo dopo 47 giorni qualcuno ha attirato l'attenzione sul fatto che l'immagine si blocca sottosopra. Sulla tela raffigurata 10 linee viola e due vele blu su uno sfondo bianco. Due vele, l'artista dipinto non solo così, la seconda vela è un riflesso della prima acqua.
Per non commettere un errore nel modo in cui l'immagine dovrebbe appendere, è necessario prestare attenzione ai dettagli. Una vela più grande deve essere la cima dell'immagine, e il picco del modello di vela deve essere diretto all'angolo superiore destro.

Cheating in autoritratto

Vincent van Gogh, "autoritratto con un tubo", 1889.

Il fatto che Van Gogh presumibilmente tagliò il suo orecchio, vai leggende. Ora il più affidabile è la versione che l'orecchio van Gogh è danneggiato in una piccola dimistruzione con la partecipazione di altri campi artisti - Gogen.

L'autoritratto è interessante in quanto riflette la realtà in forma distorta: l'artista è raffigurato con un orecchio destro bendato, perché ha usato uno specchio durante il funzionamento. In effetti, l'orecchio sinistro ha sofferto.

Aliens Mishki.

Ivan Shishkin, "Mattina in una pineta", 1889.

Il famoso pittura appartiene non solo per il pennello di Shishkin. Molti artisti che erano amichevoli tra loro spesso ricordarono la "Aiuto di un amico", e Ivan Ivanovich, ha avuto un'intera vita con paesaggi, temeva che il toccamento degli orsi non avrebbe funzionato con lui come era necessario. Pertanto, Shishkin ha fatto appello al familiare artista animalista Konstantin Savitsky.

Savitsky ha dipinto a malapena non i migliori orsi nella storia della pittura russa, e la Tretyakov comandò il suo cognome dalla tela, perché tutto nella foto "Dal piano e finisce con il compimento, tutto parla del modo di pittura, sulla creatività Metodo per Shishkin. "

Storia innocente "Gothic"

Grant Wood, "American Gothic", 1930.

Il lavoro della sovvenzione del legno è considerato uno dei più strani e deprimenti nella storia della pittura americana. Il dipinto con il padre e la figlia cupo è pieno di dettagli che indicano la gravità, la puritanza e il retrogrado della gente raffigurata.
In effetti, l'artista non ha pensato di ritrarre alcun orrore: durante un viaggio in Iowa e notò una piccola casa nello stile gotico e ha deciso di ritrarre quelle persone che, a suo avviso, idealmente sarebbero arrivati \u200b\u200bcome abitanti. Sotto forma di personaggi, che sono così offesi dagli abitanti di Iowa, la sorella della sovvenzione e il suo dentista sono immortalato.

Revenge of Salvador Dali

L'immagine "figura vicino alla finestra" è stata scritta nel 1925, quando DALI aveva 21 anni. Poi l'artista non è ancora entrato in gala, e il suo museo era Suor Ana Maria. Il rapporto di fratello e sorelle si è deteriorato quando ha scritto su una delle immagini "A volte sputo sul ritratto della mia madre, e mi dà piacere". Ana Maria non ha potuto perdonare un tale shock.

Nel suo libro del 1949, Salvador ha dato gli occhi di sua sorella "scrive di suo fratello senza alcuna lode. Il libro ha portato Salvador a rabbia. Un altro dieci dopo di ciò, era arrabbiato con l'altro caso. E così, nel 1954 un'immagine "La giovane Vergine, indulgere in Sodomsky il peccato con l'aiuto delle corna della sua stessa castità appare". Posa di una donna, i suoi riccioli, un paesaggio fuori dalla finestra e i dipinti dello schema dei colori stanno chiaramente echeggiando con la "figura della finestra". C'è una versione che mi è stata data una sorella vendicata per il suo libro.

Doppio Dana

Rembrandt Harmans Wang Reno, "Dana", 1636 - 1647.

Molti segreti di uno dei dipinti più famosi di Rembrandt furono descritti solo negli anni '60 del XX secolo, quando la tela ha illuminato i raggi X. Ad esempio, le riprese hanno dimostrato che nella versione iniziale, il volto della principessa, che è entrato in un rapporto d'amore con Zeus, era simile al volto di Saskiy - il coniuge del pittore, morto nel 1642. Alla versione finale della foto, cominciò ad assomigliare al volto di Herges Dirks - Lovers Rembrandt, con cui l'artista visse dopo la morte di sua moglie.

Camera da letto gialla Van Gogh

Vincent van Gogh, "Camera da letto a Arles", 1888 - 1889.

Nel maggio 1888, Van Gogh ha acquisito un piccolo laboratorio ad Arle, nel sud della Francia, dove è sfuggito a non capire i suoi artisti e critici di Parigi. In una delle quattro stanze, Vincent posiziona la camera da letto. A ottobre, tutto è pronto, e decide di disegnare una "camera da letto van Gogh in Arles". Per l'artista, è stato molto importante da aroma, il comfort delle camere: tutto avrebbe dovuto essere fatta ai pensieri in vacanza. Allo stesso tempo, l'immagine è resistente ai toni gialli ansiosi.

I ricercatori della creatività di Van Gogh lo spiegano dal fatto che l'artista ha preso uno spruzzato - un rimedio per l'epilessia, che causa gravi cambiamenti nel paziente nella percezione del colore: tutta la realtà circostante è dipinta nei toni verdi-gialli.

Perfezione senza denti

Leonardo da Vinci, "Ritratto della signora Liza del Jocondo", 1503 - 1519.

L'opinione generalmente accettata è che Mona Lisa è la perfezione e un sorriso è bello con la sua misteriosità. Tuttavia, l'American Art Historian (e il dentista part-time) Joseph Borkovsky crede che, a giudicare dall'espressione del viso, l'eroina perse un sacco di denti. Studiare le foto ingrandite del capolavoro, Borkovski ha scoperto anche le cicatrici intorno alla sua bocca. "Sorride così a causa di ciò che le è successo", crede l'esperto. - L'espressione del suo viso è in genere per le persone che hanno perso i suoi denti anteriori ".

Maggiore su facingontrol.

Pavel Fedotov, "Major's Major", 1848.

Il pubblico, che ha visto per la prima volta l'immagine del "orologcio d'orotta" del maggiore, rise dall'anima: l'artista di Fedotov riempito di dettagli ironici, spettatori comprensibili di quel tempo. Ad esempio, il maggiore non ha chiaramente familiarità con le regole della nobile etichetta: è apparso senza bouquet posati per la sposa e sua madre. E la sposa stessa, i suoi genitori mercantili dimessero in abito da sera, anche se nel giorno del cortile (tutte le lampade nella stanza si spengono). La ragazza ha chiaramente provato un vestito decorato, confuso e cerca di fuggire nel suo Bel.

Perché la libertà è nuda

Ferdinan Victor Eugene Delakrua, "Libertà sui barricate", 1830.

Secondo lo storico dell'arte Etienne Juli, Delacroix ha scritto il volto di una donna con i famosi rivoluzionari parigini - la missure di Anna-Charlotte, che andò alle barricate dopo la morte di suo fratello dalle mani dei soldati reali e uccise le guardie dei ninter. L'artista lo ha raffigurato con il seno nudo. Secondo lui, questo è un simbolo di mancanza di paura e dedizione, così come le celebrazioni della democrazia: il petto di Nagaya mostra quella libertà, come un cappello semplice, non è un corsetto.

Square Square.

Kazimir Malevich, "Black Suprematic Square", 1915.

Infatti, la "quadrata nera" non è affatto nera e non è affatto il quadrato: nessuno dei lati del quadrilatero non è parallelo ad altro lato, e non uno dei lati del telaio quadrato, che l'immagine è incorniciata . E il colore scuro è il risultato di mescolare vari colori, tra cui non era nero. Si ritiene che non sia stata la negligenza dell'autore, ma una posizione fondamentale, il desiderio di creare una forma dinamica e mobile.

Gli specialisti della Galleria Tretyakov hanno trovato l'iscrizione dell'autore presso la famosa immagine di Malevich. L'iscrizione afferma: "Battaglia dei neri in una grotta oscura". Questa frase invia al nome dell'immagine scherzante del giornalista francese, lo scrittore e l'artista Alfons Alla "Battaglia dei neri nella grotta oscura del profondo di notte", che era assolutamente il rettangolo nero.

Melodrama della Mona Lisa austriaca

Gustav Klimt, "Ritratto di Adelie Bloch-Bauer", 1907.

Su uno dei climi più significativi, la moglie del magnata di zucchero austriaco Fetinad Bloch Bauer è stato catturato. Tutto Vienna ha discusso la tempestosa Adelel romana e il famoso artista. Un marito vulnerabile voleva vendicarsi con gli amanti, ma scegliere un modo molto insolito: decise di ordinare un ritratto del ritratto di Adeeli e farlo fare centinaia di schizzi fino a quando l'artista inizia a girando da lei.

Bloch Bauer ha voluto lavorare per durare diversi anni, e un simulatore poteva vedere come i sentimenti di Clima potessero agitarsi. Ha fatto un'artista una proposta generosa, da cui non poteva rifiutare, e tutto sviluppato sullo scenario di un marito ingannato: il lavoro è stato completato per 4 anni, gli amanti hanno rinfrescato a lungo l'un l'altro. Adel Bloch Bauer non ha mai saputo che suo marito era consapevole della sua relazione con Clima.

Foto che ha restituito Gogen alla vita

Paul Gajen, "Da dove siamo venuti? Chi siamo? Dove stiamo andando?", 1897-1898.

La tela più famosa di Hogen ha una caratteristica: è "leggendo" senza sinistra a destra, ma a destra a sinistra, come i testi kabbalistici a cui era interessato. È in questo ordine che l'allegoria della vita spirituale e fisica di una persona si svolge: dall'origine dell'anima (bambino addormentato nell'angolo in basso a destra) alla inevitabilità dell'ora di morte (uccello con una lucertola in artigli nel angolo in basso a sinistra).

La foto è stata scritta da Gogen su Tahiti, dove l'artista correva più volte dalla civiltà. Ma questa volta, la vita sull'isola non ha specificato: la povertà totale lo ha portato alla depressione. Dopo aver terminato la tela, che avrebbe dovuto diventare il suo testimonio spirituale, Gauguen prese una scatola con Arsenico e andò in montagna per morire. Tuttavia, non ha calcolato la dose e il suicidio non è riuscito. Nel mattino successivo, lui, swing, non conosceva la capanna e si addormentò, e quando si svegliava, sentì la sete dimenticata per la vita. E nel 1898, i suoi affari sono andati in salita, e nel lavoro iniziò il loro periodo luminoso.

112 Proverbi su un'immagine

Peter Bruegel - Senior, "Proverbi olandesi", 1559

Peter Bruegel - Senior raffigurato la terra, abitata dalle immagini letterale dei proverbi olandesi di quei giorni. In una foto scritta, ci sono circa 112 idiomi riconosciuti. Alcuni di loro sono usati fino ad oggi, ad esempio, come ad esempio: "Vola contro la corrente", "Combatti la testa del muro", "armati ai denti" e "Big Bish mangia uno piccolo".

Altri proverbi riflettono l'assurdità umana.

Soggettività dell'art

Paul Gogen, "Breton Village sotto la neve", 1894

Il dipinto del gogen "Breton Village nella neve" è stato venduto dopo la morte dell'autore in soli sette franchi e, inoltre, chiamato Cascate del Niagara. Un uomo che ha trascorso l'asta rialzò accidentalmente una foto delle sue gambe, vedendo una cascata in esso.

Pittura nascosta

Pablo Picasso, Blue Room, 1901

Nel 2008, la radiazione a infrarossi ha mostrato che una "stanza blu" era nascosta un'altra immagine - un ritratto di un uomo vestito in un vestito con una farfalla e mise la testa sulla sua mano. "Non appena Picasso è apparso una nuova idea, è stato preso per il pennello e l'ha incarnato. Ma non aveva l'opportunità di comprare una nuova tela ogni volta che una musa è stata visitata ", spiega il possibile motivo per questa critica d'arte di Patricia Favero.

Inaccessibile marocchanika.

Zinaida Serebryakova, "Nagaya", 1928

Una volta che Zinaida Serebryakova ha ricevuto un'offerta allettante - per andare al viaggio creativo per ritrarre le figure nude di East Dev. Ma è risultato che in quei luoghi per trovare i simatori semplicemente impossibili. Un traduttore di Zinaida è venuto in soccorso - guidò le sue sorelle e una sposa a lei. Nessuno prima e dopo ciò non è riuscito a catturare le donne orientali chiuse nudi.

Illusione spontanea

Valentin Serov, "Ritratto di Nicholas II in una pressione", 1900

Per molto tempo, Serov non poteva scrivere un ritratto del re. Quando l'artista si arrese affatto, si è scusato a Nikolai. Nikolai era un po 'arrabbiato, si sedette al tavolo, allungando le mani di fronte a lui ... e poi l'artista dipinto - ecco un'immagine! Un semplice militare nel tubero di un ufficiale con occhi puri e tristi. Questo ritratto è considerato la migliore immagine dell'ultimo imperatore.

Di nuovo doppio

© Fedor Reshetnikov.

Il famoso dipinto "di nuovo due" è solo la seconda parte della trilogia artistica.

La prima parte è "arrivata in vacanza". La famiglia ovviamente protetta, vacanze invernali, uno studente studentesco allegro.

La seconda parte è "di nuovo souce". La povera famiglia della periferia lavorativa, in mezzo all'anno scolastico, Puraden Oballa, di nuovo afferrato i due. Nell'angolo in alto a sinistra, l'immagine "arrivata in vacanza" era visibile.

La terza parte è "riesame". Casa di campagna, estate, a piedi, una disuguaglianza dannosa, avendo fallito l'esame annuale, è costretto a sedersi in quattro pareti e strumenti. Nell'angolo in alto a sinistra, è visibile una foto "due".

Come nascono i capolavori

Joseph Turner, "pioggia, coppie e velocità", 1844

Nel 1842, la signora Simon ha viaggiato in treno in Inghilterra. Improvvisamente iniziò una doccia forte. Il signore anziano, che era seduto di fronte a lei, si alzò, aprì la finestra, ha attaccato la testa e guardò dieci minuti. Incapace di mantenere la tua curiosità, la donna ha anche aperto la finestra e cominciò a guardare avanti. Un anno dopo, ha trovato una foto di "pioggia, coppie e velocità" presso la mostra della Royal Academy of Arts ed è stata in grado di riconoscere lo stesso episodio in esso.

Lezione di anatomia da Michelangelo

Michelangelo, "Creazione di Adamo", 1511

Un paio di esperti americani nel campo della neuroanatomia credono che Michelangelo abbia effettivamente lasciato alcune illustrazioni anatomiche in una delle sue opere più famose. Credono che nella parte giusta della foto raffigura un enorme cervello. È sorprendente, ma puoi trovare componenti anche complessi, come cerebellum, nervi ottici e ghiandola pituitaria. E il nastro fuso verde coincide perfettamente con la posizione dell'arteria vertebrale.

"Ultima cena" van Gogh

Vincent van Gogh, "Night Terrace Cafe", 1888

Explorer Jared Baxter crede che sulla tela Van Gogh "Night Terrace Cafe" è crittografata dalla dedizione della "serata segreta" Leonardo da Vinci. Nel centro della foto c'è un cameriere con i capelli lunghi e in una tunica bianca, ricordando i vestiti di Cristo, e ci sono esattamente 12 visitatori del caffè intorno ad esso. Anche Baxter attira l'attenzione sulla croce, situata proprio dietro la schiena del cameriere in bianco.

La memoria di Dali.

Salvador Dali, "costanza della memoria", 1931

Non è un segreto che i pensieri che frequentano DALI durante la creazione dei suoi capolavori avessero sempre sotto forma di immagini molto realistiche che l'artista si trasferì quindi sulla tela. Quindi, secondo lo stesso autore, l'immagine "costanza della memoria" è stata scritta a seguito di associazioni che sorgono a forma di formaggio fuso.

Cosa urla la munk.

Edward Munk, Creek, 1893.

La munk ha detto alla comparsa dell'idea di uno dei dipinti più misteriosi della pittura mondiale: "Ho camminato lungo il sentiero con due amici - il sole era seduto - il cielo è diventato inaspettatamente rossa, ho sospeso, sentendo Esausto, e appoggiato al recinto - Ho guardato il sangue e le lingue di fiamma su un fiordo bluastro-nero e la città - i miei amici sono andati oltre, e mi sono alzato, tremando dall'eccitazione, sentendo un grido infinito, piercing. " Ma che tipo di tramonto potrebbe spaventare l'artista?

C'è una versione che l'idea di "urlo" è nata al mulino nel 1883, quando si sono verificate diverse eruzioni più forti del vulcano di Krakataau, così potente che hanno cambiato la temperatura dell'atmosfera della terra in un grado. Una quantità abbondante di polvere e cenere diffuse in tutto il mondo, venendo anche in Norvegia. Diverse serate di fila, i tramonti sembravano come se, l'apocalisse sarebbe - uno di loro era la fonte dell'ispirazione dell'artista.

Scrittore nella gente

Alexander Ivanov, "il fenomeno della gente di Cristo", 1837-1857.

Dozzine di simulatori hanno posto Alexander Ivanov per la sua immagine principale. Uno di questi è noto per non meno dell'artista. Sullo sfondo, tra i traversini e i cavalieri romani, che non hanno ancora sentito la predicazione di Giovanni I precursori, puoi vedere il personaggio di Korchin Chiton. Il suo Ivanov ha scritto da Nicholas Gogol. Lo scrittore allentò con l'artista in Italia, in particolare sulle questioni religiose e gli ha dato consigli nel processo di scrittura dell'immagine. Gogol credeva che Ivanov "fosse morto a lungo per il mondo intero, tranne che per il suo lavoro".

Gotta michelangelo.

Rafael Santi, Atene School, 1511.

Creare il famoso affresco "Atene School", Rafael perpetuava i suoi amici e conoscenti nelle immagini degli antichi filosofi greci. Uno di questi era Michelangelo Buonotti "nel ruolo di" Herclite. Diversi secoli affresco hanno tenuto i segreti della vita personale di Michelangelo, e i ricercatori moderni hanno fatto il presupposto che il ginocchio stranamente arrabbiato dell'artista testimonia la presenza delle malattie delle articolazioni.

È probabile che considerà le caratteristiche dello stile di vita e le condizioni di lavoro degli artisti del Rinascimento e dell'operacolismo cronico Michelangelo.

Specchio coppia arnolfini.

Yang van Eyk, "Ritratto di Arnolphin Fau", 1434

Nello specchio dietro i coniugi di Arnolphin, puoi vedere il riflesso di altre due persone nella stanza. Molto probabilmente, questi sono testimoni presenti alla conclusione del contratto. Uno di questi è Van Eyke, come evidenziato dall'iscrizione latina, collocata, contrariamente alla tradizione, sopra lo specchio nel centro della composizione: "Jan van Eyk era qui". Così solitamente contratti fissi.

Come un difetto si trasformò in un talento

Rembrandt Harmans Wang Reno, "autoritratto all'età di 63", 1669.

Ricercatore Margaret Livingston ha studiato tutti gli autoritratti Rembrandt e hanno scoperto che l'artista ha sofferto come uno strabismo: nelle immagini, i suoi occhi guardano direzioni diverse, che non è osservato sui ritratti dei pennelli di altre persone. La malattia ha portato al fatto che l'artista potrebbe meglio percepire la realtà in due dimensioni rispetto alle persone con una visione normale. Questo fenomeno è chiamato "stereo" - l'incapacità di vedere il mondo in 3D. Ma poiché il pittore deve lavorare con un'immagine bidimensionale, era questa carenza di Rembrandt che potrebbe essere una delle spiegazioni del suo talento fenomenale.

Sicuro Venere.

Sandro Botticelli, "nascita di Venere", 1482-1486.

Prima dell'aspetto della "nascita di Venere", l'immagine di un corpo femminile nudo nella pittura simboleggiava solo l'idea del peccato originale. Sandro Botticelli Il primo dei pittori europei non ha trovato nulla di peccaminoso. Inoltre, gli storici dell'arte sono fiduciosi che la dea pagana dell'amore simboleggia l'immagine cristiana sull'affresco: il suo fenomeno è un'allegoria del revival dell'anima, che ha superato il rito del battesimo.

Butterist o macellaio?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, "Butterist", 1596.

Per molto tempo, l'immagine è stata esposta nell'Hermitage chiamata "Butcher's". Solo all'inizio del XX secolo, gli storici dell'arte hanno convenuto che la canvasa mostra ancora il giovane (probabilmente il Caravaggio ha posato il suo artista familiare Mario Minni): sulle note di fronte al musicista, la registrazione del bassy Party Madrigala Jacob Arcaader " Sai che ti amo ". Una donna potrebbe difficilmente fare una tale scelta - è solo difficile per la gola. Inoltre, un liuto, come un violino al limite dell'immagine, era considerato uno strumento maschile nell'era del Caravaggio.