Biografie, storie, fatti, foto. Vita e percorso creativo Giuseppe Verda Verdi Nome

Lavori di Giuseppe Verdi in genere indicando il nome, anno di creazione, personale del genere / performing, con commenti.

Opere

1. "Oberto, Bonifacio Count" ("Oberto, Conte di San Bonifacio"), Libretto A. Piazza e T. Solera. La prima affermazione il 17 novembre 1839 a Milano, nel Teatro La Scala.
2. "Re all'ora" ("Un Giorno di Regno") o "Mnimy Stanislav" ("Il Finto Stanislao"), Libretto F. Romani. La prima affermazione il 5 settembre 1840 a Milano, nel Teatro La Scala.
3. Nabucco ("Nabucco") o "Nebuchadnezzar", Libretto T. Soler. La prima affermazione il 9 marzo 1842, a Milano, nel teatro La Scala.
4. "Longobardi nella prima crociata" ("I Lombardi Alla Prima Crociata"), Libretto T. Soler. La prima affermazione l'11 febbraio 1843 A Milano, nel teatro La Scala. Più tardi, Opera riciclata per Parigi chiamata "Gerusalemme" ("Ierusalem"). La seconda edizione è stata scritta musica da ballo. La prima affermazione il 26 novembre 1847 a Parigi, nel Grand Op? Teatro Ra.
5. Ernani ("Ernani"), Libretto F. M. PIAVA. La prima affermazione il 9 marzo 1844. A Venezia, nel teatro La Fenice.
6. "Due Foscari" ("I Due Foscari"), Libretto F. M. Piava. La prima affermazione il 3 novembre 1844 a Roma, nel teatro dell'Argentina.
7. Giovanna D'Arco ("Giovanna d'Arco"), Libretto T. Solera. La prima affermazione il 15 febbraio 1845 a Milano, nel Teatro La Scala.
8. "Alzira" ("Alzira"), Libretto S. Camano. La prima affermazione il 12 agosto 1845 a Napoli, al teatro di San Carlo.
9. "Attila" ("Attila"), Libretto T. Soler e F. M. Piava. La prima affermazione il 17 marzo 1846 a Venezia, nel teatro La Fenice.
10. Macbeth ("Macbeth"), Libretto F. M. PIAVA e A. Maffea. La prima affermazione il 14 marzo 1847 a Firenze, nel Teatro La Pergola. Più tardi Opera riciclata per Parigi. La seconda edizione è stata scritta musica da ballo. Il primo stadio a Parigi il 21 aprile 1865 nel teatro Lyrique.
11. "Robber" ("I Masnadieri"), Libretto A. Maffei. La prima affermazione il 22 luglio 1847 a Londra, nel Teatro Royal.
12. "Corsair" ("Il Corsaro"), Libretto F. M. PIAVA. La prima affermazione il 25 ottobre 1848 a Trieste.
13. "Battaglia di Lenyano" ("La Battaglia di Legnano"), Libretto S. Kammarano. La prima affermazione il 27 gennaio 1849 a Roma, nel teatro dell'Argentina. Più tardi, nel 1861, l'Opera è andata con un libretto rivisto chiamato "Assiedo di Harlem").
14. Louise Miller ("Luisa Miller"), Libretto S. Camano. La prima affermazione l'8 dicembre 1849 a Napoli, al teatro di San Carlo.
15. "SCORDELIO" ("SCORDELIO"), Libretto F. M. PIAVA. La prima affermazione il 16 novembre 1850 a Trieste. Più tardi Opera riciclata chiamata "Arold" ("Aroldo"). La prima affermazione il 16 agosto 1857 a Rimini.
16. Rigoletto (Rigoletto), Libretto F. M. PIAVA. La prima affermazione l'11 marzo 1851 a Venezia, nel Teatro La Fenice.
17. "Trubadur" ("Il Trovatore"), Libretto S. Kammarano e L. Bardar. La prima affermazione il 19 gennaio 1853 a Roma, nel teatro Apollo. Per mettere l'opera a Parigi, sono stati scritti musica di balletto e finali riciclati.
18. "Fraviata" ("La Traviata"), Libretto F. M. Piava. La prima affermazione il 6 marzo 1853 a Venezia, nel Teatro La Fenice.
19. Serata siciliana ("I Vespri Siciliani"), ("Les V? Pres Siciliennes"), Libretto E. Skribiba e SH. Douverie. La prima tappa del 13 giugno 1855 a Parigi, nel Grand Op? RA Theatre.
20. Simon Boccanegra ("Simon Boccanegra"), Libretto F. M. PIAVA. La prima affermazione il 12 marzo 1857 a Venezia, nel teatro La Fenice. Più tardi Opera riciclata (Libretto A. Boyto). La prima affermazione il 24 marzo 1881 a Milano, nel teatro della Scala.
21. "Masquerade" ("Un ballo in Maschera"), Libretto A.somma. La prima affermazione il 17 febbraio 1859 a Roma, nel teatro Apollo.
22. "La forza del destino" ("La Forza del Destino"), Libretto F. M. PIAVA. La prima affermazione il 10 novembre 1862 a San Pietroburgo, nel teatro Mariinsky. Opera rielaborato in seguito. Il primo stadio di Milano il 20 febbraio 1869, nel teatro La Scala.
23. Don Carlos ("Don Carlo"), Libretto J. Mermey e K. du Loklaly. La prima affermazione l'11 marzo 1867 a Parigi, nel Grand Opera Theatre. Verso Opera riciclata. Il primo stadio di Milano il 10 gennaio 1881 nel Teatro La Scala.
24. "Aida" ("Aida"), Libretto A. Gislanzoni. La prima affermazione il 24 dicembre 1871 al Cairo. Overture è scritta in opera (inutile), che ha eseguito quando "Aida" a Milano (La Scala) l'8 febbraio 1872
25. "OTLLO" ("OTELLO"), Biretto A. Boyto. La prima affermazione il 5 febbraio del 5 febbraio 1887 a Milano, nel teatro La Scala (per la produzione a Parigi nel 1894, è stata scritta musica da balletto: "Song Arab", "Song", "Greco Magomet", "Dance of Warriors", "Dance of Warriors" ).
26. Falstaff ("Falstaff"), Libretto A. Boyto. La prima affermazione il 9 febbraio 1893 a Milano, nel Teatro La Scala.

Lavori per il coro

• "Sounds, Pipe" ("Suona la Tromba") per le parole dell'Imn di Mameli, per il coro maschile e l'orchestra. Cit. 1848.
• "L'inno delle nazioni" ("Inno delle Nazioni"), Cantata per voce alta, coro e orchestra, per A. Boyto. Cit. Per la mostra mondiale di Londra. Prima esecuzione il 24 maggio 1862

Musica della Chiesa

• "Requiem" ("Messa di Requem"), per quattro solisti, coro e orchestra. La prima esecuzione il 22 maggio 1874 a Milano, nella Chiesa di San Marco.
• "Pater Noster" (testo di Dante) per il coro a cinque occhi. La prima esecuzione il 18 aprile 1880 a Milano.
• "Ave Maria" (testo Dante) per soprano e orchestra di corde. La prima esecuzione il 18 aprile 1880 a Milano.
• "Quattro giochi spirituali" ("Quattro Pezzi Sacri"): 1. "Ave Maria", per quattro voti (OK. OK. 1889); 2. "Stabat Mater", per un coro mista a quattro voci con un'orchestra (ok. 1897); 3. Leudi alla Vergine Maria (testo da "Paradise" Dante), per un coro femminile a quattro vocali senza accompagnamento (fine degli anni '80); 4. "Quello Deum", per il doppio coro e l'orchestra a quattro capelli con quattro capelli (1895-1897). La prima esecuzione del 7 aprile 1898 a Parigi.

Musica strumentale della camera

• String Quartet E-MOLL. La prima esecuzione il 1 aprile 1873 a Napoli.

Musica vocale della camera

• Sei romanzi per la voce con FP. Sulle parole di J. Vistorelly, T. Bianchi, K. Angerini e Goethe. Cit. Nel 1838.
• "Esolio" ("L'ESULE"), Ballad per Bass con F-P. Su T. Soler. Cit. Nel 1839.
• "Seduzione" ("La Seduzione"), Ballad per Bass con F-P. Sulle parole di L. Balestra. Cit. Nel 1839.
• "Noturno"), per soprano, tenore e basso accompagnato dal flauto obbligato. Cit. Nel 1839.
• L'album ha sei romanzi per votare con F-P. Sulle parole A. Maffei, M. Maggii e F. Romani. Cit. Nel 1845.
• "Mendicante" ("Il Poveretto"), un romanticismo per la voce da F-p. Cit. Nel 1847.
• "Abbandonato" ("L'Abbandonata"), per soprano con FP. Cit. Nel 1849.
• "Fiore" ("Fiorellin"), un romanticismo per le parole F. Piava. Cit. Nel 1850.
• "Prayer Poeta" ("La Preghiera del Poeta"), sulle parole N. Sonet. Cit. Nel 1858.
• "Strnel" ("Il Stornello"), per voto con F-P. Cit. Nel 1869, per l'album a favore di F. M. PIAVA.

Scritti giovanili

• Diverse aperture orchestrali, tra loro un'overture per il villaggio seviliano Rossini. Palude e danze per la città orchestra Buspeto. Giochi da concerto per pianoforte e per gli strumenti a fiato da solto. Aria e ensemble vocali (duetti, trio). Massa, motori, laudi e altri scritti della chiesa.
• "Ploch Jeremiah" (Bibbia, tradotto in italiano).
• "Madness saul", per voce con l'orchestra, sulle parole V. Alfiery. Cit. fino al 1832.
• Cantata per la voce di Solo e Orchestra in onore del matrimonio di R. Borromeo. Cit. Nel 1834.
• I cori per le tragedie di A. Maniiaia e "ODA alla morte di Napoleone" - "5 maggio", le parole di A. Mandzoni, per voce con l'orchestra. Cit. Nel periodo 1835 - 1838

Come ogni potente talento. Verdie riflette la nazionalità e la sua era. È un fiore del suo terreno. È la voce dell'Italia moderna, non un ITALY PIÙ DORMAGENTE o INCRACTURATO-FUNNY INTORNALE NELLE OPERAZIONI DI COMICA E MOLTO VISUALIZZATA DI ROSSINI E DONIZETTI, NON Sicuramente tenero ed eleganza, piangendo Italia Bellinievsky, - e l'Italia, risvegliati alla coscienza, in Italia , Eccitato Buryami politico, Italia, audace e paglia alla furia.
A. Serov.

Nessuno potrebbe meglio di Verday, provare la vita.
A. Boyto.

Verdi è un classico della cultura musicale italiana, uno dei compositori più significativi del XIX secolo. La sua musica è inerente all'assenza di una scintilla di alta patos civile, una precisione senza errori nella forma di realizzazione dei processi più complessi che si verificano nei profondità dell'anima umana, della nobiltà, della bellezza e del melodismo inesauribile. Il Perù del compositore appartiene a 26 opere, opere spirituali e strumentali, romanzi. La parte più significativa del patrimonio creativo di Verdi è l'opera, molti dei quali ("Rigoletto", "Traviata", "Aida", "Othello") suono dalle quinte dei teatri dell'opera del mondo intero per più di cento anni. Lavori di altri generi, ad eccezione del Requiem ispirato, non sono praticamente noti, i manoscritti della maggior parte di loro sono persi.

Verdi, a differenza di molti musicisti del XIX secolo, non proclamò i suoi principi creativi nei discorsi del programma nella stampa, non associato il suo lavoro con la dichiarazione di estetica di una certa direzione artistica. Tuttavia, il suo lungo, difficile, non sempre rapidamente e coronato da vittorie, il percorso creativo è stato inviato ad un obiettivo profondamente vestito e cosciente - per raggiungere il realismo musicale nelle prestazioni dell'opera. La vita in tutte le varietà di conflitto è un tema così completo della creatività del compositore. La gamma della sua incarnazione è stata insolitamente ampia - dai conflitti di social al confronto dei sentimenti nell'anima di una persona. Allo stesso tempo, l'arte di Verda porta la sensazione di bellezza speciale e armonia. "Mi piace nell'arte, tutto è bello," disse il compositore. Un campione di arte bella, sincera e ispiratrice era la sua musica.

Comprendendo chiaramente i compiti creativi, Verdi era instancabile alla ricerca delle forme più avanzate di incarnazione delle loro idee, estremamente impegnative per se stesso, ai librettami e agli artisti. Ha spesso selezionato la base letteraria per il libretto, discusso in dettaglio con i librettisti l'intero processo della sua creazione. La cooperazione più fruttuosa associata al compositore con tali librettisti, come T. Solera, F. Piava, A. Gislanzoni, A. Boyto. Verdi ha chiesto una drammatica verità dai cantanti, era intollerante a qualsiasi manifestazione della menzogna sul palco, un virtuosismo senza senso, non dipinto da sentimenti profondi, non giustificati da un effetto drammatico. "... grande talento, anima e flair" - queste sono le qualità che ha apprezzato per la prima volta negli artisti. "Un'esecuzione significativa e riverente" dell'opera sembrava essere necessaria; "... Quando le opere non possono essere eseguite in tutta la loro immunità - poiché sono concepite dal compositore, è meglio non eseguirle affatto."

Verdie ha vissuto una lunga vita. È nato nella famiglia di un contadino inquisitore. I suoi insegnanti erano l'organista della Chiesa del villaggio P. Baystrokki, poi F. Covisi, che ha guidato la vita musicale a Buspeto, e il conduttore del Teatro Milano di La Scala V. Lavigna. Essendo un compositore maturo, Verdie ha scritto: "Ho imparato alcune delle migliori opere della modernità, senza studiarli, ma ascoltandoli nel teatro ... Mentirei se, dissi che nella mia giovinezza non era un lungo e Struttura rigorosa ... La mia mano è abbastanza forte per far fronte alla nota come desidero, e abbastanza fiducioso che nella maggior parte dei casi sembra raggiungere gli effetti che ho concepito; E se scrivo qualcosa di non secondo le regole, questo accade perché la regola esatta non mi dà quello che voglio, e perché non considero certamente bene tutte le regole adottate fino ad oggi. "

Il primo successo del giovane compositore è stato associato alla formulazione di Oberto Opera La Rock Theatre nel 1839. Dopo 3 anni nello stesso teatro, è stato consegnato Nebuchadnezzar (Nabucco), che ha portato l'autore ampiamente fama (1841). Le prime opere del compositore sono apparse nell'era del sollevamento rivoluzionario in Italia, che è stato nominato l'era Risorguemento (IAL. - Revival). La lotta per l'associazione e l'indipendenza d'Italia ha coperto l'intero popolo. Verdie non poteva rimanere da parte. Ha profondamente preoccupato la vittoria e sconfigge il movimento rivoluzionario, anche se non si considerava un politico. Opera eroiche-patriottiche degli anni '40. - Nabucco (1841), "Lombards nella prima crociata" (1842), "Battle for Lenyano" (1848) c'erano una specie di risposta agli eventi rivoluzionari. I grafici biblici e storici di queste opere, distanti dalla modernità, inseguendo eroismo, libertà e indipendenza, e quindi erano vicini a migliaia di italiani. "Maestro rivoluzione italiana" - così contemporanei chiamati Verdes, il cui lavoro è diventato estremamente popolare.

Tuttavia, gli interessi creativi del giovane compositore non erano limitati al tema della lotta eroica. Alla ricerca di nuovi trame, il compositore si rivolge ai classici della letteratura mondiale: V. Hugo ("Ernani", 1844), V. Shakespeare ("Macbeth", 1847), F. Schiller ("Louise Miller", 1849). L'espansione del tema della creatività è stata accompagnata trovando nuovi strumenti musicali, un aumento delle abilità del compositore. Il periodo di maturità creativa è stato caratterizzato da una notevole opera di triade: "Rigoletto" (1851), "Trubadur" (1853), "Traviata" (1853). Nel lavoro di Verdi, per la prima volta, una protesta contro l'ingiustizia sociale era così aperta. Gli eroi di queste opere, dotati di spolveri, nobili sentimenti, entrano in conflitto con standard morali generalmente accettati. Appello a tali stolle è stato un passo estremamente audace (Verdie ha scritto "Traviato": "La trama è moderna. L'altro non avrebbe preso, forse per questa trama a causa della decenza, a causa dell'era e per mille altri pregiudizi stupidi. .. Li sto facendo con il più grande piacere ").

Entro la metà degli anni '50. Il nome Verdi è ampiamente conosciuto in tutto il mondo. Il compositore conclude contratti non solo con i teatri italiani. Nel 1854. Crea l'opera serale siciliana per il Grand Opera Paris Theatre, diversi anni dopo, l'Opera "Simon Bokkanta" (1857) e "Ball Masquerade" (1859, per ital. Teatri di San Carlo e Appolo). Nel 1861, per ordine della Direzione del Teatro Mariinsky di San Pietroburgo, Verdi crea l'opera "la forza del destino". In connessione con la sua formulazione, il compositore foglie due volte in Russia. L'opera non ha avuto molto successo, anche se la musica di Verdi era popolare in Russia.

Tra le opere degli anni '60. L'opera "Don Carlos" (1867) è stata la più grande popolarità (1867) con lo stesso nome del dramma Schiller. Musica "Don Carlos", saturo di profondo psicologismo, anticipa le cime della creatività dell'opera Verdi - "Aida" e "Othello". "Aida" è stato scritto nel 1870 all'apertura del nuovo teatro del Cairo. È stato fuso organicamente dai risultati di tutte le opere precedenti: la perfezione della musica, il colore brillante, il deposito della drammaturgia.

Seguendo Aida, "Requiem" (1874) è stato creato, dopo di che un lungo (più di 10 anni) era silenzioso causato da una crisi di vita pubblica e musicale. In Italia, la passione diffusa per la musica di R. Wagner regnava, mentre la cultura nazionale era nell'oblio. La situazione attuale non era solo la lotta dei gusti, varie posizioni estetiche, senza la quale la pratica artistica è impensabile, e lo sviluppo di tutta l'arte. Era il momento di cadere la priorità delle tradizioni artistiche nazionali, che era particolarmente profondamente sperimentata dai patrioti dell'arte italiana. Verdi motivato come questo: "L'arte appartiene a tutte le nazioni. Nessuno crede in esso più difficile di me. Ma si sviluppa individualmente. E se i tedeschi hanno una pratica artistica diversa da noi, la loro arte è basata su diversi dal nostro. Non possiamo comporre come i tedeschi ... "

Nel pensiero dell'ulteriore destino della musica italiana, sentendosi grande responsabilità per ogni passo successivo, Verdi ha iniziato a incarnare l'Opera Opera (1886), che divenne un autentico capolavoro. "Othello" è un'interpretazione insuperata della trama shakespeariana nel genere dell'opera, un modello perfetto di un dramma musicale e psicologico, la cui creazione di cui il compositore ha camminato per tutta la sua vita.

L'ultimo lavoro di Verdi è il Comico Opera Falstaf (1892) - sorprende la sua allegria e abilità impeccabili; Sembra aprire una nuova pagina della creatività del compositore, purtroppo, non una continuazione. La vita di Verdi è illuminata dalla profonda convinzione nella correttezza del percorso prescelto: "Per quanto riguarda l'arte, ho i miei pensieri, le mie convinzioni, molto chiara, molto accurate, da cui non posso, non dovrebbero rifiutare". L. Esquidier, uno dei contemporanei del compositore, lo descritto molto: "Verdi aveva solo tre passioni. Ma hanno raggiunto la più grande forza: amore per l'arte, il sentimento nazionale e l'amicizia. " L'interesse per la creatività appassionata e sincero Verdi non si indebolisce. Per nuove generazioni di amanti della musica, rimane invariabilmente uno standard classico che combina chiarezza del pensiero, ispirazione di sentimenti e perfezione musicale.

A. GOLDEN.

L'opera dell'opera era al centro degli interessi artistici di Verdi. Nel primo stadio della creatività, a Buspeto, ha scritto un sacco di opere strumentali (i loro manoscritti erano persi), ma non tornarono più a questo genere. Eccezione - Quartetto stringa del 1873, che non era destinato a un compositore per l'esecuzione pubblica. Negli stessi anni della gioventù, dalla natura delle loro attività, la musica spirituale composta da organista. Alla fine del percorso creativo - dopo il requiem, ha creato diverse opere di questo tipo (Stabat Mater, quei Deum e altri). Anche i romanzi non minori appartengono al primo periodo creativo. Opera, ha pagato tutta la sua forza per più di mezzo secolo, che va dal "WUBBER" (1839) e che termina con Falstafa (1893).

Verdi ha scritto ventisei opere, sei di loro hanno dato una nuova edizione significativamente modificata. (Per decenni, queste opere sono piazzate come segue: la fine degli anni '30 - 40s - 14 opere (+1 nella nuova edizione), 50s - 7 opere (+1 nella nuova edizione), 60s - 2 Opera (+2 nella nuova edizione), 70s - 1 opera, 80s - 1 opera (+2 nella nuova edizione), 90s - 1 opera) Durante il grande sentiero della vita, è rimasto fedele ai suoi ideali estetici. "Potrei non avere abbastanza forza per ottenere ciò che voglio, ma so cosa mi sforzo", "ha scritto Verdi così nel 1868. Queste parole puoi caratterizzare tutte le sue attività creative. Ma nel corso degli anni, gli ideali artistici del compositore sono diventati più chiaramente e più perfetti, levigati - la sua abilità.

Verdie si sforzò di incarnare il dramma "Forte, semplice, significativo". Nel 1853, scrivendo il "Toviatu", ha scritto: "Sogno di nuovi grandi grandi, bellissimi, diversi, grassetto, ed estremamente coraggioso." In un'altra lettera (lo stesso anno), leggiamo: "Dammi una bella, originale storia, interessante, con grandi situazioni, passioni, - prima di tutte le passioni! ..".

True e sollievo situazioni drammatiche, caratteri bruscamente delineati - questo è, secondo Verdi, la cosa principale nella trama dell'opera. E se nei lavori del periodo precoce, romantico, lo sviluppo di situazioni non ha sempre contribuito alla coerente divulgazione dei personaggi, quindi degli anni '50, il compositore ha chiaramente capito che l'approfondimento di questa connessione funge da base per la creazione di vitale Dramma musicale veritiero. Ecco perché, diventando saldamente sulla via del realismo, Verdi condannava la moderna opera italiana per grafici monotoni e monotoni, forme di routine. Per la latitudine insufficiente della latitudine della vita delle contraddizioni della vita, ha condannato le sue opere scritte in precedenza: "Hanno scene che sono di grande interesse, ma non c'è diversità. Influenzano solo un lato - elevato, se presente, - ma sempre lo stesso. "

Nella comprensione di Verdi, l'opera è impensabile senza il definitivo indicare di contraddizioni di conflitto. Situazioni drammatiche, parlato dal compositore, dovrebbero essere accesa da passioni umane nella loro caratteristica forma individuale. Pertanto, Verdi ha fortemente opposto a tutti i tipi di routine in libretto. Nel 1851, iniziando a lavorare su "Troubadr", Verdi ha scritto: "Che cos'è GRATUITO a Cammarano (il librettista dell'opera. Md.) Interpreterà la forma, meglio per me, più sarò soddisfatto. " Un anno prima, pensando all'opera sulla trama della "re Lira" shakespeariana, Verdi indicava: "Non fare un dramma dalla lira in una forma generalmente accettata. Dovrebbe essere trovato un nuovo, grande, libero da pregiudizio. "

La trama per Verdi è un mezzo di divulgazione efficace dell'idea del lavoro. La ricerca di tali piacci ha permesso la vita del compositore. A partire da Ernani, cerca persistentemente alla ricerca di fonti letterarie per i suoi piani opera. Eccellente conoscitore della letteratura italiana (e latina), Verda si è concentrata bene in tedesco, francese, dramma inglese. I suoi autori preferiti - Dante, Shakespeare, Byron, Schiller, Hugo. (Verdi ha scritto su Shakespeare nel 1865: "È il mio scrittore preferito, che conosco da una prima infanzia e costantemente riletto". Per le trame di Shakespeare, ha scritto tre opere, sognato di "gamlet" e "Benea", tornò lavoro quattro volte. Il re del Lirreway "(nel 1847, 1849, 1856 e 1869); per le trame di Byrona - due opere (il piano incompiuto di" Caino "), Schiller - quattro, Hugo - due (l'idea di "Ryui Blaza").)

L'iniziativa creativa di Verdi non era limitata alla scelta di una trama. Ha guidato attivamente il lavoro di un librettista. "Non ho mai scritto le opere sul libretto pronto fatto da qualcuno sul lato", ha detto il compositore, "Non riesco a capire come è nato lo sceneggiatore, che indovina esattamente ciò che posso incarnare nell'opera. " Istruzioni creative e consigli con il loro personale letterario stanno traboccando una vasta corrispondenza Verdi. Queste istruzioni riguardano principalmente il piano dell'opera dello scenario. Il compositore ha chiesto la concentrazione massima dello sviluppo della scena della fonte letteraria e per questo - per ridurre i disparte di intrighi, compressione del testo del dramma.

Verdi ha istruito i suoi dipendenti il \u200b\u200bfatturato verbale, le poesie del ritmo e il numero di parole necessarie per la musica. Ha prestato particolare attenzione alle frasi "chiave" nel testo del Libretto, progettato per aprire chiaramente il contenuto di una specifica situazione o carattere drammatico. "Non importa se questa o quella parola sarà, la frase che sarà entusiasta sarà panoramica", ha scritto nel 1870 dal libretistista "Aida". Migliorare il libretto "Othello", ha pulito l'extra, a suo parere, frasi e parole, ha chiesto una diversità ritmica nel testo, ha rotto la "levigatezza" di un verso che corrisponde allo sviluppo musicale, ha cercato un'estrema espressività e laconismo.

I piani audaci di Verdi non hanno sempre ricevuto un'espressione decente dal suo personale letterario. Quindi, molto apprezzando il libretto "Rigoletto", il compositore ha notato poesie deboli in esso. Non lo ha soddisfatto nel dramma "Troubadura", "Serata siciliana", "Don Carlos". Senza raggiungere uno scenario completamente convincente e l'incarnazione letteraria del suo design innovativo nel libretto "re Lira", è stato costretto ad abbandonare il completamento dell'opera.

Nel lavoro teso con librettisti, Verdi finalmente ha maturato la scrittura degli scritti. Di solito sedute musica solo dopo lo sviluppo del testo letterario completo dell'intera opera.

Verdi ha detto che la cosa più difficile per lui è "abbastanza da scrivere abbastanza per esprimere il pensiero musicale nell'inviolabilità con cui è nata nella coscienza". Ha ricordato: "Nella sua giovinezza, ho lavorato spesso senza una pausa dalle quattro del mattino alle sette della sera". Anche nella vecchiaia, creando il punteggio "Falstafa", immediatamente gli strumenti hanno finito grandi estratti, da quando "ha paura di dimenticare alcune combinazioni orchestrali e combinazioni di timbri".

Quando la creazione di musica verdi significava la possibilità della sua incarnazione del palco. In relazione fino alla metà degli anni '50 con vari teatri, ha spesso risolto alcuni problemi del dramma musicale, a seconda delle forze di performance, che ha avuto questa squadra. Inoltre, Verdi era interessata non solo dalle qualità vocali dei cantanti. Nel 1857, prima della premiere di Simon Bokkankra, ha sottolineato: "Il ruolo di Paolo è molto importante, è assolutamente necessario trovare un bariton, che sarebbe un buon attore." Indietro nel 1848, in connessione con il "Macbet" in piedi a Napoli, Verda ha respinto il cantante Tadolini lo ha proposto, dal momento che i suoi dati vocali e panoramici non sono adattati al ruolo previsto: "Tadolini ha una voce magnifica, pulita, trasparente, potente, E io vorrei che la voce di Lady's sord, tagliente, cupo. Tadolini ha qualcosa di angelico nella sua voce, e mi piacerebbe essere qualcosa di diabolico nella voce della signora. "

Nel mezzo della sua opera, fino a Falstaff, Verdi ha preso la partecipazione energetica, intervenendo nel lavoro del conduttore, in particolare molta attenzione prestata ai cantanti, passando attentamente la festa con loro. Quindi, il cantante Barbieri-Nini, l'artista del ruolo di Lady Macbeth alla premiere del 1847, ha testimoniato che il compositore provava un duetto con lei, cercando la sua espressività vocale a lui. Ha anche lavorato come esigente e invecchiato di 74 anni con il famoso tenore Francesco Tamano, l'artista del ruolo di Otello.

Verdi ha prestato particolare attenzione alle questioni dell'interpretazione del palcoscenico dell'opera. La sua corrispondenza memorizza molte affermazioni preziose su questi temi. "Tutte le forze di scena offrono una drammatica espressività", ha scritto Verdi, e non solo la trasmissione musicale di kavatina, duetti, finali, ecc. ". In connessione con la formulazione della "forza del destino" nel 1869, si è lamentato delle critiche, che ha scritto solo sul lato vocale dell'artista: "Circa una varietà, dipinti di vita ampiamente implementati, riempiendo la metà dell'opera e dargli il Natura del dramma musicale, né un recensore, né il pubblico che dicono ... ". Notando la musicalità degli artisti, il compositore ha sottolineato: "Opera, - mi capisco correttamente, - cioè drammatico musicale scenicoè stato dato molto mediocre. " È contro questo scena dalla scena E Verdi ha protestato: partecipare all'apprendimento e alla formulazione delle loro opere, ha chiesto la verità dei sentimenti e delle azioni sia in canto che nel movimento panoramico. Verdi ha affermato che solo sotto la condizione dell'unità drammatica di tutti i mezzi di espressività musicale e panoramica, la performance dell'opera potrebbe essere piena.

Così, a partire dalla scelta della trama in un lavoro teso con un librettista, durante la creazione di musica, con la sua incarnazione del palco - in tutte le fasi del lavoro sull'opera, le autorità del Maestro, che hanno guidato con fiducia la sua arte italiana natia alle altezze , si è mostrato realismo.

Gli ideali dell'opera di Werdie si sono sviluppati come risultato di molti anni di manodopera creativa, grande lavoro pratico, ricerca persistente. Sapeva bene lo stato del moderno teatro musicale dell'Europa. Conducendo un sacco di tempo all'estero, Verdie ha conosciuto le migliori compagnie d'Europa - da San Pietroburgo a Parigi, Vienna, Londra, Madrid. Ha familiarità con le operazioni dei più grandi compositori della modernità (Probabilmente a San Pietroburgo Verdi ha ascoltato l'Opera Glinka. Nella Biblioteca Personale del Compositore italiano c'era una chiave del "Guest Stone" Dargomyzhsky.). Verda li ha stimati con lo stesso grado di criticità, con ciò che è adatto per la propria creatività. E spesso non ha così tanto appreso i risultati dell'arte di altre culture nazionali, ma ho lavorato a modo mio, superando la loro influenza.

Così trattava la musica e le tradizioni panoramiche del Teatro francese: erano ben noti per almeno perché tre delle sue opere (sera siciliana, "Don Carlos", la seconda edizione di Macbeth) scritta per la scena di Parigi. Tale era il suo atteggiamento nei confronti di Wagneru, l'opera del quale, per lo più medio periodo, conosceva, e alcuni di loro apprezzavano ("Loadgrin", "Valkyrie"), ma Verdie è creativamente la metà allarmosa con Meyerber, e con Wagner. Non ha detratto il loro significato per lo sviluppo della cultura musicale francese o tedesca, ma ha respinto la possibilità dell'imitazione degli schiavi. Verdie ha scritto: "Se i tedeschi, basandosi sul bach, raggiungono Wagner, poi vengono come tedeschi genuini. Ma noi, i discendenti di Palestrina, imitando un wagneru, fanno un crimine musicale, creano un'arte inutile e persino dannosa. " "Ci sentiamo in modo diverso", ha aggiunto.

La questione dell'influenza della Wagner è particolarmente acutamente rimasta in Italia dagli anni '60; Molti giovani compositori cedono a lui (I fan più ritmi di Wagner in Italia erano uno studente del compositore della lamiera J. SGAMBATTI., conduttore. J. Martucci., A. Boyto. (All'inizio della sua carriera creativa, ci vediamo da Verdi) e altri).. Settimanale celebrato Verdi: "Siamo tutti compositori, critici, il pubblico - ha fatto tutto il possibile per abbandonare la loro nazionalità musicale. Qui abbiamo un molo tranquillo ... un altro passo, e saremo intorpiditi e in questo, come in tutto l'altro. " Era duro e dolorosamente ascoltato dalla bocca dei giovani e alcune parole critiche sul fatto che la sua precedente opera sia obsoleta, non soddisfare i requisiti moderni e la corrente, a partire da Ayda, vai sulle orme di Wagner. "Qual è l'onore dopo una carriera creativa quarantennale per cum dall'initatore!" - esclamò con rabbia Verdi.

Ma non ha respinto il valore della conquista artistica di Wagner. Il compositore tedesco lo ha fatto pensare a molto, e soprattutto il ruolo dell'orchestra nell'opera, che è stato sottovalutato dai compositori italiani della prima metà del XIX secolo (compreso Verdi stesso alla prima tappa della sua creatività ), sull'aumentare il valore dell'armonia (e questo importante mezzo di espressività musicale gli autori dell'opera italiana sono stati trascurati) e, infine, sullo sviluppo dei principi di sviluppo end-to-end per superare la smembramento delle forme di la struttura del numero.

Tuttavia, per tutti questi problemi, il più importante per il dramma musicale dell'opera seconda metà del secolo, si trova Verdi loro Soluzioni diverse da wagnerovsky. Inoltre, li ha delineati prima di esplorare le opere del compositore tedesco ingegnoso. Ad esempio, l'uso di "Timbre Draminaturgy" nella scena del fenomeno dei profumi a Macbeth o nell'immagine di un temporale inquietante in Rigoletto, l'uso di divisi a cordatura in un registro alto nell'ottenere l'ultimo atto "traviti" o trombones In Miseriere "Trubadura" - questi utensili di strumentazione coraggiosi sono stati trovati indipendentemente da Wagner. E se parliamo dell'influenza di qualcuno sull'orchestra Verdi, è piuttosto che tenere presente la Berliosi, che ha davvero apprezzato e con il quale era in relazioni amiche ai primi anni '60.

Era ugualmente indipendente da Verdi alla ricerca della fusione dei principi del Canzone-Aryoic (Bel Canto) e del Declamatory (parlante). Ha sviluppato la sua speciale "Mised Miseer" (Stilo Misto), che lo ha servito per creare forme libere del monologo o delle scene dialogiche. Aria Rigoletto "Kurtyzanian, Fashion Cobble" o lotta spirituale di Germont - Violetta è stata anche scritta prima di uscire dagli operatori Wagner. Naturalmente, la familiarità con loro ha aiutato Verdi Bolder a sviluppare nuovi principi di drammaturgia, che, in particolare, ha colpito il suo linguaggio armonico, che è diventato più complesso e flessibile. Ma tra i principi creativi di Wagner e Verdi ci sono differenze cardinali. Appaiono chiaramente nel loro atteggiamento verso il ruolo della partenza vocale nell'opera.

Con tutta l'attenzione, che Verdi ha pagato l'orchestra nei suoi ultimi scritti, ha riconosciuto il fattore melodico vocale. Quindi, le prime opere di Puccini Verdi nel 1892 hanno scritto: "Mi sembra che il principio sinfonico prevalga qui. Di per sé, non è male, ma dovresti stare attento: l'opera è Opera, ma la sinfonia è sinfonia. "

"Voice e melodia", disse Verdi, "per me ci sarà sempre la cosa più importante." Era caldamente difeso questa posizione, credendo che le caratteristiche nazionali tipiche della musica italiana siano state trovate in esso. Nel suo progetto, la riforma dell'istruzione nazionale presentata al governo nel 1861, Verda ha detto all'organizzazione di scuole serali gratuite di canto, per il malitizzazione vocale stimolante di tutti i tempi a casa. Dieci anni dopo, si rivolse a compositori giovani con una chiamata per studiare la classica letteratura vocale italiana, comprese le opere di Palestrina. Nell'assimilazione delle caratteristiche della cultura cantante del popolo di Verdi, vide la chiave per il successo dello sviluppo delle tradizioni nazionali di arte musicale. Tuttavia, il contenuto che hanno investito nel concetto di "melodia" e "melodiosità" è cambiato.

Durante gli anni di maturità creativa, ha nettamente opposto a coloro che interpretano unilateralmente questi concetti. Nel 1871, Verdie ha scritto: "È impossibile essere in musica solo melodia! C'è qualcosa di più che una melodia che armonia - infatti, la musica stessa! .. ". O in una lettera al 1882: "Melodia, armonia, declamazione, canto appassionato, effetti orchestrali e vernici non sono altro che un mezzo. Fare con questi soldi buone musica! .. ". Nel calore della polemica Verdi, ha persino espresso giudizi, suonando paradossalmente nelle sue labbra: "Le melodie non fanno uscire dai martelli, trillo o gruppo Agetto ... ci sono, per esempio, melodie nei Burdens dei Bards (dal" norma "Bellini. Md.), la preghiera di Mosè (dall'Opera dell'omonimo Rossini.- Md.) ecc., Ma non sono nei Cavatines del "Villaggio di Siviglia", "Soro-Thiefs", "Semiramidi" e PR. - Che cos'è? - Tutto quello che vuoi, non solo melodia "(dalla lettera del 1875))

Ciò che ha causato una deposizione così acuta contro le melodie dell'Opera di Rossinievsky da un simile sostenitore così consistente e un propagandista convinto delle tradizioni musicali nazionali dell'Italia, che cosa era Verdi? Altri compiti che sono stati avanzati dal nuovo contenuto delle sue opere. Nel canto, voleva ascoltare la "combinazione di un vecchio con una nuova declamazione", e nel rilevamento dell'opera - profonda e multilaterale delle singole caratteristiche di immagini specifiche e situazioni drammatiche. Questo è quello che stava sforzando di aggiornare il sistema intonificativo della musica italiana.

Ma nell'approccio di Wagner e Verdes ai problemi del drammaturgo dell'opera, in aggiunta nazionale Differenze interessate da altri messa in piega Il focus della ricerca artistica. A partire da romantico, Verda nominata come il più grande maestro di un'opera realistica, mentre Wagner era e rimase un romantico, anche se nei suoi scritti di diversi periodi creativi, è stato affascinato da un grado minore di realismo. Questo in ultima analisi determina la differenza delle loro idee che preoccupavano le loro idee, le immagini che hanno causato Verdi di opporsi al Wagnerovskaya " drammatico musicale"La vostra comprensione" musica e dramma scenico».

Non tutti i contemporanei hanno capito la grandezza degli atti creativi di Verdi. Tuttavia, sarebbe errato credere che la maggior parte dei musicisti dell'Italia la seconda metà del XIX secolo fosse sotto l'influenza di Wagner. Verdie ha avuto i suoi sostenitori e gli alleati nella lotta per gli ideali dell'opera nazionale. Senior Contemporary Savororio Mercadan ha continuato a lavorare, come seguace di Verdi ha raggiunto un significativo successo di Amilkar Ponkielli (1834-1886, la migliore opera "Joconda" - 1874; era un insegnante di Puccini). La brillante pleiad dei cantanti è stata migliorata, soddisfacendo la creazione di Verdi: Francesco Tamano (1851 - 1905), Mattia Battistini (1856-1928), Enrico Caruso (1873-1921) e altri. Queste opere hanno portato un conduttore eccezionale Arturo Tuscanini (1867-1957). Infine, negli anni '90 sono stati ammirati un certo numero di giovani compositori italiani, che usavano le tradizioni di Verdiyev a modo loro. Questo è il Pietro Maskagany (1863-1945, l'Opera "Rural Honor" - 1890), Rujsero Leonkallo (1858-1919, Opera "Schetza" - 1892) e il più talentuoso di loro - Gakomo Pucchini (1858-1924; il primo Significativo successo è Opera Manon, 1893; Le migliori opere: "Boemia" - 1896, "Tosca" - 1900, "Chio-Chio-san" - 1904). (Umberto Giordano, Alfredo Catalano, Francesco Cile e altri sono adiacenti a loro.)

Per la creatività di questi compositori, è caratterizzato da un ricorso a un argomento moderno che si distinguono da Verdi, dopo che le "Trestiali" non hanno dato la forma di realizzazione diretta dei grafici moderni.

La base per la ricerca artistica dei giovani musicisti era il movimento letterario degli anni '80, diretto dallo scrittore Giovanni Varga e dal "Verismo" del nome (Verismo significa in "Verità" italiana, "Verità", "Affidabilità"), nelle loro opere, I vertisti hanno preferibilmente raffigurato la vita il contadino smontato (specialmente il sud Italia) e il povero urbano, cioè, basi sociali svantaggiate schiacciate dal corso progressivo dello sviluppo del capitalismo. Nella basebilità dei lati negativi della società borghese, è stato rivelato il progressivo valore del lavoro dei versisti. Ma la dipendenza dalle trame "sanguinose", la trasmissione è enfatizzata dai momenti sensoriali, l'esposizione di fisiologica, le qualità animali di una persona hanno portato al naturalismo, all'immagine esaurta della realtà.

In una certa misura, la contraddizione specificata è anche caratterizzata da compositori-cinghia. Verdi non riuscì a simpatizzare con le manifestazioni del naturalismo nelle loro operazioni. Nel 1876, ha scritto: "Immagina la realtà non è male, ma ancora meglio creare validità ... copiandolo, puoi solo creare una foto, non un'immagine." Ma Verdi non poteva non dare il benvenuto al desiderio dei giovani autori di preservare la lealtà verso le alleanze della scuola opera italiana. I nuovi contenuti a cui trattati richiederebbero altri mezzi di espressività e principi della drammaturgia - più dinamica, impruga drammatica, nervosa, rapida.

Tuttavia, una connessione successiva con la musica Verdi è chiaramente riconoscibile nelle migliori opere dei versetti. Questo è particolarmente evidente nel lavoro di Puccini.

Giuseppe Fortunino Francesco Verdi è nato il 10 ottobre 1813 a Roncole, il villaggio della provincia di Parma, in quel momento, che faceva parte dell'Impero napoleonico. Suo padre conteneva una cantina e negoziazione di generi alimentari. Nel 1823, Giuseppe, che ha ricevuto conoscenze iniziali dal prete del villaggio, è stato inviato alla scuola della vicina città di Busseto. Ha già mostrato abilità musicali e in 11 anni iniziò a soddisfare i doveri dell'organista di Roncla. Il ragazzo ha attirato l'attenzione sul ricco mercante A. Bareti da Busseto, che ha fornito il negozio di Verdi e ha nutrito un interesse vivente per la musica. Quest'uomo Verdie era obbligata alla sua educazione musicale. Bareti prese il ragazzo a casa sua, l'ha assunto il miglior insegnante e ha pagato il suo ulteriore allenamento a Milano.

Nel 1832, Verdi non ha accettato il Conservatorio per il Milano, dal momento che era più vecchio dell'età ammissibile. Cominciò a impegnarsi in modo privato con V.lavini, che gli ha insegnato le fondamenta delle apparecchiature compositorie. Orchestra e la lettera dell'opera Verdi compilati in pratica visitando le case dell'opera di Milano. La Società Philharmonic gli ordinò Opera Obto, Conte di San Bonifacio (Oberto, Conte di San Bonifacio), che, tuttavia, non è stata quindi consegnata.

Verdie tornò a Busseto, sperando di prendere la posizione dell'organista della Chiesa, ma a seguito di intrighi intracerer, ha ricevuto un rifiuto. La società musicale locale gli ha nominato una borsa di studio triennale (300 Lyr); A quel tempo, ha composto un numero di marce e un'overture (Sinfonie) per l'orchestra in ottone urbana, e ha anche scritto la musica della Chiesa. Nel 1836, Verda sposò la figlia del benefattore Margarita Bareti. Andò di nuovo a Milano, dove il 17 novembre 1839 fu WUBBED nel teatro La Scala con successo sufficiente per garantire un nuovo ordine, questa volta l'opera comica. Comic Opera King per il giorno (un Giorno di Regno) fallito, un'imbulanza non ambulanza con il pubblico. Verdi, scioccata dal fallimento dell'opera, ha giurato che non ci sarebbe più scritto le opere e ha chiesto al direttore di La Scala di rompere il contratto concluso con lui. (Subito dopo molti anni, Verdi perdonava i milanesi.) Ma il direttore di Melley credeva nel talento del compositore e, dandogli a se stesso, ha consegnato il libretto Nabucco (Nabucco) basato sulla storia biblica del re Nebuchadneosor. Quando leggendo, Verdi ha attirato il coro degli ebrei nella prigionia babilonese, e la sua immaginazione guadagnava. La premiere di successo di Nabucco (1842) ripristina la reputazione del compositore.

Per Nabucco, il Lombard seguito (I Lombardi, 1843), l'Opera, che ha anche dato l'uscita ai sentimenti patriottici oppressi, e poi Ernani (Ernani, 1844) sul romantico dramma v.guugho - il lavoro, grazie a quale Verdi La fama è uscita d'Italia. Nei primi anni, il compositore, secondo le sue stesse parole, ha lavorato come condannato. Opera seguita Opera - Due Foskari (I Due Due Foscari, 1844), Jeanne D "Ark (Giovanna D" Arco, 1845), Alzira (Alzira, 1845), Attila (Attita, 1846), Ladri (I Masnadieri, 1847), Corsair (Il Corsaro, 1848), Battaglia di Lenyano (La Battaglia di Legnano, 1849), Stiffelio (Solffelio, 1850). In questi scritti, musica artigianale superficiale e talvolta leggera attaccata a un libretto debole. Macbeth (Macbeth, 1847) è assegnato tra le opere di questo periodo - il primo frutto della riverenza entusiasta del compositore di Shakespeare, così come Louise Miller (Luisa Miller, 1849) -Villy lavorando di più stile camera.

Dal 1847 al 1849, Verdi era principalmente a Parigi, dove ha fatto un nuovo editoriale francese di Lombards, chiamato Gerusalemme (Geruslem). Qui, il compositore ha incontrato Juseppina Strepttoni, il cantante che ha preso parte alle produzioni di Milano di Nabucco e Longobardi e si stava già avvicinando a Verdi. Alla fine, dieci anni dopo, si sono ancora sposati.

Per il periodo 1851-1853 ci sono tre capolavori maturi Verdi - Rigoletto (Rigoletto, 1851), Troubadur (Il Trovatore, 1853) e Fraviata (La Traviata, 1853). Ognuno di loro riflette il lato speciale delle immersioni del compositore. Rigoletto sul gioco di V.Gugugo King Toys Tooling Dimostra, oltre alla capacità di creare melodie vivi ed emozionanti, nuove per il modulo operatore compositore - più collegato, con più piccoli contrasti tra un recitativo, che acquisisce il carattere dell'inizio di ricottura e Aryia, che non obbedisce agli schemi stabiliti. Lo sviluppo dell'azione contribuisce a scrivere nella forma libera di duetti e altri ensemble, compreso il famoso quartetto nell'ultimo atto - un campione eccezionale della capacità di Verd di riflettere il conflitto di personaggi e sentimenti dei loro personaggi in una forma di ensemblancia.

Troubadur, basato sul melodramma romantico spagnolo, contiene campioni eccellenti di musica forte ed eroica, mentre la famiglia DRAM-Duma-figlio di Signora con Camellia affascina Pathos dei sentimenti.

Il successo di queste tre opere ha rivelato nuove opportunità prima di Verdi. Nel 1855, ha ordinato un saggio per l'opera di Parigi nel caratteristico stile Meyerbek - Siciliennes (Les Vpres Siciliennes). Per lo stesso teatro, ha fatto una nuova edizione di Macbeth (1865), e ha anche composto Don Carlos (1867); Per il teatro Mariinsky di San Pietroburgo ha creato la forza del destino (La Forza del Destino, 1862). In parallelo con l'implementazione di questi progetti Grand Verdi, Verdi ha lavorato su operazioni più modeste nel gusto italiano - Simon Bokkanekra (Simon Boccanegra, 1857) e Balom Mascharad (A Ballo a Maschera, 1859). Tutte queste opere sono romantiche melodrami basate su eventi storici più o meno affidabili. Sebbene nessuna delle opere elencate si distingue per la perfezione da un punto di vista drammatico (ciò impedisce alla tendenza di Verd di saltare senza terreni sufficienti da una trama spettacolare all'altra), dimostrano tutti la crescente abilità delle caratteristiche musicali e del dramma orchestrale (specialmente questo è Notevole a Simone BokCkegre e Don Carlos).

Verdi Ovviamente aveva bisogno di un impiegato letterario e lo trovò di fronte a A.Gisandsoni, in collaborazione con cui Biretto Aida (Aida, 1871) nasce - un capolavoro nello stile della "Great Opera" francese, ordinata dal compositore di Il governo egiziano per l'esecuzione all'apertura del canale Suez. Il lavoro congiunto di Verdi era ancora più fruttuoso nei suoi ultimi anni con Arrigo Boyto (1842-1918), l'autore dell'Opera Mefistofel e un poeta eccezionale. Primo, Boyto Redid the Insoddisfactory Libretto Simon Bokkankerai (1881). Poi ha trasformato la tragedia di Shakespeare di Othello al Libretto; Questo capolavoro Verdi è stato messo a La Scala nel 1887, quando il compositore era già di 74 anni. Othello nel 1893 ha seguito Falstaff (Falstaff): Agli anni '80, Verdi ha scritto una commedia musicale, che lo ha premiato per il fallimento del suo primo re commedia musicale per un'ora. Othello e Falstafe hanno affollato il desiderio di Verd di creare un vero dramma musicale.

Oltre all'opera, nel patrimonio della memoria Verdi - Requiem A.Mandzoni (1874), Stabat Mater (1898) e Te Deum (1898), oltre a opere coreali, romanzi e quartetti di corde minori (1873).

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Biografia, Life Story Verdi Giuseppe

Verdi (Verdi) Giuseppe (piena. Giuseppe Fortunato Francesco) (10 ottobre 1813, Le Roncla, vicino a Bursto, Parm Duchy - 27 gennaio 1901, Milano), Composer italiano. Maestro del genere dell'opera, che ha creato elevati campioni di dramma musicale psicologico. Opera: "Rigoletto" (1851), "Trubadour", "Traviata", "Entrambi 1853)," Ball Masquerade "(1859)," La forza del destino "(per il teatro di San Pietroburgo, 1861)," Don Carlos "( 1867), "Aida" (1870), "Otello" (1886), "Falstaf" (1892); Requiem (1874).

Infanzia
Verdie è nata nel villaggio giapponese sordo di Le Roncole, nel nord della Lombardia nella famiglia contadina. Guastata estremamente musicale e desiderio appassionato di far manifestare musica molto presto. Fino a 10 anni ha studiato nel suo villaggio natale, poi nella città di Apo. La conoscenza del mercante e della musica amatoriale Bareti ha contribuito ad ottenere borse di studio urbane per continuare l'educazione musicale a Milano.

Lo shock degli anni Trenta
Tuttavia, Verdi non è stato adottato in un giardino d'inverno. Era impegnato nella musica in modo privato presso l'insegnante Leviny, grazie a cui le esibizioni di "La Scala" hanno visitato le esibizioni. Nel 1836 sposò un margelato fortemente amato di Baretzi, sua figlia del suo patrono, dal matrimonio con sua figlia e figlio. Il felice caso ha aiutato a ottenere un ordine per l'Opera "Lord Hamilton, o Rochester", che è stato consegnato con successo nel 1838 a La Scala chiamato "Oberto, Bonifacio Count". Nello stesso anno sono state pubblicate 3 opere vocali di Verdi. Ma i primi successi creativi hanno coinciso con un numero di tragici eventi nella vita personale: meno di due anni (1838-1840) sua figlia, figlio e moglie muoiono. Verdie rimane da sola, e il Comic Opera "King per un'ora o un immaginario Stanislav, che è stato composto in questo momento o immaginario Stanislav. Tragedia scioccata, Record di Verda: "Io ... Ho deciso di non comporre mai più."

Uscire dalla crisi. Primo trionfo
Dalla grave crisi spirituale, Verda ha portato il lavoro sull'opera "Nebuchadnezzar" (nome italiano "NABUCCO").

Continua sotto.

L'opera, consegnata nel 1842, ha avuto un enorme successo, che è stato anche promosso da magnifici artisti (uno dei principali ruoli di Juseppin Strepttoni, che in seguito divenne sua moglie Verdi). Successo tessuto il compositore; Ogni anno ha portato nuovi saggi. Nel 1840, sono stati creati da 13 opere, tra cui "Ernani", Macbeth, Louise Miller (sul dramma F. Schiller "inganno e amore"), ecc. E se l'Opera Nabucco ha reso Verdi popolare in Italia, quindi "Ernani "L'ha portato la fama europea. Molte delle opere scritte scritte e ora indossano scene di opera del mondo.
Le opere dei 1840 appartengono al genere storico ed eroico. Si distinguono da impressionanti scene di massa, coi eroici, permeati da coraggiosi ritmi marcia. Nelle caratteristiche dei personaggi, l'espressione prevale non tanto temperamento come emozioni. Verdi qui si sviluppa in modo creativo per raggiungere i loro predecessori di Rossini, Bellini, Donizetti. Ma in singoli scritti ("Macbeth", "Louise Miller") solleva i tratti del proprio stile unico del compositore - un eccezionale riformatore dell'opera.
Nel 1847, Verdie fa il primo viaggio di passaggio. A Parigi, si avvicina a J. Strepttoni. La sua idea di vivere in campagna, impegnata nella creatività nel villaggio della natura, ha portato all'Italia per comprare una terra e la creazione delle proprietà di Sant Agatha.

"Trizevesdie". "Don Carlos"
Nel 1851 appare il Rigoletto (secondo il V. Hugo Drama "King Amusing"), e nel 1853 Trubadour e "Traviati" (sul gioco di A. Duma "Lada con Camelias"), che ha reso il famoso "Trizevesdie" di il compositore. In questi scritti, Verda si allontana dagli argomenti eroici e dalle immagini, le persone semplici diventano i suoi eroi: un jester, uno zingaro, una donna di fognatura. Cerca non solo mostrare sentimenti, ma anche per identificare i personaggi. Il linguaggio melodico è contrassegnato da connessioni organiche con canzone folk italiana.
Nelle operazioni dei 1850-60. Verdi affronta il genere storico ed eroico. Durante questo periodo, l'opera serale siciliana è stata creata (messa a Parigi nel 1854), Simon Bokcankeemp (1875), "Masquerade" (1859), "la forza del destino", che è stata scritta per il teatro Mariinsky; In connessione con la sua produzione, Verda ha visitato la Russia due volte nel 1861 e 1862. Su richiesta, l'Opera di Parigi è stata scritta da "Don Carlos" (1867).

Nuovo decollo
Nel 1868, il governo egiziano ha fatto appello al compositore con una proposta di scrivere un'opera all'apertura del nuovo teatro del Cairo. Verdie ha rifiutato. I negoziati sono durati due anni, e solo lo scenario dell'Egittologo Mariett Bay, basato sull'antica leggenda egiziana, ha cambiato la decisione del compositore. Opera "Aida" è diventata una delle sue creature innovative più avanzate. È segnato dallo splendore delle abilità drammatiche, della ricchezza melodica, del maestro di proprietà dell'orchestra.
La morte dello scrittore e del Patriot Italia Alessandro Mandzoni ha causato la creazione di "Requiem" - la magnifica creazione del maestro di sessanta anni (1873-1874).
Per otto anni (1879-1887), il compositore ha lavorato sull'opera "Othello". La premiere detenuta nel febbraio 1887 ha portato alla celebrazione nazionale. Durante l'anno dei suoi ottant'anni, Verdi crea un'altra brillante creazione - "Falstaf" (1893, sul gioco di V. Shakespeare "Windsor Razaznitsa"), in cui ha basato sui principi del dramma musicale condotto la riforma del Opera comica italiana. Falstaf si distingue per la novità del dramma, costruita su scene spiegate, ingenuità melodica, armonia audace e sofisticata.
Negli ultimi anni della vita di Verdi, Verdi ha scritto opere per il coro e l'orchestra, che nel 1897 hanno combinato i "quattro giochi spirituali" nel ciclo. Nel gennaio 1901, fu rotto dalla paralisi e una settimana, il 27 gennaio è morto. La base del patrimonio creativo di Verdi era di 26 opere, molte delle quali sono entrate nel tesoro musicale globale. Sono stati anche scritti due coro, quartetto di corde, opere di musica della chiesa e della camera da camera. Dal 1961, i cantante "Verdiyevsky voti" si svolgono a Buspeto.

Il lavoro di Verdi è un climax nello sviluppo della musica italiana del XIX secolo. La sua attività creativa correlata, prima di tutto, con il genere dell'opera, copriva più di mezzo secolo: la prima opera ("Wando, Bonifacio Count") è stata scritta da lui all'età di 26 anni, il penultimo ("Othello") - Nel 74, l'ultimo ("Falstaf") - in 80 (!) ANNI. Incluso, tenendo conto delle sei nuove edizioni di opere scritte in precedenza, ha creato 32 opere, che e oggi costituiscono il principale repertorio dei teatri del mondo intero.

Nell'evoluzione generale della creatività dell'opera Verdi, è vista una certa logica. In termini di argomenti e trame, le opere degli anni '40 sono assegnate con il significato prioritario dei motivi della trama progettati per una grande risonanza socio-politica (Nabucco, Lombard, "Battaglia di Lenyano"). Verdi appellata a tali eventi della storia antica, che si è rivelata consonante con gli stati d'animo dell'Italia moderna.

Già nelle prime operazioni di Verdi, creato da lui negli anni '40, le idee di liberazione nazionale sono state incarnate al pubblico italiano del XIX secolo: "Nabucco", "Lombardi", "Ernani", "Jeanne D, Ark", " Atilla "," Battaglia di Lenyano "," Ladri "," Macbeth "(First Shakespeare Opera Verdi), ecc. - Tutti loro sono basati su trame eroiche-patriottiche, cantando i combattenti della libertà, ognuno dei quali contiene un accenno politico diretto di una situazione pubblica in Italia, combattendo contro l'oppressione austriaca. L'impostazione di queste opere ha causato l'esplosione di sentimenti patriottici dall'ascoltatore italiano, versato in manifestazioni politiche, cioè, divenne eventi di importanza politica.

La formidata melodia di Verdi di Opera Coir ha acquisito il significato delle canzoni rivoluzionarie e del nata in tutto il paese. Ultima opera 40s - Louise Miller " Sul dramma Schiller "Cunning and Love" - \u200b\u200bha aperto un nuovo stadio nel lavoro di Verdi. Il compositore ha fatto prima appello all'argomento per se stesso - argomento della disuguaglianza socialeche preoccupava molti artisti nella seconda metà del XIX secolo, rappresentanti realismo critico. Si tratta di trame eroiche drammatico personalea causa di motivi sociali. Verdi mostra come un dispositivo pubblico ingiusto rompe i destini umani. Allo stesso tempo, le persone sono povere, impotente, si rivelano molto nobili, spiritualmente più ricchi dei rappresentanti della "luce più alta".

Nei loro operatori degli anni '50, Verdi parte dalla linea civile-eroica e si concentra su drammi personali di personaggi individuali. Durante questi anni è stata creata la famosa Triad Opera - Rigoletto (1851), "Traviato" (1853), "Trubadur" (1859). Il tema dell'ingiustizia sociale, che viene da Louise Miller, è stato sviluppato nella famosa Triade dell'Opera dell'inizio degli anni '50 - "Rigoletto" (1851), "Troubadur", "Traviata" (Entrambi 1853). Tutte e tre le opere parlano della sofferenza e della morte di persone di socialmente svantaggiate, disprezzate dalla "Società": Court Jeath Joke, una scarsa zigeale, una donna caduta. La creazione di questi saggi parla della maggiore abilità del drammaturgo di Verdi.

Rispetto ai primi operatori del compositore, c'è un enorme passo avanti:

• il principio psicologico è potenziato associato alla divulgazione di caratteri umani luminosi e straordinari;
• i contrasti che riflettono le contraddizioni della vita sono esacerbati;
• gli innovativi sono interpretati da forme operative tradizionali (molte Arias, Ensembles si trasformano in scene liberamente organizzate);
• nelle parti vocali, il ruolo della declamazione aumenta;
• il ruolo dell'orchestra aumenta.

Più tardi, nelle operazioni create nella seconda metà degli anni '50 ( Serata siciliana - Per l'opera di Parigi, "Simon Bokkanta", "Masquerade") e negli anni '60 ( "Il potere del destino" - Su richiesta del Teatro Mariinsky di San Pietroburgo e "Don Carlos" - Per "Paris Opera), Verdi ritorna agli argomenti storici e rivoluzionari e patriottici. Tuttavia, ora gli eventi socio-politici sono inestricabilmente legati al dramma personale degli eroi, e il Pathos della lotta, le scene di massa luminose sono combinate con i sottili psicologi.

Il meglio delle opere sopra è l'opera "Don Carlos", che espone la terribile essenza della reazione cattolica. Si basa sulla trama storica presa in prestito dal dramma Schiller con lo stesso nome. Gli eventi si svolgono in Spagna. Il tempo del consiglio di amministrazione del re despotico Philip II, che tradisce il suo figlio nelle mani dell'inquisizione. Avendo fatto uno dei personaggi principali del lavoro del popolo fiammingo oppresso, Verdi ha mostrato una resistenza eroica alla violenza e alla tirannia. Questo Pathos di Thiranoboriano "Don Carlos", consonante con eventi politici in Italia, in gran parte preparato Aida.

"Aida", creato nel 1871 per ordine del governo egiziano, apre periodo di ritardo Nel lavoro di Verdi. Questo periodo include anche tali creature vertice del compositore come dramma musicale "Otello" e opera comica "Falstaff" (Entrambi di Shakespeare per Libretto Arrigo Boyto).

In queste tre operazioni, i migliori schemi dello stile compositore sono stati collegati:

• profonda analisi psicologica dei personaggi umani;
• scontri conflitti luminosi ed eccitanti;
• umanesimo volto alla dosazione del male e ingiustizia;
• spettacolare intrattenimento, teatralità;
• intellibilità democratica di un linguaggio musicale basato sulle tradizioni della canzone folk italiana.

Nelle ultime due operazioni create sulle trame di Shakespeare - "Othello" e "Falstaf" Verdi cerca di trovare alcuni nuovi modi per opera, dargli uno studio più approfondito di aspetti psicologici e drammatici. Tuttavia, in termini di pesi e significati di melodici (questo vale per Falstafa), sono inferiori alle operazioni scritte in precedenza. Aggiungiamo che in quantitativamente, l'opera si trova lungo la linea "Ugasania". Negli ultimi 30 anni, Verdi ha scritto solo 3 opere: cioè Uno spettacolo da 10 anni.

OPERA GIUSEPPE VERDI "Traviata"

Plot "Travatotti "(1853) presi in prestito da Roman Alexander Duma-Son" Lady with Camelias ". Come possibile materiale d'opera, ha attirato l'attenzione del compositore immediatamente dopo aver inserito la luce (1848), il romanzo ha avuto un successo sensazionale e presto lo scrittore lo ha elaborato nel gioco. Verdi era alla sua premiere e infine approvata nella sua decisione di scrivere un'opera. Trovò un argomento stretto vicino a se stesso - la tragedia del destino femminile alla società.

L'argomento dell'Opera ha causato una polemica tempestosa: un terreno moderno, costumi, acconciature erano molto insolite per il pubblico del XIX secolo. Ma il più inaspettato è stato quello per la prima volta sulla scena operatoria come il personaggio principale raffigurato con simpatia indiscutizzata, "donna caduta" (la circostanza, visibilmente sottolineata Verdi nel nome dell'opera - è esattamente ciò che il "Traviata" italiano traduce ). In questa novità - la ragione principale per il fallimento scandaloso della premiere.

Come in molte altre esigenze, Verdi Libretto ha scritto Francesco Piava. In esso, tutto è estremamente semplice:

• minimo di recitazione;
• mancanza di intrighi confusibili;
• l'enfasi non è sull'evento, ma sul lato psicologico - il mondo spirituale dell'eroina.

Il piano compositivo per la rarità è conciso, è concentrato sul dramma personale:

I d. - Esposizione delle immagini di Violetta e Alfred e del reticolo della linea d'amore (riconoscimento di Alfred e dell'origine di una sensazione di risposta nell'anima della violetta);

Nel secondo d. L'evoluzione dell'immagine della violetta è mostrata, l'intera vita di cui è stata completamente trasformata sotto l'influenza dell'amore. C'è già un turno verso il tragico giunzione (l'incontro della violetta con George Zhermona diventa fatale);

In III, il culmine e l'omissione è la morte della violetta. Quindi, il suo destino è il principale nucleo drammatico dell'opera.

Di genru "Traviata" - uno dei primi campioni lyric-Psychological. Opere. La Comunità e l'intimità della trama hanno guidato Verd all'abbandono di eroi della monumentalità, intrattenimento teatrale, gli effetti che sono stati distinti i primi lavori dell'opera. Questo è il compositore di opere più "silenzioso". Gli strumenti a corda sono dominati nell'orchestra, le dinamiche raramente vanno oltre r..

Molto più ampio che in altri scritti, Verdie si affida generi domestici moderni. Questo, prima di tutto, il genere di Waltz, che può essere chiamato "Liezhanr" "Traviata" (campioni luminosi di Valza - canzone di medicazione di Alfred, 2 parte di Aria Violetti "Essere amichevoli ...", Duet Violetta e Alfred da 3 d . "Versare il bordo noi"). Sullo sfondo del valzer c'è una spiegazione dell'amore di Alfred nell'azione I.

L'immagine della viola.

La prima caratteristica della violetta è data in un breve preludio orchestrale, Vvt, nell'opera, dove 2 opposto al senso del tema suona:

1 è il tema della "moretta viola", anticipando il dramma dell'Unione. Dana nel suono silenzioso dei violini Divizi, nella tristezza H-Moll, la consistenza corale, sulle seconde intonazioni. Ripetendo questo argomento nell'ottenere l'azione III, il compositore ha sottolineato l'unità dell'intera composizione (la ricezione dell'arco "TE-Matic");

2 - "Tema dell'amore" è appassionato ed entusiasta, nel suono luminoso e-dur, combina cantanti di melodini con waltry rhythm liscio. Nell'opera stessa, appare nella festa della violetta nel II D. Al momento della sua separazione con Alfred.

NEL Azione (Immagine di Bala) La caratteristica della violetta è costruita sul vincolo di due linee: incarnazione brillante e legata alla Virtuoso essenza esterna l'immagine e la trasmissione lirica-drammatica interni. Mondo della violetta. All'inizio dell'azione, il primo - virtuoso è dominato. Alla celebrazione, Violetta sembra inseparabile dal suo ambiente circostante - una divertente società leggera. La sua musica è piccola individualizzata (è tipica che la Violetta si unisce alla canzone bere di Alfred, che l'intero coro degli ospiti prenderà presto).

Dopo la spiegazione dell'amore di Alfred Violetta è nel potere dei sentimenti più opprossi: qui e il sogno del vero amore, e l'incredulità nella possibilità di felicità. Ecco perché il suo grande ritratto Aria. Pieghevole I Azione è costruita su un confronto contrasto di due parti:

1 parte - lento ("Non tu ..." f-moll). Si distingue per pensieroso, e-mail, carattere elegico. Meloderia liscia piena di trepidazione e tenerezza, eccitazione interna (pausa, pp., accompagnamento discreto). Nella qualità di un tipo di coro alla melodia principale, il tema del premio d'amore-Nania Alfred sta agendo. D'ora in poi, questa bellissima melodia, molto vicina al tema dell'amore del preludio orchestrale, diventa la principale opera di Leittema (cosiddetta. 2 ° amore). In Aria, Violetta suona più volte, prima nella sua festa, e poi Alfred, la cui voce viene data il secondo piano.

2 Parte dell'Aria - Veloce ("Essere libero ..." AS-DUR). Questo è un brillante valzer, appassionato di ritmo e virtuoso coloratura. Una tale struttura di 2phat si trova in molte arie dell'opera; Uno dei Verdi ha portato Aria Violetta ad un monologo snene gratuito, compresi i legamenti espressivi di riciclaggio in esso (in loro - il riflesso della lotta spirituale della violetta) e usando il ricevimento della bibinalità (voce di Alfred da lontano).

Avendo amato Alfred, Violetta lasciata con lui un rumoroso Parigi, rompendo con il suo passato. Per sottolineare l'evoluzione del personaggio principale, Verdi in azione II cambia fondamentalmente le caratteristiche del suo discorso musicale. Splendida esterna e la signora Virtuoso scomparire, l'intonazione acquisisce una semplicità della canzone.

Al centro II AZIONE - violetti Duet con George Germon , Padre Alfred. Questo, nel pieno senso della Parola, una partita psicologica di due nature: la nobiltà spirituale di Violetti si oppone alla mediocrità del Philistino di George Zhermona.

Il duetto composito è molto lontano dal tipo tradizionale di canto congiunto. Questa è una scena gratuita, compresi i recitativi, l'ariolo, il canto dell'ensemble. Nella costruzione della scena, si possono distinguere tre sezioni di grandi dimensioni associate a dialoghi spettacolari.

La sezione include Arioso Germona "Cancella, con il bordo dell'angelo" e risposta viola solista "Capirai il potere della passione." La festa di Violetta si distingue per entusiasmo violento e nettamente contrasta il misurato cantilena di Germone.

Le sezioni di musica 2 riflettono la frattura dell'umore della violetta. Germontu riesce a donare nel suo anima dolorosa dubbi nella durata dell'amore Alfreda (Arioso Germona "Minuto Hobby") E lei è inferiore alle sue richieste (" Le tue figlie ... ").A differenza della prima sezione, nel 2 ° canto congiunto prevale, in cui il ruolo principale appartiene a violento.

S sezione ("Umna, ma la mia memoria")dedicato allo spettacolo della determinazione disinteressata della violetta per rinunciare alla sua felicità. La sua musica è resistente alla natura del marzo harsh.

Il prossimo Duet Scene di una lettera d'addio di Violetta e la sua separazione con Alfred è piena di confusione spirituale e passione, che raggiunge il climax nel suono espressivo di T. Amore dal preludio orchestrale (in parole "Ah, Alfred è mio! Ti amo tanto").

Drama Violetti, ha deciso di lasciare Alfred, continua sulla palla alla flora (finale 2 d. O 2 immagini 2 d.) Ancora una volta, come all'inizio dell'opera, suona come una musica da ballo, ma ora il trambusto della violetta di La palla è. Lei sopravvive dolorosamente la pausa con la sua amata. Il climax della Final 2 d. - Correzione del sistema operativo di Alfred, che lancia denaro ai piedi della violetta - tassa per amore.

III AZIONE. Quasi interamente dedicato alla Violetta, sfacciata malattia e tutti abbandonati. Già in un piccolo orchestrale che unisce c'è una sensazione di una catastrofe in avvicinamento. Si basa sul tema della violazione morente dal preludio orchestrale all'azione I, solo in un C-Moll più intenso. È caratteristico che nell'ottenere l'azione III non c'è il secondo, argomento contrastante - gli argomenti dell'amore.

Valore centrale Episodio III - aria Violetta. "Scusa per sempre". Questo è un addio alla vita, con minuti di felicità. Prima dell'inizio dell'Aria, il 2 ° tonnellata appare nell'orchestra (quando Violetta legge una lettera di George Ghermona). La melodia dell'aria è molto semplice, costruita su motivi lisci dell'osservazione e delle canzoni sulla sequenza. Il ritmo è molto espressivo: accenti su debolezze e pause a lungo termine causano associazioni con difficoltà di respirazione, con esaurimento fisico. Lo sviluppo tonale da A-Moll è diretto verso il parallelo, e poi al maggiore con lo stesso nome, il ritorno economico a minore. Forma di un comprato. La tragedia della situazione aggrava i suoni festivi dell'albero di carna, irrompere nella finestra aperta (nella finale di Rigoletto nello stesso ruolo è la canzone del Duke).

L'atmosfera della morte in avvicinamento illumina brevemente la gioia di visitare la violetta con Alfred restituito. Il loro duetto "Versare il bordo noi" - Questo è un altro valzer, luminoso e sognante. Tuttavia, le forze lascerà presto la violetta. L'ultima musica d'addio suona solennemente e tristemente quando Violetta dà alfred il suo medaglione (accordi gli accordi in un ritmo caldo su rrrr - Segni caratteristici di marzo di lutto). Prima dell'incrocio stesso, il tema dell'amore nel suono massimo silenzioso degli strumenti di stringa.

OPERA GIUSEPPE VERDI "RIGOLETTO"

Questo è il primo Opera Mature Verdi (1851), in cui il compositore si è allontanato dal soggetto eroico e ha fatto appello ai conflitti generati dalla disuguaglianza sociale.

Basato su tracciare - Drama Viktor Hugo "King è divertito", vietato immediatamente dopo la premiere come l'autorità minimo del potere reale. Per evitare gli scontri con il cancro, Verdi e il suo librettista Francesco Piava hanno subito un luogo di azione dalla Francia all'Italia e ha cambiato i nomi degli eroi. Tuttavia, queste alture "esterne" non hanno ridotto il potere dell'indispensivo sociale: Opera Verdi, come il gioco di Hugo, denuncia l'illegalità morale e la viziosità di una società laica.

L'opera è costituita da quelle azioni durante la quale una sola trama associata alle immagini di Rigoletto, Gildad e Duca si sviluppa intensamente e rapidamente. La concentrazione simile esclusivamente sul destino dei personaggi principali è caratteristica del dramma Verdi.

Già nell'azione I: nell'episodio della maledizione del Monterone - lo interscambio roccioso è inteso, al quale sono coinvolte tutte le passioni e le azioni degli eroi. C'è una catena di climax drammatico correlato, una catena di climax drammatico correlato si trova tra questa estrema diversione della Dzhilda, che sono inesorabilmente avvicinandosi alle tragiche finali.

• scena del rapimento di Gilda nelle finali delle azioni;
• il monologo di Rigoletto e la scena lo segue con Gilda, in cui Rigoleto giura per vendicarsi sul Duke (II Azione);
• rigoletto Quartet, Gilda, Duke e Maddalena - Culmination III Azione, che apre il percorso rettilineo per la giunzione fatale.

L'eroe principale dell'opera - Rigoletto. - Una delle immagini più brillanti create da Verdi. Questa è una persona su cui, per definizione dell'Hugo, una tripla disgrazia (bruttezza, debolezza e professione disprezzata). Il suo nome, a differenza del dramma hugo, del compositore e ha chiamato il suo lavoro. Riuscì a scoprire l'immagine di Rigoletto con la veridicità più profonda e la veneale shakespie-rivic.

Questo è un uomo di grandi passioni con una mente eccezionale, ma costretta a svolgere un ruolo umiliante presso la corte. Rigoletto disprezza e non vede di sapere, non perde il caso di prendere in giro i cortigiani di vendita. La sua risata non attiene anche gli strati del padre del vecchio Monterone. Tuttavia, non sei completamente diverso con la figlia di Rigoleto: questo è un padre amorevole e disinteressato.

Il primo tema dell'opera, che apre la breve adesione orchestrale è correlata al corso del personaggio principale. esso leitmotif Malers. , basato su una ripetizione testarda di un suono nel ritmo urbano, c-moly drammatico, in tubi e tromboni. Il personaggio è sinistro, cupo, tragedia, ha sottolineato un'armonia intensa intensa. Questo argomento è percepito come un'immagine di roccia, destino inesorabile.

Il tema del secondo ingresso è stato chiamato "tema della sofferenza". Si basa su seconda in nazioni dolorose interrotte da pause.

NEL Io dipingo opera (Palla nel Palazzo del Duca) Rigoleto appare nel circo del Jester. La sua canapa, schiacciamento, andatura zoppo trasferisce l'argomento, suonando nell'orchestra (n. 189 su note). È caratterizzato da ritmi taglienti, "pungenti", accenti inaspettati, giri melodici angolari, scommesse "clown".

Una forte dissonanza in relazione a tutta l'atmosfera del Bala è un episodio associato alla maledizione del Monterone. La sua formidabile e maestosa musica caratterizza non così tanto da Monterone, come lo stato mentale di Rigoleto, scioccato dal proclama. Sulla strada di casa, non può dimenticare di lui, quindi gli onnieri inquietanti della maledizione appaiono nell'orchestra, accompagnando il rigoletto recitativo "Per sempre il vecchio TSEM che maledizione."Questa richitativa si apre 2 Immagine dell'operaDove Rigoleto partecipa a due completamente opposti al colore dei duetti.

Il primo, con Sparfucile è un "business" enfatizzato, una conversazione trattenuta di due "cospiratori", che non aveva bisogno di cantare caramelle. È sostenuto nei toni cupi. Entrambe le parti sono spettabili e non si combinano mai. Il ruolo di "cementazione" è quello di giocare una melodia continua in un'unison ottava del violoncello e del basso basso nell'orchestra. Alla fine della scena, ancora, come disoccupato con Freeness, suona a L-in maledizioni.

La seconda scena - con Gilda, rivela un lato diverso e profondamente umano del personaggio di Rigoleto. I sentimenti dell'amore paterno sono trasmessi attraverso un ampio e tipico cantileneo italiano, un vivido esempio di cui due Arioso Rigoletto provengono da questa scena - "Non parlarle con me" (No. 193) e "Oh, aprendo un fiore di lusso" (Appello alla cameriera).

Posto centrale nello sviluppo dell'immagine di Rigoleto lo prende scena con editoriale dopo il rapimento di Gilda da 2 azioni. Rigoleto appare, cantando shutovskaya song. Senza parole, attraverso l'indifferenza intrinseca di cui il dolore e l'ansia casual sono chiaramente sentiti (grazie al minore Lada, abbondanza di pause e intoni di seconda mano a valle). Quando Rigoleto capisce che sua figlia al Duca, scarica la maschera dell'indifferenza delta. Rabbia e odio, Appassionati Plea ascolta nel suo tragico alia-monologo "Kurtyzani, moda moda".

Nel monologo, due parti. La prima parte si basa sulla dichiarazione drammatica, i mezzi espressivi di adesione orchestrali all'opera sono sviluppati in esso: gli stessi patetici c-moldo, la espressività del discorso della melodia, l'energia del ritmo. Il ruolo dell'orchestra è estremamente grande - il flusso non-stop della figurazione della stringa, ripetuta ripetizione del motivo del sospiro, la pulsazione eccitata di Sexti.

2 Parte del monologo è costruito sul cantilene liscio e penetrato, in cui la rabbia è inferiore a Molauba ("Gentlemen, hai bisogno di farmi).

Il prossimo passo nello sviluppo dell'immagine del capo eroe è Rigoletto-Avenger. Quindi appare per la prima volta nel nuovo duet Scene. con una figlia in 2 azioni, che inizia con la storia di Gildad sulla rapimento. Come il primo duetto di Rigoletto e Gilda (da I d.), Include non solo il canto di Ensemble, ma anche i dialoghi recitativi e l'Arioso. Il cambio di episodi contrastanti riflette varie sfumature dello stato emotivo degli eroi.

La sezione finale dell'intera scena è solitamente chiamata "vendetta duetto". Il ruolo principale in esso è giocato da Rigoletto, che giura gravemente per vendicarsi del Duca. La natura della musica è molto attiva, volitivo, che sarà dipendente da un ritmo rapido, forte pasta, stabilità tonale, direzione crescente di intonazione, ritmo persistentemente ripetuto (n. 209). "Vesti Duet" oltre il funzionamento dell'opera dell'opera è preferibile.

L'immagine di Rigoletto-Avenger ottiene lo sviluppo nel problema centrale 3 azioni,geniale quartetto dove i destini di tutti gli attori principali sono intrecciati. La cupa determinazione del Rigoletto si oppone alla frivola del Duca e dalla farina spirituale di Gilda, e la sobbalzatrice di Maddalen.

Durante il tempio risorto, Rigoletto fa un accordo con lo sparfucil. L'immagine sulla tempesta ha un significato psicologico, completa il dramma degli eroi. Inoltre, il songwriting incurante del duca "cuore della bellezza" che svolge un ruolo cruciale in 3 azioni, parlando a contrasto estremamente luminoso verso gli eventi di Drama-Kim della finale. L'ultimo discorso della canzone apre la terribile verità Rigoletto: sua figlia è diventata vittima della vendetta.

Scena di Rigoletto con morire Gilda, il loro ultimo duetto - Questo è lo scambio di tutto il dramma. Nella sua musica prevale un principio declamativo.

Due altre immagini operazioni leader - Gilda e Duke - psicologicamente diverso.

La cosa principale nella forma Gildad. - Il suo amore per il Duca, per chi la ragazza sacrifica la sua vita. La caratteristica dell'eroina è data nell'evoluzione.

Per la prima volta, Gilde appare in una scena del duetto con suo padre in azione. La sua uscita è accompagnata da un tema del ritratto luminoso nell'orchestra. Ritmo veloce, allegro ritmo di danza, ritmo di danza con "sincopi maliziose" e la gioia dell'incontro, e la brillante, giovane aspetto dell'eroina. Lo stesso argomento continua a svilupparsi nel duetto stesso, legare brevi, frasi vocali singolari.

Lo sviluppo dell'immagine continua nelle seguenti scene I Azioni - L'amore Duet di Gilda e il Duke e Aria Gilda.

Ricordando l'amore dell'amore. Aria è costruita su un argomento, il cui sviluppo forma una forma in tre parti. Nella sezione centrale, la melodia dell'Anza è pulita da un ornamento di Virtuoso Coloratura.

OPERA GIUSEPPE VERDI "AIDA"

La creazione di AYDA (Cairo, 1871) è associata a una proposta del governo egiziano a scrivere un'opera per il New Opera Theater del Cairo per commemorare l'apertura del canale Suez. Tracciare È stato sviluppato un noto scienziato francese-Egittologo Auguste Marietite sull'antica leggenda egiziana. L'opera rivela l'idea di lotta tra il bene e il male, l'amore e l'odio.

Passioni umane, le speranze affrontano l'incoerenza della roccia, del destino. Per la prima volta, questo conflitto è dato nell'unione orchestrale dell'opera dell'opera, dove vengono confrontati due letmotif leader, e poi polifonicamente combinano il tema dell'AIDA (personificazione dell'immagine dell'amore) e del tema dei sacerdoti (l'immagine generalizzata del male, rock).

Nel mio stile "Aida" è in gran parte vicino "Grande opera francese":

• larga scala (4 azioni, 7 dipinti);
• pomp decorativo, glitter, "intrattenimento";
• abbondanza di scene di coro di massa e grandi ensemble;
• un grande ruolo di balletto, processioni solenni.

Allo stesso tempo, gli elementi della "grande" opera sono combinati con le caratteristiche drammaico psicologico liricoDal momento che la principale idea umanistica è rafforzata da un conflitto psicologico: tutti gli eroi principali dell'opera, costituiscono un amore "triangolo", stanno vivendo contraddizioni interne acute. Quindi, Aida considera il suo amore per il tradimento di Radam a suo padre, fratelli, patria; Dux militare e amore per AIDA Fights nell'anima delle radams; L'amneuri si precipita tra passione e gelosia.

La complessità dei contenuti ideologici, l'enfasi sul conflitto psicologico ha causato la complessità dramturgia che è caratterizzato da un conflitto enfatizzato. "Aida" - Un veramente opera di scontri drammatici e un'intensa lotta non solo tra nemici, ma anche tra amore.

1 immagine I Azioni contiene esposizione tutti i personaggi principali dell'opera, tranne Amonastro, padre Aida, e rotturalove Line, che è attribuito letteralmente all'inizio dell'opera. esso trio gelosia (N. 3), dove vengono rivelate le relazioni complesse dei partecipanti al "triangolo d'amore" - la prima scena ensemble dell'opera. Nella sua musica raffica, ansia, eccitazione di Ayda e Radams, e a malapena trattenere la rabbia di Amneuris. Il trio del partito orchestrale è basato su il leitmotiv della gelosia.

Nel 2 azione Il contrasto è migliorato. Nella sua prima immagine, viene dato un piano più grande all'oppressione di due rivali (nel loro duetto), e nella seconda immagine (questa è la finale della seconda azione) significativamente affilata dal conflitto principale dell'opera a causa dell'inclusione Di Amonastro, prigionieri etiopi da un lato, e il faraone egiziano, l'anneuria, gli egiziani dall'altro.

NEL 3 azione Lo sviluppo drammatico è interamente commutato sul piano psicologico - nella regione delle relazioni umane. Uno dopo l'altro segue due duetti: Aida-Amonastro e Aida-Radams. Sono molto diversi in una soluzione espressiva e composita, ma allo stesso tempo crea una singola linea di gradualmente aumentando la tensione drammatica. Alla fine dell'azione, si svolge una trama "esplosione" - il tradimento involontario dei radiochi e l'aspetto improvviso di Amneuris, Ramfis, Priestsov.

4 azione - Top assoluto dell'opera. C'è la sua rimozione in relazione all'azione I: A) Entrambi sono rivelati da Duet Amneris e Radams; b) La finale è ripetuta i temi della "scena di dedizione", in particolare, la preghiera della grande sacerdotessa (tuttavia, se prima questa musica fosse accompagnata dal solenne grado di radams, allora il suo funerale rituale qui).

In 4 azioni - due climax: tragico nella scena della corte e "silenzioso", lirico nella finale, nel duetto d'addio di Aida e Radams. Scena della Corte - Questa è la tragica discreta dell'Opera, in cui l'azione si sta sviluppando in due piani paralleli. Dal dungeon, la musica dei sacerdoti, le radam accusate, e in primo piano, con la disperazione, appello agli dei che singhiozzano Amneris. L'immagine di Amneuris è dotata nella scena della corte da caratteristiche tragiche. Il fatto che lei, in sostanza, stessa è una vittima dei sacerdoti, introduce l'amneuride ad un campo positivo: sembra occupare il posto di Ayda nel conflitto principale dell'opera.

La presenza del secondo, il culmine "silenzioso" è una caratteristica estremamente importante del dramma AIDA. Dopo le prime processioni, processioni, trionfali marce, scene di balletto, scontri tese, un finale così tranquillo e lirico approva la meravigliosa idea dell'amore e dell'impresa nel nome di esso.

Scene dell'ensemble.

Tutti i momenti più importanti nello sviluppo del conflitto psicologico in AIDA sono associati a scene di Ensemble, il cui ruolo è eccezionalmente grande. Questo è il "trio di gelosia", eseguendo la funzione della stringa e il duetto Aida con Amneuris - il primo culmine dell'opera e il duetto dell'AIDA con radiosi nella finale - l'omissione della linea d'amore.

Il ruolo delle scene del duetto derivante nelle situazioni più intense è particolarmente grande. Nella prima azione, questo è un duetto di amneuri con radiochi, sviluppando nel "trio di gelosia"; in 2 azione - il duetto di Aida con anneuridi; In 3 azioni, due duetti che coinvolgono AIDA seguono un contratto. Uno di loro - con suo padre, l'altro - con radams; Anche in 4 azioni, due duetti che circondano la scena del culmine del tribunale: all'inizio - Radumi-Amneuri, la fine - Radam-Aida. Non è a malapena ogni opera, in cui ci sarebbero stati tanti duetti.

Allo stesso tempo, sono tutti molto individuali. Le riunioni AIDA con Radams non hanno una natura di conflitto e si avvicinano al tipo di ensemble di consenso (specialmente in finale). Nelle riunioni di radiochi con amneuri, i partecipanti sono disseminati, ma la lotta non sorge, il radar si allontana da esso. Ma gli incontri di AIDA con anneuridi e Amonastro nel pieno senso della parola possono essere chiamati combattimenti spirituali.

Dal punto di vista della forma, tutti gli ensemble AIDA sono scene liberamente organizzate La cui costruzione dipende interamente da un particolare contenuto psicologico. Si alternano episodi basati su sezioni di canto, recitativo e puro da solista ed ensemble. Un vivido esempio di una scena di dialogo molto dinamica - Aida Duet e Amneris da 2 azioni ("Test Duet"). Le immagini di due avversari sono mostrate in una collisione e dinamica: l'evoluzione dell'immagine di Amneris deriva da morbidezza ipocrita, flanciabilità all'odio non iscritto.

La sua parte vocale è costruita principalmente sul recitativo patetico. Il culmine in questo sviluppo avviene al momento della "maschera di scarico" - nell'argomento "Ami, amore io". La sua natura frenetica, la latitudine della gamma, la sorpresa degli accenti caratterizza il temperamento domineeroso e indomabile di Amneris.

Nell'anima di Ayda, la disperazione è sostituita da gioia tempestosa, e poi si preme la morte. Stile vocale Più Arousa, con una predominanza di intonazioni lucernari e pregose (ad esempio, Arioso "Mi dispiace e timido", basato su una triste melodia lirica, suonando sullo sfondo di un accompagnamento arpeggled). In questo duetto, Verdi usa la "invasione" - come lo era, i suoni dell'Inno egiziano "alle rive del Nilo sacro" dai dipinti sono suddivisi in conferma della celebrazione dell'amneuri. Un altro arco tematico è il tema dei "Mio Dio" dal monologo di Aida dalle azioni.

Lo sviluppo delle scene di Duette è sempre dovuto a una specifica situazione drammaturgia. Un esempio è il due duetto di 3 d. Il duetto di Aida con Amonastro inizia con il loro pieno consenso, che è espresso nella coincidenza del tematico (tema "Torneremo sul bordo del nativo" Solo prima di Amonastro, quindi Aida), ma la "distanza" psicologica delle immagini diventa il suo risultato: Aida è moralmente soppressa in un duello ineguale.

Il duetto di Aida con radams, al contrario, inizia con un confronto contrastante delle immagini: esclamazioni entusiaste dei radioni ( "Di nuovo con te, caro Aida") Si oppongono al recitativo doloroso dell'AIDA. Tuttavia, attraverso il superamento, la lotta dei sentimenti è raggiunta dal consenso gioioso ed entusiasta degli eroi (il radar nella fretta d'amore è deciso di fuggire con AIDA).

Nella forma di una scena del duetto e la finale dell'opera è stata costruita, l'azione dei quali si svolge in due piani paralleli - nel Dungeon (addio alla vita di Ayda e Radams) e nel tempio situato sopra di esso (il canto della preghiera del dolore e singhiozzo di Amneris). Tutto lo sviluppo del duetto finale è diretto a trasparente, fragile, aspirando l'argomento "Scusa, terra, scusa, riparo tutte sofferenze". Nel suo carattere, è vicina al Leitmotiv dell'amore di Aida.

Scene di massa.

Il dramma psicologico in Aida si svolge su un ampio fondo delle scene di massa monumentale, la cui musica disegna un luogo di azione (Africa) e ricrea le dure immagini magnifiche dell'antico Egitto. La base musicale delle scene di massa è gli argomenti di solenni inni, marche di vittoria, processioni trionfanti. Nella prima azione, due scene di questioni: la "glorificazione dell'Egitto" e la "scena iniziata Radames".

Il tema principale della scena della glorificazione dell'Egitto è un inno solenne degli egiziani "Alle sponde del Nilo SacroChi suona dopo che il Pharaoh ha dichiarato la volontà degli dei: le truppe egiziane guideranno Radams. Tutti i presenti sono coperti da un unico impulso militante. Caratteristiche dell'hymn: la cacciagione del ritmo marcia, l'armonizzazione originale (variabilità morbida, l'uso diffuso delle deviazioni nel tono laterale), colore duro.

La scena più ambiziosa di massa di massa "Aida" - 2 azioni finali. Come nella scena dell'iniziazione, il compositore utilizza gli elementi più diversi dell'azione dell'opera: il canto di SOLTS, coro, balletto. Insieme all'orchestra principale, l'orchestra in ottone viene applicata sulla scena. L'abbondanza dei partecipanti è spiegata multilitimofinale: è basato su un sacco di carattere più diverso: un inno solenne "Gloria in Egitto", Cantando il tema del coro femminile "Ghirlande di Lavrovy", La marcia vittoriosa, la cui melodia conduce il tubo da solista, il sinistro Leitmotiv dei Sacerdoti, il tema drammatico del monologo di Amonastro, Molver Etiops in perdono, ecc.

Molti episodi che costituiscono l'ultima 2 d., Sono combinati in un design simmetrico sottile composto da tre parti:

I parti di tre ore. È incorniciato dal coro obliquo di "Gloria Egitto" e il duro canto dei sacerdoti basato sul loro Leitmotiv. La metà del famoso marzo (tubi solisti) e la musica del balletto sembra nel mezzo.

2 parte contrasta il dramma estremo; Forma gli episodi con la partecipazione dei prigionieri amonastro ed etiopi che stanno perdonando.

3 Parte è una repristina dinamica che inizia con un suono ancora più potente del tema "Gloria in Egitto". Ora si combina con le voci di tutti i solisti sul principio di polifonia a contrasto.