Architettura . L'architettura di Roma è fondamentalmente diversa dal greco. I greci furono soppressi da blocchi di marmo monopezzo, e i romani furono eretti dalle mura di mattoni e cemento, e poi con l'aiuto delle parentesi erano appesi il rivestimento di rivestimento di marmo, colonne e profili. I monumenti architettonici conquistono il loro potere. Progettato per enormi quantità di persone: Basilica, termini, teatri, anfitheats, circo, biblioteche, mercati e strutture di culto: templi, Altare, Tomba. I romani hanno introdotto strutture di ingegneria (acquedotti, ponti, strade, porto, fortezze, canali). Il centro ideologico era un tempio situato nel mezzo di uno stretto lato dell'area rettangolare sul suo asse principale. Le città quadrate sono state decorate con archi trionfali in onore di vittorie militari, statue degli imperatori ed eccezionali pubblici. Le forme arcuate e a volta sono state distribuite in ponti e acquedels. Colosseo (75-80 anni. No.) è il più grande anfiteatro di Roma, destinato a combattere i gladiatori e altri concorsi.

Scultura . Nel campo della scultura monumentale, i Romani rimasero dietro i greci. Il meglio era un ritratto scultoreo. Si è sviluppato dall'inizio I. AVANTI CRISTO e. I romani studiarono attentamente il volto di una persona con le sue caratteristiche uniche. I Greci cercarono di ritrarre l'ideale, i romani - per trasmettere accuratamente le caratteristiche degli occhi originali di molte statue fatte di smalto colorato che i Romani hanno iniziato a usare una scultura monumentale in propaganda scopi: sono stati installati sui forum (quadrati) equestre ed escursioni Statue - Monumenti di personalità eccezionali.

Pittura . Conservato un po '. I palazzi e gli edifici pubblici erano decorati con pitture murali e dipinti, scene di mitologia, schizzi di paesaggio. Le pareti dipinte sotto il marmo di colore e il diaspro. La visione comune era il mosaico e la lavorazione, i metalli preziosi e gli artisti del bronzo raffigurarono scene della vita quotidiana e della vita ancora. Gli affreschi che coprivano le pareti delle case conoscevano gli interni della pittura ornamentale (I secolo aC. ER). Romani dipinti di mobili per la casa e piatti. In 3 c. L'arte cristiana appare sotto forma di dipinti di catacomba a Roma. Secondo il appezzamento della pittura sono collegati alla religione cristiana - trame bibliche, immagini di Cristo e della madre di Dio, ma sulla forma artistica, hanno continuato lo sviluppo della pittura monumentale durante la costruzione di templi cristiani. Gli affreschi e i mosaici decoravano l'abside, la cupola, le pareti in ottone del principale basilico NEFA è stata ampiamente sviluppata l'arte del mosaico, era decorata con pareti e pavimenti nelle case dei ricchi romani, successivi templi cristiani. Un ritratto pittorico della macchina era molto comune, ma questo è noto solo dalle fonti letterarie, come le opere degli artisti del tempo repubblicano Maya, Sapolis e Dionisia e le opere degli altri non sono state preservate. Ritratti si sono ritratti in una cornice rotonda ed erano simili a medaglioni

Se imposti le fasi principali della storia dell'antica arte romana, allora in termini generali possono essere presentati. Il più antico (VII - V secolo aC) e l'era repubblicana (v c. BC. I B. BC) - il periodo della formazione dell'arte romana.

Il fiorente dell'arte romana cade sui secoli I -II. ANNO DOMINI Dalla fine del consiglio di amministrazione, la Septimia del Nord inizia la crisi dell'arte romana.

Arte dello stile romanico

Nel 10 ° secolo, al turno dei millenni, nell'arte, per la prima volta, è emerso un unico stile paneuropeo - romanico. Rimase dominante nell'Europa occidentale medievale durante i secoli XI e XII. Il termine "stile romanico" è apparso nel XIX secolo. (Per analogia con il concetto di "linguaggi romanici") e significava "romano". Stile romanico nell'arte ereditato dall'architettura bizantina. Architettonicola costruzione di questo tempo è prevalentemente in pietra, con sovrapposizioni a volta, e nel Medioevo tali strutture sono state considerate romanze (costruite secondo il metodo romano), a differenza degli edifici in legno. La valuta era comune nell'arte della Germania e della Francia. Raude e battaglie costituivano gli elementi della vita di quel tempo. Questa dura epoca ha dato vita all'umore dell'estasi militante e il costante bisogno di autodifesa. Questa è una fortezza di castello o una fortezza del tempio. Concetto artistico semplice e rigoroso. Tre grandi templi sul Reno sono considerati campioni di architettura romanica tardi e perfetta: cattedrali urbane in vermi, speyrier e mainz. L'arredamento architettonico è molto trattenuto, la plastica è pesante. Ma entrando nel tempio all'interno del tempio, si apre un intero mondo di immagini eccitanti, imprinando l'anima del Medioevo. L'arte in Europa medievale è diventata le mani di persone dalla classe più bassa. Hanno contribuito con un sentimento religioso nelle loro creazioni, ma era ineguagliabile dal "più alto" e "inferiore". Comprenderemo poco nell'arte medievale, se non sento la sua connessione con tutti gli stili di vita delle "proprietà inferiori". Cristo simpatizzante, perché ha sofferto, la Vergine amata, perché vedevano in lei un'intercessione per le persone, nel terribile tribunale vedevano l'ideale del tribunale terrestre sugli oppressori e i decei.

Corte spaventoso. Cattedrale di Timpan Saint Lazar in altro (1130-1140);

Vigilia. Frammento del rilievo delle porte in bronzo della Chiesa di St. Mikhail a Guillandesheim (1008-1015)

Portale della cattedrale reale a Chartres (circa 1135-1155)

I monumenti architettonici dello stile romanico sono sparsi in tutta l'Europa occidentale, ma la maggior parte di loro in Francia. Questa è la Chiesa di Saint Martin in tour, la Chiesa di Notre Dame a Clermon, un capolavoro dell'architettura romanica - la Chiesa di Notre Dame La Grand a Poitiers. Ci sono diverse scuole locali nel nominatore francese. Quindi la monumentalità della composizione era diversa dalla scuola burgundiana, ricca decorazioni scultoree - scuola Poitu, decorazione rigorosa - Scuola Norman.

Le immagini scultoree dei santi nei templi romanici sono private Nessun cano, spesso nonstitori e squatisti, hanno volti semplici ed espressivi. Questa scultura romanica differisce da bizantina, che ha creato immagini più sofisticate e spiritualizzate. Insieme alle immagini e alle scene del Vangelo nella scultura romanica, le trame della storia antica e medievale erano adiacenti alle immagini delle persone reali. Allo stesso tempo, le composizioni scultoree sono state talvolta saturate con i frutti della fantasia folk - quindi hanno incontrato immagini di vari fantastici esseri e forze malvagie (ad esempio, aspids).

Dall'era romanica, sono conservati eccellenti campioni di arte applicata. L'onorevole posto tra loro occupa il famoso tappeto da 70 metri da Baye, che è associato al nome della regina inglese Matilda. Le scene ricamate sono narrate dalla conquista dell'Inghilterra dai Normanni nel 1066

Pittura Lo stile romanico è stato esclusivamente chiesa in contenuto e piatta, negando lo spazio tridimensionale e le figure. Lei come una scultura, era subordinata all'architettura. Il tipo più comune di tecnica pittoresca era affresco, il vetro colorato cominciò a diffondersi (pittura da pezzi di vetro colorati).

9.Gotika. -Gotka è venuto a sostituire lo stile romanico, gradualmente mettendolo. Gothic ha originato nel mezzo del XII secolo nel nord della Francia, nel XIII secolo si diffuse nel territorio della Germania moderna, Austria, Repubblica ceca, Spagna, Inghilterra. In Italia, Gothic è penetrato in seguito, con grande difficoltà e forte trasformazione, che ha portato alla comparsa di "Gothic italiano". Alla fine del XIV secolo, l'Europa ha coperto il cosiddetto gotico internazionale. Nei paesi dell'Europa orientale, Gothic penetrava più tardi e durò lì un po 'più a lungo - fino al XVI secolo.

Architettura. Il principale tipo architettonico è stato il Consiglio comunale: il sistema del telaio dell'architettura gotica (gli archi delle corde sono basati sui poli; distanziali laterali degli archi incrociati disposti alle costole sono trasmessi da arkbutans alle controphert) consentivano gli interni delle cattedrali senza precedenti ed estensità, tagliando le pareti con enormi finestre con vetrate multicolor. L'aspirazione della cattedrale è espressa espressa da torri giganti openwork, finestre e portali in silicone, statue curve, un ornamento complesso. I portali e gli ostacoli dell'altare sono stati completamente decorati con statue, gruppi scultorei, ornamenti. Tre temi degli arredi della scultura prevalcarono sui portali: un terribile tribunale, un ciclo dedicato a Maria, e un ciclo associato al mandrino della Chiesa o ai santi locali più riveriti. Sulle facciate e sul tetto c'erano sculture di animali fantastici (Chimeras, Harguli). Tutto ciò ha avuto l'impatto emotivo più forte sui credenti. Il mosto e la tragedia, la tragedia, la spiritualità elevata e la satira sociale, le fantastiche osservazioni di vita grottesche e accurate intreccarono organicamente l'arte del gotico. Le opere eccezionali dell'architettura gotica sono: in Francia - la cattedrale della madre di Dio di Parigi, cattedrali in Reims, Amiens, Chartres; In Germania - Cattedrale di Colonia; In Inghilterra - Abbazia di Westminster (Londra), ecc.

Scultura. Le caratteristiche principali che caratterizzano la scultura gotica possono essere ridotte a quanto segue: in primo luogo, un interesse per i fenomeni del mondo reale del mondo reale arriva a sostituire le arti del mondo reale, i temi religiosi conservano la sua posizione dominante, ma le sue immagini stanno cambiando, dotato di diavoli di profonda umanità.

Allo stesso tempo, il ruolo delle scene secolari e un luogo importante, anche se non immediatamente, inizia a occupare la trama, in secondo luogo - la plastica rotonda rotonda appare e suonare, anche se anche il rilievo è.

Uno dei grafici più comuni di Gothic rimase un "terribile tribunale", ma il programma iconografico si sta espandendo. Interesse di persona e attrazione per l'aneddotity della storia ha trovato un'espressione nell'immagine delle scene della vita dei santi. Un eccezionale esempio di un'immagine delle leggende sui santi è l'ultimo quarto del 13 ° secolo Timpan "Storia di Santo Stefano" sul portale della Cattedrale della Madre di Dio di Parigi.

L'inclusione di reali motivi è caratteristica di una varietà di piccoli rilievi. Come nei templi romanici, un posto fantastico occupante nelle cattedrali gotiche dei mostri e delle creature fantastiche, il cosiddetto chimer.

Pittura. Nell'era del Medioevo, la pittura è diventata uno dei tipi più importanti di arti. I cambiamenti nella società e le nuove tecniche tecniche hanno dato agli artisti l'opportunità di creare realistici, penetrati dal profondo umanesimo, il lavoro era destinato a realizzare una vera rivoluzione nell'arte dell'Europa occidentale. Lo stile allegro ed elegante nell'artista visivo è stato manifestato il più luminoso nel ritratto (pittoresco e matita) di tali maestri notevoli, come J. Fuki (conosciuta come un eccezionale maestro in miniatura), J. e F. Clue, Cornell de Lione.

Sebbene la religione si fermò nella società egiziana in primo luogo, l'arte secolare è stata assegnata un ruolo insolitamente importante. Artisti principali - Architetti, scultori, pittori erano volti di alto rango, molto spesso sacerdoti, i loro nomi erano conosciuti e circondati dall'onore. Dal momento che l'arte è stata considerata un corriere della vita dell'eterna, è stato rilasciato da tutto il istante, volatile, instabile.

L'architettura dell'antico Egitto è strettamente connessa con un culto funebre.

Il campione classico di strutture architettoniche sono le piramidi dei faraoni della quarta dinastia (27 V. BC) di Heops, Hefren e Micherina (greco. Opzioni dei loro nomi). La loro forma destabile basata sulle proporzioni della "sezione dorata" era estremamente concisa e infinitamente espressiva. I due elementi sono stati determinati dai modelli della forma: la base, quadrata nel piano e la convergenza dei lati a un punto, proprio come tutta la vita egiziana convergente, focalizzata sul faraone delimificato. Il design piramidale nella sua semplicità portò la generalizzazione artistica della stessa essenza della società egiziana, subordinata al potere infinito del faraone.

Una caratteristica caratteristica delle piramidi come considerazioni architettoniche era il rapporto tra massa e spazio: la camera di sepoltura, dove il sarcofago si fermò con mummia, molto piccolo, e portato ad esso lungo e stretto corridoi. L'elemento spaziale è stato ridotto al minimo.

Sopra queste piramidi sono una delle sette meraviglie del mondo che sono venute fino ad oggi. Si trovano su un altopiano del deserto della periferia occidentale di Giza e impressionante con le loro taglie. Il più ambizioso di loro, la grande piramide di Heops (Fig. 7), è orgogliosamente torri sul paesaggio deserto, adiacente alla sfinge gigante scolpita dal monolite. L'altezza della tomba raggiunge 150 m. La piramide di Hefrena (figura 8), situata a sud della Grande Piramide, è la seconda più grande. È 8 metri sotto gli zigomi di Heops, ma è stato conservato molto meglio. Parte del rivestimento sopravvissuto dà un'idea dell'alta tecnica del lavoro in pietra di quel tempo. La costruzione della terza piramide (Fig. 9) è stata lanciata da Micronos, il successore di Heffren. Questa è la tomba più piccola, la sua altezza è a soli 66 m. Tre grandi piramidi erano circondate da un gran numero di tombe appartenenti ai parenti reali e da importanti funzionari.

antico Egitto Cultura religiosa

Fig.7.

Fig.8.

La scultura in Egitto è apparsa in connessione con i requisiti religiosi e sviluppata a seconda di loro. I requisiti culturali hanno portato alla comparsa di un tipo di statue, il loro sito di iconografia e installazione.

Le statue egiziane erano le forme in piedi con la gamba nominata o seduta sul trono con pressata al petto o sdraiata in ginocchio e gambe chiuse. Pubblicato nei templi e nelle tombe dei memoriali, le statue personiparono i morti ed erano l'esistenza delle loro anime, e quindi differivano nella somiglianza del ritratto con loro. Ogni scultura è stata scolpita da un blocco di pietra rettangolare su un markup predeterminato e quindi accuratamente separato in dettaglio.

Nell'immagine del faraone, sono stati adottati i seguenti tipi: andando - con un piede allungato; Seduto tranquillamente sul trono - le sue mani si trovano sulle sue ginocchia; Il defunto - nella comparsa di Dio Osiris con le braccia incrociata sul suo petto, che tengono i simboli del potere - asta e frusta. I simboli del faraone erano un fazzoletto a strisce con le estremità che scendono sulle spalle; fascia per capelli; Corona - Bianco, sotto forma di kegli (simbolo del supremo egitto), e rosso cilindrico, con una sporgenza arrotondata elevata (il simbolo dell'Egitto inferiore). Sulla fasciatura nel mezzo della fronte, l'immagine del sacro cobra, il custode del potere reale sulla terra e del cielo.

I rilievi sono solitamente piatti, quasi non sporgono sopra la superficie del muro. La silhouette della figura è chiara e grafica. Parti della figura umana - testa, spalle, gambe, mani - potrebbe essere raffigurata in diversi piani. Quando si eseguono rilievi (immagini scultoreli sull'aereo) e i dipinti a muro, è stata utilizzata una ricezione tradizionale di una disposizione piana della figura: le sue gambe e il viso sono stati raffigurati di profilo, gli occhi nel FAS, e le spalle e la parte inferiore del corpo - in un turno a tre rigidi-fuzzy. Pharaoh, nobile o il proprietario della tenuta ritratti sempre più grande rispetto ai loro dintorni.

Diversi maestri hanno partecipato alla creazione di rilievi. All'inizio, un artista esperto ha delineato la composizione generale sul muro, che è stato quindi completato nei dettagli dei suoi assistenti. Poi i tagliatori hanno tradotto il disegno nel rilievo; All'ultima fase, è stato dipinto con una denso pitture spesse. Nell'immagine, il ruolo principale è stato giocato, non un colore. Tutte le figure sono inerenti all'entità dell'immobilità e della buona calma. Forme congelate - "Segno aziendale" dell'antica arte egiziana.

I rilievi sono caratterizzati dal principio dello sviluppo di fregio di trame, scena di spiegazione per la scena. Rilievi implementati uno sopra l'altro; Tutti erano una fila narrativa. Le cifre erano situate con le reinettes, erano raffigurate opere rurali, lavori di artigiani, caccia, pesca, processioni di regali, processioni di sepoltura, feste false, costruzione di barche, giochi per bambini e molte altre scene.

Il suo periodo di massimo splendore, antica scultura egiziana raggiunta nel XIX secolo. AVANTI CRISTO e. Il meglio che è stato creato durante questo periodo sono i ritratti scultorei di Ehnaton (figura 10) e sua moglie Nefertiti (figura 11), realizzata in rilievo e plastica rotonda. Per la prima volta nella storia dell'arte egiziana, un'immagine del faraone è apparsa in un cerchio di famiglia. Il ritratto di Nefertiti in un'alta corona di calcare dipinto divenne l'immagine simbolica dell'Egitto. Orgoglioso della testa della regina su un collo sottile stupisce la perfezione delle caratteristiche esatte di una bella faccia, una straordinaria armonia, il completamento della composizione, una magnifica combinazione di vernici.

Fig.10.

I dipinti erano diffusi durante la fabbricazione di ceramiche Gersa, l'arredamento di cui un personaggio prevalentemente secolare include immagini di barche, piante, animali e uccelli e occasionalmente. Nell'ulteriore pittura (figura 12) e la scultura di soccorso si è trasformata in arti strettamente correlate. Nelle tombe e nei templi del Consiglio di IV, V e VI Dynasties, queste arti hanno raggiunto un alto livello di sviluppo. Tutti i rilievi del regno antico del regno antico erano dipinti e dipinti e dipinti su un appartamento, privati \u200b\u200bdella superficie tagliato della superficie per un lungo periodo sono stati eseguiti relativamente raramente.

L'arte dei paesi arabi è difficile nelle loro origini. Nel sud dell'Arabia, si alzano alle culture dei Stati Sabeysky, ministeriale e Himjarit (1 mila aC. E. - 6 V. N. E.), associata al Mediterraneo e Vost. Africa. Le antiche tradizioni sono tracciate nell'architettura delle case a torre di Hadramaut e degli edifici a più piani dello Yemen, le cui facciate sono decorate con un motivo a rilievo colorato. In Siria, la Mesopotamia, l'Egitto e il Maghreb, gli stili di arte araba medievale sono stati anche formati su base locale, sperimentando un po 'di impatto delle culture iraniane, bizantine e altre culture.

Architettura. Il principale edificio religioso dell'Islam divenne una moschea, dove i seguaci del Profeta stavano andando per la preghiera. Moschee composte da un cortile recintato e colonnato ("iarda" pubblicato, o "colonna", il tipo di moschea), nella prima metà del VII secolo. Bassora (635), Cofte (638) e Fustate (40, 7 ° secolo) sono stati creati. Tipo di colonna per un lungo periodo rimasto principale nell'architettura di culto monumentale dei paesi arabi (moschee: Ibn Tulun in Cairo., IX secolo; Mutavakkil a Samarra, il IX secolo; Hassan a Rabat e Kututico a Marrakesh, sia del 12 ° secolo; La grande moschea in Algeria, 11 ° secolo, e altri) e ha avuto un impatto sull'architettura musulmana dell'Iran, il Caucaso, CP. Asia, India. L'architettura ha anche ricevuto lo sviluppo di edifici a cupola, il primo campione di cui è una moschea di otto marciate KUBBAT as-Sahra a Gerusalemme (687-691). In ulteriori cupole, vari edifici di culto e commemorativi sono completati, più spesso con il loro mausoleo sulle tombe delle persone famose.

Dal 13 ° secolo Prima dell'inizio del XVI secolo L'architettura dell'Egitto e della Siria è stata strettamente interrelata. È stata condotta la costruzione della grande fortezza: Cittadella al Cairo, Khalebe (Aleppo) e altri. Nell'architettura monumentale di questo periodo, il principio spaziale dominato nella fase precedente (Moschea del cortile), ha lasciato il posto ai grandiosi volumi architettonici: oltre il colpo di Pareti potenti e grandi portali con nicchie profonde Raish High Drums che trasportano cupola. I maestosi edifici dei quattro spari (vedi Ayvan.) Tipo (noto prima di quello in Iran): Maristan (ospedale) Kalaun (13 ° secolo) e Moschea Hassan (14 ° secolo) al Cairo, Moschea e Madrasa (Scuole Spirituali) a Damasco e in altre città della Siria. Sono in costruzione numerosi mausolei della cupola, a volte formando un ensemble pittoresco (cimitero di Mamluk al Cairo, 15-16 secoli). Per decorare le pareti all'esterno e all'interno, insieme alle incisioni, gli inlays sono ampiamente utilizzati dalla pietra multicolore. In Iraq in 15-16 secoli. Glassa di colore e doratura sono utilizzati nell'arredamento (moschee: Al-Qadim Musa a Baghdad, Hussein a Kerbel, Imam Ali a gennaio).

L'alto fiorente è sopravvissuto in 10-15 secoli. Architettura araba di Maghreba e Spagna. Nelle principali città (Rabat, Marrakesh, Fez, ecc.), Kasba Citadel costruito, fortificato da mura potenti con cancelli e torri e mezzi commerciali e quarti mestieri. Le mosche di grande colonna Magrib con quadrato a più livelli, quadrato in termini di minareti, si distinguono per un'abbondanza di oli intersecanti, ricchezza di ornamento intagliato (moschea a Tellesen, nel bacino, ecc.) E Lussureggiante è decorato con legno intagliato, marmo e mosaico intagliato da pietre multicolori, come numerosi esplosivi Madrasa 13-14 in Marocco. In Spagna, insieme a una moschea a Cordoba, altri monumenti eccezionali dell'architettura araba sono conservati: Minareto "La Hiralda", eretto a Siviglia da Zodhi Jerber nel 1184-96, Porta a Toledo, Palazzo Alhambra. Granada è un capolavoro di architettura araba e arte decorativa di 13-15 secoli. L'architettura araba ha avuto un impatto sulla storia d'amore e sull'architettura gotica della Spagna ("stile mudjar"), la Sicilia e altri paesi del Mediterraneo.

Arte decorativa e applicata e visiva. Nell'arte araba, ha ricevuto una vivida forma di realizzazione del pensiero artistico del Medioevo, il principio di decoratività, che ha generato l'ornamento più ricco, speciale in ciascuna delle aree del mondo arabo, ma vincolato dalle leggi generali di sviluppo. Arabesque, ascendente a motivi antichi, è un nuovo tipo di schema creato dagli arabi, in cui la severità matematica della costruzione è combinata con una fantasia artistica gratuita. Anche l'ornamento epigrafico è stato sviluppato - iscrizioni eseguite calligrafiche incluse nel modello decorativo.

L'ornamento e la calligrafia, ampiamente utilizzati nella decorazione architettonica (intaglio in pietra, legno, kscite, sono caratteristici di entrambe le arti applicate che hanno raggiunto un alto periodo di massimo splendore e una specificità decorativa particolarmente espressa della creatività artistica araba. Ceramica decorata con motivo colorato: annaffiatura piatti domestici in Mesopotamia (centri - Rakka, Samarra); Dipinto con le navi della lampadario dorate di sfumature diverse realizzate nell'Egitto Fatimid; La ceramica della lampadario spagnola-moresco è di 14-15 secoli, che ha un'enorme influenza sull'arte applicata europea. Tessuti in seta abrasuti arabi - Siriano, egiziano, Mauritanan, godersero anche di fama mondiale. Fatto da arabi e tappeti a pile. La migliore inseguimento, incisione e intarsiatura da argento e oro decorato con articoli in bronzo (ciotole, brocche, fumatori e altri utensili); I prodotti 12-14 secoli sono caratterizzati da competenze speciali. Mosula in Iraq e alcuni centri artigiani della Siria. Bicchiere coperto siriano rivestito con il raffinato vetro di pittura smalto e decorato con un sofisticato schema scolpito di opere d'arte in Egitto da un cristallo di montagna, avorio, costose specie di legno.

Arte nei paesi dell'Islam sviluppata, è difficile interagire con la religione. Le moschee, così come il sacro libro del Corano, erano decorate con motivo geometrico, vegetale ed epigrafico. Tuttavia, l'Islam, in contrasto con il cristianesimo e il buddismo, ha rifiutato di usare ampiamente le arti visive per promuovere idee religiose. Inoltre, in t. N Hadith affidabile, legalizzato nel IX secolo, contiene un divieto di ritrarre esseri viventi e in particolare una persona. Teologo 11-13 secoli. (Gasali et al. Queste immagini hanno dichiarato il più grande peccato. Tuttavia, gli artisti in tutto il Medioevo ritraggono persone e animali, scene reali e mitologiche. Nei primi secoli, l'Islam, mentre la teologia non ha ancora sviluppato i suoi canoni estetici, l'abbondanza di realistica sull'interpretazione delle immagini pittoriche e scultoree nei palazzi di Omeyadov testimoniata alla forza delle tradizioni artistiche di Houseloman. In futuro, la pittima dell'arte araba è spiegata dalla presenza di opinioni estetiche sull'appello estetico nella sua essenza. Ad esempio, nei "fratelli acquisti" (10 ° secolo) l'arte degli artisti è definita "come imitazione delle immagini degli oggetti esistenti, sia artificiali che naturali, sia di persone che degli animali".

Moschea a Damasco. 8 in. Interno. Repubblica Araba Siriana.

Mausolei sul cimitero di Mamluk vicino al Cairo. 15 - Nach. 16 secoli. Repubblica Araba unite.

Pittura. Alta fioritura è sopravvissuta alle arti visive in Egitto 10-12 secoli: immagini di persone e scene di genere decorarono le pareti degli edifici di fustat, piatti in ceramica e vasi (Maestro Saad, ecc.), Tessuto nel modello di fili sull'osso e legno (pannello 11 c, dal palazzo di Fatimids al Cairo, ecc.), così come i tessuti di lino e di seta; Le navi in \u200b\u200bbronzo sono state realizzate sotto forma di figure di animali e uccelli. Fenomeni simili si sono svolti nell'arte della Siria e della Mesopotamia 10-14 secoli.: Corte e altre scene sono incluse nell'ornamento dei prodotti in bronzo, raffinati e intarsiati, nel modello di pittura su vetro e ceramica.

Il principio visivo è stato meno sviluppato nell'arte dei paesi dell'Occidente Arabo. Tuttavia, una scultura decorativa sotto forma di animali è stata creata qui, modelli con i motivi degli esseri viventi, così come in miniatura (manoscritto "Bayad e Riyad", 13 ° secolo, Biblioteca Vaticana). L'arte araba nel suo complesso era fenomeno luminoso e distintivo nella storia della cultura artistica mondiale del Medioevo. La sua influenza applicata a tutto il mondo musulmano e andò ben oltre i suoi limiti.

5. Percezione di opere d'arte. Analisi delle opere d'arte. Il valore dell'arte nella vita di una persona. I più grandi musei d'arte.

6. Una breve panoramica dei metodi di insegnamento dell'arte visiva. Studiamo il disegno dell'antichità e nell'era del Medioevo. Il contributo degli artisti del Rinascimento al metodo di insegnamento delle arti visive.

7. Allenamento che disegna nelle scuole in Russia in 18-19 secoli.

8. Migliorare i metodi di insegnamento del disegno nella scuola sovietica. L'esperienza pedagogica avanzata degli artisti degli insegnanti e del suo ruolo nell'educazione artistica dei bambini.

11. Educazione artistica degli scolari. Scopo, compiti, requisiti per l'insegnamento dell'arte nelle classi primarie.

12. Analisi dell'estensione dei programmi per le arti visive (Autori v.s. Kuzin, B.M. Neminsky, B.P. Yushov, ecc.), Struttura e sezioni principali del programma. Tipi, contenuto di programmi, tematica.

14. Principi della pianificazione delle classi. Calendario tematico, pianificazione illustrata per l'arte visiva in 1-4 classi

15. Caratteristiche della pianificazione delle lezioni di arte visiva in grado 1.

16. Pianificazione delle lezioni di arte visiva nel 2 ° grado.

17. Pianificazione della lezione dell'arte visiva nel grado 3

1. Spiega il significato della parola.

2. Cruciverba "Indovina la parola chiave".

1. Pantomime gioco "Live Sculptures".

2. Il gioco "Best Guided Tour".

22. Tipi e manutenzione di lavori extracurricolari su Arti visive. Organizzazione del lavoro di facilitativi nelle arti visive. Pianificazione delle classi in un cerchio secondo le arti visive.

1. Tipi e contenuto di lavori extracurricolari su Arti visive.

2. Organizzazione del lavoro di strutture in Arti visive.

3. Corsi di pianificazione in un cerchio per le arti visive.

23. Diagnosi delle singole caratteristiche psicologiche degli studenti. Metodi di conduzione di test e compiti di controllo.

24. Sviluppo delle capacità creative degli studenti dei gradi 1-4. Differenziazione e individuazione dell'apprendimento all'arte visiva.

25. Attrezzature di classi in arte visiva. Tecnici e materiali d'arte utilizzati nelle lezioni di belle arti nelle classi elementari

26. Caratteristiche psicologiche ed età del disegno per bambini. Analisi e criteri per la valutazione dei lavori per bambini, educativi e creativi "

27. Disegno pedagogico in belle lezioni di arte in 1 - 4 classi. "L'album dell'insegnante". Tecnologie del disegno pedagogico. Metodo di disegno pedagogico.

28. Dimostrazioni eseguite dall'insegnante nelle lezioni del lavoro artistico. Mostra tecnica.

30. Termini e concetti su Arti visive. Metodi di apprendimento degli studenti di gradi 1-4 nel sistema di termini e concetti sulle arti visive nelle lezioni e in lavori extrascolastici.

4. Architettura come tipo di arte

L'architettura è uno dei più antichi tipi di arte, che esprimono nelle strutture iconiche e sociali, la visione del mondo del popolo in una specifica epoca storica, un certo stile artistico. Architettura (architettura, schiacciamento, ambiente umano organizzato artisticamente. Anche - l'arte di formare questo ambiente spaziale, creando una nuova realtà, che ha un valore funzionale, portando una persona a beneficio e consegnare piacere estetico. Il termine copre il design dell'aspetto della struttura; organizzazione dello spazio interno; la scelta dei materiali per uso esterno e interno, progettazione di un sistema di illuminazione naturale e artificiale, nonché sistemi di ingegneria; Fornitura di elettro- e acqua; Decorazione decorativa Ogni struttura ha un appuntamento definito: per la vita o il lavoro, la ricreazione o lo studio, il commercio o il trasporto. Tutti sono resistenti, confortevoli e necessari per le persone - queste sono le loro proprietà obbligatorie.

Tipi di architettura

Tre tipi principali di architettura distinguono:

Architettura di strutture di volume. Include edifici religiosi e serfici, edifici residenziali, edifici pubblici (scuole, teatri, stadi, negozi, ecc.), Strutture industriali (piante, fabbriche, ecc.);

Architettura del paesaggio associata all'organizzazione di giardino e spazio parco (piazze, boulevard e parchi con architettura "piccola" - Arbizzi, fontane, ponti, scale)

Pianificazione urbana, coprendo la costruzione di nuove città e villaggi e ricostruzione di vecchie aree urbane.

Stili di architettura

L'architettura è strettamente connessa con la vita della società, le sue opinioni e l'ideologia. La base di un'antica architettura greca è l'idea di una persona perfetta, fisicamente e spiritualmente sviluppata. Gli architetti antichi tutti i loro edifici sono stati costruiti secondo le proporzioni del corpo umano, incarnando l'armonia, il confronto della natura della natura, la maestosa chiarezza e l'umanità "lo stile dell'era" (stile romanico, gotico, ecc.) Sorge principalmente in quelli Periodi storici quando la percezione delle opere d'arte è diversa inflessibilità comparativa, quando è persino facilmente adattata al cambio di stile.

Grandi stili - romanico, gotico, rinascimentale, barocco, classicismo, ampir / variazione del tardo classicismo / - sono solitamente riconosciuti come equivalenti ed equivalenti. Lo sviluppo degli stili è Asmetry, che è espresso esternamente nel fatto che ogni stile sta gradualmente mutevoli Semplice da complesso; Tuttavia, è rimborsato da una difficile semplificazione solo a causa del salto. Pertanto, i turni degli stili si verificano in modo diverso: lentamente - da un semplice a complesso, e bruscamente - da un complesso al semplice. Lo stile del bordo è sostituito da gotico per più di cento anni - dal centro del XII secolo. fino alla metà del XIII secolo. Le semplici forme di architettura romanica si stanno gradualmente si spostano in un complicato stile gotico. Con i limiti del gotico poi matura il rinascimento. Con l'emergere del Rinascimento, un periodo di domanda ideologica, l'aspetto di un solido sistema di visione del mondo apparisse di nuovo. E allo stesso tempo, il processo di complicazione graduale e rottura del semplice: il Rinascimento diventa più complicato, e il barocco è. Barocco, a sua volta, diventa più complicato, passa in alcuni tipi di arte (architettura, pittura, arte applicata) a Rococò. Quindi torna a semplice, e di conseguenza, un classicismo viene sostituito barocco, lo sviluppo di cui in alcuni paesi ha sostituito Amir.

Le ragioni per cambiare coppie di stili in quanto segue: La realtà non sceglie lo stile tra l'esistente, ma crea un nuovo stile e converte quello vecchio. Lo stile creato è lo stile primario e il trasformato è secondario.

Architettura della terra nativa

Architettura della regione di Grodno

Borisoglebskaya (Cleaner) Church, un monumento all'antico architecturatore russo a metà.

Castello di Mirsky incluso nella lista dell'UNESCO, Castello di Lida (XIV-XV secolo)

Architettura della regione di Minsk

ArchafoundArral Chiesa cattolica della Santissima Vergine Maria (seconda metà del XVII-InizerXVIIIIIIIIV.)

Chiesa cattolica dei Saints Simeon ed Elena (Chiesa rossa) - un monumento dell'architettura di Neoeta con le caratteristiche del moderno (1908 - 1910)

Nesvizhsky Palace and Park Complex (XVII-XVIIIV)

Chiesa di Bernardini nel villaggio di Budslav Mojelsky District, Monumento a Barochko Architecture (XVIIIV)

Architettura della regione di Vitebsk

Cattedrale di Sophia, monumento dell'architettura Xi -xviiiiiiiiiiiiiiiiv.

Chiesa di Salvatore-Evfrosinyevskaya, monumento all'antica architettura russa (1152 - 1161). Sulle sue pareti e colonne, sono conservati affreschi unici.

Letteratura:

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Architettura, design, arte decorativa e applicata appartengono a tipi di creatività dell'arte utilitaristica. Cioè, risolvono compiti utilitaristici - movimento, organizzazione della vita, città, abitazioni, diversi tipi di vita umana e società. A differenza della creatività artistica (arti visive, letteratura, teatro, cinema, poesia, scultura) che creano solo valori spirituali, culturali ed estetici che non hanno un significato utilitaristico.

Il design è diverso da arte decorativa e applicata con produzione di massa tecnologica, a differenza dell'artigianato il DEC. Arte applicata. L'architettura e il design sono relativi concetti differiscono solo con una scala spaziale; Città, Microdistretto, Complesso, Costruire in Architettura e Ambiente stradale Interno, Design industriale, Art. Design in "Design", ma ad esempio, l'interno e il miglioramento è il soggetto e l'architettura e il design.

Design e architettura - attività utilitaristiche e artistiche per la creazione di un oggetto e un ambiente spaziale. L'architettura è un concetto più antico, il design è più moderno, ma la differenza tra loro è minimale, spesso non distinguibile.

Le forme di design - paesaggio, quadrato, elemento urbano - chiosco, fontana, fermata, orologio lampadario, hall /, room, mobili, ufficio, interni.

Gli spazi interni formano un architetto, e la saturazione del designer spesso uno o l'altro fa tutto, questo è praticamente la vicinanza, e spesso l'indistinguibilità della professione arh. e designer.

L'architettura e il design appartengono a arti espressiveche direttamente non riflettono la validità e viene creata. a differenza di belle arti (Pittura, grafica, letteratura, teatro, scultura) modo artistico riflettendo materiale e realtà spirituale.

Conferenza 1. Metodologia di progettazione

1. La relazione tra lo stato socio-mirro-promenade della società e il design.

Pratica moderna di "nuova ecletticismo"

2. Metodo creativo - Metodo professionale - "maniera individuale".

L'interazione dei metodi in diverse fasi della creatività.

L'interazione del metodo e dei fasi dell'attività professionale

Esempi di diversi.

3. soggettivo e obiettivo nel processo creativo.

1. Qualsiasi attività e più creativa come design è collegata e con i propri fondi riflette l'organizzazione sociale della società, lo sviluppo culturale, gli ideali estetici ....... Riflette l'Egitto un degeniante completo del mondo oggettivo e dell'architettura, il Medioevo, l'obiezione, il classicismo, il costruttivismo. Nel 20 ° secolo, siamo sopravvissuti al crollo dello storicismo, alla nascita del modernismo e del costruttivismo nell'architettura e del design dell'arte. Rifiuto delle forme tradizionali di componenti delle parti, il principio della pianificazione libera è stata percepita come una rivoluzione e come se rifletta la rivoluzione sociale, ma in ovest non c'era una rivoluzione, e il movimento relativo è nato. Il nuovo movimento tra loro era un Connessione reale (il gruppo di stile dell'Olanda e il leader del costruttivismo in Russia). Tuttavia, questa rivoluzione è stata preparata da nuove tecnologie e materiali (JB) del fascio di fascio e nuovi flussi artistici, icubici, futurismo, espressionismo, ma anche da shock sociali (rivoluzioni, 1 guerra mondiale), nuove correnti filosofiche (socialismo. Comunismo, Nazionalismo del socialismo Fascismo) ............., la crisi della moralità borghese. Hanno parlato molto della veridicità in contrasto con la decoratoria e la decorazione borghese. I cambiamenti nel soggetto e nel mezzo spaziale sono stati preparati dallo sviluppo del pensiero filosofico e scientifico e dei nuovi flussi artistici astratti e sviluppo di attrezzature, ma anche gli shock sociali che hanno allegato un certo pathos ideologico e formato e sviluppato un principio che puoi cambia la realtà basata su idee e concetti artistici e spaziali. Già formava le idee del movimento moderno e del costruttivismo

Moderno come un corso alla moda di una nuova borghesia e mercanti (mansion del morozov).

Di fronte alla Casa del Comune, l'idea del sociale. Città, socializzazione della vita come manifestazioni nell'argomento delle idee del socialismo. L'idea utopica che cambiare l'habitat può essere modificata dalla persona stessa.

Naturalmente, il mondo sostanziale dell'ambiente e dell'architettura riflette i propri fondi il sistema economico e il livello di sviluppo e società e l'ideologia e il sistema di valori dominanti nella società, ma questa dipendenza non è diretta e complessa, spesso il Le idee d'arte per l'arte si adattano ripensando alle realtà oggettive.

Architettura e ingegneria e costruzione, decorazione d'interni e organizzazione del paesaggio occupato nella cultura rinascimentale. I cambiamenti di costruzione, layout e decorazione delle abitazioni stanno cambiando.
In case semplici, il numero di stanze aumenta a causa delle partizioni interne. Nelle città e nelle proprietà natalili, sono costruiti interi palazzi in stile rinascimentale. Lo sviluppo del regime assolutista è stato inestricabilmente collegato alla struttura delle serrature di residenza del re e allo stesso tempo strutture di fortificazione. La diffusione di idee rinascimentali nell'architettura ha portato allo sviluppo di progetti di edifici "ideali" e interi insediamenti. Selezione da sposa, traduzione, trattati locali per l'architettura e la costruzione. A causa del confine, per lo più dai Paesi Bassi, sono emessi maestri eccezionali di diverse specialità: Adrian de Frieses, Hans van Steenwinkel senior (OK.1550-1601) e i suoi figli - Lawrence, Hans, Mortens, così come Hans van Oberberk e altri. Gli scandinavi hanno preso in prestito campioni di stile architettonico da Germania, Paesi Bassi, Italia, Francia. Architettura rinascimentale danese con il suo sapore rosso-friendly, edifici rettangolari massicci e decorazioni discreti solitamente focalizzate sull'architettura Severogrertic.
La più alta costruzione del decollo in Danimarca ha raggiunto il consiglio di 60 anni di Christian IV, soprattutto fino al 1617, stava succedendo allo stesso tempo in direzioni diverse. I paesi sono stati costruiti con un nuovo layout e una normale forma di sviluppo-geometrico o radiale. In totale, 14 nuove città sono apparse sull'iniziativa del re - in Scone, Zealand, South Jutland, Norvegia.
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Potenti fortezze sono state erette: Frederisborg in Hilledied (1602-1625), Kronborg a Helsinger, ecc., Che includeva il castello, lo spazio ufficio, i magazzini e le caserme erano circondati da alberi, fossati e bastioni. Il re stesso era esperto in architettura e controllava la costruzione di strutture. Costruzione di ricambio nel XVII secolo. Completamente cambiato l'aspetto di Copenaghen e ha ampliato significativamente le sue dimensioni. IV Palace, porto militare, scambio rinascimentale (1619-1625) sono stati costruiti o posati durante il cristiano. Architetti L. e X. Van SteenVinkel ha ricevuto un compito per costruirlo come "tempio di una nuova politica economica". Come risultato dell'elegante entusiasmo, Copenaghen si è trasformato nel XVII secolo. In una delle capitali più belle d'Europa. È adiacente a diverse linee stilistiche: gothic, manierism, brutto barocco.
In Svezia, questo periodo è anche segnato dall'alterazione del vecchio e della costruzione di nuovi edifici. Nello stile rinascimentale, i castelli di Infrasmolm, Vadutnay e Palazzi, palazzi, palazzi, municipio e case private nelle città sono erette. Costruzione della chiesa, al contrario, sottoposta a un declino.
Gli edifici del tempo corrispondevano alla ricca decorazione di interni, più magnifici in Svezia, più frenata in Danimarca: cassapanche, segretari, armadietti. I mobili in legno e i pannelli erano coperti con lo scenario o i fili più complicati sulle storie bibliche e secolari, si ergevano con pietre costose e metalli, favibilità, legno. Le pareti sono state portate via con trelli secolari originali, indossando ritratti, dipinti. Nelle sale, cortili e giardini appaiono sculture, spesso gruppi interi, di solito nell'antico spirito mitologico. C'era una moda speciale per forni verniciati e ricci, oltre a forni e forni in ghisa, con fili cast.
L'ingegneria e la costruzione di innovazioni di quel tempo possono essere attribuite all'approvvigionamento idrico: tubi con gru, fontane complesse apparvero nei castelli e nei palazzi. Decorazione di palazzi e castelli erano impegnati in entrambi i singoli maestri e workshop interi. La combinazione dell'influenza dell'Europa occidentale, in particolare dai Paesi Bassi e dalla Germania, e le tradizioni locali hanno formato un campione unico in stile.
Durante questo periodo, l'arte è stata applicata principalmente. Come parte importante dell'interno, è servito a esprimere e assicurare il prestigio. Quindi, per esempio, è una diffusione insolita al momento di epitali lussureggianti, ritratti parassiti (scultoreo e pittoresco), immagini allegoriche.
Il tipo di arte più impressionante e prestigioso era una scultura la cui fioritura è avvenuta in seguito, con la dichiarazione del barocco. La maggior parte degli scultori erano stranieri che hanno eseguito principalmente ordini re. "Builder Royal" Hans Steenwinkel ha portato la creazione di un numero di com-
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posizioni per fontane. Su richiesta di Christian IV a Amsterdam, impugnature di manicelle di Cavérew. La famosa fontana Nettuno a Frederisborg ha prodotto la friesi di Dutchman ADRIANS (1546-1626).
Bassorilievi, prevalentemente lapide, ma anche decorativo.
L'interesse per l'immagine di una persona, in particolare ai ritratti familiari, è diventato una delle caratteristiche della pittura in questo periodo. Spesso, i ritratti erano ancora fatti su vecchi campioni: statico, condizionalmente, senza caratteristiche psicologiche. Le immagini principali del sovrano e dei membri delle loro famiglie - solenne, con i simboli del potere - dal XVII secolo. erano resistenti più spesso nella maniera del classicismo. Il periodo caratterizza anche l'abbondanza di ritratti di patrizi e scienziati urbani; Tutti loro dimostrano accappatoi neri e segni delle loro classi. Forse il primo ritratto del Burger Scientist è l'immagine del VELLER umanista (1578). Il ritratto della famiglia Rodmanna di Flensborg (1591) è espressivo, dove lui stesso, le sue due mogli e 14 bambini stanno intorno alla crocifissione. Rodman stesso, una delle sue mogli e quattro figli, come il defunto, sono contrassegnati con una croce sopra la testa. Sono anche realizzati alcuni altri ritratti di famiglia-Epitaphy Burghers allo stesso modo. La connessione dei morti e della vita, riflette indubbiamente le rappresentazioni del tempo sull'unità della vita e della morte, sulla comunicazione inseparabile dei due mondi. Gli autori dei ritratti nominati sono sconosciuti, eseguiti in modo anonimo in generale, la maggior parte dei ritratti di Burghers e della nobiltà provinciale di fronte, la famiglia reale e conoscere i servizi di famosi maestri. Circa 200 ritratti di persone reali e nobili hanno scritto Olanda Jacob van Dajordt, il set - Dutchman Iost Verdeyden.
A poco a poco, in Danimarca, un nuovo tipo di artista - persona istruita e culturale, abbastanza ricca e vicina agli scienziati, spesso un artista offacacciato e un collezionista. Quindi, in particolare, un ritratto prolifico, Dutchman Karel van Mandera, il cui autoritratto con sua moglie e la suocera è una rara immagine di un artista intellettuale. Approssimativamente la stessa era una famiglia artistica di Isaakz, che ha dato un notevole contributo alla cultura del Rinascimento danese; Il suo fondatore è un discendente di un emigrante di Amsterdam, opere d'arte mercantili, e uno dei nipoti e umanisti e storici Johann Pontanus. Tra gli artisti c'erano specialisti speciali in tela storica, nella pittura della chiesa, ecc., Ma la maggior parte ha avuto un'ampia specializzazione.
Un importante tipo di arte decorativa è stata quindi arazzi, sia da sposa che locali, schizzi per i quali erano prominenti
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artisti e la fabbricazione è stata effettuata in workshop del palazzo straniero o danese.
Nell'allora decorazioni, come già notato, è stato scattato un luogo notevole intascando, tradizionale e sviluppato in Scandinavia. Nelle chiese erano decorate con intaglio Altari, dove le scene erano rappresentate dalla Bibbia, così come le trame di autori classici caratteristici del Rinascimento danese. Filettato con ornamenti gotici e rinascimentali con trame secolari decorate mobili in abitazioni. In Norvegia e in Finlandia, un grande successo ha raggiunto una scultura in legno folk, edifici provinciali decorati e articoli per la casa.

La varietà di specie artistiche consente all'esteticamente di padroneggiare il mondo in tutta la sua complessità e ricchezza. Non ci sono arti importanti e minori, ma ogni specie ha i suoi partiti forti e deboli rispetto ad altre arti.

Architettura. Quando una persona ha imparato a fare gli strumenti del lavoro, non era più un alloggio o un nido, ma un edificio appropriato, aumentando gradualmente l'aspetto estetico. La costruzione è diventata architettura.

Architettura - la formazione della realtà secondo le leggi della bellezza durante la creazione di edifici e strutture progettate per soddisfare le esigenze di una persona in abitazioni e locali pubblici. L'architettura crea un mondo artistico-artistico chiuso, escluso dalla natura, si oppone all'ambiente naturale e permettendo alle persone di utilizzare lo spazio umanizzato in conformità con il loro fabbisogno materiale e spirituale. L'immagine architettonica esprime la nomina dell'edificio e il concetto artistico di pace e personalità, la presentazione di una persona sullo stesso è l'essenza stessa della sua epoca.

Architettura - Arte e edifici hanno un certo stile. Lomonosov, determinando le caratteristiche dell'architettura, ha scritto che l'arte architettonica "eretterà l'edificio, per l'habitat è comodo, per la visione è bello, per solido a lungo termine." Grazie all'architettura, si presenta una parte integrante della "seconda natura" - l'ambiente materiale, creato dall'opera di una persona e in cui si svolge la sua vita e attività.

La forma di architettura è dovuta: 1) Naturale (dipende da condizioni geografiche e climatiche, sulla natura del paesaggio, l'intensità della luce solare, la sicurezza sismica); 2) Socialmente (dipende dalla natura del sistema sociale, ideali estetici, bisogni utilitaristici e artistici della società; l'architettura è più strettamente legata allo sviluppo di forze produttive, con lo sviluppo della tecnologia).

Arte applicata. Una delle più antiche e così antiche specie di sviluppo di creatività artistica è applicata l'arte. È effettuato in soggetti domestici creati sotto le leggi della bellezza. Arti applicate - Queste sono cose che circondano e che ci servono che creano la nostra vita e il nostro comfort, le cose rese non solo come utili, ma anche belle, aventi uno stile e un'immagine artistica che esprime la loro nomina e trasporta informazioni generalizzate sul tipo di vita, circa il tipo di vita, circa il tipo di vita, circa il tipo di vita l'epoca, sul mondo delle persone. Gli effetti estetici dell'arte applicata quotidiano, ogni ora, ogni minuto. Lavori di arte applicata può aumentare i vertici dell'art.

L'arte applicata è a livello nazionale nella sua stessa natura, è nato da dogane, abitudini, credenze del popolo e direttamente approssimativamente alle sue attività produttive e vita quotidiana. La parte superiore dell'arte applicata è un gioiello, mantenendo il suo significato indipendente e lo sviluppo oggi.

Arte decorativa L'arte decorativa è lo sviluppo estetico dell'ambiente, l'ambiente, la decorazione della "seconda natura creata dall'uomo" la seconda natura ": edifici, strutture, locali, piazze, strade, strade. Questa arte invade la vita quotidiana, creando bellezza e convenienza all'interno e vicino ai locali residenziali e pubblici. Le opere di arte decorativa possono essere una maniglia della porta e una recinzione, vetro finestra in un vetro colorato e una lampada che entra in una sintesi con architettura.

L'arte decorativa assorbe i risultati delle altre arti, in particolare la pittura e la scultura. La pittura esisteva per la prima volta sotto forma di rocciosa e muro e solo poi formata come un bicchiere. Pittura monumentale sul muro - Affresco (il nome è avvenuto dalla sua tecnica: "Al affresco" - Pittura con vernici di intonaco crudo) - Genere di arte decorativa.

L'arte funge da espressione di pensieri, sentimenti, una personalità peculiare e unica dell'artista, ma è anche uno specchio di cultura e la storia dell'epoca, in cui questa persona era destinata a creare. L'energia della creatività, determinando l'intera storia dell'arte, collega il filo uniforme dei maestri diviso in tempo. E se guardi da questo punto di vista, allora non c'è bisogno di considerare vari flussi artistici e i loro rappresentanti separatamente, poiché queste sono diverse fasi del Grande, continuo nel loro movimento progressivo. Altri vengono a cambiare una generazione; Idee, teorie e passioni stanno invecchiando, come le persone, lasciando il posto alle nuove tendenze. Quando la creatività dell'artista è riuscita a risvegliarsi su un nuovo processo di profonda ricerca spirituale e artistica, sono nati nuovi stili, e il filo, collegandoli con il passato, non è mai stato interrotto, come sembrerebbe poco.
Questo libro rappresenta la storia dell'arte da antiche civiltà alle nuove correnti: nei mezzi di espressione - pittura, scultura, architettura - e come panorama di grandi movimenti, maestri luminosi e opere che caratterizzano i loro risultati. La storia è dichiarata da capitoli, in conformità con i principali movimenti artistici e epoche diverse ed è subordinato all'ordine cronologico - dall'arte nell'antica società alla prima fioritura della creatività medievale nell'era di caroling, dal Rinascimento al barocco, dall'impressionismo e simbolismo del XIX secolo. Alle prime avanguardie, dall'abstractionismo all'architettura postmoderna. Ogni capitolo inizia con le tesi che spiegano l'essenza del processo su una o un'altra fase.

Arte nel mondo antico.
Forme insolite di comunicazione e espressione artistica, principalmente una natura religiosa magica, si distingue da un'antica società: è sufficiente per ricordare i templi e i palazzi in mesopotamia o piramidi egiziani e complessi del tempio, ma c'erano ancora prodotti decorativi e bei oggetti metallici presentato nella cultura di quasi tutte le nazioni.

I celti sono un gruppo di popoli indoeuropei basati nel Iiimila BC. e. Nell'area tra il flusso superiore del Danubio e la parte orientale dell'attuale Francia, da dove si diffondono (dal VII secolo aC) quasi in tutta l'Europa occidentale, i Balcani, in Italia e Malese Asia. Il periodo di questa espansione si è concluso ai secoli Rubel II-I. AVANTI CRISTO Er, quando il potere di Roma è già cresciuto, e le onde dei popoli tedeschi reinsediati cominciarono a rotolare fuori dalle profondità dell'Asia. La società celtica, con la sua struttura familiare, è stata controllata dal re e rifornì le risorse a spese di guerra, caccia e allevamento di bovini. Molto forte era una sensazione di accessori tribali. Prodotti artistici L'arte celtica è caratterizzata da antigragivismo chiaramente definita e invariata. Immerso nell'atmosfera magica e religiosa, ha trovato la sua espressione più adeguata in un ornamento astratto, decorata principalmente prodotti in metallo (l'inizio dell'età del ferro, la prima metà dei mille mille a n. E.); Puzzava tutti gli elementi assimilati a contatto con diversi popoli.

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• Arti, Grado 9, Cultura domestica e mondiale Art, Colbyssheva S.I., Zakharina Yu.yu., Tomasheva I.G., 2019

Come nessun altro tipo di scultura di arte visiva è vicina all'architettura. Entrambi i tipi di tridimensionali e nella creazione di un'immagine artistica sono coinvolti luce e ombra. Anche il materiale quando si tratta di una scultura di pietra potrebbe essere la stessa. Ci sono anche sculture che coincidono di dimensioni con strutture architettoniche, come la Sfinge a Giza, un colossale Bronzo Buddha a Kamakur (Giappone) o una statua di libertà nel porto di New York. Creato specificamente per gli edifici e associati biologicamente con loro opere sono i nomi della plastica architettonica, anche se, naturalmente, una scultura in pietra e la plastica da metallo, cemento o gesso differiscono l'uno dall'altro. La plastica architettonica solo in casi rari serve solo uno scenario, molto spesso esprime chiaramente il significato e lo scopo della struttura e quindi attribuisce ulteriore espressività alla costruzione.

Nessuno degli articoli è più adatto a questo scopo e non attrae lo scultore più forte della figura di una persona, la sua immagine, il corpo, la plastica. Anche le figure degli animali erano e rimangono oggetto di materie plastiche architettoniche. Certificato Che cos'è il portale romanico con Lions e Koenigslutter e Quadrigs sulla Porta di Brandeburgo a Berlino e sulla costruzione dell'opera a Dresda. Questo include anche animali e uccelli così favolosi come avvoltoi, chimere e sfingi. Le forme di immagini delle persone nel quadro di materie plastiche architettoniche sono generalmente diverse. Si allungano dai ritratti di testa in medaglioni e maschere più o meno grottesche, come il capo della medusa, ai busti e alle figure in piena crescita, raffigurante un corpo vestito e nudo di una persona, a volte una dimensione enorme. Sedersi figure colossali del tempio roccioso egiziano Abu-Simbel ha un'altezza di 20 m.

Una persona o un gruppo separata di persone sono rappresentate sugli edifici o vicino a loro in varie azioni e posizioni. Allo stesso tempo vengono utilizzati vari tipi di sculture, comprese le immagini di rilievo, la scultura in nicchie e la scultura rotonda. In alcuni casi, le statue assumono anche le funzioni dell'elemento architettonico del corriere. I cariatidi sono calmi e più grandi per le loro teste Antablot. Atlants e Giants portano la loro severità sulle loro spalle o delle loro braccia, sembra che la massa dei completamenti del portale, balconi o marce delle loro terrazze li schiacciasse quasi. I cariatidi ermitici o semplicemente Herma sono chiamati sculture dei cuscinetti, la parte inferiore del corpo di cui va in un libro di restringimento al pilastro.

Nell'architettura mediorientale, la scultura raggiunta nel XIII secolo. Il suo primo periodo di massimo splendore, raffigurante scene religiose, figure dei santi e dei ktitors. Ad esempio, la qualità delle sculture Whitizer nella cattedrale di Naumburg è eccellente. 500 sculture, per lo più superando la crescita umana, decorare il portale occidentale della cattedrale in Reims; 1800 statue originariamente entrarono nello scenario della cattedrale di Chartra. Con l'eccezionale genio artistico del passato Michelangelo, siamo obbligati dalle sculture della tomba di Medici nella nuova scenica della Cattedrale fiorentina di San Lorenzo. Caratteristico per il periodo dopo il 1500 è stato un cambiamento di motivi religiosi da parte di antiquariato-mitologico e immagine dei governanti. Entrambi i temi sono molto strettamente intrecciati nel periodo barocco. Le sculture di Marte, Zeus o Ercole spesso dovrebbero essere intesa come l'allerenius del potere del principe o del re. Spesso i governanti erano raffigurati in Romani.

Per la plastica puramente architettonica, festeggia il suo trionfo a Dresda Zwinger o il Castello di San Susta, sono state aggiunte sculture da giardino e sculture che adornendo fontane. Internamente e inestricabilmente collegato con la scultura dell'architettura XVIII secolo. Cadde durante il classicismo in qualche isolamento. Preso in prestito da rilievi antichità, figure e cavalli silenziosi sembravano talvolta solo un'aggiunta decorativa e meno del dettaglio architettonico organico.

Questa distanza tra la scultura e la costruzione sono aumentate ancora di più nel XX secolo. A causa delle contraddizioni tra le opere d'arte e il massiccio prodotto industriale - l'edificio. Tuttavia, lo scopo della moderna creatività architettonica è di preservare le nuove e ben provato per essere vecchie forme associate all'architettura e usarli per dare una maggiore emotibilità dell'ambiente architettonico che ci circonda.

Schmalcalden (distretto di Zul), il cosiddetto "capo dell'architetto" al contratto l'altare della Chiesa della città di St. Giorgio. Questo ritratto è apparso dopo il 1437 in una finestra falsa con tapparelle, ferro imbottito. Si può presumere che l'architetto si raffigurasse durante il periodo di massimo splendore.