È nato nel 1984 a Mosca. Diplomato al Conservatorio di Mosca con due specializzazioni: direzione di coro (classe di Stanislav Kalinin) e direzione d'opera e sinfonia (classe di Valery Polyansky). Nel 2008 si è aggiudicato il Concorso di direzione tutta russa a Mosca, contemporaneamente ha fondato l'ensemble Questa Musica, con cui lavora in Russia e all'estero. Nel 2013, con questo gruppo, ha presentato una produzione dei "Racconti di un soldato" di Stravinsky al Theatre Centre on Strastnoy (coreografia di Oleg Glushkov), e nel 2016 ha preso parte al festival di musica barocca a Linz (Austria). Ha diretto il coro del Gnesins State College of Music, dove ha anche insegnato direzione d'orchestra.

Nel 2011 è diventato direttore della State Academic Symphony Capella of Russia (direttore artistico - Valery Polyansky). Ha assistito Gennady Rozhdestvensky nella preparazione dei concerti in abbonamento della band, ha partecipato con l'Orchestra di Capella allo svolgimento del 1° Concorso di musica tutta russa, per il quale ha ricevuto un encomio dal Ministro della Cultura della Federazione Russa. Ha diretto la prima dell'opera di Michael Nyman Prologue to Dido and Aeneas Purcell a Perm. Nel 2012 ha diretto la prima rappresentazione dell'opera Francis di Sergei Nevsky al Teatro Bolshoi della Russia. Per questo lavoro è stato nominato per il Golden Mask National Theatre Award. Nel 2014 - direttore dello staff del Teatro Bolshoi, dal 2015 - direttore ospite. Direttore musicale del 1° Festival Barocco del Teatro Bolshoi. Nel 2014 ha messo in scena l'opera di Mozart "All Women Do This" al Buryat State Academic Opera and Ballet Theatre (regista Hans-Joachim Fry). Nel giugno 2015, insieme al regista Boris Yukhananov, ha messo in scena la serie d'opera "The Drill People" allo Stanislavsky Electrotheatre, per questo lavoro è stato nuovamente nominato per la "Maschera d'oro".

Nell'ambito del V festival "Another space", insieme a Vladimir Yurovsky e Fuad Ibragimov, ha eseguito la prima russa di "Groups" di Stockhausen (2016). Membro della giuria del Golden Mask Award (2017). Direttore musicale della produzione dell'oratorio "Il trionfo del tempo e dell'insensibilità" di Handel al Teatro musicale Stanislavsky e Nemirovich-Danchenko (2018). Collabora con orchestre russe e straniere, tra cui l'Orchestra di Stato della Russia intitolata a EF Svetlanov, l'Orchestra Filarmonica Nazionale della Russia, "Nuova Russia", "Russian Philharmonic", l'orchestra del teatro di Mosca "Novaya Opera", l'orchestra da camera di Mosca Musica Viva, l'Orchestra Filarmonica di Brno, l'Orchestra Sinfonica di Stato del Brandeburgo, l'Orchestra da Camera Lituana e la New Tokyo City Orchestra. Con il violinista Roman Mints ha registrato le composizioni di Leonid Desyatnikov Sketches for Sunset e Russian Seasons. Dal 2011 insegna al Conservatorio di Mosca.

Filippo Chizhevsky, il direttore dell'ensemble Questa Musica, ha raccontato al sito cosa c'è tra musica classica e moderna, se vale la pena suonare una sinfonia senza direttore e cosa non è mai successo al Teatro Bolshoi.

KSENIYA FERZ: Philip, quali sono i tuoi progetti musicali per il prossimo futuro?

PHILIP CHIZHEVSKY: ~ Da questa stagione lavoro al Teatro Bolshoi. E la prossima stagione io e la mia orchestra Questa Musica daremo concerti su strumenti storici. Avete già sentito a Mosca un concerto con: qualcosa di simile inizierà al Teatro Bolshoi, dove, come sapete, non c'è mai stata una performance di musica country, ad esempio Händel, sugli strumenti dell'epoca storica a cui questo la musica appartiene. Avremo diversi progetti con artisti del programma di opera giovanile, diretto da Dmitry Yuryevich Vdovin.

Credo che qualsiasi musica debba essere eseguita autenticamente: sia storica che moderna, cioè nel modo e nello stile dell'epoca in cui è stata scritta. Strumenti musicali storici: corde in vena, accordatura bassa e altri attributi non sono fini a se stessi per me. Ma se è possibile utilizzare tali strumenti, e se ci sono musicisti che li possiedono, allora questo aggiunge fascino e sapore al suono.

Come vanno le cose con i classici attuali? Lavori con compositori russi contemporanei?

~ Devo realizzare un grande progetto di cinque opere di compositori contemporanei. Ora abbiamo cinque nomi di importanti compositori d'avanguardia - piuttosto giovani, tutti poco più di 40: Sergei Nevsky, Dmitry Kurlyansky, Boris Filanovsky, Vladimir Rannev e Alexei Simak. Saranno cinque recite su libretto di Boris Yukhananov, che, di fatto, interpreterà il ruolo del regista. Il programma è piuttosto voluminoso: all'inizio consisterà in 5 spettacoli separati, quindi si restringerà a un programma maratona di opere contemporanee.

Tutti i compositori viventi con cui ho collaborato scrivono in stili diversi: ognuno è alla ricerca del proprio percorso musicale. Il piacere che otteniamo dall'esecuzione di musica di qualità è facile da trasmettere al pubblico. È possibile trovare le forme del suono classico moderno solo attraverso l'esperienza. Nella nostra epoca, siamo pionieri. Tra qualche decennio questa musica sarà vista come un repertorio classico: qualcosa sarà dimenticato, qualcosa rimarrà.

Come percepisce il pubblico i nuovi compositori?

~ Sono felice di lavorare con persone responsabili delle note che scrivono, e non solo dell'astrazione, che è una tecnica comune nell'arte moderna in generale.

Un dato interessante è che per un pubblico non preparato musicalmente, ma curioso, l'emozione che riceve da ciò che ascolta è importante. Trasmettiamo questa emozione suonando una sonata di Mozart o un'opera d'avanguardia - non importa. Il pubblico ha bisogno di corrente.

Anche gli strumenti non musicali possono essere utilizzati nella musica classica moderna: dalle scatole di legno alle incudini. Ma per una composizione musicale armoniosa, le loro parti devono essere scritte con la stessa cura come per gli archi, ad esempio.

Da un lato, suonare musica moderna è più facile: nessuno l'ha fatto prima di te - lo fai come vuoi. Quando si esegue musica classica, si dovrebbe aderire alle tradizioni e ai canoni. Ma per me è molto importante anche il momento dell'interpretazione e della trasformazione in musica. L'esecuzione autentica è meravigliosa, ma la musica non è un vuoto, i capolavori di Mozart corrono attraverso i secoli, quindi, secondo me, è importante portare sfumature di lettura moderna, senza dimenticare l'esperienza delle generazioni precedenti. Allora la musica respirerà. E se lo facciamo bene o no, lo dirà il tempo, spazzando via tutte le cose inutili.

Raccontaci della tua professione di direttore d'orchestra. Oltre a dirigere l'orchestra, il direttore svolge la funzione di comunicare con il pubblico attraverso la plastica?

Non importa se il direttore è discreto o espressivo, l'unica cosa che conta è come suona l'orchestra. Se la plasticità del direttore è giustificata e i musicisti lo capiscono, allora questo è un buon concerto. Ora quasi ogni pezzo classico può essere suonato senza un direttore. All'inizio del XX secolo c'era l'Orchestra Persimfans, in cui il direttore fu sostituito dal primo violinista-accompagnatore: eseguì un atto automatico. Con un direttore d'orchestra, una sinfonia richiede tre prove, senza un direttore - molto di più.

Se parliamo di musica classica, la funzione di un direttore d'orchestra è molto più ampia. Non sta solo nel modo in cui distribuisce l'atto overt, ma nel modo in cui dà la direzione a questa musica, come controlla il respiro dell'orchestra. L'orchestra può suonare ritmicamente, idealmente in termini di tutte le sfumature e i colpi, ma la musica sarà assolutamente morta - non sarà interessante ascoltarla. Il conduttore è necessario per aggiungere fuoco, costruire frasi, arrotondarle, mettere accenti - per controllare il movimento.

Nel comunicare con ciascuno dei miei musicisti dell'ensemble Questa Musica, insisto che ogni volta esegue la parte come se nessuno l'avesse eseguita prima di lui, nemmeno se stesso.

Il sito ufficiale dell'ensemble

Elena Musaelyan

Il giovane direttore d'orchestra e sua moglie parlano del loro ensemble Questa Musica - uno dei nuovi prodotti più divertenti nella vita musicale di Mosca

Philip Chizhevsky è un nome che ha finalmente ampliato l'elenco dei direttori d'orchestra che hanno "diritto a camminare" a Mosca e ha spostato Theodor Currentzis e Vladimir Yurovsky dalla categoria dei "giovani" alla categoria dei "maturi". Chizhevsky ha ricevuto un diploma di direttore di coro presso il Conservatorio di Mosca nel 2008 e direttore d'opera e sinfonia nel 2010. Dal gennaio 2011 lavora presso la State Academic Symphony Capella of Russia (diretta da Valery Polyansky). Ma nel 2008, insieme a sua moglie Maria Grilikhes, ha fondato l'ensemble Questa Musica, la cui popolarità è recentemente cresciuta come una palla di neve. L'ensemble è specializzato in opere rinascimentali e barocche, nonché in opere di compositori contemporanei. Tra i progetti su larga scala - la messa in scena dell'opera Dido and Aeneas di Purcell, l'esecuzione di Les Noces di Stravinsky insieme all'ensemble di percussioni di Mark Pekarsky, l'opera di Sergei NevskyAustraliaal "Platform" e "Francis" al Teatro Bolshoi, l'opera "Drillians" di Dmitry Kurlyandsky. Molto presto, un'altra prima sulla "Platform" - "Passion" di Alexander Manotskov. ELENA MUSAELYAN ha parlato con i creatori dell'ensemble.

- Chi ha avuto l'idea di creare l'ensemble Questa Musica?

Maria Griliche: L'idea apparteneva alla compositrice Sasha Matveeva, che ha studiato in parallelo con noi al dipartimento di composizione del Conservatorio di Mosca, e, si potrebbe dire, era originariamente il suo progetto di produzione.

Filippo Chizhevsky: Invitammo i miei amici dell'Accademia di arte corale e registrammo immediatamente un disco demo, che includeva composizioni non strettamente correlate tra loro, era un tale medley: musica sacra russa, canzoni popolari, classici e persino spiritual.

Griliche: Presto abbiamo fatto il nostro primo tour a Venezia e lì abbiamo tenuto un concerto di musica sacra russa. E la seconda stagione è iniziata con un concerto da solista alla House of Music. Questa è stata la nascita dell'ensemble Questa Musica- la spina dorsale dei ragazzi che erano con noi poi rimangono ancora nella nostra squadra principale. Poco dopo questo concerto, Sasha si è separata da noi e Philip e io abbiamo iniziato a tirare questa cinghia.

I manifesti indicano che il direttore artistico dell'ensemble è Maria e il direttore è Philip. Cioè, hai diviso le responsabilità creative e amministrative all'interno del tuo tandem familiare?

Griliche: Non abbiamo una distribuzione chiara che io sono solo un organizzatore e Philip è un creatore. Facciamo tutto insieme - ad esempio, ha avuto luogo una prova, e poi ne parliamo insieme, discutiamo di alcuni momenti creativi. C'erano diversi progetti che ho condotto, ma, ovviamente, il direttore principale era Philip. E, naturalmente, mi aiuta in termini di organizzazione. Su alcuni poster hanno scritto che Philip Chizhevsky - sia il direttore artistico che il direttore d'orchestra, non ha scritto per alcuni, e all'inizio eravamo gelosi di questo - chi di noi è chi. E ora non mi interessa affatto, per me non importa assolutamente.

- Ensemble Questa Musica insolito per la sua versatilità. Di regola, ci sono o complessi strumentali da camera, o complessi vocali e corali, e Questa Musica comprende sia parti vocali che strumentali.

Griliche: Inizialmente Questa Musica era un ensemble vocale, ma in seguito gli strumentisti hanno iniziato a unirsi a noi - prima per progetti separati. E poi in qualche modo sono cresciuti molto strettamente per noi.

Quando un direttore apre uno spartito e non c'è nulla di chiaro, uno di loro lo chiuderà immediatamente e l'altro, al contrario, dirà "wow".

Chizhevsky: Sai, Questa Musica nella nostra intesa con Masha - queste sono due persone, lei e io. Perché avevamo progetti completamente diversi nella composizione, in cui non facevo il direttore, ma, per esempio, cantavo. C'era un'esecuzione dei madrigali di Gesualdo, quando leggevo il testo e suonavo persino strumenti a percussione. Prendiamo progetti come "Francis" di Sergei Nevsky al Teatro Bolshoi, quando avevamo sia un coro che un'orchestra abbastanza grande. Quando abbiamo eseguito Les Noces di Stravinsky - il coro e i solisti erano nostri, abbiamo invitato i batteristi dell'ensemble Pekarsky e i pianisti erano insegnanti di conservatorio: Yuri Martynov, Ivan Sokolov, Mikhail Dubov, Vyacheslav Poprugin ...

Griliche: Certo, ora c'è una spina dorsale costante sia nella parte vocale che strumentale dell'ensemble. Si tratta di circa otto cantanti e una quindicina di strumentisti che collaborano costantemente con noi. Quando rimane la stessa composizione, di volta in volta si vede la crescita dell'insieme. E io, come direttore artistico, mi sforzo sempre di garantire che questa spina dorsale sia preservata il più possibile. Idealmente, ovviamente, vorremmo non dover scegliere una formazione per la musica moderna e un'altra per la musica vecchia. Ci sono alcuni ragazzi versatili che sono ugualmente abili negli strumenti per le vene e in quelli moderni, e questo è, ovviamente, sorprendente.

Chizhevsky: Quando facciamo progetti con la musica antica, ci sono alcune sfumature, per esempio, con gli ottoni. Ci sono solo uno o due trombettisti che suonano trombe naturali in Russia, ecco perché vagano da collettivo a collettivo. È lo stesso con i corni francesi. A proposito, non crediamo che tutta la musica, diciamo, dell'era del classicismo, debba essere necessariamente suonata su corde di vena nell'accordatura 30. È sicuramente interessante, e se c'è abbastanza tempo, perché no? Ma questo non è fine a se stesso. Dopotutto, puoi prestare maggiore attenzione all'articolazione, alla composizione, al tratto e tutto suonerà molto bene e vicino all'autentico. Dopotutto, viviamo nel 21° secolo, e puoi variare tutto questo in termini di suono, fare qualche tipo di mix, sintesi, che a prima vista non sono molto digeribili.

Si ha la sensazione di non aver perso l'entusiasmo, che di solito si manifesta solo all'inizio. È chiaro che quando tutto inizia, tutti lavorano solo per l'idea. Come stai affrontando la questione finanziaria ora?

Griliche: Questo è il nostro problema principale, perché tutti i ragazzi che giocano con noi devono lavorare in parallelo in altri lavori. Ognuno ha il proprio orario di lavoro, bisogna cercare finestre per le prove, ed è sempre una seccatura. Non esiste una cosa del genere che le persone vengano, lavorino e se ne vadano. Per quanto riguarda i concerti gratuiti, cerco di ridurli al minimo. Abbiamo già musicisti del livello sbagliato, e se chiamo e dico: "Ciao, faremo questo o quell'altro concerto, dobbiamo aiutare" - questo umanamente non va bene, perché il lavoro deve essere pagato. E mi sento a disagio, non voglio posizionare il nostro insieme come "ah, questi sono Masha e Philip, hanno sempre tutto gratis". Siamo stati invitati al Teatro Bolshoi dal "Gruppo Operativo", così abbiamo calcolato quante prove avremmo dovuto fare e come avrebbero dovuto essere pagate. E attraverso le trattative con il produttore, siamo arrivati ​​a un denominatore comune. A dicembre ho diretto l'opera di Dmitry Kurlyandsky The Sverliytsy, scritta per il nostro ensemble vocale a cappella. Siamo stati invitati dal "Laboratorio di regia individuale", Boris Yukhananov, che è stato coinvolto nella produzione. E tutto è stato pagato.

Ma abbiamo concerti al Conservatorio di Mosca, che amiamo alla follia, amiamo la Rachmaninov Hall e siamo sempre felici di esibirci lì. Tuttavia, lì è tutto gratuito, il conservatorio non paga nulla.

Chizhevsky:È andata molto bene che ci è stata assegnata una borsa di studio per Les Noces di Stravinsky.

Griliche: Si è scoperto così. Per tutta la scorsa stagione ho urlato attraverso tutte le finestre e le porte che esiste una squadra così giovane, al Dipartimento della Cultura, alla Filarmonica - ovunque mi sia candidato. E ho capito che, in linea di principio, nessuno ha bisogno di noi. Ma l'Assessorato alla Cultura mi ha consigliato di fare domanda all'Open Stage per una borsa di studio. E abbiamo scritto un'applicazione per "La storia di un soldato" e "Les Noces", che abbiamo realizzato insieme ad Alisher Khasanov - questo è il regista-coreografo, con lui abbiamo realizzato "Dido". Sono andato all'"Open Stage" un certo numero di volte, ho presentato documenti. E alla fine del 2012 ci hanno chiamato da lì e ci hanno detto che ci era stata assegnata una borsa di studio per Les Noces. Ma in ogni caso, anche se non avessimo ricevuto il contributo, avevamo già in programma “Les Noces”, sarebbe stato semplicemente gratuito. Amo molto tutti i nostri ragazzi, apprezzo il loro lavoro e per il loro bene sono pronto ad andare oltre, chiedere, dimostrare che il nostro ensemble esiste, che il pubblico ha bisogno di noi e non stiamo facendo tutto questo a vuoto.

- Hai provato a trovare il tuo sponsor?

Griliche: Sì, ma non so come trovarlo. Un tempo hanno spedito un mucchio di dischetti e lettere. Poi in qualche modo si sono fermati.

- L'hanno fatto?

Griliche: Certo. Non voglio nemmeno dissimulare e dire che l'hack-work non fa per noi. L'unica cosa è che pongo sempre una condizione per me e per tutti i nostri partecipanti che questo non sia un hack, ma lo stesso concerto, per il quale abbiamo le stesse prove come al solito. Ma abbiamo un quadro rigoroso, ci sono proposte che rifiuto subito. Naturalmente, non suoniamo nei ristoranti, quando le persone mangiano e bevono, come musica di sottofondo ... O se chiedono di suonare musica da cabaret ... Abbiamo fatto una festa aziendale - il nostro gruppo vocale è stato invitato, era un concerto di musica classica nella Pashkov House, che la società ha organizzato per i propri clienti. Nella prima parte ci siamo esibiti, nella seconda - Spivakov con i "Virtuosi di Mosca". In effetti, è stato un concerto in buona compagnia. Se ci fossero più eventi aziendali del genere, vivremmo meglio!

Sulla questione del repertorio dell'ensemble. Da un lato, è piuttosto ampio: dalla musica del Rinascimento a quella più moderna. Nei programmi del tuo abbonamento alla Filarmonica di Mosca convivono Gesualdo e Charrino, Charpentier e Messiaen. Ma questo crea la sensazione che stai deliberatamente evitando il "mezzo" romantico familiare all'ascoltatore medio. C'è un momento di sfida: canteremo e suoneremo ciò che vogliamo e non ci importa che solo un circolo molto ristretto lo percepisca?

Chizhevsky: Sai, in qualche modo non abbiamo nemmeno pensato a questo argomento. Quando il programma verrà sviluppato, speriamo che sarà interessante ascoltarlo anche per altre persone. Ora c'è sempre più pubblico che può percepire questa musica e, tra l'altro, tra i non musicisti. Ci sono molti giovani intellettuali che non hanno nulla a che fare con la musica: attori, artisti. La musica è emozione, e se la presenti bene, mostri quanto noi stessi traiamo piacere dalla sua esecuzione, allora questo non rimane senza risposta.

Il nostro gruppo non ha un chiaro orientamento verso un'epoca particolare. Facciamo solo ciò che ci interessa in questo momento. È mia profonda convinzione che non abbiamo il diritto di suonare musica vecchia se non conosciamo quella che viene scritta ora. E se suoniamo musica moderna, iniziamo a guardare la musica antica in un modo completamente diverso. È molto vicino, ed è sempre bello quando la musica del vecchio e del nuovo viene messa fianco a fianco nel programma del concerto.

Una sinfonia di Haydn, Mozart, Beethoven o qualsiasi composizione romantica, in linea di principio, può essere eseguita senza direttore. Ma se nulla cambia in sua presenza, allora sorge la domanda: perché è necessario?

Paradossalmente, il tuo ensemble sta diventando famoso grazie a progetti di musica contemporanea, anche se molti credono che spaventi l'ascoltatore ...

Griliche: Ciò è in gran parte dovuto al coraggio di Philippe come direttore d'orchestra. Quando il direttore apre lo spartito e non c'è niente di chiaro, uno di loro lo chiuderà immediatamente e l'altro, al contrario, dirà: wow, che spartito, farò tutto adesso. Nelle note Australia Nevsky (questo è stato scritto per il nostro ensemble vocale e il collettivo olandese), ad esempio, all'inizio non capivo proprio niente. Cosa devi fare qui - cantare, fischiare? E questa esperienza dà una carica molto potente. È molto interessante per noi superare le difficoltà e imparare cose nuove. Ogni compositore ha la sua tecnica e mi chiedo se possiamo farcela con questo, e con questo ... E voglio farlo in modo tale che risulti fantastico e attiri non solo noi, ma anche il pubblico. Mi sembra che Philip, come nessun altro, interpreti perfettamente la musica moderna, e nella presentazione del suo direttore prende davvero vita. Quando abbiamo cantato Australia, Mitya Kurlyandsky ci ha ascoltato e ha composto "The Sverliytsy" già contando su di noi.

Chizhevsky: E Nevsky ci ha incontrato a un concerto nella Sala Rachmaninov, quando abbiamo eseguito Gesualdo a cappella e Dido di Purcell su strumenti storici. È interessante che ci abbia ascoltato proprio come interpreti di musica antica. Anche se, ovviamente, i madrigali di Gesualdo sono paragonabili ai più sofisticati esercizi vocali che i compositori moderni possono solo immaginare.

- Philip, la tua carriera personale di direttore d'orchestra si sta sviluppando abbastanza bene. Ti sei esibito più volte con l'orchestra Musica V iva , Filarmonica Nazionale, lavori nella cappella Polyansky. Come dai la priorità quando scegli tra la tua carriera e lo sviluppo della tua idea? Questa Musica?

Chizhevsky:È difficile da dire. Per me, la priorità è sempre ciò che sto facendo in questo momento. Quando preparo un concerto, sono completamente occupato solo da esso. Io amo veramente Questa Musica, per me questa è casa. Ma mi sento a mio agio ovunque, non c'è stato un solo caso in cui ci sono stati conflitti con altre orchestre. Ora voglio proporre al direttore di "Nuova Russia" di fare un concerto di Morton Feldman e combinarlo nel programma con la Decima Sinfonia di Myaskovsky. C'è un altro progetto: suonare composizioni di Charrino e Monteverdi. Suona Monteverdi su strumenti storici con il nostro ensemble, e da Charrino play Storie di altre storie per fisarmonica e orchestra su musiche di Mozart e Scarlatti. Ma questo è ancora nei piani.

- Secondo te, il conduttore è chi?

Chizhevsky: Un direttore è uno strumento per un'orchestra. Lui, ovviamente, deve avere le qualità sia di un insegnante che di un leader. Deve offrire qualcosa e fare in modo che la gente gli creda, deve essere in grado di distribuire l'energia e dirigerla nella giusta direzione. Dovrebbe essere uno psicologo, forse dire qualcosa, ma in misura maggiore, ovviamente, dovrebbe mostrare con le mani come toccare i suoni, pesarli ...

- Parli a parole di quello che vuoi dagli artisti?

Chizhevsky: Cerco di parlare il meno possibile e di mostrare tutto con le mie mani. Se qualcosa non funziona, lo prendo sul personale - significa che non l'ho mostrato abbastanza bene. Esigo che i musicisti reagiscano al mio gesto.

- Posso mostrare tutto?

Chizhevsky: Penso di si. Il compito del conduttore è far sentire tutti come me, ma allo stesso tempo non puoi imporre la tua volontà. Ogni musicista dovrebbe sentirsi a proprio agio. E alla fine, se tutti percepiscono questa musica come me, allora sarà un unico organismo, che in realtà non ha bisogno di un direttore d'orchestra. Quindi il direttore può farsi da parte e godersi l'esibizione. Ma prima di questo, deve fare un ottimo lavoro.

Il compito è fare con l'orchestra ciò che lui stesso non può fare senza la partecipazione del direttore. Una sinfonia di Haydn, Mozart, Beethoven o qualsiasi composizione romantica, in linea di principio, può essere eseguita senza direttore. Ma se nulla cambia dalla sua presenza, allora sorge la domanda: perché è necessario? Poi, mi piace cambiare alcune cose nella performance finale, fino alla dinamica. Quando tutto è appreso, perché non fare qualcosa di improvviso. Ovviamente entro limiti ragionevoli. Ma non chiederò mai lo stesso alle prove come al concerto.

Ora l'ensemble è già al suo quinto anno. Questo è il tempo sufficiente per guardare indietro e valutare ciò che è stato fatto. Per riassumere, cosa c'è nel tuo ensemble che gli altri non fanno?

Griliche: Il nostro ensemble ha un amore vivo e genuino per la musica, abbiamo un'anima, un'energia interiore e un'espressione che ci unisce tutti. Ci siamo già fatti un nome, e quando dicono Questa Musica- questo implica una certa qualità. E, credo, abbiamo già uno stile consolidato, il nostro sound.

Chizhevsky: E anche la fede in quello che facciamo, che ci aiuta a vivere, suonare, creare, collezionare musicisti.

- Quali obiettivi ti prefiggeresti per il decimo anniversario Questa Musica?

Chizhevsky: Suona l'opera Parsifal.

- Questa è la composizione che dovrebbe crescere Questa Musica! Per quanto ho capito, Philip sta preparando una mini-versione della Cappella Polyansky?

Griliche: Cappelle Chizhevsky. E mettendo da parte i momenti creativi, ovviamente, vorrei stabilità finanziaria in modo da poter guardare con calma i nostri musicisti negli occhi. Hanno tutti una famiglia, non solo Philip e io abbiamo figli, molti di loro hanno figli nell'ensemble, e mi fa male quando capisco che devono mollare dieci lavori perché amano la musica e il nostro ensemble, credono in noi e vogliono stare con noi.

Sul Palcoscenico del Teatro Musicale intitolato a KS Stanislavsky e Vl. I. Nemirovich-Danchenko a maggio ospiterà la prima russa dell'oratorio di Georg Friedrich Handel "Il trionfo del tempo e dell'insensibilità".

La produzione è stata diretta da Konstantin Bogomolov, che per primo si è dedicato al teatro musicale.

Il nuovo libretto è stato creato dal famoso scrittore, sceneggiatore, artista Vladimir Sorokin.

L'ensemble Questa Musica sotto la direzione di Philip Chizhevsky è responsabile della componente musicale.

Poco prima della prima, il direttore ha parlato di questo oratorio e della musica di Händel.

- Philip, per quanto ne so, Konstantin Bogomolov aveva in programma di mettere in scena Il trionfo del tempo e dell'insensibilità tre anni fa. Come è successo che sei entrato a far parte della già discussa performance?

- Sono stato invitato da Anton Getman e per il mio compleanno. Ha detto che aveva già un accordo con Kostya, e ora aveva bisogno di me e dei miei musicisti. È vero, ha posto una condizione per suonare su strumenti storici.

Questa offerta è stata il miglior regalo per me! "Triumph..." è un progetto molto complesso e insolito. Questo oratorio contiene quattro figure allegoriche asessuate. Ho suggerito a Kostya di creare una storia completamente maschile e lui ha subito colto al volo l'idea. Abbiamo quattro meravigliosi solisti, abbiamo fatto il primo blocco di prove con l'orchestra, abbiamo inventato qualcosa per il continuo... Ma non vi svelerò tutti i segreti.

- Hai già lavorato sulla musica di Händel - sia sull'oratorio "Messiah" che sull'opera "Rodelinda" - insieme a Christopher Moulds. Ora - una delle prime creazioni del grande compositore.

- Sì, questo è, come sai, il suo primo oratorio. Suoniamo la prima versione scritta per i suoi committenti italiani nel 1707. Händel si rivolse a questo lavoro trent'anni dopo (1737), e si rivelò per metà inglese e per metà italiano. E poi 20 anni dopo (1757) l'oratorio era già eseguito interamente in inglese.

Per Handel si tratta di un'opera assolutamente "avant-garde". Non mi piace questa parola. Dopotutto, in linea di principio, Handel è un compositore piuttosto "pettinato". Tutta la sua musica è bella, eufonica - solo Igor Krutoy del suo tempo. E se ascolti l'aria "Gentle Morpheus" da "Alceste", allora questo è puro stile del gruppo ABBA.

Certo, è vero il contrario, ma il significato di ciò che voglio dire è chiaro. Nella sua giovinezza, Händel aveva ancora un naso "da lupo". E poi si è calmato un po'.

- In "Triumph of Time and Insensibility" non c'è cosa più importante per l'oratorio: il coro. Si vorrebbe chiamare questo lavoro un'opera. Ma, come scrive Larisa Valentinovna Kirillina nel suo libro su Händel, per ordine di papa Clemente XI, le rappresentazioni pubbliche dell'opera a Roma dal 1700 al 1721 non potevano essere rappresentate. Non pensi che Händel abbia criptato il suo lavoro in questo modo?

- Certo. Era l'opera che Händel voleva scrivere. Ma era ancora un giovane e, come si suol dire, non aveva bisogno di problemi. Ecco perché l'opera divenne un oratorio. Ci sono molti reperti del compositore nella partitura, ad esempio una parte solista dell'organo completamente scritta. Questo è abbastanza raro nella sua musica.

Oltre ai duetti e alle arie chic (a proposito, un'aria in seguito è migrata nell'opera Rinaldo), ci sono solo due accompagnamenti recitativi e due quartetti, uno dei quali è a tutti gli effetti (Voglio tempo). Conosciamo molti suoi campioni simili, in cui quattro persone cantano contemporaneamente? Questo è un esempio unico.

In "Triumph..." lo stile di scrittura italiano si fa sentire chiaramente, soprattutto per l'abbondanza di "bel canto", i cui embrioni sono molto concretamente visibili. Le parti dei cantanti sono scritte nel modo più selvaggio! I solisti devono avere una tecnica fenomenale.

Händel, come molti dei suoi colleghi, gestisce le voci in modo strumentale. Diciamo che ha due oboi che suonano piccole note, e poi inizia subito questa trama in un duetto vocale. Sembra che sia un po' sarcastico. Händel ha poi compiuto 22 anni, era sopraffatto dall'energia vitale, non aveva paura di sperimentare.

Ma dopo molti anni si guardò giovane attraverso il prisma di un musicista maturo, come avrebbe fatto in seguito Bruckner, tornando alla sua prima sinfonia negli ultimi anni della sua vita.

- Konstantin Bogomolov definì "marcio" il libretto del cardinale Pamphilj. Sei d'accordo con lui?

- Penso di si. In generale, se osserviamo alcuni campioni del libretto dell'epoca, difficilmente troveremo nulla di super interessante. Con la Panfilia è tutto chiaro - qui il Piacere dice alla Bellezza: "Sarai sempre bella". E il Tempo risponde: "No, tutto finisce ad un certo punto..." Beh, tutto intorno.

E per Kostya, come persona teatrale, è importante un'incarnazione più precisa di questa trama convenzionale. Cosa ha fatto Sorokin con il testo? Ha appena preso e scritto i suoi testi! Anche se, naturalmente, gli appelli di Pamphilj sono rimasti. A mio parere, questo è incredibilmente fatto. Una soluzione molto interessante. Qui stiamo guardando un'immagine: se indoviniamo l'angolo e l'angolo con cui l'artista ha applicato questo o quel tratto, allora questa immagine ci viene rivelata. Mi sembra che Sorokin abbia fatto lo stesso. Ha decifrato Händel.

- Il testo del libretto era in sintonia con l'epoca. Lo spettatore moderno sarà interessato a tutto questo complesso di simboli e allegorie? Oppure è necessario prendere una decisione radicale, come nel caso della versione di Sorokin?

- Non credo che l'oratorio nella produzione storica originale sarà noioso. Ma abbiamo la nostra strada. Sicuramente hai visto la produzione di Krzysztof Warlikowski ad Aix-en-Provence, dove nell'ultima aria la Bellezza apre le sue vene. Con noi è tutto diverso. Un artista che intraprende qualcosa di nuovo per se stesso vuole dire molto, trasmettere molto allo spettatore. Inoltre, un artista affermato.

- Non c'è stato alcun trionfo alla prima dell'oratorio, ma lo avremo, secondo te?

- Posso dire una cosa per certo: sarà interessante. Anche adesso, durante le prove, ci sentiamo freschi. Naturalmente suoniamo sulle "vene", ma dico ai miei musicisti: amici, dimenticate che siete artisti barocchi.

Guardiamo questa musica attraverso il prisma del nostro tempo - sia in termini di struttura, sia in termini di articolazione, tratti, dinamica. Dobbiamo cercare altre uscite. Sì, sappiamo che qui bisogna rallentare, ma qui bisogna andare avanti. Ma perché dovremmo attenerci ad esso al 100%? Suoniamo la musica più recente, ma possiamo suonare musica barocca dalla stessa prospettiva.

Ne "Il trionfo del tempo e dell'insensibilità" ci sarà Händel, forse diverso da quello che siamo abituati a sentire. Facciamo un Handel atipico. Ma su strumenti storici.