Dettagli Categoria: Belle Arti e Architettura della XIX AGE PUBBLICATO 08.08.2017 11:47 visualizzazioni: 1925

Nel 1776, l'America ha proclamato la sua indipendenza, e da quel momento inizia effettivamente lo sviluppo delle arti visive nazionali, che intendeva mostrare la storia del paese.

Artisti del XVIII secolo. La maggior parte di loro era auto-insegnata e fondata sullo stile dell'arte britannica.
E nel XIX secolo. La prima scuola di pittura è stata già creata - la Hudson River School.

Scuola di fiume Hudson

La Hudson River School è il cosiddetto gruppo di artisti di vernice americana. La loro creatività si è sviluppata nello stile del romanticismo. Le immagini raffiguravano la valle del fiume Hudson e i suoi dintorni. Gli artisti hanno spesso ritratto la natura selvaggia dell'America e ha messo in discussione la fattibilità dei progressi tecnici.

Thomas Cole "Oksbow" (1836). Museo metropolitano (New York)
La scuola di fiume Hudson non era un fenomeno omogeneo in pittura di quel tempo: per esempio, c'era un ramo nello stile dell'impressionismo, che è stato chiamato lineismo. Il telesimo ha prestato grande attenzione alla percezione dall'artista della luce. Dall'impressionismo, il luminamento si distingue per il fatto che è più attenzione ai dettagli, è fatta una striscia nascosta. Ma in generale questi due stili sono simili.

Fitz Henry Lane "Nave in Tuman" (1860)
Il fondatore della scuola era l'artista Thomas Cole. Ha guidato sul fiume Gudson nella caduta del 1825. Poi, Ashecher Brown Durand si unì a lui. Altri artisti scolastici:

Albert Birstadt.
John William Casiller.
Frederick Edwin Church.
Thomas Cole.
Samuel Kolmen.
Jasper Francis Kropsi.
Thomas dobuti.
Robert Scott Dancançon.
Senford Robinson Gifford.
James McDougal Hart.
William Hart.
William Stanley Haseltine.
Martin Johnson Hedi Dr.

Il dipinto di artisti della scuola di Hudsosphere è stata semplicemente semplicità.

Thomas Cole (1801-1848)

Thomas Cole è nato in Inghilterra. Nel 1818, la sua famiglia emigrò negli Stati Uniti. Le professioni ASE Cole ricevevano un artista randagio-ritrattista Stein. Ma la pittura ritratto non ha avuto successo per lui, e ha iniziato a scrivere paesaggi. Le dipinti allegorici sono stati in grado, ad esempio, una serie di "vita in viaggio", composta da immagini dei quattro periodi della vita umana: infanzia, giovani, maturità e vecchiaia. Questo ciclo è memorizzato nella National Art Gallery (Washington, USA)

T. COLE "Infanzia"
Nella prima foto, l'artista ritraeva un bambino in una barca che galleggia lungo il fiume della vita. Questa barca è gestita da un angelo, perché Il bambino non è ancora capace di indipendenza. Il suo orizzonte, come nella foto, è limitato. La figura sul naso della barca contiene clessidra, che simboleggia il tempo.

T. Cole "Gioventù"
La stessa barca, ma ha già un giovane. Ha già gestito la barca in modo indipendente, ma l'angelo non lo lascia comunque - lo guarda dalla riva.

Angel continua a guardare un uomo, ma è immerso nei suoi problemi che lo sopraffatti - enfatizza il sapore triste dei dipinti, degli alberi, delle tempeste tremanti ...

T. cole "vecchiaia"
E ora il percorso di vita dell'uomo finisce. Le forme con orologio di sabbia sulla barca non è più - il tempo della vita terrena è completata. E la barca è tutti semi ...
L'angelo custode andò da lui per dirigere il suo futuro percorso verso il mondo degli altri, e altri angeli erano visibili. Cole disse così su questo dipinto: "la messa in scomparsa dell'esistenza corporea e la mente è già in grado di vedere i glimpsi della vita eterna".

Winslow Homer (1836-1910)

Foto 1880.
Artista e programma americano, fondatore di pittura realistica. Più famoso per i loro paesaggi del mare. Ha scritto olio e acquerello. La sua creatività ha influenzato l'intero sviluppo successivo della pittura americana.
Homer ha sperimentato l'influenza di vari flussi artistici, ma era basato principalmente su trame puramente americane.
Il suo dipinto precoce periodo - leggero e sereno, e per l'ultimo periodo sono caratterizzati da toni scuri e argomenti tragici.

W. Homer "Fog Signal Signal". Boston Museum of Fine Arts (USA)
L'argomento dell'immagine è una lotta di una persona con il mare, il rapporto tra la vita umana fragile e la natura eterna.

Thomas Kaupertut Ikins (Eykins) (1844-1916)

Artista americano, fotografo, insegnante, il più grande rappresentante della pittura realistica americana.

T. Ikins. Autoritratto (1902)
Si è laureato alla Pennsylvania Academy of Fine Arts, ha ulteriormente migliorato le sue capacità in Europa, principalmente a Parigi sotto la guida di Jean Leon Zherooma. Ha insegnato all'Accademia di Belle Arti, è stato il suo direttore.
Ho prestato grande attenzione allo studio e all'immagine di una natura nuda, alla fine della presentazione, per la quale è stato licenziato. Nel dipinto di Ikins e delle sue foto, un corpo nudo e semi-fottuto occupa il posto principale. Possiede molte immagini di atleti. L'interesse speciale di Ikins ha causato il trasferimento di movimenti del corpo umano.

T. Ikins "nuoto" (1895)
Ha scritto ritratti in un ambiente multifigurno.
Il lavoro più famoso è la clinica lorda.

T. Ikins "Gross Clinic" (1875)
L'immagine mostra il famoso chirurgo Philadelfico Samuel Gross, che gestisce l'operazione agli studenti dell'Accademia Medicana. L'artista raffigura il Dr. Gross dal genio del pensiero umano, ma la foto ha scioccato i contemporanei con il suo realismo.
T. Ikins noto anche per un certo numero di ritratti significativi, incluso il ritratto del poeta americano e il pubblicista Walt Whitman (1887-1888), che ha considerato il poeta.

T. Ikins. Ritratto di Whitman (1887)

James Abat Mcnel Whistler (1834-1903)

Artista anglo-americano, ritrattista, maestro di incisione e litografia. Impressionismo del predecessore e simbolismo.

D. Whistler. Auto ritratto. Istituto delle Arti (Detroit)
Nato a Lowelle (Massachusetts). Suo padre, George Washington Whistler, un noto ingegnere ferroviario, nel 1842 è stato invitato a costruire strade in Russia, ha progettato la ferrovia Nikolaev. In Russia, James ha visitato l'Accademia delle Arti. Negli Stati Uniti, ha studiato in una scuola militare, ma è stato detratto.

D. Bodisler "Disposizione in grigio e nero. Madre dell'artista (1871). Orsay Museum (Parigi)
Questo è il lavoro più famoso di James Whistler.
Ha studiato la pittura a Parigi, poi a Venezia (impegnata in schizzi e incisioni dell'acquerello).
Nel primo periodo del lavoro del whistler riunito con l'impressionismo, il desiderio di catturare la prima impressione dal soggetto - il paesaggio o l'uomo. Ma su molte questioni, disperse con gli impressionisti: non approva il culto di Plenäer, pensò in anticipo la tonalità del fiore. Nei lavori in ritardo, Whistler utilizza vernici trasparenti estremamente divorziali, acquerelli, che trasmettono un senso dell'assunzione della mobilità del mezzo atmosferico.

D. Whistler "Symphony in the Grey e The Green Ocean" (1866-1872)

Genere per la casa

Un grande sviluppo nella pittura americana XIX secolo. Ho un genere domestico. All'inizio, questo genere era basato su una vita provinciale con carte, ballo, ecc.

Eastman Johnson "Felicità della diligenza abbandonata" (1871)
Ma dopo che la rivoluzione industriale e l'urbanizzazione sono iniziate negli Stati Uniti, gli artisti hanno iniziato a ritrarre la vita delle grandi città.

John Gast "American Progress" (circa 1872)
L'immagine mostra la Columbia allegorica con un libro di testo in mano. Conduce una civiltà ad ovest insieme a immigrati americani, caro stretching la linea del telegrafo. L'immagine mostra diversi tipi di attività economica dei primi coloni, la storia del trasporto. Gli indiani e gli animali selvatici raffigurano scappare dagli immigrati.

"Scuola di vestatori della spazzatura"

Alla fine dei secoli XIX e XX. Negli Stati Uniti, c'era una rapida crescita di grandi città. Le telecamere di quel tempo non potevano ancora essere utilizzate per le riprese operative degli incidenti, quindi i giornali noleggiano gli artisti per illustrazioni. Quindi è stata formata "Scuola di Garbage Vorde", che includeva Robert Henry, Glenn Kolman, Jerome Myers e George Bellose. Gli oggetti principali degli schizzi degli Studi degli studi erano strade con i loro rappresentanti tipici: frullati, prostitute, artisti di strada e immigrati. L'origine, l'educazione e le opinioni politiche di questi artisti erano diverse. Ma Robert Henry credeva che la vita e le attività del povero, proletariato e della classe media siano degna di incarnazione nella pittura - queste sono realtà.

George Beluse "Aiuta Guida Aiuto Evori EDITH Cavell" (1918)
"Scuola di vestanti spazzatura" ha fatto una rivoluzione nell'arte visiva degli Stati Uniti, era il precursore

"Giocatori in carte"

Autore

Paul Cesanne.

Nazione Francia
Anni di vita 1839–1906
Stile Pospressionismo.

L'artista è nato nel sud della Francia in una piccola città di ex-en-Provence, ma la pittura cominciò a impegnarsi a Parigi. Questo successo è venuto da lui dopo la mostra personale organizzata dal collezionista Ambruz Vollar. Nel 1886, 20 anni prima della sua cura, si trasferì alla periferia della sua città natale. I giovani artisti lo hanno chiamato chiamato "pellegrinaggio in ex".

130x97 cm
1895 anni
Costo
$ 250 milioni.
venduto nel 2012
sul commercio privato

La creatività Cezanne è facile da capire. L'unica regola dell'artista era la trasmissione diretta del soggetto o della trama sulla tela, quindi i suoi dipinti non causano la perplessità del Viewer. Cezanne ha collegato due principali tradizioni francesi nella sua arte: classicismo e romanticismo. Con l'aiuto di una trama colorata, ha allegato una fantastica plasticità di oggetti.

Una serie di cinque dipinti "giocatori in mappe" è stato scritto nel 1890-1895. La loro trama è la stessa - diverse persone giocano con entusiasticamente il poker. Disponibile solo dal numero di giocatori e dimensioni tela.

Quattro dipinti sono conservati nei musei dell'Europa e dell'America (Museo di D'Orce, Museo Metropolitano, Barnes Foundation e dell'Istituto Kurto), e la quinta volta fino a poco tempo fa la decorazione della collezione privata di Greco Billionaire-showner Georg Embyricos. Poco prima della sua morte, in inverno del 2011, ha deciso di metterlo in vendita. Dealer Art William Akvavella e un nome glimpico di Larry Gagosyan, che lo ha offerto circa $ 220 milioni, che offrivano circa $ 220 milioni di dollari per i potenziali acquirenti di lavoro "libero". Di conseguenza, l'immagine è andata alla famiglia reale dello stato arabo del Qatar per 250 milioni. Il più grande accordo d'arte nella storia della pittura è stato chiuso a febbraio 2012. Questo in Vanity Fair ha riportato un giornalista Alexander Pierce. Ha scoperto il costo dell'immagine e il nome del nuovo proprietario, e quindi le informazioni penetrarono i media in tutto il mondo.

Nel 2010, il Museo Arabo dell'arte contemporanea e il Museo Nazionale del Qatari sono stati aperti in Qatar. Ora le loro collezioni sono rifornite. Forse la quinta versione dei "giocatori nella carta" è stata acquisita da Sheikh per questo scopo.

Sami.gentile pitturanel mondo

Proprietario
Sheikha Hamad.
bin califfo al-tanya

La dinastia Al-Tanya governa il Qatar oltre i 130 anni. Circa mezzo secolo fa, enormi riserve di petrolio e gas sono state trovate qui che il Vmig ha reso il Qatar una delle regioni più ricche del mondo. Grazie all'esportazione di idrocarburi in questo piccolo paese, è registrato il più grande PIL pro capite. Sheikh Hamad Bin Califa Al-Tanya nel 1995, mentre suo padre era in Svizzera, con il sostegno dei membri della famiglia sequestrati. Il merito del righello attuale, secondo gli esperti, in una chiara strategia per lo sviluppo del paese, creando un'immagine di stato di successo. Ora la Costituzione e il Primo Ministro sono apparsi in Qatar e le donne hanno ricevuto il diritto di votare nelle elezioni parlamentari. A proposito, è stato l'Emir del Qatar che fondò il canale di notizie di Al-Jazeera. Enorme attenzione delle autorità dello stato arabo pagano la cultura.

2

"Numero 5"

Autore

Jackson Pollock.

Nazione Stati Uniti d'America
Anni di vita 1912–1956
Stile Espressionismo astratto

Jack Sproyer - Un tale soprannome è stato dato al pubblico americano per la tecnica speciale della pittura. L'artista ha rifiutato il pennello e il cavalletto, e la vernice si riversava sulla superficie della tela o della fibrolite durante il movimento continuo intorno e dentro di loro. Dalla tenera età, è stato appassionato di filosofia Jedda Krishnamurti, la promessa principale di cui - la verità si apre durante la "effusione" libera.

122x244 cm
1948.
costo
$ 140 milioni.
venduto nel 2006
sull'asta Sotheby's.

Il valore del lavoro del centrocampo non è un risultato, ma nel processo. L'autore non ha accidentalmente chiama la sua arte di pittura azione. Con la sua mano leggera è diventato il dominio principale dell'America. Jackson Pollock Vernice miscelata con sabbia, vetro rotto, e ha scritto un pezzo di cartone, mastice, coltello, scoop. L'artista era così popolare che negli anni '50, gli imitatori furono trovati anche nell'URSS. L'immagine "numero 5" è riconosciuta come uno dei più strani e costosi nel mondo. Uno dei creatori di Dreamworks David Hepfen lo ha acquisito per una collezione privata, e nel 2006 venduto all'asta di Sotheby per 140 milioni di dollari al messicano David Martinez. Tuttavia, presto uno studio legale per conto del suo cliente ha rilasciato un comunicato stampa, che ha riferito che David Martinez non è il proprietario del dipinto. Apparentemente solo una cosa è nota: il finanziere messicano ha effettivamente raccogliere di recente opere d'arte contemporanea. È improbabile che avrebbe perso un "grande pesce" come "numero 5" del centrocampo.

3

"Donna III"

Autore

Villem de Kuning.

Nazione Stati Uniti d'America
Anni di vita 1904–1997
Stile Espressionismo astratto

L'partenza dai Paesi Bassi, emigrò negli Stati Uniti nel 1926. Nel 1948, si è svolta una mostra personale dell'artista. I critici d'arte apprezzavano complesse complesse, nervose composizioni in bianco e nero, riconoscendo nel loro autore del Grand Artist-Modernist. Ha sofferto la maggior parte della sua vita con l'alcolismo, ma la gioia di creare una nuova arte è sentita in ogni lavoro. De Kuning si distingue per l'impulsività della pittura, gli ampi tratti, che a volte l'immagine non si adatta ai confini della tela.

121x171 cm
1953.
Costo
$ 137 milioni.
venduto nel 2006
sul commercio privato

Negli anni '50, donne con occhi vuoti, petti massicci, brutte caratteristiche del viso appaiono nei dipinti di De Kuning. "Donna III" è diventata l'ultimo lavoro di questa serie che partecipa all'asta.

Dagli anni '70, la foto è stata conservata nel Museo di Teheran dell'arte contemporanea, ma dopo l'introduzione di dure regole di moralità nel paese, cercarono di liberarsene. Nel 1994, il lavoro è stato portato fuori dall'Iran, e dopo 12 anni il suo proprietario David Hepfen (il maggior produttore che ha venduto il Jackson Pollock "numero 5" canale) ha dato l'immagine a Milliona Stephen Cohen per $ 137,5 milioni. È interessante notare che Hepfhen ha iniziato a vendere la sua collezione di pittura in un anno. Ha dato origine a un peso di voci: ad esempio, quel produttore ha deciso di acquistare il quotidiano di Los Angeles Times.

In uno dei forum d'arte, è stata espressa un'opinione sulla somiglianza delle "donne III" con l'immagine di Leonardo da Vinci "Lady con Mornosta". Per un sorriso a trenta denti e una figura informe dell'eroina, lo intenditore della pittura vide la grazia del sangue reale. Questo è evidenziato dalla corona scarsamente dipinta, la testa di nozze di una donna.

4

"Ritratto di ADELIBloch-Bauer I »

Autore

Gustav Klimt.

Nazione Austria
Anni di vita 1862–1918
Stile Moderno

Gustav Klimt è nato nella famiglia di una famiglia Engraver ed era il secondo di sette figli. Tre figli di Ernest Klimt divennero artisti, e solo Gustav era diventato famoso per il mondo intero. La maggior parte dell'infanzia ha trascorso nella povertà. Dopo la morte di suo padre, era responsabile per tutta la famiglia. È in questo momento che clost sviluppa il suo stile. Di fronte ai suoi dipinti, qualsiasi spettatore si blocca: sotto le sottili striscio d'oro è chiaramente visibile all'erotismo franco.

138x136 cm
1907 anni
Costo
$ 135 milioni.
venduto nel 2006
sull'asta Sotheby's.

Il destino dell'immagine, che si chiama "Austrian Mona Liza", può facilmente diventare la base per il bestseller. Il lavoro dell'artista era la causa del conflitto di un intero stato e una signora anziana.

Quindi, sul "ritratto di Adeli Bloch-Bauer I" raffigurato un aristocratico, la moglie di Ferdinand Bloch. La sua ultima volontà era di trasferire l'immagine della Galleria Statale Austriaca. Tuttavia, le pulci nella sua volontà annullarono la donazione e la tela espropriarà i nazisti. Più tardi, la Galleria ha appena comprato il "Golden Adel", ma qui apparvero gli eredi - Maria Altman, la nipote di Ferdinand Bloch.

Nel 2005, è iniziato il forte processo di "Maria Altman contro la Repubblica austriaca", seguendo il quale la foto "lasciò" con lei a Los Angeles. L'Austria ha adottato misure senza precedenti: c'erano negoziati sui prestiti, la popolazione ha sacrificato i soldi per comprare un ritratto. Buono e non ha vinto il male: il prezzo di Altman ha raccolto fino a $ 300 milioni. Al momento del procedimento, aveva 79 anni, ed è entrata nella storia come una persona che aveva cambiato la volontà di Bloch Bauer a favore degli interessi personali. La foto è stata acquisita da Ronald Laoupere, il proprietario della "nuova galleria" a New York, dove è ancora in questo giorno. Non per l'Austria, per lui Altman ha abbassato il prezzo fino a $ 135 milioni.

5

"Torrente"

Autore

Edward Munk.

Nazione Norvegia
Anni di vita 1863–1944
Stile espressionismo

La prima immagine del fango, che è diventata famosa in tutto il mondo, - "ragazza malata" (esiste in cinque copie) - dedicata alla sorella dell'artista che ha deceduto dalla tubercolosi di 15 anni. Minka è sempre stata interessata al tema della morte e della solitudine. In Germania, la sua pittura pesante e maniacale ha persino provocato uno scandalo. Tuttavia, nonostante le trame depressive, i suoi dipinti hanno un magnetismo speciale. Prendi almeno il torrente.

73,5х91 cm
1895 anni
Costo
$ 119,992 milioni.
venduto B. 2012.
sull'asta Sotheby's.

Il nome completo dell'immagine è der Schrei der Natur (tradotto dal tedesco - "torrente della natura"). La persona è se la persona è, o gli alieni che esprimono la disperazione e il panico - la stessa emozione sta vivendo uno spettatore quando guardi l'immagine. Una delle opere chiave dell'espressionismo avverte i temi che sono diventati acuti nell'arte del XX secolo. Secondo una delle versioni, l'artista lo ha creato sotto l'influenza del disturbo mentale, che ha sofferto per tutta la sua vita.

L'immagine due volte è stata rubata da diversi musei, ma è stato restituito. I piccoli danni risultanti dopo il furto "Creek" è stato rinnovato, ed è stato di nuovo pronto a mostrare al Mill Museum nel 2008. Per i rappresentanti della cultura pop, il lavoro è diventato fonte di ispirazione: Andy Warhol ha creato una serie delle sue copie di stampa, e la maschera del film "Creek" è stata fatta nell'immagine e la somiglianza dell'eroe dell'immagine.

Per una trama, la munk ha scritto quattro versioni del lavoro: quella è nella collezione privata, vengono eseguiti pastelli. Il miliardario norvegese Petter Olsen lo ha messo all'asta il 2 maggio 2012. L'acquirente era Leon Black, che non ha acquisito il "grido" dell'importo del record. Fondatore di Aziende Apollo Advisors, L.P. e consulenti Lion, L.P. Conosciuto dal suo amore dell'art. Black è un patrono del college Dartmouth, Museo di arte contemporanea, Art Center Lincoln, Metropolitan Museum of Arts. Ha la più grande collezione di dipinti di artisti moderni e maestri classici dei secoli passati.

6

"Nudo sullo sfondo di foglie di busto e verde"

Autore

Pablo Picasso

Nazione Spagna, Francia
Anni di vita 1881–1973
Stile cubismo

Per origine, è uno spagnolo, e in spirito e luogo di residenza - un vero francese. Lo studio d'arte di Picasso è stato aperto a Barcellona quando aveva solo 16 anni. Poi è andato a Parigi e ha trascorso la maggior parte della vita lì. Ecco perché nel suo cognome doppio enfasi. Nel cuore dello stile, inventato Picasso, c'è una negazione di opinioni che l'oggetto raffigurato sulla tela può essere considerato solo sotto una vista.

130x162 cm
1932 anni
Costo
$ 106,482 milioni.
venduto nel 2010 anno
sull'asta Christie's.

Durante il suo lavoro a Roma, l'artista ha incontrato il ballerino di Olga Khokhlov, che presto divenne sua moglie. Ha finito con vagabondo, si muoveva con lei in un lussuoso appartamento. A quel tempo, il riconoscimento ha trovato un eroe, ma il matrimonio è stato distrutto. Uno dei dipinti più costosi del mondo è stato creato quasi per caso - in grande amore, che, come sempre, Picasso era breve. Nel 1927, fu portato via dal giovane Marie Terez Walter (aveva 17 anni, aveva 45 anni). In segreto, lasciò sua moglie con la sua amante della città vicino a Parigi, dove ha scritto un ritratto, raffigurante Marie Terez nell'immagine di Daphne. La tela ha acquisito il rivenditore di New York Paul Rosenberg, e nel 1951 lo ha venduto Sydney F. Brouda. I coniugi Brody hanno mostrato una foto del mondo solo un giorno e solo perché l'artista aveva 80 anni. Dopo la morte di suo marito, la signora Brody, nel marzo 2010, metti un'opera d'asta nella casa di Christie's. Per sei decenni, il prezzo è cresciuto più di 5.000 volte! Un collezionista sconosciuto la ha acquisito per $ 106,5 milioni. Nel 2011, "Esposizione di un modello" ha avuto luogo in Gran Bretagna, dove vide la luce della seconda volta, ma il nome del proprietario è ancora sconosciuto.

7

"Otto Elvis"

Autore

Andy Warhole

Nazione Stati Uniti d'America
Anni di vita 1928-1987
Stile
pop Art

"Sesso e feste sono gli unici luoghi in cui devi apparire con la tua persona", ha detto il culto Pop Art Art, direttore, uno dei fondatori della rivista Interview, Designer Andy Warhol. Ha lavorato con Vogue e Bazar Harper Bazar, che redige la copertina dei record, è venuta con le scarpe per I.miller. Negli anni '60 è apparso immagini di simboli america: zuppa di Campbell e Coca-Cola, Presley e Monroe - la fece legenda.

358x208 cm
1963 anni
Costo
$ 100 milioni.
venduto nel 2008
sul commercio privato

Warholovsky 60s - la cosiddetta epoca di Pop Art in America. Nel 1962, ha lavorato a Manhattan nella "fabbrica" \u200b\u200bdello studio, dove tutta la Boemia New York si è riunita. I suoi brillanti rappresentanti: Mick Jagger, Bob Dylan, Cappuccio Trueman e altre persone conosciute nel mondo. Allo stesso tempo, Warhol ha provato la tecnologia Silkographic: una ripetizione multipla di un'immagine. Ha usato questo metodo e quando si crea "Otto Elvis": lo spettatore sembra vedere i telai dal film, dove la stella prende vita. C'è tutto ciò che l'artista amava così tanto: l'immagine pubblica win-win, il colore d'argento e la premonizione della morte come promessa principale.

Ci sono due rivenditori d'arte che promuovono il lavoro di Warhol sul mercato mondiale oggi: Larry Gagosyan e Alberto Morbai. Il primo nel 2008 ha trascorso 200 milioni di dollari per acquisire più di 15 opere di Warhol. Il secondo acquista e vende i suoi dipinti come cartoline di Natale, solo più costosi. Ma non loro, e il modesto consulente d'arte francese Philip Segalo ha aiutato l'intenditore romano dell'arte di Annibal Berlinghiri a vendere l'acquirente sconosciuto "Otto Elvis" per un record per Warhol - $ 100 milioni.

8

"Arancia,rosso Giallo"

Autore

Mark Rotko.

Nazione Stati Uniti d'America
Anni di vita 1903–1970
Stile Espressionismo astratto

Uno dei creatori di dipingere il campo del colore è nato a Dvinsk, in Russia (ora - Daugavpils, Lettonia), in una grande famiglia del farmacista ebraico. Nel 1911, emigrarono negli Stati Uniti. Rotko studiato presso la Facoltà d'arte di Yale University, ha raggiunto borse di studio, ma i sentimenti antisemiti lo hanno costretto a lasciare i suoi studi. Nonostante tutto, l'arte critica dell'artista è stata custodita e i musei hanno perseguito tutta la sua vita.

206x236 cm
1961 anni
costo
$ 86,882 milioni.
venduto nel 2012
sull'asta Christie's.

I primi esperimenti artistici di Rotko erano un orientamento surreale, ma nel tempo semplificato la trama per colorare i punti privandoli di qualsiasi oggetto. All'inizio avevano sfumature luminose, e negli anni '60 versarono marrone, viola, ispessimento del nero al tempo della morte dell'artista. Mark Rotko ha avvertito contro la ricerca di qualsiasi significato nei suoi dipinti. L'autore voleva dire esattamente cosa ha detto: solo un colore che si dissolve nell'aria e nient'altro. Consigliato guardando il lavoro da una distanza di 45 cm in modo che lo spettatore "ritardava" di colore, come in un imbuto. Attenzione: alla ricerca di tutte le regole può portare all'effetto della meditazione, cioè gradualmente arriva alla consapevolezza dell'infinito, completa immersione in sé stesso, relax, purificante. Il colore dei suoi dipinti vive, respira e ha un impatto emotivo più forte (dicono, a volte guarigione). L'artista ha dichiarato: "Lo spettatore dovrebbe piangere, guardandoli" e tali casi erano davvero. Sulla teoria del Rotko, in questo momento le persone vivono la stessa esperienza spirituale di lui nel processo di lavoro sulla foto. Se sei riuscito a capirlo su un livello così sottile, allora non sarai sorpreso che queste opere di critiche di astrazione siano spesso confrontate con le icone.

Il lavoro "arancione, rosso, giallo" esprime l'intera essenza del marchio di pittura Rothko. Il suo costo iniziale presso l'asta di Christie a New York 35-45 milioni di dollari. Un acquirente sconosciuto ha offerto un prezzo due volte più alto sopra il preventivo. Il nome del felice proprietario della pittura, come accade spesso, non divulgato.

9

"Trittico"

Autore

Francesco Bacone

Nazione
Gran Bretagna
Anni di vita 1909–1992
Stile espressionismo

Le avventure di Francis Beckon, un omonimo completo e oltre a un lungo discendente del grande filosofo, iniziò quando il Padre lo ha rinunciato, incapace di accettare le tendenze omosessuali del figlio. La pancetta è andata prima a Berlino, poi a Parigi, e poi le sue tracce sono confuse in tutta Europa. Durante la sua vita, il suo lavoro è stato esposto nei principali centri culturali del mondo, tra cui il Museo Guggenheim e la Galleria Tretyakov.

147,5х198 cm (ciascuno)
1976.
Costo
$ 86,2 milioni.
venduto nel 2008
sull'asta Sotheby's.

I prestigiosi musei hanno cercato di possedere dipinti di Bekon, ma il pubblico principale inglese non ha fretta di sopravvivere su tale arte. Il leggendario primo ministro del British Margaret Thatcher ha parlato di lui: "Una persona che disegna questi orribili dipinti".

Il periodo di partenza nel suo lavoro, l'artista stesso considerava il tempo di dopoguerra. Tornando dal servizio, si è ancora impegnato nella pittura e ha creato i principali capolavori. Prima della partecipazione del trittico, il 1976 nell'asta del lavoro più costoso della pancetta era "etudio per il ritratto di Papa Innokentia X" ($ 52,7 milioni). In Trittykh, 1976, l'artista ha raffigurato un mitico appezzamento della persecuzione della furia di Oresta. Naturalmente, Oest è il bacon stesso, e Furi è il suo tormento. Per più di 30 anni, l'immagine era nella collezione privata e non ha partecipato alle mostre. Questo fatto gli conferisce un valore speciale e, di conseguenza, aumenta i costi. Ma ciò che sono alcuni milioni per un intenditore d'arte, e anche in russo generoso? Roman Abramovich ha iniziato a creare la sua collezione negli anni '90, la fidanzata Dasha Zhukov lo aveva colpita in modo significativo, il che è diventato una galleria alla moda nella Russia moderna. Secondo i dati non ufficiali, nella proprietà personale dell'uomo d'affari, ci sono opere di Alberto Dzhacometti e Pablo Picasso, acquistate per importi superiori a $ 100 milioni. Nel 2008 è diventato il proprietario del trittico. A proposito, nel 2011 è stato acquisito un altro prezioso lavoro di Bekon - "Tre schizzi al ritratto di Lucien Freud". Le fonti nascoste dicono che l'Arkadyevich romano è diventato di nuovo l'acquirente.

10

"Stagno con ninfea"

Autore

Claude Monet

Nazione Francia
Anni di vita 1840–1926
Stile impressionismo

L'artista è riconosciuto dall'antentato dell'impressionismo, "brevettato" questo metodo nelle sue tele. Il primo lavoro significativo era la pittura "colazione sull'erba" (la versione originale del lavoro di Edward Mane). Nella sua giovinezza, ha dipinto le caricature, e un vero dipinto prese durante i suoi viaggi lungo la costa e all'aperto. A Parigi, ha guidato lo stile di vita bohémien e non lo ha lasciato anche dopo il servizio nell'esercito.

210x100 cm
1919 anni
Costo
$ 80,5 milioni.
venduto nel 2008
sull'asta Christie's.

Oltre al fatto che Monet era un grande artista, ha anche impegnato con entusiasmo nel giardinaggio, la natura vivente adorata e i fiori. Nei suoi paesaggi, lo stato della natura è leggermente, gli articoli come se fossero sfocati dal movimento dell'aria. L'impressione è migliorata da grandi macchie, da una certa distanza diventano impercettibili e si fondono in un'immagine tridimensionale strutturata. Nel verniciatura del tardo monet, il tema dell'acqua e della vita in esso occupa un posto speciale. Nella città di Gerni, l'artista era il suo stagno, dove coltivava Pita dai semi, appositamente portati dal Giappone. Quando i loro fiori fioriscono, cercò di disegnare. Una serie di "dolci" è composta da 60 opere che l'artista ha scritto per quasi 30 anni a morte. La sua visione si è deteriorata con l'età, ma non si è fermato. A seconda del vento, del tempo dell'anno e del tempo, il laghetto è cambiato costantemente, questi cambiamenti volevano catturare il monito. Attraverso il lavoro accurato verso di lui, è venuta una comprensione dell'essenza della natura. Alcune delle conchiglie della serie sono conservate nelle principali gallerie del mondo: il Museo Nazionale dell'Arte occidentale (Tokyo), Orangery (Parigi). La versione del prossimo "laghetto con il giglio d'acqua" è entrato nelle mani di un acquirente sconosciuto per un importo del record.

11

False stella t.

Autore

Jasper Jones.

Nazione Stati Uniti d'America
Anno di nascita 1930
Stile pop Art

Nel 1949, Jones entrò nella scuola di design a New York. Insieme a Jackson Pollock, Willem de Cunning e altri, è riconosciuto come uno dei principali artisti del 20 ° secolo. Nel 2012, ha ricevuto la "Medaglia presidenziale della libertà" - il premio civile più alto degli Stati Uniti.

137.2х170,8 cm
1959.
Costo
$ 80 milioni.
venduto nel 2006
sul commercio privato

Come Marseille Dushan, Jones ha lavorato con oggetti reali, raffigurante loro su tela e nella scultura in piena conformità con l'originale. Per il loro lavoro, ha usato oggetti semplici e comprensibili: una bottiglia di birra, una bandiera o una carta. L'immagine falsa di avvio non ha una chiara composizione. L'artista come se gioca con il pubblico, spesso "sbagliato" firmando i colori nella foto, trasformando il concetto di colore stesso: "Volevo trovare un modo per ritrarre il colore in modo che possa essere determinato da un altro metodo." Il suo più esplosivo e "resistente in sé", secondo i critici, la foto è stata acquisita da un acquirente sconosciuto.

12

"Sedutanudo sul divano"

Autore

Amedeo Modiganiani.

Nazione Italia, Francia
Anni di vita 1884–1920
Stile espressionismo

Moodigaliani spesso malati fin dall'infanzia, durante un'assurdità febbrile, ha riconosciuto il suo designer dell'artista. Ha studiato la pittura a Livorno, Firenze, Venezia, e nel 1906 andò a Parigi, dove la sua arte fiorì.

65x100 cm
1917 anni
Costo
$ 68.962 milioni.
venduto nel 2010 anno
sull'asta Sotheby's.

Nel 1917, Modigliani incontrò il 19enne Jeanne Ebutern, che divenne la sua modella, e poi sua moglie. Nel 2004, uno dei suoi ritratti è stato venduto per $ 31,3 milioni, che è diventato l'ultimo disco prima di vendere "seduto nudo sul divano" nel 2010. L'immagine ha acquisito un acquirente sconosciuto per il massimo per modigliani al momento il prezzo. Le vendite attive di lavoro sono iniziate solo dopo la morte dell'artista. Morì in una povertà, tubercolosi malata, e il giorno successivo ha commesso con lui e Zhanna Ebutern, che è rimasto al nono mese di gravidanza.

13

"Aquila sul pino"

Autore

Qi Bayshi.

Nazione Cina
Anni di vita 1864–1957
Stile Gokhua.

L'interesse per la calligrafia ha guidato il qi baisha alla pittura. All'età di 28 anni, è diventato uno studente dell'artista Hu Zinyuan. Il Ministero della cultura della Cina lo ha stanziato il titolo di "Grande artista del popolo cinese", nel 1956 ha ricevuto un premio internazionale del mondo.

10x26 cm
1946.
Costo
$ 65,4 milioni.
venduto nel 2011
sull'asta Cina Guardian.

Qi Bayshi era interessato a quelle manifestazioni del mondo circostante, che molti non danno valori, e in questa sua grandezza. Un uomo senza educazione è diventato professore e un creatore eccezionale nella storia. Pablo Picasso ha parlato di lui: "Ho paura di andare nel tuo paese, perché in Cina ci sono qi baisha". La composizione "aquila su un pino" è riconosciuta come il più grande lavoro dell'artista. Oltre alla tela, include due rotoli geroglifici. Per la Cina, l'importo per il quale il lavoro è stato acquistato, rappresenta un record - 425,5 milioni di yuan. Solo un rotolo di un antico calligrafo Juan Tinjiang è stato venduto per 436,8 milioni.

14

"1949-A-№1"

Autore

Clifford Still.

Nazione Stati Uniti d'America
Anni di vita 1904–1980
Stile Espressionismo astratto

All'età di 20 anni, ho visitato il Museo Metropolitan di New York ed è rimasto deluso. Più tardi, è stato iscritto per il corso della Lega Studente delle Arti, ma ha lasciato 45 minuti dopo l'inizio delle lezioni - si è rivelato essere "no". La prima mostra personale ha causato una risonanza, l'artista si è trovato, e con questo riconoscimento

79x93 cm
1949 anni
Costo
$ 61,7 milioni.
venduto nel 2011
sull'asta Sotheby's.

Tutte le loro opere, e questa è più di 800 tele e 1600 opere su carta, lo stilista ha vinto la città americana, dove verrà aperto il Museo del suo nome. Denver divenne una città del genere, ma solo la costruzione era costosa per le autorità, e per il suo completamento, quattro opere sono state poste all'asta. È improbabile che le opere di Stille partecipino all'asta ancora, che avanzavano il loro prezzo in anticipo. Il dipinto "1949-A-n. 1" è stato venduto per un record per l'artista, anche se gli esperti hanno previsto la vendita di 25-35 milioni di dollari.

15

"Composizione suprematica"

Autore

Kazimir Malevich.

Nazione Russia
Anni di vita 1878–1935
Stile suprematismo

Malevich ha imparato a pittura nella scuola d'arte di Kiev, poi alla Mosca Academy of Arts. Nel 1913, iniziò a scrivere dipinti geometrici astratti in stile, che chiamava il suprematismo (dal lat. "Dominance").

71x 88,5 cm
1916.
Costo
$ 60 milioni.
venduto nel 2008
sull'asta Sotheby's.

Nel Museo Urbano Amsterdam, la foto è stata tenuta a circa 50 anni, ma dopo una disputa di 17 anni con i parenti di Malevich, il museo le ha dato. L'artista ha scritto questo lavoro in un anno con il "manifesto del suprematismo", quindi Sotheby è stato annunciato prima dell'offerta, non sarebbe andato alla collezione privata in una collezione privata. Quindi è successo. È meglio guardarlo: le forme sulla tela assomigliano alla vista della terra dall'aria. A proposito, alcuni anni prima, gli stessi parenti espropri dal Muse Museo un'altra "composizione suprematica" per venderla all'asta di Phillips per $ 17 milioni.

16

"Fibbie"

Autore

Paul Gajen.

Nazione Francia
Anni di vita 1848–1903
Stile Pospressionismo.

Fino a sette anni, l'artista visse in Perù, poi con la sua famiglia tornò in Francia, ma i ricordi dei bambini lo spinse costantemente per viaggiare. In Francia, ha iniziato a scrivere pitture, era amico di Van Gogh. Ha persino trascorso diversi mesi con sé ad Arles, fino a quando Van Gogh durante una lite ha tagliato l'orecchio.

93,4х60,4 cm
1902 anni
costo
$ 55 milioni.
venduto nel 2005
sull'asta Sotheby's.

Nel 1891, Gauguen ha organizzato per vendere i suoi dipinti per andare in profondità nell'isola di Tahiti ai soldi invertiti. Lì ha creato il lavoro in cui viene sentito il raffinato rapporto della natura e dell'uomo. Gogen viveva in una capanna di paglia, e un paradiso tropicale fiorì sulle sue tele. Sua moglie è diventata il Taitiankah Tehra di 13 anni, che non ha impedito all'artista di unirsi a disordine. Syphilis di malattia, se ne andò per la Francia. Tuttavia, Mogen era da vicino, e tornò a Tahiti. Questo periodo è chiamato "Second Taitian" - è stato allora che l'immagine dei "nuotatori" è stata scritta, uno dei più lussuosi nel suo lavoro.

17

"Narciso e una tovaglia in toni blu e rosa"

Autore

Henri Matisse.

Nazione Francia
Anni di vita 1869–1954
Stile Fovisov.

Nel 1889, Henri Matisse aveva un attacco di appendicite. Quando è stato recuperato dall'operazione, la madre gli comprò dipinge. All'inizio, Matisse di Boedom copiava cartoline a colori copiati, quindi - Le opere di grandi pittori, che hanno visto nel Louvre, e all'inizio del XX secolo si sono innamorati di uno stile - formism.

65.2х81 cm
1911.
Costo
$ 46,4 milioni.
venduto nel 2009
sull'asta Christie's.

L'immagine "Narciso e una tovaglia nei toni blu e rosa" per molto tempo appartenevano all'Ida Saint-Laurent. Dopo la morte di Kuurier, tutta la sua collezione di arte si è trasferita nelle mani del suo amico e nell'amante Pierre Berez, che ha deciso di metterlo all'asta di Christie. La perla della collezione venduta era il dipinto "Narciso e una tovaglia nei toni blu e rosa", scritti su una normale tovaglia invece di tela. Come campione di foxism, è pieno di energia del colore, le vernici sembrano esplodere e urlare. Dalla famosa serie di dipinti scritti sulla tovaglia, oggi questo lavoro è l'unico, che è nella collezione privata.

18

"Ragazza addormentata"

Autore

Roy.Menzogna

khtenstein.

Nazione Stati Uniti d'America
Anni di vita 1923–1997
Stile pop Art

L'artista è nato a New York, e laureato da scuola, è andato all'Ohio, dove è andato a corsi d'arte. Nel 1949, Liechtenstein ha conseguito un master in eleganti arti. Interesse per i fumetti e la capacità di stirare l'artista del culto del secolo scorso.

91x91 cm
1964.
Costo
$ 44.882 milioni.
venduto nel 2012
sull'asta Sotheby's.

Un giorno una gomma da masticare ha colpito il Liechtenstein. Ha rinviato l'immagine dal fodera sulla tela e divenne famoso. In questa trama dalla sua biografia, l'intera missione Pop Art è conclusa: il consumo è un nuovo Dio, e nella caramella da Zhwachka non meno la bellezza che a Mont Lisa. I suoi dipinti assomigliano a fumetti e cartoni animati: Liechtenstein ha semplicemente aumentato l'immagine rifinita, disegnando i rastatori, la stampa stencil usata e lo schermo di seta. L'immagine "ragazza addormentata" apparteneva per quasi 50 anni ai collezionisti di Beatris e Philip Pearrs, i cui eredi lo hanno venduto all'asta.

19

"Vittoria. Boogie Woogie"

Autore

Pete Mondrian.

Nazione Olanda
Anni di vita 1872–1944
Stile Neolasticismo

Il suo vero cognome - Cornelis - L'artista è cambiato in Mondrian, quando nel 1912 si trasferì a Parigi. Insieme all'artista Teo Vann Dusburg fondò il movimento "Nexousticism". In onore di Mondrian, il linguaggio di programmazione PIET è nominato.

27x127 cm.
1944.
costo
$ 40 milioni.
venduto nel 1998.
sull'asta Sotheby's.

Il più "musicale" degli artisti del 20 ° secolo ha guadagnato un vivo da vivendoli, anche se divenne famoso per un artista neoplastico. Negli Stati Uniti, si è trasferito negli anni '40 e ha trascorso lì il resto della vita. Jazz e New York - Questo è ciò che lo ha ispirato di più! Immagine "vittoria. Bogi-Vuy "è il miglior esempio di questo. I quadrati ordinati "marchiera" sono stati ottenuti a causa dell'uso del nastro adesivo - materiale preferito di Mondrian. In America, fu chiamato il "più famoso immigrato". Negli anni Sessanta, Yves Saint Laurent ha rilasciato i vestiti Mondrian noti a tutto il mondo con una stampa in una grande cella a colori.

20

"Numero composizione 5"

Autore

BasilicoKandinsky.

Nazione Russia
Anni di vita 1866–1944
Stile avanguardia

L'artista è nato a Mosca, e suo padre era dalla Siberia. Dopo la rivoluzione, ha cercato di collaborare con il potere sovietico, ma presto si rese conto che le leggi del proletariato non sono state create per lui, e non è stato emigrato in Germania senza difficoltà.

275x190 cm
1911.
costo
$ 40 milioni.
venduto nel 2007.
sull'asta Sotheby's.

Kandinsky Uno dei primi ha completamente rifiutato il dipinto soggetto, per il quale ha ricevuto il titolo di genio. Durante il nazismo in Germania, i suoi dipinti sono stati attribuiti a "Arte degenerativa" e non sono state esposte da nessuna parte. Nel 1939, Kandinsky ha adottato la cittadinanza francese, ha partecipato al processo artistico a Parigi. I suoi dipinti "Sound", come se la fuga, così tanti fossero chiamati "composizioni" (il primo è stato scritto nel 1910, quest'ultimo - nel 1939). "Composizione numero 5" è uno dei lavori chiave in questo genere: "La parola" composizione "suonava per me come preghiera", ha detto l'artista. A differenza di molti follower, ha pianificato ciò che avrebbe rappresentato su un'enorme tela, come se scrivesse note.

21

"Le donne etude in blu"

Autore

Fernian Leo.

Nazione Francia
Anni di vita 1881–1955
Stile cubismo-postopressioneismo

Leseway ha ricevuto l'educazione architettonica, e poi è stato ascoltatore della scuola di eleganti arti a Parigi. L'artista si considerava il seguace di Cezanna, era un apologedo del cubismo, e nel XX secolo ha avuto anche successo come scultore.

96,5х129,5 cm
1912-1913 anni
Costo
$ 39,2 milioni.
venduto nel 2008
sull'asta Sotheby's.

David Norman, Presidente del Dipartimento Internazionale dell'impressionismo e del Modernismo Sotheby, considera un importo enorme pagato per la "Lady in Blue", abbastanza giustificata. L'immagine appartiene alla famosa collezione Lesion (l'artista ha scritto tre immagini su una trama, in mani private oggi - l'ultimo. - Ed. Ed.), E la superficie della tela è conservata in incontaminata. Lo stesso autore ha dato a questo lavoro alla Galleria di Der Sturm, poi cadde nella collezione Hermann Lang, i raccoglitori tedeschi del modernismo e ora appartengono a un acquirente sconosciuto.

22

"Scena di strada. Berlino"

Autore

Ernst Ludwig.Kirchner.

Nazione Germania
Anni di vita 1880–1938
Stile espressionismo

Per l'espressionismo tedesco, Kirchner è diventato una persona del segno. Tuttavia, le autorità locali lo hanno accusato di impegno per "arte degenerativa", che ha influenzato tragicamente il destino dei suoi dipinti e nella vita dell'artista che si è suicidato nel 1938.

95x121 cm
1913 anni
costo
$ 38,096 milioni.
venduto nel 2006
sull'asta Christie's.

Dopo aver trasferito a Berlino, Kirchner ha creato 11 schizzi di scene di strada. Era ispirato dal tumulto e dal nervosismo di una grande città. Nel film venduto nel 2006 a New York, uno stato allarmante dell'artista è particolarmente acuto: le persone a Berlino Street assomigliano agli uccelli - elegante e pericoloso. È diventata l'ultimo lavoro della famosa serie venduta all'asta, il resto è conservato nei musei. Nel 1937, i nazisti erano crudelmente trattati con Kirchner: 639 delle sue opere sono state ritirate dalle gallerie tedesche, distrutte o vendute all'estero. L'artista non poteva sopravvivere a questo.

23

"Ricreazioneballerino"

Autore

Edgar Degas.

Nazione Francia
Anni di vita 1834–1917
Stile impressionismo

La storia di DEGI come artista ha iniziato con il fatto che ha lavorato come copywriter in Louvre. Sognava di diventare "famosi e sconosciuti" e alla fine era possibile. Alla fine della vita, i Degas sordi e lottanti di 80 anni hanno continuato a partecipare a mostre e aste.

64x59 cm
1879 anni
costo
$ 37.043 milioni.
venduto nel 2008
sull'asta Sotheby's.

"La ballerina è sempre stata per me solo un pretesto per ritrarre tessuti e afferrare il movimento", ha detto Degas. Trame dalla vita dei ballerini come se fidata: le ragazze non sono pubblicate da un artista, ma diventano solo parte dell'atmosfera catturata da degas. Il "ballerino di riposa" è stato venduto per $ 28 milioni nel 1999, e in meno di 10 anni lo hanno acquistato per 37 milioni - oggi è il lavoro più costoso dell'artista, mai sopportato all'asta. È stata prestata molta attenzione al Ramam, lui stesso li ha progettati e li ha banditi. Mi chiedo che tipo di frame è installato su un'immagine venduta?

24

"Pittura"

Autore

Juan Miro.

Nazione Spagna
Anni di vita 1893–1983
Stile arte astratta

Durante la guerra civile in Spagna, l'artista era dalla parte dei repubblicani. Nel 1937, corse dal potere fascista a Parigi, dove viveva in una povertà con la sua famiglia. Durante questo periodo, Miro scrive l'immagine "Aiuta la Spagna!", Prestando attenzione a tutto il mondo sul dominio del fascismo.

89x115 cm
1927 anni
Costo
$ 36,824 milioni.
venduto nel 2012
sull'asta Sotheby's.

Il secondo nome dell'immagine è la "Blue Star". L'artista lo ha scritto nello stesso anno in cui ha annunciato: "Voglio uccidere la pittura" e meritosamente deriso la tela, grattando la vernice con le unghie, incollando verso la tela di piume, coprendo il lavoro con la spazzatura. Il suo obiettivo era quello di debuniare i miti del sacramento della pittura, ma, a far fronte a questo, Miro ha creato il suo mito - astrazione surreale. La sua "pittura" si riferisce al ciclo di "snowstice". All'asta, quattro acquirenti combattevano per lei, ma una telefonata in incognito ha risolto la disputa, e "la pittura" divenne l'immagine più costosa dell'artista.

25

"Rosa blu"

Autore

Yves Klein.

Nazione Francia
Anni di vita 1928–1962
Stile Pittura monocromatica

L'artista è nato nella famiglia dei pittori, ma ha studiato orientale, marittimi di mare, artigianato della RAM dorata, Zen-Buddhism e molto. La sua personalità e i suoi trucchi sfacciato erano a volte più interessanti nei dipinti monocromatici.

153x199x16 cm
1960.
Costo
$ 36.779 milioni.
venduto nel 2012.
All'Asta di Christie

La prima mostra di lavoro giallo monofonico, arancione, rosa non ha causato interesse tra il pubblico. Klein è stata offesa e la prossima volta che ho presentato 11 identiche tela macchiate con ultramarine interspersed con una speciale resina sintetica. Ha anche brevettato questo metodo. Nella storia, il colore è entrato come il "colore blu internazionale di Klein". Un altro artista ha venduto il vuoto, creato foto, sostituendo la carta per la pioggia, ambientare sul cartone, facendo la tela dell'impronta del corpo umano. In una parola, sperimentato come poteva. Per creare una "rosa blu" usata pigmenti secchi, resine, ciottoli e una spugna naturale.

26

"Alla ricerca di Mosè"

Autore

SIR Lawrence Alma Tadema

Nazione Gran Bretagna
Anni di vita 1836–1912
Stile Neoclassicismo

Il prefisso "Alma" al suo cognome Sir Lawrence si è aggiunto per essere il primo nelle directory artistiche. Nell'Inghilterra vittoriana, i suoi dipinti erano così affermati che l'artista è stato assegnato il rango knightly.

213,4х136,7 cm
1902 anni
Costo
$ 35,922 milioni.
venduto nel 2011
sull'asta Sotheby's.

Il tema principale della creatività del Tadema Alma era antichità. Nelle foto, ha provato nei più piccoli dettagli per ritrarre l'epoca dell'impero romano, per questo persino impegnato negli scavi archeologici sulla penisola dell'Apenninsky, e nella sua casa di Londra riproduceva gli interni storici di quegli anni. I grafici mitologici sono diventati un'altra fonte di ispirazione per lui. L'artista era estremamente richiesto durante la sua vita, ma dopo la morte ha dimenticato rapidamente. Ora l'interesse è rinato, come il costo dell'immagine "Alla ricerca di Mosè", sette volte, superando il preventivo pre-vendita.

27

"Ritratto del funzionario nudo addormentato"

Autore

Lucien Freud.

Nazione Germania,
Gran Bretagna
Anni di vita 1922–2011
Stile Pittura figurativa

L'artista è il nipote Sigmund Freud, padre della psicoanalisi. Dopo aver stabilito il fascismo in Germania, la sua famiglia emigrò nel Regno Unito. Le opere di Freud si trovano nel Museo di Londra "Meeting of Wallace", dove nessun artista moderno è stato precedentemente esposto.

219.1х151,4 cm
1995.
Costo
$ 33,6 milioni.
venduto nel 2008
sull'asta Christie's.

Mentre gli artisti della moda del 20 ° secolo hanno creato "macchie di colore positive del muro" e vendetteli per milioni, Freud ha scritto dipinti estremamente naturalistici e li vendette ancora più costosi. "Catturarò le grida dell'anima e soffrendo la carne di sbiadimento", ha detto. I critici ritengono che tutta questa "ereditarietà" Sigmund Freud. I dipinti erano così attivamente esposti e venduti con successo che gli specialisti avevano una questione di dubbio: hanno avuto proprietà ipnotiche? Il "ritratto dell'Asta del Dormire Nude Official", secondo l'edizione del sole, ha acquisito un conoscitore del bellissimo e miliardario romano Abramovich.

28

"Violino e chitarra"

Autore

H.uAN Gras.

Nazione Spagna
Anni di vita 1887–1927
Stile cubismo

Nato a Madrid, dove si è laureato in arte scolastica e artigianato. Nel 1906 si trasferì a Parigi ed entrò nel cerchio degli artisti più influenti dell'era: Picasso, Modigliani, Matrimonio, Matisse, Lyzh, ha anche lavorato con Sergey Dyagilev e la sua troupe.

5x100 cm
1913 anni
Costo
$ 28.642 milioni.
venduto nel 2010 anno
sull'asta Christie's.

GRI, secondo le sue stesse parole, era impegnata in "Aereo, architettura a colori". I suoi dipinti sono pensati con precisione: non ha lasciato una singola striscia casuale, che racconta la creatività con la geometria. L'artista ha creato la sua versione del cubismo, anche se Pablo Picasso, il fondatore della direzione molto rispettato. Il successore è stato anche dedicato a lui il suo primo lavoro nello stile del cubismo "tributo a Picasso". Il dipinto "violino e chitarra" è riconosciuto come eccezionale nel lavoro dell'artista. Durante la vita, Gras era noto, clinicamente critici e storici dell'arte. Le sue opere sono esposte nei più grandi musei del mondo, immagazzinati in collezioni private.

29

"RitrattoCampi Elouar »

Autore

Salvador Dalì

Nazione Spagna
Anni di vita 1904–1989
Stile surrealismo

"Il surrealismo è io," disse Dali, quando fu escluso dal gruppo di surrealisti. Nel corso del tempo, è diventato l'artista surrealista più famoso. La creatività è stata data ovunque, e non solo nelle gallerie. Ad esempio, è venuta con un imballaggio per Chupa-Chupa.

25x33 cm
1929 anni
Costo
$ 20,6 milioni.
venduto nel 2011
sull'asta Sotheby's.

Nel 1929, visita il grande provocatore e lo scandalista Dali arrivò il poeta Paul Eluro con la sua moglie russa Galo. L'incontro è stato l'inizio della storia dell'amore che è durato più di mezzo secolo. L'immagine "Ritratto del campo Eloire" è scritto solo durante questa visita storica. "Ho sentito di essere stato accusato di un dovere di catturare il viso del poeta, con l'OlyMP di cui ho rapito una delle musiche", ha detto l'artista. Prima della conoscenza con Galo, era una vergine e sperimentato disgusto con il pensiero sul sesso con una donna. Il triangolo dell'amore esisteva davanti alla morte di Eluar, dopo di che è diventato un Duet Dali Gala.

30

"Anniversario"

Autore

Mark Shagal.

Nazione Russia, Francia
Anni di vita 1887–1985
Stile Avangard.

Moisha Segal è nato a Vitebsk, ma nel 1910 emigrò a Parigi, ha sostituito il nome, è diventato vicino ai principali avanguardi dell'era. Negli anni '30, quando catturano le autorità, i fascisti sono andati negli Stati Uniti con l'aiuto del console americano. Restituito in Francia solo nel 1948.

80x103 cm.
1923.
Costo
$ 14,85 milioni.
venduto nel 1990.
All'asta di Sotheby

L'immagine "anniversario" è riconosciuta come una delle migliori opere dell'artista. Ha tutte le caratteristiche della sua creatività: le leggi fisiche del mondo hanno cancellato, rimane la sensazione di fiabe nello scenario della vita di Mashchansky, e nel centro della trama - amore. Chagall non ha disegnato persone dalla natura, ma solo in memoria o fantasticizzare. Nel quadro "anniversario" catturato dall'artista con sua moglie Bel. L'immagine è stata venduta nel 1990 e da allora non ha partecipato all'asta. È interessante notare che nel New York MoMA Museum MOMA è assolutamente lo stesso, chiamato solo "compleanno". A proposito, è stata scritta prima - nel 1915.

progetto preparato
Tatyana Palaceov.
valutazione composta
elenco www.art-spb.ru.
rivista tmn №13. (Maggio-giugno 2013)

Se pensi che tutti i grandi artisti rimasero in passato, allora non puoi nemmeno immaginare quanto ti sbagli. In questo articolo imparerai degli artisti più famosi e di talento del nostro tempo. E credimi, il loro lavoro sarà nel tuo ricordo no meno profondamente del lavoro del Maestro dalle epoche passate.

Wojciech babski.

Wojca Babski è un artista polacco moderno. Si è laureato allo studio presso l'Istituto Polytechnic Slesia, ma anche correlato a. Recentemente disegna, per lo più donne. Concentrandosi sulla manifestazione delle emozioni, cerca di ottenere il maggior effetto possibile da semplici mezzi.

Ama colore, ma spesso usa sfumature di nero e grigio per ottenere la migliore impressione. Non ha paura di sperimentare diversi nuovi tecnici. Di recente, guadagnando sempre più popolarità all'estero, principalmente nel Regno Unito, dove con il successo vende le sue opere, che possono già essere trovate in molte collezioni private. Oltre all'arte, è interessato alla cosmologia e alla filosofia. Ascolta il jazz. Attualmente vive e lavora nella città di Katowice.

Warren Chang.

Warren Chang è un moderno artista americano. Nato nel 1957 e è cresciuto a Monteree, in California, con onori diplomato al College of Design Art Center di Pasaden nel 1981, dove ha conseguito una laurea in Belle Arti della zona. Nei prossimi due decenni, ha lavorato come illustratore per varie aziende in California e New York, prima del 2009 per iniziare una carriera di un artista professionista.

I suoi dipinti realistici possono essere suddivisi in due categorie principali: immagini interne biografiche e dipinti raffiguranti la lavorazione. Il suo interesse in modo simile alla pittura va con le sue radici all'artista dell'artista del XVI secolo Jan Vermeer, e si applica agli oggetti, agli autoritratti, ritratti di familiari, amici, studenti, interni in studio, classe e case. Il suo obiettivo è creare umore ed emozioni nei loro dipinti realistici usando la manipolazione della luce e l'uso di colori attutiti.

Chang divenne noto dopo la transizione verso l'arte visiva tradizionale. Negli ultimi 12 anni, ha conseguito un sacco di premi e titoli onorari, i più prestigiosi di loro - Master Firma dell'Associazione degli artisti per olio d'America, la più grande comunità di artisti petroliferi negli Stati Uniti. Solo una persona su 50, riceve l'opportunità di ottenere questo premio. Attualmente, Warren vive a Monteree e lavora nel suo studio, insegnano anche (conosciuto come insegnante di talento) presso l'Accademia delle Arti San Francisco.

Aurelio Bruni.

Aurelio Bruni è un artista italiano. Annoiato nella città di Bler, 15 ottobre 1955. Ha ricevuto un diploma nella specialità scenica nell'istituto d'arte di Spoleto. Come artista, è autodidatta, come "eresse la casa della conoscenza" sulla fondazione stabilita a scuola. Disegna il petrolio è iniziato all'età di 19 anni. Attualmente vive e lavora in Umbria.

La prima pittura di Bruni fa le sue radici nel surrealismo, ma nel tempo inizia a concentrarsi sulla vicinanza del romanticismo lirico e del simbolismo, rafforzando questa combinazione di raffinatezza squisita e della purezza dei suoi personaggi. Gli oggetti animati e inanimati acquisiscono uguali dignità e sguardo, quasi, iperelia, ma, allo stesso tempo, non si nascondono dietro la tenda, ma ti permettono di vedere l'essenza della tua anima. Multi-sfaccettata e raffinatezza, sensualità e solitudine, la pensosità e la fecondità sono lo spirito di Aurelio Bruni, alimentando la magnificenza dell'arte e dell'armonia della musica.

Alekasander Balos.

Alkasander Balos è un moderno artista polacco specializzato nella zona petrolifera. Il 1970 è nato a Gliwice, in Polonia, ma dal 1989 vive e lavora negli Stati Uniti, nella città di Shasta, in California.

Da bambina, ha studiato l'arte sotto la guida di suo padre Yana, autodidatta e scultore artista, quindi, fin dalla tenera età, l'attività artistica ha ricevuto il pieno sostegno da entrambi i genitori. Nel 1989, all'età di diciotto anni, Balos ha lasciato la Polonia negli Stati Uniti, dove il suo insegnante di scuola e l'artista part-time Katie Gagggliadi hanno spinto Alkassandra ad entrare in una scuola d'arte. Poi Balos ha ricevuto una borsa di studio universitaria completa a Milwaukee Wisconsin, dove ha studiato la pittura alla filosofia del Professor Harry Rosina.

Dopo aver completato gli studi nel 1995 e il grado di Balos di laurea si è trasferito a Chicago per iscriversi a scuola presso la Scuola di Belle Arti, i cui metodi sono basati sul lavoro di Jacques-Louis David. Realismo figurativo e pittura ritratto costituivano la maggior parte delle opere di Balos negli anni '90 e all'inizio del 2000. Oggi Balos utilizza una figura umana per sottolineare le caratteristiche e mostrare le carenze di essere umano, senza proporre, mentre non ci sono decisioni.

Le composizioni della trama dei suoi dipinti sono destinate ad essere interpretate in modo indipendente dallo spettatore, solo allora la tela acquisirà il loro vero significato temporaneo e soggettivo. Nel 2005, l'artista si è trasferito nel nord della California, da allora il soggetto del suo lavoro è stato significativamente ampliato e ora include più metodi di pittura gratuiti, compresa l'astrazione e vari stili multimediali, contribuendo ad esprimere idee e ideali di essere attraverso la pittura.

Monaci di Alyssa.

Alissa Monsx è un artista americano moderno. Nato nel 1977, in Ridgewood, New Jersey. Ha iniziato ad essere interessato alla pittura quando era ancora un bambino. Ha studiato alla nuova scuola di New York e alla Monkler State University, e la diploma del Boston College nel 1999, ha ricevuto una laurea per laurea. Allo stesso tempo, ha studiato pittura all'Accademia Lorenzo Medici a Firenze.

Poi ha continuato a studiare il programma per il Master nella New York Academy of Art, presso il Dipartimento di Arte Figurativa, si è laureata al 2001. Nel 2006, si è laureata al college di Fullerton. Per qualche tempo ho tenuto le università e le istituzioni educative in tutto il paese, ha insegnato a dipingere nella New York Academy of Art, nonché come Monkler's State University e College of theima Academy of Arts.

"Usando filtri, come vetro, vinile, acqua e vapore, distorce il corpo umano. Questi filtri consentono di creare ampie aree di design astratto, con isole color ciglia attraverso di loro - parti del corpo umano.

I miei dipinti stanno cambiando un aspetto moderno alle persone già stabilite, tradizionali e gesti delle donne di nuoto. Potrebbero dire molto allo spettatore attento su tale, sembrerebbe, naturalmente, così come l'uso del nuoto, della danza e così via. I miei personaggi sono pressati contro la finestra di vetro della cabina doccia, distorcendo il proprio corpo, rendendosi conto che non ci sono quindi influenzano il famigerato aspetto maschile alla donna nuda. I fitti strati di vernice sono mescolati in modo che da lontano imitare il vetro, la coppia, l'acqua e la carne. Tuttavia, le incredibili proprietà fisiche della pittura ad olio stanno diventando ovvia. Sperimentando con strati di vernice e colore, trovo il momento in cui i tratti astratti stanno diventando qualcos'altro.

Quando ho appena iniziato a disegnare un corpo umano, sono stato immediatamente affascinato e di essere persino ossessionato e pensavo di aver dovuto rendere il mio dipinti il \u200b\u200bpiù realistico possibile. Io "confessò" il realismo finché non cominciò a svelare e aprire le contraddizioni in se stessa. Ora sto indagando sulle possibilità e il potenziale del modo di lettere, dove ci sono pittura e astrazione rappresentativa - se entrambi gli stili possono coesistere nello stesso tempo, lo farò. "

Antonio Finelli.

Artista italiano - " Osservatore del tempo"- Antonio Finelli è nato il 23 febbraio 1985. Attualmente vive e lavora in Italia tra Roma e Campobasso. Le sue opere sono state esposte in diverse gallerie in Italia e all'estero: Roma, Firenze, Novara, Genova, Palermo, Istanbul, Ankara, New York, si possono trovare anche nelle collezioni private e statali.

Disegni a matita " Observer del tempo"Antonio Phinelli ci manda un viaggio eterno attraverso il mondo interiore del modello umano e associati a un'analisi scrupolosa di questo mondo, il cui elemento principale è passare attraverso il tempo e le tracce applicate a loro.

Finelli scrive ritratti di persone di qualsiasi età, genere e nazionalità, le espressioni delle cui persone testimoniano il passaggio del tempo, l'artista spera di trovare la prova della sostanzabilità del tempo sui corpi dei loro personaggi. Antonio determina i suoi lavori per uno, nome comune: "Autoritratto", perché nei suoi disegni a matita non mostra semplicemente una persona, ma consente allo spettatore di contemplare i veri risultati del passare del tempo all'interno di una persona.

Flaminia Carloni.

Il fiammante Karloni è un artista italiano 37th, figlia di un diplomatico. Lei ha tre figli. Dodici anni vivevano a Roma, tre anni in Inghilterra e Francia. Ha ricevuto un diploma nel campo della storia dell'arte presso la Scuola d'Arte BD. Quindi ha ricevuto un diploma nelle opere d'arte di Restauratore di specialità. Prima di trovare la tua chiamata e dedicarsi completamente a dipingere, ha lavorato come giornalista, colourista, designer, attrice.

La passione per la pittura nella fiammata è sorta nell'infanzia. Il suo ambiente principale è l'olio, perché ama "Coiffer La Pate" e gioca anche con il materiale. Attrezzature simili, ha imparato nelle opere dell'artista Pascal Torya. Il fiammaggio è ispirato da grandi maestri di pittura, come Baltususe, Hopper, e Francois Legran, così come vari movimenti artistici: arte della strada, realismo cinese, surrealismo e realizzazione del Rinascimento. Il suo artista preferito Caravaggio. Il suo sogno ad aprire la forza terapeutica dell'arte.

Denis Chernov.

Denis Chernov è un talento artista ucraino, nato nel 1978 in Sambor, regione di Leopoli, Ucraina. Dopo la fine della scuola d'arte di Kharkov nel 1998, rimase a Kharkov, dove attualmente vive e lavora. Ha anche studiato presso la Kharkiv State Academy of Design and Arts, il Dipartimento del Grafico, la si è laureato nel 2004.

Partecipa regolarmente alle mostre d'arte, al momento hanno avuto luogo più di sessanta, sia in Ucraina che all'estero. La maggior parte delle opere di Denis Chernov sono conservate in collezioni private in Ucraina, Russia, Italia, Inghilterra, Spagna, Grecia, Francia, USA, Canada e Giappone. Alcune opere sono state vendute a Christis.

Denis lavora in una vasta gamma di tecniche grafiche e panoramiche. Dipinti con una matita - uno dei più amati metodi di pittura, la lista degli argomenti dei suoi disegni a matita è anche molto diversificata, scrive paesaggi, ritratti, nudi, composizioni di genere, illustrazioni di libri, ricostruzione e fantasia letteraria e storica.

6 novembre 2013

A metà del 19 ° secolo, il paesaggio diventa un genere dominante di pittura americana. Molti artisti di quel tempo sono uniti nel Gudson River School Group, che includeva più di 50 giocatori di paesaggi delle due generazioni.

Il più famoso artista del paesaggio americano di quegli anni può essere considerato Thomas Cowla. (1801-1848),

nato in Inghilterra e si è trasferito all'età di 17 anni con i genitori in America. Ha studiato la pittura in un artista randagio, era autodidatta, ha viaggiato molto in tutto il paese, ha visitato l'Inghilterra e l'Italia,

Ma la natura americana considerava molto più pittoresca che europea.

Il più vicino al modo di Cowla era il suo amico Escher Duran. (1796-1886), a partire da un programma,

Ma dopo aver viaggiato con un amico nelle montagne dell'America, fu portato via dal paesaggio, ha dipinto molto dalla natura.

Questa immagine, l'artista ha scritto in memoria dell'amico deceduto, all'asta del 2007, sono stati pagati 35 milioni di dollari.

Una delle figure centrali nella scuola di fiume Hudson era Frederick Edwin Church.Già in 18 anni divenne uno studente di fresco.
Dalla primavera all'autunno, ha viaggiato in tutto il paese e al mondo,

Primo, uno, e poi con la sua famiglia, spesso a piedi, fece schizzi, e in inverno ha dipinto i suoi grandi dipinti luminosi e li vendette con successo.

Albert Birstadt. (1830-1902) Anche molto viaggiato in tutto il paese e in Europa, ho dipinto volontariatamente le Alpi, ma le montagne rocciose erano davvero amore,

Wild West, indiani.

Riuscì a superare questo amore sulle sue grandi tele, usando magistralmente l'effetto della luce e dell'ombra.

Thomas Moran. (1836-1926), sono emigrato con i miei genitori dall'Inghilterra, un adolescente lavorato come adolescente per una taglierina di legno, iniziò presto a disegnare paesaggi.

Una grande influenza durante lo studio in Inghilterra, William Turner, la sua capacità di riempire la propria tela con la luce.
Moran disegna paesaggi dell'Inghilterra, vista di Venezia,

ma la maggior parte delle sue opere è dedicata al Wild West e alle loro montagne rocciose preferite. La sua partecipazione alla spedizione di ricerca a questi luoghi e ai suoi disegni ha contribuito alla trasformazione di Yelouston al Parco Nazionale.

John Frederick Kensett. (1816-1872), un rappresentante di "linealismo" * nella pittura americana del paesaggio "Scuola del fiume Hudson". Ha ricevuto la sua prima educazione d'arte a suo padre, lavorando nel suo laboratorio di incisione, ma ha sognato di scrivere paesaggi.

Va in Inghilterra, poi in Francia, ammira la pittura del paesaggio olandese e inglese, viaggi in Italia.

Tornando in America, continuando a scrivere calma, piena di luce pulita e realizzata in modo squisito del paesaggio, KenSETT sta diventando popolare con collezionisti, successo e ricchezza.

John F. Francis. (1808 -1906), l'artista autodidatta, a partire da ritrattista, è noto per le sue sollevate ancora.

Era il verniciatura ritratto che ha risvegliato interesse per piccoli dettagli in lui, che ha sviluppato così con successo nelle sue opere.

Natura morta era popolare in quel momento, i dipinti di Francis erano richiesti, è diventato un artista leader nel genere della natura morta del "tavolo", raffigurante frutta, noci, formaggi, biscotti e altri prodotti.

Martin Johnson Hid. (1819-1904), nato nella famiglia del negoziante, ha iniziato anche, come ritrattista, ha sostenuto rapporti amichevoli con gli artisti della "Hudson River School" e ha scritto paesaggi romantici,

Viaggiato in Europa, sono rimasto colpito dalle rive americane. Dopo i viaggi ai tropici, i paesaggi della Florida sono diventati i principali argomenti delle sue opere,

Uccelli tropicali (solo con i colibrì circa 40 dipinti) e fiori, in particolare la magnolia.

Non è diventato un artista riconosciuto e famoso nella vita, ma oggi il suo lavoro può essere trovato nei musei più grandi, e talvolta anche nei garage e nei mercatini delle pulci.

Thomas Ikins. (1844-1916), uno dei fondatori di direzione realistica, pittore, programma, scultore, fotografo, insegnante,

Uno dei primi ad appello all'immagine della città d'America. Era educato a Philadelphia, lo ha continuato a Parigi, viaggiato in Europa, ammirato le opere di maestri spagnoli di Realiste Velasquez e ribelle, l'effetto della luce e dell'ombra a Rembrandt.

Era per loro che ha imparato a ritrarre il corpo nudo in movimento, il dramma di ciò che sta accadendo, per opporsi agli interni scuri nel ritratto dell'intensa luce finalizzata a faccia e figura.

Sotto la vita di Ikins, non ha ricevuto un grande riconoscimento, ma in seguito i discendenti apprezzavano il suo stile realistico.

Winslow Homer. (1838-1910), un eccezionale paesaggio e incisore americano e incisore, che lavoravano in uno stile realistico.

Ha ricevuto un'educazione artistica iniziale dalla madre che ha scritto gli acquerelli di talento da lei, ha ereditato la socievolezza e il senso dell'umorismo volitivo. Ha iniziato la sua carriera dalla grafica, ha lavorato come illustratore per 20 anni, durante la guerra civile ha fatto schizzi e disegni sulla guerra e le sue conseguenze, sulla base dei quali in seguito ha creato foto.

Poco dopo la guerra, Homer va a Parigi, continua a scrivere paesaggi e scene di vita urbana, il suo lavoro vicino alla Scuola Barbizon. Sebbene usa il gioco attivamente della luce nei suoi dipinti, caratteristica degli impressionisti, non ci sono prove della loro influenza sul suo lavoro, ha già sviluppato il suo stile indipendente a quel tempo.

La fama più grande è stata portato foto di soggetti marini,

Scene della vita rurale, e da un viaggio in Inghilterra ha portato dipinti, parlando della vita dei villaggi di pescatori, dei paesaggi del mare e degli acquerelli.

Viaggia molto negli Stati Uniti e nell'America centrale, disegnando paesaggi tropicali e nevosi, bambini e animali. Si ritiene che Homer fosse una delle generazioni di quegli artisti che hanno creato la propria scuola americana artistica.

James Whistler. (1834-1903), nato nella famiglia del famoso ingegnere,

Nelle otto dell'età, si trasferì con i suoi genitori a San Pietroburgo, dove suo padre è stato invitato a lavorare nella gestione della ferrovia. Lì, il giovane Whistler ha preso per la prima volta lezioni di disegno privato e all'età di 11 anni entrò nell'Accademia Imperiale delle Arti. Per qualche tempo viveva a Londra con sua madre, continuando ad imparare l'arte, disegnare e raccogliere libri sulla pittura.

Dopo la morte del colera del Padre, la famiglia Whistler è tornata in America, viveva modestamente, ed entrò nell'accademia militare a ovest, ma né fisicamente, né esternamente, né era pronto per una carriera militare e fu detratto. Allo stesso tempo, decise fermamente che l'arte sarebbe stata il suo futuro, cominciò a creare incisioni, andò a Parigi e non tornò mai in patria. Lì, Whistler affittava uno studio nel quartiere latino, ha portato una vita bohémien, fumata molto e bevuta, ma ha anche scritto copie dalle foto di grandi maestri del Louvre per guadagni, studiato arte, adorato Kurba e Coro, ammirando la grafica giapponese e in arte generale orientale.

Dopo aver trasferito a Londra e partecipazione di successo alla mostra, Whistler ha fatto presto il suo nome non solo come artista, ma ha anche acquisito molti amici nell'ambiente di artisti e scrittori a causa del suo spirito, la capacità di vestire e generosità. Viavò molto per studiare il lavoro dei grandi maestri e scrivendo dipinti, dal 1869 iniziò a firmare le sue foto di una farfalla monogramma, composta dalle sue iniziali.

I suoi fiori preferiti sono grigi, neri e marroni. Whistler predicò "Arte per il gusto dell'arte", puro, non gravato da idee, con conseguenti sentimenti artistici, non emozioni, e spesso diede i loro dipinti nomi musicali.

Si ritiene che fosse vicino all'impressionismo dell'umore nei suoi dipinti, ma non nella combinazione di colori e effetti di luce.
Nella presentazione proposta puoi vedere altre foto di tutti gli artisti menzionati.

Alla fine, sono andato al mio argomento preferito - "impressionisti", ma questa è la prossima volta. Continua.

* LULINATO. - Direzione nella pittura del paesaggio americana, è caratterizzata da saturazione con luce, utilizzando la prospettiva dell'aria e nascondendo le macchie visibili. (

"I libri mi danno un grande senso di soddisfazione personale e creativa. Quando lavoro su un libro, vorrei che il telefono non chiami mai. La mia soddisfazione proviene da vere tracce su carta."

Illustratore americano dei libri per bambini Pinkney Jerry è nata il 22 dicembre 1939 a Germantown. Al liceo, il suo amore e il suo amore per il disegno è stato visto dal caricaturista di John Liney, che gli ha offerto di continuare la carriera del suo artista. Dopo la fine della scuola professionale di Dobbins Pinkney ha ricevuto uno studiosi completi per l'apprendimento in Philadelphia Museum College of Art. Più tardi si è trasferito a Boston, dove ha lavorato nel design e nell'illustrazione, alla fine ha aperto il suo studio - Jerry Pinkney Studio, e successivamente si è trasferito a New York. Pinkney Jerry vive ancora e lavora a New York, durante gli anni della sua carriera creativa ha tenuto seminari presso l'Università, le scuole - Artisti in tutto il paese.

"Volevo mostrare ciò che Afro può fare un artista americano in questo paese a livello nazionale nell'arte visiva. Voglio essere un forte modello di gioco di ruolo per la mia famiglia e per altri afroamericani."