Zapadnouropska glazbena kultura renesanse. Izvješće: Glazba renesanse

Zapadnouropska glazbena kultura renesanse. Izvješće: Glazba renesanse
Zapadnouropska glazbena kultura renesanse. Izvješće: Glazba renesanse
28.06.2019

Pošaljite dobro djelo u bazu znanja je jednostavna. Koristite obrazac ispod

Učenici, diplomirani studenti, mladi znanstvenici koji koriste bazu znanja u studijima i radu bit će vam vrlo zahvalni.

Objavljeno na http://www.llbest.ru/

Uvod

1.2 Francuska

1.3 Italija

1.3.2 Venecijanska škola

1.4 Engleska

1.5 Njemačka

1.6 Španjolska

2. Glazbena estetika

2.4 Mesetzinger i njihova umjetnost

Zaključak

Bibliografija

Uvod

Renesansa, ili renesansna (fr. Renesansa), - prekretnica u povijesti kulture europskih naroda. Određeni svjetonazor renesanse, za razliku od srednjovjekovnog teocentrizma (filozofski koncept, koji se temelji na razumijevanju Boga, kao apsolutno, savršeno, najviši bić, izvor života i bilo kojeg dobrog) i asketizma, postao je humanizam ( od toga. humus - "humani", "humane"). Pojedinačna vrijednost ljudske osobe bila je nominirana za izradu, interes za svijest o okolnom svijetu i realističnom refleksiju stvarnosti povećao se. Ideal harmoničnog čovjeka humanisti bili su u potrazi za antika, a drevna grčka i rimska umjetnost služila je kao model umjetničkog kreativnosti. Želja za "oživjeti" drevnu kulturu i dala ime ove ere, razdoblje između srednjovjekovnog i novog vremena (od sredine XVII. Stoljeća do danas).

Prva polovica XV stoljeća karakterizirana je kao početak oživljavanja u glazbi. U ovom trenutku formiraju se renesansni ideal harmonije i ljepote, normama takozvanog strogih stila. Za razliku od drugih vrsta umjetnosti, glavni ideali i kriteriji oživljavanja glazbe nisu bili ideali antike, kao glazbene evidencije drevne Grčke i drevnog Rima od XIII-XVI stoljeća. još nisu u potpunosti dešifrirani i analizirani. Stoga su najčešće osnove glazbenih djela ovog doba bili poetski, književna djela antike. Tako je, na primjer, do kraja XVI stoljeća. Opera radovi zaključili su antike kanone. U glazbi, kao iu drugim vrstama umjetnosti, trend prema slici raznolikosti svijeta se povećava, a ideja o raznolikosti se kombinira s željom za harmonijom i proporcionalnošću svih elemenata cjeline. Postoji promišljanje društvenog statusa glazbe - pojavljuje se demokratska publika, amaterska glazba se široko primjenjuje - izvršenje predstava nije samo poznata skladatelji, već i osobni esej. Stoga je to bilo u ponovnom razdoblju da preduvjeti za vrhunac kućanstva i profesionalne svjetovne glazbene kreativnosti, koji su nosili prirodu života, radost života, humanizma i svijetle slike.

U isto vrijeme, došlo je do promjena u glazbenom pismu: talijanski Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Mobile Metal Lisers je došao za zamjenu teških drvenih tiskanih blokova. Objavljene glazbene radove brzo su se kupili, sve više i više ljudi počelo se pridružiti glazbi.

Glazbena djela tog razdoblja odlikuje se velikim dijelom, pjesma, koja je bila svojstvena narodnoj glazbi; Određeni broj pjesama napisao je u rodnoj, a ne na latinskom jeziku.

Glavne značajke glazbe bile su melodilnost i određeni ritam, koji se razlikovao veću fleksibilnost, izražavanje, a ne u razdoblju srednjeg vijeka. Pojava polifonije objasnio je prvenstveno činjenicom da je glazbenik, skladatelj, izvođač, pjevač imao glazbenu slobodu djelovanja, izrazio svoju dušu u pjesmama, emocionalni stav, pravo na tumačenje, izmisliti njihove varijacije u skladu s osjećajima i unutarnje stanje.

Važno je u ovoj eri imao dodjelu i odobrenje glavne Lade (lakše, radosno, pozvan u odnosu na manje, tužno, tužno, tužno), posebno u XV-XVI stoljećima.

Poseban razvoj je primio pjesmu pod pratnjom lute ili izvršne multi-glas.

U razdoblju renesanse razvijen je razvoj instrumentalne glazbe. Često kombiniraju različite alate u jednoj temi. U isto vrijeme, plesni oblici i melodije su sačuvani i poboljšani, koji su bili ujedinjeni u apartmanu. Prvi instrumentalni radovi koji nose neovisni karakter, varijacije, preludije, fantazije su se pojavili.

Kao i arhitektura, skulptura, slika, glazbena umjetnost renesanse odlikuje se sekularni lik i do XIV-XVI stoljeća. Odnosi se formiranje nacionalnih glazbenih škola.

1. Glazbena kultura renesanse

Renesansna umjetnička kultura je osobni početak uz potporu znanosti. Neobično složena vještina polifanista XV-XVI stoljeća, njihova virtuoznija tehnika dobila se uz svijetle umjetnost kućnih plesova, sofisticiranost sekularnih žanrova. Sve veći izraz u radu dobiva se lirska drama. Osim toga, oni su svjetliji od autorove osobnosti, kreativna individualnost umjetnika (to je karakteristično ne samo za glazbenu umjetnost), što nam omogućuje da razgovaramo o humanizaciji kao vodećem načelu renesansne umjetnosti. U isto vrijeme, crkvena glazba, predstavljena takvim velikim žanrovima, kao masa i moteta, i dalje je "gotička" linija u umjetnosti ponovnog rođenja, usmjerena, prije svega, ponovno stvoriti već postojeći kanon i kroz njega za glorifikacija božanskog.

Do XV stoljeća, takozvana "strogo slovo" polifonija, pravila (norme glasovanja, formacije, itd.) Zabilježeni su u teorijskim raspravama tog vremena i bili su nepromjenjivi zakon o stvaranju crkvene glazbe. Skladatelji su sastavili svoje postove pomoću posuđenih melodija kao glavnog tematizma (gregorijanski zborske i druge kanonske izvore, kao i ljudsku kućnu glazbu) - tzv. Cantus firmus, a dajući veliku važnost tehnici polifonih slova, kompleksa, kompleksa, ponekad sofisticirani kontrapunkt. U isto vrijeme, postojao je kontinuirani proces ažuriranja i prevladavanja utvrđenih normi, u vezi s kojima su sekularni žanrovi postupno sve važniji.

Dakle, kao što možete vidjeti da je razdoblje renesanse teško razdoblje u povijesti razvoja glazbene umjetnosti, stoga se čini razumnim razmotriti ga detaljnije, dok plaćati dužnu pozornost pojedinim pojedincima i zemljama.

1.1 Nizozemska Polifonska škola

Nizozemska - povijesna regija na sjeverozapadu Europe (njihov teritorij pokrivao je sadašnju sjeveroistočnu Francusku, Jugozapad, Belgija, Luksemburg). Do XV stoljeća Nizozemska je dostigla visoku ekonomsku i kulturnu razinu i pretvorio u prosperitetnu europsku zemlju s širim trgovačkim vezama. Intenzitet gospodarskog razvoja zemlje uzrokovan je procvatom znanosti, kulture, umjetnosti u Nizozemskoj. Uz briljantne postignuća slikanja, glazba je postigla ogroman uspjeh. Profesionalna kreativnost skladatelja u Nizozemskoj razvijena u bliskoj vezi s folklorom, koji je imao dugogodišnje, bogate tradicije. Ovdje je formirana Nizozemska polifonska škola - jedan od najvećih fenomena oživljavanja glazbe. Podrijetlo Nizozemske polifonije može se naći na engleskom, francuskom, njemačkom i talijanskom senzovima. U isto vrijeme, Nizozemska sažela je iskustvo mnogih nacionalnih škola i stvorio izvorni vokalno-zborskog polifonskog stila, koji je postao važan stupanj u razvoju strogog pisma. Također je izumio imitaciju - ponavljanje melodije u nekim glasovanjem neposredno nakon drugog glasa. (Kasnije, u vrijeme BACH, imitacija će biti temelj temelj najvišeg oblika polifonije.) Nizozemska ista majstorsko koristi imitacija u kanonima od 15-16 stoljeća. U umjetnosti stvaranja takvih kanona, Nizozemska virtuozi pokazali su mnogo genijalnosti i tehničke fikcije. Skladatelj je upisao u bilješke: "Kriki bez prestanka." To je značilo da se igra može izvesti preskačenjem svih pauza. "Okrenite noćnu noć" - izvođači trebaju pogoditi da se crne note mogu čitati kao bijeli i obrnuto. Predstava će zvučati jednako dobro u normalnom zapisu, au preoblikovanju. Skladatelj Okhem sastavio je 36-glasovni kanon - glazbeni neboder od četiri kose kanona.

Izvanredan predstavnik i jedan od Rhodeschalters Nizozemske škole - Vodič Dufay (1400-1474) (Dufay) (oko 1400 - 11/27/1474), Franco Flamans Composer. On je postavio temelje polifone tradicije u Nizozemskoj glazbi (oko 1400. - 1474). Guillaume Dufai rođen je u gradu Cambri u Flandriji (pokrajina na jugu Nizozemske) i već je pjevala u crkvenom zboru od malih godina. Paralelno s obzirom na buduće glazbene satove. U mladenačkom dobu Dufai je otišao u Italiju, gdje je napisao prve eseje - balade i mote. U 1428-1437 Služio je kao pjevač u papinskoj kapeli u Rimu; U istim godinama putovao je u Italiji i Francuskoj. 1437. skladatelj je prihvatio duhovni san. Na dvorištu vojvode Savoy (1437-1439) sastavio je glazbu za svečane ceremonije i blagdane. Dufai je uživao u velikom poštivanju plemićkih osoba - među svojim obožavateljima, na primjer, Cheta Medici (vladari talijanske gradske Firence). Od 1445. Kanonika i šef glazbene aktivnosti katedrale u Cambri. Majstor duhovne (3-, 4-glas mase, motivi), kao i sekularni

(3-, 4-glas francuski šanson, talijanske pjesme, balade, Rondo) žanrovi povezani s popularnom polifonijom i humanističkom kulturom oživljavanja. Umjetnost Dufai, koji je apsorbirao postignuća europske glazbene umjetnosti, imao je veliki utjecaj na daljnji razvoj europske polifonske glazbe. Postojao je i reformator glazbenog pisma (Dufai se pripisuje uvođenju bilješki s bijelim glavama). Kompletna prikupljena djela Dufai objavljena u Rimu (6 tt., 1951-66). Dufai prvi među skladateljima počeo je sastavljati masu kao cijeli glazbeni sastav. Da biste stvorili crkvenu glazbu, potrebna je izvanredan talent: vještina s određenim, materijalnim sredstvima za izražavanje ometenih, nematerijalnih koncepata. Teškoća je da takav esej, s jedne strane, nije ostavio slušatelja ravnodušnim, as druge strane, nije omesti od obožavanja, pomogao se usredotočiti na molitvu. Mnoga duza masa su nadahnuta, puna unutarnjeg života; Čini se da pomažu MiG-u da otvori veo božanskog otkrivenja.

Često, stvaranje mase, Dufai je uzeo dobro poznatu melodiju, na koju je dodao svoje. Takvim zajmovima karakteristične su za renesanse. Smatralo se vrlo važno da se masa temelji na poznatom melodiji, koja se lako može prepoznati čak iu polifonom radu. Često se koristi fragment gregorijanskog pjevanja; Sekularni radovi nisu bili isključeni. Osim crkvene glazbe, Dufai je sastavio motike na sekularne tekstove. U njima je također primijenio složenu polifoniju tehniku.

Predstavnik Nizozemske polifone škole u drugoj polovici XV stoljeća. Postojala je gore navedena rosa (oko 1440-1521 ili 1524), koja je imala veliki utjecaj na rad sljedećih skladatelja generacije. U mladosti je služio crkvenim pjevačima u Cambrayu, uzeo glazbene lekcije iz Okemema. U dobi od dvadeset godina, mladi glazbenik stigao je u Italiju, pjevao je u Milanu na knezovima Sforze iu papirnoj kapeli u Rimu. U Italiji, depen, vjerojatno je počeo skladati glazbu. Na samom početku XVI. Stoljeća. Preselio se u Pariz. Do tog vremena, Delera je već bila poznata, a on je bio pozvan na položaj sudskih glazbenika Francuski King Louis XII. Od 1503. Delena se ponovno naselala u Italiji, u gradu Ferrari, s dvodom Duke

d "este. SPOJ DEW MNOGO, a njegova je glazba brzo osvojila priznanje u najširem krugovima: bila je voljena i poznata, i jednostavni ljudi. Skladatelj je stvorio ne samo crkvene radove, već i sekularno. Osobito se okrenuo prema žanr talijanske narodne pjesme - Frottol (to. Frottola, iz FROTTA - "Crowd"), za koje je karakteriziran plesni ritam i brzo tempom. U crkvenoj glazbi, rosa je donijela značajke sekularnih djela: svježa, živahna intonacija povrijeđena stroga proširenje i uzrokovao osjećaj radosti i potpunosti postojanja. Međutim, osjećaj mjerenja skladatelj nikada nije promijenjen. Dubina polifone tehniku \u200b\u200bse ne razlikuje od sofisticiranosti. Njezini su djela elegantno jednostavni, ali osjećaju snažan intelekt autora. ovo je tajna popularnosti njegovih kreacija.

Junior suvremenici Gioma Dufai su izašli (Jean) izašla (oko 1425-1497) i Jacob Obrecht. Kao Dufai, otišao je iz Flandrija. Cijeli njegov život radio je marljivo; Osim pisanja glazbe, izvršili su odgovornosti glave kapele. Skladatelj je stvorio petnaest nereda, trinaest motiva, više od dvadeset šansona. Za djela Okemema karakteriziramo rigor, koncentraciju, dugoročno implementaciju glatkih melodijskih linija. On je posvetio veliku pozornost na polifonsku tehniku, tražio sve dijelove mase u cjelini. Kreativno pisanje skladatelja je pogođen u svojim pjesmama - gotovo su lišeni sekularne lakoće, više poput motiva, a ponekad i fragmentima Messea. Johannes Okhevyz koristio je čast iu svojoj domovini i inozemstvu (imenovan je savjetnik kralja Francuske). Jacob Orecht je pjevao u katedralama različitih gradova Nizozemske, nadzirane kapele; Nekoliko godina služio je na Sudu Duke D "Este u Ferraréu (Italija). On je autor dvadeset pet mjeseci, dvadeset motela, trideset šansona. Koristeći dostignuća prethodnika, Obrecht je napravio mnogo novih u polifonoj tradiciji , Njegova je glazba puna kontrasta, usuđuje se, čak i kada skladatelj privuče tradicionalne crkvene žanrove.

Multiceted i dubina kreativnosti Orlando Lasso. Završava povijest Nizozemske glazbene renesanse Orlando Lasso (pravo ime i prezime Roland de Lasso, oko 1532-1594), nazvan suvremenicima "Belgijski orfeit" i "Prince of Music". Lasso je rođen u gradu Mons (Flandrija). Od ornamenta pjevao je u crkvenom zboru, udarajući župljani prekrasni glas. Gonzaga, vojvoda talijanskog grada Mantja, slučajno slušajući mladog pjevača, pozvao ga je u svoju kapelu. Nakon što je Mantva Lasso radila na kratko vrijeme u Napulju, a zatim se preselio u Rim - Tamo je dobio mjesto glave kapele jedne od katedrala. Dvadeset i pet godina, Lasso je već bio poznat kao skladatelj, a njegovi su spisi bili u potražnji za notozima. Godine 1555. izašla je prva zbirka radova s \u200b\u200bmotivima, madriganima i Chansonu. Lasso je proučavao sve najbolje koje su stvorili njegovi prethodnici (nizozemski, francuski, njemački i talijanski skladatelji) i iskoristili svoje iskustvo u svom radu. Budući da je izvanredna osobnost, Lasso je nastojao prevladati rastresenu prirodu crkvene glazbe, dati joj individualnost. U tu svrhu, skladatelj je ponekad koristio žanrove motive (teme narodnih pjesama, plesova), dakle, približne crkvene i sekularne tradicije. Složenost polifonih tehnika u kombinaciji s Laso s velikom emocionalnošću. Bio je posebno sposoban madrigalla, u tekstovima od kojih je mentalno stanje glumačkih osoba, na primjer, suze sv. Petra "(1593.) na pjesme talijanskog pjesnika Luigi transillo. Skladatelj je često napisao za veliki Broj glasova (pet do sedam), tako da su njegovi radovi teški za izvršenje. Od 1556. godine, Orlando Lasso je živio u Münchenu (Njemačka), gdje je vodio kapelu. Do kraja svog života, njegov autoritet u glazbenim i umjetničkim krugovima bio je Vrlo visoka, a slava se širi diljem Europe.

Nizozemska polifonijska škola imala je veliki utjecaj na razvoj glazbene kulture Europe. Načela polifonija razvijenih od strane nizozemskih skladatelja postala je univerzalna, a mnoge umjetničke tehnike koristili su skladatelji u njihovom radu već XX stoljeća.

1.2 Francuska

Za Francusku, XV-XVI stoljeće postao je razdoblje važnih promjena: stogodišnjicu rata (1337-1453) s Engleskom, do kraja XV stoljeća. Državna zajednica je dovršena; U XVI stoljeću zemlja je preživjela vjerske ratove između katolika i protestanata. U jakoj državi s apsolutnom monarhijom povećala se uloga sudskih proslava i narodnih festivala. To je doprinijelo razvoju umjetnosti, posebice glazbe, popraćena takve akcije. Broj vokalnih i instrumentalnih ansambala (kapela i konzorcija), sastojao se od značajan broj izvođača. Tijekom vojnih putovanja u Italiju, Francuzi su se upoznali s dostignućima talijanske kulture. Duboko su se osjećali i uočili ideje talijanskog preporoda - humanizam, želju za skladom sa svijetom, uživati \u200b\u200bu životu.

Ako je u Italiji, glazbena renesansa bila je povezana prvenstveno s Mesijom, a zatim francuski skladatelji, zajedno s crkvenom glazbom, posebnu pozornost posvetili sekularnoj polifonskoj pjesmi - Chanson. Interes za nju u Francuskoj pojavio se u prvoj polovici XVI. Stoljeća, kada je oslobođena zbirka glazbenih mjesta Cleander Zaequen (oko 1485-1558). To je taj skladatelj koji se smatra jednim od kreatora žanra.

Kao dijete, Zainen je pjevao u crkvenom zboru u rodnom gradu Chateleral (središnja Francuska). U budućnosti, prema riječima povjesničara, studirao je u Nizozemskoj majstoru Zoshena Rosa ili od skladatelja iz njegove okoline. Nakon što je primio San svećenika, Zainen je radio kao regent (voditelj zbora) i orguljaš; Zatim je bio pozvan na vojvoda Giz. Godine 1555. glazbenik je postao pjevač kraljevske kapele, a 1556-1557. - skladatelj kraljevskog suda.

Clemen Zanecan je stvorio dvjesto osamdeset šansona (objavljeno između 1530. i 1572.); Napisao je crkvenu glazbu - masu, motete, psalms. Njegove su pjesme često bile grafički karakter. Prije promišljenog pogleda slušatelja, slika bitke ("Bitka za Marignano", "Bitka za iznajmljivanje"), scene lova ("lov"), slike prirode ("ptičje pjevanje", "Nightingale"), Kućanske scene ("Ženski brbljanje"). Upanjujuće svijetli skladatelj uspio prenijeti atmosferu svakodnevnog života u Parizu u Chansonu "Creek Paris": on je napravio tekst prodavača prodavača. Jequen gotovo nije koristio duge i glatke teme za individualne glasove i složene polifone tehnike, dajući preferencije za pozive, ponovite, razlučivost zvuka.

Drugi smjer francuske glazbe povezana je s paneuropskim pokretom reformacije. U crkvenim službama francuski su protestanti (Huguenotes) odbili latinski i polifoniju. Duhovna glazba je stekla otvoreniji, demokratski demokratski karakter. Jedan od sjajnih predstavnika ove glazbene tradicije bio je Claude Gudimel (između 1514. i 1520.-1572.) - Autor psalama na biblijskim tekstovima i protestantskim kloralima.

Jedan od glavnih glazbenih žanrova francuske renesanse je Chanson (fr. Chanson - "Pjesma"). Podrijetlo nju - u narodnoj umjetnosti (rimske pjesme epskih priča pomaknuti se na glazbu), u umjetnosti srednjovjekovnih cjevovoda i cijevi. Prema sadržaju i raspoloženju, Chanson bi mogao biti najrazličitiji - bilo je ljubavnih pjesama, kućanstvo, provođenje, satirični itd. Kao tekstovi, skladatelji su uzeli narodne pjesme, modernu poeziju.

1.3 Italija

S pojavom renesanse u Italiji proširila se kućanstvo na raznim alatima; Bilo je mugs ljubavnika za glazbu. Pojavljuju se novi oblici glazbenog i javnog života - glazbene akademije i profesionalne glazbene obrazovne ustanove novog vrha - Konzervatorij. U profesionalnoj regiji formirana su dvije najjače škole: Roman i Venecijanski.

U XVI. Stoljeću, NoupHet je prvi put izdao, 1501. godine, venecijanski knjižnicu Ottiano Petrucci objavio je Harmonice Musices Odhecaton - prva glavna zbirka sekularne glazbe. Bila je to revolucija u diseminaciji glazbe, a također je doprinijela činjenici da je francusko-flamanski stil postao dominantan glazbeni jezik Europe u sljedećem stoljeću, jer talijanski Petrchci u svojoj zbirci uglavnom su uključivali glazbu Franco Flanca Flamansa skladatelji. Nakon toga, objavio je mnoge radove i talijanske skladatelje, i svjetovno i duhovno.

Uloga sekularnih žanrova povećala se u renesansnoj epohi. U XIV stoljeću U talijanskoj glazbi se pojavio Madrigal (iz Lat. Matricale - "pjesma na svom materinjem jeziku"). Razvila se na temelju folklornih (Shephent) pjesama. Madrigali su pjesme za dva-tri glasa, često bez instrumentalne podrške. Madrigal je stigao na vrh svog razvoja i postao najpopularniji glazbeni žanr doba. Za razliku od ranijih i jednostavnih madrigalla, Trytenu, Renesanse Madrigalsa napisana su za nekoliko (4-6) glasova, često su bili stranci koji su služili u sudovima utjecajnih sjevernih obitelji. Madrigalisti su nastojali stvoriti visoke umjetnosti, često koristeći recikliranu poeziju velikih talijanskih pjesnika kasnog srednjeg vijeka: Francesco Petrorski, Giovanni Boccaccio i drugi. Nedostatak strogih strukturnih kanona bio je karakterističan za madrigalu, osnovni princip bio je slobodan izraz misli i osjećaja.

Skladatelji kao što je predstavnik Venecijanske škole Ciprian de Rorea i predstavnika Franco Flamske škole Roland de Lassus (Orlando di Lasso) - tijekom talijanskog kreativnog života, eksperimentirao je s povećanjem kromatizma, harmonije, ritma, teksture i drugih sredstava Glazbena izražajnost. Njihovo iskustvo će se nastaviti i donijeti vrhunac tijekom vremena manherizma Carlo Jezualdo. Tijekom 15. stoljeća skladatelji su se gotovo privlačili ovom žanru; Interes za to je oživljen samo u XVI stoljeću. Karakteristično obilježje Madrigala XVI. Stoljeća je bliska povezanost glazbe i poezije. Glazba je fleksibilno slijedila tekst, odražavao događaje opisane u poetskom izvoru. Tijekom vremena, postojali su osebujni melodijski simboli, koji su označili nježne uzdahe, suze, itd. U djelima nekih simbolizma skladatelji su bili filozofski, na primjer, u Madrigan Jezualialia di Venoza "umirem, nesretni" (1611). Kombiniranje žanra čini prijelazom XVI-XVII stoljeća. Ponekad istovremeno s izvršenjem pjesme odigrala je njezina parcela. Madrigal je postao temelj madrigalne komedije (zborski sastav na tekstu igre komedije), koji je pripremio izgled opere.

1.3.1 Rimska polifonska škola

Giovanni de Palestrina (1525-1594). Glava rimske škole bio je Giovanni Pieruluji da Palestrina - jedan od najvećih skladatelja renesanse. Rođen je u talijanskom gradu Palestrina, po imenu koji je dobio prezime. Od djetinjstva, Palestrina je pjevala u crkvenom zboru, a na postizanju zrelog doba bio je pozvan na mjesto Kapelmeistera (voditelj zbora) u katedrali sv. Petra u Rimu; Kasnije je služio u Sikstinskoj kapeli (Sudska kapela pape Rimljaka).

Rim, katolički centar, privukao je brojne vodeće glazbenike. U različito vrijeme, ovdje su radili Nizozemski majstori polifaista Dufai i Zoshen Dere. Njihova razvijena skladateljska oprema ponekad je ometala tekst obožavanja: bio je izgubljen iza sofisticiranog pleksusa glasova i riječi, zapravo, nisu čuli. Stoga su crkveno vlasti liječele oprezno od takvih djela i zagovarali povratak jednog satellina na temelju Grigorskih napjeva. Pitanje prihvatljivosti polifonije u crkvenoj glazbi raspravljalo se čak i na isprobanoj katoličkoj katedrali Katoličke crkve (1545-1563). Približio Papa Romanu, Palestrina je uvjerila crkvene figure u mogućnosti stvaranja radova, gdje skladateljska oprema ne bi spriječila tekst teksta. U dokazu je skladao "masovni papa Marcello" (1555), u kojem se složena polifonija kombinira s čistim i izražajnim zvukom svake riječi. Tako je glazbenik "spasio" profesionalnu polifonu glazbu iz progona crkvenih vlasti. Godine 1577. skladatelj je bio pozvan da raspravlja o reformi postupnog - Skupštine svetih napjeva Katoličke crkve. 80-ih Palestrina je prihvatila Duhovni San, a 1584. godine ušao je u društvo glazbenih majstora - udruživanje glazbenika, podnio je izravno Papa Roman.

Palestrina kreativnost je prožeta laganim globalizmom. Radovi stvorene od njih bili su pogođeni suvremenicima kao najviša vještina i količina (više od sto očina, tri stotine moteta, sto madrigala). Složenost glazbe nikada nije služila prepreka njezinoj percepciji. Skladatelj je znao pronaći zlatnu posredstvo između sofisticiranosti kompozicija i pristupačnosti njih za slušatelja. Glavni kreativni zadatak Palestrine vidio je u razvoju cijelog velikog posla. Svaki se glas u svojim napjevima razvija samostalno, ali u isto vrijeme čini jednu cjelinu s ostatkom, a često su glasovi u upečatljivi kombinaciji akorda. Često ugađanje gornjeg glasa kao što bi to bilo paraitić preko ostalih, ocrtavajući polifonu "kupole"; Svi glasovi karakteriziraju glatkoća i razvoja.

Umjetnost Giovannija da Palestrine Sljedeće generacije glazbenici smatraju primjerom, klasičnim. Mnogi izvanredni skladatelji XVIIXVIII stoljeća proučavali su na svojim spisima.

1.3.2 Venecijanska škola

Drugi smjer renesansne glazbe povezana je s radom skladatelja venecijanske škole, osnivača koji je postao Adrian Villert (oko 1485-1562). Njegovi su studenti bili organizirani i skladatelj Andrea Gabriel (između 1500 i 1520. - nakon 1586.), Cyprian de Papa skladatelja (1515 ili 1516-1565) i drugim glazbenicima. Ako se palestrina radi karakterizirana jasnoćom i strogom suzdržanom, vultrart i njegovi sljedbenici razvili su bujni zborovni stil. Da bi se postigao volumetrijski zvuk, igra Timbres, koristili su se u pripravcima nekoliko zborova smještenih na različitim mjestima hrama. Upotreba valjaka između zborova omogućilo je ispuniti crkveni prostor bez presedana učinaka. Takav pristup ogleda humanistički ideali epohe u cjelini - sa svojom vedrinom, slobodom i stvarnom venecijanskom umjetničkom tradicijom - sa svojom željom za sve svijetle i neobične. U radu mletačkih majstora, glazbeni jezik je bio kompliciran: ispunjen je podebljanim kombinacijama akorda, neočekivanih harmonija.

Svijetla lik renesanse bila je Carlo Jezualdo di Venosa (oko 1560-1613), princ grada Venose, jedan je od najvećih majstora sekularnih madrigala. Slavu je stekao kao pokrovitelj, izvođač malo, skladatelj. Princ Jesualdo bio je prijatelj s talijanskom pjesniku Torquato Tasso; Ostala je najzanimljivija slova u kojima i umjetnici raspravljaju o pitanjima književnosti, glazbe, vizualne umjetnosti. Mnoge pjesme Tasso Jezualea di Venosa pomaknule su se u glazbu - tako se pojavile brojne umjetničke madrigale. Kao predstavnik kasne renesanse, skladatelj je razvio novi tip Madrigale, gdje su osjećaji bili na prvom mjestu - nasilni i nepredvidivi. Stoga se karakteriziraju količine volumena, intonacije, slične uzdahu, pa čak i jecajima, oštrim akordima na zvuku, kontrastirajući tempo smjene. Ove tehnike dali su glazbi jezualaškog izražajnog, pomalo fancy lika, zadivljen je i istovremeno privukla suvremenike. Nasljeđe Jezualdo di Venoze je sedam zbirki multi-izraženih madrigala; Među duhovnim esejima - "svetim napjevima". Njegova glazba i danas ne ostavljaju slušatelja ravnodušnim.

1.4 Engleska

Kulturni život Engleske u renesansnoj epohi bio je usko povezan s reformacijom. U XVI. Stoljeću protestantizam se širio u zemlji. Katolička crkva je izgubila dominantan položaj, anglikansku crkvu, koja je odbila prepoznati neke dogme (glavne odredbe) katoličanstva; Većina samostana zaustavila je njihovo postojanje. Ti su događaji utjecali na englesku kulturu, uključujući glazbu.

Engleska glazbena umjetnost renesanse briljantno se navodi u prvoj polovici XV stoljeća, nakon što je iznijela jedinstveni kreativni identitet Johna Dunstayble, koji je najjači dojam na kontinentu. Rad Dunstale je važna veza između glazbe srednjeg vijeka i renesansne epohe Poliphon. Općenito prihvaćena povijesna uloga svojih radova za razvoj polifonije u zapadnoj Europi također je unaprijed određena značajnom tradicijom polifonije (osnovana u srednjovjekovnoj Engleskoj), naslijeđena i razvila Dunstaibl. Osim njega, u XV stoljeću poznata su imena mnogih engleskih skladatelja koji su stvorili motike, dijelove zabrske, ponekad šansone i balade. Neki od njih su radili na kontinentu, neki od njih došli su u kapelu vojvode od Burgundije. Njihova sionel moć je u vlasništvu jednog od prvih u Engleskoj Messe - zajedno s Mesa Dunstybla. Suvremenici su bili J. BedINGham, šuma, J. Benet, R. Morton. U drugoj polovici XV stoljeća, J. banaster, W. Lambe, R. Davi, W. Fry. Većina njih bila su pjevači u kapelama i napisali mnogo crkvene glazbe. I u izboru glavnih žanrova, te u dosljednom razvoju polifonih vještina, oni su u velikoj mjeri zatvoreni s Nizozemskom školom, što je zauzvrat bilo znatno je li stilski primjer Dustybla u vlastitom nastanku.

U XVI stoljeću, glazbena umjetnost Engleske doseže značajan razvodnik. Uz tradicionalne oblike katoličke glazbe i duhovnih motora na latinskim tekstovima iz sredine stoljeća već su stvoreni jednokoseni psalmi na engleskom jeziku - karakterističan fenomen reformacije. Znatiželjno je da je isti John Merbek (oko 1510-1585), koji je stvorio biskupa Winchester mase i latinskih motela u službi, objavio je 1549. godine prvu zbirku psalama u engleskim tekstovima. Uz njega, u prvoj polovici stoljeća, djelovali su engleski polifonisti, autori glavnih oblika Johna Tavernera, John Redford, Nicolae Lyudford; Kreativni život Christophera Thaya, Thomas Tallisa, Robert White je trajao malo duže.

U isto vrijeme, humanistički temelji nove ere vodio je u Engleskoj XVI. Stoljeća do prvog visokog cvatnje svjetovne glazbene umjetnosti kako u vokalnom tako iu instrumentalnim oblicima. Nove generacije engleskih skladatelja koji su govorili u posljednjoj četvrtini XVI. Stoljeća i koji su uhvatili prve desetljeće XVII, stvorile su školu engleskih madrigalista. Oni su također označili početak novog područja instrumentalne glazbe - predstava za Vyrinel (šipka Clavsina), koji su bili široko rasprostranjeni u XVII. Stoljeću.

Engleski Autori Madrigalls William Berd (1543. ili 1544 - 1623), Thomas Morley (1557.-12603), John Wilby (1574-1638), a drugi se izvorno oslanjali na suvremene talijanske uzorke (Madrigal, kao što znate, nastali u Italiji), posebno za Marreinsio, ali onda je otkrio originalnost - ako ne u tumačenju žanra, onda u prirodi polifonije. Dolazak u kasnijoj fazi razvoja polifonije, na samom prijelom u novi stil XVII stoljeća, engleski madrigal je jednostavniji u multi-beamističkoj teksturi od talijanskog, više homofona, nije ni lišen čak i ritmičkih plesnih značajki , Za razliku od vremena Danstybla, engleska polifonic škola do kraja XVI stoljeća predstavlja korist od nacionalnog interesa (njezine tradicije se prenose u XVII. Stoljeću i doseže Peressellu), ali pomicanjem vlastitog puta, to više nema Vični utjecaj na glazbenu umjetnost zapadne Europe.

Također je potrebno napomenuti značajnu ulogu glazbe u engleskom kazalištu renesanse. Ova uloga je specifična u svoje vrijeme: u Engleskoj, nije bilo preduvjeta za pojavu opere za dugo vremena, a ništa ga još nije pripremilo. Glazba je zvučala u dramatičnom kazalištu za dobrobit kao fenomen života (ali ne kao interno dramaturški komponenta), au žanru "maski" sudjelovalo u bujnim nastupima na Kraljevskom sudu pridružio se spektakularnim učincima, baletnim scenama, vokalnim i instrumentalni fragmenti, pjesnički tekst.

U dijelovima Shakespearea, često se tijekom akcije nazivaju se popularne pjesme na određenim riječima ili poznatim plesovima, kao što je galiari. Glazba je postala pozadina djelovanja, neki "medij", napravio neke psihološke nijanse, zašto Shakespeare nije trebalo više od žanrova kućanstava.

U isto vrijeme, glazbeni odjeli otvoreni u Oxfordu i Cambridge sveučilištima.

1.5 Njemačka

Do XVI stoljeća. U Njemačkoj je već bio bogat folklor, prije svega vokala. Glazba je svugdje zvučala: na svečanosti, u crkvi, u sekularnim događajima iu vojnom kampu. Seljački rat i reformacija uzrokovala je novi uspon narodne umjetnosti. Postoje mnoge izražajne luteranske himne čije je autorstvo nepoznato. Zborsko pjevanje postalo je integralni oblik luteranskog obožavanja. Protestantski zbor utjecao je na kasni razvoj svih europskih glazbe. Ali prije svega, na muzikalnost samih Nijemca, koji se danas, glazbeno obrazovanje smatraju ne manje važnim od prirodne znanosti - i na drugi način kako sudjelovati u multi-lančanom poslovanju?

Mnogostruka glazbenih oblika u Njemačkoj XVI. Stoljeću. Nevjerojatnici: baleti, opere stavljeni na karneval. Nemoguće je ne nazvati takva imena kao K. Puman, P. Hofheimer. To su skladatelji koji su napisali sekularnu i crkvenu glazbu, prije svega za organ. Oni su u blizini izvanrednog Franca Flamanskog skladatelja, predstavnika Nizozemske škole O. Lasso. Radio je u mnogim europskim zemljama. Generalizirao je i inovativan razvio postignuća raznih europskih glazbenih škola renesanse. Majstor ikonične i svjetovne zborne glazbe (preko 2000 spisa.).

No, Henry Schütz (1585-1672), skladatelj, Cappermaster, orguljaš, učitelj, obrćeni su u njemačkoj glazbi. Osnivač Nacionalne skladateljske škole, najveći prethodnik I.S. Baha. Prva njemačka opera "Daphne" (1627), operna baleta "Orpheus i Eurydika" (1638.) napisana je s Schuyzom Madrigali, duhovni kanta i govornici ("strasti", koncerti, motivi, psalmi itd.).

Osnivač reformacije Martin Luthera (1483-1546) smatrao je da je potrebna reforma crkvene glazbe. Glazba, prvo, trebala bi pridonijeti aktivnijem sudjelovanju župljana u bogoslužju (u izvedbi polifonih kompozicija bilo je nemoguće), a drugo, da se rađa empatija biblijskih događaja (što je povrijedilo uslugu na latinskom). Dakle, sljedeći zahtjevi su predstavljeni crkvenom pjevanju: jednostavnost i jasnoća melodija, čak i ritam, jasan oblik napjeva. Na temelju toga, protestantski zbor nastao - glavni žanr crkvene glazbe njemačke renesanse. Godine 1522. Luther je preveo Novog zavjeta na njemački jezik, sada je postalo moguće da se obožava na svom materinjem jeziku.

U odabiru zvona za Chororov, sam Luther bio je aktivno uključen, kao i njegov prijatelj, njemački glazbeni teoretičar Johann Walter (1490-1570). Glavni izvori takvih melodija bili su narodne duhovne i sekularne pjesme - poznate i jednostavne za percepciju. Melodije za neke od Khoralov Luthera skladali su se. Jedan od njih, "Gospodin - podrška izgledi, postao je simbol reformacije u razdoblju Religioznih ratova XVI.

1.6 Španjolska

Dugo vremena, glazba Španjolske bila je pod utjecajem crkve, u kojoj je feudalno-katolički odgovor naglo. Bez obzira na to kako je Noring bio napad suprotstavljanje glazbe, još uvijek nije uspjelo vratiti prethodne pozicije. Instalacija Buržoaos odnosi diktiraju nove narudžbe.

U Španjolskoj se znakovi oživljavanja jasno manifestiraju u XVI stoljeću, a pretpostavci za to izgledaju čak i ranije. Poznato je da je već u XV stoljeću, bilo je dugogodišnje i snažne glazbene veze između Španjolske i Italije, između španjolskih kapela i dijelova njihovih skladatelja pjevača - i papinske kapele u Rimu, kao i vojvodu od Duke Burgundija i Duke Sforza u Milanu, ne spominjem druge europske glazbene centre. Od kraja 15. stoljeća Španjolska, kao što je poznato, zbog ukupnosti povijesnih uvjeta (kraj rekonquista, otvaranje Amerike, nove dinastične veze u Europi), pronašli su vrlo veću silu u zapadnoj Europi, U isto vrijeme ostaje konzervativno katoličko stanje i pokazuje značajnu agresivnost u zanimanju tuđih teritorija (koje su u potpunosti iskusili Italiju na njega). Najveći španjolski glazbenici XVI. Stoljeća, kao i prije, bili su u crkvenoj službi. Oni nisu mogli ne doživjeti utjecaj Nizozemske polifone škole sa svojim prevladavajućim tradicijama. Već je rečeno da su izvanredni predstavnici ove škole bili više od jednom u Španjolskoj. S druge strane, španjolski majstori, za nekoliko iznimaka, neprestano se susreli s talijanskim i nizozemskim skladateljima, kada su ostali iz Španjolske i radili u Rimu.

Gotovo svi veliki španjolski glazbenici prije ili kasnije pali u papinsku kapelu i sudjelovali u svojoj djelatnosti, i time još jače svladali korijensku tradiciju strogog stila polifonije u svom pravoslavnom izrazu. Najveći španjolski skladatelj Cristobal De Morales (1500 ili 1512-1553), glorificirani izvan svoje zemlje, u 1535.-1545.

Morales je bio veliki polifonist, autor Messe, Motttes, himni i druge vokalne, najvažnije zborske radove. Smjer njegove kreativnosti temeljio se na sintezi izvornih španjolskih tradicija i polifonske vještine Nizozemske i Talijana tog vremena. Već dugi niz godina (1565-1594) došlo je do gornjeg predstavnika sljedeće generacije španjolskih majstora Thomas Luis de Victoria (cca. 1548-1611) (cca. 1548-1611), što nije vrlo precizno za školu Palestrinov. Skladatelj, pjevač, orguljaš, Dropmester, Victoria stvorio masu, motete, psalme i druge duhovne spise u strogom stilu polifonije, bliže palestriji od Nizozemske, ali još uvijek nije poklopio s palestrinskim - španjolski majstor imao je manje strogog suzdržavanja i Više izražavanja. U kasnim radovima Viktorije, Victoria se pojavi i želja da ometaju palestrinovsku tradiciju u korist polihoreizma, koncertne, međubrane kontrasta i drugih inovacija koje vode svoje podrijetlo, a iz mletačke škole.

Još jedan španjolski skladatelj koji je radio uglavnom u području duhovne glazbe također je donio pjevačima papinske kapele u Rimu. U 1513-1523, A. de Ribera je bio dio Capelle, od 1536. godine bio je pjevač B. Escobedo, u 1507-1539 - X. Esclatino, pomalo kasnije - M. Robbledo. Svi su napisali polifhoničnu duhovnu glazbu u strogom stilu. Samo je Francisco Guuserro (1528-1599) uvijek živio i radio u Španjolskoj. Ipak, njegove milosti, motivi, pjesme bile su uspješne i izvan zemlje, često privlačeći pozornost leptira i viuelsa kao materijal za instrumentalne tretmane.

Od svjetovnih vokalnih žanrova najčešći. Bio je to Wilianso-rod polifone pjesme u Španjolskoj, zatim nešto više polifona, onda, češće, homofon, podrijetlo povezane s životom, ali prošli profesionalni razvoj. Međutim, bit tog žanra treba reći, bez rušenja iz instrumentalne glazbe. Wiliansoko XVI. Stoljeće - najčešće pjesma pod Viuela ili pod Lutom, stvaranje velikog umjetnika i skladatelja za instrument kojeg je izabrao.

I u bezbrojnim Wiliansosa, i općenito, Španjolska u kućanstvu je izuzetno bogata i karakterizira nacionalni melodija - vrsta, očuvanje njihovih razlika od talijanskog, francuskog i svih više njemačkih, melodika. Španjolska melodija je nosila ovu karakteristiku kroz stoljeće, privlačeći pozornost na samostalno nacionalno, ali i stranih skladatelja do našeg vremena. Ne samo njegov intonacijski sustav je neobičan, ali duboko ukorijenjeni ritam, originalni ornamizam i improvizacijski način, vrlo jake veze, s plesnim potezima. U gore navedenom opsežnom radu Francisca de Salinas "Sedam glazbenih knjiga" (1577.), dane su mnoge kastilijske melodije, koji su privukli pozornost znanstvenika glazbenika prvenstveno iz njihove ritmičke strane. Ovi kratki melodijski fragmenti koji ponekad pokrivaju samo raspon politike su iznenađujuće zanimljivi u svojim ritmovima: česte sinkope u različitim kontekstu, oštrim ritmičkim prekidima, potpunom odsustvu elementarnog gibanja, općenito trajno djelovanje ritmičkog osjećaja, nema inercije! Iste kvalitete percipirane su iz narodne tradicije s svjetovnim vokalnim žanrovima, većina svih Wiliansona i drugih sorti pjesme u blizini Viuele.

Instrumentalni žanrovi u Španjolskoj je široko i neovisno zastupljeno radom orguljastih skladatelja na čelu s najvećim Antonio de Cabestoonima (1510-1566), kao i cijele Plejada briljantnog voucelista s razumnim brojem svojih djela, dijelom se odnose na vokal dinja različitih podrijetla (od narodnih pjesama i ples s duhovnim spisima). Mi ćemo se posebno vratiti u poglavlje o instrumentalnoj glazbi renesansne ere kako bismo odredili svoje mjesto u općem razvoju.

Do XVI stoljeća, rane faze u povijesti španjolskog glazbenog kazališta također su nastali na ishodu prošlog stoljeća na inicijativu pjesnika i skladatelja Juan del Essina i već dugo postojali kao dramatično kazalište s velikim sudjelovanjem glazba posebno djelovanja.

Konačno, znanstvene aktivnosti španjolskih glazbenika, od kojih su već cijenjene od strane Ramis di Pareh, za progresivnost teorijskih stavova i Francisco Salinas za jedinstveno razmatranje španjolskog folklora za jedinstveno vrijeme za to vrijeme. Spomenumo i nekoliko španjolskih teoretičara koji su svojim radom posvetili problemima izvedbe na raznim alatima. Skladatelj, izvođač (na volonu - Bastovoy Vialea Da Gamba), Diego Ortis, Diego Ortis objavio je svoju "raspravu na sjaju" 1553 u Rimu), u kojem su pravila potkrijepljena improvizirana varijara u ansamblu (volone i clavasin). Organista i skladatelj Thomas de Sante Maria objavljena u valladolidu To, osim informacija o instrumentima i igrama, neka se pitanja glazbenih pisama (posebice prigovorila, protiv preopterećenja polifonije).

Dakle, španjolska glazbena umjetnost u cjelini (zajedno sa svojom teorijom), bez sumnje, preživjela svoju renesansu u 16. stoljeću, otkrivajući i određene članke s drugim zemljama u ovoj fazi i značajne razlike uzrokovane povijesnim tradicijama i društvenim suvremenim Španjolska.

2. Glazbena estetika

2.1 Razvoj žanrova i oblika instrumentalne glazbe

renaissance Music Mason MUSSESERGER

Dužni smo formirati instrumentalnu glazbu kao neovisnu vrstu umjetnosti. U ovom trenutku pojavljuju se brojne instrumentalne predstave, varijacije, preludije, fantazije, rondo, toccat. Violina, Clausius, organ se postupno pretvorio u solo alate. Glazba napisana za njih omogućilo je pokazati talent ne samo skladatelja, već i od strane izvođača. Prije svega, virtuoznost je cijenjena (sposobnost da se nosi s tehničkim poteškoćama), koji je postupno postao za mnoge glazbenike u sebi po sebi i umjetničku vrijednost. Skladači XVII-XVIII stoljeća obično ne samo sastavljena glazba, već i reproduciraju alate, koji se bave pedagoškim aktivnostima. Dobrobit umjetnika uvelike je ovisila o određenom kupcu. U pravilu, svaki ozbiljan glazbenik nastojao dobiti mjesto bilo na dvorištu monarha ili bogatog aristokrata (mnogi predstavnici imali su vlastite orkestre ili opernih kazališta), ili u hramu. Štoviše, većina skladatelja lako je kombiniralo rješavanje crkve s uslugom sekularnog zaštitnika.

Priroda mnogih vokalnih radova XIV-XV stoljeća u talijanskim i francuskim skladateljima prilično je instrumentalna od vokala (u rasponu, prirodu glasovanja, omjer s verbalnim tekstom ili odsustvom potpisanih riječi). To se u potpunosti primjenjuje na talijansku imovinu Ars Novu, na brojne spise "prijelaznog" razdoblja u Francuskoj (početak XV stoljeća). Ne postoje izravne upute za korištenje određenih alata u bilješci bilježe. Očigledno, osigurana je volji izvođača, ovisno o njihovim sposobnostima, pogotovo jer je sam autor bio obično među njima.

U načelu, svaki vokalni rad dio je mase, moteta, Chansona, FOTTOL-a, Madrigala (s izuzetkom MESZ-a, namijenjen za sistručku kapelu, gdje instrumenti nisu dopušteni) - u praksi se može izvesti ili s udvostručenjem vokala Alati za stranke ili djelomično (jedan ili dva glasa) samo alati ili u potpunosti na organu ili grupi instrumenata. U biti je to u biti stabilan tip performansi, naime, proces uvođenja alata u vokal na podrijetlu polifonije. Tako je nastao, na primjer, "organska masa" - međuproizvodni fenomen, prijelazni. U tim spisima gdje se gornji glas ističe u svom značenju (kao što je često bio u Dufai ili Benshua), korištenje alata je najvjerojatnije povezana s "pratećom" melodijom s glasovima ili s harmonijskim basom. No, s "poravnanjem" stranaka u posebno razvijenom multi-prvaku Nizozemske škole, može se pretpostaviti (na primjer, u Cansonu) bilo koji omjer vokalnih i instrumentalnih snaga do ispunjenja cjelokupnog proizvoda grupe alata , Trebalo bi se snositi na umu i neke privatne značajke koje nisu zabilježene u bilješci bilježi. Poznato je da je na tijelu, na primjer, već u XV stoljeću, iskusni izvođači tijekom obrade pjesama "boja" (isporučen s dekoracijama) svoje melodije. Možda bi instrumentalist, s različitim sudjelovanjem u obavljanju vokalne glazbe, također mogao učiniti improviziranim ukrasima u svojoj stranci, što je posebno prirodno, ako je sam autor sjedio za tijelo. Uostalom, to ne čudi da je u XVI stoljeću, kada su instrumentalni žanrovi već bili presavijeni, a još uvijek postoje polifonske radove s oznakom "po kantare o Sonare" ("za pjevanje ili igru"). To je konačno konačno priznanje postojeće prakse!

U domaćinskoj glazbi, posebno u plesu, ako nisu otišli u pjesmu (u Španjolskoj, povezivanje pjesme i plesa), alati su ostali, da tako da govoremo, slobodni su od vokalnih uzoraka, ali su povezani s bazom žanra svakog plesa, ritam, vrstu kretanja. Sinkretizam ove vrste umjetnosti još je bio na snazi.

Iz tog ukupne mase odsutnih fenomena, iz prakse koja se ne odražava u glazbenom zapisu, od dugo dostignutog procesa asimilacije vokalnog i instrumentalnog počela je tijekom vremena, počeo je razvoj stvarnih instrumentalnih žanrova. Jedva je opisano u XV stoljeću, postao je opipljiv u XVIU, na putu do neovisnosti, još je bio maloljetnik, i samo u nekim oblicima (improvizacijski), uočen je stvarni instrumentalizam glazbenog pisma. Na prvim fazama staze instrumentalne glazbe na samoodređenje, označena su dva žanrova područja svojih karakterističnih trendova. Jedan od njih je prednost u korist od polifone, "akademske" tradicije, s velikim oblicima. Drugi se temelji na tradiciji kućne glazbe, pjesama i plesu. Prvi uglavnom predstavljaju pripravci za organ, drugi - prije svega repertoara lutnja. Između njih nema neprohodnog lica. Može se samo biti oko prevladavanja određenih tradicija, ali na očiglednim točkama kontakta. Prema tome, polifone tehnike nisu isključene u radovima za lutnju, a varijacije na pjesme će se uskoro pojaviti u orgušnoj glazbi. I na to i na drugom instrumentu počinje razvoj improvizacijskih oblika, u kojem je specifičnosti ovog alata najjasnije - s gotovo potpunom slobodom od vokalnih uzoraka. Ove skromne, čini se da je postignut uspjeh instrumentalizma nakon dugotrajne pripreme, koji je išao do ere renesanse i ukorijenjen u najzanimljiviji prakse tog vremena.

2.2 Glazbeni alati renesanse

U razdoblju ponovnog rođenja, sastav glazbenih instrumenata značajno se proširio, nove sorte dodane već postojećim niza i vjetar. Među njima, posebno mjesto zauzimaju viole - obitelj žica potoka, utječu na ljepotu i plemstvo zvuka. U formi, oni nalikuju alatima moderne obitelji violine (violina, alt, violončela) i čak se smatraju njihovim neposrednim prethodnicima (oni su se koegzistirali u glazbenoj praksi do sredine XVIII stoljeća). Međutim, razlika i značajna, ali postoje. Dobe imaju sustav rezonantnih nizova; U pravilu, postoji onoliko njih kao glavni (šest do sedam). Fluktuacije rezonantnih nizova čine zvuk viole mekane, baršunaste, ali je alat teško koristiti u orkestru, jer je zbog velikog broja žica, brzo se uzrujava. Dugo vremena zvuk viole se smatralo u glazbi s uzorkom sofisticiranosti. U obitelji viole razlikuju se tri glavne vrste. Viola da Gamba je veliki alat koji se izvođač stavio okomito i stegnut nogama (talijanska riječ Gamba znači "koljeno"). Dvije druge sorte - viola da Braccho (iz nje. Braccio - "podlaktice") i violid d "Amur (fr. Viole d" Amour - "Viola ljubav") bili su orijentirani vodoravno, i kada su bili pritisnuti na igru. Viola Da Gamba u rasponu zvukova je blizu violončela, viole da Braccho - violini, i violi d "Amur - do Alta. Među pinzerskim alatima renesanse, glavno mjesto zauzima lutnju (poliranje. Lutaje Arab. "Glasno" - "stablo"). U Europi je došla s Bliskog istoka na kraju XIV stoljeća, a do početka XVI. Stoljeća, za ovaj alat bio je ogroman repertoar; prije svega , Theni je nastupao na pratnji. U kratkom slučaju lute; gornji dio je ravan, a dno podsjeća na hemisferu. Široko vrat je pričvršćen na vrat odvojen nakazama, a glava alata se iznajmljuje gotovo pod pravim kutom , Ako želite, možete vidjeti sličnost iz zdjele u izgledu lute. Dvanaest nizova grupira se parovima, a zvuk se uklanja i prstima i poseban zapis - posrednik. U XV XVI stoljećima imaju različite vrste tipkovnica. Glavne vrste takvih alata su čelnici, keycorder, chamblock, vyrhzhyel - aktivno su se koristili u glazbi oživljavanja, ali njihovo stvarno cvjetanje dolazi kasnije.

2,3 rađanja opere (firentinska kamera)

Kraj oživljavanja doba obilježio je najvažniji događaj u glazbenoj povijesti - rođenje opere.

U Firenci su prikupljeni skupina humanista, glazbenika, pjesnika pod pokroviteljstvom svog vođe grafikona Jovani de Bardi (1534. - 1612.). Skupina je nazvana "kamera", njegovi glavni članovi bili su Julio Kachchini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilej (otac astronoma Galileo Galilean), Giloramo Mei, Emilio de Kavala i Ottavio rhinucchini u mladih godina.

Prva dokumentirana skupština Grupe održana je 1573. godine, a najaktivnije godina rada "Florentine kamerate" bili su 1577-1582.

...

Slične dokumente

    Prepoznatljive značajke glazbene kulture renesanse: izgled pjesama (Madrigal, Wilianso, Frottol) i instrumentalna glazba, rođenje novih žanrova (solo pjesama, kantata, oratoria, opera). Koncept i glavne vrste glazbene teksture.

    sažetak, dodano 01/18/2012

    Vokalno, instrumentalna i vokalna instrumentalna glazba. Glavni žanrovi i glazbeni smjerovi vokalne instrumentalne glazbe. Popularnost instrumentalne vrste glazbe tijekom renesansne ere. Izgled prvih virtuoznih izvođača.

    prezentacija, dodano 04/19/2014

    Značajke ruske glazbe XVIII. Stoljeća. Barokna - era, kada ideje o tome što je glazba trebala pronaći svoj oblik, ovi glazbeni oblici nisu izgubili relevantnost i danas. Veliki predstavnici i glazbena djela baroknog razdoblja.

    sažetak, dodano 01/14/2010

    cheat Sheet, dodano 11/13/2009

    Renesansna era (renesansa) kao vrhunac svih vrsta umjetnosti i cirkulacija njihovih brojki na antičke tradicije i oblika. Zakoni harmonije svojstvene glazbene kulture oživljavanja. Vodeća pozicija duhovne glazbe: masa, motiva, himni i psalmi.

    ispitivanje, dodano 05/28/2010

    Twire glazbeni zapis. Glavni opseg profesionalnih pjevača i zborova u Egiptu doba drevnog kraljevstva. Korištenje fenidičke abecede u drevnoj Grčkoj. Zborska umjetnost srednjovjekovnog doba, Indije i Kine. Invisteable snimanja.

    prezentacija, dodano 06.10.2015

    Glazba je zauzimala jedno od najvažnijih mjesta u umjetničkom sustavu drevne Indije. Njegovo podrijetlo se vraćaju na narodne i vjerske obrede. Kozmološki prikazi drevne Indije dotaknuli su sfere vokalne i instrumentalne glazbe. Indijski glazbeni instrumenti.

    ispit, dodano 15.02.2010

    Glazbeni žanr kao povijesno uspostavljena vrsta proizvoda u jedinstvu njegovog oblika i sadržaja. Glavne žanrove u modernoj glazbi. Suština elektroničke glazbe, pop žanr, rock glazba, rap. Novi žanrovi XXI stoljeća. Najneobičniji glazbeni instrumenti.

    naravno, dodano 12/20/2017

    Podrijetlo rock glazbe, centara njegove pojave, glazbene i ideološke komponente. Rock glazba 60-ih, izgled krute glazbe i cvjetanje garažnog stijena. Alternativna glazbena kultura. Rock glazba 2000-ih i autsajdera svih vremena.

    sažetak, dodano 01/09/2010

    Banner pjevanje - povijest razvoja. Glazbena poetika i gimnografija. Pisanje glazbe drevna Rusija. Zborska glazba i kreativnost D. Bortnyansky. Povijest ruske opere, obilježja ruskog narodnog kazališta. Kreativni portreti skladatelja.

Estetika oživljavanja povezana je s velikom revolucijom, koja se izvodi u ovom razdoblju u svim područjima javnog života: u ekonomiji, ideologiji, kulturi, znanosti i filozofiji. U to vrijeme uključuju cvjetanje urbane kulture, velikih geografskih otkrića, neizmjerno proširenih horizonta čovjeka, prijelaz s plovila u manifest.

Revolucionarni razvoj produktivnih sila, raspadanje feudalnih stanica i odnosa s radionicama, koji su prikazani proizvodnja, dovesti do oslobođenja pojedinca, stvoriti uvjete za slobodan i univerzalni razvoj. Nema sumnje da sve to ne može utjecati na prirodu svjetonazora. U ERA oživljavanju, proces korijenskog loma srednjovjekovnog sustava pogleda na svijet i formiranje nove, humanističke, ideologije je. Ovaj se proces odražava u glazbenoj estetici. Već sam XIV stoljeća sam po sebi simptomi buđenja novog estetskog svjetonazora. Ars Nova umjetnost i estetika, rasprave Johna De Grorhoa i prodavača Padvansky postupno se opustili tradicionalni sustav srednjovjekovne glazbene teorije. Ovdje je potkopan teološki pogled na glazbu, na temelju prepoznavanja nekog neodgovornog osjećaja nebeske glazbe. Međutim, stoljetna tradicija srednjovjekovne glazbene teorije nije bila potpuno uništena. Trebalo je još jedno stoljeće tako da je glazbena estetika konačno pobjegla iz okvira tradicionalne sheme.

Glazbena estetika renesanse u tumačenju pitanja imenovanja glazbe temelji se na stvarnoj praksi koju karakterizira izvanredni razvoj glazbe u javnom životu. U ovom trenutku, stotine glazbenih krugova formiraju se u gradovima Italije, Francuska, u kojima se bave sastavom ili igrom na različitim glazbenim instrumentima. Njegova vlastitu glazbu i znanje postaju nužni elementi sekularne kulture i sekularnog obrazovanja. Poznati talijanski pisac Baldasar Castiglion u njegovoj raspravi "na sudu" (1518.) piše da osoba ne može biti uljudna, "ako on nije glazbenik, ne zna kako čitati glazbu iz lista i ne zna ništa o različitim alatima . " Na izvanrednoj prevalenciji glazbe u civilnom životu XVI. Stoljeća, slika ovog vremena je dokazana. U brojnim slikama koje prikazuju privatnost plemstva, stalno se susrećemo na stotine ljudi koji se bave glazbom: pjevanje, igranje, ples, improvizaciju itd.

Prije toga, kultura oživljavanja nastala i razvijena u Italiji. Stoljeće renesanse ovdje je označen snažnim razvojem narodne poezije i glazbe, a najbogatije tradicije održavanja pjesama u takvim njegovim žanrovima poput pohvala, FOTTOL, VILALL, zauzimaju glavnu ulogu. Bez manje popularan žanr u kućanstvu urbane mushigacije nije bio Kacchia, obično prikazuje sočnu žanr scenu koristeći u tekstu i glazbi postojećih intonacija - do crteža prodavača i prodavača. Kachchia je često popraćena kružnim plesnim plesom. Talijanski balad je također zajednički žanr pjesama-plesnih tekstova povezanih s soloz izvedbom (u Francuskoj tog vremena, slične značajke imale su žanr voala). Ljudi i pjesme intonacija, određena težina melodijskog načela, genijalnost fakture - ove kvalitete sekularnog kućanstva glazba također prodiru u duhovnu glazbu, sve do polifone nereda.


Melodična priroda glazbe bila je povezana s činjenicom da su u Italiji, tradicije solo i ansambla glazba na nizovima potoka alata brzo su razvijeni. Općenito, velika raspodjela instrumentalne glazbe doprinijela je formiranju homofona skladišta i funkcionalne harmonije.

Prije u glazbenim krugovima Italije, pojavila se violina (u posljednjoj četvrtini XVI. Maslac - Francesco Milano), viola, španjolska gitara, teorer (bas lete velikih veličina).

Vještina violine prethodno se formira u djelima B. Donati, L.Viadan, J.giacomelely (bio je poznat po vještinu dugotrajnog održavanja luka i tehnike legaata). Novi korak u razvoju gluposti violine povezan je s radom K.Montverdi, koji razvija tehniku \u200b\u200bprolaza, primjenjuje Tremolo, Pizzicato, obogaćuje dinamiku PP i FF polarnih kontrasta.

U području organa i klasičnog aktiviranja uočeno je veliki oporavak. Od 40-ih XVI stoljeće oštro povećava broj organskih zbirki oštro, pojavljuje se cijeli plejad otvorenih orguljaš - Willaert, Andrea i Giovanni Gabrieli, Claudio Merul, Cavazoni. Ovi majstori postavljaju temelje talijanske vlasti i stvaraju žanrove instrumentalne glazbe - Racherkar, Chancend, Toccata.

Klasične pogubljenje široko koristi kućne plesove, obrade popularnih svjetovnih pjesama. Izvanredan skladatelj-improvizator na orgulje i ključ bio je Girolamo Frescobaldi, u čijem je radnoj radnoj radovi pojavljivao cijele zbirke nereda glazbe - plesne cikluse.

Sastav Italijanske skladateljske škole također je predstavljen aktivnostima profesionalnih skladatelja-polifonista - Adriana Villat i njegovih studenata Chipriana de Roora, Andrea i Giovanni Gabrieli, Giovanni Pierluiga da Palestrina. Njihovo kreativno nasljeđe je raznolik i, uglavnom, sastoji se od vokalnih polifonih radova - mnoge desetak mase, duhovne i svjetovne madrigale, motive koji su provedeni uglavnom zborom a capella.

Snažan razvoj polifonije u Nizozemskoj je zbog bogatstva popularne polifonije i prisutnosti specijalnih spavaonica pjevača (metrike) u katedralama bogatih nizozemskih gradova.

Nekoliko generacija skladatelja pripadalo je Nizozemskoj polifonoj školi. Njihova aktivnost nastavila je ne samo u Nizozemskoj, pokrivenoj teritorijom moderne Belgije, Luksemburga, jugozapadno od Nizozemske i sjeverno od Francuske (odavde - ostalo ime škole je Franco Flemadskaya). Veliki predstavnici Nizozemske škole plodonosno su radili u Rimu (Dufai, Obrecht, Joskin) i drugi gradovi (Vileners, Željeznica - u Veneciji, Isaac - u Austriji i Njemačkoj, Bensua - u Dijonu u dvorištu za Burgundy).

Škola Nizozemske sažeti stoljećima razvoju polifonije u svim zemljama Europe. Iako u radu tih majstora, crkvena glazba zauzela je, naravno, vodeće mjesto, pogrešno

manje, zajedno s duhovnim radovima, skladatelji su napisali mnogo svjetovnih polifonih pjesama, u kojima su se odrazili bogati svijet ideja i osjećaja, karakteristične za renesanse.

Najmonumentalniji žanr kreativnosti Nizozemskih polifonista bio je Mezija, u kojem je došlo do suzbijanja načela polifonije strogog stila. Međutim, aktivnosti svakog majstora otkriva inovativne značajke povezane s potragom za izlazom utvrđenih izražajnih kanona. Podrška na opsežnom pjesmom i plesnom materijalu, uzajamni utjecaj duhovnih i sekularnih žanrova dovodi do postupne dodjele u polifoniji melodijskog glasa, na formiranje akorda vertikalno i funkcionalno razmišljanje.

Kruna Nizozemske polifonije XVI stoljeća bila je rad Orlando Lasso. Bilo je u njegovom radu da su najširi žanr interesa renesanse koncentrirane: dao je počast gotovo svim vokalnim oblicima svog vremena - Madrigan, Messe, Motel, francuski šanson, pa čak i njemački polifony pjesma. Radovi skladatelja su zasićena vitalnim istinitim slikama, imaju svijetlu melodiju, olakšanje raznoliko ritam, dosljedno razvijen od strane harmoničkog plana, koji je osigurao njihovu izvanrednu popularnost (u više se navrata koriste drugi skladatelji za lutnje i organske tretmane).

Razvoj renesansnih trendova i formiranje francuske nacionalne kulture već je planiran u XIV stoljeću. Izvanredni predstavnici umjetnosti ranog ponovnog rođenja u francuskoj glazbi bili su Philli Philip de Vitrat i Gille de Mahasha, koji je ostavio veliku baštinu u žanrovima Virlaela, Le, Rondo balade.

Duboko vitalni i realistični bili su najkarakterističniji za francuski glazbeni umjetnički žanr Chanson, koji je multi-glasovni oblik pjesama s sekularnim tekstom i obično narodne kućne melodije. Bilo je to u ovom žanru da su nove renesansne značajke pojavile svjetlije u sadržaju, plotinike, značajke izražajnih agenata.

Francuska šansona XV-XVI stoljeća je vrsta "enciklopedija" francuskog života tog vremena. Njegov sadržaj je raznolik i može biti pripovijedan, lirski, intimni, tužan, strip, opisan, galantni. Karakterizirani i raznolikost njihovog opsega - od nekoliko satova do 42 stranice.

Jednostavnost i usmjeravanje izražajnih sredstava, periodičku strukturu s određenim završecima na d i t, prijem kanalizacije, koji se zatim pokupljaju cijelim ansamblom - tipičnim značajkama žanra, čija glazba ponekad podsjeća na narodni ples, lirski-ep Uplata ili Perky Street City Song - Modist buduće Waterville. Za glazbu, Chanson karakterizira podcrtana ritmička osnova, ponekad je karakterizirano kupljenim skladištem ili kružnim rondo-humanošću, folklorni instrumenti mogu se koristiti za pratnju.

Najistaknutiji skladatelj francuske renesanse bio je Clement Zhenken, u čijem je radu reflektirana i suptilna ljubav lyrics (u pjesmama na tekstovima pjesnika Ronsara), i izraz tuge i osjećaj tuge, te puni život i kretanje Scena popularne zabave. U njegovoj baštini, veliki zbor pjesama-fantasy softver, pun domišljatosti i duhovitih nalaza na području zborskih slova privlače se. U njima je Zainen bio šareno prikazan život i život svoga vremena. Najpoznatija "bitka", "lov", "pjevanje ptica", "ulični povici Pariza".

Osim više od 200 pjesama, piše i motiva i masa. No, u području glazbe za katoličko kult, hrabro koristi narodne melodije, intonates duhovne tekstove za fanfare promet vojne glazbe, uvodi plesne ritmove.

U velikoj mjeri, takva je privlačnost narodne pjesme i plesnog materijala bila karakteristična za mnoge skladatelje renesanse, koji su ujedinjeni u njihovom radu za interes za duhovne i sekularne žanrove, što je dovelo do konačne raspodjele sekularne glazbe u područje od Umjetnička neovisnost i profesionalnost.

Talijanska riječ renesansa u izvornim zvukovima kao što je Rinascita, izumio je George Vazari. Po prvi put, izraz ga je koristio u radu "životnih načina" u smislu "cvatnje umjetnosti" kako bi se ukazivao na razdoblje kada su umjetnici u njihovom radu oslobođeni od Greco-Bizantine i Rimskog latinika kanonski oblici.

Da bi se odredio kulturni pokret u Europi od 14. do 17. stoljeća, izraz "oživljavanje" ili "renesanse" (iz talijanskog glagola "RINASCERE" "oživio") koji se koristi u 19. stoljeću u radu "povijesti Francuske" Francuski povjesničar Jules Mishal.

Malo o doba oživljavanja općenito

Era oživljavanja karakterizira rekultivacija klasičnog (što znači grčko-rimsko klasicizam) kulture. Mnogi istraživači vjeruju da renesansne ideje imaju svoje podrijetlo krajem 13. stoljeća u Firenci u literaturi i vizualnim umjetnostima, a posebno su povezane s radovima Dante Aligiery, Francesco Petrarchi i freske iz JOTTO DI Bondone.

Unatoč činjenici da su pjesnici, umjetnici, rebirth epohe filozofi bili i bez manje vjerskih od njihovih prethodnika

Nastojali su pomiriti teološke prakse s novim duhovnim istraživanjima (filozofija koja se zove humanizam, prožima cijelu epohu). Bilo je to vrijeme za aktiviranje učenja, znanstvenih dostignuća, velikih geografskih otkrića. U glazbi će postati sastavni dio vjerskog, civilnog i sudskog života, označene su karnelne promjene, počevši od 15. stoljeća.

Periodizacija i evolucija oživljavanja glazbe

Većina glazbenih povjesničara vjeruje da evolucija renesansne glazbe pokriva razdoblje u 200 godina. Tradicionalno, podijeljeno je na:

  • glazba ranog renesansa, od 1400 do 1467. godine;
  • glazba srednjeg razdoblja renesanse, od 146. srpnja do 1534.;
  • glazba kasne (ili visoke) renesanse, od 1534. do 1600. godine.

Takva periodizacija zauzvrat povezana je s procvatom i dominacijom različitih skladatelja u zapadnoj Europi. Stilističke karakteristike koje određuju glazbu renesanse je polifonska tekstura koja se pokorava zakonima kontrapunkt i reguliranog naslijeđenog od srednjeg vijeka modalnog sustava Gregorian Khorala.

Glazbena kultura oživljavanja ponekad se pozicionira kao "zlatno doba zborske glazbe". U stvari, horizonti glazbe bili su značajno prošireni.

Ako, tijekom srednjeg vijeka, skladatelji i glazbenici su uglavnom radili u Crkvi, a zatim zbog vjerskog i svjetovnog Splita, koji se dogodio u zapadnoj Europi u renesansnoj epohi, glazba je pronašla nekoliko pokrovitelja: katoličke i protestantske crkve, kraljevske dvorišta, bogati aristokrati, nova buržoaska klasa. Svi su postali izvori prihoda za skladatelje, uključujući, naravno, i melnotip: renesansna glazbena kultura usko je povezana s novim tehnologijama (izum tipografije pokretnih linija Johanna Guttenberga).

Estetske značajke oživljavanja glazbe

Kao i druge umjetnosti, glazba je uglavnom bila pod utjecajem događaja koji određuju eru oživljavanja u cjelini: rast humanističke misli, obnovu grčko-rimske klasične baštine, inovativna otkrića. Drevni tekstovi su revidirani, opet govoreći kao objekt za studij, a oni su uređeni, ali samo u skladu s razvojem znanosti.

Dok su se sve umjetnosti i znanosti smatrale međusobno povezanim u drevnoj grčkoj kulturi, humanisti renesansne epohe ih su podijeljeni, ističući i proučavajući njihove individualne kvalitete. Glazba, posebno, smatrana je izražajnom umjetnošću koja je sposobna utjecati na emocije i osjećaje, što je nečuveno za srednjovjekovno vrijeme.

Napori za organiziranje znanja u glazbi uključivali su naručivanje vanjske djelatnosti kako bi bilo moguće uspostaviti odnos između bilješki i ljudskih emocija.

Također je važno da je glazbena kultura oživljavanja karakterizira koncept humanizma. Zbog toga je došlo do premještanja intelektualnih naglasa - od rasprostranjene dominacije vjerske misli na mogućnosti i postignuća sekularne osobe. Individualni kreativni genij čovjeka bio je u mnogo višoj poziciji. To je značilo da su mnogi skladatelji bili prepoznati.

Međutim, uglavnom je renesansna glazba bila ipak duhovna, kao iu srednjovjekovnom vremenu, ali "humanističke" promjene utjecale su na potragu za svjetlijom ekspresivnošću u njoj - kako bi se postiglo savršenstvo.

Glavna glazba ranog rođenja ponovnog rođenja, napisana za važne crkve i kraljevske kapele, su polifone mase i napjevi (motivi) na latinskom jeziku. No, u svjetlu vjerskih reformacija nastala su nove vrste duhovne glazbe, štoviše, takvi veliki šokovi na crkvenoj sceni doveli su do činjenice da je svjetovna glazba dobiva stvarnu moć i već se mogao natjecati sa svojim "svetim" kolegom.

Kompozitne škole renesanse

Početkom 15. stoljeća, iznesena je engleska škola polifanista na čelu s Johnom Dunstaiblom. Novi engleski stil koji se temelji na korištenju trijeznog, diktira glazbeni ritam (sa svakim vokalnom linijom koja se kreće zajedno u "vertikalnom" stilu) uvelike je utjecao na Burgundy Composer School.

Najvažniji među skladateljima Burgundian škole bio je Guillaume Dufai, čija je glazbena kreativnost uključivala napjeve, masovne, sekularne radove karakterizirane melodijskim lirizmom.

Pokret označen kao franko flamanska škola karakterizira snažan razvoj polifonog vokalnog glazbenog sastava koji je postavio osnovu moderne harmonije. Najpoznatiji predstavnici - "skladatelj triju francuskih kraljeva": Johannes Okhem i Jacob Obrecht.

Glazbena kultura oživljavanja prve polovice 16. stoljeća karakterizira činjenica da je Franco Flamans skladatelji i dalje dominiraju, među kojima je najpoznatija bila goskokradnica, čiji je stil kopirao mnoge skladatelje. U polifonoj glazbi korišteni su kanoni koji su prethodno postojali kompozicijske strukture, ali glatko u kombinaciji s melodijama koje naglašavaju pjesničke linije, a ne prikrivaju ih.

Za tu epohu, bilo je prilično uobičajeno da su vodeći skladatelji mnogo putovali, radili na različitim pokroviteljima u Italiji, Španjolskoj, Njemačkoj, Francuskoj. Nastala je razmjena glazbenih ideja, ako to možete računati, prvi međunarodni stil, od vremena Grigorijskog zborskog zbora u 9. stoljeću.

Od druge polovice 16. stoljeća nenadmašnog majstorstva u glazbenoj umjetnosti, talijanski skladatelji traže. Među figurama ikona - Giovanni Pierluja da Palestrina.

Renesansne glazbene žanrove

Duhovni vokalni žanrovi su Mesia i Motte. Sekularni žanrovi - Madrigal (u Italiji i Engleskoj), Chanson (u Francuskoj), Leed (u Njemačkoj).

Unatoč činjenici da je glazba nad erom po mogućnosti ovisila o vokalima, alati se sve više koriste. Izvođači na alata ponekad su pratili pjevače, s vremena na vrijeme zamijenili neke glasove ako nema pjevača.

Alati su se kretali od velikih, kao što su tijelo i češnjak, viola de Gamba, do male harfe (kasnije lutnje), snimač (blockball). Postupno, skladatelji počinju pisati radove samo za alate bez pjevača.

Glazba je uvelike utjecala na sudske plesove, uvodeći širok raspon alata za njihovo održavanje. Alati su korišteni u Crkvi, tijekom svečanih i javnih događanja, u kazališnim produkcijama, u privatnim kućama.

Dokazalo se da je XV stoljeća odlučno za razvoj glazbe u umjetničkom smislu iu evoluciji tehnike izvršenja. Kulturni sukob koji proizlazi između kršćanske crkve i svjetovnog svijeta unaprijed određuje naknadni brzi razvoj glazbenih smjera koji nisu povezani s crkvenim obredima i uslugama.
Društvo tog vremena je nešto "umorno" od istog tipa, iako matematički ispraviti srednjovjekovne kanone i potrebno je stvaranje lakše, svjetovne glazbe. Kreativna potraga za nekoliko generacija glazbenika i skladatelja dovela je do razvoja mnogih novih glazbenih žanrova, plesa i kazališta.
Prve ideje o reformaciji polifonije nastale su početkom 15. stoljeća i pripadale su Burgundu, engleskom, Flanderdžiću, kao i talijanske glazbene škole. John Dunstabeble, predstavnik engleske škole, istaknuo je temelje Tehnike Foburdon (doslovno, lažni bas). U multi-glasovnim djelima, samo je prosječan glas zabilježen, a gornji i niži glasovi su dodani tijekom izvršenja.
Daljnji razvoj ove tehnike odrazio se u spisi Guillaume Dufai (1400-1474), koji nisu samo sistematizirane cikličke mase, već i dodane elemente sekularne glazbe. Slijedio ga je Joan Okkhem i Jacob Oberech, a najpoznatiji glazbenik tog vremena bio je Zoshen Depe (1440-1521).
Majstori talijanske škole, uključujući Giovanni Palestrinu (1525-1594), Tomazo de Victoria (1548.-1611 u talijanskoj glazbenoj umjetnosti.

Renesansa. Madrigal

Jedan od najčešćih žanrova sekularne glazbe renesanse bio je madrigal, doslovno označava pjesmu u njegovom izvornom (majčinskom) jeziku. Osnova novog glazbenog žanra bila su talijanske pastinske pjesme.
U početku, u XIV stoljeću, madrigali su bili sastavljeni za dva ili tri glasa pod pratnjem glazbenog instrumenta koji je ponovio kulu gornjeg glasa. Madrigali su često zvučali na svjetovnim praznicima, vjenčanjima. Do sredine XVI, madrigali su već izveli pet glasova, odnos između stranaka se povećava, glazba žanra postaje izražajnija.
Uz "lakoću", vesela, Madrigal je apsorbirala stoljetne tradicije kršćanske glazbe. Ova kombinacija je korištena od strane istaknutih madrigalista tog vremena Sipriano de Roora i Giuseppe Palestrina. Na kraju XVI.
Najveći majstori žanra čelika Luca Marreinsio (1553-1599), Jezualdo da venoze (1561-1613) i. Stvorili su ih brojne zbirke madrigalla, nevjerojatna melodija, razne ritmičke oblike i brojna inovativna glazbena rješenja odigrala je ključnu ulogu u razvoju glazbe renesanse.

Intermedia. Rađanje

Daljnji razvoj glazbene umjetnosti unaprijed određuje pojavu međuprodukta. Protok ovog žanra pao je na prvu polovicu XVI. Stoljeća, kada je nekoliko upremljenog Bartolomeo tromboneja zvučalo na vjenčanju Alfonso D'Esta i Jurgije u Borgiji, predstavnicima Velikog talijanskog klana.
Nakon toga, Intermedia je počela zvučati s najvećim aristokratskim europskim dvorištima. Glazba intermedija praktički se ne sačuva, ali prikupljeni dokazi nam govore o izvanrednom opsegu prethodnika opere: neki orkestri govoreći na vjenčanjima velikih plemića, ima više od dvadeset nizova, vjetra i šokiranih glazbenih instrumenata. Glasine o suvremenicima intermedija bila je zadovoljna violom da Gamba, lutnje, pikolo flaute, vrtloge, lire, obou i dvostrukog basa.
Inovativne ideje skladatelja renesanse, kao i nastanka novih glazbenih instrumenata doveli su do temeljne promjene u glazbenoj umjetnosti - izgled opere. Prvi koraci u tom smjeru proveli su filozofi, glazbenici i pjesnici, ujedinjeni u neku vrstu kulturne akademije - florentinski fotoaparat.
Broj Giovanni del Vernio (1534-1612), autor nekoliko rasprava o povijesti i teoriji glazbe, skladatelja Jacopo Peri (1561-1633), Vincenzo Galilej (1520-1591), oca čuvenog astronom i Julio Kachchini, Luca Marreinsio i Claudio Monteverdi.
Prvi radovi nastali na temelju glazbenih pojmova firentinskih kamela, postali su operi "Daphne" i "Evridika" skladatelja PERI i Kachchinija, a najsnažnije načela kamela bili su utjelovljeni u operacijama Opera Montoverdi, Upševi Povratak i "kruniranje poppie."

Renesansa. Ključne riječi:

Izum u drugoj polovici sustava XV stoljeća posebnih znakova za alate za tipkovnice i lutnja (tabulature), izgled zbirki za organ i lute služio je kao temelj za razvoj alatne glazbe renesansne epohe.
Najstariji fragment kompozicije za organ koji su pronašli povjesničari iznosi iz 1425. godine (nepoznati autor iz Silesijanskog samostana Sagana). Godine 1448. pojavili su se prvi eseji u tijelu u kojem je korišten pedalu (pet prelude-predpojama Adamovog ileborga). Najpoznatiji izvođač organske glazbe XV stoljeća je njemački glazbenik Konrad Poifan (1410-1473). Njegov Peru pripada zbirci "Buxheimer Orgelbuch", koji ima 250 djela za organ vlastitog eseja i drugih glazbenih aranžmana.
Španjolski glazbenici i skladatelji također su činili značajan dio renesansne epohe glazbene baštine. Objavljeno 1557. godine Louis Endrose "Nova glazbena veličina za tipkovnicu, violu i harfu", uključivala je mnoge pjesme, fantazije, ples i himni poznatih španjolskih skladatelja. Rad Antonia de Kabestova, jedan od najpoznatijih glazbenika Europe, također je živo ugledan. Njegovi radovi prikupljeni u "spisima za tipkovnice, domove i harfu" (1578.), postali su poznati daleko izvan Španjolske.

Renesansa. Glazba za lutnju i violu

Glazbena umjetnost XVI. Stoljeća karakterizira široka raspodjela u europskoj glazbi novih glazbenih instrumenata - lutnju i violu. Ovi alati bili su idealni za pratnju i zapisivanje u određenim trenucima glazbenih djela. Prva kompilacija koja ne sadrži samo polifone radove, već i rane uzorke lute glazbe, postao je rad talijanskog izdavača Ottaviano Petrchci "INDABULATURA DE LAUTO", od 1507. godine.
Luty ima nekoliko postavki i kartica. Mnogi skladatelji i glazbeni teoretičari, uključujući Hans Görle, Juan Bermudo, Vincenzo Galilej, odstupali su u mišljenjima o optimalnom broju momaka. No, unatoč nesuglasicama, svi stručnjaci konvergirali u glavnu stvar: lutnju, poput tipkovnica, omogućili su da obavljaju višestruke radove bez korištenja drugih alata.
Lute je bio najveći širenje u Italiji, Francuskoj, Njemačkoj, a kasnije u Engleskoj. Među poznatim skladateljima koji se ne treba zabilježiti Vicyzo Kapirla, Petrucci, Matthais Weiselle, Matias Reiman, John Dowland i Thomas Money.
Među španjolskim glazbenicima, lutnja nije stekao veliku popularnost. Izvođači su poželili neprijatelj, koji je bio mali, ali imao je neobičnu, sličnu modernom gitari, trupu. Poznate su dvije vrste viole da Gamba: "Ručna viola" i "Foot Viola". Louis de Milan, Alonso Bradrra, obogaćuje de Valderrabano postao je najpoznatiji gospodari koji su napisani za "Manual Viola", alrike de Valderrabano i Thomas de Santa Mary.

Renesansa. Revolucija glazbenog pečata

Izum Johna Gutenberg nove tehnologije tiska, održan u XV stoljeću, odrazio se u svim sferama kulturnog života Europe. Nije ostalo na stranu i glazbenu umjetnost. Već u drugoj polovici 20. stoljeća, prve tiskarne kuće specijalizirane za glazbene publikacije pojavljuju se u Nizozemskoj i Njemačkoj. Proces stvaranja knjiga posvećenih glazbi bio je prilično naporan. Svaka stranica je ispisana tri puta: prvi pečat - za novi mlin, drugi pečat - i treći - za brojeve teksta i stranice.
Collectorium Super Magnificat, koju je stvorio Hersson iz Esspilinne 1473. godine, a Missale Romanum, tiskan je 1476. godine u rimskoj radionici Ulrich Khan, smatra se prvom glazbenom kompilacijom glazbe.
U početku, centri glazbenih publikacija postali su kulturno razvijeni talijanski gradovi u Veneciji, Milanu, Firenci i Napulju, gdje su lokalni bogati aristokrati na svaki način podržali izdavače. Najpoznatiji talijanski pisači bili su Ottaviano Petrucci, Andrea Antiko, a kasnije Antonio Gardano.
Najpoznatiji renesansni pariški primer - Pierre Athannat (1494-1551), glazbenik koji je posvetio život objavljivanju pjesama, crkvene messe i napjeva. Najpopularniji Othannata izdanje je Chansons Nouveles kolekcija, objavljena 1527. godine. Brzi razvoj novinara glazbenih publikacija bio je moguć zahvaljujući aktivnostima i drugim velikim pisačima: Jacques Mozhell (Lyon), Tilla Sustato (Amberres), Thomas Tallisa i Villama Ptica (London).

Ministarstvo obrazovanja Ruske Federacije

Moskovska država Vanjska pedagoška sveučilište

ih. M.a.sholokhova

Odjel za estetsko obrazovanje

ESEJ

"Glazba renesanse"

Studenti 5 (računati)

Puno radno vrijeme - grana odsutnog

Pospana ljubav pavlovna

Učitelj, nastavnik, profesor:

Zatsepina Maria Borisovna

Moskva 2005

Revival - doba vrhunca kulture zapadne i srednje Europe tijekom prijelaza iz srednjeg vijeka u novo vrijeme (XV-XVII stoljećima). Kultura oživljavanja ne sužava i često odražava raspoloženje širokih masa, u glazbenoj kulturi predstavlja nekoliko novih utjecajnih kreativnih škola. Glavni ideološki šipka cijele kulture ovog razdoblja bio je humanizam - nova, neviđena ideja o osobi kao slobodan i sveobuhvatno razvijen stvorenje sposoban za neograničen napredak. Čovjek je glavni predmet umjetnosti i književnosti, kreativni od najvećih predstavnika renesansne kulture - F. Petrarki i D. Boccacio, Leonardo da Vinci i Michelangelo, Raphael i Titian. Većina kulturnih figura ovog doba bila su sve veće nadarene ljude. Dakle, Leonardo da Vinci nije bio samo izvanredan umjetnik, nego i kipar, znanstvenik, pisac, arhitekt, skladatelj; Michelangelo je poznat ne samo kao kipar, nego i kao slikar, pjesnik, glazbenik.

Razvoj svjetonazora i cjelokupna kultura ovog razdoblja nametnula je otisak prsta slijedeći drevne uzorke. U glazbi, zajedno s novim sadržajem, novi oblici i žanrovi se također razvijaju (pjesme, madrigale, balade, opera, kantata, oratoriji).

Uz sve integritet i završne obrade renesansne kulture u glavnoj stvari, karakteriziraju obilježja kontradiktornog povezanog s slabljenjem elemenata nove kulture sa starim. Vjerske teme u ovom razdoblju nastavljaju ne samo postojati, već i razvijati. U isto vrijeme, tako se transformira da se rad na temelju njega percipira kao žanrove scene iz života plemenitih i običnih ljudi.

Talijanska kultura renesanse odvijala se određene faze razvoja: nakon što su se pojavile na kraju XIV stoljeća, stigla je do vrhunca u sredini XV ranog XVI. Stoljeća. U drugoj polovici XVI. Stoljeća. Postoji duga feudalna reakcija zbog ekonomskog i političkog pada zemlje. Humanizam doživljava krizu. Međutim, pad u umjetnosti nije označeno od ne odmah: još nekoliko desetljeća su talijanski umjetnici i pjesnici, kipari i arhitekti stvorili djela najvišeg umjetničkog značaja, razvoj veza između različitih kreativnih škola, razmjenu iskustava između glazbenika, koji se kreću od Zemlja u zemlji radila je u različitim kapelama, postaje vrijeme na znaku i omogućuje nam da razgovaramo o trendovima zajedničkim cijeloj eri.

Renesansa - jedna od sjajnih stranica povijesti europske glazbene kulture. Konstelacija velikih imena Gospena, Ombrechta, Palestrina, O.lomo, Jezualdo, koji je otvorio nove horizonte za glazbenu kreativnost u sredstvima izražajnosti, bogatstvo polifonije, ljestvice oblika; cvjetanje i kvalitetno ažuriranje tradicionalnih žanrova - Mott, masa; Odobrenje novih obrazaca, novih intonacija u sferi višestrukih kompozicija, brz razvoj instrumentalne glazbe, objavljene na čelu nakon gotovo pet umarenog podređenog položaja: drugi oblici muzitiziranja, rast profesionalizma u svim područjima glazbene kreativnosti : Promjena stavova o ulozi i mogućnosti glazbene umjetnosti, formiranje novih kriterija ljepote: humanizam kao stvarno manifestirani trend u svim područjima umjetnosti - sve to je zbog naših ideja o renesansi. Renesansna umjetnička kultura je osobni početak uz potporu znanosti. Neobično složena vještina polifanista XV - XVI stoljeća, njihova virtuoznija tehnika dobila se uz svijetlo umjetnost kućnih plesova, sofisticiranost sekularnih žanrova. Sve veći izraz u radu dobiva se lirska drama. Osim toga, osobnost osobe, kreativna individualnost umjetnika pojavljuje se u svjetliju (to je karakteristično ne samo za glazbenu umjetnost), što nam omogućuje da govorimo o gumnizaciji kao vodećem načelu renesansne umjetnosti. U isto vrijeme, crkvena glazba, predstavljena takvim velikim žanrovima, kao masa i moteta, i dalje je "gotička" linija u umjetnosti ponovnog rođenja, usmjerena, prije svega, ponovno stvoriti već postojeći kanon i kroz njega za glorifikacija božanskog.

Djela gotovo svih glavnih žanrova i svjetovnog i duhovnog izgrađena su na temelju bilo kojeg unaprijed poznatog glazbenog materijala. To bi mogao biti jednokosni izvor u motlasu i razne sekularne žanrove, instrumentalnu preradu; To mogu biti dva glasova posuđena iz tri glasovne kompozicije i uključena u novi proizvod istog ili drugog žanra i, konačno, pun tri - ili četiri glazure (motet, madrigal, djelujući na preliminarni "model" rada većeg oblika (masa).

Primarni izvor djeluje jednako i popularno, poznato zaplitanje (zbornu ili svjetovnu pjesmu) i neku vrstu autorskog eseja (ili glasova iz njega), obrađeni drugim skladateljima i, prema tome, obdareni drugim značajkama zvuka, druge umjetničke ideje ,

U mota žanru, na primjer, gotovo nema radova koji nemaju izvorni izvor. Većina masovnih skladatelja XV - XVI stoljeća također ima prve izvore: Dakle, Palesetsis od ukupnog broja od više od sto Bessa nalazimo samo šest pisanih na temelju zaduživanja na temelju temelja. O. Lasso nije napisao nikakvu masu (od 58) o autorovom materijalu.

Može se primijetiti da je jasno naznačeno krugom primarnih izvora, koji se temelje na autorima. Dufai, I. OKHEM, Ya. Oberecht, palestrina, O. Lasso i drugi. Kao da se međusobno natječu, opet se odnose na jednu melodiju, izvlačeći se iz njih svaki put, novi umjetnički impulsi za svoja djela, u novom Shvaćanje pjesama kao početni intonacijska primokracija za polifone oblike.

U obavljanju posla, prijem je korišten - polifonija. Polifonija je polifoniju u kojoj su svi glasovi jednaki. Svi glasovi ponavljaju jednu melodiju, ali u različito vrijeme, kao što je odjek. Ova se tehnika naziva imitacija polifonija.

Do XV stoljeća, takozvana "strogo slovo" polifonija, pravila (norme glasovanja, formacije, itd.) Zabilježeni su u teorijskim raspravama tog vremena i bili su nepromjenjivi zakon o stvaranju crkvene glazbe.

Još jedna veza kada je izvršenje izgovoreno u isto vrijeme različite melodije i različite tekstove nazivaju kontrastnu polifoniju. Općenito, "strog" stil nužno podrazumijeva polifoniju jednog od dva tipa: simulacija ili kontrastne. To je simulacijska i kontrastna polifonska koja je omogućila skladanje motiva s više glasa i medes za crkvene usluge.

Motet je mala zborska pjesma, koja je obično bila sastavljena na bilo kojoj popularnoj melodiji, najčešće na jednoj od starih crkvenih melodija ("Grigorskih pješaka" i drugih kanonskih izvora, kao i visoku klasu glazbu).

Od početka stoljeća 15. stoljeća, u glazbenoj kulturi brojnih europskih zemalja, pojavljuju se osobine inherentne epoha renesanse. Vidljivi među ranim polifanima Nizozemske renesanse, Guillae Dufa (Dufai) rođeni su u Flandre oko 1400. godine. Njegova djela, u biti, više od pola stoljeća u povijesti Nizozemske glazbene škole, koja je uspostavljena u drugom tromjesečju XV stoljeća.

Dufai je vodio nekoliko kapela, uključujući Pakayu u Rimu, radio je u Firenci i Bologni, a prošle godine života provedeno u rodnom Cambru. Baština Dufai je bogata i bogata: uključuje oko 80 pjesama (komorne žanrove - viros, balade, Rondo), oko 30 motela (i duhovni sadržaj i sekularna, pjesma "), 9 punih nereda i njihovih pojedinačnih dijelova.

Izvrsna melodija koja je dosegla lirsku toplinu i izraz male skijanja, rijetke u eri strogog stila, dragovoljno je pozvao na popularne melodije, izlažući ih sjajnoj obradi. Dufai uvodi mnogo novih stvari u masi: širi pretvara sastav cijelog pripravka, slobodno koristi kontraste zbornog zvuka. Jedan od njegovih najboljih djela su masa "blijeda osoba", "naoružani čovjek", u kojem se koriste pozajmirani po imenu melodija pjesama. Ove pjesme u različitim verzijama predstavljaju intoonacionalno-tematsku opsežnu bazu koja učvršćuje jedinstvo velikih zborskih ciklusa. U polifonom razvoju prekrasnog kontpakista, oni otkrivaju razornu u svojim dubinama, nepoznate ljepote i izražajne mogućnosti. Melodija Dufai skladno kombinira turt svježinu nizozemskih pjesama s omekšavanjem talijanskog pjevača i francuske milosti. Polifonija simulacije je lišena umjetnosti i mlaznice. Ponekad tkanje postaje pretjerana, javlja praznina. Ona ne utječe samo na mlade umjetnosti, koji još nisu pronašli idealnu ravnotežu strukture, već i karakteristične za Cambrijskog majstora, želju da se postigne umjetnički i ekspresivni rezultat s najzanimljivijim sredstvima.

Rad mlađih suvremenika Dufai - IoHannes Okhemema i Jacob Oberachta već se nazivaju takozvanom drugom Nizozemskom školom. Oba skladatelji su najveći broj svojih vremena koji su odredili razvoj Nizozemske polifonije u drugoj polovici XV stoljeća.

Johannes Okhem (1425 - 1497) Većina života radila je u kapeli francuskih kraljeva. U licu Okhemema ispred Europe, fasciniran mekim, pjevačkim lirizmom Dufai, naivno-krotki i arhaično vedro pregledavanje svoje mesa i Motels, bio je potpuno drugačiji umjetnik - "racionalist s nepromjenjivim okom" i sofisticiranom tehničkom olovkom, Ponekad je izbjegao lirizam i uskoro uhvatio u glazbi, neke iznimno opće obrasce objektivnog postojanja. Otkrio je nevjerojatno majstorstvo razvoja melodijskih linija u polifonim ansamblima. Njegova glazba je svojstvena nekim gotičkim značajkama: slike, izvan-peranska priroda izražajnosti itd. Stvorio je 11 puni nered (i broj njihovih dijelova), uključujući temu "naoružani čovjek", 13 motiva i 22 pjesme. To su veliki polifonijski žanrovi koji stoje na prvom mjestu. Neke su pjesme dobile popularnost u suvremenicima i više puta su služile primarnima za polifonske tretmane u većim oblicima.

Kreativni primjer Okhemema kao najvećeg majstora i čistog polifa, od velike je važnosti za suvremenike i sljedbenike: svoju beskompromisnu koncentraciju na posebnim problemima pol nadahnutog poštovanja, ako ne i obožavanje, potaknula je legendu i okružila ime svoje ime halo.

Među onima koji su vezali XV stoljeća sa sljedećim ne samo kronološki, već i bitno kreativni razvoj, prvo mjesto, bez sumnje pripada Jacobu Obrech. Rođen je 1450. godine u Bergen-op-zoom. Obracht je radio u kapelama Antwerp, Cambre, Brunet, itd, služio je u Italiji.

U kreativnoj baštini Obrecht - 25 mjeseci, oko 20 motela, 30 polifonih pjesama. Od svojih prethodnika i starijih suvremenika naslijedio je visoko razvijen, čak i virtuoznih polifonih tehnika, imitacije i kanonskih tehnika polifonije. U Oracle glazbi, potpuno polifonic, ponekad čujemo posebnu tvrđavu barem implicitne emocije, hrabrost kontrasta u velikim i niskim granicama, prilično "Zemlje", gotovo kućne veze u prirodi zvuka i zabave , Njegov svjetonazor prestaje biti gotički. On se kreće prema Gospien Roowu - istinski predstavnik renesanse u glazbenoj umjetnosti.

Odlikuju se pojedinačnim značajkama, uključujući otpad iz gotičke odsutnosti, uzrokujući prigovor, moć emocija, komunikacija s kućanskim žanrovima.

Prva trećina XVI. Određeni javni sloj se razvija, oblici koji su uređeni kazališni izvedbi, glazbeni blagdani. Aktivnosti raznih akademija umjetnosti u razvoju.

Malo kasnije, visok cvjetanje javlja se u glazbenoj umjetnosti, ne samo Italiji, nego i Njemačkoj, Francuskoj, drugim zemljama. Impresioniranje je imperativ za širenje glazbenih djela.

Tradicije polifone škole ostaju još uvijek jake (osobito, postoji ista vrijednost potpore za uzorak), ali se mijenja stav prema izboru tema, povećava se emocionalna zasićenja radova, osobni, autorsko pravo povećava se. Sve ove značajke pojavljuju se već u radu talijanskog skladatelja Zoskoken Dewa, koji je rođen oko 1450. godine u Burgundu i bivši od najvećih skladatelja Nizozemske škole na kraju XV - ranog XVI. Stoljeća. Darovit s izvrsnim glasom i sluhom, služio je kao nebo u crkvenim zborovima u svojoj domovini iu drugim zemljama. Rani je i bliski kontakt s visokim zborskim umjetnostima, aktivno praktično učenje velikih umjetničkih blaga ikoničke glazbe u velikoj mjeri određuje smjer u kojem su tada razvijaju individualnost budućnosti briljantnog majstora, njegovih udjela i žanrovih interesa.

U mladih godina Dew je naučio umjetnost sastava u I. Okhememi, za koju je također sjedio zadovoljan u igri na raznim glazbenim instrumentima.

U budućnosti, Zoskien Dew je pokušao njegove snage u svim onima koji su postojali u vrijeme glazbenih žanrova, stvarajući psalme, motike, masu, glazbu na strasti Gospodina, eseja u čast sv. Marije i svjetovnih pjesama.

Prva stvar koja juri u oči u kompozicijama depee je upečatljiva paletna tehnika, koja omogućuje autoru da se smatra pravim kolegom-virtuozom. Međutim, unatoč punom posjedu materijala, Row je vrlo sporo napisao, vrlo kritično ispitivanje njegovih djela. Tijekom probnog izvršenja spisa donio je mnogo promjena u njima, nastojeći postići besprijekornu prugnuću, koja nikada nije dovela žrtvi na zaštitne pleksuze.

Koristeći samo polifone oblike, skladatelj u nekim slučajevima daje gornji glas neobično lijepo lijepo lijeno melodiju, zbog čega se njegov rad ne razlikuje samo s colawing, već i melodičnim.

Ne želeći ići dalje od rigoroznog protunapona, rositi za ublažavanje disonancija, kako bi ih pripremila korištenjem nevolja u prethodnoj konsonanciji kao očuvanje. Vrlo bogatstvo kao sredstvo za jačanje glazbenog izražavanja delata koristi disonancije.

Potrebno je prejesti da J. Delera s punim desne strane može se smatrati ne samo talentiranim kolegom i osjetljivim glazbenika, već i veličanstveni umjetnik koji u svojim djelima može prenijeti najtanji nijanse osjećaja i raznih raspoloženja.

Zoskien je tehnički i estetski jači od talijanskih i francuskih polifantičara XV stoljeća. Zbog toga je na području čistog mjuzikla značajno utjecalo na njih, umjesto da je iskusio svoj utjecaj. Prije njegove smrti, Dele su vodio najbolje kapele u Rimu, Firenci, Parizu. Uvijek je bio jednako posvećen njegovom radu, doprinoseći širenju i prepoznavanju glazbe. On je ostao Nizozemska, "Učitelju iz Conne." I bez obzira na bratska dostignuća i počasti bili su briljantni, dok je Gospodar glazbe bio vitalan (tzv. Njegovi suvremenici), on, poslušajući nepremokivanje "poziva Zemlje", već se na padini njegovih godina vratio Shores of Shelde i skromno diplomiraju na svom životnom putu s Canonom.

U Italiji, u razdoblju visoke renesanse, procvat sekularnih žanrova se promatra. Vokalni žanrovi razvijaju se u dva glavna područja - jedan od njih je u neposrednoj blizini kućne pjesme i plesa (Fotols, Vileaners, itd.), Drugi je povezan s polifonom tradicijom (Madrigal).

Madrigal kao poseban glazbeni i poetski oblik dao je izvanredne mogućnosti za manifestaciju osobnosti skladatelja. Glavni sadržaj njegovih stihova, žanrskih scena. U mletačkoj školi cvjetaju žanrovi scenske glazbe (pokušaj oživljavanja drevne tragedije). Dobiveni instrumentalni oblici neovisnosti (predstave za lutnje, viuela, organa i drugih alata).

Bibliografija:

Efremova t.f. Novi rječnik ruskog jezika. Tolkovo - formativna riječ. - M: Rus. YAZ .., 2000. godine. 1: a - o - 1209 str.

Kratak rječnik o estetici. M., Polizdat, 1964. 543 str.

Popularna glazba povijest.

Tikhonova A. I. Oživa i barokna: Knjiga za čitanje - m.: LLC "Publishing House" Rosman - Pritisnite ", 2003. - 109 str.