Struja je impresionizam. Francuski impresionizam: opće karakteristike, glavni majstori

"Novi svijet je rođen kada su ga impresionisti napisali"

Henri Kahnweiler

XIX stoljeća. Francuska. U slikarstvu se dogodila stvar bez presedana. Grupa mladih umjetnika odlučila je uzdrmati 500-godišnju tradiciju. Umjesto jasnog crteža, koristili su široki, "traljavi" potezi kista.

I potpuno su napustili uobičajene slike, prikazujući sve zaredom. I dame lake vrline, i gospodu sumnjive reputacije.

Javnost nije bila spremna za impresionističku sliku. Ismijavali su ih, grdili. I što je najvažnije, od njih se ništa nije kupovalo.

Ali otpor je bio slomljen. I neki su impresionisti doživjeli svoj trijumf. Istina, već su imali preko 40. Kao Claude Monet ili Auguste Renoir. Drugi su dobili priznanje tek na kraju života, poput Camille Pissarro. Netko mu nije dorastao, poput Alfreda Sisleya.

Koje je revolucionare svaki od njih postigao? Zašto ih javnost tako dugo nije prihvaćala? Evo 7 najslavnijih francuskih impresionista koje svijet poznaje.

1. Edouard Manet (1832.-1883.)

Edouard Manet. Autoportret s paletom. 1878 Privatna zbirka

Manet je bio stariji od većine impresionista. On im je bio glavna inspiracija.

Sam Manet nije se pretvarao da je vođa revolucionara. Bio je društveni čovjek. Sanjao sam o službenim nagradama.

No, na priznanje je čekao jako dugo. Publika je željela vidjeti grčke božice ili u najgorem slučaju mrtve prirode, da lijepo izgledaju u blagovaonici. Manet je želio napisati moderni život. Na primjer, kurtizane.

Rezultat je bio Doručak na travi. Dva kicoša odmaraju se u društvu dama lake kreposti. Jedan od njih, kao da se ništa nije dogodilo, sjedi pored odjevenih muškaraca.

Edouard Manet. Doručak na travi. 1863., Pariz

Usporedite njegov Doručak na travi s romanom Toma Couturea Romans in Decline. Coutureova slika izazvala je odjek. Umjetnik je odmah postao poznat.

“Doručak na travi” optužen je za vulgarnost. Trudnicama se apsolutno ozbiljno nije preporučalo da je gledaju.

Thomas Couture. Opadanje Rimljana. 1847 Musée d'Orsay, Pariz. artchive.ru

Na slici Couturea vidimo sve atribute akademizma (tradicionalno slikarstvo 16.-19. stoljeća). Stupovi i kipovi. Ljudi izgleda Apollo. Tradicionalne prigušene boje. Manirizam držanja i gesta. Zaplet iz dalekog života sasvim drugih ljudi.

Manetov “Doručak na travi” je drugačijeg formata. Prije njega nitko nije tako lako portretirao kurtizane. Pored uglednih mještana. Iako su mnogi muškarci tog vremena provodili svoje slobodno vrijeme. Bio je to pravi život pravih ljudi.

Jednom je portretirao uglednu damu. Ružan. Nije joj mogao laskati kistom. Gospođa je bila razočarana. Ostavila ga je u suzama.

Edouard Manet. Angelina. 1860 Musée d'Orsay, Pariz. Wikimedia.commons.org

Stoga je nastavio eksperimentirati. Na primjer, s bojom. Nije pokušavao prikazati takozvanu prirodnu boju. Ako je sivo-smeđu vodu vidio kao svijetloplavu, onda ju je prikazao kao svijetloplavu.

To je, naravno, iznerviralo publiku. "Uostalom, čak se ni Sredozemno more ne može pohvaliti takvim plavetnilom kao što je voda Maneta", odbrusili su.

Edouard Manet. Argenteuil. 1874 Muzej likovnih umjetnosti, Tournai, Belgija. Wikipedia.org

Ali činjenica ostaje. Manet je radikalno promijenio svrhu slikanja. Slika je postala utjelovljenje individualnosti umjetnika, koji piše kako želi. Zaboravljanje obrazaca i tradicija.

Inovacija mu dugo nije oproštena. Priznanje ga je čekalo tek na kraju života. Ali više mu nije trebao. Bolno je blijedio od neizlječive bolesti.

2. Claude Monet (1840.-1926.)

Claude Monet. Autoportret u beretki. 1886 Privatna zbirka

Claudea Moneta možemo nazvati impresionistom iz udžbenika. Budući da je ovom pravcu bio vjeran cijeli svoj dugi život.

Nije slikao predmete i ljude, već jednobojnu strukturu odsjaja i mrlja. Odvojeni potezi. Drhtavi zrak.

Claude Monet. Bazen za djecu. 1869. Metropolitan Museum of Art, New York. Metmuseum.org

Monet nije pisao samo o prirodi. Uspio je i u urbanim pejzažima. Jedan od najpoznatijih - .

Ova slika ima puno fotografija. Na primjer, kretanje se prenosi pomoću zamućene slike.

Imajte na umu: udaljena stabla i figure kao da su u izmaglici.

Claude Monet. Boulevard des Capucines u Parizu. 1873 (Galerija umjetnosti Europe i Amerike 19-20 st.), Moskva

Pred nama je zaleđeni trenutak uzavrelog života Pariza. Bez uprizorenja. Nitko ne pozira. Ljudi su prikazani kao skup poteza. Ta besprijekornost i efekt zamrznutog kadra glavna su značajka impresionizma.

Do sredine 80-ih, umjetnici su postali razočarani impresionizmom. Estetika je, naravno, dobra. Ali besprizornost je mnoge deprimirala.

Jedino je Monet nastavio ustrajati, pretjerujući impresionizam. To se razvilo u niz slika.

Isti krajolik slikao je na desetke puta. U različito doba dana. U različito doba godine. Pokazati kako temperatura i svjetlost mogu promijeniti isti izgled do neprepoznatljivosti.

Tako su se pojavili bezbrojni plastovi sijena.

Slike Claudea Moneta u Muzeju likovnih umjetnosti u Bostonu. Lijevo: Stog sijena na zalasku sunca u Givernyju, 1891. Desno: Stog sijena (snježni efekt), 1891.

Imajte na umu da su sjene na ovim slikama obojene. A ne sive ili crne, kako je to bilo uobičajeno prije impresionista. Ovo je još jedan njihov izum.

Monet je uspio uživati ​​u uspjehu i materijalnom blagostanju. Nakon 40. godine već je zaboravio na siromaštvo. Dobio sam dom i prekrasan vrt. I radio je za svoje zadovoljstvo još mnogo godina.

Pročitajte o najikoničnijoj slici majstora u članku

3. Auguste Renoir (1841.-1919.)

Pierre-Auguste Renoir. Autoportret. 1875. Institut za umjetnost Sterlinga i Francine Clark, Massachusetts, SAD. Pinterest.ru

Impresionizam je najpozitivnija slika. A najpozitivniji među impresionistima bio je Renoir.

Na njegovim slikama nećete naći dramu. Nije ni koristio crnu boju. Samo radost postojanja. Čak i ono najobičnije u Renoiru izgleda lijepo.

Za razliku od Moneta, Renoir je češće slikao ljude. Krajolici su mu bili manje važni. Na slikama se njegovi prijatelji i poznanici odmaraju i uživaju u životu.

Pierre-Auguste Renoir. Doručak veslača. 1880-1881 Kolekcija Phillips, Washington, SAD. Wikimedia.commons.org

Nećete naći u Renoira i dubinu. Bio je vrlo sretan što se pridružio impresionistima, koji su ankete odbijale spletke.

Kako je sam rekao, konačno ima priliku slikati cvijeće i nazvati ga jednostavno “Cvijeće”. I ne izmišljati nikakve priče o njima.

Pierre-Auguste Renoir. Žena sa suncobranom u vrtu. 1875 Muzej Thyssen-Bormenis, Madrid. arteuam.com

Najbolje od svega, Renoir se osjećao u društvu žena. Zamolio je svoje sluškinje da pjevaju i šale se. Što je pjesma bila gluplja i naivnija, to bolje za njega. I muško brbljanje ga je umorilo. Nije iznenađujuće što je Renoir poznat po svojim golišavim slikama.

Čini se da se model na slici "Akt na suncu" pojavljuje na šarenoj apstraktnoj pozadini. Jer za Renoira nema ništa sporedno. Područje oka ili pozadine modela je ekvivalentno.

Pierre-Auguste Renoir. Gola na suncu. 1876 ​​Musée d'Orsay, Pariz. wikimedia.commons.org

Renoir je živio dug život. I nikad nisam odložila kist i paletu. Čak i kada su mu ruke bile potpuno okovane od reume, vezivao je četku za ruku užetom. I nacrtao.

Kao i Monet, dobio je priznanje nakon 40 godina. I vidio sam svoje slike u Louvreu, pored djela poznatih majstora.

O jednom od najšarmantnijih Renoirovih portreta pročitajte u članku

4. Edgar Degas (1834.-1917.)

Edgar Degas. Autoportret. 1863. Muzej Calouste Gulbenkian, Lisabon, Portugal. Kulturno.com

Degas nije bio klasični impresionist. Nije volio raditi na otvorenom. Kod njega nećete pronaći namjerno posvijetljenu paletu.

Naprotiv, volio je jasnu liniju. Ima dosta crne boje. I radio je isključivo u studiju.

Ipak, uvijek je svrstan uz bok drugim velikim impresionistima. Zato što je bio impresionist geste.

Neočekivani kutovi. Asimetrija u rasporedu objekata. Likovi iznenađeni. To su glavni atributi njegovih slika.

Zaustavio je trenutke života, ne dopuštajući likovima da dođu k sebi. Pogledajte samo njegov operni orkestar.

Edgar Degas. Orkestar opere. 1870 Musée d'Orsay, Pariz. commons.wikimedia.org

U prvom planu je naslon stolice. Glazbenik nam je okrenut leđima. A u pozadini se balerine na pozornici nisu uklapale u "okvir". Glave su im nemilosrdno "odsječene" rubom slike.

Njegovi omiljeni plesači nisu uvijek prikazani u lijepim pozama. Ponekad se samo protežu.

Ali takva improvizacija je imaginarna. Naravno, Degas je dobro razmislio o kompoziciji. Ovo je samo efekt zamrznutog okvira, a ne pravi zamrznuti okvir.

Edgar Degas. Dvije baletne plesačice. 1879 Shelbourne Museum, Vermouth, SAD

Edgar Degas volio je slikati žene. Ali bolest ili karakteristike tijela nisu mu dopuštale fizički kontakt s njima. Nikad nije bio oženjen. Nitko ga nikad nije vidio s damom.

Odsutnost stvarnih zapleta u njegovom osobnom životu dodala je suptilnu i intenzivnu erotičnost njegovim slikama.

Edgar Degas. Baletna zvijezda. 1876-1878 Musée d'Orsay, Pariz. wikimedia.comons.org

Napominjemo da je na slici "Zvijezda baleta" nacrtana samo sama balerina. Njezine kolege iza scene jedva se razlikuju. Možda nekoliko nogu.

To ne znači da Degas nije dovršio sliku. Ovo je tehnika. Da u fokusu ostane samo ono najvažnije. Ostatak treba učiniti da nestane, nečitko.

Pročitajte o drugim slikama majstora u članku

5. Berthe Morisot (1841.-1895.)

Edouard Manet. Portret Berthe Morisot. 1873. Muzej Marmottan-Monet, Pariz.

Berthe Morisot rijetko se stavlja u prvi red velikih impresionista. Siguran sam da nije zasluženo. Upravo ovdje ćete pronaći sve glavne značajke i tehnike impresionizma. A ako vam se sviđa ovaj stil, voljet ćete njezin rad svim srcem.

Morisot je radila brzo i impulzivno, prenoseći svoj dojam na platno. Čini se da će se figure uskoro otopiti u prostoru.

Berthe Morisot. Ljeto. 1880. Muzej Fabre, Montpellier, Francuska.

Poput Degasa, često je izostavljala neke detalje. Pa čak i dijelovi tijela modela. Ne možemo razlikovati ruke djevojke na slici "Ljeto".

Morisotov put do samoizražavanja bio je težak. Ne samo da se bavila “traljavim” slikanjem. Još uvijek je bila žena. U to je vrijeme jedna dama trebala sanjati o braku. Nakon toga je svaki hobi bio zaboravljen.

Stoga je Bertha dugo odbijala brak. Sve dok nisam našla čovjeka koji je poštovao njezino zanimanje. Eugene Manet bio je brat umjetnika Édouarda Maneta. Poslušno je nosio štafelaj i slike za svoju ženu.

Berthe Morisot. Eugene Manet sa svojom kćeri u Bougivalu. 1881. Muzej Marmottan-Monet, Pariz.

Ali ipak je to bilo u 19. stoljeću. Ne, Morisot nije nosio hlače. Ali nije si mogla priuštiti potpunu slobodu kretanja.

Nije mogla sama ići u park na posao, bez nekoga tko joj je blizak. Nisam mogao sjediti sam u kafiću. Stoga su njezine slike ljudi iz kruga obitelji. Muž, kćer, rodbina, dadilje.

Berthe Morisot. Žena s djetetom u vrtu u Bougivalu. 1881 Nacionalni muzej za Wales, Cardiff.

Morisot nije čekao priznanje. Umrla je u 54. godini od upale pluća, a za života nije prodala gotovo niti jedan svoj rad. Na njezinoj umrlici bila je crtica u poslovanju. Bilo je nezamislivo da se žena naziva umjetnicom. Čak i ako je stvarno bila.

Pročitajte o majstorovim slikama u članku

6. Camille Pissarro (1830. - 1903.)

Camille Pissarro. Autoportret. 1873. Musée d'Orsay, Pariz. Wikipedia.org

Camille Pissarro. Bez sukoba, razumno. Mnogi su ga doživljavali kao učitelja. Ni najtemperamentniji kolege nisu loše govorili o Pissarru.

Bio je uvjerljivi sljedbenik impresionizma. U teškoj potrebi, sa ženom i petero djece, i dalje je vrijedno radio u svom omiljenom stilu. I nikad se nije prebacio na salonsko slikanje kako bi postao popularniji. Ne zna se odakle mu snage da vjeruje u sebe do kraja.

Kako uopće ne bi umro od gladi, Pissarro je slikao obožavatelje, koje je voljno kupovao. A pravo priznanje stiglo mu je nakon 60 godina! Tada je konačno mogao zaboraviti na potrebu.

Camille Pissarro. Diližansa u Louveciennesu. 1869. Muzej d'Orsay, Pariz

Zrak na Pissarrovim slikama je gust i gust. Izvanredna fuzija boje i volumena.

Umjetnik se nije bojao slikati najpromjenjivije prirodne pojave koje se na trenutak pojavljuju i nestaju. Prvi snijeg, ledeno sunce, duge sjene.

Camille Pissarro. Mraz. 1873. Musée d'Orsay, Pariz

Njegova najpoznatija djela su pogledi na Pariz. Sa širokim bulevarima, užurbana šarolika gomila. Noću, danju, po različitom vremenu. Na neki način imaju nešto zajedničko s nizom slika Claudea Moneta.

Impresionizam (impressionnisme) je slikarski stil koji se pojavio krajem 19. stoljeća u Francuskoj, a potom se proširio po cijelom svijetu. Sama ideja impresionizma leži u njegovom nazivu: dojam – dojam... Umjetnici koji su bili umorni od tradicionalnih slikarskih tehnika akademizma, koji, po njihovom mišljenju, nisu prenijeli svu ljepotu i živost svijeta, počeli su koristiti potpuno nove tehnike i metode slikanja, koje su trebale izraziti u najpristupačnijim ne formira "fotografski" izgled, već dojam iz onoga što je vidio. U svom slikarstvu impresionistički umjetnik, koristeći prirodu poteza i paletu boja, pokušava prenijeti atmosferu, toplinu ili hladnoću, jak vjetar ili mirnu tišinu, maglovito kišno jutro ili vedro sunčano poslijepodne, kao i svoja osobna iskustva iz onoga što vidio je.

Impresionizam je svijet osjećaja, emocija i prolaznih dojmova. Ovdje se ne cijeni vanjski realizam ili prirodnost, već realizam izraženih osjeta, unutarnje stanje slike, njezina atmosfera, dubina. U početku je ovaj stil bio žestoko kritiziran. Prve impresionističke slike bile su izložene u pariškom Salonu Les Miserables, na kojem su bila izložena djela umjetnika koje je odbio službeni pariški salon umjetnosti. Termin "impresionizam" prvi je upotrijebio kritičar Louis Leroy, koji je u Le Charivari napisao omalovažavajuću recenziju o umjetnikovoj izložbi. Kao osnovu za pojam uzeo je sliku Claudea Moneta “Impresija. Izlazećeg sunca". Sve umjetnike nazvao je impresionistima, što se otprilike može prevesti kao “impresionirani”. U početku su slike bile stvarno kritizirane, ali ubrzo je u salon počelo dolaziti sve više obožavatelja novog smjera u umjetnosti, a sam žanr se iz izopćenika pretvorio u prepoznat.

Vrijedi napomenuti da umjetnici s kraja 19. stoljeća u Francuskoj nisu niotkuda smislili novi stil. Za osnovu su uzeli tehnike slikara prošlosti, uključujući umjetnike renesanse. Slikari poput El Greca, Velazqueza, Goye, Rubensa, Turnera i drugih, davno prije pojave impresionizma, pokušavali su različitim međutonovima, svijetlim ili blistavim, prenijeti raspoloženje slike, živost prirode, posebnu ekspresivnost vremena. , naprotiv, tupi potezi koji su izgledali kao apstraktne stvari. Na svojim slikama koristili su je prilično štedljivo, pa neobična tehnika gledatelju nije zapela za oko. Impresionisti su odlučili uzeti ove metode prikazivanja kao osnovu za svoja djela.

Druga specifičnost djela impresionista je svojevrsna površna svakodnevica, koja, međutim, sadrži nevjerojatnu dubinu. Ne pokušavaju izraziti nikakve duboke filozofske teme, mitološke ili religiozne zadatke, povijesne i važne događaje. Slike umjetnika ovog smjera su inherentno jednostavne i svakodnevne - pejzaži, mrtve prirode, ljudi koji hodaju ulicom ili se bave svojim uobičajenim poslom i tako dalje. Upravo takvi trenuci u kojima nema pretjerane tematike koja čovjeka odvlači, do izražaja dolaze osjećaji i emocije od onoga što je vidio. Također, impresionisti, barem na početku svog postojanja, nisu prikazivali “teške” teme – siromaštvo, ratove, tragedije, patnje i tako dalje. Impresionističke slike su najčešće najpozitivnija i najradosnija djela, gdje ima puno svjetla, jarkih boja, uglađenog chiaroscura, glatkih kontrasta. Impresionizam je ugodan dojam, životna radost, ljepota svakog trenutka, zadovoljstvo, čistoća, iskrenost.

Najpoznatiji impresionisti bili su veliki umjetnici kao što su Claude Monet, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro i mnogi drugi.

Ne znate gdje kupiti pravu židovsku harfu? Najveći izbor možete pronaći na web stranici khomus.ru. Širok raspon etničkih glazbenih instrumenata u Moskvi.

Alfred Sisley - Travnjaci u proljeće

Camille Pissarro - Bulevar Montmartre. Poslijepodne, sunčano.

Europska umjetnost kasnog 19. stoljeća obogaćena je pojavom modernizma. Kasnije se njezin utjecaj proširio na glazbu i književnost. Naziv "impresionizam" dobio je jer se temeljio na najsuptilnijim dojmovima umjetnika, slikama i raspoloženjima.

Podrijetlo i povijest nastanka

Nekoliko mladih umjetnika u drugoj polovici 19. stoljeća ujedinilo se u grupu. Imali su zajednički cilj i poklopili su se interesi. Za ovu tvrtku glavno je bilo raditi u prirodi, bez zidova radionice i raznih stega. Na svojim slikama nastojali su prenijeti svu senzualnost, dojam igre svjetla i sjene. Pejzaži i portreti odražavali su jedinstvo duše sa Svemirom, s okolnim svijetom. Njihove slike su prava poezija boja.

Godine 1874. održana je izložba ove skupine umjetnika. Pejzaž Claudea Moneta “Impresija. Izlazak sunca "zapeo je za oko kritičara, koji je u svojoj recenziji po prvi put te stvaraoce nazvao impresionistima (od francuskog impression -" impresija ").

Preduvjeti za rođenje stila impresionizma, čije će slike uskoro postići nevjerojatan uspjeh, bila su djela renesanse. Kreativnost Španjolaca Velazqueza, El Greca, Engleza Turnera, Constablea bezuvjetno je utjecala na Francuze, koji su bili utemeljitelji impresionizma.

Pissarro, Manet, Degas, Sisley, Cezanne, Monet, Renoir i drugi postali su istaknuti predstavnici stila u Francuskoj.

Filozofija impresionizma u slikarstvu

Umjetnici koji su slikali u ovom stilu nisu si zadali zadaću skrenuti pozornost javnosti na nevolje. U njihovim se djelima ne mogu pronaći zapleti na temu dana, ne mogu se moralizirati niti uočiti ljudske proturječnosti.

Slike u stilu impresionizma usmjerene su na prenošenje trenutnog raspoloženja, razvijanje rješenja boja tajanstvene prirode. U djelima ima mjesta samo za pozitivan početak, mrak je zaobišao impresioniste.

Zapravo, impresionisti se nisu trudili razmišljati o radnji i detaljima. Glavni faktor nije bio što nacrtati, već kako prikazati i prenijeti svoje raspoloženje.

Slikarska tehnika

Postoji kolosalna razlika između akademskog stila slikanja i tehnike impresionista. Jednostavno su napustili mnoge metode, neke promijenili do neprepoznatljivosti. Evo nekih od inovacija koje su napravili:

1. Napuštena kontura. Zamijenjen je potezima - malim i kontrastnim.
2. Prestali smo koristiti palete za Boje koje se međusobno nadopunjuju i ne zahtijevaju spajanje kako bismo dobili određeni efekt. Na primjer, žuta je ljubičasta.
3. Prestali su slikati u crno.
4. U potpunosti su odbili raditi u radionicama. Slikali su isključivo po prirodi, tako da je bilo lakše uhvatiti trenutak, sliku, osjećaj.
5. Korištene su samo boje dobre pokrivne moći.
6. Nisam čekao da se novi sloj osuši. Odmah su naneseni svježi brisevi.
7. Izrađeni ciklusi radova koji prate promjene svjetla i sjene. Na primjer, "Stogovi sijena" Claudea Moneta.

Naravno, nisu svi umjetnici izvodili točno značajke stila impresionizma. Slike Edouarda Maneta, primjerice, nikada nisu sudjelovale na zajedničkim izložbama, a sam se pozicionirao kao samostalni umjetnik. Edgar Degas radio je samo u radionicama, ali to nije štetilo kvaliteti njegovih radova.

Predstavnici francuskog impresionizma

Prva izložba impresionističkih radova datira iz 1874. godine. Nakon 12 godina održana je njihova posljednja izložba. Prvi rad u ovom stilu može se nazvati "Doručak na travi" E. Maneta. Ova je slika predstavljena u Salonu odmetnika. Neprijateljski je dočekan, jer se jako razlikovao od akademskih kanona. Zato Manet postaje figura oko koje se okuplja krug sljedbenika ovog stilskog trenda.

Nažalost, takav stil kao impresionizam suvremenici nisu cijenili. Slike i umjetnici postojali su u suprotnosti sa službenom umjetnošću.

U kolektivu slikara postupno dolazi do izražaja Claude Monet, koji će kasnije postati njihov vođa i glavni ideolog impresionizma.

Claude Monet (1840.-1926.)

Djelo ovog umjetnika može se opisati kao himna impresionizmu. On je bio taj koji je prvi odbio korištenje crne boje na svojim slikama, navodeći činjenicu da čak i sjene i noć imaju različite tonove.

Svijet na Monetovim slikama su nejasni obrisi, opsežni potezi, gledajući u koje možete osjetiti cijeli spektar igre boja dana i noći, godišnjih doba, sklad sublunarnog svijeta. Samo trenutak koji je istrgnut iz toka života, u Monetovu shvaćanju, jest impresionizam. Čini se da njegove slike nemaju materijalnost, sve su zasićene zrakama svjetlosti i strujama zraka.

Claude Monet stvorio je nevjerojatna djela: "Gare Saint-Lazare", "Katedrala u Rouenu", ciklus "Charing Cross Bridge" i mnoga druga.

Auguste Renoir (1841.-1919.)

Renoirove kreacije stvaraju dojam izuzetne lakoće, prozračnosti, eteričnosti. Radnja je rođena kao slučajno, ali poznato je da je umjetnik pažljivo promišljao sve faze svog rada i radio od jutra do mraka.

Posebnost rada O. Renoira je upotreba glazure, koja je moguća samo kada se pisanje impresionizma u umjetnikovim djelima očituje u svakom potezu. On osobu doživljava kao česticu same prirode, zbog čega ima toliko golih slika.

Renoirova omiljena zabava bila je slika žene u svoj njenoj privlačnoj i privlačnoj ljepoti. Portreti zauzimaju posebno mjesto u stvaralačkom životu umjetnika. "Kišobrani", "Djevojka s lepezom", "Doručak veslača" - samo je mali dio nevjerojatne zbirke slika Augustea Renoira.

Georges Seurat (1859.-1891.)

Seurat je proces stvaranja slika povezao sa znanstvenim utemeljenjem teorije boje. Svjetlosno-zračni okoliš nacrtan je na temelju ovisnosti glavnih i dodatnih tonova.

Unatoč činjenici da je J. Seurat predstavnik završnog stadija impresionizma, te se njegova tehnika u mnogočemu razlikuje od utemeljitelja, on također uz pomoć poteza stvara iluzorni prikaz forme predmeta, koji se može vidjeti i vidi samo na daljinu.

Slike "Nedjelja", "Cancan", "Modeli" mogu se nazvati remek-djelima kreativnosti.

Predstavnici ruskog impresionizma

Ruski impresionizam je nastao gotovo spontano, miješajući u sebi mnoge pojave i metode. Međutim, osnova je, poput Francuza, bila prirodna vizija procesa.

U ruskom impresionizmu, iako su obilježja Francuza sačuvana, značajke nacionalne prirode i stanja duha donijele su značajne promjene. Primjerice, vizije snijega ili sjevernih krajolika izražavane su neobičnim tehnikama.

U Rusiji je malo umjetnika radilo u stilu impresionizma, njihove slike do danas privlače poglede.

Impresionističko razdoblje može se razlikovati u djelu Valentina Serova. Njegova "Djevojka s breskvama" najjasniji je primjer i standard ovog stila u Rusiji.

Slike osvajaju svojom svježinom i sazvučjem čistih boja. Glavna tema rada ovog umjetnika je prikaz osobe u prirodi. "Sjeverna idila", "U čamcu", "Fjodor Chaliapin" - svijetle prekretnice u aktivnostima K. Korovina.

Impresionizam u moderno doba

Trenutno je ovaj trend u umjetnosti dobio novi život. Nekoliko umjetnika slika svoje slike u ovom stilu. Moderni impresionizam postoji u Rusiji (André Cohn), u Francuskoj (Laurent Parsellier), u Americi (Diana Leonard).

André Cohn je najistaknutiji predstavnik novog impresionizma. Njegove slike ulja upečatljive su svojom jednostavnošću. Umjetnik vidi ljepotu u svakodnevnim stvarima. Stvoritelj mnoge predmete tumači kroz prizmu kretanja.

Radovi akvarela Laurenta Parselliera poznati su u cijelom svijetu. Njegova serija Strange World objavljena je kao razglednice. Prekrasne, živahne i senzualne, oduzet će vam dah.

Kao i u 19. stoljeću, slikarstvo na otvorenom ostaje umjetnicima i danas. Zahvaljujući njoj, impresionizam će živjeti vječno. umjetnici nastavljaju inspirirati, impresionirati i inspirirati.

Danas remek-djela impresionističkih umjetnika percipiramo u kontekstu svjetske umjetnosti: oni su za nas odavno postali klasici. Međutim, to nije uvijek bio slučaj. Dogodilo se da njihova platna nisu primana na službene izložbe, kritizirana u tisku i nisu željela kupiti čak ni za simboličnu naknadu. Bilo je godina očaja, oskudice i teškoća. I borba za priliku da naslikaju svijet kako su ga vidjeli. Prošla su mnoga desetljeća da bi većina mogla shvatiti i percipirati, vidjeti sebe njihovim očima. Kakav je on bio, svijet u koji je impresionizam upao ranih 1860-ih, poput vjetra koji skače što daje transformacije?

Društveni prevrati s kraja 18. stoljeća, revolucije u Francuskoj i Americi, preobrazile su samu bit zapadne kulture, što nije moglo ne utjecati na ulogu umjetnosti u društvu koje se brzo mijenja. Naviknuti na društveni poredak iz vladajuće dinastije ili crkve, umjetnici su iznenada otkrili da su ostali bez svojih klijenata. Plemstvo i kler, glavni kupci umjetnosti, doživjeli su ozbiljne poteškoće. Uspostavljena je nova era, era kapitalizma, koja je potpuno promijenila pravila i prioritete.

Postupno je u novonastalim republikama i demokratski organiziranim silama rasla bogata srednja klasa, uslijed čega se počelo živo razvijati novo tržište umjetnina. Nažalost, poduzetnicima i trgovcima u pravilu je nedostajala nasljedna kultura i odgoj, bez kojih je bilo nemoguće ispravno procijeniti raznolikost alegorija radnje ili vještih izvođačkih vještina koje su dugo fascinirale aristokraciju.

Ne predstavljajući se kao aristokratski odgoj i obrazovanje, predstavnici srednje klase, koji su postali potrošači umjetnosti, morali su se u početku orijentirati na razmatranja novinskih kritičara i službenih stručnjaka. Stare umjetničke akademije, koje su čuvari klasičnih temelja, postale su središnji arbitri u pitanjima umjetničke gravitacije. Nije paradoksalno da su se neki mladi i željni slikari koji su bili zgroženi konformizmom pobunili protiv formalne dominacije akademizma u umjetnosti.

Jedno od bitnih uporišta akademizma tog vremena bile su izložbe suvremene umjetnosti pod pokroviteljstvom vlasti. Takve su izložbe nazvane Saloni - po tradiciji, prema nazivu dvorane u Louvreu, gdje su svojedobno izlagali svoja platna dvorski umjetnici.

Sudjelovanje na Salonu bila je jedina prilika da se za svoje radove prikova zanimanje novinara i klijenata. Auguste Renoir, u jednom od svojih pisama Durand-Ruelu, govori o trenutnom stanju na sljedeći način: „U cijelom Parizu jedva da ima petnaest obožavatelja koji mogu prepoznati umjetnika bez pomoći Salona, ​​a osamdeset tisuća ljudi koji neće nabaviti ni kvadratni centimetar platna ako umjetnik ne uđe u Salon."

Mladi slikari nisu imali ništa drugo za blistati osim kako se pojaviti u Salonima: na izložbi su mogli čuti nelaskave riječi ne samo članova žirija, već i duboko cijenjenih slikara poput Eugenea Delacroixa, Gustava Courbeta, Edouarda Maneta, koji su bili miljenici mladih ljudi, čime su dobili poticaj za kasniju kreativnost. Uz to, Salon je bio jedinstvena prilika za pridobivanje kupca, zapažanje i stvaranje umjetničke karijere. Nagrada Salona bila je jamstvo profesionalne prepoznatljivosti umjetnika. Suprotno tome, ako je žiri odbio pristigli rad, to je bilo jednako estetskoj suspenziji.

Često slika predložena na razmatranje nije odgovarala uobičajenim kanonima, zbog čega je žiri Salona odbijen: u umjetničkom okruženju ova je epizoda izazvala skandal i senzaciju.

Jedan od umjetnika čija je uključenost u Salon neizbježno stvarala skandal i izazivala veliku zabrinutost među akademicima bio je Edouard Manet. Veliki skandal popratila je demonstracija njegovih slika "Doručak na travi" (1863.) i "Olympia" (1865.), nastalih na neobično oštar način, sa estetikom stranom Salonu. A slika "Incident u borbi s bikovima", predstavljena na Salonu 1864., odražavala je umjetnikov entuzijazam za Goyin rad. U prvom planu Manet je nacrtao ispruženu figuru toreadora. Pozadina slike bila je rastegnuta arena i redovi obeshrabrenih, obamrlih gledatelja. Takva dirljiva i prkosna kompozicija izazvala je mnogo sarkastičnih kritika i novinskih karikatura. Uvrijeđen kritikama, Manet je svoju sliku poderao na dva dijela.

Valja napomenuti da se kritičari i karikaturisti nisu sramili izbora riječi i načina da se umjetnika bolnije vrijeđaju, da ga gurnu na nekakve recipročne radnje. "Umjetnik kojeg je Salon odbacio", a kasnije i "Impresionist" postali su omiljene mete novinara, zarađujući na javnim skandalima. Nesmirene svađe Salona sa slikarima drugih koncepata i tendencija, koji su bili umorni od strogih granica zastarjelog akademizma, značajno su označili ozbiljan pad koji je do tada sazreo u umjetnosti druge polovice 19. stoljeća. Konzervativni žiri Salona 1863. odbio je toliko slika da je car Napoleon III. smatrao potrebnim osobno podržati još jednu, paralelnu izložbu kako bi gledatelj mogao usporediti prihvaćene radove s odbijenim. Ova izložba, koja je dobila naziv "Salon jadnika", postala je iznimno mondeno mjesto zabave - ovdje su se išli smijati i zabavljati.

Kako bi zaobišli akademski žiri, posjedujući slikari mogli bi osnivati ​​samostalne samostalne izložbe. Ideju o izložbi jednog umjetnika prvi je najavio realistički slikar Gustave Courbet. Poslao je niz svojih radova na Svjetsku izložbu u Parizu 1855. Izborna komisija odobrila je njegove krajolike, ali je odbila tematske programske slike. Tada je Courbet, suprotno temeljima, podigao osobni paviljon u blizini Svjetske izložbe. Iako je Courbetov široki slikarski stil impresionirao ostarjelog Delacroixa, u njegovom je paviljonu bilo malo gledatelja. Na Svjetskoj izložbi 1867. Courbet je obnovio ovo iskustvo velikim trijumfom – ovaj put je sve svoje radove objesio u posebnu prostoriju. Edouard Manet, slijedeći Courbetov primjer, tijekom iste izložbe otvorio je vlastitu galeriju za retrospektivni prikaz svojih platna.

Stvaranje osobnih galerija i privatno izdavanje kataloga uključivalo je značajan utrošak sredstava - neusporedivo veći od onih koje su često posjedovali umjetnici. No, slučajevi s Courbetom i Manetom potaknuli su mlade slikare da planiraju skupnu izložbu umjetnika iz novih trendova koje službeni Salon nije prihvatio.

Osim društvenih promjena, znanstvena istraživanja imala su značajan utjecaj i na umjetnost 19. stoljeća. Godine 1839. Louis Daguerre u Parizu i Henry Fox Talbot u Londonu demonstrirali su svoj neovisno stvoreni fotografski aparat. Ubrzo nakon ovog događaja, fotografija je umjetnike i grafičare oslobodila obveze jednostavnog ovjekovječenja ljudi, mjesta i događaja. Oslobođeni dužnosti skiciranja predmeta, mnogi su slikari pohrlili u sferu prenošenja vlastitog, subjektivnog izraza na platnu emocija.

Fotografija je potaknula različite poglede na europsku umjetnost. Leća, s drugačijim kutom gledanja od ljudskog oka, činila je fragmentarni prikaz kompozicije. Promjena kuta snimanja gurnula je umjetnike prema novim kompozicijskim vizijama, koje su postale temelj estetike impresionizma. Spontanost je postala jedno od glavnih načela ovog pokreta.

Iste 1839. godine, kada je kamera nastala, kemičar iz laboratorija pariške manufakture tapiserija Michel Eugene Chevreul prvi je objavio logično tumačenje percepcije boje ljudskim okom. Stvarajući boje za tkanine, pobrinuo se za postojanje tri osnovne boje - crvene, žute i plave, kada se pomiješaju, pojavljuju se sve ostale boje. Uz pomoć kotača u boji Chevreul je dokazao kako se rađaju nijanse, što ne samo da je savršeno ilustriralo tešku znanstvenu ideju, već je umjetnicima predstavilo i radni koncept miješanja boja. Američki fizičar Ogden Rude i njemački znanstvenik Hermann von Helmholi, sa svoje strane, dopunili su ovaj izum razvojem na području optike.

Godine 1841. američki znanstvenik i slikar John Rand patentirao je limene cijevi koje je stvorio za lako pokvarljive boje. Prije nego što je umjetnik, odlazeći slikati na otvorenom, bio prisiljen najprije miješati boje koje su mu bile potrebne u radionici, a zatim ih sipati u staklene posude, koje su često tukle, ili u mjehuriće iz utrobe životinja, koje su brzo iscurile. S dolaskom Rand cijevi, ljudi iz umjetnosti imaju privilegiju ponijeti svu raznolikost boja i nijansi sa sobom na otvorenom. Ovo otkriće uvelike je utjecalo na obilje boja među umjetnicima, a uz to ih je uvjerilo da svoje radionice napuste prirodi. Ubrzo je, kako je primijetio jedan duhovit, na selu bilo više pejzažista nego seljaka.

Pioniri slikanja na otvorenom bili su umjetnici Barbizonske škole, koja je svoj nadimak dobila po selu Barbizon u blizini šume Fontainebleau, gdje su stvorili većinu krajolika.

Ako su se stariji slikari Barbizonske škole (T. Rousseau, J. Dupre) u svom radu još uvijek temeljili na naslijeđu herojskog krajolika, onda su predstavnici mlađe generacije (C. Daubigny, C. Corot) ovom žanru obdarili obilježja realizma. Njihova platna prikazuju krajolike koji su strani akademskoj idealizaciji.

Barbizonci su u svojim slikama pokušali ponovno stvoriti raznolikost stanja prirode. Zato su slikali iz prirode, pokušavajući u njima uhvatiti neposrednost svoje percepcije. Međutim, korištenje starih akademskih metoda i sredstava u slikarstvu nije im pomoglo da postignu ono u čemu su kasnije uspjeli impresionisti. Unatoč tome, doprinos umjetnika Barbizonske škole formiranju žanra je nepobitan: ostavljajući radionice za plener, ponudili su pejzažnom slikarstvu nove načine razvoja.

Jedan od pobornika slikanja u prirodi, Eugene Boudin, uputio je svog mladog učenika Claudea Moneta da je potrebno stvarati na otvorenom - usred svjetlosti i zraka, slikati ono što razmišljate. Ovo pravilo postalo je temelj plenerskog slikarstva. Monet je uskoro svojim prijateljima, Augusteu Renoiru, Alfredu Sisleyu i Fredericu Basilu, predstavio novu teoriju: slikati samo ono što promatrate na određenoj udaljenosti i pod određenim osvjetljenjem. Navečer su u pariškim kafićima mladi slikari rado dijelili svoja razmišljanja i gorljivo raspravljali o novim otkrićima.

Tako se pojavio impresionizam - revolucionarni trend u umjetnosti u posljednjoj trećini 19. - početkom 20. stoljeća. Slikari koji su krenuli putem impresionizma nastojali su u svojim radovima prirodnije i istinitije dočarati svijet oko sebe i svakodnevnu stvarnost u njihovoj beskrajnoj pokretljivosti i nepostojanosti, izraziti svoje prolazne osjećaje.

Impresionizam je bio odgovor na stagnaciju akademizma koji je tih godina vladao u umjetnosti, želju da se slikarstvo oslobodi bezizlazne situacije u koju je zapalo krivnjom umjetnika Salona. Mnogi progresivno nastrojeni ljudi tvrdili su da je suvremena umjetnost u padu: Eugene Delacroix, Gustave Courbet, Charles Baudelaire. Impresionizam je bio svojevrsna šok-terapija za “patni organizam”.

Pojavom mladih žanrovskih slikara Edouarda Maneta, Augustea Renoira, Edgara Degasa, u francusko slikarstvo prodire vjetar promjene, dajući neposrednost promišljanja života, prikaz prolaznih, takoreći, neočekivanih situacija i pokreta, iluzorne nestabilnosti i neuravnoteženost oblika, fragmentarna kompozicija, nepredvidive točke gledišta i kutovi...

U večernjim satima, kada umjetnici zbog slabe rasvjete više nisu imali priliku slikati svoja platna, napuštali su svoje radionice i sjedili u žučnim raspravama u pariškim kafićima. Tako je kafić Herbois postao jedno od stalnih sastajališta nekolicine umjetnika ujedinjenih oko Edouarda Maneta. Redoviti sastanci održavali su se četvrtkom, a ostalim danima tamo se mogla zateći skupina umjetnika koji živahno razgovaraju ili se svađaju. Claude Monet je sastanke u Cafe Herbois opisao na sljedeći način: „Ne može biti ništa uzbudljivije od ovih susreta i beskrajnog sukoba stajališta. Izoštrili su naše umove, potaknuli naše plemenite i iskrene težnje, dali nam naboj entuzijazma koji nas je jačao tjednima dok se ideja konačno nije oblikovala. Otišli smo s ovih sastanaka raspoloženi, jačom voljom, sve jasnijim mislima.”

Uoči 1870-ih impresionizam se također temeljio na francuskom krajoliku: Claude Monet, Camille Pissarro, Alfred Sisley prvi su razvili sekvencijalni plein air sustav. Slikali su svoja platna bez skica i skica na otvorenom odmah na platnu, utjelovljujući blistavu sunčevu svjetlost, nevjerojatno obilje boja prirode, rastvaranje objekata predstavljenih u okolini, vibracije svjetlosti i zraka i bujnost refleksa na svojim slikama. Za postizanje tog cilja uvelike je olakšan sustav boja koji su proučavali do svakog detalja, u kojem se prirodna boja razlagala na boje sunčevog spektra. Kako bi stvorili neobično svijetlu, nježnu šarenu teksturu, umjetnici su odvojenim potezima nanosili čistu boju na platno, dok se očekivalo optičko miješanje u ljudskom oku. Ova tehnika, kasnije transformirana i teorijski argumentirana, postala je središnji dio druge izvanredne umjetničke težnje - pointilizma, nazvanog "divizionizam" (od francuskog "diviser" - podijeliti).

Impresionisti su pokazali pojačan interes za odnos predmeta i okoline. Predmet njihove pomne kreativne analize bila je transformacija boje i karaktera predmeta u promjenjivom okruženju. Da bi se postigao ovaj koncept, isti je objekt prikazan nekoliko puta. Uz dodatak čiste boje sjenama i odsjajima, crna boja je gotovo napustila paletu.

Kritičar Jules Laforgue govorio je o fenomenu impresionizma na sljedeći način: „Impresionist vidi i prenosi prirodu onakvu kakva jest, odnosno samo očaravajućim vibracijama. Crtež, svjetlo, volumen, perspektiva, chiaroscuro - sve je to klasifikacija koja blijedi u stvarnosti. Ispada da je sve uvjetovano vibracijama boje i da se na platno treba utisnuti vibracijama boje."

Zahvaljujući aktivnostima na otvorenom i susretima u kafiću 27. prosinca 1873. "Anonimni, kipari, graveri itd." - tako su se isprva nazivali impresionisti. Prva izložba društva održana je u proljeće godinu dana kasnije u Trgovačkoj galeriji Nadar, eksperimentalnog fotografa koji je uz to trgovao djelima suvremene umjetnosti.

Prvijenac je pao 15. travnja 1874. godine. Izložba se planirala održati mjesec dana, vrijeme posjeta bilo je od deset do šest i, što je također postala inovacija, od osam do deset navečer. Ulaznica je koštala jedan franak, katalozi su se mogli kupiti za pedeset centi. U početku se činilo da je izložba ispunjena posjetiteljima, ali se publika tamo bavila samo sprdnjom. Neki su se šalili da se zadatak ovih umjetnika može postići ako se pištolj napuni različitim tubama boje, zatim puca na platno i završava potpisom.

Mišljenja su bila podijeljena: ili izložba uopće nije shvaćena ozbiljno, ili je kritizirana u paramparčad. Opća percepcija može se izraziti u sljedećem članku sarkastične težnje "Izložba impresionista", s potpisom Louisa Leroya, objavljenom u obliku feljtona. Ovdje je opisan dijalog između autora i akademika-pejzažista, nagrađenog medaljama, koji zajedno prolaze kroz dvorane izložbe:

“... Došao je nerazborit umjetnik, ne pretpostavljajući ništa loše, nadao se da će tamo vidjeti platna, koja se mogu naći posvuda, indikativna i beskorisna, više beskorisna nego indikativna, ali nedaleko od određenih umjetničkih standarda, kulture forme i poštovanja za stare majstore.

Jao, forma! Jao, stari majstori! Nećemo ih više čitati, jadni moj prijatelju! Sve smo preobrazili!"

Na izložbi je bio izložen i krajolik Claudea Moneta koji prikazuje jutarnju zoru u maglom obavijenoj uvali - slikar ju je nazvao “Impresija. Izlazak sunca" (Impresija). Evo komentara jednog od likova u satiričnom članku Louisa Leroya o ovom platnu, koji je dao ime najsenzacionalnijem i najslavnijem trendu u umjetnosti 19. stoljeća:

“...- Što je ovdje nacrtano? Zavirite u katalog. - "Dojam. Izlazak sunca". - Dojam - kako sam i očekivao. Samo sam sebi rezonirao da, pošto sam pod dojmom, onda se u tome mora prenijeti neki dojam... i to kakva opuštenost, kakva glatka izvedba! Tapeta u izvornom stupnju obrade savršenija je od ovog morskog pejzaža ... ".

Osobno, Monet ni na koji način nije bio protiv takvog naziva za umjetničku tehniku, koju je primjenjivao u praksi. Glavna suština njegovog rada je upravo hvatanje i hvatanje neuhvatljivih trenutaka života, na kojima je radio, iz čega su nastali njegovi bezbrojni nizovi slika: "Stogovi sijena", "Topole", "Katedrala u Rouenu", "Gare Saint-Lazare" , "Pond at Giverny" , "London. Zgrada parlamenta” i drugi. Drugi slučaj, Edgar Degas, koji se volio nazivati ​​"nezavisnim", jer nije sudjelovao u Salonu. Njegov oštar, groteskni stil pisanja, koji je služio kao primjer mnogim pristašama (među kojima se posebno istaknuo Toulouse-Lautrec), bio je nedopustiv za akademski žiri. Oba ova slikara postali su najproaktivniji organizatori kasnijih izložbi impresionista, kako u Francuskoj tako iu inozemstvu - u Engleskoj, Njemačkoj i SAD-u.

Auguste Renoir, naprotiv, pojavljujući se na prvim izložbama impresionista, nije gubio nadu da će pobijediti na Salonu, svake godine šalje dvije slike na svoje izložbe. Karakterističnu dvosmislenost svojih postupaka objašnjava u korespondenciji sa svojim suborcem i mecenom Durand-Ruelom: „... Ne podržavam bolna mišljenja da je neko djelo vrijedno ili nedostojno, ovisno o mjestu na kojem se prikazuje. Ukratko, ne želim gubiti vrijeme i ljutiti se na Salon. Ne želim se ni pretvarati da sam ljuta. Samo mislim da treba crtati što prije, to je sve. Da mi se zamjera da sam beskrupulozan u svojoj umjetnosti, ili da odbacujem svoje stavove iz apsurdne ambicije, prihvatio bih takve optužbe. Ali budući da ništa slično ne postoji i nije blizu, onda me nema potrebe zamjerati."

Ne smatrajući se službeno uključenim u smjer impresionista, Edouard Manet se smatrao realističkim slikarom. No, neprestana bliska povezanost s impresionistima, obilazeći njihove izložbe, neprimjetno je preobrazila slikarev stil, približivši ga impresionističkom. U samrtnim godinama njegova života, boje na njegovim slikama bistre, potez kista je zamašan, kompozicija je fragmentarna. Poput Renoira, Manet je očekivao naklonost službenih stručnjaka iz područja umjetnosti i bio je nestrpljiv sudjelovati na izložbama Salona. Ali protiv svoje volje postao je idol pariške avangarde, njihov neokrunjeni kralj. Unatoč svemu, sa svojim je platnima tvrdoglavo jurišao u Salon. Neposredno prije smrti, imao je sreću da dobije službenu lokaciju Salona. Pronašao ga je i Auguste Renoir.

Opisujući ključne osobe impresionizma, ružno bi bilo ne prisjetiti se barem fragmentarno osobe uz pomoć koje je višekratno osramoćeno umjetničko usmjerenje postalo bitna umjetnička stečevina 19. stoljeća, osvojila cijeli svijet. Ime ovog čovjeka je Paul Durand-Ruel, kolekcionar i trgovac umjetninama koji se više puta našao na rubu bankrota, ali nije odustao od pokušaja da impresionizam etablira kao novu umjetnost koja će tek dosegnuti svoj vrhunac. Organizirao je izložbe impresionista u Parizu i Londonu, priređivao osobne izložbe slikara u svojoj galeriji, organizirao aukcije, jednostavno financijski pomagao umjetnicima: bilo je trenutaka kada mnogi od njih nisu imali sredstava za kupnju boja i platna. Dokaz vatrene zahvalnosti i poštovanja umjetnika - njihova pisma Durand-Ruelu, kojih ima dosta. Durand-Ruelova osobnost primjer je inteligentnog sakupljača i dobročinitelja.

"Impresionizam" je relativan pojam. Svi slikari koje svrstavamo u ovaj trend prošli su akademsku obuku koja je uključivala pomno proučavanje detalja i glatke, sjajne slikarske površine. No, ubrzo su više voljeli slike u realističnom smjeru od uobičajenih tema i zapleta koje je propisao Salon, odražavajući stvarnu stvarnost, svakodnevnicu. Nakon toga, svaki od njih je neko vrijeme pisao u stilu impresionizma, pokušavajući objektivno prenijeti predmete na svojim slikama pod različitim svjetlosnim uvjetima. Nakon takve impresionističke faze, većina ovih avangardnih umjetnika prešla je na samostalna istraživanja koja su dobila skupni naziv "postimpresionizam"; kasnije je njihov rad pridonio formiranju apstrakcionizma 20. stoljeća.

70-ih godina XIX stoljeća Europa je postala ovisna o japanskoj umjetnosti. Edmond de Goncourt u svojim bilješkama kaže: “... Strast prema japanskoj umjetnosti... obuhvaćala je sve - od slikarstva do mode. U početku je to bila manija za takve ekscentrike kao što smo moj brat i ja, kasnije su nam se pridružili umjetnici impresionisti." Doista, na slikama impresionista tog vremena često su uhvaćeni atributi japanske kulture: obožavatelji, kimona, ekrani. Također su iz japanske gravure crpeli stilske metode i plastična rješenja. Mnogi impresionisti bili su strastveni kolekcionari japanskih grafika. Na primjer, Edouard Manet, Claude Monet, Edgar Degas.

Općenito su takozvani impresionisti od 1874. do 1886. priredili 8 izložbi s nejednakim vremenskim razmacima; polovica od 55 slikara koji pripadaju Anonimnom društvu, zbog raznih okolnosti, pojavila se tek u 1. Ekskluzivni sudionik svih 8 izložbi bila je Camille Pissarro, koja je bila mirna, miroljubiva.

1886. održana je završna izložba impresionista, ali je kao umjetnička metoda nastavila postojati. Slikari nisu napuštali svoj težak posao. Iako bivšeg drugarstva, jedinstva, više nije bilo. Svaki je kročio svojim putem. Povijesni sukobi su završili, završili trijumfom novih pogleda i nije bilo potrebe za udruživanjem snaga. Slavno jedinstvo impresionističkih umjetnika se rascijepilo, i nije se moglo ne rascijepiti: svi su bili bolno različiti, ne samo temperamentom, nego i pogledima, umjetničkim uvjerenjima.

Impresionizam, kao trend dosljedan svom vremenu, nije propustio napustiti granice Francuske. Slična su pitanja postavljali i slikari u drugim zemljama (James Whistler u Engleskoj i SAD-u, Max Lieberman i Lovis Corinth u Njemačkoj, Konstantin Korovin i Igor Grabar u Rusiji). Kipari (Auguste Rodin u Francuskoj, Paolo Trubetskoy i Anna Golubkina u Rusiji) usvojili su entuzijazam impresionizma za trenutni pokret i fluidnu formu.

Izvršivši revoluciju u pogledima suvremenika, proširivši njegov svjetonazor, impresionisti su time utrli put kasnijem oblikovanju umjetnosti i nastanku novih estetskih težnji i ideja, novih oblika za koje nije trebalo dugo da se pojave. Nastali iz impresionizma, neoimpresionizma, postimpresionizma, fovizma, naknadno su također potaknuli formiranje i uspostavljanje novih estetskih trendova i trendova.

Impresionizam- smjer umjetnosti posljednje trećine XIX - početka XX stoljeća, koji je nastao u Francuskoj, a potom se proširio svijetom, čiji su predstavnici nastojali što prirodnije i nepristrano uhvatiti stvarni svijet u njegovoj pokretljivosti i promjenjivosti, prenijeti njegovu prolaznost dojmove. Obično se izraz "impresionizam" odnosi na smjer u slikarstvu, iako su njegove ideje također pronašle svoje utjelovljenje u književnosti i glazbi.

Slika.

Impresionizam je nastao u Francuskoj u drugoj polovici 19. stoljeća. Mladi umjetnici željeli su ići dalje od klasičnog slikarstva. Što nije bilo tako lako: ni kritika ni javnost nisu željeli prihvatiti slike koje su se toliko razlikovale od uobičajenog akademskog slikarstva u "antičkom" stilu.

Slike umjetnika novog smjera nisu se smatrale slikama, bile su toliko slične brzim skicama.

Ali to je bila bit novog smjera – uhvatiti trenutak, pokazati život onakvim kakav jest. Impresionisti ne izmišljaju zaplete, oni ih uzimaju iz svakodnevnog života: to je sve što svatko može vidjeti, samo izlazak na ulicu.

Umjetnici su počeli koristiti potpuno nove slikarske tehnike. Boje na štafelaju nisu se miješale, već su se nanosile na platno u zasebnim potezima. Stoga, kako bi se stvorila cjelovita slika slike, treba ih promatrati s kratke udaljenosti, a ne izbliza. S ovom percepcijom, jasni odvojeni potezi glatko se spajaju jedan u drugi i formira se ideja o slici.

Za razliku od majstora prošlih godina, impresionisti nisu radili u radionicama, tamo su dovršavali i dovršavali svoje skice. Upravo među njima postaje popularna pleneristička tehnika – odnosno rad na otvorenom. Umjetnici su putovali u predgrađa (šuma Fontainebleaua je bila posebno popularna), gdje su skicirali piknike ili prikazivali prizore pariškog života: Monet i Renoir često su prikazivali prizore na nasipu Seine; niz Renoirovih slika iz Moulin de la Poznat je i Gallet.

Ali impresioniste nisu uvijek zanimali ljudi ili priroda. Bilo je puno zanimljivije prenijeti, na primjer, kretanje zraka ili padanje sunčeve svjetlosti. Primjerice, na Monetovoj slici "Gare de Saint-Lazare" glavni subjekt slike nije čak ni sama stanica ili vlak, već dim koji se u klubovima diže iz dimnjaka koji se dimi.

Novi pokret razlikovao se od akademskog slikarstva, i tehnički i ideološki. Prije svega, impresionisti su napustili konturu, zamijenivši je malim, odvojenim i kontrastnim potezima. Sunčeva zraka se dijeli na svoje komponente: ljubičasta, plava, plava, zelena, žuta, narančasta, crvena, ali budući da je plava vrsta plave, njihov se broj smanjuje na šest. Dvije boje postavljene jedna uz drugu pojačavaju jedna drugu i, obrnuto, kada se pomiješaju, gube svoj intenzitet. Osim toga, sve su boje podijeljene na primarne, ili primarne i udvojene, ili derivate, pri čemu je svaka udvostručena boja komplementarna prvoj:

Plavo - narančasto

Crveno zeleno

Žuta - Ljubičasta

Općenito, mnogi su umjetnici radili u stilu impresionizma, ali osnova pokreta bili su Edouard Manet, Claude Monet, Auguste Renoir, Degas. No, Manet je sebe uvijek nazivao "nezavisnim umjetnikom" i nikada nije sudjelovao na izložbama, a iako je Degas sudjelovao, nikada nije slikao svoja djela na otvorenom.

Umjetnici. (mnogo, ali dovoljno kratko da se zna o njihovom radu)

Koliko su se tradicija i inovativnost spojile u umjetnosti impresionista, svjedoči, prije svega, rad istaknutog slikara 19. stoljeća Edouard Manet... U međuvremenu, u ovim djelima, kao iu svom kasnijem radu, umjetnik se oslanja na iskustvo klasične umjetnosti. U nastojanju da estetski shvati suvremeni život, Manet koristi veličanstvene kompozicijske sheme renesansnih slikara, od Giorgionea i Tiziana do Velazqueza i Goye. Njegove slike, niz portreta i drugih djela šezdesetih godina 19. stoljeća naslikani su u tradicionalnoj slikarskoj maniri koja još nije u potpunosti prevladana, iako se i ovdje već osjeća želja za otvorenom bojom i prirodnim svjetlom. Kasnije, Manetova paleta postaje osjetno svjetlija. Jedan od prvih počeo je slikati na čisto bijelom tlu, zatim ga "utovarivši" bogatim potezima jarkih sunčanih boja, zatim prekrivajući najfinije polutonove plemenitih ružičastih i sivo-sivih nijansi. Posjedovao je dar prenošenja beskrajnog bogatstva boja i živahne zebnje objektivnog svijeta, što se posebno jasno očitovalo u mrtvoj prirodi – „nitko od Manetovih suvremenika nije mogao naslikati mrtvu prirodu bolje od njega.“ Manetova inovacija bila je u tome što je on bio u stanju sagledati okolnu stvarnost i proširiti raspon pojava kojima se likovna umjetnost obraćala. Nije se bojao napraviti predmet istinski visoke umjetnosti i u savršene slikovne oblike utjeloviti one aspekte života i međuljudskih odnosa, od kojih su se umjetnici prije njega okretali ili ih nisu primijetili.

U središtu umjetnosti Edgar Degas uvijek je postojao čovjek, dok pejzaž, gotovo vodeći žanr impresionista, nije imao značajniju ulogu u njegovom stvaralaštvu. Veliki Ingresov obožavatelj, crtežu je pridavao izuzetnu važnost. U Italiji se divio Mantegni, među francuskim umjetnicima zanimao ga je Poussin i kopirao njegove slike. Pod Manetovim utjecajem, Degas se prebacio na prikazivanje prizora modernog života. Njegove glavne teme su svijet baleta i konjskih utrka, samo u rijetkim slučajevima nadilazi ih, pozivajući se na život pariške boemije, prikazujući mlinčare, peglače i pralje. Degasova inovativnost u prijenosu pokreta neraskidivo je povezana s njegovim skladateljskim umijećem. Kod njega, čak i jačeg od Maneta, postoji osjećaj nenamjernosti, slučajnosti, otimanja zasebne epizode iz toka života. To postiže neočekivanom asimetrijom i neuobičajenim gledištima (često odozgo ili sa strane, pod kutom), "uzdižućim" prostorom, kao da se proviruje u ogledalo, izražajnim kadriranjem i hrabrim krojevima okvira. Taj osjećaj prirodnosti i potpune slobode osvojio je trudom, točnim proračunom i pravilnom kompozicijskom konstrukcijom.

Teško je zamisliti veću antitezu Degasovoj umjetnosti od slikarstva Auguste Renoir jedan od najsunčanijih i najživotvornijih umjetnika u Francuskoj, kojeg je A. Lunacharsky nazvao "slikarom sreće". Najviša Renoirova postignuća povezana su s imidžom žena i djece. Njegov omiljeni tip su žene zaobljenih oblika, napuhanih usana, prćastih nosova i šarmantno nepromišljenih očiju. Slika ih gole i odjevene, na otvorenom po kiši, na ljuljački u vrtu, dok plivaju ili za doručkom s preplanulim lađarima. Njegove manekenke su djevojke iz naroda i siromašne buržujke, zdrave i svježe, koje ne poznaju korzet i koje se ne srame svoje golotinje.