U XVII stoljeću. Nizozemska je postala uzorna kapitalistička zemlja. Vodila je opsežnu kolonijalnu trgovinu, imala je moćnu mornaricu, a brodogradnja je bila jedna od vodećih industrija. Čak su i engleski brodovlasnici često davali narudžbe nizozemskim brodogradilištima. Vrijedni poljoprivrednici, Nizozemci, na relativno malim površinama zemljišta, uspjeli su stvoriti takvu farmu mliječnih proizvoda da su postali poznati na europskom tržištu. Krajem 17. - početkom 18. stoljeća. ulaskom u međunarodnu trgovačku arenu Engleske i Francuske, Nizozemska gubi svoju ekonomsku i političku važnost, ali je tijekom 17. stoljeća bila vodeća gospodarska sila u Europi.

U isto vrijeme, Nizozemska je u tom razdoblju bila i najvažnije središte europske kulture. Borba za nacionalnu neovisnost i pobjeda mještana također su odredile karakter nizozemske kulture u 17. stoljeću. Protestantizam (kalvinizam kao njegov najteži oblik), koji je potpuno istisnuo utjecaj Katoličke crkve, doveo je do toga da svećenstvo u Nizozemskoj nije imalo takav utjecaj na umjetnost kao u Flandriji, a još više u Španjolskoj ili Italiji. Sveučilište Leiden bilo je središte slobodne misli. Duhovno ozračje pogodovalo je razvoju filozofije, prirodnih znanosti i matematike. Odsutnost bogatog patricija i katoličkog svećenstva imala je ogromne posljedice na razvoj nizozemske umjetnosti. Nizozemski umjetnici imali su još jednog kupca: mještane, nizozemskog magistrata, koji nisu ukrašavali palače i vile, već skromne stanove ili javne zgrade - stoga slike u Nizozemskoj ovog doba nemaju iste dimenzije kao platna Rubensa ili Jordaensa, i uglavnom se rješavaju štafelajnim, a ne monumentalnim i ukrasnim zadacima. U Nizozemskoj crkva nije igrala ulogu kupca umjetničkih djela: hramovi nisu bili ukrašeni oltarnim slikama, jer je kalvinizam odbacio svaki tračak luksuza; Protestantske crkve bile su jednostavne arhitekture i iznutra nisu bile ukrašene nikako.

Glavno postignuće nizozemske umjetnosti u 18. stoljeću bilo je štafelajno slikarstvo. Nizozemski umjetnici bili su objekt promatranja i prikaza čovjeka i prirode. Marljivost, marljivost, ljubav prema redu i čistoći ogledaju se na slikama koje prikazuju nizozemski način života. Slikarstvo za kućanstvo postaje jedan od vodećih žanrova, čiji su tvorci u povijesti dobili naziv "Mali Nizozemci", bilo zbog nepretencioznosti tema, bilo zbog male veličine slika, a možda i zbog oboje. Nizozemci su htjeli vidjeti cijeli raznoliki svijet na svojim slikama. Otuda široki raspon slikarstva ovog stoljeća, "uska specijalizacija" za određene vrste tema: portret i pejzaž, mrtva priroda i animalistički žanr. Unutar žanra postojala je čak i specijalizacija: večernji i noćni pejzaži (Art van der Neer), "noćne vatre" (Eckbert van der Poole), zimski krajolici (Aver Camp), brodovi na cesti (J. Porcellis), obični krajolici (F. Konink); mrtve prirode - "doručci" (P. Claes i V. Heda) ili slike cvijeća i voća (B. van der Ast, J. van Heissum), crkveni interijeri (A. de Lorme) itd. Slika na Evanđelju i Biblijski su predmeti također predstavljeni, ali ne u istoj mjeri kao u drugim zemljama, kao i antička mitologija. Nizozemska nikada nije imala nikakve veze s Italijom, a klasična umjetnost nije igrala istu ulogu kao u Flandriji. Ovladavanje realističkim tendencijama, dodavanje određenog raspona tema, razlikovanje žanrova kao jedinstvenog procesa, dovršeno je do 20 -ih godina 17. stoljeća. No, u kojem god žanru nizozemski majstori radili, svugdje u običnom nalaze pjesničku ljepotu, sposobni su produhoviti i uzdići svijet materijalnih stvari.

Povijest nizozemskog slikarstva 17. stoljeća. savršeno demonstrira evoluciju rada jednog od najvećih portretista u Nizozemskoj, Fransa Halsa (oko 1580.-1666.). U 10 -im i 30 -im godinama Huls je intenzivno radio u žanru grupnog portreta. To je uglavnom prikaz cehovskih cehova - korporacijskih časničkih korporacija za obranu i čuvanje gradova. Građani su htjeli biti ovjekovječeni na platnu, plaćali su određenu naknadu za pravo na prikazivanje, a umjetnik se morao sjetiti jednake pažnje prema svakom modelu. No, nije nas sličnost portreta ono što nas plijeni u ovim Hulovim djelima. Izražavaju ideale mlade republike, osjećaj slobode, jednakosti i drugarstva. S platna ovih godina gledaju veseli, energični, poduzetni ljudi, uvjereni u svoje snage i u budućnost ("Streljački savez sv. Adrijana", 1627. i 1633; "Ceh strijelaca svetog Jurja", 1627.) ). Khale ih obično prikazuje na prijateljskoj gozbi, na veseloj gozbi. Velika veličina kompozicije, vodoravno izdužen, široko samouvjereno pisanje, intenzivne, zasićene boje (žuta, crvena, plava itd.) Stvaraju monumentalni karakter slike. Umjetnik djeluje kao historiograf čitavog jednog doba.

Istraživači ponekad nazivaju pojedine portrete Halsovog žanra zbog posebne specifičnosti slike, određene metode karakterizacije. Postoji nešto nestabilno u stavu Heitheisena koji se njiše na stolcu, čini se da će se izraz njegova lica uskoro promijeniti. Portret pijane starice, "harlemske vještice", čuvarice konobe Malle Babbe (početak 1930 -ih), sa sovom na ramenu i pivskom šalicom u ruci, ima obilježja žanrovske slike. Hulsov skiciran način, njegovo odvažno pisanje, kada potezom kista oblikuje i oblik i volumen i prenosi boju; mrlja koja je ili podebljana, pastozna, gusto prekriva platno, ponekad dopušta trag tonu tla, naglašavanje jednog detalja i potcjenjivanje drugog, unutarnju dinamiku, sposobnost definiranja cjeline po jedan nagovještaj - to su tipična obilježja Hulsova rukopisa.

F. Hals. Streljački ceh sv. George. Fragment. Haarlem, Hals muzej

F Hals Portret Willema van Heitheisena. Bruxelles, Muzej likovnih umjetnosti

G. Terborch. Koncert. Berlinski muzej

U portretima Khalse kasnoga razdoblja (50-60-ih) nestaje bezbrižno junaštvo, energija, pritisak u likovima prikazanih osoba. Na portretu čovjeka u Ermitažu, za svu impozantnu figuru, čak i izvjesnu aroganciju, može se pratiti umor i tuga. Ove značajke dodatno su pojačane u sjajno naslikanom portretu čovjeka u šeširu sa širokim obodom iz muzeja u Kasselu (1960-ih). Khale ovih godina prestaje biti popularan, jer nikada ne laska i ispostavlja se stranim degeneriranim ukusima bogatih kupaca koji su izgubili demokratski duh. No, u kasnom razdoblju stvaralaštva Hale je dosegao vrhunac vještine i stvorio najdublja djela. Boja njegovih slika postaje gotovo jednobojna. Obično je to tamna, crna odjeća, s bijelim ovratnikom i manšetama i tamnom maslinastom bojom pozadine. Lakonična slikovna paleta izgrađena je, međutim, na najboljim gradacijama.

Dvije godine prije svoje smrti, 1664., Hale se ponovno vraća grupnom portretu. Slika dva portreta - regenta i regenta azila za starije osobe, u jednom od njih je i sam pronašao utočište na kraju svog života. Na portretu namještenika nema drugarstva prethodnih kompozicija, modeli su razdvojeni, nemoćni, zamućenog su pogleda, na licu im je ispisana pustoš. Ružičasto-crvena mrlja tkanine na koljenu jednog od namjesnika unosi posebnu napetost u sumornu boju (crnu, sivu i bijelu). Dakle, u devetom desetljeću bolestan, usamljen i osiromašen umjetnik stvara svoja najdramatičnija i najizvrsnija umjetnička djela.

V. Kheda. Doručak s pitom od kupina. Galerija Dresden

Umjetnost Khalse bila je od velikog značaja za svoje vrijeme, utjecala je na razvoj ne samo portreta, već i žanra žanra, pejzaža, mrtve prirode.

Posebno je zanimljiv pejzažni žanr Nizozemske iz 17. stoljeća. Ovo nije priroda općenito, neka vrsta opće slike svemira, već nacionalni, naime nizozemski krajolik, koji također prepoznajemo u modernoj Nizozemskoj: poznate vjetrenjače, pustinjske dine, kanali s čamcima koji ljeti klize uz njih klizači zimi. Zrak je zasićen vlagom. Sivo nebo zauzima veliko mjesto u kompozicijama. Ovako Holandiju prikazuju Jan van Goyen (1596-1656) i Salomon van Ruisdael (1600 / 1603-1670).

Cvjetanje pejzažnog slikarstva u nizozemskoj školi datira od sredine 17. stoljeća. Najveći majstor realističkog krajolika bio je Jacob van Ruisdael (1628 / 29-1682), umjetnik neiscrpne mašte. Njegova djela obično su puna duboke drame, bilo da prikazuje grmove ("Šumska močvara"), pejzaže sa slapovima ("Vodopad") ili romantični krajolik s grobljem ("Židovsko groblje"). Ruisdaelova priroda pojavljuje se u dinamici, u vječnoj obnovi. Čak i najjednostavniji motivi prirode dobivaju monumentalni karakter pod umjetnikovom četkom. Za Ruisdaela je tipično da kombinira pažljivo pisanje s velikim vitalnim integritetom, sa sintetikom slike.

P. de Hach. Dvorište. London, Nacionalna galerija

Jedino se morskim krajolikom (marinom) bavio Jan Porcellis (oko 1584-1632). Uz realističan, čisto nizozemski krajolik, tada je postojao još jedan smjer: krajolici talijanskog karaktera, animirani mitološkim likovima, figurice ljudi i životinja.

Animalistički žanr usko je povezan s nizozemskim krajolikom. Omiljeni motiv Alberta Capea su krave na pojilištu ("Zalazak sunca na rijeci", "Krave na obali potoka"). Osim općih planova, Paul Potter voli prikazivati ​​jednu ili više životinja izbliza na pozadini pejzaža ("Pas na lancu").

Mrtva priroda postiže briljantan razvoj. Nizozemska mrtva priroda, za razliku od flamanske, slike su intimne prirode, skromne veličine i motiva. Peter Claesz (oko 1597-1661), Bill Heda (1594-1680 / 82) najčešće je prikazivao takozvane doručke: jela sa šunkom ili pitu na relativno skromno posluženom stolu. U vještome aranžmanu predmeti su prikazani na takav način da se osjeća kao da je unutarnji život stvari (nije uzalud Nizozemci mrtvu prirodu nazvali “stilliven” - “miran život”, a ne “nature morte” - "mrtva priroda." Istina, kako je ispravno primijetio IV Linnik, "Tihi život" je kasniji pjesnički prijevod. Na jeziku 17. stoljeća to je značilo "fiksni model", što je više u skladu s praktičnim smislom i poslovnim pristupom Nizozemaca u to vrijeme). Boja je suzdržana i profinjena (Kheda. "Doručak s jastogom", 1648; Klas. "Mrtva priroda sa svijećom", 1627).

Vermeer Delft. Djevojačka glava. Fragment. Haag, Mauritshuis

Promjenom života nizozemskog društva u drugoj polovici 17. stoljeća, s postupnim povećanjem želje buržoazije za aristokratizacijom i gubitkom njezine bivše demokracije, promijenila se i priroda mrtvih priroda. Khedine "doručke" zamjenjuju Kalfovi raskošni "deserti". Jednostavno posuđe zamjenjuju mramorni stolovi, stolnjaci od tepiha, srebrne čaše, posude izrađene od sedefastih školjki i kristalne čaše. Tele postiže nevjerojatnu virtuoznost u prenošenju teksture breskvi, grožđa, kristalnih površina. Ujednačeni ton mrtve prirode prethodnog razdoblja zamjenjuje bogata gradacija najfinijih šarenih nijansi.

Nizozemska mrtva priroda jedna je od umjetničkih implementacija najvažnije teme nizozemske umjetnosti - teme privatnog života obične osobe. Ova je tema potpuno utjelovljena u žanrovskoj slici. U 20-30-im godinama XVII stoljeća. Nizozemci su stvorili posebnu vrstu slika male slike. 40-60 -te - procvat slikarstva, veličanje mirnog građanskog života u Nizozemskoj, odmjereno svakodnevno postojanje. No, čak i u krugu Fransa Halsa, gdje se također oblikovao Adrian Brouwer, flamanski slikar, došlo je do izrazitog interesa za teme iz seljačkog života. Adrian van Ostade (1610.-1685.) Isprva prikazuje sjenovite strane života seljaštva ("Borba"). Od 40 -ih godina u njegovom djelu satirične bilješke sve se više zamjenjuju humorističnim ("U seoskoj krčmi", 1660). Ponekad su ove male slike obojene velikim lirskim osjećajem. S pravom, Ostadeovo remek -djelo slikarstva smatra se njegovim "Slikarom u ateljeu" (1663.), u kojem umjetnik veliča stvaralaštvo, ne pribjegavajući ni deklaraciji ni patosu.

No, glavna tema "malih Nizozemaca" još uvijek nije seljački, već građanski način života. Obično su to slike bez fascinantne priče. Na slikama ovog žanra čini se da se ništa ne događa. Žena čita pismo, gospodin i gospođa sviraju. Ili su se tek upoznali i među njima se rađa prvi osjećaj, ali to je samo ocrtano, gledatelju se daje pravo da nagađa.

Najzabavniji pripovjedač u ovoj vrsti slika bio je Jan Stan (1626-1679) (Revelers, The Game of Trick Truck). Spori ritam života, prilagodbu dnevne rutine, određenu monotoniju postojanja savršeno prenosi Gabriel Metsu (1629-1667, "Doručak", "Pacijent i liječnik"),

Gerard Terborch (1617-1681) u tome je postigao još veću vještinu. Počeo je s najdemokratskijim temama ("The Grinder"), no kako se ukus nizozemskih mještana mijenjao, prešao je na aristokratske modele i ovdje postigao veliki uspjeh.

Interijer dobiva posebnu poeziju među "malim Nizozemcima". Većina nizozemskog života provela je u kući, a Peter de Hooch (1629-1689) postao je pravi pjevač ove teme. Njegove sobe s poluotvorenim prozorom, s nenamjerno bačenim cipelama ili ostavljenom metlom često se prikazuju bez ljudskog lika, ali osoba je ovdje nevidljivo prisutna, uvijek postoji veza između unutrašnjosti i ljudi. Kad prikazuje ljude, namjerno naglašava određeni zamrznuti ritam, prikazuje život, takoreći, smrznut, nepomičan poput samih stvari ("Gospodarica i sluga", "Dvorište").

Rembrandt. Anatomija dr. Tulp. Haag, Mauritshuis

Nova faza u žanrovskom slikarstvu počinje 50-ih godina i povezana je s takozvanom Delft školom, s imenima takvih umjetnika kao što su Karel Fabricius, Emmanuel de Witte i Jan Wermer, u povijesti umjetnosti poznati kao Wermeer Delft (1632-1675) . Vermeer je bio jedan od onih umjetnika koji su unaprijed odredili mnoge kolorističke potrage 19. stoljeća, utrti put impresionistima na mnogo načina, iako se čini da Vermeerove slike nisu nimalo originalne. To su iste slike života zamrznutog građanina: čitajući pismo, gospodin i dama razgovaraju, sluge se bave jednostavnim kućanstvima, pogled na Amsterdam ili Delft. Vermeerova rana slika "Kod svodnika" (1656) neobično je (za "male Nizozemce") velike veličine, monumentalnog oblika, zvučne u boji velikih lokalnih mrlja: crvena haljina gospodina, žuta haljina i bijeli šal djevojke.

Kasnije će Vermeer napustiti velike veličine i naslikati ista mala platna koja su prihvaćena u žanrovskom slikarstvu tog doba. Ali ove slike, jednostavne na djelu: "Djevojka koja čita pismo", "Kavalir i gospođa na spinetu", "Časnik i djevojka koja se smije", itd., Pune su duhovne jasnoće, tišine i mira. Glavne prednosti Vermeera kao umjetnika su u prijenosu svjetlosti i zraka. On kombinira široku četku s finim potezom za koordinaciju svjetla i boje. Otapanje objekata u svjetlosnom zračnom okruženju, sposobnost stvaranja te iluzije, prije svega je odredilo priznanje i slavu Vermeera upravo u 19. stoljeću. Kasnije je Vermerovo pismo postalo stopljeno, glatko, izgrađeno na nježnim kombinacijama plave, žute, plave, ujedinjeno nevjerojatnim biserima, čak i biserno sivim ("Djevojačka glava").

Wermeer je učinio ono što nitko drugi nije učinio u 17. stoljeću: slikao je pejzaže iz prirode ("Mala ulica", "Pogled na Delft"). Mogu se nazvati prvim primjerima slikanja na pleneru. Zrela, klasična u svojoj jednostavnosti umjetnost Vermeera bila je od velike važnosti za buduća razdoblja.

Vrhunac nizozemskog realizma, rezultat slikovnih postignuća nizozemske kulture 17. stoljeća, djelo je Rembrandta. No, značaj Rembrandta, kao i svakog genijalnog umjetnika, nadilazi granice samo nizozemske umjetnosti i nizozemske škole.

Harmenszoon van Rijn Rembrandt (1606.-1669.) Rođen je u Leidenu, u obitelji prilično bogatog vlasnika mlina, a nakon latinske škole kratko je vrijeme studirao na sveučilištu Leiden, ali ga je ostavio da studira slikarstvo s malo poznatim lokalni majstor, a zatim s amsterdamskim umjetnikom Peterom Lastmanom ...

Razdoblje obuke bilo je kratko i uskoro je Rembrandt otišao u rodni grad kako bi samostalno učio slikanje u svojoj radionici. Stoga se godine 1625.-1632. Obično nazivaju Leiden-ovim razdobljem njegova rada. To je bilo vrijeme stvaranja umjetnika, njegova najveća strast prema Caravaggiu, majstorski je način u tom razdoblju još uvijek bio suh, a tumačenje tema često je bilo melodramatično. To je razdoblje kada se prvi put okreće bakropisu.

Godine 1632. Rembrandt odlazi u Amsterdam, središte nizozemske umjetničke kulture, što je prirodno privuklo mladog umjetnika. Tridesete godine - vrijeme najveće slave, put do kojeg je slikaru otvorila velika naručena slika 1632. godine - grupni portret, poznat i kao "Anatomija dr. Tulpa", ili "Lekcija iz anatomije". Na Rembrandtovom platnu ljudi su međusobno sjedinjeni djelovanjem, svi su predstavljeni u prirodnim pozama, njihovu pažnju privlači glavni lik, doktor Tulp, koji demonstrira mišićnu strukturu "raskomadanog" leša. Kao pravi Nizozemac, Rembrandt se ne boji realnih detalja, kao veliki umjetnik, zna izbjeći naturalizam. 1634. Rembrandt se ženi djevojkom iz bogate obitelji - Saskijom van Eilenborch - i od tada pada u patricijske krugove. Počinje najsretnije razdoblje u njegovu životu. Postaje poznat i moderan umjetnik. Njegova kuća privlači najbolje predstavnike aristokracije duha i bogate kupce, ima veliku radionicu u kojoj uspješno rade njegovi brojni učenici. Saskijino veliko naslijeđe i njegovo vlastito djelo daju materijalnu slobodu.

Cijelo ovo razdoblje prekriveno je romantikom. Slikar se, takoreći, posebno trudi u svom poslu pobjeći od dosadne građanske svakodnevice i piše sebe i Saskiju u raskošnoj odjeći, u fantastičnoj odjeći i pokrivačima za glavu, stvarajući spektakularne skladbe, izražavajući u složenim zavojima, pozama, pokretima različita stanja u kojem prevladava općenito - biće radosti. Ovo raspoloženje izraženo je na jednom autoportretu zbirke Louvre 1634. godine i na portretu Saskije iz muzeja u Kasselu (iste godine), kao i na isposničkoj slici Saskije kao Flore. No, možda najsvjetliju Rembrandtovu percepciju svijeta ovih godina prenosi poznati "Autoportret sa Saskijom na koljenima" (oko 1636.). Cijelo platno prožeto je iskrenom radošću života, veseljem. Ti osjećaji prenose se nevinim izrazom sjajnog lica samog umjetnika, koji je izgleda postigao sve zemaljske blagoslove; sva pratnja, od bogate odjeće do svečano podignutog kristalnog stakla u ruci; ritam plastike, bogatstvo nijansi boja, odsječeno modeliranje, koje će postati glavno izražajno sredstvo u Rembrandtovom slikarstvu. Očaravajući, bajkoviti svijet ... Barokni jezik najbliži je izrazu raspoloženja. Na Rembrandta je u tom razdoblju uvelike utjecao talijanski barok.

Likovi slike "Žrtva Abrahamova" iz 1635. pojavljuju se u složenim kutovima. Iz Izakovog tijela, ispruženog u prvom planu i izražavajući potpunu nemoć žrtve, gledateljev pogled skreće u dubinu - do lika starješine Abrahama i Božjeg poslanika, anđela, koji je izletio iz oblaka. Kompozicija je iznimno dinamična, građena po svim pravilima baroka. No, na slici postoji nešto po čemu se razlikuje upravo po Rembrandtovom karakteru kreativnosti: iskreno praćenje stanja uma Abrahama, koji nije imao vremena, kad se anđeo iznenada pojavio, osjetiti bilo radost oslobađanja od strašna žrtva ili zahvalnost, ali koji je još uvijek doživljavao samo umor i zbunjenost. Najbogatije mogućnosti Rembrandta kao psihologa jasno se očituju na ovoj slici.

Istih 30 -ih, Rembrandt se po prvi put ozbiljno počeo baviti grafikom, prvenstveno bakropisom. Ostavština Rembrandta kao grafičara, koji je ostavio i gravure i jedinstvene crteže, nije ništa manje značajna od slikovne. Rembrandtove bakropise uglavnom su biblijske i evanđeoske teme, ali se u crtežu, kao pravi nizozemski umjetnik, često poziva i na žanr. Istina, Rembrandtov talent je takav da svako žanrovsko djelo počinje zvučati pod njegovom rukom kao filozofska generalizacija.

Na prijelazu u rano razdoblje umjetnikovog rada i njegove stvaralačke zrelosti, jedna od njegovih najpoznatijih slika pojavljuje se pred nama, poznata kao "Noćna straža" (1642) - grupni portret puškarske satnije kapetana Banninga Cocka.

No, grupni portret samo je formalni naslov djela koji proizlazi iz želja kupca. Rembrandt se odmaknuo od uobičajene kompozicije grupnog portreta-slike gozbe, tijekom koje dolazi do "prezentacije" svakog od portretiranih. Proširio je opseg žanra, prezentirajući prilično povijesnu sliku: na signal alarma, odred Banning Cocka kreće u kampanju. Neki su mirni, samouvjereni, drugi uzbuđeni u iščekivanju onoga što dolazi, ali na svemu leži izraz zajedničke energije, domoljubnog entuzijazma i trijumfa građanskog duha.

Slika ljudi koji izlaze ispod nekakvog luka na jarku sunčevu svjetlost puna je odjeka herojskog doba nizozemske revolucije, vremena trijumfa republikanske Nizozemske. Grupni portret pod Rembrandtovom četkom prerastao je u herojsku sliku doba i društva.

No, upravo je to raspoloženje bilo strano mješovitoj Nizozemskoj iz srednjeg stoljeća, nije zadovoljavalo ukuse kupaca, a tehnike slikanja bile su u suprotnosti s općeprihvaćenim. Spektakularna, nesumnjivo pomalo kazališna, vrlo besplatna skladba, kao što je već spomenuto, nije imala za cilj predstavljati svakog od kupaca. Mnoga su lica jednostavno loše "čitljiva" u ovom oštrom chiaroscuru, u ovim kontrastima gustih sjena i jarke sunčeve svjetlosti, u koje odred ulazi (u 19. stoljeću slika je već toliko potamnila da se smatrala prikazom noći prizor, otuda i njegov pogrešan naziv. ležeći s lika kapetana na lakoj odjeći poručnika, dokazuje da ovo nije noć, već dan).

Gledatelju se činilo neshvatljivim i smiješnim da se u ovoj sceni pojavljuju stranci, osobito djevojčica u zlatnožutoj haljini, koja se gomilala u gomilu ratobornih muškaraca. Ovdje je sve izazvalo zbunjenost i iritaciju javnosti, a možemo reći da sukob između umjetnika i društva počinje i produbljuje se od ove slike. Smrću Saskije iste 1642. godine, Rembrandt se prirodno raskida s patricijskim krugovima koji su mu stranci.

40-50-e je doba kreativne zrelosti. Nije se promijenio samo Rembrandtov vanjski život, već se i on sam promijenio. Ovo je vrijeme formiranja njegova stvaralačkog sustava iz kojeg će mnogo toga otići u prošlost i u kojemu će se steći druge, neprocjenjive kvalitete. U tom se razdoblju često okreće prethodnim djelima kako bi ih preradio na nov način. Tako je bilo, na primjer, s "Danae", koju je napisao još 1636. Čak je i tada u ovoj slici bila izražena glavna stvar: senzualni princip, poganski, u određenoj mjeri "Tizijan", bio je samo njezin dio zajedničko u izražavanju složenih emocionalnih iskustava, jedan emocionalni impuls. Klasičan, lijep, ali i apstraktan u svojoj ljepoti ideal zamijenjen je izrazom životne istine, svijetle individualnosti fizičkog make-upa. Ovo ružno tijelo učinjeno je izuzetno realnim. No Rembrandt nije bio zadovoljan vanjskom istinom. Okrenuvši se slici 40 -ih, umjetnik je ojačao emocionalno stanje. Prepisao je središnji dio s heroinom i sluškinjom. Pružajući Danae novu gestu podignute ruke, obavijestio ju je o velikim emocijama, izrazu radosti, nade, privlačnosti. Promijenio se i način pisanja. U netaknutim dijelovima slike hladnim tonovima pažljivo je razrađena forma; prepisanim dominira toplo, zlatno smeđe, podebljano, slobodno pisanje. Svjetlo igra ogromnu ulogu: čini se da svjetlosni tok obavija lik Danae, sva ona sjaji od ljubavi i sreće, ovo svjetlo se percipira kao izraz ljudskih osjećaja.

U 40 -im i 50 -im godinama Rembrandtova je vještina stalno rasla. On za tumačenje bira najliričnije, poetske aspekte ljudskog postojanja, onaj ljudski, koji je vječan, svečovječan: majčinska ljubav, suosjećanje. Najveći materijal daje mu Sveto pismo, a iz njega, prizori iz života svete obitelji, zapleti iz života Tobije. U djelima ovog razdoblja nema vanjskih učinaka. Rembrandt prikazuje jednostavan život, obične ljude, kao na slici Sveta obitelj: samo anđeli koji silaze u sumrak siromašne nastambe podsjećaju nas da to nije obična obitelj. Gesta majčine ruke, zabacivanje krošnje da pogleda usnulo dijete, koncentracija u liku Josipa - sve je duboko promišljeno. Jednostavnost života i izgled ljudi ne temelje tu temu. Rembrandt zna vidjeti u svakodnevnom životu ne plitko i obično, već duboko i trajno. Mirna tišina radnog života, svetost majčinstva proizlazi iz ovog platna. Chiaroscuro igra ogromnu ulogu u Rembrandtovim slikama - temelj njegove umjetničke strukture. Shemom boja dominiraju tonski odnosi, u koje Rembrandt voli unositi jake mrlje čiste boje. U Svetoj obitelji takvo ujedinjujuće mjesto je crveni pokrivač na kolijevci.

Pejzaž, slikovit i grafički (bakropis i crtež), zauzima važno mjesto u Rembrandtovom djelu. Prikazujući stvarne dijelove zemlje, on se može, baš kao i na tematskoj slici, izdići iznad običnog ("Pejzaž s mlinom").

Posljednjih 16 godina najtragičnije su godine Rembrandtova života; švorc je, nema zapovijedi, nema vlastiti dom, izgubio je sve svoje najmilije, voljene, pa čak i njegovi učenici ga izdaju. No, ove su godine pune nevjerojatno snažne kreativne aktivnosti, zbog čega nastaju slikovite slike, izuzetne karakterne monumentalnosti i duhovnosti, duboko filozofska i visoko etička djela. Na ovim Rembrandtovim slikama sve je očišćeno od prolaznog, slučajnog. Pojedinosti su svedene na minimum, geste, položaji, nagibi glave pažljivo su osmišljeni i shvaćeni. Figure su povećane, blizu prednje ravnine platna. Čak i Rembrandtova djela malih dimenzija ovih godina stvaraju dojam izuzetne veličine i istinske monumentalnosti. Glavno izražajno sredstvo nisu linije i mase, već svjetlost i boja. Kompozicija se u velikoj mjeri temelji na ravnoteži zvukova u boji. U shemi boja dominiraju nijanse crvene i smeđe koje izgaraju iznutra.

Boja dobiva zvučnost i intenzitet. Za pokojnog Rembrandta bilo bi točnije reći da je njegova boja "blistava", jer su na njegovim platnima svjetlo i boja jedno, čini se da njegove boje emitiraju svjetlost. Ova složena interakcija boje i svjetla nije sama sebi svrha, ona stvara određeno emocionalno okruženje i psihološke karakteristike slike.

Portreti pokojnog Rembrandta uvelike se razlikuju od portreta 30 -ih, pa čak i 40 -ih godina. Ove iznimno jednostavne (poluduge ili generacijske) slike ljudi bliskih umjetniku po svojoj unutarnjoj strukturi uvijek su figurativni izraz višestruke ljudske osobnosti, udarajući u majstorovu sposobnost prenošenja nestabilnih, nedostižnih duhovnih pokreta.

Rembrandt je znao stvoriti portret-biografiju; ističući samo lice i ruke, izrazio je cijelu životnu priču ("Portret starca u crvenom", oko 1654.). No najveću suptilnost karakteristika koje je Rembrandt postigao u autoportretima, od kojih je do nas došlo stotinjak, i na kojima se savršeno prati beskonačna raznolikost psiholoških aspekata, raznolikost Rembrandtovih karakteristika. Nakon svečanih portreta 30 -ih, pred nama se pojavljuje drugačije tumačenje slike; pun visokog dostojanstva i izvanredne jednostavnosti, čovjek u najboljim godinama na portretu iz bečke zbirke 1652. godine; te će crte s vremenom postati dominantne, kao i izraz hrabrosti i stvaralačke moći (portret 1660.).

Završna u povijesti grupnog portreta bila je Rembrandtova slika starješina suknarske radionice - takozvani "Sindiksi" (1662.), gdje je Rembrandt oskudnim sredstvima stvarao žive i istodobno različite ljudske tipove, ali najvažnije , uspio je prenijeti osjećaj duhovnog sjedinjenja, međusobnog razumijevanja i međusobne povezanosti ljudi koji su ujedinili jedno i jedan zadatak koji čak ni Hals nije uspio.

U godinama zrelosti (uglavnom 50 -ih), Rembrandt je stvorio svoje najbolje bakropise. Kao bakropis, ne poznaje sebi ravne u svjetskoj umjetnosti. Njegova tehnika graviranja postaje neobično komplicirana i obogaćena. Graviranju dodaje tehniku ​​"suhe igle", nanosi tintu na različite načine pri ispisu, ponekad unosi promjene na ploču nakon prvih otisaka, zbog čega su mnoge bakropise poznate u nekoliko država. No u svima njima slike imaju duboko filozofsko značenje; govore o misterijima bića, o tragediji ljudskog života. I još jedna značajka Rembrandtovih bakropisa ovog razdoblja: oni izražavaju suosjećanje s patnjom, u nepovoljnom položaju, umjetnikov neiskorjenjiv osjećaj za pravdu i dobrotu.

Rembrandtova grafika u potpunosti je otkrila demokratičnost njegova stava ("Slijepa tobita", "Silazak s križa", "Zagrobna grobnica", "Klanjanje pastira", "Tri križa", 1653. i 1660.).

Mnogo crta. Rembrandt je iza sebe ostavio 2000 crteža. To su skice iz prirode, skice za slike i priprema za bakropis. Tehnički briljantni, besprijekorni Rembrandtovi crteži pokazuju njegovu uobičajenu evoluciju: od detaljne razrade i kompozicijske složenosti do upečatljivog lakonizma i klasično jasne veličanstvene jednostavnosti.

Epilogom Rembrandtova djela može se smatrati njegova poznata slika Rasipni sin (oko 1668.-1669.), U kojoj su se umjetnikova etička visina i slikovna vještina najpotpunije očitovali. Radnja biblijske usporedbe o raskalašnom sinu, nakon mnogih lutanja, vratila se u očevu kuću, privukla je Rembrandta i ranije, o čemu svjedoči jedna od njegovih ranih bakropisa i nekoliko crteža. U ovoj skupini - u liku otrcanog mladića koji je pao na koljena i položio ruke na obrijanu glavu starca - krajnja napetost osjećaja, emocionalni šok, sreća povratka i dobiti, roditeljska ljubav bez dna, ali i gorčina razočaranja, gubitka, poniženja, srama i grižnje savjesti. Ova nečovječnost čini scenu razumljivom različitim ljudima svih vremena i daje joj besmrtnost. Jedinstvo boja ovdje je posebno upadljivo. Iz narančastocrvenih tonova pozadine, sve je to jedan slikoviti tok, percipiran kao izraz jednog osjećaja.

Rembrandt je imao veliki utjecaj na umjetnost. Nije bilo slikara svog vremena u Nizozemskoj koji nije iskusio utjecaj velikog umjetnika. Imao je mnogo učenika. Svladali su sustav Rembrandtova chiaroscura, ali prirodno nisu mogli asimilirati Rembrandtovo shvaćanje ljudske osobe. Stoga neki od njih nisu otišli dalje od vanjskog oponašanja učitelja, a većina ga je izdala, prešavši na poziciju akademizma i oponašanja tada mondenih Flamanaca, a zatim Francuza.

U posljednjoj četvrtini 17. stoljeća. počinje propadanje nizozemske slikarske škole, gubitak njezina nacionalnog identiteta, a od početka 18. stoljeća počinje kraj velike ere nizozemskog realizma.

Holland. 17. stoljeće. Zemlja doživljava vrhunac bez presedana. Takozvano "zlatno doba". Krajem 16. stoljeća nekoliko provincija u zemlji steklo je neovisnost od Španjolske.

Sada je Prostane Nizozemska otišla svojim putem. I katolička Flandrija (današnja Belgija), pod okriljem Španjolske, je njezina.

U neovisnoj Nizozemskoj gotovo nitko nije trebao vjersko slikarstvo. Protestantska crkva nije odobravala luksuz ukrašavanja. No ta je okolnost "igrala na ruku" svjetovnom slikarstvu.

Doslovno se svaki stanovnik nove zemlje probudio zavoljevši ovu umjetničku formu. Nizozemci su na slikama htjeli vidjeti vlastiti život. Umjetnici su im rado otišli u susret.

Nikada prije nisu toliko prikazivali okolnu stvarnost. Obični ljudi, obične sobe i doručak najobičnijeg gradskog stanovnika.

Realizam je cvjetao. Sve do 20. stoljeća bit će dostojan konkurent akademizmu sa svojim nimfama i grčkim božicama.

Ove umjetnike nazivaju "malim" Nizozemcima. Zašto? Slike su bile male veličine, jer su stvorene za male kuće. Dakle, gotovo sve slike Jana Vermeera nisu visoke više od pola metra.

Ali druga verzija mi se više sviđa. U Nizozemskoj u 17. stoljeću živio je i radio veliki majstor, "veliki" Nizozemac. A svi ostali bili su "mali" u usporedbi s njim.

Govorimo, naravno, o Rembrandtu. Počnimo s njim.

1. Rembrandt (1606.-1669.)

Rembrandt. Autoportret u 63. godini. 1669 Nacionalna galerija u Londonu

Rembrandt je tijekom života doživio širok raspon emocija. Zato u njegovim ranim djelima ima toliko zabave i hrabrosti. A u kasnijim ima toliko teških osjećaja.

Ovdje je mlad i bezbrižan na slici "Rasipni sin u krčmi". Saskijina voljena žena kleči. On je popularan umjetnik. Narudžbe teku poput rijeke.

Rembrandt. Rasipni sin u konobi. 1635 Galerija starih majstora, Dresden

No sve će to nestati za nekih 10 godina. Saskia će umrijeti od konzumacije. Popularnost će se rastopiti poput dima. Velika kuća s jedinstvenom zbirkom bit će oduzeta zbog dugova.

Ali pojavit će se isti Rembrandt koji će ostati stoljećima. Goli osjećaji heroja. Njihove najdublje misli.

2. Frans Hals (1583-1666)

Frans Hals. Autoportret. 1650 Metropolitan Museum of Art, New York

Frans Hals jedan je od najvećih slikara portreta svih vremena. Stoga bih ga također svrstao među "velike" Nizozemce.

U Nizozemskoj je u to vrijeme bio običaj naručivati ​​grupne portrete. Tako se pojavilo mnogo sličnih djela koja prikazuju ljude koji rade zajedno: strijelci istog ceha, liječnici istog grada, koji upravljaju staračkim domom.

U ovom se žanru najviše ističe Hals. Uostalom, većina ovih portreta izgledala je kao špil karata. Ljudi s istim izrazom lica sjede za stolom i samo gledaju. S Halsom je bilo drugačije.

Pogledajte njegov grupni portret sv. George ”.

Frans Hals. Strelice ceha sv. George. 1627 Muzej Frans Hals, Haarlem, Nizozemska

Ovdje nećete pronaći niti jedno ponavljanje u držanju ili izrazu lica. Istodobno, ni ovdje nema kaosa. Mnogo je likova, ali nitko se ne čini suvišnim. Zahvaljujući nevjerojatno ispravnom postavljanju figura.

Na jednom portretu Hals je bio superiorniji od mnogih umjetnika. Njegovi uzorci su prirodni. Ljudi iz visokog društva na njegovim slikama lišeni su izmišljene veličine, a modeli iz nižih slojeva ne izgledaju poniženo.

A također su i njegovi likovi vrlo emotivni: smiješe se, smiju, gestikuliraju. Kao što je, na primjer, ovo "Ciganin" s lukavim pogledom.

Frans Hals. Ciganin. 1625-1630 (prikaz, ostalo)

Hals je, poput Rembrandta, završio svoj život u siromaštvu. Iz istog razloga. Njegov je realizam bio u suprotnosti s ukusom kupaca. Tko je želio uljepšati svoj izgled. Khals nije išao na otvoreno laskanje, pa je tako potpisao vlastitu presudu - "Zaborav".

3. Gerard Terborch (1617.-1681.)

Gerard Terborch. Autoportret. 1668 Kraljevska galerija Mauritshuis, Haag, Nizozemska

Terborch je bio majstor žanra. Bogati i ne baš mještani ležerno razgovaraju, dame čitaju pisma, a svodnik gleda udvaranje. Dvije ili tri blisko razmaknute figure.

Taj je majstor razvio kanone svakodnevnog žanra. Koje će potom posuditi Jan Vermeer, Peter de Hooch i mnogi drugi "mali" Nizozemci.

Gerard Terborch. Čaša limunade. 1660 -ih. Državni Ermitaž, Sankt Peterburg

Čaša limunade jedno je od poznatih Terborchovih djela. To pokazuje još jedno dostojanstvo umjetnika. Nevjerojatno realna slika tkanine haljine.

Terborch ima i neobičnih djela. Što govori o njegovoj želji da nadiđe zahtjeve kupaca.

Njegov Grinder prikazuje živote najsiromašnijih ljudi u Nizozemskoj. Navikli smo vidjeti ugodna dvorišta i čiste sobe na slikama "malih" Nizozemaca. No Terborch se usudio pokazati neuglednu Nizozemsku.

Gerard Terborch. Brusilica. 1653-1655 Državni muzeji u Berlinu

Kao što možete zamisliti, takva djela nisu bila tražena. A rijetka su pojava čak i s Terborchom.

4. Jan Vermeer (1632.-1675.)

Jan Vermeer. Umjetnička radionica. 1666-1667 (prikaz, ostalo) Kunsthistorisches Museum, Beč

Nije poznato kako je Jan Vermeer izgledao. Očito je samo da je na slici "Umjetnička radionica" prikazao sebe. Istina s leđa.

Stoga je iznenađujuće što je nedavno postala poznata nova činjenica iz majstorova života. Povezan je s njegovim remek -djelom "Delft Street".

Jan Vermeer. Delft ulica. 1657 Rijksmuseum u Amsterdamu

Ispostavilo se da je Vermeerovo djetinjstvo prošlo ovom ulicom. Prikazana kuća pripadala je njegovoj tetki. U njemu je odgajala svoje petero djece. Možda sjedi na kućnom pragu i šiva, a njezino dvoje djece igra se na pločniku. Sam Vermeer živio je u kući nasuprot.

No, češće je prikazivao unutarnje okruženje ovih kuća i njihovih stanovnika. Čini se da su radnje slika vrlo jednostavne. Evo jedne lijepe dame, bogate gradske stanovnice, koja provjerava rad svoje vage.

Jan Vermeer. Žena s utezima. 1662-1663 Nacionalna umjetnička galerija, Washington

Kako se Vermeer istaknuo među tisućama drugih "malih" Nizozemaca?

Bio je vrhunski majstor svjetlosti. Na slici "Žena s vagom" svjetlo meko obavija lice, tkanine i zidove junakinje. Dajući slici nepoznatu duhovnost.

I također su skladbe Vermeerovih slika pomno provjerene. Nećete pronaći niti jedan suvišan detalj. Dovoljno je ukloniti jednu od njih, slika se "raspada", a čarolija će nestati.

Vermeeru sve to nije bilo lako. Takva nevjerojatna kvaliteta zahtijevala je mukotrpan rad. Samo 2-3 slike godišnje. Kao rezultat toga, nemogućnost prehrane obitelji. Vermeer je također radio kao trgovac umjetninama, prodajući djela drugih umjetnika.

5. Peter de Hooch (1629-1684)

Peter de Hooch. Autoportret. 1648-1649 Rijksmuseum, Amsterdam

Hoha se često uspoređuje s Vermeerom. Radili su u isto vrijeme, čak je bilo i perioda u istom gradu. I to u jednom žanru - svakodnevnom. U Hochu također vidimo jednu ili dvije figure u ugodnim nizozemskim dvorištima ili sobama.

Otvorena vrata i prozori čine prostor njegovih slika višeslojnim i zabavnim. I figure su vrlo skladno upisane u ovaj prostor. Kao što je, na primjer, na njegovoj slici "Sluškinja s djevojkom u dvorištu".

Peter de Hooch. Sluškinja s djevojkom u dvorištu. 1658 Londonska nacionalna galerija

Do 20. stoljeća Hoh je bio visoko cijenjen. No, nekoliko djela njegova konkurenta Vermeera malo je ljudi primijetilo.

No u 20. stoljeću sve se promijenilo. Hohova slava je izblijedjela. Međutim, teško je ne prepoznati njegova postignuća u slikarstvu. Malo je ljudi koji bi tako kompetentno mogli kombinirati okoliš i ljude.

Peter de Hooch. Igrači karata u sunčanoj sobi. 1658 Royal Art Collection, London

Imajte na umu da u skromnoj kući na platnu "Igrači karata" postoji slika u skupom okviru.

Ovo još jednom pokazuje koliko je slikarstvo bilo popularno među običnim Nizozemcima. Slike su krasile svaku kuću: kuću bogatog građanina i skromnog stanovnika grada, pa čak i seljaka.

6. Jan Steen (1626.-1679.)

Jan Steen. Autoportret s lutnjom. 1670 -ih Muzej Thyssen-Bornemisza, Madrid

Jan Steen je možda najsmješniji "mali" Nizozemac. Ali voli moral. Često je prikazivao konobe ili siromašne kuće u kojima je vladao porok.

Njegovi glavni likovi su veseljaci i dame lakih vrlina. Htio je zabaviti gledatelja, ali ga latentno upozoriti na začarani život.

Jan Steen. Nered. 1663 Kunsthistorisches Museum, Beč

Sten ima i mirnijih djela. Kao, na primjer, "Jutarnji WC". No i ovdje umjetnik gledatelja iznenađuje previše iskrenim detaljima. U čarapama ima tragova elastike, a ne posude s praznom komorom. I nekako pas leži ravno na jastuku.

Jan Steen. Jutarnji toalet. 1661-1665 Rijksmuseum, Amsterdam

No, unatoč svim lakomislenostima, Stenove sheme boja vrlo su profesionalne. U tome je nadmašio mnoge "male Nizozemce". Pogledajte kako crvena čarapa pristaje uz plavu jaknu i svijetli bež tepih.

7. Jacobs van Ruisdael (1629-1682)

Ruisdaelov portret. Litografija iz knjige iz 19. stoljeća.

Nakon što je odnijela pobjedu u borbi protiv Španjolske za njezinu neovisnost, građanska Nizozemska postala je ekonomski najrazvijenija država Zapadne Europe. Glavni nizozemski grad Amsterdam identificiran je kao jedan od najvećih trgovačkih centara u Europi.

Nizozemsko slikarstvo razvija se zajedno s gospodarstvom. Za razliku od drugih zapadnoeuropskih zemalja, barokne slike palača i dvoraca nisu bile popularne u Nizozemskoj - slabost plemstva poslužila je kao prepreka razvoju dekorativne umjetnosti. Kalvinistička crkva u Nizozemskoj također nije nastojala ukrasiti svoje hramove slikama.

Ipak, slikarstvo je u Nizozemskoj cvjetalo: umjetnici su primali brojne narudžbe od privatnih osoba. Čak su i nizozemski seljaci mogli objesiti malu sliku u svom domu - ove umjetničke kreacije bile su tako jeftine.

U XVII stoljeću. u maloj Nizozemskoj radilo je više od dvije tisuće umjetnika. Stavili su proizvodnju slika na tok, proizvodili platna u cijelim serijama i predavali ih prodavačima. Gotovo svaki majstor izvodio je od dvije do pet skladbi tjedno.

Često je proizvodnja slika nadmašivala potražnju, pa su umjetnici, kako bi se prehranili, morali istodobno obavljati i druge poslove. Takvi poznati majstori kao što su J. Steen, M. Gobbema, J. van Goyen i mnogi drugi istodobno su bili zaposlenici, vrtlari i vlasnici konoba.

Obično su se slikari specijalizirali za jednu određenu temu. Na primjer, H. Averkamp naslikao je zimske poglede, E. van der Poole portrete noćnih požara, G. Terborch i G. Metsu - svakodnevne prizore, P. Claes i V. K. Kheda - mrtve prirode za doručak.

Vrlo često su umjetnici zajednički radili na jednoj slici: jedan je naslikao nebo, drugi - travu i drveće, treći - ljudske figure. Najuspješniji radovi koji su bili uspješni u javnosti kopirani su i poslužili su kao model za stvaranje bezbroj varijacija.

Iako je umjetnost talentiranih slikara bila podređena komercijalnim svrhama, majstori su obično uspjeli izbjeći laž. Većina ovih platna odlikuje se realizmom, integritetom i jasnoćom kompozicije, svježinom boja i izvrsnom tehnikom izvedbe.

Portretni žanr postao je široko rasprostranjen u nizozemskom slikarstvu. Veliku ulogu u životu zemlje imale su razne organizacije (streljačko društvo, grupe predstavnika medicinske korporacije i trgovačke radionice), koje su pridonijele nastanku grupnog javnog portreta.

Dugogodišnja borba sa španjolskim kolonijalistima izoštrila je osjećaj nacionalnog identiteta, stoga je u slikarstvu, osim realizma, posebno dobrodošlo oslikavanje karakterističnih nacionalnih obilježja. Umjetnici su slikali more i brodove, stoku, cvijeće. Osim portreta, razvili su se i žanrovi poput pejzaža i mrtve prirode. Bilo je i vjerskog slikarstva, ali u njemu nije bilo elementa mistike; predstavljene su biblijske priče
umjetnici radije poput svakodnevnih prizora.

Frans Hals

Frans Hals rođen je oko 1581. godine u Antwerpenu u obitelji tkalja. Kao tinejdžer došao je u Haarlem, gdje je gotovo bez stanke živio do svoje smrti (1616. posjetio je Antwerpen, a sredinom 1630 -ih - Amsterdam). O Halsovom životu malo se zna. 1610. ušao je u ceh svetog Luke, a 1616. u komoru retora (glumaca amatera).

Hals je brzo postao jedan od najpoznatijih slikara portreta u Haarlemu. U XV-XVI stoljeću. u slikarstvu Nizozemske postojala je tradicija slikati portrete samo predstavnika vladajućih krugova, poznatih ljudi i umjetnika. Halsova umjetnost duboko je demokratska: na njegovim portretima možemo vidjeti aristokrata, bogatog gradskog stanovnika, obrtnika, pa čak i osobu sa samog dna. Umjetnik ne pokušava idealizirati prikazano, glavna mu je stvar njihova prirodnost i originalnost. Njegovi se plemići ponašaju jednako opušteno kao i predstavnici nižih slojeva društva, koji su na Halsovim slikama prikazani kao veseli ljudi, ne lišeni samopoštovanja.

Grupni portret zauzima važno mjesto u slikarevu stvaralaštvu. Najbolja djela ovog žanra bili su portreti časnika pušačke satnije svetog Jurja (1627.) i puškarske čete svetog Adrijana (1633.). Svaki lik na slikama ima svoju živopisnu osobnost, a istodobno se ova djela odlikuju integritetom.

Khals je također naslikao portrete po mjeri na kojima su bogati mještani i njihove obitelji smješteni u ležerne poze (Portret Isaaca Masse, 1626; Portret Hetheisena, 1637). Hulsove slike žive su i dinamične, čini se da ljudi na portretima razgovaraju s nevidljivim sugovornikom ili se obraćaju gledatelju.

Predstavnici narodne sredine na portretima Khalse odlikuju se živopisnom izražajnošću i spontanošću. Na slikama uličnih dječaka, ribara, glazbenika, posjetitelja konoba osjeća se autorova simpatija i poštovanje. Njegov "Ciganin" je izvanredan. Nasmijana mlada žena djeluje iznenađujuće živa, njezin lukavi pogled usmjeren je prema sugovorniku nevidljivom za publiku. Hals ne idealizira svoj model, ali slika vesele, razbarušene ciganke oduševljava njezinim šarmom.

Vrlo često Hulsovi portreti uključuju elemente žanrovske scene. To su slike djece koja pjevaju ili sviraju glazbene instrumente (The Singing Boys, 1624-1625). U istom duhu izvedena je i poznata Malle Babbe (početak 1630 -ih) koja je predstavila čuvara konobe poznatog u Haarlemu, kojeg su posjetitelji iza leđa nazvali vješticom iz Harlema. Umjetnik je gotovo groteskno prikazao ženu s ogromnom pivskom šalicom i sovom na ramenu.

U 1640 -ima. postoje znakovi prekretnice u zemlji. Od pobjede revolucije prošlo je samo nekoliko desetljeća, a buržoazija je prestala biti progresivna klasa koja se temelji na demokratskim tradicijama. Istinitost Hulsove slike više ne privlači bogate klijente koji se žele vidjeti na portretima bolje nego što zaista jesu. No, Hulse nije odustao od realizma, pa mu je popularnost naglo pala. Na slici ovog razdoblja pojavljuju se note tuge i razočaranja ("Portret čovjeka u šeširu sa širokim obodom"). Njegova paleta postaje stroža i smirenija.

U 84. godini života Hals stvara dva svoja remek -djela: grupne portrete namjesnika (povjerenika) i namjesnika staračkog doma (1664). Ova najnovija djela nizozemskog majstora poznata su po svojoj emocionalnosti i sjajnoj osobnosti slika. Slike regenta - staraca i žena - dišu s tugom i smrću. Taj osjećaj naglašava i boja, održana u crnim, sivim i bijelim tonovima.

Hals je 1666. umro u dubokom siromaštvu. Njegova prava umjetnost koja potvrđuje život uvelike je utjecala na mnoge nizozemske umjetnike.

Rembrandt

U 1640-1660-ima. Nizozemsko slikarstvo je cvjetalo. Najznačajniji umjetnik ovog vremena bio je Rembrandt.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn rođen je 1606. u Leidenu. Otac mu je bio bogati mlinar. Roditelji su sanjali o dobrom obrazovanju svog sina i rasporedili su ga u latinsku školu, nakon čega je Rembrandt upisao sveučilište Leiden. No, mladića je privukla umjetnost. Napustio je sveučilište i počeo studirati kod slikara Jacoba Svannenburkha. Tri godine kasnije, mladi umjetnik otišao je u Amsterdam, gdje je počeo učiti od Petra Lastmana.

Rembrandt se 1624. vratio u Leiden. Ovdje je zajedno sa slikarom Janom Lievensom unajmio atelje. Umjetnik puno radi od života, slika ne samo u ateljeu, već i na ulici i na gradskoj čaršiji.

Krajem 1620 -ih. Rembrandt je stekao popularnost među stanovnicima Leidena. Dobio je mnoge narudžbe, a njegov prvi učenik - Gerard Dow, koji je kasnije postao prilično poznat slikar.

Rembrandtove rane slike odlikuju minuciozna kompozicija i savjesnost u izvođenju. Istodobno, karakteriziraju ih neka ograničenja ("Muke sv. Sebastijana", 1625).

1631. Rembrandt se nastanio u Amsterdamu. Slava o njemu vrlo se brzo proširila gradom, a slikare su pale na narudžbe. Rembrandtov osobni život također je bio uspješan: 1634. oženio se Saskijom van Eulenburg, djevojkom iz poznate građanske obitelji. Brak je umjetniku donio značajno bogatstvo koje mu je omogućilo stvaralačku neovisnost i omogućilo mu da se bavi sakupljanjem umjetnina i antikviteta.

Rembrandt je uživao u sreći u društvu svoje voljene supruge koju je mnogo puta portretirao. Saskia je često služila kao model za slike s raznim temama (Flora, 1634; Autoportret sa Saskijom na koljenima, oko 1639).

Rembrandtov rad u tom razdoblju je raznolik, piše povijesne, mitološke i vjerske kompozicije, portrete, svakodnevne prizore, pejzaže, mrtve prirode, slike sa slikama životinja. Ali glavni predmet njegove pažnje je osoba. Ne samo u portretima, već i u drugim svojim djelima umjetnik nastoji prenijeti karakter i unutarnji svijet svojih junaka.

Izvanredan majstor portretnog žanra, tek 1630 -ih. Rembrandt je izveo više od šezdeset naručenih portreta. Slikaru glavna stvar nije vanjska sličnost s modelom, već dubina unutarnjeg svijeta, snaga emocionalnih pokreta i iskustava. Grupni portret "Anatomija doktora Tulpe" (1632.) njegovi suvremenici dočekali su s oduševljenjem. Umjetnik je promijenio tradicionalnu kompoziciju klasičnog grupnog portreta, rasporedivši figure ne u nizu, kako je to bilo uobičajeno, već slobodno. Ova konstrukcija dala je slici živost i prirodnost.

Krajem 1630 -ih. Rembrandt je postao najpoznatiji majstor u Nizozemskoj. Njegovo remek -djelo, glasovita "Danae" (1636), pripada ovom razdoblju čije majstorstvo nadilazi sve ono što su stvorili njegovi suvremenici.
umjetnik. Savršenstvo njegove kompozicije i bogatstvo boja, održanih u zlatnim nijansama, zadivljuju. Čini se da u ovom djelu nema ništa suvišno, svaki detalj autor pomno promišlja. Uz pomoć besplatnog i živahnog poteza četkom, majstor prenosi lakoću prekrivača, nabore teških zavjesa i zastora. Fleksibilna plastika mlade žene koja leži na krevetu je upečatljiva, blijedozlatne nijanse tijela osvijetljene mekim svjetlom. Iako Danae ne sjaji idealnom ljepotom, njezin imidž oduševljava gledatelja živahnim šarmom i svježinom.

1630 -ih godina. umjetnik također mnogo radi u bakropisu. Privlače ga svakodnevni motivi ("Prodavač otrova za štakore", 1632). Elementi žanra svojstveni su i djelima s biblijskim temama (Povratak izgubljenog sina, 1636). Jedna od najboljih bakropisa ovog razdoblja je Marijina smrt (1639), emotivna i prožeta osjećajem duboke tuge. Izuzetno djelo "Krist liječi bolesnike" (tzv. "Sto gulderovih listova" - ovo ime govori o vrijednosti djela) također se odlikuje složenošću kompozicije i monumentalnom veličinom slika.

U 1640 -ima. Rembrandt postaje najpoznatiji i najplaćeniji slikar u Amsterdamu. Bio je naručen za portrete i kompozicije za nizozemsku palaču Stadtholder u Haagu. Mnogi nadobudni umjetnici željni su učenja u njegovoj radionici. Slava Rembrandtove umjetnosti nadilazi granice Nizozemske. Nekoliko slika slavnog majstora čuva se u palači engleskog kralja Charlesa I.

Rembrandtov talent očitovao se u njegovim realističnim i izražajnim mrtvim prirodama ("Trup bika") i pejzažima ("Pejzaž s mlinom", oko 1650.). Suptilna lirika svojstvena je skromnim nizozemskim krajolicima, zadivljujući gledatelja svojom gotovo opipljivom stvarnošću.

Smrt njegove voljene supruge 1642. otuđila je Rembrandta od njene plemenite rodbine. Umjetnik je prestao komunicirati sa svojim poznanicima iz aristokratskog društva. Promjene u životu majstora odrazile su se na njegovu sliku, koja postaje dublja i fokusiranija. Ako se rana Rembrandtova djela odlikuju mirnim i ujednačenim raspoloženjem, sada na njegovim slikama počinju zvučati note tjeskobe i sumnje. Mijenja se i paleta u kojoj dominiraju crvene i zlatne nijanse.

Platno "David i Jonathan" (1642, Ermitaž, Sankt Peterburg), izvedeno u zlatno-ružičastim i zlatno-plavim tonovima, odlikuje se živopisnom izražajnošću.

Sve te nove značajke u Rembrandtovoj slici nisu naišle na razumijevanje njegovih suvremenika. Nezadovoljstvo je izazvala velika monumentalna kompozicija "Noćna straža" (1642). Slika je ovo ime dobila u 19. stoljeću. Zapravo, radnja se ne odvija noću, već danju, na sunčevoj svjetlosti, što potvrđuje prirodu sjena.

S vremenom su boje potamnile, a tek je restauracija provedena 1946.-1947. Pokazala da je shema boja ovog djela nekad bila znatno svjetlija.

Slika prikazuje strelice satnije kapetana Banning Cocka. Kupac je očekivao da vidi tradicionalni ceremonijalni portret (prizor gozbe ili prezentacije gledatelju od strane zapovjednika njegovih podređenih). Rembrandt je stvorio ge-
Roiko-povijesno platno koje prikazuje performanse strijelaca po zapovijedi kapetana. Likovi su uzbuđeni i dinamični; zapovjednik daje zapovijedi, stjegonoša podiže zastavu, bubnjar udara u bubanj, strelice pune oružje. Ovdje nije jasno gdje se vrti djevojčica s pijetlom za pojasom.

Tijekom tih godina Hendrickje Stoffels pojavljuje se u Rembrandtovom životu, najprije sluga, a zatim i njegova supruga, koja mu je postala vjerni prijatelj i pomagač. Umjetnik i dalje vrijedno radi. On stvara svoju poznatu "Svetu obitelj" (1645), u kojoj se vjerska tema tretira kao žanrovska. Uz biblijske kompozicije, slikar izvodi realne krajolike sa slikama sela ("Zimski pogled", 1646). Njegovi portreti iz tog razdoblja odlikuju se željom da pokažu pojedinačna obilježja modela.

U 1650 -ima. broj narudžbi je značajno smanjen. Rembrandt ima velike financijske poteškoće. Prijeti mu potpuna propast, jer dug povezan s kupnjom kuće za života Saskijine prve žene još nije plaćen. Umjetnik je 1656. proglašen nesolventnim, a njegova umjetnička zbirka i sva njegova imovina prodani su na aukciji. Obitelj Rembrandt morala se preseliti u siromašnu židovsku četvrt Amsterdama.

Unatoč svim nedaćama, talent velikog slikara ne presušuje. No sada je kriterij njegove vještine potpuno drugačiji. U kasnijim Rembrandtovim djelima šareni potezi oštro se pojavljuju na površini platna. Sada boje na njegovim slikama ne služe samo za prenošenje vanjskog izgleda likova i slike interijera - to je boja koja preuzima semantičko opterećenje djela. Tako se osjećaj intenzivne drame na slici "Assur, Aman i Esther" (1660.) stvara složenim tonskim rasponom i posebnim svjetlosnim efektima.

Lišen naloga, živeći u dubokom siromaštvu, Rembrandt ne prestaje pisati. On stvara ekspresivne i duhovne portrete, uzori kojima su rodbina i prijatelji ("Portret supruge brata umjetnika", 1654; "Portret starca u crvenom", 1652-1654; "Portret Titinog sina koji čita", 1657; "Portret Hendrickjea Stoffelsa na prozorima", oko 1659).

Sin Tit, koji je konačno primio stanje svoje pokojne majke, pokušava zaštititi oca od materijalnih teškoća i stvoriti mu uvjete za miran rad. No, umjetnice i dalje progone nesreće: 1663. Hendrickje umire, a nekoliko godina kasnije Tit ju je slijedio.

U to je tragično vrijeme stari usamljeni umjetnik stvorio svoja remek-djela, istaknuta monumentalnom veličinom i duhovnošću (David i Urija, 1665.-1666.; Povratak izgubljenog sina, oko 1668.-1669.).

Rembrandt je umro 1669., zaboravljen od svih. Tek u 18. stoljeću. njegova je umjetnost konačno shvaćena i cijenjena.

U 1640-1660-ima. žanr je bio vodeći žanr u nizozemskom slikarstvu. Slike koje prikazuju najobičnije trenutke stvarnosti iznenađujuće su poetične i lirske. Glavni predmet slikarske pažnje su osoba i svijet oko nje. Većinu žanrovskih skladbi karakterizira mirna priča i nedostatak drame. Govore o kućanskim poslovima domaćice kuće (kupovina hrane, briga o djeci, ručni rad), o zabavi nizozemskog mještanina (igranje karata, prijem gostiju, koncerti). Umjetnici prikazuju sve što se događa u kući bogatog gradskog stanovnika, zanemarujući javnu stranu života osobe.

Slikari žanrova uživali su veliku popularnost: G. Dow, čije su se slike prodavale po vrlo visokoj cijeni, A. van Ostade, koji je slikao prizore seljačkog života ("Seoski koncert"), J. Sten, čije su omiljene teme bile scene zabave i blagdani ("Veselo društvo"), G. Terborch, čija je graciozna slika predstavljala život bogate građanske obitelji ("Čaša limunade"), G. Metsu sa svojom domišljatom pričom ("Bolesno dijete"), P. de Hooch, koji je stvorio kontemplativna lirska platna ("Gospodarica i sluga").

K. Fabritsius, koji je živio kratko (umro je u Delftu u eksploziji skladišta baruta), nastojao je proširiti opseg žanrovskog žanra. Jedno od njegovih najboljih djela je Lazarevo uskrsnuće (oko 1643.), koje se ističe svojom dramom i gotovo monumentalnim opsegom. Njegovi portreti i autoportreti također su izvanredni, što umjetnika stavlja u rang s F. Halsom i Rembrandtom.

Tragična je sudbina E. de Fabriciusa, talentiranog majstora domaće scene i djela koja prikazuju crkvene interijere ("Tržnica u luci", "Interijer sa ženom na čembalu"). Umjetnik se nije trudio udovoljiti ukusima građanske javnosti, pa su njegova djela, koja nisu imala uspjeha kod njegovih suvremenika, prodana za sitne novce. Često je Fabricius bio prisiljen vraćati dugove vlasnicima kuća. U zimskoj noći 1692. godine, sedamdesetpetogodišnji umjetnik, kojeg je vlasnik izbacio iz kuće, objesio se o ogradu mosta. Slična sudbina bila je tipična za mnoge nizozemske slikare koji nisu htjeli napustiti realne tradicije kako bi udovoljili javnosti.

Jan Wermeer Delft

Istaknuti predstavnik nizozemskog žanrovskog slikarstva je Jan Wermer, nadimak Delft po svom rodnom mjestu i radu. Slikar je rođen 1623. u obitelji trgovca slikama i svilom. O Vermeerovom životu malo se zna. Možda mu je učitelj bio K. Fabricius. Umjetnik je 1653. postao član ceha sv. Luke i oženio se kćerkom bogate gradske stanovnice Katerine Bolnes. U Delftu je bio cijenjen i poznat, živio je u velikoj kući smještenoj na tržnici.

Vermeer je na svojim slikama radio vrlo sporo i temeljito, pažljivo ispisujući svaki detalj. Slikarstvo nije moglo obitelji umjetnika omogućiti ugodan život, iako su njegova platna uživala u velikom uspjehu. Vjerojatno je to razlog zašto je Vermeer počeo trgovati slikama, nastavljajući rad svog oca.

Već u prvim Vermeerovim djelima pojavljuje se spoj realizma i određene količine idealizacije slika, karakterističnih za njegovo djelo ("Dijana s nimfama", "Krist s Martom i Marijom" - obje do 1656.). Sljedeće djelo - platno velike figure "Kod svodnika" (1656), napisano na radnji koju su koristili mnogi slikari, odlikuje se originalnošću izvedbe. Umjetnikova svakodnevna scena dobiva gotovo monumentalno značenje. Slika se ističe među ostalim djelima slične tematike po svojoj odvažnoj boji, održanoj u čistoj žutoj, crvenoj, crno -bijeloj boji i jarkoj izražajnosti slika.

Kasnije se Vermeer okrenuo komornim skladbama tradicionalnim za nizozemsko slikarstvo. Poput drugih nizozemskih majstora, on prikazuje događaje koji se odvijaju u bogatim građanskim kućama. Umjetnikova omiljena slika je djevojka koja čita pismo ili isprobava ogrlicu. Njegova platna predstavljaju jednostavne svakodnevne prizore: sobarica daje ljubavnici pismo, gospodin donosi gospođi čašu vina. Ali ove slike, jednostavne kompozicije, zadivljuju svojim integritetom, skladom i lirizmom, njihove slike privlače prirodnošću i smirenom poezijom.

U drugoj polovici 1650 -ih. umjetnik je stvorio svoja najznačajnija djela. Duboko lirski "Uspavana djevojka", "Čaša vina", "Djevojka sa slovom" obilježeni su toplim osjećajem. Mnogi su nizozemski slikari ovoga doba na svojim slikama prikazivali sluge zaposlene na poslu, ali samo Vermeerova slika žene iz naroda ima crte istinske ljepote i veličine ("Sluškinja s vrčem mlijeka").

Vermeer je pravi virtuoz u prenošenju biti svijeta stvari pomoću slikovnih sredstava. Mrtve prirode na njegovim slikama izvedene su velikom vještinom. Jelo s jabukama i šljivama, koje stoji na stolu prekrivenom stolnjakom s uzorkom na platnu "Djevojka sa slovom", izgleda iznenađujuće lijepo i prirodno.

Na slici "Sluškinja s vrčem mlijeka" kruh i mlijeko, koji se iz vrča slijevaju u gustom mlazu, oduševljavaju svojom svježinom.

Svjetlost igra važnu ulogu u Vermerovim djelima. Ispunjava prostor platna, stvarajući dojam izvanredne prozračnosti; modelira boje i prodire u njih, čineći ih sjajima iznutra. Zahvaljujući ovoj količini svjetla i zraka stvara se posebno emocionalno uzdizanje većine Vermeerovih djela.

Izvanredna slikareva vještina očitovala se u pejzažnom slikarstvu. Mali kutak grada, obavijen vlažnom atmosferom oblačnog dana, reproducira jasnu i jednostavnu kompoziciju "Ulica" (oko 1658). Grad opran kišom izgleda čist i svjež na slici Pogled na Delft (između 1658. i 1660.). Sunčeve zrake probijaju se kroz nježne srebrnaste oblake, stvarajući puno sjajnih odsjaja na površini vode. Zvučno bojanje sa suptilnim prijelazima boja daje slici izražajnost i sklad.

1660 -ih. Vermeerova slika postaje profinjenija i elegantnija. Mijenja se i paleta kojom sada dominiraju hladne šarene nijanse ("Djevojka s biserom"). Glavni likovi platna su bogate dame i gospoda okruženi luksuznim predmetima ("Ljubavno pismo", oko 1670.).

Jan Wermeer Delft. Sluškinja s vrčem mlijeka. Između 1657. i 1660. godine
Jan Wermeer Delft. Slikarska radionica. U REDU. 1665 g.

U posljednjem razdoblju Vermeerova života njegova djela postaju površna i pomalo daleko ("Alegorija vjere"), a paleta gubi bogatstvo i zvučnost. No, čak i u ovim godinama pojedinačna umjetnička djela zadivljuju svojom bivšom izražajnom snagom. Takva je i njegova "Radionica slikara" (1665.), u kojoj se Vermeer prikazao na poslu, te slike "Astronom" i "Geograf", na kojima su prikazani znanstvenici.

Sudbina Vermeera, kao i mnogih drugih nizozemskih majstora, tragična je. Na kraju svog života, bolesni umjetnik, koji je izgubio većinu svojih bivših mušterija, bio je prisiljen preseliti svoju veliku obitelj iz stare kuće u jeftiniji stan. U posljednjih pet godina nije naslikao nijednu sliku. Slikar je umro 1675. Njegova je umjetnost dugo zaboravljena, a tek sredinom 19. stoljeća. Wermeer je bio cijenjen i postavljen u rang s nizozemskim majstorima kao što su Rembrandt i F. Hals.

Sedamnaesto stoljeće bilo je "zlatno doba slikarstva" u Europi. Značajne umjetničke škole razvile su se u Italiji, Nizozemskoj, Flandriji, Španjolskoj i Francuskoj. Među njima posebno mjesto zauzima umjetnost Nizozemske. Sedam sjevernih nizozemskih pokrajina, ujedinjenih oko najveće od njih, Nizozemske, pobijedilo je Španjolce. Povijesne sudbine ovih zemalja određene su nakon sklapanja Utrechtske unije 1579. godine, koja je dala zakonodavnu vlast generalnim državama, proglasila vjersku toleranciju, a bogatim pokrajinama Nizozemskoj i Zelandu osigurala posebne političke i gospodarske uvjete. Time su postavljeni temelji za buduću republiku koja je dobila status države 1609. nakon zaključenja primirja sa Španjolskom.

Ujedinjene pokrajine postale su prva građanska država na svijetu, moć državnog vlasnika bila je ovdje nominalna, predstavnici Doma narančastih bili su prvenstveno generali. Njihovo dvorište u Haagu nije bilo osobito sjajno i nije imalo zapažen utjecaj na razvoj kulture u zemlji. Pravilo u Nizozemskoj su mještani - poduzetni, proračunati, praktični. Ulagala je kapital u trgovinu i brodogradnju, trasirala put do udaljenih zemalja Azije i Amerike i tamo osnovala kolonije. "Ova šačica ljudi", napisao je šef francuskog kraljevskog vijeća, kardinal Richelieu, "koji posjeduju komad zemlje koji se sastoji od voda i pašnjaka, opskrbljuje europske narode većinom robe koja im je potrebna".

Kalvinizam je postao dominantna religija u zemlji, najradikalniji trend u reformacijskom pokretu XVI-XVII stoljeća. Kalvinistička crkva bila je "republikanske" prirode. Njegove glavne značajke bile su doktrina apsolutne predodređenosti, isprika za poduzetništvo i profesionalni uspjeh, zahtjev za svjetovnom askezom - razboritom građanskom štedljivošću. Relativna tolerancija u početnom razdoblju života republike stvorila je povoljno ozračje za znanstveno i filozofsko stvaralaštvo. Zemlja je postala poznata po svojim prirodnim znanstvenicima, imenovala poznate pravnike i povjesničare. Poznati filozof Rene Descartes emigrirao je ovamo iz Francuske, ovdje su se oblikovali materijalistički pogledi na Spinozu. Nizozemski doprinos europskoj književnosti bio je skromniji, ovdje nije bilo velikih arhitekata i kipara. Glavni uspjesi pali su na sudbinu slikara male sjeverne zemlje. Stvorila je živahnu nacionalnu slikarsku školu koja je svojom temom, slikovitim načinom, ideološkim težnjama bila posebno poglavlje u umjetnosti 17. stoljeća i ostavila neizbrisiv trag u svjetskoj umjetničkoj kulturi.

Nizozemska crkva istjerala je iz njihovih hramova bujni kult koji nije imao svete slike - katoličkih je crkava bilo malo. Umjetnička djela bila su namijenjena uglavnom javnim svjetovnim zgradama i privatnim stanovima, čije su teme, iako odražavale protestantski moral, bile svjetovne prirode. Biblijske i antičke slike doživljavane su kao povijesne. Slikanje štafelajem postalo je pravi poziv nizozemskih umjetnika. Bilo je mnogo umjetnika. Rijetko su slikali po narudžbi; većina slika prodana je na tržnicama. "Sajam u Rotterdamu", napisao je engleski putnik iz 17. stoljeća, "bio je preopterećen slikama (osobito krajolicima i žanrovskim scenama) ... Sve su kuće pretrpane slikama, a Nizozemci ih prodaju s velikom dobiti".

Do 20 -ih godina 17. stoljeća u osnovi je dovršeno formiranje žanrova nizozemskog slikarstva. Specijalizacija umjetnika u žanrovima karakteristična je za Nizozemsku. Početkom 17. stoljeća portretni žanr postao je najpopularniji u Nizozemskoj, nacionalna se tema naširoko čula u nizozemskom krajoliku, 1630 -ih godina oblikovao se i seljački žanr. Jedan od najkarakterističnijih žanrova nizozemskog slikarstva bio je mrtva priroda. Sredinom 17. stoljeća žanr svakodnevice zauzima dominantno mjesto u nizozemskom slikarstvu.

Formiranje nizozemske umjetnosti odvijalo se u nekoliko centara, koji su se, međusobno natječući, u različito vrijeme ili povlačili naprijed, a zatim se povlačili. U početku je to bio Harlem, od tridesetih godina, nakon što se Rembrandt tamo preselio, Amsterdam je počeo dobivati ​​vodeću poziciju , zatim je slijedilo sveučilište Leiden i smireni aristokratski Delft. Hag, gdje se nalazilo dvorište grada, stajao je odvojeno.

Prikaži cijeli tekst

Zlatno doba nizozemskog slikarstva jedno je od najistaknutijih razdoblja u povijesti čitavog svjetskog slikarstva. Smatra se zlatnim dobom nizozemskog slikarstva 17. stoljeće... U to vrijeme najtalentiraniji umjetnici i slikari stvarali su svoja besmrtna djela. Njihove se slike i dalje smatraju nenadmašnim remek -djelima koja se čuvaju u poznatim muzejima diljem svijeta i smatraju se neprocjenjivom baštinom čovječanstva.

Na početku 17. stoljeće u Nizozemskoj je još uvijek cvjetala prilično primitivna umjetnost, što je opravdano prizemnim ukusima i sklonostima bogatih i moćnih ljudi. Kao rezultat političkih, geopolitičkih i vjerskih promjena, nizozemska se umjetnost dramatično promijenila. Ako su se prije toga umjetnici pokušali pomiriti s nizozemskim građanima, oslikavajući njihov život i svakodnevni život, lišeni svakog visokog i poetskog jezika, a radili su i za crkvu koja je naručila umjetnike prilično primitivnog žanra s davno istrošenim temama, tada početak 17. stoljeća bio je pravi proboj. U Nizozemskoj je vladala dominacija protestanata, koji su praktički prestali naručivati ​​umjetnicima umjetničke slike na vjersku temu. Nizozemska se osamostalila od Španjolske i istaknula na općem povijesnom podiju. Umjetnici su prešli s prethodno poznatih tema na prikaz svakodnevnih prizora, portreta, pejzaža, mrtvih priroda itd. Ovdje, na novom polju, činilo se da su umjetnici zlatnog doba dobili novi dah i počeli su se pojavljivati ​​pravi geniji umjetnosti.

Nizozemski umjetnici 17. stoljeća unijeli su realizam u modu slikarstva. Zapanjujuće u svojim sastavnim dijelovima, u realizmu, u dubini i neobičnosti, slike su počele uživati ​​u ogromnom uspjehu. Potražnja za slikarstvom dramatično je porasla. Kao rezultat toga, počelo se pojavljivati ​​sve više umjetnika koji su nevjerojatno brzim tempom razvijali temelje slikarstva, razvijali nove tehnike, stilove i žanrove. Neki od najpoznatijih umjetnika zlatnog doba bili su: Jan Vermeer, Cornelis Trost, Matthias Stom, Pieter Bruegel Stariji, Esayas van de Velde, Frans Hals, Andrian Brouwer, Cornelis de Man, Anthony van Dyck i mnogi drugi.

Nizozemske slike

Cornelis de Man - Tvornica za preradu kitovog ulja

Cornelis Trost - Zabava u parku

Ludolph Bakhuisen - pristanište istočnoindijske kampanje u Amsterdamu

Pieter Bruegel Stariji - Katastrofa alkemičara