पुनर्जागरण की पश्चिमी यूरोपीय संगीत संस्कृति। रिपोर्ट: पुनर्जागरण का संगीत

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परिचय

१.२ फ्रांस

१.३ इटली

1.3.2 विनीशियन स्कूल

१.४ इंग्लैंड

१.५ जर्मनी

1.6 स्पेन

2. संगीत सौंदर्यशास्त्र

२.४ मीस्टरसिंगर और उनकी कला

निष्कर्ष

ग्रन्थसूची

परिचय

पुनर्जागरण, या पुनर्जागरण (fr। पुनर्जागरण), यूरोपीय लोगों की संस्कृति के इतिहास में एक महत्वपूर्ण मोड़ है। पुनर्जागरण की परिभाषित विश्वदृष्टि, मध्ययुगीन धर्म-केंद्रवाद के विपरीत (एक दार्शनिक अवधारणा जो ईश्वर को पूर्ण, परिपूर्ण, उच्चतम अस्तित्व, सभी जीवन का स्रोत और किसी भी अच्छे के रूप में समझने पर आधारित है) और तपस्या, मानवतावाद बन गया (लैटिन मानव से - " मानव", "मानवीय")। मानव व्यक्ति का व्यक्तिगत मूल्य सामने आया, आसपास की दुनिया के बारे में जागरूकता में रुचि और वास्तविकता के यथार्थवादी प्रतिबिंब में वृद्धि हुई। मानवतावादियों ने पुरातनता में एक सामंजस्यपूर्ण व्यक्ति के आदर्श की तलाश की, और प्राचीन ग्रीक और रोमन कला ने उन्हें कलात्मक रचनात्मकता के लिए एक मॉडल के रूप में सेवा दी। प्राचीन संस्कृति को "पुनर्जीवित" करने की इच्छा ने इस युग को अपना नाम दिया, मध्य युग और नए युग के बीच की अवधि (17 वीं शताब्दी के मध्य से आज तक)।

15वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध को संगीत में पुनर्जागरण की शुरुआत के रूप में जाना जाता है। इस समय, सद्भाव और सुंदरता के पुनर्जागरण आदर्श, तथाकथित सख्त शैली के मानदंडों का गठन किया गया था। अन्य प्रकार की कलाओं के विपरीत, पुनर्जागरण संगीत के मुख्य आदर्श और मानदंड पुरातनता के आदर्श नहीं थे, क्योंकि प्राचीन ग्रीस और प्राचीन रोम के संगीत संकेतन XIII-XVI सदियों तक थे। अभी तक पूरी तरह से समझा और विश्लेषण नहीं किया गया है। इसलिए, सबसे अधिक बार इस युग के संगीत कार्यों की नींव काव्यात्मक, पुरातनता के साहित्यिक कार्य थे। इसलिए, उदाहरण के लिए, XVI सदी के अंत तक। ऑपरेटिव कार्यों में पुरातनता के सिद्धांत शामिल थे। संगीत में, कला के अन्य रूपों की तरह, दुनिया की विविधता को चित्रित करने की प्रवृत्ति बढ़ रही है, और विविधता के विचार को पूरे के सभी तत्वों के सामंजस्य और आनुपातिकता की इच्छा के साथ जोड़ा जाता है। संगीत की सामाजिक स्थिति पर पुनर्विचार होता है - एक लोकतांत्रिक दर्शक प्रकट होता है, शौकिया संगीत-निर्माण व्यापक होता है - न केवल प्रसिद्ध संगीतकारों द्वारा, बल्कि व्यक्तिगत रचनाओं द्वारा भी टुकड़ों का प्रदर्शन। इस प्रकार, यह पुनर्जागरण में था कि रोज़मर्रा और पेशेवर धर्मनिरपेक्ष संगीत रचनात्मकता के फलने-फूलने के लिए पूर्व शर्त, जो जीवन की पुष्टि, जीवन की खुशी, मानवतावाद और प्रकाश छवियों के चरित्र को जन्म देती थी, विकसित हुई।

उसी समय, संगीत संकेतन में परिवर्तन हुए: भारी लकड़ी के मुद्रण ब्लॉकों को इटालियन ओटावियानो पेट्रुची द्वारा आविष्कार किए गए जंगम धातु के अक्षरों से बदल दिया गया। प्रकाशित संगीत रचनाएँ जल्दी बिक गईं, अधिक से अधिक लोग संगीत में शामिल होने लगे।

इस अवधि के संगीत कार्यों को महान मधुरता, गीत लेखन द्वारा प्रतिष्ठित किया गया था, जो लोक संगीत में निहित था; एक निश्चित संख्या में गीत उनकी मूल भाषा में लिखे गए थे, लैटिन में नहीं।

संगीत की मुख्य विशेषताएं माधुर्य और एक निश्चित लय थी, जो मध्य युग की तुलना में अधिक लचीलेपन और अभिव्यक्ति द्वारा प्रतिष्ठित थी। पॉलीफोनी के उद्भव को मुख्य रूप से इस तथ्य से समझाया गया था कि संगीतकार, संगीतकार, कलाकार और गायक के पास कार्रवाई की संगीत स्वतंत्रता थी, उनकी आत्मा, भावनात्मक मनोदशा, व्याख्या करने का अधिकार, भावनाओं और आंतरिक के अनुसार अपनी खुद की विविधताओं का आविष्कार किया। राज्य।

इस युग में विशेष रूप से १५वीं-१६वीं शताब्दी में बड़े पैमाने का आवंटन और अनुमोदन (नाबालिग की तुलना में हल्का, अधिक हर्षित, प्रेरक - उदास, शांत, उदास) था।

गीत विशेष रूप से एक ल्यूट की संगत के लिए विकसित किया गया था या पॉलीफोनिक रूप में किया गया था।

पुनर्जागरण के दौरान, वाद्य संगीत विकसित हुआ। वे अक्सर एक विषय में विभिन्न उपकरणों को मिलाते थे। उसी समय, नृत्य रूपों और धुनों को संरक्षित और बेहतर बनाया गया था, जिन्हें सुइट्स में जोड़ा गया था। पहली वाद्य रचनाएँ दिखाई दीं, जो कि एक स्वतंत्र चरित्र, विविधताएँ, प्रस्तावनाएँ, कल्पनाएँ थीं।

साथ ही वास्तुकला, मूर्तिकला, चित्रकला, पुनर्जागरण की संगीत कला एक धर्मनिरपेक्ष चरित्र और XIV-XVI सदियों से प्रतिष्ठित थी। राष्ट्रीय संगीत विद्यालयों का गठन है।

1. पुनर्जागरण की संगीत संस्कृति

पुनर्जागरण की कलात्मक संस्कृति विज्ञान पर आधारित एक व्यक्तिगत सिद्धांत है। १५वीं-१६वीं शताब्दी के पॉलीफ़ोनिस्टों का असामान्य रूप से जटिल कौशल, उनकी कलाप्रवीणता तकनीक रोज़मर्रा के नृत्यों की उज्ज्वल कला, धर्मनिरपेक्ष शैलियों के परिष्कार के साथ सह-अस्तित्व में थी। उनके कार्यों में गीत और नाटक अधिक से अधिक व्यक्त हो रहे हैं। इसके अलावा, लेखक का व्यक्तित्व, कलाकार का रचनात्मक व्यक्तित्व (यह न केवल संगीत कला की विशेषता है) उनमें अधिक स्पष्ट रूप से प्रकट होता है, जो हमें पुनर्जागरण कला के प्रमुख सिद्धांत के रूप में मानवीकरण की बात करने की अनुमति देता है। उसी समय, चर्च संगीत, जिसे मास और मोटेट जैसी बड़ी शैलियों द्वारा दर्शाया गया है, कुछ हद तक पुनर्जागरण की कला में "गॉथिक" लाइन जारी रखता है, जिसका उद्देश्य मुख्य रूप से पहले से मौजूद कैनन को फिर से बनाना है और इसके माध्यम से महिमामंडित करना है। दिव्य।

१५वीं शताब्दी तक, "सख्त लेखन" की तथाकथित पॉलीफोनी आकार ले रही थी, नियम (आवाज-अग्रणी, आकार देने, आदि के मानदंड) उस समय के सैद्धांतिक ग्रंथों में तय किए गए थे और अपरिवर्तनीय कानून थे चर्च संगीत का निर्माण। संगीतकारों ने उधार की धुनों (ग्रेगोरियन मंत्र और अन्य विहित स्रोतों, साथ ही लोक संगीत) का उपयोग करते हुए अपने द्रव्यमान की रचना की - तथाकथित कैंटस फर्मस - मुख्य विषयगत के रूप में, पॉलीफोनिक लेखन, जटिल, कभी-कभी परिष्कृत काउंटरपॉइंट की तकनीक को बहुत महत्व देते हैं। . साथ ही, प्रचलित मानदंडों के नवीनीकरण और उन पर काबू पाने की एक सतत प्रक्रिया थी, जिसके संबंध में धर्मनिरपेक्ष विधाएं धीरे-धीरे महत्व प्राप्त कर रही हैं।

इसलिए, जैसा कि आप देख सकते हैं, पुनर्जागरण काल ​​​​संगीत कला के विकास के इतिहास में एक कठिन अवधि है, इसलिए व्यक्तिगत व्यक्तियों और देशों पर उचित ध्यान देते हुए, इसे और अधिक विस्तार से विचार करना उचित लगता है।

१.१ नीदरलैंड पॉलीफोनिक स्कूल

नीदरलैंड यूरोप के उत्तर-पश्चिम में एक ऐतिहासिक क्षेत्र है (उनके क्षेत्र में वर्तमान उत्तर-पूर्वी फ्रांस, दक्षिण-पश्चिम हॉलैंड, बेल्जियम, लक्जमबर्ग शामिल हैं)। XV सदी तक। नीदरलैंड एक उच्च आर्थिक और सांस्कृतिक स्तर पर पहुंच गया है और व्यापक व्यापार संबंधों के साथ एक समृद्ध यूरोपीय देश बन गया है। नीदरलैंड में विज्ञान, संस्कृति, कला का उत्कर्ष भी देश के आर्थिक विकास की तीव्रता के कारण हुआ। चित्रकला की शानदार उपलब्धियों के साथ-साथ संगीत ने जबरदस्त सफलता हासिल की है। नीदरलैंड में व्यावसायिक रचना लोककथाओं के साथ घनिष्ठ संबंध में विकसित हुई, जिसकी एक लंबी, समृद्ध परंपरा थी। यह यहां था कि डच पॉलीफोनिक स्कूल का गठन किया गया था - पुनर्जागरण संगीत की सबसे बड़ी घटनाओं में से एक। डच पॉलीफोनी की उत्पत्ति अंग्रेजी, फ्रेंच, जर्मन और इतालवी गीत लेखन में पाई जा सकती है। उसी समय, डच ने कई राष्ट्रीय स्कूलों के अनुभव को सामान्यीकृत किया और एक मूल मुखर-कोरल पॉलीफोनिक शैली बनाई, जो सख्त लेखन के विकास में एक महत्वपूर्ण चरण बन गया। यहां नकल का आविष्कार किया गया था - एक स्वर में एक राग की पुनरावृत्ति तुरंत दूसरी आवाज के बाद। (बाद में, बाख के समय में, नकल पॉलीफोनी के उच्चतम रूप के फ्यूग्यू की नींव बनेगी।) डचों ने 15 वीं और 16 वीं शताब्दी के सिद्धांतों में नकल का इस्तेमाल किया। इस तरह के कैनन बनाने की कला में, डच कलाप्रवीणों ने बहुत ही सरलता और तकनीकी आविष्कार दिखाया। संगीतकार ने स्कोर में लिखा: "बिना रुके चिल्लाओ।" इसका मतलब था कि सभी विरामों को छोड़ कर टुकड़ा किया जा सकता है। "रात को दिन में बदलो" - कलाकारों को यह अनुमान लगाना होगा कि काले नोटों को सफेद और इसके विपरीत पढ़ा जा सकता है। और टुकड़ा सामान्य रिकॉर्डिंग और रूपांतरित में समान रूप से अच्छा लगेगा। संगीतकार ओकेगेम ने 36-वॉयस कैनन की रचना की - चार नौ-वॉयस कैनन का एक संगीतमय गगनचुंबी इमारत।

एक उत्कृष्ट प्रतिनिधि और डच स्कूल के संस्थापकों में से एक है गिलाउम ड्यूफे (1400-1474) (ड्यूफे) (लगभग 1400 - 11/27/1474), फ्रेंको-फ्लेमिश संगीतकार। यह वह था जिसने डच संगीत (लगभग 1400-1474) में पॉलीफोनिक परंपरा की नींव रखी थी। गिलौम ड्यूफे का जन्म फ्लैंडर्स (नीदरलैंड के दक्षिण में एक प्रांत) में कंबराई में हुआ था और उन्होंने कम उम्र से ही चर्च गाना बजानेवालों में गाया था। समानांतर में, भविष्य के संगीतकार ने रचना में निजी सबक लिया। अपनी युवावस्था में, ड्यूफ़े इटली गए, जहाँ उन्होंने अपनी पहली रचनाएँ - गाथागीत और मोटेट्स लिखीं। 1428-1437 में। उन्होंने रोम में पोप चैपल में एक गायक के रूप में सेवा की; उसी वर्षों के दौरान उन्होंने इटली और फ्रांस की यात्रा की। 1437 में संगीतकार को ठहराया गया था। ड्यूक ऑफ सेवॉय (1437-1439) के दरबार में, उन्होंने समारोहों और छुट्टियों के लिए संगीत तैयार किया। ड्यूफे को महान व्यक्तियों द्वारा बहुत सम्मान दिया जाता था - उनके प्रशंसकों में, उदाहरण के लिए, मेडिसी युगल (इतालवी शहर फ्लोरेंस के शासक) थे। 1445 से कैनन और कंबराई में गिरजाघर की संगीत गतिविधियों के निदेशक। आध्यात्मिक गुरु (३-, ४-आवाज जन, गति), साथ ही धर्मनिरपेक्ष

(३-, ४-आवाज वाले फ्रेंच चैनसन, इतालवी गाने, गाथागीत, रोंडो) लोक पॉलीफोनी और पुनर्जागरण की मानवतावादी संस्कृति से जुड़ी शैलियाँ। ड्यूफे की कला, जिसने यूरोपीय संगीत कला की उपलब्धियों को अवशोषित किया, का यूरोपीय पॉलीफोनिक संगीत के आगे के विकास पर बहुत प्रभाव पड़ा। वह संगीत संकेतन के सुधारक भी थे (ड्यूफे को व्हाइट हेड्स के साथ नोट्स पेश करने का श्रेय दिया जाता है)। ड्यूफे की पूरी रचनाएँ रोम में प्रकाशित हुईं (6 खंड, 1951-66)। ड्यूफे उन संगीतकारों में पहले थे जिन्होंने मास को एक अभिन्न संगीत रचना के रूप में लिखना शुरू किया। चर्च संगीत बनाने के लिए एक असाधारण प्रतिभा की आवश्यकता होती है: ठोस, भौतिक साधनों द्वारा अमूर्त, गैर-भौतिक अवधारणाओं को व्यक्त करने की क्षमता। कठिनाई इस तथ्य में निहित है कि ऐसी रचना, एक ओर, श्रोता को उदासीन नहीं छोड़ती है, और दूसरी ओर, दिव्य सेवा से विचलित नहीं होती है, प्रार्थना पर अधिक ध्यान केंद्रित करने में मदद करती है। ड्यूफे के बहुत से लोग प्रेरित हैं, आंतरिक जीवन से भरे हुए हैं; वे एक पल के लिए ईश्वरीय रहस्योद्घाटन का पर्दा खोलने में मदद करते प्रतीत होते हैं।

अक्सर, एक मास बनाते समय, ड्यूफे ने एक प्रसिद्ध राग लिया, जिसमें उन्होंने अपना जोड़ा। इस तरह के उधार पुनर्जागरण की विशेषता हैं। यह बहुत महत्वपूर्ण माना जाता था कि मास का आधार एक परिचित राग पर आधारित होना चाहिए जिसे उपासक पॉलीफोनिक टुकड़े में भी आसानी से पहचान सकें। ग्रेगोरियन मंत्र का एक टुकड़ा अक्सर इस्तेमाल किया जाता था; धर्मनिरपेक्ष कार्यों को भी बाहर नहीं किया गया था। चर्च संगीत के अलावा, ड्यूफे ने धर्मनिरपेक्ष ग्रंथों के लिए मोटेट्स की रचना की। इनमें उन्होंने एक जटिल पॉलीफोनिक तकनीक का भी इस्तेमाल किया।

15 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के डच पॉलीफोनिक स्कूल के प्रतिनिधि। जोस्किन डेस्प्रेस (लगभग 1440-1521 या 1524) थे, जिनका अगली पीढ़ी के संगीतकारों के काम पर बहुत प्रभाव था। अपनी युवावस्था में, उन्होंने ओकेगेम से संगीत की शिक्षा लेते हुए, कंबराई में एक चर्च गाना बजानेवालों के रूप में सेवा की। बीस साल की उम्र में, युवा संगीतकार इटली आया, मिलान में Sforza के ड्यूक और रोम में पोप चैपल में गाया। इटली में, डेस्प्रेस ने शायद संगीत रचना शुरू कर दी थी। XVI सदी की शुरुआत में। वह पेरिस चले गए। उस समय तक, डेस्प्रेस पहले से ही ज्ञात थे, और उन्हें फ्रांसीसी राजा लुई XII द्वारा दरबारी संगीतकार के पद पर आमंत्रित किया गया था। 1503 के बाद से, डेस्प्रेस फिर से इटली में, फेरारा शहर में, ड्यूक के दरबार में बस गए

डी "एस्टे। डेस्प्रेस ने बहुत कुछ लिखा, और उनके संगीत ने व्यापक रूप से व्यापक हलकों में मान्यता प्राप्त की: बड़प्पन और आम लोग दोनों उसे प्यार करते थे। संगीतकार ने न केवल चर्च के काम किए, बल्कि धर्मनिरपेक्ष भी बनाए। विशेष रूप से, उन्होंने इसकी ओर रुख किया इतालवी लोक गीतों की शैली - फ्रोटोल (यह। फ्रोटोला, फ्रोटा से - "भीड़"), जो एक नृत्य ताल और एक तेज गति की विशेषता है। डिप्रेस ने चर्च संगीत में धर्मनिरपेक्ष कार्यों की विशेषताओं को पेश किया: ताजा, जीवंत स्वर ने सख्त टुकड़ी को तोड़ दिया और खुशी और परिपूर्णता की भावना पैदा की। संगीतकार कभी असफल नहीं हुआ। डेस्प्रेस की पॉलीफोनिक तकनीक परिष्कार से अलग नहीं है। उनके काम सुंदर रूप से सरल हैं, लेकिन वे लेखक की शक्तिशाली बुद्धि को महसूस करते हैं। यह रहस्य है उनके कार्यों की लोकप्रियता।

गिलौम ड्यूफे के छोटे समकालीन जोहान्स (जीन) ओकेगेम (लगभग 1425-1497) और जैकब ओब्रेक्ट थे। ड्यूफे की तरह, ओकेगेम मूल रूप से फ़्लैंडर्स का रहने वाला था। जीवन भर उन्होंने कड़ी मेहनत की; संगीत रचना के अलावा, उन्होंने चैपल के प्रमुख के रूप में काम किया। संगीतकार ने पंद्रह जन, तेरह भाव, बीस से अधिक चांसन बनाए। ओकेगेम के कार्यों को गंभीरता, एकाग्रता, चिकनी मधुर रेखाओं के दीर्घकालिक विकास की विशेषता है। उन्होंने पॉलीफोनिक तकनीक पर बहुत ध्यान दिया, द्रव्यमान के सभी हिस्सों को एक पूरे के रूप में माना जाने का प्रयास किया। संगीतकार की रचनात्मक लिखावट का भी उनके गीतों में अनुमान लगाया जाता है - वे लगभग धर्मनिरपेक्ष लपट से रहित होते हैं, चरित्र में वे अधिक प्रेरणा की याद दिलाते हैं, और कभी-कभी जनता के टुकड़े भी। जोहान्स ओकेगेम का देश और विदेश में सम्मान किया जाता था (उन्हें फ्रांस के राजा का सलाहकार नियुक्त किया गया था)। जैकब ओब्रेक्ट नीदरलैंड के विभिन्न शहरों के गिरजाघरों में एक गायक थे, जो चैपल का नेतृत्व करते थे; कई वर्षों तक उन्होंने फेरारा (इटली) में ड्यूक डी'एस्ट के दरबार में सेवा की। वह पच्चीस जनता, बीस मोटेट्स, तीस चैनसन के लेखक हैं। अपने पूर्ववर्तियों की उपलब्धियों का उपयोग करते हुए, ओब्रेक्ट ने बहुत सी नई चीजें लाईं पॉलीफोनिक परंपरा में उनका संगीत विरोधाभासों से भरा है, बोल्ड तब भी जब संगीतकार पारंपरिक चर्च शैलियों को संबोधित करता है।

ऑरलैंडो लासो की रचनात्मकता की बहुमुखी प्रतिभा और गहराई। डच पुनर्जागरण संगीत के इतिहास को पूरा करना ऑरलैंडो लासो (असली नाम और उपनाम रोलैंड डी लासो, लगभग 1532-1594) का काम है, जिसे उनके समकालीन "बेल्जियम ऑर्फियस" और "संगीत के राजकुमार" द्वारा बुलाया जाता है। लासो का जन्म मॉन्स (फ़्लैंडर्स) में हुआ था। बचपन से, उन्होंने चर्च गाना बजानेवालों में गाया, एक अद्भुत आवाज के साथ पैरिशियन को मार दिया। इटालियन शहर मंटुआ के ड्यूक गोंजागा ने गलती से युवा गायक को सुनकर उसे अपने चैपल में आमंत्रित किया। मंटुआ के बाद, लासो ने नेपल्स में थोड़े समय के लिए काम किया, और फिर रोम चले गए - वहाँ उन्होंने एक गिरजाघर के चैपल के प्रमुख का पद प्राप्त किया। पच्चीस वर्ष की आयु तक, लासो पहले से ही एक संगीतकार के रूप में जाने जाते थे, और उनके काम संगीत प्रकाशकों के बीच मांग में थे। 1555 में, कार्यों का पहला संग्रह प्रकाशित किया गया था, जिसमें मोट्स, मैड्रिगल्स और चांसन शामिल थे। लासो ने अपने पूर्ववर्तियों (डच, फ्रेंच, जर्मन और इतालवी संगीतकारों) द्वारा बनाई गई सभी बेहतरीन चीजों का अध्ययन किया और अपने काम में अपने अनुभव का इस्तेमाल किया। एक असाधारण व्यक्तित्व होने के नाते, लासो ने चर्च संगीत के अमूर्त चरित्र को दूर करने, इसे व्यक्तित्व देने का प्रयास किया। इस प्रयोजन के लिए, संगीतकार ने कभी-कभी शैली और रोजमर्रा के उद्देश्यों (लोक गीतों, नृत्यों के विषय) का इस्तेमाल किया, इस प्रकार चर्च और धर्मनिरपेक्ष परंपराओं को एक साथ लाया। लासो ने पॉलीफोनिक तकनीक की जटिलता को बड़ी भावुकता के साथ जोड़ा। वह विशेष रूप से मैड्रिगल्स में सफल रहे, जिनके ग्रंथों में पात्रों के मन की स्थिति का पता चला था, उदाहरण के लिए, सेंट पीटर के आँसू "(1593) इतालवी कवि लुइगी ट्रैंज़िलो के छंदों पर। संगीतकार अक्सर एक के लिए लिखा था बड़ी संख्या में आवाजें (पांच से सात), इसलिए उनके काम करना मुश्किल है। 1556 के बाद से, ऑरलैंडो लासो म्यूनिख (जर्मनी) में रहते थे, जहां उन्होंने चैपल का नेतृत्व किया, अपने जीवन के अंत में संगीत और कलात्मक मंडलियों में उनका अधिकार था बहुत ऊँचा, और उसकी ख्याति पूरे यूरोप में फैल गई।

यूरोप की संगीत संस्कृति के विकास पर डच पॉलीफोनिक स्कूल का बहुत प्रभाव था। डच संगीतकारों द्वारा विकसित पॉलीफोनी के सिद्धांत सार्वभौमिक हो गए हैं, और 20 वीं शताब्दी में पहले से ही संगीतकारों द्वारा उनके काम में कई कलात्मक तकनीकों का उपयोग किया गया है।

१.२ फ्रांस

फ्रांस के लिए, XV-XVI सदियों महत्वपूर्ण परिवर्तनों का युग बन गया: इंग्लैंड के साथ सौ साल का युद्ध (1337-1453) XV सदी के अंत तक समाप्त हो गया। राज्य का एकीकरण पूरा हो गया था; 16 वीं शताब्दी में, देश ने कैथोलिक और प्रोटेस्टेंट के बीच धार्मिक युद्धों का अनुभव किया। एक पूर्ण राजशाही के साथ एक मजबूत राज्य में, अदालत के समारोहों और लोक उत्सवों की भूमिका बढ़ गई। इसने कला के विकास में योगदान दिया, विशेष रूप से ऐसे कार्यों के साथ संगीत। मुखर और वाद्य कलाकारों की टुकड़ी (चैपल और कंसोर्ट्स) की संख्या, जिसमें महत्वपूर्ण संख्या में कलाकार शामिल थे, में वृद्धि हुई। इटली में सैन्य अभियानों के दौरान, फ्रांसीसी इतालवी संस्कृति की उपलब्धियों से परिचित हुए। उन्होंने इतालवी पुनर्जागरण के विचारों को गहराई से महसूस किया और ग्रहण किया - मानवतावाद, उनके आसपास की दुनिया के साथ सद्भाव की इच्छा, जीवन के आनंद के लिए।

यदि इटली में संगीत पुनर्जागरण मुख्य रूप से मास के साथ जुड़ा हुआ था, तो फ्रांसीसी संगीतकारों ने चर्च संगीत के साथ-साथ धर्मनिरपेक्ष पॉलीफोनिक गीत - चांसन पर विशेष ध्यान दिया। फ्रांस में इसकी रुचि 16 वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में पैदा हुई, जब क्लेमेंट जेनक्विन (लगभग 1485-1558) द्वारा संगीत के टुकड़ों का एक संग्रह प्रकाशित हुआ। यह संगीतकार है जिसे शैली के रचनाकारों में से एक माना जाता है।

एक बच्चे के रूप में, जेनेक्विन ने अपने गृहनगर चेटेलेरॉल्ट (मध्य फ्रांस) में एक चर्च गाना बजानेवालों में गाया था। बाद में, जैसा कि संगीत इतिहासकारों का सुझाव है, उन्होंने डच मास्टर जोस्किन डेस्प्रेज़ के साथ या अपने दल के एक संगीतकार के साथ अध्ययन किया। एक पुजारी का समन्वय प्राप्त करने के बाद, ज़ानेकेन ने गाना बजानेवालों के निदेशक और आयोजक के रूप में काम किया; तब उन्हें ड्यूक ऑफ गुइज़ द्वारा सेवा में आमंत्रित किया गया था। 1555 में संगीतकार रॉयल चैपल के गायक बन गए, और 1556-1557 में। - शाही दरबार के संगीतकार।

क्लेमेंट जेनेक्विन ने दो सौ अस्सी चैनसन बनाए (1530 और 1572 के बीच प्रकाशित); चर्च संगीत लिखा - मास, मोट्स, स्तोत्र। उनके गीत अक्सर चित्रमय होते थे। लड़ाई की तस्वीरें ("द बैटल ऑफ मारिग्नानो", "द बैटल ऑफ रेंटा"), शिकार के दृश्य ("द हंट"), प्रकृति की छवियां ("बर्डसॉन्ग", "नाइटिंगेल"), रोजमर्रा के दृश्य ("महिला बकबक") श्रोता के मन की आंखों के सामने से गुजरें... अद्भुत जीवंतता के साथ, संगीतकार पेरिस में रोजमर्रा की जिंदगी के माहौल को "चीखें पेरिस" में व्यक्त करने में कामयाब रहे: उन्होंने पाठ में विक्रेताओं के विस्मयादिबोधक पेश किए। जेनक्विन ने व्यक्तिगत आवाजों और जटिल पॉलीफोनिक तकनीकों के लिए लंबे और बहने वाले विषयों का लगभग उपयोग नहीं किया, रोल कॉल, दोहराव, ओनोमेटोपोइया को प्राथमिकता दी।

फ्रांसीसी संगीत की एक और दिशा सुधार के अखिल-यूरोपीय आंदोलन से जुड़ी है। चर्च सेवाओं में, फ्रांसीसी प्रोटेस्टेंट (ह्यूजेनॉट्स) ने लैटिन और पॉलीफोनी को छोड़ दिया। पवित्र संगीत ने एक अधिक खुला, लोकतांत्रिक चरित्र प्राप्त कर लिया है। इस संगीत परंपरा के सबसे प्रतिभाशाली प्रतिनिधियों में से एक क्लाउड गुडीमेल (1514 और 1520-1572 के बीच) थे - बाइबिल ग्रंथों और प्रोटेस्टेंट मंत्रों पर भजन के लेखक।

फ्रांसीसी पुनर्जागरण की मुख्य संगीत शैलियों में से एक है चांसन (फ्रेंच चांसन - "गीत")। इसकी उत्पत्ति लोक कला में है (महाकाव्य किंवदंतियों के छंदों को संगीत में स्थानांतरित कर दिया गया था), मध्ययुगीन परेशानियों और ट्रौवर्स की कला में। सामग्री और मनोदशा के संदर्भ में, गीत बहुत विविध हो सकते हैं - प्रेम गीत, रोज़, विनोदी, व्यंग्यपूर्ण आदि थे। संगीतकारों ने लोक कविताओं और आधुनिक कविता को ग्रंथों के रूप में लिया।

१.३ इटली

पुनर्जागरण की शुरुआत के साथ, इटली में फैले विभिन्न उपकरणों पर रोज़ाना संगीत बनाना; संगीत प्रेमियों की मंडली उठी। संगीत और सामाजिक जीवन के नए रूप सामने आए - संगीत अकादमियां और एक नए प्रकार के पेशेवर संगीत शैक्षणिक संस्थान - संरक्षक। पेशेवर क्षेत्र में, दो सबसे शक्तिशाली स्कूलों का गठन किया गया: रोमन और विनीशियन।

१६वीं शताब्दी में, संगीत मुद्रण पहली बार फैला, १५०१ में विनीशियन पुस्तक प्रिंटर ओटावियानो पेट्रुकी ने धर्मनिरपेक्ष संगीत का पहला प्रमुख संग्रह हार्मोनिस म्यूज़िक ओडेकैटन प्रकाशित किया। यह संगीत के प्रसार में एक क्रांति थी, और अगली शताब्दी में फ्रेंको-फ्लेमिश शैली को यूरोप की प्रमुख संगीत भाषा बनने में भी योगदान दिया, क्योंकि एक इतालवी के रूप में, पेट्रुकी ने मुख्य रूप से फ्रेंको-फ्लेमिश संगीतकारों के संगीत को अपने संग्रह में शामिल किया था। . इसके बाद, उन्होंने इतालवी संगीतकारों द्वारा धर्मनिरपेक्ष और आध्यात्मिक दोनों तरह की कई रचनाएँ प्रकाशित कीं।

पुनर्जागरण के दौरान, धर्मनिरपेक्ष शैलियों की भूमिका में वृद्धि हुई। XIV सदी में। मैड्रिगल इतालवी संगीत में दिखाई दिया (लाट से। मैट्रिकेल - "मूल भाषा में गीत")। यह लोक (चरवाहे) गीतों के आधार पर बनाया गया था। मैड्रिगल दो या तीन आवाजों के लिए गीत थे, अक्सर बिना वाद्य संगत के। मेड्रिगल अपने विकास के शिखर पर पहुंच गया और उस युग की सबसे लोकप्रिय संगीत शैली बन गई। ट्रेसेंटो समय के पहले और सरल मैड्रिगल के विपरीत, पुनर्जागरण के मद्रिगल कई (4-6) आवाजों के लिए लिखे गए थे, अक्सर विदेशियों द्वारा जो प्रभावशाली उत्तरी परिवारों की अदालतों में सेवा करते थे। मैड्रिगैलिस्ट्स ने उच्च कला बनाने का प्रयास किया, अक्सर मध्य युग के महान इतालवी कवियों की संशोधित कविता का उपयोग करते हुए: फ्रांसेस्को पेट्रार्का, जियोवानी बोकासियो और अन्य। मैड्रिगल की सबसे विशिष्ट विशेषता सख्त संरचनात्मक सिद्धांतों की अनुपस्थिति थी, मुख्य सिद्धांत विचारों और भावनाओं की मुक्त अभिव्यक्ति था।

विनीशियन स्कूल सिप्रियानो डी रोरे के प्रतिनिधि और फ्रेंको-फ्लेमिश स्कूल रोलैंड डी लासस (ऑरलैंडो डी लासो) के प्रतिनिधि जैसे संगीतकारों ने अपने इतालवी रचनात्मक जीवन के दौरान क्रोमैटिज्म, सद्भाव, लय, बनावट और अन्य साधनों के साथ प्रयोग किया। संगीतमय अभिव्यक्ति। उनका अनुभव जारी रहेगा और कार्लो गेसुल्डो के तौर-तरीकों में परिणत होगा। पंद्रहवीं शताब्दी के दौरान, संगीतकारों ने शायद ही कभी इस शैली की ओर रुख किया हो; उनमें रुचि केवल 16 वीं शताब्दी में पुनर्जीवित हुई थी। १६वीं शताब्दी के मद्रिगल की एक विशिष्ट विशेषता संगीत और कविता के बीच घनिष्ठ संबंध है। काव्य स्रोत में वर्णित घटनाओं को दर्शाते हुए संगीत ने लचीले ढंग से पाठ का अनुसरण किया। समय के साथ, अजीबोगरीब मधुर प्रतीकों का विकास हुआ, जो कोमल आहों, आंसुओं आदि को दर्शाते हैं। कुछ संगीतकारों के कार्यों में, प्रतीकात्मकता दार्शनिक थी, उदाहरण के लिए, गेसुल्डो डि वेनोसा के मैड्रिगल "आई डाई, नाखुश" (1611) में। शैली का उत्तराधिकार XVI-XVII सदियों के मोड़ पर आता है। कभी-कभी, गीत के प्रदर्शन के साथ-साथ, इसके कथानक को बजाया जाता था। मेड्रिगल मैड्रिगल कॉमेडी (कॉमेडी नाटक के पाठ पर आधारित कोरल रचना) का आधार बन गया, जिसने ओपेरा की उपस्थिति तैयार की।

1.3.1 रोमन पॉलीफोनिक स्कूल

जियोवानी डी फिलिस्तीन (1525-1594)। रोमन स्कूल के प्रमुख जियोवानी पियरलुइगी दा फिलिस्तीन थे, जो पुनर्जागरण के महानतम संगीतकारों में से एक थे। उनका जन्म इतालवी शहर फिलिस्तीन में हुआ था, जिसके नाम से उन्हें अपना उपनाम मिला था। बचपन से, फिलिस्तीन ने चर्च गाना बजानेवालों में गाया, और वयस्कता तक पहुंचने पर, उन्हें रोम में सेंट पीटर बेसिलिका में कंडक्टर (गाना बजानेवालों के नेता) के पद पर आमंत्रित किया गया; बाद में उन्होंने सिस्टिन चैपल (पोप की अदालत चैपल) में सेवा की।

कैथोलिक धर्म के केंद्र रोम ने कई प्रमुख संगीतकारों को आकर्षित किया है। अलग-अलग समय में डच मास्टर्स, पॉलीफोनिस्ट गिलाउम ड्यूफे और जोस्किन डेस्प्रेस ने यहां काम किया। उनकी विकसित रचना तकनीक ने कभी-कभी दैवीय सेवा के पाठ की धारणा में हस्तक्षेप किया: यह आवाजों की उत्कृष्ट बुनाई के पीछे खो गया था और वास्तव में शब्दों को नहीं सुना जा सकता था। इसलिए, चर्च के अधिकारी ऐसे कार्यों से सावधान थे और ग्रेगोरियन मंत्रों के आधार पर एकरसता की वापसी की वकालत करते थे। चर्च संगीत में पॉलीफोनी की अनुमति के सवाल पर चर्च ऑफ ट्रेंट ऑफ कैथोलिक चर्च (1545-1563) में भी चर्चा की गई थी। पोप के करीब, फिलिस्तीन ने चर्च के नेताओं को ऐसे कार्यों के निर्माण की संभावना के बारे में आश्वस्त किया जहां रचना तकनीक पाठ की समझ में हस्तक्षेप नहीं करेगी। सबूत के तौर पर, उन्होंने पोप मार्सेलो मास (1555) की रचना की, जो हर शब्द की स्पष्ट और अभिव्यंजक ध्वनि के साथ जटिल पॉलीफोनी को जोड़ती है। इस प्रकार, संगीतकार ने पेशेवर पॉलीफोनिक संगीत को चर्च अधिकारियों के उत्पीड़न से "बचाया"। 1577 में, संगीतकार को क्रमिक सुधार पर चर्चा करने के लिए आमंत्रित किया गया था - कैथोलिक चर्च के पवित्र मंत्रों का संग्रह। 80 के दशक में। फिलिस्तीन को ठहराया गया था, और 1584 में सोसाइटी ऑफ मास्टर्स ऑफ म्यूजिक का सदस्य बन गया - संगीतकारों का एक संघ जो सीधे पोप के अधीनस्थ था।

फिलिस्तीन की रचनात्मकता एक उज्ज्वल दृष्टिकोण से प्रभावित है। उनके द्वारा बनाए गए कार्यों ने उनके समकालीनों को उच्चतम कौशल और मात्रा (सौ से अधिक द्रव्यमान, तीन सौ मोट्स, एक सौ मैड्रिगल) दोनों के साथ चकित कर दिया। संगीत की जटिलता कभी भी इसकी धारणा में बाधा नहीं रही है। संगीतकार जानता था कि रचनाओं के परिष्कार और श्रोता तक उनकी पहुंच के बीच बीच का रास्ता कैसे खोजा जाए। फिलिस्तीन ने एक अभिन्न बड़े काम को विकसित करने में मुख्य रचनात्मक कार्य देखा। उनके मंत्रों में प्रत्येक आवाज स्वतंत्र रूप से विकसित होती है, लेकिन साथ ही साथ बाकी के साथ एक ही पूरे का निर्माण होता है, और अक्सर आवाजें जीवाओं के आश्चर्यजनक सुंदर संयोजनों में जुड़ जाती हैं। अक्सर ऊपरी आवाज का माधुर्य दूसरों के ऊपर मंडराता है, जो पॉलीफोनी के "गुंबद" को रेखांकित करता है; सभी आवाजें तरल और विकसित हैं।

अगली पीढ़ी के संगीतकारों ने जियोवानी दा फिलिस्तीन की कला को अनुकरणीय, शास्त्रीय माना। १७वीं-१८वीं शताब्दी के कई उत्कृष्ट संगीतकारों ने उनकी रचनाओं का अध्ययन किया।

1.3.2 विनीशियन स्कूल

पुनर्जागरण संगीत की एक और दिशा विनीशियन स्कूल के संगीतकारों के काम से जुड़ी है, जिसके संस्थापक एड्रियन विलार्ट (लगभग 1485-1562) थे। उनके छात्र ऑर्गेनिस्ट और संगीतकार एंड्रिया गेब्रियल (1500 और 1520 के बीच - 1586 के बाद), संगीतकार साइप्रियन डी पोप (1515 या 1516-1565) और अन्य संगीतकार थे। जबकि फिलिस्तीन के कार्यों में स्पष्टता और सख्त संयम की विशेषता है, विलार्ट और उनके अनुयायियों ने एक शानदार कोरल शैली विकसित की। सराउंड साउंड प्राप्त करने के लिए, लय बजाते हुए, उन्होंने मंदिर के विभिन्न स्थानों में स्थित अपनी रचनाओं में कई गायक मंडलियों का उपयोग किया। गाना बजानेवालों के बीच रोल कॉल के उपयोग ने चर्च के स्थान को अभूतपूर्व प्रभावों से भरना संभव बना दिया। इस दृष्टिकोण ने पूरे युग के मानवतावादी आदर्शों को भी प्रतिबिंबित किया - अपनी प्रसन्नता, स्वतंत्रता और स्वयं विनीशियन कलात्मक परंपरा के साथ - उज्ज्वल और असामान्य सब कुछ के लिए प्रयास के साथ। वेनिस के उस्तादों के कार्यों में, संगीत की भाषा भी अधिक जटिल हो गई: यह जीवाओं के साहसिक संयोजनों, अप्रत्याशित सामंजस्य से भर गई।

एक हड़ताली पुनर्जागरण व्यक्ति कार्लो गेसुल्डो डि वेनोसा (लगभग १५६०-१६१३), वेनोसा शहर के राजकुमार थे, जो धर्मनिरपेक्ष मद्रिगल के महानतम आचार्यों में से एक थे। उन्होंने एक परोपकारी, लुटेरा कलाकार, संगीतकार के रूप में ख्याति प्राप्त की। प्रिंस गेसुल्डो इतालवी कवि टोरक्वेटो टैसो के मित्र थे; अभी भी दिलचस्प पत्र हैं जिनमें दोनों कलाकार साहित्य, संगीत और ललित कला के मुद्दों पर चर्चा करते हैं। टैसो गेसुल्डो डि वेनोसा की कई कविताओं को संगीत पर सेट किया गया था - इस तरह कई अत्यधिक कलात्मक मैड्रिगल दिखाई दिए। देर से पुनर्जागरण के प्रतिनिधि के रूप में, संगीतकार ने एक नए प्रकार का मैड्रिगल विकसित किया, जहां भावनाएं पहले स्थान पर थीं - हिंसक और अप्रत्याशित। इसलिए, उनके कार्यों में मात्रा में परिवर्तन, स्वर, आहें और यहां तक ​​​​कि सिसकने के समान, तेज-ध्वनि वाले राग, विपरीत गति परिवर्तन की विशेषता है। इन तकनीकों ने गेसुल्डो के संगीत को एक अभिव्यंजक, कुछ हद तक विचित्र चरित्र दिया, यह चकित था और साथ ही साथ समकालीनों को आकर्षित किया। Gesualdo di Venosa की विरासत में पॉलीफोनिक मैड्रिगल्स के सात संग्रह शामिल हैं; आध्यात्मिक कार्यों में - "पवित्र मंत्र"। उनका संगीत आज श्रोता को उदासीन नहीं छोड़ता।

१.४ इंग्लैंड

पुनर्जागरण के दौरान इंग्लैंड का सांस्कृतिक जीवन सुधार के साथ निकटता से जुड़ा था। १६वीं शताब्दी में प्रोटेस्टेंटवाद पूरे देश में फैल गया। कैथोलिक चर्च ने अपना प्रमुख स्थान खो दिया, एंग्लिकन चर्च राज्य बन गया, जिसने कैथोलिक धर्म के कुछ हठधर्मिता (मूल प्रावधानों) को मान्यता देने से इनकार कर दिया; अधिकांश मठों का अस्तित्व समाप्त हो गया। इन घटनाओं ने संगीत सहित अंग्रेजी संस्कृति को प्रभावित किया।

अंग्रेजी पुनर्जागरण संगीत कला ने 15 वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में शानदार उपस्थिति दर्ज की, जिसने जॉन डंस्टेबल के अद्वितीय रचनात्मक व्यक्तित्व को आगे बढ़ाया, जिन्होंने महाद्वीप पर एक मजबूत छाप छोड़ी। डंस्टेबल का काम मध्य युग के संगीत और पुनर्जागरण की पॉलीफोनी के बीच एक महत्वपूर्ण कड़ी है। पश्चिमी यूरोप में पॉलीफोनी के विकास के लिए उनके कार्यों की आम तौर पर मान्यता प्राप्त ऐतिहासिक भूमिका भी डनस्टेबल द्वारा विरासत में मिली और विकसित पॉलीफोनी (मध्ययुगीन इंग्लैंड में गठित) की महत्वपूर्ण परंपरा से पूर्व निर्धारित थी। उनके अलावा, १५वीं शताब्दी में, कई अंग्रेजी संगीतकारों के नाम जाने जाते थे, जिन्होंने मोटेट्स, जनता के हिस्से, कभी-कभी चांस और गाथागीत बनाए। उनमें से कुछ ने महाद्वीप पर काम किया, कुछ ड्यूक ऑफ बरगंडी के चैपल का हिस्सा थे। इनमें से, लियोनेल पावर इंग्लैंड में सबसे पहले लोगों में से एक का मालिक है - डंस्टेबल मास के साथ। उनके समकालीन थे जे. बेदिंघम, वन, जे. बेनेट, आर. मॉर्टन। 15वीं सदी के उत्तरार्ध में जे. बनस्टर, डब्ल्यू. लैम्बेउ, आर. डेवी, डब्ल्यू. फ्राई सक्रिय थे। उनमें से ज्यादातर चैपल में गायक थे और उन्होंने बहुत सारे चर्च संगीत लिखे। दोनों मुख्य शैलियों की पसंद और पॉलीफोनिक कौशल के लगातार विकास में, वे बड़े पैमाने पर डच स्कूल के साथ विलय हो गए, जो बदले में, इसकी स्थापना के समय डंस्टेबल की शैली के उदाहरण के लिए कोई छोटी राशि नहीं थी।

१६वीं शताब्दी में, इंग्लैंड की संगीत कला एक महत्वपूर्ण विविधता तक पहुँचती है। कैथोलिक संगीत के पारंपरिक रूपों और लैटिन ग्रंथों पर आध्यात्मिक भावों के साथ, अंग्रेजी में मोनोफोनिक स्तोत्र पहले ही सदी के मध्य से लिखे जा चुके हैं - सुधार की एक विशिष्ट घटना। यह उत्सुक है कि वही जॉन मेरबेक (लगभग १५१०-१५८५), जिन्होंने विंचेस्टर के बिशप की सेवा में लैटिन मोटेट्स का निर्माण किया, १५४९ में अंग्रेजी ग्रंथों पर भजनों का पहला संग्रह प्रकाशित किया। उनके साथ सदी के पूर्वार्द्ध में अंग्रेजी पॉलीफोनिस्ट, बड़े रूपों के लेखक जॉन टैवर्नर, जॉन रेडफोर्ड, निकोले लुडफोर्ड; क्रिस्टोफर थाय, थॉमस टैलिस, रॉबर्ट व्हाइट का रचनात्मक जीवन थोड़ा लंबा चला।

साथ ही, नए युग की मानवतावादी नींव ने 16 वीं शताब्दी में इंग्लैंड को मुखर और वाद्य दोनों रूपों में धर्मनिरपेक्ष संगीत कला के पहले उच्च फूल की ओर अग्रसर किया। अंग्रेजी संगीतकारों की नई पीढ़ी जिन्होंने १६वीं शताब्दी की अंतिम तिमाही में प्रदर्शन किया और १७वीं शताब्दी के पहले दशकों पर कब्जा कर लिया, उन्होंने अंग्रेजी पागलखानों का एक स्कूल बनाया। और उन्होंने वाद्य संगीत के एक नए क्षेत्र की नींव भी रखी - वर्जिन के लिए टुकड़े (एक प्रकार का हार्पसीकोर्ड), जो पहले से ही 17 वीं शताब्दी में व्यापक हो गया था।

मैड्रिगल्स विलियम बर्ड (1543 या 1544-1623), थॉमस मॉर्ले (1557-1603), जॉन विल्बी (1574-1638) और अन्य के अंग्रेजी लेखक शुरू में आधुनिक इतालवी मॉडल (मैड्रिगल, जैसा कि आप जानते हैं, पर कुछ हद तक निर्भर थे। इटली ), विशेष रूप से मारेंजियो पर, लेकिन फिर उन्होंने अपनी मौलिकता की खोज की - यदि शैली की व्याख्या में नहीं, तो पॉलीफोनी की प्रकृति में। पॉलीफोनी के विकास के अंतिम चरण में, 17 वीं शताब्दी की नई शैली की ओर बहुत ही महत्वपूर्ण मोड़ पर, अंग्रेजी मैड्रिगल इतालवी की तुलना में पॉलीफोनी बनावट के मामले में सरल है, अधिक होमोफोनिक, कभी-कभी नृत्य की लयबद्ध विशेषताएं भी। . डंस्टेबल के समय के विपरीत, 16 वीं शताब्दी के अंत तक अंग्रेजी पॉलीफोनिक स्कूल मुख्य रूप से राष्ट्रीय हित में है (इसकी परंपराएं 17 वीं शताब्दी में प्रसारित होती हैं और परसेल तक पहुंचती हैं), लेकिन, अपने तरीके से आगे बढ़ते हुए, इसका अब ध्यान देने योग्य प्रभाव नहीं है। पश्चिमी यूरोप की संगीत कला।

पुनर्जागरण के अंग्रेजी रंगमंच में संगीत की महत्वपूर्ण भूमिका पर भी ध्यान देना आवश्यक है। यह भूमिका अपने समय में विशिष्ट है: इंग्लैंड में लंबे समय तक ओपेरा के उद्भव के लिए कोई पूर्वापेक्षाएँ नहीं थीं, और कुछ भी इसे अभी तक तैयार नहीं किया था। नाटक थिएटर में संगीत मुख्य रूप से रोजमर्रा की जिंदगी की घटना के रूप में (लेकिन आंतरिक रूप से नाटकीय घटक के रूप में नहीं) और "मुखौटा" की शैली में शाही दरबार में शानदार प्रदर्शनों में भाग लिया, जिसमें शानदार प्रभाव, बैले दृश्य, मुखर और वाद्य अंश, और काव्य पाठ।

शेक्सपियर के नाटकों में, कार्रवाई के दौरान, कुछ शब्दों या नृत्यों की लोकप्रिय धुनें जो उस समय प्रसिद्ध थीं, जैसे कि गैलियार्ड, को अक्सर कहा जाता है। संगीत उनके लिए कार्रवाई की पृष्ठभूमि बन गया, एक तरह का "पर्यावरण", कुछ मनोवैज्ञानिक बारीकियों में लाया, यही वजह है कि शेक्सपियर को रोजमर्रा की जिंदगी की शैलियों से ज्यादा कुछ नहीं चाहिए।

उसी समय, ऑक्सफोर्ड और कैम्ब्रिज विश्वविद्यालयों में संगीत विभाग खोले गए।

१.५ जर्मनी

XVI सदी तक। जर्मनी में पहले से ही एक समृद्ध लोककथा थी, मुख्य रूप से मुखर। संगीत हर जगह बजता था: उत्सवों में, चर्च में, सामाजिक कार्यक्रमों में और एक सैन्य शिविर में। किसान युद्ध और सुधार ने लोक गीतों में एक नया उभार पैदा किया। कई अभिव्यंजक लूथरन भजन हैं, जिनमें से लेखक अज्ञात है। कोरल गायन लूथरन पूजा का एक अभिन्न रूप बन गया है। प्रोटेस्टेंट मंत्र ने सभी यूरोपीय संगीत के बाद के विकास को प्रभावित किया। लेकिन सबसे पहले, खुद जर्मनों की संगीतमयता पर, जो आज संगीत की शिक्षा को प्राकृतिक विज्ञान से कम महत्वपूर्ण नहीं मानते हैं - अन्यथा पॉलीफोनिक गाना बजानेवालों में कैसे भाग लें?

१६वीं शताब्दी में जर्मनी में संगीत के विविध रूप। आश्चर्य: श्रोवटाइड में बैले और ओपेरा का मंचन किया गया। के। पॉमैन, पी। हॉफहाइमर जैसे नामों का उल्लेख नहीं करना असंभव है। ये ऐसे संगीतकार हैं जिन्होंने मुख्य रूप से अंग के लिए धर्मनिरपेक्ष और चर्च संगीत की रचना की। वे उत्कृष्ट फ्रेंको-फ्लेमिश संगीतकार, डच स्कूल ओ। लासो के प्रतिनिधि से जुड़े हुए हैं। उन्होंने कई यूरोपीय देशों में काम किया है। पुनर्जागरण के विभिन्न यूरोपीय संगीत विद्यालयों की उपलब्धियों को सामान्यीकृत और नवीन रूप से विकसित किया। पंथ और धर्मनिरपेक्ष कोरल संगीत के मास्टर (2000 से अधिक रचनाएँ।)।

लेकिन जर्मन संगीत में वास्तविक क्रांति हेनरिक शुट्ज़ (1585-1672), संगीतकार, कंडक्टर, ऑर्गनिस्ट, शिक्षक द्वारा की गई थी। नेशनल स्कूल ऑफ कंपोजिशन के संस्थापक, आई.एस. के पूर्ववर्तियों में सबसे बड़े। बाख। शुट्ज़ ने पहला जर्मन ओपेरा डाफ्ने (1627), ओपेरा-बैले ऑर्फियस और यूरीडाइस (1638) लिखा; मैड्रिगल्स, आध्यात्मिक कैंटटा-ओराटोरियो रचनाएँ ("जुनून", संगीत कार्यक्रम, प्रेरक, भजन, आदि)।

सुधार आंदोलन के संस्थापक मार्टिन लूथर (1483-1546) का मानना ​​था कि चर्च संगीत में सुधार की जरूरत है। संगीत, सबसे पहले, पूजा में पैरिशियनों की अधिक सक्रिय भागीदारी को बढ़ावा देना चाहिए (पॉलीफ़ोनिक रचनाओं का प्रदर्शन करते समय यह असंभव था), और दूसरी बात, इसे बाइबिल की घटनाओं के लिए सहानुभूति उत्पन्न करनी चाहिए (जो लैटिन में सेवा के संचालन से बाधित थी)। इस प्रकार, चर्च गायन पर निम्नलिखित आवश्यकताएं लगाई गईं: माधुर्य की सादगी और स्पष्टता, यहां तक ​​कि लय, जप का स्पष्ट रूप। इस आधार पर, प्रोटेस्टेंट मंत्र का उदय हुआ - जर्मन पुनर्जागरण के चर्च संगीत की मुख्य शैली। १५२२ में, लूथर ने नए नियम का जर्मन में अनुवाद किया, और अब उसकी मूल भाषा में उपासना करना संभव हो गया।

स्वयं लूथर, साथ ही उनके मित्र, जर्मन संगीत सिद्धांतकार जोहान वाल्टर (1490-1570) ने कोरल के लिए धुनों के चयन में सक्रिय भाग लिया। ऐसी धुनों के मुख्य स्रोत लोक आध्यात्मिक और धर्मनिरपेक्ष गीत थे - व्यापक रूप से ज्ञात और समझने में आसान। लूथर ने स्वयं कुछ कोरलों के लिए धुनों की रचना की। उनमें से एक, "प्रभु हमारा समर्थन है", 16वीं शताब्दी के धार्मिक युद्धों के दौरान सुधार का प्रतीक बन गया।

1.6 स्पेन

लंबे समय तक, स्पेन का संगीत चर्च के प्रभाव में था, जिसमें सामंती-कैथोलिक प्रतिक्रिया भड़क उठी। संगीत पर प्रति-सुधार के हमले के रूप में ऊर्जावान था, पोपसी अपने पूर्व पदों को पूरी तरह से पुनः प्राप्त करने में सफल नहीं हुआ। बुर्जुआ संबंधों की स्थापना ने नए आदेश निर्धारित किए।

स्पेन में, 16 वीं शताब्दी में पुनर्जागरण के संकेत काफी स्पष्ट रूप से प्रकट हुए थे, और इसके लिए आवश्यक शर्तें, जाहिरा तौर पर, पहले भी उठी थीं। यह ज्ञात है कि पहले से ही 15 वीं शताब्दी में स्पेन और इटली के बीच, स्पेनिश चैपल और गायक-संगीतकारों के बीच लंबे और मजबूत संगीत संबंध थे - और रोम में पोप चैपल, साथ ही चैपल के चैपल मिलान में ड्यूक ऑफ बरगंडी और ड्यूक ऑफ स्फोर्ज़ा, अन्य यूरोपीय संगीत केंद्रों का उल्लेख नहीं करने के लिए। १५वीं शताब्दी के अंत से, जैसा कि आप जानते हैं, स्पेन, ऐतिहासिक परिस्थितियों की समग्रता के लिए धन्यवाद (पुनर्गठन का अंत, अमेरिका की खोज, यूरोप के भीतर नए राजवंशीय संबंध), पश्चिमी यूरोप में बहुत बड़ी ताकत हासिल की। एक ही समय में एक रूढ़िवादी कैथोलिक राज्य शेष और विदेशी क्षेत्रों की जब्ती में काफी आक्रामकता दिखा रहा है (जिसे इटली ने तब पूर्ण रूप से अनुभव किया था)। १६वीं शताब्दी के सबसे बड़े स्पेनिश संगीतकार, पहले की तरह, चर्च की सेवा में थे। तब वे अपनी स्थापित परंपराओं के साथ डच पॉलीफोनिक स्कूल के प्रभाव का अनुभव करने में मदद नहीं कर सके। यह पहले ही कहा जा चुका है कि इस स्कूल के उत्कृष्ट प्रतिनिधियों ने एक से अधिक बार स्पेन का दौरा किया है। दूसरी ओर, स्पैनिश स्वामी, कुछ अपवादों के साथ, लगातार इतालवी और डच संगीतकारों से मिले, जब उन्होंने स्पेन छोड़ दिया और रोम में काम किया।

लगभग सभी प्रमुख स्पेनिश संगीतकारों ने जल्दी या बाद में पोप चैपल में प्रवेश किया और इसकी गतिविधियों में भाग लिया, जिससे इसकी रूढ़िवादी अभिव्यक्ति में सख्त पॉलीफोनी की मूल परंपरा को और भी मजबूती से महारत हासिल हुई। सबसे बड़ा स्पेनिश संगीतकार क्रिस्टोबल डी मोरालेस (1500 या 1512-1553), अपने देश के बाहर महिमामंडित, 1535-1545 में रोम में पोप चैपल में था, जिसके बाद उन्होंने टोलेडो में मेट्रिसा और फिर मलागा में कैथेड्रल चैपल का नेतृत्व किया।

मोरालेस एक प्रमुख पॉलीफोनिस्ट थे, जो जनता, मोट्स, भजन और अन्य मुखर, ज्यादातर कोरल कार्यों के लेखक थे। उनके काम की दिशा स्वदेशी स्पेनिश परंपराओं के संश्लेषण और उस समय के डच और इटालियंस के पॉलीफोनिक कौशल के आधार पर विकसित हुई। कई वर्षों (1565-1594) के लिए, स्पेनिश आचार्यों की अगली पीढ़ी के सर्वश्रेष्ठ प्रतिनिधि, थॉमस लुइस डी विक्टोरिया (सी। 1548-1611), रोम में रहते थे और काम करते थे, जो परंपरा से, लेकिन बहुत सटीक रूप से नहीं, जिम्मेदार ठहराया जाता है फिलिस्तीनी स्कूल के लिए। संगीतकार, गायक, ऑर्गेनिस्ट, बैंडमास्टर, विक्टोरिया ने डचों की तुलना में फिलिस्तीन के करीब एक कैपेला पॉलीफोनी की सख्त शैली में जन, मोट्स, स्तोत्र और अन्य पवित्र रचनाएँ बनाईं, लेकिन फिर भी फिलिस्तीन के समान नहीं - स्पेनिश मास्टर के पास कम सख्त था संयम और अधिक अभिव्यक्ति। इसके अलावा, विक्टोरिया के बाद के कार्यों में, "फिलिस्तीनी परंपरा" को पॉलीकोरस, कंसर्टनेस, टिम्ब्रे कॉन्ट्रास्ट और अन्य नवाचारों के पक्ष में तोड़ने की इच्छा भी है, जिससे उनकी उत्पत्ति वेनिस स्कूल से अधिक होने की संभावना है।

अन्य स्पेनिश संगीतकार, जो मुख्य रूप से पवित्र संगीत के क्षेत्र में काम करते थे, वे भी रोम में पोप चैपल के अस्थायी गायक थे। १५१३-१५२३ के वर्षों में, ए। डी रिबेरा चैपल के सदस्य थे, १५३६ से बी। एस्कोबेडो वहां एक गायक थे, १५०७-१५३९ में - एक्स। एस्क्रिबानो, थोड़ी देर बाद - एम। रोबल्डो। उन सभी ने सख्त शैली में पॉलीफोनिक पवित्र संगीत लिखा। केवल फ़्रांसिस्को ग्युरेरो (1528-1599) हमेशा स्पेन में रहा और काम किया। फिर भी, उनके जनसमूह, मोटेट्स, गीतों को देश के बाहर सफलता मिली, अक्सर वाद्य अनुकूलन के लिए सामग्री के रूप में लुटिस्टों और विहुएलिस्टों का ध्यान आकर्षित किया।

धर्मनिरपेक्ष मुखर शैलियों में से, सबसे आम तब स्पेन में पॉलीफोनिक गीत का विलांसियो-जीनस था, कभी-कभी कुछ अधिक पॉलीफोनिक, फिर, अधिक बार, होमोफोनी की ओर गुरुत्वाकर्षण, रोजमर्रा की जिंदगी से उत्पन्न हुआ, लेकिन पेशेवर रूप से विकसित हुआ। हालांकि, इस शैली के सार के बारे में इसे वाद्य संगीत से अलग किए बिना बोलना चाहिए। १६वीं शताब्दी का विलनिको - अक्सर विहुएला या ल्यूट के लिए एक गीत, अपने चुने हुए वाद्य के लिए एक प्रमुख कलाकार और संगीतकार का निर्माण।

और अनगिनत विलेनसियो में, और सामान्य तौर पर स्पेन के रोजमर्रा के संगीत में, राष्ट्रीय माधुर्य असामान्य रूप से समृद्ध और विशेषता है - एक प्रकार, जो इतालवी, फ्रेंच और इससे भी अधिक जर्मन, धुनों से अपने मतभेदों को बरकरार रखता है। स्पेनिश माधुर्य ने सदियों से अपनी इस विशेषता को आगे बढ़ाया है, न केवल राष्ट्रीय, बल्कि विदेशी संगीतकारों का ध्यान हमारे समय तक आकर्षित किया है। न केवल इसकी स्वर संरचना अजीबोगरीब है, बल्कि लय भी बहुत अजीब है, अलंकरण और कामचलाऊ तरीके मौलिक हैं, नृत्य आंदोलनों के साथ संबंध बहुत मजबूत है। फ्रांसिस्को डी सेलिनास "सेवन बुक्स ऑन म्यूजिक" (1577) के उपर्युक्त व्यापक काम में, कई कैस्टिलियन धुनें हैं जिन्होंने मुख्य रूप से अपने लयबद्ध पक्ष से विद्वान संगीतकार का ध्यान आकर्षित किया। ये छोटे मधुर अंश, कभी-कभी केवल तीसरी श्रेणी को कवर करते हैं, उनकी लय में आश्चर्यजनक रूप से दिलचस्प होते हैं: विभिन्न संदर्भों में लगातार सिंकोपेशन, लय में तेज रुकावट, प्राथमिक मोटर गतिविधि की पूर्ण अनुपस्थिति, लयबद्ध भावना की सामान्य निरंतर गतिविधि में, इसकी कोई जड़ता नहीं! लोक परंपरा से धर्मनिरपेक्ष मुखर शैलियों द्वारा समान गुणों को अपनाया गया था, जिनमें से अधिकांश विलेनसियो और विहुएला गीत की अन्य किस्में थीं।

स्पेन में इंस्ट्रुमेंटल शैलियों को व्यापक रूप से और स्वतंत्र रूप से ऑर्गेनिस्ट संगीतकारों के काम द्वारा प्रतिनिधित्व किया जाता है, जिनमें से सबसे बड़े एंटोनियो डी कैबेज़ोन (1510-1566), साथ ही साथ उनके कार्यों के असंख्य के साथ शानदार विह्युलिस्ट्स की एक पूरी आकाशगंगा, आंशिक रूप से मुखर से जुड़ी हुई है। विभिन्न मूल की धुनें (लोक गीतों और नृत्यों से लेकर आध्यात्मिक रचनाओं तक)। हम विशेष रूप से पुनर्जागरण के वाद्य संगीत के अध्याय में उनके पास लौटेंगे, ताकि इसके सामान्य विकास में उनका स्थान निर्धारित किया जा सके।

स्पैनिश संगीत थिएटर के इतिहास में शुरुआती चरण भी 16 वीं शताब्दी के हैं, जो कवि और संगीतकार जुआन डेल एनसिना की पहल पर पिछली शताब्दी के अंत में उत्पन्न हुआ था और एक नाटक थियेटर के रूप में लंबे समय तक अस्तित्व में था। कार्रवाई के विशेष रूप से निर्दिष्ट स्थानों में संगीत की बड़ी भागीदारी।

अंत में, स्पैनिश संगीतकारों की विद्वतापूर्ण गतिविधि ध्यान देने योग्य है, जिनमें से रामिस डी पारेजा को पहले से ही उनके सैद्धांतिक विचारों की प्रगति के लिए और उस समय स्पेनिश लोककथाओं के अपने अद्वितीय विचार के लिए फ्रांसिस्को सेलिनास का मूल्यांकन किया गया था। आइए हम कई स्पेनिश सिद्धांतकारों का भी उल्लेख करें जिन्होंने विभिन्न उपकरणों पर प्रदर्शन के सवालों के लिए अपना काम समर्पित किया है। संगीतकार, कलाकार (वायलन पर - बास वायोला दा गाम्बा), बैंडमास्टर डिएगो ऑर्टिज़ ने रोम में 1553 में ग्लोस पर अपना ग्रंथ प्रकाशित किया, जिसमें उन्होंने पहनावा (वायलोन और हार्पसीकोर्ड) में तात्कालिक बदलाव के नियमों को विस्तार से बताया। संगीतकार थॉमस डी संक्टा मारिया ने वलाडोलिड में "द आर्ट ऑफ प्लेइंग फैंटेसी" ग्रंथ (1565) प्रकाशित किया - अंग पर कामचलाऊ व्यवस्था के अनुभव को व्यवस्थित रूप से सामान्य बनाने का प्रयास: जुआन बरमूडो, जिन्होंने अपना "म्यूजिकल इंस्ट्रूमेंट्स पर घोषणा" (1555) जारी किया। इसमें शामिल ग्रेनेडा, वाद्ययंत्रों के बारे में जानकारी और उन्हें बजाने के अलावा, संगीत लेखन के कुछ प्रश्न (उन्होंने विशेष रूप से पॉलीफोनी के अधिभार पर आपत्ति जताई)।

इस प्रकार, पूरी तरह से स्पेनिश संगीत कला (इसके सिद्धांत के साथ) निस्संदेह 16 वीं शताब्दी में अपने पुनर्जागरण का अनुभव करती है, इस स्तर पर अन्य देशों के साथ कुछ कलात्मक संबंधों को प्रकट करती है, और ऐतिहासिक परंपराओं और स्पेन की सामाजिक आधुनिकता के कारण महत्वपूर्ण अंतर।

2. संगीत सौंदर्यशास्त्र

२.१ वाद्य संगीत की शैलियों और रूपों का विकास

पुनर्जागरण संगीत ओपेरा मिस्टरसिंगर

हम पुनर्जागरण के लिए एक स्वतंत्र कला के रूप में वाद्य संगीत के गठन का श्रेय देते हैं। इस समय, कई वाद्य यंत्र, विविधताएं, प्रस्तावनाएं, कल्पनाएं, रोंडो, टोकाटा दिखाई दिए। वायलिन, हार्पसीकोर्ड, अंग धीरे-धीरे एकल वाद्ययंत्रों में बदल गए। उनके लिए लिखे गए संगीत ने न केवल संगीतकार के लिए, बल्कि कलाकार के लिए भी प्रतिभा दिखाना संभव बनाया। मुख्य रूप से सराहना की गई सद्गुण (तकनीकी कठिनाइयों से निपटने की क्षमता), जो धीरे-धीरे कई संगीतकारों और एक कलात्मक मूल्य के लिए अपने आप में एक अंत बन गई। १७वीं-१८वीं शताब्दी के संगीतकारों ने आमतौर पर न केवल संगीत की रचना की, बल्कि वाद्ययंत्रों को भी महारत से बजाया और शैक्षणिक गतिविधियों में लगे रहे। कलाकार की भलाई काफी हद तक विशिष्ट ग्राहक पर निर्भर करती है। एक नियम के रूप में, प्रत्येक गंभीर संगीतकार ने या तो एक सम्राट या एक धनी अभिजात के दरबार में जगह पाने की मांग की (बड़प्पन के कई सदस्यों के अपने स्वयं के आर्केस्ट्रा या ओपेरा हाउस थे), या एक मंदिर में। इसके अलावा, अधिकांश संगीतकारों ने आसानी से चर्च संगीत-निर्माण को एक धर्मनिरपेक्ष संरक्षक के साथ सेवा के साथ जोड़ दिया।

इतालवी और फ्रांसीसी संगीतकारों के बीच 14 वीं -15 वीं शताब्दी के कई मुखर कार्यों का चरित्र मुखर (श्रेणी के संदर्भ में, आवाज-अग्रणी के चरित्र, मौखिक पाठ के साथ सहसंबंध या हस्ताक्षरित शब्दों की कमी के संदर्भ में) से अधिक महत्वपूर्ण है। यह पूरी तरह से इतालवी कच्छा आर्स नोवा पर लागू होता है, फ्रांस में "संक्रमणकालीन" अवधि (शुरुआती 15 वीं शताब्दी) के कई कार्यों के लिए। संगीत संकेतन में कुछ उपकरणों के उपयोग का कोई प्रत्यक्ष संकेत नहीं है। जाहिर है, यह उनकी क्षमताओं के आधार पर कलाकारों की इच्छा पर छोड़ दिया गया था, खासकर जब से लेखक स्वयं आमतौर पर उनमें से थे।

सिद्धांत रूप में, प्रत्येक मुखर कार्य - एक द्रव्यमान का हिस्सा, मोटेट, चांसन, फ्रोटोला, मैड्रिगल (सिस्टिन चैपल के लिए जनता के अपवाद के साथ, जहां उपकरणों की भागीदारी की अनुमति नहीं थी) - व्यवहार में या तो दोहरीकरण के साथ किया जा सकता है वाद्ययंत्रों के साथ मुखर भागों का, या आंशिक रूप से (एक या दो स्वर) केवल वाद्ययंत्रों के साथ, या पूरी तरह से किसी अंग या वाद्ययंत्रों के समूह पर। यह अनिवार्य रूप से एक स्थिर प्रकार का प्रदर्शन नहीं था, अर्थात् मूल रूप से पॉलीफोनी वोकल में उपकरणों को पेश करने की प्रक्रिया। इस तरह, उदाहरण के लिए, "अंग द्रव्यमान" उत्पन्न हुआ - एक मध्यवर्ती, संक्रमणकालीन घटना। उन रचनाओं में जहां ऊपरी आवाज अपने अर्थ में बाहर खड़ी थी (जैसा कि अक्सर ड्यूफे या बेंशुआ के मामले में होता था), वाद्ययंत्रों का उपयोग सबसे अधिक संभावना स्वरों के साथ "मेलोडी" या एक हार्मोनिक बास के साथ जुड़ा हुआ था। लेकिन डच स्कूल के विशेष रूप से विकसित पॉलीफोनी में भागों के "समतल" के साथ, कोई मान सकता है (उदाहरण के लिए, चांसन में) मुखर और वाद्य बलों के किसी भी अनुपात, उपकरणों के एक समूह द्वारा पूरे टुकड़े के प्रदर्शन तक . साथ ही, कुछ अन्य विशेष संभावनाओं को भी ध्यान में रखना चाहिए जो संगीत संकेतन में दर्ज नहीं हैं। यह ज्ञात है कि अंग पर, उदाहरण के लिए, पहले से ही 15 वीं शताब्दी में, अनुभवी कलाकार, एक गीत को संसाधित करते समय, "रंगीन" (सजाया) इसकी धुन। शायद वादक, मुखर संगीत के प्रदर्शन में एक या दूसरे की भागीदारी के साथ, अपने हिस्से में तात्कालिक सजावट भी जोड़ सकते थे, जो विशेष रूप से स्वाभाविक था यदि लेखक स्वयं अंग पर बैठ गया। इस सब के बाद, यह आश्चर्य की बात नहीं है कि 16 वीं शताब्दी में, जब वाद्य विधाएं पहले से ही आकार ले रही थीं, तब भी "प्रति कैंटारे ओ सोनारे" ("गायन या वादन के लिए") पदनाम के साथ पॉलीफोनिक काम अक्सर दिखाई देते थे। यह अंतत: मौजूदा प्रथा की पूर्ण स्वीकृति थी!

रोजमर्रा के संगीत में, विशेष रूप से नृत्य में, अगर वे गीत में नहीं जाते (स्पेन में, गीत और नृत्य के संयोजन अक्सर होते हैं), तो वाद्य यंत्र बने रहे, इसलिए बोलने के लिए, मुखर नमूनों से मुक्त, लेकिन प्रत्येक की शैली के आधार पर जुड़ा हुआ है नृत्य, लय और आंदोलन का प्रकार। इस तरह की कला का समन्वय अभी भी लागू था।

अविभाज्य घटनाओं के इस सामान्य द्रव्यमान से, संगीत संकेतन में परिलक्षित नहीं होने वाले अभ्यास से, मुखर और वाद्य सिद्धांतों को आत्मसात करने की लंबी प्रक्रिया से, समय के साथ वाद्य शैलियों का विकास उचित रूप से आगे बढ़ा। यह केवल १५वीं शताब्दी में ही रेखांकित किया गया था, यह १६वीं शताब्दी के दौरान मूर्त हो गया था, स्वतंत्रता का मार्ग अभी भी लंबा था, और केवल कुछ रूपों (सुधारात्मक) में ही संगीत लेखन का वाद्यवाद वास्तव में उभरा। आत्मनिर्णय के लिए वाद्य संगीत के मार्ग के पहले चरण में, दो शैली क्षेत्रों की पहचान की गई, जिनकी अपनी विशिष्ट प्रवृत्ति थी। उनमें से एक मुख्य रूप से बड़े रूपों के साथ पॉलीफोनिक, "अकादमिक" परंपरा से जुड़ा हुआ है। दूसरा रोजमर्रा के संगीत, गीत और नृत्य की परंपरा पर आधारित है। पहला मुख्य रूप से अंग के लिए रचनाओं द्वारा दर्शाया गया है, दूसरा - मुख्य रूप से ल्यूट प्रदर्शनों की सूची द्वारा। उनके बीच कोई अगम्य रेखा नहीं है। हम केवल कुछ परंपराओं की प्रधानता के बारे में बात कर सकते हैं, हालांकि, संपर्क के स्पष्ट बिंदुओं के साथ। तो, ल्यूट के लिए काम में पॉलीफोनिक उपकरणों को बाहर नहीं किया जाता है, और अंगों में गीतों पर संगीत विविधताएं जल्द ही दिखाई देती हैं। दोनों उपकरणों पर, कामचलाऊ रूपों का विकास शुरू होता है, जिसमें इस उपकरण की विशिष्टता सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट होती है - मुखर नमूनों से लगभग पूर्ण स्वतंत्रता के साथ। वाद्यवाद की ये मामूली सफलताएँ एक लंबी तैयारी के बाद हासिल की गईं, जो ठीक पुनर्जागरण में हुई और उस समय के बहुत ही संगीत अभ्यास में निहित थी।

२.२ पुनर्जागरण के संगीत वाद्ययंत्र

पुनर्जागरण के दौरान, संगीत वाद्ययंत्रों की संरचना में काफी विस्तार हुआ, पहले से मौजूद तारों और हवाओं में नई किस्में जोड़ी गईं। उनमें से, एक विशेष स्थान पर उल्लंघन का कब्जा है - झुके हुए तारों का एक परिवार, उनकी सुंदरता और ध्वनि की बड़प्पन के साथ हड़ताली। रूप में, वे आधुनिक वायलिन परिवार (वायलिन, वायोला, सेलो) के वाद्ययंत्रों से मिलते जुलते हैं और यहां तक ​​​​कि उनके तत्काल पूर्ववर्ती माने जाते हैं (वे 18 वीं शताब्दी के मध्य तक संगीत अभ्यास में सह-अस्तित्व में थे)। हालांकि, अंतर, और महत्वपूर्ण, अभी भी है। Violas में प्रतिध्वनित तार की एक प्रणाली होती है; एक नियम के रूप में, उनमें से कई मुख्य हैं (छह से सात)। गूंजने वाले तारों के कंपन वायोला की ध्वनि को नरम, मखमली बनाते हैं, लेकिन ऑर्केस्ट्रा में वाद्य यंत्र का उपयोग करना मुश्किल होता है, क्योंकि बड़ी संख्या में तारों के कारण यह जल्दी से खराब हो जाता है। लंबे समय तक, वायोला की आवाज़ को संगीत में परिष्कार का एक मॉडल माना जाता था। वियोला परिवार में तीन मुख्य प्रकार हैं। वियोला दा गाम्बा एक बड़ा वाद्य यंत्र है जिसे कलाकार ने अपने पैरों से लंबवत रखा और पक्षों से जकड़ा हुआ है (इतालवी शब्द गाम्बा का अर्थ है "घुटने")। दो अन्य किस्में - वायोला दा ब्रासियो (इतालवी ब्रेकियो से - "प्रकोष्ठ") और वायल डी "क्यूपिड (एफआर। वायल डी" एमोर - "प्रेम का वायोला") क्षैतिज रूप से उन्मुख थे, और जब खेला जाता था, तो उन्हें कंधे के खिलाफ दबाया जाता था। वायोला दा गाम्बा ध्वनि की अपनी सीमा में सेलो के करीब है, वायोला दा ब्रासियो - वायलिन के लिए, और वायोला डी "क्यूपिड" वायोला के लिए। यह 14 वीं शताब्दी के अंत में मध्य पूर्व से यूरोप आया था, और १६वीं शताब्दी की शुरुआत तक इस वाद्य यंत्र के लिए एक विशाल प्रदर्शनों की सूची थी; सबसे पहले, ल्यूट की संगत में गाने गाए जाते थे। ल्यूट का शरीर छोटा होता है; ऊपरी भाग सपाट होता है, और निचला भाग एक गोलार्ध जैसा दिखता है । एक चौड़ी गर्दन एक फ्रेटबोर्ड से जुड़ी होती है, जिसे फ्रेट्स द्वारा अलग किया जाता है, और यंत्र का सिर लगभग एक समकोण पर मुड़ा हुआ होता है। १६वीं शताब्दी में, विभिन्न प्रकार के कीबोर्ड उभरे, और मुख्य प्रकार के ऐसे उपकरण - हार्पसीकोर्ड , क्लैविचॉर्ड, हार्पसीकोर्ड, हार्पसीकोर्ड, वर्जिन - पुनर्जागरण संगीत में सक्रिय रूप से उपयोग किए गए थे, लेकिन उनका असली दिन बाद में आया।

2.3 ओपेरा का जन्म (फ्लोरेंटाइन कैमराटा)

पुनर्जागरण के अंत को संगीत के इतिहास में सबसे महत्वपूर्ण घटना - ओपेरा के जन्म द्वारा चिह्नित किया गया था।

मानवतावादियों, संगीतकारों और कवियों का एक समूह अपने नेता, काउंट जियोवानी डी बर्दी (1534-1612) के तत्वावधान में फ्लोरेंस में एकत्रित हुआ। समूह को "कैमराटा" कहा जाता था, इसके मुख्य सदस्य गिउलिओ कैकिनी, पिएत्रो स्ट्रोज़ी, विन्सेन्ज़ो गैलीली (खगोलविद गैलीलियो गैलीली के पिता), गिलोरमो मेई, एमिलियो डी कैवलियरी और ओटावियो रिनुकिनी अपने छोटे वर्षों में थे।

समूह की पहली प्रलेखित बैठक 1573 में हुई, और "फ्लोरेंटाइन कैमराटा" के काम के सबसे सक्रिय वर्ष 1577-1582 थे।

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पुनर्जागरण का सौंदर्यशास्त्र उस भव्य क्रांति से जुड़ा है जो इस युग में सार्वजनिक जीवन के सभी क्षेत्रों में हो रही है: अर्थशास्त्र, विचारधारा, संस्कृति, विज्ञान और दर्शन में। शहरी संस्कृति का उत्कर्ष, महान भौगोलिक खोजें जिसने किसी व्यक्ति के क्षितिज का अत्यधिक विस्तार किया, शिल्प से निर्माण तक का संक्रमण इस समय का है।

उत्पादक शक्तियों का क्रांतिकारी विकास, सामंती संपत्ति और दुकान संबंधों का विघटन, जो उत्पादन को बांधता है, व्यक्ति की मुक्ति की ओर ले जाता है, इसके स्वतंत्र और सार्वभौमिक विकास के लिए स्थितियां पैदा करता है। निस्संदेह, यह सब विश्वदृष्टि की प्रकृति को प्रभावित नहीं कर सका। पुनर्जागरण के दौरान, दुनिया पर विचारों की मध्ययुगीन प्रणाली के कट्टरपंथी टूटने और एक नई, मानवतावादी, विचारधारा के गठन की प्रक्रिया होती है। यह प्रक्रिया संगीत सौंदर्यशास्त्र में भी परिलक्षित होती है। पहले से ही XIV सदी एक नए सौंदर्यवादी विश्वदृष्टि के जागरण के लक्षणों से भरी हुई थी। अर्स नोवा की कला और सौंदर्यशास्त्र, जॉन डी ग्रोहियो के ग्रंथ और पडुआ के मार्चेटो ने धीरे-धीरे मध्ययुगीन संगीत सिद्धांत की पारंपरिक प्रणाली को चकनाचूर कर दिया। यहाँ संगीत का धार्मिक दृष्टिकोण, स्वर्गीय संगीत की एक निश्चित अकल्पनीय भावना की मान्यता पर आधारित था, को कम करके आंका गया था। हालांकि, मध्ययुगीन संगीत सिद्धांत की सदियों पुरानी परंपरा पूरी तरह से नष्ट नहीं हुई थी। संगीत सौंदर्यशास्त्र को अंतत: उन पारंपरिक ढाँचों से मुक्त होने में एक और सदी लग गई, जिसने इसे जकड़ लिया था।

संगीत के उद्देश्य के प्रश्न की व्याख्या में पुनर्जागरण का संगीत सौंदर्यशास्त्र वास्तविक अभ्यास पर आधारित है, जो सार्वजनिक जीवन में संगीत के असाधारण विकास की विशेषता है। इस समय, इटली, फ्रांस, जर्मनी के शहरों में सैकड़ों संगीत मंडल बनाए गए, जिसमें वे उत्साहपूर्वक रचना का अध्ययन करते हैं या विभिन्न संगीत वाद्ययंत्र बजाते हैं। संगीत का अधिकार और उसका ज्ञान धर्मनिरपेक्ष संस्कृति और धर्मनिरपेक्ष शिक्षा के आवश्यक तत्व बन जाते हैं। प्रसिद्ध इतालवी लेखक बाल्डज़ारे कास्टिग्लिओन ने अपने ग्रंथ "ऑन द कोर्टियर" (1518) में लिखा है कि एक व्यक्ति एक दरबारी नहीं हो सकता है, "यदि वह संगीतकार नहीं है, तो संगीत को दृष्टि से पढ़ना नहीं जानता है और अलग-अलग के बारे में कुछ भी नहीं जानता है। उपकरण।" १६वीं शताब्दी के नागरिक जीवन में संगीत की असाधारण व्यापकता का प्रमाण उस समय की चित्रकला से मिलता है। बड़प्पन के निजी जीवन को दर्शाने वाले कई चित्रों में, हम लगातार संगीत में लगे सैकड़ों लोगों से मिलते हैं: गायन, वादन, नृत्य, सुधार, आदि।

पुनर्जागरण की प्रारंभिक संस्कृति इटली में उत्पन्न हुई और विकसित हुई। यहां की पुनर्जागरण सदियों को लोक कविता और संगीत के शक्तिशाली विकास द्वारा चिह्नित किया गया है, जिसमें मुख्य भूमिका निभाते हुए लौडा, फ्रोटोला और विलानेला जैसी शैलियों में गीत लेखन की सबसे समृद्ध परंपराएं हैं। कच्छिया रोजमर्रा के शहरी संगीत निर्माण में कोई कम लोकप्रिय शैली नहीं बन गई, आमतौर पर पाठ और संगीत में प्रचलित स्वरों के उपयोग के साथ एक रसदार शैली का दृश्य प्रदर्शित किया जाता है - पेडलर्स और विक्रेताओं के चिल्लाने तक। कच्छिया के साथ अक्सर गोलाकार नृत्य किया जाता था। इटालियन गाथागीत एकल और कोरल प्रदर्शन से जुड़े गीत और नृत्य गीतों की एक व्यापक शैली भी है (उस समय फ्रांस में, विरेले शैली में समान विशेषताएं थीं)। लोक गीत स्वर, मधुर सिद्धांत का एक निश्चित वजन, बनावट की आविष्कारशीलता - धर्मनिरपेक्ष रोजमर्रा के संगीत के ये गुण भी पॉलीफोनिक जनता तक पवित्र संगीत में प्रवेश करते हैं।

संगीत का मधुर-मधुर चरित्र इस तथ्य से जुड़ा था कि इटली में कड़े झुके हुए वाद्ययंत्रों पर एकल और पहनावा संगीत बनाने की परंपरा तेजी से विकसित हुई। सामान्य तौर पर, वाद्य संगीत के व्यापक प्रसार ने एक होमोफोनिक गोदाम और कार्यात्मक सद्भाव के गठन में योगदान दिया।

इससे पहले कि वायलिन इतालवी संगीत मंडलों (16 वीं शताब्दी की अंतिम तिमाही में) में दिखाई दिया और क्रेमोना मास्टर्स अमाती, स्ट्राडिवरी, ग्वारनेरी और अन्य द्वारा वायलिन का उत्पादन विकसित होना शुरू हो गया, ल्यूट (सबसे प्रसिद्ध संगीतकार-ल्यूट खिलाड़ी फ्रांसेस्को है) मिलानो), वायोला, स्पेनिश गिटार, थोरबा (लार्ज बास ल्यूट)।

वायलिन कौशल सबसे पहले बी। डोनाटी, एल। वियादान, जी। जियाकोमेली (वह लंबी झुकने और लेगाटो तकनीक के कौशल के लिए प्रसिद्ध थे) के कार्यों में गठित किया गया था। वायलिन प्रदर्शन के विकास में एक नया कदम सी। मोंटेवेर्डी के काम से जुड़ा है, जो पैसेज तकनीक विकसित करता है, ट्रेमोलो, पिज़िकाटो का उपयोग करता है, ध्रुवीय विरोधाभासों पीपी और एफएफ के साथ गतिशीलता को समृद्ध करता है।

अंग और हार्पसीकोर्ड प्रदर्शन के क्षेत्र में एक महान पुनरुद्धार देखा गया। 40 के दशक से। 16 वीं शताब्दी में, अंग संग्रह की संख्या में तेजी से वृद्धि हुई, और उत्कृष्ट जीवों की एक पूरी आकाशगंगा दिखाई दी - विलार्ट, एंड्रिया और जियोवानी गेब्रियल, क्लाउडियो मेरुलो, कैवाज़ोनी। ये उस्ताद इतालवी अंग कला की नींव रखते हैं और वाद्य संगीत की शैलियों का निर्माण करते हैं - अमीरकार, कैनज़ोना, टोकाटा।

हार्पसीकोर्ड प्रदर्शन रोजमर्रा के नृत्यों, लोकप्रिय धर्मनिरपेक्ष गीतों की व्यवस्था का व्यापक उपयोग करता है। अंग और क्लैवियर पर एक उत्कृष्ट संगीतकार-सुधारकर्ता गिरोलामो फ्रेस्कोबाल्डी थे, जिनके काम में हार्पसीकोर्ड संगीत का पूरा संग्रह दिखाई दिया - नृत्य चक्र।

इटालियन कंपोज़िंग स्कूल का प्रतिनिधित्व पेशेवर पॉलीफ़ोनिस्ट संगीतकारों - एड्रियन विलेर्टा और उनके छात्रों सिप्रियन डी रूरे, एंड्रिया और जियोवानी गेब्रियल, जियोवानी पियरलुइगी दा फिलिस्तीना की गतिविधियों द्वारा भी किया जाता है। उनकी रचनात्मक विरासत विविध है और इसमें मुख्य रूप से मुखर पॉलीफोनिक कार्य शामिल हैं - दर्जनों जन, आध्यात्मिक और धर्मनिरपेक्ष मैड्रिगल, मोट्स, जो मुख्य रूप से एक कैपेला गाना बजानेवालों द्वारा किए गए थे।

नीदरलैंड में पॉलीफोनी के शक्तिशाली विकास को लोक पॉलीफोनी की समृद्धि और अमीर डच शहरों के गिरजाघरों में गायकों (मेट्रिज़) के लिए विशेष स्कूलों-डॉरमेट्री की उपस्थिति से समझाया गया है।

संगीतकारों की कई पीढ़ियां डच पॉलीफोनिक स्कूल से संबंधित थीं। उनकी गतिविधि न केवल नीदरलैंड में हुई, जिसने उस समय आधुनिक बेल्जियम, लक्ज़मबर्ग, हॉलैंड के दक्षिण-पश्चिम और फ्रांस के उत्तर (इसलिए स्कूल का दूसरा नाम - फ्रेंको-फ्लेमिश) के क्षेत्र को कवर किया। डच स्कूल के प्रमुख प्रतिनिधियों ने रोम (डुफे, ओब्रेक्ट, जोस्किन) और अन्य शहरों (विलार्टेस, वेनिस में रोहर, ऑस्ट्रिया और जर्मनी में इसहाक, बरगंडियन कोर्ट में डिजॉन में बेंशुआ) में फलदायी रूप से काम किया।

डच स्कूल ने सभी यूरोपीय देशों में पॉलीफोनी के सदियों पुराने विकास को सामान्यीकृत किया। यद्यपि चर्च संगीत ने निस्संदेह इन आचार्यों के काम में एक अग्रणी स्थान पर कब्जा कर लिया, लेकिन उन्होंने ऐसा नहीं किया

कम, आध्यात्मिक कार्यों के साथ, संगीतकारों ने कई धर्मनिरपेक्ष पॉलीफोनिक गीत लिखे, जो पुनर्जागरण की विशेषता विचारों और भावनाओं की समृद्ध दुनिया को दर्शाते हैं।

डच पॉलीफोनिस्टों की रचनात्मकता की सबसे स्मारकीय शैली मास थी, जिसमें सख्त पॉलीफोनी के सिद्धांतों की सर्वोत्कृष्टता हुई। हालांकि, प्रत्येक मास्टर की गतिविधि स्थापित अभिव्यंजक सिद्धांतों से परे जाने की खोज से जुड़ी नवीन विशेषताओं को प्रकट करती है। मौजूदा गीत और नृत्य सामग्री पर निर्भरता, आध्यात्मिक और धर्मनिरपेक्ष शैलियों के पारस्परिक प्रभाव से पॉलीफोनी में मधुर आवाज का क्रमिक अलगाव होता है, जिससे एक कॉर्ड वर्टिकल और फंक्शनल थिंकिंग का निर्माण होता है।

16वीं सदी की डच पॉलीफोनी की परिणति ऑरलैंडो लासो की कृति थी। यह उनके काम में था कि पुनर्जागरण की व्यापक शैली के हित केंद्रित थे: उन्होंने अपने समय के लगभग सभी मुखर रूपों को श्रद्धांजलि अर्पित की - मैड्रिगल, मास, मोटेट, फ्रेंच चैनसन और यहां तक ​​​​कि जर्मन पॉलीफोनिक गीत। संगीतकार की रचनाएँ जीवन-सच्ची छवियों से भरी हुई हैं, एक उज्ज्वल राग है, एक राहत विविध लय है, एक लगातार विकसित हार्मोनिक योजना है, जिसने उनकी असाधारण लोकप्रियता सुनिश्चित की (वे बार-बार अन्य संगीतकारों द्वारा ल्यूट और अंग व्यवस्था के लिए उपयोग किए गए थे)।

पुनर्जागरण प्रवृत्तियों के विकास और फ्रांसीसी राष्ट्रीय संस्कृति के गठन को XIV सदी में पहले ही रेखांकित किया गया था। फ्रांसीसी संगीत में प्रारंभिक पुनर्जागरण कला के उत्कृष्ट प्रतिनिधि फिलिप डी विट्री और गुइल्यूम डी मचॉट थे, जिन्होंने विरल, ले, रोंडो गाथागीत की शैलियों में एक महान विरासत छोड़ी।

फ्रांसीसी संगीत कला की सबसे विशिष्ट विशेषता चैनसन शैली थी, जो धर्मनिरपेक्ष पाठ और आमतौर पर लोक माधुर्य के साथ एक पॉलीफोनिक गीत रूप है। यह इस शैली में था कि सामग्री, कथानक और अभिव्यंजक साधनों की विशेषताओं में नए पुनर्जागरण की विशेषताएं सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट हुईं।

१५वीं-१६वीं शताब्दी का फ्रांसीसी गीत उस समय के फ्रांसीसी जीवन शैली का एक प्रकार का "विश्वकोश" है। इसकी सामग्री विविध है और यह कथात्मक, गीतात्मक, अंतरंग, दुखद, हास्यपूर्ण, वर्णनात्मक, वीरतापूर्ण हो सकती है। उनके तराजू की विविधता भी विशेषता है - कई उपायों से लेकर 42 पृष्ठों तक।

अभिव्यंजक साधनों की सादगी और तात्कालिकता, डी और टी पर कुछ अंत के साथ एक आवधिक संरचना, एक एकल की तकनीक, जिसे बाद में पूरे कलाकारों की टुकड़ी द्वारा उठाया जाता है - शैली की विशिष्ट विशेषताएं, जिसका संगीत कभी-कभी लोक नृत्य जैसा दिखता है, गीत-महाकाव्य राग या एक दिलेर स्ट्रीट सिटी गीत - भविष्य के वाडेविल का प्रोटोटाइप। चैनसन संगीत को लयबद्ध आधार पर जोर देने की विशेषता है, कभी-कभी इसे एक छंद या गोलाकार गोलाई की विशेषता होती है, इसके साथ लोक वाद्ययंत्रों का उपयोग किया जा सकता है।

फ्रांसीसी पुनर्जागरण के सबसे प्रमुख संगीतकार क्लेमेंट जेनेक्विन थे, जिनके काम में सूक्ष्म प्रेम गीत (कवि रोंसर्ड के गीतों पर आधारित गीतों में) और उदासी और दुःख के मूड की अभिव्यक्ति और जीवन से भरे लोक मनोरंजन के दृश्य दोनों दिखाई देते हैं। और आंदोलन। उनकी विरासत बड़े प्रोग्रामेटिक कोरल फंतासी गीतों पर विशेष ध्यान आकर्षित करती है, जो कोरल लेखन के क्षेत्र में सरलता और मजाकिया खोजों से भरे हुए हैं। उनमें, जेनकेन ने अपने समय के जीवन और रोजमर्रा की जिंदगी को रंगीन ढंग से चित्रित किया। सबसे प्रसिद्ध "लड़ाई", "हंट", "बर्डसॉन्ग", "स्ट्रीट क्राइज़ ऑफ़ पेरिस" हैं।

200 से अधिक गानों के अलावा, जेनकेन ने मोटेट्स और मास दोनों को लिखा। लेकिन कैथोलिक पंथ के लिए संगीत के क्षेत्र में, वह साहसपूर्वक लोक धुनों का उपयोग करता है, आध्यात्मिक ग्रंथों को सैन्य संगीत की धूमधाम से जोड़ता है, और नृत्य ताल का परिचय देता है।

काफी हद तक, लोक गीत और नृत्य सामग्री का यह उपचार पुनर्जागरण के कई संगीतकारों की विशेषता थी, जिन्होंने अपने काम में आध्यात्मिक और धर्मनिरपेक्ष शैलियों में रुचि दिखाई, जिसके कारण धर्मनिरपेक्ष संगीत को कलात्मक स्वतंत्रता के क्षेत्र में अंतिम रूप से अलग किया गया। और व्यावसायिकता।

इतालवी शब्द पुनर्जागरण मूल ध्वनियों में "रिनसिता" (रिनस्किटा) की तरह है, इसका आविष्कार जियोर्जियो वासरी ने किया था। पहली बार, इस शब्द का इस्तेमाल उनके काम "जीवनी" में "कला के उत्कर्ष" के अर्थ में किया गया था, उस अवधि को इंगित करने के लिए जब कलाकारों ने अपने काम में ग्रीको-बीजान्टिन और रोमन-लैटिन विहित रूपों से खुद को मुक्त किया।

१४वीं से १७वीं शताब्दी तक यूरोप में सांस्कृतिक आंदोलन को परिभाषित करने के लिए, शब्द "पुनरुद्धार" या "पुनर्जागरण" (इतालवी क्रिया "रिनस्सेरे" "पुनर्जन्म" से) का प्रयोग 19वीं शताब्दी में "इतिहास का इतिहास" में किया गया था। फ्रांस "फ्रांसीसी इतिहासकार जूल्स मिशेलेट द्वारा ...

सामान्य तौर पर पुनर्जागरण के बारे में थोड़ा

पुनर्जागरण को शास्त्रीय (अर्थ ग्रीको-रोमन क्लासिकिज्म) संस्कृति के सुधार की विशेषता है। कई शोधकर्ताओं का मानना ​​​​है कि पुनर्जागरण विचारों की उत्पत्ति 13 वीं शताब्दी के अंत में फ्लोरेंस में साहित्य और दृश्य कला में हुई है, और विशेष रूप से, दांते एलघिएरी, फ्रांसेस्को पेट्रार्का और गियोटो डी बॉन्डोन द्वारा भित्तिचित्रों के कार्यों के साथ जुड़े हुए हैं।

इसके अलावा, पुनर्जागरण के कवि, कलाकार, दार्शनिक अपने पूर्ववर्तियों से कम धार्मिक नहीं थे

उन्होंने एक नई भावना के साथ धार्मिक अभ्यास को समेटने का प्रयास किया - वैज्ञानिक अनुसंधान (दर्शन, जिसे मानवतावाद कहा जाता है, पूरे युग में व्याप्त है)। यह शिक्षाओं, वैज्ञानिक उपलब्धियों और महान भौगोलिक खोजों के पुनरोद्धार का समय था। संगीत में, जो धार्मिक, नागरिक और अदालती जीवन का एक अभिन्न अंग बन जाएगा, १५वीं शताब्दी के बाद से नाटकीय परिवर्तन स्पष्ट हो गए हैं।

पुनर्जागरण संगीत की अवधि और विकास

अधिकांश संगीत इतिहासकारों का मानना ​​​​है कि पुनर्जागरण संगीत का विकास 200 वर्षों से अधिक समय से हुआ है। परंपरागत रूप से इसे इसमें विभाजित किया गया है:

• प्रारंभिक पुनर्जागरण से संगीत, १४०० से १४६७ तक;
• मध्य पुनर्जागरण काल ​​का संगीत, १४६७ से १५३४ तक;
• स्वर्गीय (या उच्च) पुनर्जागरण का संगीत, १५३४ से १६०० तक।

यह अवधिकरण, बदले में, पश्चिमी यूरोप में विभिन्न रचना स्कूलों के फलने-फूलने और वर्चस्व से जुड़ा है। पुनर्जागरण के संगीत को परिभाषित करने वाली शैलीगत विशेषताएं पॉलीफोनिक बनावट हैं, जो काउंटरपॉइंट के नियमों का पालन करती हैं और मध्य युग से विरासत में मिली ग्रेगोरियन मंत्र की मोडल प्रणाली द्वारा नियंत्रित होती हैं।

पुनर्जागरण की संगीत संस्कृति को कभी-कभी "कोरल संगीत का स्वर्ण युग" कहा जाता है। वास्तव में, संगीत के क्षितिज का बहुत विस्तार हुआ है।

यदि मध्य युग के दौरान संगीतकारों और संगीतकारों ने मुख्य रूप से चर्च के लिए काम किया, तो पुनर्जागरण के दौरान पश्चिमी यूरोप में हुए धार्मिक और धर्मनिरपेक्ष विभाजन के कारण, संगीत को कई संरक्षक मिले: कैथोलिक और प्रोटेस्टेंट चर्च, शाही दरबार, धनी अभिजात, एक नया बुर्जुआ वर्ग। वे सभी संगीतकारों के लिए आय के स्रोत बन गए, जिनमें निश्चित रूप से, मेलोटाइप शामिल हैं: पुनर्जागरण की संगीत संस्कृति नई तकनीकों (जोहान्स गुटेनबर्ग द्वारा चल पत्रों के साथ मुद्रण का आविष्कार) के साथ निकटता से जुड़ी हुई है।

पुनर्जागरण संगीत की सौंदर्य विशेषताएं

कला के अन्य रूपों की तरह, संगीत काफी हद तक उन घटनाओं से प्रभावित था जिन्होंने पुनर्जागरण को समग्र रूप से आकार दिया: मानवतावादी विचारों का उदय, ग्रीको-रोमन शास्त्रीय विरासत की बहाली, नवीन खोजें। प्राचीन ग्रंथों को संशोधित किया गया, फिर से अध्ययन के लिए एक वस्तु के रूप में कार्य किया गया, और उन्हें संपादित भी किया गया, लेकिन केवल विकासशील विज्ञानों के अनुसार।

जबकि सभी कलाओं और विज्ञानों को प्राचीन ग्रीक संस्कृति में परस्पर संबंधित माना जाता था, पुनर्जागरण के मानवतावादियों ने उन्हें विभाजित किया, उनके व्यक्तिगत गुणों पर प्रकाश डाला और उनका अध्ययन किया। संगीत, विशेष रूप से, भावनाओं और भावनाओं को प्रभावित करने में सक्षम एक अभिव्यंजक कला के रूप में देखा गया था, कुछ ऐसा जो मध्ययुगीन काल में अनसुना था।

संगीत में ज्ञान को व्यवस्थित करने के प्रयासों में पैमाने की व्यवस्था करना शामिल था ताकि नोट्स और मानवीय भावनाओं के बीच संबंध स्थापित किया जा सके।

यह भी महत्वपूर्ण है कि पुनर्जागरण की संगीत संस्कृति मानवतावाद की अवधारणा की विशेषता है। उनके लिए धन्यवाद, बौद्धिक लहजे में बदलाव आया - धार्मिक विचारों के सर्वव्यापी वर्चस्व से एक धर्मनिरपेक्ष व्यक्ति की संभावनाओं और उपलब्धियों तक। मनुष्य की व्यक्तिगत रचनात्मक प्रतिभा बहुत अधिक उच्च स्थिति में थी। इसका मतलब यह भी था कि कई संगीतकारों को मान्यता दी गई थी।

हालाँकि, काफी हद तक, पुनर्जागरण संगीत अभी भी आध्यात्मिक था, जैसा कि मध्ययुगीन काल में था, लेकिन "मानवतावादी" परिवर्तनों ने इसमें अधिक स्पष्ट अभिव्यक्ति की खोज को प्रभावित किया - ताकि पूर्णता प्राप्त हो सके।

प्रारंभिक पुनर्जागरण काल ​​​​का मुख्य संगीत, महत्वपूर्ण चर्चों और शाही चैपल के लिए लिखा गया है, लैटिन में पॉलीफोनिक जन और मंत्र (मोटेट्स) हैं। लेकिन धार्मिक सुधार के आलोक में, नए प्रकार के पवित्र संगीत का उदय हुआ, इसके अलावा, चर्च के दृश्य पर इस तरह की भव्य उथल-पुथल ने इस तथ्य को जन्म दिया कि धर्मनिरपेक्ष संगीत वास्तविक ताकत हासिल कर रहा था और पहले से ही अपने "पवित्र" समकक्ष के साथ प्रतिस्पर्धा कर सकता था।

पुनर्जागरण की रचना करने वाले स्कूल

१५वीं शताब्दी की शुरुआत में, जॉन डंस्टेबल के नेतृत्व में पॉलीफोनिस्टों का अंग्रेजी स्कूल सामने आया। त्रय के उपयोग पर आधारित नई अंग्रेजी शैली, संगीत की लय द्वारा निर्धारित (प्रत्येक मुखर रेखा "ऊर्ध्वाधर" शैली में एक साथ चलती है) ने संरचना के बरगंडियन स्कूल को दृढ़ता से प्रभावित किया।

बरगंडियन स्कूल के संगीतकारों में सबसे महत्वपूर्ण गुइल्यूम ड्यूफे थे, जिनके संगीत कार्यों में मंत्र, जन और धर्मनिरपेक्ष कार्य शामिल थे, जो कि मधुर गीतवाद की विशेषता थी।

फ्रेंको-फ्लेमिश स्कूल के रूप में नामित आंदोलन, पॉलीफोनिक मुखर-संगीत रचना के एक मजबूत विकास की विशेषता है, जिसने आधुनिक सद्भाव की नींव रखी। इसके सबसे प्रसिद्ध प्रतिनिधि "तीन फ्रांसीसी राजाओं के संगीतकार" हैं: जोहान्स ओकेगेम और जैकब ओब्रेक्ट।

16 वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में पुनर्जागरण की संगीत संस्कृति को फ्रेंको-फ्लेमिश संगीतकारों के निरंतर प्रभुत्व की विशेषता है, जिनमें से सबसे प्रसिद्ध जोस्किन डेस्प्रेस थे, जिनकी शैली कई संगीतकारों द्वारा कॉपी की गई थी। जोस्किन के पॉलीफोनिक संगीत में कैनन का इस्तेमाल किया गया था, जो पहले से मौजूद संरचनागत संरचनाएं थीं, लेकिन उन्हें आसानी से उन धुनों के साथ जोड़ा जाता है जो काव्य पंक्तियों पर जोर देती हैं, बजाय उन्हें मुखौटा के।

उस युग के लिए, यह काफी सामान्य माना जाता था कि प्रमुख संगीतकारों ने बहुत यात्रा की, इटली, स्पेन, जर्मनी और फ्रांस में विभिन्न संरक्षकों के लिए काम किया। संगीत के विचारों का आदान-प्रदान, इसलिए बोलने के लिए, 9वीं शताब्दी में ग्रेगोरियन मंत्र के बाद पहली अंतर्राष्ट्रीय शैली।

१६वीं शताब्दी के उत्तरार्ध से, इतालवी संगीतकार संगीत की कला में नायाब महारत के लिए प्रयास कर रहे हैं। प्रतिष्ठित शख्सियतों में जियोवानी पियरलुइगी दा फिलिस्तीन शामिल हैं।

पुनर्जागरण संगीत शैलियों

आध्यात्मिक मुखर विधाएं द्रव्यमान और मोटे हैं। धर्मनिरपेक्ष शैली - मैड्रिगल (इटली और इंग्लैंड में), चांसन (फ्रांस में), सीसा (जर्मनी में)।

इस तथ्य के बावजूद कि पूरे युग में संगीत मुख्य रूप से स्वर पर निर्भर था, वाद्ययंत्रों का तेजी से उपयोग किया जा रहा है। वाद्य यंत्रों पर कलाकार कभी-कभी गायकों के साथ होते थे, समय-समय पर वे गायकों के न होने पर कुछ आवाजों को बदल देते थे।

वाद्य यंत्रों में अंग और हार्पसीकोर्ड, वायोला डी गाम्बा जैसे बड़े से लेकर वीणा (बाद में ल्यूट), रिकॉर्डर (रिकॉर्डर) जैसे छोटे उपकरण शामिल थे। धीरे-धीरे, संगीतकार बिना गायक के केवल वाद्ययंत्रों के लिए काम लिखना शुरू करते हैं।

संगीत ने अदालती नृत्यों को भी बहुत प्रभावित किया, उनके साथ जाने के लिए कई प्रकार के वाद्ययंत्रों की शुरुआत की। चर्चों में, समारोहों और सामाजिक कार्यक्रमों के दौरान, नाट्य प्रदर्शनों में, निजी घरों में उपकरणों का उपयोग किया जाता था।

१५वीं शताब्दी संगीत के विकास के लिए एक कलात्मक अर्थ में और प्रदर्शन तकनीकों के विकास में निर्णायक साबित हुई। ईसाई चर्च और धर्मनिरपेक्ष दुनिया के बीच पैदा हुए सांस्कृतिक संघर्ष ने चर्च के संस्कारों और सेवाओं से संबंधित संगीत प्रवृत्तियों के बाद के तेजी से विकास को पूर्व निर्धारित किया।
उस समय का समाज कुछ हद तक उसी प्रकार का "थका हुआ" था, यद्यपि गणितीय रूप से सही, मध्ययुगीन कैनन और हल्का, धर्मनिरपेक्ष संगीत बनाने की जरूरत थी। संगीतकारों और संगीतकारों की कई पीढ़ियों की रचनात्मक खोज ने संगीत, नृत्य और रंगमंच की कई नई शैलियों का विकास किया है।
पॉलीफोनी के सुधार के पहले विचार 15 वीं शताब्दी की शुरुआत में सामने आए और बरगंडियन, अंग्रेजी, फ़्लैंडर्स और संगीत के इतालवी स्कूलों से भी संबंधित थे। अंग्रेजी स्कूल के एक प्रतिनिधि जॉन डंस्टेबल ने "फोबोरडन" तकनीक (शाब्दिक रूप से, नकली बास) की मूल बातें रखीं। पॉलीफोनिक कार्यों में, केवल मध्य आवाज को नोट किया गया था, और प्रदर्शन के दौरान ऊपरी और निचली आवाजों को जोड़ा गया था।
इस तकनीक का और विकास गुइल्यूम ड्यूफे (1400-1474) के कार्यों में परिलक्षित हुआ, जिन्होंने न केवल चक्रीय जनता को व्यवस्थित किया, बल्कि उनमें धर्मनिरपेक्ष संगीत के तत्व भी जोड़े। उनके बाद जोन ओकेगेम और जैकब ओब्रेक्ट थे, और उस समय के सबसे प्रसिद्ध संगीतकार जोस्किन डेस्प्रेस (1440-1521) थे।
गियोवन्नी फिलिस्तीन (1525-1594), टोमासो डी विक्टोरिया (1548-1611) सहित इतालवी स्कूल के मास्टर्स ने भी पॉलीफोनी को एक हल्का और उच्च शैली देने के लिए कड़ी मेहनत की, और नए पाठ जो संगीत और शब्द की बराबरी करने की मांग की। इतालवी संगीत कला में।

पुनर्जागरण काल। Madrigal

धर्मनिरपेक्ष पुनर्जागरण संगीत की सबसे व्यापक शैलियों में से एक मैड्रिगल थी, जिसका शाब्दिक अर्थ मातृभाषा में एक गीत है। इतालवी चरवाहे गीत नई संगीत शैली का आधार बने।
प्रारंभ में, XIV सदी में, ऊपरी आवाज के माधुर्य को दोहराते हुए एक संगीत वाद्ययंत्र की संगत में दो या तीन आवाजों के लिए मैड्रिगल्स की रचना की गई थी। मैड्रिगल्स को अक्सर धर्मनिरपेक्ष छुट्टियों और शादियों में सुनाया जाता था। 16 वीं शताब्दी के मध्य तक, पांच स्वरों में पहले से ही मैड्रिगल का प्रदर्शन किया जाता है, पार्टियों के बीच संबंध मजबूत होते हैं, शैली का संगीत अधिक अभिव्यंजक हो जाता है।
"धर्मनिरपेक्षता" के साथ, मस्ती, मैड्रिगल ने ईसाई संगीत की सदियों पुरानी परंपराओं को अवशोषित किया। यह वह संयोजन था जिसका उपयोग उस समय के प्रमुख मद्रिगालिस्टों, सिप्रियानो डी रोरे और ग्यूसेप फिलिस्तीन द्वारा किया गया था। 16 वीं शताब्दी के अंत में, मैड्रिगल तेजी से एफेट्टी से प्रभावित होता है: कामुक आनंद, उदासी के नोट और भाग्य को इस्तीफा।
शैली के सबसे बड़े स्वामी लुका मारेंजियो (1553-1599), गेसुल्डो दा वेनोसा (1561-1613) और थे। उनके द्वारा बनाए गए मैड्रिगल के असंख्य संग्रह, अद्भुत माधुर्य, विभिन्न प्रकार के लयबद्ध रूप और कई नवीन संगीत समाधानों ने पुनर्जागरण संगीत के विकास में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई।

अंतराल। एक ओपेरा का जन्म

संगीत कला के आगे के विकास ने अंतराल के उद्भव को पूर्व निर्धारित किया। यह शैली १६वीं शताब्दी के पूर्वार्ध में फली-फूली, जब बार्टोलोमो ट्रॉम्बोनसिनो के कई अंतरालों का प्रदर्शन महान इतालवी कबीले के प्रतिनिधि, अल्फोंसो डी'एस्ट और ल्यूक्रेज़िया बोर्गिया की शादी में किया गया था।
इसके बाद, सबसे बड़े कुलीन यूरोपीय अदालतों में अंतराल बजने लगे। इंटरल्यूड्स का संगीत व्यावहारिक रूप से नहीं बचा है, लेकिन एकत्र किए गए सबूत हमें ओपेरा के पूर्ववर्ती के प्रदर्शन में असाधारण दायरे के बारे में बताते हैं: कुछ आर्केस्ट्रा जो बड़े रईसों की शादियों में प्रदर्शन करते थे, बीस से अधिक तार, हवाएं और टक्कर संगीत वाद्ययंत्र गिने जाते थे। . वायल्स दा गाम्बा, ल्यूट्स, पिककोलो बांसुरी, बांसुरी, लिरेस, ओबो और डबल बास ने पार्श्व शो के समकालीनों के कानों को प्रसन्न किया।
पुनर्जागरण के रचनाकारों के नवीन विचारों के साथ-साथ नए संगीत वाद्ययंत्रों के उद्भव ने संगीत कला में एक आमूल-चूल परिवर्तन किया - ओपेरा का उदय। इस दिशा में पहला कदम दार्शनिकों, संगीतकारों और कवियों द्वारा उठाया गया था, जो एक तरह की सांस्कृतिक अकादमी - फ्लोरेंटाइन कैमराटा में एकजुट थे।
गिओवन्नी डेल वर्नियो (1534-1612), संगीत के इतिहास और सिद्धांत पर कई ग्रंथों के लेखक, संगीतकार जैकोपो पेरी (1561-1633), विन्सेन्ज़ो गैलीली (1520-1591), प्रसिद्ध खगोलशास्त्री के पिता, और यह भी देखें Giulio Caccini, Luca Marenzio और Claudio Monteverdi।
फ्लोरेंटाइन कैमराटा की संगीत अवधारणाओं पर आधारित पहली कृतियाँ 1597-1600 में मंचित संगीतकार पेरी और कैकिनी द्वारा ओपेरा डैफने और यूरीडाइस थीं, और कैमराटा के सिद्धांतों को क्लाउडियो मोंटेवेर्डी के ओपेरा ऑर्फियस, द रिटर्न ऑफ यूलिसिस में सबसे स्पष्ट रूप से सन्निहित किया गया था। और "पॉपपीया का राज्याभिषेक"।

पुनर्जागरण काल। कीबोर्ड संगीत

15 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में कीबोर्ड और ल्यूट (टैबलेट) के लिए विशेष वर्णों की एक प्रणाली का आविष्कार, अंग और ल्यूट के संग्रह की उपस्थिति ने पुनर्जागरण के वाद्य संगीत के विकास की नींव के रूप में कार्य किया।
इतिहासकारों द्वारा पाया गया सबसे पुराना अंग खंड १४२५ (सगन के सिलेसियन मठ के एक अज्ञात लेखक द्वारा) का है। 1448 में, अंग के लिए पहला काम दिखाई दिया, जिसमें पेडल का इस्तेमाल किया गया था (एडम इलेबॉर्ग द्वारा पांच प्रस्तावनाएं)। १५वीं शताब्दी के सबसे प्रसिद्ध अंग संगीत कलाकार जर्मन संगीतकार कोनराड पॉमैन (१४१०-१४७३) हैं। वह संग्रह "बक्सहाइमर ऑर्गेलबच" के लेखक हैं, जिसमें उनकी अपनी रचना और अन्य संगीत व्यवस्था के अंग के लिए 250 रचनाएँ शामिल हैं।
स्पेनिश संगीतकारों और संगीतकारों ने भी पुनर्जागरण की संगीत विरासत का एक महत्वपूर्ण हिस्सा बनाया। लुइस एनेस्ट्रोस द्वारा 1557 में प्रकाशित, कीबोर्ड, वायोला और हार्प के लिए न्यू टाइम सिग्नेचर, प्रसिद्ध स्पेनिश संगीतकारों द्वारा कई गाने, कल्पनाएं, नृत्य और भजन शामिल थे। यूरोप के सबसे प्रसिद्ध संगीतकारों में से एक, एंटोनियो डी कैबेज़ोन का काम भी बाहर खड़ा है। "वर्क्स फॉर कीबोर्ड्स, वियोला एंड हार्प" (1578) में एकत्रित उनकी रचनाएँ, स्पेन की सीमाओं से बहुत दूर ज्ञात हुईं।

पुनर्जागरण काल। ल्यूट और वायोला के लिए संगीत

16वीं शताब्दी की संगीत कला यूरोपीय संगीत में नए संगीत वाद्ययंत्रों के व्यापक वितरण की विशेषता है - ल्यूट और वायोला। ये वाद्ययंत्र संगीत कार्यों में कुछ बिंदुओं पर संगत और एकल दोनों के लिए आदर्श थे। पहला संग्रह जिसमें न केवल पॉलीफोनिक काम करता है, बल्कि ल्यूट संगीत के शुरुआती नमूने भी हैं, वह इतालवी प्रकाशक ओटावियानो पेट्रुकी "इंताबुलतुरा डी लुटो" का काम था, दिनांक 1507।
ल्यूट में कई ट्यूनिंग और टैबलेट सिस्टम थे। हंस गोर्ले, जुआन बरमूडो, विन्सेन्ज़ो गैलीली सहित कई संगीतकार और संगीत सिद्धांतकार, फ़्रीट्स की इष्टतम संख्या पर असहमत थे। लेकिन, असहमति के बावजूद, सभी विशेषज्ञ मुख्य बात पर सहमत हुए: कीबोर्ड की तरह ल्यूट ने अन्य उपकरणों का उपयोग किए बिना पॉलीफोनिक कार्यों को करना संभव बना दिया।
ल्यूट इटली, फ्रांस, जर्मनी और बाद में इंग्लैंड में सबसे व्यापक था। ल्यूट संगीत की रचना करने वाले प्रसिद्ध संगीतकारों में, विसेंसो कैपिरोला, पेट्रुकी, मैथियस वीसेल, मैथियास रीमन, जॉन डाउलैंड और थॉमस मॉर्ले को नोट करने में कोई असफल नहीं हो सकता है।
स्पेनिश संगीतकारों के बीच ल्यूट को ज्यादा लोकप्रियता नहीं मिली। कलाकारों ने वायोला को पसंद किया, जो एक ल्यूट की तरह दिखता था, लेकिन एक आधुनिक गिटार के समान एक अजीबोगरीब शरीर था। वायोला दा गाम्बा दो प्रकार के होते हैं: "हाथ वियोला" और "पैर वियोला"। लुइस डी मिलान, अलोंसो मुदार्रा, एनरिकेज़ डी वाल्डेराबानो, और लुइस डी एनेस्ट्रोसा और टॉमस डी सांता मारिया के कार्यों को भी व्यापक रूप से जाना जाता था।

पुनर्जागरण काल। संगीत मुद्रण क्रांति

१५वीं शताब्दी में जॉन गुटेनबर्ग द्वारा एक नई मुद्रण तकनीक का आविष्कार यूरोपीय सांस्कृतिक जीवन के सभी क्षेत्रों में परिलक्षित हुआ। संगीत की कला भी अलग नहीं रही। पहले से ही 15 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, हॉलैंड और जर्मनी में संगीत प्रकाशन में विशेषज्ञता वाले पहले प्रिंटिंग हाउस दिखाई दिए। संगीत पर पुस्तकें बनाने की प्रक्रिया काफी श्रमसाध्य थी। प्रत्येक पृष्ठ को तीन बार मुद्रित किया गया था: कर्मचारियों के लिए पहला प्रिंट, पाठ और पृष्ठ संख्या के लिए दूसरा प्रिंट।
संगीत के पहले मुद्रित संग्रह को "कलेक्टोरियम सुपर मैग्निफिकैट" माना जाता है, जिसे 1473 में गर्सन ऑफ एसलिंगन द्वारा बनाया गया था, साथ ही "मिसले रोमनम", 1476 में उलरिच हैन की रोमन कार्यशाला में मुद्रित किया गया था।
प्रारंभ में, वेनिस, मिलान, फ्लोरेंस और नेपल्स के सांस्कृतिक रूप से विकसित इतालवी शहर संगीत प्रकाशन के केंद्र बन गए, जहां स्थानीय धनी अभिजात वर्ग ने हर संभव तरीके से प्रकाशन गृहों का समर्थन किया। सबसे प्रसिद्ध इतालवी प्रिंटर ओटावियानो पेट्रुकी, एंड्रिया एंटिको और बाद में एंटोनियो गार्डानो थे।
पुनर्जागरण का सबसे प्रसिद्ध पेरिसियन प्रिंटर पियरे एटेंग्नाट (1494-1551) है, एक संगीतकार जिसने अपना जीवन गीतों, चर्च के लोगों और मंत्रों को प्रकाशित करने के लिए समर्पित कर दिया। अतांगनाथ का सबसे लोकप्रिय संस्करण चैनसन नोवेल्स है, जो 1527 में प्रकाशित हुआ था। संगीत प्रकाशनों की छपाई का तेजी से विकास अन्य महान प्रिंटरों की गतिविधियों की बदौलत संभव हुआ: जैक्स मोजर्नेट (ल्यों), टिलमैन सुसातो (एम्बर्स), थॉमस टैलिस और विलियम बर्ड (लंदन)।

रूसी संघ के शिक्षा मंत्रालय

मॉस्को स्टेट ओपन पेडागोगिकल यूनिवर्सिटी

उन्हें। एम. ए. शोलोखोवा

सौंदर्य शिक्षा विभाग

निबंध

"पुनर्जागरण का संगीत"

5वें (नंबर) कोर्स के छात्र

पूर्णकालिक - पत्राचार विभाग

पोलेगेवा हुसोव पावलोवना

शिक्षक:

ज़त्सेपिना मारिया बोरिसोव्ना

मास्को 2005

पुनर्जागरण - मध्य युग से आधुनिक काल (XV-XVII सदियों) में संक्रमण के दौरान पश्चिमी और मध्य यूरोप के देशों की संस्कृति के उत्कर्ष का युग। पुनर्जागरण की संस्कृति एक संकीर्ण वर्ग चरित्र की नहीं है और अक्सर व्यापक जनता के मूड को दर्शाती है; संगीत संस्कृति में यह कई नए प्रभावशाली रचनात्मक स्कूलों का प्रतिनिधित्व करता है। इस अवधि की संपूर्ण संस्कृति का मुख्य वैचारिक मूल मानवतावाद था - एक स्वतंत्र और व्यापक रूप से विकसित प्राणी के रूप में मनुष्य का एक नया, पहले अनदेखा विचार, असीमित प्रगति में सक्षम। मनुष्य कला और साहित्य का मुख्य विषय है, पुनर्जागरण संस्कृति के महानतम प्रतिनिधियों की रचनात्मकता - एफ। पेट्रार्क और डी। बोकासियो, लियोनार्डो दा विंची और माइकल एंजेलो, राफेल और टिटियन। इस युग की अधिकांश सांस्कृतिक हस्तियां स्वयं बहुमुखी प्रतिभा के धनी व्यक्ति थे। तो, लियोनार्डो दा विंची न केवल एक उत्कृष्ट कलाकार थे, बल्कि एक मूर्तिकार, वैज्ञानिक, लेखक, वास्तुकार, संगीतकार भी थे; माइकल एंजेलो को न केवल एक मूर्तिकार के रूप में जाना जाता है, बल्कि एक चित्रकार, कवि, संगीतकार के रूप में भी जाना जाता है।

विश्वदृष्टि का विकास और इस काल की संपूर्ण संस्कृति प्राचीन मॉडलों के पालन से अंकित थी। संगीत में, नई सामग्री के साथ, नए रूप और विधाएं भी विकसित हो रही हैं (गीत, मैड्रिगल, गाथागीत, ओपेरा, कैंटटास, ऑरेटोरियो)।

मुख्य रूप से पुनर्जागरण संस्कृति की सभी अखंडता और पूर्णता के लिए, यह पुरानी के साथ नई संस्कृति के तत्वों के अंतर्विरोध से जुड़े विरोधाभास की विशेषताओं की विशेषता है। इस काल की कला में धार्मिक विषय न केवल अस्तित्व में हैं, बल्कि विकसित भी हैं। साथ ही, यह इतना रूपांतरित हो गया है कि इसके आधार पर बनाए गए कार्यों को महान और सामान्य लोगों के जीवन से शैली के दृश्यों के रूप में माना जाता है।

पुनर्जागरण की इतालवी संस्कृति विकास के कुछ चरणों से गुज़री: 14 वीं शताब्दी के अंत में उत्पन्न होने के बाद, यह 15 वीं शताब्दी के मध्य में - 16 वीं शताब्दी की शुरुआत में अपने चरम पर पहुंच गई। XVI सदी के उत्तरार्ध में। एक दीर्घकालिक सामंती प्रतिक्रिया देश की आर्थिक और राजनीतिक गिरावट के कारण शुरू होती है। मानवतावाद संकट में है। हालांकि, कला में गिरावट तुरंत स्पष्ट नहीं है: दशकों तक, इतालवी कलाकारों और कवियों, मूर्तिकारों और वास्तुकारों ने उच्चतम कलात्मक मूल्य के कार्यों का निर्माण किया, विभिन्न रचनात्मक स्कूलों के बीच संबंधों का विकास, देश से देश में जाने वाले संगीतकारों के बीच अनुभव का आदान-प्रदान किया। , विभिन्न चैपल में काम करना, एक संकेत समय बन जाता है और हमें पूरे युग के लिए सामान्य प्रवृत्तियों के बारे में बात करने की अनुमति देता है।

पुनर्जागरण यूरोपीय संगीत संस्कृति के इतिहास के शानदार पन्नों में से एक है। जोस्किन, ओब्रेक्ट, फिलिस्तीन, ओ। लासो, गेसुल्डो के महान नामों का नक्षत्र, जिन्होंने अभिव्यक्ति, पॉलीफोनी की समृद्धि, रूपों के पैमाने के माध्यम से संगीत रचनात्मकता के लिए नए क्षितिज खोले; पारंपरिक शैलियों का उत्कर्ष और गुणात्मक नवीनीकरण - मोटे, द्रव्यमान; एक नई कल्पना की स्थापना, पॉलीफोनिक गीत रचनाओं के क्षेत्र में नए स्वर, वाद्य संगीत का तेजी से विकास, जो लगभग पांच शताब्दियों की अधीनता के बाद सामने आया: संगीत-निर्माण के अन्य रूप, सभी क्षेत्रों में व्यावसायिकता का विकास संगीत रचनात्मकता: संगीत कला की भूमिका और संभावनाओं पर विचारों में बदलाव, सौंदर्य के नए मानदंडों का निर्माण: मानवतावाद कला के सभी क्षेत्रों में वास्तव में प्रकट प्रवृत्ति के रूप में - यह सब पुनर्जागरण के बारे में हमारे विचारों से जुड़ा है। पुनर्जागरण की कलात्मक संस्कृति विज्ञान पर आधारित एक व्यक्तिगत सिद्धांत है। 15 वीं - 16 वीं शताब्दी के पॉलीफोनिस्टों का असामान्य रूप से जटिल कौशल, उनकी कलाप्रवीणता तकनीक रोजमर्रा के नृत्यों की उज्ज्वल कला, धर्मनिरपेक्ष शैलियों के परिष्कार के साथ सह-अस्तित्व में थी। उनके कार्यों में गीत और नाटक अधिक से अधिक व्यक्त हो रहे हैं। इसके अलावा, लेखक का व्यक्तित्व, कलाकार का रचनात्मक व्यक्तित्व (यह न केवल संगीत कला की विशेषता है) उनमें अधिक स्पष्ट रूप से प्रकट होता है, जो हमें पुनर्जागरण कला के प्रमुख सिद्धांत के रूप में मानवीकरण की बात करने की अनुमति देता है। उसी समय, चर्च संगीत, जिसे मास और मोटेट जैसी बड़ी शैलियों द्वारा दर्शाया गया है, कुछ हद तक पुनर्जागरण की कला में "गॉथिक" लाइन जारी रखता है, जिसका उद्देश्य मुख्य रूप से पहले से मौजूद कैनन को फिर से बनाना है और इसके माध्यम से महिमामंडित करना है। दिव्य।

लगभग सभी प्रमुख विधाओं की रचनाएँ, दोनों धर्मनिरपेक्ष और आध्यात्मिक, कुछ पहले से ज्ञात संगीत सामग्री पर आधारित हैं। यह मोटेट्स और विभिन्न धर्मनिरपेक्ष शैलियों, वाद्य व्यवस्थाओं में एक मोनोफोनिक स्रोत हो सकता है; यह तीन-भाग की रचना से उधार ली गई दो आवाज़ें हो सकती हैं और उसी या एक अलग शैली के एक नए काम में शामिल हो सकती हैं और अंत में, एक पूर्ण तीन- या चार-भाग (मोटेट, मैड्रिगल, एक प्रकार की प्रारंभिक भूमिका निभाना) एक बड़े रूप (द्रव्यमान) के काम का "मॉडल"।

प्राथमिक स्रोत समान रूप से लोकप्रिय, प्रसिद्ध माधुर्य (कोरल या धर्मनिरपेक्ष गीत) और कुछ लेखक का काम (या इससे आवाजें), अन्य संगीतकारों द्वारा संसाधित और, तदनुसार, ध्वनि की विभिन्न विशेषताओं के साथ संपन्न, एक अलग कलात्मक विचार है।

उदाहरण के लिए, मोटेट की शैली में, लगभग कोई काम नहीं है जिसमें कोई मूल मूल नहीं है। १५वीं - १६वीं शताब्दी के अधिकांश संगीतकारों के पास प्राथमिक स्रोत भी हैं: उदाहरण के लिए, पलिस्ट्रिना में, कुल सौ से अधिक लोगों में से, हम केवल छह को उधार-मुक्त आधार पर लिखा हुआ पाते हैं। ओ लासो ने लेखक की सामग्री के आधार पर एक भी मास (58 में से) नहीं लिखा।

इसी समय, यह ध्यान दिया जा सकता है कि प्राथमिक स्रोतों का चक्र, जिस सामग्री पर लेखक भरोसा करते हैं, काफी स्पष्ट रूप से इंगित किया गया है। G. Dufay, I. Okgem, J. Obrecht, Palestrina, O. Lasso और अन्य एक-दूसरे के साथ प्रतिस्पर्धा करते दिख रहे हैं, बार-बार उन्हीं धुनों का जिक्र करते हुए, हर बार उनसे आकर्षित होकर, उनके कार्यों के लिए नए कलात्मक आवेग, पुनर्व्याख्या पॉलीफोनिक रूपों के लिए प्रारंभिक इंटोनेशनल प्रोटोटाइप के रूप में धुनें।

टुकड़ा करते समय, तकनीक का इस्तेमाल किया गया था - पॉलीफोनी। पॉलीफोनी पॉलीफोनी है जिसमें सभी आवाजें समान होती हैं। सभी स्वर एक ही राग को दोहराते हैं, लेकिन अलग-अलग समय पर, एक प्रतिध्वनि की तरह। इस तकनीक को नकली पॉलीफोनी कहा जाता है।

१५वीं शताब्दी तक, "सख्त लेखन" की तथाकथित पॉलीफोनी आकार ले रही थी, नियम (आवाज-अग्रणी, आकार देने, आदि के मानदंड) उस समय के सैद्धांतिक ग्रंथों में तय किए गए थे और अपरिवर्तनीय कानून थे चर्च संगीत का निर्माण।

एक अन्य संयोजन, जब कलाकारों ने एक ही समय में विभिन्न धुनों और विभिन्न पाठों का उच्चारण किया, को कंट्रास्ट पॉलीफोनी कहा जाता है। सामान्य तौर पर, "सख्त" शैली आवश्यक रूप से दो प्रकार के पॉलीफोनी में से एक को मानती है: नकल या इसके विपरीत। यह पॉलीफोनी की नकल और विषमता थी जिसने चर्च सेवाओं के लिए पॉलीफोनिक मोटेट्स और जनता की रचना करना संभव बना दिया।

मोटेट एक छोटा कोरल गीत है, जो आमतौर पर कुछ लोकप्रिय रागों से बना होता है, जो अक्सर पुराने चर्च की धुनों ("ग्रेगोरियन मंत्र" और अन्य विहित स्रोतों, साथ ही लोक संगीत) में से एक होता है।

१५वीं शताब्दी की शुरुआत के बाद से, कई यूरोपीय देशों की संगीत संस्कृति पुनर्जागरण युग में निहित विशेषताओं को अधिक से अधिक स्पष्ट रूप से उभरी है। डच पुनर्जागरण के शुरुआती पॉलीफोनिस्टों में प्रमुख, गिलाउम ड्यूफे (डुफे) का जन्म 1400 के आसपास फ्लैंडर्स में हुआ था। उनकी रचनाएँ, वास्तव में, डच संगीत विद्यालय के इतिहास में आधी सदी से अधिक का प्रतिनिधित्व करती हैं, जिसने 15 वीं शताब्दी की दूसरी तिमाही में आकार लिया।

डुफे ने रोम में पोप सहित कई चैपल का निर्देशन किया, फ्लोरेंस और बोलोग्ना में काम किया, और अपने जीवन के अंतिम वर्ष अपने मूल कंबराई में बिताए। ड्यूफे की विरासत समृद्ध और प्रचुर मात्रा में है: इसमें लगभग 80 गाने (चैम्बर शैलियों - विरल, गाथागीत, रोंडो), लगभग 30 मोटेट्स (आध्यात्मिक सामग्री और धर्मनिरपेक्ष, "गीत"), 9 पूर्ण जनता और उनके अलग-अलग हिस्से शामिल हैं।

एक उत्कृष्ट राग, जिसने गेय गर्मजोशी और मेलो की अभिव्यक्ति हासिल की, सख्त शैली के युग में दुर्लभ, उन्होंने स्वेच्छा से लोक धुनों की ओर रुख किया, उन्हें सबसे कुशल प्रसंस्करण के अधीन किया। ड्यूफे बहुत सी नई चीजों को बड़े पैमाने पर लाता है: वह पूरे व्यापक की संरचना का विस्तार करता है, कोरल ध्वनि के विरोधाभासों का अधिक स्वतंत्र रूप से उपयोग करता है। उनकी कुछ बेहतरीन रचनाएँ "पेल फेस", "द आर्म्ड मैन" हैं, जिसमें गीत मूल के समान नाम की उधार की धुनों का उपयोग किया जाता है। विभिन्न संस्करणों में ये गीत व्यापक रूप से विस्तारित स्वर-विषयक आधार का निर्माण करते हैं जो बड़े कोरल चक्रों की एकता रखता है। एक अद्भुत काउंटरपॉइंटिस्ट के पॉलीफोनिक विस्तार में, वे अपनी गहराई, पहले अज्ञात सौंदर्य और अभिव्यंजक संभावनाओं में छिपे हुए प्रकट करते हैं। ड्यूफे की धुन एक नरम इतालवी मधुरता और फ्रेंच अनुग्रह के साथ एक डच गीत की तीखी ताजगी को सामंजस्यपूर्ण रूप से जोड़ती है। इसकी नकली पॉलीफोनी कृत्रिमता और ढेर से रहित है। कभी-कभी विरलता अत्यधिक हो जाती है, रिक्तियां उत्पन्न हो जाती हैं। यहां, न केवल कला का युवा, जिसने अभी तक संरचना का आदर्श संतुलन नहीं पाया है, परिलक्षित होता है, बल्कि सबसे मामूली साधनों द्वारा एक कलात्मक और अभिव्यंजक परिणाम प्राप्त करने के लिए कैम्ब्रियन मास्टर की प्रयासशील विशेषता भी परिलक्षित होती है।

ड्यूफे के युवा समकालीनों - जोहान्स ओकेगेम और जैकब ओब्रेक्ट - का काम पहले से ही तथाकथित दूसरे डच स्कूल के रूप में जाना जाता है। दोनों संगीतकार अपने समय के प्रमुख व्यक्ति हैं, जो 15 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में डच पॉलीफोनी के विकास का निर्धारण करते हैं।

जोहान्स ओकेगेम (1425 - 1497) ने अपना अधिकांश जीवन फ्रांसीसी राजाओं के चैपल के तहत काम किया। यूरोप के सामने ओकेगेम के सामने, ड्यूफे के नरम, मधुर गीतवाद, उनके जनसमूह और गतियों की भोलेपन से नम्र और पुरातन रूप से हल्की व्यंजना से मोहित होकर, एक पूरी तरह से अलग कलाकार दिखाई दिया - एक "एक गतिहीन आंख वाला तर्कवादी" और एक परिष्कृत तकनीकी कलम , जिन्होंने कभी-कभी गीतवाद से परहेज किया और संगीत में अधिक कब्जा करने का प्रयास किया, उद्देश्य के कुछ अत्यंत सामान्य नियम हैं। उन्होंने पॉलीफोनिक पहनावा में मेलोडिक लाइनों के विकास में एक जबरदस्त कौशल की खोज की। उनके संगीत में कुछ गॉथिक विशेषताएं निहित हैं: कल्पना, अभिव्यक्ति का गैर-व्यक्तिगत चरित्र, आदि। उन्होंने "द आर्म्ड मैन", 13 मोटेट्स और 22 गाने सहित 11 पूर्ण जनसमूह (और उनके कई हिस्से) बनाए। यह बड़ी पॉलीफोनिक विधाएं हैं जो उसके साथ पहले स्थान पर हैं। ओकेगेम के कुछ गीतों ने समकालीनों के बीच लोकप्रियता हासिल की और एक से अधिक बार बड़े रूपों में पॉलीफोनिक व्यवस्था के लिए प्राथमिक आधार के रूप में कार्य किया।

एक महान गुरु और शुद्ध पॉलीफोनिस्ट के रूप में ओकेगेम के रचनात्मक उदाहरण का उनके समकालीनों और अनुयायियों के लिए बहुत महत्व था: पॉलीफोनी की विशेष समस्याओं पर उनके अडिग ध्यान ने सम्मान को प्रेरित किया, यदि प्रशंसा नहीं, तो इसने एक किंवदंती को जन्म दिया और उनके नाम को एक प्रभामंडल से घेर लिया।

उन लोगों में जिन्होंने 15 वीं शताब्दी को न केवल कालानुक्रमिक रूप से, बल्कि रचनात्मक विकास के सार में भी जोड़ा, पहला स्थान, निस्संदेह, जैकब ओब्रेच का है। उनका जन्म 1450 में बर्गन ऑप जूम में हुआ था। ओब्रेक्ट ने एंटवर्प, कंबराई, ब्रुग्स और अन्य के चैपल में काम किया और इटली में भी सेवा की।

ओब्रेक्ट की रचनात्मक विरासत में - 25 जन, लगभग 20 मोट, 30 पॉलीफोनिक गाने। अपने पूर्ववर्तियों और पुराने समकालीनों से, उन्हें एक अत्यधिक विकसित, यहां तक ​​कि कलाप्रवीण व्यक्ति पॉलीफोनिक तकनीक, पॉलीफोनी की नकल-विहित विधियाँ विरासत में मिलीं। ओब्रेक्ट के संगीत में, पूरी तरह से पॉलीफोनिक, हम कभी-कभी अवैयक्तिक भावनाओं की एक विशेष ताकत सुनते हैं, बड़ी और छोटी सीमाओं में विरोधाभासों की बोल्डनेस, काफी "सांसारिक", ध्वनियों की प्रकृति में लगभग हर रोज कनेक्शन और रूप गठन के विवरण। दुनिया के बारे में उनकी धारणा गॉथिक होना बंद कर देती है। वह संगीत की कला में पुनर्जागरण के सच्चे प्रतिनिधि - जोस्किन डेस्प्रेस की ओर बढ़ रहे हैं।

ओब्रेक्ट की शैली को व्यक्तिगत विशेषताओं की विशेषता है, जिसमें गॉथिक टुकड़ी से प्रस्थान, विरोध, भावनाओं की शक्ति और रोजमर्रा की जिंदगी की शैलियों के साथ संबंध शामिल हैं।

इटली में 16 वीं शताब्दी का पहला तीसरा उच्च पुनर्जागरण की अवधि है, रचनात्मक उत्थान और अभूतपूर्व पूर्णता का समय, लियोनार्डो दा विंची, राफेल, माइकल एंजेलो के महान कार्यों में सन्निहित है। एक निश्चित सामाजिक स्तर उभर रहा है, जिसकी मदद से नाट्य प्रदर्शन और संगीत समारोह आयोजित किए जाते हैं। विभिन्न कला अकादमियों की गतिविधियाँ विकसित हो रही हैं।

थोड़ी देर बाद, संगीत की कला में उच्च समृद्धि की अवधि शुरू होती है, और न केवल इटली में, बल्कि जर्मनी, फ्रांस और अन्य देशों में भी। संगीत कार्यों के प्रसार के लिए संगीत संकेतन का आविष्कार बहुत महत्व रखता है।

पॉलीफोनिक स्कूल की परंपराएं अभी भी मजबूत हैं (विशेष रूप से, मॉडल पर निर्भरता का अर्थ पहले जैसा ही है), लेकिन विषयों की पसंद के प्रति दृष्टिकोण बदल रहा है, कार्यों की भावनात्मक-आलंकारिक संतृप्ति बढ़ जाती है, और व्यक्तिगत, लेखक के सिद्धांत को मजबूत किया जाता है। ये सभी विशेषताएं इतालवी संगीतकार जोस्किन डेस्प्रेस के काम में पहले से ही स्पष्ट हैं, जो बरगंडी में 1450 के आसपास पैदा हुए थे और 15 वीं सदी के अंत - 16 वीं शताब्दी की शुरुआत में डच स्कूल के महानतम संगीतकारों में से एक थे। एक उत्कृष्ट आवाज और श्रवण के साथ उपहार में, अपनी किशोरावस्था से उन्होंने अपनी मातृभूमि और अन्य देशों में चर्च गाना बजानेवालों में एक कोरिस्टर के रूप में सेवा की। उच्च कोरल कला के साथ यह प्रारंभिक और निकट संपर्क, पंथ संगीत के महान कलात्मक खजाने के सक्रिय और व्यावहारिक आत्मसात ने बड़े पैमाने पर उस दिशा को निर्धारित किया जिसमें भविष्य के प्रतिभाशाली मास्टर की व्यक्तित्व, उनकी शैली और शैली के हितों ने आकार लिया।

अपने छोटे वर्षों में, डेस्प्रेस ने आई। ओकेगेम के साथ रचना की कला का अध्ययन किया, जिसके साथ वह विभिन्न संगीत वाद्ययंत्र बजाने में भी सॉल्वर बन गए।

इसके बाद, जोस्किन डेस्प्रेस ने उस समय मौजूद सभी संगीत शैलियों में अपना हाथ आजमाया, जिसमें भजन, मोट्स, मास, संगीत फॉर द पैशन ऑफ द लॉर्ड, सेंट मैरी के सम्मान में रचनाएं और धर्मनिरपेक्ष गीत शामिल थे।

डेस्प्रेस के लेखन में पहली चीज जो आंख को पकड़ती है वह हड़ताली काउंटरपॉइंट तकनीक है जो लेखक को एक सच्चे काउंटरपॉइंट गुणी के रूप में माना जाता है। हालांकि, सामग्री की अपनी पूरी महारत के बावजूद, डेस्प्रेस ने बहुत धीरे-धीरे लिखा, बहुत ही आलोचनात्मक रूप से उनके कार्यों पर विचार किया। रचनाओं के परीक्षण प्रदर्शन के दौरान, उन्होंने एक त्रुटिहीन व्यंजना को प्राप्त करने की कोशिश करते हुए, उनमें बहुत सारे बदलाव किए, जिसे उन्होंने कभी भी काउंटर-पंचुअल प्लेक्सस के लिए बलिदान नहीं किया।

केवल पॉलीफोनिक रूपों का उपयोग करते हुए, संगीतकार कुछ मामलों में ऊपरी आवाज को असामान्य रूप से सुंदर रूप से बहने वाला राग देता है, जिसके कारण उसका काम न केवल व्यंजना से, बल्कि माधुर्य से भी अलग होता है।

सख्त काउंटरपॉइंट से आगे जाने की इच्छा न रखते हुए, डेस्प्रेस उन्हें तैयार करता है, जैसा कि यह था, असंगति को नरम करने के लिए, एक व्यंजन के रूप में पिछले व्यंजन में एक असंगत नोट का उपयोग करके। संगीत की अभिव्यक्ति को बढ़ाने के साधन के रूप में डेस्प्रेस भी काफी सफलतापूर्वक असंगति का उपयोग करता है।

यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि जे। डेस्प्रेस को न केवल एक प्रतिभाशाली गर्भनिरोधक और संवेदनशील संगीतकार माना जा सकता है, बल्कि एक उत्कृष्ट कलाकार भी है, जो अपने कार्यों में भावनाओं और विभिन्न मनोदशाओं के सबसे सूक्ष्म रंगों को व्यक्त करने में सक्षम है।

जोस्किन 15वीं सदी के इतालवी और फ्रांसीसी पॉलीफोनिस्टों की तुलना में तकनीकी और सौंदर्य की दृष्टि से अधिक मजबूत थे। इसलिए, विशुद्ध रूप से संगीत के क्षेत्र में, उन्होंने खुद पर उनके प्रभाव का अनुभव करने की तुलना में उन्हें बहुत अधिक प्रभावित किया। अपनी मृत्यु तक, डेस्प्रेस ने रोम, फ्लोरेंस, पेरिस में सर्वश्रेष्ठ चैपल का निर्देशन किया। वह हमेशा अपने काम के लिए समान रूप से समर्पित रहे हैं, संगीत के प्रसार और मान्यता में योगदान करते हैं। वह डच बने रहे, "कोंडे से मास्टर।" और कोई फर्क नहीं पड़ता कि विदेशी उपलब्धियां और सम्मान कितने शानदार थे, यहां तक ​​\u200b\u200bकि "संगीत के स्वामी" (जैसा कि उनके समकालीनों ने उन्हें बुलाया) को दी गई जीवन शक्ति के साथ, उन्होंने, अप्रतिरोध्य "पृथ्वी की पुकार" का पालन करते हुए, पहले से ही अपने गिरते वर्षों में लौट आए शेल्ड्ट के तट पर और मामूली रूप से एक कैनन के रूप में अपना जीवन समाप्त कर लिया ...

इटली में, उच्च पुनर्जागरण के दौरान, धर्मनिरपेक्ष शैलियों का विकास हुआ। स्वर शैली दो मुख्य दिशाओं में विकसित होती है - उनमें से एक रोजमर्रा के गीत और नृत्य (फ्रोटोला, विलानेला, आदि) के करीब है, दूसरा पॉलीफोनिक परंपरा (मैड्रिगल) से जुड़ा है।

मेड्रिगल, एक विशेष संगीत और काव्य रूप के रूप में, संगीतकार के व्यक्तित्व की अभिव्यक्ति के लिए असाधारण अवसर प्रदान करता है। उनके गीत, शैली के दृश्यों की मुख्य सामग्री। विनीशियन स्कूल (प्राचीन त्रासदी को पुनर्जीवित करने का एक प्रयास) में मंच संगीत की विधाएँ फली-फूली। वाद्य रूपों (ल्यूट, विहुएला, अंग और अन्य उपकरणों के लिए टुकड़े) ने स्वतंत्रता प्राप्त की।

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