मध्य युग पश्चिमी यूरोप के इतिहास में सबसे लंबा सांस्कृतिक युग है। इसमें नौ शताब्दियों को शामिल किया गया है - वीआई के साथ xiv शताब्दी में। यह कैथोलिक चर्च के वर्चस्व का समय था, जो पहले चरणों से कला की संरक्षक थी। यूरोप के विभिन्न देशों में चर्च शब्द (प्रार्थना) और विभिन्न सामाजिक परतों में अटूट रूप से संगीत से जुड़ा हुआ था: भजन, भजन, कोरलेस को लगता था - ध्यान केंद्रित किया गया था - ध्यान केंद्रित, अलग धुन, रोजमर्रा की हलचल से दूर।

इसके अलावा, चर्च के आदेश से, राजसी मंदिरों ने उन्हें मूर्तियों और रंगीन रंगीन रंगीन ग्लास खिड़कियों के साथ सजाया; चर्च, आर्किटेक्ट्स और कलाकारों, मूर्तिकारों और गायकों के संरक्षण के लिए धन्यवाद, खुद को निडरता से प्रिय कला के लिए समर्पित, यानी कैथोलिक चर्च ने उन्हें भौतिक पक्ष से समर्थन दिया। इस प्रकार, सामान्य रूप से कला का सबसे महत्वपूर्ण हिस्सा, विशेष रूप से, कैथोलिक धर्म के रखरखाव के अधीन था।

पश्चिमी यूरोप के सभी देशों में चर्च गायन सख्त लैटिन में लग रहा था और एकता को और मजबूत करने के लिए, कैथोलिक दुनिया का समुदाय, पोप ग्रेगरी I, जो iv शताब्दी की शुरुआत में सिंहासन में शामिल हो गए, सभी चर्च मंत्रों को इकट्ठा किया और उनमें से प्रत्येक को चर्च कैलेंडर का एक निश्चित दिन करने के लिए निर्धारित किया गया था। पिताजी द्वारा एकत्र की गई संगीत को ग्रिगोरियन कोरलोव कहा जाता था, और उनके आधार पर गायन परंपरा को ग्रेगोरियन गायन कहा जाता है।

सुन्दर भावना में, ग्रिगोरियन कोरल अष्टकों पर केंद्रित है - आठ वार्डों की प्रणाली। यह वह लड़का था जो अक्सर कोरल को करने के तरीके पर एकमात्र संकेत बने रहे। सभी फ्रेट ऑक्टेटिव थे और एक प्राचीन ट्राइकोर्ड सिस्टम के संशोधन थे। Fretsmen के पास केवल संख्या, "डोरियन", "लिडी" और इतने पर की अवधारणाएं थीं। बाहर रखा गया। प्रत्येक तरीके से दो टेट्राचॉर्ड्स के कनेक्शन का प्रतिनिधित्व किया।

ग्रिगोरियन चोरालास पूरी तरह से उनकी प्रार्थना नियुक्ति के अनुरूप है: एक दूसरे में अप्रत्याशित रूप से असुविधाजनक रूप से इत्मीनान से मेलोडिज़ किए गए थे, मेलोडिक लाइन टेम्प्स तक ही सीमित थी, ध्वनियों के बीच अंतराल छोटे थे, लयबद्ध पैटर्न भी चिकनी था, कोरलस के आधार पर एक शब्दकोश ध्वनि हाथ बनाया गया था। ग्रिगोरियन कोरलस एक पुरुष कोरस के साथ अकेले थे और मुख्य रूप से मौखिक परंपरा में गाते हुए प्रशिक्षित थे। Grigorianicians के लिखित स्रोत अयोग्य नोटेशन का एक मॉडल हैं (विशेष आइकन लैटिन पाठ पर खड़े थे), हालांकि, इस प्रकार के संगीत रिकॉर्ड ने केवल ध्वनि की अनुमानित ऊंचाई, मेलोडिक लाइन की सामान्यीकृत दिशा का संकेत दिया और लयबद्ध पक्ष को छू नहीं पाया बिल्कुल और इसलिए पढ़ना मुश्किल माना जाता था। चर्च कोरल का प्रदर्शन करने वाले गायकों को हमेशा नहीं बनाया गया था और अपने शिल्प को मौखिक रूप से प्रशिक्षित किया गया था।

ग्रेगोरियन कोरल एक विशाल युग का प्रतीक बन गया, जो इसमें जीवन और शांति की अपनी समझ को दर्शाता है। कोरलोव का अर्थ और सामग्री मध्ययुगीन व्यक्ति के अभियान के सार के बारे में प्रतिनिधित्व को दर्शाती है। इस अर्थ में, मध्य युग को अक्सर "युवा यूरोपीय संस्कृति" के रूप में जाना जाता है, जब 476 में प्राचीन रोम के पतन के बाद, बर्बर लोगों, गैलोव और जर्मनों की जनजातियों ने यूरोप पर हमला किया और फिर से अपना जीवन बनाना शुरू कर दिया। ईसाई संतों में उनका विश्वास आस्तीन, सादगी और ग्रिगोरियन कोरल की धुनों से प्रतिष्ठित था, जो प्राकृतिकता के समान सिद्धांत पर आधारित थे। कोरलोव की कुछ एकाग्रता अंतरिक्ष के बारे में मध्ययुगीन व्यक्ति के प्रतिनिधित्व को दर्शाती है, जो उसकी दृष्टि के क्षेत्र तक ही सीमित है। इसके अलावा, समय का विचार दोहराव और अपरिवर्तनीयता के विचार से जुड़ा हुआ था।

आईएक्स सेंचुरी में एक प्रमुख संगीत शैली के रूप में ग्रिगोरियन गायन अंततः पूरे यूरोप में अनुमोदित है। साथ ही, संगीत कला में, सबसे बड़ी खोज हुई, जिसका अपने पूरे और इतिहास पर असर पड़ा: एक भिक्षु वैज्ञानिक, अरेज़ो (एरेटिंस्की) से इतालवी संगीतकार गिडो ने रिकॉर्ड रिकॉर्ड का आविष्कार किया, जिसे हम अभी भी इस दिन का उपयोग करते हैं । अब से, ग्रेगोरियन कोरल को नोट्स पर महसूस किया जा सकता है, और वह अपने विकास के नए चरण में शामिल हो गए।

VII से 9 वीं शताब्दी तक, "संगीत" और "ग्रिगोरियन कोरल" की अवधारणा आंतरिक रूप से मौजूद थी। कोरलोव, मध्ययुगीन संगीतकारों और गायकों की मेलोडी का अध्ययन करना चाहता था, लेकिन चर्च गायन की अनुमति नहीं थी। आउटपुट पाया गया: कोरल मेलोडी पर उसकी सभी आवाज़ों से बराबर दूरी पर, एक दूसरी आवाज निर्धारित की गई थी, जो वास्तव में कोरित के सुन्दर पैटर्न को दोहराया गया था। सुन्दर लग रहा था ट्विन। इस तरह के पहले दो-आवाज निबंधों को ऑर्गनम के नाम प्राप्त हुए, जिसमें लोअर वॉयस जिसमें कोरल ने ध्वनि की थी, को वोक्स प्रिंसिपलिस (बेसिक वॉयस) कहा जाता था, और शीर्ष, कैपलेन - वोक्स ऑर्गेलीन (अतिरिक्त आवाज)। ऑर्गनम की आवाज मंदिर के ध्वनिकों के साथ संघों का कारण बनती है: यह एक गंदे, गहरा था। इसके अलावा, शी-बारहवीं शताब्दी के दौरान, दो-तरीके तीन- (त्रिपक्षीय) और चार-ग्लेज़ तक बढ़ गए।

ऑर्गनम के लयबद्ध रूप - मॉडस (मोडल) लय का एक उदाहरण। उनका छः: जाम्ब (एल ¡), ट्रोहाई (कोरिया) (¡एल), डैक्टिल (¡ . एल ¡), अनापस्ट (एल ¡¡ . ), स्पोंस (¡ . ¡ . ), tractured (l l l)।

चर्च कला के अलावा, यूरोपीय शहरों और अर्थशास्त्र के विकास के साथ, नई कला का जन्म मध्य युग में हुआ। साधारण लोग (नगरवासी, किसान) अक्सर अपने बस्तियों में उनके बस्तियों में देखा जाता था और संगीतकारों ने नाचते हुए, विभिन्न विषयों के लिए नाटकीय विचार खेले: स्वर्गदूतों और सबसे पवित्र कुंवारी के बारे में या नरक और नरक की पीड़ाओं के बारे में। इस नई धर्मनिरपेक्ष कला को चर्च के तपस्वी मंत्रियों का स्वाद लेना पड़ा, जो बेवकूफ गीतों और शैतान की चिनी के विचारों में पाए गए थे।

मध्ययुगीन शहरों और सामंती महलों की बढ़ती, धर्मनिरपेक्ष कला में रूचि, जो सभी संपत्तियों को कवर करती है, ने धर्मनिरपेक्ष कविता और संगीत के पहले व्यावसायिक स्कूल के उद्भव को जन्म दिया - ट्रॉबाडुरोव स्कूल, जो बारहवीं में फ्रांस के दक्षिण में उभरा सदी। इसी तरह के जर्मन कवियों और संगीतकारों को मिनेसिंगर्स (मैस्टिजिंगर्स), सेवरोफ्रानज़-ट्रॉफर कहा जाता था। कविताओं के लेखकों के रूप में, कवियों-ट्रुबाडुरा दोनों संगीतकारों के रूप में और गायक कलाकारों के रूप में प्रदर्शन करते थे।

संगीत ट्रॉबाडुर गाने कविता से बाहर हो गए और उनकी सादगी, जोगी, लापरवाही का अनुकरण किया। ऐसे गीतों की सामग्री ने सभी महत्वपूर्ण विषयों पर चर्चा की: प्रेम और अलगाव, वसंत और इसकी खुशी का आक्रामक, भटकने वाले छात्रों-विद्वानों का मजाकिया जीवन, भाग्य के प्रंकस्टर और उसके मज़ेदार गुस्सा, आदि लयबद्ध, स्पष्ट सदस्यता संगीत वाक्यांशों, जोर, आवृत्ति पर - यह सब अजीबोगरीब गीत Troubadurov था।

Trugorian गायन और Trugbadurov के गीत मध्ययुगीन संगीत में दो स्वतंत्र निर्देश हैं, हालांकि, उनके सभी विपरीत, सामान्य विशेषताओं को नोट करना संभव है: एक शब्द के साथ आंतरिक संबंध, एक चिकनी, अलंकृत वोट की प्रवृत्ति।

प्रारंभिक पॉलीफोनी (पॉलीफोनी) का शीर्ष स्कूल नोट्रे महिलाओं बन गया है। उसके संगीतकारों ने पेरिस में पेरिस में पेरिस में पेरिस के कैथेड्रल में XII-XIII सदियों में हमारी महिला में काम किया। वे ऐसी बहु आवाज वाली संरचनाएं बनाने में कामयाब रहे, धन्यवाद, जिसके लिए संगीत कला लैटिन पाठ के उच्चारण पर अधिक स्वतंत्र, कम निर्भर हो गई है। संगीत को उनके समर्थन और सजावट के रूप में माना जाता है, अब वह विशेष रूप से सुनवाई के लिए इरादा रखी गई थी, हालांकि इस विद्यालय के स्वामी के अंग अभी भी चर्च में किए गए थे। पेशेवर संगीतकार स्कूल नोट्रे-देवियों के प्रमुख पर खड़े थे: बारहवीं शताब्दी के दूसरे छमाही में - लियोनिन, बारहवीं-xiii सदियों की बारी पर - पेरोथ के उनके शिष्य।

मध्य युग के युग में "संगीतकार" की अवधारणा संगीत संस्कृतियों की दूसरी योजना में मौजूद थी और "रचना" से उत्पन्न शब्द - यानी गठबंधन, प्रसिद्ध तत्वों के कुछ नया बनाएँ। संगीतकार का पेशा केवल बारहवीं शताब्दी में दिखाई दिया (ट्रायडुर के काम में और नोटर-डेम स्कूल के परास्नातक)। उदाहरण के लिए, लियोनिन द्वारा पाए गए रचना के नियम अद्वितीय हैं क्योंकि, उनके सामने बनाई गई संगीत सामग्री के गहरे अध्ययन से शुरू होने के बाद, संगीतकार को बाद में कला के मुक्त मानदंडों के साथ सख्त ग्रिगोरियन गायन की परंपराओं को गठबंधन करने के लिए संयुक्त किया गया था। Troubadur।

पहले से ही ऑर्गनम पेरोथ में, संगीत फॉर्म का विस्तार करने का एक तरीका आविष्कार किया गया था। इसलिए, संगीत ऊतक को छोटे उद्देश्यों के लिए विघटित किया गया था, जो समानता के सिद्धांत के अनुसार बनाया गया था (वे सभी एक दूसरे के करीबी प्रकार का प्रतिनिधित्व करते हैं)। पेरोथ इन आदर्शों को एक वोट से दूसरे में प्रसारित करता है, जिसे एक उद्देश्य श्रृंखला की तरह कुछ बनाते हैं। इस तरह के संयोजनों और क्रमपरिवर्तन का उपयोग करके, मोनोथ ने ऑर्गनम को पैमाने पर बढ़ने की अनुमति दी। ग्रागोरियन कोरल की आवाज़, कैंटस फर्मस की आवाज़ में रखी गई, एक दूसरे से उच्च दूरी पर स्थित हैं - और यह संगीत रूप के विस्तार में भी योगदान देती है। तो एक नई शैली थी - मॉट; एक नियम के रूप में, यह एक तीन आवाज निबंध है जिसे XIII शताब्दी में वितरित किया गया है। नई शैली की सुंदरता को विभिन्न मेलोडिक लाइनों के साथ-साथ संयोजन में निष्कर्ष निकाला गया था, हालांकि वे अनिवार्य रूप से एक विकल्प, डुप्लिकेशन, मुख्य पिट - कैंटस फर्मस का प्रतिबिंब थे। इस तरह के प्रस्तावों को "आदेश दिया गया था।"

हालांकि, जनता के लिए सबसे लोकप्रिय, जो कैंटस फर्मस के विपरीत, अंतर के सिद्धांतों को अतिरंजित करता है: उनमें से कुछ भी बहुभाषी ग्रंथों पर रचित हैं।

मध्ययुगीन motes आध्यात्मिक और धर्मनिरपेक्ष सामग्री दोनों हो सकता है: प्यार, व्यंग्यात्मक, आदि

प्रारंभिक पॉलीफोन न केवल मुखर कला के रूप में, बल्कि वाद्य के रूप में भी अस्तित्व में था। कार्नावल और छुट्टियों के लिए, नृत्य संगीत की रचना की गई थी, ट्रायडुड़ी गीतों के साथ उपकरण खेलकर भी थे। मोटे के समान मजाकजनक वाद्य कल्पनाएं लोकप्रिय थीं।

पश्चिमी यूरोपीय कला में XIV शताब्दी को मध्य युग की "शरद ऋतु" कहा जाता है। इटली को पहले से ही एक नया युग प्राप्त हुआ है - पुनर्जन्म; पहले से ही दांते, पेट्रार्च, जोतो - प्रारंभिक पुनर्जागरण के महान स्वामी बनाये। बाकी यूरोप मध्य युग के परिणामों में विफल रहे और कला में एक नए विषय का जन्म - व्यक्तित्व के विषयों को महसूस किया।

एक नए युग में मध्ययुगीन संगीत की शुरूआत को फिलिप डी विटरेट "एआरएस नोवा" - "नई कला" की उपस्थिति से चिह्नित किया गया था। इसमें, वैज्ञानिक और संगीतकार ने एक संगीत की एक नई छवि की रूपरेखा तैयार करने की कोशिश की। इस ग्रंथ का नाम XIV शताब्दी की नाम और पूरी संगीत संस्कृति दी गई। अब से, संगीत को सरल और मोटे ध्वनियों को छोड़ दिया जाना चाहिए और नरमता में पहुंचा, ध्वनि आकर्षण: खाली, ठंडा व्यंजन ars antiqua के बजाय पूर्ण और गायक consonances का उपयोग करने के लिए निर्धारित किया गया था।

अतीत और एकान्त लय (मोडल) में जाने की सिफारिश की गई थी और नए खुले मेनज़ुरल (मापने) नोटेशन का उपयोग करें, जब एक-छोटी और लंबी आवाज़ें 1: 3 या 1: 2 के रूप में छोटी हों। कई और अधिक अवधि - मैक्सिम, लांग, ब्रेविस, सेमीब्रीविस; उनमें से प्रत्येक का अपना चित्र है: लंबी आवाज़ें छायांकित नहीं हैं, काले रंग में अधिक संक्षिप्त चित्रित किए गए हैं।

लय अधिक लचीला, विविध हो गया है, आप सिंकोप्स का उपयोग कर सकते हैं। डायटोनिक चर्च फ्रेट्स को छोड़कर, अन्य के उपयोग पर प्रतिबंध कम सख्त था: आप परिवर्तनों, बढ़ने, संगीत टन को कम करने का उपयोग कर सकते हैं।

मध्य युग का संगीत - संगीत संस्कृति के विकास की अवधि, लगभग वी से XIV शताब्दी ईस्वी तक की अवधि को कवर करती है।

मध्य युग मानव इतिहास का एक बड़ा युग है, जो सामंती प्रणाली के वर्चस्व का समय है।

संस्कृति कालशीलता:

प्रारंभिक मध्ययुगीन - वी-एक्स सदियों।

परिपक्व मध्य युग - Xi - XIV सदियों।

3 9 5 में, रोमन साम्राज्य दो भागों में टूट गया: पश्चिमी और पूर्वी। वी-आईएक्स सदियों में रोम के खंडहर पर पश्चिमी हिस्से में, बर्बर राज्यों थे: 9 वीं शताब्दी में तेज, मोड, फ्रैंक इत्यादि। साम्राज्य कार्ल के क्षय में तीन राज्यों का गठन किया गया: फ्रांस, जर्मनी, इटली। कॉन्स्टेंटिनोपल बाजेंटियम की यूनानी कॉलोनी की साइट पर सम्राट कोन्स्टेंटिन द्वारा स्थापित पूंजी बन गए - यहां से और राज्य के नाम से।

यूरोप में मध्य युग के युग में एक नई प्रकार की संगीत संस्कृति है - एक सामंती, पेशेवर कला, शौकिया संगीत और लोकगीत का संयोजन। चूंकि चर्च आध्यात्मिक जीवन के सभी क्षेत्रों में प्रचलित है, इसलिए पेशेवर संगीत कला का आधार मंदिरों और मठों में संगीतकारों की गतिविधियां है। धर्मनिरपेक्ष पेशेवर कला पहले केवल गायकों पर प्रस्तुत की गई थी जो आंगन में महाकाव्य किंवदंतियों को बनाने और निष्पादित करते थे, योद्धाओं के बीच, योद्धाओं के बीच (बार्ड्स, स्केल, इत्यादि)। समय के साथ, शिष्टता संगीत के शौकिया और अर्ध-पेशेवर रूप विकसित हो रहे हैं: फ्रांस में - जर्मनी में Trubadurov और Trovers (एडम डी ला, द XIII शताब्दी) की कला - मिनेसिंगर (टंगस्टन वॉन Eschenbach, वाल्टर वॉन डेर फूहड़, xii- XIII शताब्दी), और शहरी कारीगरों भी। सामंती ताले में और शहरों में सभी प्रकार के प्रसव, शैलियों और गीतों के रूपों (महाकाव्य, "डॉन", रोन्डो, ले, वेल्ल, बल्लाड, चांसपेट, भूमि इत्यादि) की खेती की जाती है।

नए संगीत वाद्ययंत्रों को जीवन में शामिल किया गया है, जिनमें पूर्वी (व्हायोला, ल्यूट, इत्यादि), ensembles (अस्थिर रचनाएं) शामिल हैं। किसान माध्यम में लोककथा खिलता है। "पीपुल्स प्रोफेशनल" संचालित करते हैं: घूमने वाले सिंथेटिक कलाकारों का पालन (जुगल्स, माइम्स, मिनस्ट्रल्स, स्पिन्स, क्रंब)। संगीत मुख्य रूप से लागू और आध्यात्मिक और व्यावहारिक कार्यों को दोहराता है। रचनात्मकता एकता में निष्पादन के साथ (एक व्यक्ति में एक नियम के रूप में) प्रदर्शन करती है।

धीरे-धीरे, हालांकि, धीरे-धीरे, संगीत की सामग्री, इसकी शैलियों, रूपों, अभिव्यक्ति के साधन समृद्ध हैं। वीआई- VII सदियों से पश्चिमी यूरोप में। डायटोनिक भूमि (ग्रिगोरियन गायन) के आधार पर सिंगल-वॉयस (मोनोडिक) चर्च संगीत की सख्ती से विनियमित प्रणाली है, जो पाठ (भजनशील) और गायन (भजन) को जोड़ती है। 1 और 2 मिलेनिया की बारी से, बहु-बीम पैदा हुए हैं। नया मुखर (कोरल) और मुखर-वाद्य यंत्र (गनीर और अंग) शैलियों का गठन किया जाता है: अंग, मोटा, आचरण, फिर मेसिया। एफआईआरए में बारहवीं शताब्दी में, पहला संगीतकार (क्रिएटिव) स्कूल भगवान की पेरिस मदर (लियोनिन, पेरोथ) के कैथेड्रल के साथ गठित किया गया है। एक बालों वाली बहु-यात्रा के पेशेवर संगीत में पुनर्जागरण (फ्रांस और इटली में एआरएस नोवा शैली, द XIV शताब्दी) की बारी पर, संगीत पूरी तरह से व्यावहारिक कार्यों (सर्विसेज चर्च के संस्कारों) से मुक्त होने लगता है, इससे महत्व बढ़ता है सोंग्स (गिल डी माशा) समेत धर्मनिरपेक्ष शैलियों।

मध्य युग का भौतिक आधार एक सामंती संबंध था। एक ग्रामीण संपत्ति की शर्तों में मध्ययुगीन संस्कृति का गठन किया जाता है। भविष्य में, संस्कृति का सामाजिक आधार शहरी वातावरण बन जाता है - बर्गेमी। राज्यों के गठन के साथ, मुख्य अनुमानित है: पादरी, कुलीनता, लोग।

मध्य युग की कला चर्च से निकटता से जुड़ी हुई है। ईसाई पंथ दर्शन, नैतिकता, सौंदर्यशास्त्र, इस समय के पूरे आध्यात्मिक जीवन का आधार है। धार्मिक प्रतीकों से भरा हुआ, कला पृथ्वी से निर्देशित है, आध्यात्मिक, शाश्वत के लिए क्षणिक।

आधिकारिक चर्च संस्कृति (उच्च) के साथ, एक धर्मनिरपेक्ष संस्कृति (निचली) - लोक (निचली सार्वजनिक परत) और नाइटली (कोर्टी) थी।

शुरुआती मध्य युग के पेशेवर संगीत का मुख्य FOCI - कैथेड्रल, उनमें गायन स्कूल, मठ उस समय के गठन के लिए एकमात्र केंद्र हैं। उन्होंने ग्रीक और लैटिन, अंकगणितीय और संगीत का अध्ययन किया।

मध्य युग के युग में पश्चिमी यूरोप में चर्च संगीत का मुख्य केंद्र रोम था। VI - प्रारंभिक VII शताब्दी के अंत में। पश्चिमी यूरोपीय चर्च संगीत की मुख्य किस्म का गठन किया गया है - ग्रेगोरियन कोरल, जिसे नामित पोप ग्रेगरी I नाम दिया गया है, जिसने चर्च गायन के सुधार को एक साथ इकट्ठा किया और विभिन्न चर्च मंत्रों को व्यवस्थित किया। ग्रिगोरियन चोरल एक एकल बालों वाली कैथोलिक मंत्र है, जिसने विभिन्न मध्य पूर्वी और यूरोपीय लोगों (सिरियाई, यहूदियों, ग्रीक, रोमियों, आदि) की सदियों पुरानी गायन परंपराओं को विलय कर दिया। यह एक ही संगीत की चिकनी सिंगल-बालों वाली तैनाती थी जिसका उद्देश्य संयुक्त इच्छाशक्ति को व्यक्त करने के लिए किया गया था, कैथोलिक धर्म के विनम्रता के अनुसार पार्षदियों के ध्यान का ध्यान केंद्रित किया गया था। संगीत का चरित्र सख्त, असाधारण है। वह कोरल गानाई (इसलिए नाम) द्वारा किया गया था, कुछ वर्ग - एकल कलाकार। डायटोनिक फ्रेट्स के आधार पर वयस्कों को सक्रिय करता है। ग्रेगोरियन गायन ने कठोर-धीमी गाना बजत्रों से लेकर बहुत सारे ग्रेडेशन की अनुमति दी और सालगिरह के साथ समाप्त (पिघलने वाले शब्दांश को पिघलने) के प्रदर्शन के लिए Virtuoso मुखर कौशल की आवश्यकता है।

ग्रिगोरियन गायन वास्तविकता से एक श्रोता देता है, विनम्रता का कारण बनता है, चिंतन, रहस्यमय विस्तार की ओर जाता है। इस तरह का प्रभाव लैटिन, पार्षदों के अचूक थोक में पाठ में योगदान देता है। गायन की लय पाठ द्वारा निर्धारित की गई थी। पाठ रिकॉर्डिंग लहजे के चरित्र के कारण यह अस्पष्ट, अपरिभाषित है।

विभिन्न प्रकार के ग्रेगोरियन गायन को कैथोलिक चर्च की मुख्य पूजा में सारांशित किया गया - मेस्सी, जिसमें पांच स्थिर भागों की स्थापना की गई:

किरी एलिसन (भगवान, पोमेलिया)

ग्लोरिया (महिमा)

क्रेडो (विश्वास)

SANCTUS (पवित्र)

अंजुस देई (भगवान का मेमना)।

समय के साथ, एंथम, अनुक्रमों और ट्रेल्स के माध्यम से लोक संगीत के तत्व ग्रेगोरियन कोरल में रिसाव शुरू करते हैं। यदि भजनोदिया गायक और पादरी के पेशेवर कोरस द्वारा किया गया था, तो पहले भजन पारिश्रमिक हैं। वे आधिकारिक पूजा में सम्मिलन कर रहे थे (वे लोक संगीत की विशेषताओं में निहित थे)। लेकिन जल्द ही द्रव्यमान के ग्राम ने भजनिक को धक्का देना शुरू कर दिया, जिससे पॉलीफोनिक द्रव्यमान की उपस्थिति हुई।

पहला अनुक्रम सालगिरह की मेलोडी के तहत डाउनस्ट्रीम था ताकि संगीत की एक आवाज एक अलग शब्दांश होगी। अनुक्रम एक आम शैली बन जाता है (सबसे लोकप्रिय "वेनी, सचेत स्पिरिटस", "डेज़ आईरे", "स्टैबैट मेटर")। "डेज़ आईरे" ने बर्लियोज़, पत्ता, त्चैकोव्स्की, रचमानिनोव (अक्सर मृत्यु के प्रतीक के रूप में) का उपयोग किया।

पॉलीफोनी के पहले नमूने मठों से हुए - अंगों (समांतर क्विंट्स या क्वार्ट्स के आंदोलन), गिमेल, फ़ॉराम्सडन (समांतर sextaccord), आचरण। संगीतकार: लियोनिन और पेरोथ (12-13 शताब्दियों - भगवान की पेरिसियन मां के कैथेड्रल)।

मध्य युग में धर्मनिरपेक्ष लोक संगीत के वाहक माईम, जॉगल्स, फ्रांस में मिनस्ट्रल्स, स्पाइर्स - जर्मन संस्कृति के देशों में, और स्पेन, स्कॉम्बेरसुलोस में - रूस में। ये भटकते कलाकार सार्वभौमिक स्वामी थे: उन्होंने फोकस, सर्कस कला, कठपुतली थिएटर के साथ विभिन्न उपकरणों पर गायन, नृत्य, खेल को जोड़ा।

धर्मनिरपेक्ष संस्कृति का दूसरा पक्ष एक नाइटली (कोरटेरस) संस्कृति (धर्मनिरपेक्ष सामंती की संस्कृति) थी। नाइट्स लगभग सभी महान लोग थे - गरीब योद्धाओं से राजाओं तक। एक विशेष नाइट का कोड बनता है, जिसके अनुसार शूरवीर, साहस और बहादुरी के साथ, एक उत्कृष्ट महिला के रूप में कार्य करने के लिए शिक्षित, उदार, उदार होने के लिए उत्कृष्ट शिष्टाचार के पास होना चाहिए था। नाइटली लाइफ के सभी पक्ष ट्रुबडुरोव (प्रोवेंस - दक्षिणी फ्रांस), ड्राइवर (उत्तरी फ्रांस), मिनेसिंगर्स (जर्मनी) की संगीत और काव्य कला में परिलक्षित होते हैं। Trubadurov की कला मुख्य रूप से प्रेम गीत के साथ जुड़ा हुआ है। लव गीत का सबसे लोकप्रिय जीनोम चैंचेंड (मिनेसिंगर - "मॉर्निंग गाने" - अल्बा) में था।

ट्रम्पेट्स, व्यापक रूप से ट्रॉबाडुर अनुभव का उपयोग करके, अपने मूल शैलियों का निर्माण किया: "बुनाई गीत", "मई गाने"। Troubadurov, Drovers और Minnesinger के संगीत शैलियों का महत्वपूर्ण क्षेत्र गीत और नृत्य शैलियों था: रोंडो, ballad, viselle (तनाशित रूप), साथ ही साथ वीर ईपीओ (फ्रेंच ईपीओएस "गीत के बारे में गीत", जर्मन - "गीत nibelunga ")। मिनीनेसियांगर्स के क्रूसेडर के गाने थे।

Trubadurov, Drovers और Minnezinger की कला की विशेषता विशेषताओं:

एक तरफा - काव्य पाठ के साथ प्रविष्टि के अविभाज्य संचार का परिणाम है, जो संगीत-काव्य कला के सार से निम्नानुसार है। सिंगल-बैंड बयान की सामग्री के व्यक्तिगत मूल्यांकन के लिए अपने स्वयं के अनुभवों की एक व्यक्तिगत अभिव्यक्ति पर स्थापना से मेल खाता है (अक्सर प्रकृति चित्रों को रेखांकित करके व्यक्तिगत अनुभवों की अभिव्यक्ति तैयार की गई थी)।

ज्यादातर मुखर निष्पादन। उपकरण की भूमिका महत्वपूर्ण नहीं थी: यह प्रवेश, इंटरमीडिया और पोस्ट-शॉर्ट, फ़्रेमिंग वोकल एंटेंजमेंट्स की पूर्ति में कम हो गई थी।

नाइट की कला के बारे में दोनों पेशेवरों पर खर्च नहीं किया जा सकता है, लेकिन पहली बार धर्मनिरपेक्ष संगीतकरण के संदर्भ में, एक शक्तिशाली संगीत और काव्य दिशा अभिव्यक्तिपूर्ण साधनों के एक विकसित परिसर के साथ बनाई गई थी और अपेक्षाकृत संगीत लेखन।

एक्स-एक्सआई शताब्दियों से शुरू होने वाली परिपक्व मध्य युग की महत्वपूर्ण उपलब्धियों में से एक, शहरों (बर्गर संस्कृति) के विकास शहरों का विकास था। शहरी संस्कृति की मुख्य विशेषताएं विरोधी कैंसर, मुक्त अभिविन्यास, लोकगीत के साथ संबंध, इसकी हंसी और कार्निवल चरित्र थे। गोथिक वास्तुकला शैली विकसित होती है। नई पॉलीफनी शैलियों फार्म: 13-14 से 16 शताब्दियों तक। मोटेट (फ्रांज से। - "शब्द"। आदर्श के लिए। आम तौर पर वोटों की सुन्दर नर्सरी जो अलग-अलग ग्रंथों को छेड़छाड़ करती है - अक्सर विभिन्न भाषाओं में), मैड्रिगाल (इटली से। - "मूल भाषा में गीत", यानी इतालवी। ग्रंथ Lyubovoy- गीतात्मक, पादरी), कच्छ (इटाल से। - "शिकार" पाठ, पेंटिंग शिकार पर एक मुखर खेल है)।

लोक भटकाने वाले संगीतकार एक नोमाडिक लाइफस्टाइल से एक व्यवस्थित, पूरे शहर के ब्लॉक को पॉप्युलेट कर रहे हैं और अजीबोगरीब "संगीतकार दुकानें" में शामिल हैं। बारहवीं शताब्दी से शुरू, वैटास्टेंट्स और गोलियाडा लोक संगीतकारों से जुड़े थे - विभिन्न वर्गों (स्कोलास-छात्रों, रनवे, घूमते हुए क्लर्किक्स) से आप्रवासियों को घोषित किया गया था। अशिक्षित जॉगल्स के विपरीत - मौखिक परंपरा के विशिष्ट कला प्रतिनिधियों - योनि और गोलियाडा सक्षम थे: उनके पास लैटिन भाषा और शास्त्रीय कविताओं के नियमों का स्वामित्व था, संगीत रचनाकृत संगीत - गाने (छवियों का चक्र स्कूल विज्ञान और छात्र जीवन से जुड़ा हुआ है) और यहां तक \u200b\u200bकि यहां तक \u200b\u200bकि आचरण और मोटों के प्रकार की जटिल रचनाएं।

विश्वविद्यालय संगीत संस्कृति का एक महत्वपूर्ण फोकस बन गया। संगीत, अधिक सटीक - संगीत ध्वनिक - खगोल विज्ञान, गणित के साथ, भौतिक विज्ञानी क्वाड्रियम में प्रवेश किया, यानी। विश्वविद्यालयों में अध्ययन किए गए चार विषयों का चक्र।

इस प्रकार, मध्ययुगीन शहर में प्रकृति और सामाजिक अभिविन्यास में संगीत संस्कृति के विभिन्न foci थे: लोक संगीतकारों, अदालत संगीत, मठों और कैथेड्रल के संगीत, विश्वविद्यालय संगीत अभ्यास एसोसिएशन।

मध्य युग का संगीत सिद्धांत धर्मशास्त्र से निकटता से जुड़ा हुआ था। कुछ संगीत और सैद्धांतिक ग्रंथों में, संगीत को "चर्च के नौकर" के रूप में माना जाता था। शुरुआती मध्य युग के प्रमुख ग्रंथों में से, 6 पुस्तकें "संगीत पर" ऑगस्टीन, 5 किताबें "संगीत निपटान पर" और दूसरों को इन ग्रंथों में एक बड़ी जगह दी जाती है।

मध्ययुगीन पैर प्रणाली चर्च पेशेवर संगीत कला के प्रतिनिधियों द्वारा विकसित की गई थी - इसलिए, "चर्च Lads" नाम मध्ययुगीन fres के लिए ensenched था। Ionian और eolic और eolist मुख्य frets के रूप में स्थापित किया जाता है।

मध्य युग के संगीत सिद्धांत ने हेक्साहोर्डा के सिद्धांत को आगे रखा। प्रत्येक लाडा में, अभ्यास में 6 कदमों का उपयोग किया गया था (उदाहरण के लिए,, फिर, एमआई, एफए, नमक, एलए)। Xi तब से बचा गया, क्योंकि बढ़ते क्वार्ट पर एफए कदम के साथ भोजन, जिसे बहुत बरकरार रखा गया था और इसे "शैतान में शैतान" कहा जाता था।

आम तौर पर रिकॉर्डिंग का व्यापक रूप से उपयोग किया गया था। Guido Areetinsky ने एक टैंक रिकॉर्डिंग प्रणाली में सुधार किया है। उनके सुधार का सार निम्नानुसार था: चार लाइनों की उपस्थिति, व्यक्तिगत रेखाओं के बीच भयभीत संबंध, कुंजी चिह्न (प्रारंभ में वर्णमाला) या रेखाओं के रंग। उन्होंने लाडा के पहले छह स्तरों के लिए कीचड़ नोटेशन भी पेश किया: यूटी, आरई, एमआई, एफए, नमक, एलए।

Menzular नोटेशन पेश किया गया है, जहां प्रत्येक नोटिव (लेट मेन्सुरा - माप, माप) के लिए एक निश्चित लयबद्ध माप तय किया गया था। अवधि का नाम: मैक्सिम, लांग, ब्रेविस इत्यादि।

XIV शताब्दी मध्ययुगीन और पुनरुद्धार के युग के बीच संक्रमण अवधि है। XIV शताब्दी के फ्रांस और इटली की कला को "एआरएस नोवा" नाम मिला (लैट - नई कला), और इटली में, इसमें प्रारंभिक पुनरुत्थान के सभी गुण हैं। मूलभूत विशेषताएं: चर्च संगीत के विशेष रूप से शैलियों का उपयोग करने और धर्मनिरपेक्ष स्वर-वाद्ययंत्र कक्ष शैलियों (बल्लाड, कच्छ, मैड्रिगाल), घरेलू तलवों के साथ तालमेल, विभिन्न संगीत वाद्ययंत्रों के उपयोग के लिए अपील का उपयोग करने से इनकार करते हैं। एआरएस नोवा तथाकथित के विपरीत है। Ars Antikva (लैट। Ars Antiqua पुरानी कला है), XIV शताब्दी की शुरुआत से पहले संगीत कला का मतलब है। एआरएस नोवा के सबसे बड़े प्रतिनिधि गुइलायूम डी माशो (14 वीं शताब्दी, फ्रांस) और फ्रांसेस्को लैंडीनो (14 वीं शताब्दी, इटली) थे।

इस प्रकार, धन की सापेक्ष सीमा के बावजूद मध्य युग की संगीत संस्कृति, प्राचीन दुनिया के संगीत की तुलना में उच्च स्तर है और पुनर्जागरण युग में संगीत कला के शानदार समृद्ध समृद्धता के लिए पूर्वापेक्षाएँ शामिल हैं।

संगीत संग्रहालय Grigorian Trawadur

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पुस्तकें

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संगीत कला मध्य युग। चेमी-अर्थ भरना। व्यक्तित्व।

मध्य युग - लंबे समय तक, मानव जाति के विकास के एक हजार से अधिक वर्षों को कवर करता है।

यदि हम "उदास मध्ययुगीन" की अवधि के आलंकारिक और भावनात्मक वातावरण में बदल जाते हैं, जैसा कि उन्हें अक्सर बुलाया जाता है, हम देखेंगे कि यह एक गहन आध्यात्मिक जीवन, रचनात्मक उत्साह और सत्य की खोज से भरा हुआ था। ईसाई चर्च के मन और दिलों पर एक शक्तिशाली प्रभाव पड़ा। पवित्र शास्त्रों की धागे, कहानियां और छवियां समझ गईं कि कहानी जो मसीह के आने और भयानक अदालत के दिन तक दुनिया के निर्माण से सामने आती है। सांसारिक जीवन को अंधेरे और हल्के ताकतों के निरंतर संघर्ष के रूप में माना जाता था, और एक आदमी की आत्मा इस संघर्ष का निलंबन था। दुनिया के अंत की बहाली मध्ययुगीन लोगों की विश्ववृत्ति से अनुमति दी जाती है, यह इस अवधि की कला को नाटकीय स्वर में पेंट करती है। इन स्थितियों के तहत, संगीत संस्कृति ने दो शक्तिशाली संरचनाएं विकसित की हैं। एक तरफ, पेशेवर चर्च संगीत, जो मध्ययुगीन काल में पारित हो गया है, विकास का एक बड़ा तरीका; दूसरी तरफ, लोक संगीत रचनात्मकता, जिसे "आधिकारिक" चर्च, और धर्मनिरपेक्ष संगीत के प्रतिनिधियों द्वारा सताया गया था, जो लगभग पूरे मध्ययुगीन काल में शौकिया के रूप में मौजूद है। इन दो दिशाओं के प्रतिद्वंद्वियों के बावजूद, वे पारस्परिक प्रभाव डालते हैं, और इस अवधि के अंत तक धर्मनिरपेक्ष और चर्च संगीत के इंटरपेनेट्रेशन के परिणाम विशेष रूप से मूर्त हो जाते हैं। भावनात्मक-अर्थपूर्ण सामग्री के किनारे से, मध्ययुगीन संगीत के लिए सबसे विशेषता एकदम सही, आध्यात्मिक और व्यावहारिक सिद्धांत का प्रावधान है - दोनों धर्मनिरपेक्ष और चर्च शैलियों में।

ईसाई चर्च के संगीत की भावनात्मक और अर्थपूर्ण सामग्री को दिव्यता की प्रशंसा के लिए निर्देशित किया गया था, मृत्यु के बाद इनाम के लिए सांसारिक सामानों से इनकार किया गया था, तपस्या का प्रचार। संगीत अपने आप में केंद्रित था कि "शुद्ध" की अभिव्यक्ति के साथ क्या जुड़ा हुआ था, किसी भी "शारीरिक" से रहित, आदर्श के लिए इच्छा का भौतिक रूप। चर्चों के ध्वनिकों द्वारा तीव्र संगीत का प्रभाव ध्वनि को दर्शाता है और दिव्य उपस्थिति का प्रभाव पैदा करता है। गॉथिक शैली के उद्भव के साथ प्रकट वास्तुकला के साथ विशेष रूप से चमकदार संगीत। इस समय तक निर्मित मल्टी-वॉयस संगीत ने आकांक्षा वाले सूजन, वोटों की मुफ्त पोंछौती, गोथिक मंदिर की वास्तुशिल्प रेखाओं को दोहराते हुए, अंतरिक्ष की अनंतता की भावना पैदा की। संगीत गॉथिक के सबसे ज्वलंत नमूने नोट्रे डेम कैथेड्रल के संगीतकारों ने बनाया - मैजिस्टर लियोनिन और मैजिस्टर पेरोथ, महान कहा जाता है।

संगीत कला मध्य युग। शैलियों। संगीत भाषा की विशेषताएं।

इस अवधि के दौरान धर्मनिरपेक्ष शैलियों का गठन भटक संगीतकारों के काम से तैयार किया गया था - जुगलर, मिनस्ट्रेल्स और जासूसजो एक व्यक्ति में गायक, अभिनेता, सर्कस और वाद्य यंत्रवादी थे। जॉगल्स, स्पीयर और मिनस्ट्रल्स में भी शामिल हो गए योनि और गोलियादा - दुर्भाग्यपूर्ण छात्र और "कलात्मक" मध्यम साक्षरता और एक निश्चित विद्रोह के हकदार भिक्षुओं से बच निकले। लोगों के गीत न केवल उभरती राष्ट्रीय भाषाओं (फ्रेंच, जर्मन, अंग्रेजी और अन्य) पर, बल्कि लैटिन में भी लग रहे थे। लैटिन नाराजगी में घूमने वाले छात्रों और स्कोलास (वैधानिक) अक्सर महान कौशल था, जिसने धर्मनिरपेक्ष सामंतीवादियों और कैथोलिक चर्च के खिलाफ निर्देशित उनके आरोचक गीतों के लिए एक विशेष तीखेपन को जोड़ा। धीरे-धीरे, आवारा कलाकारों ने लक्ष्यों को बनाने, शहरों में बसने लगे।

इसी अवधि में, एक असाधारण "बुद्धिमान" इंटरलेयर नामांकित किया गया है - प्रतिद्वंद्विता, जिसका पर्यावरण (ट्रूस की अवधि में) में भी कला में रुचि पैदा करता है। महल नाइटली संस्कृति के केंद्रों में बदल जाते हैं। नाइटली व्यवहार के नियमों का आर्क "कोर्टी" (उत्तम, विनम्र) व्यवहार की आवश्यकता होती है। 12 वीं शताब्दी में सामंती नाकाबंदी की अदालतों के साथ प्रोवेंस में, कला पैदा हुई है troubadurov, नई शिवो नाइटली संस्कृति की विशेषता अभिव्यक्ति का प्रतिनिधित्व करते हुए सांसारिक प्रेम की पंथ की घोषणा करते हुए, प्रकृति का आनंद लेते हुए, सांसारिक खुशी। छवियों के सर्कल में, ट्रुबादुरोव की संगीत और काव्य कला मुख्य रूप से प्रेम गीत या सैन्य, आधिकारिक गीतों के साथ जुड़ी कुछ प्रजातियों को जानती थी, जो अपने suzerane के लिए vassal के दृष्टिकोण को दर्शाती है। अक्सर, Trubadurov के प्रेम गीत को सामंती मंत्रालय के रूप में चुना गया था: गायक ने खुद को महिलाओं के वासल के साथ मान्यता दी, जो आमतौर पर उनकी सीनेट की पत्नी थी। उन्होंने अपनी गरिमा, सौंदर्य और कुलीनता का पीछा किया, एक प्रतिकूल लक्ष्य पर अपने प्रभुत्व और "सुस्त" की महिमा की। बेशक, यह उस समय के अदालत-खराद द्वारा निर्धारित सशक्त था। हालांकि, अक्सर नाइट के मंत्रालय के सशर्त रूपों के पीछे एक वास्तविक भावना, काव्य और संगीत छवियों में उज्ज्वल और प्रभावशाली रखा गया था। Trubadurov की कला अपने समय के लिए काफी हद तक उन्नत था। कलाकार के व्यक्तिगत अनुभवों पर ध्यान दें, एक प्रेमपूर्ण और पीड़ा व्यक्तित्व की आंतरिक दुनिया पर जोर बताते हैं कि पाइपलिस्टों ने खुले तौर पर मध्ययुगीन विचारधारा की संपत्ति प्रवृत्तियों का विरोध किया। Trubadour असली सांसारिक प्यार की महिमा करता है। यह "सभी लाभों का स्रोत और उत्पत्ति" देखता है।

ट्रायडुर, रचनात्मकता की कविता के प्रभाव में ट्रॉवरयह अधिक लोकतांत्रिक था (अधिकांश ड्राइवर नागरिकों से हैं) यहां एक ही विषय यहां विकसित किए गए थे, और गाने की कलात्मक शैली विकसित की गई थी। जर्मनी में, एक शताब्दी बाद में (13 वीं शताब्दी) का गठन किया गया मिनीज़िंगरजिसमें पाइपलिस्टों और पाइपों की तुलना में नैतिक और संपादन सामग्री के गीत अक्सर विकसित किए गए थे, अक्सर प्रेम उद्देश्यों को अक्सर धार्मिक चित्रकला द्वारा अधिग्रहित किया जाता था, वे वर्जिन मैरी की पंथ से जुड़े थे। भावनात्मक प्रणाली गीतों को अधिक गंभीरता, ग्रूव द्वारा प्रतिष्ठित किया गया था। अधिकांश भाग के लिए मिनेसिंगर ने आंगनों के रूप में कार्य किया, जहां उन्होंने अपनी प्रतियोगिताओं को संतुष्ट किया। टंगस्टन वॉन ईशेनबाच के ज्ञात नाम, वाल्टर पृष्ठभूमि डेर फौलविद, तांगएइज़र - प्रसिद्ध किंवदंती के नायक। वाग्नेर ओपेरा में इस किंवदंती के आधार पर, केंद्रीय तस्वीर गायक की प्रतियोगिता दृश्य है, जहां सार्वभौमिक आक्रोश के लिए नायक सांसारिक भावनाओं और सुखों की महिमा करता है। Libretto "Tangayizer" Wagner द्वारा लिखित Wagner - युग के विश्वव्यापी, नैतिक आदर्शों, भूतपूर्व प्यार और पापपूर्ण जुनून के साथ निरंतर नाटकीय संघर्ष में उल्लेखनीय प्रवेश का एक नमूना।

चर्च जेनर्स

ग्रिगोरियन कोरल। प्रारंभिक ईसाई चर्च में चर्च ट्यून्स और लैटिन ग्रंथों के लिए कई विकल्प थे। एक पंथ अनुष्ठान और संबंधित लिटर्जिकल संगीत बनाने की आवश्यकता थी। यह प्रक्रिया 6 और 7VV द्वारा पूरी की गई थी। पोप ग्रेगरी I. चर्च ट्यून्स, चर्च वर्ष के भीतर वितरित, कैननयुक्त, आधिकारिक आर्क - एंटीफोनिएरी की राशि। इसमें शामिल कोरल मेलोडी कैथोलिक चर्च के लीटर्जिकल गायन का आधार बन गईं और उन्हें ग्रेगोरियन कोरल का नाम मिला। वह एक बालों वाले कोरस या पुरुष आवाजों के एक पहने हुए द्वारा किया जाता था। हास्य का विकास इत्मीनान से है और प्रारंभिक वक्ता को अलग करने पर आधारित है। संगीत की मुक्त लय शब्दों की लय के अधीनस्थ है। ग्रंथ - लैटिन में अभियोजक, जिसकी आवाज ने खुद को दुनिया भर से विस्तार बनाया है। छोटे कूद प्रकट होने पर मेलोडिक आंदोलन चिकनी, वे तुरंत विपरीत दिशा में आंदोलन की क्षतिपूर्ति करते हैं। ग्रेगोरियन मंत्रों की धुनों को तीन समूहों में विघटित किया गया है: एक पठन, जहां पाठ का प्रत्येक सिलेस्ट गड्ढे की एक आवाज से मेल खाता है, स्तोत्र, जहां कुछ सिलेबल्स और सालगिरह की अनुमति है, जब शब्दांश जटिल मेलोडिक पैटर्न में शेड किया गया था, अक्सर "alleluia" ("भगवान की प्रशंसा")। महान महत्व, जैसा कि अन्य कला प्रकारों में, एक स्थानिक प्रतीकात्मकता है (इस मामले में, "शीर्ष" और "नीचे")। इस एक बालों वाली गायन की पूरी शैली, इसमें "दूसरी योजना" की अनुपस्थिति, "ध्वनि परिप्रेक्ष्य" मध्ययुगीन चित्रकला में एक विमान छवि के सिद्धांत जैसा दिखता है।
गान । जिम समृद्ध 6 वी है। भजन, अधिक भावनात्मक तत्कालता से प्रतिष्ठित, सांसारिक कला की भावना ले गए। वे लोक के नजदीक एक गीत गोदाम की धुनों पर आधारित थे। वी शताब्दी के अंत में, उन्हें चर्च से निष्कासित कर दिया गया था, लेकिन सदियों से वे अतिरिक्त काम वाले संगीत के रूप में अस्तित्व में थे। उन्हें चर्च स्रोत (9 बी।) की वापसी विश्वासियों की सांसारिक भावनाओं के लिए एक तरह की रियायत थी। कोरलोव के विपरीत, भजन काव्य ग्रंथों पर निर्भर थे, और विशेष रूप से रचित (और पवित्र पुस्तकों से उधार नहीं)। इसने धुनों की स्पष्ट संरचना, साथ ही साथ मेलोडी की अधिक स्वतंत्रता निर्धारित की, पाठ के प्रत्येक शब्द के अधीनस्थ नहीं।
मेसा।. अनुष्ठान द्रव्यमान कई शताब्दियों तक तब्दील हो गया था। मुख्य विशेषताओं में अपने हिस्सों का अनुक्रम 9 वी द्वारा निर्धारित किया गया था। एमईएसए का अंतिम रूप केवल एक्सआई शताब्दी द्वारा अधिग्रहित किया गया था। टिकाऊ अपने संगीत बनाने की प्रक्रिया थी। सबसे प्राचीन प्रकार का लिटर्जिकल गायन - भजना; सीधे liturgical कार्रवाई के साथ जुड़े, यह पूरे सेवा में लग रहा था और पुजारी और चर्च गायकों द्वारा किया गया था। भजनों की शुरूआत संगीत शैली द्रव्यमान समृद्ध। हाइलाइट किए गए हेमेकर ने अनुष्ठान के कुछ क्षणों में आवाज उठाई, विश्वासियों की सामूहिक भावनाओं को व्यक्त किया। सबसे पहले उन्होंने अपने पार्षदों को खुद गाया, बाद में - एक पेशेवर चर्च गाना बजानेवालों। भजनों का भावनात्मक प्रभाव इतना मजबूत था कि वे धीरे-धीरे मास्कोडी को छोड़कर, मास्किया के संगीत में जगह ले रहे थे। यह भजन के रूप में था, द्रव्यमान के पांच मुख्य भागों (तथाकथित ऑर्डिनारियम) ने आकार लिया।
I. "किरी एलिसन"("भगवान, पोमेमुई") - क्षमा और क्षमा के लिए मॉलवर;
द्वितीय। "ग्लोरिया"("महिमा") - निर्माता का आभारी गान;
तृतीय। "क्रेडो"("मैं मानता हूं") - लिटर्जी का मध्य भाग, जो ईसाई पंथ के मुख्य dogmas सेट करता है;
Iv। "SANCTUS" ("पवित्र") - एक तीन साल के दोहराए गए गंभीर-उज्ज्वल विस्मयादिबोधक, जो "ओसन्ना" के स्वागत के विस्मयादिबोधक द्वारा प्रतिस्थापित किए गए, जिसने केंद्रीय एपिसोड "बेनेडिक्टस" ("धन्य जो आ रहा है") तैयार किया;
वी। "अग्नस देई" ("भगवान का मेमना") - मसीह के बलिदान के लिए वफादार, क्षमा के एक और बहुत सारे; अंतिम भाग शब्दों के साथ पूरा हो गया है: "डोना नोबिस पेसम" ("हमें दुनिया दें")।
चुप शैलियां

स्वर संगीत
मध्ययुगीन संगीत और काव्य कला ज्यादातर शौकिया थी। यह पर्याप्त सार्वभौमिकता मानता है: एक ही आदमी एक संगीतकार, एक कवि, और गायक और एक वाद्य यंत्र दोनों था, क्योंकि गीत अक्सर ल्यूट या वायोला के साथ किया जाता था। गीतों के काव्य ग्रंथ, विशेष रूप से नाइट कला के नमूने, बहुत रुचि रखते हैं। संगीत के लिए, उसने ग्रिगोरियन मंत्रों, आवारा संगीतकारों के संगीत, साथ ही पूर्वी लोगों के संगीत के प्रभाव का अनुभव किया। अक्सर कलाकारों द्वारा, और कभी-कभी ट्रॉबाडुर गीतों के संगीत के लेखकों ने जॉगल्स थे जिन्हें नाइट्स के साथ देखा गया था, उनके गायन के साथ और नौकरों और सहायकों के कार्यों को निष्पादित किया गया था। इस सहयोग के लिए धन्यवाद, सीमाएं लोगों और नाइटली संगीत रचनात्मकता के बीच मिट रही थीं।
नृत्य संगीत वह क्षेत्र जिसमें वाद्य संगीत का महत्व खुद को विशेष रूप से दृढ़ता से संगीत नृत्य था। XI शताब्दी के अंत के बाद से, कई संगीत और नृत्य शैलियों उत्पन्न होते हैं, जो विशेष रूप से उपकरणों पर निष्पादन के लिए डिज़ाइन किए गए हैं। नृत्य के बिना कोई फसल अवकाश, कोई शादी या अन्य परिवार उत्सव लागत नहीं। नृत्य अक्सर खुद को नृत्य या सींग के नीचे गायन के तहत किया जाता है, कुछ देशों में - एक पाइप, ड्रम, कॉल, प्लेटों से युक्त ऑर्केस्ट्रा के तहत।
ब्रैनल फ्रेंच लोक नृत्य। मध्य युग में शहरों और गांवों में सबसे लोकप्रिय था। उनकी उपस्थिति के तुरंत बाद, अभिजात वर्ग का ध्यान और बॉलरूम नृत्य बन गया। सरल आंदोलनों के लिए धन्यवाद, ब्रैंली सबकुछ नृत्य कर सकता है। उनके प्रतिभागी हाथ पकड़ रहे हैं, एक बंद सर्कल बनाते हैं जिसे लाइन पर तोड़ दिया जा सकता है, ज़िगज़ैग चाल में बदल रहा है। कई प्रकार के ब्रायन थे: सरल, डबल, हास्यास्पद, घोड़ा, ब्रैन प्रेक, ब्रेन के साथ ब्रैन, इत्यादि। बेरान आंदोलनों, गावोट, पास्पी और बुरेरे के आधार पर ब्रायन धीरे-धीरे उत्पन्न होते थे।
स्टेला नृत्य ने तीर्थयात्रियों का प्रदर्शन किया जो कुंवारी मैरी की मूर्ति की पूजा करने के लिए मठ में आए। वह सूर्य द्वारा प्रकाशित पहाड़ के शीर्ष पर खड़ी थी, और ऐसा लगता था कि उससे अनजाने में प्रकाश बहता है। इसलिए नृत्य का नाम (स्टेला - लेट से। स्टार)। लोग एक आवेग में नृत्य करते थे, जो परमेश्वर की मां की भव्यता और शुद्धता से चौंक गए।
करोल। यह 12V में लोकप्रिय था। करोल - ओपन सर्कल। करोल नृत्य के निष्पादन के दौरान, हाथ पकड़े हुए। नृत्य से आगे चला गया। कोरस ने सभी प्रतिभागियों का प्रदर्शन किया। नृत्य की लय चिकनी और धीमी थी, फिर कम हो गई और चलाने के लिए स्विच किया गया।
नृत्य मौत यूरोपीय संस्कृति में देर से मध्य युग की अवधि में मृत्यु का विषय काफी लोकप्रिय हो गया है। प्लेग महामारी, बड़ी संख्या में जीवन ले जाने से मृत्यु के प्रति दृष्टिकोण प्रभावित हुआ। अगर इससे पहले इसे सांसारिक पीड़ा से बचाया गया था, फिर XIII शताब्दी में। उसे डरावनी माना जाता था। गाने के गीतों में चर्चा की गई, भयावह छवियों के रूप में चित्रों और उत्कीर्णन में मृत्यु को चित्रित किया गया था। एक सर्कल में नृत्य किया जाता है। नृत्य बढ़ने लगता है, जैसे कि उनकी अज्ञात बल उन्हें लागू करता है। धीरे-धीरे, वे संगीत को निपुण करते हैं कि मृत्यु की मौत खेल रही है, वे अंत में नृत्य और गिरने लगते हैं।
बसन बेक प्रोमेनेड नृत्य मार्च। उन्होंने एक गंभीर चरित्र पहना था और तकनीकी रूप से जटिल थे। अपने सर्वश्रेष्ठ संगठनों में गायक पर इकट्ठे हुए मालिक के सामने पारित हुए, जैसे कि खुद को और उनकी पोशाक का प्रदर्शन किया - यह नृत्य का अर्थ था। नृत्य प्रक्रियाओं को दृढ़ता से अदालत के जीवन में प्रवेश किया जाता है, उनके बिना कोई त्यौहार नहीं था।
Estampi। (ethampidi) जोड़ी नृत्य, वाद्य संगीत के साथ। कभी-कभी "एथम्बी" तीन द्वारा पूरा किया गया था: एक आदमी ने दो महिलाओं का नेतृत्व किया। संगीत ने एक बड़ी भूमिका निभाई। इसमें कई हिस्सों में शामिल थे और आंदोलनों की प्रकृति और प्रत्येक भाग पर घड़ियों की संख्या का कारण बनता था।

Trubadras:

गिरौत रिकियर 1254-1292

Guiraut Riquier - Provencal कवि, जिसे अक्सर "अंतिम पाइप" कहा जाता है। शानदार और कुशल मास्टर (उनकी धुनों में से 48 संरक्षित), लेकिन आध्यात्मिक विषय के लिए विदेशी नहीं और गीत से हटाने, अपने मुखर पत्र को काफी जटिल नहीं। कई सालों तक वह बार्सिलोना में अदालत में थे। एक क्रॉस अभियान में भाग लिया। कला के संबंध में ब्याज भी इसकी स्थिति है। किंग कास्टाइल और लियोन के अल्फोन्स के कला के प्रसिद्ध संरक्षक के साथ उनके पत्राचार। इसमें, उन्होंने शिकायत की कि बेईमान लोगों, "जुगलर का अपमानजनक शीर्षक", अक्सर जानकार ट्रांजड्रास के साथ मिश्रित होता है। यह "कविता और संगीत की उच्च कला और संगीत जो कविताओं की रचना कर सकते हैं और निर्देशक और indredit कार्यों को बनाने के प्रतिनिधियों के लिए" शर्मनाक और हानिकारक "है।" उत्तर की नींव के तहत, किंग रिकियर ने अपने व्यवस्थितकरण का सुझाव दिया: 1) "काव्य कला के डॉक्टर" - ट्रुबडुरोव का सबसे अच्छा, "समाज के लिए रास्ता", "अनुकरणीय छंद और कैनसन, ग्रेसफुल उपन्यास और व्यावहारिक कार्यों के लेखकों "बोली जाने वाली भाषा में; 2) Trubadras जो उन लोगों को गाने और संगीत लिखते हैं, नृत्य धुन, ballads, अल्बा और sirvents बनाते हैं; 3) जुग्लर स्वाद के लिए खानपान करते हैं: वे विभिन्न उपकरणों को चलाते हैं, वे कहानी और परी कथाओं को बताते हैं, उनके पास अन्य लोगों की कविताओं और डिब्बे होते हैं; 4) बफन (जस्टर) "सड़कों और वर्गों पर उनकी कम कला दिखाती है और व्यवहार्य व्यवहार करती है।" वे प्रशिक्षित बंदरों, कुत्तों और बकरियों को हटा देते हैं, कठपुतलियों का प्रदर्शन करते हैं, पक्षियों की पीठ की नकल करते हैं। बफॉन टूल्स या फॉर्च्यून से पहले छोटे हैंडऑफ के लिए खेल रहा है ... आंगन से अदालत में यात्रा, शर्मिंदगी के बिना, धैर्यपूर्वक अपमान के सभी प्रकारों को स्थानांतरित करता है और सुखद और महान वर्गों को तुच्छता करता है।

रिकियेरा, जितने कई ट्रायडुरोव, नाइटली पुण्य के सवाल को परेशान करते हैं। उन्होंने उच्चतम लाभ माना। "किसी भी तरह से मैं नहीं कहता, मैं वैलोर और दिमाग के बारे में बुरा हूं, लेकिन उदारता सभी से अधिक है।"

कड़वाहट और परेशानियों की भावनाएं XIII शताब्दी के अंत तक तेजी से बढ़ी हैं, जब क्रूसेड्स का पतन एक अचूक वास्तविकता में बदल गया, जिसके साथ असंभव था कि इस पर विचार नहीं किया जाना असंभव था कि यह असंभव था। "यह मेरे लिए समाप्त होने का समय है!" - इन छंदों में (उनके पास पहले से ही 12 9 2 है) ने क्रूसिंग एंटरप्राइजेज Giraut Ricier की निराशा से निराशा व्यक्त की:
"यह एक घंटे में आया - बर्बादी को बर्बाद करने के लिए - पवित्र भूमि छोड़ने के लिए!" कविता "यह मेरे लिए दयालु गीतों के साथ" (12 9 2) को अंतिम ट्रॉबाडुर गीत माना जाता है।

संगीतकार, संगीतकार

Guillaume डी माशो ओके। 1300 - 1377।

माचॉट एक फ्रांसीसी कवि, एक संगीतकार और संगीतकार है। उन्होंने चेक किंग के कोर्ट में सेवा की, 1337 के साथ वह रेइमरी कैथेड्रल के कैननन थे। देर से मध्य युग के सबसे प्रमुख संगीतकारों में से एक, फ्रेंच एआरएस नोवा का सबसे बड़ा आंकड़ा। एक बहु-सिर वाले संगीतकार के रूप में जाना जाता है: यह अपने मोटेस, ballads, वायरोस, ले, रोन्डो, कैनन और अन्य गाने (गीत-नृत्य) रूपों तक पहुंच गया है। उनका संगीत परिष्कृत अभिव्यक्ति, परिष्कृत कामुकता से प्रतिष्ठित है। इसके अलावा, माशा ने लेखक के द्रव्यमान के इतिहास में पहला बनाया (1364 जी में रिम्स में किंग चार्ल्स वी के राजनेता के लिए .. वह लेखक के मेस्का द्वारा संगीत के इतिहास में पहला है - एक टुकड़ा और पूर्ण कार्य प्रसिद्ध संगीतकार। अपनी कला में, यह एक तरफ, एक तरफ, पाइपलिस्टों की संगीत और काव्य संस्कृति और पाइपों की संगीत और कविता संस्कृति से, इसके लंबे समय तक, आधार, दूसरे पर, फ्रांसीसी स्कूलों से एक के साथ गुजर रहा था 12-13 सदियों की पॉलीफनी।

लियोनिन (मध्य XII शताब्दी)

लियोनिन एक उत्कृष्ट संगीतकार है, साथ ही नोट्रे-लेडी स्कूल से संबंधित एक पण्य है। कहानी ने हमें चर्च गायन के वार्षिक सर्कल के लिए डिज़ाइन की गई "बिग बुक ऑफ ऑर्गन्स" के इस प्रसिद्ध निर्माता का नाम रखा। लियोनिन ऑर्गनम ने कोरल गायन को दो आवाज गायन एकल कलाकारों के साथ एकजुट करने के लिए बदल दिया। इसके दो आवाज अंगों को ध्वनि के एक सामंजस्यपूर्ण "समेकन", इस तरह के एक संपूर्ण विकास से प्रतिष्ठित किया गया था, जो पूर्व सोच और रिकॉर्डिंग के बिना असंभव था: लियोनिन की कला में, यह एक गायक-सुधारक नहीं था, बल्कि एक संगीतकार था। लियोनिन का मुख्य नवाचार एक लयबद्ध रिकॉर्ड था, जिसने मुख्य रूप से चलती शीर्ष आवाज से एक स्पष्ट लय स्थापित करने की अनुमति दी। शीर्ष वोटों की प्रकृति मधुर उदारता से प्रतिष्ठित थी।

पेरोटेन

पेरोटिन, पेरोटिनस - 12 के अंत का फ्रेंच संगीतकार 13 सदियों में से पहला तीसरा। आधुनिक ग्रंथों में, "मास्टर पेरोथ ग्रेट" (जिसका मतलब था, निश्चित रूप से अज्ञात है, क्योंकि ऐसे कई संगीतकार थे जिनके लिए इस नाम को जिम्मेदार ठहराया जा सकता था)। पेरोथ ने एक बहु आवाज गायन के जीनस को विकसित किया, जो अपने पूर्ववर्ती लियोनिन के काम में स्थापित, तथाकथित पेरिस, या नोट्रे डेम, स्कूल से भी संबंधित था। पेरोथ ने एक मेलमामैटिक ऑर्गनम के उच्च नमूने बनाए। उन्होंने न केवल 2 वोट (लियोनिन के रूप में) लिखा, बल्कि 3, 4-आंखों वाले निबंध, और स्पष्ट रूप से जटिल और समृद्ध बहुप्रवाह लयबद्ध रूप से और बनावट। इसके 4 मतों वाले अंगों ने अभी तक पॉलीफोनी (अनुकरण, कैनन इत्यादि) के मौजूदा कानूनों का पालन नहीं किया है। पेरोथसम के काम में कैथोलिक चर्च के बहु-आवाज मंत्र की परंपरा थी।

Zokene de ok। 1440-1524

फ्रैंको फ्लेमिश संगीतकार। युवा आयु चर्च गायन से। उन्होंने इटली के विभिन्न शहरों (रोम में 1486-99 गायक पापल चैपल में) और फ्रांस (कैंबोन, पेरिस) में सेवा की। लुई XII का एक अदालत संगीतकार था; उन्हें न केवल पंथ संगीत, बल्कि धर्मनिरपेक्ष गीतों के स्वामी के रूप में मान्यता मिली, जो फ्रेंच चैनसन की उम्मीद करते हैं। जीवन के आखिरी साल कोंडे-सुर-एस्को में कैथेड्रल का एबोट है। जोस्किन ओस - पुनर्जागरण के सबसे बड़े संगीतकारों में से एक, जिसका पश्चिमी यूरोपीय कला के बाद के विकास पर बहुमुखी प्रभाव पड़ा। नीदरलैंड स्कूल की उपलब्धि को सारांशित करते हुए, उन्होंने आध्यात्मिक और धर्मनिरपेक्ष शैलियों (द्रव्यमान, मोटेट्स, भजन, फ्रोट्स) के अभिनव निबंधों को बनाया, जो नए कलात्मक, कार्यों के साथ उच्च पॉलीफोनिक तकनीक अधीनस्थ। शैली के स्रोतों से जुड़े अपने कार्यों की मेलोडी पहले नीदरलैंड मास्टर्स की तुलना में समृद्ध और बहुआयामी है। "क्लियरिंग" पॉलीफोनिक स्टाइल जोशेन ओस, काउंटरपंक्शनिक जटिलता से मुक्त, कोरल लेखन के इतिहास में एक मोड़ बिंदु था।

वोकल शैलियां

पूरे युग के लिए, सामान्य रूप से, मुखर शैलियों, और विशेष मुखर के स्पष्ट प्रावधान पॉलीफोनियों। सख्त शैली पॉलीफोनी, वास्तविक छात्रवृत्ति का असामान्य रूप से जटिल कौशल, Virtuoso तकनीक घरेलू वितरण की उज्ज्वल और ताजा कला के समीप था। वाद्य संगीत कुछ स्वतंत्रता प्राप्त करता है, लेकिन मुखर रूपों और घरेलू स्रोतों (नृत्य, गीत) से इसकी तत्काल निर्भरता केवल थोड़ी देर बाद खत्म हो जाएगी। बड़े संगीत शैलियों मौखिक पाठ से जुड़े रहते हैं। पुनर्जागरण मानवतावाद का सार फटोल और विल्लाल की शैली में कोरस गीतों की संरचना में परिलक्षित होता था।
नृत्य शैलियों

घरेलू नृत्य के पुनरुद्धार के युग में बहुत महत्व प्राप्त होता है। इटली में, फ्रांस, इंग्लैंड, स्पेन कई नए नृत्य रूप हैं। समाज के विभिन्न स्तर के नृत्य हैं, गेंदों, शाम, उत्सवों के दौरान उनके निष्पादन, व्यवहार के लिए नियमों का उत्पादन करते हैं। पुनर्जागरण का नृत्य मध्य मध्य युग के अनपेक्षित ब्रैनल की तुलना में अधिक जटिल है। डांस (डुएट) नृत्य, जटिल आंदोलनों और आंकड़ों पर निर्मित नृत्य और रैखिक-सींग वाली संरचना के साथ नृत्य को बदलने के लिए आते हैं।
वोल्टा - इतालवी मूल की जोड़ी नृत्य। इसका नाम इतालवी शब्द वोल्टेयर से आता है, जिसका अर्थ है "घूमना"। आकार तीन-टन है, टेम्पो मामूली तेजी से तेज़ है। नृत्य का मुख्य चित्र यह है कि घुड़सवार तुरंत और तेजी से महिला को हवा में बदल देता है। यह वृद्धि आमतौर पर बहुत अधिक किया जाता है। इसके लिए कैवेलियर से एक बड़ी ताकत और निपुणता की आवश्यकता होती है, क्योंकि तीखेपन और आंदोलनों की कुछ अशुद्धता के बावजूद, वृद्धि स्पष्ट रूप से और खूबसूरती से की जानी चाहिए।
गैलर्डा - इतालवी मूल का प्राचीन नृत्य, इटली, इंग्लैंड, फ्रांस, स्पेन, जर्मनी में आम। शुरुआती gallurgard का टेम्पो मामूली तेजी से, तीन टोनोल का आकार। गल्जार्ड अक्सर साथी के बाद किया जाता था, जिसके साथ कभी-कभी विषयगत रूप से संबंधित होता था। गैलार्ड 16 वी। यह ऊपरी आवाज में एक सुन्दरता के साथ एक संगीत-हार्मोनिक बनावट में निरंतर है। गैलार्ड मेलोडी फ्रांसीसी समाज की विस्तृत परतों में लोकप्रिय थे। निष्पादन के दौरान, सेरेनाड ऑरलियन्स छात्र ल्यूट और गिटार में शरदार मेलोडी खेलते हैं। झटके की तरह, गलारदा ने एक तरह के नृत्य वार्ता के चरित्र पहने थे। क्वालर अपनी महिला के साथ हॉल के चारों ओर चले गए। जब एक आदमी ने एकल प्रदर्शन किया, तो महिला जगह में रही। पुरुष एकल में विभिन्न जटिल आंदोलन शामिल थे। उसके बाद, उसने फिर से महिला से संपर्क किया और नृत्य जारी रखा।
पवन - 16-17 सदियों का नृत्य संलग्न करें। गति मामूली धीमी है, आकार 4/4 या 2/4 है। विभिन्न स्रोतों में इसकी उत्पत्ति (इटली, स्पेन, फ्रांस) पर कोई सर्वसम्मति नहीं है। सबसे लोकप्रिय संस्करण एक स्पेनिश नृत्य है जो एक खूबसूरती से फ्लश की गई पूंछ के साथ मोर अंकन की गतिविधियों को दर्शाता है। वह Babdança के करीब था। विभिन्न औपचारिक मार्चों ने पवन के संगीत में जगह ली: शहर में अधिकारियों के प्रवेश द्वार, चर्च में दिखाई देने वाली दुल्हन। फ्रांस और इटली में, पवन को अदालत नृत्य के रूप में अनुमोदित किया जाता है। पवन के गंभीर चरित्र ने अदालत समाज को अनुग्रह और उसके तरीके और आंदोलनों की कृपा के लिए चमकने की अनुमति दी। लोग और बुर्जुआ यह नृत्य प्रदर्शन नहीं किया। मेन्यूनेट की तरह पवन, रैंक में सख्ती से था। राजा और रानी का नृत्य शुरू हुआ, तो डोफिन को एक उल्लेखनीय महिला के साथ पेश किया गया, फिर राजकुमारों आदि। घुड़सवार तलवार और शेलरी में एक विग के साथ प्रदर्शन किया। महिलाओं को भारी लंबे टीपीएस के साथ सामने के कपड़े में थे, जिन्हें उन्हें फर्श से उठाए बिना आंदोलनों के दौरान कुशलता से स्वामित्व की आवश्यकता थी। खाई के आंदोलन ने गति को सुंदर बना दिया, जिससे पवन को एक धूमधाम और गंभीरता मिलती है। अनुमानित महिलाओं की रानी के लिए लूप ले गया। नृत्य की शुरुआत से पहले, यह हॉल को बाईपास करने के लिए माना गया था। नृत्य के अंत में, धनुष और रिवर्सल के साथ जोड़ी फिर से हॉल के चारों ओर चली गई। उसकी कमर पर और उसके गाल पर चुंबन - लेकिन एक टोपी पर डालने से पहले, स्वाभाविक महिला के कंधे पर दाहिने हाथ वापस छोड़ दिया (पकड़े टोपी) डाल करने के लिए चाहिए था। नृत्य के दौरान, महिला को कम किया गया था; केवल समय-समय पर उसने अपने कैवलोर को देखा। इंग्लैंड में सबसे लंबा पवन संरक्षित किया गया था, जहां यह बहुत लोकप्रिय था।
अचेदा - 4 डॉलर के आकार में जर्मन मूल का धीमा नृत्य। यह बड़े पैमाने पर "कम", नेपल नृत्य से संबंधित है। कलाकार एक दूसरे के साथ जोड़े बन गए। भाप की संख्या सीमित नहीं है। कवलर ने अपनी बाहों से एक महिला को रखा। कॉलम हॉल के चारों ओर घूम रहा था, और जब यह अंत तक पहुंच गया, तो प्रतिभागियों ने स्पॉट (हाथों को अलग नहीं किया) पर एक मोड़ दिया और विपरीत दिशा में नृत्य जारी रखा।
कुरंत्र - इतालवी मूल के कोर्ट नृत्य। मुरुट सरल और जटिल था। पहले सरल, चमकदार कदमों में शामिल थे जो मुख्य रूप से आगे प्रदर्शन करते थे। जटिल चिम्स एक pantomimical चरित्र था: नृत्य में भाग लेने के लिए तीन महिलाओं को तीन कैवलियर्स आमंत्रित किया गया था। महिलाओं को हॉल के विपरीत कोने को सौंपा गया और नृत्य करने के लिए कहा गया। महिलाओं ने मना कर दिया। कैवेलर्स, एक इनकार प्राप्त हुए, चला गया, लेकिन फिर फिर से लौट आया और उसके घुटनों पर महिलाओं के सामने बन गया। पैंटोमिमेन दृश्य के बाद ही नृत्य शुरू हुआ। इतालवी और फ्रेंच प्रकारों की तुलना अलग-अलग है। इतालवी मुरर - एक मेलोडी हार्मोनिक बनावट में एक साधारण लय के साथ 3/4 या 3/8 का एक पुनर्जीवित नृत्य। फ्रेंच - गंभीर नृत्य ("शिष्टाचार का नृत्य"), चिकनी प्रमुख जुलूस। आकार 3/2, मध्यम गति, काफी विकसित पॉलीफोनिक बनावट।
सरबांडा - लोकप्रिय नृत्य 16 - 17 सदियों। Kastagnets के साथ स्पेनिश महिला नृत्य से हुआ। मूल रूप से गायन के साथ। उनके कामों में से एक में प्रसिद्ध बैलेटमास्टर और शिक्षक कार्लो ब्लेज़िस सरबांडा का एक संक्षिप्त विवरण देते हैं: "इस नृत्य में, हर कोई ऐसी महिला को चुनता है जिसके लिए वह उदासीन नहीं है। संगीत एक संकेत देता है, और दो प्रेमी नृत्य, महान, मापा जाता है हालांकि, इस नृत्य का महत्व यह आनंद में हस्तक्षेप नहीं करता है, और विनम्रता उन्हें और भी सुशोसारता देती है; हर किसी के विचारों को नाचने वाले नृत्य के बाद खुशी होती है जो विभिन्न आंकड़ों को निष्पादित करते हैं, उनके आंदोलन के साथ प्यार के सभी चरणों को व्यक्त करते हैं। " प्रारंभ में, सरबंद की गति मध्यम रूप से तेजी से थी, बाद में (17 वीं शताब्दी से) एक समान फ्रांसीसी सरबंद एक विशिष्ट लयबद्ध पैटर्न के साथ थी: ...... उनके मातृभूमि सरबांडा में अश्लील नृत्य की श्रेणी में और 1630 में। इसे कास्टिलियन परिषद द्वारा प्रतिबंधित कर दिया गया था।
झिगा - अंग्रेजी मूल का नृत्य, सबसे तेज़, तीन-टेल, ट्रायोलिटी में बदल रहा है। प्रारंभ में, एल्बम एक जोड़ी नृत्य था, नाविकों में एक कॉमिक प्रकृति के सोलो के रूप में फैल गया। बाद में यह प्राचीन नृत्य सूट के अंतिम भाग के रूप में वाद्य संगीत में है।

वोकल शैलियां

उन शैलियों में सबसे स्पष्ट बारोक विशेषताएं प्रकट हुईं जहां संगीत अन्य कलाओं के साथ जुड़ा हुआ था। ये सबसे पहले, ओपेरा, ऑरेटरिया, और आध्यात्मिक संगीत के ऐसे शैलियों, जैसे पासोनीज़ और कैंटाटा थे। शब्द, और ओपेरा में संगीत - वेशभूषा और सजावट के साथ, यानी, चित्रकला, लागू कला और वास्तुकला के तत्वों के साथ, उन्हें जटिल और विविध घटनाओं द्वारा अनुभवी व्यक्ति की जटिल आध्यात्मिक दुनिया को व्यक्त करने के लिए बुलाया गया था। । नायकों, देवताओं, वास्तविक और अपर्याप्त कार्रवाई के पड़ोस, सभी प्रकार के जादू बैरोक स्वाद के लिए प्राकृतिक थे, परिवर्तनशीलता, गतिशीलता, परिवर्तन, चमत्कार की उच्चतम अभिव्यक्ति बाहरी, पूरी तरह से सजावटी तत्व नहीं थे, लेकिन कलात्मक का एक अनिवार्य हिस्सा थे प्रणाली।

ओपेरा

ओपेरा शैली को इटली में सबसे बड़ी लोकप्रियता मिली। बड़ी संख्या में ओपेरा सिनेमाघरों को खोला गया है, जो एक अद्भुत, अद्वितीय घटना थी। भारी मखमल लॉज द्वारा लिपटे अनगिनत, एक बैरियर पैराटर (जहां उस समय खड़ा था, और शनि नहीं) के साथ बाध्य किया, उन्होंने 3-ओपेरा सत्रों के दौरान शहर की लगभग सभी आबादी के दौरान एकत्र की। लॉज को पूरे सत्र के लिए पेट्रीशियन अंतिम नामों के लिए खरीदा गया था, एक साधारण व्यक्ति को पार्टर में भीड़ में था, कभी-कभी मुफ्त में छिपी हुई - लेकिन एक निरंतर त्यौहार के वातावरण में सभी को आसानी से महसूस हुआ। "फिरौन" खेलने के लिए बुफे, सोफे, अकेले टेबल थे; उनमें से प्रत्येक विशेष परिसर से जुड़ा हुआ है, जहां भोजन तैयार कर रहा था। दर्शक पड़ोसी लॉज में एक यात्रा के रूप में गए; डेटिंग, प्यार साजिशों ने यहां शुरू किया, नवीनतम समाचार का आदान-प्रदान किया गया था, एक कार्ड गेम को बड़े पैसे के लिए आदान-प्रदान किया गया था, आदि। और मंच पर, एक शानदार, असमानता का प्रदर्शन तैनात किया गया था, जो दर्शकों के दिमाग और भावनाओं को प्रभावित करने के लिए तैयार किया गया था दृष्टि और सुनवाई। पुरातनता के नायकों के साहस और वीरता, पौराणिक पात्रों के शानदार रोमांच संगीत और सजावटी डिजाइन की सभी भव्यता में श्रोताओं की सराहना करने से पहले दिखाई दिए, जो ओपेरा रंगमंच के लगभग एक काउंटरकेक अस्तित्व के लिए प्राप्त हुए।

फ्लोरेंस में 16 वीं शताब्दी के नतीजे पर पहुंचने के बाद, मानवकारों, कवियों और संगीतकारों के सर्कल ("कैमरेटा") में, ओपेरा जल्द ही इटली की अग्रणी संगीत शैली बन जाता है। के। मोंटेवरडी द्वारा खेले गए ओपेरा के विकास में एक विशेष रूप से महत्वपूर्ण भूमिका, जिन्होंने मंटू और वेनिस में काम किया था। उनके दो सबसे प्रसिद्ध चरण काम करते हैं, "ऑर्फीस" और "पोप्पाई का कोरोनेशन" संगीत नाटकीयता की हड़ताली पूर्णता द्वारा चिह्नित किया जाता है। वेनिस में मोंटेवेर्डी के जीवन में एफ कावलली और एम सम्मान के नेतृत्व में एक नया ओपेरा स्कूल था। सैन कैसियानो के पहले सार्वजनिक रंगमंच के वेनिस में 1637 में उद्घाटन के साथ, ओपेरा को टिकट खरीदने का अवसर मिला। धीरे-धीरे, स्पेक्ट्रैकुलर का अर्थ, बाहरी रूप से शानदार क्षण ओपेरा शैली के खुले प्रतिरोधी से प्रेरित सादगी और प्राकृतिकता के प्राचीन आदर्शों के नुकसान के लिए बढ़ते हैं। विशाल विकास एक निर्माता तकनीक प्राप्त करता है, जो मंच पर नायकों के सबसे शानदार रोमांच की अनुमति देता है - जहाजों तक की उड़ानें, वायु द्वारा उड़ानें आदि, भव्य, रंगीन दृश्यों, परिप्रेक्ष्य के भ्रम पैदा करते हैं (इतालवी सिनेमाघरों में दृश्य एक अंडाकार रूप था), रहस्यमय अंधेरे और जादू उद्यानों में, दर्शकों को शानदार महलों और समुद्री विस्तार पर स्थानांतरित कर दिया गया।

साथ ही, संगीत ओपेरा में, एकल मुखर शुरुआत में एक बढ़ता जोर दिया गया था, जो खुद को अभिव्यक्ति के शेष तत्वों को प्रस्तुत किया गया था; भविष्य में यह अनिवार्य रूप से आत्मनिर्भर स्वर विट्यूसिटी के उत्साह और नाटकीय प्रभावों में कमी का नेतृत्व हुआ, जो अक्सर गायकों के असाधारण आवाज डेटा के प्रदर्शन के लिए एक कारण बन गया। कस्टम के अनुसार, गायक-कास्ट्रेट्स ने सॉल्ट्स के रूप में प्रदर्शन किया जो प्रदर्शन करते थे और पुरुषों और महिलाओं की पार्टियां। उनके निष्पादन ने महिलाओं की आसानी और गतिशीलता के साथ पुरुषों की आवाज़ों की शक्ति और चमक को संयुक्त किया। साहसी-वीर गोदाम की पार्टियों में उच्च वोटों का यह उपयोग पारंपरिक था और अप्राकृतिक के रूप में नहीं माना जाता था; यह न केवल पापल रोम में व्यापक है, जहां महिलाओं ने आधिकारिक तौर पर ओपेरा में प्रदर्शन करने के लिए मना किया, लेकिन इटली के अन्य शहरों में भी।

17 वीं शताब्दी के दूसरे छमाही से इतालवी संगीत थिएटर के इतिहास में अग्रणी भूमिका नीपोलिटन ओपेरा में आय जाती है। नीपोलिटन संगीतकारों द्वारा विकसित सिद्धांत ओपेरा नाटकों के सिद्धांत सार्वभौमिक बन गए हैं, और नीपोलिटन ओपेरा को इतालवी ओपेरा सीरिया के राष्ट्रव्यापी प्रकार के साथ पहचाना जाता है। नेपोलिटन ओपेरा स्कूल के विकास में एक बड़ी भूमिका कंज़र्वेटरी द्वारा निभाई गई थी, अनाथों के लिए अनाथों से विशेष संगीत शैक्षिक संस्थानों में बढ़ी। उन्होंने गायक के साथ कक्षाओं पर विशेष ध्यान दिया, जिसमें हवा में प्रशिक्षण, पानी पर, शोर भीड़ वाले स्थानों में और जहां गूंज, गायक को नियंत्रित किया गया था। शानदार Virtuoso vocalists की लंबी पट्टी - संरक्षक के पालतू जानवर - इतालवी संगीत की प्रसिद्धि और पूरी दुनिया (बेल कैंटो) के लिए "उत्कृष्ट गायन" फैल गया। नीपोलिटन ओपेरा के लिए, कंज़र्वेटरी ने पेशेवर कर्मियों के निरंतर रिजर्व का गठन किया, इसके रचनात्मक अद्यतन की कुंजी थी। बारोक युग के कई इतालवी ओपेरा संगीतकारों में से एक, सबसे उत्कृष्ट घटना क्लाउडियो मोंटेवरडी थी। अपने बाद के कार्यों में, ओपेरा प्लेवर्क के बुनियादी सिद्धांत और ओपेरा सोलो गायन के विभिन्न रूप, जो 17 वीं शताब्दी के अधिकांश इतालवी संगीतकारों का पालन करना चाहिए था।

जेनरी पोर्सवेल राष्ट्रीय ब्रिटिश ओपेरा का वास्तविक और एकमात्र निर्माता था। उन्होंने एकमात्र ओपेरा - डिडोना और एनी समेत एक बड़ी संख्या में नाटकीय कार्यों को चलाया। "डिडोना एंड एनी" - बोले गए आवेषण और संवाद के बिना लगभग एकमात्र अंग्रेजी ओपेरा, जिसमें शुरुआत से अंत तक नाटकीय कार्रवाई संगीत पर रखी जाती है। पेरेसेला के अन्य सभी संगीत और नाटकीय प्रस्तुतियों में वार्तालाप संवाद शामिल हैं (हमारे समय में ऐसे कार्यों को "संगीत" कहा जाता है)।

"ओपेरा - इसका रमणीय स्थान परिवर्तन का देश है; एक आंख की झपकी में, लोग देवता बन जाते हैं, और देवता लोग बन जाते हैं। देश भर में यात्रा करने का कोई तरीका नहीं है, क्योंकि देश उसके सामने यात्रा कर रहा है । आप एक भयानक रेगिस्तान में ऊब गए हैं? तत्काल ध्वनि सीटी आपको बागानों की इडली में सहन करती है; आप में से दूसरे देवताओं के निवास में नरक से हैं: एक और दूसरा - और आप फे के गांव में हैं, ओपेरा परी मोहक हैं हमारी परी कथाओं के चेहरे के रूप में, लेकिन उनकी कला अधिक प्राकृतिक है ... "(डुफ्रेना)।

"ओपेरा - प्रदर्शन अजीब है, कितना शानदार है, जहां आंखों और कान मन की तुलना में अधिक संतुष्ट हैं; जहां संगीत का अस्तित्व मजाकिया बेतुकापन है, जहां, जब शहर नष्ट हो जाता है, तो एरियास गायन होता है, और कब्र नृत्य के आसपास होता है ; जहां प्लूटन और सूर्य महलों को देखा जा सकता है, साथ ही साथ देवताओं, राक्षसों, जादूगरों, मंगा, जादूगर, महलों को आंखों के झपकी में बनाया और नष्ट कर दिया गया है। ये विषमताएं ओपेरा - देश फे "के लिए भी प्रशंसा और प्रशंसा करते हैं" (वोल्टायर, 1712)।

ओरटोरिओ

आध्यात्मिक, समकालीन समकालीन लोगों को अक्सर वेशभूषा और दृश्यों के बिना ओपेरा के रूप में माना जाता था। हालांकि, पंथिरोरेटर और जुनून मंदिरों में लगे, जहां मंदिर ही, और पुजारियों के संस्करणों की सेवा और सीनरी और सूट।

ऑरोरेटिया और मुख्य रूप से एक आध्यात्मिक शैली थी। शब्द का वचन स्वयं (यह ऑररेटरियो) लेटेलैटिन्स्की ऑरेटियम - "मेलरी", और लैटिन-वाह से आता है - "मैं कहता हूं, प्रार्थना करो।" ऑरेटियन का जन्म एक ही समय में ओपेरा और कैंटा के रूप में हुआ था, लेकिन मंदिर में। उसका पूर्ववर्ती लिटर्जिकल नाटक था। इस चर्च की कार्रवाई का विकास दो दिशाओं में चला गया। एक तरफ, एक तेजी से अधिग्रहण आम है, यह धीरे-धीरे एक कॉमिक प्रतिनिधित्व में बदल गया। दूसरी तरफ, ईश्वर के साथ प्रार्थना संचार की गंभीरता को संरक्षित करने की इच्छा हर समय सबसे विकसित और नाटकीय साजिश के साथ प्रदर्शन की स्थायित्व में धक्का दिया जाता है। यह आखिरकार, एक स्वतंत्र, पहले पूरी तरह से मंदिर, और फिर एक संगीत कार्यक्रम शैली के रूप में एक oratorio के उद्भव के लिए नेतृत्व किया।

संगीत मध्य युग के युग - विकास अवधिसंगीत संस्कृतिएक हथियाने का समय अंतराल हैV XIV शताब्दी ईस्वी के लिए। ।
यूरोप में मध्य युग के युग में एक नए प्रकार की एक संगीत संस्कृति है -सामंती पेशेवर कला, शौकिया musication एकजुटलोकगीत। चर्च के बाद से आध्यात्मिक जीवन के सभी क्षेत्रों में हावी है, पेशेवर संगीत कला का आधार संगीतकारों की गतिविधियां हैमंदिर और मठ । धर्मनिरपेक्ष पेशेवर कला पहले केवल गायकों पर प्रस्तुत की गई थी जो आंगन में महाकाव्य किंवदंतियों को बनाने और निष्पादित करते थे, योद्धाओं के बीच, आदि के बीच घरों में।बार्ड्स, स्केल्डी और आदि।)। समय के साथ, संगीतकरण के शौकिया और अर्द्ध पेशेवर मोल्ड विकसित हो रहे हैं।नाइट्स: फ्रांस में - जर्मनी में ट्रुबडुरोव और ट्रॉवर (एडम डी ला, द XIII शताब्दी) की कला - मिनेसिंगर ( टंगस्टन वॉन Eschenbach, वाल्टर पृष्ठभूमि डेर फोगेलवेड, Xii - xiii शताब्दी ), साथ ही शहरीकारीगर। सामंती महलों में और शहरों में सभी प्रकार के प्रसव की खेती की जाती है,गाने के शैलियों और फॉर्म (महाकाव्य, "डॉन", रोन्डो, ले, वेल्ल, बल्लाड, चांसप, भूमि, आदि)।
जीवन में शामिलसंगीत वाद्ययंत्र, जिन लोगों के साथ आते हैंपूर्व (वायोला, ल्यूट आदि), ensembles उत्पन्न (अस्थिर रचनाओं)। किसान माध्यम में लोककथा खिलता है। "पीपुल्स प्रोफेशनल" भी संचालित होते हैं:स्पोर्ट्स। सिंथेटिक कलाकार पहने हुए (जॉगल्स, माइम्स, मिनस्ट्रल्स, स्पिन्स, स्क्रॉल )। संगीत मुख्य रूप से लागू और आध्यात्मिक और व्यावहारिक कार्यों को दोहराता है। रचनात्मकता एकता में प्रदर्शन करती हैप्रदर्शन (आमतौर पर एक व्यक्ति में)।
और संगीत की सामग्री में, और इसके रूप में हावी हैसमष्टिवाद ; एक व्यक्तिगत शुरुआत सामान्य के अधीन है, बिना बाहर खड़े होने के (संगीतकार मास्टर सबसे अच्छा प्रतिनिधि हैसमुदाय )। सभी शासनकाल में सख्तपारंपरिक और कैननवाद । समेकन, संरक्षण और वितरणपरंपराओं और मानकों।
धीरे-धीरे, हालांकि धीरे-धीरे, संगीत की सामग्री समृद्ध है, उसकीशैलियों, रूप , अभिव्यक्तिपूर्ण साधन। मेंVI - VII सदियों के साथ पश्चिमी यूरोप । एक सख्ती से विनियमित प्रणाली है।एक बालों वाला (मोनोडिक) ) चर्च संगीत पर आधारित हैडायटोनिक लडिन ( ग्रिगोरियन गायन), एकजुट पाठ (भजनशील) और गायन (भजन) )। 1 और 2 मिलेनियम की बारी से यह पैदा हुआ हैpolyphony । नया बनायावोकल (कोरल) ) और वोकल इंस्ट्रुमेंटल (गाना बजाना औरअंग) शैलियों: अंग, मोट, कंडक्ट, फिर मेसिया। बारहवीं सदी में फ्रांस में पहला गठन किया गया हैसंगीतकार (क्रिएटिव) स्कूल के साथ भगवान की पेरिस की मां का कैथेड्रल। (लियोनिन, पेरोथ)। पुनर्जागरण के मोड़ पर (फ्रांस और इटली में एआरएस नोवा शैली, XIV शताब्दी) में पेशेवर संगीत सिंगल-ग्लेज़ियर की आपूर्ति की जाती हैpolyphony संगीत पूरी तरह से व्यावहारिक कार्यों (चर्च रखरखाव) से मुक्त होना शुरू होता हैसंस्कार ), यह मूल्य बढ़ाता हैपंथ निरपेक्ष गाने सहित शैलियों (गिल डी माशो)।

पुनः प्रवर्तन।

XV-XVII शताब्दियों की अवधि में संगीत।
मध्य युग में, संगीत चर्च का विशेषाधिकार था, इसलिए अधिकांश संगीत कार्यों को पवित्र था, वे चर्च मंत्रों (ग्रेगोरियन कोरल) पर आधारित थे, जो ईसाई धर्म की शुरुआत से धर्म का हिस्सा थे। XVII शताब्दी की शुरुआत में, पोप ग्रेगरी I की सीधी भागीदारी के साथ, पंथ प्रविष्टियों को अंततः कैनोनेट किया गया था। ग्रेगोरियन खोरोर पेशेवर गायकों द्वारा किया गया था। चर्च संगीत के विकास के बाद, ग्रिगोरियन कोरल पॉलीफोनिक धार्मिक कार्यों (मेस, मोटेटोव इत्यादि) के विषयगत आधार बना रहा।

मध्य युग पुनर्जागरण का पालन करते हुए, जो युग की खोजों, नवाचारों और अनुसंधान के संगीतकारों के लिए था, संगीत और संगीत से जीवन के सांस्कृतिक और वैज्ञानिक अभिव्यक्ति की सभी परतों के पुनरुद्धार के युग और खगोल विज्ञान और गणित को चित्रकला।
हालांकि ज्यादातर संगीत धार्मिक बने रहे, लेकिन समाज पर चर्च नियंत्रण की कमजोरी ने अपनी प्रतिभा के अभिव्यक्ति में महान स्वतंत्रता के साथ संगीतकार और कलाकारों को खोला।
प्रिंटिंग मशीन के आविष्कार के साथ, नोट्स को प्रिंट और वितरित करना संभव था, अब से और शुरू होता है जिसे हम शास्त्रीय संगीत कहते हैं।
इस अवधि के दौरान, नए संगीत वाद्ययंत्र दिखाई दिए। सबसे लोकप्रिय उपकरण जिन पर संगीत के गेम प्रेमी विशेष कौशल की आवश्यकता के बिना आसान और आसानी से थे।
इस समय व्हायोला दिखाई दिया - वायलिन के पूर्ववर्ती। लैड्स (ग्रिफ में लकड़ी की धारियों) के लिए धन्यवाद, यह खेलना आसान था, और उसकी आवाज शांत, सौम्य और छोटे हॉल में अच्छी तरह से सुनाई गई थी।
पीतल के उपकरण भी लोकप्रिय थे - ब्लॉक बांसुरी, बांसुरी और सींग। सबसे जटिल संगीत नव निर्मित क्लस्टर, पेड़ों (अंग्रेजी हर्पिचिन, छोटे आकार से प्रतिष्ठित) और अंग के लिए लिखा गया था। साथ ही, संगीतकार संगीत को आसान बनाने के लिए नहीं भूलते थे, जिन्हें उच्च प्रदर्शन कौशल की आवश्यकता नहीं थी। साथ ही, संगीत पत्र में बदलाव हुए: इतालवी मोबाइल मोबाइल मोबाइल मोबाइल मोबाइल मोबाइल मोबाइल मोबाइल मोबाइल मोबाइल मोबाइल मोबाइल मोबाइल मोबाइल मेटल लाइज़र भारी लकड़ी के मुद्रित ब्लॉक को बदलने के लिए आया था। प्रकाशित संगीत कार्यों ने जल्दी से खरीदा, अधिक से अधिक लोगों ने संगीत में शामिल होने लगे।
पुनरुद्धार युग का अंत संगीत इतिहास में सबसे महत्वपूर्ण घटना द्वारा चिह्नित किया गया था - ओपेरा का जन्म। फ्लोरेंस में, मानववादी, संगीतकारों, कविों का एक समूह जोवानी डी बर्दी (1534 - 1612) के नेता के अपने नेता के संरक्षण के तहत कविों को इकट्ठा किया गया था। समूह को "कैमरा" कहा जाता था, इसका मुख्य सदस्य जूलियो कच्छिनी, पिट्रो स्ट्रोज़ी, विन्सेन्ज़ो गलील (पिता एस्ट्रोनोमी गैलीलियो गैलीलियन), गिलोरामो मेई, एमिलियो डी कवली और युवा वर्षों में ओटावियो राइनुचिनी थे।
समूह की पहली प्रलेखित असेंबली 1573 में हुई, और सबसे सक्रिय वर्षों के काम "फ्लोरेंटाइन कैमरेटा "1577-1582 था। उनका मानना \u200b\u200bथा कि संगीत" खराब "था और प्राचीन ग्रीस के रूप और शैली में लौटने की मांग की, यह मानते हुए कि संगीत कला में सुधार किया जा सकता है और तदनुसार, समाज भी मौजूदा संगीत की आलोचना करता है। आंत के नुकसान के लिए पॉलीफोनी के अत्यधिक उपयोग के लिए। कार्य के कविता घटक के पाठ और हानि ने एक नई संगीत शैली बनाने का प्रस्ताव भी दिया जिसमें मोनोडिक शैली में पाठ वाद्ययंत्र संगीत के साथ था। उनके प्रयोग एक नए मुखर-संगीत रूप के निर्माण के लिए नेतृत्व - एमिलियो डी कैवलियर द्वारा उपयोग की जाने वाली एक क्लेटेटी, बाद में ओपेरा के विकास से संबंधित।
पहले आधिकारिक तौर पर मान्यता प्राप्तओपेरा आधुनिक मानकों के अनुरूप, "डेफने" ओपेरा (डेफने) को पहली बार 15 9 8 में प्रस्तुत किया गया था "डेफने" जैकोपो पियर और जैकोपो कोर्सी, लिब्रेटो ओटावियो राइनुचिनी थे। यह ओपेरा संरक्षित नहीं है। पहला जीवित ओपेरा एक ही लेखकों के "युरीडिक" (1600) है - जैकोपो प्रति। और ओटावियो rhinucchini। इस क्रिएटिव यूनियन ने भी बहुत सारे काम किए हैं, जिनमें से अधिकांश खो गए हैं।

प्रारंभिक बारोक का संगीत (1600-1654)

बारोक और पुनर्जागरण युग के बीच संक्रमण के सशर्त बिंदु को इसकी पुनरावृत्ति शैली और इतालवी ओपेरा के लगातार विकास के इतालवी संगीतकार क्लाउडियो मोंटेवरडी (1567-1643) का निर्माण माना जा सकता है। रोम में ओपेरा प्रदर्शन की शुरुआत और विशेष रूप से वेनिस में देश में एक नई शैली की मान्यता और वितरण का मतलब था। यह सब एक और व्यापक प्रक्रिया का हिस्सा था जिसने सभी कलाओं को पकड़ लिया, और विशेष रूप से वास्तुकला और लेखन चित्रों में उज्ज्वल रूप से प्रकट किया।
पुनर्जागरण संगीतकारों ने इन भागों की तुलना पर ध्यान देने के बिना संगीत कार्य के प्रत्येक भाग के विस्तार पर ध्यान दिया। अलग-अलग, प्रत्येक भाग उत्कृष्ट लग सकता था, लेकिन इसके अलावा, बल्कि इसके मामले का मामला पैटर्न की तुलना में था। एक अनुमानित बास की उपस्थिति ने संगीत सोच में एक महत्वपूर्ण बदलाव का संकेत दिया - अर्थात्, तथ्य यह है कि सद्भाव, जो "एक पूरे भागों के अलावा" है, जैसा कि मेलोडिक भागों (पॉलीफोनी) के रूप में महत्वपूर्ण है। अधिक से अधिक पॉलीफोनी और सद्भाव सामंजस्यपूर्ण संगीत की संरचना के एक विचार के दो पक्षों की तरह दिखते हैं: जब लेखन, सामंजस्यपूर्ण अनुक्रमों को विसंगति बनाते समय ट्रिटोन के रूप में समान ध्यान दिया गया था। पिछले युग के कुछ संगीतकारों में हार्मोनिक सोच भी अस्तित्व में थी, उदाहरण के लिए, कार्लो जेसुअलडो, लेकिन बारोक युग में, यह आम तौर पर स्वीकार किया गया।
उन कार्यों के उन हिस्सों जहां औपचारिकता से औपचारिकता को स्पष्ट रूप से अलग करना असंभव है, उन्होंने मिश्रित प्रमुख, या मिश्रित नाबालिग की तरह चिह्नित किया (बाद में इन अवधारणाओं के लिए उन्होंने क्रमशः "मोन्सल मेजर" और "मोन्सल माइनर" शर्तों की शुरुआत की) । मेज से, यह देखा जा सकता है कि शुरुआती बारोक अवधि में पहले से ही टोनल सद्भावना लगभग पिछले युग की सद्भाव को विस्थापित करती है।
इटली एक नई शैली का केंद्र बन जाता है। पोपसी, हालांकि सुधार के साथ संघर्ष से कब्जा कर लिया गया, लेकिन फिर भी हब्सबर्ग के सैन्य अभियानों द्वारा भरपूर भारी धन संसाधन रखने के लिए, सांस्कृतिक प्रभाव का विस्तार करके कैथोलिक विश्वास के प्रसार की संभावना की तलाश में था। महिमा, दृश्य कला और संगीत, कैथोलिक धर्म की शानदारता, महानता और जटिलता, जैसा कि यह तपस्वी प्रोटेस्टेंटवाद के साथ तर्क दिया गया था। अमीर इतालवी गणराज्यों और प्राचार्य ने ललित कला के क्षेत्र में एक सक्रिय प्रतिस्पर्धा भी आयोजित की। संगीत कला के महत्वपूर्ण केंद्रों में से एक वेनिस था, जो पूर्व में धर्मनिरपेक्ष और चर्च संरक्षण के तहत था।
प्रारंभिक बारोक अवधि का एक महत्वपूर्ण आंकड़ा, जिसकी स्थिति कैथोलिक धर्म के पक्ष में थी, बढ़ते वैचारिक, सांस्कृतिक और प्रोटेस्टेंटवाद के सार्वजनिक प्रभाव का विरोध, जियोवानी गेब्रियली थी। उनका काम "उच्च पुनर्जन्म" (पुनर्जागरण के दिन) की शैली से संबंधित है। हालांकि, टूल्स के क्षेत्र में इसके कुछ नवाचार (अपने स्वयं के, विशिष्ट कार्यों के लिए एक निश्चित उपकरण की नियुक्ति) स्पष्ट रूप से इंगित करते हैं कि यह उन संगीतकारों में से एक था जिन्होंने एक नई शैली की उपस्थिति को प्रभावित किया।
आध्यात्मिक संगीत के काम में चर्च द्वारा लगाए गए आवश्यकताओं में से एक यह था कि वोकल्स के साथ कामों में ग्रंथों की पसंद थी। इसने पॉलीफोनी से संगीत तकनीकों तक कार्गो की मांग की, जहां शब्द सामने गए। संगत की तुलना में Vocals अधिक जटिल, विटिवेट बन गया। इसलिए होमोफोनी का विकास मिला।
मोंटेवर्ड क्लाउडियो (1567-1643), इतालवी संगीतकार। कुछ भी उन्हें अपने नाटकीय संघर्षों और बाहरी दुनिया के साथ संघर्ष में आंतरिक, मानसिक शांति के संपर्क के रूप में आकर्षित नहीं किया। Monteverdi त्रासदी योजना के संघर्ष नाटक की एक वास्तविक प्रारंभिक है। वह मानव स्नान का एक तूफान गायक है। उन्होंने लगातार संगीत की प्राकृतिक अभिव्यक्ति की मांग की। "भाषण मानव है - सद्भाव की महिला, और इसका नौकर नहीं।"
"Orpheus" (1607) -ओपेरा का संगीत दुखद नायक की आंतरिक दुनिया के प्रकटीकरण पर केंद्रित है। उनकी पार्टी असामान्य रूप से बहुमुखी है, यह विभिन्न भावनात्मक और अभिव्यक्तिपूर्ण धाराओं और शैली रेखाओं को विलीन करती है। वह उत्साही रूप से अपने मूल जंगलों और तटों पर दिखाई देता है या लोक गोदाम के अवांछनीय गीतों में अपने यूरिडिक के नुकसान का शोक करता है।

संगीत संगीत बैरोक (1654-1707)

यूरोप में सर्वोच्च शक्ति के केंद्रीकरण की अवधि को अक्सर निरपेक्षता कहा जाता है। निरपेक्षता फ्रांसीसी किंग लुईस XIV के साथ अपने अपॉजी तक पहुंची। पूरे यूरोप के लिए, लुई लुइस एक आदर्श मॉडल था। अदालत में किए गए संगीत सहित। संगीत वाद्ययंत्रों की बढ़ी हुई उपलब्धता (यह विशेष रूप से कीबोर्ड से संबंधित थी) ने चैम्बर संगीत के विकास को बढ़ावा दिया।
परिपक्व बैरोक एक नई शैली के शुरुआती व्यापक फैलाव और विशेष रूप से ओपेरा में संगीत रूपों के एक मजबूत पृथक्करण से अलग है। साहित्य में, संगीत कार्यों की छपाई करने की क्षमता दर्शकों का विस्तार हुआ; संगीत संस्कृति के केंद्रों के बीच विनिमय को बरकरार रखा।
यार्ड लुई XIV के अदालत के संगीतकारों का एक उत्कृष्ट प्रतिनिधि था Giovanni Battista Lulley (1632-1687)।पहले से ही 21 में, उन्हें "वाद्य यंत्र के विनम्र संगीतकार" का खिताब मिला। बहुत शुरुआत से रचनात्मक कार्य को थियेटर से कसकर जोड़ा गया था। अदालत कक्ष संगीत के संगठन और लेखन "एयर डी कोर्ट" के संगठन के बाद, उन्होंने बैले संगीत लिखना शुरू किया। लुई XIV ने खुद बैलेट्स में नृत्य किया, जो फिर से अदालत की कुलीनता के पसंदीदा मनोरंजन थे। लॉलली एक उत्कृष्ट नर्तक था। वह राजा के साथ नृत्य, उत्पादन में भाग लेने में सक्षम था। वह मोलिएयर के साथ उनके सहयोग के लिए जाने जाते हैं, नाटकों पर उन्होंने संगीत लिखा था। लेकिन लूली के कामों में मुख्य बात अभी भी ओपेरा लिख \u200b\u200bरही थी। आश्चर्य की बात है, लूली ने एक पूर्ण प्रकार का फ्रेंच ओपेरा बनाया; फ्रांस में तथाकथित गीतात्मक त्रासदी (एफआर त्रासदी लिरिक), और ओपेरा हाउस में अपने काम के पहले वर्षों में निस्संदेह रचनात्मक परिपक्वता तक पहुंची। रली को अक्सर ऑर्केस्ट्रल अनुभाग की राजसी ध्वनि, और सरल प्राप्तकर्ताओं और एरियास के बीच के अंतर का उपयोग किया जाता है। चट्टान की संगीत भाषा बहुत जटिल नहीं है, लेकिन, ज़ाहिर है, सद्भाव, लयबद्ध ऊर्जा की स्पष्टता, फॉर्म सदस्यता की स्पष्टता, बनावट की शुद्धता होमोफोन सोच के सिद्धांतों की जीत की बात करती है। काफी हद तक, उनकी सफलता को ऑर्केस्ट्रा में संगीतकारों का चयन करने की उनकी क्षमता और उनके साथ उनके काम की सुविधा प्रदान की गई (उन्होंने स्वयं को रिहर्सल का आयोजन किया)। उनके काम का एक अभिन्न तत्व सद्भाव और एक संकलन उपकरण पर ध्यान दिया गया था।
इंग्लैंड में, परिपक्व बारोक को हेनरी पेरेसेला (1659-1695) के उज्ज्वल प्रतिभा द्वारा चिह्नित किया गया था। वह युवाओं की मृत्यु हो गई, 36 साल की उम्र में, बड़ी संख्या में काम लिख रहे हैं और अपने जीवनकाल के दौरान व्यापक रूप से जाना जाता है। पर्सेल कोरेली और अन्य इतालवी बारोक संगीतकारों के काम से परिचित था। हालांकि, उनके संरक्षक और ग्राहक इतालवी और फ्रेंच धर्मनिरपेक्ष और चर्च की तुलना में एक और विविधता के लोग थे, इसलिए पोर्सला के लेख इतालवी स्कूल से बहुत अलग हैं। पर्ससेल ने शैलियों की एक विस्तृत श्रृंखला में काम किया; साधारण धार्मिक भजनों से संगीत मार्च करने के लिए, एक बड़े प्रारूप के मुखर निबंधों से मंचित संगीत के लिए। उनके कैटलॉग में 800 से अधिक काम हैं। पर्ससेल कीबोर्ड संगीत के पहले संगीतकारों में से एक बन गया, जिसका प्रभाव आधुनिकता पर लागू होता है।
उपरोक्त संगीतकारों के विपरीत Dietrich Buxthehud (1637-1707) एक अदालत संगीतकार नहीं था। Buxtehude एक ऑर्गनाइस्ट द्वारा काम किया, पहले हेलसिंगबॉर्ग (1657-1658) में, फिर एल्सिनेर (1660-1668) में, और फिर, 1668 से शुरू, सेंट के चर्च में Lübeck में मैरी। उन्होंने अपने कार्यों का प्रकाशन नहीं किया, लेकिन उनके निष्पादन, और कुलीनता के संरक्षण ने चर्च ग्रंथों पर संगीत का निबंध और अपने स्वयं के अंग कार्य के निष्पादन को प्राथमिकता दी। दुर्भाग्यवश, इस संगीतकार के सभी कार्यों को संरक्षित नहीं किया गया है। ब्रश स्टेशन का संगीत बड़े पैमाने पर विचारों, धन और कल्पना की स्वतंत्रता, दयनीय, \u200b\u200bनाटकीयता, कई ऑरेटरी इंटोनेशन की प्रवृत्ति के पैमाने पर बनाया गया है। उनकी रचनात्मकता के इस तरह के संगीतकारों पर आई एस बाच और टेमेन के रूप में मजबूत प्रभाव पड़ा।

संगीत देर से बैरोक (1707-1760)

परिपक्व और देर से बैरोक के बीच सटीक रेखा चर्चा का विषय है; यह 1680 और 1720 के बीच कहीं स्थित है। इसके दृढ़ संकल्प की जटिलता की काफी हद तक, तथ्य यह है कि शैलियों के विभिन्न देशों में इसे समझ से बाहर कर दिया गया था; पहले से ही एक स्थान पर शासन द्वारा किए गए नवाचार ताजा पाते थे
पिछली अवधि द्वारा खुले रूप परिपक्वता और बड़ी परिवर्तनशीलता तक पहुंच गए; कॉन्सर्ट, सुइट, सोनाटा, कॉन्फ़्रेटो ग्रोसो, ऑरोरेटिया, ओपेरा और बैले ने अब राष्ट्रीय सुविधाओं का उच्चारण नहीं किया था। सार्वभौमिक रूप से स्थापित आमतौर पर कार्यों की स्वीकार्य योजनाएं: एक दोहराए गए दो-चार्ट (एएबीबी), एक साधारण तीन-भाग (एबीसी) और रोन्डो।
एंटोनियो विवाल्डी (1678-1741) - वेनिस में पैदा हुए इतालवी संगीतकार। 1703 में उन्होंने सैन कैथोलिक पुजारी को स्वीकार कर लिया। इनमें यह है, जबकि अभी भी वाद्ययंत्र शैलियों (बारोक सोनाटा और एक बारोक संगीत कार्यक्रम), विवाल्डी विकसित करते हैं और उन्होंने अपना सबसे महत्वपूर्ण योगदान दिया है। Vivaldi 500 से अधिक संगीत कार्यक्रमों की रचना। उन्होंने अपने कुछ काम, जैसे प्रसिद्ध "मौसम" के लिए कार्यक्रम के नाम भी दिए।
डोमेनिको स्कार्लट्टी (1685-1757) यह अपने समय के अग्रणी कीबोर्ड संगीतकारों और कलाकारों में से एक था। लेकिन शायद सबसे प्रसिद्ध अदालत संगीतकार बन गया जॉर्ज फ्रेडरिक हैंडल (1685-175 9)।उनका जन्म जर्मनी में हुआ था, उन्होंने इटली में तीन साल तक अध्ययन किया, लेकिन 1711 लंदन में लंदन छोड़ दिया, जहां उन्होंने एक स्वतंत्र ओपेरा संगीतकार के अपने शानदार और व्यावसायिक रूप से सफल कैरियर शुरू किया, कुलीनता के आदेश प्रदर्शन किया। एक अथक ऊर्जा होने के बाद, हैंडल ने अन्य संगीतकारों की सामग्री को पुनर्नवीनीकरण किया, और लगातार अपने निबंधों को फिर से काम किया। उदाहरण के लिए, उन्हें प्रसिद्ध वक्ताओं "मसीहा" द्वारा कई बार पुन: कार्य करने के लिए जाना जाता है जो अब कोई संस्करण नहीं है जिसे "प्रामाणिक" कहा जा सकता है।
मृत्यु के बाद, उन्हें अग्रणी यूरोपीय संगीतकार के रूप में पहचाना गया, और क्लासिकवाद के युग के संगीतकारों द्वारा अध्ययन किया गया। हैंडल अपने संगीत में सुधार और काउंटरपॉइंट की समृद्ध परंपराओं में मिश्रित। संगीत गहने की कला अपने कार्यों में बहुत अधिक स्तर के विकास तक पहुंच गई है। उन्होंने यूरोप के सभी संगीतकारों के संगीत का अध्ययन करने के लिए यात्रा की, और इसलिए अन्य शैलियों के संगीतकारों के बीच डेटिंग की एक विस्तृत श्रृंखला थी।
जोहान सेबेस्टियन बाच जर्मनी के ईसीनह शहर में 21 मार्च, 1685 को पैदा हुए। अपने जीवन के लिए, ओपेरा को छोड़कर, उन्होंने विभिन्न शैलियों में 1000 से अधिक कार्यों की रचना की। लेकिन अपने जीवनकाल के दौरान, उन्होंने कोई सार्थक सफलता हासिल नहीं की। कई बार चलते हुए, बाच ने दूसरे के लिए बहुत अधिक स्थिति नहीं की: वीमर में, वे वाइमर ड्यूक जोहाना अर्न्स्ट में एक अदालत संगीतकार थे, फिर सेंट के चर्च में एक देखभालकर्ता बन गए। Arnstadt में Bonifacea, कुछ सालों बाद उसने सेंट के चर्च में एक संगठन की स्थिति ली मुलौसेन में मुसा, जहां उन्होंने लगभग एक साल तक काम किया, जिसके बाद वह वीमर लौट आए, जहां उन्होंने अदालत के संगठन और संगीत कार्यक्रमों के आयोजक की जगह ली। इस स्थिति में उन्हें नौ साल तक देरी हुई थी। 1717 में, लियोपोल्ड, ड्यूक अनहाल्ट-कोटेन्स्की, बाबा को कपेलमिस्टर की स्थिति में रखा गया, और बाच ने कोटेन में जीना और काम करना शुरू कर दिया। 1723 में, बाच लीपजिग चले गए, जहां वह 1750 में उनकी मृत्यु तक बने रहे। हाल के वर्षों के जीवन में, बाच की मौत के बाद, संगीतकार के रूप में उनकी प्रसिद्धि कम हो गई: उनकी शैली को बढ़ते क्लासिज़्म की तुलना में पुराने जमाने पर विचार किया गया। वह उसे और अधिक जानता था और कलाकार, शिक्षक और बखोव जूनियर के पिता के रूप में याद किया गया, सबसे पहले, चार्ल्स फिलिप इमानुअल, जिसका संगीत प्रसिद्ध था।
केवल एम बहा की मौत के 79 साल बाद मेंडेलसन द्वारा "मैथ्यू जुनून" का निष्पादन, वह अपने काम में हित को पुनर्जीवित करता है। अब I. एस बाच सबसे लोकप्रिय संगीतकारों में से एक है।
क्लासिसिज़म
क्लासिकवाद - XVII की कला में शैली और दिशा - XIX सदियों।
यह शब्द लैटिन क्लासिकस से हुआ - अनुकरणीय। क्लासिकिज्म यह जानने की खुफिया में दृढ़ विश्वास पर आधारित था, इस तथ्य में कि मानव प्रकृति सामंजस्यपूर्ण है। क्लासिक्स का आदर्श प्राचीन कला में देखा गया था, जिसे पूर्णता का उच्चतम रूप माना जाता था।
अठारहवीं शताब्दी में, सामाजिक चेतना के विकास का एक नया चरण शुरू होता है - ज्ञान का युग। पुराना सार्वजनिक आदेश नष्ट हो गया है; मानव गरिमा के सम्मान के विचार, स्वतंत्रता और खुशी सर्वोपरि महत्व के हैं; व्यक्तित्व स्वतंत्रता और परिपक्वता प्राप्त करता है, इसके दिमाग और आलोचनात्मक सोच का उपयोग करता है। प्राकृतिकता और सादगी के आधार पर एक नई जीवनशैली, बारोक युग और गंभीरता के आदर्शों को बदलने के लिए आती है। जीन-जैक्स रौसेउ के आदर्शवादी विचारों का समय, प्रकृति को वापस, प्राकृतिक गुण और स्वतंत्रता के लिए बुलाया जाता है। प्रकृति के साथ, पुरातनत्व आदर्श है, क्योंकि ऐसा माना जाता था कि यह प्राचीन काल के समय के दौरान सभी मानव आकांक्षाओं को शामिल करने में कामयाब रहे। प्राचीन कला को क्लासिक का नाम मिलता है, यह अनुकरणीय, सबसे सच्चे, सही, सामंजस्यपूर्ण और बारोक युग की कला के विपरीत, सरल और समझने योग्य माना जाता है। ध्यान का केंद्र, अन्य महत्वपूर्ण पहलुओं के साथ, एक शिक्षा, एक सामाजिक संरचना में एक साधारण लोगों की स्थिति, मानव संपत्ति के रूप में प्रतिभा।

मन कला में शासन करता है। कला, उनकी सार्वजनिक और नागरिक भूमिका की उच्च नियुक्ति पर जोर देना चाहते हैं, फ्रांसीसी दार्शनिक ज्ञानवर्धक डेनिस डिड्रो ने लिखा: "मूर्तियों या चित्रकला के प्रत्येक काम को जीवन के किसी भी महान शासन को व्यक्त करना चाहिए, सिखाया जाना चाहिए।"

एक ही समय में रंगमंच जीवन की पाठ्यपुस्तक, और उसका जीवन ही था। इसके अलावा, रंगमंच में, कार्रवाई अत्यधिक आदेश दिया जाता है, मापा जाता है; यह कृत्यों और दृश्यों में बांटा गया है, बदले में, पात्रों के अलग-अलग प्रतिकृतियों पर विच्छेदित, इस तरह की कला का एक आदर्श बना रहा है जो 18 शताब्दी है, जहां सबकुछ उसके स्थान पर है और तार्किक कानूनों के अधीन है।
क्लासिकवाद का संगीत बेहद नाटकीय है, ऐसा लगता है कि थिएटर की कला द्वारा प्रतिलिपि बनाई गई है, उसे नकल करता है।
बड़े वर्गों पर शास्त्रीय सोनाटा और सिम्फनी को अलग करना - भागों में, जिसमें से प्रत्येक में कई संगीत "घटनाएं" हैं, जैसे कार्यों और दृश्यों पर प्रदर्शन के विभाजन की तरह।
क्लासिक शताब्दी के संगीत में, साजिश का अक्सर मतलब होता है, श्रोताओं के सामने एक प्रकार की कार्रवाई के साथ-साथ अभिनेता की कार्रवाई दर्शकों के सामने तैनात की जाती है।
श्रोता केवल कल्पना को शामिल करने और क्लासिक कॉमेडी या त्रासदी के पात्रों के "संगीत कपड़ों" में पता लगाने के लिए बनी हुई है।
थिएटर की कला संगीत के प्रदर्शन में बड़े बदलाव की व्याख्या करने में मदद करती है, जिसे 18 वीं शताब्दी में पूरा किया गया था। पहले, मुख्य स्थान जहां संगीत था वह मंदिर था: नीचे एक आदमी था, एक विशाल स्थान में, जहां संगीत के रूप में संगीत को नीचे देखने और भगवान को अपने विचारों को समर्पित करने में मदद की। अब, 18 वीं शताब्दी में, कुलीन संपत्ति के बालन हॉल में या शहर के वर्ग में अभिजात वर्ग सैलून में संगीत लगता है। ज्ञान की शिक्षा के श्रोता संगीत "आप पर" संगीत के साथ बदलते हैं और जब वह मंदिर में लगती है तो उसने अधिक प्रसन्नता और समयसीमा का अनुभव नहीं किया है।
अंग की कोई शक्तिशाली, गंभीर आवाज नहीं है, गाना बजानेवालों की भूमिका पहले ही कम हो गई है। क्लासिक शैली का संगीत आसानी से लगता है, इसमें बहुत कम आवाज़ें हैं, जैसे कि वह अतीत के कार्गो, मल्टीलायर संगीत की तुलना में "कम वजन" है। अंग और गाना बजानेवालों की आवाज ने सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा की आवाज बदल दी; ऊंचा एरिया ने प्रकाश, लयबद्ध और नृत्य के साथ संगीत के लिए रास्ता दिया।
मानवीय दिमाग की संभावना में असीमित विश्वास के लिए धन्यवाद और 18 वीं शताब्दी के ज्ञान की शक्ति ने दिमाग के बीच या ज्ञान की उम्र को बुलाया।
अठारहवीं शताब्दी के 80 के दशक में क्लासिकिज्म समृद्ध होता है। 1781 में, वाई। जीएआईडीएन कई अभिनव कार्य बनाता है, जिनमें से इसकी स्ट्रिंग क्वार्टेट है। 33; ओपेरा वीए का प्रीमियर मोजार्ट "सेरिला का अपहरण"; नाटक एफ। शिलर "लुटेरों" और "सफाई क्लीवर" I. Kant प्रकाशित हैं।

क्लासिक अवधि के सबसे चमकीले प्रतिनिधियों वियना शास्त्रीय स्कूल के संगीतकार हैं जोसेफ गाइड, वुल्फगैंग अमेडस मोजार्ट और लुडविग वैन बीथोवेन। उनकी कला संगीतकार उपकरण, मानववादी मूल और इच्छा की पूर्णता की प्रशंसा करती है, विशेष रूप से वी। ए मोजार्ट के संगीत में विशेष रूप से मूर्तता, सही सौंदर्य उपकरण को प्रतिबिंबित करने के लिए।

एल बीथोवेन की मौत के तुरंत बाद वियना शास्त्रीय स्कूल की अवधारणा दिखाई दी। शास्त्रीय कला भावनाओं और कारण, आकार और सामग्री के बीच एक सूक्ष्म संतुलन द्वारा प्रतिष्ठित है। पुनरुद्धार संगीत ने अपने युग की भावना और सांस को प्रतिबिंबित किया; बारोक युग में, संगीत में किसी व्यक्ति के प्रदर्शन की स्थिति का विषय; क्लासिकवाद के युग का संगीत किसी ऐसे व्यक्ति के कार्यों और कार्यों को समझता है जिसने भावनाओं और भावनाओं, चौकस और समग्र मानव मस्तिष्क का अनुभव किया था।

लुडविग वैन बीथोवेन (1770-1827)
जर्मन संगीतकार, जो अक्सर हर समय के सबसे बड़े निर्माता को मानता है।
उनकी रचनात्मकता को क्लासिकवाद और रोमांटिकवाद के रूप में जाना जाता है।
मोजार्ट के अपने पूर्ववर्ती के विपरीत, बीथोवेन कठिनाई से बना है। हैंडबुक किताबें बीथोवेन दिखाएं कि कितनी धीरे-धीरे, एक भव्य संरचना वृद्धिशील स्केच द्वारा चरणबद्ध होती है, जो निर्माण और दुर्लभ सुंदरता के दृढ़ तर्क के साथ चिह्नित होती है। यह तर्क है कि बेथोवेन्स्की परिमाण का मुख्य स्रोत, एक मोनोलिथिक पूर्णांक में विपरीत तत्वों को व्यवस्थित करने की अतुलनीय क्षमता। बीथोवेन आकार अनुभागों के बीच पारंपरिक सेसुरस को मिटा देता है, समरूपता से बचाता है, चक्र के हिस्सों में विलीन, थीमैटिक और लयथमिक रूपों से विस्तारित निर्माण विकसित करता है, पहली नज़र में जिसमें कुछ भी दिलचस्प नहीं होता है। दूसरे शब्दों में, बीथोवेन मन की ताकत की एक संगीत स्थान बनाता है, अपनी इच्छा। उन्होंने अनुमान लगाया और उन कला निर्देशों को बनाया जो संगीत कला 19 वी के लिए निर्णायक थे।

रोमांटिकवाद।
सशर्त रूप से 1800-1910 साल शामिल हैं
संगीतकार-रोमांस ने संगीत की आंतरिक दुनिया की गहराई और धन व्यक्त करने के लिए संगीत साधनों की मदद से कोशिश की। संगीत अधिक उभरा, व्यक्तिगत हो जाता है। गीतों सहित गीत शैलियों का विकास, प्राप्त किया जाता है।
संगीत में रोमांटिकवाद के मुख्य प्रतिनिधि हैं: मेंऑस्ट्रिया - फ्रांज श्यूबर्ट ; जर्मनी में - अर्नेस्ट थियोडोर हॉफमैन, कार्ल मारिया वेबर, रिचर्ड वाग्नेर, फेलिक्स मेन्डेलसन, रॉबर्ट श्यूमन, लुडविग स्पर; में
आदि.................