जो पहले रोमांटिक संगीतकारों में से एक थे। सार "पियानो संगीतकारों के काम करता है - रोमांटिक"
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संगीत में स्वच्छंदतावाद
मुख्य लेख: रूमानियत के दौर का संगीत
संगीत में रूमानियत की दिशा का विकास हुआ 1820 वर्षों, इसके विकास ने पूरे उन्नीसवींसदी। रोमांटिक संगीतकारों ने संगीत के माध्यम से किसी व्यक्ति की आंतरिक दुनिया की गहराई और समृद्धि को व्यक्त करने का प्रयास किया। संगीत अधिक विशद, व्यक्तिगत हो जाता है। गीत शैलियों का विकास हो रहा है, जिनमें शामिल हैं गाथागीत.
संगीत में रूमानियत के प्रतिनिधि हैं: ऑस्ट्रिया - फ्रांज शुबर्टा; वी जर्मनी - अर्नेस्ट थियोडोर हॉफमैन, कार्ल मारिया वेबर,रिचर्ड वैगनर, फेलिक्स मेंडेलसोहन, रॉबर्ट शुमान, लुडविग स्पोह्री; वी इटली की - निकोलो पगनिनी, विन्सेन्ज़ो बेलिनी, शीघ्र ग्यूसेप वर्डी; में फ्रांस - जी. बर्लियोज़, डी.एफ. ऑबर्टे, जे. मेयरबीर; वी पोलैंड - फ़्रेडरिक चॉपिन; वी हंगरी - फ्रांज लिस्ट्तो.
रूस में, रूमानियत की मुख्यधारा में, उन्होंने काम किया ए. ए. अलयाबयेव, एम. आई. ग्लिंका, डार्गोमीज़्स्की, बालाकिरेव, एन ए रिमस्की-कोर्साकोव, Mussorgsky,बोरोडिन, कुई, पी.आई. त्चिकोवस्की।
कला के संश्लेषण के विचार को रूमानियत की विचारधारा और व्यवहार में अभिव्यक्ति मिली। संगीत में स्वच्छंदतावाद उन्नीसवीं सदी के 20 के दशक में रूमानियत के साहित्य के प्रभाव में आकार लिया और इसके साथ निकट संबंध में विकसित हुआ, सामान्य रूप से साहित्य के साथ (सिंथेटिक शैलियों के लिए एक अपील, मुख्य रूप से ओपेरा, गीत, वाद्य लघु और संगीत कार्यक्रम के लिए) ) एक व्यक्ति की आंतरिक दुनिया के लिए अपील, रोमांटिकतावाद की विशेषता, व्यक्तिपरक, भावनात्मक रूप से तीव्र लालसा के पंथ में व्यक्त की गई थी, जिसने रोमांटिकतावाद में संगीत और गीत की सर्वोच्चता निर्धारित की।
19वीं सदी के पहले भाग का संगीत तेजी से विकसित हुआ। एक नई संगीत भाषा सामने आई है; वाद्य और कक्ष-मुखर संगीत में, लघुचित्रों का एक विशेष स्थान है; ऑर्केस्ट्रा रंगों के विविध स्पेक्ट्रम के साथ लग रहा था; पियानो और वायलिन की संभावनाओं को एक नए तरीके से प्रकट किया गया; रोमांटिक लोगों का संगीत बहुत गुणी था।
संगीतमय रूमानियतवाद विभिन्न राष्ट्रीय संस्कृतियों और विभिन्न सामाजिक आंदोलनों से जुड़ी कई अलग-अलग शाखाओं में प्रकट हुआ। इसलिए, उदाहरण के लिए, जर्मन रोमांटिक लोगों की अंतरंग, गीतात्मक शैली और फ्रांसीसी संगीतकारों के काम की "वाक्पटु" नागरिक पथ की विशेषता काफी भिन्न होती है। बदले में, एक व्यापक राष्ट्रीय मुक्ति आंदोलन (चोपिन, मोनियस्ज़को, ड्वोरक, स्मेटाना, ग्रिग) के आधार पर उभरे नए राष्ट्रीय स्कूलों के प्रतिनिधि, साथ ही साथ इतालवी ओपेरा स्कूल के प्रतिनिधि, रिसोर्गिमेंटो आंदोलन (वेर्डी, बेलिनी), कई मायनों में जर्मनी, ऑस्ट्रिया या फ्रांस के समकालीनों से भिन्न हैं, विशेष रूप से, शास्त्रीय परंपराओं को संरक्षित करने की प्रवृत्ति।
और फिर भी, वे सभी कुछ सामान्य कलात्मक सिद्धांतों द्वारा चिह्नित हैं जो हमें विचार की एक रोमांटिक संरचना के बारे में बात करने की अनुमति देते हैं।
मानव अनुभव की समृद्ध दुनिया को गहराई से और मर्मज्ञ रूप से प्रकट करने के लिए संगीत की विशेष क्षमता के कारण, इसे रोमांटिक सौंदर्यशास्त्र द्वारा अन्य कलाओं में पहले स्थान पर रखा गया था। कई रोमांटिक लोगों ने संगीत की सहज शुरुआत पर जोर दिया, इसे "अनजान" व्यक्त करने की क्षमता के लिए जिम्मेदार ठहराया। उत्कृष्ट रोमांटिक संगीतकारों के कार्यों का एक ठोस यथार्थवादी आधार था। सामान्य लोगों के जीवन में रुचि, जीवन की परिपूर्णता और भावनाओं की सच्चाई, रोजमर्रा की जिंदगी के संगीत पर निर्भरता ने संगीतमय रूमानियत के सर्वश्रेष्ठ प्रतिनिधियों की रचनात्मकता के यथार्थवाद को निर्धारित किया। प्रतिक्रियावादी प्रवृत्तियाँ (रहस्यवाद, वास्तविकता से पलायन) केवल अपेक्षाकृत कम संख्या में रोमांटिक कार्यों में निहित हैं। वे वेबर के ओपेरा "यूरियंट" (1823) में, वैगनर के कुछ संगीत नाटकों, लिज़ट के ऑरेटोरियो "क्राइस्ट" (1862) और अन्य में भाग में प्रकट हुए थे।
19वीं शताब्दी की शुरुआत तक, लोककथाओं, इतिहास, प्राचीन साहित्य के मौलिक अध्ययन सामने आए, मध्ययुगीन किंवदंतियों, गॉथिक कला और पुनर्जागरण की संस्कृति को पुनर्जीवित किया जा रहा था। यह इस समय था कि यूरोप के रचना कार्य में एक विशेष प्रकार के कई राष्ट्रीय विद्यालयों का गठन किया गया था, जो कि आम यूरोपीय संस्कृति की सीमाओं का विस्तार करने के लिए नियत थे। रूसी, जो जल्द ही ले लिया, यदि पहले नहीं, तो विश्व सांस्कृतिक रचनात्मकता में पहले स्थानों में से एक (ग्लिंका, डार्गोमीज़्स्की, "कुचकिस्ट्स", त्चिकोवस्की), पोलिश (चोपिन, मोनियस्ज़को), चेक (स्मेटाना, ड्वोरक), हंगेरियन (लिस्ट्ट) ), फिर नॉर्वेजियन (ग्रिग), स्पैनिश (पेड्रेल), फिनिश (सिबेलियस), अंग्रेजी (एल्गर) - उन सभी ने, यूरोपीय संगीतकार की रचनात्मकता के सामान्य चैनल में विलय करते हुए, किसी भी तरह से स्थापित प्राचीन परंपराओं का विरोध नहीं किया। राष्ट्रीय संस्कृति की अनूठी राष्ट्रीय विशेषताओं को व्यक्त करते हुए, छवियों का एक नया चक्र उभरा, जिससे संगीतकार संबंधित थे। काम की इंटोनेशन संरचना आपको किसी विशेष राष्ट्रीय स्कूल से संबंधित कान से तुरंत पहचानने की अनुमति देती है।
संगीतकारों ने अपने देशों के पुराने, मुख्य रूप से किसान लोककथाओं को आम यूरोपीय संगीत भाषा में बदल दिया। उन्होंने, जैसा कि यह था, लैक्क्वेर्ड ओपेरा के रूसी लोक गीत को साफ किया, उन्होंने लोक शैलियों के गीतों को 18 वीं शताब्दी के महानगरीय स्वर प्रणाली में पेश किया। रूमानियत के संगीत में सबसे हड़ताली घटना, जिसे विशेष रूप से क्लासिकवाद के आलंकारिक क्षेत्र के साथ तुलना करने पर स्पष्ट रूप से माना जाता है, गीत और मनोवैज्ञानिक सिद्धांत का प्रभुत्व है। बेशक, सामान्य रूप से संगीत कला की एक विशिष्ट विशेषता भावनाओं के क्षेत्र के माध्यम से किसी भी घटना का अपवर्तन है। सभी युगों का संगीत इस पैटर्न के अधीन है। लेकिन रोमांटिक लोगों ने अपने सभी पूर्ववर्तियों को अपने संगीत में गीतात्मक सिद्धांत के मूल्य में, एक व्यक्ति की आंतरिक दुनिया की गहराई, मनोदशा के सूक्ष्मतम रंगों को व्यक्त करने में ताकत और पूर्णता में पार कर लिया।
प्रेम का विषय इसमें एक प्रमुख स्थान रखता है, क्योंकि यह मन की स्थिति है जो मानव मानस की सभी गहराई और बारीकियों को सबसे व्यापक और पूरी तरह से दर्शाती है। लेकिन यह अत्यधिक विशेषता है कि यह विषय शब्द के शाब्दिक अर्थों में प्रेम के उद्देश्यों तक ही सीमित नहीं है, बल्कि घटनाओं की व्यापक श्रेणी के साथ पहचाना जाता है। एक विस्तृत ऐतिहासिक चित्रमाला की पृष्ठभूमि के खिलाफ नायकों के विशुद्ध रूप से गेय अनुभव प्रकट होते हैं। एक व्यक्ति का अपने घर के लिए, अपनी मातृभूमि के लिए, अपने लोगों के लिए प्यार - सभी संगीतकारों - रोमांटिक लोगों के काम के माध्यम से एक निरंतर धागा चलता है।
छोटे और बड़े रूपों के संगीत कार्यों में एक विशाल स्थान प्रकृति की छवि को दिया जाता है, गीतात्मक स्वीकारोक्ति के विषय के साथ घनिष्ठ और अटूट रूप से जुड़ा हुआ है। प्रेम की छवियों की तरह, प्रकृति की छवि नायक के मन की स्थिति को व्यक्त करती है, इसलिए अक्सर वास्तविकता के साथ असंगति की भावना से रंगा जाता है।
फंतासी का विषय अक्सर प्रकृति की छवियों के साथ प्रतिस्पर्धा करता है, जो शायद वास्तविक जीवन की कैद से बचने की इच्छा से उत्पन्न होता है। रोमांटिक लोगों के लिए विशिष्ट एक अद्भुत दुनिया की तलाश है, जो रंगों की समृद्धि से जगमगाती है, धूसर रोज़मर्रा की ज़िंदगी का विरोध करती है। यह इन वर्षों के दौरान था कि साहित्य रूसी लेखकों की परियों की कहानियों, गाथागीतों से समृद्ध था। रोमांटिक स्कूल के रचनाकारों के लिए, शानदार, शानदार छवियां एक अद्वितीय राष्ट्रीय रंग प्राप्त करती हैं। गाथागीत रूसी लेखकों से प्रेरित हैं, और इसके लिए धन्यवाद, एक शानदार विचित्र योजना के कार्यों का निर्माण किया जाता है, जो प्रतीक हैं, जैसे कि विश्वास का सीम पक्ष, बुराई की ताकतों के डर के विचारों को तोड़ने की कोशिश कर रहा था।
कई रोमांटिक संगीतकार संगीत लेखकों और आलोचकों (वेबर, बर्लियोज़, वैगनर, लिस्ट्ट, आदि) के रूप में भी दिखाई दिए। प्रगतिशील रूमानियत के प्रतिनिधियों के सैद्धांतिक कार्य ने संगीत कला के सबसे महत्वपूर्ण मुद्दों के विकास में बहुत महत्वपूर्ण योगदान दिया। स्वच्छंदतावाद को प्रदर्शन कलाओं (वायलिन वादक पगनिनी, गायक ए. नुरी, आदि) में अभिव्यक्ति मिली।
इस अवधि के दौरान स्वच्छंदतावाद का प्रगतिशील अर्थ मुख्य रूप से गतिविधियों में निहित है फ्रांज लिस्ट्तो... विरोधाभासी विश्वदृष्टि के बावजूद, लिस्ट्ट की रचनात्मकता मौलिक रूप से प्रगतिशील, यथार्थवादी थी। हंगेरियन संगीत के संस्थापक और क्लासिक में से एक, एक उत्कृष्ट राष्ट्रीय कलाकार।
लिस्ट्ट के कई कार्यों में, हंगेरियन राष्ट्रीय विषय व्यापक रूप से परिलक्षित होते हैं। लिज़ट की रोमांटिक, कलाप्रवीण व्यक्ति रचनाओं ने पियानो बजाने की तकनीकी और अभिव्यंजक संभावनाओं का विस्तार किया (संगीत कार्यक्रम, सोनाटास)। रूसी संगीत के प्रतिनिधियों के साथ लिस्ट्ट के संबंध महत्वपूर्ण थे, जिन कार्यों को उन्होंने सक्रिय रूप से बढ़ावा दिया।
उसी समय, लिस्ट्ट ने विश्व संगीत कला के विकास में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। लिस्ट्ट के बाद "पियानो के लिए सब कुछ संभव हो गया"। उनके संगीत की विशिष्ट विशेषताएं आशुरचना, भावनाओं का रोमांटिक उत्थान, अभिव्यंजक माधुर्य हैं। एक संगीतकार, कलाकार, संगीत व्यक्ति के रूप में लिस्ट्ट की सराहना की जाती है। संगीतकार की प्रमुख कृतियाँ: ओपेरा " डॉन सांचो या प्यार का महल"(१८२५), १३ सिम्फ़ोनिक कविताएँ" टैसो”, ” प्रोमेथियस”, “छोटा गांव"और अन्य, ऑर्केस्ट्रा के लिए काम करते हैं, पियानो और ऑर्केस्ट्रा के लिए 2 संगीत कार्यक्रम, 75 रोमांस, गाना बजानेवालों और अन्य कम प्रसिद्ध काम नहीं करते हैं।
संगीत में रूमानियत की पहली अभिव्यक्तियों में से एक रचनात्मकता थी फ्रांज शुबर्टा(१७९७-१८२८)। शूबर्ट संगीत के इतिहास में संगीत रोमांटिकतावाद के सबसे महान संस्थापक और कई नई शैलियों के निर्माता के रूप में नीचे चला गया: रोमांटिक सिम्फनी, पियानो लघु, गीत-रोमांटिक गीत (रोमांस)। उनके काम में सबसे बड़ा महत्व है गाना,जिसमें उन्होंने विशेष रूप से कई नवीन प्रवृत्तियों को दिखाया। शुबर्ट के गीतों में, किसी व्यक्ति की आंतरिक दुनिया सबसे गहराई से प्रकट होती है, लोक संगीत के साथ संबंध, जो उसकी विशेषता है, सबसे अधिक ध्यान देने योग्य है, उसकी प्रतिभा की सबसे महत्वपूर्ण विशेषताओं में से एक सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट होती है - अद्भुत विविधता, सुंदरता, धुनों का आकर्षण। प्रारंभिक काल के सर्वश्रेष्ठ गीतों में शामिल हैं " चरखा पर मार्गरीटा”(1814) , “वन राजा" दोनों गीत गोएथे द्वारा शब्दों के साथ लिखे गए हैं। उनमें से पहले में, परित्यक्त लड़की अपने प्रिय को याद करती है। वह अकेली और गहरी पीड़ा में है, उसका गीत उदास है। सरल और भावपूर्ण माधुर्य केवल हवा के नीरस गुंजन से ही प्रतिध्वनित होता है। "द फॉरेस्ट किंग" एक जटिल टुकड़ा है। यह कोई गीत नहीं है, बल्कि एक नाटकीय दृश्य है जहां तीन पात्र हमारे सामने आते हैं: एक पिता जंगल में घोड़े पर सरपट दौड़ता है, एक बीमार बच्चा जिसे वह अपने साथ ले जा रहा है, और एक दुर्जेय वन राजा जो एक लड़के को दिखाई देता है ज्वरयुक्त प्रलाप। उनमें से प्रत्येक अपनी मधुर भाषा से संपन्न है। शुबर्ट के गाने "ट्राउट", "बारकारोला", "मॉर्निंग सेरेनेड" कम प्रसिद्ध और प्रिय नहीं हैं। बाद के वर्षों में लिखे गए, इन गीतों को आश्चर्यजनक रूप से सरल और अभिव्यंजक माधुर्य, ताजा रंगों से अलग किया जाता है।
शुबर्ट ने गीतों के दो चक्र भी लिखे - " लवली मिलर"(१८२३), और" शीतकालीन पथ”(१८७२) - जर्मन कवि विल्हेम मुलर के शब्दों में। उनमें से प्रत्येक में, गीत एक कथानक द्वारा एकजुट होते हैं। "द ब्यूटीफुल मिलर" चक्र के गीत एक युवा लड़के के बारे में बताते हैं। धारा के प्रवाह के बाद, वह अपनी खुशी की तलाश में यात्रा पर निकल पड़ता है। इस चक्र के अधिकांश गीतों में एक हल्का चरित्र होता है। "विंटर पाथ" चक्र का मिजाज पूरी तरह से अलग है। गरीब युवक को अमीर दुल्हन ने खारिज कर दिया। निराशा में, वह अपने गृहनगर को छोड़ देता है और दुनिया घूमने के लिए निकल जाता है। उसके साथी हवा, बर्फ़ीला तूफ़ान, अशुभ रूप से कर्कश कौवा हैं।
यहां दिए गए कुछ उदाहरण हमें शूबर्ट के गीत लेखन की ख़ासियत के बारे में बात करने की अनुमति देते हैं।
शुबर्ट को लिखने का बहुत शौक था पियानो के लिए संगीत... इस उपकरण के लिए उन्होंने बड़ी संख्या में रचनाएँ लिखीं। गानों की तरह, उनके पियानो के काम रोजमर्रा के संगीत के करीब थे और उतने ही सरल और समझने योग्य थे। उनकी पसंदीदा विधाएं नृत्य, मार्च और उनके जीवन के अंतिम वर्षों में थीं - अचानक।
वाल्ट्ज और अन्य नृत्य आमतौर पर शूबर्ट के साथ गेंदों पर, शहर के बाहर की सैर पर दिखाई देते थे। वहाँ उसने उन्हें सुधारा, और उन्हें घर पर दर्ज किया।
यदि आप शूबर्ट के पियानो के टुकड़ों की तुलना उनके गीतों से करें, तो आप कई समानताएँ पा सकते हैं। सबसे पहले, यह एक महान मधुर अभिव्यंजना, अनुग्रह, प्रमुख और नाबालिग का रंगीन जुड़ाव है।
सबसे बड़े में से एक फ्रेंच 19वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के संगीतकार थे जॉर्जेस बिज़ेटा, संगीत थिएटर के लिए एक अमर रचना के निर्माता - ओपेरा “कारमेन"और अल्फोंस डौडेट द्वारा नाटक के लिए अद्भुत संगीत" अर्लेसियन”.
बिज़ेट के काम को विचार की सटीकता और स्पष्टता, नवीनता और अभिव्यंजक साधनों की ताजगी, पूर्णता और रूप की कृपा की विशेषता है। बिज़ेट को मानवीय भावनाओं और कार्यों को समझने में मनोवैज्ञानिक विश्लेषण की तीक्ष्णता की विशेषता है, जो संगीतकार के महान हमवतन - लेखक बाल्ज़ाक, फ्लेबर्ट, मौपासेंट के काम की विशेषता है। शैलियों में विविध, बिज़ेट के काम में केंद्रीय स्थान ओपेरा का है। संगीतकार की ऑपरेटिव कला राष्ट्रीय धरती पर उठी और फ्रांसीसी ओपेरा हाउस की परंपराओं से पोषित हुई। बिज़ेट ने फ्रेंच ओपेरा में मौजूद शैली की सीमाओं को दूर करने के लिए अपने काम में पहला काम माना, जो इसके विकास में बाधा डालता है। "बोल्शोई" ओपेरा उन्हें एक मृत शैली लगता है, गीत - अपनी अशांति और परोपकारी संकीर्णता से परेशान करता है, हास्य दूसरों की तुलना में अधिक ध्यान देने योग्य है। बिज़ेट के ओपेरा में पहली बार रसदार और जीवंत रोजमर्रा की जिंदगी और भीड़ के दृश्य ओपेरा में दिखाई देते हैं, जीवन और ज्वलंत दृश्यों की उम्मीद करते हैं।
अल्फोंस डौडेट द्वारा नाटक के लिए बिज़ेट द्वारा संगीत "अर्लेसियन""मुख्य रूप से दो कॉन्सर्ट सुइट्स के लिए जाना जाता है, जो उसके सर्वश्रेष्ठ नंबरों से बना है। बिज़ेट ने कुछ प्रामाणिक प्रोवेनकल धुनों का इस्तेमाल किया : "तीन राजाओं का मार्च" तथा "फ्रिस्की घोड़ों का नृत्य"।
ओपेरा बिज़ेट " कारमेन"एक संगीत नाटक है जो दर्शकों के सामने सच्चाई और लुभावनी कलात्मक शक्ति के साथ अपने नायकों के प्यार और मृत्यु की कहानी को प्रकट करता है: सैनिक जोस और जिप्सी कारमेन। ओपेरा कारमेन फ्रांसीसी संगीत थिएटर की परंपराओं के आधार पर बनाया गया था, लेकिन साथ ही साथ वह बहुत सी नई चीजें भी लाई। राष्ट्रीय ओपेरा की सर्वश्रेष्ठ उपलब्धियों पर भरोसा करते हुए और इसके सबसे महत्वपूर्ण तत्वों में सुधार करते हुए, बिज़ेट ने एक नई शैली बनाई - यथार्थवादी संगीत नाटक।
ओपेरा "कारमेन" 19 वीं शताब्दी के ओपेरा हाउस के इतिहास में पहले स्थान पर है। 1876 से, उसका विजयी जुलूस वियना, ब्रुसेल्स, लंदन में ओपेरा हाउस के चरणों में शुरू होता है।
पर्यावरण के प्रति एक व्यक्तिगत दृष्टिकोण की अभिव्यक्ति कवियों और संगीतकारों में व्यक्त की गई थी, सबसे पहले, सहजता, भावनात्मक "खुलेपन" और बयान के जुनून में, श्रोता को लगातार तनाव की मदद से समझाने की इच्छा में स्वीकारोक्ति या स्वीकारोक्ति का स्वर।
कला में इन नए रुझानों का उपस्थिति पर निर्णायक प्रभाव पड़ा गीत ओपेरा... यह "बिग" और कॉमिक ओपेरा के विरोध के रूप में उभरा, लेकिन यह ऑपरेटिव ड्रामा और संगीत अभिव्यक्ति के साधनों के क्षेत्र में उनकी विजय और उपलब्धियों को नजरअंदाज नहीं कर सका।
नई ओपेरा शैली की एक विशिष्ट विशेषता किसी भी साहित्यिक कथानक की गीतात्मक व्याख्या है - एक ऐतिहासिक, दार्शनिक या समकालीन विषय पर। गीत ओपेरा के नायक सामान्य लोगों की विशेषताओं, विशिष्टता से रहित और रोमांटिक ओपेरा की कुछ अतिशयोक्तिपूर्ण विशेषता से संपन्न हैं। गीत ओपेरा के क्षेत्र में सबसे महत्वपूर्ण कलाकार थे चार्ल्स गुनोद।
गुनोद की कई ओपेरा विरासतों में, ओपेरा " फॉस्ट " एक विशेष और, कोई कह सकता है, असाधारण स्थान रखता है। उनकी विश्वव्यापी प्रसिद्धि और लोकप्रियता गौनोद के किसी भी अन्य ओपेरा से बेजोड़ है। ओपेरा फॉस्ट का ऐतिहासिक महत्व विशेष रूप से महान है क्योंकि यह न केवल सबसे अच्छा था, बल्कि अनिवार्य रूप से नई दिशा के ओपेरा में पहला था, जिसके बारे में त्चिकोवस्की ने लिखा था: "इस बात से इनकार करना असंभव है कि फॉस्ट को शानदार ढंग से नहीं लिखा गया था, फिर असाधारण कौशल के साथ और महत्वपूर्ण पहचान के बिना।" फॉस्ट की छवि में, उनकी चेतना के तीव्र विरोधाभासों और "द्वैत" में, दुनिया को पहचानने की इच्छा के कारण होने वाले शाश्वत असंतोष को सुचारू किया जाता है। गोनोद गोएथे के मेफिस्टोफिल्स की छवि की सभी बहुमुखी प्रतिभा और जटिलता को व्यक्त करने में असमर्थ थे, जिन्होंने उस युग की उग्रवादी आलोचना की भावना को मूर्त रूप दिया।
"फॉस्ट" की लोकप्रियता के मुख्य कारणों में से एक यह था कि इसने गीत ओपेरा की युवा शैली की सबसे अच्छी और मौलिक रूप से नई विशेषताओं को केंद्रित किया: ओपेरा के नायकों की आंतरिक दुनिया का भावनात्मक रूप से प्रत्यक्ष और उज्ज्वल व्यक्तिगत प्रसारण। गोएथे द्वारा "फॉस्ट" का गहरा दार्शनिक अर्थ, जिसने मुख्य पात्रों के संघर्ष के उदाहरण पर सभी मानव जाति की ऐतिहासिक और सामाजिक नियति को प्रकट करने की मांग की, गुनोद द्वारा मार्गुराइट और फॉस्ट के मानवीय गीतात्मक नाटक के रूप में सन्निहित था। .
फ्रांसीसी संगीतकार, कंडक्टर, संगीत समीक्षक हेक्टर बर्लियोज़संगीत के इतिहास में एक प्रमुख रोमांटिक संगीतकार, एक कार्यक्रम सिम्फनी के निर्माता, संगीत रूप, सद्भाव और विशेष रूप से वाद्ययंत्र के क्षेत्र में एक नवप्रवर्तनक के रूप में नीचे चला गया। उनके काम में, उन्होंने क्रांतिकारी पथ और वीरता की विशेषताओं का एक विशद अवतार पाया। बर्लियोज़ एम. ग्लिंका को जानते थे, जिनके संगीत को वह बहुत महत्व देते थे। वह "माइटी हैंडफुल" के नेताओं के साथ मैत्रीपूर्ण शर्तों पर थे, जिन्होंने उत्साहपूर्वक उनके कार्यों और रचनात्मक सिद्धांतों को स्वीकार किया।
उन्होंने ओपेरा सहित 5 संगीतमय मंच कार्यों का निर्माण किया " बेनेवेनुटो सिलिनी”(1838), “ ट्रोजन्स”,”बीट्राइस और बेनेडिक्ट”(शेक्सपियर की कॉमेडी” मच अडो अबाउट नथिंग ”, १८६२ पर आधारित); 23 मुखर और सिम्फोनिक कार्य, 31 रोमांस, कोरस, उन्होंने "द ग्रेट ट्रीटीज़ ऑन मॉडर्न इंस्ट्रुमेंटेशन एंड ऑर्केस्ट्रेशन" (1844), "इवनिंग इन द ऑर्केस्ट्रा" (1853), "थ्रू सोंग्स" (1862), "म्यूजिकल क्यूरियोसिटीज" किताबें लिखीं। ” (१८५९), "संस्मरण" (१८७०), लेख, समीक्षाएं।
जर्मन संगीतकार, कंडक्टर, नाटककार, प्रचारक रिचर्ड वैगनरविश्व संगीत संस्कृति के इतिहास में सबसे महान संगीत रचनाकारों और ऑपरेटिव कला के प्रमुख सुधारकों में से एक के रूप में नीचे चला गया। उनके सुधारों का लक्ष्य एक नाटकीय रूप में एक स्मारकीय प्रोग्रामेटिक वोकल और सिम्फोनिक काम बनाना था, जिसे सभी प्रकार के ओपेरा और सिम्फोनिक संगीत को बदलने के लिए डिज़ाइन किया गया था। ऐसा काम एक संगीतमय नाटक था, जिसमें संगीत एक सतत धारा में बहता है, सभी नाटकीय कड़ियों को एक साथ मिलाता है। समाप्त गायन को त्यागने के बाद, वैगनर ने उन्हें भावनात्मक रूप से समृद्ध सस्वर पाठ के साथ बदल दिया। वैगनर के ओपेरा में एक महत्वपूर्ण स्थान पर स्वतंत्र आर्केस्ट्रा एपिसोड का कब्जा है, जो विश्व सिम्फोनिक संगीत में एक महत्वपूर्ण योगदान है।
वैगनर के हाथ में 13 ओपेरा हैं: " द फ़्लाइंग डचमैन "(1843)," तन्हौसर "(1845)," ट्रिस्टन एंड इसोल्ड "(1865)," गोल्ड ऑफ़ द राइन "(1869) और आदि।; गाना बजानेवालों, पियानो के टुकड़े, रोमांस।
एक और उत्कृष्ट जर्मन संगीतकार, कंडक्टर, पियानोवादक, शिक्षक, संगीत व्यक्ति थे फेलिक्स मेंडेलसोहन-बार्थोल्डी... 9 साल की उम्र में उन्होंने एक पियानोवादक के रूप में प्रदर्शन करना शुरू किया, 17 साल की उम्र में उन्होंने एक उत्कृष्ट कृति बनाई - कॉमेडी के लिए ओवरचर " अ मिडसमर नाइट्स ड्रीम " शेक्सपियर. 1843 में उन्होंने लीपज़िग में जर्मनी में पहली कंज़र्वेटरी की स्थापना की। मेंडेलसोहन के काम में, "रोमांटिक के बीच एक क्लासिक", रोमांटिक विशेषताओं को सोच की शास्त्रीय संरचना के साथ जोड़ा जाता है। उनके संगीत में उज्ज्वल माधुर्य, अभिव्यक्ति का लोकतंत्रवाद, भावनाओं का संयम, विचार की शांति, उज्ज्वल भावनाओं की प्रबलता, गीतात्मक मनोदशा, भावुकता के मामूली स्पर्श के बिना नहीं, रूपों की त्रुटिहीनता, शानदार कौशल की विशेषता है। आर। शुमान ने इसे "19 वीं शताब्दी का मोजार्ट", जी। हेइन - "एक संगीत चमत्कार" कहा।
लैंडस्केप रोमांटिक सिम्फनीज़ ("स्कॉटिश", "इतालवी") के लेखक, प्रोग्राम कॉन्सर्ट ओवरचर्स, लोकप्रिय वायलिन कॉन्सर्टो, पियानो के लिए टुकड़ों के चक्र "सॉन्ग विदाउट वर्ड्स"; ओपेरा "कैमाचो की शादी।" उन्होंने नाटकीय प्रदर्शन "एंटीगोन" (1841), सोफोकल्स द्वारा "ओडिपस एट कॉलन" (1845), रैसीन (1845) द्वारा "अतालिया", शेक्सपियर द्वारा "ए मिडसमर नाइट्स ड्रीम" (1843) के लिए संगीत लिखा। ) और दूसरे; वक्ता "पॉल" (1836), "एलिजा" (1846); पियानो के लिए 2 संगीत कार्यक्रम और वायलिन के लिए 2 संगीत कार्यक्रम।
वीइतालवी संगीत संस्कृति एक विशेष स्थान Giuseppe के अंतर्गत आता हैवर्डी- एक उत्कृष्ट संगीतकार, कंडक्टर, अरगनिस्ट। वर्डी के काम का मुख्य क्षेत्र ओपेरा है। मुख्य रूप से वीर-देशभक्ति की भावनाओं और इतालवी लोगों के राष्ट्रीय मुक्ति विचारों के प्रतिपादक के रूप में कार्य किया। बाद के वर्षों में, उन्होंने सामाजिक असमानता, हिंसा, उत्पीड़न से उत्पन्न नाटकीय संघर्षों पर ध्यान दिया, उनके ओपेरा में बुराई की निंदा की। वर्डी के काम की विशेषता विशेषताएं: संगीत की राष्ट्रीयता, नाटकीय स्वभाव, मधुर चमक, मंच के नियमों की समझ।
उन्होंने 26 ओपेरा लिखे: " नाबुको "," मैकबेथ "," ट्रबलडॉर "," ला ट्रैविटा "," ओथेलो "," ऐडा" और आदि . , 20 रोमांस, मुखर पहनावा .
युवा नार्वेजियन संगीतकार एडवर्ड ग्रिग (1843-1907) राष्ट्रीय संगीत को विकसित करने का प्रयास किया। यह न केवल उनके काम में, बल्कि नॉर्वेजियन संगीत के प्रचार में भी व्यक्त किया गया था।
कोपेनहेगन में अपने वर्षों के दौरान, ग्रिग ने बहुत सारा संगीत लिखा: " काव्य चित्र " तथा "हास्य शब्द",पियानो के लिए सोनाटा और पहला वायलिन सोनाटा, गाने। प्रत्येक नए काम के साथ, नॉर्वेजियन संगीतकार के रूप में ग्रिग की छवि स्पष्ट हो जाती है। नाजुक गेय पोएटिक पिक्चर्स (1863) में, राष्ट्रीय विशेषताएं अभी भी डरपोक हैं। लयबद्ध आकृति अक्सर नॉर्वेजियन लोक संगीत में पाई जाती है; यह ग्रिग की कई धुनों की विशेषता बन गई।
ग्रिग का काम विशाल और बहुआयामी है। ग्रिग ने विभिन्न शैलियों की रचनाएँ लिखीं। पियानो कॉन्सर्टो और गाथागीत, वायलिन और पियानो के लिए तीन सोनाटा और सेलो और पियानो के लिए सोनाटा, चौकड़ी बड़े रूप के लिए ग्रिग की निरंतर लालसा की गवाही देती है। उसी समय, वाद्य लघुचित्रों में संगीतकार की रुचि अपरिवर्तित रही। पियानो के समान ही, संगीतकार चैम्बर वोकल मिनिएचर - एक रोमांस, एक गीत से आकर्षित हुआ था। ग्रिग के लिए मुख्य मत बनो, सिम्फोनिक रचनात्मकता का क्षेत्र इस तरह की उत्कृष्ट कृतियों द्वारा सूट के रूप में चिह्नित किया गया है " प्रति गुनोद”, “होल्बर्ग के समय से" ग्रिग के काम के विशिष्ट प्रकारों में से एक लोक गीतों और नृत्यों का प्रसंस्करण है: साधारण पियानो टुकड़ों के रूप में, पियानो चार हाथों के लिए एक सूट चक्र।
ग्रिग की संगीत भाषा विशिष्ट है। संगीतकार की शैली का व्यक्तित्व सबसे अधिक नॉर्वेजियन लोक संगीत के साथ उनके गहरे संबंध से निर्धारित होता है। ग्रिग शैली की विशेषताओं, स्वर संरचना और लोक गीत और नृत्य की धुनों के लयबद्ध सूत्रों का व्यापक उपयोग करता है।
राग की विविधता और भिन्न विकास की ग्रिग की उल्लेखनीय महारत लोक परंपराओं में इसके परिवर्तनों के साथ राग की बार-बार पुनरावृत्ति की लोक परंपराओं में निहित है। "मैंने अपने देश का लोक संगीत रिकॉर्ड किया है।" इन शब्दों के पीछे लोक कला के प्रति ग्रिग का सम्मानजनक रवैया और अपनी रचनात्मकता के लिए इसकी निर्णायक भूमिका की मान्यता है।
रूमानियत, और अंत में शक्तिशाली यथार्थवादी ... का पालन किया। द्वितीय. प्राकृतवादरूसी चित्रकला में प्राकृतवादरूस में अलग था ...मैं संगीत (ग्रीक संगीत से, शाब्दिक रूप से संगीत की कला) एक कला रूप है जो वास्तविकता को दर्शाता है और एक व्यक्ति को सार्थक और विशेष रूप से संगठित ध्वनि अनुक्रमों के माध्यम से प्रभावित करता है, जिसमें मुख्य रूप से स्वर शामिल होते हैं ... ... महान सोवियत विश्वकोश
- (ग्रीक मोइसिकन, मौसा म्यूज़ से) एक प्रकार की कला जो वास्तविकता को दर्शाती है और एक व्यक्ति को अर्थपूर्ण और विशेष रूप से पिच और समय ध्वनि अनुक्रमों में व्यवस्थित करती है, जिसमें मुख्य रूप से स्वर शामिल होते हैं ... ... संगीत विश्वकोश
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संगीत का सबसे छोटा इतिहास। हेनले डैरेन द्वारा सबसे पूर्ण और सबसे छोटा संदर्भ
देर से रोमांटिक
देर से रोमांटिक
इस अवधि के कई संगीतकारों ने २०वीं शताब्दी में संगीत लिखना जारी रखा। हालाँकि, हम यहाँ उनके बारे में बात करते हैं, न कि अगले अध्याय में, क्योंकि उनके संगीत में रूमानियत की भावना प्रबल थी।
यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि उनमें से कुछ ने "प्रारंभिक रोमांटिक" और "राष्ट्रवादी" उपखंडों में वर्णित संगीतकारों के साथ घनिष्ठ संबंध और यहां तक कि दोस्ती भी बनाए रखी।
इसके अलावा, यह ध्यान में रखा जाना चाहिए कि इस अवधि के दौरान विभिन्न यूरोपीय देशों में इतने उत्कृष्ट संगीतकार थे कि किसी भी सिद्धांत के अनुसार उनमें से कोई भी विभाजन पूरी तरह से सशर्त होगा। यदि विभिन्न साहित्य में, शास्त्रीय काल और बारोक काल के लिए समर्पित, लगभग एक ही समय सीमा का उल्लेख किया जाता है, तो रोमांटिक अवधि को हर जगह अलग-अलग परिभाषित किया जाता है। ऐसा लगता है कि रोमांटिक काल के अंत और 20 वीं शताब्दी की शुरुआत के बीच की रेखा संगीत में बहुत धुंधली है।
१९वीं शताब्दी में इटली के अग्रणी संगीतकार निस्संदेह थे ग्यूसेप वर्डी।मोटी मूंछों और भौंहों के साथ चमकती आँखों से हमें देख रहा यह आदमी अन्य सभी ओपेरा संगीतकारों से ऊपर खड़ा था।
वर्डी की सभी रचनाएँ वस्तुतः उज्ज्वल, आकर्षक धुनों से अभिभूत हैं। कुल मिलाकर, उन्होंने छब्बीस ओपेरा लिखे, जिनमें से अधिकांश आज नियमित रूप से प्रदर्शित होते हैं। इनमें ओपेरा कला की अब तक की सबसे प्रसिद्ध और सबसे उत्कृष्ट कृतियाँ हैं।
संगीतकार के जीवनकाल में वर्डी के संगीत को बहुत सराहा गया। प्रीमियर पर हैडिसदर्शकों ने इतना लंबा स्टैंडिंग ओवेशन दिया कि कलाकारों को बत्तीस बार झुकना पड़ा।
वर्डी एक धनी व्यक्ति था, लेकिन पैसा संगीतकार की पत्नियों और दो बच्चों दोनों को जल्दी मौत से नहीं बचा सका, इसलिए उनके जीवन में दुखद क्षण आए। उन्होंने अपने भाग्य को मिलान में उनके नेतृत्व में बनाए गए पुराने संगीतकारों के अनाथालय को सौंप दिया। वर्डी ने स्वयं एक आश्रय के निर्माण को माना, न कि संगीत को, अपनी सबसे बड़ी उपलब्धि माना।
इस तथ्य के बावजूद कि वर्डी का नाम मुख्य रूप से ओपेरा से जुड़ा हुआ है, उनके बारे में बात करते हुए, इसका उल्लेख नहीं करना असंभव है Requiem,जो कोरल संगीत के बेहतरीन उदाहरणों में से एक माना जाता है। यह नाटक से भरा है, और ओपेरा की कुछ विशेषताएं इसके माध्यम से फिसल जाती हैं।
हमारा अगला संगीतकार किसी भी तरह से सबसे आकर्षक व्यक्ति नहीं है। दरअसल, यह उन सभी में सबसे निंदनीय और विवादास्पद आंकड़ा है जिनका उल्लेख हमारी पुस्तक में किया गया है। यदि हम केवल व्यक्तिगत विशेषताओं के आधार पर एक सूची बनाते हैं, तो रिचर्ड वैगनरउसे कभी नहीं मारा होगा। हालांकि, हम विशेष रूप से संगीत मानदंडों द्वारा निर्देशित होते हैं, और शास्त्रीय संगीत का इतिहास इस आदमी के बिना अकल्पनीय है।
वैगनर की प्रतिभा निर्विवाद है। उनकी कलम के नीचे से रोमांटिकतावाद की पूरी अवधि के लिए कुछ सबसे महत्वपूर्ण और प्रभावशाली संगीत रचनाएँ आईं - विशेष रूप से ओपेरा। साथ ही, वे उसे एक यहूदी-विरोधी, जातिवाद, लालफीताशाही, अंतिम धोखेबाज और यहां तक कि एक चोर के रूप में बोलते हैं, जो अपनी जरूरत की हर चीज लेने से नहीं हिचकिचाता, और बिना पछतावे के असभ्य है। वैगनर के पास एक हाइपरट्रॉफाइड आत्म-सम्मान था, और उनका मानना था कि उनकी प्रतिभा ने उन्हें अन्य सभी लोगों से ऊपर उठाया।
वैगनर को उनके ओपेरा के लिए याद किया जाता है। यह संगीतकार जर्मन ओपेरा को एक नए स्तर पर ले गया, और यद्यपि वह उसी समय वर्डी के रूप में पैदा हुआ था, उसका संगीत उस अवधि की इतालवी रचनाओं से बहुत अलग था।
वैगनर के नवाचारों में से एक यह था कि प्रत्येक मुख्य पात्र का अपना संगीत विषय था, जिसे हर बार दोहराया जाता था, जैसे ही वह मंच पर एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाने लगा।
आज यह स्वतः स्पष्ट प्रतीत होता है, लेकिन उस समय इस विचार ने एक वास्तविक क्रांति कर दी।
वैगनर की सबसे बड़ी उपलब्धि थी साइकिल निबेलंग की अंगूठी,चार ओपेरा से मिलकर: राइन गोल्ड, वाल्कीरी, सिगफ्रीडतथा देवताओं की मृत्यु।वे आम तौर पर लगातार चार रातों में खेले जाते हैं, और कुल मिलाकर वे लगभग पंद्रह घंटे तक चलते हैं। अकेले ये ओपेरा अपने संगीतकार का महिमामंडन करने के लिए काफी होते। एक व्यक्ति के रूप में वैगनर की सभी अस्पष्टताओं के बावजूद, यह स्वीकार किया जाना चाहिए कि वह एक उत्कृष्ट संगीतकार थे।
वैगनर के ओपेरा की एक विशिष्ट विशेषता को उनकी अवधि कहा जा सकता है। उनका आखिरी ओपेरा पारसिफालाचार घंटे से अधिक समय तक रहता है।
कंडक्टर डेविड रैंडोल्फ ने एक बार उसके बारे में कहा था:
"यह उन लोगों की श्रेणी से एक ओपेरा है जो छह से शुरू होता है, और जब आप तीन घंटे बाद अपनी कलाई घड़ी को देखते हैं, तो यह पता चलता है कि यह 6:20 दिखाता है।"
जिंदगी एंटोन ब्रुकनरएक संगीतकार के रूप में एक सबक है कि कैसे हार न मानें और अपने आप पर जोर दें। उन्होंने दिन में बारह घंटे अभ्यास किया, अपना सारा समय काम के लिए समर्पित किया (वे एक जीव थे) और अपने दम पर संगीत में बहुत कुछ सीखा, काफी परिपक्व उम्र में - सैंतीस साल की उम्र में पत्राचार द्वारा लेखन कौशल में महारत हासिल कर ली।
आज, ब्रुकनर की सिम्फनी को सबसे अधिक बार याद किया जाता है, जिनमें से उन्होंने कुल नौ टुकड़े लिखे। कभी-कभी एक संगीतकार के रूप में उनकी शोधन क्षमता के बारे में उन्हें संदेह होता था, लेकिन फिर भी उन्होंने अपने जीवन के अंत में पहचान हासिल की। इसे निष्पादित करने के बाद सिम्फनी नंबर 1आलोचकों ने अंततः संगीतकार की प्रशंसा की, जो उस समय तक पहले से ही चौवालीस वर्ष का था।
जोहान्स ब्रह्मोउन संगीतकारों में से एक नहीं जो पैदा हुए थे, इसलिए बोलने के लिए, हाथ में चांदी की छड़ी के साथ। उनके जन्म के समय तक, परिवार ने अपनी पूर्व संपत्ति खो दी थी और मुश्किल से अपना गुजारा कर पाते थे। एक किशोर के रूप में, उन्होंने अपने गृहनगर हैम्बर्ग में वेश्यालय में खेलकर जीवन यापन किया। जब तक ब्रह्म वयस्क हुए, तब तक वह निस्संदेह जीवन के सबसे आकर्षक पहलुओं से परिचित हो चुके थे।
ब्राह्म्स के संगीत को उनके मित्र रॉबर्ट शुमान ने बढ़ावा दिया था। शुमान की मृत्यु के बाद, ब्राह्म्स क्लारा शुमान के करीब हो गए और अंततः उससे प्यार भी हो गया। यह ठीक से ज्ञात नहीं है कि वे किस तरह के रिश्ते से जुड़े थे, हालाँकि उसके लिए भावना ने शायद अन्य महिलाओं के साथ उसके संबंधों में कुछ भूमिका निभाई थी - उसने उनमें से किसी को भी अपना दिल नहीं दिया।
एक व्यक्ति के रूप में, ब्रह्म काफी अनर्गल और चिड़चिड़े थे, लेकिन उनके दोस्तों ने दावा किया कि उनमें नम्रता थी, हालांकि उन्होंने इसे हमेशा दूसरों के सामने प्रदर्शित नहीं किया। एक दिन एक पार्टी से घर लौटते हुए उन्होंने कहा:
"अगर मैंने वहाँ किसी को ठेस नहीं पहुँचाई है तो मैं उनसे माफ़ी माँगता हूँ।"
सबसे फैशनेबल और सुरुचिपूर्ण ढंग से तैयार संगीतकार के लिए ब्रह्म ने प्रतियोगिता नहीं जीती होगी। उसे नए कपड़े खरीदना बहुत पसंद नहीं था और अक्सर पैच के साथ वही बैगी पतलून पहनता था, जो उसके लिए लगभग हमेशा बहुत छोटा होता था। एक प्रदर्शन के दौरान, उनकी पतलून लगभग गिर गई। एक अन्य अवसर पर, उन्हें अपनी टाई उतारनी पड़ी और बेल्ट के बजाय इसके साथ खुद को बांधना पड़ा।
ब्रह्म की संगीत शैली हेडन, मोजार्ट और बीथोवेन से बहुत प्रभावित थी, और कुछ संगीत इतिहासकारों का यह भी दावा है कि उन्होंने क्लासिकवाद की भावना में लिखा था, उस समय तक पहले से ही फैशन से बाहर था। साथ ही उनके पास कई नए विचार भी हैं। विशेष रूप से, वह संगीत के छोटे टुकड़ों को विकसित करने और उन्हें पूरे काम में दोहराने में सक्षम था - जिसे संगीतकार "एक दोहराव वाला मकसद" कहते हैं।
ब्रह्म ने ओपेरा नहीं लिखा, लेकिन उन्होंने शास्त्रीय संगीत की लगभग सभी अन्य शैलियों में खुद को आजमाया। इसलिए, उन्हें हमारी पुस्तक में वर्णित महानतम संगीतकारों में से एक कहा जा सकता है, शास्त्रीय संगीत का एक सच्चा विशाल। उन्होंने खुद अपने काम के बारे में इस तरह बात की:
"लिखना मुश्किल नहीं है, लेकिन टेबल के नीचे अतिरिक्त नोट्स फेंकना आश्चर्यजनक रूप से मुश्किल है।"
मैक्स ब्रुचब्रह्म के ठीक पांच साल बाद पैदा हुआ था, और बाद वाला निश्चित रूप से उस पर हावी हो जाता, यदि एक काम के लिए नहीं, वायलिन कॉन्सर्टो नंबर 1.
कई संगीतकारों के लिए असामान्य विनम्रता के साथ बहस करते हुए, ब्रुच ने खुद इस तथ्य को स्वीकार किया:
"अब से पचास साल बाद, ब्रह्म को अब तक के सबसे महान संगीतकारों में से एक कहा जाएगा, और मुझे जी माइनर में वायलिन कॉन्सर्टो लिखने के लिए याद किया जाएगा।"
और वह सही था। सच है, ब्रुजा के पास खुद को याद रखने के लिए कुछ है! उन्होंने कई अन्य रचनाओं की रचना की - कुल मिलाकर लगभग दो सौ - विशेष रूप से गाना बजानेवालों के लिए और ओपेरा के लिए, जिनका इन दिनों शायद ही कभी मंचन किया जाता है। उनका संगीत मधुर है, लेकिन उन्होंने इसके विकास में विशेष रूप से कुछ नया नहीं लाया। उनकी पृष्ठभूमि के खिलाफ, उस समय के कई अन्य संगीतकार वास्तविक नवप्रवर्तक प्रतीत होते हैं।
1880 में, ब्रुच को लिवरपूल रॉयल फिलहारमोनिक सोसाइटी का कंडक्टर नियुक्त किया गया था, लेकिन तीन साल बाद वे बर्लिन लौट आए। ऑर्केस्ट्रा के संगीतकार उससे खुश नहीं थे।
अपनी पुस्तक के पन्नों पर, हम पहले ही कई संगीत प्रतिभाओं से मिल चुके हैं, और केमिली संत - Saensउनमें अंतिम स्थान नहीं है। दो साल की उम्र में, सेंट-सेन्स पहले से ही पियानो पर धुनों का चयन कर रहे थे, और उन्होंने उसी समय संगीत पढ़ना और लिखना सीखा। तीन साल की उम्र में उन्होंने अपनी रचना के नाटक खेले। दस साल की उम्र में उन्होंने मोजार्ट और बीथोवेन को खूबसूरती से गाया। उसी समय, वह कीट विज्ञान (तितलियों और कीड़ों) में और फिर भूविज्ञान, खगोल विज्ञान और दर्शन सहित अन्य विज्ञानों में गंभीर रूप से रुचि रखने लगे। ऐसा लग रहा था कि इतना प्रतिभाशाली बच्चा किसी एक चीज तक सीमित नहीं रह सकता।
पेरिस कंज़र्वेटरी से स्नातक होने के बाद, सेंट - सेन्स ने एक जीव के रूप में कई वर्षों तक काम किया। उम्र के साथ, उन्होंने फ्रांस के संगीत जीवन को प्रभावित करना शुरू कर दिया, और यह उनके लिए धन्यवाद था कि जेएस बाख, मोजार्ट, हैंडेल और ग्लक जैसे संगीतकारों का संगीत अधिक बार प्रदर्शित किया जाने लगा।
संत-सेन्स की सबसे प्रसिद्ध रचना- जानवरों का कार्निवल,जिसे संगीतकार ने अपने जीवनकाल में करने से मना किया था। उन्हें इस बात की चिंता थी कि संगीत समीक्षक, इस अंश को सुनकर, इसे बहुत तुच्छ समझेंगे। आखिरकार, यह मज़ेदार है जब मंच पर ऑर्केस्ट्रा में एक शेर, मुर्गी के साथ मुर्गा, कछुए, एक हाथी, एक कंगारू, मछली, पक्षियों, एक गधे और एक हंस के साथ एक मछलीघर दिखाया गया है।
उनकी कुछ अन्य रचनाएँ सेंट - सेन्स ने प्रसिद्ध सहित वाद्ययंत्रों के इतने सामान्य संयोजनों के लिए नहीं लिखी "अंग" सिम्फनी नंबर 3,फिल्म "बेबे" में आवाज दी।
सेंट सेन्स के संगीत ने अन्य फ्रांसीसी संगीतकारों के काम को प्रभावित किया, जिनमें शामिल हैं गेब्रियल फोर।इस युवक को सेंट मैग्डलीन के पेरिस चर्च में ऑर्गेनिस्ट का पद विरासत में मिला, जिस पर पहले सेंट-सेन्स का कब्जा था।
और यद्यपि फ़ोरेट की प्रतिभा की तुलना उनके शिक्षक की प्रतिभा से नहीं की जा सकती, वह एक उत्कृष्ट पियानोवादक थे।
फॉरे एक गरीब आदमी था और इसलिए कड़ी मेहनत करता था, अंग बजाता था, गाना बजानेवालों का नेतृत्व करता था और सबक देता था। वह अपने खाली समय में लेखन में लगे हुए थे, जिनमें से बहुत कम बचा था, लेकिन इसके बावजूद, वे अपनी ढाई सौ से अधिक रचनाएँ प्रकाशित करने में सफल रहे। उनमें से कुछ की रचना बहुत लंबे समय के लिए की गई थी: उदाहरण के लिए, इस पर काम करना Requiemबीस साल से अधिक समय तक चला।
1905 में फाउरे पेरिस कंज़र्वेटरी के निदेशक बने, यानी वह व्यक्ति जिस पर उस समय के फ्रांसीसी संगीत का विकास काफी हद तक निर्भर था। फ़ौरे पंद्रह साल बाद सेवानिवृत्त हुए। अपने जीवन के अंत में उन्हें श्रवण हानि का सामना करना पड़ा।
आज फ्रांस के बाहर फ़ोरेट का सम्मान किया जाता है, हालाँकि वहाँ उसकी सबसे अधिक सराहना की जाती है।
अंग्रेजी संगीत के प्रशंसकों के लिए, इस तरह की एक आकृति की उपस्थिति एडवर्ड एल्गर,एक वास्तविक चमत्कार की तरह लग रहा होगा। कई संगीत इतिहासकार उन्हें हेनरी पुरसेल के बाद पहला महत्वपूर्ण अंग्रेजी संगीतकार कहते हैं, जिन्होंने बारोक काल के दौरान लिखा था, हालांकि हमने कुछ समय पहले आर्थर सुलिवन का भी उल्लेख किया था।
एल्गर इंग्लैंड के बहुत शौकीन थे, विशेष रूप से अपने मूल वोरस्टरशायर, जहां उन्होंने अपना अधिकांश जीवन मोल्वर्न हिल्स के क्षेत्रों में प्रेरणा पाने में बिताया।
एक बच्चे के रूप में, वह हर जगह संगीत से घिरा हुआ था: उसके पिता के पास एक स्थानीय संगीत स्टोर था और उसने छोटे एल्गर को विभिन्न संगीत वाद्ययंत्र बजाना सिखाया। बारह साल की उम्र में, लड़का पहले से ही चर्च सेवाओं में आयोजक की जगह ले रहा था।
एक वकील के कार्यालय में काम करने के बाद, एल्गर ने वित्तीय दृष्टिकोण से खुद को बहुत कम विश्वसनीय व्यवसाय के लिए समर्पित करने का फैसला किया। कुछ समय के लिए उन्होंने पार्ट-टाइम काम किया, वायलिन और पियानो की शिक्षा दी, स्थानीय ऑर्केस्ट्रा में बजाया और यहां तक कि थोड़ा संचालन भी किया।
धीरे-धीरे, एक संगीतकार के रूप में एल्गर की ख्याति बढ़ती गई, हालांकि उन्हें अपने मूल देश के बाहर अपना रास्ता बनाने के लिए संघर्ष करना पड़ा। उन्होंने उसे प्रसिद्धि दिलाई एक मूल विषय पर बदलाव,जो अब के रूप में बेहतर जाने जाते हैं पहेली विविधताएं।
अब एल्गर का संगीत बहुत ही अंग्रेजी के रूप में माना जाता है और सबसे बड़े राष्ट्रीय कार्यक्रमों के दौरान लगता है। इसकी पहली आवाज़ में सेलो के लिए कॉन्सर्टोअंग्रेजी ग्रामीण इलाकों को तुरंत प्रस्तुत किया जाता है। निमरॉडसे बदलावअक्सर आधिकारिक समारोहों में खेला जाता है, और गंभीर और औपचारिक मार्च नंबर 1,जाना जाता है आशा और गौरव की भूमिपूरे ब्रिटेन में प्रोम रातों में प्रदर्शन किया।
एल्गर एक पारिवारिक व्यक्ति थे और एक शांत, व्यवस्थित जीवन पसंद करते थे। फिर भी, उन्होंने इतिहास पर अपनी छाप छोड़ी। मोटी, झाड़ीदार मूंछों वाले इस संगीतकार को बीस पाउंड के नोट पर तुरंत देखा जा सकता है। जाहिर है, बैंकनोट डिजाइनरों ने सोचा था कि चेहरे के बालों को नकली बनाना बहुत मुश्किल होगा।
इटली में, ओपेरा की कला में ग्यूसेप वर्डी का उत्तराधिकारी था जियाकोमो पुक्किनी,इस कला के दुनिया के मान्यता प्राप्त उस्तादों में से एक माना जाता है।
पुक्किनी परिवार लंबे समय से चर्च संगीत से जुड़ा हुआ है, लेकिन जब जियाकोमो ने पहली बार ओपेरा सुना था ऐदावर्डी, उन्होंने महसूस किया कि यह उनकी बुलाहट थी।
मिलान में पढ़ने के बाद, पुक्किनी ने एक ओपेरा की रचना की मैनन लेसकॉट,जिसने उन्हें 1893 में अपनी पहली बड़ी सफलता दिलाई। उसके बाद, एक सफल उत्पादन ने दूसरे का अनुसरण किया: बोहेमिया१८९६ में, तड़प१९०० में और मैडम तितली१९०४ में।
कुल मिलाकर, पुक्किनी ने बारह ओपेरा की रचना की, जिनमें से अंतिम था टरंडोट।इस काम को पूरा किए बिना ही उनकी मृत्यु हो गई और एक अन्य संगीतकार ने काम पूरा किया। ओपेरा के प्रीमियर पर, कंडक्टर आर्टुरो टोस्कानिनी ने ऑर्केस्ट्रा को ठीक उसी जगह रोक दिया, जहां पुक्किनी रुकी थी। उन्होंने दर्शकों की ओर रुख किया और कहा:
पुक्किनी की मृत्यु के साथ, इतालवी ऑपरेटिव कला का उदय समाप्त हो गया। हमारी पुस्तक में अब इतालवी ओपेरा संगीतकारों का उल्लेख नहीं किया जाएगा। लेकिन कौन जानता है कि भविष्य हमारे लिए क्या रखता है?
ज़िन्दगी में गुस्ताव महलेरएक संगीतकार की तुलना में एक कंडक्टर के रूप में बेहतर जाना जाता था। उन्होंने सर्दियों में, और गर्मियों में, एक नियम के रूप में, लेखन में लगे रहना पसंद किया।
कहा जाता है कि एक बच्चे के रूप में, महलर को अपनी दादी के घर के अटारी में एक पियानो मिला था। चार साल बाद, दस साल की उम्र में, उन्होंने अपना पहला प्रदर्शन पहले ही दे दिया था।
महलर ने वियना कंज़र्वेटरी में अध्ययन किया, जहाँ उन्होंने संगीत रचना शुरू की। १८९७ में वे वियना स्टेट ओपेरा के निदेशक बने और अगले दस वर्षों में इस क्षेत्र में काफी प्रसिद्धि प्राप्त की।
उन्होंने खुद तीन ओपेरा लिखना शुरू किया, लेकिन उन्हें कभी खत्म नहीं किया। हमारे समय में, उन्हें मुख्य रूप से सिम्फनी के संगीतकार के रूप में जाना जाता है। इस शैली में वह असली "हिट" में से एक का मालिक है - सिम्फनी नंबर 8,जिसके प्रदर्शन के दौरान एक हजार से अधिक संगीतकार और गायक शामिल होते हैं।
महलर की मृत्यु के बाद, उनका संगीत पचास वर्षों के लिए फैशन से बाहर हो गया, लेकिन 20 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में इसने लोकप्रियता हासिल की, खासकर यूके और यूएसए में।
रिचर्ड स्ट्रॉसजर्मनी में पैदा हुआ था और विनीज़ स्ट्रॉस राजवंश से संबंधित नहीं था। इस तथ्य के बावजूद कि यह संगीतकार 20 वीं शताब्दी के लगभग पूरे पूर्वार्द्ध में रहता था, उसे अभी भी जर्मन संगीत रोमांटिकवाद का प्रतिनिधि माना जाता है।
रिचर्ड स्ट्रॉस की विश्वव्यापी लोकप्रियता इस तथ्य से कुछ हद तक प्रभावित हुई कि उन्होंने 1939 के बाद जर्मनी में रहने का फैसला किया, और द्वितीय विश्व युद्ध के बाद उन पर नाजियों के साथ सहयोग करने का भी आरोप लगाया गया।
स्ट्रॉस एक उत्कृष्ट संवाहक थे, जिसकी बदौलत वह पूरी तरह से समझ गए कि एक ऑर्केस्ट्रा में एक विशेष उपकरण को कैसे बजना चाहिए। उन्होंने अक्सर इस ज्ञान को व्यवहार में लागू किया। उन्होंने अन्य संगीतकारों को भी विभिन्न सलाह दी, जैसे:
"ट्रंबोन को कभी न देखें, आप केवल उन्हें प्रोत्साहित कर रहे हैं।"
"प्रदर्शन करते समय पसीना मत करो; केवल श्रोताओं को गर्म होना चाहिए ”।
आज, स्ट्रॉस को उनकी रचना के संबंध में मुख्य रूप से याद किया जाता है इस प्रकार बोले जरथुस्त्र,जिसका परिचय स्टेनली कुब्रिक ने अपनी 2001 की फिल्म ए स्पेस ओडिसी में किया था। लेकिन उन्होंने कुछ बेहतरीन जर्मन ओपेरा भी लिखे, उनमें से - नाइट ऑफ़ द रोज़, सैलोमेतथा नक्सोस पर एरियाडेन।अपनी मृत्यु के एक साल पहले उन्होंने बहुत सुंदर रचना भी की थी चार अंतिम गीतआवाज और ऑर्केस्ट्रा के लिए। सामान्य तौर पर, ये स्ट्रॉस के अंतिम गीत नहीं थे, लेकिन वे उनकी रचनात्मक गतिविधि का एक प्रकार का समापन बन गए।
अब तक, इस पुस्तक में वर्णित संगीतकारों में स्कैंडिनेविया का केवल एक प्रतिनिधि था - एडवर्ड ग्रिग। लेकिन अब हमें फिर से इस कठोर और ठंडी भूमि पर ले जाया जाता है - इस बार फ़िनलैंड में, जहाँ हम पैदा हुए थे जान सिबेलियस,महान संगीत प्रतिभा।
सिबेलियस के संगीत ने अपनी मातृभूमि के मिथकों और किंवदंतियों को अवशोषित किया। उनका सबसे बड़ा काम फिनलैंड,को फिन्स की राष्ट्रीय भावना का अवतार माना जाता है, जैसे एल्गर के कार्यों को ग्रेट ब्रिटेन में राष्ट्रीय खजाने के रूप में मान्यता प्राप्त है। इसके अलावा, सिबेलियस, महलर की तरह, सिम्फनी का सच्चा स्वामी था।
संगीतकार के अन्य व्यसनों के लिए, वह अपने दैनिक जीवन में शराब और धूम्रपान के अत्यधिक आदी थे, जिससे कि चालीस वर्ष की आयु में वे गले के कैंसर से बीमार पड़ गए। उनके पास अक्सर पर्याप्त पैसा नहीं होता था, और राज्य ने उन्हें एक पेंशन आवंटित की ताकि वे अपनी वित्तीय भलाई की चिंता किए बिना संगीत लिखना जारी रख सकें। लेकिन अपनी मृत्यु से बीस साल पहले, सिबेलियस ने कुछ भी लिखना बंद कर दिया था। उन्होंने अपना शेष जीवन सापेक्ष एकांत में बिताया। उन्होंने उन लोगों के बारे में विशेष रूप से कठोर बात की, जिन्हें उनके संगीत की समीक्षा के लिए पैसे मिले:
"आलोचक जो कहते हैं उस पर ध्यान मत दो। अब तक एक भी आलोचक को मूर्ति नहीं दी गई है।"
रोमांटिक काल के संगीतकारों की हमारी सूची में अंतिम भी लगभग 20 वीं शताब्दी के मध्य तक जीवित रहा, हालांकि उन्होंने 1900 के दशक में अपनी अधिकांश प्रसिद्ध रचनाएँ लिखीं। और फिर भी उन्हें रोमांटिक लोगों में स्थान दिया गया है, और ऐसा लगता है कि यह पूरे समूह का सबसे रोमांटिक संगीतकार है।
सर्गेई वासिलीविच रहमानिनोवएक कुलीन परिवार में पैदा हुआ था, जो उस समय तक बहुत सारा पैसा खर्च कर चुका था। संगीत में उनकी रुचि बचपन में ही प्रकट हो गई थी, और उनके माता-पिता ने उन्हें पढ़ने के लिए भेजा, पहले सेंट पीटर्सबर्ग और फिर मास्को।
राचमानिनॉफ आश्चर्यजनक रूप से प्रतिभाशाली पियानोवादक थे, और उन्होंने एक अद्भुत संगीतकार भी बनाया।
मेरा पियानो कॉन्सर्टो नंबर 1उन्होंने उन्नीस में लिखा था। उन्हें अपने पहले ओपेरा के लिए भी समय मिला, अलेको।
लेकिन यह महान संगीतकार, एक नियम के रूप में, जीवन से विशेष रूप से प्रसन्न नहीं था। कई तस्वीरों में हम एक गुस्से में डूबे हुए आदमी को देखते हैं। एक अन्य रूसी संगीतकार, इगोर स्ट्राविंस्की ने एक बार टिप्पणी की थी:
"राचमानिनॉफ का अमर सार उसका भ्रूभंग था। वह साढ़े छह फीट की भौंहें चढ़ा रहा था... डरपोक आदमी था।"
जब युवा राचमानिनॉफ त्चिकोवस्की के लिए खेले, तो वह इतने खुश हुए कि उन्होंने अपने स्कोर की शीट पर चार प्लस के साथ ए डाल दिया - मॉस्को कंज़र्वेटरी के इतिहास में सर्वोच्च अंक। जल्द ही पूरा शहर युवा प्रतिभाओं के बारे में बात करने लगा।
फिर भी, भाग्य लंबे समय तक संगीतकार के प्रतिकूल रहा।
आलोचक उनके बारे में बहुत कठोर थे सिम्फनी नंबर 1,जिसका प्रीमियर विफलता में समाप्त हुआ। इसने राचमानिनोव को भारी भावनात्मक संकट दिया, उसने अपनी ताकत पर विश्वास खो दिया और कुछ भी रचना नहीं कर सका।
अंत में, केवल एक अनुभवी मनोचिकित्सक निकोलाई डाहल की मदद ने उन्हें संकट से बाहर निकलने की अनुमति दी। 1901 तक, राचमानिनॉफ ने एक पियानो संगीत कार्यक्रम पूरा कर लिया था, जिस पर उन्होंने कई वर्षों तक कड़ी मेहनत की थी, और जिसे उन्होंने डॉ. डाहल को समर्पित किया था। इस बार दर्शकों ने संगीतकार के काम को खुशी के साथ बधाई दी। तब से पियानो और ऑर्केस्ट्रा नंबर 2 . के लिए कॉन्सर्टोदुनिया भर के विभिन्न संगीत समूहों द्वारा प्रस्तुत एक पसंदीदा शास्त्रीय कृति बन गई।
राचमानिनॉफ ने यूरोप और संयुक्त राज्य अमेरिका का दौरा करना शुरू किया। रूस लौटकर, उन्होंने संचालन और रचना की।
1917 की क्रांति के बाद, राचमानिनोव और उनका परिवार स्कैंडिनेविया में संगीत समारोहों में गए। वह कभी घर नहीं लौटा। इसके बजाय, वह स्विट्ज़रलैंड चले गए, जहाँ उन्होंने ल्यूसर्न झील के किनारे एक घर खरीदा। वह हमेशा जलाशयों से प्यार करता था और अब, जब वह एक अमीर आदमी बन गया, तो वह किनारे पर आराम कर सकता था और शुरुआती परिदृश्य की प्रशंसा कर सकता था।
Rachmaninoff एक उत्कृष्ट संवाहक थे और हमेशा उन लोगों को निम्नलिखित सलाह देते थे जो इस क्षेत्र में उत्कृष्टता प्राप्त करना चाहते थे:
"एक अच्छा कंडक्टर एक अच्छा चालक होना चाहिए। दोनों को समान गुणों की आवश्यकता है: एकाग्रता, निरंतर गहन ध्यान और मन की उपस्थिति। कंडक्टर को बस थोड़ा सा संगीत जानने की जरूरत है..."
1935 में, Rachmaninoff ने संयुक्त राज्य में बसने का फैसला किया। वह पहले न्यूयॉर्क में रहता था, और फिर लॉस एंजिल्स चला गया। वहां उन्होंने अपने लिए एक नया घर बनाना शुरू किया, जो पूरी तरह से मॉस्को में छोड़े गए घर के समान था।
टर्चिन, वी.एस
पुस्तक ब्रेटन से [समुद्र के रोमांटिक्स (लीटर)] जिओ पियरे-रोलैंड द्वारा संगीत का सबसे छोटा इतिहास पुस्तक से। सबसे पूर्ण और सबसे छोटा संदर्भ द्वारा हेनले डैरेनरोमांस के तीन उपखंड जब आप हमारी पुस्तक को स्क्रॉल करते हैं, तो आप देखेंगे कि यह इसके सभी अध्यायों में सबसे बड़ा है, जिसमें कम से कम सैंतीस संगीतकारों का उल्लेख है। उनमें से कई अलग-अलग देशों में एक साथ रहते और काम करते थे। इसलिए, हमने इस अध्याय को तीन खंडों में विभाजित किया है: "प्रारंभिक"
लाइफ विल गो आउट किताब से, बट आई विल रिमेन: कलेक्टेड वर्क्स लेखक ग्लिंका ग्लीब अलेक्जेंड्रोविचप्रारंभिक रोमैंटिक्स ये ऐसे संगीतकार हैं जो शास्त्रीय काल और देर से रोमांटिकतावाद की अवधि के बीच एक तरह का सेतु बन गए। उनमें से कई ने एक ही समय में "क्लासिक्स" के रूप में काम किया, और उनका काम मोजार्ट और बीथोवेन से बहुत प्रभावित था। उसी समय, उनमें से कई ने बनाया और
लव एंड द स्पैनियार्ड्स पुस्तक से अप्टन नीना द्वारासंग्रह नेविगेशन में शामिल नहीं देर से छंद मैं पुराने रास्तों पर नहीं लौटूंगा। जो था - वह नहीं होगा। रूस ही नहीं - यूरोप मैं पहले से ही भूलने लगा हूँ। सारा जीवन व्यर्थ है, या लगभग सभी। मैं खुद से कहता हूं: मैंने खुद को अमेरिका में कैसे पाया, किस लिए और क्यों? - नहीं
यू ज़डज़ेरकल्ली 1910-1930 पुस्तक से-उनका रॉकिव लेखक बोंडर-टेरेशचेंको इगोरोअध्याय दस। विदेशी रोमांटिक और स्पेनिश कोप्लास १८३८ में स्पेनिश चित्रों की प्रदर्शनी ने पूरे पेरिस को जीत लिया। वह एक वास्तविक रहस्योद्घाटन बन गई। स्पेन फैशन बन गया है। रोमांटिक लोग खुशी से झूम उठे। थियोफाइल गॉल्टियर, प्रॉस्पर मेरीमी, एलेक्जेंडर डुमास (जिन्हें एक थप्पड़ मिला था)
पुस्तक से रूस की उत्पत्ति के लिए [लोग और भाषा] लेखक ट्रुबाचेव ओलेग निकोलाइविच लेखक की किताब से"जीवित" इतिहास: रोमांस से व्यावहारिकता तक साहित्यिक अध्ययन अक्सर साहित्य से उनकी स्वतंत्रता को दर्शाते हैं और उन लोगों के बारे में प्रतीत होते हैं, जिन्हें इचिथोलॉजी के बारे में लिखने के लिए खरीदने की आवश्यकता नहीं है। मैं फिट नहीं हूं। मेरा खुद का रीबा होना अच्छा नहीं है, मैं एक साहित्यकार हूँ,
ज़्विग सही था: यूरोप ने पुनर्जागरण के बाद से इतनी खूबसूरत पीढ़ी को रोमांटिक नहीं देखा है। सपनों की दुनिया की अद्भुत छवियां, नग्न भावनाएं और उदात्त आध्यात्मिकता के लिए प्रयास - ये रूमानियत की संगीत संस्कृति के रंग हैं।
रूमानियत और उसके सौंदर्यशास्त्र का उदय
जब यूरोप में एक औद्योगिक क्रांति हो रही थी, तब महान फ्रांसीसी क्रांति पर टिकी हुई उम्मीदें यूरोपीय लोगों के दिलों में टूट रही थीं। ज्ञानोदय के युग द्वारा घोषित कारण के पंथ को उखाड़ फेंका गया। मनुष्य में भावनाओं का पंथ और प्राकृतिक सिद्धांत आसन पर चढ़ गया है।
इस तरह रूमानियत प्रकट हुई। संगीत संस्कृति में, यह एक सदी (1800-1910) से थोड़ा अधिक समय तक अस्तित्व में रहा, जबकि संबंधित क्षेत्रों (पेंटिंग और साहित्य) में, इसका कार्यकाल आधी सदी पहले समाप्त हो गया। शायद, यह संगीत की "गलती" है - यह वह थी जो सबसे आध्यात्मिक और कला के सबसे मुक्त के रूप में रोमांटिक लोगों के बीच कला में शीर्ष पर थी।
हालांकि, पुरातनता और क्लासिकवाद के युगों के प्रतिनिधियों के विपरीत, रोमांटिक लोगों ने कला के पदानुक्रम का निर्माण नहीं किया, इसके स्पष्ट विभाजन के साथ और। रोमांटिक प्रणाली सार्वभौमिक थी, कलाएं एक दूसरे में पारित होने के लिए स्वतंत्र थीं। कला के संश्लेषण का विचार रूमानियत की संगीत संस्कृति में प्रमुख लोगों में से एक था।
यह संबंध सौंदर्यशास्त्र की श्रेणियों से भी संबंधित था: यह पूरी तरह से बदसूरत, आधार के साथ उच्च, हास्य के साथ दुखद था। इस तरह के संक्रमण रोमांटिक विडंबना से जुड़े थे, यह दुनिया की एक सार्वभौमिक तस्वीर को भी दर्शाता है।
सुंदरता से जुड़ी हर चीज ने रोमांटिक लोगों के बीच एक नया अर्थ ग्रहण किया। प्रकृति पूजा की वस्तु बन गई, कलाकार को सर्वोच्च नश्वर के रूप में मूर्तिमान किया गया, और भावनाओं को तर्क से ऊंचा किया गया।
आध्यात्मिक वास्तविकता एक सपने के विपरीत थी, सुंदर लेकिन अप्राप्य। रोमांटिक ने अपनी कल्पना की मदद से अन्य वास्तविकताओं के विपरीत, अपनी नई दुनिया का निर्माण किया।
रूमानियत के कलाकारों ने किन विषयों को चुना?
कला में चुने गए विषयों की पसंद में रोमांटिक लोगों के हित स्पष्ट रूप से प्रकट हुए थे।
- अकेलापन विषय... समाज में एक अल्पविकसित प्रतिभा या एक अकेला व्यक्ति - ये विषय इस युग के संगीतकारों के मुख्य विषय थे (शुमान द्वारा "द लव ऑफ ए पोएट", "विदाउट द सन" मुसॉर्स्की द्वारा)।
- "गीतात्मक स्वीकारोक्ति" का विषय... रोमांटिक संगीतकारों की कई रचनाओं में आत्मकथा (शुमान का कार्निवल, बर्लियोज़ की शानदार सिम्फनी) का स्पर्श है।
- प्रेम धुन। मूल रूप से, यह एकतरफा या दुखद प्रेम का विषय है, लेकिन जरूरी नहीं (शुमान द्वारा "लव एंड द लाइफ ऑफ ए वुमन", त्चिकोवस्की द्वारा "रोमियो एंड जूलियट")।
- पथ विषय। उसे भी कहा जाता है घूमने का विषय... एक रोमांटिक की आत्मा, विरोधाभासों से फटी हुई, अपने रास्ते की तलाश में थी ("हेरोल्ड इन इटली" बर्लियोज़ द्वारा, "इयर्स ऑफ़ वांडरिंग्स" लिज़ट द्वारा)।
- मौत का विषय। मूल रूप से यह आध्यात्मिक मृत्यु थी (त्चिकोवस्की की छठी सिम्फनी, शुबर्ट की "विंटर वे")।
- प्रकृति विषय। एक रोमांटिक और सुरक्षात्मक मां की आंखों में प्रकृति, और सहानुभूतिपूर्ण दोस्त, और दंड देने वाले भाग्य (मेंडेलसोहन द्वारा "हेब्राइड्स", बोरोडिन द्वारा "मध्य एशिया में")। मूल भूमि का पंथ (पोलोनाइज और चोपिन के गाथागीत) भी इस विषय से जुड़ा हुआ है।
- साइंस फिक्शन थीम। रोमांटिक लोगों के लिए काल्पनिक दुनिया वास्तविक की तुलना में बहुत अधिक समृद्ध थी (वेबर द्वारा द मैजिक शूटर, रिम्स्की-कोर्साकोव द्वारा सैडको)।
रूमानियत के युग की संगीत शैलियाँ
रूमानियत की संगीत संस्कृति ने चैम्बर वोकल लिरिक्स की शैलियों के विकास को गति दी: गाथागीत(शूबर्ट द्वारा "द फॉरेस्ट किंग"), कविता("द लेडी ऑफ़ द लेक" शुबर्ट द्वारा) और गीतअक्सर में संयुक्त साइकिल(शुमान द्वारा "मर्टल्स")।
रोमांटिक ओपेरा
न केवल शानदार कथानक से, बल्कि शब्दों, संगीत और मंच क्रिया के बीच के मजबूत संबंध से भी प्रतिष्ठित था। ओपेरा का सिम्फनीकरण होता है। वाग्नेर की रिंग ऑफ द निबेलुंग्स को लेटमोटिफ्स के विकसित नेटवर्क के साथ याद करने के लिए पर्याप्त है।वाद्य शैलियों में, रोमांस प्रतिष्ठित है पियानो लघु। एक छवि या एक क्षणिक मनोदशा को व्यक्त करने के लिए, एक छोटा सा टुकड़ा उनके लिए पर्याप्त है। अपने पैमाने के बावजूद, नाटक अभिव्यक्ति से भरपूर है। वह हो सकती है "बिना शब्दों के गीत" (मेंडेलसोहन की तरह), मज़ारका, वाल्ट्ज, निशाचर या प्रोग्राम के नाम वाले टुकड़े (शुमान की "आवेग")।
गीतों की तरह, नाटकों को कभी-कभी चक्रों (शुमान की तितलियों) में जोड़ दिया जाता है। इसी समय, चक्र के कुछ हिस्सों, चमकीले विपरीत, हमेशा संगीत कनेक्शन के कारण एक ही रचना बनाते हैं।
रोमांटिक लोग प्रोग्रामेटिक संगीत से प्यार करते थे जो इसे साहित्य, पेंटिंग या अन्य कलाओं के साथ जोड़ता था। इसलिए, उनके लेखन में कथानक ने अक्सर शासन किया। एक-भाग सोनाटास (बी नाबालिग में लिज़ट का सोनाटा), एक-भाग संगीत कार्यक्रम (लिस्ट्स का पहला पियानो कॉन्सर्टो) और सिम्फोनिक कविताएं (लिस्ट्स प्रील्यूड्स), एक पांच-भाग सिम्फनी (बर्लियोज़ की शानदार सिम्फनी) दिखाई दी।
रोमांटिक संगीतकारों की संगीतमय भाषा
रोमांटिक लोगों द्वारा मनाई जाने वाली कलाओं के संश्लेषण ने संगीत की अभिव्यक्ति के साधनों को प्रभावित किया। माधुर्य अधिक व्यक्तिगत हो गया है, शब्द की कविताओं के प्रति उत्तरदायी है, और संगत बनावट में तटस्थ और विशिष्ट होना बंद कर दिया है।
रोमांटिक नायक के अनुभवों के बारे में बताने के लिए सद्भाव अभूतपूर्व रंगों से समृद्ध था। इस प्रकार, लालसा के रोमांटिक स्वरों ने तनाव को तेज करने वाले परिवर्तित सामंजस्य को पूरी तरह से व्यक्त किया। रोमान्टिक्स को काइरोस्कोरो के प्रभाव से प्यार था, जब प्रमुख को उसी नाम के नाबालिग द्वारा बदल दिया गया था, और साइड स्टेप्स के कॉर्ड्स, और तानों की सुंदर तुलना। इसमें नए प्रभाव भी पाए गए, खासकर जब लोक भावना या संगीत में शानदार छवियों को व्यक्त करने की आवश्यकता थी।
सामान्य तौर पर, रोमांटिक संगीत ने विकास की निरंतरता के लिए प्रयास किया, किसी भी स्वचालित पुनरावृत्ति को खारिज कर दिया, उच्चारण की नियमितता से परहेज किया और अपने प्रत्येक उद्देश्य में अभिव्यक्ति की सांस ली। और बनावट इतनी महत्वपूर्ण कड़ी बन गई है कि इसकी भूमिका एक माधुर्य की तुलना में है।
सुनिए क्या कमाल का मज़ारका चोपिन है!
निष्कर्ष के बजाय
19वीं और 20वीं सदी के मोड़ पर रूमानियत की संगीत संस्कृति ने संकट के पहले संकेतों का अनुभव किया। "मुक्त" संगीत रूप बिखरने लगा, माधुर्य पर सामंजस्य हावी हो गया, रोमांटिक आत्मा की बुलंद भावनाओं ने दर्दनाक भय और आधार जुनून को जन्म दिया।
इन विनाशकारी प्रवृत्तियों ने रूमानियत को समाप्त कर दिया और आधुनिकता का मार्ग प्रशस्त किया। लेकिन, एक दिशा के रूप में समाप्त होने के बाद, रूमानियत 20 वीं शताब्दी के संगीत में और वर्तमान शताब्दी के संगीत में इसके विभिन्न घटकों में बनी रही। ब्लोक सही थे जब उन्होंने कहा कि रोमांटिकतावाद "मानव जीवन के सभी युगों में" दिखाई दिया।