पुनर्जागरण काल। पुनर्जागरण की संगीत संस्कृति का सार संगीत पुनर्जागरण की संगीत संस्कृति पर संचार

पुनर्जागरण काल, या पुनर्जागरण काल(fr। पुनर्जागरण), - यूरोपीय लोगों की संस्कृति के इतिहास में एक महत्वपूर्ण मोड़। इटली में, नए रुझान XIII-XIV सदियों के मोड़ पर, अन्य यूरोपीय देशों में - XV-XVI सदियों में दिखाई दिए। पुनर्जागरण के आंकड़ों ने मनुष्य को - उसके अच्छे और उसके व्यक्तित्व के मुक्त विकास के अधिकार को उच्चतम मूल्य के रूप में मान्यता दी। इस विश्वदृष्टि को "मानवतावाद" कहा जाता है (लैटिन मानव से - "मानव", "मानवीय")। मानवतावादियों ने पुरातनता में एक सामंजस्यपूर्ण व्यक्ति के आदर्श की तलाश की, और प्राचीन ग्रीक और रोमन कला ने उन्हें कलात्मक रचनात्मकता के लिए एक मॉडल के रूप में सेवा दी। प्राचीन संस्कृति को "पुनर्जीवित" करने की इच्छा ने पूरे युग को नाम दिया - पुनर्जागरण, मध्य युग और नए युग के बीच की अवधि (17 वीं शताब्दी के मध्य से आज तक)।

संगीत सहित कला, पुनर्जागरण विश्वदृष्टि को पूरी तरह से दर्शाती है। इस अवधि के दौरान, साथ ही मध्य युग में, प्रमुख स्थान मुखर चर्च संगीत का था। पॉलीफोनी के विकास ने पॉलीफोनी (ग्रीक "पोलिस" से - "कई" और "पृष्ठभूमि" - "ध्वनि", "आवाज") की उपस्थिति को जन्म दिया। इस प्रकार की पॉलीफोनी के साथ, एक कार्य में सभी आवाजें समान होती हैं। पॉलीफोनी ने न केवल काम को जटिल बनाया, बल्कि लेखक को पाठ की अपनी व्यक्तिगत समझ को व्यक्त करने की अनुमति दी, जिससे संगीत को बहुत भावुकता मिली। पॉलीफोनिक रचना सख्त और जटिल नियमों के अनुसार बनाई गई थी, जिसके लिए संगीतकार से गहन ज्ञान और कलाप्रवीण व्यक्ति कौशल की आवश्यकता होती है। पॉलीफोनी के ढांचे के भीतर चर्च और धर्मनिरपेक्ष शैलियों का विकास हुआ।

डच पॉलीफोनिक स्कूल। नीदरलैंड उत्तर-पश्चिमी यूरोप में एक ऐतिहासिक क्षेत्र है, जिसमें आधुनिक बेल्जियम, हॉलैंड, लक्ज़मबर्ग और उत्तर-पूर्वी फ्रांस के क्षेत्र शामिल हैं। XV सदी तक। नीदरलैंड एक उच्च आर्थिक और सांस्कृतिक स्तर पर पहुंच गया है और एक समृद्ध यूरोपीय देश बन गया है।

यह यहां था कि डच पॉलीफोनिक स्कूल ने आकार लिया - पुनर्जागरण संगीत की सबसे बड़ी घटनाओं में से एक। 15वीं शताब्दी में कला के विकास के लिए विभिन्न देशों के संगीतकारों के बीच संचार और रचनात्मक स्कूलों के पारस्परिक प्रभाव का बहुत महत्व था। डच स्कूल ने खुद इटली, फ्रांस, इंग्लैंड और नीदरलैंड की परंपराओं को आत्मसात किया है।

इसके उत्कृष्ट प्रतिनिधि: गिलौम ड्यूफे (1400-1474) (डुफे) (लगभग 1400 - 11/27/1474, कंबराई), फ्रेंको-फ्लेमिश संगीतकार, डच स्कूल के संस्थापकों में से एक। डच संगीत में पॉलीफोनिक परंपरा की नींव गिलाउम ड्यूफे (लगभग 1400-1474) द्वारा रखी गई थी। उनका जन्म फ्लैंडर्स (नीदरलैंड के दक्षिण में एक प्रांत) में कंबराई में हुआ था और कम उम्र से ही उन्होंने चर्च गाना बजानेवालों में गाया था। समानांतर में, भविष्य के संगीतकार ने रचना में निजी सबक लिया। अपनी युवावस्था में, ड्यूफ़े इटली गए, जहाँ उन्होंने अपनी पहली रचनाएँ - गाथागीत और मोटेट्स लिखीं। 1428-1437 के वर्षों में। उन्होंने रोम में पोप चैपल में एक गायक के रूप में सेवा की; उसी वर्ष उन्होंने इटली और फ्रांस की यात्रा की। 1437 में संगीतकार को ठहराया गया था। ड्यूक ऑफ सेवॉय (1437-1439) के दरबार में, उन्होंने समारोहों और छुट्टियों के लिए संगीत तैयार किया। ड्यूफे को महान व्यक्तियों द्वारा अत्यधिक सम्मान दिया जाता था - उनके प्रशंसकों में, उदाहरण के लिए, मेडिसी युगल (इतालवी शहर फ्लोरेंस के शासक) थे। [इटली और फ्रांस में काम किया। 1428-37 में वह रोम और अन्य इतालवी शहरों में पोप चैपल के गायक थे, 1437-44 में उन्होंने ड्यूक ऑफ सेवॉय के साथ सेवा की। 1445 के बाद से, कैनन और कंबराई में गिरजाघर की संगीत गतिविधियों के निदेशक। लोक पॉलीफोनी और पुनर्जागरण की मानवतावादी संस्कृति से जुड़े आध्यात्मिक (3-, 4-वॉयस मास, मोट्स), साथ ही धर्मनिरपेक्ष (3-, 4-वॉयस फ्रेंच चैनसन, इटैलियन गाने, गाथागीत, रोंडो) शैलियों के मास्टर। दांते की कला, जिसने यूरोपीय संगीत कला की उपलब्धियों को अवशोषित किया, का यूरोपीय पॉलीफोनिक संगीत के आगे विकास पर बहुत प्रभाव पड़ा। वह संगीत संकेतन के सुधारक भी थे (डी को व्हाइट हेड्स के साथ नोट्स पेश करने का श्रेय दिया जाता है)। रोम में प्रकाशित डी. की संपूर्ण एकत्रित कृतियाँ (6 खंड, 1951-66)।] ड्यूफे उन संगीतकारों में पहले थे जिन्होंने मास को एक अभिन्न संगीत रचना के रूप में लिखना शुरू किया। चर्च संगीत बनाने के लिए एक असाधारण प्रतिभा की आवश्यकता होती है: ठोस, भौतिक साधनों द्वारा अमूर्त, गैर-भौतिक अवधारणाओं को व्यक्त करने की क्षमता। कठिनाई इस तथ्य में निहित है कि ऐसी रचना, एक ओर, श्रोता को उदासीन नहीं छोड़ती है, और दूसरी ओर, दिव्य सेवा से विचलित नहीं होती है, प्रार्थना पर अधिक गहराई से ध्यान केंद्रित करने में मदद करती है। ड्यूफे के बहुत से लोग प्रेरित हैं, आंतरिक जीवन से भरे हुए हैं; वे एक क्षण के लिए ईश्वरीय रहस्योद्घाटन का पर्दा खोलने में मदद करते प्रतीत होते हैं।

अक्सर, एक मास बनाते समय, ड्यूफे ने एक प्रसिद्ध राग लिया, जिसमें उन्होंने अपना जोड़ा। इस तरह के उधार पुनर्जागरण की विशेषता हैं। यह बहुत महत्वपूर्ण माना जाता था कि मास का आधार एक परिचित राग पर आधारित होना चाहिए जिसे उपासक पॉलीफोनिक टुकड़े में भी आसानी से पहचान सकें। ग्रेगोरियन मंत्र का एक अंश अक्सर इस्तेमाल किया जाता था; धर्मनिरपेक्ष कार्यों को भी बाहर नहीं किया गया था।

चर्च संगीत के अलावा, ड्यूफे ने धर्मनिरपेक्ष ग्रंथों के लिए मोटेट्स की रचना की। इनमें उन्होंने एक जटिल पॉलीफोनिक तकनीक का भी इस्तेमाल किया।

जोस्किन डेस्प्रेस (1440-1521)। 15 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के डच पॉलीफोनिक स्कूल के प्रतिनिधि। जोस्किन डेस्प्रेस (लगभग 1440-1521 या 1524) थे, जिनका अगली पीढ़ी के संगीतकारों के काम पर बहुत प्रभाव था। अपनी युवावस्था में उन्होंने कंबराई में एक चर्च गाना बजानेवालों के रूप में सेवा की; ओकेगेम से संगीत की शिक्षा ली। बीस साल की उम्र में, युवा संगीतकार इटली आए, मिलान में Sforza के ड्यूक (बाद में महान इतालवी कलाकार लियोनार्डो दा विंची ने यहां सेवा की) और रोम में पोप चैपल में गाया। इटली में, डेस्प्रेस ने शायद संगीत रचना शुरू कर दी थी। XVI सदी की शुरुआत में। वह पेरिस चले गए। उस समय तक, डेस्प्रेस पहले से ही ज्ञात थे, और उन्हें फ्रांसीसी राजा लुई XII द्वारा दरबारी संगीतकार के पद पर आमंत्रित किया गया था। 1503 के बाद से, डेस्प्रेस फिर से इटली में, फेरारा शहर में, ड्यूक डी'एस्ट के दरबार में बस गए। डेस्प्रेस ने बहुत रचना की, और उनके संगीत ने व्यापक मंडलियों में जल्दी से पहचान हासिल की: बड़प्पन और आम लोग दोनों उसे प्यार करते थे। संगीतकार ने न केवल चर्च के काम किए, बल्कि धर्मनिरपेक्ष भी बनाए। विशेष रूप से, उन्होंने इतालवी लोक गीत की शैली की ओर रुख किया - फ्रोटोला (इतालवी फ्रोटोला, फ्रोटा से - "भीड़"), जो एक नृत्य ताल और एक तेज गति की विशेषता है। , लाइव इंटोनेशन ने सख्त टुकड़ी को तोड़ा और आनंद और परिपूर्णता की भावना पैदा की। ...

जोहान्स ओकेगेम (1430-1495), जैकब ओब्रेक्ट (1450-1505)। गिलौम ड्यूफे के छोटे समकालीन जोहान्स (जीन) ओकेगेम (लगभग 1425-1497) और जैकब ओब्रेक्ट थे। ड्यूफे की तरह, ओकेगेम मूल रूप से फ़्लैंडर्स का रहने वाला था। जीवन भर उन्होंने कड़ी मेहनत की; संगीत रचना के अलावा, उन्होंने चैपल के प्रमुख के रूप में काम किया। संगीतकार ने पंद्रह जन, तेरह भाव, बीस से अधिक चांसन बनाए। ओकेगेम के कार्यों में गंभीरता, एकाग्रता और बहने वाली मधुर रेखाओं के लंबे समय तक विकास की विशेषता है। उन्होंने पॉलीफोनिक तकनीक पर बहुत ध्यान दिया, द्रव्यमान के सभी हिस्सों को एक पूरे के रूप में माना जाने का प्रयास किया। संगीतकार की रचनात्मक लिखावट का भी उनके गीतों में अनुमान लगाया जाता है - वे लगभग धर्मनिरपेक्ष लपट से रहित होते हैं, चरित्र में वे अधिक प्रेरणा की याद दिलाते हैं, और कभी-कभी जनता के टुकड़े भी। जोहान्स ओकेगेम का देश और विदेश में सम्मान किया जाता था (उन्हें फ्रांस के राजा का सलाहकार नियुक्त किया गया था)। जैकब ओब्रेक्ट नीदरलैंड के विभिन्न शहरों में गिरजाघरों में एक गायक थे, जो चैपल का नेतृत्व करते थे; कई वर्षों तक उन्होंने फेरारा (इटली) में ड्यूक डी'एस्ट के दरबार में सेवा की। वह पच्चीस जनता, बीस मोटेट्स, तीस चैनसन के लेखक हैं। अपने पूर्ववर्तियों की उपलब्धियों का उपयोग करते हुए, ओब्रेक्ट ने बहुत सी नई चीजें लाईं पॉलीफोनिक परंपरा। उनका संगीत विरोधाभासों से भरा है, बोल्ड तब भी जब संगीतकार पारंपरिक चर्च शैलियों को संबोधित करता है।

ऑरलैंडो लासो की रचनात्मकता की बहुमुखी प्रतिभा और गहराई। डच पुनर्जागरण संगीत के इतिहास को पूरा करना ऑरलैंडो लासो (असली नाम और उपनाम रोलैंड डी लासो, लगभग 1532-1594) का काम है, जिसे उनके समकालीन "बेल्जियम ऑर्फियस" और "संगीत के राजकुमार" द्वारा बुलाया जाता है। लासो का जन्म मॉन्स (फ़्लैंडर्स) में हुआ था। बचपन से ही उन्होंने चर्च गाना बजानेवालों में गाया, एक अद्भुत आवाज के साथ पैरिशियनों को मारा। इटालियन शहर मंटुआ के ड्यूक गोंजागा ने गलती से युवा गायक को सुनकर उसे अपने चैपल में आमंत्रित किया। मंटुआ के बाद, लासो ने नेपल्स में थोड़े समय के लिए काम किया, और फिर रोम चले गए - वहाँ उन्हें एक गिरजाघर के चैपल के प्रमुख का पद प्राप्त हुआ। पच्चीस वर्ष की आयु तक, लासो पहले से ही एक संगीतकार के रूप में जाने जाते थे, और उनके काम संगीत प्रकाशकों के बीच मांग में थे। 1555 में, कार्यों का पहला संग्रह प्रकाशित किया गया था, जिसमें मोटेट्स, मैड्रिगल्स और चांसन शामिल थे। लासो ने अपने पूर्ववर्तियों (डच, फ्रेंच, जर्मन और इतालवी संगीतकारों) द्वारा बनाई गई सभी बेहतरीन चीजों का अध्ययन किया और अपने काम में अपने अनुभव का इस्तेमाल किया। एक असाधारण व्यक्ति होने के नाते, लासो ने चर्च संगीत के अमूर्त चरित्र को दूर करने, इसे व्यक्तित्व देने का प्रयास किया। इस प्रयोजन के लिए, संगीतकार ने कभी-कभी शैली के उद्देश्यों (लोक गीतों, नृत्यों के विषय) का इस्तेमाल किया, इस प्रकार उपशास्त्रीय और धर्मनिरपेक्ष परंपराओं को एक साथ लाया। लासो ने पॉलीफोनिक तकनीक की जटिलता को बड़ी भावुकता के साथ जोड़ा। वह विशेष रूप से मैड्रिगल्स में सफल रहे, जिसके ग्रंथों में पात्रों के मन की स्थिति का पता चला था, उदाहरण के लिए, सेंट पीटर के आँसू "(1593) इतालवी कवि लुइगी ट्रैंज़िलो के छंदों पर। संगीतकार अक्सर एक के लिए लिखा था बड़ी संख्या में आवाजें (पांच से सात), इसलिए उनके काम करना मुश्किल है। ...

1556 से ऑरलैंडो लासो म्यूनिख (जर्मनी) में रहते थे, जहाँ उन्होंने चैपल का नेतृत्व किया। अपने जीवन के अंत तक, संगीत और कलात्मक हलकों में उनका अधिकार बहुत अधिक था, और उनकी प्रसिद्धि पूरे यूरोप में फैल गई। यूरोप की संगीत संस्कृति के विकास पर डच पॉलीफोनिक स्कूल का बहुत प्रभाव था। डच संगीतकारों द्वारा विकसित पॉलीफोनी के सिद्धांत सार्वभौमिक हो गए हैं, और 20 वीं शताब्दी में पहले से ही संगीतकारों द्वारा उनके काम में कई कलात्मक तकनीकों का उपयोग किया गया है।

फ्रांस। फ्रांस के लिए, 15वीं-16वीं शताब्दी महत्वपूर्ण परिवर्तनों का युग बन गई: इंग्लैंड के साथ सौ वर्षीय युद्ध (1337-1453) 15वीं शताब्दी के अंत तक समाप्त हो गया। राज्य का एकीकरण पूरा हो गया था; 16 वीं शताब्दी में, देश ने कैथोलिक और प्रोटेस्टेंट के बीच धार्मिक युद्धों का अनुभव किया। एक पूर्ण राजशाही के साथ एक मजबूत राज्य में, अदालत के समारोहों और लोक उत्सवों की भूमिका बढ़ गई। इसने कला के विकास में योगदान दिया, विशेष रूप से ऐसे आयोजनों के साथ संगीत। मुखर और वाद्य कलाकारों की टुकड़ी (चैपल और कंसोर्ट्स) की संख्या, जिसमें कलाकारों की एक महत्वपूर्ण संख्या शामिल थी, में वृद्धि हुई। इटली में सैन्य अभियानों के दौरान, फ्रांसीसी इतालवी संस्कृति की उपलब्धियों से परिचित हुए। उन्होंने इतालवी पुनर्जागरण के विचारों को गहराई से महसूस किया और स्वीकार किया - मानवतावाद, उनके आसपास की दुनिया के साथ सद्भाव की इच्छा, जीवन के आनंद के लिए।

यदि इटली में संगीत पुनर्जागरण मुख्य रूप से मास के साथ जुड़ा हुआ था, तो फ्रांसीसी संगीतकारों ने चर्च संगीत के साथ-साथ धर्मनिरपेक्ष पॉलीफोनिक गीत - चांसन पर विशेष ध्यान दिया। फ्रांस में इसकी रुचि 16वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में पैदा हुई, जब क्लेमेंट जेनेक्विन (लगभग 1485-1558) के संगीतमय टुकड़ों का एक संग्रह प्रकाशित हुआ। यह संगीतकार है जिसे शैली के रचनाकारों में से एक माना जाता है।

क्लेमेंट जेनेक्विन (1475-1560) द्वारा प्रमुख कोरल प्रोग्रामेटिक कार्य। एक बच्चे के रूप में, जेनेक्विन ने अपने गृहनगर चेटेलेरॉल्ट (मध्य फ़्रांस) में एक चर्च गाना बजानेवालों में गाया था। बाद में, संगीत इतिहासकारों के अनुसार, उन्होंने डच मास्टर जोस्किन डेस्प्रेज़ के साथ या अपने दल के एक संगीतकार के साथ अध्ययन किया। एक पुजारी का समन्वय प्राप्त करने के बाद, ज़ानेकेन ने गाना बजानेवालों के निदेशक और आयोजक के रूप में काम किया; तब उन्हें ड्यूक ऑफ गुइज़ द्वारा सेवा में आमंत्रित किया गया था। 1555 में, संगीतकार रॉयल चैपल के गायक बन गए, और 1556-1557 में। - शाही दरबार के संगीतकार। क्लेमेंट जेनेक्विन ने दो सौ अस्सी चैनसन बनाए (1530 और 1572 के बीच प्रकाशित); चर्च संगीत लिखा - मास, मोट्स, स्तोत्र। उनके गीत अक्सर चित्रमय होते थे। लड़ाई की तस्वीरें ("द बैटल ऑफ मारिग्नानो", "द बैटल ऑफ रेंटा", "द बैटल ऑफ मेट्ज़"), शिकार के दृश्य ("द हंट"), प्रकृति की छवियां ("द सिंगिंग ऑफ बर्ड्स", "नाइटिंगेल" , "लार्क") ), रोज़मर्रा के दृश्य ("महिला बकबक")। अद्भुत जीवंतता के साथ, संगीतकार पेरिस में रोज़मर्रा की ज़िंदगी के माहौल को "चीखें पेरिस" में व्यक्त करने में कामयाब रहे: उन्होंने विक्रेताओं के विस्मयादिबोधक को पाठ में पेश किया ("दूध!" - "पाई!" - "आर्टिचोक!" - "मछली!" - "मिलान!" - "कबूतर! ! "-" पुराने जूते! "-" शराब! ")। जेनक्विन ने व्यक्तिगत आवाजों और जटिल पॉलीफोनिक तकनीकों के लिए लंबे और बहने वाले विषयों का लगभग उपयोग नहीं किया, रोल कॉल, दोहराव, ओनोमेटोपोइया को वरीयता दी।

फ्रांसीसी संगीत की एक और दिशा सुधार के अखिल-यूरोपीय आंदोलन से जुड़ी है।

चर्च सेवाओं में, फ्रांसीसी प्रोटेस्टेंट (ह्यूजेनॉट्स) ने लैटिन और पॉलीफोनी को छोड़ दिया। पवित्र संगीत ने एक अधिक खुला, लोकतांत्रिक चरित्र प्राप्त कर लिया है। इस संगीत परंपरा के सबसे प्रतिभाशाली प्रतिनिधियों में से एक क्लाउड गुडीमेल (1514 और 1520-1572 के बीच) थे - बाइबिल ग्रंथों और प्रोटेस्टेंट मंत्रों पर भजन के लेखक।

चांसन। फ्रांसीसी पुनर्जागरण की मुख्य संगीत शैलियों में से एक चांसन (फ्रेंच चांसन - "गीत") है। इसकी उत्पत्ति लोक कला में है (महाकाव्य किंवदंतियों के छंदों को संगीत में स्थानांतरित कर दिया गया था), मध्ययुगीन परेशानियों और ट्रौवर्स की कला में। सामग्री और मनोदशा के संदर्भ में, गीत बहुत विविध हो सकते हैं - प्रेम गीत, रोज़, विनोदी, व्यंग्यपूर्ण आदि थे। संगीतकारों ने लोक कविताओं और आधुनिक कविता को ग्रंथों के रूप में लिया।

इटली। पुनर्जागरण की शुरुआत के साथ, इटली में फैले विभिन्न उपकरणों पर रोज़ाना संगीत बनाना; संगीत प्रेमियों की मंडली उठ खड़ी हुई। पेशेवर क्षेत्र में, दो सबसे शक्तिशाली स्कूल उभरे: रोमन और विनीशियन।

मेड्रिगल। पुनर्जागरण के दौरान, धर्मनिरपेक्ष शैलियों की भूमिका में वृद्धि हुई। XIV सदी में। मैड्रिगल इतालवी संगीत में दिखाई दिया (पॉज़लनेलेट से। मैट्रिकेल - "मूल भाषा में गीत")। यह लोक (चरवाहे) गीतों के आधार पर बनाया गया था। मेड्रिगल दो या तीन आवाजों के लिए गीत थे, अक्सर बिना वाद्य संगत के। वे आधुनिक इतालवी कवियों के छंदों पर लिखे गए थे, जिनमें प्रेम के बारे में बताया गया था; प्रतिदिन और पौराणिक विषयों पर गीत होते थे।

पंद्रहवीं शताब्दी के दौरान, संगीतकारों ने शायद ही कभी इस शैली की ओर रुख किया हो; उनमें रुचि केवल 16 वीं शताब्दी में पुनर्जीवित हुई थी। 16वीं शताब्दी के मद्रिगल की एक विशिष्ट विशेषता संगीत और कविता के बीच घनिष्ठ संबंध है। काव्य स्रोत में वर्णित घटनाओं को दर्शाते हुए संगीत ने लचीले ढंग से पाठ का अनुसरण किया। समय के साथ, अजीबोगरीब मधुर प्रतीकों का विकास हुआ, जो कोमल आहों, आंसुओं आदि को दर्शाते हैं। कुछ संगीतकारों के कार्यों में, प्रतीकात्मकता दार्शनिक थी, उदाहरण के लिए, गेसुल्डो डि वेनोसा के मैड्रिगल "आई डाई, नाखुश" (1611) में।

शैली का उत्तराधिकार XVI-XVII सदियों के मोड़ पर आता है। कभी-कभी, गाने के प्रदर्शन के साथ-साथ, इसके कथानक को बजाया जाता था। मेड्रिगल मैड्रिगल कॉमेडी (कॉमेडी नाटक के पाठ पर आधारित एक कोरल रचना) का आधार बन गया, जिसने ओपेरा की उपस्थिति को तैयार किया।

रोमन पॉलीफोनिक स्कूल। जियोवानी डी फिलिस्तीन (1525-1594)। रोमन स्कूल के प्रमुख जियोवानी पियरलुइगी दा फिलिस्तीन थे, जो पुनर्जागरण के महानतम संगीतकारों में से एक थे। उनका जन्म इतालवी शहर फिलिस्तीन में हुआ था, जिसके नाम से उन्हें अपना उपनाम मिला था। बचपन से, फिलिस्तीन ने चर्च गाना बजानेवालों में गाया, और वयस्कता तक पहुंचने पर, उन्हें रोम में सेंट पीटर की बेसिलिका में कंडक्टर (गाना बजानेवालों के नेता) के पद पर आमंत्रित किया गया; बाद में उन्होंने सिस्टिन चैपल (पोप की अदालत चैपल) में सेवा की।

कैथोलिक धर्म के केंद्र रोम ने कई प्रमुख संगीतकारों को आकर्षित किया है। अलग-अलग समय में डच मास्टर्स, पॉलीफोनिस्ट गिलाउम ड्यूफे और जोस्किन डेस्प्रेस ने यहां काम किया। उनकी विकसित रचना तकनीक ने कभी-कभी सेवा के पाठ की धारणा में हस्तक्षेप किया: यह आवाजों की उत्कृष्ट अंतःक्रिया के पीछे खो गया था और शब्द, वास्तव में, नहीं सुने जा सकते थे। इसलिए, चर्च के अधिकारी ऐसे कार्यों से सावधान थे और ग्रेगोरियन मंत्रों के आधार पर एकरसता की वापसी की वकालत करते थे। चर्च संगीत में पॉलीफोनी की अनुमति के सवाल पर चर्च ऑफ ट्रेंट ऑफ कैथोलिक चर्च (1545-1563) में भी चर्चा की गई थी। पोप के करीब, फिलिस्तीन ने चर्च के नेताओं को ऐसे कार्यों के निर्माण की संभावना के बारे में आश्वस्त किया जहां रचना तकनीक पाठ की समझ में हस्तक्षेप नहीं करेगी। सबूत के तौर पर, उन्होंने पोप मार्सेलो मास (1555) की रचना की, जो जटिल पॉलीफोनी को हर शब्द की स्पष्ट और अभिव्यंजक ध्वनि के साथ जोड़ती है। इस प्रकार, संगीतकार ने पेशेवर पॉलीफोनिक संगीत को चर्च अधिकारियों के उत्पीड़न से "बचाया"। 1577 में, संगीतकार को क्रमिक सुधार पर चर्चा करने के लिए आमंत्रित किया गया था - कैथोलिक चर्च के पवित्र मंत्रों का संग्रह। 80 के दशक में। फिलिस्तीन को ठहराया गया था, और 1584 में सोसाइटी ऑफ मास्टर्स ऑफ म्यूजिक का सदस्य बन गया - संगीतकारों का एक संघ जो सीधे पोप के अधीनस्थ था।

फिलिस्तीन की रचनात्मकता एक उज्ज्वल दृष्टिकोण से प्रभावित है। उनके द्वारा बनाए गए कार्यों ने उनके समकालीनों को उच्चतम कौशल और मात्रा (एक सौ से अधिक जनता, तीन सौ मोट, एक सौ मैड्रिगल) दोनों के साथ चकित कर दिया। संगीत की जटिलता कभी भी इसकी धारणा में बाधा नहीं रही है। संगीतकार जानता था कि रचनाओं के परिष्कार और श्रोता तक उनकी पहुंच के बीच बीच का रास्ता कैसे खोजा जाए। फिलिस्तीन ने एक अभिन्न बड़े काम को विकसित करने में मुख्य रचनात्मक कार्य देखा। उनके मंत्रों में प्रत्येक आवाज स्वतंत्र रूप से विकसित होती है, लेकिन साथ ही साथ बाकी के साथ एक ही पूरे का निर्माण होता है, और अक्सर आवाजें जीवाओं के आश्चर्यजनक सुंदर संयोजनों में जुड़ जाती हैं। अक्सर ऊपरी आवाज का माधुर्य दूसरों के ऊपर मंडराता है, पॉलीफोनी के "गुंबद" को रेखांकित करता है; सभी आवाजें तरल और विकसित हैं।

अगली पीढ़ी के संगीतकारों ने जियोवानी दा फिलिस्तीन की कला को अनुकरणीय, शास्त्रीय माना। 17वीं-18वीं शताब्दी के कई उत्कृष्ट संगीतकारों ने उनकी रचनाओं का अध्ययन किया।

पुनर्जागरण संगीत की एक और दिशा विनीशियन स्कूल के संगीतकारों के काम से जुड़ी है, जिसके संस्थापक एड्रियन विलार्ट (लगभग 1485-1562) थे। उनके छात्र ऑर्गेनिस्ट और संगीतकार एंड्रिया गेब्रियल (1500 और 1520 के बीच - 1586 के बाद), संगीतकार साइप्रियन डी पोप (1515 या 1516-1565) और अन्य संगीतकार थे। जबकि फिलिस्तीन के कार्यों में स्पष्टता और सख्त संयम की विशेषता है, विलार्ट और उनके अनुयायियों ने एक शानदार कोरल शैली विकसित की। सराउंड साउंड प्राप्त करने के लिए, टिम्बर बजाते हुए, उन्होंने मंदिर के विभिन्न स्थानों में स्थित अपनी रचनाओं में कई गायक मंडलियों का उपयोग किया। गाना बजानेवालों के बीच रोल कॉल के उपयोग ने चर्च के स्थान को अभूतपूर्व प्रभावों से भरना संभव बना दिया। इस दृष्टिकोण ने पूरे युग के मानवतावादी आदर्शों को भी प्रतिबिंबित किया - अपनी प्रसन्नता, स्वतंत्रता और स्वयं वेनिस की कलात्मक परंपरा के साथ - उज्ज्वल और असामान्य सब कुछ के लिए प्रयास के साथ। वेनिस के उस्तादों के काम में, संगीत की भाषा भी अधिक जटिल हो गई: यह जीवाओं के साहसिक संयोजनों, अप्रत्याशित सामंजस्य से भरी हुई थी।

एक हड़ताली पुनर्जागरण व्यक्ति कार्लो गेसुल्डो डि वेनोसा (लगभग 1560-1613) थे, जो वेनोसा शहर के राजकुमार थे, जो धर्मनिरपेक्ष मद्रिगल के महानतम आचार्यों में से एक थे। उन्होंने एक परोपकारी, लुटेरा कलाकार, संगीतकार के रूप में ख्याति प्राप्त की। प्रिंस गेसुल्डो इतालवी कवि टोरक्वेटो टैसो के मित्र थे; अभी भी दिलचस्प पत्र हैं जिनमें दोनों कलाकार साहित्य, संगीत और ललित कला के मुद्दों पर चर्चा करते हैं। Tasso Gesualdo di Venosa ने कई कविताओं को संगीत में बदल दिया - इस तरह कई उच्च कलात्मक मैड्रिगल दिखाई दिए। देर से पुनर्जागरण के प्रतिनिधि के रूप में, संगीतकार ने एक नए प्रकार का मैड्रिगल विकसित किया, जहां भावनाएं पहले स्थान पर थीं - हिंसक और अप्रत्याशित। इसलिए, उनके कार्यों में मात्रा में परिवर्तन, स्वर, आहें और यहां तक ​​​​कि सिसकने के समान, तेज-ध्वनि वाले राग, विपरीत गति परिवर्तन की विशेषता है। इन तकनीकों ने गेसुल्डो के संगीत को एक अभिव्यंजक, कुछ हद तक विचित्र चरित्र दिया, यह चकित था और साथ ही साथ समकालीनों को आकर्षित किया। Gesualdo di Venosa की विरासत में पॉलीफोनिक मैड्रिगल्स के सात संग्रह हैं; आध्यात्मिक कार्यों में - "पवित्र मंत्र"। उनका संगीत आज श्रोता को उदासीन नहीं छोड़ता।

वाद्य संगीत की शैलियों और रूपों का विकास। वाद्य संगीत को नई शैलियों के उद्भव से भी चिह्नित किया गया है, विशेष रूप से वाद्य संगीत कार्यक्रम। वायलिन, हार्पसीकोर्ड, अंग धीरे-धीरे एकल वाद्ययंत्रों में बदल गए। उनके लिए लिखे गए संगीत ने न केवल संगीतकार के लिए, बल्कि कलाकार के लिए भी प्रतिभा दिखाना संभव बनाया। मुख्य रूप से सराहना की गई सद्गुण (तकनीकी कठिनाइयों से निपटने की क्षमता), जो धीरे-धीरे कई संगीतकारों और एक कलात्मक मूल्य के लिए अपने आप में एक अंत बन गई। 17वीं-18वीं शताब्दी के संगीतकारों ने आमतौर पर न केवल संगीत की रचना की, बल्कि वाद्ययंत्रों को भी महारत से बजाया और शैक्षणिक गतिविधियों में लगे रहे। कलाकार की भलाई काफी हद तक विशिष्ट ग्राहक पर निर्भर करती है। एक नियम के रूप में, प्रत्येक गंभीर संगीतकार ने या तो एक सम्राट या एक धनी अभिजात (कुलीन वर्ग के कई सदस्यों के अपने स्वयं के आर्केस्ट्रा या ओपेरा हाउस) या एक मंदिर में जगह पाने की मांग की। इसके अलावा, अधिकांश संगीतकारों ने आसानी से चर्च संगीत-निर्माण को एक धर्मनिरपेक्ष संरक्षक के साथ सेवा के साथ जोड़ दिया।

इंग्लैंड। पुनर्जागरण के दौरान इंग्लैंड का सांस्कृतिक जीवन सुधार के साथ निकटता से जुड़ा था। 16वीं शताब्दी में प्रोटेस्टेंटवाद पूरे देश में फैल गया। कैथोलिक चर्च ने अपना प्रमुख स्थान खो दिया, एंग्लिकन चर्च राज्य बन गया, जिसने कैथोलिक धर्म के कुछ हठधर्मिता (मूल प्रावधानों) को मान्यता देने से इनकार कर दिया; अधिकांश मठों का अस्तित्व समाप्त हो गया। इन घटनाओं ने संगीत सहित अंग्रेजी संस्कृति को प्रभावित किया। ऑक्सफोर्ड और कैम्ब्रिज विश्वविद्यालयों में संगीत विभाग खोले गए। बड़प्पन के सैलून में, कीबोर्ड वाद्ययंत्र बजाए जाते थे: वर्जिन (एक प्रकार का हार्पसीकोर्ड), एक पोर्टेबल (छोटा) अंग, आदि। घरेलू संगीत बजाने के लिए बनाई गई छोटी रचनाएँ लोकप्रिय थीं। उस समय की संगीत संस्कृति के सबसे प्रमुख प्रतिनिधि विलियम बर्ड (1543 या 1544-1623) थे - एक संगीत प्रकाशक, आयोजक और संगीतकार। पक्षी अंग्रेजी मेड्रिगल के पूर्वज बने। उनके कार्यों को उनकी सादगी (उन्होंने जटिल पॉलीफोनिक तकनीकों से परहेज किया), पाठ का अनुसरण करने वाले रूप की मौलिकता और हार्मोनिक स्वतंत्रता से अलग किया जाता है। मध्ययुगीन गंभीरता और संयम के विपरीत, सभी संगीत साधनों का उद्देश्य जीवन की सुंदरता और आनंद की पुष्टि करना है। मैड्रिगल शैली में संगीतकार के कई अनुयायी थे।

पक्षी ने आध्यात्मिक कार्य (जनता, भजन) और वाद्य संगीत भी बनाया। वर्जिन के लिए अपनी रचनाओं में, उन्होंने लोक गीतों और नृत्यों के रूपांकनों का इस्तेमाल किया।

संगीतकार वास्तव में वह संगीत चाहता था जिसे उसने लिखा था "खुशी से कम से कम थोड़ी कोमलता, विश्राम और मनोरंजन ले लो" - यह वही है जो विलियम बर्ड ने अपने एक संगीत संग्रह की प्रस्तावना में लिखा था।

जर्मनी। सुधार आंदोलन के साथ जर्मन संगीत संस्कृति का संबंध। 16वीं शताब्दी में, जर्मनी में सुधार शुरू हुआ, जिसने देश के धार्मिक और सांस्कृतिक जीवन को महत्वपूर्ण रूप से बदल दिया। सुधार के नेता पूजा की संगीत सामग्री में बदलाव की आवश्यकता के प्रति आश्वस्त थे। ऐसा दो कारणों से हुआ। 15वीं शताब्दी के मध्य तक। चर्च संगीत की शैलियों में काम करने वाले संगीतकारों का पॉलीफोनिक कौशल असाधारण जटिलता और परिष्कार तक पहुंच गया है। कभी-कभी ऐसे कार्यों का निर्माण किया जाता था, जो स्वरों की मधुर समृद्धि और लंबे मंत्रों के कारण, बहुसंख्यक पैरिशियन द्वारा अनुभव और आध्यात्मिक रूप से अनुभव नहीं किया जा सकता था। इसके अलावा, सेवा लैटिन में आयोजित की गई थी, जो इटालियंस के लिए समझ में आती है, लेकिन जर्मनों के लिए विदेशी है।

सुधार आंदोलन के संस्थापक मार्टिन लूथर (1483-1546) का मानना ​​था कि चर्च संगीत में सुधार की जरूरत है। संगीत, सबसे पहले, पूजा में पैरिशियनों की अधिक सक्रिय भागीदारी को बढ़ावा देना चाहिए (पॉलीफोनिक रचनाओं का प्रदर्शन करते समय यह असंभव था), और दूसरी बात, इसे बाइबिल की घटनाओं के लिए सहानुभूति उत्पन्न करनी चाहिए (जो लैटिन में सेवा के संचालन से बाधित थी)। इस प्रकार, चर्च गायन पर निम्नलिखित आवश्यकताएं लगाई गईं: माधुर्य की सादगी और स्पष्टता, यहां तक ​​कि लय, जप का स्पष्ट रूप। इस आधार पर, प्रोटेस्टेंट मंत्र का उदय हुआ - जर्मन पुनर्जागरण के चर्च संगीत की मुख्य शैली। 1522 में, लूथर ने न्यू टेस्टामेंट का जर्मन में अनुवाद किया - अब से उनकी मूल भाषा में दैवीय सेवाओं का संचालन करना संभव हो गया।

स्वयं लूथर, साथ ही उनके मित्र, जर्मन संगीत सिद्धांतकार जोहान वाल्टर (1490-1570) ने कोरल के लिए धुनों के चयन में सक्रिय भाग लिया। इस तरह की धुनों के मुख्य स्रोत लोक आध्यात्मिक और धर्मनिरपेक्ष गीत थे - व्यापक रूप से ज्ञात और समझने में आसान। लूथर ने स्वयं कुछ कोरलों के लिए धुनों की रचना की। उनमें से एक, "प्रभु हमारा समर्थन है," 16वीं शताब्दी के धार्मिक युद्धों की अवधि के दौरान सुधार का प्रतीक बन गया।

मिस्टरसिंगर और उनकी कला। जर्मन पुनर्जागरण संगीत का एक और उज्ज्वल पृष्ठ मिस्टरिंगर (जर्मन मेस्टरिंगर - "मास्टर गायक") के काम से जुड़ा है - कारीगरों में से कवि गायक। वे पेशेवर संगीतकार नहीं थे, लेकिन सभी शिल्पकारों से ऊपर - बंदूकधारी, दर्जी, ग्लेज़ियर, शोमेकर, बेकर आदि। ऐसे संगीतकारों के शहर संघ में विभिन्न शिल्पों के प्रतिनिधि शामिल थे। 16वीं शताब्दी में, जर्मनी के कई शहरों में मिस्टरिंगर संघ मौजूद थे।

मीस्टरिंगर्स ने सख्त नियमों के अनुसार अपने गीतों की रचना की, रचनात्मक पहल कई प्रतिबंधों से शर्मिंदा थी। एक नौसिखिया को पहले इन नियमों में महारत हासिल करनी थी, फिर गाने का प्रदर्शन करना सीखना था, फिर दूसरे लोगों की धुनों के लिए गीत बनाना था, और उसके बाद ही वह अपना गीत बना सकता था। प्रसिद्ध मिस्टरिंगर्स और मिनेसिंगर्स की धुनों को धुन माना जाता था।

16वीं सदी के उत्कृष्ट मिस्टरसिंगर हैंस सैक्स (1494-1576) एक दर्जी के परिवार से थे, लेकिन अपनी युवावस्था में उन्होंने अपने माता-पिता का घर छोड़ दिया और जर्मनी घूमने चले गए। अपने भटकने के दौरान, युवक ने एक थानेदार का शिल्प सीखा, लेकिन सबसे महत्वपूर्ण बात यह है कि वह लोक कला से परिचित हो गया। सैक्स अच्छी तरह से शिक्षित थे, प्राचीन और मध्यकालीन साहित्य को पूरी तरह से जानते थे, जर्मन अनुवाद में बाइबिल पढ़ते थे। वह सुधार के विचारों से गहराई से प्रभावित थे, इसलिए उन्होंने न केवल धर्मनिरपेक्ष गीत लिखे, बल्कि आध्यात्मिक भी (कुल मिलाकर लगभग छह हजार गीत)। हंस सैक्स एक नाटककार के रूप में भी प्रसिद्ध हुए (लेख "पुनर्जागरण की नाटकीय कला" देखें)।

पुनर्जागरण के संगीत वाद्ययंत्र। पुनर्जागरण के दौरान, संगीत वाद्ययंत्रों की संरचना में काफी विस्तार हुआ, पहले से मौजूद तारों और हवाओं में नई किस्में जोड़ी गईं। उनमें से, एक विशेष स्थान पर उल्लंघन का कब्जा है - झुके हुए तारों का एक परिवार, उनकी सुंदरता और ध्वनि की बड़प्पन के साथ हड़ताली। रूप में, वे आधुनिक वायलिन परिवार (वायलिन, वायोला, सेलो) के वाद्ययंत्रों से मिलते जुलते हैं और यहां तक ​​​​कि उनके तत्काल पूर्ववर्ती माने जाते हैं (वे 18 वीं शताब्दी के मध्य तक संगीत अभ्यास में सह-अस्तित्व में थे)। हालांकि, अंतर, और महत्वपूर्ण, अभी भी है। Violas में प्रतिध्वनित तार की एक प्रणाली होती है; एक नियम के रूप में, उनमें से कई मुख्य हैं (छह से सात)। प्रतिध्वनित तारों के कंपन वायोला की ध्वनि को नरम, मख़मली बनाते हैं, लेकिन ऑर्केस्ट्रा में वाद्य यंत्र का उपयोग करना मुश्किल होता है, क्योंकि बड़ी संख्या में तारों के कारण यह जल्दी से खराब हो जाता है।

लंबे समय तक, वायोला की आवाज़ को संगीत में परिष्कार का एक उदाहरण माना जाता था। वियोला परिवार में तीन मुख्य प्रकार हैं। वियोला दा गाम्बा एक बड़ा वाद्य यंत्र है जिसे कलाकार ने अपने पैरों से लंबवत रखा और पक्षों से जकड़ा हुआ है (इतालवी शब्द गाम्बा का अर्थ है "घुटने")। दो अन्य किस्में - वायोला दा ब्रैकियो (इतालवी ब्रेकियो से - "प्रकोष्ठ") और वायल डी "क्यूपिड (एफआर। वायल डी" एमोर - "प्यार का वायोला") क्षैतिज रूप से उन्मुख थे, और जब खेला जाता था, तो उन्हें कंधे के खिलाफ दबाया जाता था। वायोला दा गाम्बा ध्वनि की सीमा के मामले में सेलो के करीब है, वायोला दा ब्रासियो वायलिन के करीब है, और वायल डी "क्यूपिड वायोला के करीब है।

पुनर्जागरण के लूटे गए उपकरणों में, मुख्य स्थान पर ल्यूट (पोलिश लुटनिया, अरबी "अलुद" - "पेड़") से कब्जा कर लिया गया है। यह 14वीं शताब्दी के अंत में मध्य पूर्व से यूरोप आया, और 16वीं शताब्दी की शुरुआत तक इस उपकरण के लिए एक विशाल प्रदर्शनों की सूची थी; सबसे पहले लुटेरे की संगत में गीत प्रस्तुत किए गए। ल्यूट का शरीर छोटा है; शीर्ष सपाट है, और नीचे एक गोलार्ध जैसा दिखता है। एक फ्रेटबोर्ड चौड़ी गर्दन से जुड़ा होता है, और उपकरण का सिर लगभग समकोण पर वापस मुड़ा होता है। आप चाहें तो ल्यूट के वेश में कटोरी से मिलता जुलता देख सकते हैं. बारह तारों को जोड़े में बांटा गया है, और ध्वनि दोनों उंगलियों के साथ और एक विशेष प्लेट के साथ उत्पन्न होती है - एक पिक।

XV-XVI सदियों में, विभिन्न प्रकार के कीबोर्ड उत्पन्न हुए। इस तरह के मुख्य प्रकार के वाद्ययंत्र - हार्पसीकोर्ड, क्लैविचॉर्ड, हार्पसीकोर्ड, हार्पसीकोर्ड, वर्जिन - का पुनर्जागरण के संगीत में सक्रिय रूप से उपयोग किया गया था, लेकिन उनका असली दिन बाद में आया।

पुनर्जागरण का सौंदर्यशास्त्र उस भव्य क्रांति से जुड़ा है जो इस युग में सार्वजनिक जीवन के सभी क्षेत्रों में हो रही है: अर्थव्यवस्था, विचारधारा, संस्कृति, विज्ञान और दर्शन में। शहरी संस्कृति का उत्कर्ष, महान भौगोलिक खोजें जिसने किसी व्यक्ति के क्षितिज का अत्यधिक विस्तार किया, शिल्प से निर्माण तक का संक्रमण इस समय का है।

उत्पादक शक्तियों का क्रांतिकारी विकास, सामंती संपत्ति और दुकान संबंधों का विघटन, जो उत्पादन को बांधता है, व्यक्ति की मुक्ति की ओर ले जाता है, इसके स्वतंत्र और सार्वभौमिक विकास के लिए स्थितियां पैदा करता है। निस्संदेह, यह सब विश्वदृष्टि की प्रकृति को प्रभावित नहीं कर सका। पुनर्जागरण के दौरान, दुनिया पर विचारों की मध्ययुगीन प्रणाली के कट्टरपंथी टूटने और एक नई, मानवतावादी, विचारधारा के गठन की प्रक्रिया होती है। यह प्रक्रिया संगीत सौंदर्यशास्त्र में भी परिलक्षित होती है। पहले से ही XIV सदी एक नए सौंदर्यवादी विश्वदृष्टि के जागरण के लक्षणों से भरी हुई थी। अर्स नोवा की कला और सौंदर्यशास्त्र, जॉन डी ग्रोहियो के ग्रंथ और पडुआ के मार्चेटो ने धीरे-धीरे मध्ययुगीन संगीत सिद्धांत की पारंपरिक प्रणाली को चकनाचूर कर दिया। यहाँ संगीत का धार्मिक दृष्टिकोण, स्वर्गीय संगीत की एक निश्चित अकल्पनीय भावना की मान्यता पर आधारित था, को कम करके आंका गया था। हालांकि, मध्ययुगीन संगीत सिद्धांत की सदियों पुरानी परंपरा पूरी तरह से नष्ट नहीं हुई थी। संगीत सौंदर्यशास्त्र को अंतत: उन पारंपरिक ढांचों से मुक्त होने में एक और सदी लग गई, जिन्होंने इसे बांधा था।

संगीत के उद्देश्य के प्रश्न की व्याख्या में पुनर्जागरण का संगीत सौंदर्यशास्त्र वास्तविक अभ्यास पर आधारित है, जो सार्वजनिक जीवन में संगीत के असाधारण विकास की विशेषता है। इस समय, इटली, फ्रांस, जर्मनी के शहरों में सैकड़ों संगीत मंडल बनाए गए, जिसमें वे उत्साहपूर्वक रचना का अध्ययन करते हैं या विभिन्न संगीत वाद्ययंत्र बजाते हैं। संगीत का अधिकार और उसका ज्ञान धर्मनिरपेक्ष संस्कृति और धर्मनिरपेक्ष शिक्षा के आवश्यक तत्व बन जाते हैं। प्रसिद्ध इतालवी लेखक बाल्डज़ारे कास्टिग्लिओन ने अपने ग्रंथ "ऑन द कोर्टियर" (1518) में लिखा है कि एक व्यक्ति एक दरबारी नहीं हो सकता है "यदि वह संगीतकार नहीं है, दृष्टि से संगीत पढ़ना नहीं जानता है और विभिन्न उपकरणों के बारे में कुछ भी नहीं जानता है। ।" 16वीं शताब्दी के नागरिक जीवन में संगीत की असाधारण व्यापकता का प्रमाण उस समय की चित्रकला से मिलता है। बड़प्पन के निजी जीवन को दर्शाने वाले कई चित्रों में, हम लगातार संगीत में लगे सैकड़ों लोगों से मिलते हैं: गायन, वादन, नृत्य, सुधार, आदि।

पुनर्जागरण की प्रारंभिक संस्कृति का उदय और विकास इटली में हुआ। यहां की पुनर्जागरण सदियों को लोक कविता और संगीत के शक्तिशाली विकास द्वारा चिह्नित किया गया है, और मुख्य भूमिका लौडा, फ्रोटोला, विलानेला जैसी शैलियों में गीत लेखन की सबसे समृद्ध परंपराओं द्वारा निभाई जाती है। कच्छिया रोजमर्रा के शहरी संगीत निर्माण में कोई कम लोकप्रिय शैली नहीं बन गई है, आमतौर पर पाठ और संगीत में प्रचलित स्वरों के उपयोग के साथ एक रसदार शैली का दृश्य प्रदर्शित होता है - ठीक पेडलर्स और विक्रेताओं के चिल्लाने तक। कच्छिया के साथ अक्सर गोलाकार नृत्य किया जाता था। इटालियन गाथागीत एकल और कोरल प्रदर्शन से जुड़े गीत और नृत्य गीतों की एक व्यापक शैली है (उस समय फ्रांस में, विरेले शैली में समान विशेषताएं थीं)। लोकगीत स्वर, मधुर सिद्धांत का एक निश्चित वजन, बनावट की आविष्कारशीलता - धर्मनिरपेक्ष रोजमर्रा के संगीत के ये गुण भी पॉलीफोनिक जनता तक, पवित्र संगीत में प्रवेश करते हैं।

संगीत का मधुर-मधुर चरित्र इस तथ्य से जुड़ा था कि इटली में कड़े झुके हुए वाद्ययंत्रों पर एकल और पहनावा संगीत बनाने की परंपरा तेजी से विकसित हुई। सामान्य तौर पर, वाद्य संगीत के व्यापक प्रसार ने एक होमोफोनिक गोदाम और कार्यात्मक सद्भाव के गठन में योगदान दिया।

इससे पहले कि वायलिन इटली के संगीत मंडलों (16 वीं शताब्दी की अंतिम तिमाही में) और क्रेमोना मास्टर्स अमती, स्ट्राडिवरी, ग्वारनेरी और अन्य द्वारा वायलिन के उत्पादन का विकास शुरू हो गया, ल्यूट (सबसे प्रसिद्ध संगीतकार-ल्यूट वादक) फ्रांसेस्को मिलानो है), वायोला, स्पेनिश गिटार, थोरबा (लार्ज बास ल्यूट)।

वायलिन कौशल का निर्माण सबसे पहले बी. डोनाटी, एल. वियादान, जी. जियाकोमेली (वह लंबी झुकने और लेगाटो तकनीक के कौशल के लिए प्रसिद्ध थे) के कार्यों में हुआ था। वायलिन प्रदर्शन के विकास में एक नया कदम सी। मोंटेवेर्डी के काम से जुड़ा है, जो पैसेज तकनीक विकसित करता है, ट्रेमोलो, पिज़िकाटो का उपयोग करता है, ध्रुवीय विरोधाभासों पीपी और एफएफ के साथ गतिशीलता को समृद्ध करता है।

अंग और हार्पसीकोर्ड प्रदर्शन के क्षेत्र में एक महान पुनरुद्धार देखा गया। 40 के दशक से। 16 वीं शताब्दी में, अंग संग्रह की संख्या में तेजी से वृद्धि हुई, और उत्कृष्ट जीवों की एक पूरी आकाशगंगा दिखाई दी - विलार्ट, एंड्रिया और जियोवानी गेब्रियल, क्लाउडियो मेरुलो, कैवाज़ोनी। ये उस्ताद इतालवी अंग कला की नींव रखते हैं और वाद्य संगीत की शैलियों का निर्माण करते हैं - अमीरकार, कैनज़ोना, टोकाटा।

हार्पसीकोर्ड प्रदर्शन रोजमर्रा के नृत्यों, लोकप्रिय धर्मनिरपेक्ष गीतों की व्यवस्था का व्यापक उपयोग करता है। अंग और क्लैवियर पर एक उत्कृष्ट संगीतकार-सुधारकर्ता गिरोलामो फ्रेस्कोबाल्डी थे, जिनके काम में हार्पसीकोर्ड संगीत का पूरा संग्रह दिखाई दिया - नृत्य चक्र।

इटालियन कम्पोजिंग स्कूल का प्रतिनिधित्व पेशेवर पॉलीफोनिस्ट संगीतकारों - एड्रियन विलेर्टा और उनके छात्रों सिप्रियन डी रूरे, एंड्रिया और जियोवानी गेब्रियल, जियोवानी पियरलुइगी दा फिलिस्तीना की गतिविधियों द्वारा भी किया जाता है। उनकी रचनात्मक विरासत विविध है और इसमें मुख्य रूप से मुखर पॉलीफोनिक कार्य शामिल हैं - दर्जनों जन, आध्यात्मिक और धर्मनिरपेक्ष मैड्रिगल, मोट्स, जो मुख्य रूप से एक कैपेला गाना बजानेवालों द्वारा किए गए थे।

नीदरलैंड में पॉलीफोनी के शक्तिशाली विकास को लोक पॉलीफोनी की समृद्धि और अमीर डच शहरों के गिरजाघरों में गायकों (मेट्रिज़) के लिए विशेष स्कूलों-डॉरमेट्री की उपस्थिति से समझाया गया है।

संगीतकारों की कई पीढ़ियां डच पॉलीफोनिक स्कूल से संबंधित थीं। उनकी गतिविधियाँ न केवल नीदरलैंड में हुईं, जो उस समय आधुनिक बेल्जियम, लक्ज़मबर्ग, हॉलैंड के दक्षिण-पश्चिम और फ्रांस के उत्तर (इसलिए स्कूल का दूसरा नाम - फ्रेंको-फ्लेमिश) के क्षेत्र को कवर करती थी। डच स्कूल के प्रमुख प्रतिनिधियों ने रोम (ड्यूफे, ओब्रेक्ट, जोस्किन) और अन्य शहरों (विल्लेर्ट्स, रोहर - वेनिस में, इसहाक - ऑस्ट्रिया और जर्मनी में, बेंशुआ - बर्गंडियन कोर्ट में डिजॉन में) में फलदायी रूप से काम किया।

डच स्कूल ने सभी यूरोपीय देशों में पॉलीफोनी के सदियों पुराने विकास को सामान्यीकृत किया। यद्यपि चर्च संगीत ने निस्संदेह इन आचार्यों के काम में एक अग्रणी स्थान पर कब्जा कर लिया, लेकिन उन्होंने ऐसा नहीं किया

कम, आध्यात्मिक कार्यों के साथ, संगीतकारों ने कई धर्मनिरपेक्ष पॉलीफोनिक गीत लिखे, जो पुनर्जागरण की विशेषता विचारों और भावनाओं की समृद्ध दुनिया को दर्शाते हैं।

डच पॉलीफोनिस्टों की रचनात्मकता की सबसे स्मारकीय शैली मास थी, जिसमें सख्त पॉलीफोनी के सिद्धांतों की सर्वोत्कृष्टता हुई। हालांकि, प्रत्येक मास्टर की गतिविधि स्थापित अभिव्यंजक सिद्धांतों से परे जाने की खोज से जुड़ी नवीन विशेषताओं को प्रकट करती है। मौजूदा गीत और नृत्य सामग्री पर निर्भरता, आध्यात्मिक और धर्मनिरपेक्ष शैलियों के पारस्परिक प्रभाव से पॉलीफोनी में मधुर आवाज का क्रमिक अलगाव होता है, जिससे एक कॉर्ड वर्टिकल और फंक्शनल थिंकिंग का निर्माण होता है।

16वीं सदी की डच पॉलीफोनी की परिणति ऑरलैंडो लासो की कृति थी। यह उनके काम में था कि पुनर्जागरण की व्यापक शैली के हित केंद्रित थे: उन्होंने अपने समय के लगभग सभी मुखर रूपों को श्रद्धांजलि अर्पित की - मैड्रिगल, मास, मोटेट, फ्रेंच चैनसन और यहां तक ​​​​कि जर्मन पॉलीफोनिक गीत। संगीतकार के काम जीवन-सच्ची छवियों से भरे हुए हैं, एक उज्ज्वल संगीत है, एक राहत विविध ताल, एक लगातार विकसित हार्मोनिक योजना है, जिसने उनकी असाधारण लोकप्रियता सुनिश्चित की है (वे बार-बार ल्यूट और अंग व्यवस्था के लिए अन्य संगीतकारों द्वारा उपयोग किए जाते थे)।

पुनर्जागरण की प्रवृत्तियों के विकास और फ्रांसीसी राष्ट्रीय संस्कृति के गठन को XIV सदी में पहले ही रेखांकित किया जा चुका था। फ्रांसीसी संगीत में प्रारंभिक पुनर्जागरण कला के उत्कृष्ट प्रतिनिधि फिलिप डी विट्री और गुइल्यूम डी मचॉट थे, जिन्होंने विरल, ले, रोंडो गाथागीत की शैलियों में एक महान विरासत छोड़ी।

फ्रांसीसी संगीत कला की सबसे विशिष्ट विशेषता चैनसन शैली थी, जो धर्मनिरपेक्ष पाठ और आमतौर पर लोक धुनों के साथ एक पॉलीफोनिक गीत रूप है। यह इस शैली में था कि नई पुनर्जागरण विशेषताओं को अभिव्यंजक साधनों की सामग्री, कथानक और विशेषताओं में सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट किया गया था।

15वीं-16वीं शताब्दी का फ्रांसीसी गीत उस समय की फ्रांसीसी जीवन शैली का एक प्रकार का "विश्वकोश" है। इसकी सामग्री विविध है और यह कथात्मक, गीतात्मक, अंतरंग, दुखद, हास्यपूर्ण, वर्णनात्मक, वीरतापूर्ण हो सकती है। उनके तराजू की विविधता भी विशेषता है - कई उपायों से लेकर 42 पृष्ठों तक।

अभिव्यंजक साधनों की सादगी और तात्कालिकता, डी और टी पर कुछ अंत के साथ एक आवधिक संरचना, एकल की तकनीक, जिसे बाद में पूरे कलाकारों की टुकड़ी द्वारा उठाया जाता है - शैली की विशिष्ट विशेषताएं, जिसका संगीत कभी-कभी लोक नृत्य जैसा दिखता है , गीत-महाकाव्य राग या एक दिलेर स्ट्रीट सिटी गीत - भविष्य के वाडेविल का प्रोटोटाइप। चैनसन संगीत को लयबद्ध आधार पर जोर देने की विशेषता है, कभी-कभी इसे एक छंद या गोलाकार गोल आकार की विशेषता होती है, संगत के लिए लोक वाद्ययंत्रों का उपयोग किया जा सकता है।

फ्रांसीसी पुनर्जागरण के सबसे उत्कृष्ट संगीतकार क्लेमेंट जेनेक्विन थे, जिनके काम में सूक्ष्म प्रेम गीत (कवि रोंसर्ड के ग्रंथों के गीतों में), और उदासी और दुःख के मूड की अभिव्यक्ति, और लोक मस्ती के दृश्यों से भरा हुआ था। जीवन और आंदोलन। उनकी विरासत बड़े प्रोग्रामेटिक कोरल फंतासी गीतों पर विशेष ध्यान आकर्षित करती है, जो कोरल लेखन के क्षेत्र में सरलता और मजाकिया खोजों से भरे हुए हैं। उनमें, ज़ानेकेन ने अपने समय के जीवन और रोजमर्रा की जिंदगी को रंगीन ढंग से चित्रित किया। सबसे प्रसिद्ध "लड़ाई", "हंट", "बर्डसॉन्ग", "स्ट्रीट क्राइज़ ऑफ़ पेरिस" हैं।

200 से अधिक गानों के अलावा, जेनकेन ने मोटेट्स और मास दोनों को लिखा। लेकिन कैथोलिक पंथ के लिए संगीत के क्षेत्र में, वह साहसपूर्वक लोक धुनों का उपयोग करता है, आध्यात्मिक ग्रंथों को सैन्य संगीत की धूमधाम से जोड़ता है, और नृत्य ताल का परिचय देता है।

काफी हद तक, लोक गीत और नृत्य सामग्री का यह उपचार पुनर्जागरण के कई संगीतकारों की विशेषता थी, जिन्होंने अपने काम में आध्यात्मिक और धर्मनिरपेक्ष शैलियों में रुचि दिखाई, जिसके कारण धर्मनिरपेक्ष संगीत को कलात्मक स्वतंत्रता के क्षेत्र में अंतिम रूप से अलग किया गया। और व्यावसायिकता।

19वीं सदी में इतिहासकार जूल्स मिशलेट ने सबसे पहले पुनर्जागरण की अवधारणा का इस्तेमाल किया था। लेख में जिन संगीतकारों और संगीतकारों की चर्चा की गई है, वे उस अवधि के हैं जो 14वीं शताब्दी में शुरू हुई थी, जब चर्च के मध्ययुगीन प्रभुत्व को मानव व्यक्ति में अपनी रुचि के साथ धर्मनिरपेक्ष संस्कृति से बदल दिया गया था।

पुनर्जागरण संगीत

यूरोपीय देशों ने अलग-अलग समय में एक नए युग में प्रवेश किया है। कुछ समय पहले वे इटली में पैदा हुए थे, लेकिन डच स्कूल संगीत संस्कृति में प्रबल था, जहां पहली बार कैथेड्रल में भविष्य के संगीतकारों को प्रशिक्षित करने के लिए विशेष मेट्रिज़ (आश्रय) बनाए गए थे। उस समय की मुख्य शैलियों को तालिका में प्रस्तुत किया गया है:

नीदरलैंड में अधिकांश पुनर्जागरण गिलौम ड्यूफे, जैकब ओब्रेक्ट, जोस्किन डेस्प्रेस हैं।

ग्रेट डचमेन

जोहान्स ओकेगेमनॉट्रे डेम (एंटवर्प) के मेट्रिस में शिक्षा प्राप्त की, और 15 वीं शताब्दी के 40 के दशक में वह ड्यूक चार्ल्स I (फ्रांस) के दरबार में एक गाना बजानेवाले बन गए। इसके बाद, उन्होंने शाही दरबार के चैपल का नेतृत्व किया। एक परिपक्व उम्र में रहने के बाद, उन्होंने सभी शैलियों में एक महान विरासत छोड़ी, खुद को एक उत्कृष्ट पॉलीफोनिस्ट के रूप में स्थापित किया। उनके 13 लोगों की पांडुलिपियां चिगी कोडेक्स नाम से हमारे पास आई हैं, जिनमें से एक 8 वोट के लिए निर्धारित है। वह न केवल अन्य लोगों का, बल्कि अपनी धुनों का भी उपयोग करता था।

ऑरलैंडो लासो 1532 में आधुनिक बेल्जियम (मॉन्स) के क्षेत्र में पैदा हुआ था। उनकी संगीत प्रतिभा बचपन में ही प्रकट हो गई थी। एक महान संगीतकार बनाने के लिए लड़के को घर से तीन बार अपहरण कर लिया गया था। उन्होंने अपना पूरा वयस्क जीवन बवेरिया में बिताया, जहां उन्होंने ड्यूक अल्ब्रेक्ट वी के दरबार में एक कार्यकाल के रूप में प्रदर्शन किया, और फिर चैपल का नेतृत्व किया। इसकी अत्यधिक पेशेवर टीम ने म्यूनिख को यूरोप के संगीत केंद्र में बदलने में मदद की, जिसे पुनर्जागरण के कई प्रसिद्ध संगीतकारों ने देखा था।

जोहान एकर्ड, लियोनार्ड लेचनर और इतालवी डी. गैब्रिएली जैसी प्रतिभाएं उनके साथ अध्ययन करने आई थीं। . उन्होंने 1594 में म्यूनिख चर्च के क्षेत्र में अपना अंतिम आश्रय पाया, एक भव्य विरासत को छोड़कर: 750 से अधिक मोटेट्स, 60 जन और सैकड़ों गाने, जिनमें से सबसे लोकप्रिय सुज़ैन अन पत्रिकाएं थीं। उनके मकसद ("सिबिल की भविष्यवाणियां") उनके नवाचारों द्वारा प्रतिष्ठित थे, लेकिन वे अपने धर्मनिरपेक्ष संगीत के लिए भी जाने जाते थे, जिसमें बहुत हास्य था (विलानेला ओ बेला फुसा)।

इतालवी स्कूल

इटली के उत्कृष्ट पुनर्जागरण संगीतकार, पारंपरिक प्रवृत्तियों के अलावा, सक्रिय रूप से विकसित वाद्य संगीत (अंग, झुका हुआ स्ट्रिंग वाद्ययंत्र, क्लैवियर) विकसित किया। ल्यूट सबसे व्यापक साधन बन गया, और 15 वीं शताब्दी के अंत में हार्पसीकोर्ड दिखाई दिया - पियानो का अग्रदूत। लोक संगीत के तत्वों के आधार पर, दो सबसे प्रभावशाली रचना स्कूल विकसित हुए: रोमन (जियोवन्नी फिलिस्तीन) और वेनिस (एंड्रिया गेब्रियल)।

जियोवानी पियरलुइगीनाम लिया फिलिस्तीनरोम के पास एक शहर के नाम से, जहां वह पैदा हुआ था और मुख्य चर्च में एक गाना बजानेवालों और जीव के रूप में सेवा की थी। उनके जन्म की तारीख बहुत अनुमानित है, लेकिन 1594 में उनकी मृत्यु हो गई। अपने लंबे जीवन के दौरान उन्होंने लगभग 100 मास और 200 मोटेट्स लिखे। पोप मार्सेलस के उनके मास ने पोप पायस IV की प्रशंसा की और कैथोलिक पवित्र संगीत का एक उदाहरण बन गया। गियोवन्नी संगीत संगत के बिना मुखर गायन का सबसे प्रमुख प्रतिनिधि है।

एंड्रिया गेब्रियलअपने शिष्य और भतीजे जियोवानी के साथ मिलकर सेंट मार्क (16 वीं शताब्दी) के चैपल में काम किया, गाना बजानेवालों के गायन को अंग और अन्य उपकरणों की आवाज़ के साथ "चित्रित" किया। विनीशियन स्कूल ने धर्मनिरपेक्ष संगीत की ओर अधिक ध्यान आकर्षित किया, और जब एंड्रिया गेब्रियल द्वारा थिएटर के मंच पर सोफोकल्स के ओडिपस का मंचन किया गया, तो कोरल संगीत लिखा गया, कोरल पॉलीफोनी का एक उदाहरण और ओपेरा के भविष्य का अग्रदूत।

जर्मन स्कूल की विशेषताएं

जर्मन मिट्टी उन्नत लुडविग सेनफ्लू, 16वीं शताब्दी के सर्वश्रेष्ठ पॉलीफोनिस्ट, जो, फिर भी, डच आकाओं के स्तर तक नहीं पहुंचे। शिल्पकारों में से कवि-गायकों के गीत भी पुनर्जागरण के विशेष संगीत हैं। जर्मन संगीतकारों ने गायन निगमों का प्रतिनिधित्व किया: टिनस्मिथ, शूमेकर, बुनकर। वे पूरे क्षेत्र में एकजुट हुए। नूर्नबर्ग स्कूल ऑफ सिंगिंग का एक उत्कृष्ट प्रतिनिधि था हंस सैक्स(जीवन के वर्ष: 1494-1576)।

एक दर्जी के परिवार में जन्मे, उन्होंने अपने पूरे जीवन में एक थानेदार के रूप में काम किया, जो कि विद्वता और संगीत और साहित्यिक हितों से प्रभावित था। उन्होंने महान सुधारक लूथर द्वारा व्याख्या की गई बाइबिल को पढ़ा, प्राचीन कवियों को जानते थे और बोकासियो की सराहना करते थे। एक लोक संगीतकार के रूप में, सैक्स ने पॉलीफोनी के रूपों में महारत हासिल नहीं की, लेकिन गीत गोदाम की धुनें बनाईं। वे नृत्य के करीब थे, याद रखने में आसान और एक निश्चित लय रखते थे। सबसे प्रसिद्ध टुकड़ा द सिल्वर ट्यून था।

पुनर्जागरण: फ्रांस के संगीतकार और संगीतकार

फ्रांस की संगीत संस्कृति ने वास्तव में केवल 16वीं शताब्दी में ही पुनर्जागरण का अनुभव किया, जब देश में सामाजिक मिट्टी तैयार की गई थी।

सबसे अच्छे प्रतिनिधियों में से एक है क्लेमेंट जेनेक्विन... यह ज्ञात है कि उनका जन्म चेटेलेरॉल्ट (15 वीं शताब्दी के अंत में) में हुआ था और वह एक लड़के-गायक से राजा के निजी संगीतकार के रूप में गए थे। उनकी रचनात्मक विरासत से, केवल एटेनियन द्वारा प्रकाशित धर्मनिरपेक्ष गीत ही बचे हैं। उनमें से 260 हैं, लेकिन जिन्होंने समय की परीक्षा पास की है, उन्होंने वास्तविक प्रसिद्धि प्राप्त की है: "बर्डसॉन्ग", "हंट", "स्काईलार्क", "वॉर", "स्क्रीम्स ऑफ पेरिस"। उन्हें लगातार पुनर्मुद्रित किया गया और संशोधन के लिए अन्य लेखकों द्वारा उपयोग किया गया।

उनके गीत पॉलीफोनिक थे और कोरल दृश्यों से मिलते-जुलते थे, जहां ओनोमेटोपोइया और कैन्ड वॉयस-लीडिंग के अलावा, विस्मयादिबोधक थे जो काम की गतिशीलता के लिए जिम्मेदार थे। यह कल्पना के नए तरीके खोजने का एक साहसिक प्रयास था।

प्रसिद्ध फ्रांसीसी संगीतकारों में गिलौम कॉटलेट, जैक्स मौडुय, जीन बेफ, क्लाउड लेज्यून, क्लाउड गुडीमेल शामिल हैं। , संगीत को एक सामंजस्यपूर्ण संरचना दी जिसने आम जनता द्वारा संगीत को आत्मसात करने में योगदान दिया।

पुनर्जागरण संगीतकार: इंग्लैंड

इंग्लैंड में 15वीं शताब्दी कार्यों से प्रभावित थी जॉन डबस्टेल, और XVI - विलियम बर्ड... दोनों उस्तादों ने पवित्र संगीत की ओर रुख किया। बर्ड ने लिंकन कैथेड्रल में ऑर्गेनिस्ट के रूप में शुरुआत की और लंदन में रॉयल चैपल में अपना करियर समाप्त किया। वह पहली बार संगीत और उद्यमिता को जोड़ने में कामयाब रहे। 1575 में, टैलिस के सहयोग से, संगीतकार संगीत कार्यों के प्रकाशन में एकाधिकार बन गया, जिससे उसे लाभ नहीं हुआ। लेकिन अदालतों में अपने संपत्ति के अधिकारों की रक्षा करने में बहुत समय लगा। उनकी मृत्यु (1623) के बाद, चैपल के आधिकारिक दस्तावेजों में, उन्हें "संगीत का पूर्वज" कहा गया।

पुनर्जागरण ने क्या छोड़ा? बर्ड, प्रकाशित संग्रहों (कैंटियन्स सैक्रे, ग्रैडुआलिया) के अलावा, कई पांडुलिपियों को संरक्षित करते हैं, उन्हें केवल घरेलू पूजा के लिए उपयुक्त मानते हैं। बाद में प्रकाशित मैड्रिगल्स (म्यूजिक ट्रांसलपिना) ने इतालवी लेखकों का एक बड़ा प्रभाव दिखाया, लेकिन कई जन और प्रेरक पवित्र संगीत के स्वर्ण कोष में प्रवेश कर गए।

स्पेन: क्रिस्टोबल डी मोरालेस

स्पैनिश स्कूल ऑफ म्यूजिक के सर्वश्रेष्ठ प्रतिनिधि वेटिकन से गुजरते हुए पोप चैपल में बोलते थे। उन्होंने डच और इतालवी लेखकों के प्रभाव को महसूस किया, इसलिए कुछ ही अपने देश के बाहर प्रसिद्ध होने में कामयाब रहे। स्पेन के पुनर्जागरण के संगीतकार कोरल कार्यों का निर्माण करने वाले पॉलीफोनिस्ट थे। सबसे प्रमुख प्रतिनिधि है क्रिस्टोबल डी मोरालेस(XVI सदी), जिन्होंने टोलेडो में मेट्रिसा का नेतृत्व किया और एक से अधिक छात्रों को तैयार किया। जोस्किन डेस्प्रेस के अनुयायी, क्रिस्टोबाल ने कई रचनाओं के लिए एक विशेष तकनीक की शुरुआत की जिसे होमोफोनिक कहा जाता है।

सबसे प्रसिद्ध लेखक के दो अपेक्षित (पांच स्वरों के लिए अंतिम एक), साथ ही साथ आर्म्ड मैन मास भी हैं। उन्होंने धर्मनिरपेक्ष कार्य (1538 में एक शांति संधि के समापन के सम्मान में एक कैंटटा) भी लिखा, लेकिन यह उनके पहले के कार्यों पर लागू होता है। अपने जीवन के अंत में मलागा में चैपल का नेतृत्व करते हुए, वह पवित्र संगीत के लेखक बने रहे।

निष्कर्ष के बजाय

पुनर्जागरण संगीतकारों और उनके कार्यों ने 17 वीं शताब्दी के वाद्य संगीत के उदय और एक नई शैली - ओपेरा के उद्भव को तैयार किया, जहां कई आवाजों की जटिलता को मुख्य राग के प्रमुख की प्रधानता से बदल दिया जाता है। उन्होंने संगीत संस्कृति के विकास में एक वास्तविक सफलता हासिल की और आधुनिक कला की नींव रखी।

सबसे हड़ताली घटना उस समय की धर्मनिरपेक्ष मुखर विधाओं की व्यापकता थी, जो मानवतावादी प्रवृत्तियों की भावना से ओत-प्रोत थी। संगीत कला के व्यावसायीकरण ने उनके विकास में एक विशेष भूमिका निभाई: संगीतकारों के कौशल में वृद्धि हुई, गायन स्कूलों का आयोजन किया गया, जिसमें उन्होंने कम उम्र से ही गायन, अंग बजाना और संगीत सिद्धांत सिखाया। यह सब एक सख्त शैली के पॉलीफोनी के अनुमोदन के लिए प्रेरित हुआ, जिसके लिए उच्च कौशल, रचनात्मक और प्रदर्शन तकनीक की पेशेवर महारत की आवश्यकता होती है। इस शैली के ढांचे के भीतर, आवाज-प्रमुख और लयबद्ध संगठन के सख्त नियम आवाजों की अधिकतम स्वतंत्रता को बनाए रखते हुए संचालित होते हैं। यद्यपि चर्च संगीत ने आध्यात्मिक ग्रंथों पर काम करने के साथ-साथ सख्त शैली के स्वामी के कार्यों में एक महत्वपूर्ण स्थान पर कब्जा कर लिया, इन संगीतकारों ने कई धर्मनिरपेक्ष पॉलीफोनिक गीत लिखे। धर्मनिरपेक्ष मुखर शैलियों के संगीत और काव्य चित्र विशेष रुचि के हैं। सामग्री की जीवंतता और प्रासंगिकता के लिए ग्रंथ उल्लेखनीय हैं। प्रेम गीतों के अलावा, व्यंग्यपूर्ण, तुच्छ, द्विअर्थी ग्रंथ अत्यंत लोकप्रिय थे, जिन्हें पॉलीफोनिक लेखन की उत्कृष्ट पेशेवर तकनीक के साथ जोड़ा गया था। यहाँ फ्रेंच चैनसन के कुछ पाठ हैं, जो रोज़मर्रा की कविता का एक उदाहरण हैं "उठो, प्रिय कॉलिनेट, यह पीने का समय है; हँसी और आनंद वह है जो मैं प्रयास करता हूँ। सभी को आनंद के लिए आत्मसमर्पण करने दें। वसंत आ गया है .. ।", "धन को शापित होने दो, उसने छीन लिया मेरे पास मेरा दोस्त है: मैंने उसके प्यार को अपने कब्जे में ले लिया, और दूसरा - धन, प्रेम संबंधों में सच्चा प्यार बहुत कम है।"

पुनर्जागरण की संस्कृति पहले इटली में और फिर अन्य देशों में दिखाई दी। इतिहास ने एक देश से दूसरे देश में प्रसिद्ध संगीतकारों के लगातार आंदोलनों के बारे में, एक या दूसरे चैपल में उनके काम के बारे में, विभिन्न राष्ट्रीयताओं के प्रतिनिधियों के लगातार संचार आदि के बारे में जानकारी संरक्षित की है। इसलिए, पुनर्जागरण काल ​​के संगीत में, हम देखते हैं विभिन्न राष्ट्रीय विद्यालयों के संगीतकारों द्वारा बनाए गए कार्यों के बीच एक महत्वपूर्ण संबंध।

16वीं शताब्दी को अक्सर "नृत्य का युग" कहा जाता है। इतालवी पुनर्जागरण के मानवतावादी आदर्शों के प्रभाव के तहत, चर्च निषेध का बांध अंततः टूट गया था, और "सांसारिक", सांसारिक खुशियों की लालसा ने खुद को नृत्य और गीत तत्वों के एक अभूतपूर्व विस्फोट के रूप में प्रकट किया। 16वीं शताब्दी में गीत और नृत्य को लोकप्रिय बनाने में एक शक्तिशाली कारक। संगीत मुद्रण के तरीकों के आविष्कार ने एक भूमिका निभाई: बड़े संस्करणों में प्रकाशित नृत्य एक देश से दूसरे देश में घूमने लगे। प्रत्येक राष्ट्र ने आम शौक में योगदान दिया, इसलिए नृत्य, अपनी मूल मिट्टी से अलग होकर, पूरे महाद्वीप में यात्रा की, अपनी उपस्थिति बदली, और कभी-कभी इसका नाम। उनके लिए फैशन तेजी से फैला और तेजी से बदला।

उसी समय, पुनर्जागरण व्यापक धार्मिक आंदोलनों (बोहेमिया में हुसाइट, जर्मनी में लूथरनवाद, फ्रांस में केल्विनवाद) का समय था। उस समय के धार्मिक आंदोलनों की इन सभी विविध अभिव्यक्तियों को प्रोटेस्टेंटवाद की सामान्य अवधारणा द्वारा एकजुट किया जा सकता है। विभिन्न राष्ट्रीय आंदोलनों में प्रोटेस्टेंटवाद ने लोगों की आम संगीत संस्कृतियों के विकास और मजबूती में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई, इसके अलावा, मुख्य रूप से लोक संगीत के क्षेत्र में। मानवतावाद के विपरीत, जिसने लोगों के एक अपेक्षाकृत संकीर्ण दायरे को अपनाया, प्रोटेस्टेंटवाद एक अधिक व्यापक प्रवृत्ति थी जो लोगों के व्यापक स्तर पर फैल गई। पुनर्जागरण की संगीत कला में सबसे महत्वपूर्ण घटनाओं में से एक प्रोटेस्टेंट मंत्र है। जर्मनी में सुधार आंदोलन के प्रभाव में पैदा हुआ, कैथोलिक पूजा की विशेषताओं के विपरीत, यह एक विशेष भावनात्मक और अर्थपूर्ण सामग्री द्वारा प्रतिष्ठित था। लूथर और प्रोटेस्टेंटवाद के अन्य प्रतिनिधियों ने संगीत को बहुत महत्व दिया: "संगीत लोगों को आनंदित करता है, लोगों को क्रोध भूल जाता है। आत्मविश्वास और अन्य कमियों को दूर करता है ... युवाओं को लगातार संगीत सिखाया जाना चाहिए, क्योंकि यह सभी के लिए कुशल, उपयुक्त लोगों को बनाता है। ।" इस प्रकार, सुधार आंदोलन में संगीत को एक विलासिता नहीं, बल्कि एक प्रकार की "दैनिक रोटी" माना जाता था - इसे प्रोटेस्टेंटवाद के प्रचार और व्यापक जनता की आध्यात्मिक चेतना के गठन में एक बड़ी भूमिका निभाने के लिए कहा जाता था।

शैली:

स्वर शैली

समग्र रूप से पूरे युग में मुखर शैलियों और विशेष रूप से स्वर की स्पष्ट प्रबलता की विशेषता है polyphony... सख्त शैली की पॉलीफोनी की असामान्य रूप से जटिल महारत, वास्तविक विद्वता, कलाप्रवीण व्यक्ति तकनीक रोजमर्रा के प्रसार की उज्ज्वल और ताजा कला के साथ सह-अस्तित्व में है। वाद्य संगीत कुछ स्वतंत्रता प्राप्त करता है, लेकिन मुखर रूपों और रोजमर्रा के स्रोतों (नृत्य, गीत) पर इसकी प्रत्यक्ष निर्भरता थोड़ी देर बाद ही दूर हो जाएगी। प्रमुख संगीत विधाएं मौखिक पाठ से जुड़ी रहती हैं। पुनर्जागरण मानवतावाद का सार फ्रोटोल और विलानेल शैलियों में कोरल गीतों की रचना में परिलक्षित होता था।
नृत्य शैलियों

पुनर्जागरण में, रोज़मर्रा के नृत्य ने बहुत महत्व प्राप्त कर लिया। इटली, फ्रांस, इंग्लैंड, स्पेन में कई नए नृत्य रूप उभर रहे हैं। समाज के विभिन्न वर्गों के अपने नृत्य होते हैं, उनके प्रदर्शन के तरीके, गेंदों, शाम, उत्सव के दौरान व्यवहार के नियम विकसित होते हैं। पुनर्जागरण नृत्य देर से मध्य युग के साधारण अभिशापों की तुलना में अधिक जटिल हैं। एक गोल नृत्य और एक रेखीय-रैंक रचना के साथ नृत्यों को युग्मित (युगल) नृत्यों द्वारा प्रतिस्थापित किया जाता है, जो जटिल आंदोलनों और आंकड़ों पर निर्मित होते हैं।
वोल्टास - इतालवी मूल का एक जोड़ी नृत्य। इसका नाम इतालवी शब्द वोल्टेयर से आया है, जिसका अर्थ है "मुड़ना"। आकार तीन-हरा है, गति मध्यम तेज है। नृत्य का मुख्य पैटर्न यह है कि सज्जन फुर्ती से और अचानक अपने साथ नृत्य करने वाली महिला को हवा में घुमाते हैं। यह चढ़ाई आमतौर पर बहुत ऊँची की जाती है। इसके लिए सज्जन व्यक्ति से बड़ी ताकत और निपुणता की आवश्यकता होती है, क्योंकि तेज और कुछ गति के बावजूद, लिफ्ट को स्पष्ट रूप से और खूबसूरती से किया जाना चाहिए।
गैलियार्ड - इतालवी मूल का एक पुराना नृत्य, इटली, इंग्लैंड, फ्रांस, स्पेन, जर्मनी में व्यापक है। शुरुआती गैलियर्ड्स की गति मध्यम तेज होती है, आकार तीन-बीट होता है। गैलियार्डा अक्सर पावन के बाद किया जाता था, जिसके साथ इसे कभी-कभी विषयगत रूप से जोड़ा जाता था। गैलियर्ड्स 16वीं सदी ऊपरी आवाज में एक माधुर्य के साथ एक मधुर-हार्मोनिक बनावट में निरंतर। गैलियार्ड धुनें फ्रांसीसी समाज के व्यापक वर्गों के बीच लोकप्रिय थीं। सेरेनेड्स के दौरान, ऑरलियन्स के छात्रों ने ल्यूट और गिटार पर गैलियर्ड धुनें बजाईं। झंकार की तरह, गैलियार्ड में एक तरह के नृत्य संवाद का चरित्र था। घुड़सवार अपनी महिला के साथ हॉल में घूमा। जब पुरुष ने एकल प्रदर्शन किया, तो महिला यथावत रही। पुरुष एकल में कई तरह के जटिल आंदोलन शामिल थे। उसके बाद, वह फिर से महिला के पास गया और नृत्य जारी रखा।
पवन - 16-17 सदियों का एक पार्श्व नृत्य। गति मध्यम धीमी है, 4/4 या 2/4 बीट। विभिन्न स्रोत इसकी उत्पत्ति (इटली, स्पेन, फ्रांस) के बारे में असहमत हैं। सबसे लोकप्रिय संस्करण एक स्पेनिश नृत्य है जो एक सुंदर बहने वाली पूंछ के साथ चलने वाले मोर की गतिविधियों का अनुकरण करता है। बास डांस के करीब था। पावन के संगीत के लिए, विभिन्न औपचारिक जुलूस हुए: चर्च में कुलीन दुल्हन को विदा करते हुए, शहर में अधिकारियों का प्रवेश। फ्रांस और इटली में, पावना को दरबारी नृत्य के रूप में स्थापित किया जाता है। पावण के गंभीर चरित्र ने दरबारी समाज को अपने व्यवहार और चाल-चलन में अनुग्रह और अनुग्रह के साथ चमकने दिया। लोगों और पूंजीपतियों ने यह नृत्य नहीं किया। पावने, मीनू की तरह, रैंक द्वारा सख्ती से प्रदर्शन किया गया था। राजा और रानी ने नृत्य शुरू किया, फिर दौफिन और एक कुलीन महिला ने नृत्य में प्रवेश किया, फिर राजकुमारों आदि ने नृत्य किया। घुड़सवारों ने तलवार और पर्दे के साथ पावन प्रदर्शन किया। महिलाएं औपचारिक पोशाक में भारी लंबी खाइयों के साथ थीं, जिन्हें फर्श से उठाए बिना, आंदोलनों के दौरान कुशलता से चलाना पड़ता था। ट्रेन की गति ने चालों को सुंदर बना दिया, जिससे पावन को एक भव्यता और भव्यता प्रदान की गई। रानी के लिए, महिला परिचारकों ने एक ट्रेन चलाई। नृत्य शुरू होने से पहले, इसे हॉल के चारों ओर जाना था। नृत्य के अंत में, जोड़े फिर से धनुष और शाप के साथ हॉल के चारों ओर चले गए। लेकिन टोपी लगाने से पहले, सज्जन को अपना दाहिना हाथ महिला के कंधे के पीछे, अपना बायाँ हाथ (टोपी पकड़े हुए) उसकी कमर पर रखना था और उसे गाल पर चूमना था। नृत्य के दौरान महिला की आंखें नीची हो गईं; केवल समय-समय पर वह अपने प्रेमी को देखती थी। पावना को इंग्लैंड में सबसे लंबे समय तक संरक्षित किया गया था, जहां यह बहुत लोकप्रिय था।
एलेमैंड - 4-बीट में जर्मन मूल का धीमा नृत्य। वह बड़े पैमाने पर "निम्न", कूद-मुक्त नृत्यों से संबंधित है। कलाकार एक के बाद एक जोड़े बनते गए। जोड़े की संख्या सीमित नहीं थी। सज्जन ने महिला का हाथ पकड़ लिया। स्तंभ हॉल के चारों ओर घूम गया, और जब यह अंत तक पहुँच गया, तो प्रतिभागियों ने अपनी जगह (अपने हाथों को अलग किए बिना) मोड़ लिया और विपरीत दिशा में नृत्य जारी रखा।
कुरंट - इतालवी मूल का एक दरबारी नृत्य। झंकार सरल और जटिल थी। पहले में सरल, नियोजन चरण शामिल थे, जो मुख्य रूप से आगे की ओर किए गए थे। जटिल झंकार एक पैंटोमिमिक प्रकृति की थी: तीन सज्जनों ने तीन महिलाओं को नृत्य में भाग लेने के लिए आमंत्रित किया। महिलाओं को हॉल के विपरीत कोने में ले जाया गया और नृत्य करने के लिए कहा गया। महिलाओं ने मना कर दिया। सज्जनों, एक इनकार प्राप्त करने के बाद, चले गए, लेकिन फिर वापस लौट आए और महिलाओं के सामने घुटने टेक दिए। पैंटोमाइम सीन के बाद ही डांस शुरू हुआ। इतालवी और फ्रेंच प्रकार की झंकार के बीच अंतर हैं। इटालियन झंकार एक जीवंत 3/4 या 3/8 मीटर नृत्य है जिसमें मधुर-हार्मोनिक बनावट में एक साधारण ताल है। फ्रेंच - एक गंभीर नृत्य ("तरीके का नृत्य"), एक सहज, गौरवपूर्ण जुलूस। 3/2 आकार, मध्यम गति, अच्छी तरह से विकसित पॉलीफोनिक बनावट।
साराबांदे - 16वीं - 17वीं शताब्दी का एक लोकप्रिय नृत्य। कैस्टनेट के साथ स्पेनिश महिला नृत्य से व्युत्पन्न। प्रारंभ में, यह गायन के साथ था। प्रसिद्ध कोरियोग्राफर और शिक्षक कार्लो ब्लेज़िस ने अपने एक काम में सरबंद का संक्षिप्त विवरण दिया है: "इस नृत्य में, हर कोई एक ऐसी महिला को चुनता है जिसके प्रति वह उदासीन नहीं है। संगीत एक संकेत देता है, और दो प्रेमी एक नृत्य करते हैं, महान, मापा जाता है, हालांकि, इस नृत्य का महत्व कम से कम आनंद में हस्तक्षेप नहीं करता है, और विनय इसे और भी अधिक अनुग्रह देता है; सभी की आंखें नर्तकियों का अनुसरण करने के लिए खुश हैं, जो विभिन्न आकृतियों का प्रदर्शन करते हैं, उनके आंदोलन के साथ प्यार के सभी चरणों को व्यक्त करते हैं। प्रारंभ में, सरबंडा की गति मध्यम तेज थी, बाद में (17 वीं शताब्दी से) एक धीमी फ्रांसीसी सरबांडा एक विशिष्ट लयबद्ध पैटर्न के साथ दिखाई दी: …… अपनी मातृभूमि में, सरबंडा 1630 में अश्लील नृत्यों की श्रेणी में आ गया। कैस्टिलियन काउंसिल द्वारा प्रतिबंधित कर दिया गया था।
गिगु - अंग्रेजी मूल का नृत्य, सबसे तेज, ट्रिपल, ट्रिपल में बदलना। प्रारंभ में, गिग एक जोड़ी नृत्य था, लेकिन यह नाविकों के बीच एक हास्य चरित्र के एकल, बहुत तेज नृत्य के रूप में फैल गया। बाद में यह वाद्य संगीत में एक पुराने नृत्य सूट के अंतिम भाग के रूप में दिखाई दिया।

पुनर्जागरण, या पुनर्जागरण, पश्चिमी और मध्य यूरोप की संस्कृति के इतिहास में एक अवधि है, जो लगभग XIV-XVI सदियों को कवर करती है। इस अवधि को प्राचीन कला में रुचि के पुनरुद्धार के संबंध में अपना नाम मिला, जो नए युग के सांस्कृतिक आंकड़ों के लिए आदर्श बन गया। संगीतकार और संगीत सिद्धांतकार - जे। टिनक्टोरिस, जे। ज़ार्लिनो और अन्य - ने प्राचीन ग्रीक संगीत ग्रंथों का अध्ययन किया; जोस्किन डेस्प्रेस के कार्यों में, जिनकी तुलना माइकल एंजेलो के साथ की गई थी, उनके समकालीनों के अनुसार, "प्राचीन यूनानियों के संगीत की खोई हुई पूर्णता को पुनर्जीवित किया गया था:" जो 16 वीं शताब्दी के अंत और 17 वीं शताब्दी की शुरुआत में दिखाई दिया। ओपेरा प्राचीन नाटक के नियमों द्वारा निर्देशित था।

संगीत सिद्धांत कक्षाएं। 16वीं शताब्दी के एक उत्कीर्णन से।

जेपी फिलिस्तीन।

पुनर्जागरण संस्कृति का विकास समाज के सभी पहलुओं के उदय से जुड़ा है। एक नए विश्वदृष्टि का जन्म हुआ - मानवतावाद (लैटिन मानव से - "मानव")। रचनात्मक शक्तियों की मुक्ति ने अर्थव्यवस्था में विज्ञान, व्यापार, शिल्प, नए, पूंजीवादी संबंधों का तेजी से विकास किया। छपाई के आविष्कार ने शिक्षा के प्रसार में मदद की। महान भौगोलिक खोजों और एन. कोपरनिकस की दुनिया की हेलियोसेंट्रिक प्रणाली ने पृथ्वी और ब्रह्मांड के विचार को बदल दिया।

ललित कला, वास्तुकला और साहित्य एक अभूतपूर्व समृद्धि तक पहुँच गया। नया दृष्टिकोण संगीत में परिलक्षित हुआ और इसके स्वरूप को बदल दिया। यह धीरे-धीरे मध्ययुगीन कैनन के मानदंडों से विदा हो जाता है, शैली को व्यक्तिगत किया जाता है, "संगीतकार" की अवधारणा पहली बार प्रकट होती है। कार्यों की बनावट बदल जाती है, वोटों की संख्या बढ़कर चार, छह और अधिक हो जाती है (उदाहरण के लिए, 36-वॉयस कैनन ज्ञात है, जिसका श्रेय डच स्कूल जे। ओकेगेम के सबसे बड़े प्रतिनिधि को दिया जाता है)। सामंजस्य में, व्यंजन व्यंजन हावी हैं, विसंगतियों का उपयोग विशेष नियमों द्वारा सख्ती से सीमित है (देखें व्यंजन और असंगति)। बड़े और छोटे मोड और बार रिदम सिस्टम, जो बाद के संगीत की विशेषता है, बनते हैं।

इन सभी नए साधनों का उपयोग संगीतकारों द्वारा पुनर्जागरण व्यक्ति की भावनाओं की विशेष संरचना को व्यक्त करने के लिए किया गया था - उदात्त, सामंजस्यपूर्ण, शांत और राजसी। पाठ और संगीत के बीच संबंध करीब हो जाता है, संगीत मूड को व्यक्त करना शुरू कर देता है, या, जैसा कि उन्होंने उस समय कहा था, पाठ के प्रभाव, अक्सर कुछ शब्दों को विशेष संगीत के माध्यम से चित्रित किया जाता है, जैसे "जीवन", "मृत्यु" "," प्यार ", आदि।

पुनर्जागरण संगीत दो दिशाओं में विकसित हुआ - उपशास्त्रीय और धर्मनिरपेक्ष। चर्च संगीत की मुख्य शैलियाँ - मास और मोटेट - गाना बजानेवालों के लिए पॉलीफोनिक पॉलीफोनिक काम हैं, या तो बेहिसाब या एक वाद्य पहनावा के साथ (कोरल संगीत, पॉलीफोनी देखें)। उपकरणों में से, अंग को वरीयता दी गई थी।

शौकिया संगीत-निर्माण के विकास से धर्मनिरपेक्ष संगीत का विकास हुआ। हर जगह संगीत बजता था: सड़कों पर, शहरवासियों के घरों में, रईसों के महलों में। पहले कलाप्रवीण व्यक्ति संगीत कार्यक्रम के कलाकार ल्यूट, हार्पसीकोर्ड, अंग, वायोला और विभिन्न प्रकार की अनुदैर्ध्य बांसुरी पर दिखाई दिए। पॉलीफोनिक गानों में (मैड्रिगेल - इटली में, चांसन - फ्रांस में), संगीतकारों ने प्यार के बारे में बात की, जीवन में होने वाली हर चीज के बारे में। यहां कुछ गानों के शीर्षक दिए गए हैं: "डियर हंट", "इको", "बैटल ऑफ मारिग्नानो"।

XV-XVI सदियों में। नृत्य कला का महत्व बढ़ जाता है, कोरियोग्राफी पर कई ग्रंथ और व्यावहारिक नियमावली, नृत्य संगीत के संग्रह दिखाई देते हैं, जिसमें उस समय के लोकप्रिय नृत्य - बास नृत्य, ब्रानल, पावना, गैलियार्ड शामिल हैं।

पुनर्जागरण के दौरान, राष्ट्रीय संगीत विद्यालयों का गठन किया गया था। उनमें से सबसे बड़ा डच (फ्रेंको-फ्लेमिश) पॉलीफोनिक स्कूल है। इसके प्रतिनिधि जी। ड्यूफे, के। जेनेक्विन, जे। ओकेगेम, जे। ओब्रेक्ट, जोस्किन डेस्प्रेस, ओ। लासो हैं। अन्य राष्ट्रीय स्कूलों में इतालवी (जे.पी. फिलिस्तीन), स्पेनिश (टीएल डी विक्टोरिया), अंग्रेजी (डब्ल्यू। बर्ड), जर्मन (एल जेनफ्ल) शामिल हैं।

पुनर्जागरण युग नई संगीत शैलियों के उद्भव के साथ समाप्त होता है: एकल गीत, ओटोरियो, ओपेरा, जिसका असली फूल अगली शताब्दी में आता है (17 वीं -20 वीं शताब्दी का पश्चिमी यूरोपीय संगीत देखें)।

पुनर्जागरण संगीत

1.हर जगह संगीत बजता था: गलियों और चौकों में, नगरवासियों के घरों में, महान गणमान्य व्यक्तियों और राजाओं के महलों में। संगीत, व्याकरण, बयानबाजी और कविता के साथ, तथाकथित "मानव विज्ञान" में शामिल किया गया था।

चर्च सेवाओं के दौरान खेले जाने वाले पवित्र संगीत द्वारा अभी भी अग्रणी स्थान पर कब्जा कर लिया गया था।

धीरे-धीरे, चर्च के संगीतकारों के काम में प्रवेश करना शुरू हो गया धर्मनिरपेक्ष रुझान... लोक गीतों के विषय जो कि एक धार्मिक सामग्री के बिल्कुल भी नहीं हैं, चर्च के मंत्रों के पॉलीफोनिक कपड़े में साहसपूर्वक पेश किए जाते हैं। लेकिन अब यह उस युग की सामान्य भावना और मनोदशा का खंडन नहीं करता था। इसके विपरीत संगीत में परमात्मा और मनुष्य को अद्भुत ढंग से जोड़ा गया है।

2. 15वीं शताब्दी में पवित्र संगीत अपने चरम पर पहुंच गया। नीदरलैंड में।

यहां कला के अन्य रूपों की तुलना में संगीत को अधिक सम्मानित किया गया था। नए नियम विकसित करने वाले पहले डच और फ्लेमिश संगीतकार थे पॉलीफोनिक (पॉलीफोनिक) प्रदर्शन - क्लासिक "सख्त शैली"।

डच आचार्यों की सबसे महत्वपूर्ण रचना तकनीक थी नकल - अलग-अलग स्वरों में एक ही राग की पुनरावृत्ति। प्रमुख आवाज थी अवधि,जिसे मुख्य आवर्ती राग सौंपा गया था।

3. पुनर्जागरण की शुरुआत थी पेशेवर संगीतकार रचनात्मकता

डचमैन का संगीत ऑरलैंडो लासो(1532-1594), आशुरचना और त्रुटिहीन तर्क को जोड़ती है।

उन्होंने मोट की पसंदीदा शैली में कई नवीन तकनीकों का परिचय दिया।

वह मास्टर करने के प्रयास का मालिक है शैलीजुनून लासो ने चारों सुसमाचारों के लिए जुनून पैदा किया। उनमें कोई एकल गायन नहीं था, और पाँच स्वरों के कोरस ने ऑपरेटिव कला की शैली का मार्ग खोल दिया। संगीतकार की संगीतमय कृतियों में से एक थी गीत "इको.

4. जियोवानी पियरलुइगी फिलिस्तीन(1525-1594)

उन्हें अंतिम महान पॉलीफोनिस्ट कहा जाता है। उन्होंने रोम में सेंट पीटर के कैथेड्रल में काम किया और आधिकारिक पोप संगीतकार थे। उनकी कला कामुक जुनून से रहित, सद्भाव और सुंदरता से भरी है।

वह इटली में शास्त्रीय संगीत विद्यालय के सबसे प्रतिभाशाली प्रतिनिधि हैं।

उनकी विरासत में पवित्र और धर्मनिरपेक्ष संगीत के कई कार्य शामिल हैं: 93 जनसमूह, 326 भजन और भाव।

5.इन जर्मनीउनकी मूल भाषा में पवित्र संगीत की कृतियाँ प्रासंगिक थीं। मार्टिन लूथर ने स्वयं पूरे धार्मिक समुदाय के लिए कोरल लिखे। उनकी सरल धुनों ने लोगों के बीच लोकप्रियता हासिल की, और पेशेवर संगीतकारों ने बाद में अपनी पॉलीफोनिक व्यवस्था की। (जे.एस.बाख)

लोकप्रिय भी थे पॉलीफोनिक लघु की शैलियों:

कंडक्टर, मोटेट।

वे अपनी मूल भाषा में ग्रंथों को दर्ज कर सकते थे।

कोरल गायन संगीत बनाने का सबसे लोकप्रिय रूप था।

6. दिखने लगे धर्मनिरपेक्ष कोरल शैलियों:

बैलेट ए(नृत्य गीत)

गीत (पॉलीफोनिक गाना)

और इतालवी Madrigal.

7. धर्मनिरपेक्ष संगीत की सबसे लोकप्रिय शैली बन गई है मैड्रिगल्स(इतालवी मैड्रिगेल - मूल भाषा में गीत) - प्रेम सामग्री की एक गीत कविता के पाठ पर लिखी गई पॉलीफोनिक कोरल रचनाएँ।

सबसे अधिक बार, इस उद्देश्य के लिए प्रसिद्ध आचार्यों की कविताओं का उपयोग किया गया था: दांते, फ्रांसेस्को पेट्रार्का और टोरक्वेटो टैसो। मैड्रिगल्स का प्रदर्शन पेशेवर गायकों द्वारा नहीं, बल्कि शौकीनों के पूरे समूह द्वारा किया जाता था, जहाँ प्रत्येक भाग का नेतृत्व एक गायक द्वारा किया जाता था। मेड्रिगल का मुख्य मूड उदासी, लालसा और उदासी है, लेकिन हर्षित, जीवंत रचनाएं भी थीं।

Madrigal 1520 से 1620 तक जीवित रहे। मैड्रिगल का विचार पुनर्जागरण के लिए क्रांतिकारी था। एक काव्य पाठ को संगीत में अनुवाद करने का कार्य निर्धारित करें। इसीलिए Madrigalसशर्त रूप से 16 वीं शताब्दी का रोमांस कहा जा सकता है।

8. धर्मनिरपेक्ष संगीत की समान रूप से लोकप्रिय शैली थी गाना संगीत वाद्ययंत्रों के साथ। चर्च में बजाए जाने वाले संगीत के विपरीत, गाने प्रदर्शन करने के लिए काफी सरल थे। उनके तुकांत पाठ को स्पष्ट रूप से 4-6-पंक्ति के छंदों में विभाजित किया गया था। गीतों में, मैड्रिगल्स की तरह, पाठ ने बहुत महत्व प्राप्त किया। प्रदर्शन करते समय, पॉलीफोनिक गायन में काव्य पंक्तियों को नहीं खोना चाहिए।

फ्रांसीसी संगीतकार क्लेमेंट जेनेक्विन (1485-1558) के गीत, जो संगीत में जीवित प्रकृति की आवाज़ों को पुन: पेश करने की अपनी क्षमता के लिए प्रसिद्ध हुए, विशेष रूप से प्रसिद्ध थे।

9.16वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, एक तूफानी वाद्यवाद का विकास... तार और पवन वाद्ययंत्रों के परिवारों का विस्तार हो रहा है, उनकी सीमा का विस्तार हो रहा है, धर्मनिरपेक्ष और घरेलू संगीत-निर्माण फैल रहा है

के जैसा लगना नई वाद्य शैली:

प्रस्तावना (खेल से पहले) - परिचयात्मक टुकड़ा

अमीरकार (उत्तम अंश) - पॉलीफोनिक लेखन,

कैनज़ोन (बिना शब्दों के गीत) - फ्यूग्यू का अग्रदूत।

10 ... संगीत के सार्वजनिक प्रदर्शन की आवश्यकता है।

एक संगीत कार्यक्रम बनाया जा रहा है।

पहले लंदन में दिखाई देता है - भुगतान किया जाता है और वेनिस में - सिटी मजिस्ट्रेट द्वारा सब्सिडी दी जाती है।

पुनर्जागरण युग नई संगीत शैलियों के उद्भव के साथ समाप्त होता है: एकल गीत, भाषण और ओपेरा।

यदि पहले मंदिर संगीत संस्कृति का केंद्र था, तो उसी समय से ओपेरा हाउस में संगीत बजने लगा।

संगीत के विकास को बढ़ावा दिया गया संगीत मुद्रण का आविष्कार.