प्रभाववादियों की पेंटिंग में रंग। नाम और तस्वीरें के साथ इंप्रेशनिस्ट की सबसे अच्छी तस्वीरें

मेरे लिए, प्रभाववाद मुख्य रूप से कुछ हवा, क्षणिक, असंगत रूप से भागने वाला है। यह एक आश्चर्यजनक क्षण है, जिसे आंखों के पास मुश्किल से ठीक करने का समय होता है और जो बाद में उच्चतम सद्भाव की एमआईजी की स्मृति में रहता है। इंप्रेशनवाद का मास्टर इस पल को कैनवास में आसानी से स्थानांतरित करने की क्षमता के लिए प्रसिद्ध था, जिसने तस्वीर के साथ बातचीत करते समय सभी वास्तविकता के साथ उत्पन्न ठोस संवेदनाओं और सूक्ष्म कंपन के साथ इसे संपन्न किया था। जब आप इस शैली के उत्कृष्ट कलाकारों के काम को देखते हैं तो हमेशा मनोदशा के एक निश्चित बाद में बनी हुई है।

प्रभाववाद (इंप्रेशन से - इंप्रेशन) कला में एक दिशा है, 1860 के उत्तरार्ध में फ्रांस में पैदा हुई थी। उनके प्रतिनिधियों ने अपनी गतिशीलता और परिवर्तनशीलता में वास्तविक दुनिया को पकड़ने के लिए सबसे प्राकृतिक और अनावश्यक मांग की, उनके झुकाव इंप्रेशन को स्थानांतरित किया। रंग और प्रकाश के हस्तांतरण के लिए विशेष ध्यान दिया गया था।

शब्द "इंप्रेशनवाद" मोन पिक्चर इंप्रेशन के नाम से आता है। प्रदर्शनी 1874 में प्रस्तुत सूर्योदय। एक छोटे से ज्ञात पत्रकार लुई लेरुआ ने अपनी पत्रिका में अपनी उपेक्षा व्यक्त करने के लिए कलाकारों "इंप्रेशनिस्ट" के साथ गठबंधन किया। हालांकि, नाम ने रूट लिया है और अपना मूल नकारात्मक अर्थ खो दिया है।

इंप्रेशनिस्ट की पहली महत्वपूर्ण प्रदर्शनी नादर फोटोग्राफर की कार्यशाला में 15 अप्रैल से 15 मई, 1874 तक हुई थी। 30 कलाकार थे, केवल 165 काम करते थे। युवा कलाकारों ने "अपूर्णता" और "पेंटिंग की जंगली", स्वाद की अनुपस्थिति और उनके कार्यों में अर्थ की अनुपस्थिति, "सच्ची कला का प्रयास किया", विद्रोही मूड और यहां तक \u200b\u200bकि अनैतिकता।

प्रभाववाद के प्रमुख प्रतिनिधियों - अल्फ्रेड सिस्ले और फ्रेडरिक तुलसी। साथ में उनके साथ अपनी तस्वीरें एडवर्ड मन डाल दीं और। इंप्रेशनिस्ट भी जोएचडी जॉन को वर्गीकृत करते हैं ,.

लैंडस्केप और शहरी जीवन के दृश्य - शायद इंप्रेशनिस्टिक पेंटिंग की सबसे विशिष्ट शैलियों - "प्लेनियर में" लिखा गया, यानी सीधे प्रकृति से, और स्केच और प्रारंभिक रेखाचित्रों के आधार पर नहीं। इंप्रेशनिस्ट्स ने संक्षेप में प्रकृति में प्रवेश किया, रंगों और रंगों को ध्यान में रखते हुए, आमतौर पर अदृश्य, जैसे कि छाया में नीला।

उनकी कलात्मक विधि जटिल रंगों के अपने शुद्ध रंग स्पेक्ट्रम के अपघटन में थी। रंगीन छाया और साफ उज्ज्वल treepidation पेंटिंग। इंप्रेशनिस्टों ने अलग स्ट्रोक के साथ पेंट लगाया, कभी-कभी तस्वीर के एक खंड पर कंट्रास्ट टोन का उपयोग करना। इंप्रेशनिस्ट पेंटिंग्स की मुख्य विशेषता पेंट्स के जीवंत झटके का प्रभाव है।

ऑब्जेक्ट के रंग को स्थानांतरित करने के लिए, इंप्रेशनिस्टों ने रंगों का उपयोग करना शुरू कर दिया, पारस्परिक रूप से एक दूसरे को मजबूत करना: लाल और हरा, पीला और बैंगनी, नारंगी और नीला। एक ही रंग एक निरंतर विपरीत प्रभाव पैदा करते हैं। उदाहरण के लिए, यदि हम थोड़ी देर के लिए लाल रंग को देखते हैं, और फिर हम सफेद पर देखो को स्थानांतरित करेंगे, तो यह हरित हो जाएगा।

इंप्रेशनवाद ने दार्शनिक समस्याओं को नहीं बढ़ाया और प्रतिबंध की रंग की सतह को घुमाने की कोशिश भी नहीं की। इसके बजाए, कलाकार सूरत, क्षणों की गति, मूड, प्रकाश या दृश्य कोयले पर ध्यान केंद्रित करते हैं। उनकी पेंटिंग्स केवल तीव्र सामाजिक समस्याओं को प्रभावित किए बिना जीवन के सकारात्मक पक्षों द्वारा दर्शाए गए थे।

कलाकारों ने अक्सर मस्ती या आराम के दौरान गति में लोगों को चित्रित किया। इश्कबाज भूखंडों को एक कैफे और रंगमंच, नाव पर, समुद्र तटों पर और बागों में ले जाया गया, नृत्य किया गया। यदि आप इंप्रेशनिस्टों की तस्वीरों का न्याय करते हैं, तो जीवन छोटी छुट्टियों, पार्टियों, शहर के बाहर या एक दोस्ताना माहौल में एक ठोस श्रृंखला है।

इंप्रेशनवाद ने पेंटिंग में समृद्ध विरासत छोड़ दी। सबसे पहले, यह रंग की समस्याओं और गैर-मानक तकनीकों में रुचि है। इंप्रेशनवाद ने क्लासिकल स्कूल के मास्टर्स की दर्दनाक तकनीक के खिलाफ एक विरोध के रूप में कलात्मक भाषा को अद्यतन करने और एक परंपरा के साथ बंद करने की इच्छा व्यक्त की। खैर, अब हम उत्कृष्ट कलाकारों के इन शानदार कार्यों की प्रशंसा कर सकते हैं।

अब इंप्रेशनिस्ट कलाकारों की उत्कृष्ट कृतियों को विश्व कला के संदर्भ में हमारे द्वारा माना जाता है: हमारे लिए वे लंबे समय से क्लासिक बन गए हैं। फिर भी, यह हमेशा ऐसा नहीं था। ऐसा हुआ कि उनके कैनवास ने आधिकारिक प्रदर्शनियों को याद नहीं किया, प्रेस में आलोचना की, प्रतीकात्मक शुल्क के लिए भी खरीदना नहीं चाहता था। निराशा, जरूरतों और वंचित होने के वर्षों में थे। और दुनिया को पेंट करने के अवसर के लिए लड़ाई के रूप में वे अपने विश्वास के हैं। इसमें कई दशकों लग गए, ताकि बहुमत समझ सके और समझ सके, खुद को अपनी आंखों से देखें। वह दुनिया, जिसमें 1860 के दशक की शुरुआत में इंप्रेशनवाद पर हमला किया गया था, जैसे कि सतर्क हवा, परिवर्तन?

देर से XVIII शताब्दी के सार्वजनिक केंद्र, फ्रांस और अमेरिका में क्रांति ने पश्चिमी संस्कृति के सार को बदल दिया, जो तेजी से बदलते समाज में कला की भूमिका को प्रभावित नहीं कर सका। शासन करने वाले राजवंश या चर्च से सामाजिक आदेश के आदी, कलाकारों ने अचानक पाया कि वे अपने ग्राहकों के बिना छोड़ दिए गए थे। कुलीनता और पादरी, मूल कला ग्राहकों, गंभीर कठिनाइयों का अनुभव किया। एक नया समय था, पूंजीवाद का युग, पूरी तरह से परिवर्तन नियम और प्राथमिकताओं।

धीरे-धीरे, स्थापित गणराज्य और लोकतांत्रिक ढंग से व्यवस्थित शक्तियों में, अमीर मध्यम वर्ग में वृद्धि हुई थी, जिसके परिणामस्वरूप नया कला बाजार विकसित हुआ। दुर्भाग्यवश, उद्यमियों और व्यापारियों, एक नियम के रूप में, पर्याप्त वंशानुगत संस्कृति और पारिश्रमिक नहीं था, जिसके बिना साजिश के रूपव्यवस्था की विविधता को सही ढंग से आकलन करना असंभव था, जो अभिजात वर्ग बना था।

एक अभिजात वर्ग की शिक्षा और शिक्षा जारी नहीं करना, कला के उपभोक्ताओं द्वारा बनाई गई मध्यम वर्ग के प्रतिनिधियों को समाचार पत्र आलोचकों और आधिकारिक विशेषज्ञों के विचारों के लिए मूल रूप से नेविगेट करने के लिए बाध्य किया गया था। ओल्ड एकेडमी ऑफ आर्ट्स, जो क्लासिक पुरुषों के संरक्षक हैं, कलात्मक मुद्दों में केंद्रीय मध्यस्थ बन गए। यह विरोधाभासी नहीं है कि कुछ युवा और अनुरूपता का विरोध करने वाले चित्रकारों की तलाश में, कला में अकादमिक के औपचारिक महत्वाकांक्षा के खिलाफ विद्रोह किया गया।

उन समय के अकादमिक के आवश्यक प्रकाशिकी में से एक समकालीन कला की प्रदर्शनी के अधिकारियों द्वारा संरक्षित था। इस तरह की प्रदर्शकों को सैलून कहा जाता था - परंपरा के अनुसार, लौवर में हॉल के नाम से संपर्क करते हुए, जहां एक बार अदालत के कलाकारों ने अपने कैनवास का प्रदर्शन किया।

सैलून में भागीदारी प्रेस और ग्राहकों के हित के अपने कार्यों में घुसने का एक मौका था। दुराने-रिएल के पत्रों में से एक में ऑगस्टे रेनोइल चीजों के स्थापित प्रावधानों के बारे में बोलता है: "सभी पेरिस में, यह शायद ही एक पंद्रह प्रशंसक है जो सैलून की मदद के बिना कलाकार को पहचान सकते हैं, और हजारों अस्सी लोग जो नहीं करेंगे यहां तक \u200b\u200bकि एक वर्ग सेंटीमीटर कैनवास भी प्राप्त करें यदि कलाकार सैलून में स्वीकार नहीं किया जाता है। "

युवा चित्रकारों ने सैलून में कैसे पता लगाने के अलावा कुछ और नहीं चमकता: वे न केवल जूरी के सदस्यों द्वारा गैर-हद तक शब्दों को सुन सकते थे, बल्कि गहराई से सम्मानित चित्रकार, जैसे यूजीन डेलाक्रिक्स, गुस्ताव कोर्बा, एडवर्ड मन , पूर्व युवा पालतू जानवर, जिससे बाद की रचनात्मकता को धक्का मिल रहा है। इसके अलावा, सैलून ग्राहक को खरीदने का एक अनूठा अवसर था, ध्यान में रखे, कला में करियर की व्यवस्था करें। कलाकार के लिए चिह्नित सैलून का पुरस्कार, पेशेवर मान्यता की कुंजी। और इसके विपरीत, यदि जूरी ने प्रस्तुत किए गए काम को खारिज कर दिया, तो यह सौंदर्य हटाने के बराबर था।

विचार के लिए प्रस्तावित तस्वीर सामान्य कैनन से मेल नहीं खाती थी, जिसके लिए सैलून के जूरी को खारिज कर दिया गया था: कलात्मक वातावरण में, इस एपिसोड ने घोटाला और सनसनी उठाई।

केबिन में शामिल कलाकारों में से एक ने हमेशा एक घोटाला बनाया और शिक्षाविदों को बहुत सी चिंताओं का कारण बनता था, एडवर्ड मन था। बिग स्कैंडल के साथ उनके कैनवस "ग्रास पर ब्रेकफास्ट" (1863) और "ओलंपिया" (1865) के प्रदर्शन के साथ, असामान्य रूप से तेज तरीके से बनाया गया, जिसमें सौंदर्यशास्त्र के लिए विदेशी शामिल थे। और तस्वीर में "घटना पर घटना", 1864 के सैलून में प्रस्तुत किया गया, गोया प्रभावित की रचनात्मकता के लिए कलाकार का जुनून। अग्रभूमि में, माने ने बुलफाइटर के खुले आंकड़े को चित्रित किया। तस्वीर की पृष्ठभूमि एक सौदेबाजी कार्गो और निराश, ओनमल दर्शकों की पंक्तियों के रूप में कार्य करती है। इस तरह के एक तीव्र और निर्माण संरचना ने व्यंग्यात्मक प्रतिक्रिया और समाचार पत्र कार्टून का एक द्रव्यमान उकसाया। पागल आलोचना, मन ने अपनी तस्वीर को दो भागों में फटकारा।

यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि आलोचकों और कार्टूनिस्ट कलाकार को तेजी से अपमानित करने के तरीकों और तरीकों के चयन में शर्मिंदा नहीं थे, इसे कुछ प्रतिक्रिया कार्यों में दबाएं। "कलाकार ने सैलून द्वारा खारिज कर दिया", और बाद में "इंप्रेशनिस्ट", पत्रकारों के पसंदीदा लक्ष्य बन गए जो सार्वजनिक घोटालों में कमाते हैं। अन्य अवधारणाओं और बोझ के चित्रकारों के साथ केबिन के बेचैन विवाद जो अप्रचलित अकादमिक की सख्त सीमाओं से थक गए हैं, गंभीर गिरावट के बारे में सार्थक रूप से चिह्नित किया गया है, जिसे उस समय तक XIX शताब्दी के दूसरे भाग में छोड़ दिया जाता है। 1863 के रूढ़िवादी सैलून जूरी ने इतने सारे कपड़े खारिज कर दिए कि सम्राट नेपोलियन III को व्यक्तिगत रूप से एक अलग, समांतर प्रदर्शनी का समर्थन करने के लिए आवश्यक पाया ताकि दर्शक अस्वीकृत कार्यों की तुलना अस्वीकार कर सके। इस प्रदर्शनी, जिसने "लैंडस्केपिंग सैलून" नाम हासिल किया वह लिफाफे का एक बेहद फैशनेबल जगह बन गया - यहां हंसने और हाइलाइट करने के लिए चला गया।

अकादमिक जूरी के आदी होने के लिए, इमेजिंग चित्रकार स्वतंत्र व्यक्तिगत प्रदर्शनियों को स्थापित कर सकते हैं। एक कलाकार की प्रदर्शनी के विचार ने पहली बार कलाकार-यथार्थवादी गस्टिना कोर्बा की घोषणा की। उन्होंने 1855 के पेरिस वर्ल्ड प्रदर्शनी में अपने कार्यों की एक श्रृंखला दायर की। योग्यता समिति ने अपने परिदृश्य को मंजूरी दे दी, लेकिन उन्हें विषयगत कार्यक्रम चित्रों को खारिज कर दिया। फिर कुर्बा, इसके विपरीत, विश्व प्रदर्शनी व्यक्तिगत मंडप के निकटता में बनाया गया। यद्यपि नर्सर के व्यापक सुरम्य तरीके बुजुर्ग डेलैक्रो द्वारा प्रभावित हुए थे, लेकिन उनके मंडप में दर्शक थोड़ा सा था। 1867 में विश्व प्रदर्शनी के दौरान, कुर्सबे ने इस अनुभव को एक बड़ी जीत के साथ फिर से शुरू किया - इस बार उन्होंने अपने सभी कार्यों को एक अलग कमरे में जीता। एडवर्ड मन कोर्बा से एक उदाहरण ले रहे थे, ने अपने कैनवस के पूर्वदर्शी प्रदर्शन के लिए एक ही प्रदर्शनी के दौरान अपनी गैलरी खोला।

व्यक्तिगत दीर्घाओं और कैटलॉग के निजी प्रकाशन के निर्माण ने संसाधनों की ठोस लागत को ग्रहण किया - जो अक्सर कलाकारों के स्वामित्व वाले लोगों की तुलना में असंगत रूप से बड़े होते हैं। हालांकि, कोर्बा और मन के साथ मामलों ने आधिकारिक सैलून द्वारा नहीं किए गए नए रुझानों के कलाकारों की एक समूह प्रदर्शनी की योजना पर युवा चित्रकारों को धक्का दिया।

XIX शताब्दी की कला पर सामाजिक परिवर्तनों के अलावा, वैज्ञानिक अनुसंधान उलझन में था। 183 9 में, लंदन में पेरिस और हेनरी फॉक्स टैलबोट में लुई डैगेर ने एक दूसरे के स्वतंत्र रूप से बनाए गए फोटोग्राफिक उपकरणों का प्रदर्शन किया। इस घटना के कुछ ही समय बाद, तस्वीर ने कलाकारों और कार्यक्रमों से छुटकारा पा लिया, जो सिर्फ लोगों, स्थानों और घटनाओं को कायम रखता है। ऋण से मुक्त वस्तु, कई चित्रकार भावना कैनवास पर अपने स्वयं के व्यक्तिपरक, अभिव्यक्ति को स्थानांतरित करने के क्षेत्र में पहुंचे।

तस्वीर ने यूरोपीय कला में अन्य विचारों को जन्म दिया। एक व्यक्ति की आंखों के बजाय, लेंस, एक व्यक्ति की आंखों के बजाय, रचना के खंडित प्रतिनिधित्व का गठन किया। फिल्मांकन के कोण को बदलकर कलाकारों को नए रचनात्मक दर्शनों के लिए धक्का दिया जो इंप्रेशनवाद के सौंदर्यशास्त्र का आधार बन गए। इस प्रवाह के मुख्य सिद्धांतों में से एक सहजता थी।

उसी 183 9 में, जब एक कैमरा बनाया गया था, तो टेपेस्ट्रीज़ मिशेल यूजीन शेवरिल के पेरिसियन कारख़ाना के प्रयोगशाला से एक रसायनज्ञ ने पहली बार एक मानव आंख द्वारा रंग धारणा की एक तार्किक व्याख्या प्रकाशित की। कपड़े के लिए रंग बनाना, उन्होंने तीन मुख्य रंगों के अस्तित्व में सुनिश्चित किया - लाल, पीला और नीला, जो अन्य सभी रंगों को मिलाकर उत्पन्न होता है। कलर सर्कल की सहायता से, चेवरिल ने साबित किया कि कैसे न केवल एक कठिन वैज्ञानिक विचार को स्पष्ट रूप से स्पष्ट रूप से सचित्र किया गया है, बल्कि कलाकारों को पेंट्स के मिश्रण की एक कामकाजी अवधारणा भी प्रस्तुत की जाती है। अमेरिकी भौतिक विज्ञानी ओडेन आरयूडी और जर्मन वैज्ञानिक हरमन पृष्ठभूमि हेल्मोली इसके हिस्से के लिए ऑप्टिक्स के क्षेत्र में विकास द्वारा इस आविष्कार को पूरा करता है।

1841 में, अमेरिकी वैज्ञानिक और पेंटर जॉन रैंड ने विनाशकारी पेंट्स के लिए उनके द्वारा बनाई गई टिन ट्यूबों को पेटेंट किया। कलाकार से पहले, प्लेयर में लिखने के लिए मजबूर होने के लिए उन्हें पहले पेंटों की कार्यशाला में मिश्रित करने के लिए मजबूर होना पड़ा और उन्हें ग्लास कंटेनर में डालने के बाद, जिन्हें अक्सर लड़ा जाता था, या आंतरिक रूप से जानवरों से बुलबुले में, जिन्हें जल्दी से दिया गया था बहे। रैंडोव्स्की ट्यूबों के आगमन के साथ, कला के लोगों को उनके साथ सभी प्रकार के रंगों और रंगों को लाने का लाभ मिला। इस खोज को बड़ी हद तक कलाकारों की रंग योजना की बहुतायत को प्रभावित किया गया था, और इसके अलावा उन्हें प्रकृति में अपनी कार्यशालाओं से बाहर निकलने के लिए आश्वस्त किया गया था। थोड़े समय में, जैसा कि उन्होंने अकेले उल्लेख किया था, परिदृश्य के आसपास के परिदृश्य के ग्रामीण परिवेश किसानों से अधिक बन गए।

पेंटिंग के पायनियर कृपया एक बार्बिज़न स्कूल के कलाकार थे, जिन्होंने फॉन्टेनब्लो वन के पास बार्बिज़ोन गांव से अपना उपनाम हासिल किया, जहां अधिकांश परिदृश्य बनाए गए थे।

यदि उनके काम में बार्बिज़ोन स्कूल (टी। रूसेउ, जे। ड्यूप्रे) के पुराने चित्रकार अभी भी वीर लैंडस्केप की विरासत पर आधारित थे, तो युवा पीढ़ी के प्रतिनिधियों (एस कोटोवी, के कोरो) के प्रतिनिधियों को यह शैली दी गई थी यथार्थवाद के लिए। अपने कैनवासों पर परिदृश्य, विदेशी अकादमिक आदर्शकरण दर्शाया गया है।

अपने चित्रों में, बारबिज़ोंटी ने प्रकृति राज्यों की विविधता को फिर से बनाने की कोशिश की। यही कारण है कि उन्होंने प्रकृति से चित्रित किया, उनकी धारणा की तत्कालता को पकड़ने की कोशिश की। हालांकि, पेंटिंग में सौर अकादमिक तरीकों और धन का उपयोग करने से उन्हें बाद में इंप्रेशनिस्ट द्वारा प्रबंधित किया गया था। इसके विपरीत, बार्बाइज़न्स्काया स्कूल के कलाकारों का योगदान शैली के गठन में अपरिवर्तनीय है: प्लेयर के लिए कार्यशालाओं को छोड़कर, उन्होंने परिदृश्य को विकास के नए तरीकों को चित्रित करने का सुझाव दिया।

प्रकृति पर चित्रकला के समर्थकों में से एक, यूजीन बुडी ने क्लाउड मोनेट के अपने युवा विद्यार्थी को निर्देश दिया, जो कि प्रकाश और हवा के बीच प्लेनियर पर बनाने के लिए जरूरी है, जो चिंतन कर रहा है। यह नियम पूर्ण चित्रकला का आधार बन गया है। मोनेटा शॉरनेस ने अपने दोस्तों, ऑगस्टे रेनुआर, अल्फ्रेड सिस्ले और फ्रेडरिक बेसाइल को प्रस्तुत किया, एक नया सिद्धांत: केवल एक विशिष्ट दूरी पर और विशिष्ट प्रकाश व्यवस्था के साथ हम जो कुछ भी देखते हैं उसे पेंट करने के लिए। शाम को, पेरिस के कैफे में युवा चित्रकारों को खुशी से विचारों से साझा किया गया था और अपनी नई खोजों को उत्साह से समझा गया था।

तो इंप्रेशनवाद दिखाई दिया - XIX के पिछले तीसरे की कला में एक क्रांतिकारी दिशा - प्रारंभिक XX सदियों। इंप्रेशनवाद के मार्ग पर खींचने वाले चित्रकारों ने अपने कामों और रोजमर्रा की वास्तविकता को अपने अंतहीन गतिशीलता और असंगतता में अपनी दुनिया में और अधिक स्वाभाविक रूप से और सच्चाई से कब्जा करने की कोशिश की, अपनी बेड़े की संवेदनाओं को व्यक्त किया।

इंप्रेशनवाद उन वर्षों में अकादमिकता की कला में ठहराव की प्रतिक्रिया बन गया, उस निराशाजनक स्थिति से पेंटिंग मुक्त करने की इच्छा जिसमें वह सैलून के कलाकारों की गलती से प्रसन्न थीं। तथ्य यह है कि आधुनिक कला में गिरावट आई है, कई प्रगतिशील लोगों ने बताया: यूजीन डेलाक्रिक्स, गुस्ताव कौर्बे, चार्ल्स बोडलर। प्रभाववाद एक प्रकार के सदमे चिकित्सा के "पीड़ित शरीर" के लिए दिखाई दिया।

युवा कलाकारों के आगमन के साथ-जेन्रेस अधिकारियों एडवर्ड मैन, ऑगस्टे रेनुआरा, एडगर डीगा पवन परिवर्तन फ्रांसीसी पेंटिंग में फट गया, जीवन के चिंतन को देकर, यादृच्छिक रूप से खिलाया, जैसे अप्रत्याशित स्थितियों और आंदोलनों, भ्रमपूर्ण पचलेपन और की दुर्घटना रूप, संरचना की क्षमता, दृश्य और परिप्रेक्ष्य के अप्रत्याशित बिंदु।

शाम को, जब कलाकारों को अब स्पष्ट रूप से स्पष्टीकरण के कारण अपने कैनवास लिखने का अवसर नहीं मिला था, तो उन्होंने अपनी कार्यशालाएं छोड़ीं और पेरिस के कैफे में विवादों को खाने के पीछे स्क्वाट किया। तो कैफे अर्बौआ एडवर्ड मैन के आसपास एकजुट कलाकारों से मिलने के लिए अपरिवर्तनीय स्थानों में से एक बन गया। गुरुवार को नियमित बैठकें आयोजित की गईं, और अन्य दिनों में जीवंत बात करने या कलाकारों का एक समूह था। क्लाउड मोनेटा ने कैफे गेरबुआ में बैठकों का वर्णन किया: "यह इन बैठकों से कहीं अधिक रोमांचक नहीं हो सकता है और विचारों का एक अंतहीन मुठभेड़ नहीं हो सकता है। उन्होंने हमारे दिमाग को बढ़ाया, हमारे महान और दिल की आकांक्षाओं को प्रोत्साहित किया, हमें उत्साह का प्रभार दिया, विचार पूरा होने तक हमें कई हफ्तों तक मजबूर कर दिया। हमने इन बैठकों को एक बढ़ी मूड में छोड़ दिया, एक मजबूत इच्छा के साथ, क्रंब और अधिक रिवर्स और स्पष्ट के साथ। "

1870 के दशक की पूर्व संध्या पर, इंप्रेशनवाद की स्थापना की गई और फ्रेंच परिदृश्य में: क्लाउड मोनेट, केमिली पिसारो, अल्फ्रेड sicleele पहले विकसित एक सतत कैप्टिव सिस्टम। उन्होंने अपने कैनवास को तुरंत कैनवास पर खुली हवा में स्केच और स्केच के बिना लिखा, अपनी पेंटिंग्स में चमकदार सूरज की रोशनी को मूर्तता, प्रकृति की प्रकृति की एक शानदार बहुतायत, माध्यम में प्रतिनिधित्व की गई वस्तुओं को भंग कर दी, प्रकाश और हवा की कंपन, प्रतिबिंब का दंगा। इस लक्ष्य को प्राप्त करने के लिए, सभी हिस्सों में उनके द्वारा अध्ययन किए गए एक रंगीन प्रणाली का नाटक किया गया था, जिसमें सौर स्पेक्ट्रम के रंग का प्राकृतिक रंग। असामान्य रूप से उज्ज्वल, सभ्य रंगीन बनावट बनाने के लिए, कलाकारों ने अलग-अलग स्मीयर के साथ कैनवास पर एक साफ रंग रखा, जबकि किसी व्यक्ति की आंखों में ऑप्टिकल मिश्रण की उम्मीद थी। बाद में इस तकनीक को बदल दिया गया और सैद्धांतिक रूप से तर्क दिया गया, केंद्रीय अन्य उत्कृष्ट कलात्मक आकांक्षा बन गई - "डिवीजन" नामक पॉइंटेलिज्म (फ्रांज से। "डिवीजन" - विभाजित करने के लिए)।

बढ़ी हुई ब्याज इंप्रेशनिस्ट ऑब्जेक्ट और पर्यावरण के लिंक को दिखाती है। उनके कठोर रचनात्मक विश्लेषण का विषय बदलते वातावरण में वस्तु की रंग और प्रकृति का रूपांतरण था। इस विचार को प्राप्त करने के लिए, एक ही वस्तु को बार-बार चित्रित किया गया था। छाया और प्रतिबिंब में शुद्ध रंग के अतिरिक्त के साथ, काला पेंट लगभग पैलेट छोड़ दिया।

आलोचक जुल्स लाफोर्ट ने इंप्रेशनवाद की घटना के बारे में जवाब दिया: "इंप्रेशनिस्ट प्रकृति को देखता है और स्थानांतरित करता है जैसा कि यह है, वह एकमात्र आकर्षक कंपन है। आकृति, प्रकाश, मात्रा, परिप्रेक्ष्य, प्रकाश - यह सब एक नि: शुल्क वर्गीकरण के लिए जा रहा है। यह पता चला है कि सबकुछ रंग कंपन द्वारा निर्धारित किया जाता है और रंग कंपन कैनवास पर सील किया जाना चाहिए।

27 दिसंबर, 1873, अज्ञात, मूर्तिकारों, उत्कीर्णक इत्यादि को सीएफई में खुली हवा और बैठकों के लिए धन्यवाद "दिखाई दिया। - तो पहले इंप्रेशनिस्ट खेले गए थे। समाज की पहली प्रदर्शनी एक साल बाद वसंत में नादार की वाणिज्यिक गैलरी में हुई, फोटोग्राफर-प्रयोगात्मक, जिसने आधुनिक कला की रचनाओं के अलावा यात्रा की।

शुरुआत 15 अप्रैल, 1874 को आई थी। प्रदर्शनी में एक महीने, यात्राओं का समय बिताने की योजना बनाई गई थी - दस से छह तक और यह भी नवाचार बन गया, शाम को आठ से दस। प्रवेश टिकट एक फ़्रैंक के लायक था, कैटलॉग को पचास सेंटीम पर खरीदा जा सकता था। सबसे पहले, प्रदर्शनी आगंतुकों से भरी हुई थी, लेकिन भीड़ केवल वहां कूद गई। किसी ने मजाक किया कि पिस्तौल को विभिन्न पेंट ट्यूबों के साथ चार्ज किया गया है, तो इन कलाकारों का कार्य प्राप्त किया जा सकता है, फिर कैनवास में शूट करें और हस्ताक्षरित व्यवसाय से स्नातक हों।

राय विभाजित की गई थी: या तो प्रदर्शनी गंभीरता से नहीं ली गई थी, या फ्लफ और धूल में आलोचना की गई थी। लूइस लोरे के हस्ताक्षर के साथ, लूइस लोरे के हस्ताक्षर के साथ, व्यंग्यात्मक आकांक्षा "इंप्रेशनिस्ट्स की प्रदर्शनी" के अगले लेख में सामान्य धारणा व्यक्त की जा सकती है। लेखक की संवाद यहां एक अकादमिक-परिदृश्य प्रणाली के साथ वर्णित है, पदक से सम्मानित किया गया, एक साथ वे प्रदर्शनी हॉल के माध्यम से गुजरते हैं:

"... अपरिवर्तनीय कलाकार वहां आया, कुछ भी बुरा नहीं था, उन्हें वहां कैनवास देखने की उम्मीद थी, जो हर जगह, घातीय और निडिजिटल, किसी भी निश्चित से अधिक, लेकिन कुछ कलात्मक मानकों, फॉर्म की संस्कृति और दूर नहीं पाया जा सकता है।" पुराने मात्रा के लिए सम्मान।

हां, फॉर्म! हां, पुराने स्वामी! अब हम उन्हें पढ़ने के लिए नहीं जा रहे हैं, मेरे गरीब दोस्त! हम सब बदल गए हैं! "

प्रदर्शनी ने क्लाउड मोनेट के परिदृश्य को भी रखा, जो श्राउड फॉग बे में सुबह सुबह था - चित्रकार ने उसे "छाप कहा। सूर्योदय "(छाप)। इस कैनवास के लिए व्यंग्यात्मक लेख लुई लेरुआ के पात्रों में से एक द्वारा यहां एक टिप्पणी दी गई है, जिन्होंने XIX शताब्दी की कला में सबसे संवेदी और ज्ञात पाठ्यक्रम को नाम दिया:

"...- क्या यहां खींचा गया है? कैटलॉग में साझा करें। - "छाप। सूर्योदय "। - इंप्रेशन - तो मैंने माना। मैंने खुद को खुद में तर्क दिया कि चूंकि मैं प्रभावित हूं, इसे इसमें कुछ छाप दिया जाना चाहिए ... और किस प्रकार का समर्पण, प्रदर्शन की चिकनाई क्या है! प्रसंस्करण की प्रारंभिक डिग्री में वॉलपेपर इस seascape से अधिक सही है ... "।

निजी तौर पर, मोनेट कलात्मक रिसेप्शन के इस तरह के नाम के खिलाफ नहीं था, जिसे उन्होंने अभ्यास में लागू किया था। उनके काम का मुख्य सार निश्चित रूप से अदालत है और जीवन के फिसलने वाले क्षणों को पकड़ने के लिए, जो उन्होंने काम किया है, अपने अनगिनत श्रृंखलाओं को उत्पन्न करते हुए: "स्टैक्स", "पोप्लर", "रूनी कैथेड्रल", "स्टेशन सेंट-लाजर", "ज़ीवी में तालाब", "लंदन। संसद भवन "और अन्य। एक और मामला, एडगर देगा, जो खुद को "स्वतंत्र" बनाना पसंद करते थे, क्योंकि उन्होंने केबिन में भाग नहीं लिया था। पवित्रशास्त्र की उनकी तेज, अजीब शैली, जो कई समर्थकों के लिए एक उदाहरण के रूप में कार्य करती है (जिनमें से टूलूज़-लोट्रेक विशेष रूप से उत्कृष्ट था), अकादमिक जूरी के लिए एक अस्थिरता थी। इन दोनों चित्रकार फ्रांस और विदेश दोनों में इंप्रेशनिस्ट्स की बाद की प्रदर्शनी के सबसे पहल वाले आयोजक बन गए - इंग्लैंड, जर्मनी, संयुक्त राज्य अमेरिका में।

Auguste Renoir, इसके विपरीत, इंप्रेशनिस्टों की पहली प्रदर्शनी में दिखाई देने पर, सैलून पर विजय प्राप्त करने की आशा खो दी, हर साल अपनी प्रदर्शनी में दो चित्र भेज रहा था। अपने कार्यों की विशेषता द्वैत, वह अपने कामरेड और दुराने-रूली के संरक्षक के पत्राचार में फैलता है: "... मैं दर्दनाक राय का समर्थन नहीं करता कि यह काम उस स्थान के आधार पर योग्य या अयोग्य है जहां यह प्रदर्शित किया गया है। संक्षेप में, मैं व्यर्थ में समय को मारना नहीं चाहता और सैलून से नाराज होना चाहता हूं। मैं नाराज होने का नाटक करना भी नहीं चाहता। मुझे लगता है कि आपको जितनी जल्दी हो सके उतना आकर्षित करने की जरूरत है, बस इतना ही। वाह कि मैं अपमानित किया गया था कि मैं अपनी कला में अधूरा था या मेरे विचारों से हास्यास्पद महत्वाकांक्षा नवीनीकरण से, मैं ऐसे आरोप लगाऊंगा। लेकिन चूंकि ऐसा कुछ भी नहीं है, तो मुझे मुझे rouck की जरूरत है। "

इंप्रेशनिस्टों की दिशा में आधिकारिक रूप से शामिल नहीं होने पर, एडवर्ड मन ने खुद को एक चित्रकार-यथार्थवादी पढ़ा। हालांकि, इंप्रेशनिस्टों के साथ लगातार घनिष्ठ संबंध, उनकी प्रदर्शनी का दौरा करते हुए, अभिमानी रूप से चित्रकार की शैली को बदल दिया, जिससे इसे प्रभावित किया। अपने जीवन के मौत के वर्षों में, अपनी पेंटिंग्स में पेंट उज्ज्वल, झूलते हुए, संरचना - खंडित हैं। रेनोइर की तरह, मन ने कला के क्षेत्र में आधिकारिक विशेषज्ञों के स्थान के लिए इंतजार किया और सैलून की प्रदर्शनी में भाग लेने के लिए पहुंचे। लेकिन अपनी इच्छा के बावजूद, वह पेरिस के अवंत-गार्डिस्टों की मूर्ति बन गया, उनके इतने राजा। सबकुछ के विपरीत, उन्होंने जिद्दी रूप से अपने लिनन सैलून पर हमला किया। मृत्यु से ठीक पहले, वह केबिन के आधिकारिक स्थान को हासिल करने के लिए भाग्यशाली था। उसने उसे और ऑगस्टे रेनोइर पाया।

प्रमुख व्यक्तियों के प्रभाववाद का वर्णन करते हुए, यह एक व्यक्ति के बारे में कम से कम खंडनशील याद रखना बदसूरत होगा, जिसकी सहायता से बार-बार ध्वस्त कलात्मक दिशा XIX शताब्दी का एक महत्वपूर्ण कलात्मक अधिग्रहण बन गया, पूरी दुनिया पर विजय प्राप्त की। इस व्यक्ति का नाम पॉल दुरान-रूएल, एक कलेक्टर, कला का एक व्यापारी है, बार-बार दिवालियापन के कगार पर प्रस्तुत किया गया था, लेकिन नई कला के रूप में इंप्रेशनवाद स्थापित करने से इनकार नहीं किया गया, जो इसके अपॉजी तक पहुंच जाएगा। वह पेरिस और लंदन में इंप्रेशनिस्ट्स की प्रदर्शनी के संगठन में लगे हुए थे, अपनी गैलरी, संगठित नीलामी में चित्रकारों की व्यक्तिगत प्रदर्शनी आयोजित की गई, केवल वित्तीय रूप से प्रचारित कलाकारों: ऐसे समय थे जब उनमें से कई के पास कोई पेंट और कैनवास नहीं था। लौ प्रशंसा का सबूत और कलाकारों का सम्मान - डुराने-रूली के उनके पत्र, जो बढ़ते रहेंगे। Durane-Rueel का व्यक्तित्व एक बुद्धिमान कलेक्टर और लाभकारी का एक नमूना है।

"इंप्रेशनवाद" रिश्तेदार की अवधारणा है। हमारे द्वारा विचार किए जाने वाले सभी चित्रकारों ने अकादमिक प्रशिक्षण पारित किया है जिसने भागों और एक फ्लैट, चमकदार सुरम्य सतह से बाहर काम कर रहे हैं। हालांकि, उन्होंने जल्द ही इंटीरियर, यथार्थवादी दिशा में चित्रों, वास्तविक वास्तविकता को प्रतिबिंबित करने के लिए सामान्य विषयों और भूखंडों को चुना, हर रोज। इसके बाद, उनमें से प्रत्येक ने प्रभावशाली की शैली में एक निश्चित समय लिखा, विभिन्न प्रकाशों के साथ अपने चित्रों में वस्तुओं को निष्पादित करने की कोशिश कर रहा था। इस तरह के एक प्रभावशाली चरण के बाद, इनमें से अधिकतर गार्डे कलाकार स्वतंत्र शोध में चले गए, जिसने एकत्रित नाम "पोस्टप्रसिज़्म" का अधिग्रहण किया; बाद में, उनकी रचनात्मकता ने एक्सएक्स शताब्दी के अमूर्ततावाद के गठन में योगदान दिया।

XIX शताब्दी के 70 के दशक में, यूरोप जापानी कला के लिए आदी था। एडमंड डी गोंकुर ने अपने रिकॉर्ड में रिपोर्ट: "... जापानी कला की जुनूनलैंड ... मैंने चित्रकला से फैशन तक सबकुछ किया। सबसे पहले, यह मेरे भाई और मैं जैसे इस तरह के सनकीनों का उन्माद था .. बाद में कलाकारों-इंप्रेशनिस्टों में शामिल हो गए। " दरअसल, उस समय के प्रभाववादियों की तस्वीरों में, जापानी संस्कृति के गुणों को अक्सर पकड़ा गया था: पानी, किमोनो, झुंड। उन्होंने जापानी नक्काशी से स्टाइलिस्ट विधियों और प्लास्टिक समाधान भी सीखा। कई इंप्रेशनिस्ट जापानी नक्काशी के उत्साही संग्राहक थे। उदाहरण के लिए, एडवर्ड मन, क्लाउड मोनेट, एडगर डिगास।

सामान्य रूप से, 1874 से 1886 तक इंप्रेशनिस्टों ने असमान अंतराल के साथ 8 प्रदर्शनियों का मंचन किया; विभिन्न परिस्थितियों के लिए 55 चित्रकारों में से आधे एक अज्ञात समाज से संबंधित थे, केवल 1 में दिखाई दिए। सभी 8 प्रदर्शनी के अनन्य प्रतिभागी कैमिली पिसरो थे, जो शांत शांतिपूर्ण स्वभाव से जारी थे।

1886 में, इंप्रेशनिस्ट की अंतिम प्रदर्शनी हुई, लेकिन एक कला विधि के रूप में, वह अस्तित्व में रहा। पेंट्स ने कड़ी मेहनत नहीं की। हालांकि पूर्व साझेदारी, एकता, अब वहां नहीं थी। हर किसी ने अपना रास्ता फेंक दिया। ऐतिहासिक टकराव समाप्त हो गया, नए विचारों की जीत के साथ समाप्त हुआ, और ताकत को एकजुट करने की कोई आवश्यकता नहीं थी। कलाकारों के एडस्ट्रक्टर-इंप्रेशनिस्ट विभाजित होते हैं, और वे विभाजित नहीं हो सकते थे: वे दर्दनाक थे, वे न केवल स्वभाव पर बल्कि कलात्मक मान्यताओं पर विचारों पर भी थे।

एक दिशा के रूप में, प्रभाववाद, अपने समय के अनुसार, फ्रांस की सीमाओं को छोड़ने में विफल नहीं हुआ। इस तरह के सवालों से चित्रकारों और अन्य देशों में (इंग्लैंड और संयुक्त राज्य अमेरिका में जेम्स व्हिस्लर, मैक्स लिबरमैन और जर्मनी में कॉरिंट फिश, कॉन्स्टेंटिन कोरोविविन और रूस में इगोर ग्रैबर)। इंप्रेशनवाद तत्काल आंदोलन की भावनात्मकता, तरल पदार्थ को अपनाया गया और मूर्तिकारों (फ्रांस में उगता रोडेन, पाओलो ट्रुबेट्सकोय और रूस में अन्ना गोलबैंक)।

समकालीन लोगों के विचारों में एक विद्रोह पूरा करने के बाद, अपने विश्वदृश्य का विस्तार, इंप्रेशनिस्ट इस प्रकार कला के बाद के गठन के लिए जमीन तैयार करते हैं और नई सौंदर्य आकांक्षाओं और विचारों के उद्भव, नए रूपों का इंतजार करने के लिए लंबे समय तक इंतजार नहीं किया गया था। इंप्रेशनवाद, नियो-दमनवाद, पोस्टप्रसिज़्म, फेदरिज्म से पहुंचे, बाद में नए सौंदर्य प्रवृत्तियों और अभिविन्यास के गठन और गठन को उत्तेजित किया।

इंप्रेशनवाद एक फीचर कोर्स है जो 70 के दशक में उभरा। फ्रेंच पेंटिंग में XIX शताब्दी, और फिर संगीत, साहित्य, रंगमंच में प्रकट।

चित्रकला में प्रभाववाद 1874 की प्रसिद्ध प्रदर्शनी से पहले लंबे समय तक विकसित हुआ। इंप्रेशनिस्टों के प्रमुख वाहक परंपरागत रूप से एडवर्ड मन माना जाता है। वह टाइटियन, रेमब्रांट, रूबेंस, वेलास्काक्ज़ा के क्लासिक कार्यों से बहुत प्रेरित थे। मना की छवियों की उनकी दृष्टि ने अपने कैनवासों पर व्यक्त किया, "कंपन" स्ट्रोक जो अपूर्णता के प्रभाव को बनाए। 1863 में, मैन ने ओलंपिया बनाया, जिससे सांस्कृतिक समाज में एक बड़ा घोटाला हुआ।

पहली नज़र में, तस्वीर पारंपरिक कैनन के साथ बनाई गई थी, लेकिन साथ ही वह पहले से ही और अभिनव प्रवृत्तियों को ले जा चुकी थी। ओलंपिया के बारे में विभिन्न पेरिस संस्करणों में लगभग 87 समीक्षाएं लिखी गईं। नकारात्मक आलोचना का एक द्रव्यमान उसके ऊपर एकत्र किया गया था - कलाकार पर अश्लीलता का आरोप लगाया गया था। और केवल कुछ लेखों को परोपकारी कहा जा सकता है।

मन ने अपने काम में एक-परत पेंट को ओवरले करने के उपकरणों का उपयोग किया, जिसने धब्बे के प्रभाव को बनाया। इसके बाद, चित्रों को लागू करने की इस विधि को कलाकारों-इंप्रेशनिस्टों द्वारा सुरम्य कैनवस पर छवियों के आधार के रूप में किया गया था।

इंप्रेशनवाद की एक विशिष्ट विशेषता झुकाव इंप्रेशन के बेहतरीन निर्धारण के लिए, चमकीले मध्यम को साफ पेंट्स, रनवे सजावटी स्ट्रोक की जटिल मोज़ेक की मदद से चमकदार माध्यम खेलने के एक विशेष तरीके से थी।

यह उत्सुक है कि अपने खोज कलाकारों की शुरुआत में एक साइनाओमीटर का इस्तेमाल किया - नीले आकाश को निर्धारित करने के लिए एक उपकरण। ब्लैक रंग को पैलेट से बाहर रखा गया था, इसे अन्य रंगीन रंगों के साथ बदल दिया गया था, जिसने इसे चित्रों के धूप के मूड को खराब नहीं करना संभव बना दिया।

इंप्रेशनिस्ट ने अपने समय की नवीनतम वैज्ञानिक खोजों पर ध्यान केंद्रित किया। टेम्पल और हेल्महोल्ट्ज़ रंग का सिद्धांत निम्न में कम हो गया है: सनबीम रंग घटकों में विभाजित है, और तदनुसार, दो पेंट्स कैनवास पर रखे गए चित्रों को बढ़ाते हैं, और जब पेंट मिश्रित होता है, तो तीव्रता तीव्रता खो देती है।

आंशिकता का सौंदर्यशास्त्र विकसित हो रहा था, आंशिक रूप से, कला में क्लासिकवाद के सम्मेलन के साथ-साथ लगातार प्रतीकवाद और देर से आंतरिक चित्रकला की गहराई से खुद को निर्णायक रूप से मुक्त करने के प्रयास के रूप में, जिसने सभी को एन्क्रिप्टेड इरादों को देखने के लिए पेश किया है, जो सावधान रहने की आवश्यकता है व्याख्या। इंप्रेशनवाद ने न केवल रोजमर्रा की वास्तविकता की सुंदरता का तर्क नहीं दिया, बल्कि रंगीन वातावरण का निर्धारण, विस्तृत नहीं किया और बुझ नहीं गया, दुनिया को एक सतत रूप से बदलती ऑप्टिकल घटना के रूप में चित्रित किया।

कलाकारों-इंप्रेशनिस्टों ने एक पूर्ण कैप्टिव सिस्टम विकसित किया है। इस स्टाइलिस्ट फीचर के पूर्ववर्ती पेंट कलाकार थे, बार्बिज़ोन स्कूल के आप्रवासियों, जिनके मुख्य प्रतिनिधियों के कैमिली कोरो और जॉन कांस्टेबल थे।

ओपन स्पेस में काम ने दिन के अलग-अलग समय पर मामूली रंग परिवर्तन को कैप्चर करने के लिए और अवसर दिए।

क्लाउड मोनेट को एक ही प्लॉट पर पेंटिंग्स की कई श्रृंखलाएं बनाई गईं, उदाहरण के लिए, रूनी कैथेड्रल (50 पेंटिंग्स की श्रृंखला), "स्टैक्स" (15 पेंटिंग्स की श्रृंखला), "पानी के साथ तालाब" आदि, इन का मुख्य संकेतक श्रृंखला दिन के अलग-अलग समय पर लिखी गई एक ही वस्तु की छवि में प्रकाश और रंग योजना में बदलाव आया था।

इंप्रेशनवाद की एक और उपलब्धि एक मूल प्राकृतिक प्रणाली का विकास है, जहां व्यक्तिगत स्ट्रोक द्वारा प्रेषित शुद्ध रंगों पर जटिल स्वर विघटित होते हैं। कलाकारों ने पैलेट पर रंगों को मिश्रण नहीं किया, लेकिन सीधे कैनवास पर स्ट्रोक लगाने के लिए पसंद किया। पेंटिंग्स विशेष सम्मान, परिवर्तनशीलता और राहत से जुड़ा इस तरह के एक उपकरण। कलाकारों के कार्य रंग और प्रकाश से भरे हुए थे।

15 अप्रैल, 1874 को पेरिस में प्रदर्शनी एक नए पाठ्यक्रम के आम जनता के लिए गठन और जमा करने की अवधि का परिणाम था। इस एक्सपोज़िशन को कपचिन बॉलवर्ड पर स्टूडियो फोटोग्राफर फेलिक्स नादर में तैनात किया गया था।

प्रदर्शनी के बाद "इंप्रेशनवाद" का नाम उठाया गया, जिस पर मोनेट की तस्वीर "इंप्रेशन का प्रदर्शन किया गया था। सूर्योदय "। प्रकाशन में उनकी समीक्षा में आलोचक एल। लेरुआ ने "चारीरी" में 1874 की प्रदर्शनी की मजाकिया विशेषता दी, जिससे मोनेट का उदाहरण दिया गया। एक अन्य आलोचक, मॉरीस डेनिस, व्यक्तित्व, भावनाओं, कविता की अनुपस्थिति में इंप्रेशनिस्टों को अपमानित करता है।

पहली प्रदर्शनी में, लगभग 30 कलाकारों ने अपने कामों का प्रदर्शन किया। यह 1886 तक बाद की प्रदर्शनी की तुलना में सबसे बड़ा था।

रूसी समाज से सकारात्मक प्रतिक्रिया के बारे में कहना असंभव है। रूसी कलाकार और आलोचकों-डेमोक्रेट, हमेशा फ्रांस के कलात्मक जीवन में स्पष्ट रूप से रूचि रखते हैं - I. वी। क्रमस्काया, आई। ई। रेपिन और वी वी। स्टासोव - अत्यधिक प्रदर्शनी से इंप्रेशनिस्टों की उपलब्धियों का अत्यधिक मूल्यांकन किया गया।

1874 की प्रदर्शनी द्वारा शुरू की गई कला के इतिहास का नया चरण क्रांतिकारी रुझानों का अचानक विस्फोट नहीं था - वह धीमी और लगातार विकास की समाप्ति थी।

अतीत के सभी महान स्वामी ने इंप्रेशनवाद के सिद्धांतों के विकास में अपना योगदान दिया, प्रवाह की तत्काल जड़ों को ऐतिहासिक प्रदर्शनी से पहले बीसियों में आसानी से पता लगाया जा सकता है।

केबिन में समांतर प्रदर्शनी में, उन्होंने प्रदर्शनी इंप्रेशनिस्टों का अपना कारोबार प्राप्त किया। पेंटिंग में नए रुझान उनके कार्यों में प्रदर्शित किए गए थे। यह सैलून संस्कृति और प्रदर्शनी परंपराओं को अपमानित कर रहा था। आगे के कलाकारों में-इंप्रेशनिस्ट कला में नए रुझानों के प्रशंसकों को आकर्षित करने में कामयाब रहे।

सैद्धांतिक ज्ञान और प्रभाववाद की शब्द काफी देर से विकसित हुआ। कलाकारों ने प्रकाश और रंग पर अधिक प्रथाओं और अपने स्वयं के प्रयोगों को प्राथमिकता दी। इंप्रेशनवाद में, सभी सुरम्य के पहले, यथार्थवाद की विरासत का पता लगाया गया, एंटी-अकादमिक, एंटीसेलोनिक अभिविन्यास और उस समय की आस-पास की वास्तविकता की छवि की स्थापना में इसका उच्चारण किया जाता है। कुछ शोधकर्ताओं ने ध्यान दिया कि इंप्रेशनवाद यथार्थवाद की एक विशेष शाखा बन गया है।

निस्संदेह, प्रभाववादी कला में, जैसे प्रत्येक कलात्मक प्रवाह में, फ्रैक्चर की अवधि के दौरान उत्पन्न होता है और पुरानी परंपराओं के संकट को बुना हुआ था, इसकी सभी बाहरी अखंडता, विभिन्न और यहां तक \u200b\u200bकि विरोधाभासी रुझानों के साथ।

कलात्मक अभिव्यक्ति के साधनों में कलाकारों के कार्यों के विषय में प्रमुख विशेषताएं थीं। इंप्रेशनिस्टों पर इरिना व्लादिमीरोवा की पुस्तक में कई अध्याय शामिल हैं: "लैंडस्केप, प्रकृति, इंप्रेशन", "शहर, बैठकों के स्थान", "शौक, एक जीवनशैली के रूप में", "लोग और पात्र", "पोर्ट्रेट्स और स्व-पोर्ट्रेट्स" , "स्थिर वस्तु चित्रण"। यह प्रत्येक काम के निर्माण और स्थान के इतिहास का भी वर्णन करता है।

हेयडे के दौरान, इंप्रेशनवाद कलाकारों को उद्देश्य वास्तविकता और इसकी धारणा के बीच एक हार्मोनिक संतुलन मिला। कलाकारों ने प्रकाश की हर किरण, हवा की गति, प्रकृति की विविधता को पकड़ने की कोशिश की। चित्रों की ताजगी को संरक्षित करने के लिए, इंप्रेशनिस्ट ने मूल सुरम्य प्रणाली बनाई, जो भविष्य में कला के विकास के लिए बाद में बहुत महत्वपूर्ण थी। पेंटिंग के निर्देशों में सामान्य रुझानों के बावजूद, प्रत्येक कलाकार को अपने रचनात्मक मार्ग और पेंटिंग में मुख्य शैलियों को पाया गया।

क्लासिक इंप्रेशनवाद को कलाकारों द्वारा एडवर्ड मन, क्लाउड मोनेट, पियरे ऑगस्टे रेनोइर, एडगर अल्फ्रेड सिस्ले, केमिली पिसारो, जीन फ्रेडरिक बेसिल, बर्टा मोरीजो, एडगर डीएगा के रूप में दर्शाया जाता है।

प्रभाववाद के गठन के लिए कुछ कलाकारों के योगदान पर विचार करें।

एडवर्ड मन (1832-1883)

टी। कॉटर से प्राप्त पेंटिंग माने के पहले सबक, इसके लिए धन्यवाद, भविष्य के कलाकार ने बहुत सारे पेशेवर कौशल हासिल किए। शिक्षक के उचित ध्यान की कमी के कारण, माने मास्टर के मास्टर और आत्म-शिक्षा के साथ सौदों को छोड़ देता है। वह संग्रहालयों में प्रदर्शनी का दौरा करते हैं, पुराने स्वामी को अपने रचनात्मक गठन, विशेष रूप से स्पेनिश पर बहुत प्रभाव पड़ा।

1860 के दशक में, माने दो कार्य लिखता है, जिसमें उनके कलात्मक अंडरस्कोर के बुनियादी सिद्धांतों को देखा जाता है। "वालेंसिया से लोला" (1862) और "फ्लीटिस्ट" (1866) एक कलाकार के रूप में माने दिखाएं जो रंग संचरण के माध्यम से मॉडल की प्रकृति को प्रकट करता है।

स्मीयर लगाने की तकनीक और रंग के प्रति दृष्टिकोण की तकनीक पर उनके विचार अन्य कलाकारों द्वारा स्वीकार किए जाते थे। 1870 के दशक में, माने अपने अनुयायियों के करीब हो जाता है और पैलेट पर काले बिना प्लेनियर में काम करता है। इंप्रेशनवाद के आने के लिए आने के रचनात्मक विकास का परिणाम था। मन की सबसे प्रभावशाली चित्रों को "नाव में" (1874) और "क्लाउड मोनेट इन द बोट" (1874) माना जाता है।

मन ने विभिन्न धर्मनिरपेक्ष महिलाओं, अभिनेत्री, सिमुलेटर, सुंदर महिलाओं के कई चित्र भी लिखे। प्रत्येक चित्र में, मॉडल की विशिष्टता और व्यक्तित्व को स्थानांतरित कर दिया गया था।

उनकी मृत्यु से कुछ समय पहले, मन अपनी उत्कृष्ट कृतियों में से एक लिखते हैं - "बार फोली-बर्गर" (1881-1882)। इस तस्वीर में, कई शैलियों को एक ही समय में जोड़ा जाता है: पोर्ट्रेट, अभी भी जीवन, घरेलू दृश्य।

एन एन कालीतीना लिखते हैं: "जादू जादू जादू यह है कि लड़की आस-पास का विरोध करती है, इतनी स्पष्ट रूप से उसके मनोदशा का खुलासा करती है, और साथ ही पूरी पीठ की योजना का हिस्सा है, अस्पष्ट अनुमान, अनिश्चित, चिंताजनक, नीले-काले रंग में भी हल किया जाता है , नीले-सफेद, पीले रंग के स्वर। "

क्लाउड मोनेट (1840-19 26)

क्लाउड मोनेट एक निस्संदेह नेता और क्लासिक प्रभाववाद के संस्थापक थे। उनकी पेंटिंग की मुख्य शैली एक परिदृश्य थी।

अपने युवाओं में, मोन कार्टिकचर और कार्टून का शौक था। उनके कार्यों के लिए पहले मॉडल उनके शिक्षक, कामरेड थे। नमूना के लिए, उन्होंने समाचार पत्रों और पत्रिकाओं में कैरिकेचर का इस्तेमाल किया। उन्होंने गुस्ताव कुरिस के एक दोस्त "गोलुआ" ई। करघा, कवि और कार्टूनिस्ट में चित्रों की प्रतिलिपि बनाई।

कॉलेज में, पेंटिंग मोनेट ने जैक्स-फ्रैंकोइस ओशार पढ़ाया। लेकिन मोंटे बुडेन पर प्रभाव को सही ढंग से नोटिस, जिन्होंने कलाकार का समर्थन किया, उसे सलाह दी, रचनात्मकता जारी रखने के लिए प्रेरित किया।

नवंबर 1862 में, पेरिस मोनेट में ग्लेरा में पेरिस में अपनी पढ़ाई जारी रही। इस मोनेट के लिए धन्यवाद, वह उन्हें एक कार्यशाला में एक बेसल, रेनोइर, सिस्टी के साथ मिला। युवा कलाकार अपने शिक्षक का सम्मान करते हुए, ग्रेसफुल कला के स्कूल में प्रवेश की तैयारी कर रहे थे, जिन्होंने अपने पाठों के लिए थोड़ा सबक लिया और मुलायम रूप में सलाह दी।

मोनेट ने अपनी पेंटिंग्स एक कहानी के रूप में नहीं, एक विचार या विषय के चित्रण की तरह नहीं। उनकी पेंटिंग, जैसे जीवन, स्पष्ट लक्ष्य नहीं थे। उन्होंने दुनिया को देखा, कुछ सिद्धांतों पर, विवरणों पर ध्यान केंद्रित नहीं किया, वह "लैंडस्केप विजन" (आर्ट ए ए फेडोरोवा-डेविडोवा के इतिहासकार) के लिए चला गया। मोनेट ने ऊष्मायन की मांग की, कैनवास पर शैलियों का विलय। उनके नवाचारों के अवतार के साधन ईट्यूड थे, जिन्हें चित्रों को पूरा किया जाना था। सभी स्केच प्रकृति से खींचे गए थे।

उन्होंने एक घास का मैदान, और पहाड़ियों, फूलों और चट्टानों, और गार्डन, और देहाती सड़कों, और समुद्र, समुद्र तटों और बहुत कुछ लिखे, उन्होंने दिन के विभिन्न समय में प्रकृति की छवि को संबोधित किया। अक्सर उन्होंने अलग-अलग समय पर एक ही स्थान लिखा था, जिससे पूरे चक्रों को उनके कामों से बना दिया जाता है। उनके काम का सिद्धांत चित्र में वस्तुओं की एक छवि नहीं थी, बल्कि प्रकाश का एक सटीक संचरण था।

आइए हम कलाकार के काम के कुछ उदाहरण दें - "अर्जेंटीई से माकोव फील्ड" (1873), "फर्श" (1869), "पॉड विद वाटर लिली" (18 99), "गेहूं के ढेर" (18 9 1)।

पियरे ऑगस्टे रेनोइर (1841-19 1 9)

रेनोइर एक धर्मनिरपेक्ष चित्र के उत्कृष्ट स्वामी को संदर्भित करता है, इसके अलावा, उन्होंने परिदृश्य, घरेलू दृश्य, अभी भी जीवन के शैलियों में काम किया।

उनके काम की विशेषता किसी व्यक्ति के व्यक्तित्व, उसके चरित्र और आत्मा का प्रकटीकरण में रूचि है। अपने कैनवस में, रेनोइर होने की पूर्णता की भावना पर जोर देने की कोशिश कर रहा है। कलाकार मनोरंजन और छुट्टियों को आकर्षित करता है, वह गेंदों को लिखता है, अपने आंदोलन और विभिन्न पात्रों के साथ चलता है, नृत्य करता है।

कलाकार का सबसे प्रसिद्ध कार्य - "एक अभिनेत्री झन्ना समारी का पोर्ट्रेट", "छतरियों", "सीन पर तैराकी" और अन्य।

दिलचस्प है कि रेनोइर को सैंट-एस्टेश के कैथेड्रल में पेरिस में उत्कृष्ट संगीतकार और शिक्षक चार्ल्स गनो के नेतृत्व में चर्च गाना बजानेवालों द्वारा प्रतिष्ठित किया गया था। श्री। गननो ने संगीत में संलग्न होने के लिए लड़के को दृढ़ता से सिफारिश की। लेकिन साथ ही, रेनोइर ने कलात्मक प्रतिभा की खोज की - 13 साल से उन्होंने पहले ही चीनी मिट्टी के बरतन व्यंजनों को पेंट करना सीखा है।

संगीत कक्षाओं ने कलाकार के व्यक्तित्व के गठन को प्रभावित किया। उनके कई कार्य संगीत विषयों से जुड़े हुए हैं। उन्हें पियानो, गिटार, मंडोलिन पर अपना प्रतिबिंब गेम मिला। ये पेंटिंग्स "गिटार गिटार", "युवा स्पेनिश महिला के साथ एक गिटार", "पियानो के लिए युवा महिला", "महिला खेल गिटार", "पियानो सबक" और अन्य हैं।

जीन फ्रेडरिक बेसिल (1841-1870)

अपने कलाकारों के दोस्तों के अनुसार, बाजिल सबसे आशाजनक और उत्कृष्ट प्रभाववादी था।

उनके काम एक उज्ज्वल रंग योजना और हाथ से बालों वाली छवियों द्वारा प्रतिष्ठित हैं। पियरे ऑगस्टे रेनोइर, अल्फ्रेड सिस्ले और क्लाउड मोनेट उनके रचनात्मक मार्ग से बहुत प्रभावित थे। शुरुआती चित्रकारों के लिए जीन फ्रेडरिक अपार्टमेंट एक प्रकार का स्टूडियो और आवास था।

तुलसी ने अधिमानतः प्लेनियर में लिखा था। उनकी रचनात्मकता का मुख्य विचार प्रकृति की पृष्ठभूमि के खिलाफ एक व्यक्ति की एक छवि थी। चित्रों में पहले नायकों उनके दोस्त कलाकार थे; कई प्रभावशास्त्री अपने कामों में एक दूसरे को आकर्षित करना पसंद करते थे।

बहुत रचनात्मकता में फ्रेडरिक तुलसी ने यथार्थवादी प्रभाववाद के पाठ्यक्रम की पहचान की। उनकी तस्वीर की सबसे प्रसिद्ध तस्वीर "पारिवारिक पुनर्मिलन" (1867) - आत्मकथात्मक है। कलाकार अपने परिवार के सदस्यों को दर्शाता है। यह काम सैलून में प्रस्तुत किया गया था और जनता के अनुमोदन मूल्यांकन प्राप्त किया था।

1870 में, कलाकार प्रशिया-फ्रांसीसी युद्ध में मृत्यु हो गई। कलाकार की मृत्यु के बाद, उनके दोस्तों के कलाकारों ने इंप्रेशनिस्टों की तीसरी प्रदर्शनी आयोजित की, जहां उनके कैनवास भी प्रदर्शित किए गए थे।

केमिली पिसारो (1830-1903)

के। मोनेट के बाद कैमिली पिसारो पेंट कलाकारों के सबसे बड़े प्रतिनिधियों में से एक है। उनके कार्यों को लगातार इंप्रेशनिस्टों के प्रदर्शनी में उजागर किया गया था। अपने कार्यों में, पिसारो ने विनिर्मित क्षेत्रों, किसानों के जीवन और श्रम को प्राथमिकता दी। इसकी पेंटिंग्स रूपों की संरचना और संरचना की स्पष्टता की विशेषता थी।

बाद में, कलाकार ने शहरी विषयों पर चित्र लिखना शुरू कर दिया। एन। कलितिना ने अपनी पुस्तक नोट्स में नोट किया: "वह ऊपरी मंजिलों की खिड़कियों से या बालकनियों से शहर की सड़कों को देखता है, बिना किसी रचना में उन्हें पेश किए।"

जॉर्जेस पियरे सिरा के प्रभाव में, कलाकार ने अभिशत्तवाद को उठाया। यह तकनीक अलग-अलग धुंध को अलग से लागू करती है, जैसे कि बिंदु सेट करके। लेकिन इस क्षेत्र में रचनात्मक संभावनाओं को महसूस नहीं किया गया था, और पिसारो इंप्रेशनवाद में लौट आया।

पिसरो द्वारा सबसे प्रसिद्ध चित्र "मोंटमार्ट्रे बॉलवर्ड" बन गए। दोपहर, धूप, "पेरिस में ओपेरा पास", "पेरिस में फ्रेंच थिएटर का वर्ग", "गार्डन इन पोंटोइस", "हवीता", "सेनोको" और अन्य।

अल्फ्रेड सिस्ले (1839-1899)

पेंटिंग अल्फ्रेड सिस्ले की मुख्य शैली एक परिदृश्य थी। अपने शुरुआती कार्यों में, इसे मुख्य रूप से के कोरो से प्रभावित किया जा सकता है। धीरे-धीरे, के। मोंटे, जे एफ बाजिल के सहयोग की प्रक्रिया में, पी। ओ। रेनोइर, लाइट टोन अपने कामों में प्रकट होने लगते हैं।

कलाकार प्रकाश के खेल को आकर्षित करता है, वायुमंडल की स्थिति को बदल रहा है। सिस्ले के एक ही परिदृश्य ने कई बार अपील की, दिन के अलग-अलग समय पर इसे कैप्चर किया। अपने कार्यों में प्राथमिकता कलाकार ने पानी और आकाश की छवि दी, जो हर पल बदल गई। कलाकार एक रंग की मदद से पूर्णता प्राप्त करने में कामयाब रहे, उनके काम में प्रत्येक छाया एक प्रकार का प्रतीकवाद भालू है।

उनके सबसे प्रसिद्ध कार्य: "ग्रामीण गली" (1864), "फ्रॉस्ट इन लुविसिन" (1873), "मोंटमार्ट्रे के प्रकार के साथ एक फूल द्वीप" (1869), "लवुरज़ेन में शुरुआती बर्फ" (1872), "ब्रिज इन अर्जेंटी" ( 1872)।

एडगर डेगास (1834-19 17)

एडगर डेगास एक कलाकार है जिसने सुन्दर कला के स्कूल में सीखने के साथ अपना रचनात्मक तरीका शुरू किया। वह इतालवी पुनर्जागरण के कलाकारों से प्रेरित थे, जिसका संपूर्ण काम पर असर पड़ा। डीगास की शुरुआत में ऐतिहासिक चित्रों ने लिखा, उदाहरण के लिए, "स्पार्टन लड़कियां स्पार्टन लड़कों के कारण होती हैं। (1860)। उनकी पेंटिंग की मुख्य शैली एक चित्र है। अपने कार्यों में, कलाकार शास्त्रीय परंपराओं पर निर्भर करता है। वह अपने समय की तेज भावना के साथ चिह्नित कार्यों को बनाता है।

अपने सहयोगियों के विपरीत, डीएगा जीवन और चीजों के अंतर्निहित प्रभाववाद के आनंददायक, आउटडोर दृश्य साझा नहीं करता है। कलाकार कला की महत्वपूर्ण परंपरा के करीब है: एक साधारण व्यक्ति के भाग्य की करुणा, लोगों की आत्माओं को देखने की क्षमता, उनकी आंतरिक दुनिया, असंगतता, त्रासदी।

एक पोर्ट्रेट, वस्तुओं और इंटीरियर, आसपास के आदमी खेलने में एक बड़ी भूमिका के लिए। हम एक उदाहरण के रूप में कुछ काम देते हैं: "ऑर्केस्ट्रा" (1868-1869), "महिला पोर्ट्रेट" (1868), "चेट मोरबिली" (1867) और अन्य।

डीजी के कार्यों में पोर्ट्रेट का सिद्धांत अपने रचनात्मक मार्ग के पूरे स्थान पर है। 1870 के दशक में, कलाकार पूरी महिमा में फ्रांस के समाज को विशेष रूप से पेरिस में अपने कार्यों में दर्शाता है। कलाकार के हित में - गति में शहरी जीवन। "आंदोलन जीवन के सबसे महत्वपूर्ण अभिव्यक्तियों में से एक था, और यह व्यक्त करने की क्षमता आधुनिक पेंटिंग का सबसे महत्वपूर्ण विजय है," एनएन। लिखते हैं कालीटिन

इस अवधि के दौरान, ऐसी तस्वीरें "स्टार" (1878), "मिस लोला में सर्कस फर्नांडो", "एप्सोमा में रेसिंग" और अन्य के रूप में बनाई गई हैं।

डेगी की रचनात्मकता का नया मोड़ बैले में उनकी रूचि बन जाता है। वह बैलेरिन के बैकस्टेज लाइफ को दिखाता है, जो उनके भारी काम और जिद्दी वर्कआउट्स के बारे में बताता है। लेकिन इसके बावजूद, कलाकार अपनी छवियों को प्रेषित करने में हवापन और आसानी को खोजने का प्रबंधन करता है।

डीजी चित्रों की एक बैले श्रृंखला में, कृत्रिम प्रकाश रैंप के संचरण के ढांचे में उपलब्धियां दिखाई दे रही हैं, वे कलाकार के रंगीन अनुदान के बारे में बात करते हैं। सबसे मशहूर पेंटिंग्स "ब्लू नर्तकियों" (18 9 7), "डांस क्लास" (1874), "नर्तकी वाला एक गुलदस्ता" (1877), "नर्तकियों में नर्तकियों" (1885) और अन्य।

जीवन के अंत में, उन्मूलन की हानि के कारण, वह मूर्तिकला में अपनी ताकत की कोशिश करता है। इसकी वस्तुएं एक ही बॉलरेनास, महिलाएं, घोड़ों हैं। डीजी की मूर्तिकला में आंदोलन को पारित करने की कोशिश करता है, और मूर्तिकला का मूल्यांकन करने के लिए, आपको इसे विभिन्न पक्षों से विचार करने की आवश्यकता है।

"नई दुनिया का जन्म हुआ जब इंप्रेशनिस्ट ने इसे लिखा"

हेनरी कैनवेइलर

XIX शताब्दी। फ्रांस। पेंटिंग में यह अभूतपूर्व हुआ। युवा कलाकारों के एक समूह ने 500 वर्षीय परंपरा को हिलाने का फैसला किया। एक स्पष्ट ड्राइंग के बजाय, उन्होंने एक विस्तृत "लापरवाह" स्मीयर का उपयोग किया।

और सामान्य छवियों से और त्याग दिया, सभी को एक पंक्ति में चित्रित करना। और फेफड़ों के व्यवहार की महिलाएं, और संदिग्ध प्रतिष्ठा के प्रभु।

जनता इंप्रेशनिस्टों की पेंटिंग के लिए तैयार नहीं थी। वे उपहासित थे, डांटा। और सबसे महत्वपूर्ण बात यह है कि उन्होंने कुछ भी नहीं खरीदा।

लेकिन प्रतिरोध टूट गया था। और कुछ इंप्रेशनिस्ट अपनी जीत के लिए रहते थे। सच है, वे पहले से ही 40 में थे। क्लाउड मोनेट या ऑगस्टे रेणुअर की तरह। अन्य लोग केवल कैमिली पिसरो के रूप में जीवन के अंत में मान्यता के लिए इंतजार कर रहे थे। उसके सामने कोई व्यक्ति अल्फ्रेड सिस्ले के रूप में नहीं जीता।

उनमें से प्रत्येक क्रांतिकारी क्या प्रतिबद्ध है? जनता ने उन्हें इतने लंबे समय तक क्यों स्वीकार नहीं किया है? यहां 7 सबसे प्रसिद्ध फ्रांसीसी इंप्रेशनिस्ट हैं जो पूरी दुनिया को जानते हैं।

1. एडवर्ड मन (1832-1883)

एडवर्ड मन। पैलेट के साथ स्व-चित्र। 1878 निजी संग्रह

मन अधिकांश प्रभाववादियों की तुलना में पुराना था। वह उनका मुख्य प्रेरणा था।

क्रांतिकारियों के नेता की भूमिका के लिए मन ने दावा नहीं किया। वह एक धर्मनिरपेक्ष आदमी था। आधिकारिक पुरस्कारों का सपना देखा।

लेकिन वह बहुत लंबे समय तक मान्यता की प्रतीक्षा कर रहा था। जनता ग्रीक देवियों या अभी भी सबसे खराब अंत में जीवन को देखना चाहता था, खाने के कमरे में खूबसूरती से देखा जाता है। माने आधुनिक जीवन लिखना चाहता था। उदाहरण के लिए, पर्दे।

नतीजतन, "घास पर नाश्ता" दिखाई दिया। प्रकाश व्यवहार की महिलाओं की समाज में दो द्विआधारी आराम करते हैं। उनमें से एक जैसे कपड़े पहने हुए पुरुषों के बगल में कुछ भी नहीं बैठता है।

एडवर्ड मन। घास पर नाश्ता। 1863, पेरिस

टॉम कॉटर के काम के साथ अपने "घास पर नाश्ता" की तुलना करें "रोमियों को गिरावट के दौरान"। कॉटर पेंटिंग ने एक फ्यूरर का उत्पादन किया। कलाकार तुरंत प्रसिद्ध हो गया।

"घास पर नाश्ता" पर अश्लीलता का आरोप था। गर्भवती को यह देखने के लिए पूरी तरह से अनुशंसा नहीं की गई थी।

टॉम कुटूर। गिरावट के समय के रोमियों। 1847 संग्रहालय डी ओआरएस, पेरिस। Artchive.ru।

कॉटर की तस्वीर में, हम अकादमिक (XVI-XIX सदियों की पारंपरिक चित्रकला) के सभी गुणों को देखते हैं। स्तंभों और मूर्तियों। लोग अपोलो उपस्थिति। पारंपरिक मफल्ड रंग। मैनुअल बनता है और इशारे। एक पूरी तरह से अलग लोगों के दूर के जीवन से साजिश।

"घास पर नाश्ता" मन एक और प्रारूप है। उसके सामने, किसी ने भी इस तरह के पर्दे को चित्रित नहीं किया। सम्मानित नागरिकों के बगल में। हालांकि समय के कई लोगों ने अपने अवकाश का समय बिताया है। यह वास्तविक लोगों का वास्तविक जीवन था।

एक बार जब मैंने एक सम्मानजनक महिला को चित्रित किया। बदसूरत। वह उसे एक ब्रश के साथ चापलूसी नहीं कर सका। महिला निराश थी। आँसू में उससे चले गए।

एडवर्ड मन। एंजेलीना। 1860 संग्रहालय डी ओआरएस, पेरिस। Wikimedia.commons.org।

इसलिए, उन्होंने प्रयोग करना जारी रखा। उदाहरण के लिए, रंग के साथ। उन्होंने तथाकथित प्राकृतिक स्वाद को चित्रित करने की कोशिश नहीं की। यदि ग्रे-ब्राउन पानी उसे उज्ज्वल नीला लगता है, तो उसने अपने उज्ज्वल नीले रंग को भी चित्रित किया।

यह, ज़ाहिर है, जनता को नाराज कर दिया। "आखिरकार, यहां तक \u200b\u200bकि भूमध्य सागर भी पानी के आदमी के रूप में नीले रंग का दावा नहीं कर सकता है।" - Yazvili वे।

एडवर्ड मन। Arzhante। 1874 फाइन आर्ट्स, टूर, बेल्जियम का संग्रहालय। Wikipedia.org।

लेकिन तथ्य एक तथ्य बना हुआ है। संपत्ति में मन ने चित्रकला का उद्देश्य बदल दिया। तस्वीर कलाकार की व्यक्तित्व का एक अवतार बन गई, जो इसे प्रसन्न करती है। टेम्पलेट्स और परंपराओं के बारे में भूलना।

नामांकन ने उसे लंबे समय तक माफ नहीं किया। मान्यताओं ने केवल जीवन के अंत में इंतजार किया। लेकिन यह पहले से ही आवश्यक नहीं था। वह बीमार बीमारी से दर्द से फीका।

2. क्लाउड मोनेट (1840-19 26)

क्लॉड मोनेट। लेने में स्व पोर्ट्रेट। 1886 निजी संग्रह

क्लाउड मोनेट को पाठ्यपुस्तक इंप्रेशनिस्ट कहा जा सकता है। चूंकि वह इस क्षेत्र के प्रति वफादार था क्योंकि उसके पूरे जीवन में।

उन्होंने वस्तुओं और लोगों को नहीं लिखा, लेकिन चमक और धब्बे का एक रंगीन डिजाइन। अलग स्ट्रोक। हवा हिला।

क्लॉड मोनेट। तैरने का तालाब। 1869 मेट्रोपॉलिटन संग्रहालय, न्यूयॉर्क। Metmuseum.org।

मोनेट ने न केवल प्रकृति को लिखा। वह प्रबंधित और शहर के परिदृश्य। सबसे प्रसिद्ध - ।

इस तस्वीर में फोटो से बहुत कुछ है। उदाहरण के लिए, आंदोलन धुंधली छवि का उपयोग कर प्रसारित किया जाता है।

कृपया ध्यान दें: लंबी दूरी के पेड़ और आंकड़े ऐसे हैं जैसे वे धूम्रपान में हैं।

क्लॉड मोनेट। पेरिस में Kapuchin Boulevard। 1873 (यूरोप और अमेरिका की कला गैलरी 1 9-20 वीजेड।), मास्को

इससे पहले कि हम पेरिस के तेजी से जीवन का एक बंद क्षण है। कोई चपलता नहीं। कोई भी नहीं। लोगों को स्मीयर की कुलता के रूप में चित्रित किया गया है। इस तरह की प्रतिरक्षा और "स्टॉप फ्रेम" का प्रभाव प्रभाववाद की मुख्य विशेषता है।

1 9 80 के दशक के मध्य तक, कलाकार इंप्रेशनवाद में निराश थे। सौंदर्यशास्त्र निश्चित रूप से, ठीक है। लेकिन कई उत्पीड़ितों की असंगतता।

केवल मोनेट को जारी रखा, हाइपरट्रॉफिंग इंप्रेशनवाद। यह चित्रों की एक श्रृंखला में बदल गया।

वही परिदृश्य उन्होंने दर्जनों बार चित्रित किया। दिन के अलग-अलग समय पर। वर्ष के अलग-अलग समय पर। यह दिखाने के लिए कि कितना तापमान और प्रकाश पहचान से परे समान उपस्थिति को बदल सकता है।

तो अनगिनत घास के ढेर थे।

बोस्टन में ललित कला संग्रहालय में क्लाउड मोनेट की तस्वीरें। बाएं: Zhiverny में सूर्यास्त में घास के ढेर, 18 9 1 दाईं ओर: घास का ढेर (बर्फ प्रभाव), 18 9 1

कृपया ध्यान दें कि इन तस्वीरों में छाया रंगीन हैं। और भूरे या काले नहीं, जैसा कि इंप्रेशनिस्टों के लिए परंपरागत था। यह एक और उनका आविष्कार है।

मोनेट सफलता और भौतिक कल्याण का आनंद लेने में कामयाब रहे। 40 के बाद, वह पहले से ही गरीबी के बारे में भूल गया था। एक घर और एक सुंदर बगीचा मिला। और लंबे समय तक कई सालों तक बिताया।

लेख में पढ़ा गया मास्टर की सबसे अधिक साइन पेंटिंग के बारे में

3. ऑगस्टे रेनोइर (1841-19 1 9)

पियरे-ऑगस्टे रेनोइर। आत्म चित्र। 1875 कला स्टर्लिंग और फ्रांसिन क्लार्क, मैसाचुसेट्स, यूएसए संस्थान। Pinterest.ru।

प्रभाववाद सबसे सकारात्मक पेंटिंग है। और इंप्रेशनिस्टों के बीच सबसे सकारात्मक रेनोइर था।

अपने चित्रों में, आपको नाटक नहीं मिलेगा। यहां तक \u200b\u200bकि काले रंग का पेंट भी इस्तेमाल नहीं किया। केवल होने की खुशी। यहां तक \u200b\u200bकि सबसे आम रेनोयर भी सुंदर दिखता है।

मोनेट के विपरीत, रेनोइर ने लोगों को अक्सर लिखा था। उसके लिए परिदृश्य कम महत्वपूर्ण थे। चित्र आराम कर रहे हैं और अपने दोस्तों और परिचितों के जीवन का आनंद ले रहे हैं।

पियरे-ऑगस्टे रेनोइर। नाश्ता रोवर्स। 1880-1881 फिलिप्स, वाशिंगटन, यूएसए का संग्रह। Wikimedia.commons.org।

आप रेनोरा और गहरी नहीं पा सकते हैं। वह इंप्रेशनिस्टों में शामिल होने के लिए बहुत खुश थे जो भूखंडों द्वारा प्रदूषित थे।

जैसा कि उन्होंने स्वयं कहा, आखिरकार उन्हें फूल लिखने और उन्हें "फूल" कहने का अवसर मिला। और उनके बारे में किसी भी कहानियों का आविष्कार न करें।

पियरे-ऑगस्टे रेनोइर। बगीचे में छतरी के साथ महिला। 1875 टिशन-बर्निस का संग्रहालय, मैड्रिड। arteuam.com।

महिलाओं के समाज में सबसे अच्छा रेनोइर महसूस किया। उसने अपनी नौकरानी को गाने और मजाक करने के लिए कहा। अधिक बेवकूफ और गीत अधिक बेवकूफ था, उसके लिए बेहतर था। और पुरुषों का चटार थक गया था। यह आश्चर्य की बात नहीं है कि रेनोइर नग्न कपड़े के लिए प्रसिद्ध है।

तस्वीर पर मॉडल "सूरज की रोशनी में नग्न" के रूप में अगर एक रंगीन अमूर्त पृष्ठभूमि पर खुद को प्रकट करता है। क्योंकि रेणुरा के लिए कुछ भी नाबालिग नहीं है। मॉडल या पीछे पृष्ठभूमि अनुभाग की आंख समकक्ष है।

पियरे-ऑगस्टे रेनोइर। सूरज की रोशनी में नग्न। 1876 \u200b\u200bसंग्रहालय डी ओर्सोव, पेरिस। wikimedia.commons.org।

रेनोइर एक लंबा जीवन जीता। और कभी ब्रश और पैलेट को बंद न करें। यहां तक \u200b\u200bकि जब उसके हाथों ने संधिशोथ को पूरी तरह से खिलाया, तो उसने रस्सी के साथ अपने हाथ में ब्रश बांध लिया। और चित्रित।

मोंटे की तरह, उन्होंने 40 वर्षों के बाद मान्यता के लिए इंतजार किया। और उन्होंने प्रसिद्ध स्वामी के कार्यों के बगल में लौवर में अपनी पेंटिंग्स देखी।

लेख में रेनुरा के सबसे आकर्षक पोर्ट्रेट्स में से एक के बारे में

4. एडगर डेगास (1834-19 17)

एडगर डिगास। आत्म चित्र। 1863 गैलस्ट गुलबेन्कीन, लिस्बन, पुर्तगाल का संग्रहालय। Curnured.com।

डीगी क्लासिक इंप्रेशनिस्ट नहीं था। वह कैप्टिव (आउटडोर) में काम करना पसंद नहीं करता था। उसे एक जानबूझकर पैलेट नहीं मिलेगा।

इसके विपरीत, वह एक स्पष्ट रेखा से प्यार करता था। यह एक काला रंग है। और उन्होंने विशेष रूप से स्टूडियो में काम किया।

लेकिन फिर भी यह हमेशा एक पंक्ति में अन्य महान प्रभाववादियों के साथ रखा जाता है। क्योंकि वह एक इंप्रेशनिस्ट इशारा था।

अप्रत्याशित दृष्टिकोण। वस्तुओं के स्थान में विषमता। क्रैक आश्चर्यजनक पात्र। यहां उनकी पेंटिंग्स के मुख्य गुण हैं।

उन्होंने पात्रों को अपनी इंद्रियों में आने के बिना जीवन के क्षणों को रोक दिया। कम से कम अपने "ओपेरा ऑर्केस्ट्रा" पर देखें।

एडगर डिगास। ओपेरा ऑर्केस्ट्रा। 1870 संग्रहालय डी ओआरएस, पेरिस। Commons.wikimedia.org।

अग्रभूमि में, कुर्सी के पीछे। हमसे वापस संगीतकार। और पिछली पृष्ठभूमि पर, मंच पर बॉलरीना "फ्रेम" में फिट नहीं हुई थी। उनके सिर पेंटिंग्स के किनारे निर्दयतापूर्वक "खतना" हैं।

तो नर्तकियों ने उन्हें प्यार किया, हमेशा सुंदर poses में चित्रित नहीं किया जाता है। कभी-कभी वे सिर्फ एक खिंचाव बनाते हैं।

लेकिन यह सुधार बिगड़ा हुआ है। बेशक, डीगा ने विचारपूर्वक रचना को सोचा। यह सिर्फ एक स्टॉप फ्रेम का प्रभाव है, न कि एक असली पैर फ्रेम।

एडगर डिगास। दो बैले नर्तकियों। 1879 संग्रहालय शेल्बर्न, वर्माउथ, यूएसए

एडगर डेगास महिलाओं को लिखना पसंद करते थे। लेकिन शरीर की बीमारी या विशेषताओं ने उन्हें उनके साथ शारीरिक संपर्क करने की अनुमति नहीं दी। वह कभी शादी नहीं की थी। किसी ने कभी उसे महिला के साथ नहीं देखा।

अपने व्यक्तिगत जीवन में वास्तविक भूखंडों की कमी ने अपनी छवियों को एक पतली और तीव्र कामुकता जोड़ा।

एडगर डिगास। बैले स्टार। 1876-1878 संग्रहालय डी ओआरएस, पेरिस। wikimedia.comons.org।

कृपया ध्यान दें कि केवल बैलेरीना को केवल "बैले स्टार" चित्र में खींचा जाता है। दृश्यों के पीछे उसके सहयोगी मुश्किल से अंतर करते हैं। क्या वह कुछ पैर है।

इसका मतलब यह नहीं है कि डीएगा ने तस्वीर खत्म नहीं की। यह रिसेप्शन है। केवल सबसे महत्वपूर्ण बात ध्यान में रखें। गायब होने के लिए बाकी, अवैध।

लेख में पढ़ा गया मास्टर के अन्य चित्रों के बारे में

5. बर्टा मोरीजो (1841-18 9 5)

एडवर्ड मन। बर्थ मोरिज़ो का पोर्ट्रेट। 1873 मैरोटन मोनेट संग्रहालय, पेरिस।

बर्ट मोरिज़ो शायद ही कभी महान प्रभाववादियों की पहली पंक्ति में डाल दिया। मुझे यकीन है कि यह अवांछित है। बस आपके पास इंप्रेशनवाद की सभी मुख्य विशेषताएं और तकनीकें हैं। और यदि आपको यह शैली पसंद है, तो आप सभी आत्माओं के साथ अपने काम से प्यार करते हैं।

मोरिज़ो ने कैनवास पर अपनी छाप को स्थानांतरित करने के लिए जल्दी और धक्का दिया। अंतरिक्ष में भंग होने के बारे में आंकड़े।

बर्ट मोरिज़ो। गर्मी। 1880 फेमॉन, मोंटपेलियर, फ्रांस का संग्रहालय।

एक डीजी की तरह, उसने अक्सर कुछ विवरण नहीं सिखाए। और यहां तक \u200b\u200bकि शरीर के मॉडल के कुछ हिस्सों। हम "गर्मी" तस्वीर में लड़कियों के बीच अंतर नहीं कर सकते हैं।

मोरिज़ो में आत्म अभिव्यक्ति के लिए मार्ग मुश्किल था। न केवल वह "लापरवाह" चित्रकला में लगी हुई थी। वह अभी भी एक महिला थी। उन दिनों में, महिला को शादी का सपना देखा गया था। उसके बाद, कोई भी शौक भूल गया था।

इसलिए, बर्टा ने शादी से इनकार कर दिया है। जब तक मुझे एक ऐसा व्यक्ति नहीं मिला, जिसने सम्मानपूर्वक अपना सबक लिया। यूजीन मन कलाकार एडवर्ड मैन के अपने मूल भाई थे। उन्होंने एक ईजल और पेंट पहना।

बर्ट मोरिज़ो। बुवाल में अपनी बेटी के साथ यूजीन माने। 1881 मारोटन मोनेट संग्रहालय, पेरिस।

लेकिन फिर भी मामला XIX शताब्दी में था। नहीं, मोरिज़ो की पैंट पहन नहीं थीं। लेकिन वह आंदोलन की पूर्ण स्वतंत्रता बर्दाश्त नहीं कर सका।

वह अकेले काम करने के लिए पार्क में नहीं जा सकी, किसी प्रियजन से किसी के द्वारा असंगत। कैफे में अकेले नहीं बैठ सके। इसलिए, इसकी पेंटिंग्स परिवार के सर्कल के लोग हैं। पति, बेटी, रिश्तेदार, नानी।

बर्ट मोरिज़ो। गोदाम में बगीचे में एक बच्चे के साथ महिला। 1881 वेल्स, कार्डिफ़ के राष्ट्रीय संग्रहालय।

Morizo \u200b\u200bमान्यता का इंतजार नहीं किया। फेफड़ों की सूजन से 54 वर्षों में उनकी मृत्यु हो गई, लगभग किसी के जीवन में कोई काम नहीं। कॉलम "रॉड क्लासेस" में मौत की गवाही में एक खाई खाया। यह कलाकार नामक एक महिला के लिए असंभव था। भले ही वह वास्तव में थी।

लेख में पढ़ा गया मास्टर की पेंटिंग्स के बारे में

6. केमिली पिसारो (1830 - 1 9 03)

केमिली पिसारो। आत्म चित्र। 1873 संग्रहालय डी' ओआरएस, पेरिस। Wikipedia.org।

केमिली पिसारो। गैर संघर्ष, उचित। कई लोगों को शिक्षकों के रूप में माना जाता है। यहां तक \u200b\u200bकि पिसारो के बारे में सबसे स्वाभाविक सहयोगी भी बुरी तरह नहीं बोलते थे।

वह प्रभाववाद का एक वफादार अनुयायी था। दृढ़ता से आवश्यकता, पत्नी और पांच बच्चे होने के बाद, उन्होंने अभी भी अपनी प्यारी शैली में कड़ी मेहनत की। और कभी भी अधिक लोकप्रिय होने के लिए सैलून पेंटिंग पर स्विच नहीं किया। यह ज्ञात नहीं है कि उसने खुद पर विश्वास करने की शक्ति कहाँ ली।

भूख के साथ मरने के लिए, पिसेर्रो ने एक प्रशंसक चित्रित किया, जो खुश होगा। और यह मान्यता 60 साल बाद आई! फिर अंत में वह आवश्यकता के बारे में भूलने में सक्षम था।

केमिली पिसारो। Luvezienne में परिश्रम। 1869 संग्रहालय डी ओआरएस, पेरिस

पेंटिंग्स पिसारो मोटी और घने में हवा। रंग और मात्रा का असामान्य मिश्र धातु।

कलाकार प्रकृति की सबसे परिवर्तनीय घटनाओं को लिखने से डरता नहीं था, जो एक पल के लिए दिखाए जाते हैं और गायब हो जाते हैं। पहली बर्फ, ठंढ सूरज, लंबी छाया।

केमिली पिसारो। ठंढ। 1873 संग्रहालय डी ओर्सोव, पेरिस

उनके सबसे प्रसिद्ध कार्य पेरिस के प्रकार हैं। चौड़े Boulevards, एक बे motley भीड़ के साथ। रात में, दोपहर में, अलग मौसम में। कुछ वे क्लाउड मोनेट की तस्वीरों की श्रृंखला के साथ गूंजते हैं।

प्रभाववाद (एफआर। प्रभावशाली, ओटी। प्रभाव - इंप्रेशन) - XIX के आखिरी तीसरे की कला में दिशा - 20 वीं शताब्दी की शुरुआत, फ्रांस में पैदा हुई और फिर दुनिया भर में फैल गई, जिनके प्रतिनिधियों ने विधियों और गोद लेने वालों को विकसित करने की मांग की, जिसने सबसे प्राकृतिक और जीवंत को कैप्चर करने की अनुमति दी थी अपनी गतिशीलता और परिवर्तनशीलता में वास्तविक दुनिया, उनके नकल छापों को स्थानांतरित करें। आम तौर पर "इंप्रेशनवाद" शब्द के तहत पेंटिंग में एक दिशा का अर्थ है (लेकिन यह सबसे पहले, विधियों का एक समूह) है, हालांकि उनके विचारों ने साहित्य और संगीत में अपना अवतार भी पाया, जहां इंप्रेशनवाद ने भी तरीकों के एक निश्चित सेट में प्रदर्शन किया और साहित्यिक और संगीत कार्य बनाने के लिए तकनीकें, जिसमें लेखकों ने अपने इंप्रेशन के प्रतिबिंब के रूप में कामुक, प्रत्यक्ष रूप में जीवन को व्यक्त करने की मांग की

उस समय कलाकार का कार्य वास्तविकता की सबसे व्यावहारिक छवि थी, कलाकार की व्यक्तिपरक संवेदना नहीं दिखा रहा था। अगर उसे परेड पोर्ट्रेट का आदेश दिया गया था - तो ग्राहक को अनुकूल प्रकाश में दिखाने के लिए आवश्यक था: बिना विकृतियों, बेवकूफ चेहरे की अभिव्यक्ति इत्यादि। यदि एक धार्मिक साजिश - तो श्रद्धा और आश्चर्य की भावना पैदा करना आवश्यक था। यदि परिदृश्य प्रकृति की सुंदरता दिखाना है। हालांकि, अगर कलाकार ने अमीरों को तुच्छ जाना, जो एक चित्र का आदेश दिया, या अविश्वास कर रहा था, तो कोई विकल्प नहीं था और केवल अपनी अनूठी तकनीक का उत्पादन करने और शुभकामनाएं के लिए उम्मीद नहीं थी। हालांकि, उन्नीसवीं शताब्दी के दूसरे छमाही में, फोटोग्राफी सक्रिय रूप से विकसित होने लगी और यथार्थवादी चित्रकला धीरे-धीरे एक तरफ छोड़ने लगी, क्योंकि तब भी वास्तविकता को फोटो में इतना भरोसेमंद व्यक्त करना बेहद मुश्किल था।

कई मामलों में, इंप्रेशनिस्ट के आगमन के साथ, यह स्पष्ट हो गया कि कला लेखक के व्यक्तिपरक प्रतिनिधित्व के रूप में मूल्य प्रस्तुत कर सकती है। आखिरकार, प्रत्येक व्यक्ति वास्तविकता को विभिन्न तरीकों से समझता है और इसके तरीके से भी जवाब देता है। अधिक दिलचस्प रूप, विभिन्न लोगों की आंखों में, वास्तविकता प्रतिबिंबित होती है और वे किन भावनाओं का सामना कर रहे हैं।

कलाकार के पास आत्म अभिव्यक्ति के अवसरों की अविश्वसनीय संख्या है। इसके अलावा, अपने आप में, आत्म-अभिव्यक्ति बहुत अधिक स्वतंत्र हो गई है: एक गैर-मानक साजिश, विषय, धार्मिक या ऐतिहासिक विषयों के अलावा कुछ बताने के लिए, अपनी अनूठी तकनीक आदि का उपयोग करें। उदाहरण के लिए, इंप्रेशनिस्ट्स एक झुकाव इंप्रेशन, पहली भावना व्यक्त करना चाहता था। यही कारण है कि उनके काम अस्पष्ट हैं और जैसे कि उनकी कमी थी। एक गुणा प्रभाव दिखाने के लिए यह किया गया था, जब चेतना में कोई वस्तु नहीं थी और प्रकाश, हेलफ़ोन और धुंधले समोच्च के केवल हल्के ओवरलोर्ड दिखाई दे रहे थे। सबसे ज्यादा लोग मुझे समझेंगे) कल्पना कीजिए कि आपने पूरी चीज के विषय का चयन नहीं किया है, इसे दूर से देखें या बस सहकर्मी न करें, लेकिन पहले से ही इसके बारे में कुछ प्रभाव डालें। यदि आप इसे चित्रित करने का प्रयास करते हैं, तो यह संभावना है कि आपको इंप्रेशनिस्टों की तस्वीरें पसंद आएगी। एक रूपरेखा की तरह कुछ। इसलिए, यह पता चला कि इंप्रेशनिस्टों के लिए यह अधिक महत्वपूर्ण था कि यह दिखाया गया था, लेकिन जैसा कि।

पेंटिंग में इस शैली के मुख्य प्रतिनिधि थे: मोनेट, माने, सिस्लाई, डीगास, रेनोइर, सेज़ेन। अलग-अलग, उम्लामा टर्ननर को उनके पूर्ववर्ती के रूप में नोट करना आवश्यक है।

साजिश की बात करते हुए:

उनकी पेंटिंग्स केवल जीवन के सकारात्मक पक्षों द्वारा प्रतिनिधित्व किए गए थे, जैसे कि भूख, बीमारी, मृत्यु सहित सामाजिक समस्याओं को प्रभावित किए बिना। इसके बाद बाद में इंप्रेशनिस्टों के बीच विभाजन हुआ।

रंग योजना

इंप्रेशनिस्टों ने रंग पर बहुत ध्यान दिया, मूल रूप से उदास रंगों से मना कर दिया, खासकर काले रंग से। अपने कार्यों के रंग पर इस तरह के ध्यान को चित्र में एक बहुत ही महत्वपूर्ण स्थान पर रंग लाया गया था और कलाकारों और डिजाइनरों की आगे की पीढ़ियों को सावधानी से रंग के लिए धक्का दिया गया था।

रचना

इंप्रेशनिस्टों ने जापानी चित्रकला को याद दिलाया, जटिल समग्र योजनाओं का उपयोग किया गया, अन्य कैनन (एक सुनहरा खंड या केंद्र नहीं)। आम तौर पर, चित्रकला की संरचना इस दृष्टिकोण से अधिक सामान्य असममित, अधिक जटिल और दिलचस्प बन गई है।

इंप्रेशनिस्टों की संरचना में एक और स्वतंत्र अर्थ होना शुरू हुआ, यह शास्त्रीय के विपरीत, पेंटिंग के सामानों में से एक बन गया, जहां यह अधिक बार किया गया (लेकिन हमेशा नहीं) जिस योजना की योजना बनाई गई थी, जिस पर कोई भी काम बनाया गया था। 1 9 वीं शताब्दी के अंत में यह स्पष्ट हो गया कि यह एक मृत अंत था, और संरचना स्वयं कुछ भावनाएं ले सकती है और चित्रों की साजिश को बनाए रख सकती है।

अग्रभाग

एल ग्रीको - क्योंकि मैं पेंट में समान तकनीकों का उपयोग करता था और इसके रंग ने प्रतीकात्मक मूल्य हासिल किया था। उन्होंने खुद को एक बहुत ही मूल तरीके से प्रतिष्ठित किया, व्यक्तित्व, जिसने इंप्रेशनिस्ट भी मांगा।

जापानी उत्कीर्णन - क्योंकि इसने यूरोप में यूरोप में बड़ी लोकप्रियता हासिल की है और यह दिखाया गया है कि तस्वीर यूरोपीय कला के क्लासिक कैनन की तुलना में अन्य सभी नियमों पर बनाया जा सकता है। यह संरचना, रंग, विस्तार, आदि के उपयोग पर लागू होता है। जापानी और सामान्य रूप से, पूर्वी चित्रों और नक्काशी को अक्सर घरेलू दृश्यों द्वारा चित्रित किया गया था, जो लगभग यूरोपीय कला में कभी नहीं था।

मूल्य

इंप्रेशनिस्टों ने विश्व कला में एक उज्ज्वल पदचिह्न छोड़ा, जिसमें अक्षरों की अनूठी तकनीकें विकसित हुईं और कलाकारों की बाद की पीढ़ियों पर उनके उज्ज्वल और यादगार काम, शास्त्रीय स्कूल के संबंध में एक विरोध और रंग के साथ एक अद्वितीय काम पर भारी प्रभाव पड़ा। अभी भी अधिकतम चिपचिपा दुनिया के हस्तांतरण में तत्कालता और सटीकता, उन्होंने मुख्य रूप से बाहर लिखना शुरू कर दिया और प्रकृति से ईश्वर का अर्थ उठाया, लगभग पारंपरिक प्रकार की तस्वीर, सावधानीपूर्वक और धीरे-धीरे कार्यशाला में बनाई गई।

लगातार अपने पैलेट को प्रबुद्ध करने के लिए, इंप्रेशनिस्टों ने मिट्टी और भूरे रंग के वार्निश और पेंट्स से पेंटिंग मुक्त कर दी। उनके कैनवास में सशर्त, "संग्रहालय" काला प्रतिबिंब और रंग छाया के असीमित विविध खेल से कम है। उन्होंने अतुलनीय रूप से दृश्य कला की संभावनाओं का विस्तार किया, न केवल सूर्य की दुनिया, प्रकाश और हवा की दुनिया, बल्कि लंदन कोहरे की सुंदरता, एक बड़े शहर के जीवन का एक बेचैन वातावरण, उसकी रात की रोशनी और लय के बितर निरंतर आंदोलन।

प्लेनुरा में काम की विधि के आधार पर, शहर के परिदृश्य समेत परिदृश्य ने इंप्रेशनिस्ट की कला में एक बहुत ही महत्वपूर्ण जगह ली। हालांकि, यह मानना \u200b\u200bनहीं चाहिए कि उनकी पेंटिंग को वास्तविकता की "लैंडस्केप" धारणा की विशेषता थी, जिसे अक्सर अपमानित किया गया था। उनकी रचनात्मकता की विषयगत और दृश्य सीमा काफी व्यापक थी। व्यक्ति में रुचि, और विशेष रूप से फ्रांस के आधुनिक जीवन के लिए, व्यापक अर्थ में इस दिशा के कई प्रतिनिधि थे। उनके जीवन की पुष्टि, पाफोस के लोकतांत्रिक विचार ने बुर्जुआ विश्व व्यवस्था का स्पष्ट रूप से विरोध किया।

एक ही समय में, प्रभाववाद और, जैसा कि हम देखेंगे, पोस्टस्प्रेशनवाद दो पक्ष है, या बल्कि, उस रूट फ्रैक्चर के लगातार दो अस्थायी चरण, जिसने नए और नवीनतम समय की कला के बीच सीमा निर्धारित की है। इस अर्थ में, एक तरफ प्रभाववाद, पुनर्जागरण कला के बाद सबकुछ के विकास को पूरा करता है, जिसका अग्रणी सिद्धांत वास्तविकता के दृश्यमान विश्वसनीय रूपों में आसपास की दुनिया का प्रतिबिंब था, और दूसरी तरफ - यह शुरुआत है ललित कला के इतिहास में सबसे बड़ा कूप, जिसने गुणात्मक रूप से नए चरण की नींव रखी -

बीसवीं सदी की कला।