सहकर्मियों, महान भाग्य: मैंने हाल ही में बेला अरोनोव्ना एरेन्ग्रॉस की एक पुस्तक "सौंदर्य के नियमों के अनुसार" खरीदी है, जो 1961 में एक सेकेंड-हैंड बुकसेलर की सड़क पर प्रकाशित हुई थी। पुस्तक किशोरों के लिए लिखी गई है, लेकिन मैं आपको विश्वास दिलाता हूं - पुस्तक बचकानी से बहुत दूर है। यह पुस्तक उन पुस्तकों की श्रेणी से है जो एक नए विषय क्षेत्र में सही "प्रवेश बिंदु" देती हैं। बहुत ही सरल और स्पष्ट लिखा है। मैंने खुद को पाठ में मामूली कटौती की अनुमति दी। आइए पेंटिंग, ग्राफिक्स, मूर्तिकला को समझना सीखें। पुस्तक को हमारी साइट पर भागों में प्रकाशित किया जाएगा।

लेखक के बारे में

बेला एरोनोव्ना एरेनग्रॉस - रेक्टर, रूसी युवा संस्कृति विश्वविद्यालय के प्रोफेसर "तीसरी सहस्राब्दी की दहलीज पर संस्कृति", यूएसएसआर राज्य पुरस्कार के विजेता, युवाओं के लिए कला पर कई पुस्तकों के लेखक।

लेखक की ओर से

कला आपको प्रकृति, लोगों को देखना और समझना सिखाएगी और आपको जीवन के बारे में आकर्षक तरीके से बताएगी। सुनें कि प्रसिद्ध उपन्यास "डॉन क्विक्सोट" के लेखक, स्पेनिश लेखक सर्वेंटिस, कला की इस क्षमता के बारे में कैसे बोलते हैं: एक अच्छी किताब इसे बनाती है। यह न केवल एक किताब है जो आपको "विदेशी देशों" की ओर ले जाती है, बल्कि एक तस्वीर, एक फिल्म, एक नाटक और संगीत भी है।

हम "कला" कहते हैं, लेकिन आप अच्छी तरह जानते हैं कि कला को कल्पना और सिनेमा कहा जाता है, और रंगमंच, और पेंटिंग, मूर्तिकला, और ग्राफिक्स, और संगीत इत्यादि। उनमें से प्रत्येक की अपनी विशेषताएं हैं, अपनी विशिष्ट विशेषताएं हैं ... प्रत्येक कला को बेहतर ढंग से समझने के लिए, उसे बेहतर महसूस करने के लिए और उसकी धारणा से अधिक आनंद प्राप्त करने के लिए, उसकी विशेषताओं, उसकी भाषा को समझना सीखना चाहिए।

यह पुस्तक केवल ललित कला से संबंधित है - पेंटिंग के बारे में, ग्राफिक्स के बारे में, मूर्तिकला के बारे में। क्या आपने ललित कला के काम देखे हैं - पेंटिंग, ड्राइंग, मूर्तियां?

"मैंने इसे देखा," आप कहते हैं, बिना यह सोचे कि आपने कैसे देखा।

आप एक आर्ट गैलरी में आए। वह हॉल के माध्यम से धीरे-धीरे चला, कुछ कैनवस और मूर्तियों पर रुक गया। मैंने मन ही मन सोचा: "ठीक है, हाँ, यह प्रसिद्ध है, जहाँ इवान द टेरिबल अपने बेटे को मार रहा है ... दिलचस्प ..." और वह चला गया। तो एक घंटे में आप कई हॉलों में घूमे, और हालांकि कुछ ने आपका ध्यान आकर्षित किया, आप बाद में कहेंगे: "मैं एक आर्ट गैलरी में था, मैंने चित्र देखे।"

और जब आप अज्ञात कार्यों या लेखकों के सामने आते हैं, तो बात और भी आसान हो जाती है। अभी भी मानव जाति द्वारा मान्यता प्राप्त कोई पेंटिंग नहीं है, समय और विशेषज्ञों द्वारा परीक्षण किया गया है। और ऐसी प्रदर्शनी देखकर तुम कहोगे: "हां, मैं था, मैंने देखा। लेकिन कुछ खास नहीं। सो-सो।"

नहीं,। आपने नहीं देखा! आपने केवल चित्रों, मूर्तियों, रेखाचित्रों को देखा। मैंने इसे देखा, लेकिन मैंने इसे अभी तक नहीं देखा है।

क्या आप जानते हैं कि हर कैनवास, कलाकार के हर काम के पीछे एक बहुत बड़ा काम है, गहन खोज है, खोज का आनंद है और असफलता की कड़वाहट है? क्या आप जानते हैं कि कलाकार और कवि तारास शेवचेंको, जिन्हें सेना में भेजा गया था और स्टेपी में निर्वासित किया गया था, लगभग खुशी से पागल हो गए थे जब उनके दोस्तों ने उन्हें पेंट भेजा था जिसके साथ वह फिर से काम कर सकते थे? और कलाकार पावेल एंड्रीविच फेडोटोव? उन्होंने थकावट के बिंदु तक काम किया, रात में अपनी आंखों पर दबाव डाला ताकि वे आराम कर सकें, लेकिन खुद को खुश मानते थे क्योंकि वह देख और पेंट कर सकते थे। फेडोटोव ने महोगनी से बने दराजों की एक छाती को चित्रित करने के लिए केवल एक पूरा साल बिताया, और एक छोटी सी पेंटिंग "द विडो" पर, जहां केवल एक महिला आकृति है, उन्होंने दो साल तक काम किया। दो साल! इस दौरान आपने दो कक्षाओं से स्नातक किया, गर्मियों में शिविर में गए, बहुत कुछ किया। ओर वह? और दो साल तक वह सुबह से रात तक हर समय लिखता रहा, देखता रहा, फिर से काम करता रहा और फिर से लिखता रहा।

हाँ, जब तक कि फेडोटोव नहीं! और रेम्ब्रांट? और माइकल एंजेलो? कला को अपना जीवन देने वाले लोगों में से कोई भी, प्रतिभाशाली, प्रारंभिक मृत परिदृश्य चित्रकार एफ ए वासिलिव के साथ कह सकता है: "मैं हर तस्वीर को पेंट से नहीं, बल्कि पसीने और खून से पेंट करता हूं।"

क्या आप जानते हैं कि I. N. Kramskoy और I. K. Aivazovsky की मृत्यु उनके हाथों में ब्रश के साथ हुई थी, और V. I. Surikov ने ऐसी मौत का सपना देखा था? वहां क्या है! हर सच्चा कलाकार अपनी रचनात्मकता से जीता है, अपने काम को अपने सारे विचार, अपना सारा दिल, अपना सारा समय देता है। तो क्या कलाकार का निस्वार्थ काम इस लायक है कि आप उसके कामों, उसके चित्रों को देखें, जिसमें उसने अपनी जीवित आत्मा को रखा है, और साथ ही साथ उदासीनता से कहा: "बहुत अच्छा। पोशाक कितनी अच्छी लिखी है! यह वास्तविक है, मैंने भी छूना चाहते हैं।" या ऐसा ही कुछ और।

नहीं! प्रकृति ने जो कला दी है, उसमें कलाकार अपना सर्वश्रेष्ठ देता है - ऐसी कला को उदासीन निगाहों से नहीं देखा जा सकता। उसे देखने, महसूस करने, समझने में सक्षम होना चाहिए। और यह सीखा जाना चाहिए। आइए प्रदर्शनियों और कला दीर्घाओं के हॉल के माध्यम से चलते हैं। हम चित्रों, रेखाचित्रों, मूर्तियों को ध्यान से देखेंगे। हम यह पता लगाने की कोशिश करेंगे कि लेखक हमें क्या बताना चाहता था, उसने ऐसा क्यों किया और अन्यथा नहीं। आओ हम सब मिलकर नगर की सड़कों पर चलें; ललित कला के कई काम भी हैं। लेकिन चलो जल्दी मत करो।

तो, चलिए शुरू करते हैं!

कोहरा किस रंग का है?

और यहां हम हॉल में हैं, जहां पेंटिंग, ग्राफिक्स और मूर्तियां रखी गई हैं। दीवारों पर कैनवास, पेंसिल ड्रॉइंग पर चित्रित पेंटिंग हैं, और कोनों में और हॉल के केंद्र में ठोस सामग्री से बने बड़े पैमाने पर काम हैं और लोगों और कभी-कभी जानवरों का चित्रण। ये मूर्तियां हैं। पेंटिंग, ड्रॉइंग, मूर्तियां विभिन्न प्रकार की ललित कला हैं।

और फिर भी इन सभी विभिन्न प्रकार की कलाओं में बहुत कुछ समान है: वे विभिन्न वस्तुओं, घटनाओं, जीवन की घटनाओं को चित्रित करते हैं, जिन्हें दृष्टि से माना जाता है। और हम बहुत कुछ देखते हैं। सड़क पर - घर और अन्य भवन, बसें, ट्रॉलीबस, ट्राम; शहर छोड़ना - एक जंगल और एक नदी, राजमार्ग और फूल या फल-बिखरे पेड़; कमरे में - टेबल, कुर्सियाँ, किताबें, वार्डरोब और विभिन्न चीजें। और हर जगह सड़क पर, शहर के बाहर और घर पर - हम लोगों को देखते हैं। वे काम करते हैं, आराम करते हैं, बात करते हैं या बस जल्दी में हैं।
हमारे आस-पास की इस पूरी दुनिया को एक विमान और अंतरिक्ष में चित्रित किया जा सकता है। वे कलाएँ जो समतल और अन्तरिक्ष में जीवन की दृश्य परिघटनाओं को व्यक्त करती हैं, कहलाती हैं चित्रमय.

लेकिन आखिरकार, हम सिनेमा और रंगमंच में जीवन की विभिन्न घटनाओं और घटनाओं को देखते हैं, हम उनके बारे में साहित्य से सीखते हैं। वे ललित कला द्वारा हमें दिखाए गए चित्रों से किस प्रकार भिन्न हैं?

साहित्य, सिनेमा और रंगमंच में, सभी घटनाएँ क्रिया में होती हैं और समय के साथ विकसित होती हैं। उदाहरण के लिए, किसी चलचित्र में, छवि हर समय बदलती रहती है। आप किसी व्यक्ति के जन्म से लेकर मृत्यु तक उसके पूरे जीवन को देख सकते हैं। लेकिन, अगर डिवाइस अचानक खराब हो जाता है और छवि हिलना बंद कर देती है, तो आप जल्द ही स्क्रीन को देखकर थक जाएंगे। एक व्यक्ति, जैसा कि वह था, जीवित रहना बंद कर देता है, वह एक गतिहीन और कभी-कभी हास्यास्पद मुद्रा में जम जाता है, और यदि यह प्रकृति है, तो हर समय बादलों और फूलों को देखना बस उबाऊ हो जाएगा।

और चित्र किसी प्राकृतिक घटना को चित्रित कर सकता है, या यहां तक ​​​​कि सिर्फ फल या फूलों का फूलदान मेज पर रखा जा सकता है। और यद्यपि कैनवास पर फल या फूलों के गुलदस्ते के अलावा कुछ भी नहीं है। लोग तस्वीर को खुशी से देखते हैं और इस छवि में अपने लिए कुछ दिलचस्प पाते हैं।

अन्य प्रकार की कलाओं के विपरीत, जहां समय के साथ विकास होता है, ललित कला किसी व्यक्ति के जीवन में या प्रकृति की स्थिति में केवल एक क्षण दिखा सकती है। यही इसकी मुख्य विशेषता है, लेकिन यही इसकी जटिलता भी है।

लेकिन कैसे, तस्वीर में कैद एक पल में, एक शाश्वत गतिशील और बदलते जीवन, प्रकृति और लोगों को चित्रित करना संभव है ताकि यह क्षण बहुत कुछ बता सके?
आखिरकार, किसी व्यक्ति के बारे में या उसके जीवन के कम से कम कुछ सबसे महत्वपूर्ण एपिसोड के बारे में सब कुछ पता लगाना अधिक दिलचस्प है। और यहां कोई एपिसोड नहीं है और कोई जीवन कहानी नहीं है। बस एक लम्हा दिखाया गया है, लेकिन रुकी हुई मोशन पिक्चर में अगर कोई इंसान बेजान लगता है, उसकी हरकतों का अधूरापन हंसी का कारण बनता है, तो यहां...

जीवन से एक दृश्य में एक व्यक्ति, प्रकृति की छवि को देखें, और आप देखेंगे कि मानव आंदोलन प्राकृतिक है, प्रकृति जमी नहीं है, मृत नहीं है, और साथ ही, मनुष्य और प्रकृति समान हैं और एक ही समय में हैं असली के समान नहीं। जब कोई कलाकार किसी व्यक्ति को चित्रित करता है, तो वह ऐसी स्थिति की तलाश करता है जो किसी दिए गए व्यक्ति की सबसे विशेषता हो, जब उसकी सभी रचनात्मक शक्तियां पूरी तरह से प्रकट हो जाएं। फिर, ललित कला के काम में प्रदर्शित जीवन के केवल एक ऐसे क्षण को देखकर, हम इससे पता लगा पाएंगे कि वह किस तरह का व्यक्ति है और वह क्या करता है। ललित कला की ताकत और ख़ासियत यह है कि यह अपने दर्शकों के दिलो-दिमाग पर तुरंत वह लाती है जो किताब में कई पन्नों पर, सिनेमा में - हजारों फिल्म फ्रेम में कही जाएगी।

यहाँ एक छोटी सी तस्वीर हमारे सामने है। मुख्य घटना, जिसे यहाँ दर्शाया गया है, तुरंत स्पष्ट है।

एक उज्ज्वल, धूप से सराबोर कमरा। एक आदमी ने अभी-अभी उसमें प्रवेश किया है। उसने अजीब कपड़े पहने हैं। थकी हुई, गहरी धँसी हुई आँखें जिज्ञासु दृष्टि से देखती हैं। सिर के मोड़ में, उसके पूरे रूप में, किसी न किसी तरह की अनिश्चितता है। वह हिचकिचाया। किसी ने उसकी उम्मीद नहीं की थी, और उसका आगमन एक आश्चर्य है। यह इस बात से देखा जा सकता है कि जिस तरह से कमरे में मौजूद सभी लोगों ने उसकी शक्ल पर प्रतिक्रिया दी। काले रंग में एक बुजुर्ग महिला अपनी कुर्सी से उठी। नौकरानी, ​​जिसने अजनबी को अंदर जाने दिया, घबराहट और भय से भरी हुई है। एक बूढ़ी औरत सामने से उत्सुकता से देखती है। पियानो पर बैठी महिला भ्रमित और प्रसन्न है। लड़की उसे उदास, गम्भीरता और कठोरता से देखती है। यह बिल्कुल स्पष्ट है कि वह उसे नहीं जानती या याद नहीं करती। और लड़का! देखो वह नवागंतुक को कितनी प्रसन्नता से देखता है। उन्होंने उसे पहचान लिया। प्रसन्न। एक और पल, और खुशी के रोने के साथ, वह उसके पास दौड़ेगा।

कलाकार ने सब कुछ इस तरह से चित्रित किया कि किसी स्पष्टीकरण की आवश्यकता नहीं है: यह बिल्कुल स्पष्ट है कि अप्रत्याशित रूप से उसके परिवार का मुखिया लंबी अनुपस्थिति के बाद अपने परिवार में लौट आया। तस्वीर को कहा जाता है: "उन्होंने उम्मीद नहीं की", और इसे इल्या एफिमोविच रेपिन ने लिखा था। और, हालाँकि हम पहली नज़र में ही सब कुछ समझ गए थे, आइए एक नज़र डालते हैं।

कमरे में प्रवेश करने वाला व्यक्ति वनवास से लौटा। यह न केवल उनके कपड़ों से, बल्कि उनके थके हुए चेहरे और गहरी धँसी हुई आँखों से भी पता चलता है। यह सच है कि उन्होंने बहुत कुछ बदल दिया, भले ही उनके रिश्तेदारों ने उन्हें तुरंत नहीं पहचाना। पियानो पर बैठी महिला, निर्वासन की पत्नी, कमजोर और बीमार लगती है। उसका लुक खुशी और कुछ भ्रम व्यक्त करता है। कलाकार ने अपनी पीठ के साथ मां की आकृति को दर्शक के सामने रखा। केवल इस झुके हुए को देखना है, क्योंकि यह तुरंत स्पष्ट हो जाता है कि न केवल बुढ़ापा, बल्कि न्याय और कठिनाइयाँ भी इसे झुकाती हैं।

इसलिए, धीरे-धीरे प्रत्येक चरित्र की जांच करते हुए, आप बहुत कुछ सीख सकते हैं और नोटिस कर सकते हैं। इससे चित्र की सामग्री गहरी, पूर्ण हो जाती है। चेहरे की अभिव्यक्ति, मुद्रा, चाल, इशारों के माध्यम से व्यक्त की गई सभी की मन की स्थिति अधिक सूक्ष्म महसूस होती है। सब कुछ इतना सच्चा, महत्वपूर्ण, आश्वस्त करने वाला है कि ऐसा लगता है जैसे चित्रित हमारी आंखों के सामने हो रहा है और हम अनैच्छिक, अदृश्य गवाह हैं जो हुआ।

इतनी सरलता और प्रेरकता के साथ किसी चित्र को चित्रित करना बहुत कठिन है। कलाकार को एक ऐसा क्षण चुनना चाहिए जिसमें प्रत्येक पात्र का चरित्र विशेष रूप से पूरी तरह से प्रकट हो। कल्पना कीजिए कि उसने इस पल को नहीं, बल्कि दूसरे को चुना। सभी ने पहले से ही एलियन को पहचान लिया। बेटा दूसरों की तुलना में तेजी से भागा और अपने पिता की गर्दन पर लटका दिया। एक तरफ मां आई तो दूसरी तरफ पत्नी। यहां लड़की शायद अभी भी शर्मीली और हैरान है, लेकिन नौकरानी दरवाजे पर खड़ी रहती है। या शायद वह अब नहीं है: उसने महसूस किया कि उसका अपना आदमी आया था, और छोड़ दिया ताकि हस्तक्षेप न करें। अगर सब कुछ ऐसा होता, तो क्या हम समझ पाते कि क्या हुआ? लड़का खुश क्यों है, लड़की उदास क्यों दिखती है, और माँ और पत्नी नवागंतुक के पास क्यों जाते हैं?

या कलाकार बाद के क्षण को भी चित्रित करेगा: अजनबी ने अपना चेहरा धोया, अपने कपड़े बदले और अपने परिवार के साथ अपने अनुभव के बारे में बात की। फिर, सब कुछ उतना स्पष्ट नहीं होगा जितना अभी है। हम सोचेंगे कि पूरी बात ठीक एक दिलचस्प कहानी में है जिसे हर कोई इतनी ध्यान से सुन रहा है। क्या इस तरह के कथानक में परिवार द्वारा अनुभव किए गए जटिल नाटक को पहचानना संभव है? बिलकूल नही। यही कारण है कि तस्वीर में दिखाए जाने वाले पल का चुनाव इतना महत्वपूर्ण है। कभी-कभी तो यह भी कहते हैं: "पल मिल गया - एक तस्वीर है, नहीं मिला - नहीं"। क्या आपको लगता है कि इस पल को खोजना आसान है? नहीं। यह बहुत मुश्किल है।

यहाँ रेपिन है, उदाहरण के लिए, उसने इस पर कितना संघर्ष किया। और केवल वह ही नहीं। हर कलाकार। यह कलाकार का कौशल है कि वह जानता है कि ऐसे क्षण को कैसे चुनना है, ऐसी घटना जिससे लोगों के पात्रों, उनके सार को बेहतर ढंग से देखना संभव हो सके। इसके अलावा, कलाकार इस घटना को इस तरह से चित्रित करता है कि दर्शक आसानी से कल्पना कर सकता है कि चित्रित क्षण से पहले क्या हुआ, आगे क्या होगा। और तब। कि हमने इतनी आसानी से और आसानी से समझ लिया और महसूस किया, कलाकार को जबरदस्त तनाव और श्रम से पीटा। कैनवास पर यह सब पुन: पेश करने के लिए, उनके द्वारा लिखे गए लोगों, जिस वातावरण में वे रहते हैं, उन्हें जानना कितना आवश्यक था! और उपयुक्त लोगों को खोजने के लिए कितना समय और काम करना पड़ा, यह दर्शाता है कि काम के मुख्य विचार को प्रकट करना किसके लिए सबसे अच्छा था!

लेकिन काम का विचार न केवल व्यक्ति द्वारा, बल्कि चित्र में किसी भी विवरण से प्रकट होता है। कलाकार पावेल एंड्रीविच फेडोटोव के पास एक छोटे आकार की पेंटिंग "द कोर्टशिप ऑफ ए मेजर" है। आप उसे जरूर जानते हैं।

फेडोटोव के दोस्तों में से एक बताता है कि कलाकार ने इस पेंटिंग के लिए सामग्री कैसे एकत्र की: "खत्म करते समय" मैचमेकिंग "फेडोटोव को सबसे पहले एक कमरे के नमूने की जरूरत थी जो पेंटिंग के विषय में फिट हो। केवल दीवारें अच्छी थीं, लेकिन चीजें उनके साथ नहीं मिला; वहाँ सामान अच्छा था, लेकिन कमरे बहुत हल्के और बड़े थे ... एक बार, किसी रूसी सराय के पास से गुजरते हुए, कलाकार ने मुख्य कमरे की खिड़कियों के माध्यम से स्मोक्ड ग्लास के साथ एक झूमर देखा। वह चला गया मधुशाला में और अवर्णनीय खुशी के साथ वह इतने लंबे समय से क्या देख रहा था: गहरे भूरे रंग के रंग के साथ दीवारें, सबसे भोली सजावट की पेंटिंग, चित्रित "पुकेतमन" से सजाए गए छत, पीले रंग के दरवाजे - यह सब पूरी तरह से सहमत था वह आदर्श जो फेडोटोव की कल्पना में इतने दिनों से पहना हुआ था ”।
फेडोटोव खुद अपनी पेंटिंग पर काम करने के बारे में बात करते हैं: "जब मुझे अपने 'प्रमुख' के लिए एक प्रकार के व्यापारी की आवश्यकता होती है, तो मैं अक्सर गोस्टिनी और अप्राक्सिन ड्वोर के चारों ओर घूमता था, व्यापारियों के चेहरों को करीब से देखता था, उनकी बात सुनता था और उनका अध्ययन करता था। पकड़; एक ही लक्ष्य, लेकिन लंबे समय तक मुझे वह नहीं मिला जो मैं चाहता था।
अंत में, एनीचकोव ब्रिज पर एक दिन, मैं अपने आदर्श की प्राप्ति से मिला, और एक भी भाग्यशाली व्यक्ति, जिसे नेवस्की पर सबसे सुखद मिलन सौंपा गया था, उसकी सुंदरता से अधिक प्रसन्न नहीं हो सकता था, क्योंकि मैं अपनी लाल दाढ़ी से प्रसन्न था। और मोटा पेट।
मैं अपने घर खोजने के साथ गया, फिर मुझे उसे जानने का मौका मिला, पूरे एक साल तक उसके पीछे घसीटा गया, उसके चरित्र का अध्ययन किया, अपनी आदरणीय चाची से एक चित्र की नकल करने की अनुमति प्राप्त की (हालाँकि वह इसे एक पाप और एक अपशकुन मानता था) ) और उसके बाद ही इसे अपनी पेंटिंग में पेश किया ...
पूरे एक साल तक मैंने एक चेहरे का अध्ययन किया, और दूसरे ने मुझे क्या खर्च किया! "

इस तरह एक कलाकार पेंटिंग पर काम करता है। इसलिए वह चुनती है, अपने प्रत्येक पात्र का अध्ययन करती है। लेकिन जीवन में कलाकार एक नहीं, कई तस्वीरें लिखेंगे। और उनके विषय अलग होंगे, और लोग और सब कुछ अलग होंगे। और इसलिए कि चित्र सच्चे, आश्वस्त करने वाले हों, ताकि दर्शक मुख्य बात को आत्मसात और समझ सके, आपको कितना जानने, समझने, अध्ययन करने की आवश्यकता है! सभी जीवन परिस्थितियों में, कलाकार सबसे विशिष्ट लोगों को चुनता है। आखिरकार, यादृच्छिक नहीं, बल्कि विशिष्ट पात्रों को दिखाना और उन्हें यादृच्छिक रूप से नहीं, बल्कि विशिष्ट परिस्थितियों में रखना, कलाकार अपने कार्यों में जीवन की सच्चाई का खुलासा करता है। जीवन में, कलाकार ने भूखंडों को देखा, अपने नायकों के लिए प्रोटोटाइप पाया, जीवन दिया उसे अपने चित्रों के लिए सामग्री। वह "दोनों आँखों" में देखता है, लेकिन यह पर्याप्त नहीं है। वह हमेशा न केवल स्मृति में, बल्कि कागज पर भी, जो उसने देखा उसे रिकॉर्ड करने की कोशिश करता है।

किसी तरह रुचि लें, फेडोटोव के कलाकारों के एल्बम लें। सुरिकोव। रेपिन, सेरोव। उनमें कितने समान और असमान, समान और भिन्न रेखाचित्र, रेखाचित्र हैं!
उदाहरण के लिए, फेडोटोव के पास एक शीट "हाउ पीपल सिट" है, जिसमें सबसे विविध आंदोलनों को दर्शाया गया है जो एक व्यक्ति कुर्सी पर बैठने पर करता है। ऐसे एल्बम - नोटबुक - हर कलाकार के पास होता है। यदि कोई लेखक शब्दों में अपनी टिप्पणियों, सबसे यादगार अभिव्यक्तियों, विशिष्ट शब्दों को लिखता है, तो कलाकार यह सब करता है, आकृतियों, मुद्राओं, इशारों, आंदोलनों को पुन: प्रस्तुत करता है। या हो सकता है कि आपने कभी किसी कलाकार को मीटिंग में या शाम को अन्य लोगों के साथ देखा हो? अगर नहीं। करीब से देखें और आप हमेशा उसे पहचान पाएंगे। यहां वह एक रिपोर्ट सुन रहा है, लेकिन अचानक उसका हाथ कागज के लिए पहुंच गया, एक पेंसिल जल्दी से उसके ऊपर दौड़ गई। तुम देखो - उसने स्पीकर से या अपने किसी पड़ोसी से एक शॉट बनाया। एक में, उन्होंने एक हावभाव के साथ विशेष रूप से अपने भाषण के महत्वपूर्ण भागों पर जोर देने का एक दिलचस्प तरीका देखा, दूसरे में। जैसे ही वह एक गिलास पानी के लिए पहुंचता है। हावभाव, घुमाव, चाल, चेहरे के भावों की विशेषताएं - यह सब कलाकार द्वारा दर्शाया गया है। किस लिए? हो सकता है कि इनमें से कोई भी अवलोकन भविष्य के काम में ठीक इसी रूप में शामिल नहीं किया जाएगा, लेकिन निरंतर रेखाचित्र अवलोकन विकसित करते हैं और स्वयं अवलोकन का परिणाम होते हैं। और फिर, यह सब वह सामग्री है जो कलाकार को आगे के काम के लिए चाहिए। यदि वह स्पीकर को सैकड़ों बार स्केच करता है, तो वे इस विषय पर काम करते समय उसके लिए उपयोगी होंगे। कई अवलोकनों से, वह एक पूरे का निर्माण करेगा, जो उसे मंच पर बोलने वाले व्यक्ति को सच्चाई और दृढ़ता से चित्रित करने का अवसर देगा। बेशक, तब कलाकार अपने छापों की एक से अधिक बार जाँच करेगा, लेकिन उसके लिए जीवन अवलोकन आवश्यक हैं।
लेकिन ऐसा भी होता है कि बनाया गया कोई भी स्केच सीधे उसके काम में नहीं जाएगा। वही सब - कलाकार का काम उसके लिए एक निशान के बिना नहीं गुजरता। वह हर उस चीज़ को अधिक स्वतंत्र रूप से व्यक्त करने में सक्षम होगा जिसे कई बार देखा और पुन: प्रस्तुत किया गया है। और, इसके अलावा, अवलोकन स्वयं कलाकार को विषय और कथानक दोनों का सुझाव देते हैं।

एक कलाकार एक निश्चित समाज में रहता है। जीवन पर, लोगों पर, मानवीय संबंधों पर, अच्छे और बुरे, सुंदर और बदसूरत पर उनके विचार, अन्य लोगों की तरह ही उनके अपने विचार हैं। यह दुनिया का एक दृश्य है - एक विश्वदृष्टि। कलाकार बिना देखे किसी चीज से गुजरता है, लेकिन कुछ उसे आकर्षित करता है, रुचि रखता है, उत्तेजित करता है और उसकी कल्पना को पकड़ लेता है। लेकिन कलाकार का काम बनाना इतना आसान नहीं है जितना कि यह लग सकता है। पहली नजर। मैंने सोचा और फैसला किया: "मैं इसके बारे में लिखूंगा।" नहीं, जब कोई विचार पैदा होता है, तो कलाकार के पास न केवल वह घटना (साजिश) होती है जिसे वह व्यक्त करना चाहता है, बल्कि वह साधन भी होता है जिसके द्वारा वह अपने विचार को व्यक्त करने के लिए सोचता है: आंकड़ों की मुख्य व्यवस्था और मुख्य रंग अनुपात। ऐसा लगता है कि अब सब कुछ - कार्यशाला में जाओ, बैठो और लिखो! लेकिन यह अभी भी एक लंबा रास्ता तय करना है। किए गए अवलोकनों के आधार पर, कलाकार अपने भविष्य के काम का पहला, प्रारंभिक स्केच तैयार करता है - स्केच... फिर वह सामग्री एकत्र करता है और इस काम के लिए सीधे अवलोकन करता है, लोगों और उस वातावरण की तलाश करता है जिसकी उसे तस्वीर के लिए आवश्यकता होती है। उदाहरण के लिए, यदि एक कमरे में घटनाएँ होती हैं, तो संबंधित कमरा, यदि सड़क पर है, तो आपको इस स्थान को सीधे प्रकृति से खोजने और लिखने की आवश्यकता है। हां, न केवल इसे कॉपी करें, बल्कि इसे वर्ष के एक निश्चित समय पर, दिन के एक निश्चित समय पर और एक निश्चित रोशनी में एक छवि दें। यह इस बात पर निर्भर करता है कि चित्रित सब कुछ कैसा दिखेगा और भविष्य के दर्शकों में यह किन भावनाओं और विचारों को जगाएगा। इसके लिए कलाकार प्रकृति और मनुष्य, यानी प्रकृति से सीधे देखते हुए लिखता है, खींचता है और गढ़ता है।

जीवन से सीधे लिखे गए छोटे प्रारंभिक कार्यों को कहा जाता है रेखाचित्रप्रत्येक स्केच में, कलाकार किसी दिए गए कार्य के लिए एक विशिष्ट और आवश्यक कार्य को हल करता है: वह किसी व्यक्ति की एक निश्चित गति, पेंटिंग के लिए आवश्यक आकृतियों या वस्तुओं की व्यवस्था, प्रकृति की एक निश्चित स्थिति, और केवल तभी पाता है जब उसके भविष्य के काम में कलाकार की कल्पना में स्पष्ट रूप से गठित, जब सभी आवश्यक प्रारंभिक सामग्री एकत्र की जाती है, तो वह सीधे उस पर काम करना शुरू कर देता है। और फिर भी तुरंत नहीं। आखिरकार, काम शुरू करने से पहले, प्रत्येक व्यक्ति को सोचना चाहिए और फिर से जांचना चाहिए।

यहां कार्यकर्ता को वह सामग्री प्राप्त हुई जिससे उसे एक हिस्सा, एक मशीन और एक उपकरण बनाना होगा। लेकिन वह तुरंत भाग को संसाधित करना शुरू नहीं करेगा। वह देखता है कि क्या और कहाँ निकालना है, क्या छोड़ना है, एक काम को किन साधनों से करना है, किस दूसरे के साथ। और टूल को इस तरह पोजिशन किया जाएगा। ताकि अधिक जरूरत उसकी उंगलियों पर हो, और कम जरूरत दूरी पर हो।
वास्तुकार वही करता है। निर्माण शुरू करने से पहले, वह सबसे पहले घर का मसौदा तैयार करता है, जिसमें वह सामान्य दृश्य, कमरों, फर्श, सीढ़ियों की व्यवस्था की रूपरेखा तैयार करता है।
लेखक अपने भविष्य के काम के लिए एक योजना तैयार करता है। कलाकार भी, अंतिम काम पर जाने से पहले, काम के लिए एक योजना तैयार करता है, लेकिन इसे शब्दों में नहीं लिखता है, लेकिन इसे पूरी तरह से कैनवास या कागज पर चित्रित करता है। ऐसा करने के लिए, वह पहले एक सामान्य योजना की रूपरेखा तैयार करता है: केंद्र में क्या होना चाहिए और बड़े पैमाने पर चित्रित किया जाना चाहिए, एक तरफ क्या, दूसरी तरफ, सबसे पहले क्या ध्यान देना चाहिए और टकटकी को आगे कहाँ जाना चाहिए। सभी तत्व काम की व्यवस्था संयोग से नहीं, बल्कि उस मुख्य विचार के अनुसार की जाती है जिसे कलाकार अपने काम में व्यक्त करना चाहता है।

कार्य की सामान्य संरचना और उसमें सभी तत्वों का संयोजन, जो सबसे बड़ी पूर्णता के साथ वैचारिक मंशा को व्यक्त करना संभव बनाता है, कहलाता है संयोजन(लैटिन शब्द रचना से - रचना)।

सबसे बड़ी अभिव्यक्ति के लिए प्रयास कभी-कभी चित्र के नए संस्करणों को जन्म देता है। इसलिए, पेंटिंग "वे डिड नॉट एक्सपेक्ट" पर काम करते हुए, IE रेपिन कई विकल्पों के माध्यम से चला गया। सबसे पहले इसे एक महिला छात्र की अचानक वापसी के रूप में माना गया था।

उस समय की छात्राएं सबसे प्रगतिशील और यहां तक ​​कि क्रांतिकारी सोच वाली लड़कियां थीं। अक्सर, अपने माता-पिता की इच्छा के विरुद्ध, वे शिक्षा प्राप्त करने के लिए घर छोड़ देते थे। इसलिए, एक छात्रा का उसके घर पर आगमन एक ऐसी घटना हो सकती है जो काम के लिए सामग्री प्रदान करती है। रेपिन ने चित्र के इस संस्करण को भी लिखा था। लेकिन फिर, चित्र पर काम करते हुए, कलाकार ने सामग्री को गहरा करते हुए इसे बदल दिया। और यह अब छात्र नहीं है जो घर आता है, बल्कि क्रांतिकारी निर्वासन से लौटता है। चित्र में नए विवरण दिखाई दिए - एक सुंदर नौकरानी जिसने निर्वासन को अंदर जाने दिया, जो अपनी पूरी उपस्थिति के साथ इस बात पर जोर देती है कि इस घर में ऐसे व्यक्ति का आगमन कितना असामान्य है। अंतिम संस्करण में, प्रत्येक चरित्र का चरित्र, निर्वासित सुआली के प्रति दृष्टिकोण अत्यंत स्पष्ट है, और चित्र ने पूरी तरह से अलग अर्थ प्राप्त कर लिया है।

और कलाकार कितनी बार प्रत्येक छवि पर काम करता है, कितनी बार रीमेक करता है, बदलता है! लंबे समय तक रेपिन क्रांतिकारी बनने में सफल नहीं हुए। कलाकार को अपनी मुद्रा नहीं मिली, या बल्कि आंदोलन, खुद से असंतुष्ट था, पीड़ित था, बदल गया और यहां तक ​​​​कि पेंटिंग पर काम छोड़ने की बात भी की। रेपिन ने यह सुनिश्चित करने का प्रयास किया कि उनकी तस्वीर में क्रांतिकारी एक नायक और साथ ही एक साधारण, सामान्य व्यक्ति था। अपनी मुद्रा में, वह कुछ अनिर्णय दिखाना चाहता था - क्या वे इसे किसी तरह स्वीकार करेंगे? - और तुरंत एक चमकती खुशी कि परिवार ने उसे स्वीकार कर लिया।
ज़रा सोचिए, क्योंकि ऐसी जटिल भावनाएँ - लौटने की खुशी और अनिर्णय की वजह से कि उनकी अस्पष्ट भावना तुरंत कैसे प्रकट हुई - समझी गई, स्वीकार की गई, खुशी हुई, इसे चित्रित करना और भी कठिन है। इसलिए रेपिन ने इस पर पूरे चार साल तक लड़ाई लड़ी।
और चित्र समाप्त होने और दर्शकों को दिखाए जाने के बाद भी, वह बार-बार एक क्रांतिकारी की छवि में लौट आया और उसे जोड़ा। इस तरह कलाकार किसी पेंटिंग की लगभग हर छवि पर काम करते हैं।

और कभी-कभी ऐसा होता है। एक कलाकार लंबे समय तक एक आकृति पर काम करता है, और फिर यह पता चलता है कि यह ज़रूरत से ज़्यादा है, और ... वह इसे कैनवास से हटा देता है, क्योंकि आंकड़े या वस्तुएं जो कुछ भी नहीं कहती हैं, दर्शकों का ध्यान मुख्य चीज़ से विचलित कर सकती हैं। उदाहरण के लिए, पेंटिंग "वे डिड नॉट एक्सपेक्ट" में रेपिन ने बाईं ओर बालकनी से प्रवेश करने वाले एक बूढ़े व्यक्ति की आकृति को हटा दिया। और इसे लिखने में कितना काम लगा!

आइए देखते हैं एक और तस्वीर। यह वासिली इवानोविच सुरिकोव द्वारा लिखित एक बहुत प्रसिद्ध कृति भी है - "बेरेज़ोवो में मेन्शिकोव"।

मेन्शिकोव कौन है, आपको इतिहास से याद है। कलाकार ने निर्वासन में पीटर I के साथी और मित्र को चित्रित किया, जहां वह पीटर की मृत्यु के बाद समाप्त हुआ। मेन्शिकोव अपने बच्चों से घिरी एक अंधेरी, ठंडी झोपड़ी में बैठा है।सबसे छोटी बेटी पढ़ रही है। लेकिन उसकी कोई नहीं सुनता, सब अपने बारे में सोचते हैं। मेन्शिकोव, उदास, एकाग्र, उसकी यादों से चला गया था। वह अतीत को ताजा करता है। बाह्य रूप से, वह शांत है, लेकिन वह अपने भाग्य के साथ नहीं आया है। एक अड़ियल, गर्व की मुद्रा, मुट्ठी में जकड़ा हुआ हाथ उस शक्ति को धोखा देता है जो उसमें व्याप्त है। वह, एक विशाल भारी गांठ की तरह, बाकी हिस्सों से ऊपर उठता है। बड़ी बेटी उनके चरणों में बैठ गई। एक फर कोट में लिपटी पतली, ठंडी, वह एक स्थिर निगाह से देखती है और ... कुछ भी नहीं देखती है। ऐसा अनदेखा रूप एक गहन विचारशील व्यक्ति में होता है। मेन्शिकोव का बेटा भी अपने परिवेश पर ध्यान नहीं देता, अपनी छोटी बहन की आवाज नहीं सुनता। उसकी उंगलियां यंत्रवत रूप से मोमबत्ती से मोम को साफ करती हैं। जमी हुई खिड़की से हल्की झिलमिलाहट, निचली छत उन पर दबती हुई प्रतीत होती है।

यहां तक ​​कि अगर आपको ये भी नहीं पता कि ये लोग कौन हैं और इनका क्या हुआ, तो भी तस्वीर देखकर आप शांत नहीं रह सकते। और फिर, जैसा कि रेपिन के "वे डिड्ट एक्सपेक्ट" में है, जितना अधिक आप देखते हैं, जितना अधिक आप नोटिस करते हैं, जितना अधिक आप खोलते हैं, आप उस चीज़ को देखना शुरू करते हैं जिस पर आपने पहले ध्यान नहीं दिया था। मेन्शिकोव परिवार लगभग एक-दूसरे को करीब से छू रहा है, लेकिन उनमें से प्रत्येक कितना अकेला है! वे कितने दूर हैं। सब अपने बारे में सोचते हैं। और उनके कपड़े कैसे विरोधाभासी हैं, फर्श पर एक भालू का इकुरा और एक मनहूस, बिना गरम झोपड़ी में एक महंगा मेज़पोश!

दोनों बहनों को देखो। सबसे बड़ा, पीला, ढीले, और शायद अनचाहे बालों के साथ, खुद को एक फर कोट में लपेट लिया। सबसे छोटा बड़े करीने से कंघी किया हुआ है, चालाकी से कपड़े पहने हैं। आप इसे नोटिस करेंगे और आप समझ जाएंगे: बड़ी अब किसी भी चीज़ में विश्वास नहीं करती है, किसी चीज़ की आशा नहीं करती है, और उसकी बहन ने अभी तक विलासिता की अपनी पुरानी आदतों को नहीं खोया है। जितना अधिक आप चित्र में देखेंगे, उतना ही आप उसमें देखेंगे, और जो हो रहा है उसका अर्थ और भी गहरा होता जाएगा। लेकिन हम कितना भी देखें, हमारी निगाह हर समय मेन्शिकोव की ओर लौटती है, और यहाँ से वह सबसे बड़ी बेटी की नाजुक आकृति पर जाती है, जो उनसे चिपकी हुई है, उनसे - बेटे, सबसे छोटी बेटी और फिर उससे, मेन्शिकोव। और यह कोई संयोग नहीं है। कलाकार जानबूझकर अपने काम का निर्माण इस तरह से करता है कि दर्शक की निगाह एक आकृति से दूसरी वस्तु पर, एक वस्तु से दूसरी वस्तु पर जाती है। एक काम को इस तरह से लिखने की क्षमता है कि दर्शक को पहले चित्र का एक सामान्य प्रभाव मिलता है, और फिर उन विवरणों पर विचार करने के लिए आगे बढ़ता है जो उसे सामग्री को गहराई से प्रकट करने में मदद करेंगे, रचनात्मक महारत की नींव में से एक है।

यह कैसे हासिल किया जाता है?

हो सकता है कि मुख्य पात्र यह है कि कलाकार बड़ा लिखता है या उसे दर्शक के करीब लाता है? यदि इतना सरल नियम होता, तो सभी चित्र एक-दूसरे से बहुत मिलते-जुलते होते। और उन्हें देखना दिलचस्प नहीं होगा। लेकिन फिर भी कुछ कारण है जो दर्शक को तस्वीर में मुख्य बात पर ध्यान देता है, और उससे विवरण पर जाने के लिए।
बेशक, कलाकार चित्र में आंकड़े रखता है ताकि कुछ तुरंत ध्यान देने योग्य हों, जबकि अन्य पृष्ठभूमि में फीके लगते हों। मुख्य बात हर समय देखने के क्षेत्र में बने रहने के लिए, एक नियम है: वहाँ तस्वीर में कुछ भी अतिश्योक्तिपूर्ण नहीं होना चाहिए, कुछ भी आकस्मिक नहीं होना चाहिए। कलाकार चित्र में विभिन्न विवरणों का परिचय देता है, केवल इसलिए नहीं कि वह उन्हें चित्र में फिट करना चाहता था, बल्कि उनकी मदद से काम के विचार को और प्रकट करने के लिए। अन्यथा, ये सभी विवरण दर्शक को मुख्य चीज़ से विचलित कर देंगे। लेकिन अच्छे कामों में ऐसा नहीं होता है। एक वास्तविक कलाकार तस्वीर में आकस्मिक रूप से कुछ भी पेश नहीं करता है, और अगर काम के दौरान उसने कुछ बहुत महत्वपूर्ण नहीं पेश किया, तो वह निश्चित रूप से इसे हटा देगा।

बेशक, हर काम में न केवल मुख्य है, बल्कि माध्यमिक भी है। आखिरकार, चित्र में दिखाए गए लोग एक खाली जगह में नहीं, बल्कि एक निश्चित वातावरण में रहते हैं, और उनके बीच जो कुछ भी होता है वह घर पर, सड़क पर, मैदान में, जंगल में, काम पर होता है। और कलाकार एक ऐसा माहौल दिखाता है जो लोगों और उनके रिश्तों को और भी बेहतर ढंग से समझने में मदद करता है।
आइए हम फिर से रेपिन की पेंटिंग "वे डिड नॉट एक्सपेक्ट" को याद करें। कमरे की दीवारों पर हम नेक्रासोव और शेवचेंको के चित्र देखते हैं। दोनों कवि गायक और प्रजा के रक्षक थे। इसका मतलब यह है कि जिस कमरे में उनके चित्र लटकते हैं, वहां ऐसे लोग रहते हैं जो आम लोगों से प्यार करते हैं और उनका सम्मान करते हैं। कल्पना कीजिए कि इन चित्रों के बजाय कुछ अपरिचित लोगों की छवियां होंगी, फिर निश्चितता जिसने हमें अर्थ को बेहतर ढंग से समझने में मदद की, वह तुरंत गायब हो जाएगी।

नौकरानी को देखो। वह अभी भी दरवाज़े के हैंडल को पकड़े हुए है। क्या आप संयोग से सोचते हैं? नहीं। यह इशारा उसके डर और घबराहट पर और जोर देता है: उसने थोड़ा सा दरवाजा खोला, लेकिन इसे नहीं खोला और किसी अजनबी को कमरे में जाने दिया। और स्कूली छात्र? उसकी गर्दन पतली है, पतली है, उसके कपड़े थोड़े बड़े हैं, विकास के लिए खरीदे गए हैं। क्या यह पारिवारिक धन की कमी को नहीं दर्शाता है? आपने सुनिश्चित किया है कि कलाकार चित्र में केवल ऐसे विवरणों का परिचय देता है जो अर्थ को समझने में मदद करते हैं। और कुछ विवरण कितना भी अच्छा क्यों न हो, विवरण अपने आप में है, लेकिन अगर यह सामग्री की गहरी समझ में योगदान नहीं देता है, तो यह केवल काम को नुकसान पहुंचाता है। लेकिन कलाकार न केवल अपने चित्र में आवश्यक विवरण छोड़ देता है, बल्कि सब कुछ व्यवस्थित करता है यह ऐसा है, ताकि मुख्य बात ध्यान देने योग्य हो, ताकि माध्यमिक आगे न आए, लेकिन मुख्य बात को समझने में मदद करें, ताकि विवरण धारणा की अखंडता का उल्लंघन न करें। और चित्र का आकार यादृच्छिक भी नहीं है, चाहे वह लंबवत रूप से बनाया गया हो या चौड़ाई में बढ़ाया गया हो।

प्रत्येक चित्र में न केवल एक निश्चित आकार, सख्त रचना होती है, बल्कि पेंट के साथ चित्रित, चित्रित भी होती है।

इसलिए पेंटिंग को इसका नाम मिला, जिसका अर्थ है पेंटिंग, यानी रंग की मदद से विभिन्न वस्तुओं के समतल पर छवि।
तथ्य यह है कि छवि को रंग की मदद से दिया जाता है, यह पेंटिंग की एक आवश्यक विशिष्ट विशेषता है। एक पेंटिंग की धारणा के लिए, रंग बहुत महत्वपूर्ण है, लेकिन यह केवल पेंटिंग में ही महत्वपूर्ण नहीं है।

कल्पना कीजिए कि आपके सामने काफी बड़ी दूरी पर कई लोग हैं। आप सबसे पहले किस पर ध्यान देंगे? बेशक, किसी ऐसे व्यक्ति के लिए जो चमकीले कपड़े पहने हुए है, खासकर यदि रंग एक-दूसरे के साथ वैकल्पिक होते हैं: सफेद के साथ काला, नीले रंग के साथ लाल, आदि। और कल्पना करें कि हर कोई एक जैसे कपड़े पहने हुए है, जैसे परेड में एथलीट, तो आप प्रत्येक को नोटिस नहीं करेंगे व्यक्ति अलग से, लेकिन समग्र रूप से स्तंभ। ये वही कानून, केवल, निश्चित रूप से, अधिक जटिल संयोजन में, कलाकार द्वारा लागू किए जाते हैं।

रेपिन की पेंटिंग "वे डिड नॉट एक्सपेक्ट" में, सबसे पहले टकटकी माँ पर रुकती है, क्योंकि उसने काले कपड़े पहने हैं और काले रंग में उसकी बड़ी आकृति कमरे की हल्की दीवारों की पृष्ठभूमि के खिलाफ विशेष रूप से ध्यान देने योग्य है।
सुरिकोव की पेंटिंग में, मेन्शिकोव का धूसर सिर एक उदास झोपड़ी और उसकी गंदी दीवारों की पृष्ठभूमि के खिलाफ खड़ा है। सुरिकोव की पूरी पेंटिंग शार्प कलर कॉन्ट्रास्ट पर बनी है। खिड़की के हल्के धब्बे, चेहरे, किताबें, एक ध्रुवीय भालू की खाल दीवार के काले स्वर और सबसे बड़ी बेटी के फर कोट की पृष्ठभूमि के खिलाफ बाहर खड़े हैं।

इसका मतलब यह है कि कलाकार न केवल कथानक के निरंतर विकास पर, बल्कि रंग के धब्बों के विपरीत भी रचना का निर्माण करता है। और यह सब एक साथ सामग्री को प्रकट करता है।
कल्पना कीजिए कि कलाकार गलती से चित्र में सभी आकृतियों को व्यवस्थित कर देगा, उन्हें समान आकार का बना देगा और समान चमकीले कपड़े पहन लेगा। तब देखने वालों की निगाहें बेचैन होकर एक आकृति से दूसरी आकृति की ओर दौड़ती थीं, न जाने कहाँ रुकती थीं। सब कुछ समान रूप से आकर्षक होगा, और काम का अर्थ हमारे लिए स्पष्ट नहीं होगा।
अपने काम के विचार को प्रकट करने के लिए, कलाकार न केवल आंकड़े और वस्तुओं को रखता है, बल्कि चित्र में रंग के धब्बे भी काम के विचार के अनुसार बहुत सोच-समझकर रखता है।

तभी यह सब ध्यान में रखा जाता है, एकत्र किया जाता है, जब सब कुछ रखा जाता है, अंत में गिर जाता है, तो काम आश्चर्यजनक रूप से अभिन्न हो जाता है, और ऐसा लगता है कि सब कुछ ऐसा होना चाहिए और अन्यथा नहीं हो सकता। और अब काम से कुछ भी हटाना और उसमें कुछ भी जोड़ना संभव नहीं है, ताकि इसका अर्थ न बदले।
और हम, दर्शक, ऊपर आएंगे, देखिए, दस-पंद्रह मिनट तक खड़े रहेंगे, और तब तक हमें सब कुछ अच्छा और सरल लगेगा, कि हमें इस बात का अंदाजा भी नहीं होगा कि कितना काम, विचार, उत्साह और भावनाओं को कलाकार ने अपने दिमाग की उपज में डाल दिया। और एक निश्चित संकेत है कि एक काम सही है कि हम यह नहीं देखते कि इसे कैसे बनाया जाता है। हम देखते हैं, आनंद लेते हैं, चित्र आंख को भाता है, विचारों को जगाता है, कुछ महसूस कराता है और कुछ सोचता है। हम निष्पादन पर थोड़ा ध्यान देते हुए सामग्री को देखते और नोटिस करते हैं। और, यदि हां, तो कलाकार का लक्ष्य प्राप्त हो गया है।

लेकिन अगर तस्वीर में कुछ काम नहीं करता है, तो हम अचानक कुछ विवरणों पर ध्यान देना शुरू कर देंगे, या हम समझ नहीं पाएंगे कि क्या दर्शाया गया है, कलाकार क्या कहना चाहता है। या लोग बस देखते हैं, प्रशंसा करते हैं, लेकिन ... बिल्कुल नहीं जिसकी प्रशंसा की जानी चाहिए।
आपने शायद दर्शकों को तस्वीर के पास खड़े होकर यह कहते सुना होगा: "ओह, कितना प्यारा! देखो यह बटन कितना अद्भुत लिखा है: आप बस इसे छूना चाहते हैं। और पोशाक? ठीक है, बिल्कुल असली।" या, घर लौटते हुए, वे दोस्तों और पड़ोसियों को तस्वीर देखने की सलाह देते हैं, लेकिन वे इसमें प्रदर्शन के लिए कुछ विस्तार, कुछ तुच्छ के काम की प्रशंसा करते हैं।
या हो सकता है कि आपने खुद कभी-कभी ऐसी तस्वीरों को देखा हो और उनके बारे में इस तरह बात की हो?

खैर, इसके दो कारण हैं: या तो कलाकार मुख्य बात को व्यक्त करने में विफल रहा और विवरण ने आपके सार को अस्पष्ट कर दिया, या आप नहीं जानते कि चित्रों को कैसे देखा जाए। बल्कि दोनों।
याद रखें "बेरेज़ोवो में मेन्शिकोव"। सफेद फर, ब्रोकेड स्कर्ट, कोने में एक दीपक, एक ठंढी खिड़की के साथ छंटनी किए गए मखमली कोट को किस नायाब कौशल से चित्रित किया गया था! तस्वीर का कोई भी टुकड़ा। चाहे वह किसी व्यक्ति का चेहरा हो या वस्त्र, झोपड़ी का साज-सामान - सब कुछ अत्यंत पूर्णता के साथ लिखा गया है।
लेकिन कोई यह कहने के लिए कभी नहीं सोचेगा: "ट्रीटीकोव गैलरी में जाओ, देखो कि मेन्शिकोव की बेटी की ब्रोकेड स्कर्ट कैसे चित्रित है!" आप इसे अलग तरह से रख सकते हैं: "सुरिकोव की पेंटिंग को देखें। मेन्शिकोव कितना मजबूत व्यक्तित्व है - पिंजरे में सिर्फ एक शेर! एक आदमी ने कितनी त्रासदी का अनुभव किया है!"
जिस तरह से इस चित्र को चित्रित किया गया है, क्या हम उसकी प्रशंसा नहीं करते? बेशक, हम प्रशंसा करते हैं। पहली बार नहीं, कभी-कभी हम लंबे समय तक विचार करते हैं कि सब कुछ कितनी सूक्ष्मता से किया जाता है, हमें आश्चर्य होता है कि पेंट्स के पास संयोग से काफी मिश्रित लगते हैं, प्रेरक समझ से बाहर स्ट्रोक, लेकिन। किसी को केवल दूर जाना है, एक ही चित्र में वही पेंट जगह में गिरने लगते हैं और अब पेंट या स्ट्रोक नहीं लगते हैं, बल्कि विभिन्न वस्तुओं के रंग को सटीक रूप से व्यक्त करते हैं।

कलाकार अपने कार्यों की ऐसी अभिव्यक्ति और प्रेरकता कैसे प्राप्त करता है?
हम पहले ही कह चुके हैं कि अपने काम में वह लोगों और वस्तुओं को व्यवस्थित करता है ताकि विवरण मुख्य चीज के अधीन हो। लेकिन उन्होंने यह भी नोट किया कि जीवन में और एक पेंटिंग में, हम चमकते, रंग में जो अलग हैं, उससे हम प्रभावित होते हैं। और चित्र की रचना करते समय कलाकार भी इस विशेषता को ध्यान में रखता है।
अवलोकन और खोज, और भविष्य के काम के नायकों की पसंद, और उस वातावरण का चयन जिसमें वे कार्य करेंगे, और संपूर्ण कार्य को वैचारिक अवधारणा के अधीन करना - यह सब हर प्रकार की कला में निहित है, जिसमें शामिल हैं ललित कला।

आगे हम मूर्तिकला और ग्राफिक्स के बारे में बात करेंगे, और आप देखेंगे कि पेंटिंग और इस प्रकार की ललित कला के बीच मुख्य अंतर यह है कि कलाकार रंग के साथ पेंटिंग बनाता है। रंग के साथ, वह इस तथ्य को प्राप्त करता है कि चित्र में प्रत्येक वस्तु वास्तविकता में अपने प्रोटोटाइप के समान है।
कलाकार एक ट्यूब से सबसे साधारण पेंट लेता है और। उन्हें एक निश्चित तरीके से कैनवास पर रखने से यह तथ्य प्राप्त होता है कि किसी व्यक्ति के चेहरे और हाथों में मांस का रंग होता है, पेड़ एक पेड़ जैसा दिखता है, और प्रत्येक कपड़ा भारी या हल्का, पारदर्शी या चमकदार दिखाई देगा।

लेकिन यह कैसे होता है कि एक कलाकार साधारण तेल पेंट के साथ इतना असाधारण परिणाम प्राप्त करता है, यानी वनस्पति तेलों पर खींचा जाता है, जिसके साथ हर कोई पेंट कर सकता है? बहुत सी सूक्ष्म तकनीकें, विधियां, कानून हैं, लेकिन हम केवल सबसे बुनियादी के बारे में बात करेंगे।
हम कह सकते हैं कि कलाकार रंगों को इस तरह मिलाता है कि वे उस विशेष रंग को प्राप्त कर लेते हैं जो चित्रित वस्तु में निहित है। तब ट्यूब से पेंट सिर्फ नीला या सफेद होना बंद हो जाता है, लेकिन सफेद बर्फ या नीले आकाश का रंग बन जाता है।

आप शायद हैरान होंगे और सोचेंगे:
"इसमें क्या गलत है? और आपको पेंट मिलाने की क्या आवश्यकता है? सफेद सफेद है, नीला नीला है, नीला नीला है।"
यह पता चला है कि ऐसा नहीं है। नीला आकाश एक बात है, और नीली पोशाक बिल्कुल दूसरी है। सफेद बर्फ, सफेद फर टोपी, सफेद डॉक्टर का कोट, सफेद बादल और कई अन्य प्राकृतिक घटनाएं और सफेद विलो वस्तुएं सभी अलग हैं।
और इसलिए नहीं कि बर्फ भुलक्कड़ है, और बागे चिकने हैं, यानी न केवल सामग्री की गुणवत्ता के कारण, बल्कि रंग में भी।

देखें कि सफेद मेज़पोश पर सफेद कप कैसे दिखते हैं। या बर्फ में बच्चे का सफेद फर कोट। और आप मदद नहीं कर सकते लेकिन ध्यान दें कि अकेले सफेद रंग के कई रंग हैं। बर्फ में एक सफेद फर कोट बर्फ की तुलना में कुछ गहरा लग सकता है, लेकिन घर पर, अन्य कोटों के बीच, यह असामान्य रूप से सफेद लगता है।
और बर्फ भी है: सुबह यह एक रंग है, दोपहर में यह अलग होगा, शाम को यह तीसरा होगा। और इसलिए नहीं कि यह दिन में गंदा हो जाता है, बल्कि इसलिए कि सुबह, दोपहर और शाम को अलग-अलग रोशनी होगी और इससे यह रंग में अलग दिखाई देगा।
और इसलिए प्रत्येक वस्तु का अपना रंग होता है, लेकिन दिन के अलग-अलग समय पर। अलग-अलग प्रकाश व्यवस्था के तहत, वस्तुओं के चारों ओर किस रंग के आधार पर, इसका रंग अलग दिखाई देगा।
इसलिए, केवल सफेद कैनवास का एक टुकड़ा लिखने के लिए, सफेद पेंट लेना और उसके साथ कपड़े की छवि को पेंट करना पर्याप्त नहीं है। पेंट होगा, लेकिन कोई रंग नहीं होगा।
"तो क्या आवश्यक है," हम फिर से पूछते हैं, "एक कलाकार की पेंटिंग में रंग बनने के लिए पेंट के लिए?"
यह आवश्यक है कि पेंट को अन्य लोगों के साथ जोड़ा जाए जो चित्र में हैं, क्योंकि प्रत्येक चित्रित वस्तु दूसरे को अपनी छाया देती है।
यह आवश्यक है कि चित्र में रंग इस तरह संयुक्त हों। ताकि सभी मिलकर एक सुरम्य संपूर्ण का निर्माण करें।

पेंटिंग का कोई भी टुकड़ा लें और उसे बाकी हिस्सों से अलग करें।क्या हुआ?
काला काला होना बंद हो गया, लेकिन मानो ग्रे हो गया। और सफेद किसी तरह सुस्त, गंदा हो गया और उस अद्भुत सफेद पोशाक की तरह बिल्कुल नहीं, जो ऐसा लग रहा था जब हमने पूरी तस्वीर को पूरी तरह से देखा।
अब बाकी की तस्वीर खोलें, और सब कुछ फिर से अपनी जगह पर आ जाएगा: सफेद सफेद हो गया, काला - काला।

रंग संबंधों की एकता को खोजने का अर्थ है रंग को रंग में बदलना शुरू करना। चित्र में अलग-अलग रंगों के इस संयोजन से एकल दृश्य प्रभाव बनता है, इसका अपना विशेष नाम है। यह कहा जाता है रंग(लैटिन शब्द रंग से - रंग)।

कलाकार को सटीक रूप से निर्धारित करना चाहिए, वस्तु का रंग ढूंढना चाहिए, यह दिखाना चाहिए कि यह प्रकाश के आधार पर कैसा दिखेगा।
और आपको यह भी ध्यान में रखना होगा कि यदि विषय का एक भाग प्रकाशित है, और दूसरा नहीं है। तब वे अलग दिखाई देंगे, हालांकि उनका रंग एक ही है।
चूंकि कलाकार रंग की मदद से अपना काम बनाता है, न केवल कलात्मक गुण, बल्कि काम की सच्चाई भी काफी हद तक रंगों के सही प्रजनन, उनके पत्राचार और रिश्ते को खोजने की क्षमता पर निर्भर करती है।

हमने जो कुछ भी अभी बात की है, वह किसी भी पेंटिंग के टुकड़े से पता लगाया जा सकता है और जिसे आपने और मैंने माना है। लेकिन आइए अन्य तस्वीरें भी देखें। देखें यह क्या है?

एक काले चमड़े की जैकेट और एक धारीदार नाविक की बनियान में एक आदमी, अपनी पीठ के पीछे अपने हाथों के साथ, शांति से खड़ा होता है, पैर चौड़े होते हैं। उसके पास चर्मपत्र कोट में एक लड़की है। ये भूमिगत मजदूर हैं जो गोरों के पीछे काम करते थे। उन्हें पकड़कर पूछताछ की गई। तस्वीर को कहा जाता है। "कम्युनिस्टों की पूछताछ", और प्रसिद्ध सोवियत चित्रकार बीवी इओगानसन द्वारा लिखा गया था।
नाविक और लड़की न केवल खड़े होते हैं, बल्कि व्हाइट गार्ड्स के एक समूह का सामना करते हैं जो उनसे पूछताछ कर रहे हैं। एक बूढ़े आदमी से एक जनरल और दो युवकों ने पूछताछ की
अधिकारी।

आइए अब पूछताछ पर करीब से नज़र डालते हैं।
आदमी शांत रहता है, लड़की अपने उत्साह पर लगाम लगाती है। उसने अपने हाथों को जकड़ लिया (ऐसा लोग तब करते हैं जब वे अपने आंतरिक झटकों को शांत करना चाहते हैं ताकि कोई उसे नोटिस न करे) और अपनी आँखों को थोड़ा संकुचित कर लिया।
और सफेद वाले?
जिस कुर्सी पर वह बैठता है, उसके कारण जनरल लगभग अदृश्य होता है, केवल उसके सिर का पिछला भाग और लाल रंग की गर्दन दिखाई देती है।
सर्कसियन कोट में एक युवा अधिकारी, जिसके हाथ में ढेर है, शातिर दिखता है। तीसरा, एक अधिकारी, जिसके बाल आसानी से अलग हो गए हैं, कागज के एक टुकड़े की जांच कर रहा है।
पता नहीं किस बात ने उन्हें इतना क्रोधित किया - चाहे कम्युनिस्ट चुप थे या नाविक की कठोर प्रतिक्रिया। और यह इतना महत्वपूर्ण नहीं है। एक और बात महत्वपूर्ण है: कम्युनिस्ट इन लोगों से ज्यादा मजबूत हैं। उन्होंने बाहर रखा, बाहर रखा।
और, हालांकि यह महसूस किया जाता है कि उनकी दृढ़ता से क्रोधित अधिकारी उन्हें गोली मार सकते हैं, आप जानते हैं कि ताकत और सच्चाई कम्युनिस्टों के पक्ष में हैं। वे इतने शांत हैं क्योंकि उन्हें अपने आप में, अपने कारण की सत्यता पर भरोसा है। और हम उनकी और उनके पराक्रम की प्रशंसा नहीं कर सकते।

आपने और मैंने देखा कि "कम्युनिस्टों की पूछताछ" पेंटिंग पर क्या लिखा था, हमने इसकी सामग्री के बारे में बात की।
अब देखते हैं कि कलाकार ने अपने चित्र को कैसे चित्रित किया, किस चित्रात्मक माध्यम से उसने अपनी सामग्री को व्यक्त किया, और हम इस पर और अधिक विस्तार से ध्यान देंगे, क्योंकि आपको और मुझे पेंटिंग की ख़ासियत को समझना सीखना होगा और विशेष रूप से, यहां तक ​​​​कि समझने के लिए भी। बेहतर है कि पेंटिंग के एक टुकड़े में कौन सा रंग है और यह क्या भूमिका निभाता है।
हमारा ध्यान कम्युनिस्टों पर है क्योंकि ऊपर से प्रकाश उनके चेहरे और आकृतियों को सबसे बड़ी शक्ति से रोशन करता है। अधिकारियों के एक समूह पर प्रकाश इतनी तेजी से नहीं पड़ता है, वे छाया में लगते हैं, और इसलिए आप उन्हें बाद में नोटिस करते हैं।
वह सब कुछ जो सीधे तौर पर दो ताकतों के इस टकराव से संबंधित नहीं है। कलाकार द्वारा केवल विषय को परिभाषित करने के लिए पर्याप्त दिया जाता है, लेकिन उस पर दर्शकों का ध्यान रखने के लिए नहीं। शाम की रोशनी से उसके पीछे दिखाई देने वाली नीली बर्फ वाली खिड़की बमुश्किल ध्यान देने योग्य है, कमरे की दीवारों को हल्के ढंग से चित्रित किया गया है।

अपने परिवेश के साथ विपरीत होने के कारण कम्युनिस्टों के आंकड़े विशेष रूप से अभिव्यंजक हैं। याद रखें कि हमने कहा था कि कंट्रास्ट किसी रचना को व्यक्त करने का एक महत्वपूर्ण साधन है। लेकिन वहां हमने कंट्रास्ट के केवल एक पक्ष को छुआ - कलर कंट्रास्ट। अब जो कहा गया है उसमें जोड़ दें कि इसके विपरीत मनोवैज्ञानिक भी हो सकता है। उदाहरण के लिए इस चित्र में।
इसमें इन असामान्य लोगों के लिए यहां पूरी सेटिंग विपरीत है, जो यहां अजनबी लगते हैं। यह कंट्रास्ट उस तीखे संघर्ष को और भी मजबूती से महसूस करने में मदद करता है जिसे कलाकार ने पुन: पेश किया। फर्श पर एक कालीन, अधिकारियों की उज्ज्वल वर्दी, एक तरफ अच्छी असबाब के साथ कुर्सी, और मोटे घुमावदार, एक चमड़े की जैकेट और एक नाविक की बनियान, एक साधारण चर्मपत्र कोट और दूसरी तरफ एक सादे लड़की की टोपी; अधिकारियों के अच्छे, सुसंस्कृत चेहरे और पूछताछ के साधारण नेक चेहरे - यह सब एक दूसरे के विरोधी हैं।

लाल, नीले, पीले, काले रंग के विपरीत रंगों से भी स्थिति के तनाव पर जोर दिया जाता है।
रंग की मदद से, कलाकार प्रकाश, वस्तुओं के आकार, सामग्री को व्यक्त करता है, और कोई फर्क नहीं पड़ता कि कितने चमकीले रंग जिनके साथ चित्र चित्रित किया गया है, वे एक दूसरे के साथ समन्वित हैं, जुड़े हुए हैं, एकता बनाते हैं।
यदि ऐसा नहीं होता, तो चित्र में प्रत्येक आकृति को अलग-अलग माना जाता, चित्र भिन्न होता और इसे देखना बहुत कठिन होता।

और पेंटिंग में "उन्होंने उम्मीद नहीं की", जिसके बारे में आप पहले से ही जानते हैं, पूरी तरह से अलग रंग: हल्का नीला वॉलपेपर, नौकरानी की बकाइन पोशाक, कुर्सियों के असबाब का नरम रंग। ऐसे रंगों के साथ, कोई विविधता नहीं हो सकती है। लेकिन। यदि कलाकार ने सब कुछ थोड़ा कम नीला, बकाइन, आदि बना दिया, तो रंगहीनता, सफेदी, जैसा कि कलाकार कहते हैं, अनिवार्य रूप से उत्पन्न होगा। और वह हर्षित, हल्का अहसास नहीं होगा जो रेपिन की पेंटिंग को जन्म देती है।

थोड़ा अधिक, थोड़ा कम - और यह बुरा होगा, लेकिन जब यह सही हो, तो यह अच्छा होता है।
यह एक बहुत ही महीन रेखा है, और यह कोई संयोग नहीं है कि वे कहते हैं कि पेंटिंग "थोड़ी सी पकड़ लेती है।"
यदि रंग की सहायता से कलाकार वस्तु का रंग, उसका आकार, जिस सामग्री से इसे बनाया गया है, उसे बताता है, तो रंग चित्र को संपूर्ण बनाता है और न केवल दर्शकों को दुनिया की सभी रंगीन संपदाओं को प्रकट करता है, बल्कि यह भी बताता है कि सामग्री की अभिव्यक्ति में योगदान देता है। और तस्वीर के समाधान के लिए सही रंग ढूंढना कितना महत्वपूर्ण है, विचार के प्रकटीकरण के लिए, आइए हम "कम्युनिस्टों की पूछताछ" पर बीवी इओगानसन के काम का पता लगाएं।

जब तस्वीर का विचार स्पष्ट था (अपूरणीय वर्ग बलों की तुलना), एक साजिश मिली (व्हाइट गार्ड्स द्वारा कम्युनिस्टों से पूछताछ), स्थिति स्पष्ट की गई (निर्माता का घर) और यहां तक ​​​​कि इसके विवरण (फर्श) चित्रित किए गए थे, उन पर एक कालीन था, कोने में प्रतीक, ठंढे दिन, खिड़कियां ठंढी थीं), कलाकार ने चित्रमय समाधान की तलाश शुरू कर दी।
एक रेखाचित्र में उन्होंने दिन के उजाले में एक दृश्य देने की कोशिश की। उनके अनुसार, यह कुछ मज़ेदार निकला: "एक जमी हुई खिड़की, सूरज इसके माध्यम से चमक रहा है", दीवारों और फर्श के साथ धूप की किरणें चल रही हैं।
क्या ऐसी रोशनी उस पल की सारी गंभीरता को व्यक्त करने में सक्षम थी जो तस्वीर में होनी चाहिए थी? बिलकूल नही।
और एक अन्य रेखाचित्र में कलाकार ने रात में इस दृश्य को शाम की रोशनी के साथ चित्रित किया। यह अधिक तनावपूर्ण, अधिक नाटकीय निकला। उसी समय, चित्र की संरचना को स्पष्ट किया गया था। यह सब एक साथ - प्रकाश व्यवस्था और आंकड़ों की एक अलग व्यवस्था - ने एक अलग अर्थ दिया: कम्युनिस्ट, हालांकि वे बंधे हुए हैं, व्हाइट गार्ड्स पर आगे बढ़ रहे हैं।
एक नाविक की आकृति, काले कपड़े पहने, और पीले रंग में एक लड़की लाल कालीन पर प्रकाश की एक चमकदार किरण में स्पष्ट रूप से दिखाई दे रही है। प्रकाश व्यवस्था दोनों आकृतियों को स्पष्ट रूप से परिभाषित करती है।

बीवी जोहानसन की पेंटिंग लाल-भूरे रंग के स्वर में, "गर्म रंग" में चित्रित की गई है, जैसा कि कलाकार कहेंगे। और चित्र में आवश्यक तनाव पैदा करना आवश्यक था।
जैसा कि आप देख सकते हैं, चित्र के अर्थ के लिए यह बिल्कुल भी मायने नहीं रखता कि कब क्या हो रहा है, दिन हो या रात, हल्के या गहरे रंगों में।
कलाकार न केवल वह बताता है जो उसने देखा है, न केवल घटनाओं का अपना आकलन देता है, बल्कि लेखन के तरीके से भी चित्रित के अर्थ के प्रकटीकरण में योगदान देता है।

तो रंग और विशेष रूप से रंग एक पेंटिंग की सामग्री, एक विचार की अभिव्यक्ति के प्रकटीकरण में योगदान करते हैं। रंग एक मूड बनाता है, खुशी या उदासी, विशालता की भावना, प्रकृति की चौड़ाई और बहुत कुछ व्यक्त करने में मदद करता है, और चित्र में इसका एक महान अर्थ अर्थ है।

कुछ कलाकार तो यह भी मानते हैं कि रंग-बिरंगी भावना, यानी रंग संबंधों की सुंदरता को देखने और संयोजित करने की क्षमता, कलाकार का सबसे महत्वपूर्ण गुण है।
"रंग है - एक कलाकार है, कोई रंग नहीं है - कोई कलाकार नहीं है," सुरिकोव ने कहा।
हम कह सकते हैं कि रंग कलाकार की दुनिया की रंग दृष्टि है। आखिरकार, एक नए काम की कल्पना करते समय, वह न केवल उस घटना को पाता है जिसे वह चित्रित करना चाहता है, बल्कि उन रंग संबंधों को भी जो इसे चित्रमय रूप से व्यक्त कर सकते हैं।
और कलाकार, किसी दिए गए रंग को बनाने वाले रंगों को देखने, अनुमान लगाने और संप्रेषित करने में सक्षम होने के कारण, स्वाद पाता है।
कभी-कभी कलाकार इसे तुरंत महसूस कर लेता है, कभी-कभी वह इसे लंबे समय तक ढूंढता है। और रंग खोजने का मतलब है छवि को हल करने के लिए बहुत कुछ करना।
लेकिन यह गलत होगा यदि आपने तय किया कि एक हर्षित घटना को चमकीले, हल्के रंगों और एक दुखद घटना को गहरे, उदास रंगों से चित्रित किया जाना चाहिए। नहीं। यदि यह पहले से ज्ञात हो कि किस रंग का उपयोग किस मनोदशा को व्यक्त करने के लिए किया जा सकता है, तो सब कुछ सरल होगा। खुशी का इजहार करना हो तो लाल, गम - काला लिखो। और, हालांकि वास्तव में लाल छुट्टी के साथ जुड़ा हुआ है, और काला - शोक के साथ, पेंटिंग में सब कुछ बहुत अधिक जटिल है।

हमने कहा कि जोहानसन की पेंटिंग "कम्युनिस्टों की पूछताछ" को भूरे और लाल स्वरों में, "गर्म रंगों" में चित्रित किया गया था, और यह रंग कलाकार द्वारा चित्रित नाटक को प्रकट करने में मदद करता है।
लेकिन यहाँ एक और तस्वीर है, जिसके रंग को "हॉट" शब्द से भी परिभाषित किया जा सकता है। बेशक, यह कम्युनिस्टों की पूछताछ के समान नहीं है, लेकिन यहां भी, भूरे और लाल, गर्म स्वर प्रबल होते हैं। यह ए.ए. प्लास्टोव द्वारा "ट्रेक्टर ड्राइवरों का रात्रिभोज" है।

गर्मी की शाम। वह घंटा जब सूर्य क्षितिज के पीछे गायब होने से पहले, पृथ्वी को अपनी अंतिम नारंगी-लाल किरणों से रोशन करता है। इन किरणों ने बड़ी मोटी परतों में पड़ी हुई और बहुत क्षितिज और अग्रभूमि में लोगों तक फैली हुई पृथ्वी पर बाढ़ ला दी। लाल टी-शर्ट में ट्रैक्टर चालक और उसके ऊपर रजाई बना हुआ जैकेट। घुटने टेकते हुए, वह पाव को बड़े टुकड़ों में काटता है। सफेद दुपट्टे और सफेद बागे में एक लड़की एक कटोरे में दूध डालती है। युवक, जाहिर तौर पर ट्रैक्टर चालक का सहायक, जमीन पर लेट गया और कैन से बहते दूध को देखता है।
यहां कोई बड़ा, विस्तृत आख्यान नहीं है। कलाकार ने बहुत कम दिखाया, लेकिन इन लोगों के बारे में बहुत कुछ कहा।

यह देखा जा सकता है कि जब समय विशेष रूप से कीमती होता है तो यह पीड़ित होता है। ट्रैक्टर चालक ने केवल एक मिनट के लिए काम में बाधा डाली और यहाँ, ट्रैक्टर का इंजन बंद किए बिना, जल्दी से खाना खाकर फिर से काम पर लग जाएगा। उसके पास काम करने वाले, मेहनती हाथ हैं, उसका चेहरा कड़े ठूंठ से ऊंचा हो गया है, उसके बाल, जो लंबे समय से नहीं काटे गए हैं, उसकी टोपी के नीचे से खटखटाया गया है। अब उसके पास अपनी उपस्थिति पर नजर रखने का समय नहीं है। लेकिन उसमें सुंदरता है। यह स्वयं व्यक्ति की सुंदरता है, एक कार्यकर्ता जो काम पर अपने बारे में भूल जाता है। ट्रैक्टर चालक की कठोर और साहसी छवि को लड़की की नाजुक उपस्थिति से और अधिक बल मिलता है।
यह पूरा समूह - एक ट्रैक्टर चालक, एक युवक और एक लड़की - ईमानदारी और कविता की छाप देता है। दोनों प्रकृति, जो उज्ज्वल शाम की रोशनी में विशेष रूप से प्रभावशाली लगती है, और चित्र का रंग, ट्रैक्टर चालक की काव्य छवि के निर्माण में भाग लेते हैं।

कल्पना कीजिए कि कलाकार एक ही समूह को गर्म गर्मी के डेक पर नहीं, शाम को नहीं, बल्कि एक उदास दिन पर या जब सूरज ढल चुका होता है। श्रम तीव्रता की यह भावना गायब हो जाएगी।
और यहाँ - सूर्य की किरणें सीधे ट्रैक्टर चालक और उसके सहायक पर पड़ती हैं, और यह रोशनी उनके चेहरे और आकृतियों पर कठोर रंग और छाया डालती है।
लड़की को ट्रैक्टर चालकों से अलग तरह से जलाया जाता है; वह उनका सामना कर रही है। और सूरज उसकी पीठ को रोशन करता है, इतनी नरम, हल्की छाया उसके चेहरे पर पड़ती है, इतनी तेज नहीं, और यह इस छवि की कोमलता की छाप को बढ़ाता है और इसके विपरीत को और भी अधिक जोर देता है: ट्रैक्टर चालक और एक लड़की सूरज से झुलसी हुई और हवा।
ट्रैक्टर से एक बड़ी ठंडी छाया गिरती है, जिससे लड़की का सिर ढँक जाता है, उसके हाथ में कैन और दूध का कटोरा होता है। इस सफेद रंग से रूमाल, सफेद ड्रेसिंग गाउन और दूध अलग-अलग रंग प्राप्त करते हैं। दूध गाढ़ा और ठंडा लगता है, क्योंकि किरणें अभी भी दुपट्टे पर पड़ती हैं, लेकिन अब दूध पर नहीं पड़ती हैं, और इसलिए इसका सफेद रंग ठंडा होता है, और दुपट्टे का सफेद रंग गर्म होता है।

लेकिन, तस्वीर के बारे में बोलते हुए, हमने अज्ञात, और शायद आपके लिए समझ से बाहर के शब्दों का इस्तेमाल किया। हमने कहा, "सफेद रुमाल सफेद दूध से ज्यादा गर्म होता है।" लेकिन आमतौर पर गर्मी की अवधारणा उस पर लागू होती है जिसका तापमान होता है। और वे रंगों के बारे में कहते हैं - उज्ज्वल या सुस्त, या बस रंग कहते हैं: लाल, नीला, नीला।
लेकिन कलाकार अभी भी गर्म रंगों के बीच अंतर करता है: पीला, नारंगी, लाल, भूरा और ठंडा: नीला, नीला, हरा, बैंगनी।
अब आप समझते हैं कि आप ऐसा क्यों कह सकते हैं: "चित्र को ठंडे स्वर में या गर्म रंग में चित्रित किया गया है।"

किताबें कई सहस्राब्दियों से मानव सभ्यता को आकार देती रही हैं, प्रतिबिंबित करती हैं और साथ देती हैं। वे पहले से ही 4.5 हजार साल पुराने हैं। एक मुद्रित पुस्तक (शब्द के आधुनिक अर्थ में) अपनी स्थापना के बाद से ही कला का एक उद्देश्य बन गई है (लगभग 1440 से; रूस में - कुछ समय बाद - 16 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में)।

सैंड्रो बॉटलिकली। "मैडोना ऑफ़ द बुक"

ग्यूसेप आर्किम्बोल्डो। "पुस्तकालय अध्यक्ष"

किताब से इंसान का रिश्ता हमेशा ईमानदारी, भरोसे और एक-दूसरे की जरूरत की मिसाल रहा है। विषय पर सामग्री एकत्रित करते हुए, हम विभिन्न प्रकार (आइकन पेंटिंग से सजावटी और लागू कला तक) और शैलियों से चकित थे जो पुस्तक और पाठक को प्रतिबिंबित करते थे (यह एक चित्र, चित्रमय और मूर्तिकला, और अभी भी जीवन, और कंप्यूटर ग्राफिक्स है ) उनमें, कला, जैसा कि यह थी, पुस्तक के लिए अपने प्यार को कबूल करती है - एक अद्भुत रचना और साथ ही, मानव बुद्धि का स्रोत। कुछ कलाकारों के लिए, वह मुख्य पात्र और अर्थ केंद्र (अभी भी जीवन की शैली में) है। लेकिन मूल रूप से एक व्यक्ति के हाथ में एक किताब उसकी आंतरिक दुनिया को प्रकट करने, उसकी मनःस्थिति और सुंदरता पर जोर देने का एक तरीका है।

प्राचीन काल से लेकर आधुनिक समय तक किताबों और पढ़ने के बारे में कला के 570 से अधिक स्मारकों को एकत्र किया गया है और पश्चिम जर्मन पुस्तक विद्वान जेड टूबर्ट "बिब्लियोपोला" के प्रसिद्ध काम में टिप्पणी की गई है। ये 15 वीं -18 वीं शताब्दी के जियोर्जियोन, टिटियन, ए। ब्रोंज़िनो, डी। वेलाज़क्वेज़, राफेल, रेम्ब्रांट, रूबेन्स, सी। कोरोट और कई अन्य टाइटन्स के काम हैं। 19वीं सदी में, यह प्रभाववादियों का पसंदीदा विषय है: ओ. रेनॉयर और सी. मोनेट, वैन गॉग और ई. मानेट, ए. टूलूज़-लॉट्रेक और बी. मोरिसोट। शास्त्रीय युग के रूसी स्वामी के कार्य - ओ.ए. किप्रेंस्की, वी.ए. ट्रोपिनिना, आई.एन. क्राम्स्कोय, आई.ई. रेपिन, वी.आई. सुरिकोवा, एम.ए. व्रुबेल, वी.ए. सेरोवा, एन.एन. जीई, और पिछली शताब्दी के ऐसे कलाकार जैसे एम.वी. नेस्टरोव, आई.ई. ग्राबर, एन.पी. उल्यानोव, ए.ए. डेनेक और अन्य, हमें दिखाते हैं कि रूस में पुस्तक कितनी व्यापक रूप से फैल गई है, इसका पाठक कैसे बदल गया है।

सबके बारे में बताना संभव नहीं है। हमने चुना है कि, हमारी राय में, कला में "पढ़ने वाले व्यक्ति" के प्रदर्शन में एक समकालीन को आश्चर्यचकित कर सकता है। अपने विशिष्ट विवरण के साथ एक प्रतिभाशाली कार्य बहु-खंड ऐतिहासिक प्रकाशनों की तुलना में चौकस आंख को अधिक बता सकता है। और फिर छवियां स्वयं दस्तावेजों की ताकत और प्रामाणिकता प्राप्त कर लेती हैं। लेकिन सबसे पहले हम इस बात में रुचि रखते हैं कि पुस्तक की सहायता से पढ़ने वाले का चरित्र कैसे प्रकट होता है, और उसके माध्यम से - युग का चरित्र। संतों के हाथों में स्वामी के प्रतीक पर पहली किताबें दिखाई देती हैं, यह निश्चित रूप से पवित्र ग्रंथ है। फिर - मध्ययुगीन रईसों के औपचारिक चित्रों पर। किताबें बहुत महंगी हैं और न केवल उनके मालिकों की संपत्ति के बारे में बोलती हैं, बल्कि अपने समय के बौद्धिक अभिजात वर्ग में उनकी भागीदारी के बारे में भी बताती हैं।

ल्यूक्रेज़िया पंचाटिका का चित्र एग्नोलो ब्रोंज़िनो (1503-1572) के सर्वश्रेष्ठ कार्यों से संबंधित है और विश्व चित्रकला में सबसे खूबसूरत महिला छवियों में से एक है। चित्र को ल्यूक्रेज़िया के पति के चित्र के लिए एक जोड़ी के रूप में बनाया गया था - फ्रांसीसी अदालत में फ्लोरेंटाइन ड्यूक के राजदूत बार्टोलोमो पंचाटिका। पेरिस में, युगल हुगुएनोट्स के प्रभाव में आ गए। फ्लोरेंस लौटने के बाद, उन्हें न्यायिक जांच के दरबार से गुजरना पड़ा। हालांकि, बाद में ड्यूक की दया उन पर वापस आ गई। एक उत्कृष्ट कृति की रचना इसी काल की है। ब्रोंज़िनो के सभी "अदालत" चित्रों को ओलंपिक टुकड़ी द्वारा रोजमर्रा की जिंदगी और उसके गद्य से अलग किया जाता है। हमारे सामने एक खूबसूरत युवा अभिजात की छवि है। गौरवपूर्ण मुद्रा। अपनी स्वयं की अप्रतिरोध्यता और दाहिने हाथ में शांत विश्वास - "बुक ऑफ आवर्स ऑफ अवर लेडी" पर, जिसे वर्जिन मैरी को समर्पित प्रार्थना से पहचाना जाता है। फिलाग्री पेंट घने और महंगे साटन, महंगे गहने हाथीदांत त्वचा और क्रिस्टल आंखों पर जोर देते हैं। तामचीनी के साथ एक सोने की चेन पर (संभवतः सगाई या शादी के अवसर पर बार्टोलोमो द्वारा दान किया गया) शिलालेख: "प्यार का कोई अंत नहीं है।"

पुनर्जागरण की इतालवी कला में, एक चित्रकार, उत्सव के प्रदर्शन के निदेशक, डेकोरेटर, मैननरिज्म के प्रतिनिधि ग्यूसेप आर्किबोल्डो (1527-1593) अपने समय के लिए बिल्कुल शानदार हैं। आर्किम्बोल्डो एक ऐसे कलाकार थे जो अटूट कल्पना और सार्वभौमिक विद्वता से संपन्न थे। उनके कार्यों में सबसे प्रसिद्ध "द सीजन्स" (1562-1563) और "फोर एलिमेंट्स" (1569) श्रृंखला से तथाकथित "समग्र प्रमुख" हैं। असामान्य रूप से मूल और अपनी विशिष्टता में हड़ताली, और अक्सर चित्र समानता में भी, उनके काम पूरी तरह से शानदार फल, सब्जियां, फूल, क्रस्टेशियंस, मछली, मोती, संगीत वाद्ययंत्र, किताबें इत्यादि से बने होते हैं। उदाहरण के लिए, ड्राइंग "कुक" है रसोई के सामान से बना है। चेहरे शैलीबद्ध हैं; अंतरिक्ष में आकार और प्रकाश और छाया का प्रभाव तत्वों की एक बहुत ही कुशल व्यवस्था द्वारा निर्मित होता है। आपके सामने उनकी "लाइब्रेरियन", एक मानव-पुस्तक है। फ़ोटोशॉप में संसाधित कोलाज क्यों नहीं? अब भूले हुए कलाकार को २०वीं शताब्दी में अतियथार्थवाद का अग्रदूत घोषित किया गया था, और पेंटिंग "द लाइब्रेरियन" को "16 वीं शताब्दी में अमूर्त कला की विजय" कहा गया था।

जीन-ऑनर फ्रैगनार्ड। "लड़की पढ़ रही है"

अगली शताब्दियों में, पुस्तक अधिक सुलभ हो गई, धर्मनिरपेक्ष साहित्य विकसित हुआ, पाठक का चेहरा बदल गया। १७६९ में, पेरिस के कलाकार जीन-ऑनोर फ्रैगनार्ड (१७३२-१८०६) ने एक ही आकार के कैनवस की एक अनूठी श्रृंखला की कल्पना की, तथाकथित "शानदार आंकड़े"। उनमें से अधिकांश के पास वास्तविक प्रोटोटाइप नहीं हैं और अविश्वसनीय रूप से कम समय में, लगभग एक घंटे में बनाए जाते हैं। यह उनकी "गर्ल रीडिंग" है। पढ़ने वाली लड़की के चेहरे के स्थान पर, फ्रांसीसी कलाकार ने सबसे पहले एक आदमी के सिर को चित्रित किया। शायद एक महिला का चेहरा भी जीवन से एक चित्र नहीं है और इसलिए इसे "शानदार आंकड़े" में से एक माना जा सकता है। लेकिन पढ़ने में लीन एक लड़की की प्राकृतिक मुद्रा (एक प्रेम कहानी, कविता?) उसे जीवंत और गर्म बनाती है, जिससे फ्रांसीसी कला समीक्षक थियोफाइल टोरे के लिए 1844 में उसके बारे में लिखना संभव हो गया: “एक युवा का ताजा चेहरा आकर्षित करता है लड़की, नाजुक, आड़ू की तरह, त्वचा के साथ। उसने एक हल्के, नींबू-पीले रंग की पोशाक पहनी है जो उदारतापूर्वक प्रकाश प्रतिबिंबों को दर्शाती है ... चित्र की नायिका एक बैंगनी तकिए पर झुक कर बैठती है, जिस पर गहरी बैंगनी छाया पड़ती है। चित्र इसकी गहराई और जीवन शक्ति में हड़ताली है।"

XIX सदी के कलाकारों के कार्यों में, पुस्तक अधिक से अधिक बार दिखाई देती है। एक साधारण किसान और एक धर्मनिरपेक्ष महिला, एक कुलीन और एक परोपकारी व्यक्ति किताबों की ओर आकर्षित होते हैं। पुस्तक को शैली और ऐतिहासिक चित्रों में एक केंद्रीय व्यक्ति के रूप में शामिल किया गया है: "बेरेज़ोवो में मेन्शिकोव"

वी। सुरिकोव, पी। फेडोटोव द्वारा "एक अभिजात का नाश्ता", वी। वासंतोसेव और कई अन्य लोगों द्वारा "किताबों की दुकान में"।

प्रभाववादियों के पास पाठक और पुस्तक के बारे में बहुत सारी पेंटिंग हैं। प्रकृति में एक आदमी के हाथों में एक किताब उनका पसंदीदा विषय है: क्लाउड मोनेट द्वारा (इन द मीडो, द आर्टिस्ट्स फैमिली इन द गार्डन, इन द वुड्स ऑफ गिवरनी, द रीडर); हेनरी टूलूज़-लॉट्रेक (डेसिरे डियो) द्वारा, गुस्ताव केबॉट (द ऑरेंज ट्री) द्वारा। पारिवारिक जीवन के हिस्से के रूप में पुस्तक ओ। रेनॉयर में व्यापक रूप से परिलक्षित हुई थी। उनके चित्रों के पात्रों को नाश्ते में पढ़ा जाता है ("बर्नवेल में नाश्ता"), दो के लिए एक किताब दोस्तों ("रीडिंग गर्ल्स") द्वारा पढ़ी जाती है, उनके पास "एक किताब पढ़ने वाली लड़की", "एक महिला पढ़ रही है" और विशेष रूप से कई आकर्षक हैं बच्चों को पढ़ना।

प्रभाववादियों के नामों और दिलचस्प कार्यों की सूची जारी है। हालांकि, यह एक विशाल मोनोग्राफ के लिए एक विषय है जो इसके लेखक की प्रतीक्षा कर रहा है। और हम प्रभाववादियों के उत्कृष्ट पूर्ववर्ती, फ्रांसीसी चित्रकार, परिदृश्य और चित्र के मास्टर जीन-बैप्टिस्ट केमिली कोरोट (1796-1875) की उपेक्षा नहीं कर सकते। एक परिदृश्य चित्रकार के रूप में, सी. कोरोट का प्रभाववादियों के काम पर प्रकाश-वायु वातावरण के अपने शानदार संचरण, रंग की समृद्धि और समग्र रूप से परिदृश्य की अविस्मरणीय छाप बनाने की क्षमता के साथ बहुत प्रभाव था। कोरोट को अपने परिदृश्य में चित्रित रचनाओं को शामिल करना पसंद था। आंकड़ों के साथ कुल 323 पेंटिंग ज्ञात हैं। आमतौर पर उनके दोस्त और रिश्तेदार कलाकार के लिए पोज देते थे। परिदृश्यों की तरह, कोरो की गढ़ी गई रचनाओं का अपना विशिष्ट मिजाज है। अक्सर ये सुंदर लड़कियों की छवियां होती हैं, सरल-दिमाग और ईमानदार, युवा, कविता की पवित्रता और आकर्षण के साथ, पढ़ने या सपनों में डूबी हुई। ये हैं "द रीडिंग म्यूजियम" और "द गर्ल लर्निंग", "द फॉरेस्ट एट फॉनटेनब्लियू" और "द रीडिंग गर्ल इन ए रेड जैकेट"। चित्र "बाधित पठन" इन मॉडलों में से एक को गहन विचार के क्षण में दर्शाता है, जिसे पढ़ने से प्रेरित होना चाहिए। उसकी उपस्थिति में, सुंदरता और स्त्रीत्व को बुद्धि के साथ जोड़ा जाता है। चरित्र का रोजमर्रा का चरित्र चित्रण बहुत ही सरल है, गुलाबी रंगों के साथ एक मामूली हल्के भूरे रंग की योजना, एक सूक्ष्म रंग योजना गीतात्मक चिंतन की मनोदशा और एक स्वप्निल महिला की कोमल उपस्थिति के अनुरूप है, जो लेखक के आध्यात्मिक रूप से करीब एक आदर्श है।

वी. सुरिकोव। "बेरेज़ोवो में मेन्शिकोव"

वी. वासनेत्सोव। "किताबों की दुकान में"

क्लॉड मोनेट। "खेत में"

रूस में, 19 वीं शताब्दी में, किताबें और पढ़ना समाज में एक ध्यान देने योग्य भूमिका निभाने लगते हैं, और तेजी से विकसित होने वाली चित्र पेंटिंग इस विषय को इसकी सभी विविधता में दर्शाती है। सर्वश्रेष्ठ रूसी चित्रकारों में से एक, विचारक और "एसोसिएशन ऑफ ट्रैवलिंग आर्ट एक्जीबिशन" (1870) के आयोजक, "क्राइस्ट इन द डेजर्ट" जैसी विश्व प्रसिद्ध कृति के लेखक, आई.एन. क्राम्स्कोय (1837-1887), एक अनुकरणीय पारिवारिक व्यक्ति होने के नाते, अपने प्रिय लोगों, विशेषकर उनकी पत्नी के कई चित्र बनाता है। सोफिया निकोलेवन्ना एक महान दोस्त, क्राम्स्कोय के मामलों में एक विश्वसनीय सहायक थी। उसने उसे पहले अपने काम दिखाए, उसकी राय उसके लिए बहुत महत्वपूर्ण थी। कलाकार ने अपनी पत्नी को शाम के सूरज से प्रकाशित बगीचे में पढ़ते हुए चित्रित किया। यह एक कक्ष, अंतरंग चित्र है, जो प्रेम और सूक्ष्म गीतवाद से ओत-प्रोत है। एक रेशम की पोशाक और एक साटन शॉल के गर्म सुनहरे और शांत बकाइन-गुलाबी टन का संयोजन सोफिया निकोलेवन्ना की एक आश्चर्यजनक रूप से हल्की उपस्थिति बनाता है, जो एक विशेष अभिजात वर्ग परिष्कार और गर्मी से संपन्न है। पाठक की शांत मुद्रा को देखते हुए, हम समझते हैं कि यह परिवार में था कि कलाकार ने किले को देखा जहां आप नई कला के लिए लगातार (और हमेशा सफल नहीं) लड़ाई से विराम ले सकते हैं, हम उसके सम्मान, प्यार और महसूस करते हैं कोमलता

में। क्राम्स्कोय ने अपने हाथों में एक किताब के साथ अपने सबसे प्रसिद्ध समकालीनों के वंशजों की छवियों को विरासत के रूप में छोड़ दिया। उनके कार्यों को याद करने के लिए पर्याप्त है जैसे "एन.ए. पिछले गीतों की अवधि में नेक्रासोव "," ए.एस. का पोर्ट्रेट। सुवोरिन "। लेकिन उनसे बहुत पहले, विश्व चित्रकला में एक विषय उत्पन्न हुआ, जिसे पारंपरिक रूप से "एक विचारक के चित्र" के रूप में नामित किया जा सकता है, अर्थात। एक व्यक्ति जो एक किताब की मदद से नया ज्ञान बनाता है (चाहे वह दार्शनिक, लेखक या कलाकार हो)। पुस्तक उनकी छवि में एक प्रतीकात्मक तत्व बन जाती है, एक अनिवार्य विवरण। जी. होल्बीन द्वारा "पोर्ट्रेट ऑफ़ इरास्मस ऑफ़ रॉटरडैम", जी. कोर्टबेट द्वारा स्केच "रीडिंग बौडेलेयर", "पोर्ट्रेट ऑफ़ एमिल ज़ोला" और "पोर्ट्रेट ऑफ़ द पोएट स्टीफन मल्लार्मे" ई. मानेट द्वारा, "लेव निकोलाइविच टॉल्स्टॉय छुट्टी पर वन" और "DI . का पोर्ट्रेट" एडिनबर्ग विश्वविद्यालय में एक प्रोफेसर के पद पर मेंडेलीव ”I.Ye। रेपिन, "पोर्ट्रेट ऑफ़ एन.एन. जीई "एन.ए. यारोशेंको, "फिजियोलॉजिस्ट आई.पी. पावलोवा "एम.वी. नेस्टरोवा और कई, कई अन्य।

"दार्शनिक वी.एस. के चित्र" के बारे में बताना असंभव नहीं है। सोलोविओव "(1885) आई.एन. क्राम्स्कोय। रूसी दार्शनिक, धर्मशास्त्री, कवि, प्रचारक, साहित्यिक आलोचक व्लादिमीर सर्गेइविच सोलोविओव (1853-1900) 19 वीं सदी के अंत में - 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में रूस के "आध्यात्मिक पुनरुद्धार" के मूल में खड़े थे। क्राम्स्कोय अपने व्यक्तित्व की मौलिकता को देखने और उस पर जोर देने में कामयाब रहे। कलाकार उसे एक उच्च विशाल कुर्सी पर बैठाता है, जिसे लकड़ी की नक्काशी के साथ ताज पहनाया जाता है, और, जैसा कि वह था, अपने मॉडल को जीवन के रोजमर्रा के गद्य से अलग करता है, दार्शनिक की टुकड़ी के क्षण को तेज करता है, उसके विचारों और विचारों में उसका विसर्जन करता है। चित्र बड़प्पन, बुद्धि, मानवता को विकीर्ण करता है। यह अब तक मानव नस्ल के बेहतरीन प्रतिनिधियों में से एक है। कोई आश्चर्य नहीं कि उनके समकालीनों ने मसीह ("जंगल में मसीह") के साथ उनकी समानता देखी, और आज एक युवा ब्लॉगर ने उनकी तुलना एथोस से की। वैज्ञानिक नियमित रूप से कलाकार के सत्रों में आते थे और अंत तक धैर्यपूर्वक बैठे रहते थे। कलात्मक रचनात्मकता के चमत्कार का निरीक्षण करना उनके लिए दिलचस्प था, और चित्र ने महान दार्शनिक की चौकस आँखों की रुचिपूर्ण अभिव्यक्ति को बरकरार रखा। अनजाने में ही अफसोस की सांस छूट जाती है कि ऐसे खूबसूरत चेहरे न केवल राहगीरों की भीड़ में देखे जा सकते हैं, बल्कि सबसे ऊंचे कद के बुद्धिजीवियों में भी देखे जा सकते हैं।

में। क्राम्स्कोय। "सोफिया निकोलेवन्ना की पत्नी का पोर्ट्रेट"

जी. कोर्टबेट। "बाउडेलेयर पढ़ना"

पर। यारोशेंको. "एन.एन. का पोर्ट्रेट। जीई "

विषय का एक बहुत ही खास और व्यापक खंड है बच्चे पढ़ रहे हैं। बच्चे किताब में विलीन हो जाते हैं, एक काल्पनिक दुनिया में डूब जाते हैं, जहाँ बहुत सारी सुंदरता, वीर, रहस्यमय, एक ही समय में प्राकृतिक रहती है। एफ. हल्स और रेम्ब्रांट (17वीं शताब्दी) के चित्रों से लेकर प्रभाववादियों, अवंत-गार्डे कला, समाजवादी यथार्थवाद और उत्तर-आधुनिकतावाद तक कलाकारों को यही आकर्षित करता है। आइए हम इस बात पर ध्यान दें कि क्या मुश्किल है - एम। नेस्टरोव (1862-1942) द्वारा नताशा की बेटी का एक चित्र। आकर्षक छोटी मॉडल की गंभीरता और गरिमा, उसकी छवि की आकर्षक आध्यात्मिकता पर ध्यान आकर्षित किया जाता है। अपनी ग्यारह वर्षीय बेटी के चित्र में, लेखक मुख्य बात को व्यक्त करने में सक्षम था जो भविष्य में उसके चरित्र में निर्णायक होगा: बड़प्पन, आध्यात्मिक शुद्धता, जिज्ञासु मन और जीवन के लिए एक सक्रिय दृष्टिकोण। सुनहरे और नीले रंग का एक उत्कृष्ट संयोजन, तटस्थ हरे रंग से छायांकित, एक विशेष, अद्भुत दुनिया का सूक्ष्मतम सामंजस्य बनाता है जो अब बच्चा नहीं है, लेकिन अभी तक एक वयस्क महिला नहीं है। "और मिखाइल नेस्टरोव की पेंटिंग" नताशा ऑन ए गार्डन बेंच "में लड़की बहुत आधुनिक दिखती है। वह हमारे समय में अच्छी तरह फिट हो सकती है ", - लाइवजर्नल में एक टिप्पणी।

अब तक, हमने शास्त्रीय यथार्थवादी तरीके से चित्रित चित्रों के बारे में बात की है। लेकिन यह उम्मीद करना मुश्किल है कि लगभग एक सदी (XX सदी!) के बाद कला और उसके प्रति दृष्टिकोण नहीं बदलेगा, जब वास्तविकता इतनी नाटकीय रूप से बदल गई है। कलाकार योसेफ ओस्ट्रोव्स्की (1935-1993) को उनके काम की शैलीगत परिभाषाएँ पसंद नहीं थीं: “मैं एक कलाकार हूँ। "यथार्थवादी" नहीं और "आधुनिकतावादी" नहीं। सिर्फ एक कलाकार। यह एकमात्र तरीका है जिससे मैं स्वतंत्र हूं और अपने दर्शन को कैनवास पर व्यक्त कर सकता हूं।" वह किसी और से अलग था और असामान्य रूप से प्रतिभाशाली था। 15 साल की उम्र में उन्हें ओडेसा स्टेट आर्ट एकेडमी में भर्ती कराया गया, 20 साल की उम्र में वे यूएसएसआर के यूनियन ऑफ आर्टिस्ट्स के सदस्य बन गए। एक यहूदी शहर के जीवन की बचपन की यादों पर आधारित उनकी रचनाएँ दर्शकों के लिए प्रकाश और गर्मजोशी लाती हैं। वे सरल और शाश्वत के बारे में हैं। उन्होंने सदियों पहले गुजर चुके बुजुर्गों के चेहरों को रंग दिया और आज हम देखते हैं कि उनकी बुद्धि और दया उनके साथ नहीं गई।

तो "द मैन विद द बुक" अपनी भोलेपन और पवित्रता से तुरंत आंख को आकर्षित करता है। धूसर दाढ़ी वाला बूढ़ा किताब को मोह से देखता है, मानो वह कोई चमत्कार हो। लेकिन ऐसा है! जे। ओस्ट्रोव्स्की ने अपनी दुनिया बनाई, जटिल, हर्षित और उदास - एक दार्शनिक और कहानीकार की दुनिया। कलाकार ने साबित कर दिया कि ओडेसा में, उसे प्रिय, न केवल औपचारिक रूप से परिष्कृत, बल्कि गर्म, मानवकृत पेंटिंग भी मौजूद थी। उनके कैनवस आंतरिक प्रकाश से भरे हुए हैं, और उनमें से सबसे प्रसिद्ध इज़राइल, रूस, संयुक्त राज्य अमेरिका और अन्य देशों में संग्रहालयों और निजी संग्रह में हैं।

नीचे चर्चित कलाकार रॉब गोंसाल्वेस हैं, जिनका जन्म 1959 में टोरंटो, कनाडा में हुआ था। दृष्टिकोण की तकनीक और वास्तुकला की मूल बातों का अध्ययन करने के बाद, उन्होंने 12 साल की उम्र में अपनी पहली पेंटिंग बनाना शुरू कर दिया था। एक वयस्क के रूप में, उन्होंने एक वास्तुकार के रूप में काम किया, नाटकीय दृश्यों को चित्रित किया और पेंट करना जारी रखा। 1990 में एक प्रदर्शनी में सफल प्रदर्शन के बाद, गोंजाल्विस ने खुद को पूरी तरह से पेंटिंग के लिए समर्पित कर दिया। कुछ कला समीक्षक उनके काम का श्रेय अतियथार्थवाद को देते हैं, उन्हें एस डाली का अनुयायी मानते हैं। लेकिन यह वैसा नहीं है। बल्कि, उनकी शैली को "जादुई यथार्थवाद" कहा जा सकता है, जब वह अपनी असाधारण कल्पना को वास्तविक दृश्यों में लाता है।

उनकी पेंटिंग यह दिखाने का एक प्रयास है कि असंभव संभव है, कि रोजमर्रा की वास्तविकता के पीछे किसी और चीज का रहस्य छिपा है - बुद्धिमान और उज्ज्वल। कलाकार इसमें सफल होता है या नहीं यह चित्रकारी के पारखी और प्रेमियों पर निर्भर करता है, लेकिन उनके कामों में कुछ खास और आकर्षक की अनदेखी नहीं की जा सकती। पेंटिंग "पीपल एंड बुक्स" में हम विभिन्न उम्र के पाठकों को किताबें चुनते हुए देखते हैं। हर किसी को वह मिल जाता है जिसकी उन्हें आवश्यकता होती है, इसे खोलता है और दूसरों की तरह नहीं, असामान्य रूप से दिलचस्प और यहां तक ​​​​कि कुछ हद तक जादुई दुनिया में खुद को पाता है। उज्ज्वल, अप्रत्याशित, अद्भुत, उनकी असामान्यता से प्रसन्न, कलाकार के काम घर और संयुक्त राज्य अमेरिका में लोकप्रिय हैं। उनके चित्रों को महाद्वीप पर सबसे बड़ी और सबसे प्रतिष्ठित समकालीन कला प्रदर्शनियों में प्रदर्शित किया गया है। कई प्रमुख लोग, जाने-माने निगम, दूतावास, गोंसाल्वेस के काम को इकट्ठा करते हैं।

"मानव ग्रह" साइट पर http://www.planeta-l.ru/catalog1 आप उनके चित्रों से परिचित हो सकते हैं। आभासी प्रदर्शनी के एक आगंतुक रॉब गोंजाल्विस की टिप्पणी से: "मुझे एक से दूसरे में गुजरने वाली छवियों की यह मायावी पसंद है, कलाकार के हाथ और उसकी कल्पना द्वारा एक कनेक्शन को सूक्ष्म रूप से व्यक्त किया जाता है, एक दूसरे में विभिन्न दुनिया का अतिप्रवाह।"

इस तरह समकालीन कला अपने पाठकों को देखती है।

और उस सरल चीनी मूर्तिकार का क्या मतलब था जब उसने प्रसिद्ध बंदर पार्क में चिंपैंजी "विचारक" बनाया? शायद, क्या होगा अगर "हाई-टेक पीढ़ी" का कोई व्यक्ति इस बंदर की तरह या पिछली शताब्दी की शुरुआत के हमारे पूर्वजों की तरह पुस्तक का उपयोग करता है, जिन्होंने "आधुनिकता के जहाज से क्लासिक्स को फेंकने" का सुझाव दिया, मानव सभ्यता समाप्त हो जाएगी अस्तित्व के लिए? दुनिया में सब कुछ जुड़ा हुआ है, एक पारिस्थितिक तबाही एक बौद्धिक तबाही से पूरक होगी और विकास अपनी शुरुआत में वापस आ जाएगा, क्या चक्र बंद हो जाएगा? हमें उम्मीद है कि यह सिर्फ एक बहुत ही मजाकिया और दृश्य चेतावनी है: दोस्तों, तर्क की दुनिया में हर किसी के लिए पर्याप्त जगह है। और एक ई-बुक, जो तेजी से विकसित हो रही है और दिलचस्प रूप लेती है, और हमारा इतना करीबी और प्रिय मित्र, कागज के पन्नों से बंधा हुआ है। पाठक, निश्चित रूप से बदल जाएगा, और कला में उसकी छवि भी बदल जाएगी। हमें विश्वास है कि यह एक आदमी होगा और वह हमसे बेहतर होगा।

नतालिया गोर्बुनोवा,

सिर पीएनयू के वैज्ञानिक पुस्तकालय का क्षेत्र।

ल्यूडमिला कोनोनोवा,

Togu . के राष्ट्रीय पुस्तकालय के प्रमुख लाइब्रेरियन

तस्वीर

अलेक्जेंडर ग्रिगोरिएव-सावरसोव 2015-11-20 01:11 पर

बहुत से लोग सोचते हैं कि दृश्य कला सभी मौजूदा कलाओं में सबसे आसान है, लेकिन यह मामला से बहुत दूर है। श्रम की कमी, उदाहरण के लिए, जब पढ़ना या नाट्य क्रिया का दीर्घकालिक चिंतन, भ्रामक है।

एक नियम के रूप में, भागते समय, हम उस तस्वीर के बारे में अपनी राय बनाते हैं जिसे हमने देखा था, यह तय करते हुए कि हम इसे पसंद करते हैं या नहीं। मैंने पहले ही लिखा है कि कला और, सामान्य तौर पर, बौद्धिक गतिविधि नमकीन मछली से बहुत दूर है, जो किसी के स्वाद के लिए नहीं हो सकती है।

सबसे पहले, हम अपने आप में कुछ भी बदले बिना दुनिया को बदलना चाहते हैं। मछली को नमक करें, और आदतन "आई लव - आई डोंट लाइक" के साथ तस्वीर को ब्रांड करें और आगे बढ़ें।

कितने लोगों ने सोचा है कि यह सादगी सरल नहीं है, और एक नज़र इस या उस तस्वीर के मूल्य को निर्धारित करने के लिए पर्याप्त नहीं है।

एक पेंटिंग, सबसे पहले, एक ऐसा विमान है जिस पर वास्तविक या पारंपरिक साजिश की नकल दिखाई जाती है, और क्या केवल चित्रित की गई भ्रामक प्रकृति पर ध्यान केंद्रित करना चाहिए?

बैकफिल प्रश्न: क्या आपको पेंट की हुई मछली खानी चाहिए? क्या लेखक ने इसी लक्ष्य का अनुसरण किया था, क्या उसने वास्तविकता का भ्रम पैदा करके हमें धोखा देने की कोशिश की?

बहुत से लोग सोचते हैं कि रचनात्मक प्रक्रिया सिर्फ सृजन है, यानी वास्तविक दुनिया की नकल। लेकिन विनाश भी रचनात्मकता है, और पिकासो का घनवाद इसका सबसे अच्छा उदाहरण है। रूप को नष्ट करके वह रचता है, उसके चित्र अनुपम हैं, उसने जो सृष्टि रची है वह अनुपम है।

एम्ब्रोज़ वोलार्ड, पिकासो का पोर्ट्रेट।

क्या चित्रों को समझना इतना आसान है जितना कि यह पहली नज़र में लगता है, और क्या ललित कला उन सभी के लिए सुलभ है जो कटलेट के साथ मक्खियों और मछली के साथ चित्रों में हस्तक्षेप करते हैं?

सिनेमा, रंगमंच और कला के अन्य रूपों के विपरीत, एक पेंटिंग समय पर मौजूद नहीं होती है, यानी जो हो रहा है उसे समझने के लिए हमें कार्रवाई का पालन करने की आवश्यकता नहीं है। कैनवास पर छवि स्थिर है। सीधे शब्दों में कहें तो चित्र हिलता नहीं है, हम केवल लेखक द्वारा रुके हुए क्षण को देखते हैं, जिसका हम पल-पल आकलन करते हैं, बिना विवरण में जाए।

फिल्म की छाप पाने के लिए, आपको इसे पूरे दो घंटे देखने की जरूरत है, और तस्वीर एक नज़र के योग्य है। दर्शकों का काफी बड़ा प्रतिशत सभी ललित कलाओं को इसी तरह से आंकता है।

क्या ऐसा नहीं है कि हम संग्रहालय के हॉल से कैसे गुजरते हैं? स्लाइड जैसी तस्वीरें हमारी आंखों के सामने झिलमिलाती हैं, एक फिल्म पट्टी में विलीन हो जाती हैं, और परिणामस्वरूप - दर्जनों छवियों का एक गड़बड़ जो हमें कल याद नहीं रहेगा।

आदर्श रूप से, संग्रहालय को हर बार एक तस्वीर के लिए जाना चाहिए, यह अपने आप में एक पूरी फिल्म है, एक नाट्य प्रदर्शन, यदि आप चाहें तो। वह इस लायक है कि आप उसे एक से अधिक क्षण समर्पित करें।

यदि हम ललित कला की शास्त्रीय समझ की बात करें तो चित्र में समय और क्रिया होती है, जिसका वह चित्रण करता है, उसका कथानक क्रमिक रूप से विकसित होता है।

चित्र, मैं दोहराता हूं, इसकी शास्त्रीय समझ में (हम अभी समकालीन कला के बारे में बात नहीं कर रहे हैं) में रचना और लेखक द्वारा निर्धारित आंदोलन का प्रवेश द्वार है। दर्शक न केवल कथानक पर विचार करता है, बल्कि छवि के साथ लेखक की मंशा के अनुसार चलता है।

तस्वीर में अतीत और भविष्य दोनों हैं, कलाकार ने जो पकड़ा है उसके आधार पर हम आसानी से इसकी कल्पना कर सकते हैं। बेशक, यह सब संभव हो जाएगा यदि हम दृश्य कला को समझने में सबसे आसान के रूप में व्यवहार करना बंद कर दें।

प्राचीन यूनानियों ने कलाकार के कौशल का अंदाजा इस बात से लगाया कि वह दर्शकों को चित्रित के यथार्थवाद से कैसे धोखा दे सकता है। लेखक प्लिनी द एल्डर (पहली शताब्दी ईस्वी) द्वारा बताई गई कहानी में, पक्षी चित्रित अंगूरों को असली के साथ भ्रमित करते हैं।

क्या हम आज ऐसी ही कहानी की प्रशंसा करने जा रहे हैं? बेशक, कोई उन लोगों में से होगा जो मछली को पेंटिंग के साथ भ्रमित करते हैं और कुछ कार्यों के बारे में निर्णय लेते हैं, लेकिन मुझे यकीन है कि सभी ऐसे नहीं हैं।

उदाहरण के लिए मुझे ले लो, दूर क्यों जाओ? मैं वास्तविक रूप से चित्रित अंगूरों से आश्वस्त नहीं हूं, मैं एक पक्षी नहीं हूं, यह मेरे लिए पर्याप्त नहीं है। इक्कीसवीं सदी में एक तस्वीर की फोटोग्राफिक गुणवत्ता की प्रशंसा करना, कम से कम, अजीब है।

मेरे लिए यह पर्याप्त नहीं है कि चित्रित किया गया कथानक मूल के समान है। मैं देखना चाहता हूं, और सबसे बढ़कर, यह महसूस करना चाहता हूं कि लेखक क्या अनुभव कर रहा था। मैं इस बात पर नज़र रखना चाहता हूं कि वह कैसे सोचता है, वह दर्शकों के साथ कैसे संवाद करता है, वह किन तकनीकों का उपयोग करता है, तकनीकी और रचनात्‍मक।

मेरी अपनी प्राथमिकताएँ भी हैं, क्योंकि मैं एक चित्रकार हूँ - यह रंग है, रंग है। यही मुझे मोहित करता है। मैं जोर देता हूं, यह रंग है, पेंट नहीं, क्योंकि बहुतों को कोई अंतर नहीं दिखता है। यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि पेंटिंग रंगों का खेल है, न कि रंगों से चित्रित एक विमान।

मैं अपने पसंदीदा कलाकारों के कामों की रंग-साँस लेने वाली सतह से चकित और प्रसन्न हूँ, मैं पेंटिंग की लपट और ताजगी को बुझाते हुए कैनवस पर बनावट को देखने में घंटों बिता सकता हूँ।

मैं आधुनिक चित्रकला में एक शुद्ध शैली देखता हूं, जो वैचारिक और दास अर्थों से मुक्त है। मेरे लिए, पेंटिंग स्वतंत्र है, और कभी-कभी केवल रंग ही मेरे लिए लेखक को समझने, महसूस करने, सहानुभूति रखने के लिए पर्याप्त होता है।

बेशक, मैं इस पर तुरंत नहीं आया, यह रचनात्मक खोज के वर्षों और लगातार अर्जित ज्ञान के कारण है। मैंने लिखा कि हम सब स्व-शिक्षित हैं, यह अन्यथा नहीं हो सकता। मेरे लिए यह कल्पना करना कठिन है कि किसी बिंदु पर प्रशिक्षण पूरा करना और यह कहना संभव है कि मेरे पास पर्याप्त ज्ञान है।

यह मेरे ज्ञान में है कि धोखा देने की अनिच्छा निहित है, मैं कलाकार से चित्रित कलाकार की पहचान की उम्मीद नहीं करता, उसका व्यक्तित्व, उसकी रचनात्मक भाषा, उसकी ईमानदारी मेरे लिए महत्वपूर्ण है। इन गुणों को किसी भी तकनीकी उपकरण द्वारा दोहराया नहीं जा सकता है। वे वही हैं जो तैयार दर्शकों के लिए अद्वितीय और दिलचस्प हैं, जो करीब हैं, सबसे पहले, ताजा समाधानों के लिए, और हैकने वाले क्लिच के लिए नहीं।

आइए हमारे द्वारा उठाए गए प्रश्न पर लौटते हैं - चित्र को कैसे समझें? सबसे पहली बात तो यह है कि रुकें, उसे सामान्य से थोड़ा अधिक समय दें।भावनात्मक रूप से पहली छाप का अनुभव करने के बाद, अपने आप से प्रश्न पूछें, लेखक ने अपने लिए कौन से कार्य निर्धारित किए और क्या उन्होंने उन्हें प्राप्त किया?

यदि चित्र कथात्मक, ऐतिहासिक, वैचारिक है, तो आपको सबटेक्स्ट पता होना चाहिए।

कथानक को समझने के अलावा, कलात्मक दृष्टि के सिद्धांत, उदाहरण के लिए, लेखक कैसे एक विमान पर एक स्थान का उपयोग करता है, आपके लिए बहुत उपयोगी होगा।

ज्ञान के साथ, आप दुनिया को एक अलग तरीके से देखेंगे, और जिन कार्यों को आप पहले जानते थे, वे आपके लिए फिर से खोजे जाएंगे।

संक्षेप में, मैं कहूंगा कि कला का एक काम एक दर्शक के बिना मौजूद नहीं है, एक तस्वीर को समझने का अर्थ है इसके निर्माण में लेखक के साथ मिलकर भाग लेना। बेशक, मैं यह नहीं कह रहा हूं कि आप अपने ब्रश उठाएं और सही करें या कुछ जोड़ें। नहीं, भाग लेने का अर्थ है लेखक द्वारा प्रस्तावित सहयोगी सरणी में सहायता स्वीकार करना, छवियों को पढ़ना, डिजाइन की एकता को देखना आदि।

तस्वीर के प्रति चौकस रहें। जल्दी में, आप मुख्य बात नहीं देख सकते हैं... भूख खाने से आती है, और ललित कला के लिए जुनून बढ़ता है क्योंकि आप नए क्षितिज खोलते हैं जहां गलतफहमी का कोहरा दीवार हुआ करता था।

मैं आप सभी की रचनात्मक सफलता की कामना करता हूं और आपको याद दिलाना चाहता हूं कि ब्लॉग पर ऊपरी दाएं कोने में एक सदस्यता फॉर्म है। मैं सदस्यता लेने की सलाह देता हूं, आप ब्लॉग अपडेट से अवगत होंगे।

दृश्य कला में पढ़ना और पुस्तक काफी लोकप्रिय विषय है। इन वर्षों में, इसने समाज में हो रहे परिवर्तनों को काफी ईमानदारी और स्पष्ट रूप से प्रतिबिंबित किया। जीवन बदल रहा था, मूल्यों का पुनर्मूल्यांकन हो रहा था, और साथ ही पुस्तक के प्रति व्यक्ति का दृष्टिकोण बदल गया। 100 से अधिक कार्यों की एक उदाहरण श्रृंखला का चयन करने के बाद, जैसा कि हमें लगता है, हमने एक पूरी तरह से पूरी तस्वीर बनाई है, जिसका नाम इस लेख के शीर्षक में है। कला में मनुष्य के साथी के रूप में पुस्तक की छवि कई शताब्दियों पहले दिखाई दी थी। यहाँ हम रेम्ब्रांट वैन रिजन की पेंटिंग का उल्लेख कर सकते हैं "द रीडिंग टाइटस" (सी। 1656-1657), जीन-ऑनर फ्रैगनार्ड "द रीडिंग गर्ल" (सी। 1769) का काम, लगभग सौ साल बाद बनाया गया, और इसी तरह पर। इस अवधि का अध्ययन बहुत दिलचस्प नहीं है: उस समय की पुस्तक काफी दुर्लभ थी, और बहुत कम लोगों के लिए उपलब्ध थी। लेकिन पिछले 100 वर्षों में समाज के गतिशील विकास ने किताबों और पढ़ने में व्यक्ति की रुचि के ऐसे दिलचस्प परिवर्तन किए हैं कि हमने इस विशेष अवधि पर ध्यान देने का फैसला किया है। 19वीं सदी के मध्य में रूस में, जिसकी आबादी काफी हद तक निरक्षर थी, किताब में लगभग विशेष रूप से उच्च समाज के लोग थे। निम्न वर्ग के प्रतिनिधियों में पढ़ने-लिखने की इच्छा बहुत अधिक थी। एन। सेलिवानोविच की पेंटिंग में, हम, जाहिरा तौर पर, एक अनपढ़ सैनिक देखते हैं, जिसे एक लड़का एक दिलचस्प किताब पढ़ता है। वासनेत्सोव के कैनवास में एक सड़क की किताबों की दुकान को दर्शाया गया है। उसके आस-पास भीड़भाड़ वाले खराब कपड़े पहने लोग मुद्रित सामग्री में वास्तविक रुचि दिखाते हैं, लेकिन केवल चित्रों को देखने के लिए मजबूर होते हैं। उसी समय, ऊपरी दुनिया के लोग पुस्तक को उच्चतम मूल्यों में से एक मानते थे। क्राम्स्कोय ने शाम के आकाश की पृष्ठभूमि के खिलाफ बगीचे में पढ़ते हुए अपनी पत्नी, सोफिया निकोलायेवना (सी। 1866) का एक चित्र चित्रित किया। दार्शनिक (आई.एन. क्राम्स्कोय द्वारा वी.एस. सोलोविएव का चित्र, 1885), वैज्ञानिक (आई.ई. रेपिन द्वारा डी.आई. मेंडेलीव का चित्र, 1885), लेखक (एल.एन. टॉल्स्टॉय रेपिन, 1891 का चित्र), कला कार्यकर्ता - एल.एन. १८९८ में, संगीतकार (एनए रिमस्की-कोर्साकोव का एक चित्र, १८९८ में वासेरोव द्वारा लिखित)। पुस्तक को परिवार में, घर पर और प्रकृति दोनों में पढ़ा जाता था। एक उदाहरण के रूप में, हम लियो टॉल्स्टॉय के पहले से ही उल्लिखित ओपन-एयर चित्र का हवाला दे सकते हैं, जो एक छायादार जंगल में एक किताब के साथ लेटा हुआ है। यूरोप से आए प्रभाववाद के प्रभाव ने कलाकारों के बीच खुली हवा में पढ़ने को चित्रित करने में रुचि पैदा की, जिससे रंगीन प्रकाश-वायु वातावरण को सबसे स्पष्ट रूप से व्यक्त करना संभव हो गया। इन कार्यों में के। कोरोविन "इन ए बोट" (1888), "पोर्ट्रेट ऑफ़ ए.या.सिमोनोविच" की रचनाएँ एक साल बाद वी.ए.सेरोव द्वारा बनाई गई हैं। प्रतीकवादियों ने भी अपने काम में पुस्तक को श्रद्धांजलि दी। सबसे महत्वपूर्ण उदाहरण कासोमोव द्वारा प्रसिद्ध "लेडी इन ब्लू" (1897-1900) है। 19वीं शताब्दी के अंत ने चित्र शैली में सबसे महत्वपूर्ण और महत्वपूर्ण परिवर्तन लाए, इसे प्लीइन एयर के साथ निकटता से जोड़ा। यदि पहले मॉडल बुकशेल्फ़ की पृष्ठभूमि के खिलाफ घर की कुर्सियों में बैठे कलाकार के लिए पोज़ देते थे, तो अब चित्र की कार्रवाई प्रकृति में स्थानांतरित कर दी गई है। अक्सर पुस्तक केवल उत्पादन की एक विशेषता थी - ए.या द्वारा एम.ई. ट्रॉयनोवा का चित्र। गोलोविन (1916)। कभी-कभी इसका मजाक उड़ाया जाता था - “पसंदीदा कवि। एलएस बकस्ट (1902) द्वारा एक खुला पत्र। लेकिन एक ही समय में, एमवी नेस्टरोव ने एक बिल्कुल आश्चर्यजनक रूप से सुंदर पेंटिंग "नताशा नेस्टरोवा ऑन ए गार्डन बेंच" (1914) चित्रित की। उन्नीसवीं शताब्दी के अंतिम तीसरे में, फ्रांसीसी प्रभाववादियों द्वारा बड़ी संख्या में सुंदर रचनाएँ बनाई गईं, जिनमें पुस्तक और पठन ने बहुत महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। इस तथ्य के बावजूद कि हमारा भ्रमण मुख्य रूप से रूस के लिए समर्पित है, विश्व चित्रकला में ऐसी हड़ताली घटना से गुजरना अनुचित होगा, जिसका रूस में कला के विकास पर निस्संदेह प्रभाव पड़ा। पारिवारिक जीवन के हिस्से के रूप में पुस्तक को पीओ रेनॉयर द्वारा उनके कार्यों की एक बड़ी संख्या में शामिल किया गया था। उनके चित्रों के पात्र नाश्ते में एक किताब पढ़ते हैं (बर्नवेल में नाश्ता), गर्लफ्रेंड (रीडिंग गर्ल्स), प्रेमी (एकांत), छोटे बच्चे (जेन और जेनेविव कीलीबॉट, चिल्ड्रेन एट वर्गेमॉन्ट) इसे पढ़ते हैं। एडौर्ड मानेट एक लड़की ("पढ़ना") को खुश करने के तरीके के रूप में एक किताब पढ़ने का उपयोग करता है, वह एक वकील ("एक वकील जूल्स डी जुय का पोर्ट्रेट"), एक कवि ("एक कवि स्टीफन मल्लार्म का पोर्ट्रेट") का साथी है। , ट्रेन ("रेलवे") की प्रतीक्षा करते हुए स्टेशन पर पुस्तक पढ़ी जाती है। हेनरी टूलूज़-लॉट्रेक और गुस्ताव केबॉट को बगीचे में पढ़ने का चित्रण करना पसंद था (क्रमशः देसीरी डियो, ऑरेंज ट्री)। लेकिन वापस रूस के लिए। इधर, क्रांति के बाद, पुस्तक पहले की तुलना में पूरी तरह से अलग भूमिका निभाने लगी। बेशक, जो लोग अपनी आत्मा में पुरानी परंपराओं के लगाव को बनाए रखते हैं, उनके लिए यह वही मूल्य बना रहा - बीएम कस्टोडीव द्वारा "केबी कस्टोडीव का पोर्ट्रेट" (1922), "विंटर ऑन द टेरेस" जीएस वेरिस्की (1922), "पोर्ट्रेट ऑफ माकुज़मिन" एनए रेडलोव (1925) द्वारा। उसी समय, बीवी जोहानसन (1928) द्वारा "द वर्कर्स फैकल्टी इज कमिंग" जैसी पेंटिंग दिखाई दीं। अधिकांश युवा लोगों ने क्रांति से पहले संचित सांस्कृतिक मूल्यों के महत्व को दृढ़ता से नकार दिया। देश ने स्वस्थ शरीर के पंथ, खेलों में बहुत रुचि ली है। उन वर्षों में सबसे लोकप्रिय कला शिक्षण संस्थान, VKHUTEMAS, मुख्य रूप से एक बढ़ते उद्योग के लिए प्रशिक्षण कर्मियों पर केंद्रित था, सबसे पहले, प्रौद्योगिकीविदों को शिक्षित करना, न कि निर्माता। यह आश्चर्य की बात नहीं है कि 1920 के दशक के चित्रों में किताबें लगभग कभी नहीं मिलीं। और केवल १९३० के दशक के मध्य तक, औपचारिकता के खिलाफ संघर्ष और एएचआरआर की जीत के समय, पुस्तक पेंटिंग में वापस आ गई। वीएन याकोवलेव ने यूएसएसआर के पीपुल्स आर्टिस्ट एमएम क्लिमोव (1935), II ग्रैबर - "केआई चुकोवस्की का पोर्ट्रेट" (1935) का एक चित्र चित्रित किया। 1940 के दशक के उत्तरार्ध में शुरू होकर, पुस्तक फिर से अपनी पूर्व स्थिति में आ गई। यह लेखक एल.एम. लियोनोव (कलाकार वी.जी. त्सिप्लाकोव, 1949), के.एस. स्टानिस्लाव्स्की (चित्रकार एन.पी. उल्यानोव, 1947) के हाथों में है, जो सोवियत किर्गिस्तान (कलाकार एस.ए. चुइकोव, 1948) की एक महान मूल्य की लड़की है। यह गर्मियों में बगीचे में पढ़ा जाता है (कलाकार एसपी बलज़ामोव, 1953), नदी के किनारे एक बेंच पर (कलाकार एआई लक्टोनोव, 1951-1954), यह कलाकार की बेटी एएम गेरासिमोवा (1951) और के हाथों में होता है। कलाकार की पत्नी ए.एन. समोखवालोवा (1957)। उसी समय, उद्देश्यों और तकनीकों की कुछ पुनरावृत्ति ध्यान आकर्षित करती है। 1960 के दशक में यह किताब आज भी लोकप्रिय है। यूरी पिमेनोव की पेंटिंग में पढ़ने वाली लड़की एक युवक का ध्यान आकर्षित करने में विफल नहीं हो सकती। तस्वीर को "द बिगिनिंग ऑफ लव" कहा जाता है। किताबें छात्रों द्वारा पढ़ी जाती हैं ("स्प्रिंग। स्टूडेंट्स" जी.के. शचरबकोव, 1966), प्रसिद्ध ग्राफिक कलाकार और शिक्षक वी.ए. फेवोर्स्की (डीडी ज़िलिंस्की द्वारा पेंटिंग, 1962)। घर पर एक किताब, छुट्टी पर और काम के बीच के अंतराल में साठ के दशक के कलाकारों के लिए एक मूल्य बना हुआ है, जिनमें से वीई पोपकोव बाहर खड़ा है - पेंटिंग "मदर एंड सन", 1970, "समर", 1968, "द ब्रिगेड है। रेस्टिंग", 1965। 1980 और 1990 के दशक में, पुस्तक धीरे-धीरे अपना आध्यात्मिक अर्थ खो देती है। वह फिर से एक परिचित विशेषता में बदल जाती है। और केवल 19वीं सदी के अंत और 20वीं सदी की शुरुआत में प्रकाशित हुई किताब ही ब्रश मास्टर्स को प्रेरित करती रही है। स्टिल लाइफ में एक पुरानी किताब को चित्रित करने के लिए यह एक अच्छी शैली बन रही है (एसएन एंड्रियाका द्वारा "द केरोसिन लैंप एंड ओल्ड बुक्स", आईएम चेवेरेवा द्वारा "द ओल्ड बुक")। IASoldatenkov "अंकल पेट्या" की पेंटिंग में जर्जर चमड़े के आवरण में एक किताब पिछले वर्षों की याद दिलाती है। एन। स्मिरनोव का ऐतिहासिक अभी भी जीवन (

कला के लगभग हर महत्वपूर्ण कार्य में एक रहस्य होता है, एक "डबल बॉटम" या एक गुप्त कहानी जिसे आप प्रकट करना चाहते हैं।

नितंबों पर संगीत

हिरेमोनस बॉश, द गार्डन ऑफ अर्थली डिलाइट्स, 1500-1510।

त्रिपिटक के एक भाग का टुकड़ा

डच कलाकार के सबसे प्रसिद्ध काम के अर्थ और छिपे हुए अर्थ के बारे में बहस अपनी स्थापना के बाद से कम नहीं हुई है। "म्यूजिकल हेल" नामक त्रिपिटक के दाहिने पंख पर पापियों को दर्शाया गया है, जिन्हें संगीत वाद्ययंत्रों की मदद से अंडरवर्ल्ड में प्रताड़ित किया जाता है। उनमें से एक के नितंबों पर नोट अंकित हैं। ओक्लाहोमा क्रिश्चियन यूनिवर्सिटी के छात्र अमेलिया हैमरिक, जिन्होंने पेंटिंग का अध्ययन किया, ने 16 वीं शताब्दी के अंकन को एक आधुनिक मोड़ में बदल दिया और "नरक से नरक से 500 साल पुराना गीत" रिकॉर्ड किया।

मोना लिसा नग्न

प्रसिद्ध "ला जिओकोंडा" दो संस्करणों में मौजूद है: नग्न संस्करण को "मोना वन्ना" कहा जाता है, इसे अल्पज्ञात कलाकार सलाई द्वारा चित्रित किया गया था, जो महान लियोनार्डो दा विंची के छात्र और मॉडल थे। कई कला समीक्षकों को यकीन है कि वह लियोनार्डो के चित्रों "जॉन द बैपटिस्ट" और "बैकस" के लिए मॉडल थे। ऐसे संस्करण भी हैं जो एक महिला की पोशाक पहने हुए हैं, सलाई ने खुद मोना लिसा की छवि के रूप में काम किया।

पुराना मछुआरा

1902 में, हंगेरियन कलाकार तिवादर कोस्तका चोंटवारी ने "द ओल्ड फिशरमैन" पेंटिंग बनाई। ऐसा लगता है कि तस्वीर में कुछ भी असामान्य नहीं है, लेकिन तिवादार ने इसमें एक ऐसा सबटेक्स्ट रखा है जो कलाकार के जीवन के दौरान कभी सामने नहीं आया।

कुछ लोगों के पास तस्वीर के बीच में दर्पण लगाने का विचार होता है। प्रत्येक व्यक्ति के पास भगवान (बूढ़े व्यक्ति के दाहिने कंधे की नकल) और शैतान (बूढ़े व्यक्ति के बाएं कंधे की नकल) दोनों हो सकते हैं।

क्या कोई व्हेल थी?

हेंड्रिक वैन एंटोनिसन "सीन ऑन द शोर"।

यह एक सामान्य परिदृश्य की तरह प्रतीत होगा। नावें, किनारे के लोग और सुनसान समुद्र। और केवल एक एक्स-रे अध्ययन से पता चला है कि लोग एक कारण के लिए किनारे पर एकत्र हुए थे - मूल में, उन्होंने एक व्हेल के शव को धोया था।

हालांकि, कलाकार ने फैसला किया कि कोई भी मृत व्हेल को नहीं देखना चाहेगा और तस्वीर को फिर से लिखना चाहेगा।

दो "नाश्ता घास पर"

एडौर्ड मानेट, घास पर नाश्ता, 1863।

क्लाउड मोनेट, घास पर नाश्ता, 1865।

कलाकार एडौर्ड मानेट और क्लाउड मोनेट कभी-कभी भ्रमित होते हैं - आखिरकार, वे दोनों फ्रांसीसी थे, एक ही समय में रहते थे और प्रभाववाद की शैली में काम करते थे। यहां तक ​​​​कि मानेट द्वारा सबसे प्रसिद्ध चित्रों में से एक का नाम "नाश्ता ऑन द ग्रास" मोनेट ने उधार लिया और अपना "नाश्ता ऑन द ग्रास" लिखा।

"द लास्ट सपर" पर डबल्स

लियोनार्डो दा विंची, द लास्ट सपर, 1495-1498।

जब लियोनार्डो दा विंची ने द लास्ट सपर लिखा, तो उन्होंने दो आंकड़ों पर जोर दिया: क्राइस्ट और जूडस। वह बहुत लंबे समय से उनके लिए मॉडल की तलाश में थे। अंत में, वह युवा गायकों के बीच मसीह की छवि के लिए एक मॉडल खोजने में कामयाब रहे। तीन साल तक जूडस लियोनार्डो के लिए एक मॉडल खोजना संभव नहीं था। लेकिन एक दिन उसे सड़क पर एक शराबी मिला जो नाले में पड़ा था। यह एक युवक था जो अनियंत्रित शराब के नशे में बूढ़ा हो गया था। लियोनार्डो ने उन्हें एक सराय में आमंत्रित किया, जहाँ उन्होंने तुरंत उनसे यहूदा लिखना शुरू किया। जब शराबी को होश आया, तो उसने कलाकार से कहा कि वह पहले ही उसके लिए एक बार पोज दे चुका है। कई साल पहले, जब उन्होंने चर्च गाना बजानेवालों में गाया था, लियोनार्डो ने उनसे क्राइस्ट लिखा था।

"नाइट वॉच" या "डे वॉच"?

रेम्ब्रांट, द नाइट वॉच, 1642।

रेम्ब्रांट द्वारा सबसे प्रसिद्ध चित्रों में से एक "कैप्टन फ्रैंस बैनिंग कोक और लेफ्टिनेंट विलेम वैन रुटेनबर्ग की राइफल कंपनी का प्रदर्शन" लगभग दो सौ वर्षों तक अलग-अलग कमरों में लटका रहा और कला समीक्षकों द्वारा केवल 19 वीं शताब्दी में खोजा गया था। चूंकि आंकड़े एक अंधेरे पृष्ठभूमि के खिलाफ दिखाई देते थे, इसलिए इसे "नाइट वॉच" कहा जाता था, और इस नाम के तहत यह विश्व कला के खजाने में प्रवेश कर गया।

और केवल 1947 में किए गए जीर्णोद्धार के दौरान, यह पता चला कि हॉल में पेंटिंग कालिख की एक परत से ढकने में कामयाब रही, जिसने इसके रंग को विकृत कर दिया। मूल पेंटिंग को साफ करने के बाद, अंत में यह पता चला कि रेम्ब्रांट द्वारा प्रस्तुत दृश्य वास्तव में दिन के दौरान होता है। कप्तान कोक के बाएं हाथ से छाया की स्थिति इंगित करती है कि कार्रवाई 14 घंटे से अधिक नहीं रहती है।

उलटी नाव

हेनरी मैटिस, द बोट, 1937।

1961 में न्यूयॉर्क म्यूज़ियम ऑफ़ मॉडर्न आर्ट ने हेनरी मैटिस "द बोट" की एक पेंटिंग प्रदर्शित की। 47 दिनों के बाद ही किसी ने नोटिस किया कि पेंटिंग उलटी लटकी हुई है। कैनवास में सफेद पृष्ठभूमि पर 10 बैंगनी रेखाएं और दो नीली पाल दर्शाए गए हैं। कलाकार ने दो पालों को एक कारण से चित्रित किया, दूसरी पाल पानी की सतह पर पहले का प्रतिबिंब है।
तस्वीर को कैसे लटका देना चाहिए, इसमें गलती न करने के लिए, आपको विवरणों पर ध्यान देने की आवश्यकता है। पेंटिंग के शीर्ष पर बड़ा पाल होना चाहिए, और पेंटिंग का शिखर ऊपरी दाएं कोने की ओर होना चाहिए।

सेल्फ-पोर्ट्रेट में धोखा

विन्सेंट वैन गॉग, सेल्फ-पोर्ट्रेट विथ ए पाइप, 1889।

ऐसी किंवदंतियाँ हैं कि वैन गॉग ने कथित तौर पर अपना कान काट लिया था। अब सबसे विश्वसनीय संस्करण यह है कि वैन गॉग का कान एक अन्य कलाकार - पॉल गाउगिन की भागीदारी के साथ एक छोटी सी हाथापाई में क्षतिग्रस्त हो गया था।

स्व-चित्र दिलचस्प है कि यह एक विकृत रूप में वास्तविकता को दर्शाता है: कलाकार को एक पट्टीदार दाहिने कान के साथ चित्रित किया गया है, क्योंकि उसने अपने काम के दौरान एक दर्पण का इस्तेमाल किया था। दरअसल, बायां कान प्रभावित हुआ था।

अजनबी भालू

इवान शिश्किन, "मॉर्निंग इन द पाइन फ़ॉरेस्ट", 1889।

प्रसिद्ध पेंटिंग केवल शिश्किन के ब्रश की नहीं है। कई कलाकार, जो एक-दूसरे के दोस्त थे, अक्सर "एक दोस्त की मदद" का सहारा लेते थे, और इवान इवानोविच, जिन्होंने अपने पूरे जीवन में परिदृश्यों को चित्रित किया, उन्हें डर था कि छूने वाले भालू उनकी जरूरत के मुताबिक नहीं निकलेंगे। इसलिए, शिश्किन ने परिचित पशु चित्रकार कोंस्टेंटिन सावित्स्की की ओर रुख किया।

सावित्स्की ने रूसी चित्रकला के इतिहास में कुछ सबसे अच्छे भालुओं को चित्रित किया, और ट्रीटीकोव ने अपना नाम कैनवास से धोने का आदेश दिया, क्योंकि चित्र में सब कुछ "अवधारणा से निष्पादन तक, सब कुछ पेंटिंग के तरीके के बारे में बोलता है, रचनात्मक तरीके के बारे में अजीबोगरीब शिश्किन।"

"गॉथिक" की मासूम कहानी

ग्रांट वुड, अमेरिकन गोथिक, 1930।

ग्रांट वुड के काम को अमेरिकी चित्रकला के इतिहास में सबसे अजीब और सबसे निराशाजनक में से एक माना जाता है। उदास पिता और पुत्री के साथ पेंटिंग उन विवरणों से परिपूर्ण है जो चित्रित लोगों की गंभीरता, शुद्धतावाद और प्रतिगामीता को दर्शाते हैं।
वास्तव में, कलाकार का इरादा किसी भी भयावहता को चित्रित करने का नहीं था: आयोवा की यात्रा के दौरान, उन्होंने गोथिक शैली में एक छोटे से घर पर ध्यान दिया और उन लोगों को चित्रित करने का फैसला किया, जो उनकी राय में, निवासियों के रूप में आदर्श रूप से फिट होंगे। ग्रांट की बहन और उनके दंत चिकित्सक को उन पात्रों के रूप में अमर कर दिया गया है जिन पर आयोवा के लोगों ने अपराध किया था।

साल्वाडोर डाली का बदला

पेंटिंग "फिगर एट द विंडो" को 1925 में चित्रित किया गया था, जब डाली 21 वर्ष की थी। तब गाला ने अभी तक कलाकार के जीवन में प्रवेश नहीं किया था, और उसकी बहन एना मारिया उसका संग्रह थी। भाई और बहन के बीच के रिश्ते में खटास तब आई जब उन्होंने एक पेंटिंग पर लिखा, "कभी-कभी मैं अपनी मां के चित्र पर थूकता हूं, और इससे मुझे खुशी मिलती है।" एना मारिया इस तरह के चौंकाने वाले को माफ नहीं कर सकीं।

1949 की अपनी पुस्तक, साल्वाडोर डाली थ्रू द आइज़ ऑफ़ ए सिस्टर में, वह बिना किसी प्रशंसा के अपने भाई के बारे में लिखती है। किताब ने अल सल्वाडोर को प्रभावित किया। उसके बाद और दस साल तक, उसने गुस्से में उसे हर मौके पर याद किया। और इसलिए, 1954 में, पेंटिंग "एक युवा कुंवारी, अपनी शुद्धता के सींगों की मदद से सदोम के पाप में लिप्त" दिखाई देती है। महिला की मुद्रा, उसके कर्ल, खिड़की के बाहर का परिदृश्य और चित्र की रंग योजना स्पष्ट रूप से "खिड़की पर चित्र" को प्रतिध्वनित करती है। एक संस्करण है कि डाली ने अपनी बहन से अपनी किताब के लिए इस तरह बदला लिया।

दो मुंह वाला दाना

रेम्ब्रांट हर्मेनज़ून वैन रिजन, डाने, 1636-1647।

रेम्ब्रांट द्वारा सबसे प्रसिद्ध चित्रों में से एक के कई रहस्य बीसवीं शताब्दी के 60 के दशक में ही सामने आए थे, जब कैनवास को एक्स-रे से रोशन किया गया था। उदाहरण के लिए, शूटिंग से पता चला कि एक प्रारंभिक संस्करण में राजकुमारी का चेहरा, जिसका ज़ीउस के साथ प्रेम संबंध था, चित्रकार की पत्नी सास्किया के चेहरे जैसा दिखता था, जिसकी मृत्यु 1642 में हुई थी। तस्वीर के अंतिम संस्करण में, यह रेम्ब्रांट की मालकिन गर्टियर डियरक्स के चेहरे जैसा दिखने लगा, जिसके साथ कलाकार अपनी पत्नी की मृत्यु के बाद रहता था।

वैन गॉग का पीला बेडरूम

विन्सेंट वैन गॉग, द बेडरूम एट आर्ल्स, १८८८ - १८८९।

मई 1888 में, वान गाग ने फ्रांस के दक्षिण में आर्ल्स में एक छोटी सी कार्यशाला का अधिग्रहण किया, जहां वे पेरिस के कलाकारों और आलोचकों से भाग गए जो उन्हें नहीं समझते थे। चार कमरों में से एक में, विन्सेंट एक शयनकक्ष स्थापित कर रहा है। अक्टूबर में, सब कुछ तैयार है, और वह "वान गाग के बेडरूम इन आर्ल्स" को पेंट करने का फैसला करता है। कलाकार के लिए, कमरे का रंग और आराम बहुत महत्वपूर्ण था: सब कुछ आराम के विचार का सुझाव देना था। वहीं, तस्वीर खतरनाक येलो टोन में कायम है।

वैन गॉग के काम के शोधकर्ता इसे इस तथ्य से समझाते हैं कि कलाकार ने मिर्गी के लिए एक उपाय फॉक्सग्लोव लिया, जो रोगी की रंग की धारणा में गंभीर बदलाव का कारण बनता है: पूरे आसपास की वास्तविकता हरे-पीले रंगों में चित्रित होती है।

टूथलेस पूर्णता

लियोनार्डो दा विंची, मैडम लिसा डेल जियोकोंडो का पोर्ट्रेट, 1503-1519।

आम तौर पर स्वीकृत राय यह है कि मोनालिसा पूर्णता है और उसकी मुस्कान इसके रहस्य में सुंदर है। हालांकि, अमेरिकी कला समीक्षक (और अंशकालिक दंत चिकित्सक) जोसेफ बोरकोव्स्की का मानना ​​​​है कि, उसके चेहरे पर अभिव्यक्ति को देखते हुए, नायिका ने बहुत सारे दांत खो दिए हैं। उत्कृष्ट कृति की बढ़ी हुई तस्वीरों की जांच करने पर, बोरकोव्स्की ने अपने मुंह के चारों ओर निशान भी पाए। विशेषज्ञ ने कहा, "उसके साथ जो हुआ उसके कारण वह बहुत सटीक रूप से मुस्कुराती है।" "उनकी अभिव्यक्ति उन लोगों के लिए विशिष्ट है जिन्होंने अपने सामने के दांत खो दिए हैं।"

चेहरे पर नियंत्रण पर प्रमुख

पावेल फेडोटोव, द मेजर्स मैचमेकिंग, 1848।

दर्शकों, जिन्होंने पहली बार पेंटिंग "द मेजर की मैचमेकिंग" देखी, दिल से हँसे: कलाकार फेडोटोव ने इसे उस समय के दर्शकों के लिए समझ में आने वाले विडंबनापूर्ण विवरणों से भर दिया। उदाहरण के लिए, प्रमुख स्पष्ट रूप से महान शिष्टाचार के नियमों से परिचित नहीं है: वह दुल्हन और उसकी मां के लिए आवश्यक गुलदस्ते के बिना दिखाई दिया। और उसके व्यापारी माता-पिता ने दुल्हन को शाम के बॉल गाउन में छुट्टी दे दी, हालांकि यह दिन था (कमरे में सभी दीपक बुझ गए थे)। लड़की ने पहली बार स्पष्ट रूप से लो-कट ड्रेस पर कोशिश की, वह शर्मिंदा है और अपने कमरे में भागने की कोशिश करती है।

आज़ादी नग्न क्यों है

फर्डिनेंड विक्टर यूजीन डेलाक्रोइक्स, लिबर्टी ऑन द बैरिकेड्स, 1830।

कला समीक्षक एटिने जूली के अनुसार, डेलाक्रोइक्स ने प्रसिद्ध पेरिस क्रांतिकारी - धोबी ऐनी-शार्लोट की एक महिला के चेहरे को चित्रित किया, जो शाही सैनिकों के हाथों अपने भाई की मृत्यु के बाद बैरिकेड्स पर आई थी और नौ गार्डों को मार डाला था। कलाकार ने उसे नंगे स्तनों के साथ चित्रित किया। उनके अनुसार, यह निडरता और निस्वार्थता का प्रतीक है, साथ ही लोकतंत्र की विजय: नग्न छाती से पता चलता है कि स्वतंत्रता, एक आम की तरह, एक कोर्सेट नहीं पहनती है।

गैर-वर्ग वर्ग

काज़िमिर मालेविच, "ब्लैक सुपरमैटिस्ट स्क्वायर", 1915।

वास्तव में, "ब्लैक स्क्वायर" बिल्कुल भी काला नहीं है और बिल्कुल भी वर्गाकार नहीं है: चतुर्भुज की कोई भी भुजा इसके किसी भी अन्य पक्ष के समानांतर नहीं है, और न ही चित्र को फ्रेम करने वाले वर्ग फ्रेम के किनारों में से एक है। और गहरा रंग विभिन्न रंगों के मिश्रण का परिणाम है, जिनमें से कोई काला नहीं था। यह माना जाता है कि यह लेखक की लापरवाही नहीं थी, बल्कि एक राजसी स्थिति थी, एक गतिशील, मोबाइल रूप बनाने की इच्छा।

ट्रेटीकोव गैलरी के विशेषज्ञों ने मालेविच द्वारा प्रसिद्ध पेंटिंग पर लेखक के शिलालेख की खोज की। शिलालेख पढ़ता है: "अंधेरे गुफा में नीग्रो की लड़ाई।" यह वाक्यांश फ्रांसीसी पत्रकार, लेखक और कलाकार अल्फोंस एलायस की "बैटल ऑफ़ द नेग्रोज़ इन ए डार्क केव इन द डीप ऑफ़ नाइट" की चंचल तस्वीर के शीर्षक को संदर्भित करता है, जो पूरी तरह से काला आयत था।

ऑस्ट्रियाई मोनालिसा का मेलोड्रामा

गुस्ताव क्लिम्ट, "पोर्ट्रेट ऑफ़ एडेल बलोच-बाउर", 1907।

क्लिम्ट के सबसे महत्वपूर्ण चित्रों में से एक ऑस्ट्रियाई चीनी मैग्नेट फर्डिनैड बलोच-बाउर की पत्नी को दर्शाता है। सभी वियना एडेल और प्रसिद्ध कलाकार के बीच अशांत रोमांस पर चर्चा कर रहे थे। घायल पति अपने प्रेमियों से बदला लेना चाहता था, लेकिन उसने एक बहुत ही असामान्य तरीका चुना: उसने क्लिंट को एडेल के चित्र का आदेश देने का फैसला किया और उसे सैकड़ों रेखाचित्र बनाने के लिए मजबूर किया जब तक कि कलाकार उससे दूर नहीं हो जाता।

बलोच-बाउर चाहते थे कि काम कई वर्षों तक चले, और मॉडल देख सकता था कि क्लिंट की भावनाएँ कैसे फीकी पड़ जाती हैं। उसने कलाकार को एक उदार प्रस्ताव दिया, जिसे वह मना नहीं कर सका, और सब कुछ एक धोखेबाज पति के परिदृश्य के अनुसार निकला: 4 साल में काम पूरा हो गया, प्रेमी लंबे समय तक एक-दूसरे को ठंडा करते रहे। एडेल बलोच-बाउर को कभी पता नहीं चला कि उनके पति को क्लिंट के साथ उनके संबंधों के बारे में पता था।

वह पेंटिंग जिसने गौगिन को वापस जीवन में लाया

पॉल गाउगिन, हम कहाँ से आते हैं? हम कौन हैं? हम कहाँ जा रहे हैं?, १८९७-१८९८।

गाउगिन की सबसे प्रसिद्ध पेंटिंग में एक विशेषता है: यह "पढ़ा" है, बाएं से दाएं नहीं, बल्कि दाएं से बाएं, जैसे कबालीवादी ग्रंथ जिसमें कलाकार की रुचि थी। यह इस क्रम में है कि किसी व्यक्ति के आध्यात्मिक और भौतिक जीवन का रूपक सामने आता है: आत्मा के जन्म से (निचले दाएं कोने में एक सोता हुआ बच्चा) मृत्यु के घंटे की अनिवार्यता (पंजे में छिपकली वाला पक्षी) निचले बाएँ कोने में)।

पेंटिंग को गौगिन द्वारा ताहिती में चित्रित किया गया था, जहां कलाकार कई बार सभ्यता से भाग गया था। लेकिन इस बार द्वीप पर जीवन नहीं चल पाया: कुल गरीबी ने उन्हें अवसाद में डाल दिया। कैनवास समाप्त करने के बाद, जो उनका आध्यात्मिक वसीयतनामा बनना था, गौगुइन ने आर्सेनिक का एक डिब्बा लिया और मरने के लिए पहाड़ों पर चले गए। हालांकि, उन्होंने खुराक का गलत अनुमान लगाया और आत्महत्या विफल रही। अगली सुबह, हिलते-डुलते, वह अपनी कुटिया में भटक गया और सो गया, और जब वह उठा, तो उसे जीवन की भूली हुई प्यास महसूस हुई। और १८९८ में उनके मामलों में वृद्धि हुई, और उनके काम में एक उज्जवल अवधि शुरू हुई।

एक तस्वीर में 112 नीतिवचन

पीटर ब्रूगल द एल्डर, डच नीतिवचन, 1559

पीटर ब्रूगल सीनियर ने उन दिनों की डच कहावतों की शाब्दिक छवियों द्वारा बसाई गई भूमि को चित्रित किया। पेंटिंग में लगभग 112 पहचानने योग्य मुहावरे हैं। उनमें से कुछ का उपयोग आज तक किया जाता है, जैसे: "ज्वार के खिलाफ तैरना", "दीवार के खिलाफ अपना सिर पीटना", "दांतों से लैस" और "एक बड़ी मछली एक छोटी को खाती है।"

अन्य कहावतें मानवीय मूर्खता को दर्शाती हैं।

कला की विषयवस्तु

पॉल गाउगिन, ब्रेटन विलेज इन द स्नो, १८९४

गाउगिन की पेंटिंग "ब्रेटन विलेज इन द स्नो" लेखक की मृत्यु के बाद केवल सात फ़्रैंक और इसके अलावा, "नियाग्रा फॉल्स" नाम से बेची गई थी। नीलामी करने वाले व्यक्ति ने उसमें झरना देखकर गलती से पेंटिंग को उल्टा लटका दिया।

छिपी हुई तस्वीर

पाब्लो पिकासो, द ब्लू रूम, 1901

2008 में, इन्फ्रारेड लाइट ने दिखाया कि ब्लू रूम के नीचे एक और छवि छिपी हुई थी - एक आदमी का एक चित्र जो एक धनुष टाई के साथ सूट पहने और उसके हाथ पर अपना सिर टिका रहा था। “जैसे ही पिकासो के पास एक नया विचार आया, उन्होंने एक ब्रश लिया और उसे मूर्त रूप दिया। लेकिन उन्हें हर बार एक नया कैनवास खरीदने का अवसर नहीं मिला, जब उनका संग्रह उनसे मिलने आया, ”कला समीक्षक पेट्रीसिया फेवरो इसके लिए संभावित कारण बताते हैं।

दुर्गम मोरक्को

जिनेदा सेरेब्रीकोवा, "नग्न", 1928

एक बार जिनेदा सेरेब्रीकोवा को एक आकर्षक प्रस्ताव मिला - प्राच्य युवतियों की नग्न आकृतियों को चित्रित करने के लिए एक रचनात्मक यात्रा पर जाने के लिए। लेकिन यह पता चला कि उन जगहों पर मॉडल ढूंढना असंभव था। जिनेदा का अनुवादक बचाव में आया - वह अपनी बहनों और दुल्हन को उसके पास ले आया। उसके पहले और बाद में कोई भी बंद प्राच्य महिलाओं को नग्न पकड़ने में कामयाब नहीं हुआ।

सहज अंतर्दृष्टि

वैलेन्टिन सेरोव, "जैकेट में निकोलस II का पोर्ट्रेट", 1900

लंबे समय तक सेरोव राजा के चित्र को चित्रित नहीं कर सका। जब कलाकार ने पूरी तरह से हार मान ली, तो उसने निकोलाई से माफी मांगी। निकोलाई थोड़ा परेशान हो गया, मेज पर बैठ गया, उसके सामने अपनी बाहें फैला दी ... और फिर कलाकार उठा - यहाँ वह एक छवि है! एक अधिकारी की जैकेट में स्पष्ट और उदास आँखों वाला एक साधारण सैन्य आदमी। इस चित्र को अंतिम सम्राट का बेहतरीन चित्रण माना जाता है।

ड्यूस फिर से

© फेडर रेशेतनिकोव

प्रसिद्ध पेंटिंग "ड्यूस अगेन" कलात्मक त्रयी का सिर्फ दूसरा भाग है।

पहला भाग "अवकाश के लिए आगमन" है। एक स्पष्ट रूप से धनी परिवार, सर्दियों की छुट्टियां, एक हर्षित उत्कृष्ट छात्र।

दूसरा भाग "ड्यूस अगेन" है। एक कामकाजी वर्ग के उपनगर से एक गरीब परिवार, स्कूल वर्ष की ऊंचाई, एक सुस्त, स्तब्ध, फिर से एक ड्यूस को पकड़ लिया। ऊपरी बाएँ कोने में आप "अवकाश के लिए आगमन" चित्र देख सकते हैं।

तीसरा भाग "पुनः परीक्षा" है। एक देश का घर, गर्मी, हर कोई चल रहा है, एक दुर्भावनापूर्ण अज्ञानी, जो वार्षिक परीक्षा में फेल हो गया है, चार दीवारों के भीतर बैठने और रटने को मजबूर है। ऊपरी बाएं कोने में आप "ड्यूस अगेन" पेंटिंग देख सकते हैं।

मास्टरपीस कैसे पैदा होते हैं

जोसेफ टर्नर, रेन, स्टीम एंड स्पीड, १८४४

1842 में श्रीमती साइमन इंग्लैंड में ट्रेन से यात्रा कर रही थीं। अचानक तेज बारिश शुरू हो गई। उसके सामने बैठे बुजुर्ग सज्जन उठे, खिड़की खोली, अपना सिर बाहर निकाला और दस मिनट तक ऐसे ही घूरते रहे। अपनी जिज्ञासा को शांत करने में असमर्थ महिला ने भी खिड़की खोली और आगे देखने लगी। एक साल बाद, उसने रॉयल एकेडमी ऑफ आर्ट्स में एक प्रदर्शनी में पेंटिंग "रेन, स्टीम एंड स्पीड" की खोज की और ट्रेन में उसी एपिसोड को पहचानने में सक्षम थी।

माइकल एंजेलो से एनाटॉमी सबक

माइकल एंजेलो, द क्रिएशन ऑफ एडम, 1511

कुछ अमेरिकी न्यूरोएनाटॉमी विशेषज्ञों का मानना ​​​​है कि माइकल एंजेलो ने वास्तव में अपने सबसे प्रसिद्ध कार्यों में से एक में कुछ शारीरिक चित्र छोड़े हैं। उनका मानना ​​है कि तस्वीर के दायीं तरफ बहुत बड़ा दिमाग है। हैरानी की बात है कि सेरिबैलम, ऑप्टिक नसों और पिट्यूटरी ग्रंथि जैसे जटिल घटक भी पाए जा सकते हैं। और आंख को पकड़ने वाला हरा रिबन कशेरुका धमनी के स्थान से पूरी तरह मेल खाता है।

वान गाग द्वारा द लास्ट सपर

विन्सेंट वैन गॉग, रात में कैफे टेरेस, 1888

शोधकर्ता जेरेड बैक्सटर का मानना ​​​​है कि लियोनार्डो दा विंची द्वारा अंतिम भोज के लिए समर्पण वैन गॉग की पेंटिंग टेरेस एट नाइट इन ए कैफे पर एन्क्रिप्ट किया गया है। तस्वीर के केंद्र में लंबे बालों वाला एक वेटर और एक सफेद अंगरखा है जो मसीह के कपड़े जैसा दिखता है, और उसके चारों ओर ठीक 12 कैफे आगंतुक हैं। इसके अलावा, बैक्सटर सफेद रंग में वेटर की पीठ के ठीक पीछे स्थित क्रॉस की ओर ध्यान आकर्षित करता है।

डाली की स्मृति की छवि

साल्वाडोर डाली, स्मृति की दृढ़ता, 1931

यह कोई रहस्य नहीं है कि अपनी उत्कृष्ट कृतियों के निर्माण के दौरान डाली के पास आने वाले विचार हमेशा बहुत यथार्थवादी छवियों के रूप में थे, जिन्हें कलाकार ने तब कैनवास पर स्थानांतरित कर दिया था। इसलिए, लेखक के अनुसार, पेंटिंग "द पर्सिस्टेंस ऑफ मेमोरी" को उन संघों के परिणामस्वरूप चित्रित किया गया था जो संसाधित पनीर की दृष्टि से उत्पन्न हुए थे।

चबाना किस बारे में चिल्लाता है

एडवर्ड मंच, द स्क्रीम, 1893।

मुंच ने विश्व चित्रकला में सबसे रहस्यमय चित्रों में से एक के अपने विचार के बारे में बात की: "मैं दो दोस्तों के साथ रास्ते पर चल रहा था - सूरज डूब रहा था - अचानक आकाश रक्त-लाल हो गया, मैं रुक गया, थका हुआ महसूस कर रहा था, और झुक गया बाड़ के खिलाफ - मैंने नीले-काले fjord और शहर के ऊपर खून और आग की लपटों को देखा - मेरे दोस्त चले गए, और मैं उत्तेजना से कांपता हुआ खड़ा हो गया, एक अंतहीन रोना भेदी प्रकृति को महसूस कर रहा था। " लेकिन किस तरह का सूर्यास्त कलाकार को इतना डरा सकता है?

एक संस्करण है कि "चीख" का विचार 1883 में मंच में पैदा हुआ था, जब क्राकाटोआ ज्वालामुखी के कई शक्तिशाली विस्फोट हुए - इतने शक्तिशाली कि उन्होंने पृथ्वी के वायुमंडल के तापमान को एक डिग्री से बदल दिया। धूल और राख की एक प्रचुर मात्रा दुनिया भर में फैल गई, यहां तक ​​कि नॉर्वे तक भी पहुंच गई। लगातार कई शामों के लिए, सूर्यास्त ऐसा लग रहा था जैसे सर्वनाश आने वाला है - उनमें से एक कलाकार के लिए प्रेरणा का स्रोत बन गया।

लोगों के बीच लेखक

अलेक्जेंडर इवानोव, "द अपीयरेंस ऑफ क्राइस्ट टू द पीपल", 1837-1857।

दर्जनों सिटर्स ने अलेक्जेंडर इवानोव को उनकी मुख्य तस्वीर के लिए पोज दिया। उनमें से एक खुद कलाकार से कम नहीं जाना जाता है। पृष्ठभूमि में, यात्रियों और रोमन घुड़सवारों के बीच, जिन्होंने अभी तक जॉन द बैपटिस्ट का उपदेश नहीं सुना है, आप कोर्चिन अंगरखा में एक चरित्र देख सकते हैं। इवानोव ने इसे निकोलाई गोगोल से लिखा था। लेखक ने विशेष रूप से धार्मिक मुद्दों पर इटली में कलाकार के साथ निकटता से संवाद किया, और उसे पेंटिंग की प्रक्रिया में सलाह दी। गोगोल का मानना ​​​​था कि इवानोव "लंबे समय से अपने काम को छोड़कर पूरी दुनिया के लिए मर चुका है।"

माइकल एंजेलो का गठिया

राफेल सैंटी, एथेंस का स्कूल, 1511।

प्रसिद्ध फ्रेस्को "द स्कूल ऑफ एथेंस" का निर्माण करते हुए, राफेल ने अपने दोस्तों और परिचितों को प्राचीन यूनानी दार्शनिकों की छवियों में अमर कर दिया। उनमें से एक माइकल एंजेलो बुओनारोटी "हेराक्लिटस" की भूमिका में थे। कई शताब्दियों तक, भित्तिचित्रों ने माइकल एंजेलो के निजी जीवन के रहस्यों को रखा, और आधुनिक शोधकर्ताओं ने सुझाव दिया है कि कलाकार का अजीब कोणीय घुटना संयुक्त रोग की उपस्थिति को इंगित करता है।

यह संभवतः पुनर्जागरण कलाकारों की जीवन शैली और काम करने की स्थिति और माइकल एंजेलो की पुरानी कार्यशैली को देखते हुए दिया गया है।

अर्नोल्फिनी का दर्पण

जान वैन आइक, "अर्नोल्फिनी युगल का पोर्ट्रेट", 1434

अर्नोल्फिनी जोड़े के पीछे के दर्पण में, आप कमरे में दो और लोगों का प्रतिबिंब देख सकते हैं। सबसे अधिक संभावना है, ये अनुबंध के समापन पर मौजूद गवाह हैं। उनमें से एक वैन आइक है, जैसा कि लैटिन शिलालेख से प्रमाणित है, परंपरा के विपरीत, रचना के केंद्र में दर्पण के ऊपर रखा गया है: "जान वैन आइक यहां था।" इस तरह ठेके आमतौर पर सील किए जाते थे।

कमी कैसे प्रतिभा में बदल गई

रेम्ब्रांट हर्मेंसज़ून वैन रिजन, 63 साल की उम्र में सेल्फ-पोर्ट्रेट, 1669।

शोधकर्ता मार्गरेट लिविंगस्टन ने रेम्ब्रांट के सभी स्व-चित्रों का अध्ययन किया और पाया कि कलाकार भेंगापन से पीड़ित था: छवियों में उसकी आँखें अलग-अलग दिशाओं में दिखती हैं, जो मास्टर द्वारा अन्य लोगों के चित्रों में नहीं देखी जाती है। इस बीमारी ने इस तथ्य को जन्म दिया कि कलाकार सामान्य दृष्टि वाले लोगों की तुलना में दो आयामों में वास्तविकता को बेहतर ढंग से समझने में सक्षम था। इस घटना को "स्टीरियो ब्लाइंडनेस" कहा जाता है - दुनिया को 3 डी में देखने में असमर्थता। लेकिन चूंकि चित्रकार को द्वि-आयामी छवि के साथ काम करना होता है, रेम्ब्रांट की यह बहुत ही कमी उनकी असाधारण प्रतिभा के स्पष्टीकरण में से एक हो सकती है।

पापरहित शुक्र

सैंड्रो बॉटलिकली, द बर्थ ऑफ वीनस, 1482-1486।

"द बर्थ ऑफ वीनस" की उपस्थिति से पहले, पेंटिंग में एक नग्न महिला शरीर की छवि केवल मूल पाप के विचार का प्रतीक थी। सैंड्रो बॉटलिकली पहले यूरोपीय चित्रकार थे जिन्होंने उनमें कुछ भी पापपूर्ण नहीं पाया। इसके अलावा, कला समीक्षकों को यकीन है कि प्रेम की मूर्तिपूजक देवी फ्रेस्को पर एक ईसाई छवि का प्रतीक है: उसकी उपस्थिति एक आत्मा के पुनर्जन्म का एक रूपक है जो बपतिस्मा के संस्कार से गुजरा है।

ल्यूट प्लेयर या ल्यूट प्लेयर?

माइकल एंजेलो मेरिसी दा कारवागियो, द ल्यूट प्लेयर, 1596।

लंबे समय तक, पेंटिंग को "द ल्यूट प्लेयर" शीर्षक के तहत हर्मिटेज में प्रदर्शित किया गया था। केवल बीसवीं शताब्दी की शुरुआत में, कला समीक्षकों ने सहमति व्यक्त की कि कैनवास अभी भी एक युवक को दर्शाता है (शायद, उसके परिचित कलाकार मारियो मिनिति ने कारवागियो के लिए पोज़ दिया): संगीतकार के सामने नोट्स पर, आप बास की रिकॉर्डिंग देख सकते हैं मैड्रिगल जैकब आर्कडेल्ट का हिस्सा "आप जानते हैं कि मैं आपसे प्यार करता हूँ" ... एक महिला शायद ही ऐसा चुनाव कर सकती है - यह उसके गले के लिए मुश्किल है। इसके अलावा, ल्यूट, चित्र के बिल्कुल किनारे पर वायलिन की तरह, कारवागियो के युग में एक पुरुष वाद्य यंत्र माना जाता था।